Alba Blanco (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1995) estaba empezado a dar forma a su proyecto musical, todavía sin nombre, cuando recibió un sms de una amiga en el que la llamaba sarcásticamente “La Perra Blanco”. El nombre le sonó tan bien, que lo adoptó como remoquete artístico y con él lleva ya varios años paseándose por toda Europa y firmando discos notables. En el último de ellos, Lovers and fears, se atreve a cantar por primera vez en español.

Hija de un miembro del grupo Los Destrozamitos, creadores del llamado Sonido Lineápolis, y de una profesora de piano, empezó a cantar y tocar la guitarra con 12 o 13 años, de forma autodidacta. Formó parte de un par de bandas locales, pero muy pronto se dio cuenta de que el rock no era el ámbito más hospitalario para una chica. “Aunque no creo que sea mala gente, sufrí un trato bastante horrible, se notaba la misoginia en el aire”, recuerda. “No contaban conmigo para ninguna decisión, y cuando había alguna reunión importante, me decían que me saliera fuera del local a fumarme un cigarrito”.

“No me gusta generalizar al hablar de los hombres, pero la Historia se ha escrito así”, puntualiza. “Al final, me echaron de dos bandas, una por discutir con el cantante, y la otra porque el guitarrista me dijo que haría mejor dejando el instrumento. Yo tengo mi carácter y me dije que, a partir de ese momento, no iba a estar bajo las órdenes de nadie, y menos de un hombre”.

Cambio de idioma

En ese proceso de emancipación fue providencial para Alba la cercanía con Gibraltar, adonde solía acudir para hacer jam sessions en locales como el Tunnel o el Lord Nelson. “Estuve dos años yendo todos los jueves y domingos, y cogí muchas tablas”, evoca. Así fue creciendo La Perra Blanco, y poco a poco fueron apareciendo discos que eran objeto de una espléndida acogida: La Perra Blanco, Won’t you come on, Pop & Shake, Get it out… Y finalmente Lovers and fears, producido y grabado entre Valencia, donde actualmente reside la cantante, y Chicago. “Tuve la oportunidad de viajar allí, pero preferí no hacerlo. Suponía dejar a mis músicos y grabar con gente de allí, además con jet lag y encerrada en el estudio, sin poder hacer turismo ni nada. Para eso, pensé, me quedo en casa”. 

El cambio de idioma, asegura, es algo que “se venía planteando desde hacía tiempo. Le tenía miedo porque no escucho bandas que canten en español, ni siquiera latinas. Pero mi manager, el productor y muchos colegas me insistían, ‘¡dale una oportunidad!’. Y yo pensé, ‘Bueno, si todo el mundo me lo dice…’ Pero no creas que ha sido fácil desterrar los prejuicios, he tenido que trabajar para eliminarlos. Ahora me arrepiento de no haberlo hecho antes, porque es muy chulo ver a toda la gente coreando conmigo las canciones, flipo con ese momentazo”.

“Aunque tengo un buen nivel de inglés, por mucho que quiera una, no es mi lengua nativa. Pero me había acostumbrado a escribir canciones en esa lengua, y creo que todavía tengo que aprender a hacerlo en castellano. Me gusta la literatura, la poesía, y eso me ayuda a continuar”. Sobre las lecturas, reconoce que sus preferencias en narrativa son “más bien oscuras: mi autor preferido es Dostoievski”, mientras que en poesía es devota de los hermanos Machado, “sobre todo de Manuel”, puntualiza.

Lejos de casa

Con todo, el lenguaje que La Perra Blanco domina mejor es sin duda el del escenario. Sus conciertos son un derroche de energía que se contagia al público, mientras que los discos parecen excusas para propiciar precisamente esos encuentros con los fans. “El estudio no me gusta, todo lo contrario, me agota, me aburre”, dice. “Lo que disfruto es la comunicación con la gente, que se ría, que baile, que me permita trazar ese puente comunicativo con ella y generar empatía. No hay nada comparable a eso”.

Es algo que saben bien en muchos rincones de España y el extranjero donde La Perra Blanco ya ha dejado su huella. Sin embargo, tiene la espinita de no ser muy requerida en su tierra, La Línea de la Concepción, y en la provincia de Cádiz en general. “A pesar de haber subido un escalón en los últimos tiempos, este año no tenemos ni un bolo en la zona”, lamenta. “Sé que no es culpa de la gente, porque continuamente me escriben preguntando cuándo volvemos, y no sé ni qué decirles. Hemos tenido a 1.100 personas en Madrid, a 800 en Barcelona, números muy buenos para un grupo como el nuestro. Ignoro si es cosa de las administraciones, pero lo seguro es que no nos quieren allí”.

“En español hay un refrán que dice que nadie es profeta en su tierra, y por algo será”, agrega. “No pasa nada, seguiremos en lo nuestro, pero no deja de darme pena que mi familia tenga que conducir dos horas hasta Sevilla para verme, y no puedan hacerlo en nuestra ciudad. Cuando vengan a buscarme, lo digo siempre, tal vez sea demasiado tarde”.

Esperando el cambio

De momento, La Perra Blanco es una artista que cuelga el cartel de ‘No hay billetes’ en casi todos sus conciertos, y cuando no tiene conciertos trata de relajarse y ejercitarse canalizando su desbordante energía sobre el saco de boxeo. “No soy una persona violenta, solo me sienta bien descargar así”, sonríe.

En cuanto al machismo del medio, “sigo todavía sufriendo el mansplanning, esos hombres que me explican cosas sobre micrófonos como si yo no llevara diez años como profesional de esto. Por suerte, cada vez vienen más niñas a mis conciertos, les regalo púas y me cuentan que ellas también cantan y tocan… En 20 o 30 años, si el mundo no ha reventado antes, se notará el cambio”.      

El próximo 30 de mayo, si no media un milagro, La Tertulia de Granada cerrará sus puertas después de 46 años de vida. Hasta entonces, este legendario local por el que han pasado notabilísimos poetas, actores, artistas plásticos y músicos celebrará cada día una despedida diferente hasta entonar el adiós definitivo. Una triste noticia para la cultura de la capital nazarí, pero también un síntoma de que este tipo de espacios, que han actuado como indiscutibles dinamizadores culturales durante décadas, no tienen fácil su supervivencia en los tiempos que corren.

La cabeza visible de La Tertulia, Tato Rébora, explica que el recinto “ha sido un espejo de la vida cultural de Granada con todas sus épocas. La primera, que fue una época dorada, era aquella en la que nos visitaron desde Rafael Alberti o Mario Benedetti a toda la Generación del 50, y de Paco Ibáñez a Joaquín Sabina, sin olvidar a gente como Enrique Morente o Luis García Montero que nos visitaban a diario”.

Rébora recuerda también que más adelante los distintos gremios fueron haciendo suyo el local: un tiempo era especialmente frecuentado por actores, otro por periodistas… “Las artes se fueron fragmentando y teniendo sus propios espacios, lo que supuso un relativo declive para nosotros”, recuerda. Fue entonces cuando se impuso la necesidad de programar actividades: “Donde antes las cosas ocurrían espontáneamente, y bastaba con que yo pidiera silencio para que todos oyéramos a Benedetti recitando poemas, ahora había que elaborar un programa con eventos concretos”.

La soledad y los móviles

Eso marcó una segunda etapa en La Tertulia, en el que el local “llegó a ser el filtro por el que pasaba todo, era un influencer de la ciudad. Había artistas que venían a comentar allí lo que estaban haciendo en ese momento, antes de lanzarlo a la ciudad en su conjunto”. Pero fue entonces cuando Rébora, junto a los dos socios que sostienen la empresa, empezaron a observar tendencias preocupantes en el sector.

“La Tertulia, como tantos otros lugares, había sido un lugar de encuentro, y la vida cultural su complemento”, evoca. “Pero el encuentro fue declinando, nos dimos cuenta de que terminaba el acto cultural programado y la gente no se quedaba como antaño, se iba. Además, durante el acto se consumía cada vez menos: ahora se pedía una cerveza en el tiempo en que antes se tomaban tres cubatas. El principio de salud empezó a primar sobre el sentido del placer, el público se cuidaba mucho más”.

Pero donde más se notó fue en la atmósfera de la clientela. “Antes, a las dos de la mañana podría aparecer un cliente que nos decía: ‘Estaba solo en mi casa y quería hablar con alguien’. Ahora, esa persona se queda en su casa mirando el móvil, chateando. El pub como lugar de encuentro ha muerto. Ahora prima el bar de tapas, que es tal vez poco atractivo como espacio, pero que la gente prefiere. Y en la noche hay cada vez menos gente que supere los 40 años”.

La puntilla de la pandemia

En los últimos tiempos, son muchos los locales como La Tertulia que han echado el cierre en Andalucía y el resto del país, aunque los motivos son múltiples: desde la jubilación de los propietarios y la falta de emprendedores que quieran tomar el testigo a la subida vertiginosa de los precios de alquiler, sin olvidar los problemas de insonorización en el caso de espacios para la música en directo, lo cierto es que aquel boom de locales donde disfrutar de recitales poéticos, conciertos de cantautores o de jazz, espectáculos de narración oral o café teatro va camino de apagarse irremediablemente.

La puntilla, según este veterano hostelero, “fue la pandemia. Eso ha cambiado la noche del mundo. Las masas la han cambiado por las mañanas. Si vas por Granada, todos los lugares de desayuno están llenos. Hemos pasado de tener los bares nocturnos llenos a no encontrar un sitio donde sentarte a tomarte un café a las diez de la mañana, porque está todo ocupado”.

En muchos lugares de España, el turismo ha llegado al auxilio de espacios como este que iban desfalleciendo, aunque el precio a pagar en cuanto a pérdida de naturalidad y autenticidad es evidente. “A La Tertulia viene un turismo español que nos visita como si leyesen un cómic, o como si fuese un museo. Los cuadros de nuestras paredes cuentan la historia del local y se emocionan. Solo los martes, que programamos tango, comprobamos que vienen muchos extranjeros. Pero eso no mitiga las dificultades: de seis horas que estamos abiertos, solo hay ingresos realmente durante dos horas, y como te digo con poco consumo. Antes me costaba cerrar La Tertulia, casi había que echar a la gente. Ahora a las dos y media no hay nadie”.

Las épocas mandan

En cuanto al respaldo oficial, La Tertulia ha recibido numerosos premios, tanto del Ayuntamiento como de la Junta de Andalucía. La Feria del Libro de la ciudad le hizo también honores, e incluso en la ciudad de Buenos Aires hay una placa reconociendo esta labor de años. Sin embargo, ninguna institución ha facilitado su subsistencia, a pesar de haber desarrollado una labor por las artes y las letras imposible de evaluar económicamente.

Lo que sí les ha llegado es el calor de los parroquianos, que en los últimos días están llenando La Tertulia, ayudando a reducir las deudas y, de paso, animando a sus responsables a mantener la llama viva. “Hemos tenido varias iniciativas, incluso se ha hablado de plantear crear una asociación cultural para evitar el final. No me niego a nada, pero lo que no querría es no cerrar el 30 de mayo para tener que cerrar seis meses después”, explica Rébora sin muchas esperanzas. “Hace mucho que aprendí que las épocas mandan sobre las voluntades individuales. Las tendencias tienen una potencia que no es posible revertir”.

Rébora no puede evitar la melancolía al comentar que “es duro cerrar, porque es mi vida. Yo siento que no llego a Granada hasta que no llego a La Tertulia. ¿Cómo voy a hacer ahora? Temo quedándome dando vueltas sin saber adónde llegar”.

Javier Ruibal no tiene manías ni supersticiones, pero cada noche, justo antes de salir al escenario, acostumbra a contar hacia atrás desde 20, muy despacio: veinte, diecinueve, dieciocho, diecisiete… Un rito que volverá a repetir este viernes en el Teatro de las Cortes de San Fernando (Cádiz), con motivo de una ocasión muy especial: la grabación de un nuevo disco en directo, el quinto de su carrera tras Pensión Triana, Lo que me dice tu boca, Sueño y 35 aniversario.

Un reto “tan excitante como comprometido”, según este cantautor portuense de 70 años, ya que la experiencia acumulada no es ninguna garantía ante el vértigo del directo. “A mí me gusta mucho hacer directos, creo que es la verdad de la música, ¿no? Es más excitante que una grabación de estudio. La grabación del concierto ya se oirá después, pero la presencia del público es fundamental”.

En la receta de Ruibal, lo primero que hay que tener es “motivación y ganas y también un repertorio que permita la sorpresa”, comenta. “En este caso es todo inédito, a diferencia de los anteriores. En Lo que me dice tu boca había algunas canciones conocidas y muchas otras que no, en Sueño eran mis canciones acompañadas por la Orquesta de Córdoba… Aquí es todo nuevo, con arreglos nuevos de Javier López de Guereña y una banda preciosa”.

Compañerismos y complicidad

Ese factor, la banda, es otro de los ingredientes fundamentales en la cocina de su disco. En esta ocasión, Ruibal se rodea de un verdadero grupo de solistas, con Alberto Bocanegra al piano y teclados; Diego Villegas en los vientos; José Recacha en guitarras y bajos; y Joaquín Calderón, que aportará instrumentos de cuerda y violín, sin olvidar a su hijo, Javi Ruibal, a la batería, percusiones y producción.

“Javi, aparte de que tiene mucho criterio, me conoce lo suficiente y tiene la posibilidad de decirme: aquí creo que te estás pasando, o aquí te estás quedando corto. Y eso es estupendo”, comenta el artista. “Claro, él se ha criado escuchando mi música y me ha visto componerla incluso, entonces a él no le puedo yo engañar, es el único al que no puedo engañar de entre todo el planeta [risas]. Él sabe cuáles son mis cadencias y en todo caso, si las hay, mis virtudes”.

“Siempre he estado con músicos que tienen su propia expresividad y su trayectoria y sus propias carreras”, prosigue Ruibal. “Gente que también se la juega personalmente, fuera de mis grabaciones y de mis conciertos. Y eso a mí me provoca una idea de compañerismo muy interesante, porque nadie es más que nadie. Eso sí, cada uno toca y lo que se dedica a hacer, lo hace con la mayor excelencia posible. También me gustan los músicos que me dan la impresión de que, como solistas, son mejores que yo. Por eso es muy interesante la idea de no competencia en el escenario, pero sí hacer una puesta en común en la que todo el mundo pueda expresarse y estar a favor de obra”.

