Kate Beaton (Mabou, Canadá, 1983) es actualmente una prestigiosa autora de cómics, pero en 2005 era una graduada en Historia y Antropología sin blanca. Para poder pagar su crédito universitario, Beaton, procedente de una comunidad empobrecida, tomó una decisión complicada: cogió sus bártulos y se plantó en las plataformas petrolíferas de Alberta, en busca de un contrato sustancioso que le resolviera la papeleta.

Allí le esperaban temperaturas de hasta 50 grados bajo cero y un entorno laboral muy hostil para las mujeres: llegó a ser agredida sexualmente en dos ocasiones. La canadiense contó su experiencia en Patos (2023, Norma Editorial), una novela gráfica de cuatrocientas páginas que ha sido premiada en los certámenes más prestigiosos del mundo del cómic.

Beaton ha estado de gira por primera vez en España aprovechando la salida al mercado de La tiburonilla, un álbum ilustrado que conjuga denuncia ecologista y feminismo, también publicado por Norma. Destinado a un público infantil, La tiburonilla es el último libro realizado hasta la fecha por su autora, que cuenta ya con una larga carrera que se prolonga durante más de una década y que comenzó con el webcómic de humor Hark! A vagrant (un recopilatorio homónimo con una selección de las tiras fue publicado en España por Ponent Mon en 2013), que se convirtió en un éxito fulgurante en los tiempos en los que Tumblr era la plataforma favorita para compartir el arte en Internet.

“Al principio, fue todo muy gradual. Cuando empecé, era feliz en mi pequeño rincón de Internet. Pero aquello se fue haciendo más y más grande y fue difícil de manejar. Llegué a pensar que tenía que contestar a todos los comentarios, incluso a los de los trolls. Pero todo se hizo tan grande que hacer aquello era inmanejable. Todos los que empezamos en aquellos tiempos aprendimos a lidiar con el público en tiempo real, pero sí que descubrimos pronto que era mejor ignorar según qué mensajes y centrarnos en nuestra comunidad, en quienes entendían realmente nuestro trabajo”, comenta Beaton.

El humor de la ilustradora era fresco, intelectual y no exento de activismo: desde un lugar tan insospechado como los cómics online, Hark! A vagrant reivindicaba una revisión del canon masculino de la literatura. “Para mí fue muy natural, porque lo que más me interesaba durante mi formación universitaria era fijarme en las vidas de los silenciados, de las minorías, de las mujeres. Incorporarlo a mi trabajo fue muy sencillo, y hacerlo con humor fue deliberado, las historias se cuentan y perduran mejor con humor”, confiesa la autora.

Aunque continuó trabajando en su webcómic, Beaton se labró una exitosa carrera como autora infantil (su libro La princesa y el poni se convirtió en una serie de animación), pero la necesidad de contar su estancia en las arenas bituminosas de Alberta y lo que tuvo que enfrentar allí la llevó a dibujar su multipremiada novela gráfica. Beaton, como persona migrante que fue en aquel momento, confiere una especial importancia a las conexiones que se tejen con las historias: “Cuando dejas atrás tu hogar para trabajar, encuentras que tu experiencia es común a gente de tantos y tantos sitios diferentes, y todas ellas tienen sus propias historias personales. Pero hay muchos puntos en común: la pena por dejar atrás el hogar, los problemas de comunicación, los problemas de dinero… Contar tu historia personal ayuda a que personas que en principio no tienen mucho que ver entre sí se vean reflejadas en otras narrativas”.

El trabajo en la plataforma petrolífera era tan extenuante que al principio ni pensaba en dibujar su experiencia. “Cuando volví a casa, mis recuerdos eran muy desordenados, era muy difícil convertir todo aquello en un cómic. Aunque la necesidad de contarlo se iba haciendo cada vez más fuerte. Pasaron más de diez años, pero así tuve la oportunidad de mejorar mis habilidades como artista, cada vez tenía más confianza en mi trabajo. Hice unas tiras de prueba, vi que funcionaba, y me puse a ello”, dice la ilustradora.

