¿Quién decía que el humor absurdo en España estaba en horas bajas? Para quienes se refugiaban en clips nostálgicos del pasado, Atresplayer acaba de dar un golpe de realidad en la mesa… o más bien de surrealismo. Rafaela y su loco mundo se presenta como una serie delirante y distópica, pero profundamente libre en su paranoica concepción. La ficción desembarca en la plataforma de Atresmedia este domingo, 15 de febrero, recuperando esa comedia chanante tan característica y que tantas alegrías dio a muchos espectadores en otros tiempos.

El grupo audiovisual describe a Rafaela, el eje alrededor del que giran todas las tramas, como una adolescente que forma parte de una familia “altamente funcional”. Hasta aquí, nada fuera de lo común. Sin embargo, ya los primeros minutos de la serie evidencian que esta descripción poco se ajusta a nuestra manera de entender la vida. A la suya sí, a la perfección de hecho. La madre aparece en escena con una curiosa afición a disfrazarse de absolutamente cualquier cosa, formando tándem con un padre que se gana la vida como inventor. ¿Qué puede salir mal? Nada y todo a la vez.

Y como en nuestro día a día, las amistades son fundamentales para vivir aventuras. Es en este momento cuando Corpus, Chelo y Debo completan una ecuación completamente estrambótica. A lo largo de los episodios, este variopinto grupo se enfrenta a innumerables peligros sin ningún tipo de sentido para salvar al mundo antes de que el periodo adolescente llegue a su fin. Tiene especial gracia el asunto porque sus intérpretes superan ampliamente la edad de sus personajes. Tampoco podemos olvidarnos de la abuela, que, para ser honestos, no tiene descripción posible.

Quizás, la gran baza de esta producción —creada por Aníbal Gómez y dirigida junto a Ernesto Sevilla— es su honestidad. La serie para nada está diseñada con el objetivo de gustar a todo el mundo, sino que se dirige a un 'espectador huérfano' que disfrutó como nunca con La Hora Chanante o Muchachada Nui, pero dándole un envoltorio completamente nuevo. No lo decimos nosotros: Atresmedia presume abiertamente de que Rafaela y su loco mundo es “la sitcom de tripi que no sabías que necesitabas”.

Un reparto que entiende el código chanante

Esta producción no aspira a ser un título aclamado en todos los festivales, y ahí es precisamente donde reside su fuerza. El equipo es consciente de que su público no busca realismo, sino una vía de escape que va mucho más allá de lo bizarro. No obstante, lograr que el surrealismo funcione requiere una absoluta entrega por parte de su elenco. En este sentido, aprueba con nota. Para ser honestos, debo compartir una confesión: me resulta imposible ver a Carlos Areces caracterizado como Chelo y aguantar las carcajadas.

Ingrid García-Jonsson interpreta a Rafaela, probablemente el personaje con mayor cordura dentro de este delirio que impera en cada trama. La actriz ha demostrado una enorme capacidad de adaptación a este núcleo chanante, mimetizándose con un entorno sumido en el caos. Y también es digna de mención su evidente sintonía con este triunvirato del absurdo compuesto por Joaquín Reyes, Carlos Areces y Aníbal Gómez, quienes dan vida a las amigas Debo, Chelo y Corpus respectivamente.

El núcleo duro de esta serie, como se diría popularmente, está en su salsa. Estos papeles que interpretan les vienen como anillo al dedo, trayendo de nuevo la comedia bizarra a nuestra pequeña pantalla. En definitiva, una fórmula muy reconocible entre su público nicho a la que Arturo Valls y Carmen Ruiz también han sumado enteros. Ambos son piezas clave que aportan todavía más capas de sinsentido a esta distopía. Son la prueba fehaciente de que en el mundo de Rafaela siempre hay espacio para un giro de tuerca más.

Acierto con la duración de cada episodio y con los visuales de la serie

La industria audiovisual continúa evolucionando, pero podría decirse que Rafaela y su loco mundo se mantiene fiel a dos títulos pioneros en lo que respecta a su duración. Al igual que Muchachada Nui o La Hora Chanante, los capítulos de la serie de Atresplayer se extienden entre 20 y 30 minutos. Un tiempo en pantalla más que suficiente para cerrar las tramas que se presentan en cada entrega. Eso sí, es difícil resistirse a pulsar el botón de “reproducir siguiente” cuando el espectador se siente ávido de humor delirante.

Por otro lado, merce mención el trabajo del equipo creativo a la hora de hacer realidad ese universo disparatado y carente de sentido. La casa de Rafaela funciona como ese espacio capaz de trasladar al espectador la locura imperante en cada entrega; de hecho, se percibe como una atmósfera que sirve como antesala de la narrativa chanante. Es el lugar donde lo cotidiano —comer, sentarse, mirarse al espejo o simplemente conversar— se vuelve una performance. La dirección artística convierte absolutamente cada estancia en una viñeta de cómic.

¿Cuál es el veredicto para 'Rafaela y su loco mundo'?

Rafaela y su loco mundo no es, bajo ningún concepto, una serie apta para personas sin sentido del humor, alérgicas al absurdo o que busquen una narrativa convencional. Cada capítulo se despliega como una fiesta de pijamas donde el surrealismo es un invitado de honor que permite recuperar el sello chanante sin complejos.

Al terminar de verla, me doy cuenta de que no soy capaz de definir lo que he visto. Y esa es, sin duda alguna, la mejor conclusión que puede resultar de esta crítica. En un mundo de contenidos predecibles y que apuestan por lo mainstream, este caos es un auténtico regalo.

Atresmedia ha lanzado el tráiler de Rafaela y su loco mundo, la serie que mezcla todos los delirios de dos universos interconectados: los del mítico programa La hora chanante y el grupo de música Ojete Calor. De la extraña fusión surge esta comedia surrealista creada por Aníbal Gómez a partir de su libro El alucinante mundo de Rafaella Mozarella, la cual todavía no tiene fecha de estreno.

