El projecte Atresbandes va començar el 2008 fruit de l’etapa de formació dels seus tres integrants a l'Institut del Teatre de Barcelona. Mònica Almirall, Miquel Segovia i Albert Pérez són de la mateixa promoció d'estudiants d'arts escèniques i es van formar junts, amb tot el que això implica: referents, maneres d'abordar l'escena, etc. Com en tantes ocasions les ganes de treballar van sorgir d'un cert descontentament amb el panorama teatral i, en aquest cas, aquest descontentament va generar una resposta que difereix d'aquest panorama i amplia el camp de visió, el modifica, el posa en dubte.

És en aquest dubte, en aquesta inestabilitat, quan sorgeixen les creacions més honestes, més autèntiques, que esdevenen l'autèntica escena contemporània, la que no repeteix patrons antics sinó que crea nous codis, noves relacions més properes a l'actualitat en tots els aspectes, polític i social però també en relació a l'avantguarda artística. Els tres són l'ànima del projecte i treballen de manera conjunta els textos, la direcció i la interpretació. “Amb el temps hem anat creant afinitats amb altres persones que han anat col·laborant en els diferents projectes. Hem creat un petit cercle de col·laboradors que entenen i comparteixen la nostra manera de treballar”, explica Albert Pérez.

Per exemple, Mole Wetherell, director de la companyia Reckless Sleepers, que fa quinze anys que representa per teatres d'arreu The Last Supper. Ara Atresbandes n'ha fet l'adaptació al català. La idea de l'obra parteix de la tradició que els condemnats a mort poden triar els plats del seu darrer sopar. Les últimes paraules d'una persona abans de morir sovint poden ser profètiques, profundes, poètiques, o simplement ximples. Així, aquesta peça teatral està composta a partir dels últims àpats, i també de les últimes paraules, que se sap que van menjar i dir alguns personatges coneguts -no necessàriament condemnats a mort-, com ara Napoleó, Marilyn Monroe, Francisco Franco, Albert Einstein, Leonardo da Vinci, Pepe Rubianes o Juan Paredes Manot, Txiki, i també altres d'anònims.

“En alguns casos hi havia constància documental de les seves últimes paraules. En d’altres, s’ha fet una tasca d’investigació per poder-les identificar a partir de la informació que sí que ha transcendit del personatge”, afegeix Pérez. Així, l’espectacle L’últim sopar, ofereix la possibilitat d’acostar-se als detalls dels “darrers menús” dels tretze condemnats a mort. I també de degustar-los. Són plats molt diferents uns dels altres, des de fetge amb ceba, fins a un pastís de xocolata o una hamburguesa. El muntatge, només 39 espectadors per funció, fa asseure el públic al voltant de tres taules superposades a l’escenari i el fa participar seguint els patrons performàtics. Alhora que les copes de vi s'omplen i els plats desfilen, els tres intèrprets presenten les darreres paraules dels personatges.

La Mònica, l’Albert i el Miquel van començar fent teatre laboratori i de creació col·lectiva per necessitat. Curiosament aquesta necessitat s’ha acabat convertint en la marca de la casa. Ara, a L’últim sopar, recullen l’encàrrec de la prestigiosa Reckless Sleepers. Després de recórrer el vell continent, Atresbandes tornen a Hiroshima, una sala estretament lligada a la companyia, per estrenar-la. L’espai idoni pel teatre inclassificable i sense etiquetes. Com a deixebles teatrals som convidats a la taula de L'últim sopar abans de ser crucificats.

El proyecto Atresbandes comenzó en 2008 fruto de la etapa de formación de sus tres integrantes en el Institut del Teatre. Mònica Almirall, Miquel Segovia y Albert Pérez son de la misma promoción de estudiantes de artes escénicas y se formaron juntos, con todo lo que ello implica: referentes, maneras de abordar la escena, etc. Como en tantas ocasiones las ganas de trabajar surgieron de un cierto descontento con el panorama teatral y, en este caso, este descontento generó una respuesta que difiere de este panorama y amplía el campo de visión, lo modifica, lo pone en duda.

Es en esta duda, en esta inestabilidad, cuando surgen las creaciones más honestas, más auténticas, que convergen con la auténtica escena contemporánea, la que no repite patrones antiguos sino que crea nuevos códigos, nuevas relaciones más cercanas en la actualidad en todos los aspectos, político y social pero también en relación a la vanguardia artística. Los tres son el alma del proyecto y trabajan de manera conjunta los textos, la dirección y la interpretación. “Con el tiempo hemos ido creando afinidades con otras personas que han ido colaborando en los diferentes proyectos. Hemos creado un pequeño círculo de colaboradores que entienden y comparten nuestra manera de trabajar”, explica Albert Pérez. 

Por ejemplo, Mole Wetherell, director de la compañía Reckless Sleepers, que hace quince años que representa en teatros de todo The Last Supper. Ahora Atresbandes ha hecho la adaptación al catalán. La idea de la obra parte de la tradición que los condenados a muerte pueden elegir los platos de su última cena. Las últimas palabras de una persona antes de morir a menudo pueden ser proféticas, profundas, poéticas, o simplemente tontas. Así, esta pieza teatral está compuesta a partir de las últimas comidas, y también de las últimas palabras, que se sabe que comieron y citaron algunos personajes conocidos -no necesariamente condenados a muerte-, como Napoleón, Marilyn Monroe, Francisco Franco, Albert Einstein, Leonardo da Vinci, Pepe Rubianes o Juan Paredes Manot, Txiki, y también otras de anónimos.

“En algunos casos había constancia documental de sus últimas palabras. En otros, se ha hecho una labor de investigación para poder identificar a partir de la información que sí ha trascendido del personaje”, añade Pérez. Así, el espectáculo L’últim sopar, ofrece la posibilidad de acercarse a los detalles de los “últimos menús” de los trece condenados a muerte. Y también de degustarlos. Son platos muy diferentes unos de otros, desde hígado con cebolla, hasta un pastel de chocolate o una hamburguesa. El montaje, sólo 39 espectadores por función, hace sentar el público en torno a tres mesas superpuestas en el escenario y lo hace participar siguiendo los patrones performáticos. A la vez que las copas de vino se llenan y los platos desfilan, los tres intérpretes presentan las últimas palabras de los personajes.

Mònica, Albert y Miquel empezaron haciendo teatro laboratorio y de creación colectiva por necesidad. Curiosamente esta necesidad se ha acabado convirtiendo en la marca de la casa. Ahora, recogen el encargo de la prestigiosa Reckless Sleepers. Tras recorrer el viejo continente, Atresbandes vuelven a Hiroshima, una sala estrechamente ligada a la compañía, por la puerta grande. El espacio idóneo para el teatro inclasificable y sin etiquetas. Como discípulos teatrales somos invitados a la mesa de L’últim sopar antes de ser crucificados.

¿Es el Arte Contemporáneo la mentira que nos permite comprender la verdad? ¿Por qué hay piezas de Arte Contemporáneo que cuestan de entender? Si todo puede ser arte contemporáneo, ¿dónde está el límite? Cómo se establece el valor de una obra ? Todos nos hemos hecho estas preguntas alguna vez. El arte contemporáneo no es sólo sinónimo de belleza, tiene muchas dudas y contradicciones por resolver. Dart Festival aparece para poner un poco de orden en este y otros asuntos. Se trata del primer Festival de Cine Documental de España dedicado al arte contemporáneo y contará con tres temáticas: Artes Visuales, Arquitectura y Fotografía.

Dart ofrecerá todo lo que hemos querido saber alguna vez: documentales sobre la vida de artistas y personas influyentes del mundo del arte contemporáneo, sobre cómo se hacen las creaciones, o todas estas historias que forman parte del background de esta disciplina y que por primera vez salen a la luz para el gran público. Dart nace con el objetivo de enlazar la cultura y el conocimiento de este arte, con la intención de reflexionar, crear, comprender, inspirar, enseñar, cultivar. ¿El qué? Procesos, historias, mitos, imágenes y personas, todo a través de los ojos del cine.

El Dart quiere cubrir un nicho de público muy específico –básicamente, estudiantes de arte y aficionados al arte en general–, y lo hace con una selección muy cuidadosa de películas documentales, la gran mayoría de las cuales nunca se han visto en territorio nacional. El fotógrafo Jean-François Gratton, y el músico y director Matt Zimbel, directores y productores del documental Zimbelism serán los encargados de la presentnación de la cinta sobre el proceso creativo del fotógrafo documental del New York Times, George Zimbel que siempre ha trabajado de la igual para dar la textura adecuada a las fotografías. Desde sus inicios en los años cincuenta hasta sus últimos trabajos fechados en la década de los ochenta, Zimbel ha fotografiado buena parte de la historia de Estados Unidos, deteniéndose en personajes como Truman, Kennedy, Nixon o los populares barrios neoyorquinos. Su mirada siempre exploratoria fue, sin embargo, más allá de Estados Unidos convirtiéndose en el testimonio de una época.

El crítico de cine Quim Casas presentará el documental Julian Schnabel, A Private portrait que narra el paso del artista del mundo underground a ser la superestrella de la escena artística de finales de los ochenta en Manhattan. Es una mezcla de películas caseras, fotografías y comentarios de personajes como Al Pacino o Keff Koons. Dirigido por Pappo Corsicato explica la trayectoria del pintor y director de origen judío nacido en Brooklyn. Este biopic presenta a un artista que triunfó en la ciudad de Nueva York en la década de los 80, un pintor que no siempre pudo plasmar en el lienzo lo que realmente quería, pero que no dejó de intentarlo.

El arquitecto Martin Garber presentará Citizen Jane, The Battle for the City. Este documental relata la batalla, durante la década de los sesenta, de la escritora y activista urbana Jane Jacobs para salvar barrios históricos de Nueva York de los planes draconianos de remodelación del implacable Robert Moses, un poderoso constructor con una gran influencia política. El documental es una crítica intensa a la urbanización masiva y de las consecuencias que tienen decisiones arquitectónicas sobre la vida de miles de personas y cómo se pueden solucionar estos problemas. Muchos de los problemas de urbanización que tenemos hoy en día fueron discutidos en el libro de Jacobs La muerte y la vida de las grandes ciudades americanas. En el documental se pretende hacer una revisión a su escrito y examinar la ciudad de hoy en día a través de sus ojos.

Con una mirada expresiva muy personal, el documental Jaar, El lamento de las Imágenes, observa el proceso creativo de Alfredo Jaar, uno de los artistas más relevantes del arte contemporáneo. Sus obras abordan grandes problemas en diferentes lugares del mundo, como la emigración a la frontera entre México y USA, el genocidio en Ruanda o el golpe militar en Chile. Jaar cree que el arte es “el último lugar” de libertad en nuestra sociedad y desde esta trinchera despliega su obra como un acto de resistencia. Esta es la primera película que se realiza sobre este gran artista y es también un recorrido por su obra expuesta en Finlandia, Venecia, Buenos Aires, Santiago y Nueva York. La banda sonora del documental pertenece a su hijo Nicolás Jaar, uno de los músicos más influyentes en la electrónica mundial actual.

El festival pone especial atención en la figura del artista, con cuatro documentales sobre mujeres entre los que destaca el que trata la vida de la escultora postminimalistas Eva Hesse. La cinta, Eva Hesse, narra la vida del artista a través de sus pensamientos más íntimos gracias a sus diarios personales. Es un retrato personal que muestra su idea de que la vida y el arte eran cosas parecidas. Eva Hesse murió a los 34 años víctima de un tumor cerebral y fue conocida por haber sido de las primeras en trabajar esculturas con materiales como el látex, la fibra de vidrio y el plástico.

El festival Dart es uno de los muchos eventos dedicados al cine en Barcelona que se distingue por una especialización concreta, pero en su caso hablamos de una especialidad tan atractiva que hace que, a pesar de que este año inicien su trayectoria con la primera edición, parece como si hubiera estado ahí siempre.

És l'Art Contemporani la mentida que ens permet comprendre la veritat? Per què hi ha peces d'Art Contemporani que costen d’entendre? Si tot pot ser art contemporani, ¿on està el límit? Com s'estableix el valor d'una obra?. Tots ens hem fet aquestes preguntes alguna vegada. L'art contemporani no és només sinònim de bellesa, planteja molts dubtes i contradiccions per resoldre. Dart Festival apareix per posar una mica d'ordre en aquest i d’altres assumptes. Es tracta del primer Festival de Cinema Documental d'Espanya dedicat a l'art contemporani, se celebra a Barcelona fins al 3 de desembre i comptarà amb tres temàtiques: Arts Visuals, Arquitectura i Fotografia.

