La relación entre Extremadura e Hispanoamérica forma parte de la identidad de la región mucho más allá de las expediciones, los conquistadores y los episodios recogidos en los libros de historia. Pervive en la lengua, las costumbres, el patrimonio, la gastronomía y en numerosas formas de entender y habitar el mundo. Se trata de una herencia compleja, forjada durante siglos de intercambios humanos, culturales y económicos, que hoy invita a revisitar el legado de la conquista y la colonización desde una mirada más amplia. Un vínculo histórico que sigue proyectándose sobre el presente y abre nuevas oportunidades de diálogo y cooperación.

Bajo el lema 'Extremadura y América. Lo que nos une', esta plataforma nace para reforzar lazos a partir del concepto de mestizaje. Lejos de una mirada nostálgica al pasado, propone un enfoque transversal que abarca la cultura, la educación, la investigación, la gastronomía y la atracción de talento. Sobre esa base se articula Extremestiza, una estrategia impulsada por la Junta de Extremadura a través de la Fundación Extremeña de la Cultura que busca convertir ese patrimonio compartido en una herramienta de futuro.

La iniciativa parte de una idea central: la historia común puede transformarse en una oportunidad de desarrollo. Para ello, promueve el encuentro entre profesionales, empresas, universidades, instituciones y agentes culturales, impulsando nuevas redes de colaboración y proyectos compartidos.

Como explica Carmen Sánchez-Risco, directora de la Fundación Extremeña de la Cultura y de Extremestiza, el objetivo es dar continuidad a esa relación histórica mediante iniciativas capaces de conectar el talento, el conocimiento y las capacidades existentes a ambos lados del Atlántico. El propio nombre de la estrategia resume esa filosofía: una realidad construida a partir de encuentros, influencias e intercambios que han dejado huella en las culturas de ambos territorios y que hoy aspira a convertirse en motor de nuevas oportunidades.

Una historia compartida que abre nuevas posibilidades

La cultura constituye uno de los principales ejes de Extremestiza. El análisis de las relaciones históricas entre Extremadura e Hispanoamérica permite identificar influencias compartidas en ámbitos como la lengua, la artesanía, la gastronomía, la música o las tradiciones populares. Un patrimonio común que no solo ofrece nuevas perspectivas para la investigación y la divulgación, sino que también abre oportunidades para la creación cultural y el intercambio de experiencias.

En este contexto, las publicaciones especializadas, los programas educativos y las iniciativas universitarias contribuyen a acercar ese legado a las nuevas generaciones y a fomentar espacios de encuentro entre investigadores, estudiantes y profesionales. El objetivo es conectar la memoria compartida con los retos contemporáneos y convertir el conocimiento en una herramienta de desarrollo.

Esta filosofía se extiende a los distintos ámbitos de trabajo de Extremestiza, que abarcan la educación, la investigación americanista, el emprendimiento, el talento compartido, la artesanía, la gastronomía, el patrimonio, el liderazgo femenino, la música, el arte y los corredores histórico-culturales. Un planteamiento que busca vincular la riqueza cultural con nuevas oportunidades sociales, económicas y de cooperación.

Esta mirada transversal permite abordar los vínculos entre Extremadura e Hispanoamérica desde perspectivas complementarias. La conservación del patrimonio y la difusión de las tradiciones conviven con iniciativas orientadas a impulsar el talento, favorecer el intercambio de experiencias y crear oportunidades para profesionales y emprendedores.

La educación y la conexión entre personas e instituciones ocupan un lugar destacado en Extremestiza. La iniciativa apuesta por reforzar los vínculos entre universidades, empresas y profesionales como vía para impulsar nuevas ideas, favorecer el intercambio de experiencias y generar proyectos compartidos.

En este contexto se enmarca el Primer Mapa de Talento Iberoamericano, una herramienta creada para identificar y visibilizar el potencial de las personas vinculadas a Hispanoamérica que viven y trabajan en Extremadura. Su objetivo es elaborar una radiografía de sus perfiles y trayectorias y ponerlos en relación con las necesidades del tejido productivo regional. De este modo, la iniciativa pretende poner en contacto perfiles complementarios, favorecer la innovación y aprovechar la diversidad de experiencias como un activo estratégico para el desarrollo regional.

El patrimonio, por su parte, tiene también un papel fundamental, ya que constituye un activo cultural y social con capacidad para impulsar iniciativas educativas, creativas y económicas. Su conservación y difusión pueden favorecer nuevas formas de colaboración y contribuir a que los vínculos históricos sigan teniendo relevancia para las generaciones actuales y futuras.

Una red de alianzas a ambos lados del Atlántico

La proyección internacional de Extremestiza se materializa también en el fortalecimiento de los vínculos con países como Perú, México, Colombia, Chile, Ecuador y Bolivia. La relación con estos territorios permite impulsar espacios de colaboración entre instituciones, universidades, empresas y profesionales en ámbitos como la cultura, la educación, la investigación o el emprendimiento.

El objetivo es impulsar iniciativas estables en los ámbitos cultural, educativo y económico que permitan consolidar espacios de trabajo comunes. Sobre esa base, Extremestiza aspira a consolidar una red de cooperación capaz de transformar la historia común en nuevas oportunidades de desarrollo para Extremadura e Hispanoamérica.

Un puente entre pasado y futuro

Extremestiza propone una forma de entender la relación entre Extremadura e Hispanoamérica desde el reconocimiento de una historia compartida y la voluntad de construir nuevas oportunidades. La cultura, la educación, el patrimonio, la innovación y el emprendimiento se convierten así en herramientas para impulsar proyectos, fortalecer la cooperación y generar valor a ambos lados.

Más que una revisión del pasado, Extremestiza plantea una pregunta sobre el futuro: qué pueden construir juntos hoy dos territorios unidos por siglos de intercambios. La iniciativa propone responder desde la cultura, el conocimiento y la colaboración, convirtiendo el mestizaje en una herramienta para generar nuevas oportunidades y afrontar desafíos comunes.

La historia del arte y de cualquier disciplina artística también está hecha de ausencias. De nombres que, pese a haber construido una obra propia, sólida y reconocida en su tiempo, fueron desdibujándose entre los pliegues de la memoria colectiva. De creadoras que acabaron habitando los márgenes de los relatos oficiales mientras otros ocupaban el centro del escenario. Entre ellas se encuentra Magdalena Leroux, conocida también como Madeleine Leroux, una pintora nacida en París que desarrolló buena parte de su trayectoria en España y cuya obra forma parte de uno de los legados artísticos más valiosos conservados en Extremadura.

Durante décadas, su nombre ha permanecido ligado al de su marido, el escultor Enrique Pérez Comendador, uno de los artistas extremeños más reconocidos del siglo XX. Sin embargo, detrás de esa asociación existe una creadora de personalidad propia, formada en una de las instituciones artísticas más prestigiosas de Francia, premiada desde joven y poseedora de una sensibilidad singular para la luz y el color. Precisamente para devolverle ese protagonismo surge el trabajo de investigación que acaba de publicar la editorial cacereña La Experiencia Libros.

Su autor, Pedro Emilio López Calvelo, investigador nacido en Hervás y profundo conocedor de la historia y el patrimonio de la localidad, plantea una reivindicación tan sencilla como necesaria: mirar a Magdalena Leroux por sí misma. El volumen nace con la voluntad de acercar su figura a nuevos lectores, despertar el interés por su obra y contribuir a que su nombre recupere el espacio que merece dentro de la historia del arte extremeño y español. El diseño y la dirección creativa son de Pablo Pámpano y de Ana Belén Morillo Aceñero.

“Resituar a Magdalena en el plano que le corresponde como creadora es un acto de justicia artística”, sostiene López Calvelo. El investigador considera que se trata de una magnífica pintora, española de adopción y extremeña de corazón, cuya relevancia continúa siendo poco conocida tanto dentro como fuera de la región, más allá de quienes han tenido ocasión de contemplar sus cuadros en el Museo Pérez Comendador-Leroux de Hervás.

A su juicio, Leroux reunía cualidades extraordinarias. Poseía una formación artística excepcional, una técnica rigurosa y una capacidad especialmente destacada para capturar los matices de la luz y encontrar siempre el color exacto que requería cada escena. Su producción atravesó géneros, paisajes, retratos y temáticas diversas, dejando tras de sí una obra rica y variada que permite descubrir a una artista mucho más compleja de lo que su discreta presencia en los relatos históricos ha hecho pensar durante años.

De la formación parisina a la pintura española

La historia artística de Magdalena Leroux comienza en París, una de las grandes capitales culturales de la Europa de comienzos del siglo XX. Fue allí donde recibió una formación exigente y refinada en la Academia de Bellas Artes, aprendiendo los fundamentos del dibujo, la composición y las distintas técnicas pictóricas en un entorno profundamente marcado por la efervescencia creativa de la época.

Aquellos años fueron decisivos. Mientras consolidaba una sólida base académica, la joven artista tuvo ocasión de conocer algunas de las corrientes renovadoras que estaban transformando el arte europeo. Aunque siempre mantuvo una fuerte vocación figurativa y un lenguaje próximo al academicismo, las inquietudes de las vanguardias dejaron una huella que continuaría aflorando en distintos momentos de su trayectoria.

Su talento no tardó en ser reconocido. Antes incluso de instalarse definitivamente en España, Magdalena Leroux había obtenido diversos premios y distinciones en Francia, donde su trabajo gozó de una valoración notable en los círculos artísticos de la época.

Pero su evolución creativa no puede entenderse únicamente desde París. Una parte fundamental de su personalidad artística se forjó durante el encuentro con la tradición pictórica española. En 1929 llegó a España como becaria pensionada en la Casa de Velázquez, institución destinada a completar la formación de artistas franceses distinguidos por su excelencia.

Aquella estancia resultó determinante. Leroux pudo contemplar directamente las obras de los grandes maestros españoles que tanto había admirado desde joven y entrar en contacto con una tradición artística que terminaría influyendo profundamente en su pintura.

“Ella siempre reconoció su admiración y el deseo de conocer la obra de grandes maestros españoles”, explica López Calvelo. Entre esos referentes figuraban nombres esenciales como Zurbarán, Velázquez y Goya, cuya huella puede rastrearse en su forma de entender la composición, la atmósfera y la construcción de las escenas.

Sin embargo, la influencia española no llegó únicamente a través de los museos. Los numerosos viajes que realizó por el país, la intensidad de las experiencias vividas y, posteriormente, su matrimonio con Enrique Pérez Comendador contribuyeron a una transformación gradual de su mirada artística. Según explica el investigador, su pintura fue incorporando nuevos matices y terminó “españolizándose” progresivamente, enriquecida por una mayor variedad cromática y una atención cada vez más intensa a los efectos de la luz.

La trayectoria de Leroux refleja, así, el recorrido de una artista que supo construir un lenguaje propio mediante el diálogo entre dos tradiciones. De la disciplina aprendida en París conservó el rigor técnico; de España adoptó una nueva sensibilidad cromática y una relación emocional con la luz que acabaría convirtiéndose en una de las señas de identidad de su obra.

Una pareja de artistas, dos trayectorias diferentes

La relación entre Magdalena Leroux y Enrique Pérez Comendador fue mucho más que una unión sentimental. Ambos compartieron una existencia profundamente ligada al arte, una convivencia marcada por la creación, el intercambio de ideas y la admiración mutua.

Según recuerdan algunas entrevistas de la época, cada uno encontró en el otro a su crítico más sincero y exigente. La conversación artística formaba parte de la vida cotidiana de la pareja, que desarrolló sus respectivas carreras en un clima de apoyo constante.

