Después de arrasar en su paso por los cines valencianos, se estrena en Madrid un silencioso fenómeno cinematográfico que rescata la memoria de la represión franquista. La invasión de los bárbaros aborda la crueldad de la dictadura sin concesiones, en un ejercicio artístico que lo es también de resistencia antifascista.

El argumento de este relato de la barbarie, basado en una obra de teatro de Chema Cardeña, nos traslada a un año tan significativo como 1939. Esperanza, una joven conservadora del Museo del Prado, se enfrenta a un interrogatorio debido a la desaparición de un cuadro que un coronel quiere incautar. Ochenta años después, su nieta Aurora busca los restos en una de las fosas comunes del franquismo.

El celebrado largometraje llega este viernes 27 de marzo a los cines Embajadores de la glorieta de Santa María de la Cabeza, así como a los Renoir, en versión original subtitulada. Por su parte, hay otro pase programado el lunes 30 a las 19.25 en el mk2 Cine Paz, este en versión doblada al castellano. Los pases de los Embajadores del viernes a las 20.00 y el sábado a las 12.00 contarán con presentación y coloquio de la mano de la actriz principal, Olga Alamán, y el guionista y director, Vicent Monsonís.

Lejos de contar con una difusión comercial convencional, el impulso de la película ha llegado mediante un proceso de autodistribución. A pesar de las limitaciones en número de copias y salas, la respuesta de los espectadores ha sido abrumadora: llenos continuos, recomendaciones gracias al boca a boca y una acogida que ha permitido que la película se mantenga entre las producciones españolas recientes con mayor número de espectadores por copia. Con una media de cuatro copias en exhibición al mismo tiempo, La invasión de los bárbaros ha superado los 33.000 espectadores en la Comunitat Valenciana y Catalunya y se ha mantenido durante semanas en el top 10 de películas españolas más vistas, así como entre las tres primeras en espectadores por copia.

Ahora salta a las pantallas de Madrid para demostrar que no se trata de un fenómeno local, sino que es una película de gran calidad técnica y artística con una cuidada poética que atrapa al espectador por su temática y emoción. Una mirada directa, realista y cruda a la Memoria Histórica cuyo enfoque honesto y comprometido ha conectado con el público hasta convertir a este drama en un auténtico símbolo de lucha antifascista.

Los cinéfilos de Madrid están de enhorabunea. El mk2 Cine Paz traerá al fin a la capital las proyecciones en 70mm, formato en celuloide que ofrece una mayor resolución y una experiencia incomparable. Se convertirá así en la cuarta sala del país que cuenta con esta opción, que ha convertido a salas como la Phenomena de Barcelona en toda una referencia.

La inauguración será, además, bastante potente. El 10 de abril, los míticos cines de Chamberí lanzan este formato con la proyección de Kill BIll: The Whole Bloody Affair. Se trata de una versión que aglutina las dos partes de la película de Quentin Tarantino en una sola, con una duración que supera las cuatro horas y media. Colabora en la iniciativa Elástica Films, distribuidora que ha impulsado la llegada a España de este montaje.

Las entradas salen a la venta este viernes a las 12.00, con un precio todavía por determinar. Desde mk2 celebran la posibilidad de “compartir experiencias cinematográficas con las que hasta ahora la comunidad cinéfila solo había podido soñar con vivir algún día”. Puntualizan que la versión combinada de ambas entregas, protagonizada por Uma Thurman, llegará también en formato digital a todos los cines mk2.

“La llegada del 70mm posee un gran valor simbólico”, recalcan desde la compaía de exhibición. “Fue justo aquí donde los madrileños y madrileñas pudieron vivir algunas de las primeras sesiones en gran formato que se proyectaron en la capital. Un modelo que sigue fascinando a los grandes directores del momento, quienes continúan estrenando versiones especiales de sus películas en 70mm”, apuntan.

Los míticos cines Paz de la calle Fuencarral, inaugurados en 1943, iniciaron una nueva etapa de la mano de mk2 en 2021. Antes, en septiembre de 2020, llegaron a cerrar sus puertas indefinidamente a causa de la pandemia. La empresa francesa ha apostado desde entonces por potenciar las sesiones subtituladas, por el cine independiente y por atraer nuevos públicos con iniciativas tan atractivas como esta.

Kill Bill es una de las obras más celebradas de Tarantino. La vengativa peripecia de La Novia, un intento por replicar el mejor cine asiático de acción que tanto obsesiona a su director, se estrenó en dos partes en 2003 y 2004. Fue una exigencia del otrora todopoderoso Harvey Weinstein. El productor, que cumple condena por varios delitos sexuales, impuso un estreno en dos partes por motivos comerciales. Ahora todo está preparado en los cines mk2 para un único y grandioso sangre de primera calidad, tal y como fue originalmente ideado.

Hasta diez Goyas desfilarán por Rivas en otros tantos días. El Festival de Cine de Rivas celebra a lo grande su 25ª edición, desde este miércolas hasta el 21 de marzo, con una combinación del impulso al cortometraje y la creación ripense con grandes nombres que saben lo que es triunfar en la gran noche del cine español. A los ocho cabezones de Ferando León de Aranoa, que recibirá el I Premio Cine y Compromiso del certamen, hay que sumar el de la directora de arte de Sirat, Laia Ateca, invitada a impartir una clase magistral sobre su proceso en la película de Oliver Laxe. Completa el plantel Miriam Garlo, galardonada como mejor actriz revelación el pasado 28 de febrero por su papel en Sorda. La intérprete ha sido precisamente la gran protagonista de la presentación del certamen ante los medios.

“Es la primera vez que soy jurado en un festival y ha sido gracias a que la accesibilidad ha estado cubierta”, ha agradecido Garlo en una rueda de prensa donde le ha acompañado Santiago Tabernero, director de cine y televisión que también ha participado en las deliberaciones del concurso de cortos. También han intervenido la alcaldesa de Rivas-Vaciamadrid, Aída Castillejo, y la concejala de Cultura, Ángela Vijande.

Garlo ha “agradecido la oportuinidad” y ha valorado la disposición del Ayuntamiento para garantizar su participación, algo que ha querido normalizar y hacer extensible al conjunto de la sociedad: “No deberíamos ver estas medidas como algo ajeno. Se trata de un bien colectivo”, ha explicado en respuesta a las preguntas de Somos Rivas. Así, todas las películas del festival se proyectan con subtítulos y las galas o actividades contarán con intérpretes en lengua de signos. Para la actriz, estas acciones son de utilidad no solo para la comunidad sorda, sino para quienes tienen otro tipo de discapacidades, determinados trastornos permanentes o pasajeros y para muchas personas mayores. Sorda puede verse este mismo miércoles desde las 19.00 en los cines Yelmo H20 de Rivas, con coloquio posterior con la propia Miriam Garlo.

La protagonista de la premiada película de Eva Libertad ha reivindicado además la necesidad de “luchar por nuestros derechos, que no son un lujo y que nos pueden quitar”. En este sentido, Santiago Tabernero ha valorado el tradicional compromiso social del evento: “Estoy encantado de participar en un festival tan posicionado, que al igual que la película de Miriam nos permite conocer mejor a los demás. El propio jurado ha sido muy diverso, porque así es la vida. Ha sido materia de aprendizaje”. Adelanta que cada uno de los cortometrajes premiados “sintoniza con alguno de los problemas sociales que nos acechan”.

Castillejo ha compartido esta visión sobre “un cine que no es solo entretenimiento, ya que nos ayuda a compartir conversaciones necesarias”. Todo ello en una cita “arraigada que es ya toda una forma de hacer ciudad, nacida en un entorno que empezaba a construirse entendiendo la cultura como un derecho y un espacio de encuentro”.

Así, ha destacado que el cine está insertado en la “memoria” de muchos ripenses gracias a coloquios, proyecciones y a quienes han creado sus primeros cortos en el marco del festival. “Han demostrado edición tras edición que el cine se hace desde lo local, desde los barrios. Lo han sacado de la alfombra roja para llevarlo a colegios, centros culturales y esos lugares donde se construye comunidad”, ha expuesto la regidora sobre el papel de sus propios vecinos en estos 25 años.