Dart oferirà tot el que hem volgut saber alguna vegada: documentals sobre la vida d'artistes i persones influents del món de l'art contemporani, sobre com es fan les creacions, o totes aquestes històries que formen part del background d'aquesta disciplina i que per primera vegada surten a la llum per al gran públic. Dart neix amb l'objectiu d'enllaçar la cultura i el coneixement d'aquest art, amb la intenció de reflexionar, crear, comprendre, inspirar, ensenyar, conrear. El què? Processos, històries, mites, imatges i persones, tot a través dels ulls del cinema.

El Dart vol cobrir un nínxol de públic molt específic -bàsicament, estudiants d'art i aficionats a l'art en general-, i ho fa amb una selecció molt acurada de pel·lícules documentals, la gran majoria de les quals mai s'han vist en territori nacional. El fotògraf Jean-François Gratton, i el músic i director Matt Zimbel, directors i productors del documental Zimbelism seran els encarregats de la presentnació de la cinta sobre el procés creatiu del fotògraf documental del New York Times, George Zimbel que sempre ha treballat de la mateixa manera per donar la textura adequada a les fotografies. Des dels seus inicis als anys cinquanta fins als seus últims treballs datats en la dècada dels vuitanta, Zimbel ha fotografiat bona part de la història dels Estats Units, detenint-se en personatges com Truman, Kennedy, Nixon o els populars barris novaiorquesos. La seva mirada sempre exploratòria va anar, però, més enllà d'Estats Units convertint-se en el testimoni d'una època.

El crític de cinema Quim Casas presentarà el documental Julian Schnabel, A Private Portrait que narra el pas de l'artista del món underground a ser la superestrella de l'escena artística de finals dels vuitanta a Manhattan. És una barreja de pel·lícules casolanes, fotografies i comentaris de personatges com Al Pacino o Keff Koons. Dirigit per Pappi Corsicato explica la trajectòria del pintor i director d'origen jueu nascut a Brooklyn. Aquest biopic presenta a un artista que va triomfar a la ciutat de Nova York en la dècada dels 80, un pintor que no sempre ha pogut plasmar en un llenç el que realment volia, però que no ha deixat de intentar-ho.

L’arquitecte Martin Garber presentarà Citizen Jane, The Battle for the City. Aquest documental relata la batalla, durant la dècada dels seixanta, de l'escriptora i activista urbana Jane Jacobs per salvar barris històrics de Nova York dels plans draconians de remodelació de l'impacable Robert Moses, un poderós constructor amb una gran influència política. El documental és una crítica intensa a la urbanització massiva i de les conseqüències que tenen decisions arquitectòniques sobre la vida de milers de persones i com es poden solucionar aquests problemes. Molts dels problemes d'urbanització que tenim avui dia van ser discutits en el llibre de Jacobs La mort i la vida de les grans ciutats americanes. En el documental es pretén fer una revisió al seu escrit i planejaran examinar la ciutat d’avui dia a través dels seus ulls.

Amb una mirada expressiva molt personal, el documental Jaar, El lamento de las Imágenes, observa el procés creatiu d'Alfredo Jaar, un dels artistes més rellevants de l'art contemporani. Les seves obres aborden grans problemes en diferents llocs del món, com l'emigració a la frontera entre Mèxic i USA, el genocidi a Rwanda o el cop militar a Xile. Jaar creu que l'art és “l'últim lloc” de llibertat en la nostra societat i des d'aquesta trinxera desplega la seva obra com un acte de resistència. Aquesta és la primera pel·lícula que es realitza sobre aquest gran artista i és també unrecorregut per la seva obra exposada a Finlàndia, Venècia, Buenos Aires, Santiago i Nova York. La banda sonora del documental pertany al seu fill Nicolás Jaar, un dels músics més influents en l'electrònica mundial actual.

El festival posa especial atenció en la figura de l'artista, amb quatre documentals sobre dones entre els quals destaca el que tracta la vida de l'escultora postminimalista Eva Hesse. La cinta, Eva Hesse, narra la vida de l'artista a través dels seus pensaments més íntims gràcies als seus diaris personals. És un retrat personal que mostra la seva idea que la vida i l'art eren coses semblants. Eva Hesse va morir als 34 anys víctima d'un tumor cerebral i va ser coneguda per haver estat de les primeres a treballar escultures amb materials com el làtex, la fibra de vidre i el plàstic, i que va morir als 34 anys víctima d'un tumor cerebral.

El festival Dart és un dels molts esdeveniments dedicats al cinema a Barcelona que es distingeix per una especialització concreta, però en el seu cas parlem d'una especialitat tan atractiva que fa que, tot i que aquest any iniciïn la seva trajectòria amb la primera edició, sembla com si hagués estat aquí sempre.

El teatre per la seva mateixa naturalesa constitueix una poderosa eina de representació col·lectiva de la nostra realitat, que cal aprofitar i fer arribar a joves i adolescents. Llegir, representar, ser per uns moments una persona diferent, a més de ser divertit, ajuda sens dubte a crear empaties i a posar-se al lloc de l’altre. Si el jove s’entusiasma amb el teatre perquè li aporta alguna cosa, de gran també hi anirà. Partim d’un espectador imaginari jove que ve per primer cop al teatre, no sap qui ha escrit l’obra i potser ni tan sols ha preguntat de què va. Ha d’aconseguir entrar dins de la història. Cal que la història fascini, que funcioni; els personatges han de ser interessants, no estrictament realistes; el llenguatge ha de funcionar teatralment. El dramaturg alemany, Lutz Hübner, considera els joves com a “adults que encara no han assolit la majoria d’edat” i per als quals, per tant, s’ha d’oferir un producte artístic madur. Hübner remarca la importància de la història i la necessitat de la identificació d’aquest públic objectiu per sobre d’aspectes formals, així com la necessitat que el teatre per a joves s’allunyi de la moralitat i de la pedagogia. Aquest és un dels aspectes que vol cuidar, del 16 al 19 de novembre, la primera edició del festival RBLS adreçat a adolescents d'entre 13 i 20 anys però també obert a tot tipus de públic. La seva directora artística, la periodista, Carme Tierz, explica com pensen encomanar als joves la passió per aquest art.

Per què rebels?

De fet, penso que mai hauríem de deixar de ser rebels, inconformistes, lluitadors, tant se val l'edat que tinguem. Al contrari del que molts pensen, els joves són rebels i inconformistes.

Culturalment inquiets?

Tendim a generalitzar que els joves no tenen interès per la cultura. És cert, els seus usos culturals de l’adolescència estan molt orientats per pares i mestres. Ara bé, quan creuen el llindar hi ha molts adolescents que acaben explorant pel seu compte àmbits artístics com les arts escèniques. Molts d’altres, però, viuen allunyats del teatre perquè el relacionen amb els adults. Hem d’aconseguir que aquests joves connectin amb el teatre, la cultura en general.

Partim de la base que aquests joves van per primer cop al teatre.

Trobaran emoció, veritat, contacte real. Els ajudarà a millorar la seva capacitat comunicativa, reflexiva i crítica, a millorar l’autoestima, en definitiva, a obrir-se al món.

Com pot captar el teatre l’atenció dels joves?

El teatre té un problema, la pèrdua de contacte amb els joves. Les xarxes socials ens brinden una bona oportunitat per explicar que no només poden ser espectadors sinó també a implicar-se de veritat. Poden abandonar la posició de “públic passiu” per convertir-se en “públic actiu”. Només així gaudiran del teatre.

Històries atractives i addictives, sense rerefons pedagògic?

Hem volgut defugir d’aspectes pedagògics per demostrar-los que el teatre no és només per a adults, sinó també per als joves, que ofereix un ampli ventall de formats atractius i diversos. El teatre ha de ser lúdic. El missatge ja hi és per sota. L’error, moltes vegades, ha sigut sempre fer un teatre moralista, que els tira enrere.

L’entorn en que viuen molts joves no afavoreix aquesta incursió al teatre?

El teatre s’integra i conviu perfectament amb les noves tecnologies. Les noves tecnologies no estan renyides amb les emocions.

Què hi poden fer les sales?

La desafecció dels adolescents i els joves cap al teatre és responsabilitat de les mateixes sales que no acaben d’abordar a fons el problema. Amb excepcions. Can Felipa i la Beckett han apostat decididament perquè RBLS fos una realitat. Sense la seva implicació no hauria estat el mateix. De seguida van mostrar la seva predisposició. Ens hem entès molt bé.

I els professionals?

Començarem amb la Primera Trobada RBLS Joves i Teatre, adreçada a professionals de l’educació, les arts escèniques i la cultura en general a la seu de SGAE Catalunya. Volem que esdevingui en espai d’intercanvi teòric i pràctic al voltant del teatre per a joves. Enfortir ponts.

Com es plasmarà RBLS?

A la Beckett hi haurà un espectacle i un taller, i a Can Felipa la resta de programació, inclosa la presentació del projecte escènic comunitari En resistència a càrrec de TRANSlab. / Marta Galán, a més de tallers, jocs teatrals, espai per a ràdio online i youtubers… Per començar, hem triat un espectacle molt intens i vital, Like si lloras, del Col·lectiu VVAA. Proposarem un itinerari de microteatre, Píndoles, teatre de text amb iMe, de Roc Esquius i la Cia. DARA, improvisació, música i festa a Assajar és de covards, de la Cia. Casa Real. També integrem dues propostes d’Escena Can Felipa, una instal·lació performance, Membrana màgica, de Sachiko Fullita, i titelles, La Tragicomedia de don Cristóbal y la señá Rosita, de L’Excèntrica. No podem oblidar els tallers, de musical, de moviment o d’improvisació i tècniques interpretatives, els jocs de Recomana.cat, el Tast Cultural d’ENDINSART.

El teatro por su misma naturaleza constituye una poderosa herramienta de representación colectiva de nuestra realidad, que hay que aprovechar y hacer llegar jóvenes y adolescentes. Leer, representar, ser por unos momentos una persona diferente, además de ser divertido, ayuda sin duda a crear empatías ya ponerse en el lugar del otro. Si el joven se entusiasma con el teatro porque le aporta algo, de gran también irá. Partimos de un espectador imaginario joven que viene por primera vez en el teatro, no sabe quién ha escrito la obra y puede que ni siquiera ha preguntado de qué va. Debe conseguir entrar dentro de la historia. Es necesario que la historia fascine, que funcione; los personajes deben ser interesantes, no estrictamente realistas; el lenguaje debe funcionar teatralmente. El dramaturgo alemán, Lutz Hübner, considera a los jóvenes como “adultos que aún no han alcanzado la mayoría de edad” y para los que, por tanto, se ha de ofrecer un producto artístico maduro. Hübner subraya la importancia de la historia y la necesidad de la identificación de este público objetivo por encima de aspectos formales, así como la necesidad de que el teatro para jóvenes se aleje de la moralidad y de la pedagogía. Este es uno de los aspectos que quiere cuidar la primera edición del festival RBLS, del 16 al 19 de noviembre, dirigido especialmente a adolescentes de entre 13 y 20 años pero también abierto a todo tipo de público. La directora artística de RBLS, la periodista, Carme Tierz, nos cuenta cómo piensan contagiar a los jóvenes la pasión por este arte.

¿Por qué rebeldes?

De hecho, pienso que nunca deberíamos dejar de ser rebeldes, inconformistas, luchadores, no importa la edad que tengamos. Al contrario de lo que muchos piensan, los jóvenes son rebeldes e inconformistas.

¿Culturalmente inquietos?

Tendemos a generalizar que los jóvenes no tienen interés por la cultura. Es cierto, sus usos culturales de la adolescencia están muy orientados por padres y maestros. Ahora bien, cuando cruzan el umbral hay muchos adolescentes que acaban explorando por su cuenta ámbitos artísticos como las artes escénicas. Muchos otros, sin embargo, viven alejados del teatro para que lo relacionan con los adultos. Tenemos que conseguir que estos jóvenes conecten con el teatro, la cultura en general.

Partimos de la base de que estos jóvenes van por primera vez al teatro.

