Justo cuando el recuerdo de la anterior crisis económica, la Gran Recesión, comenzaba a difuminarse; justo cuando consolidábamos un periodo de bonanza del que ya empezábamos a participar todos, justo ahora que parecía que no había túneles en el camino, nos topamos de bruces con un túnel repentino, inesperado y muy oscuro.

La crisis sanitaria generada por la pandemia de Covid-19 y que amenaza seriamente a toda la sociedad, nos ha recortado nuestros horizontes de expectativas brutalmente. Todos los sectores y todas las capas de la sociedad se han visto muy seriamente afectadas. Una realidad sobrevenida que, una vez superada la crisis sanitaria, a nadie oculta que comportará un choque económico y social de dimensiones y consecuencias todavía hoy imprevisibles. Por supuesto, también para el mundo de la cultura.

La paralización de la actividad económica, el confinamiento de los ciudadanos, el cierre de equipamientos y programas culturales, la hibernación de la actividad social… todas ellas son circunstancias que han sumido al mundo de la cultura en un shock que se aventura traumático. Pese a ello, la primera reacción de las gentes de la cultura, como no podía ser de otra manera ha sido la humana, colocándose en el papel que toda la sociedad demandaba: cerrar y cesar su actividad para ayudar a parar la epidemia y así generar el menor dolor posible. La segunda reacción ha sido la de contribuir desde la mejor actitud cívica a aliviar los confinamientos y las cuarentenas de la población mediante la puesta a disposición de sus recursos ya sea consultables on line o en directo vía múltiples plataformas digitales.

Sin embargo, una vez encajado el golpe de la epidemia vírica y del confinamiento social, se han aligerado sus efectos psicológicos mediante la catarsis social que suponen los memes en las redes sociales y los variados happenings en los patios y balcones. Sin embargo, aún quedan semanas difíciles, hasta vencer la epidemia y, sobre todo, la posterior asimilación de una crisis económica y social que en las próximas semanas irá adoptando forma y realidad. Una crisis que al mundo de la cultura golpeará de lleno. En este sentido, es previsible que esta crisis pueda significar a corto y medio plazo:

a) Una fuerte caída de la inversión pública en cultura como consecuencia de la previsible caída de ingresos fiscales y los consiguientes ajustes presupuestarios como consecuencia de la necesaria orientación del gasto para contener otro tipo de emergencias sociales y económicas.

b) Una nueva caída del gasto en cultura por parte de los ciudadanos y de los hogares (gasto privado) tras varios años de una lenta y progresiva recuperación de este desde los valores más bajos de la crisis anterior.

c) Una aceleración de los cambios ya en marcha en la producción y el consumo de bienes y servicios culturales, una tendencia en la que ya estábamos inmersos en los últimos años y en la que la consolidación del paradigma digital es su principal motor.

d) Y, aunque sea arriesgado el pronóstico, también es posible que se agudicen las existentes o surjan nuevas tensiones en la gobernanza y gestión de la cultura como consecuencia de una mayor exigencia de la sociedad en materias como participación, transparencia, corresponsabilidad, etc…

A todas estas proyecciones habría que añadir una que es mucho más incierta de prever y que tiene que ver con la restitución de la confianza por parte del ciudadano en los espacios sociales compartidos. No hay que olvidar que la crisis sanitaria provocada por el coronavirus nos ha revelado a todos el potencial de contagio que tiene nuestra actividad social, una idea que ha reforzado el confinamiento forzoso y que mina uno de los principios sobre el que se asienta el hecho cultural: la cultura se comparte en proximidad.

Aunque el Gobierno está empezando a reaccionar mediante el plan de choque para atajar la crisis económica derivada del impacto de luchar contra el Covid-19, en los próximos días se irán concretando más medidas específicas para los sectores económicos y sociales.

Por eso, sería conveniente no olvidar la realidad de la cultura, de la que aquí nos hemos hecho eco de algunos aspectos, y planificar medidas específicas que vayan encaminadas a sostener la inversión pública en cultura, cuando no a aumentarla. También sería conveniente atender a incentivar y fortalecer el tejido y las estructuras culturales del ámbito digital. Una crisis como la actual pone de relieve la importancia de esta industria en la generación y compartición de contenidos culturales de esa índole. Y proveer de las suficientes ayudas y recursos para el acompañamiento económicos de empresas, trabajadores y autónomos de este sector con el objetivo de sostener el capital humano.

Decía antes que el mundo de la cultura, sus gentes y sus estructuras, han sintonizado desde el primer momento y como no podía ser de otra manera con la sociedad de la que forman parte en la emergente crisis, tanto sanitaria como económica. Por ello, en el momento en el que empezamos a poner los cimientos de la que va a ser la reconstrucción, de la recuperación, sería un error imperdonable dejar atrás este sector que tanto aporta. Y no sólo económicamente, sino también socialmente. Baste recordar que, inesperadamente, la cultura puede convertirse en parte de la solución: tras el confinamiento, la desconfianza social y las heridas de la epidemia, la cultura puede contribuir a restablecer y fortalecer el vínculo social que tanto necesitaremos cuando al final del túnel veamos la luz.

