Movistar Plus+ se guardaba para el tramo final de este año 2025 una de sus series más esperadas. Y desde este jueves 20 de noviembre, un 20N en el que se conmemora el 50 aniversario de la muerte del dictador Francisco Franco, sus suscriptores ya pueden ver Anatomía de un instante. Una ficción que ya hemos analizado en verTele, que adapta el libro homónimo de Javier Cercas para contar la Transición Española con el golpe de Estado fallido del 23F como eje.

Decir que “sus protagonistas son de sobra conocidos” vale tanto para los aquí personajes, como para sus actores. Porque para conocer más de ella, hemos podido entrevistar por un lado a Álvaro Morte (Adolfo Suárez), Eduard Fernández (Santiago Carrillo) y Manolo Solo (Gutiérrez Mellado), que encarnan a “los tres traidores” que se mantuvieron sentados en sus escaños del Congreso cuando retumbaron los disparos y el “¡Quieto todo el mundo!”; y por otro a David Lorente (Antonio Tejero) y Miki Esparbé (rey Juan Carlos I), el golpista y la figura monárquica que tantas dudas ha dejado con el tiempo.

Álvaro Morte protagoniza el primer capítulo como Adolfo Suárez, y del expresidente del Gobierno opina que fue una persona “que viene de una trayectoria dentro del movimiento franquista de la que sabe separarse, que no está anclada a nada y que tiene un objetivo ulterior mucho más potente”. Para el actor, su personaje “sabe que tiene un objetivo, no se casa con nadie” y que parte de su éxito nacía de su enorme capacidad de persuasión: “Hablaba con un falangista, o con un comunista, o con quien sea, y era capaz de llevarse bien con esa persona, intentar entenderse y hacerle creer a ese interlocutor que era su mejor amigo y que estaba a favor de todo lo que le pudiera decir”.

A sabiendas de que su carrera ha ido mucho más allá, nos atrevemos a preguntar a Álvaro Morte si, como estratega, Adolfo Suárez tiene puntos en común con El Profesor de La casa de papel, el personaje que le lanzó a la fama mundial. Y el actor es claro: “Yo no los he buscado. No sé si la gente encontrará algo, eso depende del público. La gente encontrará las similitudes que tenga que encontrar. Yo, desde luego, para Suárez no he tenido en cuenta ni El Profesor ni ningún otro personaje que haya hecho antes”.

Eduard Fernández centra el segundo episodio como Santiago Carrillo. El actor reconoce que ha “llevado bien” encarnar al mítico líder comunista, y confiesa que le “apetecía mucho hacer de Carrillo y hacerle un gran homenaje, darle el lugar que yo creo que se merece por todo lo que hizo por este país, por la democracia, y que fue arrasado por un vendaval que se llamaba Felipe González”. Tras la experiencia, el intérprete confiesa que le ha gustado interpretarlo porque “cuando lo encarnas, entiendes ese dolor de vivir 30 años en el exilio”, y resalta el dolor que impuso la dictadura: “Hubo gente que no podía vivir en su casa y tenían que estar fuera, y hay algunos que vivían en su casa pero no podían ser ellos mismos”. Por eso, celebra: “Creo que es bueno que se emita esta serie y que la gente joven la vea, que se vea lo que se luchó en este país y cuánto costó conseguir la democracia”.

El intérprete explica que para preparar su personaje empleó las muchas entrevistas e imágenes de Carrillo, pero que lo que más le gustó fue crear e “inventarse” sus escenas privadas, más íntimas. Destaca una en la que Carrillo y Suárez se reúnen a escondidas, que además fue la primera que tuvo que rodar (“dije: 'hostia, me pones la primera, la más difícil'”, bromea) por lo especial de ese paso de la política a las personas: “Era una escena muy bonita en la que se veía a dos personas que tenían que administrar la política y la llegada de la democracia a un país. Y al final todo se resume, creo yo, en lo personal: dos personas que se miran frente a frente, y como dice Suárez, 'si no lo solucionamos tú y yo, esto no lo soluciona nadie'”.

Manolo Solo encabeza el tercer capítulo como Gutiérrez Mellado, el único militar que en la serie muestra su faceta más frágil y familiar. El actor se ríe al señalarle ese contraste: “Una cosa no quita la otra. Se puede ser serio y recto cuando se tiene que ser. Yo creo que que Gutiérrez Mellado lo era cuando tenía que serlo. Y luego puedes ser cariñoso con los tuyos”. Del que llegó a ser vicepresidente de Suárez, al que mostró máxima lealtad pese a tener que ir “en contra de sus propios intereses o su propia estabilidad espiritual y mental”, resalta lo mal que lo tuvo que pasar: “Es un calvario lo que le supone ayudar a Suárez, es una inmolación a la que se presta”. Por lo que destaca haber podido dar vida a “un personaje lleno de contrastes”, bromeando con que ha intentado “no parecer un bailarín de contemporáneo, sino tener un porte militar”.

Al preguntarles si les da miedo encarnar a estos personajes en un momento con tanta polarización, los tres declaran que “no” al unísono. Manolo Solo sabe que habrá “gente que no le va a parecer bien”, pero Álvaro Morte defiende que es incluso “necesario” y que la serie puede ayudar a “clarificar” a la gente: “Que descubra hasta qué punto la democracia fue tan frágil, y que gozamos de lo que gozamos hoy por hoy gracias al esfuerzo de esta gente en aquel momento. Fue una cosa tremendamente complicada, y podíamos haber dado millones de pasos hacia atrás para volver a algo verdaderamente negro y oscuro”.

Queriendo valorar lo que tenemos, la entrevista acaba preguntándoles si esas sombras negras y oscuras se ciernen en la actualidad, y quien concluye es Eduard Fernández: “Hay un 17% de los chavales que dicen que les parece mejor la dictadura que la democracia. Es muy preocupante”.

David Lorente y Miki Esparbé son Tejero y el rey Juan Carlos

En otro set facilitado por Movistar Plus+ podemos entrevistar a David Lorente y a Miki Esparbé, que en Anatomía de un instante encarnan al golpista Antonio Tejero y al rey Juan Carlos I, respectivamente.

La primera aparición de Miki Esparbé en la serie destaca por cómo se impone con la voz del rey Juan Carlos, aunque explica que “era algo que no sabía exactamente si acabaría siendo así o no”, y que fue él quien lo propuso aún en la fase de casting, reconociendo que era “raro si hacemos algo y raro si no lo hacemos”, pero que al final tratar de imitar su característica voz “les gustó”. Pero el actor incide en que no han querido imitar: “Lo que hemos intentado el reparto es no llegar a hacer una imitación, porque no era la voluntad. Sí una aproximación”.

El actor bromea con que no pudo preparar el personaje con el ahora emérito, y aunque valora mucho la labor de los documentalistas de la serie, reconoce que le “habría encantado” poder preguntar directamente a los protagonistas de la historia sobre todo porque él aprecia que la serie tiene una virtud: “Navega todo el rato en la tensión entre lo privado y lo público. Nos interesaba adentrarnos en lo privado, en tratar de hacer una propuesta de cómo son estos personajes en la intimidad, en una reunión, en un despacho, en su casa...”. De rebote, el no poder acceder a la verdad de lo que sucedió el 23F, destacando que Cercas en el libro lo llama “un golpe sin documentos” por esos archivos que siguen clasificados, le lleva a una reivindicación como ciudadano: “No lo sabremos, al menos de momento. Es una injusticia muy grande no poder saberlo”.

No queda clara la implicación del rey en el 23F

Miki Esparbé

Una censura que le afectó al interpretar al rey: “Esto de no tener la información original, fue vencer un poco el prejuicio en torno a la figura”. Miki Esparbé nos explica también si le costó interpretar a “ese” rey, el de 1980 que aún dejaba dudas, pero sabiendo lo que sabemos del ahora emérito: “Teníamos que centrarnos en ese momento, ese rey”, sitúa, añadiendo que al final ha tenido que trasladar el relato de Javier Cercas, y valora: “Apunta a que más que el rey como salvador de la democracia, fue también el salvador de la Corona. Lo que quería por encima de todo era proteger la monarquía, y coge un sistema como el democrático para arraigar mejor esa monarquía”. Una reflexión que le hace volver a la misma valoración: “No queda clara la implicación del rey en el 23F. No lo sabemos ni lo sabremos nunca, creo, desgraciadamente. Pero deberíamos saberlo”.

David Lorente, siempre sonriente y con un tono aún más distendido, empieza por reconocer que Antonio Tejero era “un fanático de armas tomar, un prototipo de fanatismo”, pero explica que él ha intentado “encontrarle la contradicción” buscando qué le hacía ser así, y pone un ejemplo: “Descubrí es que era un cachondo con la gente. Tenía mucho carisma con sus subordinados, porque era un tío muy cercano, muy cachondo”. Aunque entre risas, tiene que añadir: “Estos son muy, muy peligrosos”. Se ríe aún más cuando le recordamos que, hace un mes, llegaron a publicarse noticias de que Tejero había muerto: “Alberto Rodríguez me puso un mensaje. Fue muy fuerte, sobre todo que resucitó. Le dieron la extrema unción, y este señor dijo: No, no, qué hostia, espérate, que todavía... ¡Y se fue a su casa!”.