Sin embargo, aunque compartieron espacio vital y afinidades creativas, sus trayectorias fueron diferentes. Enrique Pérez Comendador alcanzó una gran proyección pública gracias a su labor como escultor, disciplina cuya presencia en plazas, calles y edificios facilita una visibilidad duradera. Aunque también fue un extraordinario dibujante, el reconocimiento popular quedó asociado sobre todo a su producción escultórica.

Magdalena Leroux siguió otro camino. Su obra se desarrolló principalmente en el ámbito de la pintura y abarcó una notable diversidad temática y técnica. Retratos, escenas cotidianas, paisajes y apuntes de viaje forman parte de una producción extensa que demuestra una curiosidad constante y una notable capacidad de observación.

La pareja no tuvo hijos y compartió una vida especialmente unida. Los viajes ocupaban un lugar central en su existencia, al igual que los espacios de trabajo que ambos utilizaban. Algunas fotografías publicadas en reportajes periodísticos muestran los estudios instalados en su vivienda, lugares donde esculturas y lienzos convivían durante los primeros procesos de creación.

A esa vida compartida se sumaron numerosas exposiciones y proyectos artísticos. Durante años ambos formaron una pareja inseparable también desde el punto de vista profesional, participando conjuntamente en iniciativas culturales y manteniendo un diálogo creativo permanente.

Pero esa proximidad tuvo consecuencias inesperadas para la visibilidad de Magdalena. En la última etapa de su vida fue dedicando una parte creciente de su tiempo y de sus energías a respaldar la difusión de la obra de Pérez Comendador. Como resultado, su presencia en exposiciones y concursos disminuyó, al igual que el ritmo de su propia producción pictórica.

Para López Calvelo, aquella decisión terminó afectando al reconocimiento posterior de la artista. Su progresiva retirada del espacio público contribuyó a reforzar una situación en la que la figura del escultor ocupó el primer plano mientras la pintora quedaba cada vez más difuminada en la memoria colectiva.

Reivindicar hoy a Magdalena Leroux no significa separar dos vidas que permanecieron profundamente unidas. Significa, más bien, evitar que esa unión impida apreciar la dimensión artística de una creadora cuya obra posee valor por sí misma y merece ser contemplada con autonomía.

Hervás, una puerta de entrada a su universo pictórico

El Museo Pérez Comendador-Leroux de Hervás constituye hoy el gran refugio de la memoria artística de Magdalena. Allí se conserva una parte esencial de una producción que permite recorrer su evolución creativa y comprender la amplitud de sus intereses.

La obra escultórica de Enrique Pérez Comendador está repartida por numerosos espacios públicos de ciudades como Cáceres, Badajoz, Sevilla, Don Benito, Madrid o Santiago de Chile. Esa presencia urbana favorece que muchas personas se encuentren con sus esculturas incluso sin buscarlas.

La situación es diferente en el caso de Leroux. Aunque sus cuadros forman parte de colecciones tan importantes como las del Museo de Bellas Artes de Badajoz, el Museo de Bellas Artes de Sevilla, la Diputación de Cáceres o el Museo Pedrilla, generalmente lo hacen a través de un número reducido de piezas.

Esa dispersión dificulta que el público pueda tomar conciencia de la verdadera dimensión de su trayectoria. Por ello, el papel del museo de Hervás resulta especialmente relevante. La cantidad y calidad de las obras conservadas permiten contemplar el conjunto de una carrera artística desarrollada a lo largo de décadas y marcada por una constante evolución.

Para López Calvelo, este espacio constituye una referencia imprescindible para comprender la riqueza de la pintora. Sus salas permiten observar los distintos registros que cultivó, seguir la transformación de su lenguaje pictórico y descubrir matices que difícilmente pueden apreciarse cuando las obras aparecen aisladas en colecciones diferentes.

La publicación de La Experiencia Libros nace precisamente con ese propósito divulgativo. “Lo que me gustaría, y ese era el objetivo inicial que me propuso La Experiencia Libros, es poder contribuir a la difusión y conocimiento de la obra de Magdalena Leroux”, explica el investigador.

Su deseo es que el libro actúe como una invitación a dar el siguiente paso: visitar el museo de Hervás y detenerse ante los cuadros sin prisas. Observar los detalles, descubrir las atmósferas y dejar que la pintura revele lentamente la mirada de una artista que hizo de la luz uno de sus principales lenguajes.

En el propio prólogo, la poeta Ada Salas reza: “Prefiero imaginarme a Madeleine, Magdalena, sola, con sus aperos de pintora en un rincón de Roma, de Siena, de Segovia, de Plasencia, de Madrid… desplegando su tiempo, su atención y su amor, y enfocándolos en algún 'pedazo' de la arquitectura de la ciudad o el pueblo donde se hallara. El detalle, la composición, el cuadro que la llamara: ese, y no otro. Me la imagino trabajando, disfrutando y luchando a la vez para afilar las herramientas que una generosa formación había puesto en sus manos. Me la imagino también intentando sacudirse la sombra de su padre, grandísimo artista, que podría asomarse por detrás y por encima de su hombro para 'espiar' su tarea. Me la imagino, por qué no, escapando de sí misma, si es que no es otra cosa la 'práctica' del arte: un intento de huir de una misma para poder acercarse, de verdad, a lo otro: los paisajes, el mundo”.

Los viajes, la luz y una modernidad que nunca desapareció

Si hay un aspecto que ha sorprendido especialmente a López Calvelo durante su investigación es la importancia que tuvieron los viajes en la vida de la pareja y, particularmente, en la experiencia creativa de Magdalena Leroux.

Italia ocupó un lugar destacado gracias a dos largas estancias que dejaron una huella profunda en su producción. Pero aquellos recorridos fueron mucho más amplios. Juntos viajaron durante largos periodos por distintos países de Europa y América, acumulando experiencias que más tarde se convertirían en materia pictórica.

Entre todos esos desplazamientos hay uno que ha despertado especialmente el interés del investigador: la estancia de varios meses en Egipto. Allí, frente a los paisajes del valle del Nilo, Leroux encontró un escenario radicalmente distinto a cuanto había conocido hasta entonces.

Las luces intensas, los reflejos cambiantes, los colores del desierto y las escenas cotidianas de la vida egipcia quedaron incorporados a una serie de pinturas que hoy forman parte de los tesoros más singulares conservados en el museo de Hervás.

La luz, precisamente, es uno de los elementos que López Calvelo considera fundamentales para comprender su obra. En aquellos cuadros egipcios alcanza una dimensión especial, convirtiéndose en protagonista de unas escenas donde el color y la atmósfera transmiten tanto como las figuras representadas.

Cuando se le pregunta por la obra que más le ha emocionado durante su investigación, el autor admite que la elección no resulta sencilla. Tras recorrer una y otra vez las salas del museo, termina señalando una pieza concreta: Incendio en el Trastévere, junto a los dibujos preparatorios que la acompañan.

La obra pertenece a la segunda etapa romana de Leroux y destaca por una modernidad sorprendente. En ella pueden apreciarse resonancias postimpresionistas y rastros de aquellas inquietudes vanguardistas que la artista había conocido durante su juventud parisina.

Lo más llamativo, explica el investigador, es comprobar cómo esas influencias permanecieron vivas a lo largo del tiempo. Incluso en décadas muy posteriores, ya en los años setenta, seguían aflorando ecos de aquella joven estudiante que descubrió el arte moderno en las calles y academias de París.

Su trayectoria demuestra precisamente esa capacidad para dialogar con tradiciones diferentes sin quedar prisionera de ninguna de ellas. La pintura de Magdalena Leroux no puede encerrarse en una única etiqueta. En ella conviven la disciplina académica, la figuración, las enseñanzas de los grandes maestros españoles y las huellas de las vanguardias europeas.

Recuperar una memoria artística

La recuperación de Magdalena Leroux trasciende el caso particular de una pintora. Obliga también a preguntarse cómo se construye la memoria cultural y por qué algunas creadoras quedaron relegadas a los márgenes pese a disponer de una obra significativa y de una trayectoria propia.

Su historia reúne todos los elementos de una gran carrera artística: una formación excepcional en París, reconocimientos obtenidos en Francia, el descubrimiento de los grandes maestros españoles, una vida marcada por los viajes y una producción diversa capaz de combinar rigor técnico y sensibilidad estética. A ello se suman las circunstancias que terminaron condicionando su visibilidad pública, especialmente la progresiva reducción de su actividad expositiva y el tiempo dedicado a impulsar la carrera de su marido.

El trabajo de Pedro Emilio López Calvelo aspira precisamente a corregir ese desequilibrio. Su propuesta no consiste únicamente en reivindicar un nombre, sino en invitar al público a acercarse directamente a los cuadros, detenerse ante ellos y descubrir la riqueza de una obra que continúa ofreciendo nuevas lecturas.

El recorrido comienza en las páginas publicadas por La Experiencia Libros, pero encuentra su mejor continuación en las salas del Museo Pérez Comendador-Leroux de Hervás. Allí aguardan paisajes, retratos, escenas cotidianas y cuadernos de viaje que permiten reconstruir la mirada de una artista singular.

Dar a conocer a Magdalena Leroux significa, en última instancia, devolver visibilidad a una obra que nunca debió quedar en segundo plano. Significa reconocer la autonomía de una creadora que supo convertir la luz en lenguaje, el viaje en aprendizaje y la pintura en una forma de contemplar el mundo. Y significa, también, recordar que la historia del arte todavía guarda nombres que esperan salir de la sombra para ocupar, por fin, el lugar iluminado que les corresponde.

¿Y si reconocer una imagen en la pantalla no fuera lo mismo que comprenderla? En un ecosistema digital saturado de estímulos donde los contenidos circulan a velocidad de vértigo, detenerse a observar se ha convertido en una forma de resistencia y pensamiento crítico. Bajo esta premisa arranca ‘ERROR 422’, la nueva propuesta expositiva de la artista cacerense Beatriz Castela, que se exhibe en la Sala de Arte El Brocense de Cáceres hasta el próximo 21 de noviembre.

El título de la muestra toma prestado un código del lenguaje informático: aquel que señala una petición web cuya estructura es reconocida por el sistema, pero cuyo contenido resulta imposible de procesar. Castela traslada este concepto técnico al terreno de la percepción humana para poner en duda la relación que mantenemos con el flujo constante de imágenes que consumimos a diario.

“He querido trabajar sobre cómo procesamos hoy las imágenes o cómo las entendemos en un universo tan tecnológico como al que nos estamos enfrentando”, explicaba la autora durante la presentación de la muestra. A través de la pintura, el dibujo, la escultura y diversas instalaciones, la exposición explora las fronteras entre lo intangible y lo físico, cuestionando si lo que percibimos a través de una pantalla es fruto de un automatismo algorítmico o de un trabajo manual detallado.

Un freno al consumo automático de pantallas

Durante la inauguración, la vicepresidenta primera de Territorio, Igualdad y Cultura de la Diputación de Cáceres, Esther Gutiérrez, subrayó el valor del arte como herramienta para desarticular los discursos automáticos y fomentar la reflexión en la sociedad actual: “En momentos tan complicados debemos pararnos más a observar y no solo mirar; pararnos a analizar. Esta exposición ayuda a salir de la zona de confort con preguntas sobre el mundo que nos rodea”.

El trabajo de Castela invita al espectador a confrontar la apariencia de las obras. En un diálogo entre lo efímero y lo perdurable, la creadora demuestra que la mirada contemporánea a menudo confunde la superficie con el proceso, cayendo en la trampa de dar por entendida una realidad solo por el hecho de haberla visto repetida en un dispositivo.

