El municipio pacense de Castuera celebrará el próximo sábado la vigésimo cuarta edición del Festival Flamenco 'Porrina', una cita ya consolidada en el calendario cultural extremeño que volverá a reunir sobre el escenario a destacados nombres del cante, el toque y el baile flamenco.

El festival ha sido presentado este lunes por el vicepresidente primero de la Diputación de Badajoz, Juan María Delfa; la primera teniente de alcalde de Castuera, Piedad Roso; el coordinador del programa, Sergio García; y el bailaor Diego Andújar, uno de los artistas participantes.

El cartel de esta edición estará integrado por los cantaores Alicia Gil, Miguel de Tena y Jesús Méndez; el bailaor Diego Andújar; Cristina Tovar al cante para el baile; los guitarristas Manolín García, Vicente Santiago y Lito Espinosa; y Jorge Pérez y Dani Bonilla a las palmas.

Durante la presentación, Juan María Delfa destacó la apuesta de la Diputación de Badajoz por reforzar la presencia de Extremadura en el panorama flamenco nacional e internacional. En este sentido, señaló que iniciativas como el circuito Pasión por el Flamenco o festivales como el de Castuera contribuyen a proyectar el talento de la región y a consolidar una programación cultural de referencia.

Por su parte, Sergio García explicó que el cartel ha sido diseñado con el objetivo de reflejar la diversidad del flamenco, combinando artistas extremeños con otros procedentes de distintos territorios. Una propuesta que, según indicó, busca mostrar “lo nuestro” sin renunciar al intercambio artístico y cultural que enriquece este género.

La organización del festival cuenta con la colaboración de la Federación Provincial de Peñas Flamencas y de la peña flamenca de Castuera, una entidad que, según destacó Piedad Roso, reúne a más de 300 socios y socias y desempeña un importante papel en la dinamización cultural del municipio.

El bailaor Diego Andújar aprovechó su intervención para recordar cómo ha vivido el festival desde la infancia y para reivindicar el papel de los artistas extremeños dentro del flamenco actual. En este sentido, destacó el esfuerzo que muchos profesionales realizan al desarrollar parte de su carrera fuera de la región, aunque manteniendo siempre el vínculo con su tierra de origen.

Asimismo, defendió la autenticidad del flamenco extremeño, que definió como un arte “de verdad” capaz de conectar con públicos de distintos lugares. A su juicio, el respaldo institucional a través de programas culturales permite que exista relevo generacional y que continúe creciendo una cantera de artistas que mantiene viva la tradición flamenca en Extremadura.

El XXIV Festival Flamenco 'Porrina' se celebrará en el Centro Cultural de Castuera y volverá a convertir al municipio en uno de los principales puntos de encuentro para aficionados y profesionales del flamenco en la región.

La ciudad de Cáceres celebrará el próximo jueves, a las 19.00 horas, un acto de homenaje a Pablo Guerrero en la Biblioteca Pública del Estado. La iniciativa reunirá a un amplio grupo de voces del ámbito cultural extremeño con el propósito de reconocer la vigencia de una obra que ha acompañado a varias generaciones y que continúa siendo un referente ético, estético y social.

El acto contará con la participación de Javier Arroyo, Víctor Asuar, Elisa Blázquez, Francisco de Borja, Manolo Cañada, Jeremías Clemente, Enrique Cidoncha, Santos Domínguez, Pilar Galán, Antonio Guerrero, Miguel Ángel Lama, Celia Muriel, Miguel Ángel Naharro, Nando Juglar, Teresa Rejas y Ada Salas, entre otros nombres vinculados a la creación literaria y musical en Extremadura. La diversidad de perfiles convocados refleja la amplitud de la huella que Guerrero ha dejado en la cultura contemporánea.

Una trayectoria singular

El homenaje coincidirá con la presentación del libro Pablo Guerrero. Porque amamos el fuego, una obra en la que Manuel Cañada propone un recorrido por la dimensión humana, artística y comprometida del cantautor. El volumen se articula a partir de testimonios, recuerdos y reflexiones que permiten situar la figura de Guerrero en el contexto social y político de las últimas décadas, alejándose de la biografía convencional para ofrecer una lectura más profunda de su legado.

El título, tomado de uno de los versos más reconocibles del universo poético del artista, subraya la importancia de la palabra como herramienta de resistencia, de belleza y de conciencia crítica. Cañada, conocido por su activismo social y por su defensa de los derechos de las personas más vulnerables, aporta una mirada que conecta la obra del cantautor con los movimientos sociales y con las transformaciones culturales del país.

Un referente de la canción de autor

Nacido en 1946 en Esparragosa de Lares, Pablo Guerrero es autor de canciones emblemáticas como A cántaros, convertida en un símbolo de esperanza durante los últimos años del franquismo y la Transición. Su producción, que abarca más de cinco décadas, se caracteriza por la búsqueda estética, el compromiso social y una profunda vinculación con el paisaje, la memoria y la cultura popular.

Su obra ha influido en varias generaciones de músicos y escritores, y ha contribuido a consolidar una forma de entender la canción de autor en la que la poesía, la sensibilidad social y la experimentación musical conviven de manera natural. Guerrero es considerado una figura clave para comprender la evolución de la música de autor en España y su relación con los cambios políticos y culturales del país.

Un reconocimiento colectivo

La cita en la Biblioteca Pública de Cáceres aspira a convertirse en un acto de reconocimiento colectivo a un creador que ha trascendido el ámbito estrictamente musical para convertirse en una referencia ética y cultural. El encuentro pretende celebrar la palabra, la poesía y las canciones de una de las voces más singulares surgidas de Extremadura, y reivindicar la vigencia de una obra que continúa interpelando al presente.

La provincia de Badajoz se enfrenta a un desafío geográfico singular al ser la demarcación más extensa de todo el territorio español. Con más de 16.000 kilómetros cuadrados y una notable dispersión de municipios, la gestión de los servicios públicos exige soluciones que superen las distancias físicas. En este escenario, la Diputación de Badajoz ha consolidado Nubeteca como una herramienta de cohesión territorial que permite que el derecho a la lectura y la información no dependa del lugar de residencia del ciudadano. Este modelo de biblioteca para el siglo XXI ha logrado situarse como un referente en la gestión cultural al integrar el entorno digital con la calidez del espacio público municipal.

Para comprender la magnitud de este servicio, es necesario destacar las cifras que definen su alcance actual. A comienzos de 2026, la red ha superado los 129.000 usuarios y cuenta con 59 espacios físicos operativos distribuidos por toda la geografía pacense. La función que desempeña la institución provincial mediante el Servicio Provincial de Bibliotecas se centra en la democratización del conocimiento, asegurando que un vecino de una pequeña localidad de menos de 1.000 habitantes disponga de las mismas oportunidades de acceso que quien reside en la capital de la provincia.

Llevar miles de libros en el bolsillo ya no es un sueño: es una forma nueva de habitar la lectura. La tecnología, antes distante del tacto del papel, se ha vuelto aliada del lector que quiere leer en cualquier lugar y a cualquier hora. Nubeteca tomó esa idea y la convirtió en un territorio híbrido, donde la biblioteca vive tanto en la nube como en la tierra. No se limita al préstamo digital: tiende puentes, mezcla lo material con lo virtual y acerca la cultura a quien la busca.

Sencillo y para todos

El acceso a este ecosistema cultural está diseñado de forma sencilla para que cualquier ciudadano pueda beneficiarse de él. El requisito fundamental es poseer el carné de lector de alguna de las bibliotecas o agencias de lectura de la Red de Bibliotecas Municipales de la provincia de Badajoz. Para obtenerlo, el interesado debe acudir a su biblioteca municipal más cercana, donde el personal bibliotecario le facilitará las claves de acceso personales. El sistema de identificación suele basarse en el número de DNI del usuario y una contraseña inicial que debe ser modificada por seguridad tras el primer acceso.

Una vez registrado, el usuario puede disfrutar del material desde cualquier lugar y en cualquier momento. La plataforma principal es accesible a través de la web oficial de bibliotecas de la Diputación, pero también existe una aplicación móvil específica denominada 'Bibliotecas Diputación Badajoz', disponible para los principales sistemas operativos. A través de estas interfaces, el lector puede gestionar sus préstamos, realizar reservas de títulos que estén ocupados o incluso sugerir la compra de nuevos ejemplares.

Clubes de lectura físicos y virtuales

La variedad del material disponible es uno de los pilares del servicio público que presta Nubeteca. El catálogo digital cuenta con más de 35.000 títulos que abarcan desde las últimas novedades editoriales y grandes clásicos de la literatura hasta una amplia sección de audiolibros, un formato en constante crecimiento. Además de la literatura, el servicio incluye eFilm Nubeteca, una plataforma que ofrece más de 10.000 películas, series y documentales para todas las edades. La oferta informativa se completa con el acceso diario a la edición digital de diarios regionales y a una selección de 187 revistas de diversas temáticas e idiomas, eliminando las esperas y permitiendo una consulta instantánea.

Sin embargo, el proyecto va mucho más allá de ser un simple repositorio digital. Los Espacios Nubeteca han reinventado la biblioteca física: pequeñas instalaciones equipadas con pantallas de gran formato, ordenadores táctiles y mobiliario innovador que funcionan como puntos de encuentro y formación. En estos lugares, la tecnología se vuelve cercana gracias a la mediación de bibliotecarios y bibliotecarias, que acompañan al lector y dinamizan actividades como los clubes de lectura en la nube, donde personas de distintos pueblos conversan sobre una misma obra a través de foros digitales.

