Sorprende comprobar que sólo asistieron al estreno de Traffic light poco más de cuatro millones y medio de espectadores. La sitcom, adaptación de la israelí Ramzor, es la nueva apuesta cómica de FOX para la noche de los martes.

La serie está protagonizada por Mike (David Denman), Adam (Nelson Franklin) e Ethan (Kris Marshall) tres antiguos compañeros de universidad que se han mantenido unidos a pesar de todo y que han llegado a la madurez para afrontar juntos los cambios que les esperan en esta etapa. Mike es ya padre de familia y Adam acaba de mudarse a vivir con su novia. Ethan, en cambio, utiliza su acento británico para seguir viajando de flor en flor.

Traffic light es una serie sencilla pero divertida sobre la amistad, la madurez, los compromisos y la vida en pareja que, probablemente, y a no ser que los datos de audiencia sigan la estela de los del pioto, veremos en nuestras pantallas más pronto que tarde.

En esencia, y citando las líneas en que Adam resume lo que nos depara Traffic light al tiempo que justifica el título de la serie, en una autopista sabes exactamente lo que te vas a encontrar. Solo es una línea recta. Pero en una calle con semáforos, la historia es diferente. A veces la luz del semáforo está de color verde: tienes vía libre y te preguntas qué habrá ahí fuera para ti. Otras veces la luz es amarilla: bajas la velocidad, te sientes seguro, y piensas que estás en un lugar en el que quizás te gustaría parar. Y otras veces la luz es roja: te tomas un momento y te das cuenta de que estás muy bien y que, de hecho, es el lugar exacto en el que debes estar.

El protagonista de The Chicago Code, Jarek Wysocki (Jason Clarke) es un detective de la ciudad del viento cuya antigua compañera, Teresa Colvin (Jennifer Beals) ha sido ascendida a jefa de la policía de Chicago. Juntos, y por lo que de momento sabemos, emprenderán una larga investigación para derruir el muro de corrupción levantado por el magnate de la construcción metido a político Alderman Ronin Gibbons (Delroy Lindo).

El factor decisivo a la hora de distanciar The Chicago Code de las otras series del género presentes en las parrillas de las grandes cadenas es el hecho de que ésta haya apostado por el formato de trama continuada. La línea narrativa resumida más arriba no es la del piloto sino, probablemente, la de toda la primera temporada. No obstante, esta decisión corre el peligro de convertirse en un arma de doble filo. Por un lado, resulta loable que una cadena como FOX se atreva con una serie de este género asociada a este formato, pero por el otro, el hecho de sumar elementos como la policía, la marginalidad o la corrupcción, deja la serie demasiado expuesta a una comparación que probablemente nadie podrá resistir jamás: la sombra de The Wire (HBO) es y siempre será demasiado alargada.

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Chris Elliott, humorista con un largo currículum que, entre otras cosas, incluye varios años como guionista de David Letterman, he estrenado esta pasada noche, como protagonista, Eagleheart, una breve comedia (los capítulos duran menos de doce minutos) para Adult swim, canal filial de Cartoon networks.

Para adaptarnos al estilo que imprime la poca duración del show, resumiré la serie diciendo que es una versión corta, violenta y divertida de Walker, texas ranger. Chris Monsanto (Chris Elliott) es un Marshall que ha perdido ya a decenas de compañeros a manos de Vargas, un narcotraficante al que finalmente mandará al hospital golpeándole con los restos del cuerpo del último compañero fallecido, esta vez, engullido por las hélices de la avioneta del propio Vargas. Cuando Monsanto descubre que los daños sufridos por Vargas en el cerebro le han anclado en su más tierna infancia, decide ayudarle a emprender el camino de recuperación que le lleve a su anterior formato para poder entonces llevar a cabo su venganza asesinando a su antagonista.

En esta retorcida historia, contada, insisto, en poco más de diez minutos, hay básicamente, y como decía antes, dos elementos que vehiculan el piloto: el humor, que emana de la evidente parodia que Elliott hace de Chuck Norris y su extravagante estilo, y la violencia, consecuencia de la propia parodia, y que provoca, no solo que al final del episodio haya más cadáveres de los que hayamos podido contar sino que funcione, narrativamente, la paradoja que supone el hecho de que en una serie de humor veamos morir a alguien cada treinta segundos.



En Portlandia puede que no entendamos qué pasa, quienes son aquellos a los que les ocurre o por qué. Sin embargo, hay dos “W” que quedan claras desde el principio. Por un lado el donde: Portland, Oregon, donde Armisen pasó un inspirador verano con la co-creadora de la serie, Carrie Brownstein. Por el otro, el cuando: los 90, la época de los piercings, los tatuajes, los diábolos, los cd’s, las ganas de salvar el planeta, levantarse a las once, formar bandas de rock, ser freak o estudiar para payaso.

