El futuro de One Piece y Dragon Ball se ha ennegrecido de manera totalmente inesperada. Las dos series de animación más populares de Japón se han visto afectadas por una importante crisis interna en Fuji TV, la cadena en la que ambas se emiten. Y es que, el pasado 27 de enero su presidente y director, Koichi Minato, dimitió después de que un famoso presentador de la cadena fuera acusado de tener una conducta sexual inapropiada.

Según informa la BBC británica, Fuji TV se enfrenta a una crisis sin precedentes al verse directamente envuelta en un escándalo sexual protagonizado por Masahiro Nakai, cantante, actor, presentador de eventos musicales y el que fuera líder de la famosa boy band japonesa SMAP. Este participó, presuntamente, en una actividad sexual no consentida con una mujer anónima en una cena supuestamente organizada por el personal de la propia televisión en junio de 2023. Posteriormente, el presentador y cantante le pagó a la mujer una buena cantidad de dinero a cambio de su silencio.

Fuji TV se ha sumido en una grave crisis de reputación no solo porque Nakai fuera presentador de la cadena, sino también porque uno de los empleados de la misma habría organizado dicho encuentro entre el cantante y la mujer. Además, la empresa fue poco contundente al dar una respuesta sobre los hechos, y eso, sumado a todo lo anterior, amenaza con provocarle un serio perjuicio económico porque los anunciantes están huyendo en manada.

Hasta medio centenar de empresas (entre las que están algunos gigantes como Toyota, Nissan, 7-Eleven y McDonalds) han cancelado sus contratos de publicidad tras destaparse el caso, así que peligra la continuidad de programas y series como One Piece, Dragon Ball, Sazae-san o Chibi Maruko-chan.

Las dos primeras series no solo son las más conocidas a nivel mundial, sino también las que sustentan a Fuji TV. No obstante, debido a dicho escándalo, ambas podrían desaparecer si el canal quiebra o sus ingresos siguen bajando de manera drástica, puesto que no sería rentable mantenerlas en emisión a pesar de su éxito.

 'One Piece' de Netflix ya ha terminado sus grabaciones

Mientras tanto, la segunda temporada de la serie de acción real basada en el anime One Pice ha terminado su rodaje. “Sombreros de Paja, ¡Levamos anclas! La producción de la temporada 2 ha finalizado oficialmente”, anuncia Netflix a través de sus redes sociales.

De este modo, también han dejado ver la primera imagen exclusiva de la ficción, puesto que hasta ahora tan solo habían mostrado unos pequeños vídeos de detrás de las cámaras y de lo que suponía el regreso de estos grumetes.

En la imagen se puede ver a Luffy interpretado por Iñaki Godoy, quien aparece en el centro, sonriente y con los brazos hacia arriba en su icónica pose. Junto a él, escoltándole, están: Sanji (Taz Skylar), Zoro (Mackenyu), Nami (Emily Rudd) y Usopp (Jacob Gibson).

Al acabar su rodaje a principios de este 2025 se espera que la ficción llegue bien a finales de este año o a principios de 2026, puesto que todavía la plataforma no ha dado fecha oficial del estreno.

Pocos detalles hay sobre esta segunda entrega salvo que incluirán rostros nuevos como David Dastmalchian como Mr. 3, Katey Sagal como Dr. Kureha, Charithra Chandran como Miss Wesneday o Sendhil Ramamurthy como Nefertari Cobra, entre otros. Y que la ciudad de Loguetown, mostrada en la reciente imagen, será un lugar crucial en la historia.

Veinticinco temporadas ha necesitado Ash Ketchum para convertirse en el mejor entrenador Pokémon del mundo. La hazaña del joven de Pueblo Paleta se ha producido en el último capítulo de la serie Viajes Definitivos Pokémon, que se ha estrenado en Japón antes de poderse ver en el resto del mundo.

Ash Ketchum se hizo con la victoria en el Torneo de los Ocho Maestros al derrotar a Lionel y Charizard. Era algo que llevaba muchos años intentando conseguir, una victoria importante en un terreno sobre el que también jugaban los entrenadores más duros que la saga: Cintia, Máximo, Lance, Dianta, Iris y Alain.