Al actor le preguntamos por la escena que grabó en el Congreso real, encarnando a Tejero y pistola en mano gritando “¡Quieto todo el mundo!” para encabezar el golpe de estado. Y él reconoce: “Pelos de punta. Fue muy emocionante. Uno se mete a este oficio para hacer estas cosas”. Además, desvela que fue lo primero que se rodó de la serie, porque sólo podían lograr permiso en enero (“fuimos tres días a saco”, rememora) pero las grabaciones se retomaron en marzo, y de nuevo bromea y agradece la oportunidad: “Dije '¡Quieto todo el mundo!' 250 veces. Pero siempre... bueno, siempre no, ya a partir de las 150 se me fue bajando un poquito la cosa, pero también... Había como 200 figurantes, todo ambientado, era la hostia. Una suerte muy grande poder hacer todo esto”.

Los políticos actuales están todo el rato coqueteando con la tragedia, con enfrentarnos los unos a los otros

David Lorente

Para acabar, casi como un juego, les preguntamos si creen que los políticos actuales en unos años podrán merecerse una serie, y si se verían interpretando a alguno de ellos. Miki Esparbé es más políticamente correcto (como el gran rey Juan Carlos que ha interpretado, probablemente el mejor en nuestra ficción): “No hay ningún personaje a priori que diría que no. Para mí no es el qué, es el cómo. Lo importante es cuál es el enfoque”. Pero David Lorente juega y se moja:

“La verdad es que estos políticos de ahora son muy poco interesantes. Curiosamente se parecen mucho entre ellos, digo en las facciones que hay. Y además me preocupa que la serie tenga un final trágico, porque están todo el rato coqueteando con la tragedia, con enfrentarnos los unos a los otros. Si somos consecuentes y hacemos una buena serie, tendría que tener ese final. No sé si son conscientes de que ese final no lo queremos, pero a veces parece que no. Aquí, en esta comunidad autónoma [Madrid], oímos a nuestra líder decir cosas que si la hiciéramos caso estaríamos en la calle pegándonos. Es una barbaridad. Entonces, prefiero que no salga la serie”. Y acaba, como siempre, con una sonrisa.

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Movistar Plus+ estrena este jueves 20 de noviembre una serie que llega con su contexto. Porque este 20N en el que se cumplen 50 años de la muerte del dictador Francisco Franco en 1975, la plataforma lanza Anatomía de un instante, la ficción que adapta el libro superventas de Javier Cercas sobre el golpe de Estado fallido del 23F de 1981.

Decimos que “llega con su contexto” porque, además de referirse a un día clave en la historia de España que ya de por sí es conocido, en las últimas horas, días y semanas las cadenas de televisión y todos los medios de comunicación han recordado “de rebote” qué pasó esa jornada. Y lo cierto es que podría haber llegado en un momento aún más llamativo, teniendo en cuenta que a finales de octubre algunos medios dieron por muerto al golpista Antonio Tejero, aunque sólo fue hospitalizado.

Pero remitiéndonos a los hechos, el 23F fue una jornada que tuvo muchos nombres propios, y cuatro de ellos con mayúsculas: Antonio Tejero, y los tres únicos hombres que se mantuvieron en sus asientos mientras el resto se agachaba para ponerse a salvo: Adolfo Suárez, Santiago Carrillo y Gutiérrez Mellado. En ellos cuatro principalmente se centra la serie, sin olvidar al rey Juan Carlos I, a Alfonso Armada, a Jaime Milans del Bosch, y a otros tantos personajes de nuestra historia que, como no podía ser de otro modo, aparecen para representarla. Hasta hay un guiño al autor y periodista Javier Cercas, sutil y emotivo, que nos permite comprender cuál es la “voz en off” que interviene para narrar (y a veces opinar u orientar) sobre la trama.

La sinopsis de la serie se resume de una forma tan simple como “partiendo del golpe de Estado del 23F, Anatomía de un instante disecciona uno de los momentos cruciales de la historia reciente española: la transición democrática”. Una sola frase que contiene el enorme reto de adaptar a la ficción audiovisual un libro que en realidad es un ensayo, una crónica periodística en forma de novela sobre cómo se llegó a ese 'instante' en el que Tejero irrumpió con una pistola en la mano mientras gritaba “¡Quieto todo el mundo!”, y tres hombres desde sus escaños se miraban sabiendo lo que significaba tras el fin de la dictadura y la presión militar para reinstaurar su poder por encima de los políticos y la decisión civil a través de la democracia.

Un reto que aceptaron Rafael Cobos, Fran Araújo y Alberto Rodríguez como guionistas, y que el mismo Alberto Rodríguez duplica también como director. Y del que salen más que airosos para poner un broche de oro a la etapa de Domingo Corral en la plataforma, puesto que Anatomía de un instante puede considerarse la última gran serie aprobada e impulsada por el exdirector de Ficción de Movistar Plus+, que de hecho aparece en sus créditos como productor ejecutivo junto a José Manuel Lorenzo (con su productora a cargo del proyecto, DLO Producciones), Manuela Ocón Aburto y el también guionista Fran Araújo.

Una estructura sencilla que desencadena su éxito

En la serie de Anatomía de un instante, la base no es tanto la historia como el propio libro de Javier Cercas. Claro que habla de lo que pasó el 23F y tanto se ha recordado y vuelto a ver, pero se plasma según la profunda investigación que el periodista y autor realizó para su obra. De hecho, uno de sus grandes aciertos es la estructura, y también sigue la del libro. Este mismo mes hemos analizado cómo adaptar un libro no siempre es fácil, y dependiendo de su universo puede generar que el espectador se “pierda”.

En el caso de Anatomía de un instante, la estructura es sencilla, clara, y permite conocer a todos sus protagonistas sin perderse pese a los saltos temporales y gracias a centrarse en sus figuras:

Y ya está. Cuatro capítulos de unos 50 minutos con una estructura sencilla y clara que permiten explicar su historia, y la historia de España. Una forma fidedigna de adaptar la obra literaria que audiovisualmente funciona a la perfección partiendo de esos tres grandes protagonistas, entremezclándolos en cada capítulo y también acogiendo a figuras que sobrevuelan toda la historia como el rey Juan Carlos, interpretado (quizás como mejor se ha hecho en nuestra ficción) por Miki Esparbé.

Todo atado y bien atado para hacer brillar las interpretaciones

El resultado es disfrutar de una serie en la que a buen seguro se van a destacar las interpretaciones y la caracterización. El elenco estaba escogido entre lo mejor, y sin duda está a la altura de las expectativas. Es fácil “ver” a Suárez, a Carrillo, a Gutiérrez Mellado, a Tejero y a todos los demás; un logro especialmente destacable porque no se ha buscado imitarlos, sino representarlos. Y en ello influye la localización y fotografía (pudieron rodar en el Congreso real, adaptándolo a cómo era en 1981), la caracterización de cada personaje, y por supuesto el trabajo interpretativo. Actores, en masculino, que permiten hacerse una idea del machismo de la sociedad entonces y cómo la mujer estaba relegada a un plano completamente secundario. La serie incluye personajes para representar ese aislamiento femenino.

Es de justicia valorar todos esos apartados, como también el guion y la dirección para realizar y plasmar relatos precisos de los personajes, prácticamente expositivos para que sean ellos mismos, con sus acciones y actitudes, los que se den a conocer, y no predisponer al público. Algo que permite no tener reparos al mostrar las aspiraciones de poder de Suárez, la fijación de Carrillo que le supuso ser arrasado por un huracán llamado Felipe González, la parte más frágil y familiar de Gutiérrez Mellado, o el gracejo en privado de un personaje tan radical y siniestro como Tejero.

Todo en la serie confluye para que al final, como casi siempre, lo que más brille sea una labor interpretativa que se merece todos los reconocimientos. Sea por cómo Álvaro Morte encuentra el tono en la voz y la forma de desenvolverse de Suárez, por cómo Miki Esparbé “es” la voz del rey llegando a impresionar con su primera aparición, o por cómo Manolo Solo representa la presunta fragilidad de Gutiérrez Mellado. No era fácil, y menos en un momento de polarización tan acusado como este, aceptar el reto de adaptar Anatomía de un instante y acabar logrando una serie que resulta incluso didáctica. Así que reto superado.

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Movistar Plus+ está grabando ya en los Pirineos la serie Matar a un oso, inspirada en hechos reales. Su nueva producción, para la que se ha asociado con ARTE France y Kubic Films, está protagonizada por los actores Eduard Fernández, María Rodríguez Soto, Miki Esparbé, Pol López, Nora Navas y Àlex Monner.

Seis capítulos componen esta ficción creada por los hermanos Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo, autores de otros exitosos thrillers españoles como La zona (Movistar Plus+) y Nos vemos en otra vida (Disney+).

Matar a un oso arranca con la misteriosa muerte del oso Cachou en el Valle de Arán durante el confinamiento por la pandemia. A partir de ese suceso, se inicia una investigación judicial sin precedentes en España, en la que la muerte del animal es tratada como un asesinato. Este hecho saca a la luz profundas tensiones entre los habitantes del valle, el ecologismo y las políticas europeas, reflejando un conflicto entre tradición y modernidad de gran relevancia contemporánea.

Las grabaciones se llevarán a cabo en el Valle de Arán, el Pirineo catalán y determinadas localizaciones de Madrid y Segovia. Destacan desde Movistar Plus+ que será este un “todaje sostenible en un entorno tan delicado como el del Pirineo”.