Por otra parte, el gaditano subraya que la preparación de un disco como este “exige más ensayos y más precisión que un disco convencional. El repertorio lo trabajo en solitario, indudablemente, dándole muchas vueltas a las cuestiones de melodía y de armonía y muchas más vueltas a la palabra y al verso, que para mí es tan importante como lo musical”.

De los arreglos a los ensayos

“Entonces, una vez que yo ya me he partido el coco y he llegado al convencimiento de que no doy más, entonces interviene la labor del arreglista”, agrega. Con Javier López de Guereña, con el que Ruibal ya ha trabajado en otras ocasiones, “hablo en unos términos que son muy curiosos porque de pronto, para referirme a qué arreglo veo yo para tal canción, por ejemplo, digo, aquí épico, aquí sensual, aquí jocoso. Ese tipo de expresiones que no tienen nada que ver con la idea que la flauta vaya en tal o cual tonalidad, o haciendo tal cosa. Es más bien una cuestión de sensaciones, algo que atañe a ciertas sutilezas que van más relacionadas con la emoción que yo quiero que conserve la canción arreglada, que ya estaba en la canción desnuda. Para que no se pierda eso que yo he sentido cuando lo he compuesto”.

Las nuevas tecnologías acuden aquí en auxilio de compositor y arreglista, pues hay emuladores muy aceptables que permiten hacerse una idea de cómo puede quedar el resultado final. “Yo no leo música más que lo imprescindible”, admire Ruibal, “a mí ya me puedes dar un kilo de papeles que me quedó indiferente. Pero si me das la sonoridad y el resultado, pues eso me anima mucho”.

Luego viene la labor de organizar todo ese material, repartir el trabajo entre los músicos y, naturalmente, hacerlo sonar. En este caso, Ruibal distingue entre ensayos “musicales” y “técnicos”, estos últimos en el propio teatro. Los ensayos domésticos, en cambio, se han repartido entre la casa de José Recacha, en Coria del Río, en los Tempo Estudio, en Sevilla, en Mairena. “Luego vamos al teatro y tendremos dos días para poder ensayar ya in situ. Al ser la grabación en directo, hay que ir ya al escenario con el máximo de trabajo técnico hecho, solventando los posibles problemas de amplificación que pueda estropear el sonido, y que en un estudio no existen”.

Un teatro con historia

La elección del Teatro de las Cortes viene de un ofrecimiento expreso de la alcaldesa de San Fernando, Patricia Cavada, y de la delegada de Cultura, Pepa Pacheco. “Me dijeron que les hacía una ilusión tremenda que eso se hiciera allí, y a nosotros nos gustaba el teatro por su sonoridad. Es un teatro entero de madera, lo cual quita un montón de asperezas a la hora de sonar y de grabar. Y luego es un teatro lleno de historia, un sitio donde se ha proclamado la primera constitución progresista de la historia europea, la de 1812. Una constitución tan bien hecha que fue odiada inmediatamente por los poderes absolutos y se la cargaron. Mira si estaría bien hecha, fue un peligro a la sostenibilidad del absolutismo. Cantar allí me parece un privilegio”.

Por la parte de sonorización y grabación, Ruibal cuenta con otro viejo cómplice como Javier Rondán, su técnico de sonido desde hace años. Entre unos y otros, reconoce el cantante, no tiene más remedio que rejuvenecer, “porque ellos están en esa cosa tan galana que tiene la primera madurez, mientras que yo ya estoy en la tercera. De alguna manera, yo me nutro de esa energía, pero ellos también me dan latiguito para que espabile. ¿Me explico? Quieren que tú estés lo más relajado posible, pero que también des lo mejor, y que si en alguna parte el fraseo que hace la voz puedes arriesgarte más, te lo dicen. Es muy bonito y es muy generoso por su parte, porque podrían limitarse a tocar tan bien como tocan y punto, y en cambio se involucran a fondo en el proyecto”.

Finalmente, tan importante resulta conocer los pasos de la receta como eludir los errores que eventualmente se hayan podido cometer en grabaciones anteriores. ¿Cuáles serían estos escollos a evitar, en el caso de Ruibal? “En Pensión Triana, por ejemplo, había un pulso muy fuerte, porque era un repertorio de mucha euforia. Es un disco muy optimista y muy eufórico y todos los músicos tocaron con una fuerza que luego, a la hora de mezclar, me las vi y me las deseé, porque de las dos tomas que se habían hecho, de los dos conciertos que hicimos, no sabía uno con cuál quedarse. Y no es como ahora que tú puedes tomar una parte de una y juntarla a otra toma anterior, como cortar y pegar, aunque para mí la gracia está en la naturalidad”.

Un viaje sonoro

“En Lo que me dice tu boca todo es mucho más relajado, y ahí sí tomé cartas en el asunto y pensé que, en lugar de estar todo el tiempo tocando con todos, iba a hacer una canción con Andreas Prittwitz, otra con Víctor Merlo… Traté de que eso fuera un poquito menos impetuoso que en la experiencia anterior. Luego Sueño era con la Orquesta de Córdoba, con lo cual yo ahí era quien menos mandaba. Me limité a cantar lo más bonito que pude. Y luego el 35 aniversario lo planteamos como una fiesta de duetos. Cantar con Martirio, con Miguel Ríos, con Drexler, con Pasión Vega, incluso con cada uno de los músicos que había tocado conmigo a lo largo de los años, dándole su sitio a cada uno”.

De contenido del álbum, Ruibal solo puede adelantar que “todo gira alrededor de un mismo asunto, es un objeto y un viaje, un largo viaje que ocurre durante un largo tiempo: una historia contada en doce capítulos, en doce canciones, donde hay guiños musicales a una serie de lugares diferentes y de épocas diferentes. Y luego el lenguaje es, en cierta medida, clásico, un lenguaje de época. Bueno, no voy a decir de Siglo de Oro, pero casi, casi. Con ese tipo de expresividad que hubo en la época en la que transcurre la historia”.

La cabeza del portuense ya está en el próximo viernes, y casi se ve entre las bambalinas del teatro de las Cortes. “Yo he sido siempre muy salvaje, salgo al escenario sin calentar la voz ni nada, ¿no? No me pongo a canturrear en el camerino ni nada de eso. Es una cosa un poco bruta por mi parte, pero como me ha ido muy bien, no quiero romper esa costumbre”, asegura. “Sigo saliendo con la misma chispa, y los mismos nervios, aunque ya un poco más controlados. Cuando solamente está la luz de escena esperándome, me doy el gusto de estar veinte segundos larguísimos ahí: veinte, diecinueve, dieciocho, diecisiete…”.

El paisaje habitual de la costa onubense ha mudado su piel esta semana para hablar, casi exclusivamente, portugués. Lo que antaño nació como una serie de escapadas de fin de curso sin mayor pretensión, se ha consolidado en este 2026 como 'La Punta': un gigante del ocio para estudiantes que ya se sitúa como la cita de referencia para la juventud lusa antes de dar el salto a la Universidad.

Punta Umbría no solo acoge una fiesta; gestiona un rito de iniciación que ha pasado de las precarias carpas junto a la carretera a una infraestructura de lujo totalmente integrada en el entorno.

De la improvisación a la madurez turística

El festival ha recorrido un largo camino desde aquellos tiempos del 'Festival Village'. La organización ha aprendido que menos es más: para esta edición se han convocado a unos 6.500 asistentes, una cifra sensiblemente inferior a los récords de otros años, pero que responde a una estrategia clara de sostenibilidad y orden. La clave del éxito actual radica en la profesionalización: se han desmantelado las ruidosas carpas exteriores para trasladar el corazón de la fiesta a los complejos de la cadena hotelera Barceló y a la propia arena de la playa. Esta integración busca que el evento sea una experiencia de calidad para el visitante y, sobre todo, una convivencia menos traumática para el vecino.

El pulmón financiero de la primavera

Las cifras que maneja el municipio explican por qué Punta Umbría se vuelca con este evento. Se calcula que el paso de los estudiantes dejará unos cuatro millones de euros de beneficio directo. Es una suerte de “precuela” del verano que permite a la hostelería y al comercio local hacer caja en un mes tradicionalmente valle. Pero el impacto real se mide en nóminas: solo para atender las necesidades del festival, se han tramitado unas 1.000 contrataciones extraordinarias, permitiendo que muchos trabajadores locales adelanten su incorporación a la campaña turística. Además, el sector hotelero ve en estos jóvenes a sus clientes del futuro; el estudiante que hoy descubre la ría de Huelva de fiesta, es el adulto que volverá en unos años con su familia.

Un escaparate digital hacia Portugal

No se puede entender 'La Punta' sin mirar a la pantalla del móvil. El festival se ha convertido en un producto de consumo masivo en redes sociales, impulsado por una treintena de influencers lusos que proyectan la imagen de Punta Umbría hacia todo Portugal. La importancia es tal que su aplicación oficial suele encabezar los rankings de descarga en el país vecino durante estos días, posicionando la marca Huelva de una forma que ninguna campaña de marketing tradicional conseguiría. En lo musical, la cita ya no tiene complejos. Este miércoles, el foco estará sobre el brasileño Pedro Sampaio, cuya escala en Punta Umbría dentro de su gira internacional eleva el listón del festival a la categoría de gran evento de conciertos.

Seguridad sin fronteras y el desafío del cielo

La gestión de la seguridad también ha roto moldes. Para que la mediación sea efectiva, la Guardia Civil cuenta con el apoyo directo de patrullas de la GNR portuguesa. Ver a agentes de ambos países trabajando juntos es ya una estampa habitual que facilita el control preventivo y evita que la barrera del idioma sea un obstáculo en situaciones de tensión. El gran enemigo de esta edición, sin embargo, no será el desorden, sino la meteorología. Con un pronóstico que anuncia lluvias y frío a partir de este martes, la organización ha tenido que activar sus “planes B”. Los amplios salones de los hoteles se transformarán en zonas de juego (gaming) y escenarios cubiertos para que el temporal no arruine una semana que ya es, por derecho propio, el motor económico de la primavera onubense.

Ni Santiago Auserón ni sus seguidores olvidarán el concierto del pasado viernes en el Teatro de las Cortes de San Fernando (Cádiz), y no precisamente para bien. Desde la salida a escena del artista, icono de la movida madrileña, era evidente que algo no funcionaba. El respetable esperaba que el recital remontara en algún momento, pero el reloj iba corriendo y la situación se volvía angustiosa. Una noche tan pésima que el artista ha acabado pidiendo disculpas en redes sociales, renunciando a su caché y prometiendo un concierto de resarcimiento cuando su salud mejore.

Antonio es uno de esos espectadores que vieron al ídolo en sus horas más bajas. “Empezó extrañándome la forma de tocar al principio, luego los continuos parones y el hecho de que prácticamente no terminara ni un tema. Santiago decía todo el tiempo, ”voy a hacer esta canción otra vez, quiero hacerla bien’, pero la gente le decía que siguiera, aplaudía y le daba ánimos. Pero la cosa no mejoró. Alguien se marchó al grito de ‘¡Santiago, que te den!’, pero la mayoría nos quedamos. Estábamos todos consternados, esa es la palabra“.  

Hubo algún momento extravagante, como cuando pasó cerca del teatro una banda de música de las que ensayan estos días para la Semana Santa, y el músico propuso salir afuera a escucharla. Sin embargo, el concierto se cubrió de tintes más bien dramáticos. “Santiago discutió con el tipo del sonido por alguna cuestión técnica, mientras intentaba en vano sacar el concierto adelante. Nos decía cosas como ‘me parece que no estoy conectando con vosotros. Yo estoy aquí para que lo paséis bien, pero no sé qué me pasa’. Estábamos viendo a un tipo brillante, pero que tocaba en la luna”. Quienes grabaron esa noche con sus teléfonos móviles han evitado hasta ahora difundir las imágenes, por temor a dañar la imagen del cantante.

Dos meses de baja

Al día siguiente de esta cita, el propio Santiago Auserón se dirigía a través de las redes sociales a sus “queridos amigos” de San Fernando, Cádiz. “Anoche en el Real Teatro de San Fernando me fallaron las fuerzas. Sabía que me arriesgaba a ello, porque me habían aconsejado la baja médica por hipertensión debida a agotamiento extremo y, pese a todo, quise intentarlo. No salió bien. Lo siento mucho. Algunos incidentes técnicos me complicaron aún más la cosa. Pero no valen excusas. En cuanto me recupere un poco, me gustaría corresponder de algún modo a quienes tuvisteis la amabilidad de comprar la entrada. Así lo voy a plantear a la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento. Salud”.

Este lunes, Auserón anunciaba la cancelación de un concierto previsto en la Casa de la Cultura de Peralta (Navarra) para el 28 de marzo, con este mensaje: “Por indicación médica, y a raíz de los acontecimientos del pasado viernes, el artista deberá suspender su actividad profesional durante los dos próximos meses para atender su recuperación”.

Fuentes del Ayuntamiento de San Fernando comentaban a elDiario.es Andalucía que, a pesar de lamentar las condiciones en que transcurrió el recital, no procedía una reclamación por incumplimiento de contrato ni diligencias similares, pues el concierto se había realizado. Poco después, en las mismas redes, Auserón confirmaba que “hemos acordado con el Ayuntamiento la devolución íntegra del importe de las entradas. Asimismo, y pese al esfuerzo por cumplir con los compromisos adquiridos en una situación de evidente agotamiento, hemos decidido renunciar al cobro del caché, en coherencia con nuestro compromiso artístico y por respeto al público y a la institución. El espectáculo no pudo desarrollarse conforme a lo previsto, y entendemos que la confianza de quienes adquieren una entrada para asistir a nuestros proyectos debe ser siempre correspondida”.

