La Sala Vaquero Poblador del Palacio Provincial de la Diputación de Badajoz ha inaugurado ‘Poética de lo sensible’, una exposición de la artista pacense, Carmen de Matos, que propone una mirada contemporánea sobre el patrimonio, la identidad y la memoria colectiva a partir de un elemento tan próximo como el azulejo.

Durante el acto, que contó con una actuación de danza y canto a cargo de José Manuel Trejo y María Fernanda Trejo, el diputado del Área de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional, Ricardo Cabezas, ha destacado la evolución de la Sala, que se ha consolidado como una plataforma para los artistas y como un espacio de encuentro con la creación de nuestro tiempo. En este sentido, ha subrayado el compromiso de la institución provincial con el talento de la provincia, tanto a través de sus espacios culturales como del Museo de Bellas Artes, sus programas y sus patrocinios y colaboraciones.

Cabezas ha puesto especialmente en valor la trayectoria de Carmen de Matos, nacida en 1999, como ejemplo de una juventud que apuesta por su vocación, investiga y encuentra en su propia tierra una fuente de inspiración. Una apuesta que, ha señalado, también ha podido proyectarse fuera de Extremadura, como demuestra la presencia de la artista en ARCO, donde este año tuvo una destacada participación gracias al stand de la Diputación.

La exposición nace de un trabajo de campo desarrollado por Extremadura, durante el que la artista ha recopilado un archivo fotográfico de los azulejos presentes en diferentes espacios y arquitecturas. A partir de esas imágenes, de Matos reconstruye y reinterpreta sus diseños mediante pintura, fotografía, cerámica e instalación, alejándose de la mera catalogación para convertir esos motivos tradicionales en nuevas formulaciones visuales.

Las obras incorporan las huellas del paso del tiempo (grietas, desgaste, deterioro o vegetación) como parte esencial de su significado. En lugar de entender la degradación como una simple pérdida, la artista la convierte en un registro de aquello que permanece y se transforma. Así, el patrimonio aparece como un elemento vivo, capaz de adaptarse y adquirir nuevos significados.

Entre las propuestas de la muestra se encuentra también “Remiendos”, una serie de piezas cerámicas en las que el azulejo modifica su propia materialidad para adquirir una apariencia flexible y textil. El gesto de remendar se convierte en una metáfora de la transmisión cultural: reparar, transformar y añadir nuevas capas sin borrar completamente aquello que permanece.

Por su parte María Teresa Rodríguez, directora del Museo de Bellas Artes de Badajoz, ha asegurado que la técnica se aprende, “pero ella tiene un don”. Sin llegar a los 30 años de edad, “tiene una proyección espectacular”, con una gran capacidad de plasmar al ser humano gracias a su formación como antropóloga, que le permite “buscar el eco de las personas que habitaron lugares abandonados”. Por último, Rodríguez ha puesto en valor la visión de Carmen de Matos, una visión que “invita a cuidar el patrimonio”.

Hasta el 17 de octubre

La responsable de todo ello tomó la palabra también para presentar su “trampantojo”, porque se centra en el paso del tiempo, para reflexionar sobre aquello que se conserva y aquello que olvidamos.

Con 'Poética de lo sensible', la Diputación de Badajoz da también comienzo al nuevo curso cultural del Palacio Provincial, que, en palabras de Ricardo Cabezas, aspira a estar marcado por “la calidad, la diversidad, la cercanía y la ambición”, acercando la cultura a la ciudadanía y contribuyendo al mismo tiempo a proyectar fuera de la provincia el talento que nace en ella.

La exposición podrá visitarse en la Sala Vaquero Poblador, en la calle Obispo San Juan de Ribera, del 3 de septiembre al 17 de octubre.

Cáceres volverá a transformarse en septiembre en un punto de encuentro para los amantes de la música y la cultura irlandesas. El Cáceres Irish Fleadh, único festival de estas características en España y referencia dentro del circuito europeo de música tradicional, celebrará su edición de 2026 del 17 al 20 de septiembre, ampliando su duración y reforzando su vocación internacional. La ciudad se prepara para recibir a músicos y músicas, bailarinas y visitantes que encuentran en este encuentro un modo de vivir la tradición irlandesa desde un territorio que ha sabido hacerla propia sin perder su identidad.

La tarde del 4 de septiembre dejó una imagen que resume dos décadas de trabajo cultural sostenido: la música irlandesa sonando en un salón diplomático madrileño mientras Extremadura reafirmaba su lugar en el mapa cultural europeo. La residencia del Embajador de Irlanda acogió la presentación oficial de la 22ª edición del festival, un acto que confirmó al Fleadh como uno de los grandes puentes culturales entre España e Irlanda.

Durante la presentación, Patricia Bravo, directora del festival, evocó la reciente visita a Dublín, donde el Fleadh fue presentado ante la prensa irlandesa con una acogida excepcional. Más de una decena de medios de la capital se hicieron eco del evento cacereño, consolidando una proyección que sitúa a Cáceres en el circuito internacional de la excelencia cultural. Bravo defendió que esta visibilidad no es un gesto simbólico, sino una estrategia que atrae turismo cultural de calidad y refuerza la imagen de la ciudad como escenario patrimonial vivo. También reivindicó el espíritu democrático del festival, ese modo de ocupar las calles con música, convivencia y respeto, donde las sesiones improvisadas y el tránsito de músicos entre palacios se convierten en la esencia del Fleadh.

La edición de 2026 llega marcada por una ampliación que refuerza su dimensión territorial y educativa. El festival suma un día más de programación y comenzará el jueves 17 de septiembre, extendiendo su presencia en la ciudad y en la provincia. La jornada del sábado 19 crecerá en número de conciertos, con actuaciones en la Plaza de Santa María y la participación de grupos procedentes de Irlanda, Reino Unido y Bélgica. Además, gracias al apoyo de la Diputación Provincial de Cáceres y MÁS MEDIO, el Fleadh desplegará talleres bilingües sobre el cuidado del agua y la naturaleza en cuatro municipios —Malpartida de Plasencia, Cadalso, Rosalejo y Arroyo de la Luz— los días 15 y 16 de septiembre. Estas actividades, impartidas por el grupo irlandés The Armagh Rhymers, buscan conectar la tradición musical con la educación ambiental y el vínculo entre territorio y cultura.

La presentación en Madrid estuvo arropada por más de treinta músicos y bailarines llegados de distintos puntos del país, que quisieron acompañar este arranque institucional. Uno de los momentos más emotivos lo protagonizó Sergio Gómez, El Gato con Jotas, quien interpretó música tradicional extremeña junto a varios integrantes del colectivo, marcando un hito histórico: nunca antes la flauta y el tamboril extremeños habían sonado en la residencia del Embajador de Irlanda. Ese gesto simbolizó la esencia del festival: un intercambio cultural que no diluye identidades, sino que las fortalece. Bravo lo expresó con claridad al reivindicar la importancia de conocer y valorar el propio legado para comprender la riqueza musical de otras culturas.

Con miles de visitantes cada año y más de un centenar de músicos y bailarinas, el Cáceres Irish Fleadh vuelve a convertir la Ciudad Monumental en un escenario abierto donde conviven conciertos, pasacalles, talleres y las célebres sessions en tabernas y plazas. La nueva edición, con su expansión territorial y su creciente proyección internacional, confirma que el festival ya no es solo una cita musical: es un puente cultural que une dos países a través de la tradición, la hospitalidad y la música que se comparte sin fronteras.

La edición de 2026, con su expansión territorial y su creciente proyección internacional, llega además en un momento decisivo para Cáceres, que avanza en su candidatura a Capital Europea de la Cultura en 2031. La presentación en Madrid, arropada por la diputada provincial Elisabeth Martín y el alcalde de Cáceres, Rafael Mateos, evidenció, sin embargo, la ausencia de representantes políticos de la Junta de Extremadura, un “vacío llamativo” en un acto que reforzaba precisamente la dimensión europea del festival, según la queja de la propia organización. Sí participó Amparo Jiménez Rubio, directora del CEMART, el Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura, dependiente de la Junta.

Más llamativo aún resulta que, pese a todo lo demostrado, el proyecto de capitalidad haya dejado fuera al Irish Fleadh. La organización recibió una comunicación en la que se insistía en que la programación para 2031 debía ser muy limitada y estrictamente alineada con los criterios de la Comisión Europea, y que solo más adelante se valorarían iniciativas con una dimensión europea nítida y con presencia de artistas internacionales. La contradicción es difícil de obviar: mientras el Fleadh acredita cada año su capacidad para tejer vínculos culturales entre países, activar patrimonio y proyectar a Cáceres en el mapa europeo, su exclusión en la capitalidad y la ausencia política autonómica en la presentación abren una duda legítima sobre la coherencia institucional en un momento en que cada gesto pesa en la ambición cultural de la ciudad.

Para Álvaro Payo, ser admitido con 17 años entre los 30 mejores aspirantes del mundo en la prestigiosa English National Ballet School de Londres era solo la mitad de la ecuación. La otra mitad se decidía a más de 2.000 kilómetros, en Aldea Moret, el barrio humilde de Cáceres donde el sueldo de su madre, trabajadora de la limpieza, marcaba el ritmo de una realidad insalvable: el dinero. Su plaza en la élite de la danza internacional no era solo un triunfo artístico: era una grieta en el techo de cristal que parece que ha vuelto a cerrarse.

Su familia comenzó entonces una carrera contrarreloj para conseguir financiación. Según explica su madre, se llegó a plantear un escenario en el que distintas administraciones y entidades aportarían ayudas que, sumadas, permitirían afrontar los gastos de la estancia en Londres. La familia sostiene que se manejó una posible aportación de 15.000 euros por parte de Cáceres 2031, pero la Junta de Extremadura le informó de que apenas serían 2.000 euros más los 5.000 euros de la Diputación Provincial, y 10.000 del consistorio, además de la cantidad que ellos, sus familiares, asumirían personalmente.

El Ayuntamiento, según la familia, mantuvo desde un principio su apoyo económico y su responsable de Cultura acompañó la tramitación de la documentación ya presentada. El problema llegó con Cáceres 2031. La candidatura había mostrado disposición inicial a respaldar el proceso, pero la solicitud, según el propio Consorcio, no llegó a formalizarse y por tanto no pudo ser tramitada. La familia del bailarín no comparte esta versión: sostiene que en un primer momento se les habló de una ayuda de 15.000 euros que después, siempre según su relato, se redujo a 2.000. En ese cruce de versiones y expectativas frustradas, la consecuencia fue la más dolorosa: Álvaro tuvo que renunciar a la plaza que Londres le había concedido y que él estaba preparado para aprovechar.

Promesas de papel

La familia tomó la decisión con “mucha rabia”, no por motivos académicos o artísticos, sino porque, después de superar la selección, no encontró el respaldo económico suficiente para aprovechar la oportunidad aunque en los primeros compases parecía que iba a ser posible. Se conservan correos electrónicos y documentación del proceso y sostienen que existió una expectativa real de que las administraciones, todas juntas, contribuirían a hacer posible el viaje y la estancia de Álvaro en Londres.

Para su madre Laura, el caso adquiere una dimensión especial porque Cáceres 2031 no es una entidad privada. El Consorcio está integrado por la Junta de Extremadura, el Ayuntamiento de Cáceres y las diputaciones de Cáceres y Badajoz. Su convenio de creación establece como objetivos hacer de la cultura un eje estratégico del desarrollo social y económico, potenciar la ciudad como factoría de producción cultural y proyectar internacionalmente las manifestaciones culturales extremeñas. La candidatura reivindica además una dimensión territorial y participativa que pretende extenderse al conjunto de Extremadura. Para la familia, ahí reside la contradicción: un joven que ya ha sido seleccionado por una institución internacional de referencia no pide una oportunidad, pide poder aprovecharse de ella. Y no ha podido ser.