Trayectoria investigadora y docente

Beatriz Castela (Cáceres, 1985) es artista visual, doctora en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y docente en esta misma institución, donde investiga en el Instituto de Arte y Tecnología de la Animación (ATA). Su obra, volcada en analizar la relación entre el espectador y la virtualidad, ha formado parte de las colecciones de centros de referencia como el MEIAC de Badajoz, el Museo Vostell Malpartida o el Museo de Cáceres, además de haber sido expuesta en países como Portugal, Colombia, Cuba o Corea del Sur.

La exposición ‘ERROR 422’, impulsada por la Diputación Provincial de Cáceres, permanecerá abierta al público en la Sala de Arte El Brocense (calle San Antón, 17) hasta el 21 de noviembre de 2026. La entrada es libre y gratuita.

El proyecto 'Ópera Joven' de la Diputación de Badajoz inicia un nuevo capítulo en su trayectoria de impulso a la lírica, la formación artística y el talento de la región. La institución provincial se encuentra en la fase final del proceso de adjudicación para contratar la producción integral de La verbena de la Paloma, cuya representación está prevista para marzo de 2027 y que vendrá precedida por un completo programa de actividades divulgativas que arrancará a finales de este 2026.

La licitación, lanzada por un importe de 284.592 euros, cubre de forma integral todos los aspectos del montaje: desde los espacios de ensayo, el elenco de solistas y músicos, hasta la escenografía, el vestuario, la caracterización y la dirección técnica. En el proceso de adjudicación se vuelve a apreciar un creciente interés de las empresas del sector cultural extremeño, reforzando la vertebración de la industria creativa local.

Una 'Verbena' con sello pacense y mirada actual

La icónica obra con música de Tomás Bretón y libreto de Ricardo de la Vega se incorpora al repertorio del programa para tender un puente entre el género clásico y las nuevas generaciones de intérpretes. Para llevarla a escena, la producción prevé un elenco de entre 20 y 25 artistas y una plantilla orquestal conformada por entre 35 y 40 egresados de los conservatorios dependientes del Área de Identidad Cultural de la Diputación de Badajoz, junto al Coro de Cámara de Extremadura.

Los ensayos se desarrollarán en la Sala Off Cultura y la escenografía apostará por una seña de identidad propia: recreará un entorno inspirado en el casco antiguo de Badajoz, integrando el paisaje urbano de la capital pacense en la estética visual de la función.

En la parte técnica y artística se mantendrá la colaboración con profesionales veteranos de la iniciativa, como la directora escénica Cristina D. Silveira. Desde la Diputación destacan que esta continuidad fortalece el tejido profesional local y aprovecha el conocimiento acumulado en las ediciones anteriores.

Una trayectoria consolidada desde 2019

Desde su estreno en noviembre de 2019 con L’elisir d’amore, Ópera Joven ha evolucionado tras superar el parón de la pandemia en 2020. Títulos como El gato con botas (2021), Gianni Schicchi (2022) o La paz perpetua (2023) sentaron las bases de un formato que en 2024 alcanzó su mayor cota de extensión al llevar dos grandes producciones (Carmen y Amahl y los visitantes nocturnos) a 14 localidades extremeñas.

Más allá del fuste escénico, la vertiente pedagógica sigue siendo el eje diferencial del proyecto. De cara al tramo final de 2026, la programación recuperará las charlas musicológicas, conferencias-concierto, viajes didácticos y pases generales abiertos a estudiantes de conservatorio.

Asimismo, la producción implicará a alumnado de formación profesional y bachillerato artístico en tareas prácticas de caracterización, peluquería o diseño escénico, visibilizando las distintas salidas laborales de las artes vivas.

A esta red formativa se suma el programa Ópera Rural, coordinado por la Asociación de Universidades Populares de Extremadura (AUPEX) y financiado por la institución provincial, orientado a descentralizar la oferta cultural y llevar la música lírica a las zonas rurales.

El modelo organizativo de Ópera Joven, que aúna proyección escénica, formación y arraigo territorial, fue ideado en sus primeras etapas por David Azagra desde la coordinación de conservatorios y la Oficina de Artes Escénicas. En la actualidad, la dirección del proyecto está al frente de Miguel Calderón, quien asume el reto de consolidar el programa y dar continuidad a una red en la que participan músicos, conservatorios, centros educativos y municipios de toda la provincia.

La alquería hurdana de Mesegal, perteneciente al municipio cacereño de Pinofranqueado, se convertirá el próximo 31 de octubre en el epicentro de la etnografía extremeña con la celebración conjunta de la Chicharrona y la Carvochá. Se trata de dos curiosos y antiquísimos rituales vinculados históricamente al inicio de las matanzas caseras y al culto a las ánimas, los cuales han sido rescatados y unificados para preservar el patrimonio cultural inmaterial de la comarca de Las Hurdes.

Originalmente, la festividad de la Chicharrona se conmemoraba en torno al día de la Purísima Concepción, el 8 de diciembre, mientras que la Carvochá, el tradicional asado comunal de castañas, ha permanecido ligada a la víspera de Todos los Santos. Hace unos años, la comunidad local decidió fusionar ambas costumbres a iniciativa del investigador y coordinador de la Corrobra Folklórica y Etnográfica Estampas Jurdanas, Félix Barroso, logrando consolidar una jornada festiva que vuelve a convocar este sábado a vecinos y visitantes en Mesegal, según ha destacado el Ayuntamiento de Pinofranqueado.

El trasfondo de esta celebración hunde sus raíces en la mitología popular hurdana, que atribuye a la Chicharrona la figura legendaria de una mujer de larga cabellera rubia ataviada exclusivamente con pieles de cabra. Según la tradición oral, este personaje bajaba desde los cumbres montañosas hasta los caseríos para otorgar a los vecinos la licencia simbólica con la que comenzar la matanza del cerdo, coincidiendo con la llegada de los primeros vientos fríos y secos de la temporada.

En los relatos antiguos, la juventud salía a las afueras de las alquerías a primera hora de la mañana para recibir a la Chicharrona entre muestras de alborozo. La jornada transcurría entre hogueras donde se asaban chorizos, patatas, higos pasos y las primeras castañas del otoño. La devoción popular por esta figura ha quedado plasmada en versos tradicionales que se entonan durante los festejos, entre los que destaca la copla que proclama que “de entre la nieve branca abaja la Chicharrona; licencia trae pa matar el cebón y la cebona”.

Fieles a la indumentaria y costumbres de sus antepasados, los hombres acudirán a la cita ataviados con sus sombreros, chalecos y chambras portando instrumentos tradicionales, mientras que las mujeres lucirán los pañuelos de cabeza y mantones al hombro para recorrer las calles de Mesegal en el habitual pasacalle festivo.

El Festival Internacional de Cine LGBTI de Extremadura, FestCineQueer, alcanzará su 29ª edición del 6 al 15 de noviembre con un marcado compromiso por la descentralización y la defensa de la cultura libre. La cita extenderá su programación a 22 municipios de la región para celebrar la pluralidad a través del séptimo arte, llevando proyecciones y coloquios a localidades como Hornachos, Casas de Don Pedro o Hervás.

Durante la presentación del certamen, el director de la Filmoteca de Extremadura, Antonio Gil Aparicio, ha subrayado que el festival “defiende la pluralidad cultural” en un contexto social donde la libertad creativa se ve amenazada. En clara alusión a los recientes vetos a películas por presunto “adoctrinamiento ideológico” en las ayudas al cine en Castilla y León, Gil Aparicio ha aseverado que “no se puede coartar ni la libertad de expresión ni la libertad artística de cualquier creador a la hora de hacer una película”.

Por su parte, la presidenta de la Fundación Triángulo, Silvia Tostado, ha destacado el reto que supone llevar la cultura diversa a los distintos puntos de una geografía tan extensa como la extremeña, recordando que “aún falta mucho camino por recorrer en este desafío por la descentralización”.

Sello extremeño, juventud y proyección internacional

La sección de largometrajes contará con diez títulos (siete de ficción y tres documentales), entre los que destacan dos obras con acento regional centradas en la identidad y la memoria LGTBIQ+: 'Este cuerpo mío', codirigido y coprotagonizado por la actriz pacense Carolina Yuste, y 'Lo que hacíamos en las sombras', de la cineasta emeritense Sara Moralo, que acogerá su estreno nacional en el certamen.

En el apartado educativo, el festival refuerza su trabajo con las nuevas generaciones alcanzando a más de 2.000 alumnos y alumnas de 35 centros educativos de toda la comunidad mediante una programación adaptada a la sensibilización en las aulas.

El concurso de cortometrajes continuará siendo uno de los grandes motores del FestCineQueer. De las 151 obras presentadas de países como Brasil, Argentina, Francia, China o México, la organización ha seleccionado 21 trabajos para la Sección Oficial. Las producciones optarán a los galardones que se entregarán en la gala de clausura, fijada para el 14 de noviembre en el Palacio de Congresos Manuel Rojas de Badajoz.

La 29ª edición completará su oferta audiovisual con un abanico de actividades paralelas que entrelazan las artes escénicas, la moda y el debate sobre las masculinidades. Entre las propuestas formativas destaca la puesta en marcha de un Laboratorio Drag, un espacio participativo donde los asistentes crearán un personaje y trasladarán su narrativa al lenguaje cinematográfico mediante el rodaje y la edición de escenas.

La crisis que venía arrastrando la Fundación Orquesta de Extremadura (OEx) ha terminado por estallar con el cese de su gerente, Hae Won Oh. El Patronato de la entidad ha decidido poner fin a su etapa al frente de la Gerencia, un cargo que ocupaba desde principios de 2024, tras meses de fuerte controversia marcada por el malestar en la plantilla, las denuncias sindicales y el desgaste político.

La decisión se produce después de que el sindicato Comisiones Obreras (CCOO) pusiera el foco públicamente en la grave tensión que se vivía en el seno de la orquesta. Entre las principales problemáticas denunciadas figuraban un ambiente de trabajo deteriorado, bajas médicas vinculadas directamente al estrés y la aplicación de expedientes y sanciones disciplinarias consideradas desproporcionadas, como la que afectó a la concertino de la formación, una de las máximas responsabilidades artísticas.

Este clima de inestabilidad interna se trasladó al debate político. El pasado 25 de septiembre, el Grupo Socialista llevó la situación a la Comisión de Cultura, Turismo y Deportes de la Asamblea de Extremadura, denunciando una gestión caracterizada por la improvisación, la falta de planificación en infraestructuras técnicas, el retroceso en la presencia de la orquesta en citas culturales clave de la región y las dudas sobre la transparencia en los procesos de contratación de personal.

Pese a que desde la Consejería de Cultura del Ejecutivo autonómico se defendió en un principio una postura de normalidad institucional, restando gravedad a los conflictos laborales denunciados, la presión acumulada por parte de los representantes de los trabajadores y de los grupos de la oposición ha acabado por dinamitar la continuidad de la gerencia.

El órgano de gobierno de la orquesta, compuesto por representantes de la Junta de Extremadura, las diputaciones provinciales de Badajoz y Cáceres, la Universidad de Extremadura y entidades financieras, afronta ahora el reto de recomponer la estabilidad interna de una formación que cuenta con más de 25 años de trayectoria y cuyo principal patrimonio es el talento y la profesionalidad de sus músicos y trabajadores técnicos

El Consejo de Gobierno de la Junta de Extremadura ha autorizado este martes la creación de la Fundación Instituto Nacional del Mestizaje, un organismo centrado en los vínculos históricos con Hispanoamérica y otros territorios como Filipinas que tendrá un componente cultural, pero que también aspira a funcionar como herramienta de captación de inversiones para la región.

