Una mujer bereber o amazigh en mitad de un paisaje norteafricano con tintes alucinados y planetarios presta la imagen a la 23 edición del Festival de Cine Africano de Tarifa Tánger (FCAT). Ella mira al espectador desde un cartel presentado este lunes en Sevilla, que quiere tender un puente geográfico con las islas africanas, el tema central hacia el que mirará en esta edición el festival, tanto en su retrospectiva como en sus diálogos y reflexiones. La cita ‘estrecheña’ se celebrará entre el 22 y el 30 de mayo de 2026, con actividades en las orillas de ambos continentes. En Tánger el FCAT se celebra del 22 al 24 de mayo. 

Esta será la primera edición del FCAT sin Mane Cisneros al frente. La fundadora y directora del festival durante 22 ediciones dijo adiós el pasado otoño a la primera línea de gestión del festival. El testigo ha pasado a un grupo de cinco profesionales de su equipo con larga experiencia en el FCAT, quienes se han puesto al frente de la gestión de esta cita con los cines de África como comité de dirección del festival. 

Durante el acto de presentación de esta edición y su cartel en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS), Ángel Justo, director del Secretariado de Cultura de la Universidad de Sevilla, dio la bienvenida y la palabra a Federico Olivieri, portavoz del comité de dirección, quien abrió este nuevo ciclo del proyecto junto al resto del equipo. Lo hizo ante una destacada representación de instituciones culturales e internacionales, como la Cónsul General de Portugal en Sevilla, la directora Fundación Tres Culturas, además de representantes del Consejo Audiovisual de Andalucía, el Instituto Francés o la Andalucía Film Comission. 

El FCAT 2026 vuelve a unir un año más a Europa y África a través de la cultura, además de tejer lazos concretos con nuestros vecinos marroquíes. Entre las novedades de esta edición está la recuperación de la Cinematheque de Tánger (Cinema Rif) como sala del festival en su orilla africana, así como el aumento de la apuesta formativa del FCAT con la incorporación de la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, ECAM, como colaboradora de los talleres y cursos del festival.  

“Desde sus inicios, el FCAT no sólo busca ser escaparate de las cinematografías africanas en nuestro país”, ha explicado Federico Olivieri, “sino también un espacio de conocimiento y formación sobre los aspectos que definen los cines del continente vecino”. El portavoz del comité de dirección ha querido también recordar unas palabras de 2009 del reconocido cineasta mauritano Aberrahmane Sissako, quien a su paso por el festival decía que el FCAT “funge de escuela para conocer África desde la mirada de sus realizadores, lo que nos motiva a seguir apostando por la formación como oportunidad de sinergias entre profesionales de ambos lados del Estrecho.” 

Las islas africanas 

Olivieri y la programadora Marion Berger, también miembro del comité de dirección, anunciaron que la 23ª edición del Festival de Cine Africano de Tarifa y Tánger propondrá un viaje por el meta-archipiélago africano, analizando cómo el cine construye las narrativas de sus estados soberanos y sus diásporas caribeñas. Bajo el título ‘Orillas Compartidas: las imágenes de las Islas Africanas’, el festival pondrá en diálogo las miradas externas continentales con las voces internas isleñas del continente. Un equilibrio entre la fragilidad y el potencial estratégico.  

La temática central de esta edición abordará la realidad de naciones como Cabo Verde, Madagascar, Las Comoras, Guinea Ecuatorial, Mauricio, República Dominicana, Haíti y Cuba, entre muchas otras islas, cuyas cinematografías reflejan identidades híbridas forjadas entre el aislamiento geográfico y la resistencia cultural de unos territorios que funcionan como puentes estratégicos entre los océanos Índico y Atlántico. 

El objetivo será descolonizar la mirada sobre estas geografías, explorando la producción y la creación de comunidad en entornos marcados por la insularidad y el fenómeno de los archipiélagos humanos. 

Para la programadora del FCAT, Marion Berger, “La retrospectiva contará con unas 15 sesiones de películas procedentes las Islas Africanas y afro-caribeñas y propone una reflexión sobre la particularidad de la insularidad en términos de identidad, de historia y de creatividad, poniendo en evidencia la herencia cultural común entre estos archipiélagos”. 

Mehdi Sefrioui  

El autor del cartel de esta edición, Mehdi Sefrioiui, es un fotógrafo y artista visual tangerino cuya obra ha evolucionado de la moda parisina a una profunda investigación sobre la memoria y la resistencia en el Magreb. Su práctica artística se centra en deconstruir la mirada colonial y rescatar historias silenciadas mediante el uso de archivos, textiles y testimonios orales. 

La imagen de esta edición del festival, que forma parte de su proyecto The future that was, es una alucinación reparadora que encarna esta búsqueda de futuros alternativos mediante el uso de la Inteligencia Artificial y sus “alucinaciones” creativas. A través de su técnica de “reparación especulativa”, Sefrioui reimagina una identidad local donde los saberes ancestrales y la tecnología convergen para reconquistar los imaginarios y futuros arrebatados por la historia. Una propuesta de modernidad arraigada en el territorio. 

Extensión en Sevilla y jurado andaluz 

La presencia del FCAT no suele limitarse a Tarifa y Tánger, sino que posee satélites más cerca y más lejos de su territorio. La Fundación Tres Culturas, con sede en Sevilla, volverá a acercar a la capital andaluza durante la semana del festival tres proyecciones, los días 25, 26 y 27 de mayo a las 20:30h. Se tratará de una selección de películas de la sección competitiva del FCAT 2026 y contarán con la presencia de uno de los directores. 

El CICUS también vuelve a sumarse a la extensión sevillana con proyecciones de mañana los días 12, 19 y 26 de mayo. Una selección de las películas de la programación del FCAT pensada especialmente para el interés de alumnos y alumnas a partir de 13-14 años, que se enmarca dentro del Espacio Escuela del festival. 

Por su parte, la sección a concurso, En Breve, que premia el Mejor Cortometraje africano, tendrá a un jurado andaluz encargado de seleccionar este galardón. En esta edición formarán parte de este jurado la coordinadora de MAFF|Festival de Málaga Cristina Consuegra, la sonidista tarifeña Diana Sagrista y la directora, arquitecta y paisajista sevillana Reyes Gallegos. 

El Festival de Cine Africano se ha consolidado en casi un cuarto de siglo como un escaparate y marco de encuentro para las producciones cinematográficas africanas y de sus diásporas en España, Europa y América Latina. Al mismo tiempo, atento a la evolución de las audiencias de habla hispana, en las últimas ediciones el FCAT ha ampliado el espectro de su propuesta, priorizando la difusión del cine andaluz, español y europeo sobre África o rodado en África, las coproducciones europeo-africanas y las coproducciones Sur-Sur entre Iberoamérica y África, entendiendo el cine como herramienta de conocimiento, desarrollo y diplomacia cultural.

Aunque Alfonso Sánchez es conocido principalmente como componente del popular dúo Los Compadres, en los últimos años se ha ido embarcando en proyectos muy diversos como actor, guionista y director. El más reciente lleva por título Pendaripén, y es un largometraje documental que trata de condensar un relato de varios siglos: el origen del pueblo gitano y su larga historia de persecuciones y marginación.

La cinta, que se estrenó el año pasado coincidiendo con el sexto centenario de la llegada de los gitanos a la Península Ibérica, fue idea de la productora Agus Jiménez, según explica el propio Sánchez: “Mientras realizaba otro proyecto, se dio cuenta de que no existía ningún documento audiovisual que contara la historia del pueblo gitano en España: ni su origen, ni su llegada, ni nada”, recuerda. “La idea inicial era para hacer una ficción de época, pero también descubrió una serie de eventos históricos que le sorprendieron muchísimo, y sobre todo el hecho de ignorar casi todo de ese tema, como la Gran Redada de 1746, por ejemplo. Entonces pensó que estaría muy bien hacer un documental y me propuso dirigirlo: ‘¿Cómo lo ves? ¿Te apetecería?’”.

“Ya habíamos trabajado juntos en el documental Sembrando Sueños, pero, de entrada, me generó muchas dudas”, prosigue. “Contar la historia del pueblo gitano me parecía algo de una dimensión enorme, difícil de abarcar, y además el hecho de no ser gitano me parecía un hándicap a la hora de dirigirlo. Me dijo que su idea era que yo aportara mi experiencia y mi talento como director, pero que la historia la contara el propio pueblo gitano. Es decir, buscar profesionales gitanos de primer nivel en todos los apartados del documental. Así ha sido: Eva Montoya en la investigación y el guion, Pablo Vega en el montaje, Quintín Vargas en la música…, que hubiera cabezas de equipo gitanas, y que las voces que se escucharan fueran voces autorizadas y de prestigio del propio pueblo gitano. Esa fue la gestación del proyecto”.

La semilla del racismo

Así, Pendaripén (Historia en lengua romaní) fue cobrando forma con la colaboración especial de Lolita Flores y la participación de figuras como Pastora Filigrana, Ismael Cortés, Séfora Vargas, José Vega de los Reyes, Beatriz Carrillo, Miguel Ángel Vargas, Sarah Carmona y Marcos Santiago, entre otros. Y conforme iban avanzando, se sorprendían cada vez más de ese enorme desconocimiento que existe en España en torno a esta comunidad. “Te das cuenta de que incluso el propio pueblo gitano es muy desconocedor de su historia, porque durante mucho tiempo no ha interesado impulsarla. Es verdad que ya existen historiadores gitanos, personas que investigan el tema, libros publicados, estudios universitarios y tesis doctorales, pero durante décadas no se ha enseñado esta historia en los colegios ni ha formado parte del conocimiento general”, subraya Sánchez.

“De hecho, una de las reacciones más habituales del público tras ver el documental es preguntarse cómo es posible que, con 30, 40 o 50 años, no conocieran nada de esto”, agrega. “Por un lado, está esa ignorancia y, por otro, la enorme cantidad de prejuicios instalados en la sociedad mayoritaria, que vienen precisamente de no entender los procesos históricos que han llevado al pueblo gitano a ocupar el lugar que ocupa hoy en la sociedad”.

Además, al comienzo del documental se habla de la semilla del racismo que, como el propio pueblo gitano, ha atravesado los siglos con una tenacidad asombrosa. “Ese era uno de los pilares fundamentales en los que Eva Montoya quería trabajar. Para ella, el estudio de la historia de su pueblo permite entender cómo se forja la arquitectura del racismo cotidiano en el que seguimos viviendo en pleno siglo XXI. Todavía hoy existen resabios racistas en la vida diaria, incluso en conductas que la sociedad mayoritaria no percibe como racistas, pero que lo son. Estigmas, etiquetas y comentarios que forman parte del lenguaje cotidiano”.

“Si analizas el comportamiento de la sociedad mayoritaria respecto al pueblo gitano en España desde el siglo XVI hasta hoy, hablamos de más de 600 años de prácticas que han ido situando a toda una etnia en un lugar de marginación y exclusión. Al final, incluso el propio pueblo gitano acaba asumiendo esa marginación sin comprender que las estrategias de resistencia que desarrolló para sobrevivir y mantener su identidad son precisamente las que han permitido que hoy siga existiendo”, comenta Sánchez. “Ha habido procesos históricos muy concretos, como la prisión general de gitanos del siglo XVIII, en los que monarquía, poder político e Iglesia se confabularon para intentar exterminar a la etnia gitana en España. Es un arma de doble filo: por un lado ha permitido conservar la identidad, pero por otro ha condenado a una parte importante de la población gitana a vivir en riesgo de exclusión, aunque evidentemente no es el cien por cien, ya que muchos gitanos están plenamente integrados en la sociedad”.

Resistencia a la homogenización

En el documental se repite la idea de que el gran pecado del pueblo gitano fue la libertad, no someterse a esos poderes. ¿Fue así, o se ha romantizado esa idea? “Es cierto que se ha romantizado mucho al pueblo gitano, y de eso también se habla en el documental. Pero esa romantización tiene una base real: históricamente el pueblo gitano se ha resistido a la homogenización. Es un proceso que comenzó con la creación del Estado español y que hoy sigue vigente, incluso de manera más intensa”, expone Sánchez. “Esa resistencia ha permitido conservar una identidad muy poderosa que hoy, por ejemplo a través del flamenco, es muy demandada en todo el mundo. Mucha gente viene a España buscando esa autenticidad, aunque esa identidad también ha sido utilizada por el capitalismo para construir parte de la marca España. Al final se produce una contradicción: se tolera al gitano siempre que encaje en esa imagen romántica; si no, se le condena a la exclusión. Creo que es un buen momento para analizar todo esto y aceptar la identidad gitana dentro de la sociedad mayoritaria, con sus diferencias”.

El documental, que ha tenido su buen recorrido por festivales y puede verse en Canal Sur Más, ha tenido por parte de los espectadores gitanos y no gitanos, según el director, una respuesta “que resumiría así: emocionante y sorpresiva. La gente sale preguntándose cómo es posible no haber sabido nada de esto y, al mismo tiempo, profundamente emocionada porque entiende mucho mejor al pueblo gitano. El propio pueblo gitano también se reconoce más a sí mismo y comprende de dónde vienen muchas dinámicas que ni siquiera ellos conocían. El documental ayuda a revisar prejuicios y a crecer como sociedad, especialmente en un momento en el que seguimos viendo procesos de persecución, linchamientos y violencia que tienen un eco directo en la historia. Si no conocemos nuestra historia, estamos condenados a repetirla”.