Presentes ya en 59 bibliotecas municipales, estos espacios son islas físicas conectadas a un universo digital, rincones reales que abren la puerta a un catálogo sin límites. Allí, el lector ocupa el centro. Surgen noches de cuentos, talleres de escritura y propuestas creativas que, como dicen desde el proyecto, “sacan de la zona de confort” y devuelven a la lectura a su faceta más humana.

Reconocimientos

La labor de la Diputación de Badajoz ha sido validada por diversos reconocimientos que subrayan su compromiso con la igualdad de oportunidades. El proyecto ha recibido el Sello CCB del Consejo de Cooperación Bibliotecaria, otorgado por el Ministerio de Cultura, por su capacidad para innovar y fomentar la inclusión social. Asimismo, bibliotecas locales integradas en esta red han sido galardonadas en los premios María Moliner por sus actividades de animación a la lectura, demostrando la vitalidad cultural de los municipios rurales .

La sostenibilidad del modelo está asegurada mediante un plan presupuestario que prevé la incorporación de veinte nuevas localidades entre 2025 y 2028, con una inversión dedicada a seguir reduciendo la brecha digital y tecnológica . En definitiva, en la provincia más extensa de España, este servicio público ha conseguido que la cultura sea un recurso cercano y accesible, reforzando el sentimiento de pertenencia a una comunidad que camina unida hacia la transformación digital sin dejar a nadie atrás.

La relación entre medios de comunicación, democracia y avance de la extrema derecha centrará este jueves en Cáceres una conferencia del catedrático de Teoría de la Comunicación de la Universidad de Sevilla, Francisco Sierra Caballero. Bajo el título Comunicación o barbarie. Los medios y la extrema derecha, el encuentro tendrá lugar a las 19.30 horas en el Ateneo de Cáceres, situado en la calle General Ezponda, número 9.

La actividad está organizada por la Fundación de Investigaciones Marxistas (FIM) y contará con la presentación de José Hinojosa Durán, catedrático de Enseñanza Secundaria. Además, colaboran el Ateneo de Cáceres, la Diputación Provincial de Cáceres y el Colegio Oficial de Arquitectos de Extremadura.

La conferencia se enmarca en un contexto de creciente debate sobre la influencia de los medios de comunicación y las plataformas digitales en la difusión de discursos políticos polarizadores. El auge de las formaciones de extrema derecha en distintos países europeos y el impacto de las redes sociales en la construcción de la opinión pública han situado la comunicación en el centro de las reflexiones sobre la calidad democrática.

Francisco Sierra Caballero es una de las voces académicas más reconocidas en España en el ámbito de la comunicación crítica y la economía política de la información. Catedrático de Teoría de la Comunicación e investigador del Instituto Andaluz de Investigación en Comunicación y Cultura (INACOM) de la Universidad de Sevilla, ha desarrollado una amplia trayectoria centrada en las políticas de comunicación, las nuevas tecnologías y la participación ciudadana.

A lo largo de su carrera ha trabajado como experto para organismos internacionales como la Comisión Europea, la UNESCO y la Unión de Naciones Suramericanas (UNASUR). Además, fue director general del Centro Internacional de Estudios Superiores de Comunicación para América Latina (CIESPAL) y presidente de la Confederación Iberoamericana de Asociaciones Científicas y Académicas en Comunicación (Confibercom).

Sierra también es fundador del Grupo Interdisciplinario de Estudios en Comunicación, Política y Cambio Social (Compolíticas) y ha presidido la Unión Latina de Economía Política de la Información, la Comunicación y la Cultura (ULEPICC). En la actualidad dirige la Sección de Comunicación y Cultura de la Fundación de Investigaciones Marxistas.

La cita pretende abrir un espacio de reflexión sobre el papel de los medios en la configuración del debate público y sobre los desafíos que plantean la desinformación, la concentración mediática y la expansión de los discursos de extrema derecha en el ecosistema comunicativo contemporáneo.

La delegación de Manos Unidas en Cáceres ha puesto en marcha una nueva edición de su Rastrillo de Libros Solidarios, una iniciativa con la que pretende dar una segunda vida a los libros usados y recaudar fondos para proyectos de cooperación internacional vinculados a la educación, la salud y la igualdad.

Bajo el lema 'Cada libro puede abrir mentes, cada gesto puede cambiar vidas', la organización anima a la ciudadanía a acercarse al rastrillo y colaborar mediante la adquisición de ejemplares de segunda mano. La campaña permanecerá abierta entre el 3 y el 20 de junio en el número 22 de la avenida de España de Cáceres.

El espacio abrirá en horario de mañana, de 10.30 a 13.30 horas, y de tarde, de 18.00 a 20.30 horas. Desde Manos Unidas destacan que la iniciativa busca convertir libros que ya no se utilizan en recursos para financiar proyectos de desarrollo en comunidades vulnerables de distintos países.

La organización subraya que este tipo de actividades permiten implicar a la ciudadanía en la lucha contra la pobreza y las desigualdades a través de pequeños gestos cotidianos. “No los dejes acumulando polvo; transfórmalos en educación, salud e igualdad”, señala la campaña de difusión del rastrillo.

La delegación cacereña recuerda además que la reutilización de libros contribuye a fomentar hábitos de consumo responsables y sostenibles, al tiempo que favorece el acceso a la lectura y la circulación de obras que pueden encontrar nuevos lectores. Este tipo de rastrillos forman parte de las acciones solidarias que Manos Unidas desarrolla habitualmente para financiar proyectos de cooperación y sensibilizar sobre las desigualdades globales.

La actividad está organizada por la Delegación de Manos Unidas Cáceres, cuya sede se encuentra en la calle General Ezponda. Las personas interesadas en colaborar o recibir más información pueden dirigirse a la organización a través de sus canales habituales de contacto.

La librería La Puerta de Tannhäuser, tanto en Cáceres como en Plasencia, encontró esta semana una nueva resonancia en la palabra de Sara Torres. La autora (Gijón, 1991) presentó su último ensayo, El pensamiento erótico, en un encuentro que casi desbordó el aforo y que se convirtió no solo en una presentación literaria, sino en una conversación abierta sobre el deseo, la norma y las posibilidades de vida.

El acto reunió a lectoras (sobre todo) y lectores que buscaban dialogar con una obra que cuestiona los límites impuestos y propone pensar el erotismo como una forma de conocimiento y de existencia. La intervención de Torres transformó la cita en un espacio de reflexión colectiva donde se abordaron las tensiones entre deseo y mandato social, así como las formas de imaginar “vidas más habitables”.

Torres, una de las voces más influyentes de la literatura contemporánea en español, llega a este libro tras el impacto de ‘Lo que hay’ (2022) y la consolidación de ‘La seducción’ (2024), dando ahora un giro hacia la teoría crítica sin abandonar su anclaje en lo vivencial. “La teoría me interesa cuando responde a preguntas sobre cómo vivir”, explicó. “No como una razón abstracta o iluminadora, sino como un saber inmediato: cómo vivir siendo un cuerpo, cómo vivir con otras, cómo entender la violencia o por qué ocurre”.

Pensar el deseo como fuga

Durante el encuentro, Torres insistió en que El pensamiento erótico no es una ideología, sino una práctica: “una forma de pensar y de hacer en fuga”. En diálogo con la tradición de Monique Wittig, cuestionó lo que denomina la “fantasía hetero-real”, un sistema que impone una estructura binaria y complementaria que organiza tanto los cuerpos como el deseo.

“Hacen falta muchas amantes trabajando a la vez para desheterosexualizar el mundo”, afirmó, en una de las ideas centrales de su intervención. La figura de la amante, explicó, no remite únicamente a lo romántico o sexual, sino a una posición ética: la de un cuerpo que se relaciona desde el cuidado, la reciprocidad y el deseo de dar, frente a una lógica de consumo.

En este punto, reivindicó la “dulzura” como una forma de inteligencia política: “una inteligencia de acogida” capaz de oponerse a lo que denominó “cuerpo fascista”, entendido como aquel que ha sido desensibilizado para responder únicamente a la productividad y al poder.

La construcción del deseo

Uno de los momentos clave del encuentro llegó al abordar cómo se construye el deseo, especialmente en relación con otras mujeres. Torres cuestionó la idea de la orientación como algo fijo: “Es como un carné que te dan al nacer”, ironizó, señalando cómo muchas mujeres han sido socializadas dentro de una heterosexualidad asumida más que elegida.

A partir de ahí, desarrolló una de sus tesis clave: el deseo no es solo una pulsión interna, sino que depende de los imaginarios disponibles. “El deseo se genera en contacto con repertorios de lo posible”, explicó. Por eso, la falta de representación de las relaciones entre mujeres ha operado siempre como una forma de limitación: “Se ha pensado muchas veces como una nada, como si entre dos cuerpos de mujeres no pudiera ocurrir nada”.

Frente a esa “nada”, su escritura propone mostrar la abundancia: “Tenemos una potencia de amor enorme. Si solo nos dejan amar a una opción, volcamos toda esa fuerza ahí, aunque sea a calzador al principio”.

En este sentido, relató cómo muchas lectoras le trasladan una experiencia común: descubrir, a través de sus textos, posibilidades de deseo que no habían contemplado. “Personas que pensaban que no había nada, de repente encuentran algo, y eso abre una emoción muy fuerte”, señaló.

Escritura y experiencia

Torres inisitió en que su escritura no parte de la abstracción, sino de la experiencia: “Nunca he escrito sobre algo que no haya llegado antes a la vida”. En su caso, esa relación con el deseo nace de una biografía marcada por un contexto conservador y religioso, donde esa pregunta —cómo desear y cómo vivir— se formulaba en silencio.