En palabras de los hermanos Sánchez-Cabezudo, “la historia del oso Cachou es un caso con múltiples capas” en el que “lo que parecía un suceso surrealista se convirtió en un retrato complejo del choque entre lo local y lo global, la tradición y el presente”. Por todo ello, “Matar a un oso es un relato tan inesperado como real”, un relato con diferentes puntos de vista que nos acercan “a un conflicto que habla de identidad, medioambiente y de la violencia latente en la convivencia”.

Sinopsis de 'Matar a un oso', la nueva serie de Movistar Plus+

La muerte del oso Cachou en el Valle de Arán desencadena una investigación criminal nunca vista por la muerte de un animal. Los sospechosos son los habitantes del Valle, que se convertirá en el escenario del choque entre lo global y lo ancestral, donde solo unos pocos lucharán por evitar que el conflicto estalle con consecuencias irreparables.

Movistar Plus+ no ha anunciado todavía la fecha de estreno de Matar a un oso, aunque lo más probable es que llegue a la plataforma a lo largo del año 2026.

Tras acabar 2024 con el estreno de la segunda temporada de El juego del Calamar, Netflix ha decidido terminar el primer mes de este 2025 con el lanzamiento de otro de sus éxitos y series más queridas: la segunda temporada de La chica de nieve, la adaptación del éxito de ventas del escritor Javier Castillo, que suma a su reparto a Miki Esparbé como compañero de redacción de Milena Smit. Este thriller se convirtió en la serie más vista de la plataforma a nivel mundial en febrero de 2023, y aunque posteriormente otras le han superado en popularidad, fue considerada el mayor éxito español de la plataforma desde que acabó La casa de papel. Ahora, con esta nueva tanda de capítulos, la compañía pretende batir el mismo récord que con su predecesora.

La chica de nieve: El juego del alma consta de seis capítulos de unos cincuenta minutos, y comienza un tiempo después de los sucesos que se llevaron a cabo en la primera temporada, es decir, con una Miren Rojo (Milena Smit) ya consagrada como una periodista profesional y de renombre gracias al libro que publicó sobre la desaparición de la pequeña Amaya, así como sobre su propia experiencia como víctima de una fuerte agresión sexual. Ahora, tras recibir un sobre con un mensaje de '¿Quieres jugar?', y en su interior una fotografía polaroid, empieza a investigar la desaparición de una menor en 2012 y la muerte reciente de otra, cuya conexión le lleva a un exclusivo colegio privado de inspiración religiosa. Miren, dispuesta a llegar hasta el final para conocer la verdad, se internará en lo que se conoce como ‘El juego del alma’.

De todos los peligros que conlleva le advierte su profesor de periodismo y posterior mentor en el Diario SUR, Eduardo (José Coronado), quien se marchó del periódico para dar clase en la universidad. Su puesto lo ocupa ahora Jaime (Miki Esparbé), un nuevo redactor que llega al periódico huyendo de su propio pasado. Un devora chupa-chups que, con su amabilidad y simpatía, hará frente a la obsesión de Miren por sus casos de investigación. Una Miren que prefiere trabajar en solitario y que estará aún más rota que en la primera parte de la ficción.

Tras la cámara vuelven a estar como directores el dúo formado por David Ulloa y Laura Alvea, y los guionistas Jesús Mesas Silva y Javier Andrés Roig, que convierten el escenario de Málaga y la redacción del periódico SUR en partes fundamentales de esta historia producida por Atípica Films.

Una ficción que coquetea con el terror

En esta ocasión la adaptación de la novela de Castillo lleva al espectador hacia otro nivel, haciendo que el género por el que se caracteriza esta ficción, el thriller, coquetee un poco con el terror. Ya no solo por la cantidad de tensión y misterio que genera la investigación de la muerte de una niña, sino también por el típico entono religioso que la rodea. Fe, crucifixiones, cicatrices en sus cuerpos, enigmas, cuervos y rituales que hay que pasar para pertecer a un grupo determinado, son algunos de los ingredientes por los que se caracteriza esta nueva entrega.

Asimismo, abundan los planos cortos que nos acercan al trauma de la protagonista, reflejado en sus ojos, en la expresión de su cara. Dice mucho cuando menos habla. Conforme avanzan los capítulos, el público va a ver a una Miren cada vez más rota, que ya venía dolida por el trauma pasado de su violación. De esta manera van a comprender por qué cada vez se obsesiona más y más con los casos de las chicas desaparecidas en la Costa del Sol, así como con la organización que se hace llamar 'Slide' que secuestra a niñas para su uso y disfrute sexual.

Muy interesantes son los nuevos personajes que llegan, interpretados a la perfección por Hugo Welzel, Vicente Romero, Luis Callejo y Luis Bermejo. La manera tan sombría, seria y misteriosa, así como su lado oculto; hará que la audiencia se enganche para saber quién es el 'malo' de la ficción. Por su parte, Aixa Villagrán en el papel de la inspectora Millán vuelve a brillar como ya lo hizo en la primera temporada, muy por encima de su compañero de patrulla Marco Cáceres, quien se mantiene en un segundo plano.

Las mujeres, las grandes protagonistas

De nuevo, como en la anterior, la acción recae sobre las mujeres, Smit y Villagrán. La periodista y la policía son las que llevan las riendas de una interesante investigación paralela que salta de la redacción a la comisaría con el único objetivo de saber qué está ocurriendo en ese colegio y saber quién mato a esa niña.

Otro punto a favor de El juego del alma es que indagará en la práctica de los retos virales que están de moda hoy en día en las redes sociales, pero que aquí le dan una vuelta de tuerca más bestia y fúnebre, para también advertir al espectador de lo peligrosos que pueden llegar a ser.

No obstante, si hay que ponerle algún “pero” a la ficción, es que se echa de menos un capítulo más para que en el resto dé tiempo a explicar cómo se creó 'El juego del alma', cómo se capta a los nuevos miembros, cuál es la progresión de las pruebas y, sobre todo, cuáles son las razones que pueden llevar a alguien a escudarse en algo así para obtener tal herramienta de poder sobre la vida de los demás.

De lo que no hay duda es que el espectador se va a topar con una segunda temporada mucho más oscura, turbulenta y perturbadora que la primera. Y que sus protagonistas se van a enfrentar a un caso más macabro y trepidante que su predecesor.

Diferencias notables con la novela

Como ya pasara con la primera temporada de La chica de nieve, esta segunda también tiene cambios notables respecto a la novela. Sin embargo, si de algo pueden estar seguros los lectores es que se mantiene la esencia del libro y que es igualmente disfrutable tanto para aquellos que ya conozcan a Miren como para los que se asomen a esta historia sin haber cogido nunca un libro del autor malagueño.

Otra de las buenas noticias, para aquellas personas interesadas en ver esta segunda entrega, es que funciona de manera independiente a la primera, puesto que el caso a resolver es totalmente distinto al anterior y no tienen correlación alguna.

Respecto a las diferencias, aparte de la más significativa como el espacio y lugar -la ficción lo hace en Málaga (España) en la época actual mientras que la novela opta por Nueva York (Estados Unidos) en 2011- es la incorporación del personaje de Miki Esparbé, Jaime. Pues los creadores Jesús Mesas Silva y Javier Andrés Roig lo idearon a propósito únicamente para la serie. En el libro, quien sigue siendo el compañero de las desventuras de Miren es su antiguo profesor de periodismo, que en la serie está interpretado por José Coronado.

La idea de poner a Jaime como compañero de Miren es porque en el futuro podría jugar también como amante deella, al ser alguien más joven y próximo a su edad, a diferencia de la novela en la que el personaje que interpreta Coronado juega ambos roles, el de compañero y amante.

En definitiva, La chica de nieve: El juego del alma es una serie idónea para quien guste de historias con intriga, misterio y un ligero toque de terror que hará que se enganche desde el minuto uno, en el que Miren recibe el sobre sospechoso con el mensaje '¿Quieres jugar?'. Además, sienta las bases para una posible renovación de una tercera temporada, y cerrar el círculo y la historia de la periodista Miren Rojo con la adaptación de la última novela: La grieta del silencio.

La segunda temporada de La chica de nieve, que llega el viernes 31 de enero a Netflix, promete enganchar al público con su alto contenido de “tensión” y al “agujero de problemas” a los que se enfrenta su protagonista, la periodista Miren Rojo, a quien de nuevo interpreta Milena Smit en El juego del alma, la segunda entrega de la novela de Javier Castillo. En ella, según cuenta la actriz a verTele, el motor de Miren para investigar está claro: “La herida de su violación hace que se implique tanto con los casos”.

Algo que llama la atención es que siempre son mujeres, o en este caso, niñas, las que están en el punto de mira del sufrimiento: “También por eso ella se implica mucho y quiere tomarse la justicia por su mano. De hecho, en esta nueva entrega van a ver cómo en su casa tiene un cuarto que se llama 'El almacén de las niñas perdidas', y son casos exclusivamente de mujeres”, insiste la actriz.

En este nuevo capítulo, Miren se adentra en un oscuro caso relacionado con la desaparición en 2012 de una chica y de la muerte reciente de otra. Así descubre que ambas están conectadas por el mismo colegio de élite al que asistían. En su investigación le acompaña Jaime (Miki Esparbé), un redactor que llega huyendo de su pasado.

La serie se puede ver de forma autónoma, no es necesario haber visto la primera, como aclara Esparbé. El actor no participó en su primera temporada, pero sí la vio, y aunque considera que ambos “son casos trepidantes”, tal vez este es “más oscuro”.