Para terminar, cabe preguntarse si Pendaripén certifica la mayoría de edad de Alfonso Sánchez como documentalista. “No sé si me definiría como documentalista. Mi mundo y mi lenguaje son la ficción. Ahora mismo estoy preparando una serie sobre la vida de Chiquito de la Calzada y otros proyectos muy interesantes. Este documental ha sido para mí una mezcla entre viaje y tesis doctoral. Mientras siga aprendiendo y sorprendiéndome, seguiré contando historias”.

A punto de cumplir las tres décadas, el Festival de Málaga —y su mercado profesional, el MAFIZ— se ha convertido en una cita imprescindible para el cine español.

Con la Berlinale como gran antesala, el festival se ha convertido en la plataforma ideal para lanzar el mejor cine español indie de los últimos años. Ganadoras de la Biznaga de Oro y directoras debutantes como Las niñas (Pilar Palomero), Alcarrás (Carla Simón), Sorda (Eva Libertad) o Cinco lobitos (Alauda Ruiz de Azúa) han encontrado en la cita andaluza el mejor impulso posible hacia los Goya y una consolidada carrera en el audiovisual patrio.

Málaga es, en fin, el arranque ideal para cada nueva temporada del cine español y su director, Juan Antonio Vigar —muy al estilo de la aclamada serie Los Bridgerton— el anfitrión ideal para que, a lo largo de los últimos tres lustros, la gran familia del festival haya crecido hacia otras latitudes, como Latinoamérica o Europa, y otros formatos como las series.

Pero, más allá de su indiscutible importancia nacional, Málaga es también el hogar del cine andaluz, donde figuras como Celia Rico, Santi Amodeo o Ezekiel Montes, han encontrado el lugar ideal para lanzar o consolidar sus carreras.

No es casualidad, por tanto, que el mercado cinematográfico más importante del país —liderado por Annabelle Aramburu— esté en la capital malacitana. Y es que el festival ha generado a lo largo de las tres décadas el clima perfecto para que las empresas y los profesionales andaluces hayan encontrado aquí el lugar perfecto para impulsarse más allá de Despeñaperros y los Pirineos.

Es así como la 29ª edición del Festival de Málaga arranca con una película andaluza compitiendo por la Biznaga de Oro en su Sección Oficial: Iván & Hadoum (Ian de la Rosa). Y lo hace tras consagrarse en Berlín como una de las películas LGTBIQ+ del año, ya que allí ganó el Teddy, el premio queer más importante del mundo.

Otra andaluza, Marta Díaz de Lope Díaz, que conoce bien el Festival de Málaga pues aquí estrenó su ópera prima (Mi querida cofradía), también competirá por la Biznaga de Oro con Pioneras, nuestro particular (e histórico) Quiero ser como Beckham.

En Sección Oficial, aunque fuera de competición, el cine andaluz ha encontrado uno de sus grandes bastiones en los últimos años. Este año, autores de la talla de Alexis Morante (A una isla de ti), Patricia Ortega (9 lunas), Violeta Salama (Auri) o Nacho La Casa (Un hijo) testearán aquí sus obras ante la prensa y el público, antes de compartirlas con los espectadores en salas comerciales a lo largo del año.

Pero más allá de la Sección Oficial, las secciones paralelas nos darán grandes alegrías con jóvenes talentos como Olga Navalón y Bea Hohenleiter, que codirigen el cortometraje Que me alimente; Alexis Morante, que se atreve con la cuarta temporada de la serie musical Acoustic Home; o Paco Cabezas, quien, con un pie en Estados Unidos y otro en España, completa la trilogía de La novia gitana con la tercera temporada: La Nena, protagonizada una vez más por la gran Nerea Barros, ganadora por cierto del Goya a Mejor Actriz Revelación con La Isla Mínima (Alberto Rodríguez).

Y por supuesto: Cuántica Rave, joya de la sección Zonazine, con la que Paco Campano promete volver a volarnos la cabeza con este musical de ciencia ficción protagonizado por el gran Antonio Dechent y la más que prometedora África de la Cruz, ganadora de un Carmen con Las Gentiles.

Imposible olvidarse de uno de los grandes formatos del sector audiovisual andaluz: el largometraje documental, con obras como Plus Ultra (Elías Pérez), Landa (Gracia Querejeta, Miguel Olid) o El espíritu del caminito (Ángel Tirado), por citar algunos de los más destacados, que transitan nuestra historia, cultura y geografía más vibrante.

Pero para destacada y superestrella del cine andaluz, ella… Manuela Ocón, la gran productora andaluza, que recibirá el Premio Ricardo Franco de la Academia de Cine. A Ocón le debe Andalucía sus mayores éxitos cinematográficos y seriéfilos de las dos últimas décadas: Grupo 7, La Isla Mínima, El hombre de las mil caras, La Peste, Modelo 77 (por la que por fin ganó el Goya), Los Tigres y la excelsa Anatomía de un instante.

Sí, todas ellas tienen en común no solo la dirección de Alberto Rodríguez y el guion de Rafael Cobos, sino toda una tribu de profesionales andaluces que son, a día de hoy —capitaneados por ella— algunos de los mejores jefes de equipo y técnicos del cine español. No en vano es una de las directivas más importantes del área audiovisual de Movistar+.

Una mujer que no supo que tenía cáncer hasta que una amiga suya le permitió “colarse” para que le hiciesen una prueba, un vecino que lleva meses esperando a que le vea su especialista o una esposa que perdió a su marido por el diagnóstico tardío de su cáncer de pulmón. Tres historias que sintetizan algunos de los males de la situación de la sanidad pública en Andalucía y que se muestran, a través de sus protagonistas, en “Salud No Responde”, un documental dirigido por Pablo Coca e impulsado por Marea Blanca que radiografía lo que es, a juicio de este movimiento asociativo, la “privatización” y el “desmantelamiento” de este servicio público.

Durante algo más de una hora, este reportaje recorre la geografía de Andalucía para conocer a los ciudadanos y a los sanitarios que están padeciendo y soportando un modelo de salud que hace aguas. “Entendemos este documental como una herramienta de denuncia y por eso le damos tanto valor a los testimonios de todas las partes implicadas”, explica Pablo Coca, director del film que pone el dedo en la llaga de la sanidad andaluza. “Sirve como termómetro de lo que está sucediendo ahora mismo”.

Esta pieza audiovisual, que ya ha empezado su recorrido en diferentes salas y centros cívicos de toda Andalucía, ha sido posible gracias al impulso de Marea Blanca, que llevó a cabo un crowdfunding para poder sufragar el proyecto. Así, en apenas unas semanas, consiguieron reunir 43.363 euros, de los que algo más de 30.000 se han empleado en el rodaje y la posproducción del documental. El resto se ha utilizado para la promoción y divulgación de un reportaje que no busca simplemente contar, sino transformar. Y con esa ambición ha encarado Coca su realización.

El origen del documental es, de hecho, profundamente militante. Fue la propia Marea Blanca la que contactó con el cineasta tras conocer su trayectoria en el documental social, con trabajos como “De espalda al sol”, sobre La Desbandá, o “El mapa de Carlos”, centrado en la figura de Carlos Cano. “Tenía ganas de meterle mano a temas como la sanidad o la educación, porque son cosas básicas, estructurales”, explica Coca. “La salud es como el aire o como el agua. Algo que damos por hecho hasta que empieza a faltar”.

De Cazorla a Huelva

El primer rodaje le llevó hasta Cazorla, en la provincia de Jaén, y fue ahí donde el director tomó conciencia de la magnitud del conflicto. “Cuando llegué, el pueblo estaba empapelado de pancartas. Habían sacado el centro de salud fuera, los servicios no funcionaban y la gente estaba muy rebotada. Todo el mundo quería hablar”, recuerda. Esa escena, que se repitió después en otros puntos de Andalucía, marcó el enfoque del documental.

Salud No Responde huye deliberadamente de una narración en tercera persona o de una voz en off que explique la realidad desde fuera. Son los propios protagonistas quienes construyen el relato a través de entrevistas y conversaciones colectivas en las que dialogan pacientes, profesionales sanitarios y activistas. “No quería contar un cuento desde arriba, sino que fueran ellos y ellas quienes desgranaran lo que está pasando”, cuenta Coca.

El resultado es un mosaico de experiencias que conecta comarcas y provincias distintas, desde Cazorla a Huelva o de Sevilla a Granada, pero atravesadas por problemas comunes: listas de espera interminables, diagnósticos tardíos, servicios cerrados, falta de personal y profesionales exhaustos. “El documental recoge, por un lado, el desamparo de la gente, esa sensación de orfandad ante una sanidad que parecía garantizada”, señala el director. “Y por otro, el hartazgo de los profesionales, el no poder más, el maltrato y la emigración constante de sanitarios, especialmente enfermeras, que se van a otras comunidades o a otros países”.

Junto a ese diagnóstico, el documental dedica una parte central a la propia Marea Blanca, su implantación territorial y su capacidad para articular una respuesta colectiva. Para Coca, una de las claves del movimiento ha sido saber canalizar el malestar social y convertirlo en una red organizada. “Hay una inteligencia colectiva muy potente. Han sabido coordinar luchas locales y construir algo común a escala andaluza”, afirma.

Una herramienta para salvar la sanidad

Desde el punto de vista audiovisual, el film introduce también elementos simbólicos y poéticos que dialogan con los testimonios: paisajes andaluces, imágenes que evocan la fragilidad o metáforas visuales que refuerzan el impacto emocional de los relatos. Todo ello sin perder de vista el objetivo central: visibilizar una realidad que, según denuncian quienes participan en el documental, no es coyuntural, sino el resultado de decisiones políticas sostenidas en el tiempo.

Tras su estreno, “Salud No Responde” ha comenzado un recorrido por cines, centros cívicos y espacios sociales de distintas provincias andaluzas, al tiempo que inicia su camino por festivales. Para su director, la película no se entiende como un producto cerrado, sino como una herramienta viva. “Ahora mismo se está utilizando para difundir, para concienciar y para defender la sanidad pública”, explica. “Si sirve para que la gente entienda que lo que está en juego es algo tan básico como su propia salud, habrá cumplido su función”.

En un contexto de movilizaciones recurrentes y protestas continuas en defensa del sistema sanitario, el documental se suma así al debate público con un relato construido desde abajo, apoyado en experiencias reales y con una voluntad clara de incidencia social. Una radiografía incómoda de una sanidad pública que, según quienes la viven y la defienden, ya no responde.

Entretenida, profunda, espectacular. Bajo la superficie –y nunca mejor dicho ya que es una película sobre buzos industriales–, Los Tigres es, posiblemente, una de las mejores películas de Alberto Rodríguez en una filmografía de absoluta excelencia que siempre juega a dos niveles: la peripecia, que diría su guionista Rafael Cobos, y la profundidad social, histórica y cultural.

A pesar de todo esto, la repercusión de Los Tigres en esta 40ª edición de los Premios Goya ha sido relativamente limitada: es una de las películas más nominadas, con 7 opciones (empatada nada menos que con Sorda, la revelación novel del año, y El cautivo, la visión de Alejandro Amenábar sobre Miguel Cervantes), pero lejos de las 13 nominaciones de Los domingos (Alauda Ruiz de Azúa) y las 16–17 nominaciones de su propia filmografía, como Grupo 7, La Isla Mínima o Modelo 77.

Como decíamos, sobre la superficie marina, Los Tigres es un desasosegante thriller de dos hermanos buzos (Antonio de la Torre y Bárbara Lennie) condenados a entenderse, con una espectacularidad subacuática que no habíamos visto hasta la fecha en el cine español. Lo que no se ve a simple vista es que se trata de una obra más feminista de lo que pueda parecer en una lectura superficial, que no ha llegado como se merece a las personas que conforman (y votan) la Academia de Cine. Cosas de los premios, con sus variables emocionales, políticas y, en fin, al margen de lo puramente artístico.

Aunque la representación andaluza se ha visto muy mermada en esta edición (en los últimos Goya ha sido habitual que una cuarta o quinta parte de las nominaciones fueran andaluzas), sí hay representantes de excelencia en las nominaciones de este año.

Una de ellas es, sin duda, la gran Celia Rico, quien, a base de talento, profesionalidad y una sublime sensibilidad, ha logrado hacer su tercera película, La buena letra. Y lo ha hecho con excelencia. La sutileza y la sensibilidad de Rico Clavellina ya asomaron en su ópera prima, Viaje al cuarto de una madre, pero en esta tercera obra se reafirma su indudable pulso narrativo. El reto en este tercer asalto era adaptar la novela homónima y salir airosa. Así ha sido. Su nominación a Mejor Guion Adaptado es más que merecida, pero se nos antoja, de nuevo, algo escasa. La buena letra de Celia merecía más.