El autor, junto con Ernesto Sevilla, dirige esta comedia irreverente que mezcla estética pop y referencias chanantes. De hecho, Carlos Areces y Joaquín Reyes son dos de sus protagonistas. Ellos dos y Gómez interpretan a las tres grandes amigas del Rafaela, la protagonista, a la que da vida Ingrid García-Jonsson. El resto del reparto principal lo completan Arturo Valls, Carmen Ruiz, Pepa Cortijo, Laura Weissmahr y Luis Callejo completan el elenco. Además, la serie cuenta con personajes episódicos y cameos de la mano de Esty Quesada, Gakian, Victoria Martín, Javier Botet o Hidrogenesse, entre otros muchos.

Rafaela y su loco mundo, que contará con ocho episodios autoconclusivos de 20 minutos cada uno, está producida por Atresmedia en colaboración con Estela Films, Pólvora Films, Boomerang TV y Tenampa Films. Montse García, Arturo Valls, Félix Tusell Sánchez, Carmela Martínez Oliart, Bárbara Castellanos y Jorge Pezzi son los productores ejecutivos. Tras el guion está Aníbal Gómez, con Daniel del Casar como analista. La Dirección de Producción corre a cargo de Carmela Martínez Oliart. Enrique Silguero se encarga de la Dirección de Fotografía, mientras que Miguel Junquera y Bárbara Gil hacen lo propio con la Dirección Artística. Diana García Moreno es la encargada de Vestuario y Ángela Centeno de Maquilla y Peluquería.

Sinopsis de 'Rafaela y su loco mundo'

Rafaela es una adolescente en una familia altamente funcional formada por papá, mamá, la abuela y ella. Su madre es ama de casa aficionada a disfrazarse, su padre es inventor y tiene una máquina del tiempo, y su abuela es su abuela. Con la compañía de sus amigas Corpus, Chelo y Debo, sin olvidar a su caniche, pasarán por situaciones surrealistas, alocada y delirantes que las harán madurar como grupo, como personas y como caniche, respectivamente. Todo ello, con un objetivo claro: salvar el mundo antes de que se les acabe la adolescencia y tengan que incorporarse a la vida adulta.

Sentarse delante de Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla y Miguel Esteban para entrevistarlos no es necesariamente una tarea sencilla. Ya hay que demostrar rapidez de reflejos para anticiparse a las réplicas que, con el gracejo ya reconocible, lanzan a nivel individual. Así que imaginen cómo se complica la tarea cuando los tres coinciden. Más cuando la jornada de entrevistas promocionales se alarga y hace que su discurso tienda a irse hacia la bufonada, al gag para mantenerse frescos.

Esta faceta desenfada y absurda es más que conocida después de 20 años de trayectoria iniciada con La hora chanante, donde nos malacostumbraron (a ellos mismos y a los espectadores) a “hacer lo que les diese la gana”, como decían hace escasos tres meses, al celebrar la efemérides de aquel programa. “Lo que estamos haciendo ahora es mejor”, afirmaban entonces, refiriéndose a Pobre diablo, que se aparece al público a través de HBO Max. Estrenada este viernes 17 de febrero, tras un lustroso paso por festivales como el de Sitges, la propuesta supone un salto decidido al medio animado, que no les era desconocido en absoluto, pero que habían trabajado en píldoras, con planteamientos más estáticos.

Esta es, pues, una demostración de músculo y también una reivindicación de una industria, la de la animación, en la que no faltan referentes artísticos pero sí ejemplos (por más que filmes como Unicorn Wars permitan mostrar que hay margen para el desarrollo). “La gente no tiene muy claro que en España se puede hacer animación con nivel”, opina Sevilla, que destaca las posibilidades del formato a nivel expresivo. “En el humor te da más libertad para tratar muchas cosas”.

En la conversación hay espacio para citar toda clase de referencias, como ocurre en sus propias creaciones. También, para que ratifiquen su forma de entender el humor (“no me gusta la comedia en la que nos personajes sean cínicos y antipáticos”, apunta Reyes) y para que, siguiendo con la temática de la serie, se precien de no necesitar ayudas faustianas para mantenerse en la industria y hacer carrera: “Nosotros somos el ejemplo de que no cuesta”, bromean. “Somos un ejemplo muy malo”.

Durante la presentación de 'Pobre Diablo' en Serielizados, Ignatius Farray dijo que estabais haciendo comedia con personajes buenos. Y lo cierto es que para tratarse de una comedia satánica, con mucha violencia, es muy fácil encontrar esa empatía en las tramas. ¿Es complicado no dejarse llevar por el cinismo para hacer comedia en nuestros días?

JOAQUÍN REYES: Es una cosa que hacemos conscientemente, que los personajes no sean antipáticos es una cosa que hacemos conscientemente. A mí no me gusta la comedia en la que nos personajes sean cínicos y antipáticos.

MIGUEL ESTEBAN: La discusiones y los insultos provocan muchísimo rechazo como espectador.

ERNESTO SEVILLA: Las discusiones son un truco que usan en los culebrones porque rellenan muchas páginas.

M.E.: Es la forma más fácil de hacer un conflicto: echándotelo a la car.

J.R.: A nosotros nos gustan los personajes positivos y tiernos. En esta serie los personajes que sufren se lo merecen. Por la temática de la serie, que habla del bien y el mal, era muy importante que se repartieran los castigos severos.

M.E.: Nos gustan los personajes positivos, tiernos, y nos gusta que el conflicto se desarrolle a pesar de las buenas intenciones de los protagonistas.

J.R.: El personaje que podía ser más negativo, que es Satán, el padre sobreprotector que está obligando a su hijo, es comprensivo y sabe ver lo bueno que tiene su hijo. Es tierno y lleva la voz de Ignatius, que tiene todos matices. Es un personaje iracundo pero tierno. Y además, canario, que ya es el recopetín.

La animación te ofrece muchas posibilidades, en el humor te da más libertad para tratar muchas cosas

Ernesto Sevilla

La animación ha estado presente en vuestro trabajo desde los tiempos de 'La hora chanante' y se ha impregnado hasta trabajos recientes como 'Cámera Café', con la secuencia del bucle espaciotemporal inducido por el LSD. Ahora bien, siempre era desde el sketch, de las pequeñas piezas. De hecho, ya 'Cámera Café' la película tiene mucha energía de cartoon. ¿Sentís que la animación resulta el mejor medio de expresión para vuestras propuestas?

M.E.: Es verdad que hay una diferencia entre el tono habitual de la animación y el de las series de imagen real, pero por ejemplo Muchachada Nui era como una animación en imagen real.

