Dora no tiene aún 18 años y está a punto de protagonizar la próxima película de Paco León, una versión libre y musical de El mago de Oz. “Mi personaje es su interpretación de Dorothy. Dora, Dorothy”, ríe recién llegada de unos de los varios análisis médicos a los que está siendo sometida antes del inminente rodaje. Mientras, la hija de Bimba Bosé y de Diego Postigo prepara su EP, saca temas musicales, videoclips y actúa en festivales.

La compositora y cantante no ha dudado qué serie recomendar, es fan absoluta de Rick y Morty, la ficción de dibujos animados para adultos de la que puede verse una temporada en Movistar, cuatro en Netflix y las cinco producidas hasta ahora en HBO: “Sabía de la existencia de Rick y Morty antes de empezar a verla, cuando vi que había salido. Sabía que era una serie nueva, pero nunca me había enganchado a este tipo de dibujos. Los Simpson son guays, me hacen gracia pero… Y una amiga, en Estados Unidos, me puso un episodio y flipé y dije: ‘Pero ¿Qué es esto?’, es una ida de olla, y desde ahí empecé a verlo en HBO a saco”.

“Rick es mi animal espiritual, me encantaría ser como él, le da igual todo”

Rick y Morty son los nombres de los protagonistas de la serie, inspirados en un principio en Doc y Marty, el científico genial y un poco chiflado y el adolescente interpretado por Michael J. Fox en Regreso al futuro. Los autores, Justin Roiland y Dan Harmon habían hecho un corto con una parodia salvaje de la pareja que fue derivando en lo que finalmente es la serie. Aquí Rick es un científico brillante, alcoholizado, babeante y sin filtro entre el cerebro y la boca que trabaja en el garage de la casa familiar de su hija. “Siempre digo que Rick es mi animal espiritual —afirma Dora—. Me gustaría ser como él, me encantaría porque le da igual todo, pero claro, le causa un montón de problemas al final. De actitud, creo que a todos nos gustaría sudar tanto de la vida como Rick”. Así que propone: “Si te mola la ciencia ficción en comedia y un poco el anarquismo, porque Rick es un anarquista de tres pares, es la serie para ti”.

Y es que Rick es el motor de las historias, el que hace que desde esa casa de clase media americana se vivan aventuras cuánticas o viajes intergalácticos. Harmon declaró en su día que la serie es deudora de las dos principales producciones de Matt Groening. A Dora le encanta lo que los creadores han hecho combinando estas influencias: “Es que es verdad, es una mezcla perfecta, Los Simpson, que tiene así el rollito más familiar y Futurama, que lo estuve viendo el otro día porque hacía mil que no veía uno, desde que era enana, vamos. Y sí, mola un montón ver cómo se inspiran en los dos para crear esta locura”.

Morty, el adolescente que acompaña a su abuelo en sus historias, un poco pasmado, representa el punto de vista del espectador, arrastrado por la fuerza y determinación de Rick. Según Dora: “El abuelo es tan cuadro que ha atrapado a Morty en toda su movida galáctica, pero yo creo que a Morty ya le da igual, ya ha aceptado que va a vivir toda su vida con Rick haciendo aventuras por la galaxia. Mejor que estudiar, jaja, si yo tuviera la oportunidad…”.

“Me entra la risa de pensar en los personajes, pero también he llorado con algún episodio”

La pareja convive con los demás miembros de la familia, la hija de Rick y madre de Morty, su marido o la hermana del joven. “Me entra la risa solo de pensar en los personajes —dice Dora—”. Por otro lado, la comedia de caracteres funciona en todos sus registros para la cantante: “Yo he llorado con algún episodio de Rick y Morty, en plan, ‘¡pobrecitos!’. Me hace mucha gracia porque en la familia están super jodidos, no se comunican nada. Mola porque te llevan por muchos sitios, a veces se llevan bien, otras no. Es cómo se relacionan los diferentes miembros de la familia, mola”.

La filosofía de la serie, que se estrenó en el 2013 y sigue en producción, ha sido analizada en muchas ocasiones. Dora percibe el anarquismo de su protagonista, sin entrar en otras disquisiciones: “Es una gamberrada bastante importante. Rick está absolutamente en contra de toda regla que se plante encima él, la destruye, es la destrucción total. Por eso me gusta, jaja”.

“Los fans de la serie somos iguales, solo queremos hablar y hablar de ‘Rick y Morty’”

A menudo, en series de este tipo los seguidores disfrutan compartiendo sus episodios y momentos favoritos, eso sí, Dora no lo hace en internet: “En redes no expreso mi obsesión por esta serie, pero cuando conozco a alguien a quien le gusta le digo: ‘¡Oh, my god! ¿Te gusta Rick y Morty?’ y ya es un bucle. Todos los fans de la serie somos iguales, no podemos parar. Empiezas y solo quieres hablar y hablar y hablar de Rick y Morty y de todas las movidas que hay”.

Su episodio favorito es uno de los muchos que son referenciales, versiones, homenajes, revisitaciones de otras obras: “Es el de la purga, me parece buenísimo, luego tengo otros muchos más, como el del cable interdimensional, pero en ese de repente Morty saca todo el enfado que tiene dentro. Al final es un niño adolescente que está creciendo con un abuelo que es un cuadro. La purga es básicamente como la peli La Purga, que la conoce todo el mundo. Se van a un planeta en el que el sistema social es a base de que un día al año se matan todos, deciden aniquilar todo. Rick y Marty llegan solo para ver y acaban volviéndose loquísimos a matar”.

Dora no es una gran espectadora de series, esta en concreto es su debilidad: “Rick y Morty me encanta porque es corta, siempre quiero más. Como cuando escuchas un tema de dos minutos que dices: ‘Joder, qué corto, lo quiero volver a escuchar’. Me pasa lo mismo con esto”. A cambio su compromiso con la serie es total, como explica: “Cuando se acaba la temporada estoy esperando más. Yo sigo a Adult Swim, que es la plataforma en la que crean los dibujos, para ver cuando sacan los próximos episodios. Me meto en HBO, no todos los días pero casi, miro en mi ordenador cuál es el siguiente día en que salen los episodios. Soy super friki”.

“Intento rebajar mi tiempo de redes lo máximo posible porque no me hacen bien”

Al pertenecer a una generación que reparte su ocio entre nuevos formatos como los vídeos en línea podría asumirse que también lo hace, pero no es su caso: “Yo tengo una guerra muy seria con el internet y con las redes, estoy muy en contra. Intento rebajar mi tiempo de redes lo máximo posible y utilizarlas lo mínimo porque no me hacen bien. Para mi tiempo de ocio prefiero hacer el ejercicio de coger un libro o ver una película, una buena peli. De dibujos, Rick y Morty es casi lo único que veo aparte de los de mi hermana que veo en la tele un poco y digo: ‘¡Qué gracia!’”.

La música cuenta sus proyectos: “Estoy a saco con la película de Paco León e intentando terminar mi primer EP, ahí en una guerra. Una guerra no, un proceso largo pero muy bonito. (Mira a su padre, que le acompaña en la entrevista) Miro a mi padre porque siempre tenemos pensada una cosa y luego es otra, pero tenemos una fantasía de sacarlo en noviembre o diciembre. Al final nunca es seguro porque se van retrasando los procesos. Espero, esperamos, que sí sea para entonces”.

Y sobre la obra de León, que se estrenará en cines, en Netflix mundialmente y está coproducida por Mediaset España avanza: “La peli es una ida de olla. El reparto mola. Lo que más me gusta es que la balanza entre actores como la Machi, la Maura, Luis Bermejo, con una carrera de vida por detrás, y por delante, claro, jaja, y artistas como Áyax (Pedrosa) y Weka (Wekaforé Jibril), que son gente joven que está ahora en el panorama y mola porque no son actores del todo pero sí gente a la que le gusta el arte y meterse tanto en la música como en el cine. Me gusta mucho ese contraste”.

Emilio Aragón (La Habana, 1959) ha tocado con grandes éxitos todos los palos del espectáculo. Debutó en el circo, fue cantante, presentador estrella, actor y creador en algunos de los mayores hitos de la ficción en serie, productor, director de orquesta y compositor musical y director de cine. Ha vuelto a la actualidad con B.S.O., en Movistar, en el que se reúne con Raphael, Belén Rueda, Joaquín y Los Javis en los cuatro primeros programas para repasar la música de sus vidas con los mejores músicos del país. Aragón recomienda entre la oferta de las plataformas audiovisuales la producción australiana Mr. Inbetween.

“Llegué a ella por Fernando Castets, guionista de La luna de Avellaneda, El hijo de la novia y amigo y coguionista conmigo de mi ópera prima Pájaros de papel. Me mandó un día un wasap diciendo: ‘Tienes que ver esta serie, es fantástica. Los australianos están haciendo cosas muy buenas’. Y nos enganchamos, por muchas razones. Los que conozcan ya la serie estarán de acuerdo conmigo en que es distinta, en que ofrece algo que quizá no sea nuevo pero la manera de plantearlo, cómo están construidos los personajes lo hace novedoso. Para mí ha sido un verdadero descubrimiento”.

“Huye del cliché del asesino que se convierte en un hombre bueno”

La serie sigue al hombre para todo de un mafioso tanto en su trabajo como en su vida personal. En episodios de media hora añade comedia al género negro. “Hay una especie de angustia incierta que es la que amalgama los elementos a veces dispares de esta serie —dice de ella Emilio Aragón—. El personaje central, Ray Shoesmith, de Scott Ryan, el guionista, es un asesino con conciencia pero sólo hasta cierto punto. Una de las cosas que me gustan de la serie es que huye del cliché del asesino que se convierte en un hombre bueno y deja al personaje central haciendo equilibrios entre la vida cotidiana, hogareña, la de cualquier ciudadano medio, y la del conspirador criminal. Ese me parece un ejercicio muy difícil para un guionista. Conseguir ese equilibrio es muy complicado y Ryan, lo consigue, sobre todo entendiendo que él es además el actor principal, el protagonista”. 

Tal como señala Aragón, el autor de la serie, guionista de toda ella, es también cabeza del reparto. Ryan creó el personaje para un película de muy bajo presupuesto, The magician, y acabó resucitándolo en esta producción. Emilio también ha participado en algunos guiones de ficciones que ha protagonizado: “No es fácil esto de escribir e interpretar, —señala— es un ejercicio complicado. Las dudas que te surgen del personaje cuando escribes pensando en otro actor siempre existen, pero además, el que seas tú el protagonista es doble trabajo. ¿Dónde marcas los límites? Esto de interpretar, ir al combo (los monitores en los que se revisa lo rodado) ver la escena, ‘¿me he pasado, no me he pasado?’. Porque una cosa es lo que tengas en la cabeza, lo que has soñado del personaje y otra cosa es luego el set, el rodaje, los compañeros, lo que te propone a veces el otro actor, y creo que Ryan lo hace espléndidamente”. 

“La fuerza narrativa que tiene a pequeña escala es espectacular, es impresionante”

Emilio Aragón destaca los puntos fuertes de la serie: “Para mí, honestamente, esta es una pequeña obra maestra de comedia y drama, porque la comedia es deliciosa en los momentos que tiene. No puedes dejar de mirarla. Yo la veía compulsivamente. Lo cierto es que no hay grandes ideas aquí, pero la fuerza narrativa que tiene a pequeña escala es espectacular, es impresionante. Como decía, esto del asesino con un corazón de oro no es algo nuevo, lo hemos visto muchas veces. Como espectadores, en numerosas ocasiones hemos sido puestos en la posición del compromiso moral pero la verdad es que Mr. Inbetween le da un repaso fresco y divertido a toda esa idea”. 

Y lo hace gracias a su protagonista, según el productor: “No es el prototipo de matón que estamos acostumbrados a ver. No es un tipo fornido, tiene más bien barriguita, a la vez que es delgado y por momentos parece cansado o aburrido de su trabajo pero lo más fascinante es que terminas queriendo al personaje, a pesar de ser un tipo frío y sin piedad. Compras en el minuto dos que pueda estar ejecutando a una persona y a continuación leyéndole un cuento a su hija o hablando con ella de cosas del cole”. 

“Introducir comedia en momentos delicados y hacerlo bien es oro puro”

Lo mismo le parece que ocurre con el resto de personajes: “Están muy bien dibujados, cuenta con algo peligroso en este género y es la comedia. Su amigo, por ejemplo, puede llegar a ser tan cruel como él pero el guionista y protagonista se permite introducir elementos de comedia en momentos delicados y eso bien hecho es oro puro pero si te pasas puede producir el efecto contrario en el espectador. Para mí Scott Ryan es un hombre de mucho talento. Su personaje me parece magnético. No te cansas de mirarlo, eso tiene mucho valor porque lo normal es que sales en una escena, luego pasa otra cosa, luego vuelves a salir, y él no, él sale en todos los capítulos, en todas las escenas y no cansa”. 

Aragón agradece la corta duración de los episodios: “El dúo de Nash Edgerton como director de todos ellos y Ryan escribiéndolos funciona a la perfección. Para mí, honestamente, cada episodio es un ejercicio narrativo fantástico. Podría decir que en Mr. Inbetween se cuentan muchísimas más cosas en 26 minutos que es la media de cada capítulo que en series de 45 o 50 minutos. Esta tendencia de ficción de media hora en drama cada vez me gusta más”. 

La serie está grabada en lugares anodinos de Sidney y sus alrededores. “Al principio la puesta en escena, como los que nos dedicamos a esto solemos mirarlo todo con lupa, me parecía algo sosa —afirma Aragón—, pero poco a poco te va arrastrando a esa estética tan personal y a veces sencilla y una vez terminada de ver te das cuenta de que has estado pendiente de la historia que es lo importante”.

“Acompañar al piano a los compañeros de ‘B.S.O.’ ha sido un viaje intenso pero sabroso”

B.S.O. ha supuesto el retorno de Emilio Aragón a la pantalla: “Nunca pensé que volvería a ponerme delante de las cámaras —dice al respecto—. Había tomado esta decisión hace quince años de escribir, dirigir y producir, pero estoy muy contento, y el ejercicio de hacer arreglos musicales o sentarme a preparar una canción con alguno de los compañeros que habéis visto en B.S.O., acompañarles al piano, a la guitarra, o a cualquier otro instrumento para preparar el tema ha sido un viaje intenso pero sabroso. Al terminar estos ocho programas es cuando me han empezado a salir todos los dolores de espalda y de rodilla, pero benditos dolores”. 

De esos ocho programas de B.S.O. ya pueden verse los primeros cuatro, los siguientes se emitirán en septiembre. Su director está satisfecho: “Estamos encantados con todos los comentarios y críticas. Me siento un afortunado. Haber podido cantar con Raphael ha sido un sueño cumplido, volver a estar en un plató con Belén Rueda, cantar con ella, no recuerdo haber cantado con Belén en un programa, haber acompañado a compañeros como Bebe, Coque Malla, Dani Martín, Alba Molina, Josemi Carmona, y las sorpresas que vamos a tener en los próximos cuatro programas. Ha sido un viaje duro, intenso, pero ha merecido la pena”. 

Sobre si se prolongará este retorno a la televisión, Emilio Aragón aclara: “Esto de hacer música en televisión y en directo, en este caso y en este programa en concreto es como el refrán ‘comer y rascar, todo es empezar’. Necesito tiempo para respirar y ubicarme de nuevo, porque ya los años pesan pero no me importaría hacer otros ocho. En cuanto a proyectos, también tengo encima de la mesa uno que dejé de cine, precisamente para hacer B.S.O. y una serie de ficción. Ambos son dramas pero también le estoy dando vueltas a una comedia. Me apetece volver a hacer comedia, mucho. Ahí estamos”.

El palmarés de la exalero de baloncesto Amaya Valdemoro está tan lleno de récords y triunfos que no cabe en un artículo que trate de otro asunto. Se puede consultar en su página de Wikipedia. La deportista también recomienda un documental con múltiples premios, como el Óscar de 2017 en su categoría. Se trata de un título fascinante, Ícaro, disponible en Netflix.

“Creo que es obligatorio de ver para aquellos que aman el deporte” enfatiza la madrileña de Alcobendas, que añade: “En la vida, como en el deporte, siempre hay tramposos y recomiendo este documental porque es increíble hasta dónde puede llegar la mente humana para engañar. En mi caso, cuando lo vi, me bajó a los infiernos. Creo que es sorprendente todo lo que llegan a hacer por conseguir un objetivo, que en esta ocasión es el éxito olímpico de un país”.

“El director fue muy valiente al doparse y experimentar en su cuerpo las consecuencias”

Ícaro es un caso extremo de serendipia, de encontrar algo que no se buscaba. Valdemoro cuenta el origen del proyecto, que puede verse en la primera parte del mismo: “El documental, para aquellos que no lo hayan visto, empieza un poco con la investigación del director de cómo puede cambiar su cuerpo al doparse. El comienzo me recordaba un poco al documental de Supersize me, lo que el cuerpo experimentaba al comer comida basura. En este caso es lo que puede provocar el dopaje y lo que va descubriendo. Sinceramente, es increíble todo lo que encuentra Bryan Fogel, amante del ciclismo. Fue muy valiente a la hora de decidir doparse para poder decir en primera persona lo que puede cambiar el rendimiento y las consecuencias que puede tener en tu cuerpo”.

Como explica Amaya Valdemoro, el director, Bryan Fogel, fanático ciclista aficionado, quiso mostrar el efecto de las drogas dopantes en su cuerpo durante un año, entre dos ediciones de la Haute Route, la prueba más dura del mundo no profesional de la bicicleta. Le movía el interés por los casos individuales de deportistas que se dopaban, por lo que también quería mostrar cómo se podían eludir los controles, su propuesta era en cierto modo modesta. Y ahí encontró el verdadero tesoro de su investigación. Unos médicos y otros, asustados por la moralidad de la propuesta y sus implicaciones rechazaron ayudarle y le dirigieron a un colega ruso con menos escrúpulos, Grigori Rodchenkov, quien resultó ser la estrella, el malvado y la noticia bomba del documental.

“El personaje de Grigori es muy inteligente, un narcisista que solo piensa en sí mismo” 

Valdemoro introduce al ruso: “El personaje de Grigori creo que es una persona super inteligente, narcisista totalmente, que sólo piensa en él. Es el artífice de toda la trama del dopaje ruso. Se toma a risa la ilusión de miles de personas, de millones. Está clarísimo que en lo que hacía era el número uno pero podía haberlo aplicado de maneras diferentes. La primera imagen de él haciendo una videollamada en calzoncillos explicando lo que puede cambiar el rendimiento de una persona común lo dice todo, es como de risa. Le da igual absolutamente todo. Puede cambiar el recorrido de cualquier deportista, incluso de un deportista amateur, que es como empieza a entablar ese diálogo con ese director que quiere doparse para ver los cambios en el cuerpo humano de una persona. Va a Gregori porque todo el mundo rechaza la opción de doparle porque es algo de locos”.

Haciendo solo el mínimo spoiler, Grigori resulta ser el eje de una trama descomunal con implicaciones en el olimpismo y en la geopolítica que el propio documental sacó a la luz. El resto hay que verlo. Las sanciones a Rusia tras probarse el fraude masivo y sistemático fueron erráticas. No se impidió participar a sus deportistas en los Juegos Olímpicos de Río de 2016, recién destapado el escándalo. Para Valdemoro: “El hecho es un poco extraño. Pero, al final, si miramos el recorrido, Rusia es una de las grandes potencias desde el comienzo de los Juegos Olímpicos y también creo que no todos los deportistas rusos se habían dopado. Creo que fue de manera para que los que nunca se habían dopado pudieran competir bajo la bandera neutral del olimpismo”.