La naturaleza fragmentaria del cómic, el discurso en viñetas, fue ideal para su manera de trabajar. “Es cierto que algunos lectores se sienten algo confusos con la estructura del libro, porque no hay una voz de una narradora, o cambio de escenario de manera abrupta, pero es que así funciona la memoria, y quería ajustarme lo máximo posible a mi verdad, y es así como lo recuerdo, no de manera lineal”, señala.

El compromiso de Beaton con la verdad le llevó a no esconder los episodios más dramáticos: durante su estancia en Alberta, sufrió abusos sexuales en dos ocasiones. “No haberlo contado hubiera arruinado mi propósito al dibujar este cómic. El ambiente de amenaza que sobrevuela por ese entorno te hace estar siempre alerta, sabes que algo va a pasar, pero no sabes cuándo. Y cuando finalmente ocurre, no estás preparada. Además, yo era muy joven”, reconoce. Pese a la dureza de los hechos, la canadiense realiza en el libro un considerable ejercicio de comprensión de sus agresores.

“Creo que la gente que trabaja allí no se comporta de la misma manera que lo haría en casa. Se convierten en otras personas. Es como si, salvando las distancias, fueran a la guerra. Es un escenario donde funcionan otras reglas, otra manera de funcionar. Y eso es algo también he escuchado decir a trabajadores de las plataformas, que no les gustaba cómo eran allí, quienes eran allí”, dice Beaton.

“Estoy hablando de gente que se ocultaba en armarios en las habitaciones de compañeras, o que probaban a ver qué puertas no tenían cerrojo para entrar sin avisar. Y muchos de ellos venían de donde venía yo, de la zona de Cape Breton. Es una estructura de trabajo que te deshumaniza. Con esto no quiero decir que no fueran responsables de lo que hicieron, pero yo necesitaba respuestas y pensar en ellos de esta manera me ayudó”, añade.

En Patos, Beaton también se preocupa por el medio ambiente. El nombre del cómic tiene su origen en un incidente en el que miles de aves murieron al posarse en una laguna con residuos químicos procedentes de las extracciones petrolíferas donde ella trabajaba: “En Canadá, la contaminación que suponen las arenas petrolíferas es un tema que está sobre la mesa, y además se acercan elecciones, ambos candidatos lo llevan en el programa y hay voces que piden que las energéticas paguen más por sus actividades”.

“El problema es que Alberta, que tradicionalmente era una región muy pobre, habitada por granjeros, se enriqueció súbitamente por el petróleo, y ahora forma parte de su cultura. Es muy difícil hablar sobre conservacionismo con ellos. Y tienes que sumar el factor Trump y sus aranceles. Hay un sentimiento de nacionalismo que considera que Canadá tiene que ser autosuficiente energéticamente, así que el debate parte desde posiciones muy extremas”, continúa diciendo la ilustradora.

Y en La tiburonilla también habla sobre ecologismo, esta vez para un público infantil. “No creo que los cómics infantiles deban tener necesariamente un ‘mensaje’, pero me gusta hablar sobre cosas que me interesan, da igual si me va leer una niña o un adulto. Mi región es una región pesquera, muy preocupada por la gestión de sus recursos, y creo que los pescadores son los primeros en preocuparse por su entorno”, alega.

“La sobreexplotación de la pesca en mi región causó mucha pobreza, y ahora que se está recuperando, hay un interés decidido en respetar el medio. Quería hablar de esto en mi libro, defender a los trabajadores. Son los que estaban por encima en la pirámide, los grandes empresarios, los que se lucraron esquilmando los recursos. ¡Así que si hay algún mensaje en mis libros infantiles, que sea contra las grandes corporaciones!”, concluye.