La extrañamente divertida trama del piloto de Portlandia se mueve entre lo absurdo y lo delirante. Los dos (presuntos) protagonistas, interpretados por Armisen y Brownsein, viajan juntos a Portland, ese lugar anclado en la época pre Bush. Allí interpretan varios papeles: desde miembros de un equipo de escondite que participa en un absurdo torneo bibliotecario hasta radicales medioambientalistas, que, en un restaurante, y tras seleccionar el pollo en la carta, exigen conocer toda la información sobre Collin (así se llama el animal): alimentación, condiciones de vida, de transporte e incluso la foto del sujeto en vida. No contentos con ello, ambos se dirigen a examinar la granja de Collin, en la que serán hipnotizados por una especie de secta mormónica.

Una desesperante escena protagonizada por el recientemente galardonado con el Globo de oro Steve Buscemi completa este primer episodio de 22 minutos que, más que un defecto, encuentra en su delirio una hilarante y atrayente ventaja: la del difícil objetivo de conseguir que nos riamos sin saber muy bien por qué.

Mientras aquí en España se debate estos días retrasar la edad de jubilación hasta los 67, TV Land, el canal de cable propiedad de MTV que se ha hecho famoso gracias al éxito de Hot in Cleveland,Hot in Cleveland ha estrenado esta semana una sitcom cuya propuesta reduce esa cifra a prácticamente la mitad: Retired at 35. David Robbins (Jonathan McLain) es un neoyorquino que decide viajar a Florida para pasar unos días con sus padres, ambos jubilados. Una vez allí, y tras darse cuenta de que le resulta imposible desconectar de la Blackberry que le mantiene atado a la oficina, decide cortar por lo sano, dimitir del trabajo, y retirarse a los 35 para dedicarse, como sus padres, a vivir la vida.

En la escasa media hora que dura el piloto de Retired at 35, y viendo un poco más allá de los chistes sobre el sexo en la tercera edad o del efectivo personaje del novio gay de la hermana de David, la serie nos habla del matrimonio, de la vuelta a los orígenes y de la diferencia de actitud vital entre los que viven en las grandes ciudades y los que no.

En definitiva, Retired at 35, seguida en su estreno por dos millones de espectadores, es una sencilla y graciosa (no me atrevería a decir divertida) sitcom que tiene como principal defecto el hecho de que quizás se parezca demasiado a $h*! My Dad Says (CBS) (de la que ya hablamos en este blog), que ya le saca unos cuantos meses de ventaja y que multiplica por cinco sus datos de audiencia.

Con Kathy Bates a la cabeza, Harry’s law cuenta la historia de una exitosa abogada cuya carrera profesional parece estar acabada al ser despedida de su bufete. Tras dos aparatosos accidentes consecutivos, de los cuales, entre otras cosas, sacará algunos de los personajes secundarios de la serie, Harry termina abriendo un negocio mitad bufete de abogados mitad zapatería en uno de los peores barrios de la ciudad.

Aunque resulte poco creíble, a las horas de abrir su nuevo negocio, Harry se enfrenta a su primer juicio, elemento que supone, seguramente, la forma más efectiva de comenzar a definir su personalidad. A parte del debate racial, que dadas las circunstancias estará presente a lo largo de toda la serie, este primer caso sirve para debatir abiertamente sobre los beneficios y las desventajas de legalizar las drogas.

Pero Harry’s law trata, sobretodo, de las segundas oportunidades. Las que da la vida, las que da el trabajo, las que dan las personas cuando confían en otras y, sobretodo, las que nos podemos dar a nosotros mismos. Y para hacerlo, la serie tiene varias armas, y es que aunque Kathy Bates es ya argumento suficiente para garantizar el nivel de aquí en adelante, el perfectamente reconocible sello de David E. Kelly es el elemento que puede dar estabilidad a un producto que probablemente veremos pronto en nuestras pantallas, ya sea por el recorrido que ya tuvieron sus predecesoras o por los 11 millones de espectadores que siguieron la premiere del lunes.

Los dos, amigos y compañeros de trabajo en un hospital de Boston llevan bastante mal su condición de “monstruos” con lo que, viendo las dificultades que les genera su convivencia con el mundo mortal, deciden irse a vivir juntos para crear un espacio donde poder desarrollar libremente sus facultades.

El grupo se amplía cuando, alquilada la nueva casa, descubren que en ella mora el fantasma de una simpática chica muerta allí mismo unos meses antes.

A partir de este planteamiento, que bien podría responder al de un chiste o una sitcom, Being human nos traslada al mundo de unos monstruos que no quieren serlo y que quizás tengan menos en común con sus semejantes que con sus potenciales víctimas.

Como reza el título, la serie pivota alrededor del deseo que tienen los personajes de ser simples y ordinarios humanos.