Una programación variada que combina emoción y compromiso

Para la alcaldesa, el Festival de Cine de Rivas “reúne cine, pensamiento, creación y conversación”. Elementos que ve reflejados en la figura del cineasta Fernando León de Aranoa, primer agraciado con el Premio Cine y Compromiso, que a partir de esta edición tendrá continuidad en las venideras. Según Castillejo, el director de Los lunes al sol combina “la calidad con la capacidad de hablar de las desigualdades y de la dignidad de la gente común”. De ese modo, “su cine se atreve a mirar de frente”.

El festival proyecta su ópera prima, Familia (1996) el miércoles 18, con un coloquio posterior a las 19.00 en el sobre soledad no deseada en el auditorio del Edificio Atrio, en el número 36 de la avenida de José Hierro. Además, El buen patrón (2021) se exhibe el lunes 16 a las 19.00 (con entrada gratis), seguida de una charla posterior sobre trabajo y territorio. Será en el Centro de Educación y Recursos para Personas Adultas de Rivas, en calle Picos de Urbión, sin número. El propio Fernando León acudirá a la gala de clausura del festival.

Otro de los nombres propios de la edición es Laia Ateca, directora de arte de Sirat. Reciente triunfadora en los Goya, impartirá una clase magistral sobre este oficio (vital en el sector pero un gran desconocido para muchos espectadores) el jueves 19 a las 17.00. Será en la sala Marcos Ana del centro cultural Federico García Lorca, en el número 3 de la plaza de la Constitución. El precio es de 15 euros, con inscripciones en este enlace. Posteriormente, la película de Laxe se exhibirá a las 19.00 en los cines Yelmo H20 y habrá coloquio con Ateca.

El compromiso del festival estará presente también en su proyección internacional, la del largometraje La voz de Hind Rajab. La tunecina Kaouther Ben Hania dirige este duro acercamiento a la historia de una niña de seis años, atrapada en Gaza bajo los bombardeos del Gobierno de Benjamin Netanyahu. El audio pertenece a la llamada real de Hind Rajab, mientras que la acción de los voluntarios de la Media Luna Roja está reconstruída con actores. Merecedora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia y nominada al Oscar a mejor película internacional, donde compite con Sirat, puede verse este martes 12 a las 19.00 en los Yelmo H20.

En cuanto al alma del Festival de Cine de Rivas, el concurso nacional de cortometrajes, las proyecciones se dividen en tres jornadas y seis sesiones, todas ellas en los Yelmo: serán el viernes 13 a las 19.00 y las 21.00, así como el domingo 15 y el viernes 20, en los mismos horarios. Pueden adquirirse localidades en este enlace. Otra importante pata, la del concurso local de cortos, se desarrollará el martes 17 a las 19.00 en la Sala Covibar (avenida de Covibar, 8). Todos ellos están disponibles aquí. Estarán presentes los equipos de cada pieza seleccionada. También los participantes del concurso exprés, que habrán elaborado previamente sus creaciones durante el sábado 14.

Otra proyección marcada en el calendario da cuenta del peso que estos 25 años han tenido para la población ripense, sobre todo los más jóvenes. Así, el miércoles 18 a las 21.00 podrá verse en los Yelmo H20 el documental Érase una vez en Rivollywood. Su director, José Luis Rojas, desgrana la historia de un movimiento espontáneo y libérrimo de creación cinematográfica que sacudió el municipio en la primera década de este siglo. Los testimonios de sus propios protagonistas se combinan con escenas de sus creaciones, en las que hay espacio para persecuciones, héroes de acción, historias de terror y muchas dosis de imaginación. Como curiosidad, el fenómeno comenzó cuando un grupo de chavales se conocieron en ese mismo multisalas.

El Festival del Cine de Rivas despedirá sus bodas de plata con una gala de clausura y entrega de premios presentada por la humorista Ana Morgade y amenizada por la Banda Glass Glassy. Será el sábado 21 desde las 21.00 en el auditorio Pilar Bardem (calle de la Fundición, sin número). La solicitud de entradas para este fin de fiesta pueden solicitarse hasta el 19 de marzo escribiendo al correo cultura@rivasciudad.es. Una oportunidad para despedir por todo lo alto una de las semanas más importantes para la cultura ripense y madrileña.

En vez de los Oscar, tenían los Premios Oswald. Su particular blockbuster, en lugar de la saga Indiana Jones, era la trilogía de El rey Escalopendra. Y quién querría el oropel de Hollywood cuando podían disfrutar de las infinitas posibilidades que ofrecía Rivas-Vaciamadrid. El municipio al este de la capital se convirtió, en la primera década del siglo XXI, en el improvisado set de rodaje donde un grupo de amigos desplegaron una imaginación libre, desprejuiciada y un poco kamikaze. Un movimiento cinematográfico sin mandamientos ni profetas, ya que todos hacían de todo. En el que la falta de pasta se suplía con dosis extra de creatividad y el mejor efecto especial era una nevada repentina. Todo esto y mucho más pasaba en Rivollywood, un pequeño fenómeno que ante el peligro del olvido ahora rescatan sus propios artífices.

El documental Érase una vez en Rivollywood, que podrá verse en los Cines Embajadores de Madrid del 6 al 14 de marzo y en el festival de Cine de Rivas entre el 11 y el 21 de mismo mes, recupera la memoria de una singular escena cultural originada en el municipio ripense a partir del año 2000. Compañeros de un multicines de la localidad se conocieron, se cayeron fenomenal y se percataron de que compartían algo: no solo les encantaban las películas, sino que estaban locos por hacerlas. Como fuese. Comenzaron a rodar dramas, comedias, ciencia ficción, historias de terror y muchas aventuras con más ganas que recursos. El resultado fueron decenas de cortos, mediometrajes y largos en menos de diez años. Una efervescencia que ahora José Luis Rojas, uno de sus principales representantes, desgrana en esta película de no ficción.

Aunque que quizá no es esta la definición más apropiada, pues Érase una vez en Rivollywood alterna las declaraciones de muchos de sus artífices (directores, intérpretes, técnicos, guionistas y, sobre todo, gente que hacía de todo) con el fascinante material que salió de sus cabezas y sus manos. Un viaje a través de los géneros y con un progresivo refinamiento, sin perder nunca el encanto de lo que está hecho sin un duro, con obras indescriptibles. Los títulos probablemente no les sonarán, pero dan una idea del eclecticismo de esta filmografía colectiva: La última sesión, El Sótano de Richard Pickman, El intruso, Sinox o, cómo no, la trilogía de El rey Escalopendra.

José Luis Rojas (Madrid, 1979) atiende a Somos Rivas visiblemente emocionado. Acaba de terminar una proyección en la Academia de Cine a la que han acudido los protagonistas del documental, que son también las amistades de su primera juventud. La conversación empieza resaltando una de las intervenciones más brillantes del documental. La productora y directora Alicia Albares, que acaba de rodar su ópera prima La mala madre, compara el aprendizaje de Rivollywood con el de escuelas de cine privadas: “En ellas prima la competitividad, mientras que en Rivollywood se trabajaba como un equipo, era algo más colectivo”.

Rojas está de acuerdo: “En el cine hay una jerarquía clarísima del director, el guionista, el productor... Nosotros cambiamos eso por el sentimiento de comunidad. Esa idea de que un extra se puede acercar al director y decirle tío, tengo una idea buenísima. ¡Y era buenísima!”. Comenta que, incluso cuando “la cosa se nos fue poco de madre, y creamos nuestros premios o nuestras productoras”, todo seguía discurriendo por una sensación de “juego”. Un afán lúdico, por dar con el penúltimo truco final, que quizá tiene más que ver con la concepción original del cine que la búsqueda del rédito económico o el prestigio dominantes en la industria.

Rodar, aprender y seguir rodando

El cineasta llevaba desde 2015 tratando de levantar este acercamiento a esos años en los que se curtió: “Acababa de hacer una webserie sobre vampiros que no funcionó muy bien y sentía cierta nostalgia por esa época, así que se me ocurrió homenajearla. En 2021 filmé mi primera película, El efecto Darma, y al darme cuenta de que estaba ahí gracias a ellos esa necesidad de agradecerlo fue a más”. Cree que, aunque fue “un movimiento local”, puede apelar a personas con una misma manera de entender el cine, la creatividad y el compañerismo: “Tiene un componente universal. Mi idea es que, si alguien quiere hacer cine y no sabe por dónde empezar, con el documental vea que simplemente cogimos una cámara y rodamos, daban igual los medios que tuviéramos y cómo quedara. Rodábamos, aprendíamos y seguíamos rodando”.