La English National Ballet School representa, en palabras de su entorno, una oportunidad comparable a entrar en la cantera de un gran equipo deportivo antes de llegar a la primera división. La escuela señala que su alumnado termina incorporándose a compañías profesionales, entre ellas la English National Ballet y otras de prestigio internacional, y que aproximadamente un tercio de los bailarines de la compañía procede de su propio alumnado. Contempla becas y ayudas, aunque advierte de que son limitadas. Álvaro consiguió ser admitido, pero el apoyo obtenido no cubría los gastos de vivir y estudiar en una de las ciudades más caras de Europa. Una beca de matrícula no resuelve necesariamente el alojamiento, la manutención, el transporte y otros costes derivados de la estancia.

La renuncia a Londres no significa que Álvaro haya renunciado a la danza. Durante el verano ha conseguido nuevos reconocimientos y mantiene abiertas varias posibilidades de formación en España. Ha ganado un concurso celebrado en Calamonte y continuará preparándose durante el próximo curso. También tiene las puertas abiertas en Madrid: invitaciones de centros especializados como la Escuela de Nacho Duato, el Centro Coreográfico Carmen Amaya y el Conservatorio Profesional de Danza Mariemma.

Un 'Billy Elliot' en Aldea Moret

Pero Londres era otra historia. Era la entrada directa en uno de los circuitos internacionales de formación profesional de la danza clásica. La escuela británica le ha invitado de nuevo a presentarse para el curso 2026-2027 y abrirá próximamente el proceso para 2027-2028. La familia vive ahora en la incertidumbre: volver a intentarlo y confiar en que, llegado el momento, existan, ahora sí, apoyos suficientes para que la historia no se repita.

Álvaro vive en Aldea Moret, una de las zonas históricamente más vulnerables de Cáceres. Su madre trabaja como limpiadora y la familia sostiene que asumir durante un año los gastos de Londres está fuera de sus posibilidades económicas. Ese dato es central en esta historia: ¿qué ocurre cuando el talento aparece lejos de los circuitos sociales que tradicionalmente facilitan el acceso a determinadas oportunidades? Álvaro no ha llegado hasta Londres por recomendación familiar ni por disponer de recursos. Ha llegado después de años de formación y esfuerzo. Empezó a bailar con diez años, fascinado por Billy Elliot. Actualmente estudia en el Conservatorio Profesional de Danza de Cáceres y, según la información publicada tras su admisión, fue promocionado directamente de tercero a quinto por su nivel. Ahora afrontará el último tramo de su formación profesional y el Bachillerato mientras continúa entrenando.

El caso es que esta biografía trasciende al nombre de Álvaro Payo: ¿qué sucede con los jóvenes extremeños que llegan a las puertas de grandes instituciones culturales pero necesitan apoyo económico para atravesarlas? ¿Qué significa hablar de cultura como motor de desarrollo, igualdad de oportunidades y proyección internacional cuando una familia no puede convertir una plaza conseguida por méritos propios en una carrera profesional?

Cáceres 2031 sostiene que la cultura debe actuar como un motor capaz de transformar el territorio, fortalecer la cohesión social y abrir espacios de innovación. La historia de Álvaro obliga a mirar ese discurso desde su reverso: un joven de 17 años que obtuvo una plaza en Londres, una oportunidad que él no rechazó, una puerta que permanecía abierta y que, sin embargo, tuvo que dejar atrás. No por falta de talento, ni por ausencia de recursos familiares suficientes, sino por la ausencia de una apuesta institucional clara, sostenida y decidida. Su caso convierte en materia concreta lo que tantas veces se formula en abstracto: de qué sirve hablar de cultura como palanca de futuro si, cuando ese futuro aparece en forma de un adolescente extremeño admitido en una de las escuelas más exigentes del mundo, las instituciones no son capaces de acompañarlo hasta el final del camino.

Álvaro conserva la esperanza de que el próximo año pueda volver a intentarlo. Pero queda una pregunta pendiente para las instituciones extremeñas: qué debe ocurrir para que un joven que ha demostrado su talento no tenga que renunciar a una oportunidad internacional simplemente porque su familia no puede pagarla al completo.

La imposibilidad de salir de la propia clase social no suele manifestarse como un muro visible, sino como una suma silenciosa de límites que se heredan sin haberlos elegido. No es solo la falta de recursos materiales, sino la ausencia de redes, de contactos, de capital cultural y de margen para asumir riesgos. Quien nace en un entorno determinado aprende pronto que cada avance exige un esfuerzo desproporcionado y que cualquier oportunidad depende de factores externos que rara vez están a su alcance. La movilidad social, presentada como una promesa democrática, se convierte así en un relato aspiracional que no siempre coincide con la experiencia real: hay trayectorias que, por mucho talento o disciplina que acumulen, chocan una y otra vez contra estructuras que reproducen la desigualdad y que condicionan de forma decisiva el destino de quienes intentan romperlas.

El Gran Teatro de Cáceres encarará entre los meses de septiembre y diciembre el último tramo de las celebraciones por sus cien años de historia. Para este cierre de aniversario, el recinto cultural ha diseñado una programación multidisciplinar que reunirá propuestas de humor, música, teatro, flamenco, zarzuela y ópera, con la presencia de figuras como Ernesto Sevilla, Diana Navarro o Pedro Pastor.

El calendario arrancará el 5 de septiembre fuera de su sede habitual con la representación del musical ‘Sonrisas y lágrimas’ en la Plaza de Toros de Cáceres. Ya en el Gran Teatro, la actividad comenzará el 18 de septiembre con el espectáculo ‘Vuela alto. Tributo a Bambino’, interpretado por Caty Palma, al que seguirá el día 25 la revisión contemporánea del mito clásico ‘Jasón y las Furias’.

La comedia ocupará un lugar destacado durante el mes de octubre. El monologuista David Suárez actuará el día 2 con su propuesta ‘Humor blanco por última vez’, mientras que J.J. Vaquero subirá al escenario el día 17 con un espectáculo apoyado en recursos audiovisuales.

Uno de los momentos cumbre de la programación del centenario llegará el 23 de octubre con la puesta en escena de la ópera ‘Madama Butterfly’, de Giacomo Puccini. La producción, asumida por Ópera LGAM en colaboración con la Ópera Nacional de Moldavia, congregará a más de 70 artistas entre orquesta, coro y solistas internacionales. El montaje contará además con los decorados originales de la institución moldava y traducción simultánea al castellano.

Un noviembre musical y el cierre de año

El mes de noviembre concentrará buena parte de la oferta musical y de entretenimiento. El humorista Ernesto Sevilla presentará el 6 de noviembre su show ‘Yo, literal’, al que tomará el relevo el concierto de Astola el día 8. El 13 de noviembre, Diana Navarro celebrará dos décadas de carrera con ‘Ya no estoy sola. 20 Aniversario’, una propuesta que combina copla, flamenco, zarzuela y sonoridades actuales.

La agenda continuará el 14 de noviembre con el título lírico ‘La Revoltosa’, seguido del comediante Abián Díaz y su ‘Show patético’ el día 15. El grupo La Llave actuará el 21 de noviembre, mientras que el cantautor Pedro Pastor cerrará los conciertos del mes el día 28 con ‘10 locos años descalzos’, un recorrido por su década de trayectoria en el que hibrida canción de autor, ritmos latinoamericanos, cumbia, funk y folclore.

La programación especial del centenario concluirá el 11 de diciembre con el concierto de Javi Medina en el marco de su ‘Gato Negro Tour 2026’, una gira que fusiona las raíces del flamenco con tendencias contemporáneas.

El verano transforma drásticamente la fisonomía de los pequeños municipios de la provincia de Badajoz. Plazas históricas de localidades integradas en comarcas como La Siberia, la Campiña Sur o los Llanos de Olivenza, habitualmente marcadas por el silencio asociado al descenso demográfico y la pérdida progresiva de población, recuperan temporalmente el pulso con el regreso estival de emigrantes y veraneantes. Sin embargo, el verdadero desafío de la administración pública local no consiste en gestionar este dinamismo estacional, sino en transformarlo en un motor estructural capaz de fijar población a largo plazo y garantizar el derecho al acceso universal a la cultura en condiciones de estricta equidad geográfica.

En este complejo escenario, la gestión cultural ha dejado de ser entendida como un gasto suntuario o meramente lúdico para articularse como una herramienta de transformación socioeconómica de primer orden. Lejos de la lógica comercial de los grandes festivales urbanos, el Plan Estratégico Provincial de Dinamización Cultural, diseñado por el Área de Cultura de la Diputación de Badajoz, opera como una red técnica y económica que sostiene el territorio. Con una inversión presupuestaria descentralizada que supera ampliamente el tradicional umbral de los 600.000 euros en ayudas sectoriales directas, la institución provincial articula su acción a través de 40 programas culturales propios diseñados específicamente por y para el entorno rural.

La metodología frente al escaparate

Históricamente, las políticas de dinamización en las zonas de baja densidad demográfica han adolecido de una falta de planificación a largo plazo, cayendo de forma recurrente en la arbitrariedad o en el evento efímero carente de arraigo social. Para evaluar el impacto real de los recursos públicos destinados por la Diputación pacense, resulta imprescindible examinar una metodología de gestión que se estructura en tres niveles específicos de fiscalización: la definición de líneas de actuación (que abarcan desde subvenciones a entidades locales hasta programas propios), la concreción minuciosa de los contenidos y, finalmente, una fase rigurosa de evaluación y seguimiento que mide los resultados iniciales, el proceso y el impacto obtenido en cada comunidad.

Bajo este prisma, el plan no funciona como una mera ventanilla pasiva de reparto de fondos. Según consta en las directrices de su ordenación interna, la oferta cultural responde a un modelo de codecisión donde las entidades locales, el tejido asociativo y las empresas creativas de Extremadura participan formalmente en el diseño de los contenidos. La transparencia y la equidad en la distribución de estos recursos —mecanismos tradicionalmente demandados por la ciudadanía y los agentes del sector— se articulan a través de un decálogo de actuación. Este documento establece baremos técnicos estrictos y plazos rigurosos con el objetivo de evitar desequilibrios históricos entre los municipios con mayor capacidad presupuestaria y aquellos ayuntamientos de menor población que carecen de personal técnico especializado en gestión cultural.

De las plazas estivales al otoño teatral

Uno de los ejes con mayor tracción e impacto social durante los meses de verano es el ciclo 'Músicos en Movimiento'. Este programa propio traslada a bandas, cantautores y agrupaciones extremeñas a escenarios no convencionales del entorno rural, garantizando una facturación directa para las industrias creativas de la región y ofreciendo alternativas artísticas de alta calidad que equiparan la vivencia rural a la urbana. La llegada de estos circuitos genera, además, un dinamismo económico indirecto en sectores como la hostelería, el comercio y la restauración local, demostrando que la cultura funciona como un vector productivo medible y eficiente.

La sostenibilidad del tejido rural, sin embargo, exige que la oferta cultural no se desvanezca cuando concluyen las vacaciones de verano. La verdadera prueba de resistencia demográfica para los pequeños municipios comienza en otoño, cuando la población flotante se reduce de forma notable y los días se acortan. Es en ese tiempo más frágil y silencioso cuando entran en juego los programas específicos del Plan Estratégico, concebidos para mantener vivas las infraestructuras locales y sostener la actividad cultural allí donde más se resiente la estacionalidad.