En definitiva, Being human es una historia sobre las desventajas de ser extraordinario, sobre los conflictos sociales que conlleva el hecho de ser diferente, y es que algunas de las decisiones que, como vampiro u hombre lobo, deben tomar los protagonistas, son perfectamente trasladables a cualquier aspecto vital de los que somos simples mortales.

Off the map cuenta la historia de un grupo de médicos norteamericanos cuyas múltiples y variadas circunstancias han llevado a “la ciudad de las estrellas”, un poblado situado, como se dice nada más comenzar el piloto, “en algún lugar de Ámerica del sur”, un recurso que, por cierto, no responde a otro objetivo que el de evitar merecidos reproches geográfico-culturales de todo tipo.

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Ben Keeton (Martin Henderson) es el fundador de la Clínica Cruz del Sur, el centro médico al que acaba de llegar la novata Lily Brenner (Caroline Dhavernas) tras terminar su etapa como residente. Viendo el piloto, uno puede imaginarse el desarrollo de la primera temporada: Lily y Ben se enamorarán y empezarán una relación que, tras unos capítulos, sucumbirá ante la presión de Ryan (Rachelle Lefevre) ex pareja de Ben recientemente reincorporada para recuperar a su chico. Lilly encontrará refugio en sus amigos Tommy (Zach Gilford) y Mina (Mamie Gummer) mientras Ben recibe consejos de su compañero Otis (Jason George). Todo ello amenizado con casos médicos de dudoso rigor científico.

Les suena? Efectivamente, resulta prácticamente insultante ir dándose cuenta, a medida que avanza el capítulo, de que los personajes y las tramas son calcados a los de Grey’s anatomy. Se trata de un remake en toda regla cuyo único objetivo es el de coger el relevo cuando la segunda desaparezca. No es la primera vez que ABC intenta algo así este año. Flashforward tenía que llenar el vacío de Lost y no hace falta recordar como terminó el invento.

En definitiva, y a parte de poner de manifiesto que Off the map puede darnos, a lo largo de la que seguramente será su única temporada, involuntarios e hilarantes gags idiomáticos (en el piloto hay varios ejemplos de situaciones absurdas e incluso ofensivas para cualquiera que comprenda nuestro idioma), poca cosa se puede decir más allá del hecho de que se trata de una serie diseñada (con toda la carga machista que ello conlleva) para mujeres y que gustará en la medida en que sus seguidores acepten (consciente o inconscientemente) el hecho de que no aporta absolutamente nada nuevo respecto a su hermana mayor.

Además del tormento que le genera la duda sobre el legado que habrá dejado, Lights debe convivir ahora con la decisión de dejar el boxeo. Una decisión que no solo no tomó él (fue su mujer quien le hizo escoger) sino que -como cualquier deportista de élite en el ocaso de su carrera- le ha hecho cambiar radicalmente de vida hasta el punto de no saber qué papel debe jugar.

A esta situación hay que sumar el hecho de que Lights está prácticamente arruinado. Nadie, excepto su hermano y representante, conoce su situación económica, la cual le lleva a desempeñar trabajos que van desde anunciar las bolas en un bingo hasta actuar de cobrador matón a cambio de un porcentaje.

Lights ha tenido, a lo largo de su vida, dos llaves de entrada: la fama y los puños. La primera empieza a convertirse en algo residual y anecdótico consecuencia de un mundo necesitado de la renovación constante de héroes. Lo segundo, la violencia, convenientemente aparcada desde su retirada, empieza a aflorar como respuesta a la frustración que le causan los otros aspectos de su vida.

No obstante, y a pesar de una enfermedad latente, consecuencia de los miles de golpes en la cabeza recibidos durante su etapa en activo, Lights no ha tocado fondo, ni personal ni económicamente. Ese es, quizás, el punto flaco de una historia con la que resultaría más fácil empatizar si el personaje principal tuviera a su disposición menos vías de escape. Siendo simplistas, Lights out podría interpretarse no como la historia de alguien a quien la vida le ha jugado malas pasadas, sino como la situación de un millonario que no ha sabido administrar su fortuna. Y eso juega en contra de la serie. En pocas palabras, y reconociendo el camino que le queda por delante en los doce capítulos que quedan, Lights out no soporta las comparaciones con la épica de Rocky o con la superación personal de The Wresler (Darren Aronofsky, 2009).

Shameless cuenta la historia de una familia monoparental cuyo alcohólico padre, Frank Gallagher (William H. Macy), abandonó sus responsabilidades como cabeza de familia hace ya demasiado tiempo. El papel es asumido por la mayor de los seis hermanos, Fiona (Emmy Rossum, Mystic River) que, con los pocos recursos de los que dispone la familia, deberá sacar adelante el día a día de la casa.