“La Concejala de Cultura María José Pacheco Guerrero, a quien agradecemos personalmente, la comprensión y el cariño recibido, nos ha informado que hoy mismo se ha enviado un correo a los compradores informándoles de esta decisión. El reembolso del importe de las entradas se efectuará automáticamente a través del mismo método de pago utilizado en la compra. Gracias por vuestra comprensión y por el cariño recibido. Esperamos reencontrarnos con todos vosotros cuando Santiago esté plenamente recuperado”.

Personas frágiles

El incidente pone de relieve la presión a la que está sometida esta profesión, y que se manifiesta en sonados hitos como el desmayo que sufrió la cantante Pastora Soler, el trastorno de ansiedad reconocido por Beret o las más recientes cancelaciones de Morrisey. Circunstancias que incluso han apartado de los escenarios para siempre a intérpretes talentosos y de éxito.

El sevillano David Linde ha sido tour manager de numerosas bandas, así como responsable de festivales como Nocturama o Microclima. La noticia de San Fernando le sorprende y no. “He trabajado con Santiago y sé que es un profesional super serio, que se cuida mucho. Pero también he aprendido en estos años que un artista es una persona muy frágil, que carga sobre sus hombros un peso muy grande. Lo raro es que estas cosas no pasen más a menudo”.

Linde ha vivido todo tipo de peripecias con los músicos a los que ha acompañado, desde ataques de agorafobia a pánico a que falle la memoria. “Muchos, si pudieran, actuarían para un solo espectador, y de espaldas”, asevera. El manager se sorprende de no haber tenido que cancelar nunca por estos motivos, “aunque luego he tenido que ir con muchos al hospital”, y desde luego asegura que la leyenda de la fiesta eterna durante una gira es precisamente eso, leyenda: “A partir de un nivel, un camerino es un lugar sagrado en el que no entra ni el tato. Después del concierto, sí, puedes tener alguna fiesta, pero si al día siguiente viajas y tienes bolo, te aseguro que te lo piensas. Lo del alcohol y las drogas está sobredimensionado: ahora lo que más consume un músico es omeprazol, porque el estómago es el que más sufre estas presiones”.  

“Tenemos que pensar que un futbolista, si tiene una molestia, no sale a jugar”, concluye Linde. “Pero yo he visto salir a tocar a gente horas después de un accidente de tráfico, o a la que se le ha comunicado un rato antes que se ha muerto su madre. Y tienes que salir a convencer a cinco o diez mil personas de que no te cansan los kilómetros ni te duele la rodilla. Eso no hay cerebro que lo aguante”.

Los síntomas del 'burnout'

Del cerebro de los artistas sabe, y mucho, Rosana Corbacho, psicóloga clínica con más de 15 años de experiencia especializada en la industria musical. Tal vez por eso, lo sucedido con Santiago Auserón no le sorprende. “En la consulta los casos de burnout es lo que más frecuentemente atiendo”, comenta. “El estrés crónico tiene consecuencias físicas en el cuerpo. A cada persona le afecta de una manera. Los síntomas más comunes de burnout son: irritabilidad, problemas de sueño, de estómago, tensionales, ansiedad, disminución de la productividad y la motivación, dolores de cabeza e intensificación de los síntomas de otras enfermedades que la persona pueda padecer (i.e. tinnitus en los músicos)”. 

Para esta especialista, “uno de los problemas del estrés es que no nos damos cuenta de cuando va aumentando porque se produce una exposición muy gradual o lo sentimos prácticamente como 'parte del trabajo'. Y si nos damos cuenta, lo que hacemos para aliviar las sensaciones desagradables de tensión suele empeorar la situación a medio plazo. En psicología lo llamamos mecanismos de afrontamiento. Uno de los más llamativos es cancelar encuentros con amistades o actividades de ocio para seguir trabajando. Ésto alivia el malestar inicial, pero hace que el nivel de estrés se vaya acumulando. En el caso de los músicos, el trabajo es lo primero. La obra, el concierto, la grabación.. Ocupa la vida entera de los artistas que se identifican con su rol laboral. Esto deja poco espacio para recuperarse y aún menos cuando se pasa por una mala época”. 

“El estrés es tensión”, añade Corbacho. “Sólo es dañina cuando se acumula o es crónica. Si un artista está notando fallos o que no llega a donde antes llegaba, seguramente experimentará señales de alerta intensas. Si además tiene un concierto y percibe las expectativas del público y de su equipo, más tensión sufrirá. Enfrentarse a cancelar es una de las peores pesadillas de cualquier artista. Yo diría que habría que hacer un trabajo de reestructuración y recuperación. Cuando ya tenemos signos de burnout el simple descanso no lo cura”. 

Eso y, por supuesto, aprender a reconocer límites. “Cuanto antes se aprende a gestionar el estrés y los límites del cuerpo, más se recupera la autonomía. Elegir las estrategias de afrontamiento más saludables y lidiar con qué se mueve dentro de uno mismo ante decepcionar al público o al equipo. A veces se tiene que llegar a situaciones extremas para evaluar y priorizar el cuidado. Y no hacerlo a tiempo siempre acaba pasando factura: al artista, a su equipo y también al público”. 

La sexta edición de Icónica Santalucía Sevilla Fest ha presentado este jueves 26 de febrero sus cifras definitivas, en una convocatoria que sitúa al evento sevillano en la vanguardia de los festivales europeos al superar las 200.000 entradas vendidas a cuatro meses de su inicio. Este dato supone un crecimiento inédito del 76,51% respecto al mismo periodo del año anterior —cuando se contabilizaban 115.348 entradas— y eleva la previsión total de asistentes por encima de los 358.000 espectadores, lo que sitúa a la cita al nivel de grandes festivales de masas como Mad Cool o Primavera Sound.

Javier Esteban, CEO de Green Cow Music y director del festival, ha subrayado que el impacto económico global para Sevilla se estima en 278,2 millones de euros, una cifra que refuerza su naturaleza como proyecto estratégico de ciudad y que se apoya en un cambio drástico en el comportamiento del ciudadano: mientras que históricamente el sevillano solo representaba el 8% del público en los grandes conciertos del Estadio Olímpico, en ICÓNICA esa cifra se ha disparado hasta el 70%, logrando desestacionalizar el turismo y evitar que los residentes abandonen la ciudad en los fines de semana de verano para quedarse a ver artistas por los que antes tenían que viajar a Madrid.

En el apartado artístico, la organización ha confirmado este jueves la incorporación de cuatro nombres internacionales que se suman a los 28 artistas ya anunciados: el panameño Rubén Blades, el icónico productor electrónico británico Fatboy Slim y los exponentes de la música urbana internacional Mora y Omar Courtz. La logística de venta para estas nuevas citas ya está definida, de modo que las entradas para Blades y Mora estarán disponibles a partir del martes 3 de marzo a las 10:00 horas, mientras que las de Fatboy Slim y Omar Courtz saldrán a la venta el jueves 5 de marzo a la misma hora.

Esas novedades refuerzan un cartel que el propio Javier Esteban define como uno de los mejores de Europa, diseñado tras analizar minuciosamente los gustos de una Sevilla ecléctica que ha consolidado la Plaza de España como el escenario de experiencias “premium” que el público local demandaba.

Más allá de los nombres propios, esta edición pone el foco en la gestión técnica del patrimonio bajo el paraguas de la sostenibilidad. El festival se ha convertido en el primero en recibir el certificado de Gestión Sostenible de Patrimonio, referencial 100 C97, posicionándose como un caso de estudio internacional sobre cómo armonizar grandes eventos con la protección de Bienes de Interés Cultural como la Plaza de España y el Parque de María Luisa.

Pablo Tábora, director de proyecto, ha anunciado la creación de una comisión de expertos externa que validará todos los protocolos de actuación para garantizar el máximo cuidado de los monumentos. Además, en el plano visual, se ha desvelado que el espectáculo Icónica Light rendirá homenaje este año a la ciudad de Granada, tomando el testigo del tributo realizado a Cádiz en la edición anterior para seguir vinculando el festival con la identidad andaluza.

La presentación ha contado también con una perspectiva científica sobre la salud mental bajo la premisa de la campaña “Volvamos a la plaza”, que reivindica el espacio público como antídoto contra el aislamiento digital. El análisis técnico de Javier García Ruiz, conocido en redes sociales como @psicologo.sevillano, vincula la experiencia del festival con la segregación simultánea del “pack completo” de las hormonas de la felicidad: dopamina por el placer del espectáculo, oxitocina por el fortalecimiento de los vínculos de la manada humana, serotonina por la exposición a la luz solar y endorfinas por el contacto físico y las risas.

García Ruiz ha comparado el festival con el concepto del “murito”, haciendo referencia a esa plaza donde el psicólogo jugaba de pequeño y que representaba un refugio de libertad y socialización real. Esta versión “2.0” del murito que propone el festival busca ofrecer emociones auténticas frente a la receta falsa de éxito de las redes sociales, recuperando la esencia de la plaza como el punto de encuentro social que históricamente ha generado mayor satisfacción vital en los seres humanos.

Antonio Smash murió con las botas puestas. Hasta el último momento estuvo grabando discos, ofreciendo recitales y sumándose a las iniciativas de los colegas que lo requirieran –solo un par de días atrás había estado rindiendo homenaje a su amigo Pedro G. Mauricio–. Había sido rockero toda su vida, y rockero ha muerto a los 73 años en la víspera de la noche de Reyes de este incipiente y convulso año 2026.

Antonio Samuel Rodríguez nació en Sevilla, en abril de 1952, y desde su primer uso de la razón sintió la llamada de la música. Probó fortuna con la batería en grupos de aficionados, en un momento en que el rock empezaba a irrumpir en España, en buena medida bajo el influjo de las bases estadounidenses de Rota y Morón.

El hecho de haber empezado tan joven en la música le permitió ser un puente entre las bandas de los 60 y las de los 70, participando en infinidad de proyectos con suerte desigual. Así, en 1968 fundó el más celebrado de todos, el grupo Smash, junto a Julio Matito, Gualberto García y Henrik Michel. La transcendencia de esta formación fue tal que, con la estela de discos como Glorieta de los lotos o We come to smash this time, pasaría a ser conocido por todos como Antonio Smash.

Espacio de resistencia

Aunque en sus años mozos se había sentido refractario al flamenco, en los primeros 70 se acercó a Manuel Molina –más tarde Lole y Manuel– en una fusión pionera de rock y música jonda que favoreció la grabación de un éxito como El Garrotín. Eran los tiempos de la antigua Cuadra de Sevilla que, regentada por Paco Lira, reunía lo más granado de la creatividad sevillana. Pisco Lira, heredero de aquel legado, recuerda a Antonio con Smash, “acompañando a la Antígona que puso en escena el grupo Esperpento. Y aún recuerdo los ensayos de El Garrotín, Tangos de Ketama y Ni recuerdo ni olvido”.

A renglón seguido, el músico se alió con Manuel Rodríguez (andando el tiempo, Manuel Imán) para dar forma al grupo Goma, que marcaría otro hito en el rock de raigambre sureña con un disco tan significativo como 14 de abril, cuyos colores republicanos en la portada (diseñada por Alberto Corazón) fueron convenientemente censurados. “Antonio fue un gran músico y un gran trabajador, además de tener una vis cómica muy acentuada, que no todo el mundo conocía”, comenta Manuel Imán, todavía impactado porque el pasado viernes estaban tocando juntos y brindando por los viejos tiempos. “Yo tenía 15 años cuando fui al teatro San Fernando a ver a los Smash, y poco después me compré mi primera guitarra. Para mí fue una referencia absoluta, clave para todos los inicios de lo que se llamaría el rock andaluz”.

También dejaría Antonio su sello en formaciones madrileñas como el grupo Granada, Flamenco o Coz. De vuelta a su ciudad natal, sigue embarcándose en aventuras musicales como la de Silvio y Luzbel, en cuyo legendario disco Al Este del Edén participa, así como con Barra Libre y Gas. En aquella época lo conoció el periodista y músico Pive Amador, que oficiaba como mánager del grupo. “Le debo a Antonio ser batería, porque si la gente recuerda, en la portada de Al Este del Edén aparecía él con el brazo vendado. Surgió una actuación y Silvio, que antes había sido batería y al que yo había animado a hacerse cantante, me dijo: '¿Te acuerdas de que yo no era cantante? Pues ahora soy yo quien te hace batería a ti'. Parece mentira que no quede nadie vivo de aquella portada”.

Asimismo, Antonio será testigo de excepción de una nueva hornada de músicos flamencos al militar en Pata Negra, la banda de los hermanos Amador, como batería, bajista y compositor en los elepés Blues de la frontera (1987), Pata negra, el directo (1989) e Inspiración y locura (1990). “Esa manera de amar la música no la he visto en nadie, hasta el punto de sufrir por querer hacerlo todo bien”, añade Pive Amador. “Pero en el fondo, me parece que no hay mejor manera de morir que haciendo hasta el final lo que uno quiere”.

Ya de lleno en los años 90, en la resaca de la Expo, colabora con Kiko Veneno, Alba Molina, Manuel Molina, Luis Auserón o el grupo Caraoscura. “Fue siempre una inspiración para mí, su amor por la música, su dedicación, su decisión a la hora de hacer las cosas”, comentaba consternado Veneno. “Yo era dos semanas mayor que él, pero él fue mi maestro, el músico total, mi referente de la música sevillana, y siempre lo será”.

El hecho de haber estudiado solfeo y haberse convertido pacientemente en multiinstrumentista le permitió trabajar tanto como intérprete como en calidad de productor y arreglista, y por supuesto de afrontar sus proyectos en solitario como paradigmas de exquisita cocina casera. Jardín secreto, Balas de amor o el más reciente Viéndolas venir, del año pasado, son algunos de los títulos que lanzó desde ese espacio personal de resistencia que él mismo había creado.    

Su huella se manifiesta incluso en grupos actuales, como Pony Bravo, que se declaran deudores de su legado: “Nunca tuvimos la suerte de poder colaborar con Antonio Smash, nunca tuvimos contacto personal con él, aunque compartimos cartel en algún festival. Pero es un referente claro de lo que para nosotros fue la mejor época de la música sevillana y andaluza”, aseguran.