Entre esos programas destacan 'D’Rule', un circuito ya consolidado que lleva teatro profesional a los espacios escénicos municipales y acerca montajes contemporáneos a públicos tradicionalmente alejados de los grandes circuitos comerciales; 'A Carcajadas', certamen dedicado al humor y a las artes escénicas de carácter cómico y circense, planteado para democratizar el acceso al teatro desde una perspectiva inclusiva, vecinal y familiar; y 'DíJazz', festival que articula la divulgación del jazz en el ámbito rural, rompe el elitismo que suele rodear a este género y contribuye a consolidar públicos estables en el interior de la provincia.

Las infraestructuras estables como soporte del medio rural

La institución provincial no limita su radio de acción a la itinerancia; se apoya firmemente en una red de centros de referencia regional con base en la capital provincial, pero cuya vocación de servicio se extiende de forma integral a toda la ciudadanía pacense. Destaca en esta red 'El Hospital Centro Vivo', un antiguo hospital provincial íntegramente rehabilitado y reconvertido en una plataforma ciudadana para la divulgación artística y la exhibición de las señas de identidad locales. A este espacio se suman el Museo Provincial de Bellas Artes (MUBA), que custodia una de las colecciones pictóricas más relevantes de Extremadura; los Conservatorios de Música Superior y Profesional, que garantizan la formación musical reglada y pública; y el Archivo Provincial junto al Servicio Provincial de Bibliotecas, piezas clave en la asistencia técnica a los municipios y en la conservación de la memoria histórica a través del Centro de Estudios Extremeños.

Fiscalizar el retorno: más allá de las cifras

Desde una perspectiva estrictamente informativa y rigurosa, el éxito de este despliegue institucional no debe medirse exclusivamente por el volumen bruto de su presupuesto o por el número de eventos programados, sino por su capacidad real para generar resiliencia comunitaria. Los datos de la hemeroteca cultural evidencian que el acceso continuado a servicios públicos de calidad —donde la cultura, la educación y el deporte ocupan un lugar prioritario junto a la sanidad o los servicios sociales— resulta determinante a la hora de decidir la permanencia residencial en núcleos de población vulnerables.

Por todo esto, la Diputación de Badajoz basa su trabajo en este área con un documento vivo y en constante transformación. En un contexto global donde la despoblación amenaza la supervivencia de identidades municipales completas, la articulación de alianzas sociales entre los ayuntamientos, el tejido asociativo y la propia Diputación se presenta como la única vía sostenible para asegurar que los pueblos de Badajoz no queden reducidos a meros escenarios estivales, sino que continúen vigentes como espacios de vida dignos, cultos y dinámicos durante los 365 días del año.

Identidad cultural de ida y vuelta

De esta manera, Óscar Elías, desde el Área de Cultura de la Diputación de Badajoz, defiende una concepción de la cultura como herramienta de transformación social y vertebración del territorio. Explica que hace más de una década la institución apostó por desarrollar proyectos culturales a medio y largo plazo que permitieran llevar propuestas de calidad a todos los rincones de una provincia tan extensa, especialmente durante los meses de verano. Y fue en ese contexto cuando nació el FIMM, el festival itinerante de músicos en movimiento, concebido para reducir costes para la Administración y, al mismo tiempo, dar visibilidad y oportunidades a las bandas extremeñas, proporcionándoles los medios técnicos necesarios para que pudieran desarrollar sus actuaciones en igualdad de condiciones. Una década después y cerca de un centenar de festivales celebrados, Elías considera que aquella apuesta ha contribuido a crear una identidad cultural propia y un vínculo entre los y las artistas y sus territorios: “Nuestras bandas son profetas en su propia tierra, las localidades las demandan y las siguen”. El proyecto, añade, no se limita a la programación, sino que ofrece a los músicos recursos audiovisuales para profesionalizar sus dossiers, amplía su repercusión a través de la televisión, los incorpora a redes de promoción y facilita contactos con programadores y oficinas nacionales e internacionales. “Se trata de reconectar a los artistas con su tierra y generar una identidad cultural de ida y vuelta”.

Precioso reto.

El mito de Fedra regresa al Teatro Romano de Mérida con una mirada renovada y con el debut de Lydia Bosch sobre este escenario, 37 años después de que la actriz dejara los escenarios. ‘Fedra, en los infiernos’, que podrá verse del 12 al 16 de agosto dentro de la 72 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, propone una reflexión sobre la culpa, los prejuicios sociales y las expectativas ajenas que condicionan la vida de las personas y que, en ocasiones, impiden “ser libres”.

La obra, dirigida por José María del Castillo, sitúa a Fedra en los infiernos y le concede una segunda oportunidad para revisar su propia historia y enfrentarse de nuevo a su destino. Una perspectiva que permite al personaje cuestionar la culpa que ha marcado su existencia y reivindicar el derecho a vivir de acuerdo con sus propios deseos.

“Es muy importante poder reivindicar el derecho a ser uno mismo”, ha defendido Del Castillo durante la presentación del montaje, que plantea así una relectura contemporánea de uno de los grandes personajes de la tradición grecolatina.

En plena obra, Fedra llegará incluso a afirmar que, si tuviera una tercera vida, volvería a hacer lo mismo, pero sin cargar con “la losa de la culpa”. Su deseo sería amar “como solo los locos saben hacer”, sin miedo a caer, sin culpa por hacer daño y prestando mucha menos atención a la mirada de los demás.

La propuesta parte de un personaje atrapado entre sus deseos, sus emociones y las normas sociales de su tiempo, pero traslada ese conflicto al presente. El portavoz municipal, Julio César Fuster, ha definido a esta Fedra como una mujer “hecha de fuego y de culpa”, cuya historia permite reflexionar sobre una cuestión plenamente actual: “cómo juzgamos a las personas por sus errores”.

Un personaje que reclama una segunda oportunidad

El director del Festival de Mérida, Jesús Cimarro, ha reivindicado la importancia de Fedra dentro de la tradición grecolatina y grecorromana, pese a que no se trate de un personaje representado con tanta frecuencia como otros grandes protagonistas de la tragedia clásica.

El secretario general de Cultura, José Luis Gil, ha destacado precisamente la potencia teatral de esta nueva versión al situar a Fedra en los infiernos. Desde allí, el personaje puede hacer algo que, según ha señalado, muchas personas desearían poder hacer alguna vez: regresar atrás, contar de nuevo su vida y enfrentarse otra vez al destino.

La obra convierte así el mito clásico en una oportunidad para hablar de la posibilidad de revisar el pasado y liberarse de aquello que continúa condicionando el presente.

Cáparra, también

Además, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida llevará seis espectáculos, entre el 13 y el 18 de agosto, a su extensión en el yacimiento romano de Cáparra, entre Guijo de Granadilla y Oliva de Plasencia.

La programación arrancará el 13 de agosto con Cleopatra enamorada, el Musical y continuará el día 14 con Alejandro y el eunuco persa. El 15 será el turno de Los hermanos, el 16 de Jasón y las Furias, el 17 de Iconos o la exploración del destino y el 18 cerrará la programación La aparición. Estas dos últimas obras son producciones extremeñas.

El director del Festival, Jesús Cimarro, ha destacado que la extensión de Cáparra, la última en incorporarse al certamen, “cada año va a más”.

Durante la presentación, la directora general de Patrimonio Cultural y Documental de la Junta de Extremadura, Adela Rueda, ha puesto en valor la inversión de 1,5 millones de euros destinada a trabajos de restauración en el yacimiento y ha defendido la vinculación entre cultura y patrimonio como motor económico, social y cultural de la región.

La diputada de Igualdad de la Diputación de Cáceres, Antonia Molina, ha señalado que estas extensiones contribuyen a dinamizar el medio rural, atraer visitantes y combatir el despoblamiento, al tiempo que ha reclamado que las actividades se desarrollen “con ternura y respeto” para preservar la autenticidad histórica del enclave.

Por su parte, la presidenta de CEDER Cáparra, María José Pérez, ha subrayado que llevar el teatro al yacimiento supone “llenar de vida el patrimonio” y convertir sus restos arqueológicos en un espacio de encuentro y cultura.

La extensión se completará el 13 de agosto con el pasacalle Regresos de Ulises: La Odisea en Plasencia, que se trasladará a Mérida al día siguiente.

Cuando cae la noche en Extremadura, las piedras romanas, los conventos históricos y las plazas de los pueblos vuelven a llenarse de vida. El verano extremeño se ha consolidado como una de las grandes temporadas culturales del país gracias a una red de festivales que unen patrimonio, teatro clásico y participación ciudadana.

El epicentro vuelve a ser el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, considerado uno de los más importantes del mundo en su género, pero su influencia se extiende a otros escenarios monumentales como Alcántara, Regina, Cáparra o Medellín y encuentra su mejor complemento en representaciones populares como El alcalde de Zalamea, donde un pueblo entero se convierte en compañía teatral.

La oferta demuestra que los clásicos siguen plenamente vigentes y que Extremadura ha sabido convertir su patrimonio histórico en uno de los mayores escenarios culturales de España, capaz de atraer públicos diversos y de proyectar una identidad propia.

Mérida, la gran capital del teatro clásico

La 72 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida se desarrolla entre el 3 de julio y el 30 de agosto con más de 150 representaciones y una programación que trasciende el histórico Teatro Romano para llegar también al Teatro María Luisa, así como a las extensiones de Medellín, Regina, Cáparra e incluso Madrid. A ello se suman exposiciones, conferencias, cine, talleres y actividades paralelas que convierten el certamen en un auténtico acontecimiento cultural.

La programación de este verano reúne grandes producciones nacionales y estrenos absolutos con títulos como Spartacus, Electra Jonda, Timón de Atenas, Bacanal, La comedia de la olla y Cómicos de Roma, además de las propuestas programadas en las extensiones del festival.

'Cómicos de Roma', un homenaje al oficio de actor

Entre las producciones más destacadas figura Cómicos de Roma, adaptación de una obra de David Mamet dirigida por José Pascual y protagonizada por Fernando Tejero. La comedia traslada al público hasta la Roma imperial para narrar las peripecias de una compañía teatral que intenta sobrevivir entre la precariedad, las intrigas y los caprichos del poder. A través de situaciones disparatadas y un humor cargado de ironía, el espectáculo reivindica el trabajo de los actores y recuerda que el teatro siempre ha sido un ejercicio de resistencia frente a la incertidumbre.

Más allá de la risa, la propuesta establece un paralelismo entre los intérpretes de la Antigüedad y los actuales, mostrando cómo la profesión continúa dependiendo del favor del público, de la suerte y, en muchas ocasiones, de quienes ostentan el poder.

Regina y Cáparra amplían el legado clásico

El Festival de Mérida ha reforzado durante los últimos años su apuesta por descentralizar la programación y llevar el teatro clásico a otros enclaves arqueológicos de Extremadura.

Uno de ellos es el Teatro Romano de Regina, en Casas de Reina, donde este verano se representan producciones como Medea, Jasón y las Furias y Alejandro y el eunuco persa. La programación mantiene además un firme compromiso con la accesibilidad y con las compañías extremeñas, convirtiendo este enclave arqueológico en otro de los referentes culturales del verano.

A esta red de escenarios patrimoniales se suma también el yacimiento romano de Cáparra, donde las representaciones permiten acercar el teatro clásico a nuevos públicos en un entorno histórico único.

Alcántara abre una nueva edición de su festival

El Conventual de San Benito ha vuelto a convertirse en escenario del Festival de Teatro Clásico de Alcántara, que este año celebra su cuadragésima edición.

La inauguración corrió a cargo de Rafael Álvarez 'El Brujo', con La segunda venida de Cristo o el yoga de Jesús, un espectáculo en el que el actor cordobés combina humor, reflexión y espiritualidad a partir de textos inspirados en el Evangelio y en la filosofía oriental.