E.S.: La animación te ofrece muchas posibilidades, en el humor te da más libertad para tratar muchas cosas. En la violencia, por ejemplo: te permite hacerla de una manera que en acción real te podría hasta despistar. Si en acción real te pasas de realista, la violencia te puede dejar en shock.

J.R.: La animación estiliza. El propio género te lo permite. Si piensas en la animación de Tex Avery, fue revolucionario por cómo trataba la violencia. Se lo permitía la animación e hizo cosas increíbles.

La trama se ambienta en un Nueva York que muchos conocemos a través del cine, como también podemos conocer los tropos del satanismo por la ficción y los productos culturales. Y la serie se arma con infinidad de referencias: de 'La semilla del diablo' a 'El ejército de las tinieblas'. ¿Es una forma de referencialidad cinéfila o cultural, es una forma también de salirse de los cánones más realistas de representación y sorprender?

M.E.: Esa era nuestra idea desde el principio. Ellos no tienen ningún pudor en contar historias de otros países y culturas, ponen a actores hablando inglés y cometen errores garrafales, y no pasa nada. Sin embargo, nosotros parece que tenemos el miedo de que no nos podemos atrever. Pues claro que lo podemos hacer. Y aceptando que puede haber errores. Por otro lado, esta es una serie que más que mirar a la realidad, como has dicho, mira al cine.

E.S.: Es un Nueva York que conocemos del cine y las series. Es casi una localización fantástica.

M.E.: En ese sentido, nos funcionaba mejor Nueva York, porque es el plató de las películas y series universales, que hacerlo aquí en Madrid, que por otro lado es donde rodamos todo lo que rodamos. Nos apetecía escaparnos y buscar ese referente, más que real, el propio del cine. Lo decía Tarantino, que sus películas beben del cine.

E.S.: Es el cine sobre el cine.

En la serie hay muchas alusiones a lo terrible que es el mundo de la interpretación, y a cómo hay poco menos que vender el alma a Mefisto para seguir adelante. ¿Cuesta hacer carrera en este mundillo sin sentir que vendes el alma?

M.E.: Nosotros somos el ejemplo de que no cuesta tanto [risas].

E.S.: De hecho, no nos ha costado nada. Somos un ejemplo muy malo [risas].

M.E.: Pero somos conscientes de lo difícil que es. Y como conocemos este mundo, es fácil acabar escribiendo sobre él, porque te rodea. Los actores y los artistas nos parecen unos personajes muy tiernos porque son el personaje que mejor representa la búsqueda de la aceptación: queredme, quiero que me veáis en la tele, que me digáis que tengo talento y me deis cariño. Eso es muy tierno. Muchas veces va acompañado de talento y de una intención artística, y otras solamente se basa en el 'dame un abrazo'.

E.S.: Se supone que los actores tienen que tener algo de talento, pero con las redes sociales puede ser simplemente lo de 'quiéreme'. Quiero llamar la atención.

J.R.: Y cimbrearte.

Tenemos suerte porque podemos jugar con diferentes tipos de comedia. Desde el principio ha sido una seña de identidad

Joaquín Reyes

La colaboración creativa entre los tres viene ya de largo. Por experiencia después de tantos proyectos, ¿cómo creéis que habéis evolucionado como tridente creativo? ¿Hacía qué dirección creéis que vais también? Capítulos como el séptimo abren una puerta a otras direcciones.

M.E.: Llevamos mucho tiempo trabajando y nos apetece seguir trabajando muchísimo más tiempo. Por lo menos por mi parte... No contestéis tampoco [risas]

E.S.: Vamos a seguir trabajando juntos y de hecho tenemos un montón de frentes abiertos. Vamos a seguir haciendo televisión, queremos hacer una peli más, más animación...

J.R.: La suerte que hemos tenido desde el principio es que hemos tenido proyectos muy diferentes, o que nos han permitido jugar con muchos registros. Por ejemplo, esta serie de animación, otra serie que queremos hacer también... En esta misma serie ese capítulo especial que tú decías, que nos permite explorar otros géneros y otros registros... Tenemos suerte porque podemos jugar con diferentes tipos de comedia. Desde el principio ha sido una seña de identidad.

M.E.: Podríamos llegar a aburrirnos rápido de algo, así que buscamos. Hacer La hora chanante o Muchachada Nui es la ilusión absoluta, me imagino, porque al tener sketches se cambia de registro todo el tiempo. Museo Coconut fue una sitcom mucho más clásica; y en Capítulo 0 también buscábamos la variedad, que cada capítulo fueran personajes nuevos, una historia nueva y una propuesta nueva. Eso es muy estimulante y es lo que pasa en este capítulo 7. Creemos que el espectador lo va a apreciar, pero también es por nosotros porque es más divertido hacer algo diferente.

J.R.: Yo quiero hacer una radionovela [risas] Y ahora con el podcast me veo más reforzado, pero ellos siguen con el 'si quieres arroz, Catalina'.

E.S.: ¿Y el disco de versionar grandes éxitos con silbidos?

J.R.: Pero eso era con el ojete, ¿no?

E.S.: Con el ojete... Melodías simples, ¿eh?

M.E: [agarrando a Joaquín y Ernesto] ¡Vamos a hacer muchas cosas juntos!

Vuestro grupo estaba ya muy consolidado. ¿Qué os ha aportado la entrada como guionista de Helena Pozuelo?

M.E.: Helena nos aporta que es una persona más joven, una mujer y nos ayuda mucho a refrescar ideas y a adoptar otros puntos de vista. Ha venido muy bien en ese sentido.

E.S.: ¿Es una mujer? [risas]

M.E.: Es muy amiga, tenemos mucha confianza con ella y es una cómica estupenda, y nos apetecía mucho trabajar con ella.

Vosotros que os habéis lanzado a la animación adulta en plancha. En los últimos años ha habido no pocos ejemplos de éxito en el cine español. ¿Por qué creéis que es un terreno tan inexplorado en la televisión patria? ¿Solo una cuestión de complejidad logística o de prejuicio?