Encontrarán emoción, verdad, contacto real. Los ayudará a mejorar su capacidad comunicativa, reflexiva y crítica, a mejorar la autoestima, en definitiva, a abrirse al mundo.

¿Cómo puede captar el teatro la atención de los jóvenes?

El teatro tiene un problema, la pérdida de contacto con los jóvenes. Las redes sociales nos brindan una buena oportunidad para explicar que no sólo pueden ser espectadores sino también a implicarse de verdad. Pueden abandonar la posición de “público pasivo” para convertirse en “público activo”. Sólo así disfrutarán del teatro.

¿Historias atractivas y adictivas, sin trasfondo pedagógico?

Hemos querido rehuir de aspectos pedagógicos para demostrarles que el teatro no es sólo para adultos, sino también para los jóvenes, que ofrece un amplio abanico de formatos atractivos y diversos. El teatro debe ser lúdico. El mensaje ya está por debajo. El error, muchas veces, ha sido siempre hacer un teatro moralista, que los tira atrás.

¿El entorno en que viven muchos jóvenes no favorece esta incursión en el teatro?

El teatro se integra y convive perfectamente con las nuevas tecnologías. Las nuevas tecnologías no están reñidas con las emociones.

¿Qué pueden hacer las salas?

La desafección de los adolescentes y los jóvenes hacia el teatro es responsabilidad de las mismas salas que no acaban de abordar a fondo el problema. Con excepciones. Can Felipa y la Beckett han apostado decididamente por RBLS y que fuera una realidad. Sin su implicación no habría sido posible. Enseguida mostraron su predisposición. Nos hemos entendido muy bien.

¿Y los profesionales?

Comenzaremos con el I Encuentro RBLS Jóvenes y Teatro, dirigida a profesionales de la educación, las artes escénicas y la cultura en general en la sede de SGAE Cataluña. Queremos que se convierta en espacio de intercambio teórico y práctico en torno al teatro para jóvenes. Fortaleciendo puentes.

¿Cómo se plasmará RBLS?

En la Beckett habrá un espectáculo y un taller, y en Can Felipa el resto de programación, incluida la presentación del proyecto escénico comunitario En resistència a cargo de TRANSlab. / Marta Galán, además de talleres, juegos teatrales, espacio para radio online y YouTubers ... Para empezar, hemos elegido un espectáculo muy intenso y vital, Like si lloras, del Colectivo VVAA. Propondremos un itinerario de microteatro, Píndoles, teatro de texto con iMe, de Roc Esquius y la Cia. DARA, improvisación, música y fiesta en Assajar és de covards, de la Cía. Casa Real. También integramos dos propuestas de Escena Can Felipa, una instalación performance, Membrana màgica, de Sachiko Fullita, y títeres, La tragicomedia de don Cristóbal y la señá Rosita, de L'Excèntrica. No podemos olvidar los talleres, de musical, de movimiento o de improvisación y técnicas interpretativas, los juegos de Recomana.cat, la Cata Cultural de ENDINSART.

Hiroshima es símbolo de reconstrucción y renacimiento. Es esperanza y fuerza. Por Gaston Core representa la capacidad del hombre de volver a empezar, de tirar siempre adelante. La crisis no impidió montar una sala de teatro con un modelo diferente de gestión, programación y de comunicación con un público determinado. También contribuyó la falta de propuestas alternativas y las ganas de buscar nuevas maneras de pensar las cosas. En sólo tres años, se ha consolidado en el Poble Sec como espacio de exhibición con espectáculos muy particulares: escena alternativa de calidad, preferentemente danza pero también artes visuales, música y teatro. Este espacio de pequeño formato ha programado 135 compañías y atraído 20.000 espectadores. Conversamos con su artífice, el ex bailarín y actor miembro de La zoológica, Gaston Core.

¿Cuáles son las líneas generales de la programación de esta temporada?

Seguimos una línea de programación centrada con artistas nacionales e internacionales. Con una programación basada en la creación contemporánea y las nuevas escenas. Estamos hablando de propuestas de mediano y pequeño formato y productos con un alto nivel de riesgo e innovación dirigidos a un público en general, no necesariamente aficionado al teatro.

¿Cómo se puede llegar a otros públicos que en principio no están interesados en el teatro ni en propuestas arriesgadas?

Hay que comunicar de otra manera con el público. Tiene que haber la posibilidad de que el público se anime a ver un espectáculo contemporáneo y que éste pueda aportar algo y enriquecer su visión del arte.

¿Por qué tendemos a subestimar la capacidad del espectador?

No somos conscientes de que el espectador es más listo de lo que pensamos. Como programadores y salas no arriesgamos suficiente. Piensa que el espectador es capaz de descodificar más rápido de lo que pensamos cualquier tipo de lenguaje y de propuesta escénica. De ahí que las propuestas de Hiroshima tengan diferentes capas, diferentes niveles de lectura. El espectador actual está acostumbrado a la tecnología, al digital, al bombardeo constante de imágenes. Por lo tanto, me cuesta entender que no sea capaz de descodificar otros lenguajes. Si creemos que este espectador no existe volveremos a lo de siempre y nos equivocaremos.

¿Cómo se adapta la línea artística a las características del espacio?

Apostamos por hacer una programación muy dinámica, de ahí la rotación de espectáculos. Nuestro público le gusta dejarse sorprender. Además, un buen porcentaje de los artistas vienen de fuera, y esto hace inviable mantenerlos en cartel durante muchos días. De hecho, las lógicas de programación son muy parecidas a las de un festival. Por eso esta temporada nos presentamos con un lema muy explícito: The longest festival of the year. De alguna manera un festival es nuestro ritual contemporáneo, donde vamos a celebrar. Muchos de los artistas están centrando sus investigaciones en la naturaleza del grupo, como se crea una comunidad, como generamos una colectividad.

¿Cómo se gesta una identidad común?

Algunos artistas lo hacen desde la investigación coreográfica, buscando en movimientos concretos. Aina Alegre explora las danzas y tradiciones populares de Catalunya y del Mediterráneo; Reinaldo Ribeiro hace lo mismo con la samba del carnaval; Núria Guiu investiga en torno a los fenómenos de masas que se generan en las redes sociales… Otros artistas de la programación buscan generar una experiencia colectiva de tráfico o ritual entre el espectador y la escena recuperando formas como el expresionismo o la performance. Es el caso del australiano Luke George o de la caboverdiana Marlene Monteiro Freiras.

Después de dedicar el primer año de proyecto al posicionamiento de la sala y el segundo a la internacionalización, cuáles son los objetivos de esta cuarta temporada?

Un primer objetivo es focalizar recursos en el acompañamiento artístico, mediante la figura del artista asociado, aquel artista de la escena local que ya ha hecho una o dos piezas pequeñas con una cierta notoriedad, y está en el punto en que necesita un pequeño empujón, una estructura eficaz, que acompañe, que le dé un consejo a nivel artístico pero también administrativo y de estrategia. El segundo objetivo es ensanchar los públicos, y esto significa también romper prejuicios. Queremos generar nuevas audiencias para la escena contemporánea, atraer a la sala gente que, si llegara, seguramente disfrutaría de los espectáculos. Gente de mundos muy diferentes.

También estableciendo vínculos con otros festivales.

En marzo programaremos una selección especial de artistas representativos de la escena emergente en el marco del Festival Metropolità de Dansa. De este repertorio especial forman parte dos propuestas artísticas que presentan una visión femenina de la escena: la performance MI-RU, de Kotomi Nashiwiki y Miquel Casaponsa y la pieza de Daina Ashbee, Pour. La obra de Ashbee es una oda al cuerpo de la mujer ya su naturaleza, que sorprende por una reflexión plástica sobre la posición del cuerpo femenino en la sociedad.

¿Por qué las artes escénicas han dejado de ser una experiencia y un punto de encuentro y celebración?

En buena parte por culpa de las líneas de programación, son excelentes pero tienen otro recorrido. Luego también hay un tema estructural: las salas se ven asfixiadas por los alquileres y los espacios pequeños con normativas estrictas que no permiten expandir la propuesta de la representación: tú entras en el teatro, voces del espectáculo y te vas. No hay espacio para generar otro tipo de discursos. Y claro, si siempre somos los mismos que vamos al teatro esto acaba normativizando el hecho de ir al teatro y acaba siendo un acto funcional.

Ustedes inciden en el pensamiento en torno a un trabajo artístico.

En Hiroshima nos gusta crear espacios de reflexión en base a un artista. Organizamos talleres y workshops asociados a una propuesta artística en concreto. Quien se interese por el espectáculo podrá entender por qué el artista trabaja de una manera u otra.

Barcelona vende una imagen de modernidad e innovación. ¿Cómo se relaciona esa imagen con la realidad interna?

Existe un síndrome Barcelona, y esto es la percepción de que los atributos que la marca ha sabido abanderar en gastronomía, moda y diseño deben estar representados en el resto de ámbitos imaginables. En lo que a escena contemporánea se refiere, creo que aún nos queda camino por recorrer.

¿Cómo dialoga con el sector cultural de la ciudad?

Pensar la cultura desde sus actores y no desde la institución es una asignatura pendiente, utilizando la observación directa como método y no solo el análisis estadístico. Hace falta repensar el tejido cultural y su dificultosa interrelación con el sector público.

¿Es posible apostar por la cultura desde lo público sin dejar de estimular la iniciativa independiente?

Es necesario construir sobre la diversidad apostando también por la cultura más independiente, y por proyectos capaces de cuestionar, de replantear, de imaginar, una nueva ciudad cultural más allá de las modas y las marcas. Es necesario definir unas líneas estratégicas que puedan sobrevivir los cambios de gobierno, que permitan construir de forma progresiva y a largo plazo.

Hiroshima és símbol de reconstrucció i renaixement. És esperança i força. Per Gaston Core representa la capacitat de l'home de tornar a començar, de tirar sempre endavant. La crisi no va impedir muntar una sala de teatre amb un model diferent de gestió, programació i de comunicació amb un públic determinat. També hi va contribuir la falta de propostes alternatives i les ganes de buscar noves maneres de pensar les coses. En només tres anys, s’ha consolidat al Poble Sec com a espai d’exhibició amb espectacles molt particulars: escena alternativa de qualitat, preferentment dansa però també arts visuals, música i teatre. En els seus tres anys de vida, aquest espai de petit format ha programat 135 companyies i atret 20.000 espectadors. Conversem amb el seu artífex, l’exballarí i actor membre de La zoològica, Gaston Core.

Quines són les línies generals de la programació d’aquesta temporada?

Seguim una línia de programació centrada amb artistes nacionals i internacionals. Com hem fet des dels inicis no defugim d’una programació basada en la creació contemporània i les noves escenes. Estem parlant de propostes de mitjà i petit format i productes amb un alt nivell de risc i innovació dirigits a un públic en general, no necessàriament aficionat al teatre.

Com s'arriba a altres públics que en principi no estan interessats en el teatre ni en propostes arriscades?

Ens hem de comunicar d’una altra manera amb el públic. Aquest és un dels èxits de Hiroshima. Hi ha d’haver la possibilitat que el públic s’animi a veure un espectacle contemporani i que aquest pot aportar alguna cosa i enriquir la seva visió de l’art.

Per què tendim a subestimar la capacitat de l’espectador?

No som conscients que l’espectador és més llest del que pensem. Com a programadors i sales no arrisquem suficient. Pensa que l’espectador és capaç de descodificar més ràpid del que pensem qualsevol tipus de llenguatge i de proposta escènica. D’aquí que les propostes d’Hiroshima tinguin diferents capes, diferents nivells de lectura. L’espectador actual està acostumat a la tecnologia, al digital, al bombardeig constant d’imatges. Per tant, em costa entendre que no sigui capaç de descodificar altres llenguatges. Si creiem que aquest espectador no existeix tornarem al de sempre i ens equivocarem.

Com s'adapta la línia artística amb les característiques de l'espai?

Apostem per fer una programació molt dinàmica, d’aquí la rotació d’espectacles. El nostre públic li agrada deixar-se sorprendre. A més, un bon percentatge dels artistes venen de fora, i això fa inviable mantenir-los en cartell durant molts dies. De fet, les lògiques de programació són molt semblants a les d’un festival. Per això aquesta temporada ens presentem amb un lema molt explícit: The longest festival of the year. D’alguna manera un festival és el nostre ritual contemporani, on anem a celebrar. Molts dels artistes estan centrant les seves investigacions en la naturalesa del grup, com es crea una comunitat, com generem una col·lectivitat.