El festival alcantarino mantiene su apuesta por los grandes textos universales y aprovecha uno de los conjuntos monumentales más importantes de Extremadura para acercar el teatro clásico al público durante las noches de agosto.

Zalamea convierte a todo un pueblo en protagonista

El teatro popular vivirá otro de sus grandes momentos del verano entre el 20 y el 23 de agosto con la XXXI representación de El alcalde de Zalamea.

Más de 700 vecinos participarán este año en la puesta en escena de la obra de Calderón de la Barca, una cifra récord que confirma la implicación del municipio con una representación que trasciende el ámbito cultural para convertirse en una auténtica seña de identidad colectiva.

Calles, plazas y edificios históricos se transforman durante esos días en un gran escenario al aire libre donde los propios habitantes interpretan la historia de Pedro Crespo, símbolo de la defensa de la justicia y de la dignidad frente al abuso del poder.

El crecimiento de la representación refuerza además la aspiración del municipio de obtener la declaración de Fiesta de Interés Turístico Internacional.

Mucho más que teatro

El verano cultural extremeño no se limita al teatro. La comunidad ofrece una programación muy diversa que incluye festivales de música, folclore y recreaciones históricas.

Entre ellos destaca el Festival Internacional de la Sierra, en Fregenal de la Sierra, que reúne grupos procedentes de los cinco continentes y está reconocido como Fiesta de Interés Turístico Nacional. También sobresalen el Festival Internacional de Folclore 'Antonia Tejeda', en Villanueva de la Serena, o la histórica Boda Regia de Valencia de Alcántara, que revive el enlace entre la infanta Isabel de Aragón y Manuel I de Portugal mediante una gran recreación medieval.

Un referente cultural nacional

La combinación de patrimonio monumental, grandes producciones teatrales, compañías profesionales y miles de participantes convierte cada verano a Extremadura en uno de los principales destinos culturales del país.

Desde las gradas bimilenarias del Teatro Romano de Mérida hasta el Conventual de San Benito, pasando por Regina, Cáparra o las calles de Zalamea de la Serena, los clásicos siguen demostrando que conservan toda su capacidad para emocionar y dialogar con el presente.

Más que una sucesión de festivales, Extremadura ofrece durante julio y agosto un auténtico recorrido por la historia del teatro, donde la cultura se convierte también en motor turístico, económico y social para toda la región.

La innovación también puede escribirse en verso. Y, en este caso, tiene sello extremeño. Desde las aulas de la Universidad de Extremadura, el poeta e investigador cacereño Julio César Galán lleva años desarrollando una propuesta que aspira a cambiar la forma de entender la creación poética. Ahora acaba de reunir sus principales planteamientos en un amplio ensayo, El poema como obra abierta: Una aproximación a ¿Qué es la poesía especular? Conceptos, rasgos, clases y alguna didáctica, publicado por la revista especializada Círculo de Poesía, una de las publicaciones de referencia en el ámbito iberoamericano.

Nacido en Cáceres en 1978, Galán combina desde hace años la creación literaria con la investigación universitaria. Tras ser lector de español en la Universidad de Argel y profesor en la Universidad de las Islas Baleares, desarrolla actualmente su labor docente e investigadora en la Universidad de Extremadura, donde también dirige la colección editorial Especulares. Poesía Iberoamericana, impulsada por el Servicio de Publicaciones de la institución académica.

No se trata únicamente de un nuevo libro. El ensayo representa la culminación de una línea de investigación que Galán viene construyendo desde hace años y que sitúa a la Universidad de Extremadura como uno de los centros desde los que se está generando reflexión teórica sobre la poesía contemporánea.

La poesía como un proceso abierto

La denominada poesía especular parte de una idea que rompe con la visión tradicional del poema como una obra terminada. Para Galán, la escritura es un proceso continuo en el que cada versión de un texto dialoga con las anteriores y abre nuevas posibilidades de lectura y reescritura.

El poema deja de ser un punto de llegada para convertirse en un espacio en permanente transformación. Correcciones, variaciones, versiones o incluso los errores forman parte del propio hecho creativo.

En su ensayo, el autor desarrolla conceptos como el reflejo, el doble, la repetición o la escritura en espejo para defender que la creación literaria no concluye cuando se publica un poema, sino que continúa evolucionando en cada nueva lectura o reescritura.

Una trayectoria construida desde Extremadura

Aunque su obra ha alcanzado difusión internacional, buena parte de la carrera de Julio César Galán ha estado ligada a Extremadura.

La Universidad de Extremadura no solo es el lugar donde desarrolla actualmente su actividad docente e investigadora, sino también el espacio desde el que ha impulsado una colección editorial especializada en poesía iberoamericana y en la difusión de la propia poesía especular. Desde esa plataforma se han publicado estudios críticos, antologías y obras de diversos autores vinculados a esta corriente como Acorde para las aguas madres, una antología de 2019.

Su relación con la cultura extremeña también se refleja en varias de sus publicaciones. Libros como Testigos de la utopía o Gajo de sol fueron editados con el respaldo de la Diputación de Cáceres, consolidando una trayectoria que ha crecido sin desvincularse de su tierra.

Un autor con proyección internacional

La dimensión internacional de Galán va mucho más allá de este nuevo ensayo. Su obra ha sido traducida íntegramente al inglés, al francés y al portugués, además de contar con traducciones parciales al italiano, al checo, al griego y al árabe. Sus poemas han sido publicados en antologías editadas en Argentina, Chile, México, Perú o España, y ha desarrollado una parte significativa de su creación mediante heterónimos, otra de las líneas de investigación que caracterizan su trabajo literario.

El nuevo texto publicado por Círculo de Poesía supone un paso más en esa proyección exterior. La revista, con lectores en numerosos países hispanohablantes, ofrece ahora una exposición sistemática de una teoría literaria que hasta el momento se encontraba dispersa en distintos libros y ensayos.

Cáceres como lugar de creación

En un contexto en el que gran parte de la producción académica y literaria suele concentrarse en grandes centros universitarios, la trayectoria de Julio César Galán demuestra que también desde Cáceres pueden surgir propuestas con vocación internacional.

La publicación de este ensayo consolida un trabajo desarrollado durante años desde la Universidad de Extremadura y refuerza la presencia de la comunidad autónoma en el debate contemporáneo sobre la creación poética. Más allá de la aparición de un nuevo libro, la aportación de Galán plantea una reflexión de fondo sobre cómo se escribe, cómo se reescribe y cómo evolucionan los textos literarios, una investigación nacida en Extremadura que comienza a encontrar eco en el panorama iberoamericano.

¿Cómo llegó una naranja hasta nuestra mesa? ¿Qué historias acompañan a una semilla cuando cruza océanos, cambia de nombre y arraiga en una tierra distinta? Son algunas de las preguntas que atraviesan El baile de la naranja, el nuevo poemario de Carmen Hernández Zurbano publicado por Ril Editores, una obra que se adentra en la biografía secreta de los alimentos para hablar, en realidad, de identidad, memoria, lenguaje y relaciones con el mundo vivo.

La autora, médica pediatra, especialista en Salud Pública, antropóloga y escritora, construye un libro que desafía las fronteras entre disciplinas. La ciencia, la historia, la etnografía y la poesía conviven en unos textos donde frutas, raíces, semillas e insectos se convierten en protagonistas de una reflexión profundamente contemporánea sobre la crisis ecológica y los modos de habitar el planeta.

“No sabía que se iba a escribir un poemario», recuerda Hernández Zurbano sobre el origen del libro. El proyecto comenzó a tomar forma en 2023, tras asistir a un encuentro celebrado en el Valle del Jerte que reunió a agricultores agroecológicos y escritores. ”Acababa de hacer la especialidad de Salud Pública y me interesaba mucho el tema de la alimentación y también la crisis climática. Quería escribir sobre eso como un modo contemporáneo, pero no sabía si quería escribir ensayo o poemas“, explica.

Esa incertidumbre inicial terminó convirtiéndose en una de las mayores virtudes del libro. Lejos de optar por un género cerrado, Hernández Zurbano explora el territorio intermedio entre la reflexión ensayística y la intensidad poética.

“Me interesa la intersección entre ensayo y poesía, que parece que es lo más alejado del mundo. Al final me parecía súper interesante que fueran poemas en los que hablase de un montón de cosas, pero que funcionasen como poemas”.

El proceso de escritura se prolongó durante aproximadamente año y medio. El resultado es un conjunto de textos que investigan los desplazamientos de las plantas, las transformaciones del paisaje y las historias humanas que permanecen ocultas detrás de aquello que comemos.

Una naturaleza atravesada por la historia

Uno de los mayores aciertos del poemario reside en su manera de abordar el mundo natural. Los elementos vegetales aparecen constantemente: semillas, frutas, raíces, flores, árboles o insectos recorren las páginas del libro. Sin embargo, no funcionan como una simple decoración lírica ni como una celebración romántica de la naturaleza.

Los poemas construyen una auténtica poética de lo orgánico. La semilla encerrada en una maceta, la fruta que tuvo que viajar miles de kilómetros o las raíces que se asfixian sugieren una tensión constante entre lo vivo y los sistemas que lo contienen, desplazan o transforman.

La naturaleza de El baile de la naranja no es idílica. Está atravesada por el cultivo, el comercio, las migraciones, las relaciones de poder y la intervención humana. Existe una fragilidad permanente, una conciencia de que todo organismo vive sometido a fuerzas históricas y económicas que condicionan su desarrollo. En ese sentido, el libro dialoga con algunas de las corrientes más relevantes de la ecopoesía contemporánea, alejándose de cualquier visión bucólica para situar la mirada en los conflictos ecológicos y sociales de nuestro tiempo.

El viaje de las plantas y la memoria de los pueblos

El desplazamiento constituye otro de los grandes temas del poemario. Las frutas, las semillas y las especies vegetales viajan constantemente de un territorio a otro. Pero esos movimientos no son únicamente biológicos. También transportan nombres, culturas, lenguas y formas de conocimiento.

La autora convierte así la historia de las plantas en una historia de la humanidad. Cada fruto que cambia de continente parece obligarse a aprender otra identidad. Cada semilla lleva consigo una memoria que se transforma al llegar a otro lugar.

Esta perspectiva abre una lectura vinculada a las rutas comerciales y coloniales que durante siglos trasladaron especies vegetales entre continentes. Sin necesidad de convertir el poema en un discurso histórico explícito, Hernández Zurbano recuerda que detrás de muchos alimentos cotidianos existen complejas historias de conquista, intercambio y resistencia cultural.

Los huancas: cantarle a la tierra

Uno de los hallazgos más llamativos del libro procede de los llamados huancas, cantos agrícolas tradicionales interpretados por mujeres del altiplano peruano. La autora llegó a ellos de manera accidental mientras investigaba para escribir sobre las patatas.

“Yo quería introducir cantos agrícolas populares. Estuve buscando, pero todo lo que encontraba estaba orientado a distraer del esfuerzo del trabajo o hablaba de novios, bodas o quintos. No tenían mucho que ver con lo que yo estaba escribiendo”.

La búsqueda la condujo hasta estos cantos rituales. “Las mujeres no cantan mientras trabajan. Cantan después. Van al centro del campo y le cantan a la tierra, le cantan a las papas”.

Aquella tradición conectaba directamente con lo que buscaba expresar. “Remitían muy rápidamente a lo que yo quería lograr con el poemario, que no tiene tanto que ver con el cuidado como con una relación diferente con la tierra, con los alimentos y con lo vivo. Una relación más horizontal”.

La incorporación de estos materiales no funciona como una simple cita etnográfica. Son injertos poéticos que amplían el horizonte del libro y lo conectan con formas de conocimiento alejadas de la tradición occidental dominante.

Cuando el castellano deja de ser el centro

La presencia de palabras procedentes de otras lenguas constituye otro de los elementos más sugerentes del poemario.