Marco Serrato es sobradamente conocido en Sevilla como bajista del grupo metalero Orthodox, aunque también ha militado en formaciones como Hidden Forces o Sputnik Trio, y colaborado con músicos como Dani Llamas o Raúl Cantizano. Dada su versatilidad, no le sorprendió que el festival malagueño Canela Party le hiciera un encargo singular: componer un espectáculo para uno de los cantaores flamencos más en boga de la actualidad, el manchego Israel Fernández. Después de fichar a varios cómplices y tratar de sintetizar su experiencia en diversos estilos, en agosto de 2024 Serrato y los suyos se metieron en el estudio de grabación antes incluso de presentarse en vivo: había nacido Frente Abierto, un proyecto que va mucho más allá de las fusiones flamencas al uso, y que se hará oír este sábado en el Monkey Week de El Puerto de Santa María (Cádiz).

Eso sí, según afirma el músico, la base flamenca ha sido respetada en todo momento. “El esquema de la soleá o de la seguiriya está ahí, y en eso encontré un buen lienzo sobre el que volcar los colores de todas las historias en las que he estado metido hasta ahora”, comenta, quien además de contar con Fernández, fue incorporando a otros cantaores como Lela Soto, Inés Bacán, Sebastián Cruz o Ángeles Toledano. “La idea era que, más que sentir que funcionaba, el resultado nos gustara a nosotros. Ese fue el baremo con el que hemos jugado, pero a veces también apretamos el puzzle si no encajaba a la primera. Los proyectos en los que he trabajado no están pensados para agradar a las masas, y en este caso ha sido igual: nos hemos guiado por la intuición y los gustos personales”.      

Eso sí, en la agenda de Serrato y sus compañeros no entraban dos palabras muy socorridas para hablar de fusiones arriesgadas: transgresión y provocación. “No tengo ningún interés en eso”, asevera. “Habrá quien le parezca un crimen acompañar una caña como lo hacemos, pero mi objetivo no es transgredir ni provocar, sino hacer algo que yo, como oyente, echo de menos. Estoy convencido de que la transgresión tiene algo reaccionario en su núcleo, en el fondo siempre le da un poco la razón a aquello que está transgrediendo. No tenemos nada que dinamitar”.

El misterio del mercado

Lo mismo puede decirse de la intención de escandalizar a los puristas: “A estas alturas me parece absurdo. La gente se escandaliza por cosas extramusicales, por una portada con cualquier tontería, por cualquier declaración salida de tono, pero no por un sonido determinado”, explica. “A muchos les sorprendería que Inés Bacán, a sus 73 años, es la que menos se asusta de lo que hacemos. Tiene mucha sensibilidad artística y ha estado en muchos fregados. Es la prueba viva de que el flamenco siempre ha estado en el mundo”.

Por no estar a la contra, Frente Abierto no posa ni siquiera como proyecto anticomercial. “Ni siquiera tenemos una visión del mercado, es algo que se nos escapa. Musicalmente sí vemos el hueco, pero no sabemos si el mercado, tan extraño y volátil, lo verá como nosotros. A veces pienso que ni siquiera los que controlan el mercado saben por dónde van a ir los tiros. Seguir todo eso desgasta mucho, yo prefiero hacer lo que me motive artísticamente, y a partir de ahí, que venga lo que sea”.

A la hora de pensar en referentes inspiradores, el primero que le viene a la cabeza a Serrato (aparte del magisterio metalero de Black Sabbath, The Obsessed o Candlemass) es la Liberation Music Orchestra del jazzero Charlie Haden, “una forma abierta de meter cosas y sonoridades distintas en el mismo saco”, dice. “Nos preguntamos cómo no se ha hecho algo así antes en el flamenco. Lebrijano probaba cosas interesantes en discos como Lágrimas de cera, el propio Agujetas, paradigma de pureza, también ha sido valiente en trabajos como Cien años atrás. Eso me ha inspirado más que Niño de Elche con Toundra, o los discos más populares de Camarón o Morente, que a mí personalmente nunca me sirvieron para entrar en el flamenco, sino que más bien me supusieron un obstáculo. Y he echado de menos un poco más de valentía en este campo. Cuando han querido fusionar, se han limitado al jazz o al rock suavecito de sota, caballo y rey”.

Zonas fronterizas

Por el costado flamenco, Raúl Cantizano atesora también una amplia experiencia en adentrarse en territorios movedizos. “Frente Abierto hace un acompañamiento al cante pero desde otro lugar, casi como traductor”, comenta. “Se trata de poner en común el lenguaje del rock, el riff de guitarra, la métrica que le es propia, con el cante. En ese sentido, los cantaores no se acostumbran a cantar a su aire, porque tienen una banda de cinco personas detrás, y tienen que ir todos a una. Se trata de crear un nexo, una especie de bisagra entre unos y otros”.

El guitarrista sevillano, acompañante de artistas tan diferentes como Rocío Márquez, Niño de Elche, Andrés Marín o María Moreno, afirma haberse “criado en ese mestizaje, en esa zona fronteriza que es un terreno muy cómodo para mí. También hago flamenco tradicional y voy a tablaos, pero donde más me gusta moverme es teniendo una pata en lo jondo y otra en otros mundos”.

También David Cordero se siente a gusto en esos territorios poco definidos. El creador y productor de música ambient trata de “aportar lo mejor de mí dentro de las necesidades del proyecto, y de paso intentar aprender”, asegura. “En el momento en que sales de tu estilo, ya estás empezando a pisar fango, pero esa es precisamente la parte atractiva, sobre todo ver cómo encaja mi mundo dentro de esa fusión. Si hubiese sido un proyecto más cómodo, quizá no hubiese sido tan divertido. En la música no tiene que haber certezas”.

30 'omegas'

Para este creador afincado en Cádiz, “por suerte en la música ambient no hay tantos ortodoxos como en el flamenco o el metal, siempre hay un abanico muy amplio de opiniones, gustos y colores. No hay mandamientos ni normas arraigadas, así que este tipo de mezclas no duele a nadie. Pero al final el veredicto tiene que darlo el público”.

Más crítico se muestra Marco Serrato sobre el flamenco, que “solo se mira a sí mismo, y a las cuatro cosas que dan trabajo y dinero. Todo deriva hacia la rumbita y el flamenquito”, considera. “Que el Omega siga siendo tenido como referente de encuentro con el rock lo dice todo, ¡debería haber ya, después de tanto tiempo, 30 omegas! Esto habla de la digestión lenta del flamenco y del público en general”.

“Nosotros nunca trabajamos según las reacciones del público. Hemos demarcado el territorio y el estilo, veremos qué pasa a partir de ahora”, concluye Serrato. “Lo que te aseguro es que en un solo disco no va a quedar esto. Aunque no le guste a nadie”.

Desde hace más de 15 años, el cantante argentino-estadounidense Kevin Johansen y el dibujante argentino Liniers comparten escenarios en un espectáculo que aúna sus dos disciplinas, convenientemente sazonadas de ironía, humor e improvisación. Ahora lanzan un disco, Desde que te Madrid (Sony Music), grabado en directo en el Teatro Albéniz de la capital española. Para promocionarlo, se han embarcado en una nueva gira internacional que incluye siete fechas españolas: Santiago de Compostela (25 de septiembre), Bilbao (día 26), Sevilla (día 27), Barcelona (1 de octubre), Alicante (día 2) y, una vez más, broche en Madrid (día 11), en el marco del programa de la Hispanidad.

“En realidad llevamos colaborando más de 15 años”, comenta Kevin Johansen para elDiario.es Andalucía desde un aeropuerto nórdico, cerca ya el momento del embarque, junto a su compañero. “Todo empezó sin querer-queriendo, Liniers dibujaba un afiche, un póster de calle para anunciar un concierto, una tapa de disco… Hasta que empezamos a dar forma al espectáculo, si bien los formatos han cambiado mucho: al principio Liniers se sumaba de espaldas a hacer un mural, luego fueron un par de computadoras entre bambalinas, y finalmente hace unos 15 años se subió en el escenario con su escritorio de dibujante”.

El músico bromea también con el hecho de que él, nacido en Alaska, viva actualmente en Argentina, mientras que el dibujante porteño se ha afincado en Vermont, Canadá. En ese cruce de vuelos se las han arreglado para seguir encontrándose a menudo y propiciar la alquimia. “Nunca hemos ensayado nada, no hay guion prefijado. Ahora nos reunimos y el espectáculo nos agarra más relajados…”, dice Johansen, a lo que Liniers agrega: “Más inmaduros”.

Amigos de asado

“La razón por la que funciona el show”, apunta Liniers, “es porque éramos amigos de antes, amigos de comer asado. Tenemos varios conocidos que se han juntado para hacer algo parecido, pero se deshilacha rápido, porque no es tan fácil que algo así funcione en el tiempo. No es algo que puedas forzar. Además, los dibujantes solemos ser más tímidos…”. “… Mientras que el músico es más un ególatra inseguro”, apostilla Johansen.

Liniers se queja jocosamente de que, si bien en su estudio dispone de “infinito tiempo para dibujar una tira, las canciones de Kevin duran solo tres minutos. Le pido que haga los solos más largos, ojalá hiciera rock progresivo, un poco de David Gilmour… Pero está bueno, me hace sacar herramientas diferentes, hay toda una expresividad que no me sale cuando dibujo tranquilo”. “Yo cada vez soy más amigo de la síntesis”, replica Johansen. “Salvo porque es una palabra muy larga. La dejaría en sint”.    

Lo que tal vez no tenían claro cuando empezaban a rodar el proyecto era que pudiera tener un eco tan grande, incluso a nivel internacional. “La música es el primer idioma, como decía Youssou N'Dour, y los dibujos ayudan también a traducir las palabras y hacer todo más universal”, comenta el cantante, mientras su colega tira de ironía: “También nos ayuda nuestro dominio del sueco, del holandés, del danés…”

Humor encontrado

Un esfuerzo que no tendrán que hacer en España, país que consideran casa, y más aún en ese Madrid que homenajean en su nueva entrega. Para Johansen es, “de alguna manera, una de esas ciudades de las que uno se apropia. En todos estos años teníamos esa costumbre, ‘terminamos la gira en Madrid, ¡casita!’. España todo es un lugar que cobija, y aquí teníamos amigos, la casualidad linda de que estaba Jorge Drexler, estaban Las Migas, que colaboran en el disco, como podían haber sido otros. Es verdad que ese fin de gira nos agarró muy cansados, aprendimos que los discos en directo hay que grabarlos al principio del tour, no al final”.

Como queda de manifiesto a lo largo de la conversación, el desenfado es para estos artistas un código permanente, casi una respiración. Johansen, sin ser exactamente un músico humorístico (aunque ha colaborado con sus ilustres e hilarantes paisanos, Les Luthiers), nunca renuncia a ese ingrediente, y lo mismo sucede con Liniers. “No es tampoco un ilustrador de chiste fácil a flor de labios, pero hay una yuxtaposición en lo que hacemos: desde el escenario estoy proponiendo algo irónico y veo a la gente con lágrimas en los ojos, emocionadas por algo que él acaba de dibujar. No es una propuesta que busque el humor, simplemente lo encontramos”.

“Es raro”, prosigue el cantante, “pero en la música hay cierto tabú con el humor, mis colegas tienen miedo de no ser tomados en serio. Por suerte, hoy hay más desparpajo al respecto, los músicos jóvenes están convencidos de que pueden usar el humor y también tener mucha crítica y observación social. La ironía es un velo bajo el cual puede decirse las verdades más tremendas, y ya sabes lo que decía Mark Twain: el problema del humor es que nadie se lo toma en serio. Yo he aprendido a interpretar las risas como aplausos”.

En cuanto a la tan cacareada cultura de la cancelación, Liniers opina que “no creo que sea nada nuevo, es algo que siempre pasó. Antes era el poder, los zares, los militares, la Iglesia por ejemplo, con su lista de libros que no se podían leer. En España tienen mil millones en ejemplos, en especial con los amigos de la revista Mongolia. Pero ahora, más que nunca, nos pusieron un megáfono a todos, le dimos poder a la gente y descubrimos que muchos son también fachos. Mucha gente tiene la necesidad, como los antiguos reyes y los papas, de decir qué se puede y qué no. En algunos casos con buen tino, porque veníamos medio distraídos como grupo social, y en otros como dicen los americanos: tirando el bebé con el agua del baño”

Como los Rolling

La conversación deriva inevitablemente hacia Milei. Cuando se les pregunta si el país ha entrado en zona desconocida con tan extravagante mandatario, el dúo ríe. “Argentina conoce todas las zonas, hemos tenido Mileies para aburrir”, asegura Liniers. “Se dice que el hombre es el animal que tropieza dos veces con la misma piedra, pero nosotros nos tropezamos ocho, diez, catorce veces… Nos encanta”.

Y ante el entusiasmo que Milei parece suscitar en una parte de la población española, y en especial en Madrid, donde ha sido aclamado, Johansen matiza que “hay de todo. Creo que muchas personas se fueron de Argentina desencantadas y enojadas y vinieron a España, porque hubo muchos errores al otro lado del binomio, como se fueron a Estados Unidos, a México… Y creen que lo que mínimamente tenga olor a cambio, eso es la solución. Yo no entiendo nada de esto, aunque como argentino puedo opinar de todo”.

Los altavoces anuncian el embarque de su próximo vuelo a Ámsterdam, pero todavía tienen tiempo para animar al público español a verlos. “No van a poder creer lo que perciben”, subraya Johansen, y Liniers le pregunta antes de lanzar una carcajada: “¿Eso es bueno?”

“En todos los shows pasa algo diferente, que nosotros mismos ni siquiera sospechamos, tanto en la música como en el dibujo. Y ahora que estamos más seasoned, con más temporadas, tenemos un relajo que favorece la creatividad”, adelanta Johansen. Liniers, por último, bromea con la posibilidad de seguir juntos otros 15 años o más. “Si Kevin me sigue invitando, yo sigo. Nos proponemos ser los Rolling Stones de la actividad interdisciplinar. En realidad aspirábamos a ser Paco y Ca7riel, pero nos está saliendo más ser Simon & Garfunkel”. 