M.E.: No sabemos por qué. Creemos que nadie se lo ha planteado, y como no hay costumbre sigues haciendo lo que se hace, y a alguien le cuesta ser el primero. Nos haría mucha ilusión, y esperamos que suceda, que las plataformas se dieran cuenta de las cosas que se pueden hacer. Toda la serie se ha animado en España, el estudio Rokyn está en Granada y son estupendos, y hay un montón de escuelas de animación estupendas que pueden hacer series a un nivel internacional en lo técnico. Y en cuanto a ideas creativas, hay un montón de gente que podría liderar proyectos de este tipo.

J.R.: En las redes sociales hay mucha gente de la animación que estaría bien que se le diera la oportunidad de poder desarrollar un proyecto así. Es una Nosotros no hemos encargado nada fuera [de España], como en otras series infantiles que sí han hecho animación fuera.

E.S.: Creo que la gente no tiene muy claro que se puede hacer animación con nivel aquí en España.

J.R.: Es verdad que la animación tiene un proceso largo, tiene sus tiempos... Obviamente una serie de imagen real la vas a hacer en menos tiempo. Pero no creo que sea eso. Como dice Miguel, creo que no se ha planteado.

M.E.: Como decías, está la secuencia de Cámera Cafe, que hizo Soy Rafillo. A mí me encantaría ver una serie de animación de Soy Rafillo, qué maravilla de serie sería eso. O de Borja Pakrolsky, de Christian Flores... Hauy muchísima gente que ojalá tuvieran una serie y les dieran la oportunidad.

*'Pobre Diablo' está disponible al completo bajo demanda desde el viernes 17 de febrero en HBO Max.

“Las películas no deberían ser tu único referente”, aconsejan a Stan, el hijo del Anticristo, después de que este equipare sus andanzas a las del esquema prototípico de las comedias románticas estadounidenses. La sugerencia se torna irónica, pues se inserta en una serie, Pobre diablo, argamasada precisamente con un empastado multirreferencial. No solo las que conjuran la temática satánica de su argumento, las aventuras en la Tierra del vástago de Satán, reacio a seguir los designios de su padre; sino las que sirven para componer el escenario mismo donde transcurre, un Nueva York libérrimo, entendido como sucesión de lugares de paso que el público, y sus creadores mismos, Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla y Miguel Esteban, han transitado a través de la pantalla.

La coartada luciferina, trabajada desde una perspectiva agnóstica y ligera, partiendo del tópico reconocible como ya lo hiciera La semilla del diablo, resulta tan irreal como la ambientación en un mundo ajeno a priori real. Pretendidamente existe, lo hemos imaginado o concretado en imágenes, pero no lo hemos palpado. De ahí se trabaja una sensación de liberación total sobre la que construirse y con la que desarrollarse, como ya ocurriese con las continuidades que atravesaban La hora chanante (2002-2007) hace ahora 20 años.

Amparada por HBO Max, Pobre diablo supone tanto una evolución formal como una reivindicación de una manera de entender el humor alejada de coyunturas. Un humor que tiende siempre hacia el absurdo, pero que no pierde en su formulación una cierta ingenuidad.

Esa candidez está representada con el personaje principal, Stan, un adolescente en pugna con su terrible destino como aniquilador de la humanidad recién llegado a una Tierra que solo ha conocido a través del audiovisual, y a cuyas maldades y rutinas es ajeno. Frente a lo grandioso, y funesto, de su cometido, la criatura, y la serie por extensión, se refugia en las situaciones mundanas, en anecdotarios que le permiten rehuir de sus responsabilidades, como en un paréntesis eterno. La alusión a El príncipe de Zamunda en clave pandemoníaca, que el trío hacía explícita en su puesta de largo en festivales, es plena, no solo en cuanto a lo puramente narrativo, sino también al cariz desenfadado que impera.

No cuesta encontrar el paralelismo entre esta y las inmediatamente previas Cámera Café. La película y Dos años y un día, que contaron con la totalidad o parte del mismo talento en labores creativas (Reyes y Esteban escribieron el guion del filme, que dirigió Sevilla, quien también firmó los dos mejores episodios de la sátira de Atresplayer Premium, con Esteban entre sus artífices): ese Nueva York construido a base de postales cinematográficas (el piso del edificio Dakota de La semilla del diablo, el Carnegie Hall, el Central Park de los créditos de Friends) es un hábitat controlado como la oficina del largometraje y la cárcel de la sitcom, despegado de la realidad y de sus códigos. En ambas se apreciaba ya una energía de cartoon evidente en la forma de operar la cámara, con travellings impetuosos y barridos para acelerar el ritmo. El cambio de medio le sienta bien al terceto creativo, ayudados aquí por Rokyn Animation para romper el estatismo de anteriores emprendimientos como Enjuto Mojamuto y Maricón y Tontico. Pobre diablo parece acomodarse en esas coordenadas capítulo a capítulo, alcanzando su mejor expresión en los episodios 5 y 6, los que mejor enhebran sus tramas y los que lo hacen, además, con mayor febrilidad.

Pero febrilidad no es sinónimo de inconsciencia. No necesariamente, al menos. Las alusiones a problemáticas del presente más inmediato están ahí: el segundo capítulo aborda el estereotipo de los incels; el tercero pone el foco en el cambio climático y el control de armas; el sexto introduce a trasuntos paródicos de los grandes multimillonarios de las telecomunicaciones como Elon Musk o Jack Ma. Hay no pocas oportunidades de cargar las tintas, y no faltan los pasajes ennegrecidos (chistes sobre pedofilia que se intercalan en la primera y tercera entregas; la aparición de Marlon Brando como entidad de mantequilla, que remite al tumultuoso rodaje de El último tango en París), ni las explosiones de una violencia. Una violencia puramente funcional, siempre concebida para el efecto humorístico, no necesariamente como castigo o expiación. Aun tratándose del Anticristo mismo, Stan sirve como elemento de contraposición, personificando una idea de lo políticamente correcto, en un ejercicio de extrañamiento pues su condición supone ya una burla de lo normativo, de la leyes que persisten en la mentalidad colectiva.