Lo que no se nos antoja escaso es el éxito de Tardes de soledad, una de las mejores obras del cineasta catalán Albert Serra, un monumental documental sobre la tauromaquia que ha tenido detrás, y como fórmula de su éxito, al productor sevillano Luis Ferrón. Al enorme logro de que el templo del cine de autor francés, Cahiers du Cinema, la haya elegido la mejor película del año, se suman dos nominaciones en los Goya: Mejor Documental y, algo inédito en 40 años para un documental: Mejor Dirección. Todo un acto de justicia ante una obra mística, poética y ejemplar.

Los Tortuga, producción andaluza dirigida por Belén Funes (catalana de orígenes jienense) se lleva dos merecidas nominaciones para sus actrices, Antonia Zegers y la debutante Elvira Lara. Su ritmo contenido, conducido por sus excelentes intérpretes, obtiene esa merecida recompensa.

La animación andaluza, fruto de una intensa colaboración con otras regiones y naciones, avanza hacia un terreno especialmente interesante gracias a la industrial Norbert, la sencilla Bella y, sobre todo, a obras tan llamativas y vanguardistas como el cortometraje Gilbert, primera producción de animación de Agencia Freak.

También siempre a la vanguardia la compositora Paloma Peñarrubio, que vuelve a lograr una nominación en la categoría de Mejor Canción Original con la obra de carácter LGTBIQ+ ¡Caigan las rosas blancas!. Es bonito ver que la transgresión también tiene su lugar en los lugares más tradicionales.

Un fructífero caladero habitual de nominaciones (y premios) en los Goya es el de la intepretación, donde el gran Manolo Solo –ganador del Goya por Tarde para la ira– está nominado con la exitosa Una quinta portuguesa y el joven Hugo Welzel, al que ya pudimos ver en la serie de Rafa Cobos El hijo zurdo, y que se estrena en la gran pantalla con Enemigos y obtiene una nominación a Mejor Actor Revelación.

Entre las ausencias más sonadas, por citar algunas, tres grandes cineastas como Rafael Cobos (Golpes), Fernando Franco (Subsuelo) y Santi Amodeo (El cielo de los animales), que han firmado este año tres obras maestras, así como dos de los mejores documentales españoles del año como Ellas en la ciudad (Reyes Gallegos) o Un hombre libre (Laura Hojman).

Bañado entre dos aguas, crisol de culturas y tendencias. Entre la ficción y la realidad. Entre lo comercial y lo autoral. El cine andaluz llega en 2026 con fuerzas renovadas, tras un año en el que cuatro de sus mejores autores, Alberto Rodríguez, Rafael Cobos, Santi Amodeo y Fernando Franco, nos brindaron cuatro obras maestras: Los Tigres, Golpes, El cielo de los animales, Subsuelo y, también para televisión, una de las mejores series de nuestra historia reciente, Anatomía de un instante.

Mientras la temporada de premios reparte suerte entre estas obras, despuntan algunos de los grandes hitos de este 2026, en los que nuestro cine reivindica su indiscutible potencia simbólica.

El primero en llegar será Paco León, autor de grandes comedias, como la saga de las Carminas (Carmina o revienta, Carmina y amén) o Kiki, el amor se hace. León hace suyo el éxito histórico de Aída, para convertirla en una ficción autorreferencial, Aída y vuelta, abordando el rodaje de un capítulo de la famosa serie y, por tanto, jugando entre la realidad y la ficción, un terreno donde el director sevillano es, sin duda, un gran maestro. El 30 de enero la tendremos en cartelera.

Sin fecha de estreno y con pocos detalles, pero culminando su fase de posproducción, llegará La luz, el quinto largometraje de ficción del prolífico Fernando Franco, en una cinta de la que sí sabemos que está protagonizada por Alberto San Juan y Pedro Casablanc. Siendo su autor el director sevillano lo que sí tenemos claro es que ser una nueva obra de calidad que profundizará en las esquinas más recónditas del alma humana.

Se rodará en primavera y llegará a finales de año: la tercera película de Guillermo Rojas, que ya nos sorprendió con su delicada historia de amor Una vez más y consu divertida comedia de ambientación histórica, Solos en la noche. “Pequeño y especial”, así define Rojas Una simple carta de amor, que entremezcla dos historias: una autoficción actual y una búsqueda del amor en los años 60.

Será también la tercera de Gonzalo Bendala, autor que continúa explorando las fronteras entre la luz y las tinieblas humanas, tras Asesinos inocentes o Cuando los ángeles duermen. En Lucidez, con un reparto encabezado por Óscar Casas, Fiona Paloma, José Coronado y Najwa Nimri, Bendala se adentra en el fascinante mundo de los oninorautas, personas que controlan lo que sucede en sus sueños.

Convertido en un director de culto con La furia de Mackenzie, Paco Campano llega también con su tercera película, Cuántica Rave, que promete ser una bendita locura en forma de… comedia musical de ciencia ficción. Por si fuera poco, a los mandos de la nave espacial pilotan Antonio Dechent, Pablo Carbonell, Javier Botet (sí, el mítico monstruo de Rec) y África de la Cruz. Entre el punk, los efectos especiales artesanales y las maquetas, la diversión está asegurada.

Un momento histórico para el cine andaluz tendrá lugar en el mes de febrero, cuando Iván & Hadoum celebre su estreno mundial en la Berlinale. Guionista de series como Veneno o La chica invisible, además de director de los cortos Farrucas y Víctor XX, -ambas nominadas a los Goya-, Ian de la Rosa debuta como director de largometraje. El cineasta almeriense ambienta entre los invernaderos y paisajes de su tierra esta historia de amor LGTBIQ+ y multicultural.

A la cara, la adaptación al largometraje del exitoso corto de Javier Marco, volverá a estar protagonizada por Manolo Solo abordando el tema del odio en las redes a través de un troll que se ve confrontado por su propia víctima. Lo hará tras triunfar en el Festival de Gijón. Una adaptación a la gran pantalla será también La ventana abierta, la segunda película que dirige Ana Graciani. En este caso, de una obra teatral que ella misma escribió y dirigió hace una década.

Patricia Ortega, la directora venezolana afincada en Sevilla desde hace un lustro, llegará a 2026 golpeando dos veces, cinematográficamente hablando, tras su tierna y divertida Mamacruz, el coming of age de la tercera edad que protagonizó Kiti Mánver. Lo hará con Caballé, el biopic de nuestra cantante de ópera más universal, y con 9 lunas, que, con un reparto encabezado por Jorge Sanz, María León, Kiti Mánver, Sara Sálamo y Fernando Guallar, aborda la historia de un hombre trans que acude al hospital.. y resulta estar embarazado. Por su parte, Antonio de la Torre se convertirá en el gran monstruo de la literatura infantil española, Sacamantecas, de la mano de David Pérez Sañudo.

Presentado su avance en la última edición del Festival de Málaga, Hora y veinte (Marc Romero) promete 80 minutos de electrizante thriller con Macarena Gómez al frente del reparto y con Salva Reina en la producción. Otro malagueño, el productor Ezekiel Montes, estrenará, al menos, dos películas de ficción este 2026: la superproducción en inglés La quietud de la luz, ópera prima de Fernando Frater, y La señora que juega, dirigida por José Enrique March, con José Manuel Poga, Antonio Dechent, Nancho Novo y Elena Martinez.

En el terreno documental, el cine andaluz seguirá definiendo, con voz propia, su historia política, social y cultural a través de figuras como Julio Anguita (El hombre de los tres siglos, de Hugo Cabezas y Alejandro Toro), El Niño Miguel (Santi Amodeo), Emilio Beauchy (E. Beauchy. El fotógrafo en el café cantante, de Sara Beauchy y Dina Harovic), las mujeres de la obra del gran poeta granadino (Lorca, en femenino y singular, de Pilar Crespo), una histórica obra de danza de insumisión poética (Naquerar, José Romero y Patricio Hidalgo), el rugby femenino más subversivo (A la melée, Rocío Rodríguez) o tres jóvenes desempleados en Taranta (de Samuel Nacar, ganador del World Press Photo en 2025), además de grandes actores nacionales como Paco Rabal (Vanesa Benítez) o grandes gestas universales como la del avión Plus Ultra (Elías Pérez), entre otras muchas obras de cinema verité que el 2026 nos irá desvelando.

Alberto Rodríguez, Rafael Cobos y Santi Amodeo. Tres autores con una trayectoria que roza o supera el cuarto de siglo y que los Premios Carmen, de la Academia de Cine de Andalucía, acaban de consagrar con las nominaciones de su quinta edición, así como su éxito en los Premio ASECAN del Cine Andaluz.

Los Tigres (Rodríguez), Golpes (Cobos) y El cielo de los animales (Amodeo) encabezan, de manera indiscutible, esta quinta edición de los Carmen, con un empate a 15 nominaciones entre las dos primeras y 11, la tercera.

Más allá del dato, los premios suponen una poderosa instantánea que retrata la madurez artística de tres de los autores más importantes de -lo que convienen en llamar los teóricos y los periodistas- nuevo cine andaluz.

La filmografía de Alberto (director) y Rafa (coguionista) está íntimamente ligada entre sí a través de una trayectoria que arranca en 7 Vírgenes y culmina, por ahora, en Anatomía de un instante, la Mejor Serie del año para -de momento- los Premios Forqué y los Premios ASECAN del Cine Andaluz.

A través de la emoción del thriller o del cine de género -lo que el propio Cobos llama la peripecia- han explorado, en una segunda capa de lectura, la marginación social, la corrupción política, la brutalidad policial, la memoria histórica o la represión franquista, entre otros muchos temas.

Han hecho, en definitiva, una poderosa radiografía de la herencia, brutalmente violenta, que el franquismo le legó a este país, sin dejar de lado la fascinación humana ni la emoción del cine de género.

Sus obras de 2025 consagran su madurez de narración, estilo y temática. La virtuosidad con la que, por ejemplo, Rodríguez retrata la violencia terrorista de ETA a través de una secuencia electrizante en Anatomía de un instante o dibuja con sutileza la desigualdad de género en Los Tigres; con la que Cobos encarna la memoria histórica del país a través de dos hermanos enfrentados en Golpes; o con la que Amodeo explora el duelo en El cielo de los animales, sitúan a los tres autores en un nivel de indiscutible excelencia internacional.

Futuro alentador

Si bien Los Tigres se ha estrenado en Francia, La Isla Mínima cuenta con su propio remake alemán (muy interesante en su retrato sobre la brutalidad policial tras la caída del Muro) o sus películas han viajado por algunos de los grandes festivales internacionales (Beijing, Toronto, Berlín, San Sebastián…), la deuda del establishment internacional con estas tres grandes figuras de nuestro cine es innegable. Pero llegará.

Y debería hacerlo, por ejemplo, a través de la Academia de Cine Europeo, que se antoja un lugar privilegiado desde el que lanzar y honrar una filmografía que la institución europea, en una miopía centralista francogermana -que ha comenzado a tratarse en el último lustro- no le ha dado aún a estos titanes el lugar que les corresponde.

Si Alberto, Rafa y Santi encarnan, junto a nombres como Benito Zambrano o Manuel Martín Cuenca, la base de ese nuevo cine andaluz, las nominaciones en Mejor Dirección de los Carmen arrojan una perspectiva muy interesante, en las que a Amodeo y Rodríguez, se suman Fernando Franco (Subsuelo), uno de los andaluces, junto a Alberto Rodríguez, con más nominaciones a los Goya -lo ganó en 2014 por Dirección Novel con La herida- tanto por su faceta como director como montador, y, por supuesto, Celia Rico, una de las autoras andaluzas más profundas y sutiles del panorama, quien, con La buena letra, ha firmado su tercera película y consolidado una carrera cinematográfica que con tanto éxito arrancó hace seis años con Viaje al cuarto de una madre.

¿Hay renovación del talento de los grandes nombres del cine andaluz? Si miramos en la categoría de documentales y cortometrajes, podemos jugar a ojear ese futuro, que se antoja alentador.

Allí, en Mejor Documental, encontramos una obra, que roza la perfección, como La marisma, a cuyo director, Manu Trillo, le ha llevado casi una década retratar meticulosamente el entorno social y natural de Doñana, en una obra que trasciende ambas esferas para conectarlas con una emotiva poesía visual.

También en este categoría encontramos tres documentales con un amplio recorrido en festivales nacionales e internacionales, preseleccionados para los Feroz Arrebato No Ficción, como son Antonio, el bailarín de España (Paco Ortiz), Un hombre libre (Laura Hojman) y Ellas en la ciudad (Reyes Gallegos), que finalmente ha resultado nominado a los premios de la prensa cinematográfica en dicha categoría. Patrimonio natural, artístico y social redescubiertos por cineastas con una profunda vocación por conectar arte y realidad.

Mientras que en la categoría de Mejor Documental hablamos de cineastas con una trayectoria consolidada en su área, como son Hojman, Ortiz y Trillo, es en la categoría de Cortometraje de Ficción donde podemos vislumbrar algunos de los talentos que, más allá de su maestría en el corto, puedan despuntar en un futuro próximo en el largometraje de ficción, como son Dany Ruz, Andrea Ganfornina, Miguel Ángel Olivares o Nazaret Beca y Rodrigo Sancho.

Derecho propio

En All You Need Is Love, un breve relato en clave de comedia sobre la llegada de los Beatles a la España franquista a través de una escena de humor entre dos militantes de la Sección Femenina, encontramos a un cineasta, Dany Ruz, con una gran capacidad para la vis cómica y para condensar, en pocos minutos, un relato que alterna la memoria histórica con la capacidad para hacernos reír.