La competición se siguió en Japón como un verdadero acontecimiento. Multitud de personas se dieron cita en las calles de Shibuya para ver este capítulo final que se estaba proyectando en las pantallas gigantes que suelen cubrir las fachadas de los edificios.

Viajes Definitivos Pokémon es solo una más de las series que tienen como protagonista a Ash Ketchum, cuya carrera por convertirse en el mejor entrenador del mundo ha tenido enganchados a muchos espectadores desde 1997, año en el que se creó este famoso personaje del anime japonés que llegó a España en 1999.

La serie se puede ver en España a través de Boing. Se desconoce cuándo se emitirá este capítulo decisivo.

La serie de anime Speed Racer se convertirá en una serie de acción real –con personajes de carne y hueso– gracias a JJ Abrams y Apple TV+. Según Variety, la plataforma de streaming ya ha dado el visto bueno a este proyecto para el que se ha aliado con el productor ejecutivo de Lost, Fringe y varias películas del universo Star Wars.

Speed Racer es la versión estadounidense de la serie de anime japonesa Mach GoGoGo, emitida entre 1967 y 1968 con un total de 52 episodios. Su historia, basada en el manga original de Tasuo Yoshida, toma como protagonista al piloto de coches de carrera Speed Racer, en cuyas aventuras siempre va acompañado por su mítico vehículo Mach 5.

En esas fechas fue adaptada para su emisión en Estados Unidos bajo el título Speed Racer, consiguiendo gran popularidad en un país poco acostumbrado a la cultura del anime. Y en 1971 llegó a España de la mano de TVE, que le cambió el nombre para convertirla en Meteoro.

La serie en la que están trabajando JJ Abrams y Apple TV+ tiene como guionistas a Ron Fitzgerald (cocreador de Perry Mason en HBO) e Hiram Martínez (Snowpiercer), quienes también desempeñarán la producción ejecutiva de este título que cuenta con el auspicio de Bad Robot (Warner Bros. Television).

Por ahora no se conoce el nombre de ninguno de los actores y actrices que entrarán a formar parte del reparto de esta adaptación. Speed Racer llegó al cine en 2008 con la película de igual nombre que protagonizó Emile Hirsch. También tuvo otras versiones para televisión, como Las nuevas aventuras de Meteoro (1993), Speed Racer X (2002) y Meteoro: La Nueva Generación (2008).

Netflix está interesada en recuperar la saga Terminator. La plataforma de streaming ha ordenado que se comience a desarrollar una serie de anime basada en las historias que tan populares se han hecho en las películas llevadas a la gran pantalla.

Lo que Netflix pretende es un producto diferente pero, según informa Variety, aún no se han difundido detalles sobre las tramas de esta serie, cuya producción, que correrá a cargo de Production IG, está aún en sus primeras fases.

“'Terminator' es una de las historias de ciencia ficción más icónicas jamás creadas, y con el tiempo se ha vuelto más relevante para nuestro mundo”, considera John Derderian, vicepresidente de Netflix para Japón.

“La nueva serie animada –añade el ejecutivo– explorará este universo de una manera que nunca antes se había hecho. No podemos esperar a que los fanáticos experimenten este nuevo capítulo increíble en la batalla épica entre máquinas y humanos”.

Mattson Tomlin, que forma parte del equipo de guionistas de The Batman de Matt Reeves, ejercerá como showrunner y productor ejecutivo de este proyecto. Con Tomlin al frente, la serie de Terminator promete un profundo giro respecto a lo ya conocido: “Cualquiera que conozca mi escritura sabe que creo en dar grandes cambios y apostar por el corazón”, ha asegurado el creativo a modo de declaración de intenciones.

El actor japonés Akira Kubodera, conocido por haber interpretado a Kunzite en la serie de acción real de Sailor Moon, y a Kanai en Kamen Rider, ha muerto a los 43 años. Conocido en su país natal por varias adaptaciones teatrales de animes reconocidos como The Seven Deadly Sins, el intérprete se ha suicidado.

Según informa NHK, el actor fue encontrado muerto en su domicilio, situado en Nakano, región del área metropolitana de Tokio, por allegados suyos, que lo llevaron de urgencia al hospital, donde solo pudo certificarse su fallecimiento.