Com es gesta una identitat comuna?

Alguns artistes ho fan des de la investigació coreográfica, buscant en moviments concrets. Aina Alegre explora les danses i tradicions populars de Catalunya i del Mediterrani; Reinaldo Ribeiro fa el mateix amb la samba del carnaval; Núria Guiu investiga al voltant dels fenòmens de masses que es generen a les xarxes socials... Altres artistes de la programació busquen generar una experiència col·lectiva de trànsit o ritual entre l’espectador i l’escena recuperant formes com l’expressionisme o la performance. És el cas de l’australià Luke George o de la caboverdiana Marlene Monteiro Freiras.

Després de dedicar el primer any de projecte al posicionament de la sala i el segon a la internacionalització, quins són els grans reptes d’aquesta quarta temporada?

Un primer objectiu és focalitzar recursos en l’acompanyament artístic, mitjançant la figura de l’artista associat, aquell artista de l’escena local que ja ha fet una o dues peces petites amb una certa notorietat, i està en el punt en què necessita una petita empenta, una estructura que el reculli, que l’acompanyi, que li doni un consell a nivell artístic però també administratiu i d’estratègia. El segon objectiu és eixamplar els públics, i això significa també trencar prejudicis. Volem generar noves audiències per a l’escena contemporània i fidelitzar-les, atreure a la sala gent que, si hi arribés, segurament gaudiria dels espectacles. Gent de móns molt diferents.

També establint vincles amb altres festivals.

El mes de març programarem una selecció especial d’artistes representatius de l’escena emergent en el marc del Festival Metropolità de Dansa. D’aquest repertori especial en formen part dues propostes artístiques que presenten una visió femenina de l’escena: la performance MI-RU, de Kotomi Nashiwiki i Miquel Casaponsa i la peça de Daina Ashbee, Pour. L’obra d’Ashbee és una oda al cos de la dona i a la seva naturalesa, que sorprèn per una reflexió plàstica sobre la posició del cos femení en la societat.

Per què les arts escèniques han deixat de ser una experiència i un punt de trobada i celebració?

En bona part per culpa de les línies de programació, han adoptat un altre recorregut. Després també hi ha un tema estructural: les sales es veuen asfixiades pels lloguers i pels espais petits amb normatives estrictes que no permeten expandir la proposta de la representació: tu entres al teatre, veus l’espectacle i te’n vas. No hi ha espai per generar un altre tipus de discursos. I és clar, si sempre som els mateixos que anem al teatre això acaba normativitzant el fet d’anar al teatre i acaba sent un acte funcional.

Vostès incideixen en el pensament al voltant d’un treball artístic.

A Hiroshima ens agrada crear espais de reflexió en base a un artista. Organitzem tallers i workshops associats a una proposta artística en concret. Qui s’interessi per l’espectacle podrà entendre per què l’artista treballa d’una manera o altra.

Barcelona ven una imatge de modernitat i innovació. Com es relaciona aquesta imatge amb la realitat interna?

Hi ha síndrome Barcelona. La marca ha sabut abanderar gastronomia, moda i disseny però no representa la resta d'àmbits imaginables. Pel que fa a l’escena contemporània, crec que encara ens queda camí per recórrer.

Com dialoga amb el sector cultural de la ciutat?

Pensar la cultura des dels seus actors i no des de les institucions és una assignatura pendent, utilitzant l'observació directa com a mètode i no només l'anàlisi estadístic. Cal repensar el teixit cultural i la seva dificultosa interrelació amb el sector públic.

És possible apostar per la cultura des del públic sense deixar d'estimular la iniciativa independent?

Cal construir sobre la diversitat apostant també per la cultura més independent, i per projectes capaços de qüestionar, de replantejar, d'imaginar, una nova ciutat cultural més enllà de les modes i les marques. Cal definir unes línies estratègiques que puguin sobreviure els canvis de govern, que permetin construir de forma progressiva i a llarg termini.

Un hecho recurrente, casi podríamos decir que cliché, a nivel académico, escolar y mediático es preguntar cuestiones sobre la Guerra Civil Española y el franquismo en la juventud. El desconocimiento entre los más jóvenes sobre aspectos tan fundamentales y básicos de la historia más reciente crea impacto, indignación y, desgraciadamente, incluso cierta mofa. Cuando esto sucede nos preguntamos cómo puede ser, qué falla... ¿Qué significa para los jóvenes la dictadura de Franco? ¿Cómo ha influido en su vida la Transición española y sus silencios? Son algunas de las reflexiones que plantea Los bancos regalan sandwicheras y chorizos que, según palabras de sus creadores, “lucha contra la impotencia a la que se ve empujada la sociedad y sus dirigentes” y que “sitúa la nueva generación ante el reto de analizar la memoria histórica de este país. Esta nueva generación habla de la historia y de cómo se sienten dentro de unas estructuras que se han encontrado hechas y les han sido impuestas. Estructuras políticas, arquitectónicas, históricas, lingüísticas, mentales, emocionales e, incluso, filosóficas”, añaden.

Por muchos motivos Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es imprescindible para entender nuestro contexto actual. Julio Álvarez, director artístico del Tantarantana, habla del proyecto como “un regalo inesperado del momento tan importante que estamos viviendo. El Tantarantana siempre ha apostado por un teatro vinculado a la memoria histórica, y ahora, más que nunca, debemos escuchar la voz de unos jóvenes que nos hablan de los rastros de un pasado que no han vivido, sino que les ha llegado en forma de relato. Descubrir su visión nos ayuda a entender más profundamente nuestro presente.” Aquí, posiblemente, está la dificultad de situar el franquismo en boca de los más jóvenes. Silvia Ferrando, directora y dramaturga, subraya el proceso de creación colectiva que originó el espectáculo. “Propuse a los siete intérpretes trabajar sobre los rastros del franquismo, los 40 años más oscuros de nuestra historia reciente. Una etapa de la que no se habla, que no se enseña en las escuelas y de la que aún quedan muchas cosas por desenterrar. (...) El resultado es un espectáculo cargado de vitalidad y de sentido del humor, muy ácido y muy crítico con nuestro país. La obra trata de reclamar que somos y reconocer porque somos como somos. Habla de forma muy desacomplejada de temas silenciados. Es un homenaje a la ciudadania española, desde un punto de vista muy político.”

A la pregunta de si el espectáculo habla de España o de la relación de Catalunya con España, Ferrando deja muy claro que “la obra habla de España. Se está hablando mucho de Catalunya y del Gobierno Español, pero se está hablando muy poco de qué es España. Qué son los símbolos, los referentes españoles, propios e impuestos, con qué nos identificamos? Quisimos hacer un análisis de dónde veníamos, y nos ha salido donde estamos. La obra también reivindica como nos han raptado el lenguaje, además de muchas otras cosas. Hay palabras que no se pueden decir sin generar crispación. Y las palabras, como la historia, también son nuestras”. Siguiendo el relato, Marta Díez, actriz del proyecto, explica el proceso de creación desde el punto de vista de los intérpretes, todos ellos de la misma generación, entre los veinte y los treinta años: “Cuando Silvia nos preguntó sobre los rastros del franquismo, nos dimos cuenta de que sabíamos muy poco y que, además, todos teníamos las mismas dudas. Esto quiere decir que algo pasa con este tema. Por ejemplo, en nuestro imaginario hay muchas más imágenes del nazismo, que del franquismo”.

La avalancha de referencias al pasado de estos días convulsos nos sobrepasa y nos confunde. Con tanta vehemencia se esconde la historia. Y es que, como recuerda Silvia Ferrando, “habitamos edificios igual que habitamos países, familias, memorias. La arquitectura que han construido otros nos condiciona, formándonos y deformandonos seleccionados. Hay edificios que se dejan habitar, que te invitan a entrar y vivir, te acogen y reconfortan, forman parte de tu historia y tu de la suya. La arquitectura contemporánea es muchas veces brutal. Existen por suerte también, edificios y lugares que promueven el encuentro, el calor de la comunicación humana. En cambio, otros son como un bunker o montones de nichos, compartimentos donde esconderse o aislarse. Edificios fantasmas bunkerizados.” Los bancos regalan sandwicheras y chorizos los derriba para conocer aquello que no nos cuenta el discurso histórico oficial; las voces que no son escuchadas o, simplemente, las voces que nos ayudan a entender quiénes somos, de dónde venimos, hacia dónde vamos. 

Un fet recurrent, gairebé podríem dir que clixé, a nivell acadèmic, escolar i mediàtic és preguntar qüestions sobre la Guerra Civil Española i el franquisme a la joventut. El desconeixement entre els més joves sobre aspectes tan fonamentals i bàsics de la història més recent crea impacte, indignació i, malauradament, fins i tot certa mofa. Quan això succeeix ens preguntem com pot ser, què falla… Què significa per als joves la dictadura de Franco? Com ha influït en la seva vida la Transició espanyola i els seus silencis? Són algunes de les reflexions de Los bancos regalan sandwicheras y chorizos que, segons paraules dels seus creadors, “lluita contra la impotència a la qual es veu empesa la societat i els seus dirigents” i que “situa la nova generació davant el repte d'analitzar la memòria històrica d'aquest país. Aquesta nova generació parla de la història i de com se senten dins d'unes estructures que s'han trobat fetes i els han estat imposades. Estructures polítiques, arquitectòniques, històriques, lingüístiques, mentals, emocionals i, fins i tot, filosòfiques”, afegeixen.

Per molts motius Los bancos regalan sandwicheras y chorizos és imprescindible per entendre el nostre context actual. Julio Álvarez, director artístic del Tantarantana, parla del projecte com “un regal inesperat pel moment tan important que estem vivint. El Tantarantana sempre ha apostat per un teatre vinculat a la memòria històrica, i ara, més que mai, hem d'escoltar la veu d'uns joves que ens parlen dels rastres d'un passat que no han viscut, sinó que els ha arribat en forma de relat. Descobrir la seva visió ens ajuda a entendre més profundament el nostre present.” Aquí, possiblement, rau la dificultat de situar el franquisme en boca dels més joves. Sílvia Ferrando, directora i dramaturga, subratlla el procés de creació col·lectiva que va originar l'espectacle. “Vaig proposar als set intèrprets treballar sobre els rastres del franquisme, els 40 anys més foscos de la nostra història recent. Una etapa de la que no es parla, que no s'ensenya a les escoles i de la que encara queden moltes coses per desenterrar. (...) El resultat és un espectacle carregat de vitalitat i de sentit de l'humor, molt àcid i molt crític amb el nostre país. L'obra tracta de reclamar qui som i reconèixer perquè som com som. Parla de forma molt desacomplexada de temes silenciats. És un homenatge a la ciutadania espanyola, des d'un punt de vista molt polític.”

A la pregunta de si l'espectacle parla d'Espanya o de la relació de Catalunya amb Espanya, Ferrando deixa molt clar que “l'obra parla d'Espanya. S'està parlant molt de Catalunya i del Govern Espanyol, però s'està parlant molt poc de què és Espanya. Quin són els símbols, els referents espanyols, quins ens són propis i quins imposats, amb quins ens identifiquem? Vam voler fer un anàlisi d'on veníem, i ens ha sortit on som. L'obra també reivindica com ens han raptat el llenguatge, a més de moltes altres coses. Hi ha paraules que no es poden dir sense generar crispació. I les paraules, com la història, també són nostres”. Seguint el fil, Marta Díez, actriu del projecte, explica el procés de creació des del punt de vista dels intèrprets, tots ells de la mateixa generació, entre els vint i els trenta anys: “quan la Sílvia ens va preguntar sobre els rastres del franquisme, ens vam adonar que en sabíem molt poc i que, a més a més, tots teníem els mateixos dubtes. Això vol dir què alguna cosa passa amb aquest tema. Per exemple, al nostre imaginari hi ha moltes més imatges del nazisme, que del franquisme”.