Animar a filmar era precisamente uno de los objetivos del cineasta con este proyecto: “Que si lo ve alguien que quiera hacer cine, pues diga... mira estos, lo que han hecho. Que no nos cortábamos y se puede hacer lo que uno quiera, o casi. Que no te van a juzgar porque lo estás haciendo con los amigos. Que uno me puede ayudar en esto y otro en lo otro. Que luego puedes crear tus propios festivales, porque como no teníamos acceso a festivales en aquella época, nos creamos nuestros galardones. Todo era cine, ver películas, hacer programas... A cualquier hora del día, de la noche y de la madrugada”.

A la mente de Rojas vienen “domingos a las 8.00 de la mañana en las que nos daba por grabar una peli loca de aventuras”. Jornadas imprevisibles que fueron toda una enseñanza: “Aprendí a colocar la cámara, qué funciona en la acción o para dar emoción... Y lo hacía gracias la gente que me acompañaba”. Precisamente en ese momento de la charla se sienta junto a él Diego Cabezuelo, uno de sus actores fetiche. Nada menos que Oregon Jones (había que referenciar al icónico personaje encarnado por Harrison Ford, aunque fuese cambiando el estado), el protagonista de El Rey Escalopendra.

La conversación deriva hacia aspectos técnicos y la austeridad con la que filmaban, sobre todo los primeros años. En un momento en que las opciones tecnológicas y económicas eran especialmente complejas, adoptaron el formato MiniDV, con las limitaciones que implica el vídeo. La llegada de las primeras cámaras digitales facilitó los rodajes (y los montajes), pero nunca dejaron esa parquedad de medios. Mientras, fueron arrastrando a amigos, parejas, familiares y compañeros de trabajo que ensanchaban el universo Rivollywood. El cielo era el límite... al menos, en el primer boceto de las historias.

“Teníamos la filosofía de que la primera escritura del guion teníamos que pensarla como si tuviéramos el mayor presupuesto del mundo, escribir lo que de verdad quieres. Luego ya llegaban los planes B, C... Si al final no pueden venir ni los cuatro colegas con los que contábamos, ya nos buscaríamos la vida. Es ahí cuando te tienes que preguntar cómo rodar lo que pensabas mostrar con otros medios”, explica Rojas. A falta de efectos especiales (la llegada años después del After Effects, con su correspondiente facilidad para simular disparos o explosiones, sería como encontrar agua en el desierto), el reflejo de unos espejos puede servir para hacer pasar a cinco personas por una multitud. “La IA la hubiéramos usado a saco”, admite, aunque dice no ser demasiado fan de muchas de sus implicaciones.

Rivas, plató de cine

Uno de los entrevistados de Érase una vez en Rivollywood es Ricardo Mayoral, concejal de Juventud del Ayuntamiento de Rivas en la época más esplendorosa del fenómeno. La corporación municipal respaldó económica o dotacionalmente al movimiento en determinados momentos, aunque su principal aportación fue dar carta blanca “En un principio hacíamos lo que nos daba la gana. Grabábamos persecuciones en coche a las 3.00 de la madrugada. Hoy en día eso sería impensable, la ciudad está mucho más urbanizada así que tendríamos que irnos más lejos para no molestar a nadie”, recuerda Cabezuelo.

“El engranaje funcionaba muy bien por el sitio donde era. No solo porque es el lugar donde nos juntamos todos los que teníamos una pasión increíble por el cine, sino por sus características. A nuestra disposición había entornos urbanos, zonas más rurales, búnkeres de la Guerra Civil abandonados y un montón de espacio libre”, recalca Rojas. Su actor fetiche apostilla, eso sí, que el rey de los escenarios era “el descampado”.

Aquella nevada citada en el arranque de este texto fue uno de los grandes hitos en el potencial cinematográfico de Rivas. Corría el año 2005 cuando un manto blanco cubrió la localidad. Rojas aprovechó esta anómala circunstancia y en cuanto se levantó de la cama movió cielo y tierra para filmar una secuencia con Cabezuelo. Esas escenas se convirtieron luego en el arranque de El rey Escalopendra 3.

Esta saga acabó por convertirse en la creación más depurada de Revollywood. Su tercera entrega, de hecho, se rodó a lo largo de más de un año: “Hubo cortos que hicimos en dos noches. Pero en El rey Escalopendra 3 la secuencia final, en las vías del tren, se filmó entre un verano y el siguiente. Claro que en esa misma peli hay otras en las que pasaron diez minutos desde que las dibujamos en una servilleta hasta que las habíamos grabado”, rememora el director.

Un tiempo en el que filmar todavía era excepcional

Si la ubicación en la que se forjó Rivollywood contribuyó a la excepcionalidad del fenómeno, también lo hizo el momento temporal. Una etapa en la que tenían acceso a las cámaras, pero en la que filmar aún era algo fascinante, casi inaudito. Diego Cabezuelo cree que la generalización de los dispositivos de grabación a través de los móviles, y la forma en la que se enfoca hoy el audiovisual, complica este tipo de movimientos creativos: “Tienen TikTok, plataformas de streaming y en general una sobreproducción. Todo el rato cuentas con tantas cosas donde elegir que quizá la calidad incluso merma porque lo que importa es producir mucho contenido”.

A comienzos de los 2000, en cambio, la viralidad era que te parara un vecino: “Las cintas de VHS empezaban a repartirse por Rivas y de repente el panadero te decía que te había visto en una peli”. Rojas recuerda que en esa época “te explotaba la cabeza al verte en una pantalla”, algo a lo que ya estamos mucho más acostumbrados. “Eso se ha perdido, igual que parte de la mitomanía del cine o de las salas. Ya tampoco se analiza tanto como se hacen las películas o cómo se ha montado una escena”, añade.

Para Cabezuelo, además, en el cine español falta riesgo: “A lo mejor ahora hay gente que coge y hace un corto más intimista, un poco personal. Se ve algún corto de ciencia ficción, pero por ejemplo es muy raro dar con alguno de aventuras. Parece que da vergüenza hacer cosas entretenidas y da miedo arriesgar. Mucha gente dice que se hacen demasiadas películas de la Guerra Civil. Yo no estoy de acuerdo, pero sí me pregunto por qué tan pocas de ellas son cine bélico. No hay que temer a los géneros”.

De la autogestión a la industria

José Luis Rojas ha vivido en sus propias carnes el paso de una forma de entender el cine completamente libre a otra constreñida por el calendario, el presupuesto o las limitaciones de agentes externos. Lo mismo ha ocurrido con otros directores, productores, directores de fotografía e intérpretes implicados en Rivollywood como Pedro Ruiz, Iker Méndez, David Gutiérrez o Lucía Caraballo.

Nos daba todo igual, mezclábamos los géneros como queríamos y usábamos música de Hans Zimmer o de John Williams mientras mi abuela nos preparaba el vestuario

José Luis Rojas — Director de 'Érase una vez en Rivollywood'

“Teníamos una libertad única”, opina Rojas en retrospectiva. “Un día podías llegar y, si las cosas no salían, volver a casa e intentarlo el siguiente. En la industria no tienes esa opción. Si tienes que rodar 30 planos en una jornada, o lo haces o estás jodido”. Echa en falta ese margen “para ser original y para innovar”, pero también “para reírte con tus amigos”. “Nos daba todo igual, mezclábamos los géneros como queríamos y usábamos música de Hans Zimmer o de John Williams mientras mi abuela nos preparaba el vestuario”. En cambio, cree que el cine elaborado desde la industria “no es divertido de hacer”.

Ambos recuerdan el estreno de El rey Escalopendra 3 en el mismo multisalas de Rivas en el que su corriente cinematográfica comenzó a forjarse. Al respecto, José Luis Rojas cuenta una bonita anécdota: “Por entonces algunos colegas ya tenían hijos. Los peques flipaban, no acababan de entender lo de que sus padres salieran en una película de acción, con tiros, persecuciones y muchos saltos. Todo era más excepcional”. Desde luego esa palabra define a la perfección lo que supuso Rivollywood, antes de que sus integrantes comenzaran a disgregarse alrededor de 2009: un cometa de creatividad que dejó mella en un humilde municipio a las afueras de Madrid.