Aunque Kubodera no participó en el icónico anime de Sailor Moon, muy reconocida por el público nipón fue su interpretación de Kunzite en el remake en imagen real emitido entre 2003 y 2004. También fue popular por la serie Kamen Rider, la primera franquicia de la televisión japonesa perteneciente al subgénero Henshin Hero.

Además de ser Kanai en Kamen Rider Blade, apareció en varios spin-offs de la ficción, interpretando diversos papeles. Se le pudo ver en Kamen Rider Kiva y Kamen Rider 000. Kubodera también estuvo en miniseries como Special Investigation Nine o The Last Cinderella. Su último trabajo fue también en televisión, en un episodio de la comedia Chuzai Keiji, estrenado este 2020.

Netflix ha desvelado las primeras imágenes de los personajes de su primera serie de anime española, Memorias de Idhún, cuyo estreno mundial está previsto para este 2020. Alsan, Jack, Victoria, Shail y Kirtash son los protagonistas de la historia, que en el vídeo compartido por la plataforma cobran vida y se llenan de color desde los trazos de un cuaderno.

Escrita por Laura Gallego y Andrés Carrión, Memorias de Idhún es una adaptación de La Resistencia, el primer volumen del bestseller homónimo publicado hace más de 15 años, escrito por la también guionista del proyecto producido por Zeppelin. La producción comenzó hace más de dos años y su proceso de animación ha sido llevado a cabo en Vitoria por un equipo de más de 20 profesionales que han recreado el mundo de Idhún. El resultado, según informan desde Netflix, es “una historia de amistad, emociones y acción”.

La temporada consta de 5 episodios dirigidos por Maite Ruiz de Austri, ganadora de dos premios Goya a la Mejor Película de Animación por El regreso del viento del norte (1995) y Qué vecinos tan animales! (1999). Con Memorias de Idhún, se ha convertido en la primera mujer en dirigir una serie de anime en España.

Sobre 'Memorias de Idhún'

El día en que se produjo en Idhún la conjunción astral de los tres soles y las tres lunas, Ashran el Nigromante se hizo con el poder y comenzó el reinado de terror de las serpientes aladas. La primera batalla por la libertad de Idhún se libra en la Tierra, donde Jack y Victoria luchan por detener a Kirtash, el asesino enviado por Ashran para acabar con los idhunitas que huyeron de su tiranía. Sin embargo, los protagonistas siguen sin saberlo los designios de una profecía que entrelazará sus destinos en una trama de amor y odio que desencadenará duelos a muerte y forjará insólitas alianzas.

El rodaje de la serie de acción real de One Piece comenzará en agosto de 2020. Fue el pasado mes de enero cuando Netflix anunció que iba a grabar una nueva versión de la serie de anime, esta vez con actores reales, sin embargo, de por medio la industria audiovisual ha tenido que afrontar la parálisis provocada por la crisis del coronavirus.

Pero ya hay fecha para el inicio del rodaje. Será el 31 de agosto cuando se empiecen a filmar los 10 capítulos que tiene confirmados la primera temporada. Las grabaciones, que se desarrollarán en Ciudad del Cabo (Sudáfrica), se extenderán hasta el 8 de febrero de 2021, según informa ComicBook.

Por el momento no han trascendido detalles sobre qué actores y actrices formarán parte del elenco de One Piece. El estreno, según esta misma fuente, se prevé para el año 2021, aunque todavía no se ha confirmado una fecha siquiera aproximada.

El desarrollo de la serie correrá a cargo de Tomorrow Studios y tendrá como productor ejecutivo a Eiichirō Oda, creador de esta historia de manga que inició su andadura en 1997 y de la que se han vendido 430 millones de copias, siendo la serie de manga más vendida de la historia. El máximo responsable del proyecto será Steven Maeda, que ha supervisado grandes producciones como The X-Files, CSI Miami y Lost.

Netflix parece haber pisado el acelerador lo que anime se refiere: hace ya un tiempo que apuesta por convertirse en la plataforma generalista con el más amplio catálogo de animación japonesa, contentando a un nicho de mercado fiel y en auge.

De hecho, abren el año con unos cuantos estrenos importantes: el 16 de enero llega Ni no Kuni, adaptación en forma de largometraje del universo creativo de los videojuegos homónimos. Una saga de culto por tratarse de videojuegos de rol desarrollados conjuntamente por Level-5 y Studio Ghibli, responsable de películas como El viaje de Chihiro o La princesa Mononoke. Y además, también en enero llegarán nuevos episodios del remake de Saint Seiya: Los Caballeros del Zodiaco.