L’allau de referències que rebem aquests dies convulsos del passat ens confonen. Amb tanta vehemència s’amaga la història. I és que, com recorda Sílvia Ferrando, “habitem edificis igual que habitem països, famílies, memòries. L'arquitectura que han construït altres ens condiciona, formant-nos i deformant-nos. Hi ha edificis que es deixen habitar, que et conviden a entrar i a viure, t'acullen i reconforten, formen part de la teva història i tu de la seva. L'arquitectura contemporània és moltes vegades brutal. Existeixen per sort també, edificis i llocs que promouen la trobada, la calor de la comunicació humana. En canvi, altres són com un búnquer o munts de nínxols, compartiments on amagar-se o aïllar-se. Edificis fantasmes bunkeritzats.” Los bancos regalan sandwicheras y chorizos els enderroca per conèixer allò que no ens explica el discurs històric oficial; les veus que no es vol que siguin escoltades o, simplement, les veus que ens ajuden a entendre qui som i d'on venim.

Revolució i resistència han estat presents, des de temps remots, tant en la creació de mites de la humanitat, des dels relats bíblics, passant per la mitologia greco-llatina, les obres literàries; fins a la història des dels inicis de l'antic Egipte, en l'Edat Mitjana o la Modernitat. Per descomptat, aquesta història no es queda en les èpoques llunyanes sinó que travessa, amb multitud d'exemples, totes les latituds i geografies per on els éssers humans han anat creant civilització. Desobeir les veritats establertes, desafiar els poderosos, rebel·lar-se davant de les injustícies, resistir-se a la dominació, protestar les arbitrarietats, explorar més enllà dels límits fixats, transgredir l'ordre social i moltes més accions similars no només han estat part important de la nostra història sinó tot un art, sense el qual resulta difícil imaginar el progrés humà.

La revolució o resistència, encara que és molt antiga com a arma de combat, ha pres un gran protagonisme en l'últim segle i ha format part de multitud de processos i situacions de molt diversa naturalesa. La resistència civil s'ha fet servir per lluitar contra un amplíssim elenc de situacions d'injustícia, així com contra processos de llarga durada històrica. Alguns d'aquests conflictes estratègics noviolents han anat contra el colonialisme, les ocupacions estrangeres, els cops d'estat, els règims dictatorials i despòtics, en dinàmiques de frau electoral massiu, contra la discriminació racial, religiosa i de gènere, contra l'alteració de l'ordre constitucional, a favor de processos d'independència nacional, per la defensa dels drets i llibertats, a favor de la protecció ambiental, per la defensa i protecció de les comunitats indígenes i aborígens, de la lluita per la terra, en croades contra l'intervencionisme militar i, fins i tot, en campanyes contra polítiques neoliberals i processos d'exclusió social.

Què ha motivat els canvis en la humanitat? Quin ha estat el motor de la història? Des de l'òptica de la noviolència, la revolució i la resistència serien el més semblant al que, al segle XIX, Karl Marx afirmava que la revolució era la locomotora de la història. Anys després, en plena expansió del nazisme i el feixisme, Walter Benjamin li va respondre amb la pregunta de si la revolució no s'assemblava més als passatgers activant el fre d'emergència. Avui dia, amb l'impacte que estan tenint la globalització i el canvi tecnològic sobre la pròpia estructura de la societat i la proliferació de líders que qüestionen la vigència dels drets humans més bàsics, el dubte que plantejava Benjamin torna a tenir rellevància. Cent anys després de l'esclat de la revolució a Rússia el CCCB impulsa el cicle Revolució o resistència? per revisar la idea que tenim de la revolució i com s'ha instal·lat al centre de les passions polítiques del món contemporani.

Com ha canviat la idea que tenim de la revolució? Segueix sent un motor d'alliberament o avui ens urgeix més la resistència per defensar els avenços socials de l'últim segle? Aportaran la seva visió l'escriptora i activista índia Arundathi Roy, reconeguda tant pels seus llibres de ficció com pels seus escrits sobre política, medi ambient i drets humans; l'activista afroamericana Angela Davis, considerada una de les grans lluitadores històriques pels drets humans; i el politòleg Ivan Krastev. Completarà el cicle un diàleg entre el periodista i activista David Fernández i el filòsof Xavier Antich sobre la idea de revolució en el context polític dels últims anys a Catalunya.

Veus de la revolució del que és possible 

L’activisme infatigable d'Arundhati Roy (Índia, 1961), des del moviment antiglobalització a la lluita per la justícia social al seu país, passant pels discursos contra les guerres de l'Iraq i l'Afganistan, han consumit gairebé tot el seu temps des que va aconseguir la fama mundial amb la seva primera novel·la El déu de les petites coses, una saga familiar que retrata les ansietats, patiments i preocupacions de les dones de l'Índia rural. Després d’aquest èxit literari, Roy s'ha convertit en una activista política donant veu als grups minoritaris que ho necessiten i oposant-se públicament a les polítiques del seu govern. En els seus assajos i conferències, Roy reflexiona sobre els moviments de resistència de les dones a tot el món, reivindicant la necessitat de prendre acció. A la sessió Idea, paraula i acció (2 d'octubre), parlarà sobre la seva trajectòria política i literària, en el marc de la publicació en català i castellà de la seva última obra de ficció, El ministeri de la felicitat suprema (Anagrama, 2017). La novel·la està inspirada en les seves trobades amb els maoistes a les jungles de l'Índia Central.

Considerada una de les grans lluitadores històriques pels drets humans i contra la discriminació racial, Angela Davis (Estats Units, 1944) en la conferència La revolució avui (9 d'octubre) parlarà del significat de la revolució en els nostres temps. Davis és una de les figures més influents en la història del moviment feminista i de l'activisme polític contra les opressions interseccionals que pateixen les minories dels Estats Units. Durant la seva joventut va ser expulsada de la Universitat de Califòrnia per formar part del Partit Comunista, i poc després va ser perseguida i empresonada acusada injustament d'assassinat. La campanya pel seu alliberament, que arribaria després de 16 mesos a la presó, la va convertir a principis dels anys setanta en una de les cares més conegudes de l'activisme polític nord-americà. Les seves contribucions a la teoria feminista són essencials per comprendre els vincles entre els eixos d'opressió social del capitalisme, el racisme i el patriarcat.

En el diàleg El combat del present (16 d'octubre), el periodista i activista David Fernàndez i el filòsof Xavier Antich parlaran de la idea de revolució en el context polític dels últims anys a Catalunya, des de la irrupció del 15M fins a la lluita per la independència, i sobre les possibilitats transformadores d'aquest nou paisatge polític. El 2011 va aparèixer el 15M. I al maig de 2011 la Plaça de Catalunya estava inundada pels joves que protestaven contra les retallades. Què passa entre 2011 i 2012? Doncs per dir-ho de manera resumida, que hi ha un desviament del focus d'atenció, des de la Plaça de Catalunya amb l'agenda social del 15M, al Born, és a dir, a la construcció identitària de 1714. A Catalunya, la indignació del 15M ha estat desviada per la via identitària. Naturalment hi ha altres elements, però la crisi econòmica ha estat fonamental per entendre la circumval·lació identitària del malestar col·lectiu, que alhora té una rèplica, en part populista, en la dreta espanyola representada al Govern actual.

Ivan Krastev (Lukovit, 1965) és politòleg i president del Centre d'Estratègies Liberals de Sofia, Bulgària, i membre fundador del Consell Europeu de Relacions Exteriors. En la conferència Migracions: La revolució del S.XXI (23 d’octubre), parlarà de les migracions internacionals com a moviment revolucionari d’aquest segle. La mobilitat humana creix com a conseqüència de la fam, de la violència, les guerres, dels desastres naturals i dels efectes expulsius de la l'economia. No obstant això, les fronteres es tanquen i els governs encaren la crisi migratòria global com un problema de seguretat o de risc a la sobirania nacional. Les migracions interpel·len les nostres democràcies que semblen no estar a l'altura dels desafiaments presentats. Els estats tendeixen a definir les seves postures i reaccions sota una concepció de la migració com a problema i font d'inestabilitat política, econòmica i social. Les vergonyoses xifres d’acollida de refugiats a Europa parlen per si soles.

Revolución y resistencia han estado presentes, desde tiempos remotos, tanto en la creación de mitos de la humanidad, desde los relatos bíblicos, pasando por la mitología greco-latina, las obras literarias; hasta en la historia desde los inicios del antiguo Egipto, en la Edad Media o la Modernidad. Por supuesto, esta historia no se queda en las lejanas épocas sino que atraviesa, con multitud de ejemplos, todas las latitudes y geografías por donde los seres humanos han ido creando civilización. Desobedecer las verdades establecidas, desafiar a los poderosos, rebelarse frente a las injusticias, resistirse a la dominación, protestar las arbitrariedades, explorar más allá de los límites fijados, transgredir el orden social y muchas más acciones similares no sólo han sido parte importante de nuestra historia sino todo un arte, sin el cual resulta difícil imaginar el progreso humano.

La revolución o resistencia, aunque es muy antigua como arma de combate, ha tomado un gran protagonismo en el último siglo y ha formado parte de multitud de procesos y situaciones de muy diversa naturaleza. La resistencia civil se ha usado para luchar contra un amplísimo elenco de situaciones de injusticia, así como contra procesos de larga duración histórica. Algunos de estos conflictos estratégicos noviolentos han ido contra el colonialismo, las ocupaciones extranjeras, los golpes de estado, los regímenes dictatoriales y despóticos, en dinámicas de fraude electoral masivo, contra la discriminación racial, religiosa y de género, contra la alteración del orden constitucional, a favor de procesos de independencia nacional, por la defensa de los derechos y libertades, a favor de la protección ambiental, por la defensa y protección de las comunidades indígenas y aborígenes, de la lucha por la tierra, en cruzadas contra el intervencionismo militar e, incluso, en campañas contra políticas neoliberales y procesos de exclusión social.

¿Qué ha motivado los cambios en la humanidad? ¿Cuál ha sido el motor de la historia? Desde la óptica de la noviolencia, la revolución y la resistencia serían lo más parecido a lo que, en el siglo XIX, Karl Marx afirmaba que la revolución era la locomotora de la historia. Años después, en pleno auge del nazismo y el fascismo, Walter Benjamin le respondió con la pregunta de si la revolución no se parecía más a los pasajeros activando el freno de emergencia. Hoy en día, con el impacto que están teniendo la globalización y el cambio tecnológico sobre la propia estructura de la sociedad y la proliferación de líderes que cuestionan la vigencia de los derechos humanos más básicos, la duda que planteaba Benjamin vuelve a tener relevancia. Ciien años después del estallido de la revolución en Rusia el CCCB impulsa el ciclo ¿Revolución o resistencia? revisando la idea que tenemos de la revolución y como se ha instalado en el centro de las pasiones políticas del mundo contemporáneo.

¿Cómo ha cambiado la idea que tenemos de la revolución? ¿Sigue siendo un motor de liberación u hoy nos urge más la resistencia para defender los avances sociales del último siglo? Aportarán su visión la escritora y activista india Arundathi Roy, reconocida tanto por sus libros de ficción como por sus escritos sobre política, medio ambiente y derechos humanos; la activista afroamericana Angela Davis, considerada una de las grandes luchadoras históricas por los derechos humanos; y el politólogo Ivan Krastev. Completará el ciclo un diálogo entre el periodista y activista David Fernàndez y el filósofo Xavier Antich sobre la idea de revolución en el contexto político de los últimos años en Catalunya.

Voces de la revolución de lo posible

El activismo infatigable de Arundhati Roy (India, 1961), desde el movimiento antiglobalización a la lucha por la justicia social en su país, pasando por los discursos contra las guerras de Irak y Afganistán, han consumido casi todo su tiempo desde que alcanzó la fama mundial con su primera y envolvente novela El dios de las pequeñas cosas, una saga familiar que retrata las ansiedades, sufrimientos y preocupaciones de las mujeres de la India rural. Tras el éxito del libro, Roy se ha convertido en una activista política dando voz a los grupos minoritarios que lo necesitan y oponiéndose públicamente a las políticas de su gobierno. En sus ensayos y conferencias, Roy reflexiona sobre los movimientos de resistencia de las mujeres en todo el mundo, reivindicando la necesidad de tomar acción. En la sesión Idea, palabra y acción (2 de octubre), hablará sobre su trayectoria política y literaria, en el marco de la publicación en catalán y castellano de su última obra de ficción, El ministerio de la felicidad suprema (Anagrama, 2017). La novela está inspirada en sus encuentros con los maoístas en las junglas de la India Central.