La deportista profundiza en la complejidad de la toma de decisiones de los Comités Olímpicos: “Sí que es verdad que ahora en los Juegos Olímpicos de Tokio de 2021 aquellos que no han sido dopados pueden participar. Es muy complicado. Hay muchas claves por las que pueden participar, cuestiones económicas, de política, no todos son culpables. Para los propios deportistas rusos que han estado compitiendo ha sido muy difícil por las miradas de los otros deportistas, porque todo el mundo pensaba que eran culpables de dopaje. Yo no soy nadie, creo que eso lo tiene que decidir el Comité Olímpico y los rusos que están compitiendo será porque tienen un expediente totalmente limpio de dopaje”.

“Yo no dormiría a gusto pensando que me he dopado, sabría que he hecho trampa”

Amaya Valdemoro ha desarrollado su carrera en el mundo en el que se produce el dopaje: “¿Qué es lo que creo yo? Que están tirando por la borda años de sacrificio y de esfuerzo por mejorar sus marcas. La gente piensa que te dopas y ya vas a quedar campeón del mundo y no es así. También se cree que el deportista que se dopa se toma una pastilla y ya corre más, no. El deportista que se dopa tiene que trabajar muchísimo. Son los valores de cada uno, yo no dormiría a gusto pensando que me he dopado porque en el fondo sabría que he hecho trampa y el deporte no va de eso. He sido deportista durante muchísimos años y siempre sale el tema, y la verdad es que en el baloncesto femenino no ha habido ningún caso potente. Está claro que se sabe que hay dopaje, y cuanto más lejos, muchísimo mejor porque empaña”. 

No solo eso, su carrera le ha llevado a la liga rusa, corazón del sistema de dopaje y la posterior limpieza de la orina delatora que se expone en el documental. Así lo recuerda la exjugadora: “Del 2005 al 2008 yo estuve jugando en el CSK ruso y la verdad es que yo no he visto nada diferente de los que viví cuando estuve jugando por ejemplo en la NBA femenina, o en Turquía. Nos hacían controles o test, también después de los grandes eventos deportivos y todo iba bien. También hay que decir que el dopaje es mucho más habitual en el deporte individual que en el de equipo. Insisto, en Rusia me han hecho tantos controles antidoping como en todas las competiciones, tanto en europeos como de clubes como mundiales como en las Olimpiadas. Todo perfecto y sin ningún tipo de problema”.

“Tiene que haber una mayor inversión para atrapar a los tramposos y mayores sanciones”

Valdemoro recalca su absoluto rechazo a las drogas ilegales en el deporte: “El dopaje es algo serio, al final estamos viendo como en Estados Unidos y en otros países la gente que se dopa acaba yendo a la cárcel. ¿Qué mueve todo esto? El dinero, es fácil. Los premios que pueden recibir los deportistas, el reconocimiento. Y luego todo el entramado de los productos también supone grandes cantidades. Creo que habría que tenerlo más presente y que las sanciones fueran ejemplares, muchísimo más duras para que se acabe. En la carrera del dopaje, lo estamos viendo, el dopaje va por delante del AMA (Agencia Mundial Antidopaje), y es así”. 

Y para ilustrarlo pone un ejemplo elocuente: “Esto no se sabe, pero de la carrera de Seúl del 88, donde ganó Ben Johnson, de los ocho finalistas de la carrera de los cien metros estaban dopados todos menos uno. Hay un reportaje en ESPN que se llama 9´79 en el que sale. Así que creo que tiene que haber una mayor inversión a la hora de atrapar al tramposo y que las sanciones sean ejemplares para que no se vuelva a hacer”.

Y como las trampas no son exclusivas de ninguna actividad, Amaya Valdemoro prescribe a todos los públicos esta investigación: “Me gustaría acabar recomendando Ícaro no solo a los amantes del deporte, también a gente que no le guste porque es un viaje apasionante en el que ves muchas veces la calidad de las personas. Te quedas, como digo yo, ojiplática, porque es increíble lo que puede hacer el ser humano”. 

Sandra Sabatés presenta desde hace casi una década El intermedio con El Gran Wyoming. Aporta el rigor informativo al programa y añade secciones propias como Mujer tenías que ser en la que entrevista a mujeres destacadas en diferentes ámbitos. También es autora del libro Pelea como una chica, que recoge las historias de diferentes pioneras españolas. Puede que algo que este análisis de la situación de lo femenino se haya colado en su elección a la hora de destacar la serie Unorthodox, cuyos cuatro episodios pueden verse en Netflix.

La miniserie es una versión libre del libro autobiográfico de Deborah Feldman, quien protagonizó una inspiradora huida de la opresiva secta ultraortodoxa judía jasídica Satmar radicada en Nueva York. Para Sandra Sabatés: “Seguramente es una de las cosas que más impactan, que más estremecen, el hecho de pensar que esta serie está basada en hechos reales, que Esther Saphiro (la protagonista) es el alter ego de Deborah Feldman, que esa Deborah existe, igual que existen muchas otras Deborhas”.

“Cuando pensamos en Nueva York pensamos en libertad y esto existe allí”

Sabatés reflexiona sobre la sorprendente pervivencia de estos fenómenos dentro de sociedades con más derechos: “Esas situaciones se siguen dando porque existen esas comunidades, en este caso judías ultraortodoxas, que se rigen por unas normas y unas reglas muy estrictas que lo que hacen es coartar totalmente los derechos y las libertades de las personas, castrar esas libertades, concretamente las de las mujeres. Y eso es algo que influye en todos los ámbitos de sus vidas, en la misma forma de vestir o de comportarse o relacionarse con los demás, incluso a la hora de decidir si quieren casarse o no. Ellas no pueden elegir, saben que tienen que casarse y les dicen: ‘Mira, este va a ser tu marido, y tu función en esta vida va a ser tener cuantos más hijos mejor’. Y no tienen ningún tipo de elección. Esto choca especialmente si tenemos en cuenta que esta comunidad en particular se encuentra en el barrio de Brooklyn. Cuando pensamos en Nueva York, una de las primeras palabras que nos vienen a la mente es libertad. Resulta muy llamativo poder entender cómo pueden convivir a día de hoy dos sociedades, dos realidades tan diferentes, una que sigue luchando por conquistar nuevas libertades, otra que no hace más que intentar coartarlas al máximo”.

La serie presenta la vida de Esther “Esti” Schwartz ante un matrimonio forzoso y su ansia de libertad siguiendo los pasos de su también díscola madre hacia Berlín. Sandra Sabatés aprecia la forma de presentar las dos vidas de la protagonista: “Me gusta la estructura que tiene la serie con esas dos líneas temporales, en presente se narra esa huída de Esti hacia delante con los continuos viajes al pasado a través de flashbacks que nos permiten acercarnos a la realidad de esa comunidad judía ultraortodoxa y también permite entender el porqué esa mujer toma esa decisión de marcharse de allí”. 

La serie está escrita, dirigida y producida por mujeres, algo destacable para Sandra Sabates: “Es una de las cosas que más me han llamado la atención de esta serie alemana. Las autoras nos muestran perfectamente esa sensibilidad, esos sentimientos que rodean a esta mujer que se encuentra totalmente controlada y manipulada por esa comunidad en la que vive”.

“La actriz protagonista, Shira Haas, es impecable. Parece frágil y es lo contrario”

Sandra Sabates destaca a la actriz protagonista del drama: “La interpretación de Shira Haas me parece impecable, es maravillosa. Esta mujer tiene una increíble capacidad, el poder de transmitir con una sola mirada el dolor, la frustración, la rabia, todos los sentimientos, todas las emociones. Además, se da la circunstancia de que es una mujer bajita, delgadita, que puede ofrecer a priori una imagen de una cierta vulnerabilidad, fragilidad, en un mundo con muchísimo poder, en el que hay unas normas muy estrictas, muy aplastantes, y sin embargo, a través de la actuación, acabas descubriendo que es todo lo contrario, que es una mujer muy fuerte, muy valiente, capaz de destruir esas cadenas para acabar consiguiendo su verdadero objetivo, que es descubrirse a sí misma”. Haas ha sido un descubrimiento para gran parte de la audiencia, pero es una actriz muy reconocida en su Israel natal. Entre otros trabajos, puede verse otra interpretación suya como integrante de una comunidad ortodoxa en la serie Shtisel, con un tono más costumbrista y excelentes críticas, también en Netflix. Para su papel en Unorthodox, Shira Haas aprendió yidis, piano, canto y se rapó la cabeza como se obliga a las mujeres ultraortodoxas.

El proceso de su personaje es el centro absoluto de la historia, pero destaca también la mirada sobre el hombre forzado a casarse con ella, como señala Sabatés: “Yanki, el marido de Esti no deja de ser también una víctima de alguna manera del sistema. Es un joven que está completamente perdido, completamente desconcertado. Por un lado es muy consciente de que tiene que seguir unas normas, unas reglas y lo hace sin cuestionarse absolutamente nada porque es lo que se espera de él y por el otro tiene a Esti, a su mujer, que nada más conocerle lo primero que le dice es: ‘Yo no soy como el resto de las chicas’ y él hace un esfuerzo continuo por aceptarla, por entenderla, por acercarse a ella y por respetar ese espacio. El problema es que es un personaje que acaba teniendo una lucha interna constante e intenta hacer equilibrios entre dos mundos tan opuestos que al final es evidente que siempre la balanza se tiene que acabar decantando por algún lado”.

“Enseñan a las mujeres que todo lo que está fuera de la comunidad es el mal” 

La forma en la que la comunidad ultraortodoxa consigue subyugar a sus miembros en plena democracia con amplios derechos individuales es la educación, como señala la periodista catalana: “Sin duda ese es el primer peldaño. El conocimiento es, de alguna manera, lo que nos hace libres y por eso precisamente a esas mujeres lo que hacen es limitarles la educación, ese aprendizaje para poder someterlas y controlarlas desde que son muy pequeñitas. En eso se incide mucho en esta serie, les enseñan lo que es el bien y lo que es el mal. Hay que seguir el buen camino, evidentemente, pero el mal es todo lo que está fuera de la comunidad. Las que salen de la comunidad, como es el caso de Esti o como es el caso de su madre acaban siendo unas descarriadas. Hay que cumplir esas normas tan estrictas, en el caso de las mujeres es casarse y tener cuantos más hijos mejor y la que no cumple con ese objetivo, como le pasa al principio a Esti, no deja de ser una mujer defectuosa. Estas chicas, estas niñas, estas mujeres crecen con esas ideas, con esos valores de que lo más importante es la familia, que es sagrada, igual que las relaciones sexuales, y el problema es que acaban asumiendo y dando por buenas algunas discriminaciones que sufren por el hecho de ser mujeres, el no poder salir a la calle mostrando su pelo o que sean consideradas impuras cuando tienen la menstruación. Pero es que son ideas con las que han crecido, es lo único que han visto y es lo único que conocen y que acaban dando por bueno y aceptando”.

La serie ha aportado a la historia real de su protagonista el papel redentor de la música, que no estaba en el libro. “Me gustaría destacar la música —señala Sabatés—, que más allá de la banda sonora, juega un papel fundamental porque no deja de ser un hilo conductor. Es el gran sueño, la gran pasión de la protagonista y también se acaba convirtiendo de alguna manera en su salvación. Se da cuenta de que es un sueño imposible porque ella no tiene esa formación necesaria pero finalmente decide cantar. Cantar en público en su comunidad es interpretado como un acto impúdico y ella finalmente lo hace. Es una demostración de fuerza, de que por fin ha conseguido romper esas cadenas y ha logrado su objetivo que es huir de ahí”. Shira Haas, la actriz que encarna a Esti sintió la canción que interpreta su personaje como la metáfora de que por fin había encontrado su propia voz, muy en línea con lo que señala la presentadora de El intermedio. 

La reina del pueblo transporta a sus espectadores a la esencia atemporal del verano en un pueblo, a sus fiestas. No faltan tómbolas, calimochos, muchos melones, piques entre familias, amistad, risas y estrellas invitadas de medio pelo. En este caso, en la localidad imaginaria de Polvaredas de la Sierra, a la que prestó sus calles el pueblo toledano de Noblejas.

La serie se estrenó el día 27 de junio en Atresplayer Premium y entre sus fans figura ya Juanra Bonet. El presentador, humorista y actor barcelonés ha visto los seis episodios de 20 minutos que componen la primera temporada y afirma: “Me ha parecido divertidísima, muy entretenida. Nos la pusimos en casa con la intención de ver uno y ya está y nos pasó como con las grandes series, nos la vimos prácticamente en un día. Tiene un montón de sorpresas y los actores y las actrices están maravillosos. De repente encontrarte a Raúl Cimas, encontrarte a Melani Olivares, a Canco Rodríguez… tienen muchísima química entre ellos y es toda una sorpresa. En cuanto veáis el primero creo que os quedaréis como nosotros en casa: ‘¿Cómo? ¿Cómo?, ¡Otro ya!’. Porque es muy recomendable para toda la familia”.

“Te lleva a la nostalgia y a la vez es muy moderna. Está pasando ahora mismo”

La reina del pueblo es alegre en su argumento y su imagen apoya este buen humor. Para Juanra Bonet, se trata de una apuesta muy nítida: “Cuando la estás viendo, al margen de la temática de la serie, que es bastante clara, te remonta a una época de tu vida en la que ibas al pueblo, ibas a las fiestas. A pesar de que apela a la nostalgia sin espetártelo, el color, los planos, la luz, las texturas, te recuerdan a ese final de verano de Dúo Dinámico que trae ciertos olores. Tiene una luz y un color que te invitan a dos cosas, por un lado te lleva a la nostalgia, cuando tú ibas a esas fiestas o ibas a las fiestas de tu primo y te encontrabas con todo aquello, pero al mismo tiempo es una serie muy moderna. Lo que estás viendo, tranquilamente pasará dentro de quince días en un pueblo al lado de Madrid, o cerca de Segovia o al lado de Almería. Lo que ves en la serie va a pasar este mismo verano. Me gusta mucho que por un lado te acuerdas de y te lleva a pero sin gritarte a la cara que tú fuiste a EGB. Lo que estás viendo, lo que estás viviendo en la serie pasa ahora mismo, mientras estás leyendo esta entrevista”.

 El presentador del concurso Boom en Antena 3 elogia, entre otros aspectos de la ficción, su naturalismo: “El tono de los diálogos y de la actuación es muy natural y eso es una cosa que también nos sorprendió en casa porque siendo una comedia y siendo el tipo de comedia que es, como actriz o actor es tentador forzar, a mí me pasa que digo: ‘Voy a apretar un poco porque como es comedia’. Y no, está todo muy bien dirigido, muy natural a pesar de las situaciones esperpénticas y disparatadas que vais a ver”.

“No hay un señor con las canas teñidas de negro simulando tener 17 años. Es creíble”

Lo mismo le ocurre con la forma de hablar de cada grupo: “Respecto a los diálogos es curioso, porque cada personaje habla como habla su generación pero no está nada forzado. Yo como adulto, desde la atalaya de la madurez en la que estoy instalado a mis 47 años (ríe), cuando oía a los chavales hablar entre ellos no me sentía ajeno, no sentía que la serie me echaba para atrás y pensaba: ‘Es un producto para ellos’. No, no, lo entendía perfectamente y estoy convencido, tengo canas e igual me equivoco, pero estoy convencido de que los jóvenes ¡Hablo de los jóvenes! Bueno… los jóvenes, cuando vean la serie se van a sentir totalmente identificados porque no hay de repente un señor que se ha teñido las canas de negro diciendo: ‘Hola, ¿k ase?’ o haciendo el baile del swish swish, simulando que tiene 17. No va a ocurrir. No es: ‘¿Qué pasaría si Élite hubiera salido mal?’. Que ¡ojo!, es una serie que propongo aquí, Élite sale mal, en todo. El colegio sale mal, el AMPA sale mal, los profes, todo. Ahí dejo la idea: Élite mal”.

La reina del pueblo tiene un presupuesto mucho menor que las series para plataforma o canal generalista. A pesar de ello ha conseguido reunir a un notable reparto, una pandilla de jóvenes actores totalmente engrasada, con Lucía Caraballo, Omar Banana, Ana Jara o Cristina Colom y un puñado de adultos con figuras muy destacadas como Marta Fernández Muro, Roberto Álamo, Canco Rodríguez, Melani Olivares o Alberto Casado. Pero Bonet tiene una debilidad entre ellos: “Mi personaje favorito es el de Raúl Cimas, pero aquí yo no puedo ser objetivo porque yo soy muy fan de Raúl Cimas. Me parece el hombre más gracioso de España, estoy prendado de él. Pero me gusta especialmente el papel que hace en La reina, de pregonero. Y estoy tentado de contar algún gag pero sería como explicar el truco de un mago, el caso es que Raúl está perfecto. Yo soy team Raúl, me pongo su camiseta. Está maravilloso y, aunque parece que su papel de pregonero es una cápsula que se va repitiendo en el tiempo, no. Porque hay una pequeña evolución y una semilla que va germinando dentro del pregonero. No voy a decir más”.

Aparte de Cimas, la interpretación que más está dando que hablar de la producción es la de Melani Olivares. Así la ha visto el presentador y humorista: “El personaje de Melani Olivares creo, viendo la serie, que está escrito para ella. No me imagino a otra actriz haciendo eso cómo lo hace ella. Es una Miss España venida a menos, un juguete roto de la televisión. Viendo como es, es posible que pienses: ”Qué personaje más arisco, más antipático, más subido, ¿de qué va?, ¿quién se ha creído que es?“. Pero poco a poco vamos descubriendo que tiene un corazoncito, bueno, un corazonazo y que solo necesita amor. El viaje que hace el personaje es especialmente optimista. Creo que también nos da mucha esperanza al ver a gente que a priori nos echa para atrás pero a los que rascando un poquito, con un par de abrazos y dándoles tiempo y cariño les puedes ver el corazón. El personaje de Melani es muy chulo y ella está muy graciosa. Muy graciosa”.

El personaje interpretado por Melani Olivares, una Miss España de capa caída, podría tener serie propia

Ha sido tal la fuerza y la comedia de la actuación de Melani Olivares como Estrella Bernal, la desquiciada y entrañable reina de la belleza, que el director y guionista de la serie, Raúl Navarro, y la actriz están en conversaciones para hacer una secuela con la vida de esta estrella de tercera en Madrid. 

La filmación de la serie fue complicada por el apretado plan de rodaje y las restricciones sanitarias. Para Bonet, es estupendo poder contar con productos como éste, según afirma: “Gracias a internet, vaya frase de viejo, pero gracias a internet caben muchos proyectos de bajo presupuesto y eso permite que gente que tiene muchas limitaciones pero mucha creatividad tenga la oportunidad de llevar su producto al gran público”.

A cambio, como espectador es difícil llegar a todas las propuestas: “Yo creo que hay muchísima oferta audiovisual y francamente, estamos todos sobrepasados. Hay dos maneras de enterarse de los estrenos, una es las tres, cuatro, cinco personas o creadores de los que estás pendiente porque te interesa lo que hacen y luego lo que te recomienda la gente de la que te fías. Y el boca a boca. Muchas veces es más valioso que te diga alguien: ”Tienes que ver esto“ que mil carteles en paradas de autobús. Es difícil llegar pero creo que La reina del pueblo va a ser de esas de ”Oye, ¿has visto esto?“”.

Ramón Lobo es escritor y colaborador en InfoLibre y en la Cadena SER, donde aporta sus más de 40 años de experiencia periodística, especialmente como corresponsal en destinos en conflicto en todo el planeta a sus análisis de la actualidad. Recientemente escribió en su muy activa cuenta de Twitter (@ramonlobo) un elogio a la serie Mare of Easttown. Se trata de una miniserie de siete episodios que sigue la investigación de unos crímenes en una pequeña ciudad del estado de Pensilvania y puede verse en HBO.