El gasto agregado en cultura realizado por los hogares con ingresos más bajos ha permanecido estable, incluso con un ligero aumento en los peores momentos de la crisis.

Ese ligero aumento a nivel agregado es compatible con una reducción del consumo cultural a nivel individual en los hogares con menos ingresos, dado el aumento en el número de hogares de ese tipo.

La reducción del gasto en cultura se produce de manera más fuerte en los individuos con mayor poder adquisitivo, que son además quienes más claramente ilustran el impacto de la revolución digital en los patrones de consumo cultural.

El término política cultural está de moda, pero los debates sobre la política cultural resultan con frecuencia estériles, pues no dejan rastro de mejoras en las prácticas culturales, ni en las políticas de la Administración. Recientemente se ha hablado del fuerte repliegue económico del sector público en el ámbito de la cultura en los años de la crisis pero apenas hemos analizado el también fuerte correctivo que los hogares han aplicado a sus gastos en este ámbito.

Comprender los cambios que se han producido en los patrones de gasto de los hogares españoles puede ofrecernos, de entrada, muchas explicaciones a fenómenos ya acontecidos. Pero, ante todo, nos puede proporcionar una base empírica para el diseño de unas políticas públicas que mejoren el acceso a la cultura. Esto sí sería hacer una política cultural madura y orientada hacia el servicio público, pero sin duda da para menos titulares e impone debates menos excitantes llenos de propuestas más técnicas y grises.

Utilizando como fuente de información la Encuesta de Presupuestos Familiares (Base 2006), nos hemos concentrado en aquellos epígrafes que contienen datos sobre consumo de los hogares en materia cultural. Y, utilizando las series que van desde el año 2007 (previo a la crisis económica) hasta el 2015 (último de los años disponibles), hemos desagregado los datos en función de variables socioeconómicas para analizar si el comportamiento ha sido igual en todos los grupos.

Una fuerte reducción del gasto

Los hogares españoles tal y como se puede apreciar en el gráfico 1, han reducido su gasto global en cultura, independientemente del segmento de ingresos en el que se encuentren salvo en un caso, el grupo de hogares de más bajos ingresos. Si bien entre los años 2014 y 2015 parece contenerse esa caída general, todavía no se aprecia en esta serie una tendencia a la recuperación. No obstante, llama la atención que el gasto agregado en cultura de los hogares con ingresos más bajos, por debajo de los 1000 € mensuales, ha permanecido estable, incluso con un ligero aumento en los peores momentos de la crisis para acabar el periodo estudiado siendo el único que aumenta (un 0´66% respecto a 2007).

En términos globales, entre el 2007 y el 2015 se han evaporado 4,839 millones de euros en gasto cultural y, tal y como se aprecia en el gráfico 2, los hogares de clases altas son los que más contribuyen a esa reducción (1.625 millones de euros de reducción) seguidos, de las varias capas de las clases medias.

También hemos mirado cómo ha variado el gasto cultural medio de los individuos según el nivel de ingresos del hogar en el que residen (gráfico 3). En este caso los resultados son todavía más reveladores: el ajuste se produce de manera más fuerte en los individuos con mayor poder adquisitivo. Es en esos niveles altos de renta donde los individuos más han reducido su nivel de gasto en cultura y son, por su parte, las personas de los segmentos más desfavorecidos las que menos reducciones en su gasto han hecho.

Así, de una observación cruzada de los gráficos 1, 2 y 3 nos llama la atención el contradictorio comportamiento del segmento de hogares con ingresos más bajos. Si bien decíamos que había sido un segmento que incluso había aumentado el gasto global en cultura durante los años de la crisis, las personas que se sitúan en él, aisladamente, han reducido su nivel medio de gasto. ¿Qué significa esto? Quizá lo que estos datos nos están indicando, por una parte, es que se está produciendo un ensanchamiento de la base de hogares que se sitúan en ese segmento, de ahí que el volumen global de gasto sea estable o incluso creciente. Y, por otra parte, eso no excluye que los miembros de los hogares de este segmento cada vez gasten menos en cultura. Podemos decir pues que cada vez hay más hogares de ingresos bajos, y que éstos gastan cada vez menos en cultura. Una hipótesis que casa muy bien con lo que ya conocemos sobre la evolución de las rentas en los últimos años. José Fernández-Albertos en estas páginas y Pau Mari Klose en estas otras, dejan claro que, asumiendo que durante la crisis todas las clases perdieron renta, son las clases bajas las que han pagado una mayor factura. Entonces, si esto es así, ¿por qué son las personas con más renta las que más recortan en cultura?

Un patrón de consumo cultural nuevo

No tenemos ningún dato que nos lleve a argumentar que la reducción del gasto cultural de los hogares y las personas con mayores rentas no se deba, en parte, a una bajada de su poder adquisitivo y su consecuente reducción de gastos. Algo de esto puede haber. Sin embargo, nos aventuramos a indicar que, si el recorte ha sido mayor porcentualmente en las personas con rentas más altas, se debe a otro tipo de razones no meramente económicas. Y para alimentar esa sospecha, basta observar el siguiente gráfico.