“Es una pregunta de supervivencia”, afirmó. “Porque incluso cuando vives en la diferencia, arrastras la norma que te enseñaron. La reciclas constantemente”.

Esa tensión entre norma y disidencia, entre experiencia y lenguaje, atraviesa toda su obra, desde sus primeros poemarios hasta sus novelas y ensayos. Su objetivo, explicó, ha sido siempre el mismo: “crear lenguaje donde había silencio”, especialmente en torno a experiencias que han quedado fuera del relato dominante.

Contra el sentido común

La autora también cuestionó el papel del “sentido común” como mecanismo de control: “El sentido común no es neutro, se construye para que la sociedad se repita a sí misma y nada cambie demasiado”. Por eso, considera que cualquier reflexión compleja sobre el deseo queda fuera de ese marco.

“Y por esto: El ensayo es una herramienta para operar sobre lo que hay”, defendió, insistiendo en la necesidad de pensar desde la vida y no al margen de ella.

El encuentro concluyó con una idea que sintetiza su propuesta: el deseo no como carencia ni fracaso, sino como potencia. “El deseo no fracasa, se intensifica”, afirmó, dejando en el aire una invitación a pensar lo erótico no como un ámbito privado o marginal, sino como una herramienta política capaz de transformar la vida y las relaciones humanas.

Existe una forma de mirar el mundo que no entiende de compartimentos estancos ni de fronteras geográficas. Una mirada que es capaz de conectar el barro húmedo de un taller de alfarería tradicional en Extremadura con los pasillos tecnológicos del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) o los debates sobre el futuro de la humanidad en la World Academy of Art and Science. Esa es la mirada de Samuel López-Lago (Mérida, 1991), un creador multidisciplinar cuya trayectoria transita con asombrosa naturalidad entre el diseño, el arte, la literatura, la tecnología y el bienestar.

Su labor, entendida como un servicio público que imagina y transforma la realidad, acaba de ser reconocida a nivel global: López-Lago ha sido galardonado con el Premio Internacional a la Creatividad en los Global Business Awards 2026 de The European. Un hito que coincide con su reciente nombramiento como embajador mundial de las artes de la World Academy of Art and Science (en su vertiente X-Art), una institución histórica de la que formaron parte mentes de la talla de Albert Einstein o Bertrand Russell.

Hablamos con el creador emeritense sobre su trayectoria, sus siete libros publicados, la necesidad de reivindicar las raíces y su particular manera de entender la creatividad no como un adorno, sino como una infraestructura indispensable para el futuro.

Un puente entre el MIT y las ruinas de San Albín

Para entender la cartografía creativa de Samuel López-Lago hay que viajar a su infancia. Específicamente al barrio emeritense de San Albín. “Habiéndome criado frente a los Columbarios y la Casa del Mitreo, y teniendo como espacios de juego las ruinas romanas de la calle Vía Ensanche y los talleres de verano del Museo Nacional de Arte Romano, es difícil no pensar en la ciudad romana como un contexto en el que desenvolverme”, evoca.

Ese sustrato de piedra, memoria clásica y tiempo lento modeló una curiosidad innata que, años más tarde, le llevaría a cruzar el Atlántico para formarse en el MIT. De Extremadura a Massachusetts. “Esa formación me ayudó a comprender que la intuición necesita estructura académica para desplegarse”, explica López-Lago. “Aprendí a pensar en sistemas, a diseñar con intención y a transformar una idea sensible en un proceso capaz de dialogar con la tecnología, las personas y el futuro”.

Esta capacidad para habitar diferentes disciplinas —el arte, los negocios, la tecnología— se traduce en sus responsabilidades internacionales. Como consejero de UNESCO Body and Mind Wellness y miembro de la World Academy of Art and Science, asume sus roles desde la “escucha y el servicio”. Su nuevo papel como embajador mundial de X-Art es, para él, una oportunidad de “llevar una voz extremeña a una conversación verdaderamente global”, concibiendo el arte como un lenguaje planetario capaz de unir sensibilidad, pensamiento y acción.

El asombro como hilo conductor: de la arcilla al papel

Con siete libros a sus espaldas, la producción literaria de López-Lago es tan poliédrica como su propia carrera. Abarca desde cuentos infantiles como Ítaca. El pequeño Ulises hasta ensayos metodológicos como el Vademécum de métodos de diseño. Sin embargo, bajo esa aparente disparidad, subyace un mismo latido: el asombro. “Todos mis libros intentan abrir una puerta para mirar de nuevo, recuperar presencia y recordar que crear también es una forma de habitar”, confiesa.

Sus proyectos editoriales funcionan a menudo como libros-objeto o experimentos de bienestar. En Brusselaxation, el autor propone una experiencia contemplativa de la capital belga a través de poemas y mandalas, buscando su dimensión más íntima lejos de la frialdad institucional.

Por su parte, en Clayfulness, funde la meditación con el modelado en arcilla, una práctica que sus lectores han abrazado como un refugio frente al ruido contemporáneo. “La arcilla nos devuelve al cuerpo. Hay algo muy antiguo en tocar, respirar y modelar sin prisa. El bienestar no aparece pensando más; aparece bajando las manos a la materia con presencia”, reflexiona el creador.

Esa misma defensa de la lentitud y la libertad se traslada a su trabajo con la infancia, un territorio que exploró activamente en el Festival Iceberg del Instituto Cervantes y en Galería de lo imposible donde celebra la imaginación como herramienta para cambiar el mundo. Para López-Lago, “cuidar la creatividad de un niño es proteger una inteligencia profunda, libre y valiente”, precisamente porque la infancia aún no ha aprendido a obedecer los límites de lo que los adultos consideran “posible”.

“La creatividad no ofrece soluciones mágicas, pero transforma la manera de formular las preguntas. Frente a problemas complejos, imaginar distinto ya es empezar a cambiar”.

'Ars Fatum': la raíz viva en Dubái y Osaka

Si hay un proyecto que sintetiza a la perfección la filosofía de López-Lago es Ars Fatum. Desarrollada en colaboración con el taller Terracota Mérida, esta obra ha sido la punta de lanza de la identidad extremeña en las vitrinas internacionales más importantes del planeta, formando parte del Pabellón de Extremadura tanto en la Expo Dubái 2020 como en la reciente Expo Osaka 2025. Un viaje global que ha contado, además, con el apoyo incondicional del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

“Significa honrar una raíz sin convertirla en reliquia”, afirma con rotundidad cuando se le pregunta por el orgullo de exportar el sello de su región. “Ars Fatum nace de Mérida, de la tierra, la artesanía y la memoria clásica, pero viaja al mundo como una forma viva, contemporánea y emocional de cultura extremeña”.

Esta itinerancia internacional le otorga una perspectiva privilegiada para lanzar un mensaje a las nuevas generaciones de creadores de la región: “Les diría que no intenten borrar su origen para parecer internacionales. Que conserven su acento: el lingüístico y el estético. Lo más universal suele nacer de lo más propio. La raíz no es una frontera”.

La creatividad como infraestructura de futuro

Aunque reconoce que en Extremadura existe sensibilidad, iniciativas y avances institucionales importantes en materia artística, López-Lago va un paso más allá y reclama un cambio de paradigma en la gestión del talento: “Debemos cultivar más la idea de entender la creatividad como infraestructura de futuro. No es un adorno cultural: es educación, economía, identidad, comunidad y una forma poderosa de proyectar la región al exterior”.

Mirando hacia los años 2026 y 2027, el creador extremeño se encuentra inmerso en nuevos proyectos editoriales junto a Experimenta Editorial, en lo que describe como un año “muy activo en cuanto a la exploración”.

Al ser preguntado sobre el horizonte de su carrera, el emeritense huye de los fuegos de artificio de la vanguardia tecnológica vacía. Su brújula apunta hacia una dirección mucho más humana: “Dirijo mi trabajo hacia una creatividad más esencial, menos ruidosa y más vivida. Quiero seguir construyendo puentes entre arte, bienestar, educación y pensamiento para imaginar formas más humanas de vivir, crear, aprender y relacionarnos con el mundo”. Y todo ello, sin perder el acento, con los pies en la tierra de Mérida y la mente en el infinito.

El grupo extremeño Sanguijuelas del Guadiana se ha alzado con el premio a Mejor Nuevo Artista en la tercera edición de los Premios de la Academia de la Música de España, cuya gala principal en Madrid ha arrancado con un homenaje musical al recientemente fallecido Robe Iniesta.

La banda rock y música de fusión originaria de Casas de Don Pedro en la comarca de La Siberia extremeña está formada por tres jóvenes amigos: Carlos (voz y guitarra), Juan (guitarra) y Víctor (bajo). Su álbum 'Revolá' es una línea del tiempo: “desde los veranos de la infancia hasta la incertidumbre de la vida adulta, pasando por la adolescencia y la necesidad de encontrar un lugar en el mundo”, como lo define el grupo.

Extremadura ha resonado además en la gala de la Academia de la Música de España con el homenaje a Robe Iniesta, que ha sido interpretado por un variopinto conjunto de artistas, del rock épico de Fito Robles (Siloé) al “indie” Xoel López, pasando por el joven emergente Walls y los flamencos Lela Soto y Rafael Riqueni.

También de él se ha acordadaba Leiva en la pregala al recibir el galardón a “mejor canción pop-rock” por 'Caída libre', su colaboración con el exmiembro de Extremoduro. “Esto le pertenece a mi amigo, que fue muy generoso conmigo y me dejó muchísimas cosas sin pretenderlo”, ha destacado el madrileño entre un gran aplauso.