En su tuit, Lobo elogiaba la serie y a su protagonista, Kate Winslet, reivindicando su trabajo por encima de la polémica sobre su aspecto físico y vuelve a hacerlo: “Me parece una intérprete descomunal, de estas actrices o actores que en el momento que salen nunca ves a la actriz o al actor, ves al personaje. Y siempre ha sabido elegir muy bien sus trabajos. Me indignaron un poco los titulares acerca de si tenía sobrepeso o patas de gallo, que si estaba desafiando a la industria de Hollywood por hacer un papel de persona mayor. Yo no la veo nada mayor. Tiene 45 años, no es esbelta, pero no se le ve la tripa en ningún momento. Me pareció una estupidez que nos fijáramos en esto y no en la interpretación, en la serie en sí y en la América que muestra. Es una prueba de este mundo vacío, superficial en el que nos movemos y que afecta al periodismo, a la política y a todo”. Hubo también quien no entendió su crítica: “La gente no entiende la ironía en las redes, tampoco la entienden en la vida normal, las redes reflejan un poco este país sin humor. Nos sabemos reír mucho de los demás pero muy poco por nosotros mismos”.

“El personaje de Winslet es muy interesante porque es complejo”

Winslet interpreta a la policía que investiga el asesinato de una madre adolescente y que aún tiene pendiente de resolución la desaparición de otra joven en la localidad de Easttown. Comienza como un personaje arisco y episodio a episodio se van desvelando sus motivaciones. Para Ramón Lobo: “El personaje es muy interesante porque es complejo. Muchas veces por la calle vemos gente y no sabemos lo que hay detrás. Ella nos va mostrando en la serie un personaje con una crisis interna, la no superación de una tragedia, su vida matrimonial que se desmoronó, su trabajo, su conexión con el pueblo y también nos muestra una América que no es Nueva York, Miami, Los Ángeles, que no es San Francisco, que es la América real”.

El personaje de Mare vive a su pesar con su madre, interpretada por Jean Smart, con la que tiene una conflictiva y divertida relación, la favorita de la serie para parte de la audiencia, entre la que se encuentra Ramón Lobo: “La madre me ha encantado, creo que hace un papelón. Todos hacen buenos papeles, pero el suyo creo que es extraordinario, porque también refleja las tensiones con la hija, con el marido, también tiene su tormento interior”.  Y añade, refiriéndose a la nada glamurosa mesa de la cocina en la que la madre y su hermano degustan sus cócteles: “Me gustan también esos Manhattan y cervezas que están alrededor de todo”.

La protagonista de la serie tiene un interés romántico, interpretado por Guy Pierce, que también lo fue en otra miniserie de éxito en HBO protagonizada por Kate Winslet, Mildred Pierce. En esta ocasión, el actor encarna a un escritor: “En realidad es un fracasado, solo ha escrito un libro con un poco de éxito. En un momento dado pensé que podía ser el asesino. Es que me caía mal. Es uno de esos personajes que desaparece y luego lo terminan ahí, pero también ocurre en las novelas, hay cosas que te distraen, que te confunden, pero que luego desaparecen, son juegos de los autores”.

“Menos mal que no vi el tuit en que Stephen King adivinó el final”

Ramón Lobo ha jugado a tratar de averiguar quién podría ser culpable: “Yo tenía varios candidatos a asesino, siempre en las series buenas te dan varias opciones. Menos mal que, aunque yo sigo a Stephen King porque me gustan mucho sus tuits anti-Trump en estos cuatro años, no le he seguido en esta serie porque desveló el final. Acertó con el final antes que nadie. Yo en cambio no, tenía otro candidato y me llevé una sorpresa. Después hay algunos cabos sueltos, me he quedado pensando si están sueltos porque no los han cerrado bien o porque yo no me he enterado bien, con lo cual hay una deuda con la serie, quizás volveré a ella con el tiempo”.

Pero Ramón Lobo insiste sobre todo en lo interesante del retrato de un Estados Unidos nada cosmopolita, que se articula de una manera muy diferente a la de las grandes ciudades: “Esa América pequeña, entre lo rural y la pequeña ciudad es la que vota a Trump, aunque esto es Filadelfia —Winslet ha tenido la gran dificultad en imitar el acento que es muy especial—. En esta zona son mujeres muy duras. Y me gusta que muestre esta América real porque es la que no vemos en los medios de comunicación, la que se está moviendo a la extrema derecha, la que ha renunciado a la verdad, que tiene miedo por los cambios laborales o generales que se están produciendo, miedo a la robótica, a la inmigración. Creo que es una serie que muestra mucho de la América que va a dar que hablar en los próximos años porque el trumpismo no ha muerto para nada”.

“La América que no solemos ver se dirige a un escenario en el que la democracia está en peligro”

Este Estados Unidos es muy distinto a la forma en la que se agrupa la población en Europa según Lobo: “Esta comunidad está muy bien reflejada, aquí en torno a una iglesia católica, pero en otras partes de América es en torno a una iglesia metodista u otro tipo y todo se reúne en torno a esta comunidad. En estas ciudades y pueblos hay un valor muy fuerte de la comunidad, por encima incluso del individuo. En Nueva York no, pero en estas localidades sí. Es ese el tono de la América que no solemos ver, la de Kansas, de Iowa, del centro, la que ahora está cambiando las leyes para que no puedan votar las minorías, o lo último, para que no puedan votar las personas con discapacidad física o intelectual. Es una América que en realidad solo quiere que voten los blancos, un país que se está dirigiendo a un escenario en el que la democracia está en peligro, como decía hace poco Hilary Clinton”.

“Estoy suscrito a todas las plataformas para no tener que ver la televisión generalista”

Lobo es una persona comunicativa y sociable, pero la pandemia ha cortado de cuajo su actividad. “Estoy un poco paralizado —desvela—, empezando a coger el ánimo social porque llegué a tener un poco de fobia social al ver a demasiada gente”, señala refiriéndose a actitudes imprudentes. En estos meses la ficción televisiva ha cumplido su objetivo de acompañamiento: “La televisión es una de las ventanas, ahora que no se puede ir al cine. Yo por lo menos, tengo miedo de ir a las salas, aunque sea con mascarilla, o al teatro o a conciertos y demás. Ya descubrí hace mucho Netflix, HBO, Disney... estoy suscrito a casi todas para no tener que ver Tele 5. Perdón, no sé si debería decir esto, para no tener que ver las televisiones generalistas y tener que llevarte sorpresas constantemente. Nunca he puesto especial atención a las series. A veces estoy con amigos que han leído el último libro, han visto la última serie y digo: ‘¿Estos cuando duermen?’”.

Él por su parte tiene varios proyectos: “Empecé a escribir una novela muy mala, una distopía, pero ahora lo revolucionario es escribir una utopía. Sí quería escribir un libro sobre la muerte, continuación del de las ciudades y la soledad”, señala sobre su último título, Las ciudades evanescentes, publicado el octubre pasado. A la vez, tras haber investigado tiempo atrás sobre su familia española, ahora indaga en el otro lado: “Estoy con una rama que es francesa por mi abuela, luxemburguesa por parte de mi abuelo. Vivían en unos cien kilómetros a la redonda. Los alemanes les invadieron tres veces, ahora entiendo que a mi abuelo no le hicieran gracia. No sé si saldrá un árbol genealógico que se remonte hasta el siglo XVII, si será un libro de viajes, o una historia de la muerte. Me siento muy a gusto con los muertos porque ya no te pueden fallar”.

Este viernes se estrena a las 22:00, en el canal TNT, Maricón perdido, una serie de seis episodios creados y escritos por Bob Pop que ponen su vida en imágenes. Él mismo cuenta cómo nació la serie: “El proyecto de Maricón perdido surge como un encargo loco de TNT, de Jose Skaf y de Guille Farré, que un día me sugieren, después de ver una sección mía en el programa de Late Motiv donde contaba parte de mi infancia, hacer una serie de esto. Primero les digo que dejen las drogas, y luego, una semana después, quedo a comer con ellos y les cuento el primer capítulo que ya tenía en la cabeza”. 

La serie es una producción de El Terrat, con la participación de Berto Romero, productor ejecutivo también de la consolidada Mira lo que has hecho. Y de la productora salió el título: “Me lo regaló Andreu Buenafuente —señala Bob Pop—, era una frase que decía su abuela, que a él le parecía terrible. Me lo propuso cuando leyó los primeros capítulos y me pareció un hallazgo porque tiene que ver justo con lo que cuenta la historia. Es la historia de un niño maricón que está perdido, de un adulto maricón que está perdido y en seis episodios, en esta primera temporada, va encontrando y buscando su identidad, con lo cual iba perfecto. Era apropiarse de un término despectivo y convertirlo en un término descriptivo”.

La serie es un drama con luz de comedia, son muchos los momentos duros, tantos que hacen plantearse cuánto hay de verdad en lo mostrado. Bob Pop lo aclara: “En Maricón perdido todo es autobiográfico, porque incluso mi ficción es autobiográfica, incluso lo que me he inventado forma parte de lo que hay dentro de mi cabeza, así que todo lo que hay, todo lo que vais a ver soy yo. Soy yo de verdad y a veces es mucho más verdad lo que has temido, con lo que has fantaseado, lo que has elaborado que lo que has vivido, que en ocasiones se queda muy corto”. 

“Nadie tiene derecho a juzgar como se siente una víctima de violación”

Roberto Enríquez, nombre real del colaborador televisivo, escritor y ahora guionista y creador de esta serie, pasa por situaciones muy duras como chaval homosexual con pluma y con algunos kilos de más. Pero hay un acontecimiento brutal: “En el episodio dos de Maricón perdido —explica—, cuento en imágenes la violación que sufrí en el Parque del Retiro. Ya la había contado de palabra en Late Motiv con Andreu Buenafuente y para mí hay algo muy importante, primero poder contarlo. Cuando yo sufro esa violación, en la que además alguien me pone una navaja en el cuello, durante unos minutos pienso que se acabó, que voy a morir, con lo cual el hecho de estar vivo para poder contarlo me parece fundamental. Pero lo que quería es transmitir la importancia de que no hay solo una forma de asumir la tragedia, que hay tantas formas de soportar la condición de víctima como queramos nosotros y que no hay ningún modelo estándar. Y que nadie tiene derecho a juzgar cómo se siente una víctima después de un hecho traumático como este. Esa era mi intención y era una parte fundamental de esta historia”. 

Y no se queda ahí el escritor, también desgrana su relación con la esclerosis múltiple que padece desde muy joven: “Hablar de mí ahora mismo sin hablar de mi enfermedad sería eliminar una parte muy importante, porque la enfermedad determina un montón de cosas de mi vida y determina mi forma de verla, incluso lo majo que soy creo que en cierto modo también lo determina la enfermedad porque no tengo tiempo para tonterías”.

“Borro la cara de mi padre porque no me apetece volver a verle ni en la ficción”

La serie utiliza un recurso que a veces puede verse en comedia, tapar la cara de un personaje, de manera que siempre estamos a punto de verle, pero nunca llegamos a hacerlo. En este caso resulta inquietante porque se trata del padre del niño Roberto. “La decisión de ocultarle la cara al padre, maravilloso Carlos Bardem en Maricón perdido, tiene varias razones. Una es un borrado del patriarcado en global y otra de mi propio patriarca. Lo borro porque no me apetece volverme a ver las caras con él ni siquiera en la ficción”. 

Bob Pop vuelca toda su pasión con los intérpretes de la producción: “El reparto de mi serie es un regalazo de la vida, de la industria, y de la fantasía audiovisual, empezando por Garlos González y Gabriel Sánchez, que son mis bobettes, el Bob adolescente y el Bob adulto joven, que están maravillosos. Candela Peña como mi madre, vais a ver que hace algo complicadísimo, una especie de desfile brutal por un hilo finísimo por el que nunca se descuelga y sale indemne para fascinación de los espectadores. Carlos Bardem es mi padre sin rostro, un actor que es capaz de no utilizar la gran herramienta de un intérprete, que es su rostro y transmitir exactamente lo que yo quería que transmitiera. Miguel Rellán aparece como un abuelo tiernísimo y perfecto. Creo que mi abuelo, al que adoraba, se merecía un actor como Rellán para darle vida. Alba Flores como mi mejor amiga, como la luz que me salva en un montón de momentos, está excepcional y me he quedado con muchísimas ganas de trabajar con ella más, bueno, igual que con Candela. También está fantástico Guillermo Toledo haciendo el papel de editor, absolutamente impecable y Ramón Pujol como la luz, el amor, la maravilla, otro actor con el que tengo que volver a trabajar sí o sí. Quiero volver a trabajar con todos, porque son todos maravillosos, porque me han ayudado a generar un mundo y porque ha sido todo tan fácil con ellos que da mucho placer”. 

No es habitual compartir traumas y alegrías propios en una serie. Bob Pop ha tenido ya un aperitivo de las reacciones de su audiencia en preestrenos y pases privados o de prensa: “Primero me quedé muy temeroso y cuando el público ha empezado a ver y a valorar lo que he hecho he empezado a recibir las reacciones cariñosas. Sobre todo, lo que he hecho ha sido contarlo del modo en el que yo lo quería contar. Yo he sido el dueño del discurso, del tono y de la voz, con lo cual estoy muy contento, porque más allá de lo que cuente creo que cómo lo cuento funciona muy bien y se entiende muy bien. Y si algo no quiero es que se me malinterprete. Nunca”.

“Por intelectualoide que seas cuando llegan momentos claves de tu vida te sale una canción”

Introducir canciones en la ficción es un lujo como los efectos especiales, el pago de sus derechos no es ninguna broma. En esta serie se pueden escuchar temas icónicos del pop. A ello se refiere el creador de la propuesta: “Las canciones eran fundamentales porque con los años me di cuenta de que por muy lector voraz que seas, muy intelectualoide, muy repipi, muy pedante como soy yo, cuando llegan momentos claves en tu vida y necesitas tirar de palabras que tengas almacenadas en la cabeza de memoria, no te sale un poema de Gil de Biedma, no te sale un párrafo de una novela de Belén Gopegui, lo que te sale es una canción de Culture Club o de Los Pecos. El pop es el gran eco sonoro que tenemos para recordar, el pop son nuestras papilas”.

Respecto a si la realidad ha cambiado desde su niñez para los y las jóvenes homosexuales, Bob Pop se muestra optimista: “Yo quiero creer que es menos duro hoy ser niño, niña, niñe LGTBI, pero si alguien necesita esta serie para sentir un momento de alivio, de reposo y sentirse acogida o acogido, bienvenido sea. ¡Ojalá!”.

Cayetana Guillén Cuervo está interpretando junto a Ayoub El Hilali la obra de teatro escrita por Emma Riverola Puertas abiertas. Su personaje vive en París y la noche del 13 de noviembre de 2015 escucha en los medios de comunicación que la ciudad está siendo atacada en una angustiosa cadena de atentados terroristas. Surge la iniciativa ciudadana de acoger a desconocidos que han quedado atrapados por el bloqueo de los transportes y ella abre la puerta a un huésped que resulta ser árabe. A partir de ahí surgen prejuicios, miedos, encuentros y descubrimientos.

Guillén Cuervo invita a los lectores a profundizar en esa noche. Recomienda el documental 13 de noviembre: terror en París, tres episodios que pueden verse en Netflix. La pieza es obra de los hermanos Gedeon y Jules Naudet, nacidos en Francia y nacionalizados en Estados Unidos, veteranos documentalistas que ya se habían acercado además de a otros temas a los atentados de las Torres Gemelas de 2001. En esta ocasión, el formato consiste en testimonios directos de las víctimas. “Me ha parecido un buen punto de vista —señala Cayetana Guillén Cuervo—. No es un tema fácil, la verdad”.

“Los testimonios están tomados con respeto, con sensibilidad”

Los testimonios siguen un orden cronológico. Comienzan con la sencilla enumeración de sus planes para ese viernes; ver a un amigo, tomar una copa en una terraza, ir a un concierto en la sala Bataclan, al fútbol, todo en los lugares en los que se produjo la masacre. “La gente ha ido respondiendo desde las emociones, que es un punto de vista interesante y tomado con respeto, con sensibilidad”, subraya Guillén Cuervo sobre este enfoque tan nítido en las víctimas de aquella noche.

Poco a poco o de forma brutal, los atentados se cruzan con sus vidas. También con la de algún miembro de los bomberos y de los equipos médicos, incluso con la de François Hollande o Anne Hidalgo, presidente de la República y alcaldesa de la ciudad, que participan en la producción, no en su calidad de gestores sino como parisinos afectados. 

Lo sucedido fue espeluznante, los terroristas ametrallaron a sus víctimas en varios bares y restaurantes y tomaron la sala Bataclan en pleno concierto de Eagles of Death Metal, matando solo allí a cien personas. Recoger las historias de los supervivientes podía caer en el sensacionalismo o en la superficialidad por evitarlo. Esta aproximación ha esquivado ambos peligros según la actriz: “Creo que está en un término medio, desde luego no me parece que nadie haya estado morboso ni tampoco que nadie haya sido frívolo, es bastante correcto según mi punto de vista”. 

“Los supervivientes han tenido la generosidad de ponerse ante la cámara”

Progresivamente los testimonios se van centrando en un grupo de personas que estuvo secuestrada por dos terroristas en un pasillo de la sala de conciertos mientras en el local proseguía la matanza. Fueron largos minutos que les unieron de forma excepcional. Sus declaraciones tienen gran valor para Guillén Cuervo: “Están transmitiendo emociones por las que transitan que son muy delicadas y creo que solamente haber tenido la generosidad de ponerse ante una cámara a contar esos momentos, que, desde luego, les tienen que despertar cosas terribles está muy bien y creo que lo hacen muy bien, se les congela a veces la voz, se quedan pensando en algo, les vienen recuerdos que son casi traumas, desde luego. Ante todo destaca su generosidad”.

El documental tiene momentos mágicos. Varios de los participantes se asombran al recordar como el tiempo se paró, y a la vez se aceleró y a la vez no transcurría. Había dejado de tener sentido. Y a pesar de tratarse de circunstancias extremas, la experiencia de la muerte puede resonar en los espectadores según Cayetana Guillén Cuervo: “Creo que la muerte la tenemos muy poco presente en nuestra vida por nuestra cultura y que cuando viene, cuando tocamos la pérdida y sufrimos la ausencia de un ser querido nos provoca un shock emocional que tenemos que ir gestionando con su duelo. Deberíamos estar más cerca, más sensibilizados. Desde luego, nunca vamos a estar sensibilizados a una muerte por violencia, por un acto violento que corta una vida en mitad de su trayectoria, de su camino. Es imposible, a eso no nos vamos a sensibilizar porque nunca nos podemos sensibilizar a nada que tenga que ver o esté relacionado con la violencia”. 

La actriz y presentadora desde hace más de veinte años del espacio sobre cine español y latinoamericano, Versión española, en La 2, además de valorar la generosidad de los participantes en esta miniserie, entiende por qué lo hacen: “Porque es una catarsis, una manera de limpiar el dolor. Julie, mi personaje, dice en mi función, en Puertas abiertas, que es bueno compartir el dolor, y lo dice sabiendo lo que es una herida. El dolor escondido se transforma en algo casi físico, una angustia que casi puedes tocar y que te puede bloquear para transitar por otros lugares de la vida. Creo que está bien compartir el dolor y está bien apoyarse en los demás para pedir ayuda”. 

“Oír a las víctimas te provoca estupor. Es ver en un espejo que te puede tocar a ti”

A la actriz le han llegado las reflexiones de los participantes en el documental: “Ver a las víctimas de un atentado contándolo te provoca, además de gratitud, sensación de realidad con un tema al que todos nos sentimos ajenos pero que en realidad a todos nos puede ocurrir. Te provoca estupor porque esa persona que es exactamente igual que tú y hace una especie de función de espejo ha vivido una secuencia de terror que te puede tocar a ti. Yo, ahora mismo, con el personaje de Julie, en Puertas abiertas, me acerco a eso todos los días en cada función”. 