Considerada una de las grandes luchadoras históricas por los derechos humanos y contra la discriminación racial, Angela Davis (Estados Unidos, 1944) en la conferencia La revolución hoy (9 de octubre) hablará del significado de la revolución en nuestros tiempos. Davis es una de las figuras más influyentes en la historia del movimiento feminista y del activismo político contra las opresiones interseccionales que sufren las minorías de Estados Unidos. Durante su juventud fue expulsada de la Universidad de California para formar parte del Partido Comunista, y poco después fue perseguida y encarcelada acusada injustamente de asesinato. La campaña por su liberación, que llegaría después de 16 meses en prisión, la convirtió a principios de los años setenta en una de las caras más conocidas del activismo político estadounidense. Sus contribuciones a la teoría feminista son esenciales para comprender los vínculos entre los ejes de opresión social del capitalismo, el racismo y el patriarcado.

En el dialogo El combate del presente (16 de octubre), el periodista y activista David Fernàndez y el filósofo Xavier Antich hablarán de la idea de revolución en el contexto político de los últimos años en Cataluña, desde la irrupción del 15M hasta la lucha por la independencia, y sobre las posibilidades transformadoras de este nuevo paisaje político. En 2011 apareció el 15M. Y en mayo de 2011 la Plaza de Catalunya estaba inundada por los jóvenes que protestaban contra los recortes. ¿Qué ocurre entre 2011 y 2012? Pues por decirlo de forma sumaria, que hay un desvío del  foco de atención, desde la Plaza de Catalunya con la agenda social del 15M, al Born, es decir, a la construcción identitaria de 1714. En Cataluña, la indignación del 15M ha sido desviada por la vía identitaria. Naturalmente hay otros elementos, pero la crisis económica ha sido fundamental para entender la circunvalación identitaria del malestar colectivo, que a la vez tiene una réplica, en parte populista, en la derecha española representada en el Gobierno actual.

Ivan Krastev (Lukovit, 1965) es politólogo y presidente del Centro de Estrategias Liberales de Sofia, Bulgaria, y miembro fundador del Consejo Europeo de Relaciones Exteriores. En la conferencia Migraciones: La revolución del S. XXI, hablará de las migraciones internacionales como movimiento revolucionario de este siglo. La movilidad humana crece como consecuencia del hambre, de la violencia, las guerras, de los desastres naturales y de los efectos expulsivos de la la economía. Sin embargo, las fronteras se cierran y los gobiernos encaran la crisis migratoria global como un problema de seguridad o de riesgo a la soberanía nacional. Las migraciones interpelan nuestras democracias que parecen no estar a la altura de los desafíos presentados. Los estados tienden a definir sus posturas y reacciones bajo una concepción de la migración como problema y fuente de inestabilidad política, económica y social. Las vergonzosas cifras de acogida de refugiados en Europa hablan por sí solas.

Se hacen llamar las ‘hijas de Reikiavik’ —eso es lo que significa su nombre— y son un colectivo hip hop femenino surgido para corregir la clamorosa ausencia de voces de mujer en la escena rap islandesa. Formadas en 2013 a raíz del éxito de una velada de micrófonos abiertos que convocaba a raperas, este colectivo de más de una docena de MC no lo ha tenido fácil para hacerse un hueco en una escena dominada por los hombres, quienes, afirman ellas, no recibieron con demasiada deportividad la competencia femenina. Pero este grupo de raperas tenían cosas por decir, y con sus versos han gritado consignas feministas, acercándose en sus letras a temas como la corrupción política, la cultura de la violación o el empoderamiento de la mujer. Aprovechando la visita en La Mercè y adelantándonos al concierto conversamos con las ‘hijas de Reikiavik’.

¿Cómo consiguieron hacerse un hueco en una escena poblada por hombres?

Cuando empezamos no había espacio para nosotras. No nos querían. Pero hemos acabado encontrando el espacio. Y ahora sólo formamos parte de la escena. Nos hicimos muy famosas en Islandia. Y todas éramos amateurs, por lo que era muy fácil criticarnos. Pero también fuimos pioneras, porque éramos las únicas mujeres de la escena islandesa de hip hop y aprovechamos que la escena comenzaba a crecer.

¿Consideran que su música es una forma de activismo?

En cierto modo lo es ineludiblemente. El solo hecho de ser quince mujeres cantando en el escenario es un tipo de activismo. Y de ahí partimos: de la necesidad de crear una voz para nosotras en la sociedad.

¿Por qué usan el rap?

Especialmente porque el género está completamente dominado por los hombres y ha sido conocido por ser degradante hacia las mujeres. Es básicamente punk. No sabíamos rapear, pero lo hicimos de todos modos y eso debe ser alguna forma de activismo.

¿Qué temas suelen abarcar sus canciones?

Todo, desde política hasta sexo anal. Hemos escrito muchas canciones diversas. Por nombrar algunos temas, escribimos una canción sobre violencia sexual llamada D.R.U.S.L.A (S.L.U.T.) o una canción sobre la corrupción islandesa llamada Blamm Blamm Blamm.

Muchos islandeses piensan que dan mal ejemplo a las chicas jóvenes.

No nos gusta que otros cieguen nuestra verdad como mujeres. No podíamos fumar cigarrillos en las fotos porque dábamos mal ejemplo a las jóvenes y todo eso. Y realmente, de verdad, sentimos la presión de ello por un tiempo. Nos preguntamos, ¿y si corrompemos todos los niños de Islandia? Pronto, nos dimos cuenta de que si queríamos dar ejemplo, tal vez las chicas jóvenes no necesitaban referentes. La buena educación empieza teniendo conductas sociales prohibidas por la sociedad.

Cantan en islandés ¿les preocupa que los extranjeros no entiendan su mensaje?

Realmente nos gusta que la gente no entienda lo que estamos diciendo. No porque lo que estamos haciendo no sea importante, o no es bueno, sino porque creemos que nuestra energía y nuestra manera de comportarnos en el escenario se traducen muy bien. El reconocimiento que hemos obtenido en el extranjero lo ha demostrado. No tienen que entender nuestro lenguaje para entender lo que estamos diciendo, confiamos plenamente en el público.

¿Han conseguido quitarse la etiqueta de banda feminista?

Es raro que la gente nos identifique como una banda feminista. No queremos ser una banda feminista, pero somos muchas mujeres, somos fuertes en un espacio dominado por hombres, hablamos de muchos temas. No nos gusta cuando el público y los medios de comunicación nos etiquetan como grupo feminista.

¿Cómo se convive en un colectivo tan amplio?

Nos caemos bien y tenemos el deseo común de que esto siga en curso. Creo que debido a cuántas somos podemos crear y hacer conciertos de una manera muy singular. Lo que también hace que sea fácil es que por lo general escribimos música en grupos más pequeños (solos, dúos, tríos) y luego ¡nos juntamos con un estallido! Si existe algo difícil por el tamaño del grupo tendría que ser el hecho de que crear listas de set y asegurarse de que todas puedan participar en la presentación llega a ser un reto.

¿Qué opinan sobre el estado actual de la escena musical de Islandia?

La escena musical en Islandia está muy viva y floreciente. El hip hop islandés es mucho más mainstream, ¡lo cual es genial! Lamentablemente aún parece que a las mujeres no se les da todo el apoyo, sobre todo en esa escena en particular, pero tenemos la esperanza de cambiar eso para siempre.

¿Y qué puede esperar la gente de un concierto de Reykjavíkurdætur?

Que no nos importa ofenderte y que no nos importa que nos ofendas.

Es fan dir les 'filles de Reykjavík' -això és el que significa el seu nom- i són un col·lectiu de hip hop femení sorgit per corregir la clamorosa absència de veus de dona en l'escena rap islandesa. Formades el 2013 arran de l'èxit d'una vetllada de micròfons oberts que convocava a raperes, aquest col·lectiu de més d'una dotzena de MC no ho ha tingut fàcil per fer-se un lloc en una escena dominada pels homes, els quals, afirmen elles, no van rebre amb massa esportivitat la competència femenina. Però aquest grup de raperes tenien coses per dir, i amb els seus versos han cridat consignes feministes, apropant-se en les seves lletres a temes com la corrupció política, la cultura de la violació o l'apoderament de la dona. Aprofitant la visita a La Mercè i avançant-nos al que promet ser un concert entretingut hem conversat amb les 'filles de Reykjavík'.

Com van aconseguir fer-se un lloc en una escena poblada per homes?

Quan vam començar no hi havia espai per a nosaltres. No ens volien. Però hem acabat trobant l'espai. I ara només formem part de l'escena. Ens vam fer molt famoses a Islàndia. I totes érem amateurs, per la qual cosa era molt fàcil criticar-nos. Però també vam ser pioneres, perquè érem les úniques dones de l'escena islandesa de hip hop i vam aprofitar que l’escena començava a créixer.

Consideren que la seva música és una forma d'activisme?

En certa manera ho és ineludiblement. El sol fet de ser quinze dones cantant a l'escenari és un tipus d'activisme. I d'aquí partim: de la necessitat de crear la nostra veu a la societat.

Per què fan servir el rap?

Especialment perquè el gènere està completament dominat pels homes i sol ser molt masclista. És bàsicament punk. No sabíem rapejar, però ho vam fer de totes maneres i això d’alguna manera és activisme.

Quins temes solen tractar les seves cançons?

Tot, des de política a sexe anal. Hem escrit cançons molt diverses. Per nomenar alguns temes, vam escriure una cançó sobre violència sexual anomenada DRUSLA (Slut) o una cançó sobre la corrupció islandesa anomenada Blamm Blamm Blamm.

Molts islandesos pensen que donen mal exemple a les noies joves.

No ens agrada que altres enceguin la nostra veritat com a dones. No podíem fumar cigarrets a les fotos perquè donàvem mal exemple a les joves. Ens van pressionar molt i ens preguntàvem, i si corrompem tots els nens d'Islàndia?. Aviat, vam adonar-nos que si volíem donar exemple, potser les noies joves no necessitaven referents. La bona educació comença amb conductes socials prohibides per la societat.

Canten en islandès. Els preocupa que els estrangers no entenguin el seu missatge?

Realment ens agrada que la gent no entengui el que estem dient. No perquè el que estem fent no sigui important, o no és bo, sinó perquè creiem que la nostra energia i la nostra manera de comportar-nos a l'escenari es tradueixen molt bé. El reconeixement que hem obtingut a l'estranger ho ha demostrat. Confiem plenament en el públic, no han d'entendre el nostre llenguatge per entendre el que estem dient.

Han aconseguit treure’s l'etiqueta de banda feminista?

És estrany que la gent ens identifiqui com una banda feminista. No volem ser una banda feminista, però som moltes dones, som fortes en un espai dominat per homes, parlem de molts temes. No ens agrada quan el públic i els mitjans de comunicació ens etiqueten com a grup feminista.

Com es conviu en un col·lectiu tan ampli?  

Ens caiem bé i desitgem que això continuï. Som moltes i podem crear i fer concerts d'una manera molt singular. El que també fa que sigui fàcil és que en general escrivim música en grups més reduïts (solos, duos, trios) i després ho donem tot quan ens ajuntem. Si hi ha alguna cosa difícil és crear el repertori i assegurar que totes hi puguem participar. És tot un repte!.

Què opinen sobre l'estat actual de l'escena musical d'Islàndia?

L'escena musical a Islàndia està molt viva. El hip hop islandès és molt més mainstream. Lamentablement encara sembla que a les dones no se'ls dóna tot el suport, sobretot en aquesta escena en particular, però tenim l'esperança de canviar això per sempre.

I què pot esperar la gent d'un concert de Reykjavíkurdætur?

Que no ens importa ofendre't i que no ens importa que ens ofenguis.

Es reafirma com “un home d'esquerres però sense adhesió a un partit polític en particular, i enemic de tot el que signifiqui l'exercici arbitrari i opressiu del poder”. Konstantinos Costa-Gavras (Loutra-Iraias, Grècia, 1933) es va consagrar a finals dels 60 com un dels mascarons de proa de l'anomenat “cinema polític”, al qual va aportar èxits com Z, una esgarrifosa sàtira sobre la dictadura dels coronels a Grècia.

Va guanyar l'Oscar amb Desaparegut, on denunciava la complicitat dels EUA al cop de Pinochet. Va aixecar polseguera amb La confessió per tractar les tortures de l'estalinisme i amb Amén, que assenyalava la connivència del Vaticà amb els nazis. Al llarg de la seva filmografia ha rodat una de les cròniques més afilades del segle XX i continua fent-ho com demostra la seva última pel·lícula, El Capital, on retrata els magnats de la crisi financera.