En clave más trágica, Andrea Ganfornina nos adentra, con Quejío de loba, en la lacra de la violencia machista y logra la proeza de adentrarnos en esta tragedia familiar y social condensando de manera magistral sus tres actos.

Para completar este tríptico, Piedra, papel o tijera se mueve entre las aguas del drama y la pátina de humor para retratar un asunto tan delicado como la eutanasia. Miguel Ángel Olivares se rodea de intérpretes de primer nivel, para hacerlo y se confirma como uno de nuestros grandes talentos cinematográficos.

Los tres cortometrajes guardan similitudes: más de 70 selecciones en festivales, una veintena o treintena de premios a sus espaldas y un talento artístico especial -el de Ruz, Ganfornina y Olivares-, que, como señala la periodista cultural Mercedes Utrera, elevan el nivel del cortometraje andaluz por encima del panorama nacional.

En definitiva, y a pesar de las dificultades que está viviendo el sector para rodar en Andalucía -por la feroz competencia fiscal de otras comunidades autónomas (pero este es otro tema)-, el camino iniciado hace 25 años por Alberto Rodríguez, Rafael Cobos o Santi Amodeo tiene visos de continuidad a través de unos jóvenes talentos, que reclaman, poco a poco, un espacio artístico que les corresponde por derecho propio. Y talento.

A sus 91 años, Luis Gordillo parece lleno de ideas y de sentido del humor. Así se muestra al menos en el documental Luis Gordillo: manual de instrucciones, donde permite que la cámara entre en la intimidad de su estudio y de su casa para mostrar al hombre y al creador, referencia ineludible de la plástica contemporánea española de las últimas décadas. Al otro lado de la lente está Sema D’Acosta, comisario de varias exposiciones del pintor sevillano además de profesor de imagen y sonido, y el cineasta Antonio García, quienes han necesitado tres intensos años para culminar el proyecto y estrenarlo.   

“Tengo la fortuna de ser buen amigo de Luis Gordillo y su mujer, Pilar Linares, desde hace años, hemos desarrollado bastantes exposiciones juntos, ellos confían en mí”, comenta D’Acosta. “Además de conocer en profundidad su trabajo, sé cómo es él, su día a día y el ecosistema donde vive y trabaja. Era el momento ahora de plantear un retrato de Luis Gordillo como no se había hecho antes. Por su parte no ha habido limitaciones, más allá de tener que ir a rodar al estudio y su casa de manera dosificada, días alternos. Ten en cuenta que, aunque entusiasta, Luis es una persona nonagenaria que se cansaba mucho si las sesiones eran seguidas”.

Uno de los puntos fuertes de la cinta es precisamente ese, la ventana que abre para que el espectador se asome a la cotidianidad del artista. O como dice el director, “acceder a ese Sancta Sanctorum. Ante la cámara, Luis actúa con naturalidad, explica sus procesos y motivaciones. Es alguien que se siente cómodo con los focos pendientes de él. Hay que entender que un cuadro es el momento final de un largo proceso que puede prologarse meses, la punta del iceberg. Aquí se muestra todo ese backstage, aquello que no se ve habitualmente”.

Humor como salvación

Claro que los artífices del documental no lo han tenido fácil a la hora de mostrar las múltiples caras de Gordillo. “Es un retrato de sus últimos años, sobre todo desde la pandemia. Hemos evitado el planteamiento hagiográfico y nos hemos centrado en la persona que crea, pero también la que reflexiona sobre su quehacer y su trayectoria. Hemos pretendido construir un documental que huyese de los lugares comunes y se diferenciara, que tuviese algo de ensayo visual. Lo fundamental para los directores, era que se cuidase la textura, la luz, la música, que es de Elena Mendoza, y un determinado tempo”.

Otro elemento presente a lo largo de todo el metraje es el humor. Se ve a Gordillo cantiñeándose alegremente, tocando el piano y haciendo comentarios desenfadados, como ese artista que “maneja desde siempre un humor inteligente y sofisticado, que se ve tanto en su persona como en su obra. No hay más que revisar sus títulos para entender esa faceta suya”, apunta D’Acosta. “Aunque su porte sea serio, realmente es alguien divertido que se maneja casi siempre con retranca e ironía. También posee mucha ternura. Su padre era un médico de Valladolid, un castellano tipo; su madre era más jovial, vivía en la cava de los gitanos de Triana. De esa combinación explosiva y ambivalente, nació Luis. También pienso que el humor le salva del pesimismo, de la tristeza, es como una válvula de escape que le ayuda a sobrellevar su parte negativa”.

Sus ideas sobre el color, sus experiencias con el psicoanálisis o su trabajo sobre la forma y la repetición son algunas de las aportaciones que, como también pone de manifiesto el documental, han ejercido una notable influencia sobre las generaciones posteriores. Ya en los primeros años 70, sus primeros seguidores fueron el grupo de la Nueva Figuración Madrileña (Guillermo Pérez Villalta, Chema Cobo, Carlos Alcolea, Carlos Franco, Pérez Mínguez…). “Eso ocurría hace cincuenta años, pero también ahora, que no sólo enamora a los de mi generación (Secundino Hernández, Rubén Guerrero, Fernando Clemente, Miki Leal, Fructuoso, Sonia Navarro…) o consagrados como Juan Uslé o Victoria Civera, sino también, por ejemplo, tanto a Manuel M. Romero como a Elena Núñez Mallén, dos de los jóvenes y más prometedores valores de la pintura andaluza actual”, dice D’Acosta. “Es dificilísimo que un artista de tantos años vaya interesando a los autores que van llegando. La sociedad va cambiando y las motivaciones de la gente también, pero Luis sigue ahí, como un faro que ilumina y enseña el camino”.

Multifacético y visionario

“Al ser alguien que va por libre, que no se adscribe a modas o tendencias, él ha sido su propia horma, se ha convertido en un rara avis, un artista inusual que cuenta algo absolutamente propio y original”, agrega el comisario. “Ojo, también ha interesado a los críticos de arte y comisarios desde los años 60: Juan Antonio Aguirre, Simón Marchán, Calvo Serraller, Kevin Power, María de Corral, Juan Manuel Bonet, Borja-Villel, Isabel Tejeda… o yo mismo”.

Luis Gordillo: manual de instrucciones tampoco rehúye una cuestión delicada: ¿Por qué un pintor como él no ha tenido mayor repercusión?  “Eso es interesante, porque habla de las debilidades y carencias del sistema del arte español más que del propio Luis Gordillo, cuyo trabajo es extraordinario”, aseveran los directores. “Él ha hecho lo que tenía que hacer, él problema es de otros. Nuestro sistema es autárquico y endogámico, ha tenido pocos enlaces internacionales en estas décadas, sólo conexiones puntuales. Pocos comisarios tienen o han tenido de verdad peso fuera, quizás sólo Carmen Giménez o Vicente Todolí”.

Para D’Acosta, “la obra de Gordillo no es el problema, es justo lo único de lo que no tengo dudas, el foco habría que ponerlo es nuestra situación como país en el contexto global, el poco atractivo que despertamos en cuestiones culturales más allá del flamenco, los toros y Almodóvar. En pintura, se vuelcan con Picasso, Dalí o Miró, y tienen éxito Tàpies y Chillida, artistas que conectan bien con el pasado y su contexto histórico. Luis Gordillo es más difícil de situar, es único en su especie, mira más hacia el futuro, va por delante, no es fácil ubicarlo ni relacionarlo con la tradición española. Su obra es compleja, multifacética y visionaria. Todavía no ha llegado su momento, pero llegará”.

Cuando se cumplen 50 años de la muerte de Francisco Franco, siguen saliendo a la luz episodios desconocidos o poco divulgados de la posguerra y la dictadura. El cineasta José Luis Tirado (Sevilla, 1954) ha querido aportar su parte con el documental La muralla de los prisioneros, que se estrenará hoy, 27 de noviembre, en los cines Odeón Bahía Plaza de la localidad de campogibraltareña de Los Barrios. En esta cinta se narra cómo el régimen franquista empleó a 30.000 jóvenes prisioneros republicanos para construir lo que dio en llamarse la Muralla del Estrecho.

“Aunque la historia está muy localizada, este documental no tiene un planteamiento localista”, asevera el director. “Algo así puede surgir en cualquier lugar, pero al mismo tiempo es importante que revierta en el territorio, porque los habitantes de ese lugar son los depositarios de la memoria. Es importante que los vecinos sepan y cuenten a los que llegan como fueron las cosas. Ahora hay sectores que plantean que el franquismo no fue tan malo. Por eso lo primero que ataca el documental es la estrategia de la reacción, que empieza por descontextualizar”.

Contextualicemos, pues: fue con el final de la Guerra Civil cuando el bando sublevado, en el marco de la alianza con Hitler y Mussolini suscrita durante la II Guerra Mundial, trazó el Plan de Fortificación de la Frontera Sur con la idea de atacar la base británica de Gibraltar y controlar el tráfico marítimo. Un proyecto cuyos frutos forman todavía hoy parte del paisaje de la comarca: cientos de construcciones militares como búnkeres, nidos de ametralladoras, baterías artilleras, así como pistas militares, garitas, cuarteles y letreros de ‘zona militar’ permanecen incluso en zonas turísticas, siendo consideradas por muchos vestigios de la Guerra Civil española.

“Nada más lejos de la realidad”, apunta Tirado, “principalmente porque en esta parte del territorio español no hubo guerra. El golpe de estado de julio de 1936 triunfó inmediatamente, y lo que le siguió fue una práctica de represión y terror, no hubo enfrentamiento entre dos ejércitos. Y en segundo lugar, porque estas construcciones comienzan a realizarse desde 1939”. Algo ya sabido por los historiadores, entre los que sobresale la labor de José Manuel Algarbani, cuyas aportaciones han sido fundamentales para el documental junto a los testimonios de vecinos y supervivientes de aquellos Batallones Disciplinarios de Trabajadores, a los que se suma abundante material gráfico inédito.

Construir lo destruido

Siguiendo el relato de Tirado, tras la Guerra Civil el régimen de Franco establece diversas modalidades de represión, entre ellas los trabajos forzados en lo que se denominaría la ‘redención de penas por el trabajo’. “Durante el avance de las tropas golpistas era práctica reglamentada el exterminio total del enemigo (entendiendo por tal a todo aquel que no simpatice con el llamado Alzamiento), no dejarlos en la retaguardia, para no tener que alimentar y cargar con bolsas de prisioneros, a los que dedicar soldados de vigilancia, etc. Pero esta práctica de exterminio pronto llamó la atención de los corresponsales extranjeros destinados a cubrir las noticias de la guerra, con el consiguiente escándalo internacional, que mermaría simpatías hacia los sublevados. Y, sobre todo, por el pensamiento ‘pragmático’ de destacados religiosos de la orden de los jesuitas – Fernando Huidobro y José Agustín Pérez del Pulgar-, que más o menos vinieron a plantearle al Estado Mayor franquista la siguiente cuestión: si los matamos a todos, ¿qué mano de obra tendremos para construir lo que estamos destruyendo?”

En el caso concreto del entorno del Estrecho de Gibraltar, “la construcción de estas obras no obedece a un plan de obras civiles, sino a un Plan de Fortificación militar. El control sobre el Peñón y el Estrecho permitiría a Franco negociar con Hitler y Mussolini el reparto de las colonias del norte de África y reclamar para sí las colonias francesas de Argelia, Túnez y Marruecos”, agrega el director. “Otra singularidad de este fenómeno represivo es que el Campo de Gibraltar fue el lugar de mayor concentración de prisioneros de toda la España de posguerra; en un corto período de tiempo, desde 1939 a 1944, fueron usados 30.000 prisioneros, aproximadamente, como mano de obra esclava”.

Ni reconocimiento, ni reparación

Lo llamativo es que de aquellos 30.000 jóvenes enviados al Campo de Gibraltar y encuadrados en los Batallones Disciplinarios de Trabajadores, tanto los que murieron a causa del esfuerzo, el hambre, las enfermedades y el trato de los mandos militares (los historiadores llevan contabilizados solo en esta zona unos 600), como los que sobrevivieron, ninguno ha recibido un reconocimiento ni reparación por parte de los diferentes gobiernos tras la llamada transición democrática. “Este documental pretende ser un paso más para ese reconocimiento, junto a la labor de los historiadores”, subraya el director. “Sería necesario, además de la intención que hay de llevar este trabajo a los centros de enseñanza, informar del significado de estas construcciones mediante señalización adecuada al pie de cada una de ellas”.

Convencido de que en cada localidad española sigue habiendo historias soterradas como esta, rastros de represión y abuso que salen a la luz “con solo rascar un poquito”, José Luis Tirado considera que estos hechos se presentan a prueba de bulos y manipulaciones. “La Ley de Amnistía sirvió para que se autoamnistiaran los verdugos del régimen, y la transición también contribuyó a la amnesia. Pero hay también un movimiento memoralista muy potente que no lo va a permitir. Estoy convencido de que va a seguir adelante la verdad. Los hechos son verídicos y contra ellos los bulos no tienen nada que hacer”.