Los premios más famosos del cine español están de vuelta. Queda tan solo un mes para la gran noche de los Goya, que este año se celebrarán el 28 de febrero en el Auditori del Centre de Convencions Internacionals de Barcelona. Con la mirada puesta en el certamen, la Sala Berlanga de Madrid ofrece hasta el día de su celebración un ciclo en el que se proyectarán 32 de las películas que compiten este año en los galardones de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

La Fundación SGAE hará un repaso, amplio, extenso, a todo un curso de producciones que sigue demostrando el gran estado de forma de los creadores audiovisuales del país. De esta forma, los espectadores podrán ver en la gran pantalla los títulos nominados a los premios por tan solo 3,50 euros hasta el 28 de febrero.

La programación recorre lo mejor del cine español reciente, desde las grandes favoritas hasta las revelaciones de la temporada. Entre las más nominadas se encuentran La cena de Manuel Gómez Pereira (ocho candidaturas), Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa (13 nominaciones, incluyendo Mejor película, dirección y guion original) y Sirat de Oliver Laxe (11 categorías, incluidas las principales). También destacan Maspalomas de Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi (9 candidaturas) y Sorda de Eva Libertad (Mejor dirección novel y Mejor guion adaptado).

No faltan las grandes revelaciones de 2025: Estrany riu, La furia, Muy lejos o Balearic, y títulos de autores consagrados como El cautivo de Alejandro Amenábar, Romería de Carla Simón, Tardes de soledad de Albert Serra o Mi amiga Eva de Cesc Gay. También hay cine intimista de Avelina Prat (Una quinta portuguesa) y Celia Rico Clavellino (La buena letra), y acción con Los tigres de Alberto Rodríguez o Un fantasma en la batalla de Agustín Díaz Yanes.

çLa música y las canciones originales tienen su lugar: Parecido a un asesinato, Caigan las rosas blancas, El talento y Leo & Lou compiten en categorías musicales, mientras que el cine de animación incluye a las cinco candidatas a Mejor película: El tesoro de Barracuda, Decorado, Bella, Norbert y Olivia y el terremoto invisible. Además, el ciclo incorpora cine documental y musical con títulos como Ciudad sin sueño, Eloy de la Iglesia, adicto al cine, The Sleeper. El Caravaggio perdido, Flores para Antonio y Hasta que me quede sin voz.

Un recorrido completo por lo mejor de la cinematografía española, perfecto para calentar motores de cara a la gran noche de los Goya 2026. Las entradas para el ciclo Premios Goya de la Sala Berlanga se encuentran disponibles a un precio de 3,50 euros en taquilla y en la web de Entradas.com.

Puedes consultar a continuación la programación completa:

Viernes, 23 de enero

Sábado, 24 de enero

Martes, 27 de enero

Miércoles, 28 de enero

Jueves, 29 de enero

Viernes, 30 de enero

Sábado, 31 de enero

Martes, 3 de febrero

Miércoles, 4 de febrero

Jueves, 5 de febrero

Viernes, 6 de febrero

Sábado, 7 de febrero

Martes, 10 de febrero

Miércoles, 11 de febrero

Jueves, 12 de febrero

Viernes, 13 de febrero

Sábado, 14 de febrero

Martes, 17 de febrero

Miércoles, 18 de febrero

Jueves, 19 de febrero

Viernes, 20 de febrero

Sábado, 21 de febrero

Martes, 24 de febrero

Miércoles, 25 de febrero

Jueves, 26 de febrero

Viernes, 27 de febrero

Sábado, 28 de febrero

“La frase si los pobres no nos ayudamos entre nosotros... fue totalmente suprimida”. La proyección de El inquilino (1957) el pasado domingo 5 de octubre en el Cine Doré fue acompañada de las escenas modificadas o cortadas por la dictadura franquista. En principio la película de José Antonio Nieves Conde, sobre un hombre interpretado por Fernando Fernán Gómez que no encuentra un hogar para su familia mientras enfrenta un inminenete derribo, eludió la censura. Pero cuando el Ministerio de la Vivienda vio el corte estrenado en salas ordenó su retirada, la secuestró durante meses, eliminó secuencias y diálogos, añadió otros en doblaje para matizar que la casa había sido declarada en ruina e impuso un final alternativo y edulcorado.

El ministro que dirigía la cartera era José Luis Arrese, autor de una cita que sintetiza la siniestra transformación ideológica que el franquismo quiso llevar a cabo en el país durante los primeros años del desarrollismo: “No queremos una España de proletarios, sino de propietarios”. Unas declaraciones recogidas el 2 de mayo de 1959 en ABC que ahora Filmoteca Española y el Círculo de Bellas Artes de Madrid (CBA) utilizan como inspiración para nombrar y vertebrar un ciclo inaugurado, precisamente, por la copia restaurada de El inquilino: “Un planeta de inquilinos. El derecho a una vivienda digna”.

“No fue fácil llegar al título”, admite en conversación con Somos Madrid el director de programación de Filmoteca Española, Carlos Reviriego. “Es una derivación y proyección del famoso eslogan de las políticas de vivenda de los cincuenta, que se ha quedado en el ADN del ciudadano español. Luego además se ha mantenido en unos gobiernos democráticos que han seguido estimulando la apreciación de ser propietario. No es hasta la crisis económica de 2008 que todo eso implosiona a la vez que lo hace la burbuja inmobiliaria. Por eso creemos que hay una noción histórica que sirve como reverso a esa idea del propietariado y que es la que nos propusimos explorar”, explica.

Una selección de 21 títulos, después de “muchas renuncias”, que se exhiben entre el Doré (con proyecciones gratuitas) y el Cine Estudio del CBA hasta el próximo 1 de noviembre. Películas eclécticas en sus orígenes, sus géneros, sus épocas o sus perspectivas unidas por un nexo común: la vivienda como epicentro de la vida humana y como espacio repleto de posibilidades cinematográficas. Y por otro elemento que los responsables de confeccionar el programa han tratado de tener muy presente: la mirada humanista y solidaria a los dramas que surgen alrededor del hogar.

“Lo que uno siente viendo estas películas es un sentimiento de solidaridad, de no estar solo ante este problema. No son recetas mágicas, pero sientes que el colectivismo, la acción comunal o la vecindaria son maneras de enfrentar la situación. Algunas tramas encuentran la solución ahí, al menos una solución moral”, destaca Reviriego. “Hay sobre todo una concepción humanista a la que hemos dado prioridad, porque es la visión y la mirada que tenía Nieves Conde”.

“Podemos rastraerla en el Yasujiro Ozu de Historia de un vecindario (1947), en esa solidaridad vecinal para ofrecer una vivenda a un huérfano. Lo mismo con Vittorio De Sica, gran maestro italiano del humanismo, en El techo (1956). O en los kitchen dramas de Mike Leigh y Ken Loach: Meantime (1983) y Cathy Come Home (1966). Por supuesto en la mirada humanista de los Hermanos Dardenne a esa Europa del siglo XXI marcada por la precariedad y la desigualdad en Rosetta (1999). En Pedro Costa, que siempre pone al hombre y la comunidad por encima de todo lo démas. E incluso en Francesco Rosi, aunque lo compagina con una denuncia política y de corrupción muy potente en Las manos sobre la ciudad (1963)”.

“Evidentemente a la hora de plantear el ciclo ha tenido peso la importancia del tema de la vivienda en este momento en España”, comenta Manuel Asín, coordinador del área de cine del Círculo, en declaraciones a este periódico. “A raíz de la restauración de El inquilino, pensamos en hasta qué punto la Ley de Vivienda de Arrese ha sido una cuestión clave en el desarrollo de las políticas de vivienda en aquellos tiempos y hasta hoy. Luego empezamos a pensar en otros países del contexto europeo, como Italia, y poco a poco fuimos trazando una pequeña investigación dentro de los medios que tenemos”.

Relata que el ciclo nació de la “conversación permanentemente abierta” entre Filmoteca y CBA, dos instituciones que “programan mucho cine de patrimonio, recuperado, a través de colaboraciones en distintas iniciativas”. Un objetivo común por “recuperar películas del pasado invisibilizadas, sin buenos materiales o que necesitan actualización permanente en la coyuntura digital”.