Clarividente: los hogares españoles en estos últimos años sólo han aumentado su consumo en servicios relacionados con internet y lo han reducido drásticamente en aquellas partidas que tenían que ver con las llamadas “industrias culturales”: cine, música, vídeo, fotografía… La revolución digital está dando la vuelta al patrón de consumo cultural de los hogares españoles. Si bien estos cambios son transversales a todos los niveles socioeconómicos, los niveles de mayores rentas son los más expuestos a los mismos por su capacidad de consumo y de adaptación rápida a cambios sociales.

Por tanto, un análisis cruzado de estos datos parece necesario para intentar comprender qué es lo que ha pasado en la sociedad española y por qué se ha dejado de gastar en cultura tanto. La caída de los presupuestos públicos en cultura ha sido importante (-2.381millones de Euros para el conjunto de las Administraciones entre el 2007 y el 2014) pero mucho mayor lo ha sido la reducción del gasto procedente de los presupuestos familiares (4.839 millones de euros entre 2007 y 2015). Por tanto, aparte de poner el acento en la recuperación de los presupuestos públicos, quizá también tiene sentido actuar para incentivar el gasto privado.

Una segunda conclusión, es que trabajar con estos datos nos puede ayudar para fundamentar empíricamente las políticas públicas culturales pues tendremos mejor identificados los objetivos sobre los que intervenir. Sabemos que las rentas más bajas son las que más ayuda necesitan, y que cualquier trasvase de renta hacia estas capas con fines culturales, no sólo tendría efectos redistributivos sino también de mejora de acceso a la cultura. Sabemos también que de manera transversal se está produciendo un cambio en los patrones de consumo cultural y que las clases más pudientes son las que de manera más evidente han dejado de consumir en el viejo patrón sin todavía comenzar a consumir, en la misma medida que antes, en uno nuevo. ¿Estamos ante una disfunción de las industrias culturales nacionales, todavía torpes a la hora de plantear nuevos modelos de consumo cultural que recupere rentas de estas clases? Pues en este caso cualquier plan que contemple y agilice la transformación de las industrias culturales parece reclamarse como urgente.

En todas estas disyuntivas los poderes públicos tienen la posibilidad de actuar para favorecer uno u otro objetivo. Cambiar el foco, a veces, permite identificar mejor los problemas a resolver. Entonces, ¿qué tal si hablamos alguna vez de políticas públicas (culturales)?

Hay que admitir que nuestro sistema de partidos está irreconocible. En menos trimestres que los que caben en el número de dedos de una mano el viejo sistema ha cambiado mucho. Y mucho también se ha escrito sobre la naturaleza de ese cambio y sobre los diferentes rasgos de los votantes de los “nuevos partidos”, así como de los que permanecen fieles a los “viejos partidos”. Mi propósito es añadir algún grado más, pintoresco e incluso divertido, en el análisis de esos votantes atendiendo a una variable socio-cultural: ¿qué manifestaciones culturales gustan más a unos u otros votantes?.

El barómetro del CIS del pasado mes de septiembre incluía algunas preguntas de índole cultural. Aparte de preguntar sobre los hábitos de lectura, a los entrevistados se les preguntaba sobre en qué grado se interesaban por determinados ámbitos culturales. Y esas respuestas cruzadas con el recuerdo del voto en las pasadas elecciones del 26 de junio 2016 (muy recientes, por otra parte, en el recuerdo del entrevistado) ofrecen como resultado los dos gráficos que siguen.

Gráfico 1: Interés por las artes escénicas (por partidos)

Gráfico 2: Interés por otras artes (por partidos)

Del análisis de esos resultados pueden salir conclusiones cruzadas sobre los votantes de cada uno de los partidos políticos que el lector juzgará hasta qué punto le sorprenden o no pero que, cuando menos, ofrecen datos socioculturales que completan los análisis realizados hasta ahora. Pero permítanme relacionarles algunas conclusiones que les ayudarán a balancear su mirada sobre los gráficos:

Por consiguiente, una primera conclusión general es que el mundo de la cultura debería estar contento ya que, a juzgar por estos datos, los nuevos partidos políticos vienen respaldados por unos electores muy motivados culturalmente. Algo que puede ser un claro estímulo político para activar unas políticas públicas en materia de cultura cuyos primeros beneficiarios serían unas amplias capas de su electorado. Y como conclusión de calco negativo de la anterior, los partidos tradicionales (PP y PSOE) son los que tendrían menores estímulos para actuar en estas materias ya que tienen los electorados más desmotivados. Ambas conclusiones pueden parecer relevantes si se tienen en cuenta que los primeros gobiernan algunas instituciones locales y autonómicas y los segundos participan (salvo excepciones nacionalistas) prácticamente en el gobierno del resto y en particular en Moncloa.

Para ser más precisos con el análisis de estos datos, habría que introducir algunos matices que ayudarían a entenderlos mejor. Por ejemplo, la polarización que hablábamos antes entre ámbitos culturales (unos más populares y los otros menos), tiene que ver con que el bloque que agrupa a las que serían las “industrias culturales” (música, libro y cine) se caracteriza por un más fácil acceso por parte del público/consumidor tanto por coste como oportunidad; ¿quien no escucha algo de música en internet, o lee un libro en algunos meses…? Mientras que en el caso del segundo bloque (artes plásticas, teatro y danza) el acceso tiene un mayor coste no ya solo económico, sino también de oportunidad ya que requiere generalmente desplazarse a espacios específicos (museos, teatros, auditorios).