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El hecho de que Fiona conozca en el piloto a Steve (Justin Chatwin), un chico adinerado con quién generará los típicos conflictos entre clases, serviría normalmente para explorar, por ejemplo, el sentimiento de vergüenza respecto a una familia desastrosa, pero como el propio título indica, los Gallagher están orgullosos de ser lo que son.

Es por eso que Shameless trata, en esencia, sobre las relaciones familiares, aunque la variedad de edades entre los hermanos permite abordar preocupaciones correspondientes a diferentes etapas vitales: el sexo, la adolescencia, el compromiso o la homosexualidad se exploran en esta serie que, a pesar de su premisa inicial, pertenece al género cómico.

Con Episodes y Shameless, que se suman a Weeds y Californication, Showtime incrementa su nómina de comedias con la que no solo sigue generando una identificable imagen de marca, sino que se posiciona ante su hermana mayor, HBO, que sigue apostando por el drama de culto.

Resulta especialmente interesante que Episodes (Showtime) haya sido una de las primeras series en ver la luz en esta tanda de estrenos de invierno. Y es que la serie creada por David Crane (Friends, NBC) -y que de hecho supone la vuelta de Matt LeBlanc a la televisión- nos permite presenciar las semanas previas al estreno, precisamente, de un nuevo show cómico en una gran cadena. Televisión dentro de la televisión.

Sean (Stephen Mangan) y Beverly Lincoln (Tamsin Creig), exitoso matrimonio creador de una serie en Reino Unido reciben una importante oferta para escribir una adaptación americana del show, para lo cual deberán mudarse a Los Ángeles. Una vez allí descubrirán como funciona realmente -con sus grandezas y sus miserias-, el negocio de la televisión en Hollywood.

http://www.youtube.com/watch?v=z4yH0mI-yJs

Además de las consecuencias evidentes del traslado de dos ciudadanos típicamente británicos a una ciudad como L.A. y las situaciones divertidas que del choque de ambas culturas pueden desprenderse, Episodes se basa en una estructura simple: Sean y Beverly son, básicamente, dos personas normales, relativamente ajenas al mundillo de la televisión, que se adentran en la locura de un proceso que les lleva a tratar con personajes esperpénticos, el contraste con los cuales es ya de por sí cómico. Una dualidad que no solo sirve para que nosotros como espectadores podamos empatizar con los personajes y adentrarnos en la selva hollywoodiana del mismo modo en que lo hacen ellos, sino que evidencia una guerra que, excepto en ilustres casos como HBO i la propia Showtime, debe librarse a diario en esa ciudad, y que se resume en el hecho de que las personas que mandan no son, a menudo, las que más saben de televisión. Episodes evidencia esa situación de un modo tan o más divertido que el que emplea Kevin Smith cuando cuenta historias similares:

Viendo Episodes, uno piensa que el guión está escrito en base a un catálogo de experiencias reales, ya sean del propio David Crane o de cualquier otra persona que haya tenido que luchar contra la ignorancia de los ejecutivos de las cadenas. Se trata de situaciones que, en realidad (y ese es uno de los mejores argumentos a favor de la serie) son identificables con cualquier otro sector profesional.

Episodes es pues una muy recomendable comedia sobre el matrimonio, los cambios vitales, las decepciones, los valores morales que cada uno está dispuesto a saltarse para conseguir un supuesto éxito comercial y sobretodo, un retrato del negocio de las grandes cadenas y la amenudo consecuente corrupción de la cultura.



A&E (que como comentábamos en el post anterior, estrenó esta semana Storage wars), presentó ayer el esperado reality The Hasselhoffs, que nos traerá las vivencias de David Hasselhoff (Knight Rider, Baywatch) y sus dos hijas, que ahora quieren ser cantantes, dos años y medio después del famoso video grabado precisamente por la entonces adolescente Taylor-Ann Hasselhoff en el que el actor aparecía borracho intentando comer una hamburguesa, y unos meses después del Roast of David Hasselhoff al que el actor se sometió en Comedy Central y cuyo video dejo como recomendación hasta que, en otra ocasión, dediquemos (o no) un post a hablar de The Hasselhoffs.

Además de todo esto, y desde hace 42 años, la noche del domingo es también la de 60 minutes (CBS), que ayer emitió la segunda entrevista en tres años de Lesley Stahl -que lleva en el equipo la mitad de este tiempo- a Mark Zucherberg, cofundador y CEO de Facebook y personaje en el que está inspirada The Social Network (David Fincher, 2010).

Con su característico y clásico estilo, 60 minutes volvió a Palo Alto tres años después de la famosa entrevista que la misma periodista realizó a un joven e inexperto Zucherberg en 2007 para encontrarse, según sus conclusiones, a un chico más relajado, sonriente y seguro de sí mismo, con el que abordó temas claves para Facebook y sus detractores, como la gestión de la privacidad (justo horas antes de estrenar el nuevo diseño de perfil), las polémicas judiciales en que el propio Zucherberg tiene abiertas, entre otros, con los hermanos Winklevoss o el futuro de Internet y el papel que en él tendrá Facebook.