La película La mejor madre del mundo (Brasil, 2025), de Anna Muylaert, se ha alzado con el Colón de Oro a la Mejor Película de la 51 edición del Festival de Huelva de Cine Iberoamericano. El jurado ha decidido que se lleve el premio porque “nos ha transportado a un mundo lejano y cercano al mismo tiempo y nos ha hecho soñar por su capacidad para elevarse por encima de una realidad y de un lugar muy específicos, comunicando así la universalidad de la fuerza, de la responsabilidad y de la capacidad de amor”.

El jurado de esta edición ha estado integrado por la directora del Festival de Cine Español de Nantes, Pilar Martínez-Vasseur, el actor dominicano Jean Cruz y la directora del London Spanish Film Festival, Joana Granero. Es la segunda vez se ha dado a conocer la vencedora en la gala de clausura, que tuvo lugar en la noche de este sábdo.

Además, la actriz protagonista de esta cinta, Shirley Cruz, ha conseguido el premio al Colón de Plata a la Mejor Interpretación, por “su versatilidad y su fuerza en un sorprendente arco interpretativo que va desde la resistencia y determinación a la combatividad, al amor tierno y a la sensualidad creando ilusión y esperanza”.

Colón de Plata y Mejor Dirección

Asimismo, el jurado ha otorgado el Colón de Plata Premio Especial del Jurado a la película Aún es de noche en Caracas (Venezuela-México, 2025), de Mariana Rondón y Marité Ugás. El jurado ha señalado “su capacidad de contextualizarnos a través de episodios importantes de la historia de un país, vistos y vividos desde una historia personal que resuena con la realidad política y social actual, corrompida por las diferentes luchas de poder”.

El Colón de Plata a la Mejor Dirección ha sido para Mayra Hermosillo por Vainilla (México, 2025). El jurado se ha decantado por la directora mexicana por “la capacidad de construir un universo poético, de recrear un sentido de comunidad en tiempos difíciles, de dar cabida a los espacios convirtiéndolo en personajes de relato, también por la formidable dirección de un amplio y variado reparto que da autonomía y voz propia, consiguiendo hacernos conectar con una historia que nos seduce por su magia y su sensibilidad”.

Además de distinguir a Shirley Cruz, el jurado ha concedido también el Colón de Plata a la Mejor Interpretación al actor Pedro Fontaine por su personaje en Los renacidos (Argentina-España-Chile, 2025), de Santiago Esteves. El jurado ha señalado “su capacidad de reflejar de forma delicada emociones reprimidas que van desde el miedo al resentimiento o la ternura en un contexto de extraordinaria violencia y terror, y sostener con esa variedad de registros en su interpretación un thriller trepidante”.

Nómina de galardonados

El tercer Colón de Plata a la Mejor Interpretación, el de Reparto, ha sido para el elenco completo de Vainilla, de Mayra Hermosillo, por “la hermosa y armoniosa coralidad, no exenta de un sutil sentido del humor, que consigue transmitir emociones de sororidad resiliente y de complicidad entre diferentes generaciones”.

Asimismo, los espectadores del Festival de Huelva han decidido que el Premio del Público sea para Un mundo para mí (México, 2024), de Alejandro Zuno.

Además, el público ha decidido que Antonio, el bailarín de España, de Paco Ortiz es la merecedora del Premio Juan Ramón Jiménez de la Sección Talento Andaluz. Por otro lado, el premio de la sección Premio Acento a la Mejor Dirección Española, otorgado también por los espectadores, ha sido para Los Tigres, de Alberto Rodríguez.

Gala de clausura

El Festival de Huelva de Cine Iberoamericano ha clausurado este sábado su edición número 51, un acto que arrancó con la intervención del presentador de la misma, el periodista Adolfo Zarandieta, que señaló que el festival “ha vuelto a demostrarnos que el cine no solo se ve, se vive y se hace nuestro”. En este sentido, apuntó que “en los tiempos que corren, en los que a veces cuesta tanto entendernos y ponernos de acuerdo, el cine nos ha enseñado el camino más corto, el del mirar con atención, escuchar sin prisas y abrirnos sin miedo a lo desconocido”.

A continuación, se proyectó un vídeo resumen de la edición, donde se ofreció una pequeña muestra de lo que han sido estos días de proyecciones y multitud de actividades paralelas con 111 títulos programados, además de la entrega de los Premios Luz a los actores Yon González y Milena Smit y los Premios Ciudad de Huelva a los actores Pilar Castro y Fernando Tejero. Además, el cantante Carlos Baute amenizó musicalmente la noche, ya que interpretó algunos de sus temas más clásicos con los sones de la Banda Sinfónica Municipal de Huelva.

Asimismo, la gala contó con un unánime respaldo institucional, con la asistencia de representantes de los organismos que conforman el Patronato de la Fundación: la presidenta de la Fundación Cultural Festival de Cine Iberoamericano de Huelva y alcaldesa de la ciudad, Pilar Miranda; el director del certamen, Manuel H. Martín; Víctor M. González, viceconsejero de Turismo y Andalucía Exterior de la Junta de Andalucía; la delegada de Cultura y Deporte de la Junta en Huelva, Teresa Herrera; y el presidente de la Diputación, David Toscano, entre otras autoridades.

Antes de finalizar la Gala, Adolfo Zarandieta anunció las fechas de la próxima 52 edición del Festival de Huelva de Cine Iberoamericano, que se celebrará entre el 13 y el 21 de noviembre de 2025.

Premios paralelos

El XXXI Premio Manuel Barba al Mejor Guión, otorgado por la Asociación de la Prensa de Huelva, recayó en Un mundo para mí, de Alejandro Zuno (México). El Premio Radio Exterior de España fue para Aún es de noche en Caracas, de Mariana Rondón y Marité Ugás.

El Premio de la Prensa Iberoamericana, otorgado por los asociados de Periodistas Iberoamericanos de Cine (PIC), distinguió a la película Un futuro brillante (2025), de la uruguaya Lucía Garibaldi. De forma excepcional, el jurado otorgó además una Mención Especial a la colombiana Noviembre, de Tomás Corredor.

El Premio Corazón Roto que entrega la Asociación Cardíaca Nuevo Camino Para el Corazón Onubense (Ancco) distinguió a Doce Lunas, de Victoria Franco. La Escuela de Arte y Superior de Diseño León Ortega otorgó su Premio a la Mejor Fotografía de Largometraje también a esta misma cinta. En la categoría de Mejor Fotografía en Cortometraje, el mismo centro premió Sexo en los 70.

El jurado del IES Pablo Neruda concedió su Premio al Mejor Largometraje a Aún es de noche en Caracas. En lo que respecta al Mejor Cortometraje Nacional, este centro educativo ha premiado a Estela, de Manuel Sicilia.

El premio paralelo que otorga la Casa de Iberoamérica reconoció a Noviembre. Finalmente, el Premio Queer Camilo 2025, otorgado por EL FOC Cultura con Orgullo y fallado por Lorena Martín, Luis Ortiz-Abreu y Nacho Rivera, distinguió a Un mundo para mí (México), de Alejandro Zuno.

Hubo un tiempo en que el cine iberoamericano ponía el foco en cuestiones sociales o identitarias, en comunidades y tradiciones amenazadas, en conflictos históricos no resueltos… Todo ello sigue inspirando, naturalmente, a los creadores del otro lado del océano, pero en los últimos tiempos la mirada está girando hacia los más jóvenes, el futuro de un continente tan fascinante como convulso. O eso al menos es lo que sugiere la sección oficial del Festival de Huelva, que celebra su 51ª edición durante estos días y hasta el 22 de noviembre.

Así, firme candidata al Colón de Oro es la cinta Un futuro brillante, el nuevo trabajo de la uruguaya Lucía Garibaldi tras el éxito de su filme Los tiburones. Una distopía en la que una joven es elegida para viajar al Norte, la tierra de promisión donde el éxito está asegurado, pero del que nadie regresa. Garibaldi recuerda que la idea surgió caminando por una zona industrial de Montevideo, “un lugar por el que una mujer no debe caminar sola. Me sentí enojada por no poder aprovechar las caras de la noche, las luces de la noche, y al mismo tiempo me pregunté cómo sería la vida si yo fuese la última mujer joven… Luego llegó el covid, y esa tentación de ponerse una filosófica y existencialista se mezcló con la lectura de La sociedad del cansancio, de Byung-Chul Han, la necesidad de ser productivo y no perder el tiempo. Con todo eso fue tomando forma la historia”.

En el éxito del filme tiene no poco peso el trabajo de Martina Passeggi, joven bailarina y coreógrafa que asume el papel protagonista. “Creo que es muy útil tener bailarines y músicos actores, por el tempo que poseen. Además, Martina tiene un rostro muy hipnótico, en el casting vi a diez chicas y todavía seguí viendo más, pero solo para convencer al resto de lo que yo ya sabía, que Marina era la idónea”.

Bajo presupuesto

También destaca el uso de una luz que Garibaldi atribuye, no sin una sonrisa, “al bajo presupuesto. Tuvimos que armar una distopía con muy pocos efectos especiales, y a veces esa austeridad termina sumando. Veía películas como Alphaville o Brazil, y pensaba que, si te vas un poco a los 70, te acercas a lo que hoy se puede hacer en el cine con poca plata”, comenta. “Lo que más me interesaba era la idea de ese Norte que es el otro lado donde te mandan para triunfar, pero también la decepción que da lugar a la sociedad de la rebeldía. Históricamente, los guerrilleros eran los jóvenes; mi película es una invitación a volver a esa rebeldía neopunk que cuestiona el estatus”.

Para la cineasta, la ciencia-ficción no es tan extraña como parece en Iberoamérica, pero cree que “los europeos buscan otro tipo de historias. En realidad, cuando le sacas el género, es todo lo mismo, aparece el conflicto, las dudas, todo lo que nos hace humanos”, añade al tiempo que recuerda que encabezó el rodaje de Un futuro brillante mientras daba el pecho a un bebé de nueve meses, por lo que “todo el equipo estábamos muy conectados con la vida y limpios de mirar para el costado”.

Precisamente un bebé es el protagonista de Un mundo para mí, la nueva ficción del director mexicano Alejandro Zuno. Un bebé intersexual, para más señas, lo que supone un desafío para sus padres. “Se trata de una película que no solo informa, también conmueve”, subraya el actor Ernesto Coronel, que comparte reparto con Mayra Hermosillo, conocida actriz de la serie Narcos. “Se sabe muy poco de la intersexualidad, es algo de lo que no se habla, y sin embargo pasa, porque cada vez que se proyecta la película, viene alguien a decirme que en su familia o su entorno hay un caso. ¿Por qué no lo abordamos? Creo que hay un intento de anormalizar esto, y es una realidad que nos compete a todos, porque tiene más que ver con las ideas que con cualquier otra cosa”.

Las preguntas de la otredad

Según el actor, lo que el director buscaba era “generar personajes complejos. Los padres de la historia son personas aparentemente abiertas y progresistas, pero cuando tienen un bebé, les puede la responsabilidad. Al final, se trata de preguntarse, ¿quién eres? ¿Qué harías tú? ¿Cómo reaccionaría tu pareja?”

En este sentido, la reacción del público, “tanto en México como en los demás países que hemos visitado ha sido sorpresiva, yo mismo me he dado cuenta de mi propio prejuicio y me ha hecho reconectar con mi propia paternidad”, agrega. “Es una película para quien está abierto y para quien no lo está. La otredad es lo que nos hace estar vivos, porque es lo que nos invita a preguntarnos cosas”.

También competirá por el Colón de Oro la argentina Clarisa Navas con El príncipe de Nanawa, que con su tercer largometraje obtuvo el premio a la Mejor película en Visions du Réel. En él narra su encuentro con Ángel, un niño de nueve años, en una pasarela que une Argentina con Paraguay. Su espontaneidad y lucidez la conmueven tanto que decide rodar una película sobre él, y este empeño se prolongará durante toda una década.

Diez años de rodaje

“Todo surgió de una forma muy azarosa”, recuerda Navas. “Yo rodaba una serie de televisión en la frontera entre los dos países, y de pronto apareció un niño llamándome, ‘¡por favor, quiero decir algo!’ Me impresionó la lucidez increíble que demostraba, y le prometí que volvería para hacer algo con él, hablé con su madre y estuvo de acuerdo, aunque todavía no podía imaginar que serían diez años, en los que iba a pasar de todo… Al final, se construyó un vínculo muy fuerte de amistad, y también de responsabilidad sobre su vida”.

La historia de Ángel tiene también una dimensión de denuncia social, en tanto el espacio que habita “es muy conflictivo, militarizado y complejo, como todas las fronteras. Nanawa, donde vive, es un pueblito de tránsito a 40 kilómetros de la capital de Paraguay, Asunción, que está completamente olvidado del Estado. A menudo no hay agua ni servicios mínimos, centros de salud, etc”.

Cuando se le pregunta si el celuloide iberoamericano actual mira especialmente a las nuevas generaciones, reconoce que “hay algo de eso, el cine se está preguntando qué piensan todos esos jóvenes, cómo viven su mundo de redes, cómo influye en su intimidad, cómo les provoca también una cierta ansiedad… Hay cosas que nos cuestan entender, y el cine está ayudando, al menos, a ver mejor ese sentir”.    