La cuestión de la accesibilidad es uno de los condicionantes clave en materia cultural puesto que, cuánto más fácil sea acceder a una manifestación cultural, más posibilidades se tiene de participar en ella y, por consiguiente, de valorarla. Este es el caso de la danza, para la que el “oasis” que Cataluña es en difusión coreográfica explica los resultados de los partidos políticos de aquella comunidad.

Cuando decía al inicio que este artículo venía a complementar otros análisis que ya se habían hecho sobre el electorado de nuestro apenas estabilizado nuevo sistema de partidos me refería a que, aislados, estos datos significan bien poco. Entendidos en su complejidad, ayudan a entender la fotografía social del votante actual. El interés (o desinterés) de un votante de un partido político por la cultura nos da pistas de su edad, del núcleo poblacional en el que vive, de su nivel socioeconómico, etc. Si no, cotejen este texto con alguno de los que Kiko Llaneras ha venido haciendo, como por ejemplo en este artículo, y verán que hay perfiles sociales que encajan perfectamente.

Ese es el valor complementario de estos datos: entender que culturalmente el votante también se ha fragmentado con la emergencia de los nuevos partidos. El cómo interpretar estos datos también depende mucho del analista político del primer nivel de los partidos políticos. En ese caso, la carta más segura a jugar, sobre todo para los partidos con el electorado más inquieto, sería la de la accesibilidad. Mejorar el acceso a la cultura depararía mayores satisfacciones entre el electorado. Actuar sobre los ámbitos controlados por las industrias culturales parecería prioritario por la enorme carga popular que conlleva. Y estructurar políticas de acceso a largo plazo para aquellos ámbitos menos elásticos (artes plásticas, teatro y danza) sería la mejor forma de ayudar a su sostenibilidad.

A veces, sólo a veces, unos datos demoscópicos en apariencia dura, pueden resultar divertidos. Y si me apuran aún más, incluso prácticos. Esa es su elección.

Ha tardado, pero la cultura empieza a estar en el asador. La semana pasada eldiario.es publicaba y analizaba el borrador provisional de Podemos para cultura; esta ta semana el foco se centra en el PSOE y el Partido Popular. Y no porque estos partidos vayan a presentar su programa electoral, un as que se guardan para otro momento, sino porque ambos han programado a través de instituciones afines dos actos en Madrid que dejan ver algunas de sus preocupaciones culturales.

Por una parte la Fundación Alternativas (en la órbita del PSOE) conjuntamente con la Fundación Santillana (vinculada a PRISA), convoca el VII Foro de Industrias Culturales que tendrá lugar el 5 de noviembre en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Por otra parte, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte a través de la Dirección General de Políticas e Industrias Culturales y del Libro, ha organizado el Encuentro de Cultura Local y Construcción de Ciudadanía, en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, también el 5 y 6 de noviembre. Lo que viene siendo contraprogramar.

Es contraprogramar porque, quien se preocupe por las políticas culturales, tendrá que decidirse. Y si la decisión se tomara por afinidad ideológica, en ese caso el interesado erraría. Mientras el PSOE y su Fundación Alternativas fían su suerte a sus tradicionales y fieles sectores culturales (la industria cultural y las asociaciones sectoriales), el Partido Popular, hace un número de prestidigitación virtuoso y se desmarca con un foro en el que dará cabida a las ideas y las prácticas más críticas y novedosas del panorama cultural. En la carrera frenética por la Moncloa, si hablamos de cultura, el PP se ha marcado un adelantamiento por la izquierda que deja a todos los demás partidos boquiabiertos.

La derecha adelanta a la izquierda... por la izquierda

La Fundación Alternativas es la que menos sorprende, está donde se esperaba. Lleva años organizando este foro dedicado a las industrias culturales, esa parte del sector cultural y de la comunicación que tiene los medios y los recursos para acceder al gran público. Un vínculo, y en definitiva una estrategia, que desde la actual Secretaría de Organización del PSOE han repetido sin crítica alguna asumiendo la reivindicación del (mal llamado) IVA cultural como propia. Un refugio en las industrias culturales que puede deparar algún trato beneficioso en esos mecanismos de conformación de la opinión pública. Al menos eso parecen pensar en el PSOE.

Salvo que se enmiende en las pocas semanas que quedan de campaña electoral, los esfuerzos que el PSOE ha hecho por armar un discurso post-crisis sobre cultura han sido pocos, o al menos invisibles. También han sido escasos los contactos con esa otra realidad cultural rebelde y crítica. La que sí sorprende es la iniciativa del Ministerio, que a pocas semanas de las elecciones ha sabido contactar y movilizar en un congreso a un nutrido número de representantes, activistas e ideólogos de eso que se denomina cultura de base. Y atención, porque lo ha hecho con el brazo administrativo que se ocupa de las “industrias culturales”. La maniobra solo parece tener sentido si persigue un objetivo inesperado siendo el organizador una Administración gobernada por el PP: dar voz, integrar y asimilar los discursos y las prácticas culturales más críticas de los últimos años.