El reportaje resultará gratificante en función del interés por el universo Facebook y, sobretodo, de la cantidad de información que tengamos sobre el tema, ya que aporta relativamente poco más allá del hecho de que no sea fácil acceder a la figura de Zucherberg. Aunque solo sea por eso, por escuchar qué tiene que decir sobre el futuro de la red un chico de veintiséis años que lidera un producto valorado en 35.000 millones de dólares. Aquí tenéis el video:

[video] http://www.youtube.com/watch?v=Sho-nSWcJjQ [/video]

Todavía hoy en día puede oírse a menudo aquello de que en televisión todo está inventado, que no hay nuevas ideas y que todos los programas son versiones de productos anteriores. Puede que en cierto modo así sea, pero si nos fijamos, por ejemplo, en el género docu-reality, especialmente eficaz cuando se trata de trasladar al espectador un estilo de vida muy concreto y nos planteamos un sitio como Estados Unidos como plató, con la variabilidad geográfico-económico-socio-cultural de qué dispone, nos damos cuenta de la infinidad de posibilidades con las que cuentan las cadenas para seguir innovando. Quizás la clave esté en no pretender nada más (ni nada menos) que contar pequeñas historias intrascendentes con las que podamos llegar a conclusiones más importantes.

Del mismo modo que NBC estrenaba, con cierto atractivo hace unos meses, School pride, docu-reality que nos muestra la reconstrucción de algunas escuelas por sus propios estudiantes y que ya comentamos en el blog, A&E (grupo History Channel, Biography Channel, etc.) emitió anoche el primer episodio de Storage wars, una serie que nos traslada a California para conocer el día a día de un grupo de personas cuya profesión no es otra que la de pujar en subastas de objetos embargados.

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Storage wars Storage warsconvierte, en 20 minutos, una premisa cuanto menos dudosa en lo que a términos televisivos se refiere, en un piloto entretenido que, gracias al ritmo frenético y a la novedad del negocio que se nos presenta, se hace incluso corto.

Darrell, Brandon, Jarrod, Dave y Barry viven de comprar y vender. Los cinco protagonistas de Storage wars compiten día a día pujando por lotes (casi siempre sin saber qué contienen) de efectos personales embargados a personas que no han pagado, por ejemplo, el alquiler del trastero. Y es que en Estados Unidos, y como nos recuerda nada más empezar Storage wars, hay suficiente superfície en trasteros alquilados como para albergar a toda la población de la Tierra siete veces.

¿Y qué hay en estos trasteros? Pues, y ahí es donde está la gracia, absolutamente de todo. Coches, cuadros, antigüedades, instrumentos, colecciones... Cualquier cosa que, debidamente procesada, pueda venderse, interesa a estos hombres, que viven por y para un negocio que no siempre sale bien.

Storage wars es pues un formato basado no únicamente en el modo que tienen estos hombres de hacer negocio, sino en cómo este influye en todos los aspectos de su vida y es que para conseguir los mejores lotes –y de ahí viene el título- hay que luchar, y mucho. La otra muleta de la serie es, obviamente, la curiosidad que genera una puerta que se abre y el tesoro que esta pueda esconder.

Parece pues que A&E ha sabido exprimir bien la idea, aunque exista la duda de si el misterioso contenido de los trasteros que se vayan subastando ante las cámaras seguirá siendo suficiente como para mantener el interés en capítulos posteriores o, por lo contrario, pasado el efecto sorpresa de descubrir qué hay detrás del negocio de la compra-venta de objetos embargados caerá el interés de la serie. Veremos.

El pasado mes de octubre John Lennon hubiera celebrado su 70 cumpleaños. En lugar de eso, el próximo 9 de diciembre se cumplirán 30 años de su asesinato. En este contexto BBC Four estrenaba en verano la película Lennon naked en Reino Unido. Domingo PBS la emitió en Estados Unidos junto al documental LENNONYC, que cuenta la historia de Lennon a partir del momento justo en que termina la trama de la primera y que ya pudo ser visto, por ejemplo, en la última edición del In-Edit.

Lennon naked comienza en 1964, en plena ebullición de la Beatlemanía, y termina el 3 de septiembre de 1971, día en que John Lennon (Christopher Eccleston), decide abandonar definitivamente Reino Unido en dirección Nueva York para no regresar jamás. La película es pues un intenso viaje a través la etapa más convulsa de la vida de uno de los principales iconos del siglo XX. La ruptura con su mujer, la relación con Yoko Ono, la desaparición, no sólo de The Beatles, sino de todo lo que ese concepto mantenía vivo en Lennon, conducen una película en la que la trama verdaderamente importante recae en la relación del artista con su padre, quien le abandonó tenía solo seis años.