Después de casi 44 años, el Congreso de los Diputados ha vuelto ha llenarse de militares golpistas y de policía militar para revivir la fatídica noche del 23 de febrero de 1981, el 23-F que puso en jaque a todo un país al ver peligrar la joven democracia española tras la muerte del dictador Franco. Sin embargo, esta vez el ambiente era más tranquilo, pues se está llevando a cabo el rodaje de la ficción Anatomía de un instante, basada en el libro de Javier Cercas que supuso el punto de inflexión en la mirada sobre el 23-F.

Dentro del hemiciclo, y como ha compartido la mañana de este 27 de enero Movistar Plus+ a través de sus redes sociales, se encontraba un Álvaro Morte, protagonista de la serie como ya avanzó en exclusiva verTele, caracterizado a la perfección de Adolfo Suárez.

El actor interpretó cómo el político no se amedrentó por la llegada de los guardias civiles al mando del teniente coronel Antonio Tejero (encarnado por el actor David Lorente), que irrumpieron en la sede parlamentaria mientras se desarrollaba el debate de investidura de Leopoldo Calvo Sotelo.

Eduard Fernández es Carrillo, y Manolo Solo es Gutiérrez Mellado

Pero Suárez no fue el único que hizo frente a los disparos del teniente coronel Tejero el día del Golpe de Estado. Cabe recordar que tampoco se agacharon ni el general Gutiérrez Mellado ni Santiago Carrillo, quienes en la ficción serán interpretados respectivamente por Manolo Solo y por Eduard Fernández. Éste último también tiene una llamativa caracterización como Carrillo:

El rodaje de la ficción de Movistar Plus+ producida por DLO se llevó a cabo el fin de semana del 18 al 19 de enero en la Cámara Baja, espacio que acondicionó el equipo de arte para darle un aspecto similar al que tenía en su momento.

Dirigida por Alberto Rodríguez, supone un nuevo regreso a la Transición para el director que ya ha puesto más veces el ojo en este periodo histórico con las cintas La isla mínima (2014) y Modelo 77 (2022). Su guion está escrito por una dupla ya conocida para la casa, Rafael Cobos (La peste, El gran apagón) y Fran Araújo (Hierro, Rapa).

El rey Juan Carlos, Tejero, Armada y Guerra en la serie

La ficción completa su reparto con Miki Esparbé en el papel del rey Juan Carlos I, personaje clave en la noche del 23-F y de la democracia española, David Lorente como el susodicho Tejero, Juanma Navas como el general Alfonso Armada, y Samuel López como Alfonso Guerra.

A pesar de haber mostrado dichas imágenes y haber desvelado el nombre del equipo y reparto, aún se mantiene en secreto los detalles más relevantes de esta producción, como la fecha de estreno, así como otros lugares de rodaje.

Morte no solo logró conquistar la industria del entretenimiento español, sino que también consiguió popularidad internacional gracias a su actuación como El profesor en La casa de papel. Ahora, cambia completamente de registro para meterse en la piel del expresidente del Gobierno, una figura clave de la Transición en España tras la muerte de Franco por su papel en los acontecimientos del 23-F.

Así es 'Anatomía de un instante'

El libro original es una mezcla de ensayo y novela en la que Cercas hila los datos conocidos sobre el golpe a partir de la experiencia de los tres personajes que elige como protagonistas con su propia memoria familiar. Esto se consideró un cambio en la forma de enfocar el 23-F tanto desde la ficción como en su visión social. En los últimos 15 años, el enfoque sobre el golpe ha incluido, además, la manera de analizar el papel del actual rey emérito, Juan Carlos I, en el mismo.

Esta no es la primera adapatación de la novela, pues ya había tenido una de manera teatral, como destacó en febrero de 2022 elDiario.es. Se presentó como una pieza de teatro documental y político que consistía en un relato narrado por cuatro actores y con un soporte audiovisual compuesto por fotogramas. Esa adaptación ya tuvo que pasar por un proceso de resumen, en el que el director Àlex Rigola se centró más en unos aspectos que en otros.

Imágenes del rodaje

Tras viajar a 1977-1978 con Las Abogadas, TVE tiene previsto continuar esta estela y situar al espectador en 1979 con su nuevo proyecto para el prime time: Asuntos internos, un thriller policial que narra la historia de las primeras mujeres que formaron parte de la Policía Nacional en los primeros años de la Transición; todo ello avalado por un elenco de primer nivel encabezado por Laia Manzanares, Silvia Abascal y Nacho Fresneda.

Esta ficción, que la corporación pública adquirió hace ya cuatro años y de cuya producción se lleva hablando desde finales de 2023, se ha presentado este 22 de enero en Torrespaña. Cuenta con seis capítulos cargados de tensión, acción y decisiones que pondrán a prueba los principios de sus protagonistas. “Buscábamos un thriller policial y ambientado en esa época. Asuntos internos empieza donde acaba Las abogadas y muestra una época que esta infrarrepresentada”, ha explicado José Pastor, director de Cine y Ficción de RTVE, quien también ha destacado su “enfoque feminista, que nos enamoró y que como servicio público tenemos que apoyar”. “Hay personajes femeninos muy potentes, queremos darle frescura y feminismo a través de ellas”, insiste. 

El guion, obra de Pedro García Ríos y Rodrigo Martín Antoranz, y la dirección a manos de María Togores y Samantha López Speranza, buscan equilibrar la acción policial con una narrativa “profundamente humana”. De esta manera, quiere contar la historia de tres mujeres valientes, de orígenes muy diferentes, que encontrarán en su unión la fuerza para enfrentarse a una realidad que las supera.

“En ese entorno hostil, las mujeres tienen que unirse para encontrar un hueco en la sociedad”, puntualiza el director de Ficción de Mediacrest, Gustavo Ferrada.

El elenco también ha querido hacer hincapié en estas ideas: “Trata un momento histórico poco contado, y, además, desde el punto de vista femenino”, ha comentado la actriz protagonista, mientras que Abascal señala que “es una serie de gran calidad técnica y artística, y con excelentes guiones”.

El reparto de esta ficción, que llegará próximamente a las noches de TVE, se completa con Luis Callejo, Carla Campra, Marta Poveda, Nico Romero, César Vicente, Javier Collado, Jorge de Juan, Josema Pichardo y Josean Bengoetxea, y la colaboración especial de Manuela Vellés y Miki Esparbé.

Así es 'Asuntos internos'

Es 1979, Clara Montesinos (Manzanares), miembro de la primera promoción de mujeres policía, se incorpora en la Comisaría Sudeste, una comisaría en el que la irrupción de la heroína condiciona la vida de todo el barrio. Allí, la nueva inspectora va a aprender que ser agente es mucho más duro de lo que pensó, y más en ese destino.

En su lucha por limpiar el barrio encontrará aliados inesperados: Ana (Abascal), una madre adinerada cuya hija cae en las garras de la droga, y Berta (Poveda), la mujer que trabaja en su casa. Las tres, empujadas por el coraje de quienes se saben solas, se enfrentarán a una realidad que las supera. En su carrera encontrarán enemigos con los que no contaban, amigos sorprendentes, dobles juegos, y tendrán que tomar decisiones que harán saltar por los aires sus principios y pondrán en riesgo sus vidas.

Netflix ha desvelado este jueves 9 de enero tanto el tráiler oficial como nuevas imágenes de la segunda temporada de la ficción basada en las novelas de Javier Castillo, La chica de nieve 2: El juego de alma, que llegará a la plataforma el próximo 31 de enero.

Esta segunda entrega de seis episodios cuenta de nuevo con Milena Smit en el papel de Miren Rojo para otro caso de investigación, que se verá acompañada por un nuevo compañero llamado Jaime (Miki Esparbé) en el diario Sur, al tiempo que se lanza a las calles de Málaga para investigar el caso que tiene entre manos.

Junto a ellos dos, el reparto de esta segunda temporada, dirigida de nuevo por David Ulloa y Laura Alvea, se completa con José Coronado, Aixa Villagrán, Marco Cáceres, Hugo Welzel, Luis Callejo, Luis Bermejo y Vicente Romero.

Así será 'La chica de nieve 2: El juego de alma'

“¿Quieres Jugar?”. Esta pregunta escrita en un sobre que contiene una polaroid con una joven amordazada es el comienzo de un juego macabro, el Juego del Alma, en el que la periodista Miren Rojo (Smit) apostará su vida y hasta su propia cordura.

Tras los acontecimientos ocurridos en la primera temporada de La chica de nieve, Miren investiga esta vez un colegio elitista que parece estar en el centro de la desaparición y asesinato de dos jóvenes. Lo hará junto a Jaime (Esparbé), un periodista de investigación que llega al diario Sur huyendo de su pasado e intentando recuperar su reputación perdida. Misterios, secretos, mentiras y unos personajes tan llenos de heridas como la propia protagonista.

Netflix ha comenzado a calentar el estreno de La chica de nieve 2: El juego del alma, la segunda adaptación de la saga de novelas de Javier Castillo con Milena Smit como protagonista. La plataforma de pago ha lanzado sus primeras imágenes y su póster oficial.

Esta nueva entrega de seis episodios estará protagonizada de nuevo por Milena Smit (El hoyo 2, Madres paralelas) en el papel de la periodista Miren Rojo. Miki Esparbé (El inocente, Smiley) se incorpora al elenco como Jaime, un nuevo compañero de Miren en el diario Sur y retoman sus papeles Aixa Villagrán (La virgen roja, La mesías) y Marco Cáceres.