Chorrojumo nació en 1838 en Ítrabo (Granada), pero nadie sabe con certeza ni cuándo ni dónde murió. Su rastro, el del gitano más icónico que albergaron nunca las faldas de la Alhambra, se pierde entre las callejuelas del Albaicín, sin que se sepa si iba o venía. Él, ataviado con un sombrero que pocos se atreverían a poner, sigue vagando por la 'Graná' que nunca dejó de ser, pero que ha cambiado para siempre fruto de la gentrificación y del hecho de haberse disfrazado en una ciudad reconvertida en parque temático para el turista, que expulsa incluso los pasos de Chorrojumo de sus sinuosos trazados.

Esa premisa, la del gitano icónico que desafía al paso del tiempo porque nunca murió, se convierte en el hilo conductor de 'Quién vio los templos caer', el primer largometraje de la cineasta granadina Lucía Selva. Un film que, a medio camino entre la poesía audiovisual y la crudeza de la realidad que viaja en maletas entre pisos de Airbnb y puertas cerradas para los vecinos, apunta directamente al problema de la vivienda que vive Granada. Una película que, ya desde su título, abraza la decadencia de una ciudad que se abandona perdiendo el templo que pudo ser.

Entre lo documental y la ficción, la historia presenta a Chorrojumo junto a Anas, un joven marroquí que busca el hogar de sus antepasados expulsados. Juntos recorren la ciudad transformada por la turistificación y la pérdida de identidad, donde cada calle, cada casa y cada esquina parecen contar la historia de un desplazamiento silencioso. Selva convierte a Granada en un territorio en tránsito, donde el pasado y el presente se funden y donde la memoria colectiva se enfrenta a la presión del mercado inmobiliario.

“La película nace del deseo de vivir en un lugar amable, de reconocer lo que tenemos antes de perderlo”, explica Selva. La elección de Chorrojumo como hilo conductor no es casual: “Conecta con la Granada del siglo XIX, que empieza a sufrir cambios muy fuertes y que nos permite observar el origen de procesos que hoy vivimos de manera exacerbada”, señala. El personaje, que ha vagado por la ciudad durante siglos, se convierte en un espejo que refleja tanto la magia de Granada como los efectos de la gentrificación y la turistificación.

La presencia de Anas añade otra capa a la narrativa. Según la directora, incluir a este joven marroquí no era una decisión arbitraria: “Decidir incluir su figura era poder entablar otro diálogo con el tiempo y con la Granada que fue”. Su recorrido por la ciudad, en busca de los pasos de sus antepasados, evoca paralelismos históricos con la expulsión musulmana y apela directamente a la dificultad de acceder a un hogar propio en una ciudad que ha dejado de pertenecer a quienes la habitan. Las imágenes del joven caminando desubicado sin hablar ni siquiera el idioma local o buscando puertas que se puedan abrir cerradas refuerzan ese mensaje con poesía y realidad simultáneamente.

El film también recurre a símbolos históricos y urbanos para profundizar en su mensaje. La leyenda de la mano de la Puerta de la Justicia de la Alhambra y el leitmotiv de la llave se repiten a lo largo del largometraje. Selva explica: “Hay diferentes llaves, diferentes manos… ¿qué pasa cuando la mano coge la llave? Es una manera de mostrar cómo los símbolos siguen hablándonos a día de hoy”. En la película, la llave se convierte en un símbolo de acceso y poder: quien la tiene controla la ciudad, mientras los habitantes se ven desplazados. La directora hace un paralelismo entre esta simbología y la realidad contemporánea, donde el turismo y la especulación se han adueñado de Granada. Ni siquiera las míticas cuevas del Sacromonte se libran de la mirada del capital.

Una fotografía del tiempo

El rodaje, que se realizó en distintas localizaciones de la ciudad, somete al espectador a la paradoja de verse entre la belleza del Albaicín y los alrededores de la Alhambra y la realidad de sentir cómo se van perdiendo para disfrute de los turistas. De hecho, para Lucía Selva la propia película sirve como eje temporal y fotografía fija de un periodo de tiempo tan concreto como el actual y que le sirve a ella misma para poder regresar cada vez que quiera al mismo punto.

Tanto es así que se ha rodeado de un equipo cercano y colaborativo, compuesto en su mayoría por amigos y familiares, a los que introduce en las escenas para captar la cotidianeidad y la memoria viva de la ciudad. “Quería volver, hacer una fotografía de Granada y de la gente que la habita. La mayoría de los participantes forman parte de este imaginario colectivo que queríamos registrar”, explica. La película muestra así no sólo la ciudad física, sino también la ciudad emocional y cultural, las historias que se pierden cuando el espacio deja de pertenecer a sus habitantes.

La directora también resalta la importancia de contar con voces locales, como la de Curro Albaicín, cantaor flamenco y un habitante emblemático de Granada que sirve de narrador. Selva no lo dudó a la hora de contar con él: “Estuvimos hablando mucho sobre los procesos de gentrificación y la historia del Sacromonte –el barrio en el que vivió principalmente Chorrojumo– y su voz aportó una capacidad interpretativa que no hubiera encontrado en ningún otro lugar”. La elección de Curro refuerza el sello inconfundiblemente local de la película y conecta el pasado con el presente, integrando la memoria viva de la ciudad en el relato audiovisual.

Con un recorrido internacional que incluye estrenos en CPH:DOX, Shanghái y Montreal, 'Quién vio los templos caer' llega ahora a España para su estreno nacional en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el 10 de noviembre, donde Selva participará en una charla coloquio posterior a la proyección. La película se proyectará también el 12 y el 15 de noviembre, consolidando la apuesta de la directora por un cine artesanal que explora la relación entre espacio, memoria e identidad a través de un lenguaje poético y experimental.

Selva no rehúye la denuncia social: “Hoy por hoy, el acceso a la vivienda en Granada es fatal. No hay una regulación que proteja a quienes vivimos aquí; el objetivo parece hacer de la ciudad una fábrica de dinero”, reflexiona. Esa mirada crítica atraviesa todo el largometraje, donde la belleza de la ciudad convive con la crudeza de la especulación, el desplazamiento y la transformación forzada de barrios históricos.

En definitiva, 'Quién vio los templos caer' propone un retrato de Granada que se sostiene entre la belleza y la denuncia: un lugar lleno de historia, de personajes que siguen caminando pese al paso del tiempo, y de realidades urbanas que invitan a la reflexión sobre quién puede habitar la ciudad y quién se ve obligado a marcharse. Una película que habla de memoria, de vivienda y de la urgencia de no perder lo que nos define como comunidad.

El Festival de Huelva de Cine Iberoamericano abrirá el 14 de noviembre su quincuagésima primera edición con una gala retransmitida por Canal Sur Televisión y presentada por Manu Sánchez, donde se entregará el Premio Luz a los actores Milena Smit y Yon González, además de contar con la actuación de Soleá Morente. Tras la gala, se proyectará 'Descifrando a Hermida'.

Según ha indicado la organización en una nota de prensa, el certamen ha programado 111 títulos seleccionados de entre las 1.619 producciones recibidas. La adquisición de entradas se abrirá el 12 de noviembre. Así lo ha anunciado este martes el director del Festival de Huelva, Manuel H. Martín, durante el acto institucional de presentación que ha tenido en la sede de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, en Madrid y presentado por el periodista y crítico cinematográfico David Martos.

Además, ha contado con la presidenta de la Fundación del Festival y alcaldesa de Huelva, Pilar Miranda, acompañada por el presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, y diferentes representantes de las instituciones integrantes del Patronato de la Fundación, como el viceconsejero de Turismo y Andalucía Exterior de la Junta de Andalucía, Víctor González García; la diputada provincial de Cultura, Gracia Baquero, entre otras autoridades.

También han asistido representantes de las principales entidades colaboradoras del certamen, como el director general de RSC de Atlantic Copper, Heliodoro Mariscal; la coordinadora de actividades de la Fundación Academia de Cine, María Luisa Oliveira; el coordinador del Área de Cine de Acción Cultural Española, José Manuel Gómez Vidal; y María Paz Barragán y Marta Tarín, de la Fundación SGAE.

Así, Manuel H. Martín ha destacado la Sección Oficial de Largometrajes, donde compiten doce producciones iberoamericanas que podrán verse por primera vez en España y que “han sido reconocidas en prestigiosos festivales internacionales”. Además, contará con “una importante Sección Acento, con la selección de los largometrajes de cineastas españoles más destacados del año, la Sección Oficial de Cortometrajes, Talento Andaluz, Pantalla Huelva, Cine y Valores, Sesiones Especiales, Ventana Cinéfila y otros contenidos”.

Gran parte de la programación podrá verse presencialmente, aunque también con Ventana Cinéfila, dentro de las actividades educativas para centros docentes, y de un ciclo especial de 17 títulos, con dos estrenos europeos, en la plataforma Filmin.

El director también ha destacado que “la música tendrá un papel protagonista en la nueva sección Latidos” y ha destacado la “apuesta por el programa educativo, con la Sección Primera Pantalla, el programa Cine y Valores, junto a Academia de Cine de Andalucía y la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales, y la consolidación de Ventana Cinéfila”.

Las actividades de industria también se refuerzan con el programa para guionistas CreANDo, impulsado por la Agencia de Instituciones Culturales de la Junta de Andalucía, y con el programa Residencia de Cine de Extremadura o el programa Jóvenes Comunicadores Cinéfilos, que cumple su cuarta edición.

El director del Festival de Huelva también ha resaltado los cuatro reconocimientos: los actores Fernando Tejero y Pilar Castro recibirán el Premio Ciudad de Huelva; y Milena Smit, ya dos veces nominada al Goya, y el actor Yon González serán distinguidos con el Premio Luz. También se entregará el Premio RTVA al Mejor Cineasta de Andalucía.

También ha tomado la palabra la presidenta de la Fundación del Festival y alcaldesa de Huelva, Pilar Miranda, que ha asegurado que “si la edición del 50 aniversario fue una edición histórica”, esta 51 edición “es una declaración de intenciones para seguir creciendo, seguir conectando culturas y seguir haciendo de Huelva la capital del cine iberoamericano y andaluz”.

En este sentido, la alcaldesa ha recordado que el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva “no es solo una cita cinematográfica, es una seña de identidad para la ciudad que va más allá de las proyecciones y se extiende a través de numerosas actividades educativas, encuentros de industria, conciertos y homenajes sociales, que hacen de este certamen una experiencia cultural completa”.

Por su parte, el viceconsejero de Turismo y Andalucía Exterior de la Junta, Víctor González, ha destacado la cita por “consolidar Andalucía como punto de encuentro entre culturas”. “El Festival de Huelva no solo celebra el talento y la creatividad del cine latinoamericano y español, sino que se consolida un espacio donde la cultura se convierte en un lenguaje universal para el entendimiento y la cooperación”.

Además, ha puesto en valor la apuesta de Andalucía por el turismo cultural y creativo como “herramientas claves para proyectar la imagen de Andalucía en el mundo, impulsando el tejido creativo y la producción audiovisual local”. “Andalucía apuesta por la cultura como eje estratégico de desarrollo y este festival es un ejemplo perfecto de cómo la diplomacia cultural atrae talento y refuerza nuestra identidad común con Iberoamérica”, ha apuntado.

Para la diputada de Cultura de la Diputación, Gracia Baquero, el festival es “mucho más que un evento cinematográfico, es una declaración de amor al cine, a la cultura y a las historias que nos definen”. “Una cita que ha sabido crecer y evolucionar sin perder su esencia: ser la gran casa del cine iberoamericano en España”, ha incidido.

“Nuestra provincia lleva décadas tejiendo una relación profunda con el cine, una unión que se traduce en beneficios tangibles. Cada proyección, estreno, encuentro en el Festival repercute en nuestro tejido cultural, económico y social. Porque el cine en Huelva genera vida, identidad y futuro”, ha señalado.

Además, el presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha resaltado que “Huelva es clave para las películas de ambos lados del Atlántico”. “Y una prueba de la riqueza y diversidad del cine iberoamericano está, un año más, en la sección oficial de la que será la 51 edición del certamen. 12 largometrajes que son una muestra más de la fortaleza del cine iberoamericano, un cine que gana premios y que ha incrementado en número y calidad sus producciones”.

Durante la presentación de la 51 edición del Festival de Huelva en Madrid, el director del certamen, Manuel H. Martín, también ha dado a conocer a los componentes del Jurado Oficial, que estará formado por el actor dominicano Jean Cruz, que, entre otras producciones, participó en la Sección Oficial de la 49 edición con Boca Chica; Joana Granero, directora del London Spanish Film Festival y Pilar Martínez-Vasseur, directora del Festival de Cine Español de Nantes.

La gala contará con la actuación de Soleá Morente, que pondrá voz a una noche en la que recibirán el Premio Luz de la 51 edición del Festival de Huelva Milena Smit y Yon González. El presentador será el presentador de televisión, humorista, actor, escritor, conferenciante y empresario Manu Sánchez. A la finalización de la gala, se proyectará el documental 'Descifrando a Hermida', de Esteban Magaz.