La presencia de las drogas en los cómics ha sido una constante casi desde el nacimiento de los mismos, desde la advertencia severa de sus peligros en los títulos educativos norteamericanos a su reflejo lúdico y desprejuiciado por parte de los pioneros del underground. Lo que quizá no es tan frecuente es que el acercamiento al tema se haga con la sensibilidad que se merece. En 2023, el artista Lorenzo Montatore (Madrid, 1983) publicó Aquí hay avería (ECC Ediciones), una obra de carácter confesional en la que se cuestionan, con rigor, muchos falsos mitos en torno a las adicciones.

Desde su propia experiencia, con didactismo y sin paños calientes, el dibujante Ferran Vidal (1974, Caldes de Montbui) explica en Fuerza. Notas desde un centro de desintoxicación (Norma, 2024) cómo es el día a día en un dispositivo gratuito de rehabilitación, cuál es el escenario al que se enfrentan miles de drogodependientes en todo el Estado.

Y es que Vidal sabe bien de lo que habla, porque él mismo ha sido paciente de uno de esos centros. En esta entrevista concedida a elDiario.es, se explica: “La vida me llevó a un Centro de Atención y Seguimiento (CAS) y se da la circunstancia de que soy dibujante, así que una cosa llevó a la otra de manera natural. Me puse a dibujar lo que tenía a mi alrededor, sin más”. Y lo que tenía a su alrededor se encontraba en el CAS de “una ciudad cualquiera”, según indica en el libro: “ El CAS que retrato está en una ciudad de Barcelona, y pensaba que mi experiencia allí era extrapolable a otros sitios, aunque cada centro es un mundo y hay muchas diferencias entre ellos. Pero sí que creo que hay muchos puntos en común”.

Es cierto que entre este tipo de centros existen multitud de diferencias, desde la nomenclatura (por ejemplo, en la Comunidad de Madrid se denominan CAID, Centro de Atención Integral a Drogodependientes) a la financiación (los hay públicos y los hay concertados). En Fuerza, Vidal denuncia la carencia presupuestaria de su CAS. “En Catalunya se está desmantelando la sanidad pública. Va como el culo. Vivo en un pueblo y da pena, con solo dos ambulancias. Lo dijo el ministro Fernández Díaz en aquellas declaraciones: ‘Les hemos destrozado el sistema sanitario’. La falta de presupuesto la sufren los profesionales que trabajan en el centro todos los días. Son ellos mismos los que me han contado sus experiencias, el poco apoyo del que disponen”, explica el autor.

Aunque el proyecto nace como un diario personal, un registro artístico de sus días allí, Fuerza ha terminado por convertirse en un cómic publicado por una de las principales editoriales del panorama nacional. “La verdad es que no pretendía nada. Simplemente quería dibujar las caras fascinantes que me encontraba en el CAS. Me encanta dibujar gente. Fue Jordi Borrás, de la librería Cómic Hunter de Madrid, quien me animó a que hiciera un libro, cuando le hablé de lo que estaba haciendo y vio algunos dibujos. Le hice caso y aquí estamos”.

Un cómic híbrido y hasta cierto punto experimental para el que Vidal ha utilizado multitud de técnicas, del collage al juego matérico con las propias páginas: “He hecho lo que podido, pero creo que sí que le venía muy bien el cambio de registro, porque el tema es duro”. El propio autor aclara en el libro que en este caso, el humor queda fuera de la ecuación. “Mira, me hubiera gustado poder hacer algo más divertido, a mí me gusta el cómic de humor, pero creo que este trabajo necesitaba este tono, no me daba la gana ser más ligero”.

Poner cara a la droga

El trato con los pacientes no conllevó muchos problemas, aunque confiesa que “al principio pasas miedo, te imaginas que la gente va a estar allí con una pipa escondida. A ver, la mayoría de los que van allí tienen antecedentes penales. Ojo, yo mismo he tenido mis movidas, pero se te quita pronto. Tras un par de semanas ya haces relaciones, sales a desayunar, coincides con el resto en grupos, hay una conexión. Son personas de todo tipo que sufre la misma enfermedad. Es gente muy distinta pero que está en la misma situación, una situación que les une y los solidariza”.