Sería una novedad que el Ministerio reconozca y, en cierta medida, legitime a esos sectores que han construido un discurso crítico con la institución. Voces críticas que también han consolidado proyectos gestionados desde una lógica de lo común y colaborativa, distan mucho de las industrias culturales. Espacios y colectivos como La Casa Invisible de Málaga, La Harinera de Zaragoza o Plan C de Cádiz, entre muchos otros, tendrán la oportunidad de explicar sus proyectos. Sectores que han estado (o siguen estando) confrontados en algunos casos con la Administración de la manera más física y directa, y que ahora se sientan en una mesa ministerial.

¿Por qué asumir en el Ministerio ese riesgo ahora? La razón es sencilla: el 20D. En el Ministerio han entendido que los temas centrales de la legislatura (los recortes presupuestarios, la pérdida de empleo cultural, la precarización laboral, el IVA cultural, etc) pueden ser difíciles de asumir en términos de comunicación política. Era tiempo entonces de desbordar esos temas y nada más brillante, desde el punto de vista de la estrategia, que neutralizar al rival integrándolo en la lógica propia, en este caso, la institucional. Algo que, de paso, debería formar parte de la normalidad democrática, a saber, que las instituciones están al servicio de todos, incluso de los que piensan diferente, pero que sin embargo, todavía nos sorprende.

La carta sorpresa: Transit

De esta manera el encuentro se pone en marcha y para acabar de encontrar una factura de producción moderna, dinámica e impoluta (que evite problemas), se recurre a Transit Projectes, una empresa cultural radicada en Barcelona acostumbrada a gestionar esos espacios públicos de manera privada cuando la Administración no sabe o no quiere administrar con neutralidad y eficiencia. De su cuño son la gestión de centros cívicos como el de Sant Agustí o Cotxeres de Compte Borrell en Barcelona, La Capsa en el Prat del Llobregat, pero que también publica, forma, programa, organiza eventos... siempre al calor de la política catalana. Esta vez mutado en el socio adecuado para la iniciativa ministerial.

El objetivo de este encuentro, argumentan los organizadores, es “crear un verdadero espacio de reflexión e intercambio entre los agentes culturales participantes”. Y si hablan de “verdadero”, es porque deben existir, por oposición, algunos otros que han de ser falsos. Aquí residirá la principal incógnita a resolver de este encuentro: ¿es este encuentro el verdadero? Es decir, ¿a dónde se quiere ir a parar? Más allá de dar voz, foro y convocatoria a voces críticas con las políticas culturales desplegadas hasta ahora, se quiere renovar el “catálogo” de políticas a partir de las prácticas periféricas?

A la espera entonces de que Ciudadanos e Izquierda Unida muevan ficha, parece que van apareciendo muchos elementos para analizar programáticamente y electoralmente las propuestas de los partidos políticos. Con Podemos recuperando un programa cultural con un clásico corte socialdemócrata francés, el PSOE anclado en sus tradicionales apoyos y discursos, ¿estará el PP imaginando un cambio vertiginoso de su ideario cultural?. Por el momento, la competición de ideas puede ser muy beneficiosa. Que todos quieran salir en el prime time de las políticas culturales puede ser un buen remedio para que aparezcan nuevas ideas, mejores propuestas y renovadas políticas culturales.

Cervantes murió hace casi ya 400 años. Y como les pasa a muchos célebres muertos, siempre hay excusas para agitar sus restos, como demostró el Ayuntamiento de Madrid con su obsesión circense por encontrar sus restos. En abril de 2015 se creó la Comisión Nacional para la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes, presidida por los reyes. Y ayer se presentó el programa de actividades para celebrar el citado aniversario, preliminar y en curso de ampliación.

La Comisión es un órgano interministerial adscrito al Ministerio de Educación, Cultura y Deportes que integra en sus diferentes órganos a representantes de instituciones culturales dependientes del Gobierno, así como instituciones de otros niveles administrativos como Madrid, Castilla-La Mancha, Aragón o el Ayuntamiento de Alcalá de Henares. Dado el carácter de “acontecimiento de excepcional interés público” , es un instrumento que programa, impulsa y coordina las diferentes actividades previstas en la conmemoración. Y, como viene siendo habitual en este tipo de conmemoraciones, habilita un paquete de vehículos y de incentivos fiscales al mecenazgo que permitirían la también habitual campaña de difusión y comunicación bajo el sello “IV centenario de la muerte de Cervantes”.

Una programación sin... Castilla-La Mancha

La programación que se ha presentado se ordena alrededor de cinco planes de actividades: plan de actividades culturales, plan de investigación, plan de promoción nacional e internacional, plan de desarrollo del turismo cultural y un plan de patrimonio y legado. La Comisión asegura haber recibido más de 70 proyectos que se engloban en todos estos planes siempre y cuando guarden alguna relación con la figura o la obra de Miguel de Cervantes, sean originales, rigurosos y contengan una cierta “relevancia cultural”. También se han valorado aspectos más técnicos como el impacto previsto tanto a nivel nacional o internacional, el desarrollo y concreción de la actividad y la existencia de un plan de financiación.