La película rinde homenaje a Jesús Hermida, con los testimonios de destacadas figuras de la televisión, la radio y la comunicación que trabajaron con Hermida, como Nieves Herrero, Carlos García-Hirschfeld, Pedro Piqueras, Iñaki Gabilondo, Irma Soriano, Rosa María Calaf, Andreu Buenafuente o Belinda Washington.

Durante la presentación en Madrid, también se han adelantado contenidos de lo que será la Gala de Clausura de esta 51 edición, el próximo 22 de noviembre. Una noche en la que se conocerá el Palmarés Oficial y se entregarán los premios a las películas ganadoras, y en la que el cantante venezolano Carlos Baute pondrá el broche de oro con su actuación musical.

El Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff) ha querido incluir este año en su programación paralela un ciclo que, bajo el rubro Rromavisión, quiere mostrar la diversidad de las miradas gitanas en el cine, cine sobre romaníes y hecho por romaníes de diversa procedencia que hasta el próximo 7 de noviembre desplegará en el auditorio Cicus y en varios centros cívicos municipales una variedad de temas capaz de trascender los estereotipos al uso.

Al frente de la iniciativa se encuentra Sami Mustafa, cineasta y fundador de Romawood, una organización internacional dedicada a la promoción del cine romaní contemporáneo que nació de la reunión de un reducido grupo de cineastas amateur en el Kosovo posterior a la desintegración de Yugoslavia. “Llevamos más de veinte años tendiendo puentes entre comunidades a través del cine y el arte”, afirma. “Lo que comenzó como un taller improvisado en tiempos de miedo se ha convertido en un compromiso a largo plazo con la narración, el diálogo cultural y la convicción de que el cine puede ayudar a que las personas se vean más allá de la política y los prejuicios”, explica el cineasta.

La consigna es clara: permitir que los romaníes cuenten sus propias historias y las muestren al mundo. Pero, ¿qué tienen esas películas que no se haya contado antes? “Las películas hechas por romaníes nos permiten sentir la vida desde dentro. Durante décadas, la mayoría de las películas sobre el pueblo romaní fueron realizadas por personas ajenas”, asegura Sami. “El cine comercial solía convertirnos en clichés: ladrones, místicos, nómadas o románticos marginales. El cine independiente, aunque a veces más empático, se centraba casi siempre en la pobreza o la miseria, transformando nuestras vidas en lecciones sociales. Ambos enfoques nos reducían a símbolos, no a personas”, añade.

Una forma de autodeterminación

Ello no significa que directores no romaníes hayan hecho buenas aproximaciones, “que muestran una profunda empatía y cuidado artístico hacia esta comunidad”. Pero, según el cineasta, cuando los romaníes se pusieron tras la cámara lograron expresarse “a través de los gestos cotidianos, del humor, de las contradicciones, del silencio”. “No son retratos colectivos de 'los gitanos', sino historias personales y humanas que hablan un lenguaje universal. La autorre­presentación sigue siendo esencial. Cuando los cineastas romaníes contamos nuestras propias historias, no solo ejercemos una forma de expresión artística, sino también de autodeterminación”, defiende el fundador de Romawood.

La selección del programa ha sido elaborada entre Sami Mustafa y Miquel Ángel Vargas, buscando crear diálogo entre la experiencia de los gitanos españoles y las narrativas europeas y globales que hoy moldean la vida romaní. “Cada película cuenta una historia diferente, que abarca experiencias de trauma, resistencia, empoderamiento e identidad. En conjunto, ofrecen un espejo a la sociedad española contemporánea y a su relación con los gitanos, al tiempo que dialogan con una crisis más amplia —europea y global— de pertenencia, guerra y desplazamiento. A la luz de lo que vemos hoy en lugares como Ucrania o Gaza, estas películas nos recuerdan cuán frágiles y esenciales son la dignidad humana y la solidaridad”, abunda el cineasta romaní.

En la difícil tarea de quedarse con un solo título, Mustafa elige The Deathless Woman, de Roz Mortimer, una docuficción que muestra a una figura espectral —una mujer romaní fantasmal— que recorre los lugares de genocidio y violencia en Europa del Este. “Lo que más me conmueve es cómo la película convierte el trauma histórico en algo a la vez poético e inquietante: un horror que no trata de monstruos, sino de la memoria misma”, comenta. Y agrega: “Nos obliga a no olvidar que la persecución del pueblo romaní no terminó con la guerra, sino que persiste en el racismo silencioso, las exclusiones y las persecuciones de hoy”.

Violencia antirromaní

También destaca en el programa Chaplin. Gypsy Spirit (2024), de Carmen Chaplin, una exploración íntima y poética de su herencia romaní a través del legado artístico de su abuelo, Charlie Chaplin, “entrelazando autobiografía, historia familiar y recuperación cultural, cuestionando la identidad y la transmisión de la memoria entre generaciones”. Desde el Reino Unido, Rokkerena (2017), de Damian Le Bas, combina literatura, performance y memoria de la opresión en un corto experimental que desafía las narrativas dominantes sobre la identidad romaní. “Su lenguaje visual es poderoso y subversivo, invitándonos a preguntarnos quién cuenta la historia y desde qué posición”, destaca.

De Hungría viene Genezis (2018), de Árpád Bogdán, entrelaza tres relatos de fe, pérdida y supervivencia basados en hechos reales. “Afronta con crudeza la violencia antirromaní, pero ofrece al mismo tiempo una reflexión profundamente humana sobre la resiliencia y la transformación”, apunta. Por su parte, Proud Rome (2022), de Pablo Vega, capta el pulso contemporáneo de la juventud gitana en España: un retrato fresco y afirmativo de la identidad y el orgullo que se aleja de los estereotipos; y Gypsy Queen (2019), de Hüseyin Tabak, narra la historia de Ali, una madre soltera y boxeadora en Hamburgo, cuya lucha se convierte en metáfora de la perseverancia y el renacimiento.

Mustafa comparece con su propia película, Trapped by Law (2015), que sigue a dos hermanos deportados de Alemania a Kosovo, donde deben reconstruir sus vidas en un lugar casi desconocido para, según el autor, abordar “cuestiones de pertenencia e injusticia, mostrando cómo las fronteras pueden desgarrar familias e identidades”.

Empatía y cercanía

Entre las obras más experimentales, destaca Karmenstein (2023), del artista visual sevillano Jero de los Santos, mezcla flamenco, material de archivo y narración personal para reflexionar sobre la memoria y las huellas de la cultura gitana en el imaginario colectivo. El propio De los Santos participa también en el ciclo con una serie de talleres impartidos en cuatro centros de la ciudad (un centro de primaria, un instituto de secundaria y una residencia universitaria) con amplia mayoría de alumnos romaníes, en los que “enseñamos herramientas muy básicas para poder hacer pequeños relatos audiovisuales de cinco minutos, donde ellos se conviertan en narradores”, explica.

“La verdad es que estamos muy contentos de celebrar por primera vez en el Seff un ciclo de este tipo, ya que en años anteriores hubo propuestas pero no llegaron a cuajar”, comenta. “Los directores gitanos estábamos aislados, llevábamos años intentando ver estas películas, pero era imposible acceder a lo que hacían otros compañeros”, lamenta.

“Cada una de estas películas, ya sean de directores romaníes o no, alcanza su fuerza cuando logra la intimidad con su tema”, concluye Sami Mustafa. Obras como Our School de Mona Nicoară, A Lua Platz de Matthias Zuder o Acasă, My Home de Radu Ciorniciuc, defiende, “demuestran cómo la empatía y la cercanía pueden trascender el origen, y permiten que el pueblo romaní recupere el relato y se muestre al mundo como lo que siempre ha sido: un conjunto de vidas complejas, bellas y profundamente humanas”.

El Festival de Huelva de Cine Iberoamericano, que celebrará su 51 edición entre el 14 y el 22 de noviembre, entregará el Premio Luz a la actriz Milena Smit, una prometedora intérprete de la nueva generación del audiovisual español.

Con la concesión de este galardón, que cuenta con el apoyo del Colaborador Oficial del certamen, la Fundación Atlantic Copper, el Festival de Huelva reconoce a los talentos emergentes del cine y la televisión con una proyección consolidada en la industria audiovisual.

Milena Smit da el salto a la ficción de la mano del director de casting Alejandro Gil y del realizador David Victori en No matarás, donde compartió protagonismo con Mario Casas. Tras dicho proyecto, se ha formado con destacados profesionales del mundo de la interpretación como Cristina Rota y Bernard Hiller, reconocido coach internacional de interpretación que ha trabajado con, entre otros, Leonardo DiCaprio y Cameron Díaz. Con su personaje de Mila (No matarás), recibió su primera nominación al Premio Goya como Mejor Actriz Revelación. Su siguiente trabajo en la gran pantalla, Madres paralelas, de Pedro Almodóvar, la consolidó como una de las grandes promesas del cine español y le valió su segunda nominación al Goya, esta vez como Mejor Actriz de Reparto, compartiendo protagonismo con Penélope Cruz.

Tras estos títulos, protagonizó Libélulas, de Luc Knowles, interpretación por la que obtuvo la Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación en el Festival de Málaga. Su trayectoria continuó con Tin y Tina, de Rubin Stein, y El hoyo 2, dirigida por Galder Gaztelu-Urrutia, ampliando su registro en el cine de género fantástico y de terror con personajes intensos y complejos que la consolidan como una actriz de enorme versatilidad.

En series de televisión, ha participado en producciones como Alma, creada por Sergio G. Sánchez, Bellas Artes, dirigida por Gastón Duprat, Mariano Cohn y Andrés Duprat, o La chica de nieve, serie basada en la novela de Javier Castillo, en la que compartía reparto con Jose Coronado y que se convirtió en un gran éxito internacional de Netflix en sus dos temporadas.

Recientemente, ha estrenado la nueva serie original de Movistar Plus+ Los sin nombre, dirigida por Pau Freixas, y tiene pendiente de estreno el nuevo largometraje de Pedro Almodóvar, Amarga Navidad, y Trinidad, a las órdenes de Laura Alvea y José Ortuño.

El actor Fernando Tejero recibirá el Premio Ciudad de Huelva, máximo galardón del Festival de Huelva de Cine Iberoamericano, en su 51 edición, que se celebrará del 14 al 22 de noviembre. Este reconocimiento es un homenaje a su “destacada trayectoria”, caracterizada por “la versatilidad, su conexión con el público y la excelencia de sus interpretaciones en cine, televisión y teatro.

Fernando Tejero, nacido en Córdoba, inició su trayectoria profesional en Madrid tras su formación en la Escuela de Cristina Rota. Se unió a la compañía Animalario, donde trabajó con figuras como Alberto San Juan, Ernesto Alterio o Guillermo Toledo. Su reconocimiento a nivel nacional llegó en 2003 con la película 'Días de fútbol', que le valió el Premio Goya al Mejor Actor Revelación. Ese mismo año, consolidó su fama al incorporarse a la serie 'Aquí no hay quien viva', ha indicado el festival en una nota.

Desde entonces, Tejero se ha consolidado como uno de los actores “más queridos y solicitados” del cine español. Ha protagonizado películas destacadas como 'El penalti más largo del mundo' (2005), 'Va a ser que nadie es perfecto' (2005) y 'Cinco metros cuadrados' (2011), por la que fue galardonado con la Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación en el Festival de Málaga.

Su filmografía incluye también títulos notables como 'Torremolinos 73', 'Crimen ferpecto', 'Explota, explota' (2020), 'La piel en llamas' (2022), 'La fortaleza' (2022), 'Últimas voluntades' (2023) y 'Modelo 77' (2022), trabajo este último que le valió una nominación al Goya como Mejor Actor de Reparto. Recientemente, se ha enfrentado a un nuevo desafío bajo la dirección de Alejandro Amenábar en 'El Cautivo', una de las producciones “más esperadas” del cine español, donde encarna a Juan Blanco de Paz.

En el ámbito de las series, ha mantenido una presencia constante con papeles en producciones de gran éxito de público como 'La que se avecina' (desde 2013), y ha participado en producciones más recientes como 'Los Farad' (Prime Video, 2022) o 'Nails' (Skyshowtime, 2025). En el teatro, ha protagonizado importantes montajes, destacando 'Camino al zoo', estrenada en 2025 en el Teatro Bellas Artes de Madrid.

En ediciones anteriores, el Premio Ciudad de Huelva ha reconocido a destacadas figuras del audiovisual iberoamericano, incluyendo a José Coronado, Cecilia Suárez, Nathalie Poza, Fernando Trueba, Eduard Fernández, Alberto Rodríguez, Juana Acosta, Francisco J. Lombardi, Kiti Manver, Darío Grandinetti y Jorge Perugorría.

A pesar de ser una persona tranquila, de esas que irradiaba calma y confianza a su alrededor, Alicia Cifredo era como artista y creadora un rabo de lagartija que siempre estaba pensando en el próximo proyecto. Escritora, actriz, directora, desde muy temprana edad fue un volcán imaginativo y una enamorada de la cultura en todas sus facetas, especialmente de la escena. Defensora del papel de la mujer en las artes, será recordada, además de por su extensa filmografía como actriz, como directora del celebrado documental Tocaoras, donde reivindicaba a las olvidadas y marginadas féminas guitarristas del flamenco.  