Lejos de traducirlo todo para facilitar la lectura, Hernández Zurbano permite que determinados términos mantengan su opacidad. El lector se encuentra entonces ante un territorio parcialmente desconocido. Ese gesto tiene una dimensión estética, pero también política.

El castellano deja de ocupar el centro absoluto del texto y pasa a convivir con otros sistemas de significado. La autora cuestiona así la idea de que toda experiencia pueda traducirse completamente y reivindica la existencia de conocimientos que resisten la apropiación.

La operación conecta con ciertas corrientes de la escritura decolonial contemporánea, donde la convivencia entre lenguas se convierte en una forma de resistencia frente a los relatos hegemónicos.

Ciencia y poesía sin fronteras

La formación científica de Hernández Zurbano atraviesa buena parte de su obra. Médica pediatra, especialista en Medicina Preventiva y Salud Pública, antropóloga cultural y estudiosa de la teoría literaria, la autora lleva años explorando los puntos de encuentro entre disciplinas aparentemente alejadas.

En El baile de la naranja aparecen laboratorios, procesos biológicos, cruces de especies e insectos observados con una precisión casi científica. Sin embargo, el lenguaje nunca pierde su dimensión sensorial. Hay color, textura, sabor y movimiento.

La ciencia no aparece como un discurso de autoridad destinado a explicar el mundo, sino como una herramienta más para contemplar su complejidad. Esa tensión entre clasificación científica y experiencia poética genera una de las singularidades del libro: los conceptos se vuelven extraños, se desplazan de su lugar habitual y adquieren nuevas resonancias.

Una autora imprescindible en la literatura extremeña

Nacida en Salamanca en 1976 y criada entre Guijo de Santa Bárbara, Plasencia y Cáceres, Carmen Hernández Zurbano ha construido una trayectoria difícil de encasillar. Su obra combina poesía, ensayo, antropología y reflexión política. Ha publicado títulos como Esa flor parece un pájaro, ¿eres okupa? o el híbrido narrativo Tengo la barriga cuadrada y la cabeza llena de lombrices, donde examina críticamente las prácticas médicas desde una perspectiva autoetnográfica.

A lo largo de su carrera ha defendido una concepción de la escritura inseparable de las condiciones materiales y sociales que la hacen posible. Sus textos abordan cuestiones como la salud pública, las desigualdades de género, la crisis climática y la relación entre conocimiento y poder. Esa mirada reaparece con fuerza en El baile de la naranja, uno de sus libros más ambicioso hasta la fecha.

Porque bajo la aparente sencillez de una fruta, una semilla o una raíz, Carmen Hernández Zurbano plantea una pregunta esencial: cómo volver a relacionarnos con la tierra cuando hemos olvidado que también formamos parte de ella.

Quizá ahí resida la potencia de este poemario. En recordarnos que las historias más importantes no siempre las protagonizan los grandes acontecimientos. A veces se esconden en aquello que parece mínimo: una semilla, una palabra, una naranja que ha viajado miles de kilómetros para contarnos de dónde venimos.

El actor Fernando Tejero debutará en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con Cómicos de Roma, la segunda comedia de la presente edición del certamen, una adaptación basada en un texto del dramaturgo estadounidense David Mamet que rinde homenaje al mundo de la interpretación, al amor y a la supervivencia de los artistas en la Roma imperial.

Durante la presentación de la obra este lunes, Tejero explicó que dará vida a Strabo, un actor “en crisis” que lucha por salir adelante y cuya pasión por el teatro le lleva a enfrentarse a situaciones “muy locas y extremas”.

“Es un personaje que tiene pasión por su trabajo y haría cualquier cosa por conseguir hacer teatro”, señaló el actor, quien destacó que el personaje está impulsado tanto por el amor hacia una integrante de su compañía como por su amor incondicional al escenario. “Es un personaje que a mí me encanta porque le promueve el amor, el amor por una persona de su compañía y el amor por el teatro”, añadió.

El director del montaje, José Pascual, explicó que la obra contrapone dos mundos: el de una pequeña compañía de actores que intenta sobrevivir y el del estamento militar, que ejerce un férreo control sobre la sociedad romana.

Según detalló, la acción transcurre en un momento en el que el Imperio romano comienza a mostrar síntomas de decadencia. “Vuelve a haber militares, con golpes de Estado, y los espectáculos se han vuelto muy depravados, con torturas y sacrificios humanos. En medio de ese mundo decadente hay una pequeña compañía de actores que intenta sobrevivir”, resumió.

Pascual destacó que David Mamet enfrenta ambos universos para construir una historia donde el humor, los equívocos y la crítica social conviven con una reivindicación del oficio teatral.

El reparto está integrado también por Rafa Castejón (Pelargón), Daniel Arias (Philius), Adrián Expósito (Heraldo), Jorge Asín (Ramus), Daniel Morato (Quintus), Álvaro Tejero (Mensajero y Sacerdote), Pedro Moreno (Titus), Michel Serrano (Lupus Albus) y Mario Gallardo (Armero).

Daniel Arias explicó que su personaje, Philius, es un joven aprendiz de actor que admira profundamente a Strabo y que representa la vocación como un elemento inseparable de la identidad de quienes se dedican a la interpretación.

“No es solo nuestro trabajo, ni nuestra forma de hacer dinero o de conseguirnos una vida, sino que también es un gran porcentaje de nuestra identidad y de quienes somos, y la función habla mucho de eso”, afirmó.

Durante la presentación, el concejal de Cultura de Mérida, Antonio Vélez, contextualizó la obra recordando que el emperador Augusto, fundador de Augusta Emerita, instauró la denominada Pax Romana, un periodo en el que la cultura y el entretenimiento adquirieron un papel protagonista tras años de conflictos bélicos.

Por su parte, el director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Jesús Cimarro, definió Cómicos de Roma como “una historia donde el humor y el enredo hablan sobre las dificultades, las ambiciones y la pasión de subirse al escenario”, en una propuesta que combina comedia, reflexión y homenaje al mundo del teatro.

La novena edición de IndóMita, la Muestra de Cine y Cultura de La Vera, reconoció este viernes a los productores Tay Sánchez Antón y Néstor Costrafreda con la Faltriquera Verata, el galardón con el que el festival distingue cada año a personas vinculadas a la comarca que contribuyen a difundir su identidad desde ámbitos como el cine, las artes o la cultura.

La entrega tuvo lugar en una Plaza de España de Talaveruela de la Vera llena de público, en un acto presidido por el alcalde de la localidad, Pedro Marín, al que también asistieron el alcalde de Losar de la Vera, Antonio Sánchez; la alcaldesa de Valverde de la Vera, Esperanza Mayero, y otros representantes municipales de la comarca.

Visiblemente emocionados, los dos cofundadores de Productora Harry dedicaron el reconocimiento a sus familias y, especialmente, a sus padres.

“Queremos compartirla con nuestros padres, porque ellos son quienes nos han enseñado a valorar el privilegio que tenemos de ser de donde somos, de amar esta tierra, de valorar la cultura popular y de darle importancia a la identidad y a nuestras raíces”, afirmó Sánchez Antón durante su intervención.

La productora explicó que recibir este reconocimiento en La Vera tenía un significado especial por los vínculos familiares que mantiene con la comarca. Su padre nació en Valverde de la Vera y, aunque la familia se trasladó a Villanueva de la Vera cuando era niño, ella conserva una estrecha relación con el territorio, donde desde 2020 tiene una segunda residencia.

“Creo que no hemos estado en ningún lugar donde nos hiciera tanta ilusión estar como aquí esta noche, en nuestra tierra y en la tierra de mis padres”, señaló.

Durante su discurso recordó también las palabras pronunciadas el año pasado por el bailarín Víctor Ullate al recibir esta misma distinción, cuando aseguró haber encontrado en La Vera “el verdadero significado de la amistad”, una reflexión con la que ambos productores dijeron sentirse plenamente identificados.

“Aquí hemos encontrado el mejor grupo de amigos que podíamos tener. Son familia también y hacen que nuestra vida tenga muchísimo más sentido. Cuando no estamos aquí, porque tenemos que viajar, en realidad seguimos estando aquí.”

Trayectoria vinculada a La Vera

La Faltriquera Verata reconoce tanto el arraigo personal como la trayectoria profesional de Sánchez Antón y Costrafreda. Ambos fundaron Productora Harry, una de las compañías creativas de referencia en el panorama audiovisual español, responsable de campañas para algunas de las principales marcas nacionales e internacionales.

Entre sus trabajos destaca Vive donde quieras, la campaña realizada para Correos y rodada íntegramente en Villanueva de la Vera con vecinos de la localidad como protagonistas, convertida en un alegato sobre las posibilidades de vivir en el medio rural.

La productora también ha iniciado una nueva etapa en el ámbito cinematográfico con Tras el verano, su primer largometraje, que fue proyectado tras la entrega del galardón dentro de la programación de IndóMita.

La carrera de Tay Sánchez Antón ha recibido además el reconocimiento del sector publicitario. La consultora especializada SCOPEN la ha situado entre las productoras ejecutivas más valoradas e influyentes de España.

La Faltriquera Verata, confeccionada artesanalmente por María Rodríguez, del taller Trajes Regionales La Faltriquera de Jaraíz de la Vera, simboliza el arraigo y el compromiso con la cultura verata y se ha convertido en uno de los reconocimientos más representativos del festival.

Cine y cultura popular

Tras la entrega del galardón, los homenajeados recibieron una segunda sorpresa preparada por la organización: una actuación del grupo folclórico Virgen de Sopetrán, de Jarandilla de la Vera, como homenaje a la tradición cultural de la comarca.

La noche continuó con la proyección de Tras el verano, dirigida por Yolanda Centeno y escrita por Jesús Luque, ambos presentes en Talaveruela de la Vera. Al finalizar la sesión, la directora, el guionista y los productores participaron en un coloquio con el público en el que abordaron el proceso creativo de la película.

La larga ovación con la que concluyó el acto puso el broche a una edición de IndóMita que volvió a reivindicar el cine como herramienta para fortalecer la identidad cultural de La Vera y proyectarla más allá de sus fronteras.

La vigesimosegunda edición de la extensión del Festival de Teatro de Mérida en Regina se celebrará del 31 de julio al 2 de agosto en Casas de Reina con tres obras: ‘Medea’, en colaboración con el grupo social la ONCE, ‘Alejandro y el eneuco persa’ y ‘Jasón y las Furias’.

En rueda de prensa, el director del Festival, Jesús Cimarro, ha asegurado que con esta programación “se apuesta por acercar el teatro clásico a nuevos públicos y poner en valor el valor patrimonial que tiene Regina” tras lo que ha felicitado al alcalde del municipio, Fernando Gallego, por los recientes arreglos que se han ejecutado en el escenario.

“Es muy importante que se mantengan estos edificios para la actividad en la que fueron creados, que fue las artes escénicas, en este caso el teatro”, ha apuntado.

Por su parte, Gallego ha recalcado que han logrado que Regina sea “algo más que un escenario arqueológico, es un lugar donde el patrimonio deja de ser un recuerdo para convertirse en una experiencia viva” durante tres noches que demostrarán que “los grandes textos clásicos siguen presentes, porque hablan de aquello que nunca cambia, el amor, el poder, la ambición, la justicia, la libertad y el humanismo”.

“La cultura es la mejor forma de entender lo que somos y valorar nuestro patrimonio, no se trata solo de convocar un teatro romano, se trata de darle vida, llenarlo de voces, de espectadores, de emoción y de futuro”, ha incidido.