Una parte muy significativa de todas las actividades previstas corren a cargo de unidades de los propios ministerios: desde la Biblioteca Nacional, la Compañía Nacional de Danza o el Teatro Real hasta el Instituto Cervantes o Acción Cultural Española. Y después, muchas otras actividades propuestas por la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Alcalá de Henares. Sin embargo todavía no se registran actividades que hayan sido propuestas por otras Comunidades Autónomas (tan solo Aragón participa en el programa con dos actividades) ni por otras ciudades cervantinas (Barcelona, Valladolid, Toledo...).

Pero la gran ausente es La Mancha. ¿Cómo es posible que Castilla-La Mancha, con lo que le debe al escritor complutense, no haya propuesto todavía actividades? Desde la Junta de Comunidades dan el silencio por respuesta y no explican, a requerimiento de este diario, la situación. Desde el ministerio se argumenta que el programa aún está abierto, pero en cualquier caso, esta situación deja ver una cierta descoordinación de la Junta de Comunidades con la Comisión y viceversa. Un problema, el de la descoordinación, que sería fácil de resolver si no fuera por el carácter atropellado e incluso improvisado que aparentan la mayoría de las actividades programadas.

Enfoque madrileño y sesgo turístico

De momento, el conjunto de la programación tiene un marcado tono madrileño y un sesgo institucional que la aleja de las pulsiones artísticas, literarias y culturales. Si la conmemoración es de carácter estatal, ¿cómo se explica que la mayoría de las actividades se concentren en Madrid? ¿A qué se debe que la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Alcalá hayan presentado una batería de actividades que van desde cuentacuentos, charlas, visitas dialogadas, talleres de familias hasta conciertos, en su mayoría con un marcado carácter local?

También destaca la ausencia del programa oficial de muchas otras instituciones o espacios culturales de referencia en un contexto cervantino: los festivales de teatro clásico como el de Almagro, el de Mérida, Olite, Olmedo... Festivales de literatura como el Gutunzuria de Bilbao, el Primera Persona de Barcelona... Los festivales y los centros de producción de referencia en artes escénicas: Festival de Granada, Grec de Barcelona, Festival FACYL, Teatro Central de Sevilla, Teatre Lliure... El Museo Naval (por eso de Cervantes marinero...). En definitiva, estructuras que dada esa consideración de “acontecimiento de excepcional interés público” y su posición destacada en el tejido cultural, justificarían su participación en la misma.

Por otra parte, los enfoques turísticos tiñen muchas de las actividades previstas y muy particularmente las propuestas por Turespaña (Instituto de Turismo de España) que se distancian de los preceptos marcadamente culturales fijados por la Comisión. Este Instituto público propone realizar sendos eventos turísticos en Oslo y Bruselas para promocionar Cervantes y el Quijote así como una campaña para conocer el Madrid de Cervantes, o un viaje para prensa internacional por una ruta “quijotesca”.

Mientras la Comisión completa esta programación y sale al paso de los visibles problemas de coordinación, parece que las prisas por presentarla han primado por encima de otros criterios. Prisas por presentar resultados antes de final de la legislatura, aunque sean resultados incompletos, como quien inaugura un aeropuerto sin licencia para funcionar.

Que el Partido Popular no cree que la cultura merezca un Ministerio propio no es nada nuevo y lo ha demostrado cada vez que ha tenido la oportunidad de gobernar. Pero era menos conocido que en su “haber” cuenta con los secretarios de Estado de Cultura que más tiempo han permanecido en su cargo: Miguel Angel Cortés (Mayo 1996-Mayo 2000), Luis Alberto de Cuenca (Mayo 2000- Marzo 2004) y, el último en llegar a esa lista, José María Lassalle (Diciembre 2011 -?).

José María Lassalle está a punto de terminar una legislatura completa en el Gobierno al frente del área de cultura. Una tarea que asumió en los últimos días de diciembre de 2011 y que parecía, en aquellos tiempos, que no podía asumir otra persona. Al menos, no en el seno del Partido Popular. No en vano, José María Lassalle fue portavoz de Cultura en el Congreso de los Diputados durante las dos legislaturas socialistas comprendidas entre 2004 y 2011. En aquel puesto, el moderado, liberal y culto doctor en Derecho tuvo tiempo para articular un discurso y un ideario sobre cultura no habitual en las filas del PP.

Aquel trabajo le granjeó un reconocimiento, también inusitado, de sectores sociales y culturales lejanos al ideario conservador. Así, en noviembre 2011, momento de la victoria electoral del Partido Popular, el mirlo blanco en el que se había convertido José María Lassalle era el favorito para asumir las riendas de Cultura en el Gobierno conservador de Rajoy.

Su nombramiento tranquilizó a muchas personas en el sector de la Cultura que reconocían en él a una persona conocedora de la complejidad del sector cultural. Se esperaba que sus propuestas como portavoz de cultura en el Congreso tendrían la oportunidad de transformarse en decisiones, entre ellas su medida estrella: la ansiada Ley de Mecenazgo que prometía ser la solución a los problemas de la dependencia de amplios sectores culturales respecto del dinero público. Con Lassalle irrumpía en el Ministerio lo que parecía un nuevo modelo de política cultural que empezaría por revolucionar la financiación. La internacionalización de los proyectos culturales, la promoción de las industrias culturales en todos los tejidos creativos, el paradigma digital, entre otros, pasaban a ser los ejes sobre los que se articularía esa nueva política cultural estatal. Hasta que se cruzó Montoro por el camino.