Al término de la reunión, la portavoz del Ejecutivo regional, Elena Manzano, ha señalado que la fundación se encuentra en fase de constitución, estará participada por la Administración autonómica y será dirigida por una persona de “gran experiencia”. Para su puesta en marcha, el Consejo de Gobierno ha aprobado sus estatutos y ha acordado una dotación fundacional inicial de 30.000 euros.

Entre sus fines, el organismo busca la promoción universal del mestizaje como fenómeno diferenciador y la dinamización del patrimonio histórico, académico, artístico, gastronómico, cinematográfico y cultural compartido con el continente americano y el espacio de huella hispánica. Asimismo, el plan contempla la difusión de la cultura común y la cohesión social como elementos para impulsar la imagen de Extremadura como puente entre América y Europa.

“Se trata, por tanto, de transformar ese patrimonio común en relaciones actuales, en relaciones vivas, en proyectos concretos y en nuevas posibilidades de desarrollo para nuestra comunidad autónoma”, ha resumido Manzano, quien ha avanzado que la entidad trabajará en coordinación con otras instituciones autonómicas como la Fundación Yuste.

La presidenta extremeña, María Guardiola, anunció la creación de esta fundación el pasado junio acompañada por el músico Nacho Cano. Según dijo entonces, el objetivo es convertir a la región “en referencia internacional en el estudio y difusión del mestizaje y en puente entre América y Europa”. En ese acto reivindicó la figura de Hernán Cortés: “Ni América ni México serían hoy lo que son sin su huella y su legado”, aseguró.

Los espacios públicos, fachadas y medianeras degradadas de los municipios pacenses tienen la oportunidad de transformarse en auténticos lienzos al aire libre. La Diputación de Badajoz ha lanzado oficialmente el 'Plan de Murales Municipales', un programa dotado con un presupuesto de 500.000 euros para que las localidades de la provincia impulsen la creación de intervenciones artísticas en sus entornos urbanos.

La iniciativa está dirigida a municipios de menos de 20.000 habitantes y entidades locales menores. Según ha explicado la presidenta de la institución provincial, Raquel del Puerto, la convocatoria pretende facilitar la financiación de estas obras para revitalizar entornos que actualmente sufren un impacto visual negativo, siempre bajo la premisa de reforzar la identidad local y el sentimiento de pertenencia de sus vecinos.

El abanico creativo para estas intervenciones resulta muy amplio, ya que los proyectos podrán abordar temáticas relacionadas con la cultura, la historia, la arqueología, la gastronomía, el turismo, la educación, el medio ambiente, la memoria colectiva o las expresiones de arte contemporáneo. A juicio de Raquel del Puerto, el proyecto busca promover la cultura y la creatividad contemporánea en el ámbito rural, al tiempo que funcionará como un reclamo para el turismo. La presencia de estas creaciones artísticas permitirá atraer visitantes interesados tanto en el valor del mural como en los elementos singulares de la historia o la identidad del municipio que la obra ponga en valor.

La convocatoria se resolverá mediante un sistema de concurrencia competitiva. A la hora de valorar las propuestas presentadas por las entidades locales, la comisión ponderará criterios como la dimensión en metros cuadrados de la intervención, la relevancia de la ubicación elegida y la densidad demográfica del municipio, otorgando una mayor puntuación a las poblaciones con menor número de habitantes.

Para participar en el proceso, los ayuntamientos deberán acompañar su solicitud con la temática justificada del mural, una fotografía del espacio concreto donde se desarrollará la intervención y de su entorno inmediato, un cronograma detallado de ejecución y el presupuesto previsto para la realización del proyecto.

El plan ofrece un amplio margen temporal de actuación, ya que contempla proyectos ejecutables hasta el 30 de diciembre de 2027. Asimismo, la convocatoria recoge con carácter retroactivo aquellas creaciones que se hayan realizado desde el 1 de enero de este año. La presidenta de la Diputación ha destacado finalmente que esta nueva línea de ayudas nace de la escucha activa y directa con alcaldes, colectivos y vecinos de toda la provincia.

La Diputación de Cáceres ha reafirmado su compromiso con el tejido cultural de la provincia al renovar su respaldo a la muestra 'Indómita de Cine y Cultura de la Vera', un evento que ya encara los preparativos de su décima edición con el propósito de reforzar su proyección y reivindicar el potencial de los entornos rurales como escenarios de propuestas de vanguardia.

El presidente de la institución provincial, Miguel Ángel Morales, ha mantenido un encuentro de trabajo con la directora de la muestra, Mané Cisneros, quien le ha trasladado el balance de la última convocatoria celebrada a finales de julio. Según ha informado la corporación provincial, el balance destaca una “respuesta positiva del público y una importante repercusión en términos de comunicación y visibilidad”.

Durante la reunión, Cisneros ha puesto en valor el respaldo institucional recibido desde los inicios del proyecto, un acompañamiento al que ha calificado de “absolutamente fundamental” para garantizar la continuidad y el crecimiento de una iniciativa concebida para acercar la cultura contemporánea al ámbito rural. En la misma línea, ha subrayado la necesidad de mantener la colaboración entre las administraciones públicas y la iniciativa privada para impulsar proyectos culturales con verdadera capacidad de repercusión.

Por su parte, la Diputación de Cáceres ha incidido en que este tipo de colaboraciones responden a su estrategia de descentralizar la oferta cultural, ampliar el acceso de los ciudadanos a los circuitos artísticos y dinamizar económicamente y socialmente los municipios de la provincia.

Tras los positivos resultados cosechados este verano, la organización trabaja ya en una cita muy especial con motivo de su décimo aniversario. Esta próxima edición buscará potenciar su impacto visual, ensanchar su llegada a nuevos públicos y servir como altavoz para demostrar la plena capacidad del medio rural extremeño no solo para acoger, sino también para crear propuestas culturales de primer nivel.

El cortometraje Hachazo, codirigido por el cineasta alcantareño Pablo Magro y Sebastián Reyes Morales, sumará una nueva parada internacional tras ser seleccionado para competir en el Trikala International Comedy Film Festival (TICFF), que celebrará su primera edición en la ciudad griega de Trikala entre el 16 y el 25 de octubre.

La elección supone un nuevo reconocimiento para esta producción extremeña, que continúa ampliando su recorrido fuera de España después de cosechar premios en festivales de India y Rusia. En concreto, la película obtuvo el galardón al Mejor Debut en el Tamizhagam Film Festival, celebrado en India, y el premio al Mejor Cortometraje Detectivesco en el festival Gold of Kotlovka, en Rusia.

Natural de Alcántara, Pablo Magro consolida así la proyección internacional de su primer trabajo cinematográfico, una comedia negra que ha conseguido abrirse paso en distintos certámenes del circuito independiente.

El festival griego nace con el objetivo de reivindicar la comedia en todas sus vertientes, desde la sátira hasta la animación. Además de las proyecciones a concurso, el programa incluirá talleres, clases magistrales y encuentros profesionales destinados a fomentar el intercambio entre cineastas emergentes, creadores consolidados y público.

Dos detectives y una desaparición

Hachazo adopta la fórmula del falso documental para contar una historia tan absurda como intrigante. La trama sigue a dos detectives encargados de investigar la misteriosa desaparición de un novio durante su despedida de soltero, una premisa que sirve de punto de partida para una sucesión de situaciones disparatadas en las que se mezclan el misterio y el humor negro.

La obra nació durante el Máster de Cinematografía y Artes Visuales de School Training, en Málaga, y está codirigida por Pablo Magro y Sebastián Reyes Morales. La distribución corre a cargo de la firma malagueña Dreamview Distribution.

El cortometraje también puede verse de forma gratuita en HorrorHound TV, plataforma estadounidense especializada en cine de terror y producciones independientes.

Un proyecto surgido durante su etapa de formación

Pablo Magro, natural de Alcántara, desarrolló Hachazo como su primer cortometraje tras completar su formación en producción audiovisual y ampliar sus estudios cinematográficos en Málaga.

Junto a él figura como codirector Sebastián Reyes Morales, nacido en Caracas, quien orientó su trayectoria profesional hacia el ámbito audiovisual tras una formación inicial vinculada a la informática. Especializado posteriormente en guion y dirección cinematográfica en School Training, ha participado en proyectos como La Reconquista, Camelia Carmín y La Herradura, además de intervenir como extra en la serie La chica de nieve.

La presencia de Hachazo en el certamen de Trikala amplía el alcance internacional del proyecto y abre una nueva ventana de difusión para el trabajo de sus dos directores. Tras los reconocimientos obtenidos en India y Rusia, la comedia negra continuará ahora su recorrido europeo con una nueva oportunidad para conquistar al público y al jurado griegos.

Nueva York aparece ya como el siguiente destino en una trayectoria que nunca ha aceptado la comodidad de la línea recta y que se ha construido a base de intuición, riesgo laboral y una necesidad permanente de creación. Antes incluso de que su obra llegara al Carrousel del Louvre, Elena Olmos (Cáceres, 30 años) había levantado una identidad artística y profesional que desborda cualquier etiqueta: periodista, actriz y pintora que ha transitado por redacciones como TVE, Telemadrid y Atresmedia, que ha sobrevivido a la precariedad madrileña sin renunciar a la formación y que ha convertido la falta de recursos en una escuela propia. Su presencia en la muestra internacional Women in Art, celebrada en París, no ha sido un punto de llegada sino un impulso para seguir creciendo. Por eso, mientras su nombre circula en el circuito expositivo europeo, Olmos prepara ya su marcha a Estados Unidos para estudiar en la Art Students League de Nueva York, decidida a reforzar la técnica que sostiene su obra y a abrir un nuevo capítulo en una trayectoria que se expande sin aparentes límites.

Alquiler y poco más

La llegada de Olmos a Madrid, hace unos once o doce años, estuvo marcada por la ausencia de colchones económicos. Desembarcó en la capital “con una mano delante y otra detrás”, obligada a encadenar jornadas maratonianas en empleos de atención al público en tiendas como Zara o Massimo Dutti y papeles de figuración en telenovelas como Acacias 38 para costearse la vida y la licenciatura de Periodismo. El salario apenas alcanzaba para pagar el alquiler y los escasos ahorros se destinaban a clases de teatro e interpretación, lo que le impidió matricularse en academias de dibujo.

Sin recursos para una educación formal en artes plásticas, convirtió el espacio cultural madrileño en su propia escuela autodidacta. En su tiempo libre recorría las salas del Museo del Prado, el Museo Thyssen-Bornemisza, CaixaForum y diversas galerías alternativas con un cuaderno en blanco en el que anotaba reflexiones espontáneas y copiaba directamente las obras de los grandes maestros para comprender sus composiciones. Aquella investigación solitaria tomó un cariz profesional durante el confinamiento de 2020, cuando comenzó a utilizar su propio cuerpo como lienzo inspirándose en la libertad de Yves Klein. Fue entonces cuando comprendió que su producción pictórica debía consolidarse seriamente.

El salto al espacio expositivo del Louvre llegó a través de un correo electrónico firmado por Salma, la directora italiana de una galería internacional que le ofrecía una de las últimas plazas disponibles para Women in Art. Olmos sospechó inicialmente que se trataba de spam o de un fraude digital, por lo que no respondió de inmediato. Solo tras analizar la propuesta con su pareja y con su madre decidió aceptar la invitación.