Aquest dimarts, el director va recollir al Palau de la Generalitat el XXIX Premi Internacional Catalunya per la seva mirada crítica sobre el món i el seu compromís social. Costa-Gavras mai ha deixat d'estar compromès amb el seu temps ni ha perdut les seves ganes de denunciar, d'activar les consciències i animar a l'acció. Per desgràcia, no cal acudir a les seves últimes pel·lícules per veure un cinema connectat, i molt, amb la realitat actual. Algunes coses no han canviat tot el que haurien...

Li incomoda que sempre defineixin les seves pel·lícules com polítiques?

Amb els anys m'he acostumat. Penso que és una cosa que jo no puc controlar i procuro respectar les opinions que fan de la meva feina. Però la meva opinió és més senzilla: els espectadors van al cinema per gaudir i passar una bona estona veient un espectacle. No crec que esperin rebre una lliçó política.  

El cinema és cada vegada més espectacle i menys tota la resta?

Abans podies comptar amb productors que es jugaven diners per fer pel·lícules que tinguessin un missatge important. Ara només importen els beneficis econòmics que una pel·lícula pugui donar. L'interès pels diners que buscava principalment Estats Units, a Europa sempre quedava l'esperança de fer pel·lícules per l'art. Però Europa cada vegada més està en la mateixa dinàmica.

Quina ha de ser la nostra responsabilitat com a espectadors?

El cinema ha de crear emocions i després el públic pot fer alguna cosa amb elles o no.

Si una paraula pogués definir el seu cinema seria “resistència”?

Jo sempre he procurat que les meves pel·lícules tractin els temes que interessen als éssers humans. Les meves pel·lícules parlen de la societat, dels problemes i alegries que vivim. I si després arriba la reflexió molt millor. El cinema és un instrument per transmetre emocions.

Com sorgeixen les seves pel·lícules?

Cadascuna de les meves pel·lícules han sorgit d'una passió encara que tots els films són polítics. Si fos de dretes el resultat seria diferent. Les pel·lícules es fan des del que un pensa.

Per què continua buscant històries per explicar sobre el que està passant a Europa?

L'economia va acabar amb el somni europeu. Els bancs i una dreta agressiva i extrema van arribar al poder i avui dirigeixen Europa avui. És terrible. Encara queden moltes històries per explicar.

Sent vostè grec de naixement, com veu la situació del seu país?

És tràgica, completament tràgica. Els dirigents polítics grecs, tant de dreta com d'esquerra, tenen molta responsabilitat, per descomptat, amb el que està passant. Però no s'està dient prou, o de manera prou forta, que països com Alemanya, França i Gran Bretanya van empènyer també a Grècia a aquesta crisi. Llavors, les responsabilitats, crec, són compartides, per la classe dirigent grega que va acceptar aquest camí, però també per les potències europees que van pensar únicament en els seus beneficis.

Les seves pel·lícules parlen de la realitat i de les dificultats socials, dels abusos de poder. Com veu la societat actual i les seves derives?

La societat té avui una nova religió que són els diners. Tal qual. No pensa més que en ells i en com aconseguir més coses. Cada vegada pensem menys en els altres. Estem en una societat en què hi ha cada vegada més rics i cada vegada més pobres.

Podem acceptar que això segueixi així?

Jo crec que no podem i menys acceptar situacions que vulneren sistemàticament els Drets Humans.  

Com ara la situació dels refugiats?  

Entenc que vulguin accedir a Europa, hi ha més qualitat de vida. La nostra societat hauria d'acceptar a aquesta gent perquè té una força formidable. Aquesta energia podria ajudar-nos molt.

Com pot contribuir el cinema a la comprensió d'aquesta realitat?

Això és responsabilitat dels dirigents. Jo, per exemple, em limito a fer comprendre a l'espectador que aquests refugiats són persones i no poden ser tractats com a animals.

Se reafirma como “un hombre de izquierdas pero sin adhesión a un partido político en particular” y “enemigo de todo lo que signifique el ejercicio arbitrario y opresivo del poder”. Konstantinos Costa-Gavras (Loutra-Iraias, Grecia, 1933) se consagró a finales de los 60 como uno de los mascarones de proa del por entonces muy en boga 'cine político', al que aportó éxitos como Z, una escalofriante sátira sobre la dictadura de los coroneles en Grecia.

Ganó el Oscar con Desaparecido, donde denunciaba la complicidad de EEUU en el golpe de Pinochet. Levantó ampollas con La confesión por tratar las torturas del estalinismo y con Amén, que señalaba la connivencia del Vaticano con los nazis. A lo largo de su filmografía ha rodado una de las crónicas más afiladas del siglo XX y sigue haciéndolo como demuestra su última película, El Capital, donde retrata a los magnates de la crisis financiera.

Este martes, el director recogió en el Palau de la Generalitat el XXIX Premio Internacional Catalunya por su mirada crítica sobre el mundo y su compromiso social. Costa-Gavras jamás ha dejado de estar comprometido con su tiempo ni ha perdido sus ganas de denunciar, de activar las conciencias y animar a la acción. Por desgracia, no hace falta acudir a sus últimas películas para ver un cine conectado, y mucho, con la realidad actual. Algunas cosas no han cambiado todo lo que deberían…

¿Le incomoda que siempre definan sus películas como políticas?

Con los años me he acostumbrado. Pienso que es algo que yo no puedo controlar y procuro respetar las opiniones que hacen de mi trabajo. Pero mi opinión es más sencilla: los espectadores van al cine para disfrutar y pasar un buen rato viendo un espectáculo. No creo que esperen recibir una lección política.

¿El cine es cada vez más espectáculo y menos todo lo demás?

Antes podías contar con productores que se jugaban su dinero para hacer películas que tuvieran un mensaje importante. Ahora sólo importan los beneficios económicos que una película pueda dar. El interés por el dinero lo buscaba principalmente Estados Unidos, en Europa siempre quedaba la esperanza de hacer películas por el arte. Pero Europa cada vez más está en la misma dinámica.

¿Cuál debe ser nuestra responsabilidad como espectadores?

El cine debe crear emociones y después el público puede hacer algo con ellas o no.

¿Si una palabra pudiera definir el cine de Costa-Gavras sería “resistencia”?

Yo siempre he procurado que mis películas traten los temas que le interesan a los seres humanos. Mis películas hablan de la sociedad, de los problemas y alegrías que vivimos. Y si luego llega la reflexión mucho mejor. El cine es un instrumento para transmitir emociones.

¿Cómo surgen sus películas?

Cada una de mis películas han surgido de una pasión aunque todos los filmes son políticos. Si fuese de derechas el resultado sería diferente. Las películas se hacen desde lo que uno piensa.

¿Por qué sigue buscando historias para contar sobre lo que está ocurriendo en Europa?

La economía acabó con el sueño europeo. Los bancos y una derecha agresiva y extrema llegaron al poder y hoy dirigen Europa. Es terrible. Todavía quedan muchas historias que contar.

Siendo usted griego de nacimiento, ¿cómo ve la situación de su país?

Es trágica, completamente trágica. Los dirigentes políticos griegos, tanto de derecha como de izquierda, tienen mucha responsabilidad, por supuesto, con lo que está pasando. Pero no se está diciendo lo suficiente, o de manera lo suficientemente fuerte, que países como Alemania, Francia y Gran Bretaña empujaron también a Grecia a esta crisis. Las responsabilidades, creo, son compartidas, por la clase dirigente griega que aceptó este camino, pero también por las potencias europeas que pensaron únicamente en sus beneficios.

Sus películas hablan de la realidad y de las dificultades sociales, de los abusos de poder. ¿Cómo ve la sociedad actual y sus derivas?

La sociedad tiene hoy una nueva religión que es el dinero. Tal cual. No se piensa más que en el dinero y en cómo conseguir más cosas. Cada vez pensamos menos en los demás. Estamos en una sociedad en la que hay cada vez más ricos y cada vez más pobres.

¿Podemos aceptar que esto siga así?

Yo creo que no podemos y menos aceptar situaciones que vulneran sistemáticamente los Derechos Humanos.

¿La situación de los refugiados?

Entiendo que quieran acceder a Europa, hay más calidad de vida. Nuestra sociedad debería aceptar a esa gente porque tiene una fuerza formidable. Esa energía podría ayudarnos mucho.

¿Cómo puede contribuir el cine a la comprensión de esta realidad?

Eso es responsabilidad de los dirigentes. Yo me limito a hacer comprender al espectador que esos inmigrantes son personas y no pueden ser tratados como animales.

Los expertos han utilizado a menudo la arqueoacústica para estudiar el papel de los sonidos en el comportamiento humano. Que las cuevas presentan cualidades sonoras especiales para las que fueron específicamente diseñadas y usadas es sabido. También que las Coves del Salnitre, en Collbató, poseen cualidades acústicas especiales, entre ellas, que el campo de presión sonora en su interior no es excesivamente reverberante y la inteligibilidad es significativamente mayor que en otros recintos de este tipo. Albert Blancafort, luthier y organero, hijo de luthiers y nieto de compositores, lo tuvo muy claro cuando hace doce años creó esta propuesta inédita. La elección del emplazamiento para celebrar el Gong no fue casual, ya que teniendo el taller en Collbató, la cueva, no sólo permitía entrar y hacer música en su interior, sino era el lugar adecuado a nivel acústico para mostrar las creaciones de luthiers de todo el mundo. Hoy en día, hay tanta oferta de festivales, sobre todo ahora en verano, que el Festival Gong ofrece algo totalmente diferente, tanto en cuanto a contenido como en cuanto a continente. Cuenta con dos escenarios: uno exterior y uno interior, sin ningún tipo de amplificación artificial. “Gong ofrece una experiencia casi sensorial. Ir hasta Montserrat, subir a pie hasta la cueva, una temperatura de diecinueve grados, donde se está muy bien, con aforo limitado. Todo ello hace que se llegue con una nueva predisposición, muy diferente de la que se tiene cuando se llega a cualquier festival”, asegura Blancafort.

La edición de este año ha buscado hacer protagonistas a los asistentes con las actividades de día agrupadas al Inspira y que tendrán como temática principal la musicoterapia. “Hemos organizado cuatro talleres con destacados especialistas: canto, cantos armónicos, cantos de mantras y el sonido de la cábala. Además, los talleres se complementarán con una comida-taller donde se cocinará un arroz hecho con energía solar y un concierto exclusivo por la tarde en la Ermita de la Salut”, destaca. Como platos fuertes de esta edición, el interior de las cuevas acogerán el concierto del reputado multi-instrumentista de origen chileno Nello Chiuminatto (sábado 22, 21h) que tocará 17 instrumentos desconocidos provenientes de los cinco continentes, y el hipnótico espectáculo de danza sufí La danza del infinito (domingo 23, 21h) donde los derviches bailarán sin parar simulando el movimiento del Universo con la música del gran intérprete afgano Ustad Daud Khan Sadozai. Después de los conciertos principales, la terraza del Gong acogerá dos espectáculos con el concierto del sábado del cantautor Ferran Savall, con un repertorio de improvisaciones jazzísticas y de músicas del mundo, y del domingo a cargo de Carme Nalini, considerada la mejor cantante de mantras del país. La programación del festival se complementará con una conferencia sobre el pueblo sirio a cargo del economista y activista Arcadi Oliveres (sábado 22) y una segunda de Wadud Sabaté (domingo 23), especialista en la danza sufí de los derviches.

Els experts han utilitzat sovint la arqueoacústica per estudiar el paper dels sons en el comportament humà. Que les coves presenten qualitats sonores especials per a les quals van ser específicament dissenyades i usades no sabut. També que Les Coves del Salnitre, a Collbató, posseeixen qualitats acústiques especials, entre elles, que el camp de pressió sonora en el seu interior no és excessivament reverberant i la intel·ligibilitat és significativament més gran que en altres recintes d'aquest tipus. Albert Blancafort, luthier i orguener, fill de luthiers i nét de compositors, ho va tenir molt clar quan fa dotze anys va crear aquesta proposta inèdita. L’elecció de l’emplaçament per celebrar-hi el Gong no fou casual, ja que tenint el taller a Collbató, la cova, no només permetia entrar-hi i fer música en el seu interior, sinó era el lloc adequat a nivell acústic per mostrar les creacions de luthiers d’arreu del món. A dia d’avui, que hi ha tanta oferta de festivals, sobretot ara a l’estiu, el Festival Gong ofereix una cosa totalment diferent, tant pel que fa a contingut com pel que fa a continent. Compta amb dos escenaris: un d’exterior i un d’interior, sense cap tipus d’amplificació artificial. “El Gong Festival ofereix una experiència gairebé sensorial. Anar fins a Montserrat, pujar a peu fins a la cova, una temperatura de dinou graus,  on s’està molt bé, amb aforament limitat. Tot plegat fa que s’hi arribi amb una nova predisposició, molt diferent de la que es té quan s’arriba a qualsevol festival”, assegura Blancafort.