Suman así un catálogo que ahora cuenta con algunos de los títulos contemporáneos más importantes del género: Naruto, Jojo's Bizarre Adventure, Psycho-Pass, Ataque a los titanes, Death Note, Full Metal Alchemist, Neon Genesis Evangelion...

Entre sus últimos fichajes del 2019 destacaba Carole y Tuesday. Hablamos de la nueva serie de Shinichiro Watanabe, creador de Cowboy Bebop, cuya segunda y concluyente temporada llega ahora a la plataforma. Se trata de uno de los animes esenciales de la temporada: absolutamente brillante en lo formal, pero también consecuente con un discurso político que le va como anillo al dedo a los tiempos que vivimos.

Canciones para conectar un mundo desconectado

La última obra de Watanabe se ambienta en un futuro no muy lejano en el que la Tierra se ha convertido en un erial sin recursos naturales. La mayoría de sus habitantes intentan llegar a Marte, que es por entonces un planeta colonizado y modernizado.

En este escenario, una música callejera llamada Carole pasa las tardes tocando el piano a cambio de la voluntad, una pasión que combina con trabajos precarios para poder subsistir. Un día conoce a Tuesday, una joven de família rica que se ha escapado de su casa con la firme voluntad de dedicarse a lo que más ama: tocar la guitarra. Juntas empiezan a componer canciones y colgarlas en redes. Pronto llaman la atención de una industria musical tan sometida a cambios y modas como la que conocemos en el mundo real.

No es la primera vez que Watanabe utiliza la música como elemento vertebrador de una trama, se diría que es un elemento inseparable de su concepción artística. En su serie más célebre, Cowboy Bebop, la compositora Yoko Kanno y el grupo que lideraba, The Seatbelts, grabaron hasta siete discos en torno a una banda sonora que se metía hasta las entrañas del desarrollo narrativo de sus protagonistas. Y algo muy parecido pasaba con Samurai Champloo, otra obra destacada: allá donde la primera había utilizado el jazz, esta utilizaba el rap como elemento para ambientar un jidaigeki -drama de época y espadazos nipón- modernizado.

En ese sentido, Carole y Tuesday se constuye en sintonía con estos grandes trabajos, pero más cerca de obras menos conocidas de Watanabe como Kids on the Slope: una serie que narraba la creación de una banda amateur de jazz, y cómo esta ayudaba a tres jóvenes a abrirse y superar sus problemas afectivos y relacionales.

En ese sentido, esta nueva serie anime de Netflix se puede leer como la aproximación más emotiva de Watanabe hasta la fecha al mundo de la música. Carole y Tuesday se presenta como un canto por la sororidad y la empatía en un mundo desconectado, en el que los problemas sociales se viven a través de una pantalla, y afectan siempre 'a los demás'.

Convertidas en 'los demás', las dos protagonistas aprenden a combatir la precariedad y el presentismo que impone un futuro incierto, con lo único que tienen: su amistad y talento. Solo apoyándose la una en la otra son capaces de afrontar los retos que supone ser músico -y pot tanto querer vivir de un oficio creativo-, en un mundo dominado por gigantes empresariales que generan melodías mediante algoritmos.

En esta ocasión, además, Watanabe pilota el barco a cuatro manos con Motonobu Hori, prestigioso animador que ha trabajado con directores como Rintaro o Katsuhiro Ôtomo. La combinación de ambos talentos da como resultado una propuesta que se mantiene fiel a la comprensión 'musical' de la narrativa del primero, con una obsesión por lo visual del segundo. Ambos convierten esta obra en un verdadero regalo para los ojos y los amantes de la animación de cualquier condición

Música contra el odio

Es menester, con todo, añadir que la serie evoluciona en sus supuestos narrativos hasta términos que, no por menos simples, resultan menos sorpresivos. Carole y Tuesday defiende un discurso muy claro, despojado de artificios pero eficaz. A medida que sus tramas van ganando en complejidad crece en ella un subtexto contra el racismo y las políticas del odio de lo más pertinente en los tiempos que corren.