Con cinco décadas ya de carrera y más de 30 millones de discos vendidos, Gilberto Santa Rosa (San Juan de Puerto Rico, 1962) es una de esas estrellas de la música latina capaz de poner a bailar a las masas desde que suena la primera nota. El Caballero de la Salsa, como se le conoce popularmente, desembarca este sábado en el festival Icónica de Sevilla para ofrecer un recorrido por sus grandes éxitos al público convocado a la cita en la Plaza de España de la capital hispalense.

Aunque sus canciones le han llevado por todo el mundo, desde Nueva York a Tokio, el artista comenta a SevillaelDiario.es: “No creas que dejo de sorprenderme, el entusiasmo y la emoción son nuevos en cualquier plaza, porque el público es siempre distinto. Es la gente la que hace que la experiencia de actuar no sea nunca igual. Nos entusiasma llegar a un lugar y hacer música, y especialmente en estos festivales de verano, que no habíamos hecho antes y empezamos a probar hace un par de años”.

Cabe preguntarle a Santa Rosa, no obstante, si la salsa –como fenómeno globalizado– es la misma cosa para un japonés, para un australiano o para un caribeño. “Supongo que se vive de maneras diferentes, pero hay un denominador común que es el baile. Ese es el modo en que la gente expresa su gusto por la música. En Europa hay un fenómeno muy interesante, y es que desde hace muchos años hay una escuela de baile de salsa, que se puede decir que incluso ayudó mucho al desarrollo de esta música de este lado del mundo. Pero más allá de eso, el público se entrega en todas partes cuando llegan las musas”.

Músicos separados por kilómetros

Destacado en su país desde una edad muy temprana, Gilberto Santa Rosa conquistó década tras década un mercado muy concurrido que, según afirma, hoy es irreconocible. “La promoción de las multinacionales ha cambiado dramáticamente, radicalmente. Es un mundo completamente distinto, todo lo que aprendimos ya no vale para nada. Antes grababas un disco y salías a promoverlo, y si el disco tenía éxito lo sentías, en la calle, caminando, en el carro… Antes era más físico todo, ¿no?, más personal, ahora es más difícil saber cuándo algo funciona, aunque el dinero se ve mejor”.

“No ha cambiado tanto la esencia del arte, aunque ya la gente tiene otra manera de grabar su música”, prosigue. “Hoy grabas con gente a la que ni siquiera conoces, que están a muchos kilómetros, porque hay una parte que la tecnología ha invadido. En mi caso, si tengo que echar mano de alguien que vive lejos para tocar conmigo, prefiero que venga al estudio con nosotros, y disfrutar de esa parte de la experimentación. Prefiero mantener la vieja escuela en eso, estoy convencido de que tiene su beneficio, y que el público lo percibe. Y nosotros nos divertimos más conocemos a gente, gente que aporta cosas a tu música, y eso es bonito”.

Y hablando de cambios, el autor de álbumes como Punto de vista, Perspectiva, Dos tiempos de un tiempo, De corazón o Expresión lamenta cómo la comunidad latina, que tanto ha luchado desde el siglo pasado por conquistar su lugar al margen de prejuicios y estereotipos, vuelve a ser criminalizada y estigmatizada. “Definitivamente hay inquietud, sobre todo en los Estados Unidos con ese señor al frente. El análisis que se está haciendo es exageradamente racista e injusto. Los países nuestros tienen y la gente nuestra tienen tantos retos y tantos problemas como cualquier otro país. Y mucha gente buena, también, porque es una cuestión de naturaleza humana. Lo que me preocupa es cuando los líderes quieren dañar una imagen, y los detractores hacen fiesta. Pero, como diría el Gran Combo de Puerto Rico, una de nuestras instituciones más grandes, los buenos son muchos más”.

Un origen común

Para terminar, Gilberto Santa Rosa no rehúye referirse a otra música latina que no ha parado de colonizar espacios sonoros en las últimas décadas, ese reguetón en el que muchos ven similitudes con la eclosión de la salsa en los años 60 y 70. “Es también una música que viene de sectores muy humildes, una música que como la salsa ha ido evolucionando y convirtiéndose en otra cosa. Creo que estos muchachos han sido, sin duda, muy hábiles no solo en esa evolución musical, sino también con la industria, hasta superar numéricamente a la salsa y a otros géneros. No les quito sus méritos, y pienso en todo caso que son mundos diferentes aunque vengan de un origen común”.

“Nosotros tenemos nuestros propios atributos, nuestra propia historia y nuestro propio mérito, y ellos tienen lo suyo. Yo nunca los he puesto a competir”, concluye Gilberto Santa Rosa, dejando claro que respeta a los reguetoneros aunque no llegue a confesar que le gusta lo que hacen. “No, yo no soy público de reguetón, aunque he colaborado con algunos de ellos. Curiosamente muchas de las grandes figuras de reguetón con quien he podido conversar son fanáticos de la salsa. Para mí hay cosas que sí y cosas que no. Lo que no me imagino es diciendo palabrotas en una canción, en ese aspecto estamos bien lejos y yo me considero un elemento del siglo pasado. He escuchado algunas cosas que me ruborizan, yo no sabía que eso se podía decir en una canción. Incluso con mis hijos, si ellos quieren escucharlo que lo escuchen, pero yo no me atrevo a hacerlo con ellos delante. Pero ellos tendrán sus razones para cantar esas letras, y el público tendrá sus razones para aceptarlas”.

La entrevista con Jean-Michel Jarre estaba fijada para el día anterior, el lunes, pero hubo de ser suspendida porque no se sentía bien. Algo completamente inusual según su oficina, que asegura que el artista no ha cancelado un compromiso en décadas. Finalmente, atendió a los medios horas antes de su actuación este martes en la Plaza de España de Sevilla, en el marco del Icónica Fest, y lucía un aspecto espléndido a sus 76 años, listo para encandilar a las masas con un espectáculo única de música e imágenes.

“Fue raro, estaba perfectamente dos días atrás, pero viniendo en el avión me vino una especie de gripe, algo muy tonto. Lo siento de veras, pero estoy muy contento de atender a la prensa hoy”, se disculpa este hombre amabilísimo cuya carrera se remonta a los primeros 70, y que sigue en la brecha después de más de seis décadas como leyenda viva de los sonidos electrónicos.

Jean-Michel André Jarre Pejot, nacido en Lyon, hijo del conocido compositor de bandas sonoras para el cine Maurice Jarre, encarnó durante años la idea del futuro. Ese futuro ya está aquí, es hoy, y cabe preguntarle cómo ha pasado el tiempo para él y para su mundo. “Es una pregunta muy interesante, porque puedes verlo con una perspectiva diferente”, afirma. “En cierto sentido, creo que no he cambiado en absoluto: en el sentido de que mi visión del futuro todavía es fresca, es probablemente la razón por la que continúo en esto. Nuestra visión del futuro siempre está condicionada por la curiosidad, y creo que mi curiosidad está bastante intacta. La curiosidad por las nuevas tecnologías, la curiosidad por explorar diferentes niveles de creatividad…”

Cerrar los ojos

“He sido muy afortunado pudiendo haber pasado por tres revoluciones diferentes en mi vida”, añade. “Una fue la revolución del comienzo de la música electrónica, con componentes electrónicos, analógicos; la segunda fue la emergencia de lo digital y las computadoras. Y la tercera es hoy, con la Inteligencia Artificial, que es probablemente el momento más importante y disruptivo que he visto. Pero en cada una de esas etapas me emocionaba el hecho de que pudiera encontrar herramientas, en sintonía con la sociedad de ese momento, para crear alguna música”.

A renglón seguido, Jarre asevera que “creo que no hay progreso en las emociones humanas. Las nociones de soledad, amor o muerte las seguimos describiendo más o menos los mismos sentimientos, 5.000 años atrás, 2 siglos atrás, 20 años atrás, hoy o mañana. La única cosa que ha cambiado son las tecnologías y las herramientas que usamos. Desde el violín a la guitarra eléctrica, a los sintetizadores, a los plug-ins, a la Inteligencia Artificial. Todos estos instrumentos son neutros, dependen de cómo los usamos. ¡Usémoslos!”

Por otro lado, Jean-Michel Jarre ha dado siempre una enorme importancia a las imágenes, y el mundo, que se ha llenado de imágenes, ha acabado dándole la razón. Él esboza una sonrisa culpable. “Sí, es una contradicción, porque, para empezar, yo defiendo que la mejor manera de escuchar música es cerrando los ojos. Hice un álbum recientemente, un álbum totalmente inmersivo, y realicé un par de conciertos donde pedí al público cerrar los ojos para crear sus propias imágenes. Eso es una cosa. Pero, al mismo tiempo, he dudado mucho entre ser pintor y músico. Siempre me ha interesado crear, especialmente con la música electrónica, la correspondencia visual de lo que tenía en mente, musicalmente, como una especie de opera totale, como dicen en italiano. Esta idea de intentar proponer y compartir con los espectadores una total inmersión, mucho antes de que el término ‘inmersivo’ se convirtiera en trendy”.

Escenarios patrimoniales

“Siempre he pensado que, si se trata de una presentación, especialmente con la música electrónica, sería interesante explorar la noción del espacio”, prosigue. “Y lo que voy a hacer hoy en Sevilla es, en realidad, algo que realmente he diseñado para este extraordinario evento. ¡Me encanta eso!”

Jarre recuerda que, durante su primera visita, hace ya bastantes años, estuvo en la Plaza de España “y pensé que algún día tendría que tocar en este lugar, porque es como un anfiteatro natural, y la acústica es muy especial. Algunas personas, de vez en cuando, pueden decir que no es bueno tocar música en este tipo de lugares. Creo que es absolutamente lo contrario. Cuando piensas en las personas que han concebido este lugar, fueron absolutamente revolucionarias, innovadoras. En realidad, en todas las épocas hubo que luchar contra los conservadores del momento. Estaban contra las personas que creaban este tipo de proyectos, diciendo que si era demasiado grande, que si esto, que si lo otro… Tuvieron que luchar para hacer posible su sueño. Y creo que la mejor forma –lo digo como un embajador que respeta el patrimonio mundial–, de contribuir y honrar este lugar es ser tan innovador y presentar un proyecto tan innovador como los que crearon este lugar”.

Desde Japón a Venecia, en cuya plaza de San Marcos brindó recientemente un concierto, Jarre ha actuado en los lugares más deslumbrantes del globo, y ya deben de ser pocas las maravillas del mundo que le queden por usar como escenario. “Me alegra que me hables de esto, porque todos los lugares en los que he tocado han sido propuestos. Por ejemplo, después de la ceremonia final de las Olimpiadas de Francia, hice mi presentación allí. Y luego me han propuesto Venecia o la Plaza de España de Sevilla, y no puedo decir que no a eso. Lo que sí quiero es hacer algo especial para cada ocasión”.

Una música europea

“Por ejemplo, esta noche tengo algunos instrumentos y algunos elementos que nunca han sido mostrados antes, como los láseres especiales que son motivados por el audio, por la música y también por la reacción del público. Láseres muy fuertes y llegan al espacio. Así que, por primera vez, Sevilla va a ir al espacio. Quién sabe si Sevilla llegará a Marte antes que Elon Musk”, ríe.

Cuando se le pregunta por la música electrónica que le gusta hoy, afirma: “Cuando empecé, la música electrónica era vanguardia y al mismo tiempo también era rechazada por el poder establecido en muchos géneros. Ahora se ha convertido en la música más popular del mundo”.

“Tenemos que entender que la música electrónica no tiene nada que ver con el jazz, el blues o el rock, no tiene nada que ver con América. Es profundamente europea, nació originalmente en Alemania, Francia, España. España ha tenido y tiene muchas escenas electrónicas muy interesantes, desde hace mucho tiempo. Y tiene ese tipo de sentimiento europeo basado en nuestra herencia de la música clásica, y también nuestra herencia del surrealismo y de los movimientos surrealistas. La idea de mezclar el sonido de un pájaro con un clarinete o el sonido de una máquina de limpieza con percusiones es algo muy latino, muy español, muy francés. Esto viene de Marcel Duchamp, de Salvador Dalí, de todos estos artistas”.

Según Jarre, “tenemos nuestra propia visión del mundo para compartir con el público, que es totalmente diferente de lo que la gente podría hacer en América o China. Por supuesto, tenemos muchos artistas muy jóvenes, artistas emergentes muy interesantes y también artistas establecidos. Estoy abierto a muchas colaboraciones en el futuro”.

Curiosidad y buenos genes

En cuanto a la cultura española en concreto, reconoce que ha sido para él, desde siempre, “una gran fuente de inspiración. El flamenco, por ejemplo, y la música española en general tienen una cualidad muy especial. Este tipo de energía y alegría, y detrás de esta alegría hay una especie de melancolía o tristeza o sentimiento trágico. Este tipo de oxímoron, esta contradicción entre el flamenco, la música clásica española, la música electrónica, las canciones, todo es muy especial y atractivo para el mundo”.

No se puede acabar la entrevista sin preguntarle a Jean-Michel Jarre por el secreto para mantenerse asombrosamente vitalista a sus años. “Probablemente sea la genética. Gracias a mi mamá y a mi papá, que tenían buenos genes y me los dieron… Ahora tengo que cuidarlos”, dice. “Pero el secreto es también la curiosidad, estar involucrado y emocionado con lo que haces. Estoy llegando a este concierto como cuando era joven, con el mismo tipo de alegría y emociones, y también un poco asustado y curioso de lo que va a suceder. Este tipo de actitud hacia la vida te hace, por supuesto, consciente. Así que, mientras tu cuerpo te lleva, creo que puedes seguir”.

Ninguna intención, desde luego, de bajarse del escenario. “Tengo muchos proyectos para los próximos años, estoy preparando el aniversario de Oxygen, entre otras muchas cosas diferentes. Y, por supuesto, estoy pensando en volver a España con un nuevo proyecto”.

El famoso dúo británico de tecno pop Pet Shop Boys, compuesto por el cantante y compositor Neil Tennant y el teclista y compositor Chris Lowe, arrancó en la noche de este pasado martes su nueva gira, titulada 'Dreamworld: The Greatest Hits Live'. Con un concierto en la monumental Plaza de España de Sevilla en el marco del festival Icónica, el dúo ha desplegado toda una selección de sus no pocos himnos generacionales, que han hecho vibrar a los aproximadamente 8.000 asistentes.