Lo más difícil fue explicar cuál era su propósito al dibujarles: “Al principio no entendían nada. Tampoco es que hubiera por allí mucho aficionado a los tebeos ni nada parecido. Solo encontré uno al que sí que le gustaban, la verdad. Pero, con sinceridad, a la gente le daba igual. Sí que te contaban su historia, pero me pedían que les cambiara el nombre para que no se les reconociera”.

Sin embargo, sus testimonios vienen acompañados de multitud de retratos y de rostros, fruto de un empeño en personalizar, en poner cara a la droga. “Pero no fue un esfuerzo consciente, sencillamente retrataba a los pacientes y dibujaba todo lo que veía, tomaba apuntes del natural… Intentaba que no se escapara nada. Pero al final sí, es un trabajo que quiere enseñar, que se vean las cosas”. Aunque Vidal se ha cuidado mucho de no mostrar directamente los estragos físicos que produce la droga: “El motivo principal para esto es que la gente que está muy mal no posa. Pero sí, no era mi intención recrearme en algo así, no es mi estilo, la verdad, aunque sí que incido en los cambios en el cuerpo que producen las adicciones, porque esto es una realidad también”.

Tampoco se esconde la violencia implícita en el mundo de la drogadicción, no hay ni rastro de condescendencia con este tema: “No, porque habría sido faltar a la verdad, quitar una parte muy importante de todo esto. La violencia está ahí presente, día a día, con los profesionales, entre los pacientes, y, de alguna manera, por parte de la policía”.

Vidal apuesta en el libro por tomar en cuenta la despenalización: “Leí el trabajo de un periodista sobre el caso de Portugal, que es el que reflejo en el libro, y creo que sí podría ser el camino. Igual no despenalizar completamente, porque hay que actuar contra los camellos. Pero sí que creo que debería ser una inercia a seguir, menos perseguir y más cuidar y acompañar. Dar amor y esperar la respuesta. Es muy complicado, pero hay que ofrecer a los drogodependientes la oportunidad de ser felices”.

Vidal explica que esa felicidad es el objetivo que debe fijarse en un proceso de rehabilitación: en una imagen muy potente presentas a los pacientes con el agua al cuello, pero todavía respirando. La esperanza de salir de la esclavitud de la droga: “Es la única opción posible. Así es como se llega a estos centros, con el agua al cuello, pero a partir de eso, se vuelve a subir. No hay que culpabilizar, hay que dar apoyo, hay que crear redes, y sí, hay que ofrecer esperanza, hay que recordar que se puede salir de esto”.

En cuanto a la valoración personal de su trabajo, Vidal es concluyente: “No he querido aleccionar a nadie. Además, no soy nadie para juzgar ni nada por el estilo, así que no puedo condenar a los drogadictos. ¿Quieres experimentar con las drogas? Adelante. ¿Crees que las puedes controlar? Allá tú. Ahora, yo solo quiero acercarme a la verdad de todo esto, y la verdad de todo esto es que si te metes en las drogas, por estadística, lo más probable es que te pase lo que se ve en el libro. Y eso es ineludible, y quería contarlo de esta manera”.

“El niño Jesús no odia a los mariquitas” es la nueva colaboración entre el artista Don Julio, el alias que utiliza Julio A. Serrano en sus trabajos para adultos, y la editorial Fandogamia, tras el éxito de su anterior álbum, Ser fascista está mal. Ambos libros parodian los cuadernos de actividades veraniegas para niños, con pasatiempos, coloreables y fuertes dosis de humor negro. El álbum se presentó en el pasado certamen Comic Barcelona celebrado la primera semana de este mayo, sin mayores incidencias. Pero este viernes, la Fundación Española de Abogados Cristianos ha anunciado que ha interpuesto una querella en un juzgado de Valencia contra el autor y la editorial por posibles delitos de provocación a la discriminación y al odio, y por provocación sexual.