El trabajo de los hermanos Naudet se limita a dar la información mínima imprescindible sobre los hechos. Pasa por alto a los terroristas. Los participantes hablan en decorados sencillos, nada distrae de su emoción: “La realización estética del documental me parece bien —tercia Guillén Cuervo—, no se le da mucha importancia a la cámara y no subraya cosas que podrían ser muy angustiosas o que podrían ser tremendas para el ser humano y que no hace falta. Lo cuenta con una distancia que creo que es elegante”. 

Hay ciertos paralelismos entre la obra que interpreta Cayetana Guillén Cuervo y el documental de Netflix, a parte del punto de partida de los atentados, según esgrime: “El miedo de los ojos de los protagonistas, las ganas de compartir el dolor, la necesidad de apoyarse en el otro para salir de tu propia herida, el duelo, el concepto de vivir con un trauma y tener que gestionarlo para poder vivir con lo que la vida cotidiana te va a ir aportando. Creo que el personaje de Julie y el de Faruk, que interpreta Ayoub El Hilali, tienen mucho en común con muchos de los personajes del documental”. 

La actriz elogia el texto que interpreta, que girará por distintas poblaciones tras su paso por Madrid y Barcelona: “Emma Riverola tiene una sensibilidad maravillosa. Se ha acercado con una inteligencia emocional a un tema muy delicado como es la violencia, como es la islamofobia, como son los prejuicios, los miedos, las heridas, los traumas y la necesidad de escuchar las razones del otro para poder entender su diferencia. Ha escrito una función realmente inteligente, maravillosa con la que estamos consiguiendo recorrer España y cambiar el punto de vista de mucha gente”. 

Cuando estalló la bomba que ETA había colocado bajo el coche de su madre, los cámaras y fotógrafos estaban cerca. Era el segundo atentado esa mañana en la zona. Eso convirtió a la entonces niña de doce años Irene Villa y a su madre, María Jesús González, malheridas en la calle, en la imagen del horror. Poco a poco, durante los treinta años transcurridos desde ese 17 de octubre de 1991, Irene Villa se ha transformado en comunicadora y en un icono de superación personal. Ese positivismo inquebrantable que le caracteriza le ha llevado también a elegir la serie que recomienda a los lectores, This is us. 

Se trata de un prestigioso drama del cual hay disponibles 78 episodios en Prime Video y que acaba de anunciar que su próxima temporada, la sexta, será la última. Hay quien prefiere que las series no se alarguen indefinidamente, no es el caso de Irene Villa, quien “como fan yo estiraría la serie, la haría perpetua, eterna”.

“He llegado a verla cuando hacía la comida y al ir al baño”

Y como fan ha visto la serie: “El primer capítulo es raro y no engancha tanto, pero una vez que entras en la trama de los tres hermanos no puedes soltarla. Recuerdo bajarme los capítulos en el teléfono y tener que verla incluso cuando hacía la comida, al ir al baño. En los viajes de esquí, que tuve bastantes la temporada pasada, iba las cuatro o cinco horas a Granada en la furgoneta con el móvil bien cargado de batería para ver los capítulos, sin poder parar, uno detrás de otro. Un atracón”. 

This is us iba a ser una película sobre unos octillizos, pero al transformarse en serie pasó a ser la historia de unos trillizos que cumplen 36 años, y de sus padres, a los cuales también se sigue en el pasado, cuando tenían su edad. A partir de ahí se profundiza en este grupo y sus mundos: “A mí lo que más me emociona son las personas, las familias, las relaciones —afirma Villa—, y esta serie justo engloba lo que ocurre con las relaciones interpersonales, las cosas buenas, las malas, las diferentes formas de comunicarse, cuando hay falta de comunicación, la rencillas que a veces se crean entre los hermanos, cómo las superan. Pero lo que más me emociona son las buenas intenciones de un padre y una madre completamente entregados a sus hijos. Como madre me identifico un montón con Rebeca”.

Nada más nombrar a un personaje salta a los demás: “La que me encanta por ejemplo es la hija, Kate. La verdad es que creo que me gustan todos los personajes de This is us. Son para comérselos, con sus luces y sus sombras. Me encanta que la serie ponga el foco también en las miserias de cada uno, porque por supuesto que todos las tenemos aunque mostremos el lado bonito y bueno. Sufrimos, lloramos, a veces metemos la pata. Por eso esta serie tiene esa magia de saber que no todo es perfecto, que vemos siempre la parte bonita, pero a lo mejor la parte fea es la que nos hace también ser como somos. Me he emocionado, he llorado, he reído y por eso la recomiendo”.

“Me encanta como está tratada la diversidad, no es un personaje suelto, son los protagonistas”

Una de las banderas de Dan Fogelman, creador de la serie, y también guionista en películas como Cars, Cars 2 o Crazy, stupid, love, es la diversidad. Su hermana lidia con su sobrepeso, asesora en la serie y ha servido de inspiración para el personaje de Kate. La serie cuenta con varios guionistas y directores y personajes afroamericanos: “Me encanta cómo está tratado este tema porque está de moda introducir a lo mejor a una persona en silla de ruedas…, pero, en este caso, son los protagonistas —señala al respecto Irene Villa—. Uno es una persona negra adoptada por un matrimonio blanco en los ochenta, una pareja que te la comes. Además de guapísimos y simpatiquísimos, son amorosos, adoptan este bebé, es una lección de amor, de valentía, de humanidad. Y me encanta que el director tenga una hermana obesa porque, efectivamente, creo que está tratada con mucho cariño la obesidad, y nos podemos identificar muchísimas mujeres con Kate aunque no la tengamos porque esa no aceptación en algún punto a todas nos ha pasado. Ese miedo, esa culpa, muy de madre también. Kate es un personaje adorable, puro amor y, sin embargo, lo que sufre. Me encantaría coger el teléfono y decirle: 'Kate, tía, pasa de esto'”. 

La serie combina diferentes momentos temporales. Para Irene Villa, esta estructura es perfecta para analizar los comportamientos: “Una vez que entiendes esos flashbacks y ese volver al presente, también hacia delante… me parece alucinante, porque es verdad que todo en esta vida te condiciona, algo que has vivido en tu niñez y en tu adolescencia puede condicionarte en el presente en tu adultez, esa frase que escuchaste, eso que viviste, ese médico que de repente te dice algo que se te queda clavado, de pronto cobra sentido, o cierras el círculo, o se coloca la pieza del puzle que faltaba”. 

“Es estupendo que tengan que ir al psicólogo. En EE.UU. está normalizado, aquí nos cuesta”

Y en ese sentido encuentra otro aporte: “Es estupendo también que tengan que ir al psicólogo. En Estados Unidos está muy normalizado, pero aquí todavía nos cuesta y sin embargo creo que es un empujón y una ayuda clave para que el resto de tu vida vaya sobre ruedas. A veces hay tropiezos y momentos duros en los que una ayuda terapeútica te cambia la vida”.

Dan Fogelman es un maestro en combinar problemas y alegrías. A Irene Villa le atrae lo que consigue transmitir: “Autoconfianza, motivación, me encantan estos valores que la serie refleja y expresa. Y como ese padre motiva a sus tres hijos, les llama 'the big three', osea, sois grandes los tres, cada uno con vuestros condicionamientos, peculiaridades, pero sois los tres fenómenos. Esta es la labor de los padres. Estoy en línea perfectamente con ese padre que quiere empoderar a sus tres hijos. Es que es preciosa la serie”. 

“Con esta serie me voy a la cama con una sonrisa de oreja a oreja”

A pesar de que This is us ha provocado ríos de lágrimas, consigue dejar buen sabor de boca a sus seguidores, entre ellos a Irene Villa: “Con esta serie me ha pasado una cosa muy curiosa y es que te vas a la cama con una sonrisa de oreja a oreja. Yo me he visto a mí misma viendo la serie como: 'Ay, qué bonito es el amor, y qué bonita es la familia'. Con sus miserias y con sus cosas buenas, me parece una serie que te da placer. De hecho, la estoy viendo por segunda vez, y si estoy agobiada, o estresada, el mundo se para y me crea emociones muy positivas”.

La forma de consumir las series a demanda en plataformas hace que se pierda a veces el juego de comentarlas juntos que aportaba la televisión generalista. Irene Villa ha conseguido tener su grupo de cómplices en esta ocasión: “Disfruto mucho de las tertulias acerca de This is us porque me la recomendó una mamá del cole, yo a su vez a mi madre y a la chica que me ayuda. La vemos cada una en su momento, porque es verdad que ahora esto está muy individualizado, pero me encanta la polémica que surge: 'Kevin tenía que haber hecho lo otro'. 'A Kevin se le perdona todo porque está buenísimo, vale, pero Randall, respira, Randall'... La serie tiene esos personajes tan profundos que les llegas a conocer y entiendes porqué actúan como actúan. Uno le justifica, otro le defiende, el otro le ataca. Se crean debates con opiniones de todo tipo”.  

Villa está recuperando poco a poco la presencialidad en los eventos y congresos en los que participa y acompaña a su hermana, que dirige la Fundación Irene Villa, mientras espera una revisión en un tornillo de una de sus piernas, lo que le ha hecho volver a sus muletas. “He decretado que 2021 es mi año” afirma. Añade que quiere contagiar en sus colaboraciones “humor, esperanza, alegría, empoderamiento para sacar el talento que cada uno tiene” y encuentra en This is us “mucha psicología, te da confianza en la vida, en esa oportunidad que nos brinda cada día, mente de principiante, hoja en blanco, y decir: 'No me importa lo que he sufrido, lo que ha pasado, cómo me han tratado, yo lo voy a hacer bien'”.

Estefanía Molina es una de las analistas políticas habituales en los medios informativos. Periodista y politóloga, en ambos grados fue la primera de su promoción en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. Acaba de publicar El berrinche político, los años que sacudieron la política española, que se centra en el periodo desde que los nuevos partidos entran en las instituciones en 2015. Para Molina, esta situación, derivada del 15M, guarda cierta relación con la serie que ha elegido recomendar, La casa de papel, que puede verse en Netflix y cuya temporada final se estrenará en dos tandas de cinco episodios, una a partir del 3 de septiembre y otra desde el 3 de diciembre de este año.

“Es una de esas series que tal vez sin esperarlo me enganchó enseguida —apunta Molina—. Me la recomendaba mucha gente y yo siempre estaba reticente. Pensaba: 'Será la típica de acción'. Pero en el momento que vi un capítulo puedo certificar que me pasé todas las Navidades pasadas viendo La casa de papel de cabo a rabo y si me dan ocho temporadas más, ocho más que veo. Me gustó muchísimo y sobre todo, lo que más me interesó fue su adecuación al tiempo político. No está muy desligado de lo de mi libro, se señalan varios elementos fundamentales para su trama, un atraco, un robo. Creo que al papel de la opinión pública se le da una dimensión que es fundamental y que la política tiene. Ellos logran ganarse a la opinión pública y son como los antisistemas de todo ese entramado. Son conscientes todo el tiempo de que ganarse el favor de los ciudadanos es lo que les va a permitir seguir avanzando en su trama y para mí ese elemento, esa lucha sistémica se explica muy bien. A lo mejor he conectado por eso, por lo que ha pasado estos años”. 

Se refiere al cambio político del último lustro, sobre el que alerta: “Las instituciones han tamizado sentimientos (del 15M) que eran nobles, porque era esperanza de regeneración, de más transparencia en el entramado político, de nuevos partidos que trajeran nuevas demandas o canalizaran nuevos anhelos. El bipartidismo se quemó en cuarenta años, y parece que en cinco o seis se ha quemado esta nueva realidad. Hay un riesgo de que la clase política no sepa detectar cómo ha cambiado el sistema y eso lleve a unos sentimientos de nihilismo, resignación, hastío y a fin de cuentas, antipolítica”. 

“Aquí la bondad y la maldad cambian rápidamente de lado”

Respecto a la propuesta del guionista y productor ejecutivo Alex Pina, el hecho de que los protagonistas sean ladrones no ha distanciado a Molina de sus preocupaciones: “Me gustan mucho todas las series donde no hay buenos ni malos. Aquí la bondad y la maldad cambian rápidamente de lado. Por un lado están los atracadores, o el robo que ellos quieren llevar a cabo y por otro lado está la policía. Y el propio espectador se va sintiendo a veces ambivalente: '¿estoy con los buenos o estoy con los malos? ¿Quiénes son los buenos y quiénes son los malos?' Creo que mover al espectador, no hacer que esté cómodo cuando ve la serie es una maravilla. Incluso en el propio registro de los personajes, porque son atracadores, pero son atracadores con vidas personales, con miserias personales, luces y sombras que tiene cualquier ciudadano de a pie. Esa humanidad de uno, que no es esencialmente buena o esencialmente mala, que son las circunstancias, la historia de vida, es lo que me ha atrapado a nivel humano”. 

Y entre estos personajes, tiene claros favoritos: “Hay dos que para mí son los centrales en la trama y que el espectador ya irá viendo, no vamos a hacer spoiler, qué relación existe entre ellos, que son para mí las dos inteligencias con mayúsculas de esta historia. Uno es el profesor, al final es la persona que idea el atraco y la persona que tiene todo calculado al milímetro. Es alguien metódico, una inteligencia al servicio de un fin, de lograr algo, una especie de resarcimiento personal, y eso se cuenta en la historia, y él pone a ese fin esa inteligencia. Es un personaje que encandila porque la historia está tan bien hilada que cuando el espectador pega un salto, 'esto no va a salir bien', de pronto el profesor hace una pirueta y consigue salir de ahí. Y el otro personaje que es también central es Berlín, uno de los atracadores. Tal vez sea el personaje más controvertido porque tengo muchas amigas que dicen: '¿Cómo puede gustar este personaje si a veces tiene un trato con las mujeres no muy conforme, no muy agradable?'. Creo que es la otra inteligencia de la historia, al final Berlín es la inteligencia convertida en nihilismo. Es la supervivencia y el hastío, incluso el cinismo. Pero a la vez los dos son muy inteligentes y esas son las dos vertientes que puede tomar una persona inteligente, un nihilismo o un existencialismo, algo que al final está también muy en la historia de la filosofía”.

“Parece una serie de Hollywood”

Aunque el paralelismo con el cambio político de los últimos años es el factor con el que más ha conectado, Estefanía Molina destaca también su factura: “Es la típica serie que uno no piensa que sea española. Creo que hay una innovación a nivel de registros de los personajes, de trama, de trabajo de lo que es todo el argumento de la historia, de escenarios, producción, todo el cambio audiovisual… está trabajado de una forma que yo hubiese dicho: 'Esta serie es de Hollywood'. Muchos de los actores eran conocidos, pero a lo mejor no tanto, y ahí se convierten en una auténtica revelación, un auténtico fenómeno de masas. Recuerdo haber visto entrevistas de los actores, porque me he vuelto muy fan de La casa de papel, en las que explican que salen a la calle en cualquier país de Latinoamérica donde se ha emitido también, ni que decir en España, y son rápidamente perseguidos por los fans, es que ha sido una auténtica revelación. Creo que tiene todo lo bueno de que conecta con sucesos que han pasado en España pero a la vez tiene todo lo fabuloso de lo bien trabajada que está que parece una serie de Hollywood”.

Molina ha disfrutado al reconocer localizaciones de la serie: “Yo, que he correteado por muchos ministerios intuyo que hay algún edificio que se parece a alguno, me digo: 'No puede ser que esto se haya rodado ahí'”. Acierta por ejemplo en lo que respecta al ministerio de Fomento, que fue cedido gratuitamente a la producción (ver aquí). La periodista abunda en su admiración: “Hay una potencia, fuegos de artificio, disparos, bombas, en pleno centro de Madrid. Es absolutamente fascinante. Nunca había visto una producción española así y creo que ese es el gran orgullo que tenemos que tener con La casa de papel, ese repertorio de efectos audiovisuales, incluso de parecer una película en sí misma. Yo creo que La casa de papel es una película hecha serie, todo es tan espectacular, todo lo que ocurre, que llega muchísimo. Es una gozada verla, incluso si quitáramos la voz, a nivel visual es espectacular”. 

“El plan del profesor es perfecto, pero choca con la realidad”

La serie plantea un elaboradísimo atraco con un gigantesco botín, un género clásico a lo grande. “Me encantan los thrillers, —señala al respecto la analista política—, soy de las que ha leído mucha novela policiaca, series de investigación, incluso de pequeña era muy aficionada a unos dibujos que iban de que el personaje descubría cómo había sucedido un asesinato. Por tanto en este caso, en el que es un atraco, se trata de ver cómo hay un plan perfecto pero siempre por una circunstancia sobrevenida, creo que eso es mucho La casa de papel, ese plan perfecto en la cabeza del creador, que es el profesor, choca con la realidad. Y la capacidad de sobreponerse a esas injerencias, esas interferencias de la realidad es parte de la magia, porque todos los escenarios están estudiados, si no ocurre esto ocurrirá esto otro y para una mente humana, incorporar la incertidumbre, los escenarios hipotéticos y darles una salida, me da la sensación de que es un trabajo exquisito”. 

Manuel Jabois es un brillante periodista en El País, colaborador en diversos medios, y ha presentado recientemente su tercera novela, Miss Marte. “Creo que he dado dos saltos adelante respecto a Malaherba, tengo más experiencia”, señala. A pesar de esta afirmación, su tono es más proclive a mostrar sus inseguridades. No respecto a Line of Duty, la ficción de seis temporadas que acaba de finalizar y puede verse en Netflix y en Movistar+, a la que llegó por recomendación de Eneko Ruiz, colega periodista, cuando buscaba una propuesta de intriga compleja. 

La serie sigue a tres personajes de la unidad policial AC12, de Asuntos Internos. Los agentes Kate y Steve y el jefe Hastings, “el último bastión de occidente” para Jabois, quien destaca la estructura de la producción: “Tiene algo interesante, una trama larga, subterránea, que prácticamente abarca todas las temporadas, late por debajo y luego en cada temporada hay un caso concreto que finalmente suele ramificarse hacia ese otro general, sobre la corrupción policial en los más altos mandos”. 

Esta complejidad a veces le ha generado problemas: “Si la has seguido año a año como yo, tienes que refrescarlo un poco. Recurro a Google para recordar el personaje del que hablan o a quién mataron. Estoy convencido de que estos tipos al final han tenido el mismo problema que tuvo Howard Hawks cuando trasladó a la pantalla una novela de Dashiell Hammett, que había un muerto que no sabían a quién atribuir y fue al novelista a preguntarle: '¿Éste de quién era?'. 'No tengo ni idea ya de quién lo mató, se me quedó ahí colgado, es un cabo suelto, por favor, no lo utilices porque quedamos en evidencia todos”. Y en este caso hay momentos en los que puedes pensar que ocurre algo así. Pero en general está todo súper bien atado“.

“Yo a cualquiera que diga que es inocente ya lo descarto”

Esta estructura resulta también uno de los grandes atractivos: “Yo soy por encima de cualquier otra cosa, por encima incluso de lector de periódicos, lector de Conan Doyle, los Sherlock Holmes los tengo casi memorizados. Y ese tipo de literatura o ese tipo de narración me entusiasma muchísimo. No porque esté jugando continuamente a ver si yo lo adivino porque soy muy malo en eso. Soy extremadamente torpe. Yo a cualquiera que diga que es inocente ya lo descarto, es tremendo. Pero es un tipo de narración muy británica y la admiro mucho”. Lo mismo que le pasa con los personajes le pasa con los actores, reconoce: “No soy un gran crítico de interpretaciones. Me las creo casi todas. Tienes que ser muy malo para pensar: 'no'. Me gustan muchos”. Tampoco especula sobre por qué la serie se ha convertido en un fenómeno extraordinario de audiencias en la televisión en abierto en el Reino Unido: “No soy nada bueno interpretando al gran público. Ni sé muy bien lo que quiere, ni lo que no quiere y sé que es muy caprichoso. Me alegro muchísimo porque la factura es de calidad altísima”. 