Completan el reparto Hugo Welzel (El hijo zurdo), Luis Callejo (La noche más larga, Bajocero), Luis Bermejo (Rainbow, Magical Girl), Vicente Romero (La novia gitana) y José Coronado (El inocente, Entrevías). 

Jesús Mesas y Javier Andrés Roig (Deudas, Estoy vivo) son los encargados de esta adaptación a la pantalla que dirigen de nuevo David Ulloa (La caza. Monteperdido) y Laura Alvea (Ánimas), y que produce Atípica Films. 

Esta segunda temporada está basada en El juego del alma, bestseller publicado por Suma (Penguin Random House) del escritor Javier Castillo, que ha vendido más de 2.500.000 de ejemplares de sus novelas.

Sinopsis de 'La chica de nieve 2: El juego del alma'

“¿Quieres jugar?” Esta pregunta escrita en un sobre que contiene una polaroid con una joven amordazada es el comienzo de un juego macabro, el Juego del Alma, en el que la periodista Miren Rojo (Milena Smit) apostará su vida y hasta su propia cordura.

Tras los acontecimientos ocurridos en la primera temporada de La chica de nieve, Miren investiga esta vez un colegio elitista que parece estar en el centro de la desaparición y asesinato de dos jóvenes. Lo hará junto a Jaime (Miki Esparbé), un periodista de investigación que llega al diario Sur huyendo de su pasado e intentando recuperar su reputación perdida. Misterios, secretos, mentiras y unos personajes tan llenos de heridas como la propia protagonista.

Primeras imágenes de 'La chica de nieve 2: El juego del alma'

Más ficción española se abre hueco en Disney+, también con coartada literaria. La plataforma ha anunciado la próxima llegada a su catálogo de Invisible, una nueva serie inspirada en el best seller homónimo de Eloy Moreno.

Será uno de los últimos lanzamientos del presente 2024 en el servicio de streamer de Disney, pues su fecha de estreno es el próximo 13 de diciembre, poco antes de las Navidades. Algo que, por otro lado, se antoja apropiado para esta producción juvenil, a cargo de Áralan Films y Morena Films, y de cuya dirección se ha encargado el cineasta Paco Caballero (Amor de madre, Reyes contra Santa, Perdiendo el este).

El joven actor Eric Seijo asume el papel principal de Invisible, mientras que Aura Garrido y Miki Esparbé lideran el reparto adulto, que cuenta también con Marián Álvarez y Carlos Santos. El guion corre a cargo de Virginia Yagüe, Jota Linares, Celia de Molina y Gonzalo Bendala. Marta Velasco (Áralan Films) y Juan Gordon (Morena Films) están en la producción ejecutiva.

Cabe decir que las primeras noticias del proyecto datan del primer trimestre de 2023, si bien habían escaseado nuevas informaciones sobre el estatus de la serie desde entonces. Entonces se puso en valor la temática que se aborda, “una historia que habla sobre esa lacra llamada bullying y que necesita de manera urgente darle voz”

Sinopsis de 'Invisible'

Invisible cuenta la historia de Capi, un chico de 12 años con una vida normal, que sufre un terrible accidente que le ocasiona un severo estrés postraumático. Nadie parece tener más información: ni el colegio, ni sus amigos, ni su familia pueden explicar qué ha pasado. Sin embargo, el psicólogo que le trata sí está dispuesto a bucear en su historia y descubrir las razones que le han llevado a esa situación.

Poco a poco, Capi comienza a confiar en él y le cuenta que tiene el poder de la invisibilidad, y que las terribles pesadillas que le acechan cada noche tienen que ver con los monstruos y el dragón que le persiguen. Pero en su historia no todos son amenazas. Hay alguien que sí quiere ayudarle: una misteriosa profesora, recién llegada al instituto, que tratará por todos los medios hacer visible lo invisible.

Carlos Cuevas y Miki Esparbé son los protagonistas de la nueva serie española de Netflix, Smiley, de la que ya hemos hablado en verTele. Y para promocionar su estreno, en verTele hemos podido entrevistar a los dos actores.

La serie ha llegado en mitad de la polémica por el Mundial de Qatar 2022 en torno a los derechos LGTBIQ+ y la igualdad, por lo que Miki Esparbé espera que la ficción “lance un mensaje de igualdad y de tolerancia”.

Respecto a la polémica que rodea a algunos actores sobre interpretar personajes homosexuales sin pertenecer a la comunidad LGBTIQ+, Miki Esparbé piensa que “la orientación sexual de cualquier actor o actriz no tiene por qué condicionar la calidad de su trabajo”, y añade: “Al igual que creo en la igualdad de oportunidades al acceder a todo tipo de personajes en un casting”.

Carlos Cuevas, que interpreta un papel que ha recordado al que le lanzó la fama en Merlí, reafirma la misma postura que su compañero, asegurando que “la vida privada de los actores y actrices no debe ser tenida en cuenta para interpretar personajes”.

En cuanto a ser una historia tan cliché, normalmente interpretada por una pareja heterosexual pero esta vez siendo los protagonistas una pareja homosexual, Esparbé confiesa: “Nos sabe mal ser tan innovadores, y ser de las primeras en la que esto tiene lugar en una trama protagónica”.

En la misma línea, Cuevas defiende que “la comedia no debería ser solo paradigma y terreno de las historias heterosexuales”, tras lo que comenta con lástima que normalmente “las historias LGTBI están tintadas de dramatismo, dolor y de experiencias traumáticas”.

Smiley es la nueva serie española LGTBIQ+ de Netflix. Protagonizada por Carlos Cuevas y Miki Esparbé, la ficción adapta la obra homónima teatral de Guillem Clua, y se estrena en la plataforma de streaming este miércoles 7 de diciembre.

La serie cuenta la historia de Álex y Bruno. Álex (Carlos Cuevas) sufre de desamor después de haber tenido una cita con un chico que le gustaba de verdad. Sin embargo, este parece haber desaparecido del panorama terrenal, y no contesta a ninguno de sus mensajes. Por ello, Álex decide llamarle para desahogarse y expresar todo lo que sentía por él.

Sin embargo, marca el número incorrecto, y por cosas del destino, el mensaje acaba en el buzón de voz de Bruno (Miki Esparbé), quien lo escucha y decide devolverle la llamada. Siendo este gesto el inicio de encuentros y desencuentros amorosos entre ambos personajes que tendrán que hacer frente a problemas personales y de comunicación para poder darse una primera oportunidad para estar juntos.

La liberación de las cadenas

Dirigida por David Martín Porras y Marta Pahissa, la serie parece prometer inicialmente mucho más de lo que acaba ofreciendo. Su estructura amorosa arquetípica de desencuentros y encuentros termina difuminando cualquier buena intención de diferenciarse de otras series en lo que a calidad de guion se refiere. Su duración de 8 episodios termina siendo un “estirar el chicle” con dificultades repetidas hasta la saciedad que podrían solucionarse con una palabra: Comunicándose. Y es que los problemas de comunicación entre los personajes de la ficción es la principal traba a la que tienen que hacer frente en sus distintos niveles y tramas.

Sin embargo, si hay algo que la serie trata de conseguir y sí parece que lo hace, es la ruptura de estereotipos que rodean a la comunidad LGTBIQ+. Lo consigue principalmente con su trama protagonista, la de Álex y Bruno, mientras que las secundarias tratan de poner su granito de arena.

Es por ello que su trabajo principal parece centrarse en la ruptura de cadenas y clichés dentro de la comunidad, alejándose de estereotipos para tratar de contar una historia de amor que represente la realidad, y que se aleje de prejuicios y de la toxicidad de las apps de citas que catalogan a sus usuarios con etiquetas. Así es como Álex y Bruno se presentan a sí mismos como clichés, cada uno muy distinto al otro. Y es la progresiva eliminación de las capas superiores las que les permiten acercarse mutuamente, destruyendo toda esa coraza de prejuicios que se parecía observar al inicio.

Este es un objetivo más que conseguido por la serie, que respira naturalidad y frescura en sus historias que se van elaborando de manera orgánica. Y pese a ello, aunque la destrucción de clichés dentro de la comunidad es una tarea más que lograda, las relaciones de amor acaban cayendo en los estereotipos cotidianos de las historias románticas.

Tropezar con la misma piedra

Smiley tropieza, y lo hace en numerosas ocasiones, con la misma piedra. La historia de ambos protagonistas, en cuanto al amor se refiere, supone una réplica de otras comedias románticas que hemos visto en numerosas ocasiones. No logra diferenciarse de estos productos, y su conocida estructura termina por difuminar la experiencia en lo que a empatizar con los protagonistas se refiere, ya que el tropiezo una y otra vez en clichés amorosos conocidos termina llevando a la desesperación y al agotamiento.

Por ese motivo, no es una ficción realmente innovadora, más bien podría resumirse como un producto ligero y simple, perfecto para aquel espectador que busque comerse el mismo turrón de cada Navidad. Quien disfrute de los encuentros y desencuentros amorosos típicos de las comedias románticas, sin duda disfrutará la serie como al abrir un regalo de Navidad del que ya conoces el contenido. Para quién busque algo más, puede que tras finalizar el producto no acabe realmente saciado.

A pesar de ello, la historia de Álex y Bruno funciona, y juntos tienen varias escenas que lucen con un brillo particular de emoción, como un cálido abrazo al espectador que sonreirá levemente al verlas en pantalla.