Un error en la cadena de distribución editorial provocó que el libro apareciera recomendado en Amazon para lectores a partir de seis años, sin advertir que se trataba de material para adultos. A partir de ese momento, la publicación ganó notoriedad. Una crítica del álbum publicada por un librero en Instagram se viralizó (el vídeo ya ha sido eliminado de la red social) y pese al tono irónico de la reseña, multitud de usuarios con un claro perfil de ultraderecha se hicieron eco, en una cascada de mensajes que se mantuvo activa a lo largo de varios días. Es entonces cuando Pedro F. Medina, responsable de Fandogamia, intentó apagar el incendio mediante una serie de mensajes en su cuenta personal de X, donde explicó cómo se había generado la situación.

Según el autor, con esta obra quería “hablar sobre el problema de la homofobia en todo el mundo, y exponer los típicos argumentos que usan algunas personas para atacar al colectivo LGTBI para desmontar en dos o tres frases esos mismos argumentos”. “Los textos vienen acompañados de imágenes ridículas para hacer más evidente lo precisamente ridículo que es ser homófobo en el siglo XXI. Y recibí asesoramiento de diversas personas del colectivo para asegurarnos de que lo que contamos representa bien el problema. Y parece que hemos dado con la tecla, porque mira la que se ha armado. Porque no, el niño Jesús no odia a los mariquitas, pero muchísima gente de este país, sí”, explica Don Julio a este medio.

Al respecto de por qué la obra apareció como apta para menores, Medina explica a elDiario.es que están “investigando junto a CEGAL (Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libreros) cuál fue el punto de venta o distribuidora que creó por primera vez la ficha en DILVE (sistema distribuidor de la información del libro español en venta), ya que se eliminó la expresión ‘para adultos’ de la sinopsis y añadió una edad recomendada de manera totalmente errónea, no sabemos si por una confusión o de una manera totalmente malintencionada”. “Esa información se sube de manera incorrecta a Amazon, y ahí se disparó todo”, añade. Un error que Medina reconoce que “es un quebradero de cabeza, hemos contactado con todos los puntos de venta y distribuidoras para que corrijan, de una en una si es necesario, las descripciones y categorías equivocadas de sus webs y catálogos. El problema es que todo esto ocurre un viernes, y hasta el lunes no nos ponemos en marcha, con lo que todo se alimentó durante el fin de semana”.

Pese a los esfuerzos de Medina por contener la crisis, la entidad ultracatólica Abogados Cristianos anunció este jueves en su cuenta de X que emprendería acciones legales contra Fandogamia y Don Julio. Al día siguiente, confirmó con un comunicado la querella en un Juzgado valenciano. Una fuente de la fundación asegura a elDiario.es que, a su juicio, “el libro atenta contra la infancia y contra los sentimientos religiosos”. Al señalar que se trata de un libro para adultos y que el error de su denominación en las librerías se está subsanando, esa misma fuente indica que “será el juez quien decida quién tiene razón”. “La realidad es que el libro fue catalogado para un público infantil y, si se trataba de un error, estuvo subido así varios días. Y no es solo su contenido sexual, es que atenta contra todos los católicos”, añade.

Recientemente, el Tribunal Supremo rechazó una querella de Abogados Cristianos contra el Defensor del Pueblo por su informe contra los abusos de la Iglesia. Esta organización ha interpuesto también querellas contra la revista Mongolia, o las exhumaciones en el Valle de Cuelgamuros.

Pedro F. Medina, editor de la obra, indica que no le ha llegado notificación alguna. “Yo tengo mi declaración preparada, y creo que, aunque es plenamente comprensible que el contenido pueda incomodar a determinadas personas, no es suficiente como para entender que ha habido un exceso de la libertad de expresión. Lo que sí que vamos a hacer es reimprimir una buena tirada de los dos cuadernos y añadir una etiqueta que diga que ‘esto es claramente para adultos’, bien grande y en mayúsculas”.