“Cariño para Jorge (Ilegales) y para Robe”, ha insistido después Fito Cabrales, aludiendo a otro ilustre y forzoso ausente, que esta noche se ha llevado el premio a la “mejor canción rock”.

Quizás en su memoria siempre combativa, al recoger su galardón al “mejor álbum de rock”, ha subrayado: “Escribir canciones, grabar discos y hacer giras es un privilegio y uno siente la necesidad u obligación de que sirva para algo”.

El Ministerio de Vivienda ha dado por finalizada la recuperación del silo de Santa Amalia (Badajoz), a través del Programa de Impulso a la Rehabilitación de los Edificios Públicos (PIREP), con su inauguración este viernes como nuevo espacio cultural.

La actuación, que ha rehabilitado 737 metros cuadrados, ha estado financiada con fondos Next Generation EU al 77% y ha permitido alcanzar un ahorro energético del 48,2% en el edificio.

La directora general de Agenda Urbana y Arquitectura del Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana, María Teresa Verdú, ha inaugurado el proyecto de rehabilitación energética integral de dicho silo en el que su departamento ha invertido 885.765 euros. El programa ha permitido transformar equipamientos públicos esenciales como centros culturales, educativos y administrativos, impulsando la rehabilitación integral de edificios públicos en toda España con el objetivo de mejorar la eficiencia energética y la calidad arquitectónica.

La intervención en Santa Amalia ha mantenido la identidad industrial del silo al conservar al máximo la estructura original y mejorar su eficiencia energética. Además, ha dotado al edificio de las instalaciones necesarias para convertirlo en un nuevo espacio multifuncional que albergará un salón social, una cafetería y un museo local, acogiendo actividades culturales, sociales y educativas.

En su intervención, Verdú ha destacado que la rehabilitación de este silo con la ayuda de los fondos europeos “demuestra cómo, a través de la arquitectura y de políticas públicas bien orientadas, se puede transformar el entorno, recuperar patrimonio y mejorar la calidad de vida de las personas, en línea con los principios de la Ley de Calidad de la Arquitectura”.

En este sentido, la directora general ha recordado que “solo en Extremadura se están impulsando 24 actuaciones con una inversión de más de 19 millones de euros a través del Programa PIREP, a los que hay que añadir los más de 80 millones de inversión en rehabilitación y nueva construcción de vivienda del PRTR, y los 210 millones de euros del Plan Estatal de Vivienda 2026-2030 destinados a la región.

A su juicio, estos son un “reflejo del compromiso de todas las administraciones con la transición ecológica y la mejora del parque público edificado”.

Un referente en la región

Para el Ministerio, este edificio de Santa Amalia, ubicado en la entrada de la localidad, ha sido un referente histórico y cultural de la región desde su construcción en la década de 1960. Originalmente concebido como un silo industrial, con el tiempo quedó en desuso y sufrió un considerable deterioro, convirtiéndose en un símbolo de la degradación del paisaje industrial, ha expuesto.

“Ante esta situación, su rehabilitación se hizo urgente, no solo para conservar su legado, sino también para recuperar su valor como elemento arquitectónico”, según ha apuntado.

Según Vivienda, la mejora no sólo ha sido estética y energética del edificio, sino que también ha incorporado una serie de medidas sostenibles, de accesibilidad universal, climatización eficiente y renovación de carpinterías y sistemas.

El acto ha contado también con la presencia del delegado del Gobierno, José Luis Quintana, y la alcaldesa de Santa Amalia, Raquel Castaño. 

El Proyecto Extremadura —la iniciativa conjunta desarrollada por la Fundación Caja Extremadura y la Fundación Cajalmendralejo— mantiene abierto el plazo de inscripción para la XI edición del Premio Internacional de Artes Visuales 'Obra Abierta'. Los creadores interesados en participar en este certamen, referente dentro del circuito del arte contemporáneo, podrán presentar sus propuestas hasta el próximo 27 de mayo.

Esta undécima edición está abierta a todas las disciplinas de las artes visuales contemporáneas. El comité organizador seleccionará un total de 20 obras finalistas que optarán a una dotación económica global de 15.000 euros. Esta cuantía se distribuirá en un premio principal de 10.000 euros para la obra ganadora y una bolsa de 5.000 euros destinada a la adquisición de trabajos. Además del incentivo económico, las piezas seleccionadas formarán parte de una exposición pública y se integrarán en un programa de muestras itinerantes.

El fallo definitivo del jurado se dará a conocer el próximo mes de noviembre en Plasencia, localidad que volverá a convertirse en el epicentro de este certamen que busca visibilizar, apoyar y proyectar tanto a artistas emergentes como a creadores consolidados a nivel internacional.

El jurado

El premio 'Obra Abierta' llega a esta nueva convocatoria respaldado por sus cifras de participación de los últimos años, en los que ha registrado una media cercana a las 700 obras inscritas por edición, procedentes de más de 20 países de Europa y América. Sin ir más lejos, en la pasada convocatoria de 2024 se presentaron 683 obras de 25 nacionalidades diferentes.

Para evaluar los trabajos de esta XI edición, el certamen volverá a contar con un jurado integrado por destacadas figuras del ámbito artístico y museístico. En esta ocasión, los encargados de elegir las obras finalistas serán Rosina Gómez-Baeza, Blanca de la Torre, Lucía Ybarra, Javier Martín Jiménez y Rosa Perales Piqueres. A lo largo de su trayectoria, el galardón ha sumado el respaldo de otros nombres de referencia en el arte contemporáneo, como Manuel Segade, Tania Pardo, Daniel Canogar o Ferran Barenblit.

Desde la organización destacan que 'Obra Abierta' se ha consolidado como algo más que un concurso puntual, estructurando a su alrededor un programa paralelo de formación y difusión cultural. Entre estas actividades complementarias destacan las exposiciones itinerantes organizadas en colaboración con Paradores de Turismo, la presencia activa en la feria ARCO Madrid o el programa 'Obra Abierta_Formación', un espacio que reúne a creadores, fotógrafos y comisarios en talleres especializados dirigidos a profesionales del sector cultural.

La danza como refugio, como memoria y también como abrazo colectivo. Eso es lo que propone ‘ALMA’, la creación escénica impulsada por la directora Laura Tello que llegará el próximo 26 de mayo al Gran Teatro de Cáceres con una gala que promete emocionar al público a través de un recorrido por las distintas etapas de la vida de las mujeres.

Lejos de plantearse como un simple espectáculo de danza, ‘ALMA’ nace como una experiencia emocional y sensorial donde el movimiento sirve para contar aquello que muchas veces resulta difícil explicar con palabras: la infancia, el descubrimiento de una misma, el amor, las pérdidas, la maternidad, las heridas y la reconstrucción personal.

Sobre el escenario se reunirán más de 80 bailarinas de distintas edades, creando un espacio intergeneracional en el que varias generaciones de mujeres compartirán relato, emociones y experiencias a través del cuerpo y la música. El proyecto, además, pone el foco en el propio proceso creativo y educativo, convirtiendo la danza FEMAE en una herramienta de expresión, identidad y crecimiento personal para quienes participan.

'ALMA no se observa. ALMA se atraviesa', recoge el dossier del espectáculo, que define esta propuesta también como “un homenaje a todas las mujeres que bailan en nosotras”.

La gala contará además con las voces invitadas de Raquel Palma y Ana Carretero, sumando música en directo a una puesta en escena que combinará danza, interpretación y una cuidada propuesta visual.

Pero ‘ALMA’ no solo quiere emocionar desde el arte. El espectáculo tiene también carácter benéfico y destinará su recaudación a un proyecto de la Fundación Santa María la Real que trabaja con mujeres que, después de dedicar gran parte de su vida al cuidado de otras personas, buscan ahora una nueva oportunidad laboral y vital.

“ALMA nace también como una forma de devolver, porque ayudar a una mujer a volver a empezar es, muchas veces, ayudar a sostener una vida e impulsar familias enteras”, destaca el proyecto en su presentación.

En tiempos marcados por la rapidez y el ruido, la propuesta que llegará al teatro cacereño apuesta precisamente por lo contrario: detenerse, sentir y reconocerse en las historias de otras mujeres. Porque quizá ahí, en ese gesto compartido, también haya una forma de sanar.

El cine español ha vuelto a hacer historia en la 79ª edición del Festival de Cannes, y lo ha hecho con un marcado acento extremeño. Pepa Gracia, natural de Puebla de la Calzada, ha desembarcado en el Grand Théâtre Lumière como parte del reparto de ‘El ser querido’, el esperado largometraje de Rodrigo Sorogoyen que compite por la Palma de Oro. La cinta, que se presentó el pasado 16 de mayo, recibió una de las acogidas más calurosas del certamen, con una ovación en pie que se prolongó durante ocho minutos y que sitúa a la producción como una de las grandes favoritas de la crítica internacional.

En este drama de madurez, Pepa Gracia interpreta a uno de los personajes integrándose en un elenco de primer nivel que encabeza Javier Bardem y Victoria Luengo. La película explora la compleja y a veces tóxica relación entre un aclamado director de cine y su hija actriz durante un rodaje en Fuerteventura, un marco de “cine dentro del cine” donde Gracia aporta la solidez de una intérprete formada en la constancia y el rigor escénico. Para la actriz poblanchina, esta presencia en Cannes no es un golpe de suerte, sino el resultado de un compromiso inquebrantable con el oficio que comenzó en su Extremadura natal.