Una equilibrada balanza de errores y aciertos

La dirección de David Martín Porras y Marta Pahissa consigue ofrecer una balanza equilibrada entre aciertos y errores. Su labor se luce a la hora de planificar los movimientos de cámara para dar cabida a los distintos relatos entre las multitudes, logrando un gran control del foco y la puesta en escena, y a la vez conseguir narrar sin pausa y de forma ligera sin que el resultado parezca metódico y demasiado artificioso.

En estas escenas tan pobladas de gente se logra transmitir el sentimiento de inmediatez del teatro, logrando que la secuencialidad de las acciones no parezcan planificadas, sino naturales y realizadas en el instante, logrando meter de lleno al espectador en el universo de la escena.

No obstante, no todo es positivo, y es que la ficción peca de recursos artificiales que le restan naturalidad al relato. Este se llena de elementos barrocos, como flashforwards, que no funcionan una vez que ya repites el recurso, y más si encima lo haces al instante. Estos se ejecutan en apoyo a la narrativa interior de los personajes, en lo que acaba siendo una inmensa sobre-explicación de sus sentimientos. En su lugar, haber confiado más en la labor interpretativa de sus protagonistas hubiera sido más útil y remaría más en favor de la historia que estas herramientas que, aunque el lenguaje cinematográfico permita su empleo, en esta ocasión acaba afectando a la naturaleza de la narración.

Por otro lado, el añadir nuevas tramas le permite a la obra teatral alargar su duración lo suficiente para convertirse en una serie de Netflix. Pero el valor reside en la creación de estas para sumar a la historia principal, o para apoyar la crítica social de la serie. En ese aspecto, las tramas se sienten bien incrustadas en la narración, y suman al conjunto.

Un tándem perfecto

Smiley goza de una buena interpretación por parte de todo su elenco, que consigue en numerosas ocasiones provocar algunas que otras carcajadas en el espectador. Sin embargo, la labor de sus dos actores protagonistas, Carlos Cuevas y Miki Esparbé, logra ponerse en el foco por su posición privilegiada.

El dúo de intérpretes funciona a la perfección, y a pesar de su notable diferencia de edad, su relación amorosa resulta convincente y no se siente extraña. Ambos gozan de carisma y cierta conexión que logra traspasar la pantalla, convirtiendo dichas escenas en algo especial y con magia. En conjunto, consiguen comunicar muy bien con la mirada, en particular Carlos Cuevas, quien en numerosas ocasiones traslada una mirada pura, humilde y con cierto brillo al espectador.

El trabajo de ambos se resume en un perfecto tándem para esta serie de Netflix, siendo ellos el principal motor de una serie que, sin mucho que aportar al género romántico, consigue ser entretenida y ligera para aquellos que busquen un producto con el que distraerse esta Navidad, pero sin ser muy trascendental.

Netflix ha desvelado el tráiler de Smiley, adaptación de la obra teatral homónima de Guillem Clua, de temática LGTBIQ+. Hasta ahora la plataforma solo había mostrado un avance e imágenes promocionales de esta nueva serie española, que ya cuenta con fecha de estreno, el 7 de diciembre.

El proyecto está protagonizado por Carlos Cuevas y Miki Esparbé, que se meten en la piel de Álex y Bruno, respectivamente. Además, Pepón Nieto, Meritxell Calvo, Giannina Fruttero, Eduardo Lloveras, Ruth Llopis y Ramon Pujol completan el reparto de la ficción.

La historia nos cuenta los encuentros y desencuentros amorosos de Álex y Bruno. El primero acaba de tener un desengaño amoroso. Se había hecho ilusiones con un chico que, al cabo de pocas semanas, le ha hecho un ghosting de manual. Y eso no le sienta bien. Coge el teléfono y se dispone a pedir explicaciones con un mensaje de voz que tendrá consecuencias de lo más inesperadas… porque se lo acaba mandando por error a Bruno, a quién no conoce de nada. Ese inocente primer equívoco es el primero de una cadena de acontecimientos que cambiará la vida de ambos para siempre.

Sobre la serie, Clua muestra su alegría porque la historia vaya a llegar a millones de personas y “que lo pueda seguir haciendo desde una plataforma tan orgullosa de la diversidad como Netflix”. Un proyecto que ha definido como su “mayor historia de amor”.

Netflix ha compartido el primer avance y las primeras imágenes de Smiley, su serie LGTBI protagonizada por Carlos Cuevas y Miki Esparbé. Además, ha desvelado que la misma llegará a su catálogo en Navidad, aunque sin concretar por ahora el día exacto de estreno.

Smiley es la adaptación de la obra de teatro homónima de Guillem Clua, quien ejerce de showrunner en esta versión televisiva, dirigida a su vez por Marta Pahissa y David M. Porras bajo la producción de Minoría Absoluta (Pòlonia y Crackòvia).

lEn En Smiley, Álex (Carlos Cuevas) acaba de tener un desengaño amoroso. Se había hecho ilusiones con un chico que, al cabo de pocas semanas, le ha hecho un ghosting de manual. Y eso no le sienta bien. Coge el teléfono y se dispone a pedir explicaciones con un mensaje de voz que tendrá consecuencias de lo más inesperadas… porque se lo acaba mandando por error a Bruno (Miki Esparbé), a quién no conoce de nada. Ese inocente primer equívoco es el primero de una cadena de acontecimientos que cambiará la vida de Álex y Bruno para siempre. 

La primera representación de Smiley se produjo en noviembre de 2012 en un pequeño teatro de Barcelona. De ahí dio el salto a los grandes teatros comerciales de Barcelona, enlazando temporadas hasta 2015, año en que la producción llenó dos teatros en Madrid. Para entonces el texto ya estaba traducido a varias lenguas y hasta el momento se ha versionado en Alemania, Grecia, Chipre, Italia, Chile, Puerto Rico, Uruguay, Perú, Venezuela, Miami, Nueva York, Colombia, Australia y Singapur.

En Navidad, la historia de Álex y Bruno dará un paso más y se convertirá en una serie de televisión de la mano de Netflix. Además de los ya citados, de ella también formarán parte Pepón Nieto, Meritxell Calvo, Giannina Fruttero, Eduardo Lloveras, Ruth Llopis y Ramon Pujol.

“Smiley es la mayor historia de amor que he vivido jamás. Y como ocurre a menudo con las historias de amor, empezó con algo muy pequeño y ha ido creciendo a lo largo de los años hasta convertirse en algo que me ha cambiado la vida. En todo este tiempo Smiley ha tocado el alma de miles de personas en teatros de todo el mundo y me hace muy feliz que lo pueda seguir haciendo desde una plataforma tan orgullosa de la diversidad como Netflix. No solo porque la historia de Álex y Bruno llegará a millones de personas más, sino porque los dos estarán acompañados por un nuevo universo entero de historias de amor LGTBI. Por eso digo que Smiley es mi mayor historia de amor. Y lo mejor es que no ha hecho más que empezar” afirma Guillem Clua, autor y showrunner de la serie.

Barcelona acoge estos días el rodaje de Smiley, la nueva serie española de Netflix. Una ficción en clave LGTBI basada en la obra de teatro homónima de Guillem Clua, que ahora ejerce de showrunner de esta adaptación protagonizada por Carlos Cuevas y Miki Esparbé, como ya recogimos.

El primero interpreta a Álex, un joven que acaba de tener un desengaño amoroso. Álex se había hecho ilusiones con un chico que, al cabo de pocas semanas, le ha hecho un ghosting de manual. Y eso no le sienta bien. Coge el teléfono y se dispone a pedir explicaciones con un mensaje de voz que tendrá consecuencias de lo más inesperadas… porque se lo acaba mandando por error a Bruno (Miki Esparbé), a quién no conoce de nada. Ese inocente primer equívoco es el primero de una cadena de acontecimientos que cambiará la vida de Àlex y Bruno para siempre. 

“Smiley es la mayor historia de amor que he vivido jamás. Y como ocurre a menudo con las historias de amor, empezó con algo muy pequeño y ha ido creciendo a lo largo de los años hasta convertirse en algo que me ha cambiado la vida”, ha afirmado Guillem Clua.

“En todo este tiempo Smiley ha tocado el alma de miles de personas en teatros de todo el mundo y me hace muy feliz que lo pueda seguir haciendo desde una plataforma tan orgullosa de la diversidad como Netflix. No solo porque la historia de Álex y Bruno llegará a millones de personas más, sino porque los dos estarán acompañados por un nuevo universo entero de historias de amor LGTBI. Por eso digo que Smiley es mi mayor historia de amor. Y lo mejor es que no ha hecho más que empezar”, ha añadido el creador en declaraciones de Netflix, que ha compartido las primeras imágenes del reparto.

El elenco principal de Smiley lo completan Pepón Nieto, Meritxell Calvo, Giannina Fruttero, Eduardo Lloveras, Ruth Llopis y Ramon Pujol. La dirección corre a cargo de Marta Pahissa y David M. Porras, y la producción de Minoría Absoluta.

Smiley llegará próximamente Netflix, una década después de la primera representación de la obra original en un pequeño teatro de Barcelona. La obra saltó de ahí a los grandes teatros comerciales de la ciudad, enlazando temporadas hasta 2015, año en que la producción llenó dos teatros en Madrid. Para entonces el texto ya estaba traducido a varias lenguas y hasta el momento se ha versionado en Alemania, Grecia, Chipre, Italia, Chile, Puerto Rico, Uruguay, Perú, Venezuela, Miami, Nueva York, Colombia, Australia y Singapur.

Netflix anunció en octubre del año pasado algunas de sus nuevas producciones para este 2022. Entre los nombres apareció Smiley, una serie basada en la obra teatral de Guillem Clua que ahora ha descubierto a sus protagonistas.