“Filmoteca nos habló de que El inquilino era su restauración más importante del año [impulsada por el Centro de Conservación y Restauración de Fondos Fílmicos Carlos Saura]. Octubre es el mes del archivo y el pasado día 6 fue el día del cine español. Detectamos que había una posibilidad de hacer un ciclo de cine de patrimonio (con copias restauradas, recuperadas o de calidad) sobre la vivienda o el acceso a la vivienda, un tema vital en la historia del cine”, expone Asín. Hay que señalar, eso sí, que esta calidad no está presente en todas las proyecciones: la de Mi tío (1958) fue un anodino Blu-Ray, una pena teniendo en cuenta el mimo y la belleza que Tati pone en el color.

Este arduo proceso de indagación y gestión de derechos ha acabado dando forma a un ciclo en el que de lo local se ha llegado a lo global, sin perder la perspectiva humana y empática que domina la mayoría de obras programadas: “En la época de El inquilino se produjeron varias películas españolas en la que la cuestión de la vivienda y las dificultades en su acceso tenían gran peso, como Esa pareja feliz (Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, 1951) o El pisito (Marco Ferreri, 1958). Pero, más que algo específico, pensamos que la escala debía ser planetaria. Una invitación a seguir el tema con diversos títulos, equilibrando épocas y países, desde los años treinta hasta la contemporaneidad”, subraya. Enriquecen el ciclo el retrato de Sara Gómez sobre los intentos de regenaración urbana en Cuba con De cierta manera (1974) o el documental sobre migrantes africanos en París Nationalité inmigré (1976), del mauritano Sydney Sokhona.

Cine y políticas de vivienda, ¿dos derrotas paralelas?

“Investigando para el ciclo casi se puede construir una historia del cine paralela a partir de este tema de la vivienda, que siempre nos ha preocupado”, cuenta Reviriego. De ahí surge este “carácter planetario” de la muestra: “Viendo películas sobre la Gran Depresión, como Lazos humanos (1945), de Elia Kazan o El precio de una vida (1949), de Edward Dmytryk, nos damos cuenta de lo vigentes que son en sus preocupaciones”.

Apunta Asín que “la historia de las políticas de la vivienda social y la del cine son casi contemporáneas, comienzan a desarrollarse en temporalidades muy parecidas”. Y añade: “La casa, la vivienda, el hogar, y la crisis de la familia que lo habita son asuntos centrales en la historia del cine y del arte moderno. Es algo que todos reconocemos de manera muy fácil, se tenga o no cultura cinéfila, por ejemplo en las series. En ellas el espacio base suele ser la vivienda, y si no lo es suele serlo su falta”.

“Es también la imagen primordial del cine. Lo primero que filman los Hermanos Lumière no fue una casa, fue la fábrica, pero en esa pieza la casa es el umbral al que se dirigen los oberos, el primer fuera de campo. Poco después se llevan la cámara a su casa de verano y hacen una docena de pequeñas películas en las que vemos todo lo que pasa alrededor de ella: el jardinero, la partida de cartas, las escenas familiares... El propio nombre de la cámara remite a una habitación. Incluso películas de gigante ambición en las que se habla de la génesis de un país, como El nacimiento de una nación (D.W. Griffith, 1915), son también y ante todo la historia de dos familias”.

Para Reviriego, la vivienda es además un escenario profundamente cinematográfico. Así lo demuestran cineastas muy dispares presenten en el ciclo, desde la maestría intimista de Ozu hasta el derroche de creatividad lúdica en Jacques Tati (en una película que apuesta por la sátira sin renunciar al humanismo): “Siempre se dice que las películas de boxeo representan la esencia del espacio en el cine y son muy adecuadas para este medio por cómo el ring delimita. Algo similar se puede decir de la vivienda, aunque eso no signifique quen todas las películas estén encerradas”.

No en vano, Manuel Asín desgrana cómo la noción de vivienda del ciclo desborda los límites del hogar: “Hay también una dimensión a gran escala, más vinculada con la ciudad. Una película muy representativa de todas estas tendencias es la de Jean-Luc Godard, Dos o tres cosas que sé de ella (1967), donde está todo. Es una reflexión sobre la vivienda casi filosófica que empieza en lo mínimo, en el cobijo, en mujeres que trabajaban y se prostituían en sus casas para mejorar su nivel de vida y acceder a bienes de consumo. Así acaba llegando a otros niveles de reflexión con un montaje brutal de realidades que muestran problemas en escalas múltiples. Godard entiende y transmite que la vivienda es un derecho humano y como tal hay que ver sus profundas implicaciones humanas”.

Señala Asín que cine y políticas sociales de vivienda son dos novedades que marcaron el paso del siglo XIX al XX y que han enfrentado múltiples dificultades en las últimas décadas, en un mundo que parece avanzar dejándolas atrás: “El ciclo, tal como ha salido (lo cual no quiere decir que sea una tesis ni una receta, es solo una imagen posible), muestra que sobre todo en los cincuenta o sesenta hay una mirada muy honda, humanista y comprometida. Según llegamos a la actualidad, con cineastas tan diversos como Pedro Costa, Wang Bing y Adam McKay, parece que el problema se ha ido volviendo más crítico y agudo. Hay una sensación de emergencia, de negrura y de desarraigo enorme. Es una imagen de urgencia”.

Preguntado acerca de si esta tendencia a lo urgente u oscuro responde a un deterioro en las condiciones de la vivienda, a la evolución de las realidades o historias que se muestran en el cine y cómo se cuentan o a una mezcla de factores, Asín reflexiona que “la historia del cine es la de una marginación progresiva respecto a lo que prometió ser”. “Ahora esa marginación afecta a la esfera audiovisual en su conjunto, que es muchas cosas. Empezó con un papel que, con el paso del tiempo, ha entrado en esa misma crisis. Ha pasado a formar parte de políticas que le dejan en una situación crítica”, apostilla.

Entrando en un terreno más pragmático, define la división entre las películas que se proyectan en el CBA y las de Filmoteca como “orgánica”: “Hemos partido de acoger lo propuesto desde cada sede, no hay grandes diferencias entre un espacio y otro pero hay particularidades, cosas prácticas. Por ejemplo, la de Godard o la de Frank Borzage [Fueros humanos, 1933] se pusieron hace poco tiempo en el Doré”. Sobre esta obra, comenta que es “distinta” a las demás que podrán verse en el Círculo, pero “sirve para ligar la programación a la de Filmoteca y va bien que sea la última aunque haya sido azaroso”. Así, dice, “no acabamos con la desesperanza, es una película que tiene su dureza, pero permite buscar la luz”.

Para Reviriego sí hay quizá una diferencia estilística ente las películas de cada cine, aunque no estén escritas en mármol. “Cuando empezamos a idear el ciclo se planteó apostar por solo una vertiente claramente social o militante, pero no queríamos dejar de lado películas en las que el tema va más en la forma. Quizá estas dos corrientes están un poco divididas por sedes, las de Filmoteca son apuestas formales puede que no tan radicales. Pero luego siempre hay excepciones, en el Doré hemos tenido por ejemplo Juventud en marcha (2006), de Pedro Costa”.

'El inquilino' desmonta el mito de la idílica situación de la vivienda en el franquismo

La película de Nieves Conde, autor que ya hizo tambalear los cimientos de la segunda etapa del franquismo con su crítica al éxodo rural en Surcos (1951), es el motor y eje del ciclo. A través del costumbrismo y la comedia amarga, El inquilino desmonta ese lugar común de que el acceso a la vivienda no era un problema en la Dictadura. Cuando un derribo promovido por la especulación inmobiliaria se cierne sobre la última familia que queda en un edificio, el progenitor redobla esfuerzos por encontrar un sitio al que mudarse. Los altos precios, el afán acumulativo capitalista o las inhumanas condiciones de las promociones más modernas, unidas a una cierta incompetencia y orgullo del hombre, vuelven el objetivo casi imposible. Todo ello pese a que la cuadrilla encargada del derrumbe hace todo lo que está en su mano por postergarlo frente a las presiones de la empresa, apelando a la solidaridad obrera.

El inquilino se exhibió el pasado 5 de octubre y Carlos Reviriego avanza que trabajan para darle un segundo pase “en diciembre o enero”. Las obras de accesibilidad en el Cine Doré, que mantienen fuera de servicio la sala 2 y permiten solo una sesión al día, dificultan esas reprogramaciones. Pero sería una forma de volver a poner en valor una restauración que se ha llevado a cabo siguiendo las indicaciones que dejó el propio Nieves Conde, que en un montaje elaborado en 1993 marcó los aspectos censurados o modificados por la censura franquista (detallados al final de la proyección del pasado domingo). Bien merece una nueva oportunidad para su visionado una película que, como señala Reviriego, es “absolutamente pertinente en estos momentos”.