Marte es aquí un planeta que recibe refugiados de la Tierra. Estos, sin embargo, no tienen las mismas oportunidades que los nacidos en el planeta rojo. De hecho, el auge de una política de ultraderecha -madre de Tuesday para más inri- que se presenta a unas elecciones presidenciales vociferando contra la migración y llevando a cabo políticas de deportación y presidio, establece no pocas semejanzas con el la era Trump en Estados Unidos.

No contento con mojarse en esto, este anime también se preocupa por construir el retrato de una industria musical voraz con el individuo y el talento. Un relato inclusivo que da voz a personajes de género no binario, abiertamente LGTBI o racializados, y por tanto objetivo de diferentes opresiones. E incluso por sostener discursos sin medias tintas sobre las relaciones virtuales y el peligroso empoderamiento del fan tóxico en la cultura pop.

Todo contribuye a dotar a Carole y Tuesday de un aire en apariencia menos profundo que otras creaciones de Watanabe, pero también más en sintonía con un tono abiertamente esperanzador que aboga por la honestidad de intenciones. Una obra íntimamente conectada a un sentir de los tiempos que bien necesita series de animación así de comprometidas.

Pocas series de animación generan las reacciones, dos décadas años después de su estreno, que provocó en noviembre del año pasado Netflix, al anunciar que incorporaría en su catálogo Neon Genesis Evangelion. No era un remake, ni un live-action, ni una adaptación, sino simplemente una adquisición. Pero el servicio de streaming lo anunció a bombo y platillo con comunicado y tráiler específico, con millones de visitas. ¿Por qué?

Netflix parece haber comprendido que la animación japonesa es un mercado en auge con cada día más aficionados en nuestro país, y lleva desde 2017 siguiendo una estrategia clara de compra y producción en este sentido. La compañía ha hecho acopio de hormiga con el objetivo de convertirse en el repositorio de anime más amplio del panorama VOD frente a sus competidoras, más cigarras en estos lares, como HBO u Amazon Prime Video. De hecho, va camino de conseguirlo pues algunas de las series más relevantes de los últimos años figuran en su plataforma: Naruto, Full Metal Alchemist, Cowboy Bebop, One Punch Man, Ataque a los titanes, Death Note son solamente algunos títulos destacados.

Pero un entusiasmo tan general y omnipresente, tan sostenido a través del tiempo, no lo ha conseguido ninguna de estas. Neon Genesis Evangelion forma parte del patrimonio audiovisual de la generación que en los noventa descubrió el anime como un lenguaje adulto y de infinitas posibilidades. Su creador, Hideaki Anno, fue uno de los máximos responsables de popularizarlo en Occidente junto con Hayao Miyazaki en el Studio Ghibli, y Katsushiro Otomo con Akira. Y, con todo, parece no haber sufrido el más mínimo paso del tiempo: sigue siendo una serie de una modernidad arrolladora. Sobran razones pasa asomarse a ella pero aquí ofrecemos unas pocas.

Robots (y adolescentes) contra alienígenas

Evangelion es una serie de mechas, es decir, de robots gigantes normalmente con formas humanoides, pilotados por seres humanos que luchan contra el mal o por salvar la humanidad. Un subgénero muy popular en el anime desde, prácticamente, que se emitiese el piloto de Mazinger Z, y que ha dado algunas de las mejores series anime de la historia como Mobile Suite Gundam o Macross.

La serie que nos ocupa se desarrolla en un mundo en el que la humanidad es una especie peligro de extinción. Tras el ataque de una serie de criaturas venidas del espacio -conocidas como 'ángeles'-, la población mundial ha sido diezmada dramáticamente y solo quedan unos pocos reductos vivos escondidos bajo la superficie terrestre. La única manera efectiva combatir a los monstruos alienígenas es construir unos robots gigantes -llamados EVA-, que deben ser pilotados por adolescentes. ¿Por qué? Pues porque entre la máquina y quien la controla es necesario que exista una conexión psicológica, y no hay psicología más maleable que la de un joven de 16 años.

“Evangelion no envejece porque sus temas son atemporales”, explica Álvaro Arbonés, filósofo y autor del libro Tú (no) necesitas ser un héroe sobre la serie de Hideaki Anno publicado por la editorial Héroes de papel. “No se basa en determinados gustos de la época, sino que intenta crear los suyos propios. Todos los personajes de la serie están diseñados como personas complejas con una rica vida interior, algo que facilita que puedan ser entendidos por otras generaciones”, cuenta el autor del ensayo a Vertele.