Carlos Cuevas y Miki Esparbé protagonizarán la ficción producida por Minoría absoluta (los responsables de Polònia y Està Passant en TV3), tal y como informa TVienes.

La que se definió en un primer momento como una comedia romántica que no responde a los clichés y las etiquetas, tendrá detrás de los papeles principales al actor de Merlí y al de Reyes de la noche.

Según recoge el medio, los dos actores catalanes habrían aceptado ya la propuesta de la productora y Netflix para comenzar en este proyecto. Se trata de una historia de temática LGTBIQ+ que sigue, a través de la comedia, a Álex y Bruno, dos personas que sin saberlo llevan unidas desde el día que nacieron.

La ficción podría ser la primera producción en catalán de la compañía si se cumple la solicitud de la productora en que fuera íntegramente en dicho idioma. De hecho, el anuncio de que la serie se encontraba en fase de preproducción coincidió precisamente con el contexto político que puso sobre la mesa el tema de la mayor presencia de las lenguas cooficiales.

Ambos actores ya han participado en otros proyectos de Netflix, como en el caso de Carlos Cuevas en Alguien tiene que morir, y Miki Esparbé en El inocente, esta última de la misma plataforma.

Así es 'Smiley'

Si siguen la obra de teatro, la serie abordaría a Álex y Bruno, dos personajes conforman una extraña pareja en la que sólo tienen en común que son dos hombres y que se han enamorado.

Sus personalidades son antagónicas, pero lo quieran o no, están unidos por ese hilo rojo, por más que a menudo quieran romperlo:Álex acaba de tener un desengaño amoroso. Se ha hecho ilusiones con alguien que, al cabo de pocas semanas, ha desaparecido del mapa. Y eso no le sienta nada bien.

Por su parte, Bruno no se fijaría nunca en alguien como Álex, pero un equívoco propicia que se acaben conociendo. Y lo que empieza como una cita normal y corriente, se acaba convirtiendo en un evento que cambiará la vida de ambos para siempre.

Reyes de la noche se ha convertido en una de las gratas sorpresas de la temporada de series. La ficción de Movistar+ narra la rivalidad entre los dos grandes periodistas deportivos de los 80 y los 90, con un tono de comedia que ciertamente también incluye el drama, y que claramente se “inspira” (al menos) en la guerra que mantuvieron José María García y José Ramón de la Morena.

Pese a ello, la serie creada por Cristóbal Garrido y Adolfo Valor siempre ha querido dejar claro que se trata de una ficción. Que los personajes son creados, que sus vidas son creadas, que lo que pasa es creado. Y pese a ello, en todas y cada una de sus entrevistas, hasta en la propia casa Movistar+ como en Late Motiv con Buenafuente o en La Resistencia con Broncano, la comparación ha sido continua.

Por eso la opinión de los dos periodistas ha sido tan buscada. Sin embargo, como ya recogimos en nuestra crítica, ambos se han manifestado de forma reacia. “Dicen que son personajes figurados, que ni siquiera usan nuestros nombres... ¿pero eso qué sentido tiene, si todo el mundo nos va a identificar al momento?”, comentó García en El Confidencial. “No tiene pinta de que le vaya a gustar”, dedujo sobre el segundo Juanma Castaño, que aseguró que De la Morena “torció el gesto” cuando el presentador de El Partidazo de COPE le mencionó la serie en un encuentro.

Por eso, mientras se veía la “gira mediática” de los dos protagonistas por todo tipo de medios, también muchos deportivos, crecían las ganas de verles junto al mismo José Ramón de la Morena en El Transistor de Onda Cero. Más aún cuando el periodista ha anunciado que al final de esta temporada se retirará de la radio. Un esperado encuentro que se produjo la noche de este lunes 24 de mayo.

Sabedor de que el momento incluía ciertas dosis de morbo, lo primero que quiso De la Morena es tranquilizar a los dos actores: “De verdad que no va a pasar nada. Han entrado los dos diciendo: 'nos vas a dar de hostias', y no, no”, entre las risas de Javier Gutiérrez (con el que luego explicaron que les unía una buena relación) y de Miki Esparbé, al que no conocía y con el que quiso estrechar lazos rápidamente: “Te he visto en El Inocente, y contigo hay que tener un cuidado espantoso”, le dijo refiriéndose a su personaje en la serie de Netflix.

Y realmente se trató de una charla agradable, en la que por momentos el entrevistador se convirtió en el que recordaba y contaba su propia experiencia, y los entrevistados los que le preguntaban por ella (también pensando en la segunda temporada, que ya se prepara). Pero también hubo otros momentos en los que De la Morena no disimuló que no le acababa de gustar la serie.

De la Morena, en desacuerdo con la visión de los guionistas

El periodista dejó claro que no se refería a su trabajo, explicando que eran “dos actorazos” que hacen sus papeles muy bien. Pero sí que hasta en dos ocasiones se dirigió a “los guionistas” para lamentar que “no se trata bien” a José María García (bromeando incluso con que “fíjate, yo defendiendo a García, es que tiene cojones esto”), que en la serie se “caricaturizara” demasiado a los protagonistas y personajes, entrando incluso en sus vidas familiares, y sobre todo que a su juicio no se ponga en valor cómo se apostó por el periodismo de investigación. Todo con buen tono, incluso dándoles ideas para la siguiente temporada al bromear diciendo que él no se puede creer la ficción porque Roberto Gómez no sale robándole los puros a José María García.

El locutor también se dirigió a Esparbé, explicando que Javier Gutiérrez sí le llamó para quedar explicándole que iba a hacer “de García”, pero que él no se había puesto en contacto. Algo que Esparbé respondió explicando que dado que no quería hacerle a él, ni imitarle, lo que sí le sirvió fue leer el libro 'Los silencios de El Larguero' para conocerle un poco más fuera de los micrófonos, pero dejando claro que “mi personaje, Jota Montes, no se inspira sólo en ti”.

En sus turnos de réplica, ambos actores volvieron a insistir que aunque el marco es claro, todo es ficción. De hecho, Javier Gutiérrez salió en defensa de los creadores y lamentó que “igual no se ha sabido entender” la serie, explicando que en todos ellos hay una pasión absoluta por la radio, destacando cómo sí reflejan el sufrimiento y la soledad de los dos protagonistas para alcanzar y mantener su estatus.

De la Morena dio luego paso a la participación de Carlos Bustillo (que vivió con él esos tiempos) y de Edu Pidal (más joven, nacido en el 83, y que aún no hacía radio con De la Morena). Y entre preguntas y reflexiones de todos, parecieron llegar a la conclusión de que entre el público general, el eque vivió desde fuera esa rivalidad o directamente no la vivió, la serie ha gustado mucho. Sin embargo, (y Javier Gutiérrez citó el ejemplo de José Joaquín Brotons), los que fueron protagonistas de esa guerra la han criticado, echándole en cara que no refleja la realidad, cuando ciertamente la realidad sólo es el marco en el que se inspira. “No pretendemos hacer un biopic de nadie”, aseguraron los actores.

Javier Gutiérrez y Miki Esparbé son desde el pasado viernes los Reyes de la noche de Movistar+. El actor asturiano y su homólogo catalán son los encargados de protagonizar la nueva serie original de la compañía, para la cual sus creadores, Cristóbal Garrido y Adolfo Valor, se han inspirado en la histórica rivalidad que José María García y José Ramón De la Morena mantuvieron entre finales de los 80 y mediados de los 90 por ser el líder de la radio deportiva nocturna. Eso sí, ni uno ni otro aparecen 100% representados en pantalla.

“No hemos querido retratar un biopic de De la Morena ni de García, la serie va más allá”, asegura Javier Gutiérrez en conversación con verTele. Aun así su personaje, Paco 'El Condor', es fácilmente asociable a García, pues comparte con él su característico tono ante el micrófono, su envidiable agenda de contactos, su fuerte carácter y su desmedida necesidad de pasar por encima de Jota Montes, antiguo discípulo y, sin embargo, enemigo en la lucha por el liderazgo de la noche radiofónica.

“Muchas veces les nubla la vista y no permiten que haya alguien ahí pisándoles los talones”, asegura Esparbé, que da vida a Jota en la ficción y al que los años más duros de la guerra De la Morena-García le pillaron demasiado joven. Javier Gutiérrez, en cambio, recuerda perfectamente aquellas noches de intercambios de golpes.

“Había una autenticidad que creo que se ha perdido en aras de ser políticamente correctos. Las redes sociales nos han llevado también a tener miedo de lo que se opine, de cómo se opine y del lugar en el que queda uno. Estamos como constantemente vigilados por este Gran Hermano. Y en aquella época todo esto no existía, así que había una barra libre que a día de hoy sería imposible”, afirma el actor, que cree que nuestro país no ha evolucionado lo suficiente desde entonces: “Por desgracia, en muchos aspectos España se parece demasiado a la de aquella época que estamos retratando. Creo que han cambiado muchas cosas para bien y otras se mantienen para mal”.

Los youtubers, equivalentes contemporáneos de García y De la Morena

Preguntados sobre lo más cercano que tenemos actualmente a una batalla como la que tuvieron entonces De la Morena y García, Javier Gutiérrez apunta a los youtubers y su reciente alcance con polémicas como la de Andorra. “Llega un momento en el que eso podría ser portada de un periódico, porque hay youtubers que hacen entrevistas a gente muy influyente y llegan a millones de jóvenes”, dice al actor.