La directora general de Patrimonio Cultural y Documental de la Junta de Extremadura, Adela Rueda, ha aconsejado comprobar “la riqueza arqueológica, histórica y artística que tiene esta tierra” y ha destacado que el yacimiento se ha convertido “no sólo en un recurso patrimonial, sino en un motor de desarrollo económico, social y cultural para Casas de Reina y para toda la comarca”.

“Regina es un yacimiento vivo, es un yacimiento excepcional que tiene muchísimo que decir todavía, por eso, dos mil años después, esta ciudad romana acoge a espectadores en un teatro que fue construido para eso y que es una de las grandísimas experiencias inolvidables que pueden tener los actores y los espectadores porque es muy diferente a cualquier otro teatro romano que hayáis podido estar”, ha recalcado.

La actriz Beatriz Solís, quien interpretará a Roxana en ‘Alejandro y el eneuco persa’, ha explicado que el próximo 1 de agosto se verá a un Alejandro Magno que “pocos saben de él, de cómo vivía después de una batalla, después de una derrota, cómo entendía él el amor, cómo lo llevaba a su vida y sobre todo el afán y el ahínco que tenía por intentar construir nuevos lazos, nuevas cadenas”.

Miguel Pérez Solís, miembro del coro de esta obra, ha especificado que el elenco de actores son todos extremeños y que un gran número de ellos han cursado sus estudios en la Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura (ESAD).

‘Medea’, con la colaboración del Grupo social la ONCE a través de la compañía Sa Boira, se pondrá en escena el 31 de julio y ‘Jason y las Furias’ el 2 de agosto.

La banda extremeña Sanguijuelas del Guadiana protagonizará los actos oficiales del Día de Extremadura en el Teatro Romano de Mérida. Según ha anunciado la Junta de Extremadura, la formación de Casas de Don Pedro ofrecerá un concierto gratuito el próximo 8 de septiembre en el monumento emeritense, además de encargarse de la actuación de cierre de la ceremonia de entrega de las Medallas de la región durante la noche previa, el 7 de septiembre.

El anuncio llega semanas después de que el grupo decidiera retirar de su agenda pública la fecha prevista en el Teatro Romano. Este movimiento se produjo tras la controversia generada el pasado mes de junio, cuando el Consorcio de la Ciudad Monumental de Mérida revocó la autorización para un concierto de Pablo López al considerar que no respetaba el criterio de exclusividad regional requerido para actuar en dicho espacio. Finalmente, la Junta organiza este evento en exclusiva en el marco del día grande de la comunidad con el objetivo de “acercar la cultura y el talento extremeño a la ciudadanía”.

La banda, galardonada recientemente como Mejor Nuevo Artista en los Premios de la Academia de la Música, pondrá el broche final al acto institucional de las Medallas de Extremadura la noche del lunes 7 de septiembre. La Junta ha detallado que ofrecerán un repertorio preparado especialmente para la parte festiva del evento que incluirá “alguna colaboración sorpresa”. Para esta cita previa, el acceso será libre hasta completar el aforo del recinto y se controlará mediante pases físicos.

Entradas mediante sorteo notarial para el día 8

Desde el Ejecutivo regional han puesto en valor que Sanguijuelas del Guadiana representa “una de las propuestas musicales más originales y con mayor proyección del panorama nacional”, destacando su capacidad para reivindicar la identidad rural y conectar “con fuerza” con el público joven.

Para el concierto principal del 8 de septiembre, la distribución de las localidades gratuitas se gestionará a través de la página web oficial del grupo y se dividirá en varias fases con el fin de garantizar la “igualdad de oportunidades”.

En los próximos días se abrirá un periodo de registro previo en la web de la banda para todas las personas interesadas. Transcurrido este plazo, se celebrará un sorteo telemático ante notario y a cada persona agraciada se le asignarán dos entradas, pudiendo elegir sus asientos de forma directa en la propia plataforma digital.

La Residencia de Cine de Extremadura abre la convocatoria de su cuarta edición, reafirmándose como una iniciativa clave para el desarrollo de proyectos cinematográficos y el impulso del talento emergente en el ámbito audiovisual. La inscripción estará disponible del 1 de julio al 1 de septiembre de 2026, dirigida a proyectos de largometraje en fase de desarrollo —de ficción, documental o animación— procedentes de Extremadura, España e Iberoamérica.

Del total de propuestas recibidas, más de un centenar en la edición anterior, se seleccionarán 15 proyectos: cinco de Extremadura, cinco del resto de España y cinco de Iberoamérica, incluyendo Portugal. Las inscripciones se realizarán a través de la web oficial: www.residenciacineextremadura.com.

La Residencia está dirigida por el cineasta Juan Antonio Moreno Amador, ganador de dos premios Goya, y por la asesora de guion Yolanda Barrasa, referente en el acompañamiento de proyectos cinematográficos. Ambos destacan la importancia de esta edición, marcada por la incorporación de nuevos socios nacionales e iberoamericanos y por el compromiso de la industria con el Extremadura Film Market, así como el apoyo de los municipios de Guadalupe y Talavera la Real.

La cuarta edición mantendrá su formato híbrido, combinando encuentros presenciales y asesorías virtuales para ofrecer un acompañamiento integral a directores, guionistas y productores. Las actividades se desarrollarán en las sedes de Guadalupe (Cáceres) y Talavera la Real (Badajoz).

Guadalupe y Talavera la Real

El primer encuentro presencial tendrá lugar en noviembre en Guadalupe, donde los cineastas trabajarán con profesionales de reconocido prestigio. El segundo encuentro se celebrará en primavera de 2027 en Talavera la Real, reforzando la vinculación de la Residencia con el territorio extremeño.

Los proyectos seleccionados participarán en el Extremadura Film Market, un espacio profesional que impulsa la financiación, producción y coproducción de nuevas obras. Además, esta edición incorpora la participación en el área de industria MAFIZ del Festival de Málaga 2027, donde los equipos podrán presentar sus trabajos ante productores, distribuidores y plataformas.

La programación se completa con la Semana de Cine Extremeño e Iberoamericano en Guadalupe, que reunirá al público con las películas y sus creadoras y creadores, fortaleciendo los lazos culturales entre ambos territorios.

La Residencia de Cine de Extremadura está organizada por la Asociación Residencia de Cine de Extremadura y la productora Making DOC & FILM, con el apoyo de instituciones regionales, nacionales e iberoamericanas, entre ellas la Junta de Extremadura, EGEDA, IBERMEDIA, las diputaciones de Cáceres y Badajoz, y los ayuntamientos de Guadalupe y Talavera la Real.

El cantante pacense Gene García -Eugenio de los Reyes García García-, una de las voces más intensas y reconocibles del panorama musical extremeño, ha fallecido a los 56 años de edad; un adiós que se ha sentido desde diversos ámbitos de esta comunidad.

Introspectivo, inquieto, afable e “investigador” de todo aquello que sonara a música y, en general, a cultura, Gene García deja una partitura de vida cercana con y hacia los demás, y sonidos de folk, jazz, rock y blues a través de una voz única y reconocible.

Gene García era la viva imagen del eclecticismo en Extremadura. Pintor, actor y, sobre todo, una de las grandes voces del jazz, el blues y la música negra en la región, el artista había cimentado su carrera sobre una constante reinvención. Su andadura musical arrancó a finales de los años ochenta con los míticos Inlavables, una banda de la que nunca se había desvinculado del todo y que le permitió compartir cartel con leyendas mundiales de la talla de The Blues Brothers, The Pogues, Los Lobos o el exguitarrista de los Rolling Stones, Mick Taylor.

Inquieto por naturaleza, García también ha dejado su firma en proyectos tan destacados como The Revrendoes —de la mano de Gecko Turner— y ha aportado su sello a formaciones indispensables de la escena extremeña como The Moochers, Los Cincos o la Iberian Big Band.

A través de su cuenta oficial en X, la presidenta extremeña, María Guardiola, ha trasladado sus condolencias y la del Gobierno regional a la familia, amigos y compañeros músicos de Gene García, una persona que “nos enseñó que hay sonidos nacidos en otras latitudes que también echan sus raíces aquí, en Extremadura”. “Un artista irrepetible, capaz de hacer suyo un lenguaje universal como el jazz, el blues y el soul”, ha añadido Guardiola.

“Único y verdadero”; así lo ha definido el alcalde de Badajoz, Ignacio Gragera, quien conoció a Gene de niño. “Siempre me impresionó su talento y su personalidad”, ha añadido.

También desde el consistorio pacense, el edil de Patrimonio, Rubén Galea, ha calificado a Gene de “leyenda de la ciudad”; una persona que es “patrimonio humano de Badajoz”.

Para el líder del PSOE extremeño, Álvaro Sánchez Cotrina, “el talento, la personalidad y la trayectoria” de Gene García “dejan una huella imborrable en nuestra cultura”.

El Teatro Romano de Mérida se ha convertido esta noche en un auténtico cortijo andaluz. Sus tablas, acostumbradas a vivir clásicos, han recibido una versión del mito de Electra y su “jonda” herida que ha empujado al espectador a vibrar con una energía propia de un tablao flamenco.

Al más puro estilo de ‘La Casa de Bernarda Alba’, el mito clásico ha sido trasladado a ‘Electra Jonda’ “como la desmesura que la hace trágica”, un grito desgarrador que resuena en la actualidad, donde los grandes personajes de la antigüedad se han despojado de sus túnicas para transformarse en seres de carne y hueso, devorados por una moral inflexible y pasiones indomables.

En mitad de este asfixiante escenario, Carolina Lapausa encarna a una Electra herida que vive consumida por el dolor de la repentina muerte de su padre y el rencor hacia su madre Clitemnestra, representada por Alejandra Torray. Su interpretación, cargada de una madurez trágica, nos descubre a una mujer rota en pleno duelo cuya única balsa de salvación es la justicia.

Frente al reproche de una madre que busca justificar su pasado, Clitemnestra le recalca que en vida de su padre “bastantes cosas” dejó estar y desde la angustia escupe un “¿es que yo no cuento?”. Ante la situación una Electra llena de odio, cae con el peso frío de una losa respondiendo: “él contaba más para mí, de sobra lo sabes”.

El público ha podido empatizar con los personajes en medio de una descarnada guerra de reproches, silencios y heridas mal cerradas gracias a la fusión de la palabra de sello lorquiano con los doce bailarines, dirigidos por el coreógrafo Manuel Segovia, bajo la responsabilidad de dar cuerpo, a través del taconeo y el duende, al implacable y latente destino de esta familia.

Del mito a personajes de carne y hueso

A través del texto original de Juan Guerrero Zamora —recuperado tras quedar guardado en un cajón durante años— y bajo la dirección artística de Manuel Canseco, la cantaora Teresa Hernández ha desgarrado los corazones del público con su cante y la guitarra de José Luis Montón ha dibujado con sus acordes el dolor de esta familia sobre el escenario.

En el latente ambiente de sospechas irrumpe Orestes, interpretado por Daniel Miguélañez, cuyo personaje se aleja por completo del brazo ejecutor de los dioses o del héroe trágico. Con su llegada, una Electra rabiosa le recalca que “fue de repente, pero no de enfermedad” lo que le llena de un profundo mar de dudas y cuestionamientos.

En el reverso de la obsesión destructiva de su hermana se alza la figura de Crisótemis, interpretada por Paula Colorado, que identifica una fortaleza distinta, cimentada exclusivamente en el amor familiar sin llegar a la vulnerabilidad, sino una mujer poderosa que emplea su energía para intentar mantener las cosas como están, buscando desesperadamente proteger a los suyos y evitar que la sangre vuelva a teñir las tierras del cortijo.

César Lucendo ha cargado de potencia a Egisto, el capataz de la finca sobre el que recaen todas las suspicacias tras el asesinato de Agamenón, asumiendo el imponente y realista reto de irrumpir en la escena del monumento romano montando a caballo.