Nacida en la capital gaditana, Alicia Cifredo Chacón presumía de haber podido estudiar gracias a las becas públicas, pues procedía de familia humilde. Se acercó a la creación por pura necesidad de sentirse querida, según ella misma confesaba, y encontró en la lectura precoz la respuesta a todas sus demandas infantiles. A los once años participó en un curso en la escuela de cómo elaborar un storyboard de cine y supo que algún día ese sería su camino.

Quiso estudiar Periodismo en Madrid, pero acabó matriculándose en Filología Hispánica en Cádiz, carrera que compaginó con cursos de ballet y danza contemporánea y teatro, además de lanzar algún que otro fanzine. En 1987 se mudó a Sevilla e ingresó en el Instituto del Teatro, pero no tardó en abandonarlo para dedicarse profesionalmente a la interpretación y a la escritura dramática.

Directora laureada

Ya en los años 90, se implicó en múltiples proyectos. Escribió el guion del cortometraje Cortito de bragas, Polvos pendientes (en colaboración con Nathalie Seseña y Manolo Caro), El limbo verdadero, Oh peyote; De Serrano a Yeserías en un par de días, e integró el equipo de guionistas de la serie Castillos en el aire, dirigida por un viejo amigo de los años sevillanos, el actor Pepe Quero.

Asimismo, como directora ensayó propuestas tan valientes como Alicia enamorada de un Dios, el clip Bocaítos o el largometraje Me suena tu cara, estrenado en la muestra Alcances en 2011. No obstante, su obra más aclamada fue la mencionada Tocaoras, que en 2015 obtuvo seis candidaturas a los Goya y fue premiado con la Biznaga de plata, del Festival de Málaga y con una Mención especial del Jurado en el Festival Internacional de Bogotá, además de recorrer México, Chile, El Salvador, Uruguay, Colombia o Luxemburgo, entre otros países.

Para el gran público, sin embargo, Alicia Cifredo será siempre uno de esos rostros familiares que aparecen en infinidad de películas y series, en su caso desde la Dolores de Los lobos de Washington a Malaka, pasando por Los hombres de Paco, Compañeros, Horas de Luz, La Tama, Belmonte, Extraños, El Bola, Shaky Carmine, El corazón de la Tierra, Como alas al viento, Cuenta atrás, Todos estamos invitados…

Buenos consejos

“Talento, intensidad, intuición. Alicia Cifredo nos regaló una vida breve pero plena. La echaré de menos”, escribía en sus redes el poeta y periodista Juan José Téllez, mientras que otro escritor gaditano, Manuel Ruiz Torres, manifestaba sucintamente: “Estarás siempre, Alicia”.

El director Antonio de Cos, que contó con ella en su documental 20 años no es poco. Cambalache Jazz Club, todavía golpeado por la noticia, comenta que “de ella destacaría la generosidad, tanto para levantar un proyecto como fue nuestro documental, como por sus constantes palabras de apoyo y consejo para los que empezábamos hace 20 años. Siempre aportaba algo en nuestra relación que se desarrolló entre Cádiz y Madrid, las ciudades entre las que vivíamos”.   

“Nos hemos quedado heladas”, confesaba su paisana y compañera de oficio, la actriz y directora Ana López Segovia. “Alicia fue una mujer super valiente, que nunca paraba de hacer cosas, muy poderosa. Su desaparición nos ha impactado, es una gran tristeza”.

Según ella misma contó a sus seres cercanos, las secuelas del covid habían resentido en los últimos años la salud de Cifredo y arrastraba varios males, pero nadie esperaba un desenlace así tan pronto. Aquella mujer que empezó en el mundo del arte porque ambicionaba sentirse querida, que hizo de todo y todo lo hizo bien, sin duda cumplió con su propósito.

El Festival de Huelva celebrará el Día del Cine Español el próximo lunes, 6 de octubre, con una doble sesión especial en el Gran Teatro. Se proyectará la aclamada película 'Sorda' (España, 2025), de Eva Libertad, junto con el cortometraje homónimo de 2021 que la originó. La entrada será gratuita hasta completar aforo, con el corto a las 19,00 horas seguido del largometraje.

Según ha indicado el festival en una nota de prensa, esta iniciativa, que forma parte del Cine Club del certamen onubense, se enmarca en la celebración nacional del Día del Cine Español, instaurado el 6 de octubre para reconocer la contribución de los cineastas a la cultura española, contando ya con el apoyo de más de 50 instituciones y festivales.

La película 'Sorda' ha recibido numerosos galardones desde su estreno en la Berlinale, incluyendo el Premio del Público en la sección Panorama de dicho festival y múltiples premios en el Festival de Málaga 2025 (Biznaga de Oro a Mejor Película, Premio del Público, Mejor Interpretación Femenina y Masculina). 'Sorda' ha sido también uno de los tres títulos, junto a 'Sirat' y 'Romería', anunciados por La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, que han optado a representar a España en los Premios Oscar 2026.

La trama de la película sigue a Ángela (Miriam Garlo), una mujer sorda embarazada que, junto a su pareja oyente Héctor (Álvaro Cervantes), se enfrenta a sus miedos sobre la maternidad y la comunicación con su futuro bebé. La llegada de la niña provoca una crisis en la pareja y lleva a Ángela a criar a su hija en un mundo que no está adaptado para ella.

El largometraje basado en el cortometraje de 2021, también dirigido por Eva Libertad que participó en la 49 edición del Festival de Huelva, fue nominado a Mejor Cortometraje de Ficción en los 37 Premios Goya.

El certamen onubense continúa así con su programación anual, que incluye el ciclo Cine Club. Este ciclo comenzó el 16 de junio con la proyección de 'Fandango' y el cortometraje 'Silencio' en el edificio Paseo de Santa Fe, dentro del Festival Flamenco Ciudad de Huelva. Posteriormente, el Cine Club ofreció sesiones dobles veraniegas para toda la familia en espacios emblemáticos al aire libre de la ciudad, del 15 al 22 de julio, con títulos como 'Yo voy conmigo' (España, 2024), 'Rescate en África' (México, 2021), 'Homework' (España, 2024) y 'Violeta, el hada traviesa' (Alemania, 2022).

Gracias a estas actividades, más de mil espectadores han asistido a las proyecciones de Cine Club del Festival de Cine de Huelva hasta la fecha, lo que demuestra la fuerte conexión del certamen con la ciudadanía, más allá de su semana principal de celebración en noviembre.

El Festival de Cine de Huelva vuelve a salir a la calle este verano, dentro de la programación de su Cine Club, para llevar a los espectadores una selección de películas destinadas al público infantil y juvenil producidas en los últimos años en un ciclo que pone en marcha con la colaboración del Ayuntamiento de Huelva y de la Autoridad Portuaria de Huelva y que tendrá lugar el 15 y el 22 de julio. 

El Cine Club de verano del certamen onubense ofrecerá, de esta forma, dos sesiones dobles al aire libre en distintos enclaves de la ciudad de Huelva, como la plaza de La Merced y el Muelle del Tinto (Paseo Marítimo). 

El objetivo del Cine Club es el de ofrecer a los onubenses la oportunidad de disfrutar de su Festival más allá de la semana de noviembre, de la celebración de la edición, con programación a lo largo del año, propiciando también que nuevos públicos se acerquen al certamen. 

Las películas que se proyectarán en el Cine Club de verano del Festival de Huelva (todas las sesiones con comienzo a las 21 horas) son el cortometraje ‘Yo voy conmigo’ (España, 2024), que se verá el 15 de julio en la plaza de La Merced, tras cuya proyección se podrá ver la película ‘Rescate en África’ (México, 2021). En la doble sesión del día 22 de julio, por su parte, se proyectarán en el Muelle del Tinto (Paseo Marítimo) el cortometraje ‘Homework’ (España, 2024) y el largometraje ‘Violeta, el hada traviesa’ (Alemania, 2022).

Al principio de su documental Ellas en la ciudad, Reyes Gallegos reconoce que se hallaba en crisis con su profesión de urbanista. “La veía muy alejada de la realidad”, explica. Cuando le pidieron un estudio sobre los barrios de la periferia de Sevilla construidos en los años 70, en lugar de hacerlo desde su despacho, decidió salir cada mañana y adentrarse en ellos para conocerlos de cerca y con sus propios ojos. Entonces aparecieron las mujeres que iban a ser las protagonistas de la cinta.

“Yo había trabajado en muchos procesos de participación en barrios de toda Andalucía, donde grabé pequeñas cápsulas audiovisuales. Y también hice trabajos de localización para la serie El hijo zurdo. Pero nunca me había planteado dirigir un documental”, explica Gallegos. “Lo que me llevó a hacerlo fue el hecho de que, en un momento en que expuse fotos de los distritos sevillanos en diez centros cívicos, aquellas mujeres empezaron a reconocerme y yo a conocerlas a ellas. Mi intención era reconocer su labor de sostén de vida cotidiana en los pueblos, pero lo ignoraba todo de su lucha”.

En aquellos encuentros, Gallegos sacó casi inconscientemente el móvil y empezó a grabarlas en vídeo. Poco después, la idea de la película fue tomando forma hasta que obtuvo los medios para poder rodarla. “Yo tenía algunas ideas de los movimientos vecinales”, prosigue la directora, “pero en ningún caso sabía hasta qué punto estas mujeres los habían liderado. Algo que no debería extrañarnos, porque fueron ellas quienes empezaron a vivir la cotidianidad de estas nuevas ciudades mientras los hombres estaban en las fábricas. Son ellas las primeras que perciben las carencias y empiezan a organizarse”.

En pie de guerra

Desde clases de alfabetización a movilizaciones para reivindicar servicios y derechos, la fuerza de las acciones de aquellas mujeres impresionó a Gallegos. “Fueron capaces de parar carreteras, de ocupar edificios públicos, conseguir firmas… Incluso alguna vez se negaban a llevar a los niños a los pocos colegios que había, e iban todos juntos hasta la puerta del Ayuntamiento, ‘porque los niños hacen más ruido’, decían. Así fue como consiguieron muchísimas cosas, desde una línea de autobús a una farmacia. Y toda esa historia estaba sin contar”.

Para la directora, “vivimos una sociedad que ha registrado parte del conocimiento, pero ha dejado de registrar la mitad del mismo: la que corresponde a estas mujeres, muchas de las cuales eran activistas de la Transición, dejaron su juventud en esta lucha para que los puestos políticos pasaran a ser ocupados por hombres con la llegada de la democracia. Y esto tiene mucho que ver con el hecho de que las ciudades hayan sido diseñadas precisamente por hombres. Todavía hoy hay muy pocas urbanistas mujeres. Yo misma suelo encontrarme rodeada de hombres en las mesas de decisión. Todo depende de la política y las grandes empresas, cuyo techo de cristal sigue ahí. Esa masculinización del desarrollismo no aparecía en ningún sitio, la historia de la ciudad que estudian los alumnos de arquitectura no lo cuenta”.

La directora incide también en el viaje personal que todas aquellas mujeres hubieron de hacer. “Acabaron viajando hacia otros lugares que ni ellas mismas sospechaban”, comenta. Un viaje que ella ha querido contar desde el saber técnico, pero también desde la emoción. “Mi tesis doctoral tenía que ver con la perspectiva de género, pero cuando fui madre y empecé a recorrer la ciudad con un carrito, empecé a verlo todo mucho más claro. Me sirvió para cuestionarme si quienes tuvieron a su cargo el diseño de nuestras ciudades tenían en cuenta algo tan importante como la reproducción”.

No obstante, Gallegos subraya que “el urbanismo con perspectiva de género no se ocupa solo de las madres, ni siquiera únicamente de las mujeres o de quienes se dedican a los cuidados. Lo que hace es empatizar con todas las personas de la ciudad”.

La violencia de las aceras

En sus paseos de reconocimiento, la cineasta comprobaba también cómo “cuanto más me alejaba del centro, mayor era la violencia sobre esta generación que hoy se mueve con carros de la compra, muletas y andadores, y todo me parecían indicadores de la situación. Pero también tuve en cuenta aspectos como el uso de transporte público, la disposición de alimentos frescos, el estado de las aceras, los comercios, los colegios…”

Por otro lado, la respuesta del público desde que la cinta se estrenó en Movistar + ha sido espectacular. Gallegos confiesa que “no sabía cómo se lo iba a tomar la gente más investigadora o científica, pero la buena acogida ha sido unánime, tanto por parte de la gente que conocía esos barrios como la de quienes no los conocían. Todos agradecen que demos a conocer el tema desde un punto de vista alejado de los tópicos. A lo largo de mi carrera he recibido críticas de profesores o colegas que me preguntaban si lo que yo postulaba era una ciudad hecha para mujeres. Algunos de ellos me han dicho que ahora entienden mejor la ciudad, vista con esas gafas de mujer”.

Juani, Toñi, Victoria, mujeres sin apellidos para interpelar al público desde la pantalla. “Ellas son, también, la memoria de lo que hemos perdido, herederas de una cultura rural, feministas y activistas sin saberlo, lo traían todo en el código genético. Y nos hacen preguntarnos si estamos llevando es la que deseamos”, concluye Gallegos, “si vivimos donde queremos vivir y como queremos vivir”.