La psicología de sus protagonistas

En esta tesitura apocalíptica conocemos a Shinji Ikari, un chaval que aún no se conoce a sí mismo, que lidia con el recuerdo de una madre fallecida y se enfrenta a la indiferencia de un padre ausente. Le acompañan Rei Ayanami, una misteriosa joven que resulta ser la más experimentada piloto de EVA y Asuka Langley, una joven impetuosa y consentida que no puede soportar la pasividad de sus compañeros ante las dificultades que se les presentan.

Un trío de protagonistas en base al cual Anno se encarga no solo de abordar las dificultades propias de la adolescencia -ansiedad, apariencia, sexualidad...-, sino en ofrecer un estudio psicológico profundo y complejo sobre las dificultad de construcción de las relaciones humanas sin la pérdida de la propia personalidad. “Sus temas existenciales, sobre la depresión y el querer conectar con los otros y no saber cómo o no atreverte siquiera a hacerlo... es algo que resuena aún hoy en nosotros”, explica Arbonés.

“La psicología de estos personajes es algo universal”, describe el filósofo y colaborador habitual de diversos medios culturales, pues según él “no ha habido ninguna generación que no esté en alguna medida jodida”. Como lo está la de Shinji, Rei y Asuka: una juventud que carga con el peso de construir un futuro -el último-, para la humanidad. “Siempre han existido males psicológicos solo que ahora la gente habla más abiertamente de ellos, mientras antes se callaban porque nadie quería ser el raro, el diferente, el loco. Que es precisamente lo que pretende Evangelion: decirte que no estás solo, que todos sufrimos y tener angustia sobre qué será nuestra vida es lo más normal del mundo”.

Reflejo político de una época

Neon Genesis Evangelion se estrenó en 1995, en plena resaca de una burbuja financiera e inmobiliaria que había estallado 1986 y tras la que Japón nunca volvió a ser el mismo país. La economía se hundió, los salarios cayeron en picado y la inflación estaba por las nubes. Y en pleno hundimiento, una generación apodada por entonces la de la 'década perdida', intentaba ganarse la vida haciendo frente a unas vicisitudes absolutamente desproporcionadas.

“Los artistas tuvieron que contestar ante aquella realidad del único modo que sabían: a través de su arte”, describe Álvaro Arbonés en Tú (no) necesitas ser un héroe. El autor explica que este sería el tiempo “en que surgirían algunas de las mayores obras de escapismo de la historia reciente, con la Shonen Jump [la publicación de manga más popular del país] batiendo récords de ventas durante los noventa gracias a Dragon Ball”, pero también, “sería la oportunidad para que surgieran visiones mucho más áridas” de la sociedad.

Según Arbonés, en la televisión nipona “quien personificaría esa tendencia pesimista sería Hideaki Anno. Porque ese apocalipsis cotidiano, esa sensación de que todo se ha ido al infierno y lo único que queda es aguantar a la desesperada, es el tono exacto que le confirió a Neon Genesis Evangelion”.

Por comprobar si la polémica es fundada (o no)

La llegada de Evangelion a Netflix no solo merece la pena por ser una oportunidad más de descubrir una obra magna de la animación japonesa, sino también para redescubrirla de una forma distinta a como muchos aficionados la vieron en su tiempo. Este estreno nos hace comprender como una obra audiovisual ya terminada, sigue siendo un producto mutable y cambiante.

Resulta ser que el estreno en la plataforma se ha dado a nivel mundial y esto ha obligado al gigante del VOD a aplicar una serie de cambios sobre el material original. Cambios que han generado más de una polémica: ha sido sometida a un nuevo doblaje y subtitulado que reinterpreta algunas claves de la historia, y ha tenido que eliminar, por cuestión de derechos, la canción que acompañaba los títulos de crédito finales de los episodios -distintas versiones de Fly Me to the Moon de Frank Sinatra, interpretadas Claire Littley-.