El contrapeso de este torbellino de rencores lo ejerce María Garralón en la piel del Aya. Su figura funciona como espejo de la consciencia y la voz de la verdad de la manera más cruda en un entorno familiar hostil y devastado.

Incluso en la densidad del ambiente que evocan las obras de Lorca, la inocencia de “El Niño”, interpretado por Ainhoa Molina como hijo de Casandra y nieto del ciego, aparece estratégicamente como un bálsamo de energía positiva en un momento en el que “la verdad es una pedrada que ninguno queremos que nos de”.

El desgarro del cante y los secretos del cortijo

El misticismo y la profecía se construyen desde los límites entre el amor libre y la tradición. El veterano Juan Gea compone a El Ciego, un trovador que atesora un motivo secreto para guiar el desenlace fatal. A su lado, su hija Casandra, interpretada por Teresa Hernández, canaliza la clarividencia no correspondida ni aceptada, además del dolor de los acontecimientos a través de un cante flamenco en directo que eriza la piel y sentencia el porvenir de la obra.

El pilar invisible que sostiene la tensión en este cortijo ha sido, sin duda, su arquitectura musical y coreográfica. Los bailaores han ilustrado la tragedia convirtiéndose en el motor interno del drama.

Con una técnica impecable, el dominio de los tiempos y el control del espacio escénico han delineado con sus cuerpos la opresión y la agobiante atmósfera de la casa, logrando que el dolor no solo se recite, sino que llegue hasta el rincón más escondido del Teatro.

La propuesta musical demuestra un conocimiento profundo de las raíces más puras del arte flamenco con la sobriedad y la hondura de sus acordes para reflejar el relato trágico que la obra exige.

Cada falseta y cada rasgueo seco entablan un diálogo perfecto con el cante desgarrador de Hernández en el papel de Casandra, con una madurez vocal admirable ha canalizado el sufrimiento del linaje a través de un quejío contenido, manejando los silencios con una templanza propia de los grandes nombres del género.

Es esta perfecta comunión entre el taconeo rotundo del coro, la guitarra y el cante en directo lo que regala al festival un espectáculo total, donde el duende y la precisión técnica se alían para conmover profundamente al espectador contemporáneo.

Al apagarse el último eco de la guitarra, la obra culmina en el Teatro Romano logrando una ovación de pie, fruto del trabajo y la emoción de la historia.

Spartacus’ ha subido el telón del Festival de Teatro de Mérida para acercarnos al mundo sensible del gladiador tracio con un diálogo sincrónico entre narrativa y ballet. Un grito que resuena en la actualidad a través del eterno conflicto entre el yugo del opresor y la sed de libertad del ser humano.

Con la adaptación del texto de Ana Graciani y la dirección artística de María Graciani, esta propuesta despoja al héroe mítico de su armadura para descubrir al hombre, interpretado por Miguel Ángel Muñoz. Un espectáculo que define un viaje a través del limbo difuso entre la vida y la muerte en un escenario donde coexisten el delirio onírico y la realidad más pura.

Con una escenografía cuidada al detalle, el teatro romano de Mérida se convierte en el cómplice perfecto para humanizar el mito de un hombre que luchó por su libertad hace 2.000 años. Una apuesta que desde el amor a la vida y el miedo a morir ha permitido al espectador palpar las emociones del guerrero que no solo luchó, sino que también supo de miedos, pasiones y llantos.

El público ha podido empatizar con el esclavo tracio a través de un lenguaje que fusiona la palabra, con un texto narrado por Muñoz, y la plasticidad del ballet clásico.

En este sentido, los bailarines del Düsseldorf Ballet Theater, dirigidos por Peter Agardi,han elevado el espectáculo en una propuesta donde Igor Person asume la responsabilidad de dar cuerpo, a través de la danza, al joven Espartaco.

De actor a mito en escena

Frente a la tiranía implacable y el egoísmo puro de una Roma que no quiere perder el poder sobre los esclavos, estos empiezan su rebelión gracias a un Espartaco derruido tras haber matado a su mejor amigo en la arena. En la batalla, Muñoz carga de soberbia al personaje a través de su voz, hilando un discurso sobre la dignidad y los derechos de sus iguales que, irremediablemente, pagarán su libertad con sangre.

En una fusión casi idílica, el actor le da la oportunidad y la fuerza a Espartaco para revivir su pasado, asumiendo tanto sus errores como los egocentrismos del pasado.

El escenario, a través del cuerpo de los bailarines, se llena de una desgarradora fragilidad donde los cuerpos heridos de sus seguidores revelan la agonía de aquel que sufre bajo la fuerza del poder y la tiranía absoluta. Por esta razón el dolor que consume a Espartaco cobra más fuerza al acompañarse por composiciones musicales en directo, además del sonido de esas cadenas y látigos que recordaban su pasado trágico.

Del odio al perdón

La propuesta de las Graciani otorga todo el peso dramático a la evolución interna del propio protagonista. Espartaco es quien, frente a la inmensidad del teatro, asume el papel del narrador para que, con gracia y estilo, el cuerpo de baile exprese los pasajes de su pasado.

En el inicio de la historia, el relato nos muestra a un Espartaco visceral, consumido por el odio y el resentimiento, pues solo eso le “mantienen con vida” al mismo tiempo que le consume. Con bravura y una fuerza salvaje reflejada en la danza, el personaje verbaliza la rabia de verse despojado de su identidad.

Con una coreografía excepcional en la sincronicidad de movimientos de los 18 bailarines, el gladiador lanza una proclama de igualdad, pues “todos nacemos iguales con dos manos para aferrarnos al mundo”, por lo que, a su juicio, es sensato rebelarse “ante los hombres, pero también ante los dioses que permiten esta barbarie”.

Así, con una fuerza inquebrantable, el gladiador alienta a todos los esclavos de Roma, incluidos los emeritenses, a luchar, aunque el desenlace es inevitable y la puesta en escena que se vuelve más sobria, la coreografía abandona la espectacularidad de los combates iniciales para centrarse en la pesadez de los cuerpos cansados, reflejando el peso del destino que se avecina.

La muerte por una causa digna La muerte de Espartaco representa el sacrificio de un hombre que prefirió caer herido antes que verse nuevamente encadenado y que con amargura proclama que “no queda nada” y han “perdido la guerra”. En ese instante, cuestiona en qué momento confundió destino con soberbia, se castiga por su actitud y lanza al aire una duda existencial: “¿merece la pena matar y morir por muy digna que parezca la causa?”.

Con el dolor de saber que 6.000 de sus iguales están crucificados, el guerrero comprende y acepta su final, admitiendo que debió morir por una causa mayor, dejando resquicios de su testamento vital: “aquí llegué yo, lo demás es cosa vuestra”.

El final se corona con la muerte, representada por un caballo blanco, siendo aceptada por el tracio mientras escuchamos el emotivo discurso de su hijo, quien proyecta hacia el futuro la esperanza de que todo el sufrimiento habrá merecido la pena mientras la muerte se lleva a su padre. Al grito unísono de ‘¡Spartacus!’, la obra culmina en el teatro romano logrando una ovación.

La película 'Día de caza', dirigida por Pedro Aguilera y producida por Gonita Films con el respaldo de la Junta, llega este viernes a las salas comerciales de toda España, una comedia dramática rodada mayoritariamente en la región que está protagonizada por Carmen Machi, Rossy de Palma y Blanca Portillo, acompañadas por Zoé Arnao.

El filme ofrece una revisión contemporánea y en clave femenina de 'La caza', la obra maestra de Carlos Saura. La historia sigue a Blanca, Rosa y Carmen, tres amigas de mediana edad que, tras mucho tiempo sin reunirse, deciden pasar una jornada cazando conejos en una finca heredada por una de ellas, acompañadas por Diana, la joven y reservada sobrina de Rosa, según detalla la Junta en nota de prensa.

Este reencuentro, que comienza entre risas y confidencias, deriva poco a poco en un intenso enfrentamiento marcado por el calor, los recuerdos del pasado y las tensiones personales, convirtiéndose en un retrato de las relaciones humanas, los conflictos generacionales y las heridas que permanecen abiertas con el paso del tiempo.

El largometraje ha contado con el apoyo de la Junta de Extremadura, a través de la convocatoria de ayudas a la producción de largometrajes de 2023, con una aportación de 250.000 euros.

Según la Junta, esto reafirma el compromiso de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes con el impulso de la industria audiovisual y la consolidación de Extremadura como un territorio de referencia para el desarrollo de producciones cinematográficas. Además de este apoyo económico, 'Día de caza' mantiene una estrecha vinculación con Extremadura al haber desarrollado aproximadamente el 90% de su rodaje en la región, utilizando localizaciones situadas en la provincia de Cáceres.

La elección de estos escenarios pone de manifiesto el atractivo del patrimonio histórico, natural y paisajístico extremeño para la producción cinematográfica, así como la capacidad de la comunidad autónoma para acoger rodajes de primer nivel.

La participación de la Junta en este proyecto se encuadra en su estrategia de apoyo continuado al sector audiovisual, que en los últimos años ha favorecido la llegada de producciones nacionales e internacionales, la creación de empleo especializado y la proyección de Extremadura como un territorio cada vez más atractivo para la industria cinematográfica.

La Filmoteca de Extremadura, con el objetivo de acercar esta producción al público extremeño, tiene previsto incluir 'Día de caza' en su programación al comienzo de la nueva temporada, a partir del próximo mes de septiembre.

La película podrá verse en las cuatro sedes estables de la Filmoteca, reforzando así su compromiso con la difusión del mejor cine contemporáneo y con la exhibición de aquellas obras que cuentan con la participación y el apoyo de la Junta de Extremadura.

El silencio apenas dura unos segundos antes de que una puerta se abra y un violín comience a llenar el pasillo. En otra aula, una pianista repite una misma frase con precisión quirúrgica, buscando ese matiz que solo aparece cuando la técnica y la sensibilidad se alinean. Al final del corredor, alguien ensaya una obra que, dentro de unas semanas, resonará en un teatro o en la plaza de cualquier municipio de la provincia.

Lo que sucede cada día entre las paredes del Conservatorio Superior Bonifacio Gil y del Conservatorio Profesional Juan Vázquez no se queda en las aulas ni termina cuando concluyen las clases. La música que allí se estudia, se perfecciona y se disfruta, sale a los escenarios, recorre la provincia y acaba integrándose en la vida cultural de Extremadura. Es un trabajo individual primero, constante y colectivo que convierte a los conservatorios en auténticos motores culturales del territorio.

Esa es precisamente la idea que Miguel Calderón Domínguez quiere desterrar cuando alguien identifica un conservatorio únicamente como una escuela de música. “Es un error pensar que un conservatorio solo enseña música. Su misión principal es formar excelentes profesionales, pero también poner ese conocimiento al servicio de la sociedad”, resume quien coordina ambos centros desde la Oficina de Artes Escénicas de la Diputación de Badajoz.

La afirmación no es retórica. Detrás existe una estructura que lleva casi un siglo evolucionando. La Diputación comenzó a impulsar la enseñanza musical en 1927 y creó el Conservatorio Provincial en 1931, el primero de Extremadura. Hoy mantiene un modelo singular que reúne el Conservatorio Profesional Juan Vázquez, donde se imparten enseñanzas elementales y profesionales, y el Conservatorio Superior Bonifacio Gil, único centro público extremeño que ofrece el Grado en Enseñanzas Artísticas Superiores de Música.

Cada curso pasan por sus aulas más de 450 estudiantes procedentes no solo de distintos municipios extremeños, sino también de otras comunidades autónomas e incluso de Portugal. A ellos se suma una plantilla de cerca de noventa docentes especializados que sostienen un modelo basado en la enseñanza individualizada y el trabajo colectivo.