Eso hace que la serie se bascule entre arrebatos de visceralidad -momentos que hacen recordar a experimentos como el corrosivo corto Yo, Simón de Esteban- con una comedia predominantemente blanca, preocupada por hacer sentir bien al público. Por eso, Pobre diablo resulta sorprendentemente tierna en su raíz. O quizás no tan sorprendente, si se ha acompañado a los chanantes en su trayectoria, pues estos han trabajado un humor, además de generacional (la retahíla de guiños que lo componen), principalmente candoroso, que reniega de la maldad. Ni siquiera Satán (con voz de Ignatius Farray) parece ser objeto de admoniciones incluso cuando presenta actitudes, digamos, reprobables; como tampoco lo es Mefisto (Ernesto Sevilla), padrino gatuno de Stan en cuyo dibujo se apreciaría la influencia (filosófica y etílica) del perro Brian de Padre de familia. Todos o casi todos son, en mayor o menor medida, redimibles.

“Realmente yo reivindico la chorrada, la tontuna”, defendía Reyes a este respecto en una entrevista para Ctrl al hilo de la presentación de esta comedia. Frente al capeado ideológico del humor consciente o comprometido, la tendencia al metagag, a dar vueltas en torno al sentido del chiste, invitando al público a encontrarlo rellenando los huecos entre referencias y parafraseados. La hora chanante y Muchachada Nui funcionaban por su función de apelar al espectador a descubrir y compartir ese código, que no podría entenderse troceado, en solitario, que sería solo una pamplina o un memo juego de palabras.

La evolución se dirige, pues, a una progresiva sofisticación formal, como ya lo fue Capítulo 0 previamente, pero también a involucrarse sobre los avatares escogidos para plantear esta narrativa, para apelar de otro modo a esa generación que ha crecido con ellos en los últimos veinte años. La fuga hacia terrenos dramáticos hasta ahora poco explorados que se permiten en el séptimo episodio, de un modo similar a lo que fue el notable Mi padre, de la mencionada ficción antológica de Movistar Plus+, es el ejemplo más claro. Ahora bien, su inclusión justo antes del desenlace también hace que se rompa la inercia de desenfreno previa y deje algo desubicada a esa última entrega en su vuelta a lo grotesco. Esas inconsistencias son inevitables en ese equilibrio, máxima cuando la serie quiera asimilar, o al menos favorecer, ciertos valores positivos, frente a los que se entregan puramente a la acracia total.

En ese aspecto, Pobre diablo funciona por la sencillez del poso bajo esa sopa posmoderna, bajo el esperpento humorístico, esa búsqueda del amor que impele a Stan. Un amor que hasta ahora conoce solo a través de las películas. Es cuestión de encontrar nuevos referentes.

*'Pobre Diablo' está disponible al completo bajo demanda desde el viernes 17 de febrero en HBO Max.

24 horas después de presentar su última creación, Pobre Diablo, en el marco del Serielizados Fest 2022, Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes volvieron a congregar al público para remontarse a su primer proyecto profesional en televisión, La hora chanante. Aprovechando el vigésimo aniversario del estreno, que tuvo lugar el 2 de febrero de 2002, la edición madrileña del festival televisivo ofreció no el primer episodio emitido en Paramount Comedy, sino el programa piloto que los dos cómicos presentaron a la directiva.

“Es café para muy cafeteros”, advertía Sevilla antes del visionado. Bien es cierto, pues los veinte minutos proyectados en la sala CentroCentro de Madrid evidenciaban una aproximación casi amateur al audiovisual, aún codificada para el público. No obstante, se encuentran en sus imágenes la esencia de lo que será luego el esquema clásico chanante: a falta de las continuidades que daban forma y orden al espacio, ya se incluían versiones embrutecidas de las secciones más reconocibles: Testimonios, Retrospecter o El Payaso ya aparecían en un one man show de Reyes, único y absoluto protagonista de esta prueba de cámara.

“Hay mucha chorrada y alguna gema”, reía este sobre esta prueba nunca emitida, de la que, eso sí, se rescataron algunas piezas para el primer programa definitivo. “Fuimos desarrollando secciones, haciendo que entrara más gente, para que fuera más elaborado”. Ahí entran Santiago de Lucas, el realizador y el que “creó el estilo” de La hora chanante, y ya con posterioridad el resto de la tropa: por orden, Carlos Areces, Julián López, Raúl Cimas, Pablo Chiapella e Ignatius Farray.

Dijeron “no” a 'El informal' por preparar 'La hora chanante'

“Es el origen de una leyenda, aunque parezca mentira”, señalaba el cineasta y crítico de cine Antonio Trashorras, entonces Director de Contenidos de Paramount Comedy y uno de los responsables de sus fichajes. El actual ejecutivo de HBO Max, muy vinculado a los humoristas desde entonces, afirma que eran “los niños mimados, el caprichito del canal”. Sevilla precisa sobre “su juguete”: “Éramos felices. Teníamos un programa entre amigos donde hacer nuestras chorradas”.

Un programa entre amigos que acabó alargándose durante 50 entregas entre 2002 y 2006. Antes de eso, un largo proceso de trabajo en el que Reyes y Sevilla se dedicaban a dar rienda suelta a sus intereses en el programa. Recalcan que no había pretensión por su parte, solo la ilusión por “hacer lo que les diese la gana”, sin pensar que se acabaría convirtiendo en una carrera de largo recorrido ni que les llevaría al éxito.

“Valoramos mucho la oportunidad. En este , mientras hacíamos esto, surgían oportunidades. Nos llamaron para ir a El Informal, porque éramos cómicos de Paramount que destacábamos, y nosotros decidimos seguir haciendo La hora chanante. Era lo que nos gustaba”, revela Reyes, que hasta entonces se había ganado la vida como ilustrador para la editorial SM. “Es algo que luego nos dio un resultado, pero no había ningún plan, ni cálculo, ni estrategia”.

Sin embargo, ya desde este piloto se apreciaba el interés por “crear un universo”, tal y como apuntaba Trashorras. “Nosotros crecimos haciendo el formato”; aporta Sevilla, que explica cómo comenzaron a empaparse de los Monty Python y de su seminal Flying Circus en ese momento.

La falta de ortodoxia por bandera, del “testimonio” al doblaje

La hora chanante se estrenaba a ritmo mensual, “y aún así íbamos justicos”, recuerda Reyes. “Si se estrenaba el primer viernes de cada mes, se entregaba el jueves”. Con el paso del tiempo, también se pudo asistir a una progresiva sofisticación del formato y de sus responsables, como se muestra en algunos de los sketches sueltos que se pudieron ver durante el coloquio.