“Tanto el doblaje como la nueva traducción son extremadamente problemáticos”, nos asegura Arbonés. Por un lado, las nuevas voces: “Por la introducción de formas del habla contemporáneas que no existen en el original. Nadie en Evangelion habla un japonés coloquial de los 90s que necesite ser replicado”. Y, por otro, los subtítulos: “aunque es cierto que [la serie] tiene expresiones muy vagas, es fácil ver cómo ciertas decisiones pueden entenderse como una pretensión de ocultar ciertos subtextos de la obra”.

Arbonés hace referencia a una escena clave del final de la serie original en la que Shinji expresa sus sentimientos para con otro chico de su edad, afirmando que le quería y abriendo la puerta a una interpretación homosexual de la relación entre ambos personajes. Pero resulta que en la versión de Netflix, en dicha escena un claro “te quiero” se transforma en un tibio “me gustas”, haciendo más ambigüa y difícil su lectura LGTBI+. “En cualquier caso, esto segundo se puede achacar a la ambigüedad propia de la serie”, asegura Arbonés.

Un apartado formal impecable

Es obvio que en lo temático, Neon Genesis Evangelion es hija de su tiempo, impregnada del aliento desalentador y reflexivo de un Japón en crisis. No lo es tanto que, a pesar de eso, sus principales tesis argumentales siguen siendo hoy de una actualidad absolutamente relevante.

Pero la serie de Hideaki Anno no solo brilla en su fondo -bagaje dramático que se revela tratado psicológico con el tiempo-, también en la forma. El aparato formal que sostiene esta ficción animada es brillante en su ejecución. No desatiende unas escenas de acción cuya planificación resulta ser de lo más rompedora para la época, ni el retrato y perfil del mundo interior de los personajes, abundante en lo simbólico.

“En lo estético, Evangelion no solo ha influenciado al anime de mechas, sino al anime en general”, explica Arbonés. “Los diseños más estilizados, tanto de personajes como de mechas, y sus ligeros tintes moe [estilo de animación dirigido habitualmente a hombres adultos heterosexuales], enfatizando lo mono de los personajes femeninos, son las cosas que más han calado en el género y en el anime”, argumenta. Pero va más allá: “tanto el uso de los colores como el trazo y el diseño de toda la maquinaria que presentan está avanzadísima a su tiempo. Todo el diseño de Evangelion juega sólo en su propia liga”.

Por Alberto Rodríguez

Después de cuatro años de larga espera, Selectavision acaba de estrenar la segunda temporada del famoso anime ‘Ataque a los titanes’ (Shingeki no Kyojin) en simulcast en su canal de youtube. Cada semana, los fans españoles de esta alabada ficción podremos disfrutar de una nueva entrega en japonés -subtitulado en castellano- los sábados a las 16:30, según la productora (aunque dos días después ya han sido publicados los capítulos 3 y 4, por lo que la previsión no es fiable al 100% hasta que alcance la emisión en Japón, cuyo estreno fue el 1 de abril). Una oportunidad de oro para adelantarnos a las aventuras de Eren, Mikasa y Armin en lo que se licencia con el doblaje a nuestro idioma. Aunque hay que reconocer que su lenguaje original dota de un encanto a los personajes al que tal vez el nuestro no llegue. La expresión de las caras de estos guerreros enarbolando su sable adquiere una mayor dimensión cuando el desgarrador grito de guerra que sale de sus labios está dotado del característico quejido japonés. La fluidez de los diálogos y la forma de pensar es completamente distinta. Más ágil. Y eso está bien en una serie donde no hay demasiado tiempo para reflexionar porque la vida cambia de manera trágica de un día para otro. Tal vez este punto sea una de las claves de su éxito.

(Aviso de spoilers: si no has visto la serie, no sigas)

El regreso se ha hecho de rogar

Uno de los aciertos del anime basado en el manga de Hajime Isayama es el ritmo trepidante en el que sucede todo. Si bien es cierto que como buena serie episódica no puede mantener ese nivel durante todo el metraje porque si no estaría todo el pescado vendido en la mitad de tiempo. Pero el final de temporada nos dejó con un poderoso cliffhanger que llevábamos mucho tiempo necesitando resolver.