Un año más, regresa Another Way Film Festival, el festival de cine documental centrado en el progreso sostenible. Desde elDiario.es, queremos invitar de nuevo a nuestras socias y socios a disfrutar de una cuidada selección de películas valientes y con conciencia: historias que celebran la diversidad, cuestionan lo establecido y nos invitan a reflexionar sobre el mundo que habitamos.

Este año queremos invitarte a vivir el festival desde dentro: sorteamos entradas para las proyecciones de inauguración y clausura, además de un abono online para que disfrutes de toda la programación desde donde quieras. A continuación, te contamos más sobre la programación del festival. Al final del artículo encontrarás los formularios de inscripción para participar en el sorteo.

Los 39 títulos seleccionados, entre documentales y cortometrajes, abordan una amplia variedad de temas urgentes y actuales: la crisis climática, energética y migratoria, la lucha de los pueblos indígenas, el activismo, la moda sostenible, el ecofeminismo, la ecoansiedad o la conservación de los fondos marinos, entre otros.

La película inaugural de esta edición, que se proyectará el martes 14 de octubre a las 20:00 h en Cineteca (Plaza de Legazpi, 8, Madrid), será How Deep Is Your Love, dirigida por Eleanor Mortimer. Un documental que nos traslada hasta las profundidades marinas para revelarnos una serie de maravillosas especies en un mundo tan frágil como fascinante, amenazadas por el auge de la minería abisal.

La película seleccionada para clausurar el festival es Yintah, se proyectará el domingo 19 a las 20:00 h en Cineteca (Plaza de Legazpi, 8, Madrid). Narra la valiente lucha de resistencia de los Wetʼsuwetʼen, pueblo indígena canadiense, y su defensa de soberanía frente a la construcción de oleoductos en sus tierras ancestrales.

¿A qué esperas para conseguir tus entradas? Rellena el formulario seleccionando la opción que prefieras (película inaugural, película de clausura o abono online) antes del miércoles 8 de octubre. Recuerda: deberás completar un formulario distinto por cada opción a la que quieras optar.

¡Mucha suerte!

¿Es un pájaro? ¿Es un avión? No, es un dron. El mayor espectáculo con estos aparatos voladores celebrado nunca en España tendrá lugar este jueves en el recinto ferial de San Isidro, en Madrid. 600 drones surcarán el cielo de la capital en un evento que sirve de preludio al estreno de la nueva película del universo DC.

El acto, gratuito y abierto, será el jueves 10 de julio desde las 22.30, un día antes de que una nueva película sobre Superman llegue a los cines. Los drones crearán una coreografía gracias a las luces LED con los que se equipan, capaces de reproducir 16 millones de tonalidades.

El acto tendrá lugar en un recinto que habitualmente se utiliza para colocar las atracciones de feria durante las fiestas patronales de Madrid, en un perímetro que abarcará unos 70.000 metros cuadrados para asegurar la operatividad de los drones. Los aparatos sobrevolarán la zona más verde del parque.

El público podrá colocarse para disfrutar del evento en la parte sureste del recinto, donde habitualmente suele estar la noria de San Isidro, accesible desde General Ricardos y con los metros Marqués de Vadillo o Urgel como paradas más cercanas.

La noche se completará con la actuación en directo de un guitarrista, que interpretará fragmentos del nuevo tema musical del Superman de James Gunn

El personaje de DC Comics regresa este viernes 11 a los cines en su enésimo aventura cinematográfica. El vuelo de los drones en el distrito de Carabanchel quiere ser una especie de prólogo a la aventura, aunque está por ver si está a la altura del superhéroe.

Uno de los últimos espectáculos de este tipo celebrado en Madrid, en octubre de 2023 y con motivo del Día de la Hispanidad, provocó aglomeraciones y duras críticas al no contar con el prescriptivo plan de Movilidad y acudir un número de personas muy superior al esperado. Entonces, el Ayuntamiento que lidera José Luis Martínez-Almeida preveía la asistencia solo de 2.500 personas al evento de Casa de Campo, por lo que no organizó los accesos ni pidió un refuerzo del transporte público. La cita también se promocionó como “el mayor espectáculo con drones aéreos que se ha organizado en España”.

En esta ocasión el espacio previsto para el público es mucho mayor, aunque los accesos para acudir a este espacio pueden resultar estrechos en algunos puntos.

10 años no son nada, pero dejan mucho. Prueba de ello es la trayectoria de Cibeles de Cine, que cumple una década en Madrid volviendo a regalar una programación variada que le sitúa como una referencia en las pantallas veraniegas de la capital. Este año no será menos, y volverá a concentrar grandes estrenos y clásicos imperecederos en la Galería de Cristal, junto a la sede del Consistorio de la capital.

Será del jueves 26 de junio al jueves 11 de septiembre, cada día salvo el 5 de julio. Este evento cinematográfico, cita imprescindible para las noches de verano de la capital, está organizado por CentroCentro e ideado y producido por la compañía mk2. Durante 12 semanas, los espectadores podrán disfrutar de una programación muy especial, pensada para todos los públicos y compuesta por más de 70 títulos.

Dentro de la programación de esta décima edición de Cibeles de Cine se han seleccionado desde los grandes éxitos de taquilla de la temporada (Anora, Wicked, Los pecadores, The Brutalist, Emilia Pérez, La sustancia), hasta lo mejor del cine independiente (Aún estoy aquí, Por todo lo alto, Flow, Parthenope), pasando por esperados títulos de estreno (La trama fenicia, Fórmula 1, Materialistas) y cine de culto de los 70, 80 y 90 como Annie Hall, Dirty Dancing, Pulp Fiction). También se proyectarán las películas españolas más premiadas del año (Sorda, La infiltrada, El 47, La habitación de al lado o Sirat), a través de sesiones especiales con presencia de parte del equipo.

Los clásicos tendrán su espacio los domingos en el ciclo TCM Nights con películas tan icónicas como Dos en la carretera, Desayuno con diamantes o West Side Story. Además, se conmemorarán los aniversarios de títulos tan imprescindibles en la historia del cine como La quimera del oro de Charles Chaplin (100 aniversario), El crepúsculo de los dioses de Billy Wilder (75 aniversario), El apartamento, también de Billy Wilder (65 aniversario), Tiburón de Steven Spielberg (50 aniversario) o Deseando Amar de Wong Kar-Wai (25 aniversario). Y se rendirá homenaje al cineasta David Lynch, fallecido a principios de año, con la proyección de la icónica Mulholland Drive.

Y como ya es habitual, los sábados serán los días elegidos para disfrutar en familia con películas como Lilo & Stitch, La princesa prometida, Cómo entrenar a tu dragón, Vaiana 2 o Robot Salvaje. Las sesiones Sala Glamour (Maria Callas, La sustancia, Anora, Dirty Dancing) contarán con un coloquio previo a cargo del equipo de la citada revista femenina e invitadas como Cristina Trenas, Marina Salas, Jimina Sabadú, Denisse P. Molina, Martín Cuervo o Ariane Hoyos.

La programación se completa con Pop Icons, una exposición aérea de ilustraciones de retratos de estilo pop de grandes iconos del cine a cargo de la artista francesa Flore Maquin, quien ha trabajado con Universal Pictures, Paramount Channel, The Hollywood Reporter o el Festival de Cannes, y quien ha diseñado el cartel de esta décima edición.

“Todo empezó hace 15 años, en otro país. Una tarde vi seguidas El gran desfile (1925), de King Vidor, y Vivamos hoy (1933), de Howard Hawks. Dos películas de la Gran Guerra en las que se inventa todo un arte del buen trato. Salí eufórica del cine, con un interés y una creencia renovados en nuestra pobre especie. Antes de aquello nunca había pensado seriamente en la Primera Guerra Mundial y en cómo la vieron (y la mostraron) sus contemporáneos. Con el tiempo, otras películas vinieron a confirmar mis intuiciones”. Así explica Miriam Martín, cineasta y programadora, el germen del ciclo que ha comisariado en Filmoteca Española.