L’edició d’enguany ha buscat fer protagonistes els assistents amb les activitats de dia agrupades a l’Inspira i que tindran com a temàtica principal la musicoteràpia. “En total hem organitzat quatre tallers amb destacats especialistes: cant, cants harmònics, cants de mantres i el so de la càbala. A més, els tallers es complementaran amb un dinar-taller on es cuinarà un arròs fet amb energia solar i un concert exclusiu a la tarda a l’Ermita de la Salut”, destaca. Com a plats forts d’aquesta edició, l’interior de les coves acolliràn el concert del reputat multi-instrumentista d’origen xilè Nello Chiuminatto (dissabte 22, 21h) que tocarà 17 instruments desconeguts provinents dels cinc continents, i l’hipnòtic espectacle de dansa sufí La dansa de l’infinit (diumenge 23, 21h) en que els dervixos ballaran sense parar tot simulant el moviment de l’Univers amb la música del gran intèrpret afganès Ustad Daud Khan Sadozai. Després dels concerts principals, la terrassa del Gong acollirà dos espectacles amb el concert de dissabte del cantautor Ferran Savall, amb un repertori d’improvisacions jazzístiques i de músiques del món, i del de diumenge a càrrec de Carme Nalini, considerada la millor cantant de mantres del país. La programació del festival es complementarà amb una conferència sobre el poble sirià a càrrec de l’economista i activista Arcadi Oliveres (dissabte 22) i una segona de Wadud Sabaté (diumenge 23), especialista en la dansa sufí dels dervixos.

Es conocido por su acidez y rapidez verbal, que aprovecha en todos los ámbitos de actuación que le permite la vida. Escribe libros, ha sido guionista y, además, ahora vuelve a tener un grupo de música. Poca gente conocía el pasado musical de Jair Domínguez, que con su primer grupo, Poder Roig, llegó a telonear Sopa de Cabra.

El presente, sin embargo, tiene forma de disco homónimo editado por Halley Records, con diez canciones pop, con títulos fácilmente identificables con el universo particular y el espíritu irreverente del autor, como La dona d'en Freezer, La furgoneta de l´Oleguer, Balleu, fills de punta, Foc al tribunal, o la no menos provocadora M'agrada lo blanc. Jair Domínguez es autor de las novelas Hawaii Meteor, Segui vora el foc i Perímetre.

También los ensayos 99 coses que hem d'aniquilar si volem ser independents y 99 personatges que has de conèixer per entendre el món. Si hay una cosa cierta es que no deja a nadie indiferente, tampoco a la Audiencia Nacional que lo investigó por un supuesto delito contra la Corona en el último capítulo del programa Bestiari il·lustrat, cuando en una entrevista simulaba disparar a una caricatura del rey Juan Carlos. Conversamos con este profesor de historia frustrado, compositor, letrista, cantante y guitarra de Caritat Humana. Y, sin lugar a dudas, el único ser humano del mundo mundial suficientemente loco como para encontrar tiempo para dedicarse a todo ello.

¿La cuestión musical viene de lejos. De un silencio antiguo y muy largo?

Debuté musicalmente en 1996 con Poder Roig. Si hubiera triunfado ahora haría la gira del veinticinco aniversario. En cambio, apenas ahora empieza mi carrera en solitario, poco a poco, y si es posible, con buena letra.

¿De dónde proviene esta vertiente musical que muchos desconocíamos?

He tenido mucha suerte en este sentido porque en casa siempre ha habido música de todo tipo y ningún género en concreto. Mi padre tenía muchos vinilos de todos los géneros posibles. Me ha sido muy útil para tocar y componer.

El disco contiene diez canciones pop, con títulos fácilmente identificables con su universo particular. Lo único que no parece irreverente es la música.

El disco es una amalgama, la intención era hacer lo que nos gustaba; guitarras, rock y melodías sencillas. Se trata de poder cantar y que las canciones se puedan escuchar, sin complejos.

¿Este formato melódico le ha permitido poder decir lo que no puede decir en la radio o la televisión sin que le censuren?

Es el mejor vehículo para expresarte, nada te liga con el director y la empresa. Es lo que ha sido siempre conceptualmente el rock, ir contra corriente, tener libertad absoluta. Esta libertad musical me ha permitido expresar lo que me daba la gana, tal cual, sin ofender.

¿Qué le han hecho las ‘tietes’ y madrinas catalanas que las quiera hacer desaparecer?

Hace muchos años que tengo un problema con el 'tietisme' de la cultura catalana. Su presencia en los medios, en el teatro, en fiestas de pueblo... Todo, desgraciadamente, estar encaminado a contentar a las madrinas. ¡Vivimos en un país de tías! Si desaparecieran todas Catalunya sería muy diferente.

¿Quizás menos provinciano?

Es patrimonio exclusivo de los catalanes; el provincianismo ha marcado y sigue marcando nuestra sociedad. Todavía hoy seguimos anquilosados en este pasado de tías y madrinas.

¿Por qué gusta tanto 'el blanco' a políticos y banqueros?

Son gente estresada y necesitan blanco, Vitamina C, para poder salir adelante. Siempre que me he movido en ambientes políticos y financieros he visto gente consumida por las drogas. Vivimos en una sociedad controlada por yonquis: adictos al poder, al trabajo y, obviamente, a la droga.

A menudo es objetivo de la caverna mediática. ¿Es más una campaña de presión o represión?

La presión es consecuencia de la represión. Estamos asistiendo a campañas de represión sólo por el hecho de escribir un simple tweet. Esto genera que muchos tuiteros asusten. Vivimos un momento crítico, pronto será delito todo lo que digas por la calle. Lo he experimentado en mi propia piel pero no ha servido para reprimirme.

¿Dónde empieza y acaba el 'perímetro' de la provocación para Jair Domínguez?

El límite de la polémica, la provocación, es la prisión. La justicia mediocre nos debilita cuando realmente lo que debería debilitarnos es nuestro sentido común.

Dice que su intención nunca ha sido crispar, sino hacer reflexionar un poco. ¿No suena pretencioso?

Los lectores, el público, en general, son más críticos de lo que pensamos. Los mensajes provocativos son necesarios para llegar hasta el tuétano. Cualquier provocación que se lea como es debido permite descubrir muchas cosas.

¿Qué le gustaría hacer “por caridad humana”?

Cualquier causa justa, el concepto “caridad humana” me cuesta mucho entender. Para mí va asociado a personas terroríficas como Joan Gaspar, él usó esta expresión, para quien no movería ni un solo dedo.

¿Qué hará el próximo 1 de octubre?

Lo que me digan los políticos que voté y lo que me dejen hacer los que no voté.

És conegut per la seva acidesa i rapidesa verbal, que aprofita en tots els àmbits d’actuació que li permet la vida. Escriu llibres, ha estat guionista i, a més, ara torna a tenir un grup de música. Poca gent coneixia el passat musical de Jair Domínguez, que amb el seu primer grup, Poder roig, va arribar a talonejar Sopa de Cabra.

El present, però, té forma del disc homònim editat per Halley Records, amb deu cançons pop, amb títols fàcilment identificables amb l'univers particular i l'esperit irreverent de l'autor, com La dona d'en Freezer, La furgoneta de l'Oleguer, Balleu, fills de punta, Foc al tribunal, o la no menys provocadora M'agrada lo blanc.

Domínguez és autor de les novel·les Hawaii Meteor, Segui vora el foc i Perímetre. També dels assajos 99 coses que hem d'aniquilar si volem ser independents i 99 personatges que has de conèixer per entendre el món. Si hi ha una cosa certa és que no deixa mai ningú indiferent, tampoc a l'Audiència Nacional que el va investigar per un suposat delicte contra la Corona a l'últim capítol del programa Bestiari il·lustrat, quan en una entrevista simulava disparar a una caricatura del rei Joan Carles. Professor d’història frustrat, compositor, lletrista, cantant i guitarra de Caritat Humana. I, sense cap mena de dubte, l'únic ser humà del món mundial suficientment boig com per trobar temps per dedicar a tot plegat.

La qüestió musical ve de lluny. D’un silenci antic i molt llarg?

Vaig debutar musicalment l'any 1996 amb Poder Roig. Si haguessin triomfat ara faria la gira del vint i cinquè aniversari. En canvi, tot just ara comença la meva carrera en solitari, a poc a poc, i si és possible, i amb bona lletra.    

D’on prové aquesta vessant musical que molts desconeixíem?

He tingut molta sort en aquest sentit perquè a casa sempre hi ha hagut música de tot tipus i cap gènere en concret. El meu pare tenia molts vinils de tots els generes possibles. M’ha sigut molt útil per tocar i composar.

El disc conté deu cançons pop, amb títols fàcilment identificables amb el seu univers particular. L’únic que no sembla irreverent és la música...

El disc és una amalgama, la intenció era fer el que ens agradava; guitarres, rock i melodies senzilles. Es tracta de poder cantar i que les cançons es puguin escoltar, sense complexes.   

Aquest format melòdic li ha permès poder dir el que no pot dir a la ràdio o a la televisió sense que li censurin?

És el millor vehicle per expressar-te, res et lliga amb el director i l’empresa. És el que ha estat sempre conceptualment el rock, anar contra corrent, tenir llibertat absoluta. Aquesta llibertat musical m’ha permès expressar el que em donava la gana, tal com raja, sense ofendre.  

Què li han fet les iaies i les padrines catalanes que les vulgui fer desaparèixer?

Fa molts anys que tinc un problema amb el ‘tietisme’ que impera la cultura catalana. La seva presència als mitjans, al teatre, a festes de poble… Tot, malauradament, estar encaminat a acontentar les padrines. Vivim en un país de tietes! Si desapareguessin totes les padrines de Catalunya el país seria molt diferent.

Potser menys provincià?

És patrimoni exclusiu dels catalans; el provincianisme ha marcat i continua marcant la nostra societat. Encara avui seguim anquilosats en aquest passat de padrines.

Per què agrada tant ‘lo blanc’ a polítics i banquers?

Són gent estressada i necessiten blanc, Vitamina C, per poder tirar endavant. Sempre que m’he mogut en ambients polítics i financers he vist gent consumida per les drogues. Vivim en una societat controlada per ionquis: addictes al poder, a la feina i, òbviament, a la droga.

Sovint ha estat objectiu de la caverna mediàtica. És més una campanya de pressió o repressió?

La pressió és conseqüència de la repressió. Estem assistint a campanyes de repressió només pel fet d’escriure un simple tweet. Això genera que molts tuitaires s’espantin. Vivim un moment crític, aviat serà delicte tot el que diguis pel carrer. Ho he experimentat en la meva pròpia pell però no ha servit per reprimir-me.  

On comença i acaba el ‘perímetre’ de la provocació per Jair Domínguez?

El límit de la polèmica, la provocació, és la presó. La justícia mediocre ens debilita quan realment el que hauria de debilitar-nos és el nostre sentit comú.

Diu que la seva intenció mai no ha sigut crispar, sinó fer reflexionar una mica. No sona pretensiós?

Els lectors, el públic, en general, són més crítics del que pensem. Els missatges provocatius són necessaris per arribar fins al moll de l’os. Qualsevol provocació que es llegeixi com cal permet descobrir moltes coses.       

Què li agradaria fer “per caritat humana”?

Qualsevol causa justa. El concepte “caritat humana” em costa molt d’entendre. Per mi va associat a persones terrorífiques com Joan Gaspar, ell va fer servir aquesta expressió, per qui no mouria ni un sol dit.   

Què farà l’1 d’octubre?

El que em diguin els polítics que vaig votar i el que em deixin fer els que no vaig votar.