Contención técnica

El proceso de creación exigió un notable ejercicio de contención técnica. Acostumbrada a trabajar en lienzos de gran formato —de entre dos metros y medio y cuatro metros de longitud, donde busca sentirse una figura pequeña que no eclipsa la obra—, tuvo que adaptarse al formato reducido de un metro por un metro requerido por la organización. El resultado fue Pulse-Couleur Brute, una pieza que enfrenta verdes y naranjas tecnológicos evocadores de la estética del microchip con tonos tierra y materia orgánica. La obra busca construir belleza frente a la destrucción del presente, conectando pasado y futuro para interpretar el momento actual. Fiel a su espíritu aventurero, rechazó los servicios de transporte convencionales y trasladó la pintura en coche junto a su pareja, completando un trayecto de 1.300 kilómetros hasta París.

Crítica periodística

Su exigencia de veracidad en las informaciones enlaza de forma directa con su desencanto hacia el periodismo actual. A pesar de haber consolidado una trayectoria profesional en cadenas como TVE, Telemadrid y Atresmedia, Olmos reconoce sentirse decepcionada por el poco cuidado con el que se elabora la información, dominada por dinámicas de copia y pega, polarización constante y una desinformación abrumadora. No renuncia de forma definitiva a la comunicación, pero condiciona su regreso a la existencia de espacios mediáticos que aporten sentido crítico, análisis riguroso y valores humanistas.

A sus 30 años, consciente de que el reconocimiento internacional no debe sustituir a la solidez técnica, ha decidido apartarse temporalmente de la rutina laboral para invertir las ganancias obtenidas por la venta de sus cuadros en su propia formación. En octubre se trasladará a Estados Unidos para matricularse en la Art Students League of New York, donde realizará un curso especializado en la creación de figuras a través del color y el contraste, abordando lo que considera su principal vulnerabilidad técnica. Durante su estancia en la metrópoli investigará además conceptos como el de plétora de cara a proyectos expositivos futuros.

Más allá del ámbito académico, Olmos reivindica el derecho a ejercer una identidad poliédrica sin ceder a las presiones de la especialización obligatoria. Frente a quienes cuestionaron en sus comienzos su solvencia periodística por dedicarse también a la pintura, la actuación o la danza, defiende la creación como un acto de rebeldía vital y se niega a ocultar su sensibilidad. Sostenida por el refugio de su entorno familiar —donde tomar un café con su abuela en Cáceres sigue siendo el núcleo esencial de su identidad por encima de cualquier hito en el Louvre—, afronta la incertidumbre sin miedo, convencida de que el arte es la prueba tangible de que la sociedad sigue viva frente a la indiferencia.

Sacar adelante un festival, cruzar los dedos por el tiempo y que después parezca que todo fue fácil. La decimoquinta edición del Cáceres Blues Festival ha puesto un punto seguido después de meses de trámites, cambios y decisiones de última hora, con un concierto en COCEMFE como uno de los momentos más especiales y una apuesta renovada por cuidar el escenario, el patrimonio y al público. Y, este año, con un gesto inaugural que marcó el tono de la edición: el festival se abrió con Koko Blues, una propuesta que recorre la historia de la mujer en el blues y que subrayó desde el primer minuto la presencia femenina en el cartel, donde cuatro de las nueve bandas estuvieron lideradas por mujeres.

Cuando un festival termina y el público se marcha, queda la sensación de que todo ha sucedido de una manera bastante sencilla. Se encienden las luces, salen las y los músicos, suena la música, la gente baila, se sirven cervezas y, unas horas después, el espacio vuelve a quedar vacío. Si además no llueve, el sonido funciona, los artistas llegan a tiempo y no ocurre nada especialmente grave, parece que todo estaba previsto.

Pero un festival no se parece demasiado a eso desde dentro.

Jorge Quesada acaba de cerrar la edición número 15 del Cáceres Blues Festival con una mezcla bastante reconocible de cansancio y satisfacción. Han sido meses de trabajo y, especialmente desde mayo, una sucesión de trámites, gestiones, problemas que resolver y decisiones que tomar para poner en pie una nueva edición de un festival que ya tiene un lugar consolidado en la agenda cultural de Cáceres.

Durante toda la semana, las previsiones meteorológicas insistían en que el sábado iba a llover. No un poco, sino prácticamente con la seguridad que permiten los modelos meteorológicos. Quesada llegó a tener a la inteligencia artificial pendiente de los distintos pronósticos para intentar averiguar qué iba a pasar. Las predicciones eran contundentes. Así que el sábado por la mañana, a las diez, estaba recogiendo tres carpas para tenerlas preparadas por si eran necesarias que finalmente no lo fueron.

Y esa pequeña diferencia entre que llueva y que no llueva puede ser, en un festival al aire libre, mucho más importante de lo que parece. Puede determinar que una edición sea recordada como un éxito o que la organización tenga que afrontar una sucesión de problemas logísticos que cambian por completo el desarrollo previsto.

El domingo, de hecho, sí llegó la lluvia, pero para entonces el festival tenía previsto el escenario de la clausura en el Corral de las Cigüeñas y todo estaba preparado y cubierto con carpa. La despedida pudo celebrarse con normalidad y con la música de Cooking Raw Blues, una banda con integrantes de Madrid y de La Vera, que puso el punto final a una edición que Quesada considera especialmente satisfactoria.

El festival empieza mucho antes de que llegue el primer músico

Quesada asumió la organización en mayo, cuando el calendario ya apretaba. El festival no partía de cero: estaba consolidado, existía una experiencia previa y la antigua asociación había dejado buena parte del camino aprendido. “Nos han ayudado muchísimo y nos han guiado en cómo ir haciendo cada trámite”, explica.

Pero que un festival esté consolidado no significa que organizarlo resulte sencillo. Al contrario. Hay permisos, contratos, escenarios, electricidad, sonido, alojamientos, barras, seguros, artistas, horarios, espacios, logística, proveedores, cartelería, comunicación y una larga lista de asuntos que tienen que encajar al mismo tiempo. Y cuando se trata, además, de un festival gratuito, la estructura económica depende necesariamente del respaldo de las instituciones y de la colaboración de empresas y entidades.

En esta edición, el Cáceres Blues Festival ha contado con apoyo económico de la Junta de Extremadura, la Diputación de Cáceres, el Ayuntamiento de Cáceres y la Universidad de Extremadura. El Ayuntamiento ha aportado también apoyo logístico, incluida la cesión del espacio, el escenario y la electricidad. A eso se han sumado los colaboradores del festival: el Corral de las Cigüeñas, Cervezas Ámbar, el Hotel Alfonso IX y Sonido Barragán.

La parte musical, paradójicamente, ha sido probablemente una de las más sencillas de resolver. Dentro de la asociación hay personas con un amplio conocimiento del circuito del blues y de los artistas y bandas que pueden formar parte de un cartel. La dificultad estaba en conseguir que todo lo demás funcionara alrededor de la música. Y eso, durante estos meses, ha significado resolver problemas prácticamente a diario. Hasta que llega el momento en que se encienden las luces y, desde fuera, parece que todo estaba controlado.

Un concierto que cambió el sentido del festival

Si la organización tuviera que quedarse con un solo momento de toda la edición, no elegiría necesariamente uno de los grandes conciertos. Se quedaría con una mañana. Antes del festival, la organización había pensado mantener una actividad que ya había realizado otros años: llevar a los colegios una propuesta de divulgación sobre el blues y acercar la música a los estudiantes. Sin embargo, este año la respuesta de los centros educativos consultados no fue la esperada.

En lugar de abandonar la idea, se decidió cambiarla. El resultado fue un concierto solidario en COCEMFE. Allí tocaron Los Eslim. Se montó el escenario en el patio y se sacó a los usuarios del centro para que pudieran participar de la actividad. Y aquella mañana terminó convirtiéndose, para la organización, en algo más importante que una actividad paralela del programa. “Si tuviera que quedarme con un evento de todo el festival sería con ese”, explica Quesada. Porque allí el objetivo no era llenar una plaza ni conseguir que cientos de personas acudieran a un concierto. Era algo bastante más sencillo y, al mismo tiempo, bastante más difícil de medir: llevar cultura musical a personas que no siempre tienen las mismas posibilidades de acceder a ella y conseguir que pasaran un rato agradable.

“Poder llevarles cultura y hacerles pasar un rato agradable creo que es un trabajo que debería hacer la sociedad si queremos hablar de un acceso a la cultura universal”, sostiene. Para Quesada, esa idea también tiene que ver con la aspiración de una ciudad que quiere ser capital cultural. No solo con organizar grandes acontecimientos, sino con preguntarse a quién llegan y quién puede participar en ellos.

Por eso aquella mañana en COCEMFE terminó siendo, para él, uno de los momentos que mejor explican el sentido del festival.

Un escenario que se mueve seis metros y cambia la plaza

También hubo cambios que quizá el público no identificó conscientemente, pero que formaban parte de una de las apuestas de esta edición: mejorar el espacio. El escenario se desplazó unos seis metros hacia la izquierda respecto a anteriores ediciones y se giró aproximadamente treinta grados.

El cambio tenía varios objetivos. Por un lado, abrir el pasillo que se formaba a la derecha del escenario y evitar que se produjera allí un embudo de personas. Por otro, mejorar la visibilidad de la parte posterior de la catedral de Santa María. También se desplazó la mesa de sonido hacia la derecha para alejarla de la zona de las barras.

Son decisiones que pueden parecer menores cuando se observa el festival desde el público, pero que tienen una importancia considerable cuando se trata de conseguir que cientos de personas puedan moverse por un espacio histórico con comodidad.

La organización también iluminó en azul una de las torres del entorno, incorporó una pantalla gigante al escenario y cuidó especialmente la estética de esta edición. Se mantuvo la identidad gráfica del festival y se reforzó la decoración con fotografías de la propia asociación, distribuidas por las barras y las zonas de merchandising.

Había, además, una dificultad evidente: estaban trabajando en un espacio monumental en el que no se podían pegar carteles ni colocar elementos de cualquier manera sobre las paredes. La solución fue tan sencilla como visual: utilizar cuerdas, como si se tratara de un tendedero, para colgar la información. Allí aparecieron los carteles de las barras, las indicaciones sobre la prohibición de servir alcohol a menores y las fotografías, entre otros contenidos. El mismo criterio se mantuvo en las distintas zonas del festival, incluida la de merchandising y la zona de los puestos de comida.

La idea era que el espacio se reconociera como festival sin que el festival terminara imponiéndose sobre el patrimonio.

Ocho horas después, todo vuelve a estar limpio

Hay otra cifra que los organizadores consideran especialmente importante, aunque no sea una de las que suelen aparecer en los carteles de un festival. Ocho o diez horas después de terminar la actividad, el espacio estaba de nuevo completamente limpio. Incluso, sostiene, “igual o mejor” de lo que la organización se lo había encontrado.

La cuestión no es menor cuando el escenario está instalado en el entorno monumental de Cáceres. La posibilidad de seguir celebrando actividades culturales en estos espacios depende también de que quienes los utilizan sean capaces de respetarlos. Para la organización, dejar el espacio en buenas condiciones forma parte del propio festival.

Y también lo ha hecho el sonido. Durante toda la actividad se realizó un control monitorizado del volumen. Según los datos facilitados por la organización, los niveles se mantuvieron entre seis y ocho decibelios por debajo del límite legal durante todo el festival. La intención era doble: cumplir con los límites establecidos y conseguir que eso no significara renunciar a la calidad sonora.