Tiene más claro por qué gusta en su entorno: “A mí lo que me enganchó y a la gente con la que trato, lo hemos hablado bastante, es ese dilema que plantea continuamente sobre la ética y la moral. Hablamos de tipos con una altura moral y ética sobresaliente, casi inhumana. Una unidad de élite de anticorrupción, por un lado plantea ¿quién vigila a los que vigilan?, y, por otro, dentro de ese alto concepto de la ley, de ese funcionamiento interno, de vez en cuando se introduce el factor humano. El momento en que tienes que tomar una decisión, si estás de acuerdo con la ley o con lo que te está pidiendo el corazón porque sabes que sería una injusticia aplicarle la ley a una determinada persona. Ocurre además en todos nuestros ámbitos de la vida”. 

“Cuesta cantidad de injusticias pequeñas y fallas éticas mantener un alma incorruptible”

“Hay una frase que decían, –prosigue– no sé si cierta, de los asesores de Gandhi: 'Hay que ver la cantidad de dinero que cuesta mantener a Gandhi pobre'. Hay que ver la cantidad de injusticias pequeñas y de fallas éticas que a veces cuesta mantener un alma incorruptible. En este caso creo que son valiosísimos esos personajes, valiosísima su dedicación profesional. Cuando la vida choca con la ley, a veces genera dilemas que son irresolubles. En muchos momentos de esta investigación policial y en muchos momentos, creo yo, de nuestra vida, hay decisiones que van en contra de la ley o en contra del reglamento. No estoy hablando de grandes decisiones contra leyes que todo el mundo considera inatacables, pero hay trampas. Te puedes saltar el procedimiento de vez en cuando por un bien común. Y esta serie precisamente yo creo que recoge un poco de eso”.

A lo mejor por eso el departamento policial de Asuntos Internos le parece “el peor trabajo del mundo”. “Ayer se lo decía a mi pareja. Ni con un palo toco yo algo parecido a eso. Ese y el de infiltrado. Estoy viendo Oficina de infiltrados (Movistar+), que me parece otro 'serión'. Vas haciendo el bien, pero para lograrlo haces pequeños y continuos males. Aquí tu trabajo es sospechar, cansadísimo, y te impide llegar a empatizar del todo con alguien. Incluso en la relación tan especial que tienen los tres, Steve, Kate y Hastings, caray, siempre están, también entre ellos: '¿Por qué esto y por qué lo otro?'. Tienen vidas personales destrozadas, aunque no se incide mucho. Pero si hiciéramos una Line of duty fuera de la oficina serían tres seres humanos con verdaderos problemas de carácter y a la hora de formar una familia y de tener un círculo de amigos, no solo por la exigencia del trabajo, también por la autoexigencia y estar atentos a si los demás están haciendo o no el bien”. 

Jed Mercurio, creador y guionista de Line of duty, médico de profesión, debutó con la serie hospitalaria Cardiac arrest, que fue elegida por los médicos como la más realista en su género. En este caso, sorprende el rigor con el que se detalla el procedimiento policial: “Soy periodista y me encanta –celebra Jabois–. Entiendo que haya espectadores que piensen que llevan ya diez minutos de enumeración de leyes, a mí personalmente me gusta pensar que las cosas ocurren así. Sé que es ficción pero está perfectamente ajustada a una unidad de anticorrupción real”. Cada vez que comienza un interrogatorio, la máquina que lo graba emite un sorprendentemente largo sonido, del que dice el escritor de Sanxenxo: “Hay episodios que me tiraría enteros escuchando el pitido nada más. Los tíos están ya mirándose como pensando si rompen la máquina. No sé si ya están mirando los personajes o los propios actores. Pero me parece una de las señas de identidad más reconocibles de la serie. Estoy dispuesto a delinquir solo para escuchar el pitido de primera mano”.

Jabois ha actualizado el guion de El asfalto, el clásico de Historias para no dormir

Además de seguir los pasos de Miss Marte, novela que él mismo explica, acaba de estrenarse como guionista, renovando uno de los más clásicos mediometrajes de la serie Historias para no dormir, El asfalto: “Me he divertido mucho, firmo con un monstruo, Rodrigo Cortés, estoy con una directora reconocidísima y premiadísima, Paula Ortiz, con la que ha sido una maravilla poder trabajar. Se está rodando estos días en Madrid con Dani Rovira e Inma Cuesta y para mí ha sido alucinante poder hacer algo así”. 

Una vez más confiesa divertido sus límites: “Me perdía un poco escribiendo con mis literaturas, estoy acostumbrado a escribir libros, crónicas, y el guion te pone en tu sitio inmediatamente. Cero expresar sentimientos y emociones que no puedan reflejarse en pantalla y que no pueda percibir el espectador. En una primera versión yo, claro, digo: 'Voy a contar la historia a lo grande' y el tipo se queda atrapado en la Gran Vía y hay un momento en el que llegan dos helicópteros. La producción vio el guion y debieron pensar: 'Este chico no hace muchos guiones, ¿no?, porque aquí vamos a necesitar 30 millones de euros de presupuesto'. Así que se está haciendo con muchos recursos pero sin cerrar Madrid”. 

A pesar de no tener dos semanas libres en los próximos años, le ha gustado el aprendizaje y no descarta el trabajo en guion a medio plazo, puede que adaptando sus propios libros, según afirma: “A veces les coges tanto cariño a los personajes que no te apetece ponerlos en manos de otros aunque tengan mucho más talento que tú”.

Reyes de la noche llamó Jordi Évole a su edición de Salvados que reunió a dos míticos rivales, José María García y José Ramón de la Morena. Así han titulado también los guionistas Cristóbal Garrido y Adolfo Valor la serie sobre los personajes que no llevan sus nombres pero que están claramente inspirados en ellos. Los seis episodios comienzan a emitirse esta noche de dos en dos en Movistar+. Adaptan libremente los salvajes navajazos entre dos periodistas deportivos, dos sectores del fútbol, dos medios de comunicación y cómo no, dos Españas, que tuvieron lugar en los primeros años noventa. 

El reparto está lleno de aciertos y dirigido con un tono logrado que no necesita subrayar la comedia para encontrarla. Destacan las sólidas interpretaciones de Itsaso Arana o de Miki Esparbé en su papel de coprotagonista y por supuesto la de Javier Gutiérrez. El extraordinario actor nacido en la asturiana Luanco y ganador de innumerables premios por sus interpretaciones tanto en cine como en televisión y en teatro da vida aquí a Paco el Cóndor, trasunto no reconocido de José María García, un gran líder en frasco pequeño que condensa todo el aroma de esos jefes que en cualquier época se conocen como de vieja escuela.

Gutiérrez explica cómo encontró el tono para este personaje que defiende su programa de radio como si se tratara de su propia vida: “Cuando los guiones están tan bien construidos y tanto los creadores de la serie como los directores lo tienen tan claro, uno tiene que hacer bastante poco ya. Había un trabajo tanto de ambientación como de fotografía, vestuario, maquillaje o peluquería muy a favor. Hay actores que comienzan la construcción de los personajes más desde dentro hacia fuera y en este personaje en concreto yo necesitaba más verme desde fuera para interiorizar al personaje”. 

“Había páginas de guion con veinte epítetos y apetecía darles el soniquete a José María García”

El actor afirma haberse inspirado para su caracterización en el mítico periodista televisivo Lou Grant, aunque la influencia de García es innegable: “Es cierto que no podemos obviar que estamos hablando de los dos grandes, de las dos grandes estrellas radiofónicas del mundo del deporte de aquella época y una de ellas era evidentemente José María García. Había páginas enteras en el guion con quince, veinte epítetos hacia Jesús Gil o hacia cualquier dirigente de la Federación Española de Fútbol y apetecía un poco que tuviese ese soniquete, ese aroma a José María García tan reconocible para absolutamente todos los oyentes de aquella época y aunque no fueran oyentes o fueran de otras generaciones porque yo creo que García sigue siendo hoy un personaje muy reconocible, muy icónico del mundo de la radio”.

Javier Gutiérrez intentó contactar con el periodista conocido como Butano sin éxito, y ahora no está especialmente pendiente de su veredicto: “Creo que no hacemos la serie ni para García ni para José Ramón de la Morena ni para el mundo del periodismo deportivo. Esta es una serie hecha para los espectadores a los que les guste el mundo de las series y del cine y no solo habla del fútbol ni de la batalla radiofónica de la rivalidad de aquella época entre De la Morena y García. Es el telón de fondo de una España que estaba cambiando, una España con olor a torreznos, a bocadillo de calamares y que abría una ventana al mundo, al exterior gracias a las Olimpiadas de Barcelona. Entrábamos en el mundo de la modernidad y salíamos de un túnel muy oscuro y eso creo que queda fielmente reflejado en la serie. Cómo va cambiando esa España, cómo se dan esos primeros pasos hacia una España más moderna. ¿Lo que opinen ellos? Me encantaría, igual que a los creadores, igual que al resto de compañeros, que les gustase la serie y que hablasen bien de ella, por supuesto, pero no sé si les apetecerá verla o qué opinión tendrán”. 

El argumento de la serie parte de un cambio de emisora de Paco el Cóndor que aprovechan en su antigua casa para intentar hacer un programa rival encomendado al joven y en principio inocente J. Montes. A partir de ahí se suceden un puñado de sucias y divertidas batallas por el liderazgo. Muchas de ellas son recreaciones de episodios reales que solo recordarán los muy cafeteros pero que, por ejemplo, han recopilado Alfredo Pascual y Carlos Prieto en El Confidencial. En algunos casos donde en la anécdota real había un entrenador hay aquí un jugador, o donde había un jugador hay un árbitro, otras son más fidedignas, pero por disparatadas que sean las historias, rezuman credibilidad. Y es que fue un momento con comportamientos y personajes reales más estrafalarios que los de cualquier ficción, como Jesús Gil, al que sí se cita con su nombre real. 

“De momento hay muy buenas críticas, el feedback de periodistas y críticos es inmejorable”

Las historias de la época y sus protagonistas son tan abundantes que darían para numerosos episodios. Movistar+ ya ha confirmado una segunda temporada y Javier Gutiérrez es optimista respecto a la continuidad de Reyes de la noche: “Yo creo que lo que contamos se puede administrar de modo que tenga mucho más recorrido. Los personajes valen la pena, la historia merece la pena también ser contada. Ojalá haya una buena recepción por parte de los espectadores y la plataforma quiera hacer hasta una tercera temporada. De momento hay muy buenas críticas y el feedback con los periodistas y críticos cinematográficos y de televisión está siendo inmejorable”. 

La serie puede verse de un tirón. Como señala Javier Gutiérrez: “Es maravilloso que los capítulos sean cortos. Lo que no se puede hacer es capítulos de setenta, ochenta minutos como se hacía hace años en las cadenas generalistas, con cortes de publicidad de diez, quince minutos. Es un coitus interruptus continuo que hace que el espectador desenganche o desintonice constantemente. En el mundo de la comedia todavía mucho más que en el drama se necesitan esos episodios que dejan al espectador con ganas de más. En una serie como esta, con un ritmo tan vertiginoso, sientes deseos de que te cuenten más cosas, creo que los treinta minutos son ideales para devorar la serie, que te puedes ver los seis capítulos de una sola sentada”.

“Siento nostalgia y añoranza de esa época. Hoy vamos con el bozal puesto”

A pesar de centrarse en una rivalidad malsana, la serie consigue reproducir la pasión profesional y la intensidad de los años noventa. “Siento nostalgia y añoranza —señala al respecto Javier Gutiérrez—. Parte de esa España forma parte evidentemente de mis recuerdos, del chaval que vino a Madrid a estudiar interpretación desde el norte de España, desde una ciudad pequeña como Ferrol y venía con muchísimas ganas de ser actor, pero también hice mis pinitos como periodista deportivo”. 

Y no es el único, añade: “Hoy estaba escuchando a compañeros que trabajan en la radio, desde Gemma Nierga a otros compañeros de emisoras deportivas y hablaban de esa época con nostalgia y decían palabras como felicidad o libertad, quiero decir, que hay cierta añoranza de una forma de hacer periodismo y radio con una autenticidad que creo que a día de hoy no se hace. Hoy vamos con el bozal puesto, quizá, por las redes sociales, por un mundo que nos ha obligado a ser políticamente correctos por el qué dirán, porque dices cualquier cosa y en medio segundo ya está en las redes y ya hay gente opinando y emitiendo juicios. Eso ha hecho que seamos menos auténticos, para bien y para mal”. 

Entre los numerosísimos proyectos que tiene el actor, destaca uno especialmente: “Tengo por estrenar La hija, de Manuel Martín Cuenta, con el que voy a repetir después de El autor. Va a ser, espero y deseo, una de las grandes sorpresas de la temporada que viene, porque lo merece. Creo que Martín Cuenca es uno de los grandes cineastas de nuestro país y ha hecho quizá su mejor obra”. Además tiene pendiente otro estreno cinematográfico, Feroz, “una película que mezcla el thriller con el humor negro muy bien en la línea de Tarantino” anuncia, y dos proyectos teatrales en marcha, actualmente Principiantes, basada en unos relatos de Raymond Carver y Los santos inocentes de Delibes, versionada para el escenario para el año que viene. Entretanto, vale la pena acercarse a su aproximación al hiperbólico José María García.

Jesús Vidal saltó a la fama con su personaje sin ironía en la película Campeones y terminó de ganarse al público con su discurso de agradecimiento al Goya a mejor actor revelación de 2019. El 19 de mayo comienza su participación en la obra Calígula murió. Yo no, que podrá verse hasta el 6 de junio en el Teatro María Guerrero de Madrid. El intérprete, que tiene ceguera total en su ojo derecho y una miopía patológica que le deja un pequeño resto visual en el izquierdo, explica su relación con la pantalla. “Soy un actor muy cinéfilo a pesar de o gracias a mi discapacidad visual. Siempre, desde niño, me han llevado al cine. Para mí era un ritual, una fiesta, algo mágico, y yo veo el cine desde la fila tres. Ahora he perdido más vista, y bueno, lo mío con el cine es un amor de distancias cortas. Cuando hay subtítulos tengo que acercarme aún más, y tengo la suerte de contar con la ayuda de un telescopio que me permite ver más lejos y por tanto abarco la pantalla entera”. 

El intérprete tiene un gran conocimiento del cine, que se percibe cuando cita a sus directores favoritos: Antonioni, Von Trier y Cronenberg. “Yo creo que es mi Santísima Trinidad del cine”. Como película favorita destaca Anticristo: “Me parece maravillosamente filmada y muy bien interpretada y voy a nombrar otra de otro tenor, por ser distinta, Más allá de las nubes, de Michelangelo Antonioni y Win Wenders”.

“La gente no me asocia con el terror por la bondad de mi personaje en 'Campeones', pero me encanta”

Vidal elige la miniserie británica de 2015 de dos episodios disponible en Filmin El caso Enfield y justifica su recomendación: “Uno de mis géneros favoritos es el terror. La gente no me suele asociar a este género porque me han visto en Campeones, donde mi personaje tiene una bondad infinita y les cuesta mucho asociarme con este cine. Pero a mí me encanta el slasher”, señala refiriéndose a las películas en las que un brutal asesino se ceba, especialmente con adolescentes. “Me encanta Pesadilla en Elm Street, me gusta mucho también La noche de Halloween, me encanta el giallo”, se refiere aquí a otro subgénero, este de origen italiano, con abundante sangre y a menudo con investigación tras los crímenes. “Y me gustan mucho las películas de casas encantadas, —prosigue—, tipo Amityville, me gusta El exorcista también y sí que me gustan las películas en las que se aborda lo paranormal. No es que yo crea especialmente en ese tipo de sucesos, pero lo que me gusta observar y en lo que sí creo es en los estados alterados de conciencia que experimentan las personas que sufren o creen sufrir estos fenómenos extraños. Esto es lo que realmente me llama la atención”. 

De aquí deriva la ficción que ha escogido: “Quería hablar de una serie que trata uno de los casos más polémicos, el caso Enfield. Se trata de unos fenómenos acaecidos a una familia formada por una madre, dos hijas y dos hijos, uno de los cuales, no sé si tiene una discapacidad, el caso es que le cuesta hablar, y otro está internado en un centro. Este caso, el caso Enfield, siempre me ha llamado mucho la atención porque tiene una mezcla de fraude con sucesos que no se han podido demostrar”. El caso Enfield existió en realidad como investigación, y tuvo en vilo a parte de la opinión británica en el año 1977 cuando una niña de once años, Janet, afirmó haber protagonizado ciertos sucesos extraños.

“Creo que las niñas fingen los fenómenos extraños porque necesitan llamar la atención”

La serie mantiene la ambigüedad entre lo paranormal y lo fingido, para Jesús Vidal la realidad es más nítida: “El fraude en mi opinión es claro, creo que estamos ante dos niñas, o dos casi adolescentes, que fingen. Fingen poltergeist, fingen hasta una posesión y lo fingen por una necesidad de notoriedad, ellas quieren llamar la atención, y también por una necesidad paterna, de una figura masculina en su ambiente y esta ficción lleva a que la casa sea objeto de investigación de muchos parapsicólogos, entre ellos mi querido matrimonio Warren”. Vidal hace alusión al matrimonio de Ed y Lorraine Warren, investigador y medium en fenómenos paranormales que han inspirado numerosas películas y libros, entre otros un film sobre este mismo caso.  

A ello alude el actor: “Los sucesos empezaron y hay un momento en el que lo que es el poltergeist cesa. En medio hay sucesos de muy diferente intensidad, llegan a intervenir los famosos Warren y la serie está ambientada en un momento de la investigación que no coincide exactamente con el reflejado en la película El expediente Warren: el caso Enfield. Esta serie se centra mucho en los conflictos interiores que tiene la familia protagonista y en la relación que se da entre el protagonista de la serie, el parapsicólogo protagonista y la niña, Janet, que es la que experimenta más el poltergeist”.

“La relación paternofilial entre el parapsicólogo y la niña es lo más importante de la serie”

La serie crea una atmósfera íntima, triste y de cierta manera reconfortante, entre el investigador del caso y la víctima de los sucesos, como señala Vidal: “Entre el parapsicólogo y la niña se establece una relación paternofilial que es muy muy interesante y que en la película de James Wan pasan un poco de soslayo. Aquí, sin embargo, se ahonda en la necesidad de las niñas de llamar la atención y como entre los dos, el parapsicólogo y la niña surge esa relación que es, a mi modo de ver, lo más importante de la serie”. 

Los protagonistas lideran un duelo interpretativo con gran solvencia y el segundo investigador, interpretado por Matthew Macfadyen es conocido por los seguidores de las series recientes, por su personaje del advenedizo Tom en Succession. Juntos crean un clima intenso. “La serie no es la cascada de terror en la que se convierte Expediente Warren: el caso Enfield ni falta que le hace. No es el aprovechamiento técnico de los sustos que hace el maestro James Wan, pero miedo da. Es una serie, ya digo, muy psicológica. Esta parte psicológica del estado alterado de conciencia, sea o no por un fraude, el caso es que da a la casa una energía muy mala, un estado de conciencia muy muy alterado, muy mal rollo, y eso está perfectamente captado en la serie”.

Jesús Vidal ha disfrutado con las dos ficciones audiovisuales que tratan el caso, la miniserie y la película: “Yo no sé cual es mejor, si El caso Enfield o Expediente Warren: el caso Enfield, pero sí es verdad que he hablado de esta serie porque me parece muy importante el protagonismo que se da a la psicología de los personajes y a su mundo interior”.