Presupuestos menguantes + IVA Cultural

Ya desde los primeros presupuestos elaborados por el Gobierno de Mariano Rajoy, las partidas destinadas a Cultura sufrían unos fuertes descensos de un año para otro (del 17,28% en 2012 y del 25,22% en 2013). Como dato significativo, el presupuesto destinado a cultura en 2014 suponía un 48,59% menos que el que se destinó en 2009, máximo histórico. Los equipos dependientes de la Secretaría de Estado tuvieron que hacer frente a la gestión de un gasto que en 5 años se redujo en prácticamente un 50%. Una verdadera hecatombe a la que hay que añadir los efectos coyunturales de la reforma fiscal de 2012, que equiparó el tipo impositivo de muchos servicios y bienes culturales al 21% y, también, la caída del consumo de las familias que al sufrir una caída de renta disponible redujeron drásticamente su consumo cultural.

En ese marco coyuntural económico tan desolador, ¿cuáles han sido las iniciativas del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes? José María Lassalle lo resumía así en una reciente comparecencia ante la Comisión de presupuestos del Senado (25 septiembre 2015): “Hemos tenido que gestionar un tsunami, el Ministerio no ha colapsado porque bajo la planificación estratégica se ha salvaguardado la actividad y las unidades técnicas han conseguido realizar su trabajo”. El mensaje que parecía transmitir el Secretario de Estado era claro: en estos años se ha conseguido salvar los muebles. Una alegación que se puede transformar, como arma de doble filo, en crítica. Las dificultades económicas justifican, para Lassalle, que la Secretaría de Estado de Cultura solo se hubiera dedicado a conservar lo existente empezando por y priorizando las unidades técnicas del Ministerio.

Desde fuentes de la Secretaría de Estado de Cultura niegan que se haya perdido la ocasión para realizar reformas estructurales y argumentan la producción legislativa que constituirá el legado Lassalle: la Reforma de la Ley de Propiedad Intelectual, la Ley de Autonomía de la Biblioteca Nacional, La Ley de Salvaguarda del Patrimonio Cultural Inmaterial y la reforma de la Ley del Cine. Cuatro años han dado como fruto normas y leyes que podrían juzgarse como insuficientes cogiendo como referencia el propio listón que José María Lassalle situó muy alto: la Ley de Mecenazgo que jamás llegó. En este tema se defiende retóricamente el Secretario de Estado: “La reforma fiscal que hemos realizado es el equivalente a la Ley de Mecenazgo constituyendo así una propia política de mecenazgo. Hemos democratizado el mecenazgo, en un sentido republicano del mecenazgo, haciéndolo accesible a todos”. Sin embargo, de esa política de mecenazgo todavía nadie del Gobierno ha aportado cifras ni datos de su posible impacto financiero y fiscal que justifiquen la dudosa equivalencia.

Balance de legislatura

Lo cierto es que la legislatura acaba y poco margen le queda al Gobierno para reconducir, si así todavía lo considerase, su política cultural. La estabilidad que ha supuesto el mantenimiento del mismo Secretario de Estado de Cultura durante todo el periodo legislativo no ha servido para diseñar, o tan siquiera esbozar, un nuevo modelo de gestión de la acción cultural del Gobierno. Más bien los sectores conservadores e inmovilistas se han escudado tras las dificultades económicas para argumentar el poco margen de maniobra disponible.

Por otra parte, los presupuestos mermados son el fiel reflejo del modelo estructuralmente anquilosado de política cultural de un Ministerio o Secretaría de Estado que pierde oportunidades de renovarse. La última oportunidad perdida ha sido con José María Lassalle al frente. Una figura que, con las capacidades intelectuales de las que hizo gala en su periodo en la oposición parlamentaria, no ha provocado nada más que frustración a los que depositaron alguna expectativa en él. Nada mejor que esta frase del mismo Lassalle en la citada comparecencia en el Senado para resumir el estado de ánimo de lo que podría resumirse en la metáfora de un mirlo blanco que se siente enjaulado: “Yo di la cara en momentos difíciles, permítanme que también la dé en momentos de ligera mejora”.

Hay reuniones que acaban bien y otras que acaban mal. Y luego están las que sencillamente, no sabemos cómo acaban. De la reunión que la Presidenta de la Comunidad de Madrid, en calidad de responsable política del área de cultura, mantuvo con algunos representantes de la denominada Plataforma en defensa de la cultura, sabemos cómo acabó: con un selfie de todos ellos sonrientes.

La reunión la convocó la propia Cristina Cifuentes como respuesta a las numerosas iniciativas en forma de cartas, abiertas o discrecionales, que desde la misma Plataforma o desde otras asociaciones sectoriales le habían hecho llegar a la flamante nueva Presidenta de la Comunidad de Madrid. En ellas, esa parte del sector cultural organizada en la Plataforma en defensa de la cultura, transmitía a la Presidenta su inquietud por que no se constituyese una Consejería de Cultura con entidad política propia en el seno del Gobierno autonómico. Y como el criterio de la Presidenta fue otro, a tenor de la decisión política de asumir ella cultura, la reunión para explicárselo a los requirentes, parecía obligada.