La trayectoria de Gracia es un ejemplo de cómo el talento regional puede escalar hasta la cima de la industria cinematográfica europea. Hija de Teodoro e Isabel, y formada inicialmente en el colegio Nuestra Señora de la Encarnación de Puebla de la Calzada, Pepa creció rodeada de teatro gracias a la influencia de su padre. Aunque sus estudios oficiales la llevaron a diplomarse en Turismo en Cáceres, su vocación artística la impulsó a una formación de más de veinte años que incluye pasos por el Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, la École des Sables en Senegal y el laboratorio de José Carlos Plaza en Madrid, a quien considera su gran maestro. Su “bautizo” profesional no pudo tener un escenario más emblemático: el Festival de Teatro Clásico de Mérida, donde debutó con la obra ‘Edipo Rey’ bajo la dirección de Juan Margallo.

En los últimos años, su rostro se ha hecho habitual tanto en la gran pantalla como en las principales plataformas de streaming. Ha participado en películas destacadas como ‘Objetos’, ‘Fatum’ o la aclamada ‘Te estoy amando locamente’, además de formar parte de series de éxito como ‘La Unidad’, ‘La Otra Mirada’ o ‘Feria’. A pesar de este currículum ascendente, Pepa Gracia mantiene una filosofía de trabajo basada en el esfuerzo diario, huyendo de la mitificación de la fama y reivindicando el escenario como el lugar donde realmente se siente libre.

Su paso por la alfombra roja de Cannes representa no solo un hito personal, sino un orgullo para las Vegas Bajas del Guadiana. La presencia extremeña en la sección oficial de Cannes, en un año en el que el cine español ha logrado una representación histórica con tres películas en competición, subraya la madurez de una generación de intérpretes que, como Pepa Gracia, llevan sus raíces por bandera mientras conquistan los templos del cine mundial. Tras su estreno mundial en Francia, el público español tendrá que esperar hasta el próximo 26 de agosto para ver su trabajo en salas comerciales.

Algunas obras cuando se contemplan, parecen respirar dentro del espacio que ocupan. La exposición Fragmentos Unificados en el Gran Hotel Don Manuel de Cáceres, pertenece a esa categoría: una constelación de piezas que dialogan entre sí para hablar de algo tan frágil y tan persistente como la necesidad humana de encajar sin dejar de ser uno mismo.

La artista extremeña Ana López Arroyo, conocida bajo el seudónimo artístico ALOA Piezzas, presenta en Cáceres una propuesta contemporánea que se mueve entre la instalación, la experimentación material y la experiencia sensorial. Nacida en Extremadura en 1990 y con trayectoria expositiva previa, la creadora construye en Fragmentos Unificados un universo visual donde la luz, las texturas, los reflejos y el color funcionan como lenguaje emocional.

Lejos de plantear una exposición cerrada o lineal, ALOA entiende cada obra —o “piezza”, como ella misma las denomina— como un organismo independiente que, al mismo tiempo, necesita de las demás para completar el relato. La idea atraviesa toda la muestra: fragmentos distintos que encuentran una forma de convivir sin diluir sus diferencias.

La artista explica que el proyecto nace de “muchos años de exploración artística, investigación y experimentación con diferentes técnicas y materiales”. Durante ese proceso, sintió “la necesidad de contar muchas cosas, pero desde lenguajes distintos”, hasta descubrir que todas aquellas búsquedas desembocaban en un mismo lugar: “la idea de conexión, de unión y de que todo encaja de algún modo”.

Ese concepto de puzzle atraviesa tanto la estética como la filosofía de su obra. El propio nombre artístico, ALOA Piezzas, remite a ello. 'ALOA' surge de las iniciales de Ana López Arroyo, mientras que 'Piezzas', escrito con doble zeta, juega visualmente con la idea de las piezas ensambladas. Para la autora, simboliza “la unión entre arte, vida y personas”.

En la exposición, comisariada por AK Curator, aparecen materiales reciclados, tierras, pigmentos, espejos, resinas o metacrilatos que convierten cada composición en un espacio táctil y cambiante. Nada parece completamente fijo. Las superficies reflejan, esconden o deforman; los volúmenes alteran la percepción; los materiales cotidianos adquieren otra dimensión bajo la luz.

ALOA trabaja desde la intuición y la prueba constante. Algunas de las obras más relevantes de la muestra, asegura, surgieron precisamente de errores o ensayos inesperados convertidos después en parte esencial del mensaje. Esa apertura al accidente dota a la exposición de una sensación orgánica, como si las piezas continuaran transformándose incluso después de haber sido terminadas.

Pero más allá de la experimentación formal, Fragmentos Unificados plantea una reflexión sobre el presente. Sobre una sociedad acelerada y fragmentada donde, pese a todo, siguen existiendo vínculos invisibles. “Habla de unión, diversidad, memoria, identidad y también de las cicatrices o huellas que nos construyen”, señala la artista.

La muestra, que estará durante mayo y junio, no busca imponer una interpretación única. Al contrario: deja espacio para que cada visitante encuentre algo propio dentro de las obras. “Me gusta pensar que el público puede encontrar fragmentos de sí mismo dentro de las piezas”, explica ALOA, que entiende el arte como un lugar de encuentro más que como una respuesta cerrada.

En el Gran Hotel Don Manuel, las “piezzas” permanecen suspendidas entre lo íntimo y lo colectivo. Como pequeñas geografías emocionales que recuerdan que incluso aquello que parece roto, aislado o distinto puede terminar formando parte de un todo compartido porque la identidad no es una línea recta, sino un territorio hecho de capas, rupturas y encuentros. Cada obra funciona como un fragmento que busca su lugar, y juntas componen un mapa emocional donde lo diverso no se diluye, sino que se potencia. La exposición se convierte así en un recordatorio luminoso: incluso en un mundo acelerado y disperso, seguimos necesitando unirnos, reconocernos y encajar sin renunciar a lo que nos hace únicos.

El Gran Hotel Don Manuel de Cáceres ha habilitado un 'Pasillo del Arte' en el que expone periódicamente obras de artistas, convirtiendo parte de sus pasillos en un espacio expositivo. Un recorrido donde las obras acompañan a huéspedes y vistantes durante su estancia.

Algunos libros describen un territorio mientras lo vamos atravesando. Remover la tierra, el nuevo trabajo del escritor y abogado ambientalista emeritense Antonio Sánchez Gómez pertenece claramente a este grupo. El lector no permanece a salvo observando desde fuera: desciende con el autor a galerías mineras sin oxígeno, bucea lagos convertidos en salares tóxicos, escucha las explosiones de dinamita en los cerros bolivianos y acompaña a comunidades indígenas que intentan sobrevivir en territorios devastados por décadas de salvaje extracción minera como en San Agustín de Puñaca, en Oruro, Bolivia.

Publicado por Sigilo Editorial, el libro es una mezcla singular de crónica periodística, ensayo político, literatura de viajes y narrativa testimonial. Pero, sobre todo, es una inmersión en las heridas contemporáneas del extractivismo latinoamericano y en las vidas que quedan atrapadas bajo sus consecuencias y que parece no importar a casi nadie. También se busca evidenciar el poder del litigio estratégico y de herramientas jurídicas que, pese a su potencial, rara vez se activan para corregir vulneraciones de derechos colectivos como el agua o la soberanía alimentaria, así como para proteger los derechos de la Naturaleza, ámbito en el que Bolivia ha sido pionera.

Sánchez Gómez, nacido en Mérida en 1981, no se aproxima a este territorio desde la distancia académica ni desde el turismo literario. Su escritura está modelada por una experiencia directa, acumulada durante años de litigio y acompañamiento a comunidades que resisten la devastación ambiental. Su trayectoria como abogado ambientalista no funciona como simple nota biográfica: constituye la arquitectura ética y epistemológica de su obra, la lente desde la que interpreta y narra los conflictos socioecológicos de América Latina.

Tras enfrentarse jurídicamente a los llamados mecheros de la muerte en la Amazonía ecuatoriana —esas antorchas petroleras que durante décadas quemaron gas a escasos metros de poblaciones indígenas, convirtiendo la noche en un resplandor tóxico— publicó Derrotero, un libro que no solo documenta la violencia extractiva, sino que reivindica la dignidad y la vulnerabilidad de quienes defienden el territorio. Allí ya se intuía una voluntad de pensar la justicia desde el territorio, no desde los marcos abstractos del Derecho.

Ahora, el escenario se desplaza hacia Bolivia, donde el autor participa en procesos judiciales vinculados a la contaminación minera y colabora con organizaciones sociales y ambientales que denuncian la destrucción de ecosistemas y comunidades enteras. Este desplazamiento geográfico no es un mero cambio de escenario: es la continuidad de una cartografía del daño y, al mismo tiempo, de una geografía de resistencias que Sánchez Gómez convierte en literatura crítica, comprometida y profundamente humana.

Ese punto de partida jurídico y militante dota a Remover la tierra de una dimensión poco habitual: el narrador no es únicamente observador, sino también parte implicada en la investigación y en los procesos de denuncia. Desde esa posición híbrida —entre abogado, cronista y viajero— Sánchez Gómez construye una narración profundamente física y sensorial.

Lago Poopó

La obra comienza en las tierras altas bolivianas, acompañando a miembros del Centro de Desarrollo Andino (CENDA) en la preparación de una demanda ambiental relacionada con la destrucción del lago Poopó, uno de los mayores humedales andinos del continente. La escena inicial ya marca el tono del libro: un paisaje fantasmal donde apenas queda agua y donde las nubes parecen reflejarse “en un mínimo espejo” sobre una costra de sal. Lo que antes fue un lago lleno de peces y aves migratorias se ha convertido en un territorio moribundo por la combinación de sequía, cambio climático y contaminación minera.