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=Cq-v3UipUC0&feature=related] Minutos finales de Lennon naked.

Lennon naked

La película encumbra al mito justo hasta el lugar que Lennon creía que él mismo y The Beatles merecían ocupar en la historia a esas alturas de su vida: al lado de Jesucristo. Y lo hace, no solo para que podamos asistir a su proporcional caída, sino para que tengamos tiempo de conocer de cerca a los personajes que le rodean. Y es que si algo tiene Lennon naked realmente bueno, es el modo en que el personaje principal es descrito como una estrella por el modo en que orbitan a su alrededor los pequeños planetas.

“Everybody loves me? That’s like saying anybody does” John Lennon, Lennon naked, BBC Four

Así pues, el interés de Lennon naked recae sobretodo en los diálogos del protagonista con todos ellos: su familia, los otros Beatles, Julia, su madre, cuyo recuerdo representa la infancia que John podría haber tenido, Yoko Ono (Naoko Mori) y su –atribuído por muchos fans de The Beatles- imprescindible influencia en la decisión de Lennon de dejar el grupo y el país, pasando por su amigo Peter Shotton y el ensayo que la escena de su último encuentro brinda al universo de la decepción -tan presente en demasiados aspectos de la vida de Lennon-, o su representante Brian Epstein, y el efecto que su muerte tuvo en todos los miembros de la banda.

“Are you happy John?” Freddie Lennon, Lennon naked, BBC Four

“Father, you left me but I never left you” Mother, John Lennon

Aunque como decía antes, y como demuestra el vídeo de arriba, si hay un personaje realmente imprescindible para comprender el retrato que del Lennon de aquellos años nos ofrece la película, ese es su padre, Freddie Lennon (Christopher Fairbank), con quien John se reencontró en aquella época tras diecisiete años de distanciamiento. El resentimiento, la desconfianza, el fracaso, la culpa y la privación del “derecho” a una familia con la que Lennon vivió a raíz del abandono paterno a los seis años afloran salvajemente en él e influyen radicalmente en muchas de las decisiones que John toma en esa época. Lennon no quería repetir los errores de su padre pero en cierto modo quería y tenía la necesidad de heredar algo de él. Tampoco le quería cerca, aunque alejarse de él le impedía decirle lo que sentía. Es precisamente esta dualidad latente y la interpretación de Fairbank y el popio Ecclestone lo mejor de una película que se suma a la ya larguísima lista de obras que han abordado la vida y obra de Lennon, Mc Cartney, Starr y Harrison.

Tras la renovación de su oferta nocturna con el fichaje de O’Brien, TBS sigue actualizando su parrilla con la incorporación, la noche de los martes, de Glory Daze, una comedia juvenil ambientada en el campus de una universidad de Indiana en los años 80.

Aunque Joel (Kelly Blatz) es el personaje a través del cual nos introducimos en los aspectos de la vida universitaria norteamericana, la serie utiliza a todo su grupo de nuevos amigos para desarrollar las tramas. La pandilla en cuestión no podría resultar más estereotipada (cosa que no tiene por qué resultar necesariamente negativa): un judío virgen, un jugador de béisbol ligón, un pijo religioso, una compañera de clase guapa y rubia, un profe chiflado, un compañero de habitación freak y un pardillo (seguramente demasiado para resultar creíble), el propio Joel, que espera que la universidad le enseñe todo aquello que la vida le ha negado hasta el momento, incluido, y por encima de todo, el universo femenino.

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Dicho así, el planteamiento no dista demasiado de cualquier serie o película juvenil que, con más o menos éxito, haya intentado trasladar al espectador la experiencia universitaria propia de un campus lleno de residencias, fraternidades, alcohol, sexo y fiesta. Supongo que Walt Becker y Mike LeSieur (You, Me and Dupree, 2006), creadores de la serie, estuvieron dando vueltas a cómo ofrecer algo nuevo al género y tuvieron dos ideas:

La primera, la de situar la acción en 1986, resulta desconcertante. Más allá de algunos peinados, las fotos de Reagan o alguna otra pequeña referencia, resulta completamente prescindible la ubicación temporal de la trama. No formo parte de la generación que descubrió el mundo en los ochenta, pero me hubiese resultado interesante comparar mi experiencia, preocupaciones y visión de mundo con la de los que formaron parte de una década tan atractiva, especialmente, para los jóvenes universitarios. No hay nada de eso en Glory Daze. Las tramas podrían trasladarse a la actualidad perfectamente sin verse afectadas y eso, teniendo en cuenta que la promoción de la serie se ha hecho en base a este dato, no es buena señal.