Bajo el título No pudieron ser amables. Fábulas de la Gran Guerra, extraído de un poema de Bertolt Brecht, el Cine Doré de la calle Santa Isabel proyectará entre abril y mayo doce películas sobre el conflicto que marcó los primeros compases del siglo XX. Todas se estrenaron, además, antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial. “Fue entonces, quizá, la última vez que la humanidad occidental pudo considerarse a sí misma con benevolencia. Antes de la bomba atómica y de los campos de exterminio, antes de trasladar a suelo europeo el modus operandi colonial. Fueron además los años en los que el movimiento obrero pudo soñar en serio y no melancólicamente, con millones de personas organizadas. Hasta Ernst Lubitsch se permite un poco de inocencia, aunque él y Josef von Sternberg, los dos emigrados, sean los más ambiguos, los menos creyentes”.

En estas declaraciones para Somos Madrid, Martín habla de Remordimiento (1932) y Fatalidad (1931), dos de las obras maestras incluidas en el programa (las sesiones de abril pueden consultarse en este enlace y las de mayo se anunciarán en semanas venideras). Arranca este viernes 4 de abril con una presentación de su responsable y la proyección de El gran desfile, la película que protagonizó una de esas sesiones que sembró en Martín la semilla que hoy brota en forma de este ciclo.

Llega en medio de un contexto en el que el lenguaje belicista parece haberse adueñado de nuevo de la esfera política y social, con la palabra “rearme” como gran representante. Martín lamenta el regreso de esta deriva, si es que alguna vez se fue: “No hay asunto más crucial que la crisis climática y todo lo que no sea poner los recursos y la inteligencia en eso es lucha de clases que vamos perdiendo. El rearme tiene que ver justamente con no cambiar el modelo productivo, con forzar sus límites a costa de lo que sea. La Gran Guerra fue una guerra imperialista y nacionalista, amén de un negocio gigantesco, en la que se jugó qué potencia iba a ser la hegemónica en los años por venir. Allá vamos otra vez, y con armamento nuclear”.

La también directora de cine, autora del cortometraje Vuelta a Riaño (2023), contrapone esta cosmovisión a algunas lecciones que se extraen de esta docena de películas: “Son fábulas porque en cada una de ellas hay una hipótesis ética, un cómo vivimos/cómo podríamos vivir. Y esas hipótesis tienen que ver con la amabilidad y sus variaciones, con la delicadeza, la nobleza de espíritu o la camaradería. Es como si los cineastas se preguntaran: ¿En qué consiste una vida humana? y se respondieran: En tratar de entenderse”.

“No es importante conocer la historia para no repetirla, sino para tener presente que siempre, en cualquier época, ha habido personas que se han enfrentado al orden de la dominación. Personas que han resistido, que han querido otra vida y que han tratado de anticipar esa vida en esta. La humanidad de la Gran Guerra es una humanidad distinta y distante, pero que nos contiene y que contenemos. Es una posibilidad nuestra”, expone Martín.

Películas que retratan la guerra como “una cosa cero sexy”

Frente a la espectacularización de gran parte del cine bélico, para Martín (y la mayoría de los cineastas del ciclo) la guerra es “una cosa cero sexy”. Se explaya en esta cuestión: “Truffaut dijo una vez, famosamente, que todas las películas bélicas acaban siendo probélicas. Creo que se refería a que los combates son muy atractivos de ver y de filmar, por la acción, la coreografía táctica, las bengalas en mitad de la noche... Y también al heroísmo y a la camaradería. Más allá de que la sociedad de las trincheras fuese algo bien real, las películas del ciclo son, sobre todo, de retaguardia y tiempos muertos”.

“Además, en las pocas secuencias de combate que hay, se nota y se siente hasta qué punto demostró esta guerra que el progreso técnico no orientado a cubrir necesidades se vuelve destructivo. La artillería, los bombardeos aéreos o los gases eran armas que obligaban a una relación abstracta y distanciada con la gente y con la tierra. El absurdo de la guerra es esa distancia, el morir a manos de nadie”, explica Martín.

No pudieron ser amables reúne siete películas estadounidenses (aunque varias las dirigen cinestas migrantes), tres soviéticas, una alemana y una francesa. Para la comisaria, el hecho de que Estados Unidos fuera la potencia triunfadora en la Primera Guerra Mundial “puede comprobarse incluso en este modesto programa de cine”. Y añade: “Lo singular es que Hollywood se llenó de artistas, y estas siete películas son fruto de un arte en su apogeo. Ellos se ocupan de todo: los protagonistas son franceses, alemanes, austríacos o rusos que hablan en inglés. Pero también experimentan como locos, sobre todo en los años de transición entre el mudo y el sonoro. Es un periodo muy excitante, casi soviético”.

Más tarde, sin embargo, se corrige a sí misma: “Bueno, en realidad no, porque el mundo que muestran las películas soviéticas y la alemana, tomadas por el espíritu de sus respectivas revoluciones, es más amplio. Incluye a más gente y una trama más rica e imprevisible de relaciones. Se trata de otra sensibilidad y se expresa con otras formas”.

“Y luego está Jean Renoir, un señor omnicomprensivo que por suerte para nosotras se hizo cineasta. Muchas películas francesas de la misma época y objeto parecen, en comparación con La gran ilusión, que merece toda su fama, anuncios de queso. No sé, tal vez haya ahí algo del entumecimiento moral del vencedor”, dice sobre la obra maestra de 1937.

El amor, el tabaco y el “derecho a la cotidianidad”

Además del contraste entre países, en el ciclo destaca cómo el romance y la camaradería sobresalen en medio del conflicto. En este sentido, Martín destaca el papel de las mujeres en la retaguardia: “Como digo en el texto de acompañamiento, el amor, en estas películas, es el derecho a la cotidianidad, a la vida ordinaria. Son las mujeres, que no combaten, las que se acercan a quienes no deben, las intercesoras, el género humano internacional. La protagonista de Suburbios (1933), de Boris Barnet, ejerce ese derecho con tanto ahínco que acaba por contagiar al resto, los afectos privados se vuelven públicos. A veces es solo cuestión de intensidad (y perspectiva comunista)”.

También en las películas estadounidenses las muestras de cariño son totalmente desinhibidas: “Excepto una, todas son pre-code [la época de Hollywwod previa a la introducción de las directrices de censura recogidas en el Código Hays], así que la gente se toca y se desea muy alegremente, sin ningún disimulo. Da gusto verlo. En El gran desfile, los amantes van a encontrarse por la noche y ella, de camino, pasa por delante de un rosal. Arranca una rosa, se la restriega por el escote y suspira, en éxtasis pequeño. La flor de la noche pa' quien la merece”

Más allá de estos gestos eminentemente románticos o sexuales, Martín subraya “un motivo que se repite por doquier, en Estados Unidos, Francia o la URSS”. La imagen no es otra que dos soldados de ejércitos enemigos compartiendo un cigarrillo, o varios. “El valor del tabaco en este programa es alto, cinematográficamente hablando, porque permite concretar y volver reconocible el gesto de compartir. Y en la guerra, el tabaco vale más que el oro”, recuerda. “Por eso Robert Desnos le escribió a Youki Foujita, desde el campo de concentración de Flöha, querría regalarte cien mil cigarrillos rubios. Pero esa es otra historia”.

Lienzos de ladrillo rojo –a veces enfoscado–, hierbajos rebeldes que hace tiempo que irrumpieron bajo el asfalto buscando el sol sin que nadie lo haya remediado, concreciones que dibujan el perfil de lo que fue una casa en una medianera al otro lado de una verja metálica, plazas de aparcamiento en superficie con los vehículos colocados con calculada asimetría funcional, toldos verdes desvaídos…Es el repertorio paiajístico de lo que solemos llamar periferia, aunque sea gran parte de la ciudad. La ciudad desarrollista y tardofranquista.

Es también el protagonista de Mitologías de barrio, la película del colectivo Espírituescalera que se podrá ver el próximo miércoles, 26 de febrero, en el salón de actos del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque a las 20 h. Al terminar la proyección, el público podrá conversar con los directores y con el escritor Servando Rocha.

“Hay una afinidad con lo que ha hecho La Felguera desde hace mucho tiempo, aunque no los conocíamos personalmente. Sacamos la peli y vimos que entraba en diálogo con su último libro [De fuego cercada], con esa filosofía de pensar el territorio como si fuera un lenguaje, o una memoria.” Quieren que la película abra un espacio de discusión colectiva y, para ello, pretenden reproducir el modelo en otros lugares: el 6 de marzo estarán conversando con el proyecto La Digitalizadora de la memoria colectiva en Sevilla y más adelante en Santander con el colectivo Salón de belleza.