Ante un público conformado por mucha tropa veterana pero también por gente más joven, Pet Shop Boys ha dado así el pistoletazo de salida de su nueva gira para celebrar sus 40 años sobre los escenarios, con este concierto en Sevilla que ha sido además la primera ocasión en la que Neil Tennant y Chris Lowe han tocado en la capital andaluza.

El dúo británico, referente indiscutible del tecno pop internacional, ha abierto su concierto con el mítico Suburbia, de su álbum debut Please, de 1986; seguido de temas como Can You Forgive Her y sus sonidos de corte noventero; u Opportunities de vuelta al periodo ochentero; con una clara invocación a los primeros compases de la formación, que ha sabido evolucionar sabiamente a lo largo de las décadas, siempre en la primera línea de la escena musical internacional.

A partir de ahí, el concierto ha subido de ritmo con Left To My Own Devices, tras lo cual desafiando la noche hispalense después de una jornada de aviso naranja por altas temperaturas, Neil Tennant y Chris Lowe han puesto sobre la Plaza de España grandes himnos del enorme legado musical que atesoran, acompañando sus canciones con una sobria pero elegante y directa puesta en escena de clarísima estética retro.

Con un público abiertamente entregado, porque nadie había asistido para probar suerte, han sonado para regocijo de la concurrencia temas tan emblemáticos como Se a Vida e, cargado de buenas vibraciones; el animadísimo New York City Boy con un estribillo ampliamente aplaudido por el público; el siempre elegante Love Comes Quickly, el emotivo Always On My Mind, Paninaro o Heart, es decir ritmos y letras que son ya leyenda.

Encadenando una canción tras otra, Pet Shop Boys ha convertido este concierto de apertura de su nueva gira en toda una fiesta de tecno pop y cultura retro, con plena complicidad del público, arengado por un Neil Tennant con menciones al calor tanto en inglés como en español y a la belleza de la ciudad.

Han sonado también, como no, It's A Sin, auténtico buque insignia de los británicos y punto álgido de la noche; o la majestuosa West End Girls, otro himno indiscutible de los británicos, que cerraron con la cuasi mágica Being Boring, para poner el broche final de un concierto caracterizado por las buenas vibraciones y la energía positiva de un dúo que 40 años después de sus comienzos, demuestra estar en plena forma musical.

Icónica Santalucía Sevilla Fest 2025, que se celebra hasta el 14 de julio en la monumental Plaza de España de Sevilla, ha alcanzado a día de hoy la cifra de entradas vendidas durante toda su edición anterior, dato que lo situó como el festival de ciclo con más entradas vendidas de España en 2024. Un hito que confirma el crecimiento sostenido del festival y su consolidación como uno de los principales eventos musicales y experienciales del panorama nacional e internacional.

En 2024, Icónica cerró con 214.000 entradas vendidas, de las cuales más de 124.000 correspondieron a público sevillano (un 58%), mientras que unas 90.000 procedían de fuera de la provincia (un 23%), con 40.000 asistentes internacionales (un 19%), según informa la organización en una nota de prensa.

Este año, con 21 conciertos todavía por celebrarse, ya se ha igualado esa cifra total de asistencia, lo que indica que la edición 2025 se encamina a batir todos sus récords históricos de público, pero se observa una subida en los porcentajes de venta entre público de fuera de Sevilla. De las 214.000 entradas ya vendidas, 108.819 las ha comprado público de Sevilla (51%), 62.488 entradas las ha comprado público del resto de España (29%) y 42.693 entradas (20%) las ha adquirido público extranjero. Por lo que el análisis por procedencia de público en la presente edición refleja una audiencia cada vez más diversa e internacional.

Estos datos consolidan el impacto de Icónica no solo como gran cita musical, sino como motor turístico y cultural de la ciudad, con capacidad de atraer a visitantes de múltiples puntos del país y del extranjero.

La programación, que incluye artistas de primer nivel internacional como Kylie Minogue, Pet Shop Boys, Jean-Michel Jarre o Justin Timberlake, junto a una ambiciosa oferta gastronómica y experiencial, convierte a Icónica Santalucía Sevilla Fest 2025 en una propuesta única que combina patrimonio, cultura y lifestyle, consolidado así como el festival de ciclo con más entradas vendidas en España y uno de los principales vectores de proyección de Sevilla como destino cultural.

Icónica Santalucía Sevilla Fest 2025 es una impactante confluencia de iconos de la música que se suceden sobre el escenario de la Plaza de España, uno de los festivales más importantes del panorama musical en Europa que ofrece experiencias únicas y un cartel en el que lucen los conciertos de Justin Timberlake el 30 de mayo; Rigoberta Bandini y Zahara el 31 de mayo; Chayanne el 1 de junio, Myke Towers el 4 de junio, Emilia el 6 de junio, Leiva el 7 de junio, Black Coffee el 8 de junio; Antoñito Molina el 14 de junio, Los Caños el 15 de junio; Kaleo el 16 de junio; Pet Shop Boys el 17 de junio; La Raíz, Reincidentes y O’Funk’illo el 20 de junio; Mëstiza el 21 de junio; Maná (con Duncan Dhu y Airbag) el 22 de junio; Orgullo en la Plaza con Chanel, Laura Gallego (Dj set), Kuve y Mayo el 25 de junio; Residente y Kaze el 26 de junio; Love of Lesbian e Ivan Ferreiro el 27 de junio; Ozuna, Abraham Mateo, Henry Méndez, Mafalda Cardenal y Gynebra el 29 de junio de la mano de BIGSOUND Sevilla; Juan Amodeo y Antílopez el 1 de julio, Cypress HIll y Molotov el 2 de julio, Megadeth el 3 de julio, Bosé el 5 de julio, Madness el 6 de julio, Jean-Michel Jarre el 8 de julio, Parov Stelar y Vitalic el 9 de julio, Carín León el 10 de julio, Gilberto Santa Rosa el 12 de julio y Kylie Minogue el 14 de julio.

Más información y entradas a la venta en www.iconicafest.com

FACUA-Consumidores en Acción ha denunciado ante el Ayuntamiento de Málaga a Cosmic Legends Productions SL, promotora de la San Diego Comic-Con 2025 que se celebrará del 25 al 28 de septiembre en Málaga, por impedir a los asistentes el acceso con comida y bebida del exterior, según informa este jueves la asociación en un comunicado.

En la página web del evento, a la pregunta de «¿Se podrá ingresar con comida/bebida al recinto de Fycma?», deja claro que «no se permite el acceso con comida y bebida del exterior», y lo argumenta con el pretexto de que «dentro del recinto encontrarás puntos de venta con distintas opciones, y también podrás salir a comer fuera y volver a entrar si lo necesitas».

La asociación recuerda que la actividad principal de la promotora no es la hostelería, sino un evento relacionado con el cómic y la cultura pop, por lo que la imposición de no permitir el acceso con comidas y bebidas constituye una cláusula abusiva conforme al artículo 82 del Real Decreto Legislativo 1/2007, de 16 de noviembre, por el que se aprueba el texto refundido de la Ley General para la Defensa de los Consumidores y Usuarios y otras leyes complementarias.

La medida impuesta por Cosmic Legends Productions SL tampoco tiene amparo en el derecho de admisión conforme al Decreto 10/2003, de 28 de enero, por el que se aprueba el Reglamento General de la Admisión de Personas en los Establecimientos de Espectáculos Públicos y Actividades Recreativas.

Asimismo, la Comisión de Cooperación de Consumo estableció en su consulta número 5 del año 2000 que «las cláusulas en las que se impone al consumidor limitaciones en orden a la adquisición de los productos sin fundarse en circunstancias objetivas, deben ser consideradas abusivas».

Además, la antigua Agencia Española de Consumo, Seguridad Alimentaria y Nutrición (Aecosan) —adscrita al ministerio con competencias en materia de consumo— publicó en 2016 un informe, también relacionado con la prohibición en cines, en el que concluía que existía una «cláusula abusiva» ya que el consumidor «se ve privado de la prestación principal, de forma injustificada, habiendo abonado la entrada, en base a una limitación impuesta unilateralmente respecto a un servicio accesorio que no ha solicitado, y teniendo en cuenta que la actividad básica de la empresa no es la venta y distribución de comida y bebida».

Según la actual regulación del derecho de admisión en Andalucía, la condición específica de admisión que impida el acceso de personas que porten comidas o bebidas para ser consumidas en el interior de establecimiento, sólo puede ser autorizada a establecimientos de hostelería, ocio y esparcimiento.

Por todo ello, FACUA se ha dirigido al Ayuntamiento de Málaga para preguntarle si ha dado autorización expresa a Cosmic Legends Productions SL para que pueda prohibir a los asistentes a la San Diego Comic-Con 2025 el acceso con comida y bebida del exterior. En caso de no haberlo hecho, le pide que abra un expediente sancionador contra la organizadora del evento por vulnerar los derechos de los consumidores con la imposición de esta cláusula abusiva.

El Aljibe de Fermasa ha acogido este miércoles la presentación de la programación completa de Degusta Fest, un evento único que fusiona música y gastronomía en Fermasa, una antigua azucarera recuperada como espacio multifuncional en Armilla (Granada). En la cita se han dado a conocer los horarios previstos para las diferentes bandas y DJs, la propuesta gastronómica completa, las actividades paralelas, el contenido de la zona infantil, así como todos los detalles de un festival en el que se podrá disfrutar de once horas ininterrumpidas de música y gastronomía local e internacional diseñada para todos los paladares.

El encuentro ha contado con la participación de Pepe Rodríguez, director de Proexa y promotor del evento, así como con Loli Cañavate, alcaldesa de Armilla; Genoveva Ferragut, directora de Comunicación y Relaciones Externas de Cervezas Victoria; Morrison69, DJ participante en el festival; los chefs Lola Marín (Damasqueros), Antonio Lorenzo (El Conjuro), Vicente Jiménez (Camino de La Huerta), Sergio Lara (“El Cangrejo” - Asador de la Reina), Rocío Maldonado (Wild Food) y el responsable del Grupo Habanera 99 Abelardo Cárdenas. Durante el acto se ha ofrecido una demostración gastro musical en la que los chefs han preparado las tapas que servirán durante los dos días del evento, mientras que en directo ha sonado la música de Morrison69 DJ.

El evento, que tendrá lugar los días 27 y 28 de junio, está organizado por Proexa, con la colaboración del Ayuntamiento de Armilla, Fermasa, Josper, Renfe, y el patrocinio de Cervezas Victoria, Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Granada, Caja Rural de Granada, Corberó, Ticketmaster y la agencia de comunicación doctortrece.

Festival gastronómico

La oferta gastronómica estará ubicada en la zona exterior de Fermasa, desde la entrada y hasta la chimenea del emblemático recinto granadino. La carta incluirá las tapas especiales elaboradas por los chefs locales invitados, incluyendo una opción vegana y gluten free, además de los arroces de Pepe Rodríguez, del Restaurante El Bohío, y una amplia oferta de comida internacional ofrecida por el grupo hostelero Habanera 99.

De esta forma, el menú propuesto para los dos días incluye el Tartar de quisquillas y yema de huevo emulsionada con erizo y el Cortadillo crujiente de codillo de cerdo San Pascual, anguila y manzana, de Antonio Lorenzo, de Restaurante El Conjuro. Vicente Jiménez, de Camino de La Huerta, ofrecerá a los asistentes su⁠ Pani Puri relleno de gazpacho de aguacate, esturión de Riofrío y huevas de trucha y su ⁠Mollete de pluma de cerdo de aceituna de Brácana. Lola Marín, de Damasqueros, ha optado por servir un ⁠Calamar frito con mayonesa de críticos y hierbas frescas y un ⁠Jarrete de Ibérico. Rocío Maldonado presenta la cara vegana de esta edición con katsu Sando Nazarí, rabo de toro, espuma de patata y parmesano con topping de puerro crujiente y wrap de pollo, albaricoque asado, mousse de aguacate y cebolla encurtida en cítricos.

Por su parte, Sergio Lara “El Cangrejo” del Asador de la Reina, ampliará la oferta gastronómica preparando en su parrilla Josper diferentes cortes de carnes suministrados por la empresa Rubiato Paredes; Pepe Rodríguez, de El Bohío, ha incluido en la carta de Degusta Fest su Paellissimo, con una opción de arroz a banda y arroz de pollo y verduras; y para los que apuestan por el Plant Based, Rocío Maldonado, Alejandro Peña y José Antonio Cuesta, de Wild Food, darán tres alternativas de platos y postres veganos y gluten free.

En esta línea, el Grupo Habanera 99 completará la oferta con un amplio surtido de comida japonesa, mexicana, croquetería y patatas fritas, hamburguesas, menú infantil y tres tipos de tarta, que podrán acompañarse con café del córner instalado también en este espacio.

Para disfrutar de esta experiencia habrá instalada una carpa con mesas y sillas en la zona exterior de Fermasa y un comedor interior en el pabellón 1, dónde también estará instalada el área infantil desde que se abran las puertas del recinto a las 14:00 horas y hasta que terminen de pasar las bandas por el Escenario Victoria a las 01:00 horas.

Para los más pequeños, que tienen una entrada especial para que el paquete familiar sea más ventajoso, se ha previsto actividades diversas como coreografías de baile, gymkanas, pintacaras, globoflexia, tatuajes temporales, tiro con arco, porterías de fútbol y karaoke, entre otras cosas.

Para los interesados en aprender de gastronomía, a partir de las 16:00 horas y hasta las 18:00 horas, se realizarán actividades paralelas en la zona del Aljibe, entre las que se incluirán charlas que contarán con la participación de Pepe Rodríguez (El Bohío) junto a chefs invitados y otros expertos gastronómicos.