Jesús Vidal termina destacando una secuencia de la serie en la que cree que se concentran algunas de sus mayores virtudes: “En el segundo capítulo, la secuencia de la posesión de la niña. Está narrada con pocos efectos, muy simples y creo que es importante que, junto al cine de terror más mainstream, de efectos especiales, exista también este tipo de cine, de ficción, en este caso serie, que nos cuente este tipo de fenómenos desde una perspectiva más interior. Y creo que las dos, serie y película, merecen mucho la pena”. 

Rocío Vidal es conocida en redes sociales como La gata de Schrödinger, en homenaje al experimento propuesto por el Nobel de Física de 1933 en el que un gato hipotético encerrado en una caja puede estar simultáneamente vivo y muerto. La periodista está especializada en desmontar falacias, y cuenta con más de medio millón de suscriptores en su canal de YouTube. Acaba de presentar su segundo libro, Eureka, en el que desmenuza cincuenta de los más importantes descubrimientos científicos de la historia. Entre la oferta televisiva destaca un deslumbrante reportaje de Netflix: El dilema de las redes sociales. “No todo es bonito en las redes, hay que tener cuidado por dónde te mueves y con los datos, con la información que das y ser responsables. Ese 'quitarnos el velo' de la ingenuidad que podíamos tener es lo mejor que aporta este documental”. 

La investigación tiene como núcleo los testimonios de exdirectivos de las grandes tecnológicas unidos en el Centro para la Tecnología Humana, una organización de resistencia a los abusos de las empresas en las que fueron creadores. Son jóvenes, brillantes, idealistas y muy importantes. Uno de ellos, por ejemplo, Justin Rosestein, fue ni más ni menos que el creador del botón me gusta de Facebook. Lo que él creía que iba a ser una fuente de positividad y unión entre las personas se convirtió en una herramienta de adicción.

Rocío Vidal agradece la perspectiva que otorgan, necesaria aunque sea catastrofista: “Esta asociación parece un poco de película y refleja que hay mucha gente descontenta con la dejadez de las grandes empresas con la salud y la ética respecto a situaciones de enganche, de recopilación de datos, de cómo las redes están hechas para ser adictivas, para funcionar como un mecanismo incluso como las drogas y es valiente. Algunos tienen hasta miedo de hablar por las consecuencias”.

“El anonimato permite deshumanizar al contrincante. Debería intentar controlarse”

De los efectos perversos de las por otro lado útiles y enriquecedoras redes sociales, Vidal destaca “la deshumanización a la que nos han llevado y que está aupada por el anonimato. Te permite deshumanizar al contrincante, a esa persona que estás viendo, a ese personaje público, tratarle de una manera que no le tratarías por la calle. ¿Quién no ha vivido una situación de odio en redes sociales y cuántas personas las hemos vivido luego cara a cara? Creo que ese desapego por la realidad y la deshumanización del otro provoca esa polarización de la que tanto hablamos y esas brechas crecientes en las que cada vez hay más peleas en lugar de debates, cada vez las personas necesitamos más tener razón o humillar a la otra persona en lugar de intentar hacer algo constructivo. Ese anonimato provoca una especie de vía libre para poder decir y hacer lo que quieras. Es algo que creo que está creciendo y que se debería intentar controlar, o al menos tratar de divulgar al respecto”. 

Rocío Vidal se detiene en algunos de los conceptos analizados en la pieza. El estudioso Jaron Lanier afirma que el producto que las tecnológicas venden a sus clientes, los anunciantes, es el cambio en nuestro comportamiento y percepción: “Puede cuadrar, venden nuestra atención. Como dice el documental, si tú no pagas por el producto, eres el producto. Eso lo estamos viviendo desde hace tiempo en la publicidad, en televisión nos bombardean también, pero claro, en las redes sociales vamos más allá porque forman parte de nuestra vida y tenemos una experiencia activa en ellas, nos movemos por ellas, interaccionamos, damos información. Ser conscientes de que están jugando con todos esos datos y con toda esa información para que las empresas puedan cambiar nuestro comportamiento y persuadirnos es aún más inquietante. Es una perspectiva muy interesante”. 

“He visto lo que Google sabe de mí y me he quedado fría. Miedo da”

Según concluye en el documental Shoshana Zuboff, profesora de Harvard y autora de La era del capitalismo de la vigilancia, las empresas necesitan cambiarnos para vender a sus clientes la certeza de nuestro comportamiento en el futuro. “Tienes más certeza teniendo más datos de esa persona —confirma Vidal—. Y tienes más datos estudiando el comportamiento que tiene online y recopilando esa información. A nadie le importas tú como persona, que hace Rocío Vidal, tú eres un producto más que vender en masa a las empresas y creo que ahí está la clave del asunto. Cuántos más datos sepan de nosotros más pueden comercializar con nosotros y venderlos al mejor postor. Hay una opción en Google que te permite saber qué saben de ti. Yo lo he visto y me he quedado fría de la cantidad de datos, de gustos que saben de mí, de información personal que yo no he dado en redes sociales, mi estado civil, mis gustos, dónde vivo, a dónde voy, dónde he estado… Todo lo sabe Google de ti. Miedo da”.

El documental, casi una pieza para tomar apuntes, señala dos grandes categorías en el daño que ya están haciendo las redes. Una es en salud mental como advierte La gata de Schrödinger: “Este tema se debería estar comentando más, se debería tener más cuidado. Cada vez son más los padres y profesores preocupados por la precocidad de los niños al entrar en las redes sociales y lo que implica para un chaval jovencísimo recibir un comentario de odio en una red social. Puede provocar unos niveles de ansiedad y de depresión enormes porque es una persona que todavía no está formada del todo. Creo que tendríamos que tener muchísimo cuidado con la edad a la que los niños acceden a las redes sociales”. 

“Facebook comprobó que la gente se radicalizaba gracias a su algoritmo, no a pesar de él”

Según incide Rocío Vidal, “la polarización es otro de los grandísimos problemas de la sociedad hoy en día, propiciado por las redes y a sabiendas de ello. Por ejemplo, Facebook y sus directivos hicieron un informe que se publicó en The Wall Street Journal, (la polémica se recoge en The Verge) en el que ellos eran conscientes de que aproximadamente el 60% de la gente que se radicalizaba en su red social lo hacía gracias al algoritmo, no a pesar de él. Y aún sabiendo eso no hacen nada, porque les conviene que la gente esté mucho tiempo, que el algoritmo les favorezca y que vea las cosas en las que ya cree para que estén más tiempo en esa red social. Por tanto, entramos en un paradigma complicadísimo de solucionar, y lo peor es que los grandes directivos de las grandes empresas no quieren solucionarlo”.

A falta de remedios más globales, un buen antídoto ante esta manipulación es el pensamiento crítico por el que tanto aboga La gata en sus vídeos: “Sí, creo que el pensamiento crítico es la clave para luchar contra esa oleada que nos llega en las redes sociales. Y ser conscientes de que estamos sesgados y que a las redes les conviene. Por eso hay que pensar, pararnos un poco y decir: '¿Esto es real? ¿Alguien me está manipulando? ¿Esta información es veraz?'. Es importante para manejarnos por la red. Mi último libro, Eureka, no es otra cosa que un poco de conocimiento científico, de la historia de la ciencia, para que valoremos donde estamos ahora y más en el momento en el que nos encontramos. Es cada vez más importante conocer el trabajo científico desde dentro, lo que hemos luchado para llegar hasta aquí, para valorar lo que tenemos ahora. Por ejemplo en las vacunas, cómo se luchó desde el principio para que se aceptaran en la sociedad y ahora nos pueden salvar de la situación más extrema en la que nos hemos encontrado en mucho tiempo”. 

El documental puede verse en Netflix, que como el resto de plataformas acumula también información sustancial sobre sus suscriptores. No es la única paradoja al respecto. Muchos de los participantes en esta denuncia del comportamiento que genera internet confiesan a la vez su propia adicción. Lo mismo le ocurre a Vidal: “Para sorpresa de nadie yo también estoy enganchada a las redes sociales. Y es incluso más complicado cuando son también tu herramienta de trabajo. La línea que separa cuando estás trabajando y cuando estás en ocio está muy difusa y muchos días terminas agotada de trabajar y te sigues metiendo a Twitter y dices: '¿Qué hago aquí si esto no me permite desconectar?'. Hay que encontrar el equilibrio y saber desconectar. Yo estoy trabajando en ello”.

Esta sección televisiva celebra el Día del Libro con María Dueñas. La filóloga y profesora debutó como escritora en 2009 encabezando directamente las listas de autores más vendidos y no se ha apeado de esa posición con sus obras posteriores. Tras el éxito de la versión televisiva de esa primera obra, El tiempo entre costuras, ahora está presentando su secuela, la novela Sira, que retoma a su protagonista. Mientras, puede verse en Prime Video una miniserie de diez episodios que adapta otro de sus títulos, La templanza. En esta ocasión, la autora manchega lleva la acción a la segunda mitad del siglo XIX. Con el alma en Jerez, donde ubica la bodega que da nombre a la historia, sus personajes se mueven también en México, Cuba o Londres. Leonor Walting y Rafael Novoa encarnan a los protagonistas, que pasan por sus propias vicisitudes en paralelo antes de encontrarse.

“Entre la adaptación y el libro hay una diferencia en este sentido —aclara la autora—, porque yo lo tenía planteado de manera distinta. Mi novela arrancaba con Mario Larrea, el protagonista, llevando solo la antorcha durante casi un tercio y después entraba Soledad Montalvo con una fuerza increíble, de forma que ya desde el centro hasta el final los tenía juntos y ella iba ganando cada vez más protagonismo, casi se nos olvidaba que él estuvo solo en algún momento”. 

“Hay cosas que los libros admiten y es complicado traducir a lo audiovisual”

Prosigue Dueñas: “Esto, a la hora de adaptarlo se les hacía un poco insostenible, que ella, la chica, no apareciese hasta casi la mitad de la serie, con lo cual hicieron una adaptación. Como cuando ella aparece sí que tenemos la memoria y las evocaciones de lo que fue su pasado, los guionistas decidieron recuperar ese pasado e insertarlo desde el principio, de forma que del capítulo uno al cinco van en paralelo las vidas de los dos, pero separadas y, a partir de entonces ya van hacia el final mano a mano. Ahí ha estado la variación, y yo creo que tiene toda la razón desde el punto de vista audiovisual porque hay cosas que los libros sostienen bien y después es un poco complicado hacerles ese trasvase o traducción a otros lenguajes. Creo que ha sido una decisión muy acertada”. 

En lo que respecta a la colaboración entre novelistas y los guionistas que adaptan sus obras no existen normas, cualquier fórmula aceptada por ambas partes puede ser válida. En el caso de La templanza, María Dueñas sí ha tenido relación con los guionistas encargados de la adaptación, Susana López Rubio y Javier Holgado, según refiere: “Voy viendo el guion paso a paso, capítulo a capítulo, me reúno con ellos, charlamos, vienen a casa, nos vemos en cualquier sitio, es una relación muy cordial y muy cercana, si se puede transformar la obra en algo distinto son muy considerados, lo hablamos todo y no hay ningún problema”. 

“Propongo constantemente cambios en guion, muchos se aceptan, otros no”

Eso no quiere decir que Dueñas tenga la última palabra, como aclara: “Hay otras capas por encima de los guionistas que también tienen algo que decir. Tienen otras miradas distintas, todas con su sentido y su razón de ser y tienen que intervenir también, pero yo con los guionistas sí que tengo esa relación, me lo van comentando, me pasan los capítulos enteros, yo los reviso, puntúo, corrijo, cambio y luego eso se puede aceptar o no. Muchas veces sí y algunas otras no puede ser. Pero propongo constantemente y ellos son muy respetuosos y están cercanos. Intento intervenir también en las otras decisiones a veces, pero son cuestiones que pueden afectar incluso al presupuesto, o son más técnicas”.

Ver por primera vez la novela en imágenes es un momento especial para su autora. Así recuerda el primer visionado de La templanza Dueñas: “Yo soy un poco menos tranquila de lo que parezco en según qué momentos. Siempre hay cosas en el último instante que 'ah, esto no tendría que ser así' pero al final son cosas pequeñas. La base es tan buena, es tan potente, el andamiaje sobre el que se instala todo es tan bárbaro que lo que yo puedo ver de otra manera es meramente un detalle y muchas veces ni siquiera la audiencia lo percibe. Lo percibo yo porque estoy detrás y porque he escrito el libro y sé lo que hay. O alguien muy versado en historia mexicana o mexicano de naturaleza pero son cosas muy mínimas. Siempre está la incertidumbre de qué va a pasar, pero yo creo que aquí la apuesta era tan fuerte y estaba tan bien hecha que era un poco difícil que algo fallase y al final el resultado ha sido excelente”. 

“Ni he leído ni visto 'El tiempo entre costuras' antes de escribir 'Sira'”

Dueñas se ha embarcado en un proceso también interesante, resucitar a la protagonista de una novela que ya se encarnó en una serie. Es el caso de su última obra, Sira, que se centra en la popular costurera y espía que interpretó 'Adriana Ugarte. María Dueñas aclara si le influyó la versión televisiva: “Como ha pasado tanto tiempo desde que se estrenó la serie en 2013, y desde la publicación de la novela El tiempo entre costuras en 2009, ahora yo ya lo veía con una cierta distancia y sopesé si debía ver otra vez la serie, leer otra vez el libro y decidí que no, que me iba a quedar con lo que yo tenía en mi cabeza entonces. Me he aislado, he empezado la novela de cero, me he dejado llevar solo por vagos recuerdos de entonces pero he preferido que no hubiese esa intervención. Obviamente, está todo en mi cabeza, pero he preferido tenerlo alejado”. 

¿Puede haber cambiado Dueñas su forma de escribir tras su contacto con las series? “Conscientemente no, pero supongo que algo, de alguna manera, se inserta. De manera consciente estamos el texto y yo en solitario sin tener en cuenta imágenes, sin tener en cuenta lectores… Intento concentrarme al máximo solamente en mi parcela, pero seguro que algo debe de haber después de tantas horas de distintos formatos audiovisuales”. 

“Hay muchas ganas de hacer una serie de 'Sira', pero ahora es el momento del libro”

Sira todavía no es un proyecto de serie, como explica su autora: “Para Sira hay ganas alrededor, muchas, pero prefiero esperar un poco, porque ahora creo que es el momento del libro, de que llegue a los lectores, de que lo disfruten, que lo hagan suyo, evoquen la historia dentro de sus mentes sin la intervención de qué va a pasar después, quien va a ser la protagonista, cómo se va a hacer el rodaje. Ahora es momento libro, momento novela, yo creo que hay que dejarlo fluir así. Pero más adelante seguramente habrá algo, además, con cómo funcionó El tiempo entre costuras es normal que haya ganas, y es una novela también muy visual y muy impactante en muchas de sus escenas y yo creo que sería también una magnífica obra audiovisual”. 

En cambio, la escritora explica en qué punto está la adaptación de Las hijas del capitán, su cuarta novela, y libro más vendido en España en 2018, por encima incluso de Patria, de Aramburu. “Están en la fase de guiones. Yo voy a entrar en cuanto empiece la cosa avanzar y ya hemos estado hablando y en contacto en múltiples ocasiones. Ahora mismo yo estoy un poco fuera porque estoy en lo mío y porque en esta fase yo no intervengo tanto, pero entraré más adelante”. 

Si hasta ahora María Dueñas asesoraba en guion pero no tenía voto al elegir al elenco o en la producción ejecutiva, las cosas pueden ser distintas ahora: “Creo que a partir de Las hijas del capitán va a cambiar un poco la tónica y voy a poder tener un poco más de intervención. Se están abriendo un poco más los nuevos formatos de participación para los creadores originales y no sería la primera que interviene un poco más y  tampoco creo que la última. Pero siempre desde el respeto a los que de verdad conocen todas las parcelas”.

La escritora recibe ahora las opiniones tanto de lectores como de espectadores. Prioriza claramente: “Para mí es muy importante que los lectores originales de las novelas no se sientan defraudados al ver sus historias trasladadas al lenguaje audiovisual. Por delante pongo a los lectores. Siempre hay algunos aferrados a ese libro que les encandila en su imaginación. Pero casi todo el mundo dice de momento que las adaptaciones están a la altura, yo cruzo los dedos para que sigamos así”.

Era imaginable que José Luis Rodríguez Zapatero disfrutase viendo dos documentales que repasan la lucha por los derechos civiles. Así ha sido, y los recomienda vivamente. Ambos están disponibles en Netflix, el más reciente es Estados Unidos, la lucha por la libertad, de seis episodios y presentado por Will Smith. El otro, obra de la cineasta y activista afroamericana Ava DuVernay, titulado Enmienda XIII, de 2016. “Son dos documentales excelentes sobre la historia de la libertad y la igualdad y sus grandes dificultades en la primera potencia del mundo. Por tanto, tiene que ver mucho con todos nosotros. Además tienen una factura fantástica. Hay que felicitar a Netflix”, destaca como introducción el expresidente del gobierno, cuyas declaraciones pueden verse también al completo al final de este artículo.

Ambas piezas comienzan con el que puede ser el pecado original del país norteamericano: “Es clarísimo que el nacimiento de los Estados Unidos tiene mucho que ver con la esclavitud y con un racismo que ha estado y está latente. Lo estamos viendo todavía este año, estas semanas, estos días, ayer mismo. El movimiento 'Black lives matter' ha cobrado una fuerza extraordinaria en los últimos tiempos en defensa de la libertad, en contra del abuso policial, igual que el movimiento 'Me too', que está vivo, en contra del machismo, del abuso hacia las mujeres. Eso pasa en la primera democracia del mundo, lo cual nos dice que no podemos sentirnos orgullosos de la historia, incluso del país que más éxito ha tenido en los tres últimos siglos y que la lucha por los derechos es una lucha constante, continua. La injusticia es lo que ha caracterizado la historia en el trato a muchas minorías, por ser mujer, por el color de su piel, por venir de otro país, por su orientación sexual. O el siglo XXI es el siglo de la igualdad plena y real o habremos fracasado después de tantas lecciones como nos ha dado la historia”.

Zapatero apunta al conocimiento que todos tenemos al menos aproximado de la historia de Estados Unidos por su influyente cultura, aún así, señala: “Cuando hemos visto estos dos documentales, nos hemos dado cuenta de todas las cosas que aún desconocíamos. Por ejemplo, me ha llamado mucho la atención la importancia que tuvo en Estados Unidos esa película, El nacimiento de una nación, que fue una especie de revancha de la pérdida de la Guerra Civil por el sur, por los esclavistas y cómo produjo un giro”. 

“En España tenemos una laguna muy profunda sobre la historia reciente. La memoria es decisiva”

Surge la cuestión del relato en España, de nuestro conocimiento de la historia reciente, sobre lo que subraya: “De ahí la importancia del conocimiento, de la cultura, y en España tenemos una evidente laguna, una laguna muy profunda sobre cómo fue la historia desde finales del siglo XIX, el siglo XX, y por supuesto, buena parte de lo que llevamos del siglo XXI. Es fundamental revisarla, reconocerla. Es verdad que en nuestro país ha estado teñido por un debate sobre que, 'la memoria no importa'. La memoria es decisiva. La historia nos enseña, explica, justifica, y debemos enfrentarnos a lo mejor y a lo peor de nuestro pasado y hay que animar a que este país avanzado culturalmente, con vitalidad civil, con una lucha muy intensa por los derechos recupere parte de lo que es nuestra memoria”. 