Pero Calderón insiste en que las cifras solo cuentan una parte de la historia:“La excelencia de un conservatorio no se mide únicamente por los músicos que forma, sino también por la cultura que es capaz de compartir y devolver a la sociedad”.

Una de sus alumnas, Oliva Lorrio Sánchez, violonchelista y soprano, define su paso por el conservatorio como “la experiencia más enriquecedora” de su vida. A punto de comenzar un doble grado, destaca especialmente el ambiente musical que se respira a diario: “Es lo mejor que le puede pasar a una persona que decide dedicarse a esto”. Subraya también la calidad humana y académica del profesorado, clave en una formación exigente que obliga a largas horas de estudio y a mantener un alto nivel de excelencia. “Es una carrera muy dura, pero el acompañamiento y el entorno hacen que todo sea más llevadero”, explica.

En ese contexto, la vida musical se extiende más allá de las aulas. La posibilidad de participar en la Orquesta Joven de Extremadura y en los encuentros orquestales del propio conservatorio permite al alumnado trabajar repertorio sinfónico y convivir intensamente durante semanas dedicadas exclusivamente a la música. “Ahí es donde realmente crecemos”, afirma. Además, destaca el nivel de las distintas especialidades —desde piano y guitarra hasta el aula de canto, de la que forma parte— y el equilibrio que ofrece una ciudad de tamaño medio, donde todo está al alcance. “Los estudios son complejos, pero con un buen entorno y compañerismo, se sacan adelante”, concluye.

El escenario también es un aula

En la formación musical existe un momento en el que el estudio individual deja de ser suficiente. Ocurre cuando el alumnado se enfrenta por primera vez a un escenario. Para Calderón, ese paso forma parte inseparable del aprendizaje. “Es ahí donde aprenden a asumir responsabilidades artísticas, a trabajar en equipo, a enfrentarse al público y a desenvolverse en contextos muy diversos”.

Por eso la programación anual de ambos conservatorios no responde a una simple suma de conciertos. Detrás existe una planificación que busca convertir cada actuación en una experiencia formativa y, al mismo tiempo, en una propuesta cultural para la ciudadanía.

Durante el curso conviven festivales especializados como BadaSax, BadaBrass, la Semana del Clave, el Festival Internacional de Jazz, el Ciclo de Música Contemporánea, Cantemos, además de nuevas iniciativas como Resonancias, BadaPerc u OBAfest. A ello se añaden conciertos de Navidad, clausura, encuentros, clases magistrales, conferencias y proyectos desarrollados junto a otras instituciones. Y es que el objetivo es que el conocimiento generado diariamente dentro de las aulas no permanezca encerrado entre sus paredes.

Horas de estudio que no se ven

Detrás de cada concierto hay una realidad poco visible para el público. Horas de estudio en solitario. Ensayos. Frustraciones. Repeticiones infinitas hasta conseguir que una obra suene como debe.

Calderón describe al alumnado como jóvenes extraordinariamente comprometidos con una disciplina que exige mucho más sacrificio del que suele apreciarse desde fuera. “Detrás de cada estudiante hay muchas horas de trabajo, constancia e ilusión por dedicarse profesionalmente a una actividad enormemente exigente”.

Ese esfuerzo tampoco sería posible, añade, sin el apoyo constante de las familias, que acompañan durante años un proceso educativo especialmente intenso y prolongado.

Una orquesta como metáfora

Si hubiera que resumir qué representa un conservatorio, Calderón escogería una imagen: una orquesta afinando antes de un concierto. Cada músico, cada música, domina su instrumento, pero el resultado solo aparece cuando todos escuchan al resto.

“La orquesta y la banda representan probablemente la mejor expresión de todo lo que significa un conservatorio. En ellas confluyen el esfuerzo individual, el trabajo colectivo, la escucha, el respeto y el compromiso con un proyecto común”.

Ese aprendizaje colectivo prepara además al alumnado para una realidad profesional cada vez más diversa, en la que ya no basta con interpretar bien un instrumento porque hoy un músico debe ser capaz de enseñar, participar en proyectos interdisciplinares, colaborar con instituciones culturales, emprender iniciativas propias y adaptarse a escenarios muy distintos.

Dimensión humana

Para el director del Conservatorio Superior de Música Bonifacio Gil, Jesús David Valero, al no ser centros excesivamente grandes, se ofrece una atención personalizada que permite un seguimiento cercano de la evolución académica y artística del alumnado, así como un acompañamiento en las dificultades propias de unos estudios exigentes. Este ambiente, cercano y casi familiar, se complementa con un profesorado altamente cualificado, un alumnado comprometido y una intensa actividad artística que trasciende el aula y potencia el contacto con el sector profesional. A ello se suma una estrecha conexión con el entorno cultural de Badajoz y de Extremadura, así como las oportunidades que brinda la proximidad con Portugal para el desarrollo de iniciativas transfronterizas. “En conjunto, se combina cercanía y acompañamiento con calidad, ambición artística y una clara proyección internacional”, sentencia Valero.

Coordinar para crecer

Desde diciembre de 2025, la Oficina de Artes Escénicas trabaja en un modelo de coordinación que pretende integrar toda la actividad artística y administrativa de ambos conservatorios. La idea no consiste únicamente en organizar conciertos, sino en construir una estrategia común capaz de conectar proyectos, compartir recursos y hacer más visible un trabajo que, según Calderón, muchas veces casi no se nota.

Su planteamiento busca implantar una metodología basada en la planificación, la evaluación y la mejora continua, en la que profesorado, equipos directivos, administración y personal técnico trabajen siguiendo una misma hoja de ruta: “La principal aportación no consiste solo en impulsar nuevas iniciativas, sino en conseguir que todo el potencial que ya existe pueda desarrollarse de una forma más coordinada, eficiente y visible”.

Cultura que vertebra la provincia

Los conservatorios mantienen colaboraciones con universidades, fundaciones, asociaciones, agrupaciones musicales y otras instituciones culturales. Esa red permite que la actividad artística llegue a numerosos municipios y contribuya a fortalecer el tejido cultural de la provincia. Para Calderón, el reto consiste precisamente en consolidar esa capacidad de colaboración sin perder de vista la misión esencial de ambos centros.

“La formación del alumnado debe seguir siendo el eje sobre el que se construya todo lo demás”, porque cada concierto que escucha el público es únicamente la parte visible de un trabajo silencioso que comienza mucho antes, en una clase individual, frente a un atril o al teclado de un piano.

Allí es donde un estudiante aprende que interpretar una partitura no consiste únicamente en ejecutar notas, sino también en comprender que la música solo cobra pleno sentido cuando abandona el aula y encuentra quien la escuche y disfrute tanto como ellos.

El yacimiento tartésico de Casas del Turuñuelo, ubicado en Guareña (Badajoz), suma un nuevo hito arqueológico a su ya extraordinaria trayectoria. Los trabajos arqueológicos de la octava campaña de excavaciones han sacado a la luz un excepcional carro de bronce con una estructura y decoración nunca vistas con anterioridad en la península ibérica. Las primeras interpretaciones del equipo investigador apuntan a que el vehículo procede de la antigua Etruria (en la actual Italia), el único lugar donde se han encontrado ejemplos similares.

El hallazgo, presentado este miércoles en Madrid, se suma a la recuperación de cerámicas y marfiles que evidencian la existencia de potentes redes de intercambio comercial de objetos de lujo entre este enclave del suroeste peninsular y distintos territorios del Mediterráneo durante el siglo V a. C.

Las excavaciones están lideradas por el Instituto de Arqueología de Mérida (IAM), un centro mixto del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) —organismo adscrito al Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades— y la Junta de Extremadura.

Iconografía mitológica vinculada a banquetes rituales

La pieza ha sido localizada en el sector sur del edificio principal, un área cuyas excavaciones comenzaron en el año 2015. El carro conserva una rica decoración figurativa en su caja: en la parte frontal aparece representado un Aqueloo —una divinidad fluvial que, por su gestualidad, podría vincularse con el inframundo—, mientras que los laterales están ornamentados con dos grifos (seres mitológicos con cabeza de águila y cuerpo de león). Toda la estructura descansa sobre dos ruedas también decoradas y está sostenida en los extremos por dos figuras humanas con los brazos alzados.

“Es uno de los hallazgos más relevantes realizados hasta la fecha en este enclave tartésico del siglo V a. C.”, ha destacado Esther Rodríguez, codirectora de las excavaciones.

Respecto a su uso, los investigadores señalan que las piezas paralelas conocidas proceden de la civilización etrusca, que vivió su máximo esplendor en Italia central entre los siglos VIII y V a. C. Aunque su función exacta está por determinar, el codirector de las excavaciones, Sebastián Celestino, apunta que podría “estar relacionada con actividades rituales vinculadas fundamentalmente con los banquetes”. De hecho, el descubrimiento se ha producido al lado de la estancia denominada 'habitación del banquete', el espacio que albergó el ágape final con el que la comunidad del Turuñuelo clausuró el edificio.

Junto al carruaje de bronce, los arqueólogos han recuperado un destacado conjunto de materiales importados que revelan el contacto directo con el Mediterráneo oriental. Entre ellos, destaca una cerámica procedente de la región del Ática (Grecia), un recipiente de alabastro egipcio y marfiles decorados con representaciones de guerreros y motivos animales y vegetales.

Según explica Esther Rodríguez, estos objetos aportan una información extraordinaria para reconstruir las redes comerciales de la época: “Estamos documentando importaciones y piezas únicas que ayudan a reconstruir estas redes de intercambio”.

Nuevas habitaciones en el gran edificio de adobe

Esta última campaña, en la que han participado cerca de un centenar de investigadores, se ha desarrollado durante abril y mayo, y se ha centrado en los sectores norte y sur del túmulo de 90 metros de diámetro y seis de altura bajo el cual el edificio fue sellado intencionalmente a finales del siglo V a. C. Las tareas se han desplegado a ambos lados de la estancia H-100, una habitación de unos 70 metros cuadrados que es la más grande excavada hasta ahora en el complejo.

Los trabajos han sacado a la luz nuevas habitaciones y espacios de circulación que amplían el conocimiento de la arquitectura del complejo, cuyo estado de conservación sigue siendo excepcional. En el sector norte se han hallado dos braseros y un caldero de bronce, si bien el volumen de material cerámico recuperado en esta campaña ha sido significativamente menor en comparación con las anteriores. “Aunque todavía no podemos aportar información concluyente sobre la funcionalidad de los nuevos espacios, los hallazgos materiales están permitiendo avanzar de forma significativa”, valora Rodríguez.

Una vez concluidos los trabajos de campo, el proyecto arranca su segunda fase, centrada en la restauración, documentación, dibujo y análisis de las piezas. Estas labores de conservación se llevarán a cabo en el Servicio de Conservación, Restauración y Estudios Científicos del Patrimonio Arqueológico (SECYR) de la Universidad Autónoma de Madrid (UAM), institución que colabora con el proyecto 'Construyendo Tarteso' desde que se iniciaron las excavaciones hace una década.

'Construyendo Tarteso' es un proyecto de la Agencia Estatal de Investigación, integrado en el Plan Estatal I+D+i del Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades, que busca caracterizar la cultura material tartésica mediante el análisis arquitectónico de sus grandes edificios de adobe.

El hallazgo del carro de bronce se suma a una cadena de descubrimientos históricos en este yacimiento pacense: el mayor sacrificio de animales del Mediterráneo occidental (2017), las primeras representaciones humanas de Tarteso (2023), una placa de pizarra con escenas de guerreros y un abecedario paleohispánico (2024) y el altar de mármol griego más antiguo del Mediterráneo occidental (2025).