Quesada atribuye buena parte del resultado al trabajo de Juan Carlos Barragán, responsable del sonido, a quien define como “el mejor técnico de Santa María” y, con una sonrisa, quizá también “de Extremadura”.

Un festival lleno, pero sin efecto lata de sardinas

El público respondió. Una de las características más destacable es que el festival estuvo muy lleno, pero sin que esa afluencia se tradujera en una sensación de agobio. Había espacio para bailar y para desplazarse. No era, explica, esa imagen habitual de algunos grandes conciertos en los que el público intenta colocarse lo más cerca posible del escenario y termina comprimido, “como una sardina en lata”. Aquí la experiencia era otra. La gente podía disfrutar de la música, moverse y mantener una cierta comodidad incluso con el espacio lleno.

Ese equilibrio entre afluencia y comodidad también estaba detrás de algunas de las decisiones organizativas de esta edición. Una de ellas fue la incorporación de los llamados “pistoleros de cerveza”: personas con mochilas que recorren el recinto repartiendo cerveza, una fórmula que ya se utiliza en otros festivales y que la organización decidió probar en Cáceres. “El viernes funcionó especialmente bien”.

Más socios pese a subir la cuota

Otra de las buenas noticias para el festival ha llegado por el lado de la asociación. El número de socios se ha duplicado respecto al año anterior, pese a que la cuota ha pasado de 15 a 25 euros.

La organización quiso compensar ese esfuerzo haciendo que quienes sostienen el festival durante el resto del año tuvieran una experiencia especialmente cuidada durante los días del evento. Los socios contaron con descuentos en las barras y en el merchandising y tuvieron acceso a una comida en el Corral de las Cigüeñas que este año se reservó exclusivamente para ellos. En torno a 150 personas participaron en esa comida. También tuvieron un aseo privado. Puede parecer un detalle pequeño, pero la organización lo planteó desde una idea muy sencilla: cuando estás viendo a un grupo que te gusta, no quieres perderte parte del concierto porque tienes que hacer cola para utilizar un servicio. “Queríamos hacerles sentir especiales”, explica la dirección de esta última edición. Al fin y al cabo, son quienes ayudan a que el festival pueda continuar. Y la respuesta de este año ha sido contundente.

Camisetas, fotografías y una ciudad que vuelve a sorprender

El merchandising también ha funcionado por encima de las previsiones. La organización había preparado camisetas para esta edición y prácticamente ha agotado las existencias. Pero uno de los efectos que más satisfacción ha producido entre quienes organizan el festival no tiene que ver con las ventas. Tiene que ver con los músicos. Buena parte de los artistas que llegaron desde fuera de Extremadura no conocían Cáceres de primera mano. Y, según explica Quesada, muchos se han marchado sorprendidos por la ciudad.

La experiencia de llegar a la parte antigua, recorrerla y tocar en un espacio como el entorno de Santa María termina siendo también una forma de promoción de la propia ciudad. “Se han ido todos enamorados de Cáceres”, resume. El festival, en ese sentido, funciona también como una pequeña embajada cultural. Los músicos llegan para tocar y terminan descubriendo una ciudad que después pueden contar en otros lugares.

El Hotel Alfonso IX y un escenario más pequeño

La programación no se limitó al escenario principal. El Hotel Alfonso IX volvió a acoger actividades y organizó una comida con su tradicional arroz, además de una sesión vinculada al festival. También se inauguró allí una exposición de acuarelas de José Luis Naranjo. Según la organización, todas las obras expuestas fueron vendidas.

Y esta edición incorporó además un nuevo espacio: el escenario de Los Siete Jardines. Allí se planteó un concierto más íntimo, con Lino Vishnudatt, Troy Nahumko y otros invitados vinculados al circuito de festivales. El formato era diferente al del escenario principal. Menos público, mayor cercanía y una relación distinta entre los músicos y quienes estaban escuchando. También se llenó. Y también dejó la sensación de que el festival puede crecer sin necesidad de hacerlo siempre hacia escenarios más grandes.

Una noche sin teléfono

Y, por supuesto, están las cosas que no aparecen en ningún programa. El viernes, después de una jornada especialmente intensa porque es el día en que se concentra buena parte del montaje, Quesada terminó cerca de las dos de la madrugada. Entonces descubrió que no tenía su teléfono.

No sabe con certeza si lo perdió o si alguien se lo llevó. Lo que sí sabe es que durante aproximadamente una hora la situación se convirtió en una auténtica pesadilla. El móvil no era un objeto cualquiera. Era el contacto con los grupos, con el hotel, con proveedores y con buena parte de las personas que tenían que estar coordinadas al día siguiente. Y el festival no podía esperar. El teléfono acabó apareciendo en el Corral de las Cigüeñas, y ha extraído una conclusión práctica para próximas ediciones: encontrar alguna manera de llevar el teléfono perfectamente localizado cuando se está en medio de una organización de este tamaño. Una cinta, un cordón, un lacito. Lo que sea.

La organización desde alguien que no viene del blues

Hay otra particularidad en la persona que este año ha estado al frente de la organización. Quesada no procede específicamente del mundo del blues. Él mismo se define, con humor, como una especie de “tecnócrata del blues”. Pero cuenta con una junta directiva en la que sí hay personas que conocen profundamente el género y su circuito.

Entre ellas está Troy, al que señala como una referencia y como alguien que lleva toda la vida vinculado al blues. Y está también Roser, presidenta de la Asociación de Blues de España, una de las grandes conocedoras del género y una persona que, por su presencia habitual en festivales, conoce de primera mano cómo funcionan estos acontecimientos.

Para Quesada, contar con ese conocimiento dentro de la asociación ha permitido que su papel no consistiera en tener que saberlo todo sobre el blues, sino en conseguir que todas las piezas necesarias para que el festival funcione estuvieran en su sitio. La música necesita músicos. Pero un festival necesita mucho más.

La memoria, las facturas y la lista de cosas que mejorar

Al final, cuando todo se recoge y la ciudad vuelve a su ritmo, queda esa certeza íntima que no aparece en ninguna memoria ni en ninguna factura: que durante tres días un grupo de personas consiguió que Cáceres respirara de otra manera. Que hubo quien descubrió el blues por primera vez, quien volvió a enamorarse de una plaza que creía conocer, quien sintió que la música también podía llegar a un patio de COCEMFE o a un escenario pequeño en Los Siete Jardines. Que la lluvia decidió esperar, que las mujeres ocuparon el lugar que tantas veces se les negó en la historia del género y que un festival gratuito, sostenido por una asociación y por una ciudad, volvió a demostrar que la cultura no es un lujo, sino una forma de estar juntos. Así que cuando se apagan las luces y solo queda el cansancio, lo que permanece es una emoción sencilla y difícil de explicar: la de saber que, contra todos los pronósticos, Cáceres tuvo su fin de semana de blues y lo hizo suyo. Hasta el año que viene.

El consejero de Cultura, Turismo y Deportes, Laureano León, ha mantenido una reunión de trabajo con el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, en la que ha trasladado al Gobierno central la necesidad de reforzar la colaboración institucional para avanzar en asuntos de especial relevancia para Extremadura, situando como gran prioridad el impulso definitivo al futuro Museo Visigodo en Mérida.

Durante el encuentro, el titular extremeño ha defendido la importancia de hacer realidad este espacio, concebido como un referente clave para la investigación, conservación, difusión y puesta en valor del legado visigodo, reclamando una implicación real del Ministerio para desbloquear un proyecto histórico para el patrimonio de la comunidad.

Más allá del Museo Visigodo, la reunión ha servido para poner sobre la mesa otras demandas urgentes en materia de infraestructuras culturales. Entre ellas destaca la solicitud de una línea de financiación especial destinada a reforzar la seguridad de los museos de titularidad estatal gestionados por la Junta, como el Museo Arqueológico Provincial de Badajoz, ante las alertas de seguridad trasladadas por Europol.

Asimismo, el consejero ha abordado el mantenimiento de la red de Bibliotecas del Estado en la región, pidiendo apoyo ministerial para su conservación y modernización —con especial atención a los sistemas de climatización, que sufren fallos cuando se registran altas temperaturas—.

Por su parte, el ministro ha tomado nota de las principales propuestas planteadas por el Ejecutivo extremeño en un encuentro enfocado en fortalecer el diálogo y la cooperación entre administraciones para proteger la riqueza cultural de la comunidad.

Una investigación dirigida por la Universidad de Extremadura (UEx) ha determinado que gran parte de los caballos sacrificados hace unos 2.500 años en el yacimiento tartésico de Casas del Turuñuelo, en Guareña (Badajoz), murieron en plena edad productiva tras acumular lesiones compatibles con años de trabajo intenso.

El estudio, publicado en la revista científica Animals, ha examinado los esqueletos de 31 équidos recuperados en el gran sacrificio ritual del siglo V a.C. documentado en este enclave. Los investigadores han identificado alteraciones dentales compatibles con el empleo de embocaduras y arneses, lesiones vertebrales asociadas a esfuerzos repetidos y cambios óseos en las extremidades vinculados a trabajos exigentes. Estas evidencias apuntan a que los ejemplares fueron utilizados intensivamente, posiblemente para labores de transporte, la tracción de carros o actividades ecuestres de elevada exigencia física.

El análisis detalla que muchos de los animales fueron sacrificados entre los cinco y siete años de edad, cuando todavía conservaban un elevado valor para el trabajo o la monta. Los autores plantean que algunos pudieron ser seleccionados para la inmolación después de años de servicio, si bien esta interpretación constituye una hipótesis derivada de las marcas observadas.

Asimismo, todos los ejemplares presentaban defectos en el esmalte dental conocidos como hipoplasias, asociados a episodios de estrés fisiológico durante el crecimiento, como carencias nutricionales o enfermedades.

Para reconstruir esta trayectoria previa al sacrificio, el equipo combinó el examen osteológico tradicional con la tomografía computarizada, una técnica que detecta alteraciones internas sin dañar los restos arqueológicos. La investigadora de la Universidad de Extremadura (UEx) y directora del trabajo, María Martín Cuervo, ha señalado que las patologías aportan una nueva perspectiva sobre la relación entre las personas y los animales y permiten conocer las exigencias físicas a las que estuvieron sometidos antes de una deposición que formó parte de la ceremonia de clausura del edificio.

En el estudio han participado especialistas de las universidades de Barcelona, Córdoba, Málaga y Lleida, además del Instituto de Arqueología de Mérida (CSIC-Junta de Extremadura) y otras instituciones, situando a Casas del Turuñuelo entre los registros más antiguos y mejor conservados de Europa para el estudio de la salud y el manejo equino en época protohistórica.

La poesía no siempre se queda quieta en la página. A veces necesita que alguien le ponga al lado un piano, un contrabajo y una batería para soltar todo lo que lleva dentro. Eso es lo que pasó hace unos días en una sala abarrotada del Conservatorio Julián Orbón de Avilés: los versos de la belga afincada en Cáceres, Charlotte Lecharlier, se cruzaron con el jazz en la sexta edición del Festival Fifty-Fifty.

Detrás de este viaje de ida y vuelta entre Extremadura y Asturias está La Experiencia Libros. La editorial cacereña no solo ha publicado Apenas gritar, el último poemario de Lecharlier, sino que ha empujado el proyecto para convertirlo en una propuesta viva sobre el escenario.