La música

Los DJs Le Marchand de Sable, Cheries DJs y Florent Y Yo (DJ Set), de Los Planetas, actuarán el viernes entre las dos y las seis de la tarde en el Escenario Pick up para que los asistentes disfruten de una auténtica experiencia gastro musical. Los encargados de pasar por este escenario el sábado serán Migue Mutante DJ, Don Gonzalo y Morrison69 DJ, que pincharán en el área gastro hasta la salida de las bandas del Escenario Victoria a las 18:00 horas. Las sesiones de DJs se reactivarán también en el cambio de las bandas principales para que la fiesta no pare.

A partir de las 18:00 horas del viernes y el sábado comenzarán a pasar las bandas por el Escenario Victoria, estando disponible en todo momento la oferta gastronómica antes mencionada.

El viernes pasarán por el escenario principal de Degusta Fest Nada Surf, The Lemon Twigs, The Jesus and Mary Chain y Carolina Durante. El sábado abrirán The Gulps, continuarán León Benavente y Wilco, que dará paso a Love of Lesbian que clausurarán la cita.

Pepe Rodríguez, como director de Proexa y promotor del festival, ha manifestado su emoción y agradecimiento por el camino recorrido para sacar adelante un festival único en nuestro país y que apuesta por colocar la buena música y la buena gastronomía como referentes de la Cultura en la provincia de Granada.

La presentación ha contado con la alcaldesa de Armilla quien ha destacadoque “presentamos la programación completa del Degusta Fest, un festival que durante dos días va a llenar de vida Fermasa con cocina, música y actividades para toda la familia” “Estoy convencida de que el festival será un éxito gracias a todas las personas y empresas que, como Cervezas Victoria, lo han hecho posible”, ha dicho Loli Cañavate

Por su parte, la responsable de Comunicación y Relaciones Públicas de Cervezas Victoria, ha señalado que están “muy orgullosos de estar hoy aquí en señal de apoyo de iniciativas como esta, que no solo celebran la cultura y la gastronomía, sino que también impulsan la sostenibilidad y la inclusión social, valores esenciales para nuestra marca”.

Las últimas entradas y abonos están todavía a la venta y pueden adquirirse en la página web oficial www.degustafestival.es.

Icónica Santalucía Sevilla Fest arranca su quinta edición este viernes en la Plaza de España de Sevilla con el concierto (a las 22 horas) de Justin Timberlake, un icono mundial del pop y R&B, exintegrante de NSYNC y ganador de múltiples premios Grammy. Un comienzo por todo lo alto, con cabezas de cartel que abarcan desde grandes grupos con un amplio reconocimiento a éxitos actuales que triunfan entre los más jóvenes.

Músico, actor y presentador, ofrecerá el que será su único concierto en España dentro su gira mundial 2025. Tras 20 años sin pisar suelo español, la cita será una oportunidad única para disfrutar de un espectáculo con el que arranca la quinta edición de esta cita. Los fans de Timberlake podrán escuchar sus grandes éxitos junto con las canciones de su último álbum Everything I Thought It Was, el sexto de su carrera en solitario, ya disponible en todas las plataformas.

Productor discográfico, compositor y actor, Justin Timberlake es un artista polifacético de impacto mundial. A lo largo de su carrera ha vendido más de 54 millones de álbumes y 63 millones de sencillos en todo el mundo, además de otros 70 millones de discos como vocalista principal de NSYNC. El artista ha ganado diez premios Grammy en los géneros pop, dance y R&B, incluidos sus exitosos álbumes en solitario Man of the Woods, The 20/20 Experience, FutureSex/LoveSounds y su álbum debut en solitario, Justified, así como sus colaboraciones con Jay-Z.

Gira mundial con 50 citas

Ha logrado más de 23.000 millones de reproducciones de audio y vídeo en todo el mundo y ganó cuatro premios Emmy por sus apariciones en Saturday Night Live. En la pantalla grande, ha prestado su voz a los fenómenos de la franquicia animada de DreamWorks Trolls, incluida la tercera entrega, Trolls band together de 2023. Su exitoso sencillo Can't Stop the Feeling!, incluido en la banda sonora de esta película, fue nominado a mejor canción original en los Premios Oscar de la Academia de Hollywood de 2017.

Timberlake se encuentra actualmente en su monumental gira mundial The Forget Tomorrow Tour, que abarca más de 50 ciudades y marca su regreso al escenario mundial después de cinco años.

 Icónica Santalucía Sevilla Fest 2025

Icónica Santalucía Sevilla Fest 2025 se desarrolla en el escenario de la Plaza de España y se ha convertido en cinco ediciones en uno de los festivales más importantes del panorama musical en Europa. Hasta el 14 de julio se desarrollarán más de 25 noches de música en directo con artistas que van del metal al flamenco, del indie al reguetón, de la electrónica al pop latino. Este es el desglose por fechas tras el paso de Justin Timberlake este viernes:

Tras un breve descanso, el festival retoma:

En julio, el cartel continúa:

Cada noche de concierto arrancará con el espectáculo Icónica Lights, que este año se renueva con una versión de El fuego fatuo de El amor brujo de Manuel de Falla, un homenaje a la música andaluza interpretado por dos grandes artistas se la tierra: Laura Gallego y Daniel Casares. Música, luz y patrimonio se funden en este preludio que encenderá la Plaza de España y dará paso a cada actuación.

Música y gastronomía

La experiencia se completa con una oferta gastronómica gourmet en el Village del Festival, con espacios como los restaurantes Lalola de Javi Abascal y Bonobo y las propuestas de Djanco, Masakali, Croccante, Freiduría El Salvador, La Argentina, Fanatiko, Perri's, Brioche by Takito Gourmet y Heladería Bolas.

Además, tras cada concierto, las Endesa Music Sessions alargarán la noche con afterparties a cargo de DJs como Mike Fajardo (30 de mayo), Cristina Tosio (31 de mayo), Mickey Pavón (1 de junio), DJ Nano (4 de junio), Javi Gúzman (6 de junio), Carmen de la Fuente (7 de junio), Ardiya (14 de junio), Lola Bozzano (20 de junio), Michenlo (26 de junio), Xite & Clara (27 de junio), Noon Música Moderna (8 de julio) o Bjones (14 de julio), entre otros.

La Monkey Week hace las maletas y abandona su sede sevillana para regresar a su emplazamiento original, la localidad gaditana de El Puerto de Santa María. La mudanza, anunciada este mediodía en rueda de prensa, supone un duro golpe para los aficionados a los sonidos más actuales de la capital hispalense, donde esta cita ha permanecido durante nueve años, a la par que una buena noticia para los portuenses, que en ese tiempo tuvieron que conformarse con una simple extensión, apenas un consuelo tras haber visto nacer el encuentro y acogerlo durante siete años.

Este anuncio ha venido acompañado por un video clip en el que puede verse al conocido músico y productor Paco Loco, afincado en El Puerto, leyendo en batín cuando suena insistentemente el timbre. Sale a abrir la puerta y se emociona al comprobar que es un mono, una suerte de mascota del Monkey, rodeado de maletas y cargando con una mochila por la que asoma el icónico Curro de la Expo 92. El hijo pródigo, viene a decirnos el filme, vuelve a casa.

Así lo han confirmado también los responsables de la Monkey Week ante los medios reunidos en el Teatro Pedro Muñoz Seca de El Puerto, con gran concurrencia de representantes institucionales, desde el alcalde de la ciudad, Germán Beardo, a Javier Rivera, gerente de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Junta de Andalucía; Rubén Gutiérrez del Castillo, director general de Fundación SGAE; Gonzalo Sánchez Gardey, vicerrector de Sostenibilidad y Cultura de la Universidad de Cádiz; Víctor Mantiñán, director de Activación Iberia en Estrella Galicia, patrocinadora del evento; Iván Llanza, director de la Fundación Osborne; el propio Paco Loco y Tali Carreto, co-director del festival.   

Punto de encuentro

La salida de Sevilla ha sido explicada como una apuesta por la conservación de la propia identidad como festival urbano, pero a nadie se le escapa que el desencuentro con la delegación de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla ha ido de mal en peor. Preguntado al respecto por elDiario.es Andalucía, Carreto apunta que “hoy por hoy no se dan en Sevilla unas condiciones favorables para un evento como el Monkey, que es cien por cien urbano”. Y esto tiene que ver, añade, con la paulatina reducción de horarios: “El año pasado solicitamos poder estar en la pista de coches de choque y en la carpa que teníamos junto al Teatro Central hasta las dos de la mañana, con una rebaja sobre los horarios anteriores. En la última reunión que tuvimos con los responsables de Cultura todo fue genial. Pero a tan solo 13 días del festival, nos llegó un correo en el que se nos decía que solo podíamos estar hasta las doce de la noche. Tuvimos que cambiar horarios, artistas, un lío de la hostia. Y el mismo día antes de arrancar el festival, nos dicen que no, que solo podemos estar hasta las once”.

“El Monkey es un evento que tiene que desarrollarse en la ciudad, no tiene sentido irse al Estadio Olímpico o al Charco de la Pava”, explica Carreto. “Pero, además, este año nos comunicaron que tampoco podíamos hacer las jornadas profesionales en Santa Clara, donde reuníamos a bookers, managers, promotores, agentes, etc., porque va a quedar como espacio expositivo. Se nos dio la opción de Artillería, que nos parece un poco cajón de sastre, pero es que además allí teníamos el mismo problema de las horas, con más problemas por haber vecinos, y tampoco estaba claro que pudiéramos usar las salas para celebrar jornadas, conferencias y talleres”.

En dos años no hemos tenido una reunión con el alcalde, y no porque no la hayamos solicitado. Creemos que hay una mala gestión y, por otro lado, es muy probable que una propuesta como la Monkey Week no encaje en su política cultural

Cabe recordar que, a lo largo de su andadura, la Monkey Week ha sido descubridora, a través de la tradicional Convocatoria de Showcases que cada año abre el festival, de talentos como Carolina Durante, Nathy Peluso, Mujeres, Pony Bravo, Fuel Fandango, Ms Nina, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Triángulo de Amor Bizarro, Guadalupe Plata, Hinds, Los Estanques, Bala, Cariño, Neuman, Cupido, Niño de Elche, Belako, Toundra o Baiuca. Solo en su última edición, la convocatoria de showcases recibió más de 1.600 propuestas artísticas procedentes de más de 60 países diferentes, y el festival congregó a más de 1.000 acreditados profesionales, más de 300 músicos y un centenar de showcases y conciertos. La versión del Ayuntamiento de Sevilla sobre el desencuentro con la Monkey Week obtenida por este periódico se resume en estas palabras: “Poco que añadir, salvo que respetamos su decisión y que le deseamos la mejor de las suertes en su vuelta a casa, que seguro que volverá a ser un éxito total”.

Inoperancia del ICAS

La huida de Sevilla del Monkey coincide con otras noticias aciagas para los melómanos de la capital del Guadalquivir, como la despedida sine die del festival Nocturama. Carreto lamenta que “en dos años no hemos tenido una reunión con el alcalde, y no porque no la hayamos solicitado. Creemos que hay una mala gestión y, por otro lado, es muy probable que una propuesta como la Monkey Week no encaje en su política cultural”.

Sin querer entrar en agravios comparativos, Carreto señala que “a Icónica sí le han concedido, increíblemente, horarios hasta las tres de la mañana en la Plaza de España”. También pesa, admite, “el desgaste continuo de los procesos administrativos del ICAS [Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla]”, algo en lo que coinciden todos los eventos de este tipo en Sevilla, “porque aún estamos liados con cosas de 2020, de 2023… La inoperancia del ICAS viene de antaño y no va a cambiar. Pero sobre todo tenemos una cita que, si no nos dejan hacerla en la ciudad, tiene que buscar su sitio”.

Así las cosas, del 13 al 15 de julio se mantendrá la programación prevista del llamado ‘Monkey chico’, con bandas como Amor Líquido, Arianna Casellas & Kauê, Beta Máximo, Boston Babies, Cantes Malditos | Pedro de Dios & Antonio Fernández, Carlangas o Chaqueta de Chándal, mientras que la Monkey propiamente dicha se celebrará entre el 20 y el 22 de noviembre. “Hemos tenido otras propuestas, claro, pero en nuestra cabeza siempre estuvo que, en el caso de dejar Sevilla, volveríamos al lugar donde nos dejan hacer el Monkey que queremos”, concluye. “Un festival donde entre un escenario y otro hay cinco minutos a pie, que se hace en espacios patrimoniales… Y ahora con la experiencia de un festival que ha crecido”.

No hay lugar más simbólico para anunciar un nuevo verano de cultura y música en Sevilla que el epicentro mismo de una de sus mayores fiestas: la Calle del Infierno. Allí, el Icónica Santalucía Sevilla Fest 2025 desveló este miércoles su quinta edición, y lo hizo en la pista de coches de choque más antigua de la ciudad, reconvertida por una noche en escenario efímero. Desde allí, con la Plaza de España como horizonte y la Feria de Abril como telón de fondo, se presentó un cartel que combina figuras internacionales, leyendas nacionales, artistas locales y una fuerte apuesta por la diversidad.

La cita, conducida por el humorista sevillano Juan Amodeo, contó con actuaciones en directo de Los Caños, Antílopez y O’Funk’illo, así como con una sesión muy especial de Noon Música Moderna, quienes mezclaron temas de ayer y de hoy en un juego musical lleno de guiños al pasado y al presente andaluz.

El evento sirvió también para estrenar la campaña audiovisual de esta edición, titulada “Nuevas Tradiciones”, creada por el videógrafo Pablo Ruiz Sánchez. Según explicó el equipo, la idea es reivindicar que la tradición no es algo estático, sino un puente entre lo heredado y lo contemporáneo.

“Sevilla nunca había tenido un festival así”

“Esto nació en pandemia, cuando nadie apostaba por nada. Nos decían que no lo intentáramos, que Sevilla en verano era imposible, que aquí no se vendían entradas. Pero mirad dónde estamos ahora”, dijo Javier Esteban, director del festival, agradeciendo al público, a las instituciones y al equipo humano de Icónica por convertir en realidad un proyecto que, confesó, parecía “una locura” cuando arrancaron en 2021.