A partir de ahí, el relato avanza como una especie de descenso progresivo a las entrañas del modelo extractivo. El autor recorre Cochabamba, Oruro, Llallagua y otros territorios amenazados por la minería mientras conversa con activistas, abogados, cooperativistas, indígenas, periodistas y trabajadoras mineras. Cada desplazamiento amplía el mapa de un país marcado por contradicciones permanentes: riqueza mineral y pobreza extrema, resistencia indígena y dependencia económica, memoria revolucionaria y devastación ambiental.

Experiencias casi táctiles

Uno de los grandes aciertos del libro es precisamente su escritura. Sánchez Gómez evita tanto el lenguaje técnico como la frialdad del reportaje convencional. Su prosa tiene una intensidad literaria muy poco frecuente en la no ficción contemporánea. Las descripciones convierten los paisajes en experiencias casi táctiles: el olor metálico de las minas, el frío extremo del altiplano, el polvo suspendido sobre las carreteras o la sensación de asfixia dentro de los túneles aparecen narrados con una precisión que sitúa al lector dentro de la escena.

Especialmente impactantes son los capítulos dedicados a las minas de Llallagua, uno de los grandes enclaves históricos de extracción de estaño en Bolivia. Allí, el autor desciende junto a cooperativistas mineros a galerías subterráneas donde apenas se puede respirar. El relato abandona cualquier romanticismo asociado a la minería y muestra una realidad brutal: trabajadores que arrastran enfermedades pulmonares irreversibles, explosiones constantes, temperaturas extremas y túneles donde un derrumbe puede significar la muerte inmediata.

Sánchez Gómez conecta además esa experiencia contemporánea con la larga historia colonial del extractivismo latinoamericano. El estaño boliviano, recuerda el libro, alimentó la industria mundial durante el siglo XX y permitió fabricar desde conservas alimentarias hasta componentes electrónicos. Bajo el brillo de la modernidad tecnológica aparecen así miles de cuerpos humanos sacrificados y montañas literalmente vaciadas por dentro.

La figura de Simón Patiño —el magnate boliviano del estaño conocido como “el rey del estaño”— recorre buena parte del texto como símbolo del capitalismo extractivo latinoamericano, pero no se limita a denunciar el pasado colonial o empresarial. También pone el foco en los conflictos contemporáneos: la contaminación por metales pesados, la falta de control estatal, las luchas entre cooperativas mineras y comunidades indígenas o las consecuencias del agronegocio sobre territorios amazónicos y rurales.

A lo largo de sus páginas aparecen además múltiples voces del pensamiento crítico boliviano y latinoamericano. La antropóloga Alison Spedding, el activista Óscar Olivera o diferentes líderes indígenas y ambientales dialogan con el autor sobre colonialismo, ecología y resistencia popular. El resultado es un mosaico complejo donde conviven análisis político, memoria histórica y experiencia personal.

Mujeres palliris

Pero probablemente las páginas más conmovedoras sean las dedicadas a las mujeres palliris, viudas de mineros que sobreviven seleccionando manualmente restos minerales entre escombros tóxicos. Sánchez Gómez retrata sus jornadas de trabajo bajo temperaturas extremas y rescata testimonios marcados por la pobreza y la exclusión. Son mujeres que trabajan rodeadas de polvo metálico y piedras mientras recuerdan a maridos muertos por silicosis o enfermedades relacionadas con la minería.

El libro también aborda cómo la violencia extractiva afecta de manera diferenciada a las mujeres. En el universo minero aparecen supersticiones, exclusiones y dinámicas profundamente patriarcales que históricamente han apartado a las mujeres del trabajo remunerado dentro de las minas, relegándolas a tareas invisibles y extremadamente precarias.

Las palliris se encuentran al final de un sistema que no solo machaca territorios también cuerpos, tienen historias personales muy duras pero también la necesidad de ser reconocidas como la última pieza de un engranaje cruel.

Todo ello convierte Remover la tierra en una obra que dialoga directamente con debates contemporáneos sobre transición ecológica y explotación de recursos naturales. Mientras Europa y Estados Unidos aceleran la demanda de minerales estratégicos para sostener la digitalización y la llamada economía verde, el extremeño afincado en Barcelona recuerda qué territorios y qué cuerpos sostienen realmente ese modelo.

El libro plantea así una pregunta incómoda, pero inevitable: qué precio humano y ambiental tiene el progreso tecnológico contemporáneo. Porque detrás de los teléfonos móviles, las baterías, los ordenadores y los centros de datos continúan existiendo montañas perforadas, aguas contaminadas y comunidades de seres humanos desplazadas.

Apuesta formal

Más allá del contenido político y ambiental, Remover la tierra destaca también por su apuesta formal ya que construye una escritura que mezcla observación periodística, lirismo y oralidad popular. El resultado tiene momentos cercanos a la literatura de viajes latinoamericana, al nuevo periodismo e incluso al realismo mágico andino, especialmente cuando aparecen figuras míticas como 'El Tío', la deidad de las minas bolivianas que mezcla creencias indígenas y demonología colonial.

En un contexto mediático dominado por la rapidez y la simplificación, el autor apuesta por una narración lenta, inmersiva y profundamente documentada. No se limita a informar: intenta comprender cómo funciona un sistema económico capaz de convertir territorios enteros en zonas de sacrificio. Tampoco quiere pasar por alto que las corporaciones canadienses y australianas responsables de algunos de los mayores desastres ambientales en Bolivia son las mismas que hoy realizan prospecciones en la península ibérica mientras se nos insta a celebrar la extracción de supuestos minerales críticos o estratégicos, categorías construidas por la propaganda corporativa hasta convertirse en sentido común.

Sin embargo, estos términos no responden a realidades geológicas inevitables sino a intereses económicos que se presentan como urgencias históricas. El precedente boliviano es elocuente: el boom del estaño en la primera mitad del siglo XX —impulsado por la demanda bélica de las guerras mundiales— se desplomó en cuanto cesaron los conflictos, dejando una industria desmantelada y a miles de mineros sin sustento. Un siglo después, se repite la narrativa: se nos convence de que debemos sacrificar nuestros territorios para alimentar una nueva carrera armamentística y tecnológica, cambiando los minerales, pero no la lógica extractiva que los legitima.

Acompañamiento y escucha

Con esta obra, Antonio Sánchez Gómez consolida además una trayectoria singular dentro de la literatura de no ficción española. Desde Extremadura con visión internacionalista, el autor construye una mirada holística conectada con las luchas ambientales y sociales de América Latina, alejándose de enfoques paternalistas o exotizantes. Lo hace desde el acompañamiento y la escucha, pero también desde una evidente posición política: la defensa de los territorios y de las comunidades que resisten frente a la lógica depredadora del extractivismo global.

Remover la tierra, no es por lo tanto, únicamente un libro sobre minería o contaminación ambiental. Es también una reflexión sobre el colonialismo contemporáneo, la desigualdad global y la forma en que el norte económico continúa sosteniendo su bienestar sobre territorios convertidos en espacios de sacrificio. Y quizá por eso su lectura deja una sensación incómoda y persistente: la certeza de que bajo cada dispositivo tecnológico y bajo cada promesa de progreso siguen existiendo minas oscuras donde alguien continúa respirando polvo tóxico para sostener el mundo contemporáneo.

Y es que, aunque en el mundo algunas personas están lejos unas de otras, nunca lo suficiente como para que los comportamientos de unas no influyan sobre las demás.

La fotógrafa extremeña Nuria Barragán Hernández ha firmado un hito poco habitual en el panorama de la fotografía de moda nacional: conquistar los tres primeros premios del XIV Concurso Nacional de Fotografía Tenerife Moda 2026, organizado por el Cabildo de Tenerife. La autora se convirtió así en la gran protagonista de un certamen que este año giraba en torno al diálogo entre moda y gastronomía y que reunió cerca de un centenar de imágenes procedentes de una veintena de proyectos creativos.

El concurso, consolidado ya como una de las citas destacadas del sector de la imagen y el diseño emergente, premia la creatividad visual y la capacidad narrativa de la fotografía contemporánea. En esta edición, el jurado valoró especialmente la coherencia estética de las obras, la originalidad y el uso del lenguaje visual para construir relatos en torno a la identidad, la artesanía y la cultura gastronómica.

Barragán, que ya había sido reconocida en anteriores ediciones del certamen —en 2025 obtuvo el tercer premio—, logra ahora una victoria absoluta que confirma la proyección de su mirada artística dentro de la fotografía de moda y autor.

“Mi camino en la fotografía empezó hace cuatro años cuando decidí cursar el ciclo de grado superior de Iluminación, Captación y Tratamiento de la Imagen en Cáceres”, explica la joven fotógrafa, especializada en moda y retoque digital. Desde entonces, asegura, no ha dejado de construir un lenguaje propio “para expresar mediante las fotografías aquello que quiero transmitir con las imágenes que capto en mi día a día”.

Su trayectoria comenzó a orientarse pronto hacia la postproducción y el tratamiento digital de la imagen. “Comencé a interesarme por la postproducción de imágenes, su tratado y los diferentes resultados que podía obtener mediante las composiciones de luz y la utilización del color”, relata. Con apenas 20 años ya trabajaba como fotógrafa y retocadora de moda y belleza para marcas y empresas reconocidas, además de publicar en revistas locales, nacionales e internacionales.

La fotógrafa extremeña cuenta actualmente con seis años de experiencia en fotografía editorial, publicitaria y beauty, además de fotografía social y de interiores. Aun así, sostiene que continúa persiguiendo “la fotografía perfecta”, tratando de superarse en cada nueva editorial y proyecto creativo.