El Fifty-Fifty lleva desde 2021 empeñado en una idea poco habitual: construir puentes reales entre la poesía y el jazz. Es un festival de formato pequeño pero de criterio fino, capaz de juntar durante cuatro días a personas que crean de generaciones y bagajes muy distintos. Por su cartel de este año han pasado figuras como Kyle Eastwood con su espectáculo Eastwood by Eastwood, o poetas de la talla de Ana Rossetti, Laura Chivite, Carlos Pardo y Sofía Castañón.

En medio de ese mapa encontró su sitio la propuesta nacida en Cáceres. “Para nosotros ha sido especialmente bonito formar parte de un festival que presta tanta atención a la calidad de los textos y de las propuestas musicales”, cuenta la propia Charlotte Lecharlier.

La oportunidad llegó gracias al empeño de su editora, Mariate Macías Puig, que envió la propuesta a la organización. Para la autora, la invitación tiene un valor doble porque el festival no se limita a contratar nombres consagrados, sino que busca el choque creativo entre distintas formas de arte. “Tienen una programación muy cuidada y una mirada muy abierta hacia la creación contemporánea. Estar aquí lo siento como un reconocimiento tanto a nuestra propuesta editorial y poética como al trabajo de los músicos”.

Un libro pensado para saltar de la página

Apenas gritar se publicó este año, poco después de que la autora sacara La casa de tierra y piel (2024). Pero desde el primer momento quedó claro que la presentación del libro pedía algo más.

La Experiencia Libros concibe cada obra como un objeto singular donde importan el diseño, la ilustración y las nuevas formas de llegar al lector. En Apenas gritar, esa filosofía se traduce en dos maquetaciones distintas realizadas por las jóvenes ilustradoras Sandra Fernández y Lucía Borrego, además de códigos con enlaces a los poemas recitados por la propia autora.

“Llevar el libro a festivales representa el espíritu de La Experiencia: llevar el texto escrito un poco más allá de sus formas tradicionales”, explica Lecharlier. Y eso fue exactamente lo que hicieron en Avilés.

Tres músicos sobre las tablas (y un invitado de última hora)

El proyecto echó a andar en marzo en el Museo Pedrilla de Cáceres y desde entonces no ha parado de crecer. En directo, Charlotte recita acompañada por Pedro Calero al piano y Enrique Tejado al bajo y contrabajo. En Avilés, además, se sumó a la batería en los temas finales el extremeño Javi Tei, amigo de la autora que andaba por allí.

El grupo se mueve entre el jazz, el electrojazz y pasajes sonoros diseñados a medida, con composiciones originales de Calero. Pero la intención no es ponerle música de fondo a una lectura.

Cada pieza se construye desde la entraña del poema. La música no acompaña: actúa como una voz más dentro del espectáculo. “No se trata simplemente de poner música a unos versos o de recitar por encima de un acorde, sino de crear un espacio común en el que palabra y música se transforman mutuamente”, señala la poeta. Los músicos escuchan lo que dice la voz y la voz reacciona a lo que pasa en el instrumento en tiempo real.

Los textos viajan por terrenos muy diversos: la memoria, el cuerpo, la infancia, la identidad heredada, la libertad y la resistencia. Al pasar por el filtro del jazz, cobran una fuerza distinta. Para Lecharlier, recitar así es una experiencia casi física: “Es un momento único de encuentro con la emoción de la música, de la audiencia y del propio texto. Me exige un estado de concentración absoluta en el aquí y ahora”.

Una sala pequeña que terminó llena

En Avilés actuaron en una sala reducida del Conservatorio Julián Orbón. Esa cercanía jugó a favor para crear un clima espeso y directo. El aforo se completó rápido.

Para el grupo, más allá del lleno, lo importante fue ver cómo reaccionaba la gente ante una propuesta que busca llevar la poesía al cuerpo y no dejarla solo en la cabeza. “Fue emocionante comprobar hasta qué punto el público se dejó atravesar por la propuesta”, comenta la autora. La respuesta en la sala, las charlas al terminar y las impresiones durante la firma de libros fueron lo mejor del viaje.

Otros proyectos y una ventana internacional

Apenas gritar no es la única aventura musical de Lecharlier. La poeta trabaja también en el grupo La Cour des Miracles junto al guitarrista Santiago Avendaño y la violinista y cantante Ana Eusse. Ahí lleva sus versos a un terreno más cercano al folk, comprobando cómo un mismo poema cambia radicalmente según la atmósfera sonora que lo envuelve.

Además, su paso por el Fifty-Fifty coincidió con otra noticia: su selección para el proyecto Poetas con Ñ: Mujeres en verso, comisariado por Adriana Bertorelli y el artista visual Juan Carlos García-San Pedro. Se trata de una iniciativa de videoarte que busca difundir las voces de poetas en castellano de ambos lados del Atlántico, en la que participan nombres de la trayectoria de Gioconda Belli o Elsa López.

Ese cruce de disciplinas y generaciones encaja de lleno con el espíritu del Fifty-Fifty. Sus organizadores —Sergio, Yvan, Gonzalo y Alfonso— han conseguido crear un espacio donde los y las artistas no solo van a tocar, sino a escucharse y conocerse.

El viaje de Apenas gritar demuestra que la poesía tiene salidas fuera de la página impresa. Salió de una editorial cacereña, viajó en la voz de una poeta belga con tres músicos en directo y terminó emocionando a una sala llena en Avilés. La prueba de que, cuando se abren las ventanas, la literatura sigue encontrando nuevos lugares donde quedarse.

Las máquinas pueden terminar una canción, generar una imagen o escribir un guion. Lo que no pueden anticipar es lo que sucede cuando un músico, una bailarina y un pintor en un espacio compartido deciden crear sin saber qué va a ocurrir a continuación. Ahí es donde empieza Cáceres Improvisados.

El encuentro internacional de improvisación libre multidisciplinar celebra su quinta edición los días 2, 3 y 4 de octubre y vuelve a situar en el centro aquello que rara vez encaja en las programaciones culturales: el riesgo, el accidente, la escucha y la capacidad humana de reaccionar en el instante. Diecisiete artistas de España, Estados Unidos, Argentina, Francia y Grecia convivirán en el espacio AlBorbollón, junto al embalse del Borbollón, y llevarán también parte de sus intervenciones a la piscina natural de Villasbuenas de Gata.

La principal novedad este año es el formato de residencia. Los y las participantes compartirán durante tres días el mismo lugar “para crear, conversar, comer, dormir y soñar juntos”. La organización, encabezada por el músico cacereño Epy Figueroa, responde así a una demanda repetida tras cada edición: disponer de tiempo real para hablar del trabajo creativo y generar vínculos más allá del escenario. Figueroa, impulsor también del colectivo Pool 369º, lleva años defendiendo la improvisación como una forma de escucha y de presencia, alejada de la búsqueda de la perfección artística.

Esta nueva edición reivindica la inteligencia natural del artista en un momento en que la inteligencia artificial interviene en cada vez más fases del proceso creativo. La improvisación permite responder a lo que ocurre en ese mismo instante, incorporar un accidente, cambiar una decisión o dejar que una idea conduzca a otra. No se trata de competir con una máquina, sino de asumir que nadie sabe qué va a suceder ni de buscar necesariamente agradar. El encuentro aspira a provocar, despertar curiosidad y cuestionar qué entendemos por obra de arte. La experiencia puede generar placer o calma, pero también rechazo o desconcierto. Todo forma parte del viaje.

El viernes 2 comenzará con la recepción de participantes, una sesión de DJ de Gregorio Kazaroff, el Dominó —septeto de dúos y solos—, la cena y una jam libre y dirigida. El sábado será la jornada central. Tras Improrrelax y el desayuno, a las once y media llegarán las intervenciones en la piscina natural de Villasbuenas de Gata: pigmentos de Carlos del Olmo; un happening de Joana Sardá y Mariana Piñeiro; música de Pedro Caballero; y una intervención de Quique Esteban. La propuesta busca dejar una huella efímera en diálogo con la naturaleza, destinada a desaparecer salvo en la memoria de quienes la presencien.

Por la tarde actuarán Sköglund, Al Eslou, el trío n! / m!(n-m)! —Pedro Caballero, Jorge de los Santos y Figueroa— y John Falcone con un ensemble de improvisación dirigida. A las seis y media se proyectará el documental de David Picó sobre el método de Víctor Nubla, con presencia del autor. Después llegará Litofonix, dúo formado por Pierre Grandidier y Petros Tzekos. La noche cerrará con Delfín Trío, Andrés León con su bajo eléctrico, Chema Pastor a la batería y David Paredes con la guitarra eléctrica, y una nueva jam.

El domingo se dedicará al desayuno, al círculo de palabra y el cierre. Además, se desarrollarán dos propuestas específicas: Tente-en-pie, supervisada por Carlos del Olmo, donde se construirán figuras arquitectónicas con piezas de Tente; y Barro-es-cultura, happening colectivo en el que los participantes trabajarán con los ojos tapados, guiados solo por el tacto. Todo el proceso será filmado como documentación de la pieza.

La escena de improvisación en Cáceres lleva años creciendo. En 2019 ya reunía a artistas de distintos puntos del país y desde entonces ha ampliado disciplinas y conexiones. La relación con la naturaleza tampoco es nueva: el encuentro ha buscado siempre espacios abiertos y lugares de la geografía provincial como fuente de inspiración. Este año, el traslado al Borbollón lleva esa idea más lejos.

La quinta edición reúne música, electrónica, pintura, arquitectura, danza, teatro, expresión corporal, instalación, documental y performance y desde la organización se quiere seguir ampliando disciplinas en futuras ediciones, desde la gastronomía y la moda hasta la artesanía, el arte digital o la escritura espontánea.

Todas las actividades son gratuitas y abiertas a todo tipo de público aunque desde la organización se agradecerá aportaciones voluntarias para cubrir los gastos de artistas que viajan desde distintos puntos geográficos. Los patrocinadores de esta edición son Pura Vida Viajes, Arín Dodó, Croissanterie Rosendo, Producciones Audio Media, Asociación TalentiaEx, Colectivo Pool 369, panadería escuela Pan Habla, restaurante tapería Octavo Arte, Espacio Inspira, Boutique Martina, The Al Eslou Foundation for Free Fun, y música y más allá.

Una guitarra junto a una piscina natural. Un cuerpo que responde a un sonido. Un trazo de pigmento. Una pieza de barro construida a ciegas. Una conversación irrepetible. Después, todo desaparece. Solo queda el recuerdo exacto de haber presenciado algo que solo pudo ocurrir una vez.

La Diputación de Badajoz ha levantado en los últimos años un ecosistema escénico que funciona como una red de sostén para el teatro profesional, el tejido amateur y la formación de públicos en toda la provincia. Lo ha hecho desde una premisa que atraviesa toda su política cultural: la cultura como herramienta de cohesión territorial y como garantía de igualdad entre municipios que, por su tamaño o recursos, nunca podrían sostener una programación estable sin apoyo institucional. Ese principio vertebra el I Plan Estratégico Provincial de Dinamización Cultural 2023‑2027 y explica por qué, solo en 2025, la corporación destinó más de 10,7 millones de euros a cultura dentro de un presupuesto departamental de 20,2 millones, alcanzando una cobertura del 100 % del territorio con más de 2.200 actividades anuales. En los pueblos de menos de 20.000 habitantes —el corazón rural de la provincia— la inversión asciende a 50,51 euros por habitante, casi el doble del promedio provincial, lo que permite sostener una media de 13,3 actividades culturales al año en cada localidad.