Por ejemplo, el testimonio de Mijail Gorbachov, grabado a toma única y sin cortes, rompiendo un formato basado en el montaje, que permitió a la cadena comprobar que Reyes “podía interpretar”. Siempre dentro de esa propuesta férrea de pasar cualquier personaje real bajo su filtro y traducirlo a su acento. “En la empresa había gente a la que le chocaba que no se dijeran datos personales, que no fueran más imitaciones”, señalaba Trashorras, que defendía “la gracia” de la “distorsión” que proponía Reyes, partiendo de una transformación física basada en la caracterización.

El cómico define su aproximación “como enfrentar al personaje a un espejo cóncavo”, y reconoce: “Lo acojonante de estas parodias es que veintitantos años después sigo haciéndolas en El Intermedio y preguntándome cómo es esto posible”.

También se pudo ver otro de los Retrospecter más referenciados por los fans, Botellón de passport, que permitió abordar el método de trabajo. “Teníamos imágenes libres de derechos, que yo juntaba con una cierta historia. Se la pasaba a Joaquín, él la veía con Santiago y se ponían a doblar. Hacían varias pasadas, y luego Santiago cogían las mejores partes y se quedaban esas piezas”. A esto se llegó tras probar haciendo algo parecido sobre tráileres reales de películas, de El color púrpura a El paciente inglés, algo que nunca se pudo emitir precisamente por no contar con las licencias para ello

Más allá del “nihilismo” y “la ostentación de la falta de valores” de reapropiarse de material ajeno de este modo, Reyes destaca lo rompedor del “mal doblaje” a conciencia. “A veces no movían la boca y yo seguía hablando. A mí me la sudaba, yo quería que fuera gracioso. Esa falta de ortodoxia era algo que nos hacía mucha gracia”, reflexiona el artista, que contrapone estas piezas a los doblajes de Florentino Fernández en El Informal. “Eran muy graciosas, pero él lo hacía bien. Nosotros hacíamos otra cosa”.

El Gañán, un éxito pensado para Raúl Cimas

Aunque no se proyectó ninguna pieza de El Gañán, el personaje inmortalizado por Sevilla, luego renombrado como Marcial Ruiz Escribano (para serviros) en el salto a La 2 con Muchachada Nui, no tardó en salir a la palestra. De entre todos los personajes creados por el grupo manchego, es el que más ha calado en la cultura popular, recuperando expresiones que, como ambos resaltan, tomaban de sus propias madres.

“La primera vez que noté la popularidad es cuando me empezaron a gritar Gañán por la calle. Y yo gritaba, y era un grito largo. Yo lo hacía, estuviese donde estuviese. Una vez incluso estando en mi casa, en un cuarto piso”, recuerda Sevilla. Sin embargo, lo que tal vez no fuera conocido es que su interpretación fue un accidente: “No lo iba a hacer yo, sino Raúl Cimas. Se llamaba Paleto. No vino Cimas porque no pudo coger el avión, estando en País Vasco, y lo hice yo”, rememora, tomándose a guasa que “pensaba que no sabía hacer de paleto”. “Y fíjate, se ve que lo tenía dentro”.

El personaje creció y se hizo más complejo, recuerdan, hasta que un día Sevilla acabó hastiado. “Un día me llamó Ernesto y me dijo: 'No quiero hacer más de Gañán'. Estaba grabando y yo le dije que no pasaba nada, que no hacíamos más. Pero él me dijo: 'No, que no quiero seguir más, que me voy'”. Sevilla corrobora: “Estaba hasta los cojones”.

“Lo hicimos un montón de veces hasta que ya se agotó el personaje... Pero eso no evitó que la gente me siga llamando 'Gañán' por la calle”, apostilló.

“Lo que estamos haciendo ahora es mejor”

Veinte años después del estreno de La hora chanante, el humor ha cambiado irremisiblemente. Aunque sin pretender ser vanidosos, afirman ver cierta influencia en ciertos gags que pululan ahora por la infinitud de las redes sociales, que han cambiado el concepto del humor, favoreciendo formatos cada vez más cortos y rápidos de consumir. Ambos recalcan que el suyo nunca fue un programa de internet, como tiende a presuponerse en ocasiones popularmente, sino que siempre estuvo pensado para la televisión.

De hecho, su audiencia fue mínima hasta que un fan, un joven de Murcia, troceó los programas y subió los sketches sueltos a YouTube. Algo, recuerdan, que no sabían cómo hacer ellos mismos y que hizo que su fama se disparase en los dos últimos años de vida del programa original, siendo fundamental para lograr el fichaje a Televisión Española, donde producirían cuatro temporadas de Muchachada Nui. “Queríamos reivindicar a este chico”, aseguraban, “pero no nos acordábamos del nombre”.

Ahora, todos ellos están plenamente consolidados en la industria. Pobre Diablo, ya mencionada antes, es el perfecto ejemplo de ello. Sevilla acaba de debut como director de largometrajes con Camera Café. La película, y ha dirigido dos episodios de Dos años y un día; Reyes sigue en El Intermedio y acumulando apariciones en cine y series, igual que Chiapella (imprescindible en La que se avecina), Areces (un fijo en el cine de Alex de la Iglesia) y Julián López (que estará en Mentiras pasajeras, nueva serie producida por El Deseo).

“Nosotros no teníamos expectativas, teníamos anhelos, pero no pensábamos que esto nos fuera a llevar a ningún lado”, apunta Reyes a modo de conclusión, y llega a decir que nunca tuvo plena seguridad de que su programa fuera a estrenarse en Paramount Comedy. Sevilla bromea con haber sido “vencido por el sistema”, poniendo en valor su poco interés por el trabajo en sí mismo, ahora que ahonda en su carrera como director.

Se sienten afortunados por seguir trabajando y teniendo aceptación: “No sé cómo nos lo hemos montado así de bien”, proclama Reyes, que quiere terminar este “ejercicio de nostalgia acojonante” que ha supuesto el evento con una afirmación tajante: “Lo que estamos haciendo ahora es mejor que esto. Y vamos a seguir hasta que nos echen o nos cansemos”.