Esparbé, en cambio, no tiene claro que la repercusión fuese la misma. “¿Si tuvieran una movida como éstos? Posiblemente”, dice Gutiérrez para convencerle. Aun así, uno y otro coinciden en señalar que De la Morena y García “eran tan salvajes que a día de hoy no se nos ocurre nadie tan bestia como llegaron a ser estos dos señores”.

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Decía Goyo Jiménez en su magnífico monólogo de Los americanos que nosotros, los españoles, hacemos una cosa mejor que nadie: insultar. Y entre finales de los 80 y mediados de los 90 no hubo dos españoles que se insultaran tanto y de una forma tan mediática como José Ramón De la Morena y José María García. Cada noche, uno y otro se dedicaban toda clase de improperios como parte de una guerra sin cuartel por el liderazgo de la radio deportivo nocturna. El primero, desde los estudios de la Cadena Ser. El segundo, ante los micrófonos de Antena 3 Radio, primero, y de la Cadena COPE, después.

La suya fue una de esas rivalidades que dejan huella. Un 'Real Madrid de Mourinho vs. Barcelona de Guardiola' de las ondas radiofónicas representado por dos figuras que, para bien y para mal, eran el fiel reflejo de una época donde la corrección política brillaba por su ausencia y el periodismo deportivo jugaba un papel muy superior al actual dentro de la industria del fútbol. Porque García y De la Morena sabían insultarse, sí, pero también sabían ser influyentes y dar la información que nadie más daba antes de que los clubes se 'bunkerizaran' para desgracia de los medios deportivos.

Ahora, aquellas noches de gloriosa radio, periodismo salvaje y rivalidad encarnizada vuelven a la palestra de la mano de Reyes de la noche, la nueva serie original de Movistar+. Una ficción creada por Cristóbal Garrido y Adolfo Valor a partir de la guerra García-De la Morena, la cual han tomado prestada para contar otra batalla sin cuartel: la de Paco 'El Cóndor' y Jota Montes, dos compañeros de emisora que acaban convirtiéndose en crueles enemigos.

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El primero, interpretado por Javier Gutiérrez, es el locutor estrella de Onda España, donde presenta desde hace años 'Tiempo de descuento', el programa líder de la radio deportiva nocturna. Se trata de un periodista acostumbrado a codearse con el poder y a que nadie le lleve la contraria. Un hombre de fuerte carácter que, sin embargo, siente cierta debilidad por Jota, al que ve como su futuro sucesor.

Y así acaba siendo, aunque no por la retirada de 'El Cóndor', sino por una sorprendente oferta que su pupilo acepta para asumir su puesto en el programa. Eso sí, sin medir lo que supone tener como enemigo a su antiguo jefe, ahora convertido en flamante fichaje de Radio 9.

'Reyes de la noche' funciona como serie y retrato histórico

Aunque los responsables de Reyes de la noche, incluido el propio Javier Gutiérrez, han dicho por activa y por pasiva que Paco 'El Cóndor' no es un trasunto de José María García, lo cierto es que el perfil y la presencia del personaje, los hechos que le rodean y, sobre todo, las escenas excelentemente radiadas por el actor -solo le falta decir “ojo al dato” y “saludos cordiales” para clavar a García-, rápidamente invitan a pensar lo contrario.

Menos clara está la asociación de Jota Montes como José Ramón De la Morena, pues el actor catalán parece haberse inspirado en otras figuras como Paco González y Manolo Lama antes que en el de Brunete. Aun así, las semejanzas entre ambos están ahí. Básicamente porque Montes, al igual que De la Morena en sus inicios en El larguero, llega con aires de cambio y con ganas de dejar atrás las dudosas prácticas periodísticas de 'El Cóndor', aunque por el camino acabe entrando en terreno pantanoso.

Protagonistas a parte, Reyes de la noche es una serie que rinde de manera sobresaliente a casi todos los niveles. En lo visual luce modesta -sobre todo las escenas en el estadio de fútbol-, pero narrativamente hablando es un in crescendo constante que te deja con ganas de más a la conclusión de los seis episodios que componen la primera temporada, de apenas 30 minutos de duración.

La comedia, sin llegar a la carcajada, está muy bien medida y funciona como un reloj. Las tramas más dramáticas y que más se desvían del duelo entre 'El Cóndor' y Jota, aunque despiertan un interés menor -en especial las relacionadas con la familia del primero-, dan aire a la historia principal y tienen su importancia en el devenir de los hechos. Y como retrato histórico, la obra de Garrido y Valor es un destacable acercamiento a aquellos años de icónica radio.

García y De la Morena, reacios a la serie

Cierto es que los nombres de varios protagonistas están cambiados -incluido el de la tercera en discordia, Marga Laforet (interpretada por Itsaso Arana), equivalente a Gemma Nierga en sus inicios en Hablar por hablar -, que algunos personajes no existieron en la realidad (aunque aparece el inimitable Jesús Gil, interpretado por Manuel Gancedo) y que la serie no se rige por la cronología real de la guerra García-De la Morena, pero mucho de lo que se cuenta en pantalla ocurrió realmente y permite hacernos, grosso modo, una idea de cómo fue aquella legendaria etapa de la radio deportiva española.

Una época cuyo salvajismo Reyes de la noche no alcanza ni aspira a alcanzar, pues sus creadores, a partir de una trabajada documentación que se aprecia en los propios guiones, parecen ser conscientes de que en la rivalidad entre José María García y José Ramón De la Morena la realidad casi siempre superaba a la ficción.

Partiendo de esa dificultad para retratar el ambiente, Reyes de la noche consigue ser un producto equilibrado que funciona como ficción y como documento histórico. Lo que hace que la serie sea apta para quienes se pasaron aquellas noches pegados al transistor, para quienes desearían haberlo hecho y no pudieron hacerlo, y para quienes simplemente quieran disfrutar de una sobresaliente serie de comedia y tintes de drama.

No parece que vaya a ser el caso de García y De la Morena. “Dicen que son personajes figurados, que ni siquiera usan nuestros nombres... ¿pero eso qué sentido tiene, si todo el mundo nos va a identificar al momento?”, comentó recientemente el primero en El Confidencial. “No tiene pinta de que le vaya a gustar”, dedujo sobre el segundo Juanma Castaño, que aseguró que De la Morena “torció el gesto” cuando el presentador de El Partidazo de COPE le mencionó la serie en un encuentro reciente.

El tercer capítulo del remake de Historias para no dormir ya está en marcha. Miki Esparbé, Adriana Torrebejano y Carlos Santos protagonizan el episodio dirigido por Paco Plaza, cuyo rodaje ya ha comenzado. El autor de Verónica y Quien a hierro mata ha tomado ya el testigo de Rodrigo Cortés y Rodrigo Sorogoyen, realizadores de las dos primeras entregas de la nueva versión de la icónica serie.

Con título Freddy, trasladará a los espectadores al rodaje de la serie original cuarenta años atrás, donde el ventrílocuo protagonista establece una inquietante relación con su muñeco. André (Esparbé) es un pésimo actor a punto de perder su trabajo, incapaz de declararse a la mujer de sus sueños (Torrebejano) que, por consejo del director Chicho Ibáñez Serrador (Santos), comienza a trabajar con un misterioso muñeco de ventrílocuo que le ayuda a deshacerse de sus inseguridades y a tomar las riendas de su destino, desencadenando una serie de macabros sucesos que llevan al rodaje a un punto sin retorno.

Es el tercero de los cuatro relatos auto conclusivos que devolverá al mundo de los vivos las pesadillas de Historias para no dormir, la ficción de Chicho Ibáñez Serrador que revolucionó el panorama televisivo de los años 60. VIS, una división de ViacomCBS Networks International, produce junto con Prointel e Isla Audiovisual esta adaptación para Amazon Prime Video y RTVE. Su reparto lo completan Enrique Villén, Ismael Martínez y Maru Valdivielso.

Freddy completa la tercera de las reelaboraciones libres de cincuenta minutos de duración que conforman la serie de formato de terror. El último capítulo será El Asfalto, bajo la dirección de Paula Ortiz.

Lo que sabemos de los dos primeros episodios, ya rodados

La Broma es el título del primer capítulo de la nueva versión de Historias para no dormir. Rodrigo Cortés fue su director, que contó como protagonistas con Eduard Fernández (30 monedas), Nathalie Poza (La Unidad) y Raúl Arévalo (Antidisturbios). Encarnan a un triángulo de personajes poco edificantes dispuestos a traicionarse entre sí en cuanto su interés personal así lo aconseje.

Su sinopsis reza: “La Broma es tanto un divertimento cinematográfico como una historia de diálogos, personajes y atmósfera que provocará en el espectador más de una risa culpable, mostrando que la codicia -como cualquier otra pulsión humana- puede ser terrible y cómica a la vez”.

El doble, por su parte, fue dirigido por Rodrigo Sorogoyen y liderado por Vicky Luengo y David Verdaguer. Daniel Remón firmó el guion junto al propio Sorogoyen, de este perturbador relato que traslada a los espectadores a un futuro no muy lejano. A un mundo cada vez más deshumanizado, en el que la inteligencia artificial y las máquinas ocupan un enorme y creciente espacio en las relaciones humanas.

Dani (Verdaguer), un tipo común de mediana edad atraviesa un mal momento con su pareja (Luengo). En un intento de salvar su relación, toma una decisión que les obligará a replantear la esencia de su identidad como pareja.

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