Pone un ejemplo que le ha impactado: “Hace pocos días visitaba la exposición del ochenta aniversario de la muerte del presidente de la Segunda República, Manuel Azaña, y al final de la exposición se reproducía un periódico de la Cuba española de 1830 y venían los anuncios de venta de esclavos, de esclavas. Anuncios terribles, lacerantes. Eso pasó en Cuba, nuestro país, entonces lo era, y creo que es extraordinariamente importante conocerlo y revisarlo. Debo decir que no he podido entender cómo fue posible en la historia de la humanidad la esclavitud, cómo se pudo tener a seres humanos concebidos como bienes materiales a los que les negó todos los derechos, se les golpeaba, se les impedía leer, escribir, votar, ser libres, casarse… Es inconcebible desde nuestros parámetros culturales y debemos conocer y comprender toda esa dimensión. Estoy convencido de que hoy, cosas que pasan, que todavía vivimos como sociedad, cómo tratamos a personas y a seres humanos, dentro de algún tiempo, otras generaciones pensarán: '¿Cómo fue posible que se cometiera esa injusticia, esa discriminación?' Hay una reflexión que aparece en estos documentales en más de una ocasión, referida en este caso a los afroamericanos que me ha impactado, que me ha llegado a las entrañas que es: 'Fueron a África, nos secuestraron, nos trajeron a esta tierra, a su tierra, y no nos dieron derechos como personas'. Es una reflexión que ciertamente nos abre toda una serie de exigencias morales. Siempre he pensado que la vida tiene sentido si hay una aportación a esa lucha en contra esa discriminación y por esos dos valores incuestionables que son la justicia y la libertad”.

“El conocimiento es la fuerza motora más poderosa para superar las injusticias”

Ambos documentales siguen una línea histórica en la que la lucha por la conquista de derechos va acompañada por la resistencia de los que David Trueba denominaba recientemente 'nostálgicos del abuso'. En palabras del político socialista: “Hay una fuerza histórica siempre en favor de la igualdad y de la libertad y una fuerza contra la libertad y la igualdad de aquellos que han poseído privilegios, que piensan que poseen privilegios o que por una ideología, una religión, sostienen el supremacismo, la superioridad, la discriminación, la inferioridad de otras personas. Ese conflicto ha marcado en gran medida toda la historia desde la Revolución Francesa, está presente y no tengo ninguna duda de que es la fuerza decisiva para los cambios que en el futuro vamos a tener y que esa fuerza decisiva viene siempre de la sociedad, de la cultura, de la reflexión. En el documental sobre la decimocuarta enmienda hay un momento muy importante para mí y es que ese gran luchador en contra del esclavismo que fue Frederick Douglass empieza su historia porque desobedece y aprende a leer. Aprende a leer. Y a partir de ahí se convierte en un gran líder en contra de la esclavitud. Es quizás profundizar en la educación, en la cultura, en el conocimiento, la fuerza motora más poderosa para superar discriminaciones e injusticias, por eso celebro y animo a que este producto tan útil contemporáneamente como son los grandes documentales de las grandes plataformas cobre más fuerza y nos ilumine”.

En determinado momento, los hechos analizados en los documentales se unen a la política implantada por el expresidente durante sus mandatos, así lo ha visto él: “En el documental Estados Unidos: la lucha por la libertad, el capítulo dedicado al matrimonio igualitario es quizás de los más emotivos, especialmente la historia del proceso judicial que da lugar a la famosa sentencia del Tribunal Supremo americano, redactada maravillosamente por el juez Kennedy, siempre hay un Kennedy importante en la historia de los Estados Unidos, porque es la historia de una pareja de hombres que lucha por sus derechos. Uno de ellos cae con una gravísima enfermedad de la que va a morir y necesitan regularizar su situación y al final consiguen que el Tribunal Supremo declare en todo el país el derecho al matrimonio igualitario. ¿Qué me impulsó a mí a adoptarlo? Un conocimiento profundo y un sentimiento de rebeldía. Todos conocíamos personas homosexuales, gays, lesbianas, todos conocíamos la injusticia que habían sufrido, la discriminación, la marginación, la humillación sin ninguna razón. Solo por un imperativo moral caduco que negaba su libertad y que les negaba la posibilidad de amar. ¿Cómo puede haber algún mal en el amor, en el matrimonio? Que es un compromiso que, como dice la sentencia del Tribunal Supremo, va más allá de la muerte. ¿Cómo se puede negar a personas por su orientación sexual ese derecho a ser libre, a vivir felizmente? Es un sentimiento que tenía muy muy dentro de mí y que siempre pensé que podría lograr, como ha logrado, un amplio consenso”. 

“Lo brillante del documental es señalar que hay un continuo, una aspiración por la justicia”

Zapatero aclara como se pasa de la esclavitud al matrimonio igualitario en uno de los reportajes: “Me interesa resaltar que por eso es brillante el documental de Netflix sobre la XIV enmienda, porque hay un hilo conductor que une toda la lucha en favor de las libertades y contra la discriminación, porque estamos hablando de los esclavos y de la segregación de los afroamericanos, de la igualdad entre hombres y mujeres, del matrimonio igualitario y porque hablamos, y esa es una de las grandes nuevas conquistas y nueva frontera que la humanidad tendrá que plantearse de los derechos de los inmigrantes y del trato a los inmigrantes. Hay todo un continuo, en el fondo es la aspiración por la justicia de hombres y mujeres libres con la condición que tengan, con la aspiración que defiendan. Y por eso me parece que tiene tanta importancia esa perspectiva general y sí, sin duda, el matrimonio igualitario es una de las grandes conquistas. Esa conquista abrirá nuevas conquistas, igual que la lucha en su momento contra la esclavitud abrió nuevas conquistas, igual que la extraordinaria batalla en favor de la igualdad entre hombres y mujeres, que es la discriminación mayor de la historia, nos abrirá nuevas conquistas y caminaremos hacia sociedades menos injustas, más perfectas, más libres donde todos y cada uno de nosotros, hombres y mujeres, seremos mejores y más libres. Esta es la grandeza de la lucha por los derechos civiles, por la consideración de las personas, por la dignidad de los seres humanos. Es una conquista reciente en la historia, pero llevamos tanto retraso, ha habido tantas mujeres cuyas vidas se han apagado pronto, ha habido tantos homosexuales que han sido maltratados, ha habido tantos afroamericanos, o inmigrantes que han sido despreciados, humillados, que merece la pena que en este siglo XXI, que es el de la gran tecnología, el de la revolución tecnológica, no olvidemos que cuando haya que optar entre la inteligencia artificial y la igualdad entre seres humanos, y la solidaridad, optemos por la igualdad”. 

Ambos documentales destacan la labor de los activistas, Zapatero, desde la política orgánica analiza su labor: “Sin duda alguna, si las corrientes organizadas de asociaciones feministas, de asociaciones en defensa de los LGTB, no hubieran existido no estaríamos hablando hoy de conquistas que han acabado en las leyes, y por tanto, en la realidad. La política ha de ser intérprete, representante de las aspiraciones sociales pero debo decir que mi experiencia en mi etapa de gobierno fue en gran medida movida por la promesa que tenía conmigo mismo, la principal, de extender y ampliar los derechos civiles, sociales, los valores de la igualdad y la libertad. Esas conquistas se producen cuando hay una gran convicción desde la política. Uno, al repasar los documentales ve los momentos históricos, cuando ha habido decisiones políticas forzadas que no acaban produciendo una transformación social y cuando ha habido decisiones políticas desde la profunda convicción de legisladores o de jueces que acaban produciendo esa transformación. Por tanto, se trata de ganar la convicción, de imponer la razón que la moral de la igualdad supone en la convivencia entre seres humanos y desde luego estar siempre muy cerca de esos movimientos sociales. ¿Mi experiencia que me dice? Que cuando hay movimientos sociales reclamando derechos, normalmente tienen razón”. 

“Me hubiera gustado terminar con la prostitución, abolirla”

Preguntado por las batallas más importantes de la actualidad, Zapatero señala sus prioridades: “Hay tres, de distinta naturaleza, pero en donde pondría las nuevas aspiraciones de las conquistas sociales para perfeccionar nuestra sociedad. Primero es abolir la prostitución. En algún momento he expresado que si respondo a esa pregunta que nos hacen a los expresidentes '¿Qué le hubiera gustado hacer que no hizo?' Terminar con la prostitución, abolirla. Es una convicción profunda que tengo, creo que las próximas generaciones se preguntarán cómo fue posible que existiera la prostitución, que la contempláramos como algo normal. Me parece una forma absolutamente indignante de explotación, contraria a cualquier sociedad civilizada y avanzada. En segundo lugar, un tratamiento distinto de la inmigración. Me producía y me produce desgarro el término de persona ilegal, inmigrante ilegal, irregular. Me produce desgarro y tengo el convencimiento de que antes o después, las sociedades democráticas avanzadas construirán un nuevo modelo, un nuevo concepto donde los derechos de las personas que tienen que dejar su país porque no tienen futuro tengan un tratamiento distinto, más acorde con la Declaración de los Derechos Humanos, más acorde con lo que significa vivir en una sociedad civil, en una sociedad de justicia. Y en tercer lugar, tenemos un reto por delante que, en este tiempo de crisis de salud, de pandemia, también es importante, es el reto de los cuidados a las personas solas. Quizá sea una nueva dimensión que tendremos que afrontar como prioritaria y que sin duda alguna va a ocupar buena parte de la conversación pública y de las nuevas aspiraciones en favor de derechos y en favor de la dignidad de los seres humanos”. 

El expresidente del Gobierno termina recalcando la importancia de los nuevos productos audiovisuales: “Creo que una buena parte del apetito cultural, del apetito por el conocimiento, por el arte, lo cubren hoy las series y muy especialmente los documentales que me parece que marcan un antes y un después de toda la industria y seguramente pueden marcar un antes y un después de toda la comunicación social con impacto en la política y por tanto en nuestras vidas”. 

Vídeo completo de la entrevista:

“La mejor serie del año va a ser la mía, Maricón perdido —dictamina Bob Pop, sin duda, de forma imparcial—. Ya iré dando la turra cuando se acerque el estreno. Preparaos”. Mientras, el crítico de televisión y de lo que se tercie en el programa de Andreu Buenafuente Late motiv, en #0, y escritor, recomienda una de las más destacadas joyas que ya ha producido el año, la miniserie de cinco episodios It's a sin. “Me ha gustado mucho esta serie de HBO, creada por el autor de las nuevas temporadas, las contemporáneas, de Doctor Who y de Years and years, Russell T. Davies. Yo no soy muy fan de Years and years, no estoy muy a favor del género distopía, pero el Doctor Who moderno me gusta bastante. Pero a lo que vamos, al turrón, It's a sin es una serie fabulosa que recomiendo ver a todas, a todos y a todes”.

It's a sin cuenta la historia de un grupo de amigos homosexuales y una amiga en el Londres de los ochenta con la llegada de la epidemia del sida: “Con los primeros casos, con la llegada del rumor de la enfermedad y del sufrimiento de la enfermedad y la muerte en muchos de los desgraciados casos”, apunta Roberto Enríquez, nombre real de Bob Pop, y prosigue: “Es interesante cómo Rusell T. Davies hace un retrato de una ciudad desde el punto de vista de una epidemia, de una enfermedad. Podríamos revisar un montón de historias que también han redibujado un territorio a través de los efectos que tuvo el sida en sus habitantes. De hecho, yo creo que nuestro territorio personal, nuestra historia, está marcada por la llegada de la epidemia. Y Davies hace algo muy interesante, muestra un Londres que podría llevarnos a la nostalgia desde un lugar que nos hace pensar que no tenemos por qué sentir esa nostalgia ante un momento muy oscuro, cuando muchas personas, muchos miembros del colectivo gay y transexual vivieron el infierno de la enfermedad y además sufrieron el desprecio, la ignorancia, el abandono y la soledad que esta serie retrata a la perfección”.

“El protagonista muestra un carácter y una luz que hace soportable tanto dolor”

Se trata en este caso de una historia muy coral que refleja gran parte de lo que el propio creador y guionista vivió aquellos años. Destaca la centralidad del personaje de Ritchie, interpretado por el músico además de actor Olly Alexander, un acierto para Bop Pop: “Muestra un carácter y una luz en una historia muy oscura que ayuda mucho, no solo a que nos identifiquemos, sino a que hagamos soportable tanto dolor. Además ha hecho una versión con su grupo del It's a sin de los Pet Shop Boys, que da título a la serie”.

En un reparto que merecería ser repasado con más detalle destaca también el personaje de la madre de Ritchie, interpretado por Keeley Hawes, para Bob: “Un personaje terrible, encarnado por la misma actriz que interpreta a la madre en Los Durrell, que a mí me ha encantado, es como irte de vacaciones a Corfú cuatro temporadas, muy rico, una feel good serie que está muy bien. Y el personaje encantador, maravilloso, luminoso y vivo de Los Durrell en It's a sin se convierte en una madre oscura, intolerante, intransigente, cruel… y que retrata además lo que fue para mucha gente la epidemia del sida en sus familias. El sida no solo hizo que una generación completa quedara tocada, y en muchos casos desaparecida, sino que además obligó a muchos hombres gays jóvenes a volver a sus casas para encerrarse a morir. En la serie lo cuentan muy bien, porque además también fue un viaje de la gran ciudad a los pequeños o grandes pueblos de los que eran originarios y de los que en muchos casos habían salido huyendo para vivir su vida en libertad y a los que tuvieron que volver cuando la enfermedad les destruyó. La madre de Ritchie representa a la perfección esa mezcla de miedo, arrepentimiento y sobre todo incomprensión a la que se vieron sometidos los enfermos de sida. De hecho, si hoy tenemos logros sociales como el matrimonio entre personas del mismo sexo, uno de los orígenes fue el horror del sida y sus consecuencias. En muchas parejas homosexuales, uno de los miembros moría y el otro, después de años de convivencia se quedaba en la calle. Ni siquiera tenía derecho a visitarlo en el hospital porque no tenían un vínculo legal ni familiar y ahí comenzó una reivindicación que creo que fue justa y que nos ha llevado a un avance de los derechos humanos. Es horrible decir que gracias al sida, que gracias al dolor y a la muerte de muchos, otros conseguimos derechos fundamentales”.

“Me parece precioso el homenaje del creador a la amiga que ayudó a los enfermos”

Bop Pop destaca en la serie “un personaje que lo ilumina todo, que es Jill. Es la mejor amiga de Ritchie y una mujer que lucha por conseguir las mejores condiciones de vida para sus amigos, por informarse al máximo sobre los modos de contacto con la enfermedad. Hay un momento en el que uno de los personajes viaja a Estados Unidos y ella le pide que visite todas las librerías gays para encontrar folletos, libros, revistas sobre cómo se contagia la enfermedad. Jill, interpretada por una actriz que ya destacó en Years and years, es un personaje basado en un personaje real, en una mujer que fue militante por los derechos de los enfermos de VIH/sida”.

“Es muy bonito descubrir en un momento de la serie –prosigue–, cuando aparece su madre en la ficción, que resulta ser la auténtica Jill Nalder en la realidad. Es precioso. Cuando lo leí, me pareció incluso más conmovedora la situación, la trama, el hecho y le dio muchísimo más valor a la historia. Me pareció precioso que Davies quisiera homenajear a esa mujer que trabajó tanto por, si no salvar la vida, sí hacer que el tiempo que les quedaba a sus amigos fuera de la mejor calidad con pasión y amor. Creo que Jill merece una serie para sí sola, incluso que la Jill real, la que interpreta a la madre de Jill en la serie, debería tener un documental, algo como lo que estoy haciendo yo, con una cámara delante, pero mejor hecho”.

“Los que fueron víctimas del sida nos salvaron la vida a mi generación”

Bob Pop es de una generación posterior a la que se retrata en estos cinco episodios: “Es una época en la que yo era un adolescente, pero si algo tengo que reconocer a todos aquellos que fueron víctimas de la enfermedad es que a gente de mi generación nos salvaron la vida, porque lucharon para que hubiera información, porque el silencio no fuera igual a muerte, por ser visibles, por conseguir atención de unos gobiernos que se desvinculaban completamente de una epidemia que consideraban que ”solo“ afectaba a los homosexuales y a los heroinómanos, lo que consideraban un poco la hez de la sociedad, el lumpen”. 

Fue la organización de los afectados la que comenzó a cambiar las cosas, recuerda Bob: “La lucha de colectivos como ACT UP, que también sale reflejada en It's a sin, hizo muchísimo para que los que veníamos después fuéramos conscientes de que era una enfermedad mortal en aquel momento, ahora afortunadamente no, y que cuando empezamos a vivir nuestra sexualidad lo hiciéramos con cuidado, con protección, con condón y con la lección que nos dieron nuestros mayores, a quienes por desgracia en muchos casos no pudimos agradecérselo”.

“La esperanza tiene que ver con la formación de comunidad”

No hay duda de que esta serie es un drama duro, pero aun así rebosa vitalidad, como señala Bob: “Pese al asunto sobre el que trata, hay una luz preciosa en la serie, una esperanza que tiene que ver primero con la formación de comunidad, con ver a un grupo de amigos que se apoyan, que se soportan el miedo, que intentan ayudarse unos a otros, disponer de la máxima información. Hay un reconocimiento de todo el mundo que estuvo allí luchando, algunos con éxito y otros sin ninguno, para que la enfermedad fuera reconocida como debía”.

El analista termina relacionando la pandemia del sida con la que estamos viviendo ahora: “Ver hoy It's a sin y enfrentarlo con cómo estamos viviendo la pandemia de la COVID-19 es muy revelador porque lo que nos dice es cómo nos trataron al colectivo LGTB en su momento, cómo éramos ciudadanos de segunda y no importaba que nos muriéramos nosotros, los yonkis, las prostitutas, pero si esto hubiera sucedido en toda la población, por eso lo comparo con la COVID-19, las cosas hubieran sido muy distintas. Lamentablemente, no fue así en su momento y creo que lo más duro, viéndolo con los ojos de hoy, es que no sé si aprendimos algo sobre cómo controlar una pandemia. Tal vez si se hubiera hecho mejor en la época del VIH/sida hoy no hubiéramos estado donde estamos”.

Para espectadores que no concedan su tiempo a propuestas sin credenciales, la miniserie Olive Kitteridge, que puede verse en HBO, es una opción muy considerable. Premiado el libro en el que se basa, multipremiada su versión televisiva, además llega recomendada por el periodista, comunicador y analista de la actualidad Xavier Sardà. “No os perdáis Olive Kitterdige”, prescribe tras analizarla.

“Realmente, estamos hablando de una serie durísima, una serie que a uno le evoca determinados autores de esa América profunda, de esa América durísima, de esa América de soledad, Tennesse Williams, y tantos otros escritores”, aclara en primer lugar para situar sobre el tono y el tipo de obra que se presenta en estos cuatro episodios. 

La serie sigue la vida de una profesora en una localidad de Maine, en el norte de la costa atlántica de Estados Unidos, y sus seres cercanos, durante 25 años de su vida, entre su madurez y el comienzo de su vejez. La protagonista es Olive, y no es una píldora fácil de tragar. Ayuda que esté interpretada por la fantástica Frances McDormand, de actualidad por el estreno de la película Nomadland y de aniversario porque se cumplen los veinticinco años del estreno de Fargo. Como en aquella película, no hace falta que aparezca en todo el metraje para quedarse con la obra. En este caso está acompañada por unos fantásticos Richard Jenkins y Bill Murray en el departamento de maduros.  

“La protagonista no está por hostias, pero en su interior hay un auténtico volcán”

“La actriz protagonista es extraordinaria —acuerda Sardà—. Hay papeles que son muy ingratos, porque tener que hacer de una mujer insensible, emocionalmente atroz, bloqueada, a la que las adversidades han convertido en una persona que no está por hostias, que no va a decir nada por complacer a los demás y que es fría como un témpano no es cualquier cosa. Pero en realidad, en su interior, como es lógico, como ocurre en todos estos casos, hay un auténtico volcán”. McDormand califica a su personaje como un ser que sólo entiende el estoicismo.