En los últimos meses el espejismo de la segunda temporada se mantuvo encendido gracias al tráiler lanzado por internet. Pero desde el pasado 2 de mayo ésta ya es una realidad en nuestro país: el nuevo bloque contará con apenas 12 episodios, lo cual, ha decepcionado a todos los seguidores de la serie que llevaban esperando la friolera de cuatro años para la emisión de nuevos capítulos y que al menos contaban con que la extensión sería como en la primera ocasión: 25 episodios.

Tal vez sea mejor así. Con la mitad de duración, los creadores tendrán que aferrarse más a la trama y podrán prescindir de rellenos que, aunque impecables, retrasaban el avance de la historia. Y tras el visionado del doble episodio de estreno se confirma la teoría.

Potente inicio de temporada

Las dos primeras entregas de esta etapa han venido a poner patas arriba el mundo de Eren y sus compañeros. En la primera temporada asistimos a la desgracia vivida en primera persona por este trío de adolescentes, cuyo pueblo fue invadido por los Titanes –humanoides gigantes que devoran a los seres humanos sin motivo aparente, simplemente por instinto– después de que uno de ellos, el Titán Colosal, consiguiera abrir un hueco en el muro María. Después de ver cómo su madre era devorada, y sin conocer el paradero de su padre, Eren huye junto con sus amigos Mikasa y Armin y se alista para formar parte de las Tropas de Protección. Con el profundo convencimiento de librar de esa lacra a la humanidad, consigue quedar entre los diez primeros de su promoción, lo que le permitirá estar en la Legión de Reconocimiento. Pero en la primera de sus campañas contra el enemigo descubrirá que tiene la capacidad de convertirse en titán, lo que le pone en un serio aprieto frente a las autoridades, las cuales, le perdonan la vida con tal de que se preste como arma para combatir al resto de los titanes.

Por el camino descubrirán a un nuevo monstruo, el Titán Hembra, que resultará estar infiltrada también como él. Una compañera de su misma promoción. Y finalmente, justo antes de concluir la temporada, conseguirán abatirla. ¿Y ahora qué? ¿Lograrán sonsacarle cuál es su origen?

Pues me temo que de momento no. Porque antes de ser apresada, se protegió con una coraza cristalizada que formó a costa de su cuerpo de titán y del de Eren, que por poco lo consume. Así que de momento el interrogatorio tendrá que esperar. Pero no pasa nada porque la cosa no decae. La nueva temporada comienza con la incursión de los Titanes a través del muro Rose. A la humanidad ya sólo le queda una de las tres barreras concéntricas de seguridad en contra de sus captores: el muro Sina. Y dentro de las ya variopintas clases de titanes a los que estamos acostumbrados, entre ellos los anormales, se revelará una nueva especie que sacudirá los cimientos del saber humano acerca de sus terribles enemigos: el Titan Bestia. Esta enorme mole con aspecto de Big Foot tiene conciencia, domina al resto de los titanes inferiores, ataca a los animales y… sabe hablar el idioma de los humanos. ¿Qué se puede hacer en contra de esta nueva amenaza?

Un estreno avalado por un flamante éxito

Con más de 60 millones de copias vendidas en Japón, y una popularidad refrendada por el anime objeto de esta review y películas en live action, ‘Ataque a los Titanes’ desembarcó en España en 2013 en formato DVD. No sería hasta mayo de 2014 cuando se estrenaría en televisión, en el Canal+ Xtra.

Actualmente la primera temporada de la serie se encuentra en plataformas de pago, como ‘Netflix’, o bajo demanda, ‘Movistar Series’. Y la segunda ya se puede encontrar también en el bloque de ‘Adult swim’, ‘Toonami’, que emite este tipo de animaciones.

Esta colosal producción aúna el trabajo conjunto de algunos de los estudios de animación más importantes de la década, responsables de títulos notables como Ranma 1/2 (Pony Canyon) y Ghost in the Shell (Production I.G). Y la calidad del producto se nota. En todo momento es clarividente la sensación de encontrarnos ante una obra mimada durante su elaboración, con claros signos audiovisuales que ya suponen una seña de identidad y que comentaremos en otra review de análisis al final de la temporada.

El director de la serie, Tetsuro Araki, es el mismo autor del manga, editado por Norma en España, donde también es un éxito de ventas. Además, en septiembre se estrenaron las dos películas con actores reales – ‘Attack on Titan:The Movie’ y ‘Attack on Titan 2:End of the world’– en varias salas de CINESA en nuestro país.