Conversamos con Antonio Llamas, Jorge Rojas y Alejandro Pérez Castellanos (Espírituescalera). Nos explican que iniciaron su aventura al otro lado de la cámara después de conocerse en la Escuela de Cine de Madrid. “Compartíamos una afinidad estética, pero también política y sobre cómo entender las relaciones”, explican. Mitologías de barrio surgió, como otros proyectos, en su día a día hace ya seis años. Empezaron a grabar lugares que les llamaban la atención en sus propios barrios y acabaron localizando en todos los distritos de Madrid menos Centro. A partir de la observación y la grabación fue surgiendo la reflexión sobre habitar la ciudad que subyace en la cinta.

“Nos pusimos unas reglas para afrontar los paseos que hacíamos antes de decidir qué espacios reflejábamos. Grabar siempre en plano general, simulando una postal del lugar que nunca merecería tener una e ironizar con la mirada de lo turístico. Filmábamos siempre con sol, como si todo sucediese a la misma hora y en el mismo momento”, explican.

Pero Mitologías de barrio tiene también un hilo conductor de ficción que, además de explicar el título, dota la historia de un halo de misterio, entre el realismo mágico y el naturalismo suburbial. “Hemos escrito el guión después de rodar mucho material”, advierten. Un buen día entraron a una tienda de comestibles en busca de pilas y se encontraron, al otro lado del mostrador, al señor Tang, que es el protagonista de la historia.

La tienda, parecida a las que hay en tu barrio, es el único interior de la película, un contrapunto donde el género apilado del local se muestra como perfecto reflejo arquitectónico del barrio. Allí aparecerán la música y los fantasmas. “Nos permite colarnos detrás de una de las muchas paredes que aparecen en la película y narrar desde este rincón la mitología que queríamos imaginar”, nos cuentan desde Espirituescalera.

Los planos generales que, como un mosaico, construyen Mitologías de barrio sugieren fragmentación, conflictos o vacíos urbanos. Pero son también un buen lugar de partida para hablar de habitar la ciudad hoy y sus directores nos proponen hacerlo el próximo miércoles.

La muerte de David Lynch el pasado 15 de enero ha conmocionado a millones de personas alrededor del mundo, desde acérrimos cinéfilos hasta espectadores ocasionales de aquel fenómeno televisivo que fue Twin Peaks. Los homenajes se han sucedido por todo el planeta, pero no hay mejor manera de honrar al cineasta estadounidense que (re)descubriendo sus películas.

En Madrid, los cines Renoir Princesa ofrecen una oportunidad única al reunir seis de sus películas como director, una en la que tiene un pequeño papel y un documental que se acerca tanto a su etapa formativa como a su faceta en otras disciplinas artísticas durante la época final de su vida.

Los pases tendrán lugar todos los martes y jueves entre el 28 de enero y el 20 de febrero a un precio de 8,40 euros. La programación, que avanza de forma cronológica en la obra del responsable de Corazón salvaje (1990), es la siguiente:

Bajo la máxima de que el tiempo pone a cada cual en su lugar, el ciclo Las afueras llega al Cine Doré de Filmoteca Española para reivindicar historias de perdedores dentro y fuera de la pantalla. El programa, compuesto por seis títulos, se construye en torno a experiencias fuera de la norma o las disidencias legales, éticas, sexuales y raciales.

Las afueras surge del programa de la Universidad Carlos III de Madrid ¿A quién le importa?, que organiza distintas iniciativas y encuentros en torno al archivo y la conservación del patrimonio fílmico. El objetivo es conectar públicos actuales con el cine de décadas pasadas, tanto clásicos reconocidos como otras obras que no tuvieron la visibilidad adecuada en su momento. Todo ello llevado a través de una mirada joven encarnada en mediadistancia, colectivo de programación cinematográfica formado por jóvenes de entre 22 y 29 años que ha comisariado la cita.

Después de un adelanto con la proyección en abril de Smithereens (Susan Seidelman, 1982), las sesiones se reanudan con otras cinco películas que se verán entre julio y agosto. Uno de los principales reclamos es el estreno en España del montaje del director de Blackhat (Michael Mann, 2015), una muy particular cinta de acción protagonizada por Chris Hemsworth que supuso un contundente fracaso de taquilla.

Otro de los títulos es A rainha diaba (Antonio Carlos da Fontoura, 1974), una película restaurada en el marco del proyecto brasileño sin ánimo de lucro Cinelimite. La restauración en 4K tuvo estreno mundial en la Berlinale y llega a España por primera vez la proyección en el Doré el próximo 13 de julio. Su recuperación ha servido para introducir una perspectiva queer en el género de películas de criminales del cine brasileño.

El ecuador del ciclo llega el 10 de julio con We’re Alive (Michie Gleason, Christine Lesiak y Kathy Levitt, 1974), una película sobre las reclusas de un centro penitenciario de mujeres que estuvo desaparecida durante años. Producida bajo la supervisión de la University of California Los Ángeles (UCLA), después de ser reivindicada por investigadores de la propia institución universitaria, los materiales originales finalmente se encontraron en los almacenes del British Film Institute (BFI). Finalmente, la película pudo ser restaurada en el UCLA Film & Television Archive, presentándose al público de nuevo en 2022.

También se proyectará en el cine Doré Mala sangre (Mauvais sang, Leo Carax, 1986), en su reciente restauración en 4K casi 40 años después de su estreno. Con ella, el público podrá volver a disfrutar con la historia de dos ladrones que se proponen robar la vacuna contra el virus que ataca a quienes “practican el amor sin amor”.

El ciclo se cierra con Maldita generación (The Doom Generation), de Gregg Araki. Además de la restauración en 4K, su director ha recuperado la versión que se estrenó en salas en 1995. La película sufrió importantes cortes y alteraciones en el color, el sonido o el formato de pantalla en el mercado del vídeo doméstico (VHS y DVD), así que es una oportunidad para redescubrir la visión original del director de Mysterious Skin (2004).

La Escuela Popular de Prosperidad exhibe este viernes 7 de junio un documental sobre “una época irrepetible” en la historia social de este barrio de Chamartín. Concretamente, acerca de lo sucedido durante los años de la Transición en el Instituto Santamarca. El título de Sexo, drogas, rock 'n' roll y política. Instituto Santamarca, 1975–1985 lo dice todo sobre el qué y el cuándo de una historia única, difícil de reeditar.

La película retrata el auge y la caída de una época de enorme efervescencia social y cultural (también sexual) en el centro educativo, donde muchas clases se impartían en el parque. Raro era el profesor que pasaba lista. El alumnado participaba en las juntas de evaluación y debatía las calificaciones con el personal docente. Los viajes improvisados entre estudiantes y profesores estaban a la orden del día, en muchos de los cuales acaban compartiendo hachís. El ideal de libertad, en definitiva, tenía poco que ver con las cañas o las poses y mucho con derribar unas fronteras inexpugnables durante la dictadura franquista.

“Era el sitio en el que estar en el momento en el que podía estar. Nadie se atrevía a prohibir”. Pablo Llorca, exalumno y director de este documental estrenado en un puñado de salas el pasado marzo, resumía así en conversación con Somos Madrid su recuerdo del Santamarca en La Prospe, corazón obrero del distrito de Chamartín. Una memoria en torno a un edificio demolido en 2008, para que después se levantara en el mismo terreno otro centro que recuperó el nombre.

Y sin embargo poco queda del alma que un día tuvo, que se perdió mucho antes de aquel derribo. Es el espíritu que Llorca ha tratado de plasmar en Sexo, drogas, rock 'n' roll y política. Instituto Santamarca, 1975–1985, a través de decenas de testimonios de personas (y personalidades) que fueron docentes y estudiantes. La lista de exalumnos incluye a la cineasta Inés París, el actor Alberto San Juan, el director teatral Andrés Lima o el grupo de música electrónica Aviador Dro.

El pase se celebrará en la sede de la Escuela Popular de Prosperidad, en el número 19 de la calle Luis Cabrera, este viernes a las 18.30. Contará con la participación del propio Pablo Llorca y tendrá lugar un debate posterior a la proyección moderado por Elena Cabrera, redactora jefa de la sección de cultura de eldiario.es.