El humor “chanante” ha impregnado la edición madrileña del Serializados Fest 2022, con Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes como grandes protagonistas de la semana de proyecciones y eventos. Con la celebración por el vigésimo aniversario del estreno de La Hora Chanante marcada en la agenda del festival como una de las citas de mayor expectación, los cómicos manchegos ya congregaron a su comunidad de fans para la presentación de su nuevo proyecto televisivo, Pobre diablo.

Reyes y Sevilla se coaligan una vez más con otro colaborador imprescindible en sus propuestas, el guionista Miguel Esteban (guionista de Retorno a Lílifor y Museo Coconut, cocreador de Capítulo 0, coguionista de Camera Café. La película) para dar el salto definitivo a la animación adulta tras años de “animación parcial” como Enjuto Mojamuto o Maricón y Tontico, con esta serie de ocho episodios producida por Buendía Estudios para HBO Max, de la que se preestrenaron tres: los dos primeros, con un tono coherente con lo que se puede esperar del conjunto; y el séptimo, independiente a la trama y autoconclusivo, con el que plantearon una chocante ruptura tonal radical.

“Un Príncipe de Zamunda con el Anticristo”

“Hacer una serie de animación grande era algo que siempre habíamos querido hacer”, explicaba Esteban durante el coloquio posterior, inevitablemente dominado por la comedia gracias a las continuas intervenciones de Reyes. Combinaron esa pretensión con la idea de una comedia en torno al advenimiento del apocalipsis, otra idea que rondaba por sus mentes. “No sabíamos si sería como una serie o como película, pero nos gustaba la idea de hacer un Príncipe de Zamunda con el Anticristo, que viene un mes antes de cumplir su destino marcado por los padres”.

La multirreferencialidad es otra marca de la casa. El argumento comparte premisa con la obra maestra del humor dirigida por John Landis y protagonizada por Eddie Murphy, aunque Sevilla también alude de forma decisivia a la novela rusa El maestro y Margarita, de Mijaíl Bulgákov, como imprescindible en este bricolaje creativo: un mes antes de cumplir la mayoría de edad diabólica -666 meses- y de desatar el fin del mundo, el Anticristo sale por primera vez del Infierno y viaja a Nueva York para conocer a los humanos, donde acaba enamorándose y encontrando su vocación como actor. No obstante, ya la primera escena del primer episodio conecta el universo narrativo con el de La semilla del diablo, al presentar a unos padres que emulan los personajes de Mia Farrow y John Cassavettes en el citado largometraje, doblados por la fallecida Verónica Forqué (a quien se dedica la serie) y Carlos Areces.

La valentía de “hacer comedia con personajes buenos”

El proceso remite a sketches anti-nostálgicos de la casa como Gremlins 3 (La hora chanante), El hombre elefante 2 o Los goonies 2 (Muchachada Nui), que jugaban a desbaratar el imaginario de películas icónicas en piezas de aire decadente. Sin embargo, si algo destaca en el diseño y composición de los personajes es el carácter “positivo” de muchos de ellos. “La gente que discuta nos da pereza. Nos gusta la gente tierna. Y ante alguien con el destino tan marcado solo puedes empatizar”, explica Esteban.

Reyes, por su lado, apunta al conflicto generacional que se plantea, “un problema tan viejo como el mundo”, para reforzar esta concepción de un Anticristo “bonico” ante un Satán chapado a la antigua, al que da personalidad y “un toque caribeño frívolo” Ignatius Farray. Este destaca la valentía de sus compañeros para “hacer comedia con personajes que sean buenos”: “Lo más fácil en comedia es ir a la contra, que sea alguien malo el que dice eso. Que todos los personajes, sean como sean, tengan algo enternecedor dentro que pueda apelar a nosotros es muy emocionante”.

Una serie con mensajes hechos para “molestar”

Ante todo, resaltan, Pobre diablo pretende ser una sátira muy actual, algo a lo que también contribuye la joven guionista Helena Pozuelo, si bien se declara entre bromas como “boomer de corazón”, además de “nada costumbrista”.

A ello ayuda que la serie transcurra en Nueva York frente a la opción alternativa de Torremolinos: “Nos daba un poco de pereza hacerla en Madrid”, cuentan para justificar la ubicación en Estados Unidos, aun sin conocer su idiosincrasia en exceso, jugando la baza cómica que aportan infaustos ejemplos cinematográficos. “Si ellos tienen derecho a mezclar las Fallas con la Semana Santa, con todas las cosas que hayamos metido la pata será una especie de justicia poética”, asevera Esteban, aludiendo a uno de los momentos más llamativos de Misión Imposible 2.

En esa misma línea, tampoco han pretendido ser particularmente estrictos al abordar el satanismo: “Lo bueno es que puedes tomártelo muy en serio o fliparte y hacer lo que te dé la gana”, defiende el guionista, que bromea: “Documentarte esta bien, pero da pereza”. En esa línea, Reyes considera que no era necesario abundar en estas fuentes porque “los humanos estamos poniendo mucho de nuestra parte en el Apocalipsis”.

A ese respecto, Esteban deja claro que espera que la serie pueda generar suspicacias por lo que se propugna en ella: “La gente que puede criticar los mensajes en general nos va a parecer bien. Los hemos hecho para molestarles”, afirma. Sevilla apostilla: “Si no te gusta, eres gilipollas. Ese es el truco”.

“Nos gustaría abrir una pequeña puerta”

Pobre diablo se estrenará en HBO Max el próximo 2 de diciembre, pocas semanas después de que haya llegado a las salas cinematográficas Unicorn Wars de Alberto Vázquez, otro ejemplo de lo que esa denominada “animación adulta” que por el momento no se ha explotado en España. En este caso, la animación ha sido obra del estudio granadino Rokyn Animation bajo la dirección creativa de Manuel Sicilia y la producción de Francesca Nicoll, “gente con un talento increíble”, ponen en valor.

Con la esperanza de hacer una segunda temporada, en la que también puedan seguir experimentando con el drama como lo han hecho en el séptimo episodio, Esteban deja claro un deseo de continuidad industrial. “Nos gustaría que esto fuera abrir una pequeña puerta”.

“Nos daría mucha pena que después de Pobre diablo no hubiera ninguna más”, destaca, si bien Reyes da el contrapunto ácido. “Por una parte nos haría ilusión que hubiera más. Por otra, preferimos que no, porque así la nuestra es la única, y no hay nadie que te eclipse”.