“Logré vivir de lo que me apasiona y de lo que siempre tuve en mi cabeza y que con palabras no supe explicar”, afirma Barragán sobre una profesión que define también como una extensión de su propia mirada. “Mi tierra me aportó todo aquello que nunca pensé y ahora trabajo por todo mi país dando lo mejor de mi persona como profesional”, añade.

La convocatoria impulsada por Tenerife Moda y la Empresa Insular de Artesanía repartía un total de 7.500 euros en premios y estaba abierta tanto a fotógrafos profesionales como noveles residentes en España. Más allá de los galardones, el reconocimiento a Nuria Barragán deja también la sensación de estar ante una creadora que entiende la fotografía como un territorio emocional: un espacio donde la luz, el color y la identidad dialogan hasta convertir cada imagen en una atmósfera propia.

La escritora y profesora de Lengua y Literatura Alba Pavón Bernal presenta este jueves 14 de mayo su libro Un trozo de planeta, de la editorial Libros Indie, una obra escrita a medio camino entre el diario personal y el género epistolar en la que narra el profundo cambio vital que supuso abandonar la ciudad para rehabilitar una antigua casa del siglo XIX en uno de los pueblos más despoblados de la provincia de Cáceres.

La presentación tendrá lugar a las 20.30 horas en Belleartes y la autora estará acompañada por el catedrático de la Facultad de Filosofía y Letras Miguel Ángel Lama.

Amante de la naturaleza y del deporte al aire libre, Alba Pavón llevaba años soñando con un proyecto de vida vinculado al campo. En 2020 convenció a su marido para comprar una vieja casona prácticamente en ruinas y comenzar una reforma integral que acabaría transformando no solo la vivienda, sino también sus vidas.

La búsqueda de la casa ideal se prolongó durante años entre visitas a inmuebles y portales inmobiliarios hasta encontrar una vivienda que encajara tanto en sus aspiraciones como en sus posibilidades económicas. Sin embargo, el proyecto arrancó en uno de los peores momentos posibles: subida histórica de precios, escasez de materiales, falta de mano de obra cualificada y una burocracia que convirtió la rehabilitación en una carrera de obstáculos.

Sin conocimientos previos de albañilería, fontanería o electricidad, la pareja acabó implicándose directamente en las obras, apoyada por la ayuda de un tío de la autora, su arquitecto y un joven albañil de la zona. De aquella experiencia absorbente nació el impulso de escribir.

Un trozo de planeta recoge en tiempo real las vivencias, dificultades y pequeños descubrimientos cotidianos de esos casi tres años de reforma y adaptación al entorno rural. El paso de las estaciones, la fauna, el paisaje, los vecinos, los alumnos y compañeros de trabajo forman parte de un relato profundamente atravesado por la naturaleza y la idea de pertenencia a la tierra.

Pero entre todos los personajes del libro destacan especialmente Oliver, el perro de la familia; IggyPop, un gato callejero; y, sobre todo, 'LA CASA', escrita así, en mayúsculas, convertida casi en un ser vivo con personalidad propia y presencia constante en la vida de sus habitantes.

El entorno

La autora reconoce que desde niña sintió una especial preocupación por la naturaleza y por la necesidad de proteger el entorno. “Mientras que a finales de los 80 el ecologismo y la vida en la naturaleza eran cosas de hippies o eremitas new age, yo, siendo tan solo una niña, me daba cuenta de la importancia de cuidar y proteger el medio ambiente, las especies salvajes, los oficios ancestrales como la trashumancia y lo trascendental de convivir en armonía con la naturaleza”, explica Pavón.

Con este libro, la escritora cacereña convierte una experiencia doméstica y personal en una reflexión sobre el despoblamiento, la sostenibilidad, los vínculos con el territorio y la posibilidad de construir otra manera de habitar el mundo desde lo cotidiano.

La Junta de Extremadura invertirá más de 32 millones de euros para transformar el antiguo Hospital Provincial de Cáceres en el futuro CREA, un gran complejo destinado a las enseñanzas artísticas superiores y profesionales que aspira a convertirse en uno de los principales motores culturales de la ciudad y de la región.

En octubre de 2024 el pleno de la Diputación de Cáceres acordó la cesión de uso, por un plazo de 30 años, del inmueble del antiguo Hospital Provincial Virgen de la Montaña, de titularidad provincial, a favor de la Junta de Extremadura, con el fin de ser destinado “exclusivamente a usos sanitarios, educativos y culturales”.

Este miércoles, en el Complejo Cultural San Francisco, se ha presentado el futuro centro formativo de artes escénicas durante un acto en el que han participado la presidenta de la Junta de Extremadura, María Guardiola; el presidente de la Diputación de Cáceres, Miguel Ángel Morales; y el teniente de alcalde del Ayuntamiento cacereño, Emilio Borrega.

La actuación supone la concentración en una única sede de la Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura (ESAD), el Conservatorio Oficial de Música y el Conservatorio Profesional de Danza, una integración inédita hasta ahora en la comunidad autónoma.

El Ejecutivo regional prevé finalizar las obras en octubre de 2031, coincidiendo con la candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura (en caso de que pasara la fase final en diciembre).

Durante su intervención, Guardiola ha destacado que el futuro CREA será “la primera sede de estas características en Extremadura” al reunir bajo un mismo techo música, danza y arte dramático. La presidenta regional ha defendido que la iniciativa permitirá responder a las carencias de espacio que arrastran desde hace años los centros de enseñanzas artísticas.

“La cultura, tanto física como simbólicamente, tiene que estar en el corazón de las ciudades”, ha afirmado Guardiola, quien ha vinculado el proyecto con el impulso cultural y urbano que busca Cáceres de cara a 2031. El antiguo Hospital Provincial, ha añadido, pasará de “cuidar vidas” a “cuidar vocaciones” tras su rehabilitación.

Por su parte, Morales ha reivindicado la cooperación entre administraciones como eje del proyecto y ha asegurado que “el sentido grande de la política es la colaboración de las instituciones no por beneficio propio, sino para todos los ciudadanos”.

El presidente provincial ha indicado que las administraciones son las que garantizan “el bienestar de todos, más allá de a quien le corresponda ocupar la presidencia”.

El diseño del futuro CREA se ha elaborado a partir de reuniones de trabajo con los equipos directivos de los tres centros educativos, con el objetivo de adaptar cada espacio a las exigencias específicas de música, danza y arte dramático, respetando al mismo tiempo el valor patrimonial del inmueble.

Un espacio académico y un foco cultural para Cáceres

La propuesta reserva las zonas de mayor amplitud y altura para las actividades escénicas y musicales e incluirá aulas especializadas, salas de ensayo, despachos, biblioteca, espacios comunes y otras dependencias de apoyo docente.

El proyecto también contempla actuaciones en edificios anexos y en el entorno exterior del recinto. Entre los elementos más destacados figura la construcción de un auditorio con capacidad para más de 364 espectadores, equipado con escenario, patio de butacas, cabinas técnicas y accesos independientes. La intención es que este espacio funcione no solo para uso académico, sino también como un nuevo foco cultural abierto a la ciudad.

Antes de iniciar las obras se ha planteado una fase previa de demoliciones para eliminar añadidos y estructuras levantadas durante décadas de uso sanitario, como antiguos quirófanos, anexos o entreplantas que alteraron la configuración original del edificio. La actuación buscará recuperar la configuración arquitectónica original del Hospital Provincial y compatibilizar la conservación patrimonial con las necesidades de un centro educativo contemporáneo.

La redacción del proyecto se ha adjudicado al estudio sevillano Reina & Asociados, especializado en intervenciones sobre patrimonio histórico. Los documentos básicos y de demolición ya se han entregado y se encuentran en fase de revisión antes de iniciar la tramitación urbanística ante el Ayuntamiento de Cáceres.

Además de la rehabilitación del edificio principal, el proyecto ha incluido actuaciones en porches, zonas de almacenamiento, aparcamientos y espacios exteriores con el objetivo de integrar el recinto en la vida urbana de Cáceres.

Actualmente, parte del inmueble continúa acogiendo consultas de pacientes del centro de salud Plaza de Argel y también ubica el Punto de Atención Continuada (PAC), aunque la Junta ha previsto su traslado una vez finalicen las obras sanitarias en marcha, mientras que los usuarios del centro de salud Zona Centro regresarán al edificio de El Caballo. 

El concejal de Servicios Públicos y Seguridad, Pedro Muriel, ha realizado una valoración “muy positiva” del desarrollo del festival Womad Cáceres 2026, por el que han pasado 120.000 personas sin que se haya producido ningún incidente de relevancia.

En este sentido, ha destacado la coordinación entre los distintos servicios públicos municipales y los cuerpos de emergencia y seguridad, así como el correcto funcionamiento de los protocolos previstos ante las inclemencias meteorológicas registradas durante el festival.

Según el concejal, el evento se ha desarrollado “con todas las medidas de seguridad previstas, sin incidentes” y adaptándose “en todo momento a las inclemencias meteorológicas” que hubo en la jornada del sábado.

Desde el pasado viernes, ha explicado, se activó un protocolo específico de actuación ante el riesgo de tormenta eléctrica, fuertes lluvias y viento, que contemplaba la revisión de todos los sistemas eléctricos y de producción del festival para garantizar el normal desarrollo de las actividades programadas. Asimismo, se estableció un dispositivo de coordinación ante posibles suspensiones temporales de conciertos debido a la situación meteorológica, recoge el consistorio en nota de prensa.