El otro aspecto en el que descansa la serie me parece, en cambio, más acertado. Además de las chicas (que, por lo menos en el piloto y aunque haya algún que otro personaje secundario femenino, representan simplemente un tema de conversación más), el alcohol y la formación académica, la serie habla de la relación que se establece entre compañeros de universidad. Los protagonistas de Glory Daze, y como nos ha pasado a muchos, se enfrentan en estos años de carrera a una de las etapas más intensas de sus vidas y muchos de los vínculos que establezcan en estos años permanecerán ahí para siempre convirtiendo a personas que hasta hace unos días eran perfectas desconocidas en hermanos de por vida. Creo que la serie acertará si este tema, como se apunta en el piloto, termina ejerciendo de columna vertebral, aún siendo evidente la necesidad de exprimir las tramas más estrictamente hormonales para mantener al espectador sonriendo.

Otro de los grandes acontecimientos del año televisivo en Estados Unidos ha visto la luz esta pasada noche. Conan O’Brien ha vuelto. Tras su disputa y derrota ante Jay Leno (cuyo nombre no fue mencionado anoche en el programa), hace casi un año, por el control del Tonight show (NBC) (si es que puede considerarse una derrota cobrar 30 millones de dólares por dejar un programa) O’Brien vuelve -más íntimo y con menos presupuesto- a la noche, esta vez por cable y de la mano de TBS.

Por no extenderme demasiado alabando la figura de semejante genio, dejaré simplemente una recomendación. Conan (TBS) comenzó con la historia del viaje de diez meses que O’Brien ha realizado desde su papel como host del show de NBC hasta esta nueva aventura. El video, que comienza con una escena inspirada en la emboscada que acabó con la muerte de Sony Corleone en The Godfather y que representa el trato recibido por el humorista por parte de la cadena de Universal, cuenta con la participación de John Hamm en su papel de Don Draper (Mad men, AMC) y Larry King y representa un perfecto retrato del tornado en el que O’Brien ha estado metido los últimos meses, de sus anteriores jefes y de los que lo serán a partir de ahora.

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Por fin. Tras meses de espera, AMC ha estrenado esta pasada noche The walking dead, la serie de Frank Darabont (Shawshank redemption, 1994) basada en las viñetas de Robert Kirkman. La gran esperanza de la temporada –junto a Boardwalk empire (HBO)- ya está en marcha y ha llegado para meter una palanca en la brecha que hoy en día existe en la televisión americana y tirar fuerte hasta que el agua separe definitivamente las cadenas comerciales, con sus apuestas fáciles y mucho más que previsibles, de las que han decidido, como Showtime o AMC, seguir a HBO en la travesía que ésta inició hace más de una década hacia el ideal de David Simon: “Fuck the average viewer”.

En el piloto de The walking dead -que como sabéis, fue filtrado hace días- y tras haber recibido un disparo en un tiroteo, Rick Grimes, el ayudante del Sheriff, despierta del coma en un hospital sumido en el caos. Sangre, cadáveres devorados y ruidos extraños. Con él, viajamos a través del hall del apocalipsis y nos vamos haciendo a la idea de que nuestro mundo han cambiado para siempre. La ley, a la que él mismo representa con su estrella, es ya una anécdota del pasado y los valores en los que siempre ha creído deberán ser profundamente relativizados.

The roadCormac McCarthyThe walking deadMcCarthyThe walking dead

En definitiva, y aunque todavía quedan algunos estrenos por llegar, The walking dead pone el broche de oro al calendario de premieres de este otoño en el que, para lo bueno y para lo malo, pocas sorpresas hemos tenido.

El macro acto de Stewart llega sólo días después de su reconocimiento como hombre más influyente de Estados Unidos –y por extensión, del mundo- y de la famosa entrevista a Barack Obama.

Habrá tiempo, en otro momento, de repasar la figura de alguien como Jon Stewart (a quien admiro tantísimo) pero de momento -y justo en el instante en que Oprah Winfrey está interviniendo en directo en el programa- os dejo el link que The Comedy Central ha dispuesto para la ocasión:

http://www.comedycentral.com/dcrallylive/

Enjoy it!

Después de la cancelación de My generation, ABC ha decidido ahora eliminar de su parrilla The Whole Truth al tiempo que ha encargado más episodios de Detroit 1-8-7 y No ordinary family. Estos pueden ser los últimos arreglos programáticos de la cadena de Disney de cara al resto de la temporada.

The Whole Truth, de la que por cierto no se sabe cuántos capítulos más se van a poder ver, es una serie legal que expone los dos puntos de vista, el de la fiscalía y el de la defensa, a través de una pareja con vínculos sentimentales, Kate y Jimmy, que lideran ambos bandos de un caso y que se verán las caras en el juzgado.

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=Kc4tuddGXhs] Quienes hayáis visto The Whole Truth os daréis cuenta enseguida de que en este trailer, colgado a finales de mayo, la actriz que interpreta a Kathryn no es Maura Tierney, quien finalmente da vida a la serie que emite ABC. Es curioso ver como este mismo caso se da en varias de las series estrenadas este año.