Serrano (Don Julio), el otro objetivo de la querella de Abogados Cristianos, admite que esta situación “no es plato de buen gusto”. “Como trabajo en El Jueves, estoy acostumbrado a estas cosas, pero a veces me da pereza explicar cosas qué deberían ser obvias”. El dibujante señala que ha recibido “todo tipo de mensajes de odio y amenazas”. “Pero también he recibido mensajes de gente quejándose con las que he podido dialogar e incluso llegar a un entendimiento. Podría ponerme a denunciar yo a muchísima gente, pero entiendo que todo el mundo tiene derecho a un sofocón y perder el control de vez en cuando, pero me he sentido muy arropado por Fandogamia y también he recibido mensajes de apoyo”.

Julie Doucet (Montreal, 1965) llevaba casi dos décadas sin dibujar cómics. Completamente agotada, según sus propias declaraciones, tras colaborar con el director de cine Michel Gondry (Versalles, 1960) en My new New York Diary (2010), un proyecto audiovisual que le supuso un cúmulo de sinsabores, su producción artística se redujo a un puñado de obras en el ámbito del videoarte o la fotonovela.

Doucet, una leyenda del cómic underground, con una influencia colosal en la nueva ola de autoras de cómic independiente, fue galardonada en 2022 con el Grand Prix del festival de Angoulême, el certamen más prestigioso en Europa. Ese mismo año publicó Time Zone J (Drawn & Quarterly), título que aludía al huso horario que corresponde a la hora local en lenguaje militar), su vuelta por todo lo alto al medio que la vio nacer como artista.

Ahora está de visita en España con motivo del ciclo Documentos, que indaga sobre las relaciones entre arte y el universo editorial y que ya ha contado con Chris Ware (Omaha, 1967), otro primer espada del mundo del cómic, como invitado. Documentos es una iniciativa que el Museo Reina Sofía ha abierto en colaboración con el Centro José Guerrero de la Diputación de Granada y La Madraza - Centro de Cultura Contemporánea, dependiente de la Universidad de Granada. Doucet conversó este martes en Madrid con la dibujante de cómics Camille Vannier y el 2 de mayo lo hará en Granada con la también artista Irene Márquez (Valdepeñas, 1990), en diálogos abiertos al público, sobre su obra y su relación con la autobiografía.

La dibujante canadiense presenta también la edición española de Time Zone J, El río (Fulgencio Pimentel). Su editor en español, César Sánchez, explica que el título de El río hace referencia al “manantial de ideas y de dibujo que surgen de la obra”. En El río, Doucet ha explorado el lenguaje formal del cómic para ofrecer una narración experimental que parte de una premisa clásica, una antigua historia de amor por correspondencia mantenida con un fan de su trabajo que se encontraba haciendo el servicio militar en Francia mientras ella residía en Canadá. Una historia que, según sus propias palabras, “no podía haber sido contada de otro modo”.

En una conversación mantenida con este diario, la artista reconoce que intentó abordar la construcción de El río de diferentes maneras, pero que le resultó imposible: “Lo intenté, de veras. Quise escribir una novela, no funcionó. Luego probé a convertirla en un guion de cine, nada, tampoco. Fue entonces cuando volví al cómic, cuando volví a dibujar. Aunque no quería dibujarlo de una manera clásica, con sus personajes y sus escenarios. Intenté cambiar mi estilo, pero de nuevo me atasqué. Empecé a experimentar con el formato y encontré que remedar el aspecto de los cuadernos de dibujo Leporello, con el papel en acordeón, funcionaba. Fue en ese momento cuando todo cobró sentido. Me encanta dibujar multitudes, así que entonces me coloqué en el centro de la narración, y a mi alrededor empezaron a brotar todos los personajes de El río, como una especie de collage de rostros, dibujar rostros es lo mejor”. El collage es una disciplina artística que no es ajena a la canadiense, “aunque no es algo que, sinceramente, se pueda vender muy bien, y pese a que el resultado final es una especie de poesía maravillosa, supone demasiado trabajo. Comprendí que tenía que volver a dibujar cómics”.