“El verano sevillano, tan temido, era uno de los grandes desafíos. Competíamos con Madrid, Barcelona, Valencia... ciudades con playa, con oferta turística consolidada. Pero Sevilla tiene algo único”, explicó, aludiendo a la Plaza de España, que desde entonces se ha convertido en el alma del festival. “Nunca fue tan nuestra como lo es ahora cada verano con Icónica. Y eso, más que el turismo o los millones, es lo que más nos llena”.

Un cartel para todos los públicos

Del 30 de mayo al 14 de julio, la Plaza de España volverá a ser escenario de más de 25 noches de música en directo con artistas que van del metal al flamenco, del indie al reguetón, de la electrónica al pop latino. Este es el desglose por fechas:

Tras un breve descanso, el festival retoma:

En julio, el cartel continúa:

Una experiencia total

Cada noche arrancará con el espectáculo Icónica Lights, una reinterpretación andaluza de El amor brujo de Manuel de Falla, en versión de Laura Gallego y Daniel Casares. Después, el público podrá disfrutar de The Village, una zona de restauración con propuestas locales e internacionales —desde freiduría andaluza hasta empanadas argentinas, smash burgers o helados artesanos—.

La fiesta continúa con las Endesa Music Sessions, que alargarán la noche con DJs como DJ Nano, Cristina Tosio, Mickey Pavón, Carmen de la Fuente o Bjones.

Compromiso con Sevilla (y con el mundo)

Además de su impacto cultural y económico, el festival refuerza en 2025 su compromiso con la sostenibilidad. Ha obtenido el Sello S de Turismo Sostenible y la certificación de huella de carbono verificada, gracias a la reducción de emisiones y al uso de tecnología acústica innovadora. También forma parte del programa Replanta Sevilla, para la reforestación urbana.

Como apunte adicional, la edición de este año coincidirá con la 4ª Conferencia Internacional sobre la Financiación para el Desarrollo de Naciones Unidas, que convertirá a Sevilla en capital mundial del debate económico sostenible. El Icónica, por tanto, no será solo una cita musical, sino un escaparate global de lo que la cultura puede aportar a la transformación urbana.

“Sevilla es Icónica, e Icónica ya es Sevilla”

“Icónica no es solo un festival. Es alegría. Es devolverle a Sevilla lo que es suyo, y devolverle a la Plaza de España su papel como lugar de encuentro, vida y celebración”, concluyó Javier Esteban. Este verano, un año más, la música vuelve a poner a Sevilla en el mapa... y en el corazón de quienes la viven.

Hace casi diez años, cuando comenzaban a despuntar con su primer sencillo, A | B, Vera Fauna se presentaba como una ruptura con el mercado establecido y una prueba de que lo indie había pasado a convertirse en el do it yourself [hazlo tú mismo]. Ha pasado el tiempo y los sevillanos, fichados por la multinacional BMG, vuelven a ser noticia con el lanzamiento de un nuevo larga duración, Dime dónde estamos, en el que ponen de manifiesto que la mejora de su proyección no ha mermado su esencia.

“Somos un grupo muy cohesionado, todos los miembros somos muy amigos y tenemos una vinculación muy fuerte con el proyecto”, afirma Kike Suárez, voz y guitarra. “A lo largo de este tiempo hemos ido viendo como el grupo aprendía a andar, lo mismo que un chiquillo que se cae, se levanta o mete un quiebro a la derecha. Es así como ha ido haciéndose grande, adquiriendo psicomotricidad y musculatura”.

En efecto, los Vera Fauna de Dime dónde estamos suenan al mismo tiempo robustos y reflexivos, en sintonía con el ideario del grupo. “Se trata de una banda que bebe mucho de la relajación y de la escucha de lo que el propio proyecto va pidiendo. Fichar con BMG no nos ha cambiado, es la vida la que nos ha ido cambiando y permitiendo dar un soporte institucional a lo que hacemos, pero seguimos siendo do it yourself y trabajando en el local de ensayo como siempre. En cuanto al disco, basta con escucharlo para que quede patente que todavía hacemos lo que nos da la gana. Mientras haya libertad creativa y viabilidad, estar en un sitio donde te valoren es siempre una buena noticia”. 

El disco más gamberro

Las primeras noticias en torno a este álbum llegaron en forma de canción de adelanto, 'Tu voz', que ha resultado ser “una veta emocional y circunstancial muy productiva”, asevera Suárez. Dicho tema ha marcado la vertebración temática de todo el repertorio, ya que “hay cosas como las migraciones o los cambios que sacuden los vínculos que iban a impregnar el resto de las canciones. Teníamos un núcleo discursivo muy claro y empezamos a tirar bolas en esa dirección, como quien juega a la petanca”. 

En cuanto al sonido de este nuevo trabajo, el cantante reconoce que “hemos jugado más que nunca, el factor diversión ha sido fundamental. Pero no solo queríamos divertirnos, sino también divertir. Eso ha sido clave, nos hemos puesto muchos disfraces, nos hemos metido en muchos ritmos que no habíamos explorado antes, y lo hemos hecho por pura curiosidad. Nos han dicho mucho que es el disco más maduro y reposado de nuestra carrera, pero nosotros estamos convencidos de que es el más gamberro que hemos hecho hasta ahora”.

Como aficionado al flamenco, Suárez saca a colación una anécdota atribuida al cantaor gaditano Santiago Donday, que afirmaba que los cantaores veteranos y maduros hacen con su voz las filigranas que quieren, aunque no tengan el músculo que les asistía de jovencitos. “A nosotros nos está ocurriendo algo así, empezamos a entender las canciones como unidades de significado, cómo hay que seguir la dictadura de una canción, que es algo con lo que te chocas y que te obliga a ir puliendo… Y cuanto más relajado estás, mejor te sale. La relajación hay que tomársela en serio en la música, hagas jazz, thrash metal o, como en nuestro caso, pop”. 

Necesidad de cohesión

“Al final es un disco que habla de vivencias que hemos tenido muy cerca o incluso que hemos experimentado en nuestras carnes”, resume el músico. “Una fotografía de nuestro momento y del de gente que se ve en nuestras circunstancias. El hilo conductor es cómo vivimos esta situación, cómo afrontamos como colectividad las amenazas que se ciernen sobre nosotros. Y antes de decidir cómo atajarlas, debemos preservar el vínculo, comprender que las relaciones humanas pasan por muchos baches y vaivenes, y que esas vinculaciones y el cariño son herramientas poderosas para crear un cambio”. 

En este sentido, y a diferencia del anterior álbum, “este no es un disco político, sino prepolítico. Los años mejores hacía al menos un análisis social y este, sin perder la mirada social, va en otra dirección. La política tiene que ver con el cambio, con la consecución de objetivos de bienestar y la ruptura de desigualdades. Pero antes de eso tenemos que cohesionarnos y darnos cuenta de que nos necesitamos”. 

En cuanto a las colaboraciones, que incluyen nombres tan distinguidos como Noni Meyers y Ángeles Toledano, Vera Fauna asegura que “han sido muy naturales y espontáneas. Ambos son figuras muy admiradas y queridas, de modo que la química fluyó desde el minuto uno. Tanto Noni como Ángeles cogen sus respectivas canciones y las llevan a otra dimensión, porque son algo más que un nombre, todo tiene su significado musical y su encaje estético. Si no los hubiéramos llamado y nos preguntaran a quién querríamos haber invitado, seguramente diríamos que a ellos dos. Es una pasada y un honor verles en nuestro disco”. 

Lucha por el territorio

Cuando se les pregunta por el éxito al que aspiran, responden que “el éxito de una banda es siempre sobrevivir. Seguir juntos y hacer música a lo largo del tiempo. Y que te reconozcas en tu público y tu público en ti, y que haya una interacción positiva, que cada concierto te vaya haciendo crecer sin perder tu esencia. Que el público vea una verdad en ti y le ponga tu música a sus verdades”. 

Con Dime dónde estamos Vera Fauna consolida su lugar destacado en esa escena sevillana que no para de dar muestras de efervescencia, con exponentes como Manola, María Yfeu, Dalila u otros nombres consagrados como Califato ¾ o Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. No obstante, señalan que “el panorama está cada vez más difícil, aunque la gente se organiza cada vez mejor. Los cambios urbanísticos de los últimos tiempos han quitado muchos lugares donde crear, como la Garrapatería o las casas okupas… Y sin espacios públicos ni comunales, las escenas lo tienen difícil. Las disputas por el territorio son ahora muy fuertes”.

Escuchando el último disco de Reincidentes, nadie diría que lleven 38 años entre los locales de ensayo, los estudios de grabación y la carretera. ¡Peligro!, elocuente título del nuevo álbum, posee una energía y una rabia que cabría calificar de juveniles, aunque la experiencia acumulada también pesa. “Los discos son como los hijos, cada uno tiene su cosa”, comentan. “Para nosotros, seguir componiendo, venir al local a dar redondez y fuerza a las canciones, grabarlas en condiciones, sigue siendo un estímulo potente. Es un trabajo distinto al de salir a un escenario, pero nos encanta. Es darle valor a la inspiración”, aseguran.

La voz de unos y otros se alterna durante la conversación como si fueran una sola. En todas se traslucen las ganas de llegar al público con un trabajo que sale a la luz apenas unos meses después de Los hijos de la calle, un recopilatorio de sencillos colaborativos aparecidos en formato digital en los últimos cuatro años.

Ahora, con ¡Peligro!, el grupo sevillano vuelve a revelar una fotografía del momento que vivimos en cada canción: “Hemos participado en movimientos políticos, sociales, sindicales… Y todo eso lo llevamos a las letras. Somos gente que ve el telediario, que lee los periódicos, para ver qué pasa en el mundo e interpretarlo, sin tapujos. Pero no todas las letras son igual de comprometidas, también podemos hablar de nuestras interioridades y de asuntos personales con la misma naturalidad”.

“En Reincidentes no hay tabúes”, sentencian. “De hecho, nos queda alguna cosilla por abordar, como la cuestión de la Iglesia y la pederastia, pero lo haremos en cualquier momento. Tenemos una anécdota con El Drogas, que un día nos confesó que le encantaría hablar en una canción de los niños de la guerra… Y al día siguiente teníamos una hecha nosotros sobre ese tema”, recuerda la banda.

De Palestina a Trump

En el nuevo álbum, los seguidores de la banda encontrarán miradas sobre asuntos de actualidad como el conflicto palestino-israelí, plasmado en Desde el río hasta el mar, una canción “en clave grunge-nirvanera, que habla de la resistencia palestina como hecho político, y del pueblo palestino como sujeto resistente ante la ocupación ilegal”, uno de cuyos pasajes dice así: “La furia de los invadidos/ mastica duelo, azufre y pavor/ La prepotencia de los asesinos/ tendrá respuesta y cada vez peor/ Y siempre quedará una piedra/ un verso, un canto, un corazón/ que gritan que no es la tierra/ que una entelequia os prometió”.

También destaca el primer sencillo, Rebelión, “donde reflejamos que hay maneras de rebelarse más directas y otras con menos mala leche y más corazón”. Junto a otros como Cultura como basura o Anticristo, “una crítica muy fuerte de cómo se recibe al inmigrante en este país”: “El enemigo number one viene en pateras/ dicen que quieren invadir España entera/ maldiciendo con mentiras cicateras/ que vienen a robarnos la cartera”.

Y tampoco se olvidan de los nuevos populistas como Trump, Milei o Abascal, “que son un peligro para la democracia” retratados en Ridículo estafador: “Una manga de descerebraos/ y algún listo podrido de dinero/ han puesto a un menda que presume de avispao/ a pavonearse en el mundo entero./ Es un figura, una hermosura/ era el más tonto de la clase…”.

Los músicos son conscientes de que “nuestro público es sensible, y puede hacer las dos cosas a la vez: ir a un concierto a divertirse, pero también puede que el mensaje de una canción los ayude a reflexionar”. “Mucha gente de distintas generaciones nos ha dicho que ha sido así, que lo que decimos les ha ayudado, lo cual nos llena de alegría. Pero indudablemente el componente lúdico nunca lo vamos a dejar de lado”, sostienen.

Visibilizar el rock

Reincidentes empezará el próximo 7 de marzo una gira de salas que les llevará por doce ciudades españolas, aunque ya están a punto de ampliarla a varios países latinoamericanos, donde tienen una audiencia fiel. “Como decía Bob Dylan, nos declaramos en gira permanente”, aseveran. En cuanto a estos tiempos de autocensura y cultura de la cancelación, dicen que nada de eso va con ellos. “Hasta ahora nunca hemos tenido problemas, como le ha ocurrido a varios raperos o a Soziedad Alkohólica en su día. También te digo que no vamos a salir mucho en TVE ni en Tele 5 ni en ninguna de esas cadenas; es más, en Canal Sur hemos salido solo una vez ¡en más de 35 años! Es a lo que te expones cuando tomas el camino que nosotros decidimos tomar”.

Con la perspectiva de todo ese tiempo, Reincidentes ha visto cambiar mucho, y muchas veces, la industria y el mercado: “Sobre todo ha cambiado la forma de comunicación, ya no son solo las multinacionales las que hacen y deshacen, aunque todavía lo intentan. Internet, que también tiene virtudes, ha democratizado las ideas y prestado herramientas para darse a conocer. Eso nos ha permitido llegar a Chile o Colombia y que la gente supiera quiénes éramos y nos recibiera con los brazos abiertos antes de haber tocado allí. Pero vivimos en un sistema en el que, indudablemente, cuanto más inviertas, más te vas a hacer oír. No nos gusta, pero es lo que hay”.

Con todo, recalcan que “rock en España hay mucho, y aunque no está excesivamente visibilizado, buscando se puede encontrar un buen montón de bandas emergentes que tocan muy bien y merecen su sitio. Cuando se suben con nosotros intentamos ayudar, conocer sus realidades, somos compañeros. Nos gusta lo que hacen Los de Marra, Al Margen o Back Noise, el grupo de la hija de Fernando, una gente muy joven que ojalá llegue lejos”.

De momento, la idea de colgar los guantes queda muy lejos para estos aguerridos rockeros de la Baja Andalucía: “Seguiremos hasta que nos dé la salud, y seguiremos disfrutando de este sueño que empezó en 1986 y nunca creímos que pudiera durar tanto”.