The Whole TruthKathrynMaura TierneyABCMás allá de que sea más o menos original el recurso de contraponer la relación sentimental con la laboral, The Whole Truth aporta muy poco al género, aunque no es peor serie que algunas de las que se han estrenado este otoño como para merecer este castigo.

En el piloto, tras el visionado del cual, tengo que decir, decidí no ver más episodios, centra la trama en un caso de violación y asesinato e introduce la xenofobia como posible motivo del crimen, aunque sin profundizar en el debate racial, cosa que probablemente hubiera dotado la serie de más interés.

Los personajes, especialmente los protagonistas, no enganchan, la trama es previsible y, a pesar del intento de ser narrativamente originales con el uso de un flashback confuso a mitad de capítulo, lo cierto es que la estructura (presentación del caso, investigación, juicio, conclusiones finales y deliberación) es la misma que lleva usándose en este tipo de series desde siempre. El piloto se hace largo hasta el punto de que, al final, poco nos importa ya si el acusado será declarado culpable o inocente.

En definitiva, el nombre de Jerry Bruckheimer en los créditos no ha sido suficiente para mantener en parrilla una serie en la que, por cierto, los seguidores de Oz (HBO) hemos podido recuperar muchos recuerdos con la reaparición de Eamonn Walker, a quien muchos no agradeceremos nunca suficientemente su interpretación del líder musulmán Kareem Said.

NBC estrenó el viernes School pride, un docu-reality producido por Cheryl Hines, la mujer de Larry David en Curb your enthusiasm (HBO), para que nos entendamos. El programa centra cada capítulo en la reconstrucción de una escuela perjudicada por años de dejadez y recorte de presupuestos, en diez días, por parte de los propios estudiantes, profesores y trabajadores del centro. El equipo que coordina el proyecto y que, junto a los miembros de la comunidad, protagoniza el programa, está compuesto por un periodista, una diseñadora ex Miss USA, una profesora humorista y el team leader, Tom Stroup.

El piloto se centra en la escuela Enterprise, en Compton, California. En unos primeros minutos algo sensacionalistas, se nos presentan unas instalaciones deterioradas y peligrosas cuyo mal estado influye en el rendimiento de los estudiantes. Lo cierto es que, efectivamente, da la sensación que nos presentan un complejo algo descuidado, aunque –y por mucho que lo intentan- las imágenes no llegan a transmitir esa sensación de impracticabilidad. Al terminar la presentación, con la que los responsables del programa nos quieren convencer de que la escuela merece la ayuda de School pride, uno no puede evitar pensar en si el programa no sería socialmente más útil si en lugar de dedicar tantos recursos a reconstruir instalaciones que, aunque en mal estado, pueden ser usadas para impartir clases, trasladara el formato a países en vías de desarrollo.

No obstante, el programa consigue transmitir, con un ritmo alto, un formato muy entretenido, y un excelente casting de los alumnos, el mensaje de la bondad del proyecto grupal, del orgullo colectivo y del amor adquirido por el trabajo bien hecho. Los alumnos aprenden a cuidar las instalaciones y lo que representan por el hecho de haber realizado el esfuerzo de construirlas y los profesores reciben el material necesario para educar mejor a unos alumnos que, según el programa, mejorarán el rendimiento una vez concluido el proyecto.

Los creadores del formato debieron darse cuenta del peligro que suponía la acumulación del mensaje positivo y del buenismo encarnado por todos los participantes en la reconstrucción así que decidieron buscar un antagonista: a mitad de capítulo, Tom Stroup, el líder del equipo, descubre un almacén lleno de suministros (muchos de ellos reclamados por los profesores desde hacía años) que el director del centro (que al final de la historia es despedido) había estado ocultando. El apartado de las responsabilidades, el que debe explicar por qué el centro se encuentra en tales condiciones, se cierra con una entrevista al gobernador del estado, Arnold Schwarzenegger, que sorprendentemente asume cierta culpa.

Una vez tenemos claro quienes son los malos, el programa puede centrarse en la recta final de la reconstrucción de las aulas (algunas de ellas patrocinadas por empresas como Microsoft o la revista People), la pista de baloncesto, en la que se vive uno de los momentos más emotivos del capítulo, o el estadio de fútbol americano, donde, durante el fin de fiesta, reaparece el gobernador para inaugurar el nuevo centro y pronunciar su sempiterno “I’ll be back”.

En definitiva, School pride es bastante más que un programa de reformas convencional. El mensaje a transmitir está claro y el equipo sabe como hacerlo de forma emocionante. El formato es puro entretenimiento aunque queda por ver si se verá perjudicado por el hecho de dedicarse solo a reconstruir escuelas, con la pérdida de factor sorpresa que esto conllevará en próximos capítulos.