Y de qué manera: Doucet despliega en el El río una imponente explosión gráfica en tinta china. “Realmente sí, quería volver a dibujar, así que he disfrutado muchísimo con todo el proceso. Me he dejado llevar, improvisé todos los dibujos, que iban apareciendo en el papel de manera natural. Sabía cuál era la historia qué quería contar, estaba en mi cabeza, así que me sentaba cada día y me dejaba llevar, sin saber qué es lo que iba a dibujar ese día. Además, lo hice durante la pandemia, por lo que tener esa actividad fue terapéutico”.

Así, el sacrificio que supuso volver a sentarse a la mesa de dibujo fue mucho más llevadero: “Sucede que el cómic tiene mucho de sacerdocio, de enfocar toda tu vida al acto de dibujar, te conviertes en una especie de cura de la religión de las viñetas. Y ya tuve muchos problemas con eso en el pasado, porque siempre quise hacer otras cosas, nunca he pensado en el trabajo como una especie de línea recta que tengas que seguir sin desviarte, y parece que los dibujantes tuviéramos la palabra ‘cómic’ escrita en nuestra frente, como una especie de marca indeleble. Fue muy difícil que me aceptaran en otras escenas, pero al final he probado todas las disciplinas artísticas”.

En las páginas de El río, los recuerdos de su juventud se entrelazan con sueños, otro elemento fundamental en el trabajo de la canadiense. “Los sueños tienen algo mágico. De joven tenía unos sueños increíblemente vívidos, muy narrativos, todo estaba muy bien estructurado. Contar lo que soñaba me ayudó mucho, aprendí a contar historias, porque no tenía ni que montar nada, ya estaba todo editado, solo tenía que dibujarlos, de la manera más fiel posible. Estuve mucho tiempo sin recurrir a ellos, pero ahora he vuelto a adentrarme en el mundo de los sueños, así que tengo mucho nuevo material del que partir para dibujar”.

El particular flujo narrativo de El río, un extenso monólogo casi ininterrumpido que se prolonga a lo largo de más de 140 páginas, tiene mucho de onírico, pero es un trabajo que parte de la memoria biográfica. Doucet explica que ha tenido que autolimitarse. “Ha sido un proceso muy largo, y sí, he dibujado muchísimo, pero hay cosas que he eliminado en una fase previa, cuando estaba pensando en qué era lo que quería contar. No he vuelto a saber nada del Húsar [el fan enamorado motor de la obra], y desde que se publicó el cómic, él tampoco se ha manifestado. Cuando hablas de tu vida tienes que tener cuidado al involucrar a otras personas, porque hay veces que a mis amigos no les ha gustado leer tal o cuál cosa que yo haya contado de ellos en mis cómics, que es algo que me ha dolido especialmente, porque nunca dibujo con malas intenciones, solo cuento mis recuerdos. En este caso, sencillamente no quería exponer todo lo referente a esta persona”.

Estos recuerdos surgen de sus diarios, que ha estado escribiendo desde que tiene uso de razón, y sus obras autobiográficas, como la seminal Mi diario de Nueva York (incluido en la recopilación de sus obras completas publicada por Fulgencio Pimentel en 2017), han supuesto buena parte de su producción artística. “Y mira que me prometí no volver a exponerme tanto, pero es que realmente me cuesta mucho hacer ficción. Cada obra me va dando sus propios marcos de manera natural, de quién contar cosas y cómo hablar de ellas”, señala.

Resulta curioso que una artista sobre la que el jurado de Angoulême dijo, a la hora de otorgarle su Grand Prix, que “había construido una obra eminentemente personal y libre, sin ninguna preocupación por el decoro”, y cuyo material ha sido considerado incendiario por lectoras y lectores de todo pelaje, tenga ahora tantas reservas con lo que cuenta en su trabajo. “Lo reflexiono mucho, y en este caso, que era todo improvisado, más todavía. Pero sí que te voy a decir una cosa, tengo un límite muy claro: nunca, nunca, hablaré sobre nada que involucre a mi familia”, concluye.