Muriel ha recordado que fue necesario aplazar momentáneamente una de las actuaciones previstas, que posteriormente pudo retomarse, continuando el festival “con absoluta normalidad y con total seguridad tanto para los espectadores como para los músicos y los equipos de trabajo”.

Por otro lado, el concejal ha valorado de forma especialmente positiva la decisión de no autorizar el botellón durante la celebración del festival, una medida que, a su juicio, “ha sido un éxito y ha permitido recuperar la verdadera entidad de Womad y la esencia de este festival para la ciudad de Cáceres”.

Hay una frase que atraviesa Grita Casandra desde sus primeras páginas y que resume siglos de desautorización hacia las mujeres: “Nos han dicho calladita estás más guapa. No seréis escuchadas. La duda os perseguirá como una pesadilla. Lo que contéis no contará. Vuestra voz no perdurará y vuestro nombre no será reconocido. Caerá en el olvido. Como si nunca hubierais existido”.

Frente a ese mandato histórico de silencio se levanta el libro de Julia Rípodas, autora asturiana afincada en Badajoz, profesora de Filosofía, feminista, activista y miembro de DOFEMCO (Docentes Feministas por la Coeducación), plataforma educativa que reivindica la coeducación como principal instrumento de transformación social para lograr una sociedad más justa.

La obra ha sido publicada por La Moderna dentro de Los Libros de Olimpia, colección dirigida por Lidia Gómez que nace con el propósito de dar espacio a voces femeninas y feministas de la literatura contemporánea. Con prólogo de la filósofa Alicia H. Puleo e ilustraciones de Blanca Prendes, Grita Casandra se presenta como un ensayo literario, político y profundamente emocional sobre la credibilidad negada a las mujeres y sobre la necesidad de reconstruir una genealogía propia.

La figura elegida por Rípodas no es casual. Casandra, princesa troyana, recibió del dios Apolo el don de la profecía, pero fue maldecida para que nadie creyera sus predicciones tras rechazarlo. Veía la verdad, pero estaba condenada a no ser escuchada. Su familia la tomó por loca o mentirosa y, en algunas versiones del mito, fue encerrada antes de acabar convertida en esclava sexual de Agamenón y asesinada después.

Ese relato clásico encuentra una lectura plenamente contemporánea. La escritora Rebecca Solnit llamó “síndrome de Casandra” a esa sospecha permanente que recae sobre la palabra femenina, especialmente cuando una mujer denuncia, advierte o cuestiona a un hombre poderoso o a una institución. No solo se ponen en duda los hechos que narra, sino también su capacidad de hablar y su derecho a hacerlo. Generaciones enteras de mujeres han escuchado que deliran, exageran, manipulan o mienten.

Desde esa conciencia, Julia Rípodas escribe “contra la Historia, sin red ni patria”, con una prosa lírica y sin concesiones que viaja por la vida y la obra de mujeres que alumbraron caminos para otras. Grita Casandra rescata voces silenciadas y convierte la escritura en un acto de restitución: somos porque otras fueron.

En sus páginas aparecen escritoras, artistas, científicas y activistas que hicieron de su vida una forma de resistencia: Roxane Gay, Maya Angelou, Vanessa Springora, Alaine Polcz, Elena Fortún, Annie Ernaux, Laura Freixas, Isabel Allende, Isadora Duncan, Leonora Carrington, Marjane Satrapi, María Teresa León, Emmeline Pankhurst, Clara Campoamor, Najat El Hachmi, Amelia Tiganus, Birutė Galdikas, Jane Goodall, Dian Fossey, Eve Ensler, Svetlana Alexievich o Audre Lorde, entre otras.

La genealogía que construye la autora no es lineal, sino una polifonía. En ella aparecen la maternidad como experiencia ambivalente, el exilio geográfico y simbólico, el cuerpo como archivo donde se inscriben violencias y supervivencias, la locura entendida también como resistencia y una ética del cuidado que atraviesa incluso la ciencia y propone otras formas de conocimiento más vinculadas al vínculo y al afecto.

Mapa del daño

El libro dibuja también un mapa del daño, pero sobre todo de la resistencia. No se detiene en la herida, sino que ilumina la dignidad de quienes atravesaron abuso, racismo, maltrato o descrédito y transformaron ese dolor en conciencia política. La primera persona se convierte aquí en un acto político: nombrar la violencia, la guerra o la exclusión no solo libera, también corrige una injusticia epistémica.

Para quienes trabajan con la palabra, la obra lanza una interpelación directa: lo que no se nombra no existe, y lo que se nombra mal, existe mal. Durante siglos, el relato oficial ha borrado a las mujeres o las ha presentado como excepciones aisladas. Grita Casandra desmonta ese espejismo y reclama la responsabilidad de contar lo que fue silenciado.

El libro reivindica además la memoria de las luchas feministas, desde las sufragistas hasta Clara Campoamor, y recuerda que la libertad de las mujeres nunca fue un regalo, sino una conquista frágil que debe defenderse una y otra vez. Lo íntimo aparece como trinchera política: la culpa, la vergüenza, el miedo al descrédito y también la amistad entre mujeres como forma de sostén y estrategia emancipadora.

Más que una publicación literaria, que lo es, Grita Casandra es una invitación a no callar. A recordar. A escribir. A nombrar. A comprender que ninguna voz femenina habla sola. Que cada mujer que rompe el silencio lo hace acompañada por todas las que antes fueron negadas. Y que, frente a siglos de descrédito, la respuesta colectiva sigue siendo la misma: tenemos que ser escuchadas y leídas. Debemos escucharnos y leernos.

Y así lo expresa Rípodas en su libro: “Leamos a las mujeres, pues. Ellas que cuentan lo íntimo despiertan miradas políticas. Encuentran consuelo y nos brindan acicate. Exhiben una desobediencia que libera: el óxido pesado de los barrotes se despliega en alas ligeras, se hace himno, homenaje, armonía, danza que pisa la tierra, canto que eleva”.

El municipio cacereño de Alcántara celebrará del 1 al 9 de agosto la XL edición de su Festival de Teatro Clásico, una cita consolidada desde hace años en el calendario cultural extremeño que, tras cuatro décadas de trayectoria, se reivindica como “capital rural del teatro” con El Brujo, la recuperación del género de zarzuela y el talento extremeño como protagonistas.

La presentación de la programación ha tenido lugar este lunes en el Gran Teatro de Cáceres, en un acto en el que han participado la directora del certamen, Rocío Montero; la alcaldesa de Alcántara, Mónica Grados, así como representantes de la Diputación de Cáceres y el secretario de Cultura de la Junta de Extremadura, Francisco Palomino, quienes han coincidido en subrayar tanto la madurez de festival como su capacidad de vertebración cultural.

La programación de esta edición especial se articula en torno a un total de 29 actividades distribuidas a lo largo de nueve jornadas, entre las que destacan 13 propuestas de compañías extremeñas, una cifra que evidencia la “apuesta sostenida del festival por el talento local”, la creación contemporánea y el fortalecimiento del tejido escénico regional, según Montero.

El Conventual de San Benito volverá a ejercer como principal escenario del festival, acogiendo los espectáculos centrales de la programación, mientras que de forma paralela se desplegará una oferta cultural complementaria en plazas, calles y distintos enclaves patrimoniales del municipio, lo que permitirá extender la experiencia teatral más allá del espacio escénico tradicional.

Programación

Entre los nombres propios de esta edición destaca el regreso, un año más, de Rafael Álvarez 'El Brujo', figura estrechamente vinculada a la historia del certamen, que presentará la obra ‘La segunda venida de Cristo o el yoga de Jesús’, una propuesta escénica que combina humor, palabra y reflexión y que, además, adquiere un “carácter simbólico” en el contexto del 40 aniversario.

La programación principal incluirá otros montajes como ‘Casa con dos puertas, mala es de guardar’, de Verbo Producciones y basada en una obra de Calderón de la Barca; así como ‘Farra’, coproducción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) y la compañía de Lucas Escobedo, reconocida con el Premio Max 2025 al mejor espectáculo musical.

El cierre del festival llegará con la representación de la zarzuela ‘Doña Francisquita’, a cargo de la Compañía Teatral Clásicos de la Lírica, lo que supondrá la recuperación de un género que formó parte habitual de la programación en etapas anteriores y que regresa en esta edición conmemorativa como guiño a la trayectoria histórica del certamen.

Con motivo del 40 aniversario, la organización ha previsto además una serie de actividades específicas de carácter conmemorativo, entre las que se incluyen un homenaje que repasará la evolución del festival a través de sus protagonistas, así como una conferencia en la que participarán distintos directores que han formado parte de su desarrollo a lo largo de los años.

De forma paralela, el denominado ‘Festival off’ volverá a llenar las calles de Alcántara con propuestas de teatro de calle, pasacalles, espectáculos familiares, animación cultural y actividades participativas, muchas de ellas de carácter gratuito, lo que refuerza la vocación del certamen de acercar la cultura a todos los públicos y dinamizar la vida social del municipio.

La organización ha insistido igualmente en su compromiso con la accesibilidad, incorporando espectáculos adaptados para personas con discapacidad, además de colaboraciones con entidades como la Fundación ONCE, lo que permite avanzar en la inclusión y garantizar una oferta cultural abierta y diversa.

En el plano institucional, el secretario general de Cultura ha destacado que “Alcántara se convertirá en la capital rural del teatro”, subrayando la consolidación del festival y su papel como plataforma para las artes escénicas extremeñas.

La alcaldesa, por su parte, ha puesto en valor la evolución de un proyecto que, “nacido con recursos limitados pero con gran implicación social”, se ha transformado en un “referente cultural y en un motor económico para la comarca” de la Sierra de San Pedro.