Olive Kitteridge fue primero un libro, escrito por Elisabeth Strout, quien se crió en el estado de Maine y sitúa en ese ambiente a los protagonistas de sus novelas. En el caso de esta novela, la estructura era de trece escenas independientes, algunas protagonizadas por Olive, en otras su presencia era testimonial, pero el ambiente explica en parte al personaje. El libro ganó el premio Pulitzer a la obra de ficción del año 2009 y ha vendido en torno al millón de ejemplares. 

Aparece en la historia este personaje perfecto para Frances McDormand, actriz especializada en interpretar a mujeres que no se muestran de una vez y obligan a los espectadores a buscar capas más profundas de sus motivaciones. Según declaraciones de la actriz y productora a Los Angeles Times, primero leyó y recomendó el libro y cuando un amigo asumió que quería interpretar a la protagonista, cosa que no se le había ocurrido, la idea le quedó clavada y optó a los derechos de la novela antes de que explotase en popularidad tras ganar el Pulitzer.

“Es una historia hecha por mujeres que concierne también a los hombres”

McDormand siempre pensó en una serie en lugar de una película porque según ella las historias desarrolladas en tres actos y puestas en escena entre 90 a 120 minutos no son las idóneas para desarrollar historias femeninas. “Estas son más circulares, prolongadas y complejas, necesitan ser contadas en formatos distintos”, declaró al medio americano. Para Sardà: “Esta es una historia hecha por mujeres y no solo para mujeres, porque los hombres también se sienten concernidos en este ambiente asfixiante, durísimo”.

Acierta plenamente respecto a la elaboración de la serie, ya que Frances McDormand quiso en dirección y guion solo a mujeres en este proyecto, y se denomina a sí misma feminista militante. Para HBO el formato elegido venía avalado por el éxito de la adaptación Mildred Pierce poco tiempo antes. El fenómeno de la adaptación de libros como miniseries se ha mostrado especialmente exitoso en las plataformas televisivas, y dentro del género, hay una fructífera corriente en la que actrices veteranas lideran y protagonizan los proyectos que la industria no les ofrece. Entre las responsables de la versión audiovisual de esta historia se debatió cuánto desagrado debía despertar Olive, una tipa tan dura que Joel Coen, el famoso cineasta y esposo de McDormand, define como “una Harry el Sucio emocional”.

“Me gusta la dureza, en las películas melifluas quiero que maten, que pase algo feo”

Esta intensidad, este buscar lugares incómodos del comportamiento es parte del interés que despierta para Xavier Sardà: “Me gusta la dureza, es verdad que yo en las películas melifluas digo: 'que maten ya, que suceda algo feo, que no salgan felices de la película'. Es lo que sucede en esta serie. Pero, depende del día que tenga cada uno de nosotros es interesante intelectualmente, pero menos emocionalmente. Es una serie extraordinaria, pero depende del momento en que uno la vea el sabor que te deja es inquietante”. 

Esta aspereza no ha sido obstáculo para el éxito de la serie. Es especialmente afortunado que Xavier Sardà la recomiende, aunque reconoce claramente que la vio para poder ofrecer a los lectores una propuesta nueva: “Cada vez es más difícil que cada uno de nosotros pueda decir algo distinto y entonces recalé, casi en búsqueda de alguna serie de la que poder hablaros, en esta serie que me impresionó desde el primer momento”. Y es algo afortunado porque esta propuesta pasó un poco desapercibida en España. En su momento, en 2014, su fama fue eclipsada por Juego de Tronos y Mad Men, a pesar de que fue distinguida con nada menos que ocho premios Emmy, incluyendo a su directora y a varios de sus intérpretes.

Por supuesto fue galardonada su protagonista: “Frances McDormand para mí, insisto, está espectacular, —coincide Sardà, que también señala a otros dos actores galardonados del reparto—pero todo el elenco de actores, Bill Murray o Richard Jenkins, el marido, que hace de compañero paciente, adorable, pero que, a su modo, vive también un infierno y es el farmacéutico de esa población”.

“En cierto momento, esa mujer distante y negativa se vuelve muy humana”

Sardà entra en el meollo del argumento: “Esta mujer ha sido profesora de escuela, se retira, los dos se retiran, su marido farmacéutico también. Ella es durísima incluso con su propio hijo, que crece, se casa, se separa… Pero, cuando al marido adorable le sucede una pérdida muy notable, mira tú por donde, en ese momento de soledad y bloqueo de su marido, esa mujer fría, distante y negativa se vuelve tremendamente humana”.  

Olive sabotea su propia búsqueda de conexión con los demás, y lo hace a conciencia, pero hay en ella momentos, ramalazos, y como concluye Xavier Sardà: “A pesar de los pesares y de las tristezas, de los agobios que se dan a lo largo de la serie, al final, acaba en un abrazo. Un abrazo de dos personas solitarias y desesperadas, pero un abrazo que hace que la situación sea más balsámica y mejor”.

La periodista navarra Cristina Pardo, que se dio a conocer masivamente en Al rojo vivo y va a cumplir tres años como conductora de su propio espacio en La Sexta, Liarla Pardo, se acercó de reojo a la serie Los Durrell, disponible en Filmin y Movistar: “Yo la veía por ahí, en las plataformas y la tenía pendiente, pero me encantan las series de espías y de tensión y siempre priorizo esas, y no tenía mucha prisa por verla. Además me había leído los libros de Gerald Durrell, la trilogía de Corfú y generalmente soy muy escéptica con series o películas basadas en libros que me he leído y que me han gustado, y concretamente estos me encantaron. Mi preferido es el primero, Mi familia y otros animales, del que ya solamente el título me parece una genialidad. Con los libros me había pasado una cosa que es muy poco habitual para mí, y es que normalmente un libro te puede hacer sonreír, pero es que con Mi familia y otros animales me entraba la risa a carcajadas. Lo disfruté muchísimo y eso es lo que me hacía ser escéptica con la serie”.

Sus recelos se probaron infundados desde el principio, según admite: “Es  verdad que una vez que la empiezas da muy buen rollo. Todos los personajes son muy mágicos”. El responsable de la serie, Simon Nye, ya había adaptado el primer libro de la trilogía como película televisiva para la BBC en 2005. Para Cristina Pardo, el formato elegido esta vez es el idóneo: “Como me ha gustado tanto y me he visto todas las temporadas seguidas, prefiero que sea una serie y no una película porque además, a diferencia de otras, de las que dices: 'La primera temporada me gustó pero la segunda no…, la tercera un poco más'. No, no, con esta no, todas las temporadas me pareció que tenían su encanto y las he disfrutado muchísimo. Me dio mucha pena cuando se acabó y además, el final, no es que no me gustara, pero te quedas un poco como 'no me puedo creer que acabe así'. Da un poco de rabia”. 

“Son estrafalarios, pero con un punto genial que me encanta”

Concretando el aspecto en el que reside el mayor atractivo de la propuesta, para Pardo es una respuesta sencilla: “Claramente en los personajes, me parecen espectaculares, están muy bien reflejados con respecto al libro, son muy divertidos. Es verdad que son estrafalarios, pero todos tienen un punto genial que me encanta”. 

La serie sigue la vida cotidiana de una madre viuda y sus cuatro hijos, que abandonan Inglaterra para establecerse en la isla de Corfú. “Se dan cuenta de que allí viven una vida mucho más relajada, —apunta Pardo—, más feliz, más despreocupada, y poco a poco se van metiendo en el ambiente”. En la serie no se hace referencia a ello, pero dos de los hijos serán de adultos notables escritores. El hermano pequeño, Gerald, es el autor de la trilogía que inspira esta ficción televisiva, y un naturalista extraordinario y vocacional que vive aquí la infancia más propicia para su afición. Y el hermano mayor, Lawrence, se convertirá en el autor de la tetralogía Cuarteto de Alejandría, que destaca entre todas sus obras como un clásico. Lawrence es aquí Larry, un intelectual a medio hacer, visto como alguien pomposo por su hermano menor: “Tengo claramente un personaje favorito que es Larry, —afirma la presentadora sobre él—. Ya es el que más me gustaba en los libros porque me parece que es genial, con esos aires que se da de escritor con un futuro muy prometedor. Sobre todo me encanta su socarronería y como contempla a los demás constantemente como si estuvieran permanentemente instalados en la mediocridad”. 

Los otros dos hijos no están tan dotados intelectualmente, pero ello no les hace menos atractivos, para la periodista: “También es verdad que a medida que fue avanzando la serie le fui cogiendo mucho cariño a la hermana, porque me parece que hace cosas muy ridículas pero al mismo tiempo muy graciosas y que además le pegan mucho, así que le cogí cariño, pero mi personaje favorito es clarísimamente Larry porque al pensar en él lo ves como alguien que es claramente insoportable, pero por otra parte es muy cómico todo lo que hace y todo lo que dice”.

“La casa se cae a pedazos, pero es tan acogedora que todo el mundo quiere ir”

Corfú no solo es protagonista, es que además la personalidad británica de sus nuevos habitantes hace brillar aún más su esencia mediterránea: “La sensación que me transmite la fotografía, la casa, la isla, los paisajes es espectacular” evoca Pardo: “Yo no conozco Corfú, sí que he estado en Grecia y me parece un sitio paradisiaco. Me llamó mucho la atención que cuando llegan te da la sensación de que sí, se trata de un sitio precioso, pero la casa se cae a pedazos y es muy decadente. En cambio, desde el minuto uno lo sientes como un espacio muy acogedor al que todo el mundo quiere ir y al que todo el mundo de hecho va. Yo diré que cuando vi las paredes descascarilladas de la casa dije: '¡Qué bonito, por favor! Esto lo quiero yo en mi casa'. Luego obviamente no. Pero sí consiguen que todo sea muy acogedor y muy bonito”.

Esa sensación placentera que provoca la serie reside también en numerosos detalles, como uno que ha llamado la atención de Pardo: “Con un solo sonido puedes saber qué personaje va a aparecer en la escena. Por ejemplo, con la máquina de escribir. Están en la playa y oyes el repiqueteo y ya solo eso te hace esbozar una sonrisa. O cuando están en la cocina de la casa, manteniendo una conversación bastante seria y se oye el sonido de una cabra dentro de la casa. Me parecía espectacular el que con estos sonidos ya pudieras reconocer a un personaje y sonreír”.

“Es un canto a la bohemia y a la tolerancia”

Ahora que resurge en España el debate sobre la memorización en la escuela propuesta por la Ley Wert o métodos más flexibles de enseñanza, como pretendería una nueva legislación, a Cristina Pardo le llama la atención este aspecto de la familia protagonista: “La serie es un canto a la bohemia y a la tolerancia. Es curioso como la madre alimenta todas las aspiraciones de sus hijos, y al mismo tiempo ves como al pequeño, a Gerry, a quien le encantan los animales, le permite crear un zoo en casa y no ir al colegio. Es como si ella dijera: 'Si a él lo que le gusta son los animales que aprenda todo sobre los animales', pero ¿qué pasa con todo lo demás? No sé si eso sería hoy muy realista, yo creo que no. Pero en todo caso, un día en casa de los Durrell no hay duda de que tiene que ser muy divertido y creo que también se aprenden cosas, es verdad. El niño pequeño no va al colegio pero al mismo tiempo aprenden muchas cosas de la vida, sobre todo a vivir sin trabajar”. 

La serie refleja una familia ligeramente distinta de las actuales, en la que unos no están pendientes de los demás todo el rato, ni organizan eventos todos juntos, sino que conviven en una cierta indiferencia cordial que deja a cada uno mucho margen para la libertad y el desarrollo personal. Según Pardo: “Me sorprende mucho la tolerancia de la madre, que se pasa toda la serie diciéndoles a sus hijos que tienen que meter dinero en casa porque no tienen suficiente para sobrevivir y al final termina aceptando o que la gente le ayude o echarse ella la casa a la espalda mientras los hijos siguen cada uno disfrutando de la vida a su manera y, básicamente, tocándose los pies”. 

“La madre les alienta a que sigan su camino pero luego no quiere que se marchen”

La madre es el centro en el universo de la serie. Está interpretada por Keeley Hawes, actriz que enlaza un papel con otro en cine, televisión, teatro y doblaje de videojuegos. Sobre su personaje sigue reflexionando Pardo: “También me llama la atención lo bien que está reflejado cómo, por un lado alienta a los hijos a que sigan su camino, a que hagan las cosas que les gusten, por muy raras que sean o por poco futuro que aparentemente tengan, pero luego, en cuanto los hijos quieren volar ella aparentemente no quiere que se marchen de casa, lo toma casi como una ofensa. Y por otra parte están los hijos, que varias veces a lo largo de la serie dicen que se quieren marchar de casa y luego todos terminan volviendo, lo cual es también bastante gracioso”. 

Es difícil no disfrutar con esta familia que logra un desorden armonioso, de hecho la periodista pamplonica se apuntaría a un verano Durrell: “Al verano que fuera, también es verdad, que estamos en pandemia, pero con ellos estoy segura de que me divertiría mucho”.

La actriz, cómica y presentadora Ana Morgade recomienda a los lectores la serie Killing Eve para que la disfruten tanto como ella, en una de sus últimas colaboraciones que nos ofreció antes de ser madre por primera vez el 16 de marzo pasado. “Me encantaría hablar con vosotros de esta serie que me fascina. Killing Eve tiene tres temporadas ahora mismo en el aire, falta una cuarta, que va a salir a fines de este año si todo va bien, tras la parada por la pandemia ¡Por favor!”, señala cruzando los dedos sobre esta producción británica cuya acción se desarrolla por toda Europa y que puede verse en HBO.

Morgade enseguida destaca uno de sus puntos fuertes: “Está basada en unos libros de un autor que se llama Luke Jennings —que yo no he leído—, pero Phoebe Waller-Bridge, a la que conoceréis seguro por Fleabag ha hecho una serie de cambios al adaptarla. Entre otras cosas, dando la vuelta al género a algunos protagonistas, haciendo que tenga más presencia femenina y también ha estado dirigiendo las temporadas”. Waller-Bridge, la deslumbrante actriz, guionista, directora, productora de carrera imparable, escuchó en una reunión que no sería creíble tener tantas mujeres protagonistas y, por supuesto, ese es el reto que le atraía, como explicaba a la revista Variety.

“La protagonista está en una crisis vital y si ella es Batman, aparece su Joker personal”

“Voy a intentar destripar sin destripar, sin hacer spoiler, a ver si lo consigo —propone la humorista—. Una de las cosas que me parece un hallazgo fantástico es precisamente ese mucho peso de personajes femeninos en la trama sin que eso signifique que se menoscaben los masculinos, y me voy a explicar. La protagonista, Eve Polastri, que está encarnada por Sandra Oh, es una mujer, mayor de 30 años, cuya trama no gira en torno a nada romántico, es decir, tener pareja o encontrar pareja o deshacerse de su pareja. Está en una crisis vital brutal y, a partir de ahí, todo se desencadena cuando aparece, digamos, si Eve fuera Batman, su Joker personal, Villanelle, que es una Jodie Comer que está espectacular. Y ahí se empieza a liar parda”. 

Estas protagonistas, que dan una vuelta de tuerca al clásico del cazador cazado, eran ya la base de la historia original: “Son dos mujeres que llevan principalmente la trama. Después hay varios personajes secundarios de mujeres que también llevan la acción y sin embargo, los secundarios masculinos no son 'clicheteros' como suele suceder al revés, es decir, no hacen el típico papel soso de 'el novio', 'el hermano' o 'el padre', tienen su propia especificidad y funcionan fantásticamente en la trama. Pero algo que es muy agradecido, y que es muy fresco, y que es nuevo, y que es una lección de nuevas dramaturgias es que las protagonistas son mujeres y que sus problemas no giran en torno a lo que les ha hecho un hombre o lo que les pasa a los hombres”.

“Mezcla con inteligencia y delicadeza thriller, costumbrismo y comedia descacharrante”

Según su productora ejecutiva, la policía del MI6 encarnada por Sandra Oh es una agente, pero claramente no del tipo de 007. “Si se oye un ruido fuerte en su casa corre a esconderse” dice Waller-Bridge. Este tipo de construcción de personajes permite uno de los elementos que también destaca Morgade: “Otro de los grandísimos aciertos que para mí tiene la serie es la inteligencia y la delicadeza con la que mezcla géneros que en principio no suelen ir unidos. Por un lado tienes toda una trama de puro espionaje casi al estilo del thriller clásico, con líneas políticas, traiciones y cuestiones policiales. Tienes un montón de eso, incluso llegando al límite de absoluta acción, pero después tienes una trama más costumbrista, digamos, donde te enfrentas a todas las crisis internas que tienen los personajes principales y luego, por supuesto, mezcla unas secuencias de humor que son descacharrantes. Es verdad que yo soy muy fan de la comedia, pero es que hay momentos en los que he tenido que parar la serie porque me estaba meando de la risa”.

“Tanto Jodie Comer como Sandra Oh, —añade Morgade sobre las protagonistas que sustentan la historia— están absolutamente espectaculares y manejan super bien todo ese cambio de género: en secuencias que son más emocionales, donde tienen que hablar de sus sentimientos, de sus secretos, de su personalidad, están increíblemente finas, y en las que tienen que hacer sketches de comedia pura están desternillantes. En los momentos en los que tienen que hacer secuencias de acción dan absoluto miedo y están brillantísimas”.

“Me comí la primera temporada de una tacada, así es de adictiva”

La recepción de la producción ha sido magnífica en un contexto de cientos de ficciones televisivas estrenadas cada año: “La serie se ha hinchado a conseguir premios, evidentemente, porque está ya más que consagrada —abunda Morgade—. La primera temporada, que fue en 2018, me la comí de una tacada, para que os hagáis una idea de lo adictiva que puede llegar a ser esta serie. Y es cierto que el resto de temporadas desarrollan una trama en la que, como la primera es tan explosiva, es muy difícil mantener el ritmo, pero como te enamoras irremediablemente tanto de Eve como de Villanelle, no puedes evitar seguir viendo exactamente hasta dónde pueden llegar porque, no quiero hacer spoiler, ya lo he dicho antes, pero realmente, ¡cómo empieza la serie y cómo acaba! ¡Bueno, Bueno..! Y como anécdota, que estas cosas siempre me gustan, hay una parte en la segunda temporada que está rodada en Barcelona y te hace ilusión”. 

Otra curiosidad es que el personaje de Villanelle, la asesina protagonista de la serie, está inspirado en los libros de Jennings en la sanguinaria etarra Idoia López Riaño, la Tigresa. El autor buscaba la combinación de psicopatía y fuerza sexual. Fue la adaptadora, Phoebe Waller-Bridge, la que la hizo divertida por su absoluta falta de convencionalismo y cuando simpatizamos con ese rasgo llegan sus acciones que crean una conmoción. 

El autor original, Jennings, ha seguido publicando novelas sobre los personajes que divergen del desarrollo de la serie. Mientras tanto, en la versión televisiva, Phoebe Waller-Bridge, se fue quedando solo como supervisora y eligió a directoras y guionistas mujeres para el desarrollo de las temporadas dos, tres y cuatro. En la segunda, la productora ejecutiva es una cara conocida para cualquier persona interesada en las series, la intérprete de Camilla Parker Bowles en The Crown, también guionista y amiga de Waller-Bridge, Emerald Fennell, y en la esperada cuarta, que según han anunciado sus productores será la última, la guionista será Laura Neal, que también lo ha sido de la muy recomendable Sex education. No se ha descartado que haya alguna secuela de Killing Eve.

Tendría lógica, vista la fuerza del tono y los personajes que se han creado en esta ficción, sobre la que concluye Ana Morgade: “Me encantaría que vierais esta serie y estoy segura de que os va a enganchar muchísimo, como a mí, y de que os vais a enamorar de los personajes principales, de Eve porque tienes que quererla, porque es maravillosa, y de Villanelle, contra todo pronóstico, porque es un ser horrible y abominable, pero te encanta también, y no digo más”.