Ese esfuerzo se materializa en una arquitectura de programas que combina exhibición profesional, formación de públicos, apoyo a la creación y dinamización comunitaria. En ese entramado, D’Rule: Artistas en el Territorio es el dispositivo central de exhibición teatral profesional. Desde 2016, descentraliza la oferta escénica y garantiza que los pueblos puedan acceder a montajes de compañías extremeñas consolidadas sin asumir el coste real del caché. En 2026, el programa reparte 300.000 euros entre municipios y entidades locales menores, cubriendo hasta 2.500 euros por representación —5.000 en los casos de localidades con dos obras— y asegurando que todas las funciones se desarrollen entre octubre y finales de año. La resolución de este año ha beneficiado a 85 localidades, que programarán espectáculos de compañías como Samarkanda Teatro, Teatro Girigai, Karlik Danza Teatro, Verbo Producciones, Teatro de Papel, Las Cuatro Esquinas Producciones, De la Luna Teatro, Atakama, Maltravieso Teatro o Francis J. Quirós Producciones, todas ellas integradas en la Guía de Artistas y Grupos de la Diputación.

La formación de públicos se aborda desde la infancia con PequEscena, un festival que desde 2022 lleva títeres, clown, teatro de objetos y narración escénica a casas de cultura rurales. Su repertorio combina compañías extremeñas y nacionales —Tropos Teatro de Títeres, Titiriteros de Binéfar, Marmore Producciones, Chameleon Producciones, Bambalía Escénica o El Avispero— y este año volverá a desplegarse entre octubre y diciembre, consolidándose como la puerta de entrada al hecho escénico para miles de niños y niñas del medio rural. A su alrededor orbitan otros circuitos sectoriales —BadeCirco, Badakadabra, Danzaria— que diversifican la oferta de calle y sala en municipios pequeños y completan la estrategia de acceso temprano a la cultura dramática.

La Diputación sostiene además una constelación de festivales que amplían el mapa escénico provincial y regional: el Festival de Teatro de Vegas Bajas, el de Casas de Regina, el Festival de Teatro Musical de Don Benito, el Amateur de Extremadura, el Festival Internacional de Teatro de Badajoz y el Festival de Mérida. Todos ellos cuentan con financiación provincial, ya sea mediante patrocinios directos o a través de las convocatorias para ayuntamientos y asociaciones culturales, lo que permite que la programación profesional y de gran formato llegue a públicos que, de otro modo, quedarían fuera de los circuitos escénicos nacionales.

La estructura de subvenciones completa este modelo con dos líneas diferenciadas: una para administraciones locales y otra para asociaciones y fundaciones. El Plan Provincial de Cooperación para el Programa de Dinamización Cultural, dotado con 785.000 euros, funciona en concurrencia no competitiva y permite a cada municipio programar hasta tres actividades entre enero y octubre, con ayudas de 1.500 euros para compañías profesionales y 1.000 para agrupaciones amateur. En paralelo, las convocatorias para asociaciones sufragan festivales, muestras de teatro aficionado, certámenes y proyectos comunitarios, mientras que las ayudas de capital financian equipamiento técnico y reformas en espacios escénicos locales, un aspecto crucial para que los municipios más pequeños puedan cumplir los requisitos técnicos exigidos por circuitos como D’Rule.

El apoyo a la dramaturgia se articula mediante la cooperación con la Federación de Asociaciones de Teatro de Extremadura, FATEX, y las diputaciones de Badajoz y Cáceres. El Premio Internacional Raúl Moreno FATEX otorga 4.000 euros a la obra ganadora y 2.000 al accésit, y publica ambos textos en un volumen bilingüe castellano‑portugués que favorece el intercambio escénico a través de la Raya. Los grupos federados en FATEX estrenan y giran estas obras en la Red de Teatro Amateur. El Premio de Autor Extremeño, reservado a dramaturgos nacidos o residentes en la región, concede 500 euros y publica la obra en la colección Escena Extremeña, también en edición bilingüe. La Red de Teatro Amateur de FATEX completa la oferta con representaciones en salas municipales durante el otoño.

El impacto socioeconómico de este modelo es doble. Por un lado, la cobertura íntegra del caché en D’Rule y en el Plan de Dinamización estabiliza el mercado laboral escénico extremeño, garantizando ingresos recurrentes para cooperativas y pymes teatrales en un contexto donde la taquilla municipal no puede absorber los costes reales de producción. La Guía de Artistas y Grupos actúa como registro técnico que asegura condiciones salariales acordes al mercado y evita la devaluación del trabajo artístico. Por otro, la inversión concentrada en municipios pequeños neutraliza la brecha de acceso a la cultura dramática y consolida hábitos culturales tempranos gracias a programas como PequEscena. La cooperación transfronteriza de los premios FATEX proyecta la dramaturgia extremeña hacia Portugal y crea un espacio bilingüe singular en el panorama teatral español.

Los retos, sin embargo, persisten. La exigencia técnica de los recintos aptos para montajes profesionales sigue siendo una barrera para las entidades locales menores, lo que obliga a mantener líneas de modernización infraestructural para evitar exclusiones. También es necesario seguir afinando la coordinación entre los distintos agentes institucionales para evitar la concentración de programación en el último cuatrimestre y garantizar un flujo escénico continuo durante todo el año.

Equilibrar el territorio

El resultado es un modelo que no solo programa teatro: lo convierte en infraestructura pública, en una forma de presencia institucional que equilibra el territorio y sostiene la vida cultural de los pueblos. En un contexto donde la oferta escénica depende casi por completo del impulso público, cada función es una afirmación de igualdad y de derecho: la certeza de que la creación dramática no es un privilegio urbano, sino un bien común que pertenece a todas las comunidades. La Diputación de Badajoz ha construido una red que permite que el teatro profesional viva de su trabajo, que la infancia acceda a la cultura desde sus primeros años y que la dramaturgia extremeña circule más allá de sus fronteras. Ese es el verdadero impacto: un territorio donde la cultura no se improvisa y además consigue sostenerse. Donde el teatro no es considerado simplemente como un evento, sino como una forma muy presente de futuro.

Y por eso este modelo importa. Porque convierte la cultura en infraestructura cívica, garantiza que la profesión teatral pueda vivir de su trabajo y mantiene abierto un horizonte creativo que, sin esta red, se estrecharía hasta desaparecer.

'Los ilusionistas', la historia familiar con la que Marcos Giralt Torrente traza un amplio retrato histórico de España, se ha alzado con el XXI Premio Dulce Chacón de Narrativa Española. El galardón, convocado y organizado por la Diputación de Badajoz y dotado con 9.000 euros, reconoce una obra que indaga en la identidad personal y colectiva a través de la memoria.

El fallo se ha dado a conocer tras la reunión del jurado final presidido por el vicepresidente de la institución provincial, Ramón Díaz Farias, y del que han formado parte Juan Ángel Juristo, David Uclés, Ana Belén Álvarez, Joaquín Mora, Manuel Candalija, Antonio José Girol, María Isabel López, Isabel Mª Pérez, Rafael Soler, Antonio Sáez, Miguel Ángel Lama, Sara Solomando, Luis García y Juan Luis Cano, con Francisco García en las labores de secretaría.

Desde la Diputación de Badajoz han subrayado el amplio consenso alcanzado por “un jurado de criterios dispares, plural y que garantiza un fallo justo”. En el proceso de deliberación han convergido la propia institución provincial, expertos del jurado preliminar, la Junta de Extremadura, la Universidad regional, el ganador de la edición anterior, la Asociación de Escritores y Escritoras Extremeños, la Asociación Colegial de Escritores, traductores, académicos, la familia de Dulce Chacón y, de manera primordial, los lectores de los pueblos y sus bibliotecas públicas.

Un retrato íntimo desde la Segunda República

En la última sesión de debate, el jurado analizó cuatro obras finalistas “perfectamente premiables”, inclinándose finalmente por la propuesta de Giralt Torrente. Los miembros del tribunal han valorado la capacidad del texto para mantener el rigor a través de sus personajes, la diversidad de compromisos que asume y el cuidado de su estilo narrativo.

A través del árbol genealógico del autor y del devenir del país desde la Segunda República hasta la actualidad, 'Los ilusionistas' plantea cuestiones clave sobre la condición humana en una suerte de desahogo autobiográfico. A medida que avanza el texto, el escritor explora las grietas de los vínculos personales con una prosa “elegante” y un manejo de los silencios “que enamoran”, logrando trascender el mero argumento individual mediante una temática intimista de abstracción universal.

El jurado ha destacado asimismo la reivindicación que la obra hace de las relaciones afectivas y del papel de la mujer dentro de la escena doméstica, configurando un fresco social que permite reflexionar sobre las desigualdades y la construcción de la identidad presente.

El legado de Dulce Chacón y el horizonte de Zafra

Durante el acto, el vicepresidente tercero de la Diputación recordó que la meta de la institución es “hacerse eco del espíritu de Dulce Chacón”, figura cuya memoria ha guiado el periodo de lectura de los evaluadores.

En la misma línea, el director del Área de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional, Manuel Candalija, enfatizó que la administración provincial busca “acompañar y no influir” en la preservación del legado de la escritora segedana. Asimismo, reiteró que la Diputación mantiene su disposición a devolver la organización del galardón a Zafra en cuanto se garantice su adecuado cuidado y desarrollo, asegurando que los valores de justicia, dignidad y derechos humanos por los que luchó la autora continúan resguardados junto a la Asociación Cultural Dulce Chacón.

Marcos Giralt Torrente recogerá el galardón a finales de noviembre durante una gala que se celebrará en Olivenza, como reconocimiento al trabajo desempeñado por el segundo Jurado Popular de esta XXI edición.

Proyecto Extremadura, iniciativa promovida por la Fundación Caja Extremadura y la Fundación Cajalmendralejo, ha inaugurado en el Museo de Cáceres, con sede en la Casa de los Caballos, la muestra ‘Saberes del hacer y memoria de la materia’.

La exposición, protagonizada por la artista textil Sonia Navarro, invita a reflexionar sobre el valor de los conocimientos, técnicas y formas de creación vinculadas a los tejidos y a la memoria colectiva, en un proyecto que podrá visitarse en la capital cacereña hasta el próximo 1 de octubre.

La propuesta sitúa al arte textil como un espacio de conocimiento y preservación del patrimonio cultural, reivindicando la relevancia de unas prácticas e identidades tradicionalmente vinculadas al ámbito doméstico y al trabajo de las mujeres. Durante el acto de apertura, la presidenta de la Fundación Caja Extremadura, Pilar García-Ceballos Zúñiga, destacó la capacidad del lenguaje textil para conectar la creación contemporánea con el oficio artesanal y la transmisión intergeneracional de saberes.

Las obras que integran la muestra constituyen el resultado final de cuatro días de experimentación y aprendizaje intensivo desarrollados en la capital cacereña dentro del programa Obra Abierta_Formación. Esta plataforma busca generar oportunidades de aprendizaje para creadores emergentes, facilitándoles espacios de intercambio con profesionales del sector. Como parte del programa formativo, el encuentro incluyó también la conferencia 'El Color y la Materia', impartida por la especialista Elena Goded, centrada en la vinculación entre tintes naturales, materiales y creación textil.

En la presentación oficial intervinieron asimismo la directora del Museo de Cáceres, Raquel Preciados, y la directora general de la Fundación Caja Extremadura y la Fundación Cajalmendralejo, Leonor García Rodríguez, junto a la propia artista Sonia Navarro. La exposición permanecerá abierta durante los próximos días para acercar al público cacereño los procesos de creación que se esconden detrás de la materia textil.