La hora chanante vuelve a Comedy Central. Eso sí, que nadie se quede picueto: con reposiciones. El canal propiedad de ViacomCBS recupera, a partir de este sábado 20 de junio a las 23:50 horas, el programa de culto que sirvió como plataforma a la popularidad a Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla, Carlos Areces, Julián López o Raúl Cimas.

La cadena especializada en humor dedicará los sábados a este revival, bajo el título Veranoches Chanantes., por el que se emitirán todos los programas enlatados que se produjeron de forma mensual entre febrero de 2002 y noviembre de 2006.

Un programa que marcó la diferencia en TV

El programa de producción propia marcó un antes y un después en la comedia televisiva, con su estructura de sketches absurdos. Entre sus secciones más recordadas, se cuentan “Testimonios”, que marcaba el patrón de imitaciones de personajes famosos que Joaquín Reyes sigue manteniendo en la actualidad en El Intermedio; “Retrospecter”, dedicado a redoblar y remontar películas clásicas libres de derechos; o “El Gañán”, con Ernesto Sevilla explicando temas de actualidad.

Personajes como ese último, El Payaso, Vincentín, Bocaseca Man o Marlo y Claudio son algunas de las creaciones más recordadas de este grupo de cómicos, que luego darían el salto a la televisión nacional, con Muchachada Nui, actualización de la misma fórmula para La 2 que constaría de cuatro temporadas. Habría aún una tercera encarnación del formato, esta vez en Neox, pero con un recorrido menos relevante: Retorno a Lílifor.

Si bien con el paso de los años las carreras de este grupo ha tomado diversos caminos, las claves de su humor persisten en televisión, en Capítulo 0, la serie de Reyes y Sevilla para Movistar+, cuya segunda temporada se estrenó el pasado otoño. Precisamente ambos tienen intención de embarcarse en un proyecto de largometraje. “Estamos dispuestos y preparados”, dijo Ernesto durante la presentación.

Comedy Central estrena este miércoles, 25 de octubre, Los años chanantes, un documental con contenido original del mítico programa La hora chanante, el cual contiene entrevistas a sus protagonistas y otros referentes de la comedia así como a personalidades fans del programa, revelando los entresijos de la producción y cómo llegó a la televisión para cambiar el concepto de humor en España, según informa la cadena en una nota.

Hace ya 15 años que el canal de la comedia ofreció por primera vez el programa. Y ahora, para celebrar su aniversario, Comedy Central presenta Los años chanantes, un documental con contenido inédito y entrevistas que repasa los orígenes y trayectoria de La hora chanante de la mano de sus protagonistas y otras caras conocidas fans del programa.

Los años chanantes hace un recorrido por todos los detalles que hicieron de La hora chanante el laboratorio perfecto donde testar nuevas formas de comedia poco habituales en España en aquellos momentos con una arriesgada apuesta por el absurdo, el surrealismo y el posthumor.

Además de recuperar a sus protagonistas más carismáticos, como Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla, Julián López, Carlos Areces, Raúl Cimas y Pablo Chiapella, desfilan por Comedy Central caras tan reconocibles como Pablo Iglesias, Paula Vázquez, Joan Manuel Serrat, Jorge Garbajosa, Arturo Valls, Amaral, Álex De La Iglesia, Íñigo Errejón o Dani Martín, entre otros.

Netflix ha vuelto a recibir aplausos por otra inspirada campaña promocional para una de sus grandes series. Después de haber enfrentado en un ring a Marta Sánchez y Vicky Larraz para publicitar Glow, o de haber reunido a las representantes españolas a Eurovisión por Las chicas del cable, la plataforma tira de los “chanantes” para dar una vuelta de tuerca a los spots de Narcos.

El grupo de cómicos ha actualizado una de las canciones más recordadas salidas de La hora chanante, “Hijo de p... hay que decirlo más” (a su vez, una versión de “Treat Your Mama Right” de Mister T), aunque con una variación: en lugar del exabrupto original, han optado por la versión comúnmente empleada por Pablo Escobar.

“Hijueputa hay que decirlo más” cuenta con los coros de Joaquín Reyes e Ignatius Farray y un base más cercana a la bachata, y ha encandilado a los espectadores.

'El Hormiguero' celebró los 15 años del estreno de 'La Hora Chanante' con la visita de Ernesto Sevilla, Joaquín Reyes, Julián López y Raúl Cimas.

Con Ignatius Farray, quien nunca tuvo líneas de guión y solo aparecía en el programa para reproducir un sonido, se unió a los invitado para cantar una de sus canciones más recordadas, 'Hijo de p... hay que decirlo más', que parodiaba una canción de Mr T (M-A Barracus en España) titulada 'Treat Your Mother Right'.

Antes de comenzar con la canción, los niños que aparecían en el sketch original comentaron la repercusión que tuvo para ellos aquel tema.

Puede ver el momento a partir del minuto 32:00

Ernesto Sevilla explica el origen de 'Bocasecaman'

Durante la entrevista, Ernesto Sevilla contó a Pablo Motos la anécdota por la cual surgió el personaje de 'Bocasecaman' en 'La hora chanante'. “De pequeño casi muero deshidratado”, explicó el actor. Y es que durante un viaje en coche con sus padres. Detalló que “estaba muerto de sed” y que su padre “no es de parar”.

Julián López, 'experto' en flauta dulce

Otro de los momentos más divertidos que dejaron los 'Chanantes' fue cuando Julián López demostró su domino con la flauta dulce entre las risas de sus compañeros con la mítica canción de 'Titanic'.

Hace 15 años se produjo el estreno de un alocado y casi absurdo programa llamado 'La hora chanante', en el que unos jóvenes Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla, Julián López y Santiago de Lucas, entre otros; revolucionaron la forma de hacer humor televisivo.

Con motivo de este aniversario, los cuatro cómicos se reunieron este miércoles el plató de 'Likes' en #0 para repasar sus carreras y volver a reírse juntos con sus comienzos.

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La iniciativa del espacio presentado por Raquel Sánchez Silva y producido por 7 y Acción resultó todo un éxito social en Twitter, convirtiéndole en Trending Topic durante toda su emisión, e incluso después de la misma.