Y ese fue uno de los temas centrales por los que discurrió la reunión: Cristina Cifuentes volviendo a argumentar que cultura tiene mayor peso político al depender directamente de ella. Para tranquilizar a los asistentes, les contó incluso sus intenciones de crear una Oficina de Cultura y Turismo con un director con rango de vice-consejero. La intención era clara: utilizar esa primera reunión con unos representantes sectoriales para lanzar un mensaje apaciguador ante unos sectores culturales que la han recibido con pocos aplausos y mucha desconfianza. Para ello contó con la presencia de sus dos directores generales del ramo: Jaime de los Santos (Promoción Cultural) y Paloma Sobrini (Patrimonio Cultural).

A vueltas con la representatividad

Sin embargo también salieron en la reunión otros temas en los que Cifuentes se comprometió a ofrecer soluciones inmediatas, tales como la Ley de Patrimonio (revisada en 8 puntos de su articulado por el Tribunal Constitucional en Julio de 2014 y que obliga a la Comunidad de Madrid a una nueva formulación), una mejor financiación de la cultura en los presupuestos de la Comunidad (mejora que la presidenta dató para el 2017) y el compromiso de tener un trato más cercano con las compañías de artes escénicas de la comunidad.

Esa necesidad de “otro trato” parece que está instaurado en el lenguaje de los representantes de la Plataforma. Su portavoz, Francisco del Barrio, reconoce que reclamaron un “Consejo de Cultura más participativo y plural, un espacio que recogiese la crítica y que no sea un mero espacio de bendición de las decisiones de la Administración”.

El cómo se fijaron estos puntos a tratar y no otros, explica Francisco del Barrio, responde a la dinámica participativa de los conformantes de la plataforma. Pero tras consultar a algunas asociaciones integradas en la misma, la agenda de esa reunión no fue manejada nada más que por un círculo cerrado de personas. Esas críticas internas a las formas de concertar y preparar la reunión también afloraron en el sector de la cultura que no está organizado y que, por tanto, no pertenece a esta Plataforma.

Un problema, el de la representatividad, que desde la propia Presidencia de la Comunidad de Madrid reconocen y en palabras de Jaime de los Santos, “esperan escuchar a todas las partes que conforman el sector de la cultura, tanto las organizadas como las que no lo están”. Y desde la misma Plataforma, Del Barrio lo argumenta: “No somos nada más que un movimiento de base, una marea que nunca ha dicho representar a todo el sector de la cultura; tan solo buscamos crear estados de interlocución”.

Quiénes son la Plataforma en defensa de la Cultura

La Plataforma en defensa de la Cultura es una organización no constituida compuesta de varias asociaciones sectoriales que tienen que ver con el ámbito de la cultura. Una plataforma que nació de las protestas que desde diferentes sectores se organizaban al calor de los recortes en servicios y equipamientos públicos. Y aunque desde la Plataforma reconocen que están en fase de constitución, no consiguen explicar cómo casan el respaldo o membresía de las algo más de 90 asociaciones sectoriales con la participación de las alrededor de 15 personas activas en su núcleo duro.

Preguntados por la estrategia a seguir, desde la Plataforma lo tienen claro. En palabras de Del Barco, aseguran que “reunirnos más veces para hablar con ellos”. Desde Presidencia, la estrategia es la misma: “Convocaremos cuantas reuniones sean necesarias y aprovechar el clima de cordialidad que hemos tenido en esta reunión”, explica De los Santos. Una coincidencia y una sintonía que fue la que llevó a los representantes de la Plataforma y a la Presidenta a tomarse una improvisada foto de todos ellos, un selfie que da imagen a los 100 primeros días de gobierno de Cifuentes al frente de cultura en la Comunidad de Madrid.

El 3, 2,1 es un festival de autodestrucción programada, lo que quiere decir que al finalizar esta última edición, la tercera, se extinguirá. Durante tres años ha sido uno de los focos de creación artística más inusuales de este país, y sin embargo no busca su consolidación, sino su propio cuestionamiento. Formato atípico en un país donde, por una parte raros son los festivales de programación artística que arriesgan, y por otra parte, porque al contrario de la norma, no busca consolidarse y perennizarse a toda costa.

Quizá un experimento sólo podía pasar en un continente también inusitado en el panorama estatal, AlhóndigaBilbao, recientemente rebautizada como Azkuna Zentroa en honor al histórico alcalde de Bilbao que impulsó este centro. Situado en pleno barrio del ensanche bilbaíno, este equipamiento acoge todo tipo de actividades de servicio público: mediateca, gimnasio público… y actividades culturales y artísticas. Este matiz que concibe la cultura como servicio público es importante para entender cómo se trabaja en este espacio. Fernando Pérez, su responsable de programación artística, reconoce que “como servicio público, se han de garantizar sobre todo aquellas manifestaciones culturales a las que de otra manera el ciudadano no tendría acceso”. Toda una declaración de intenciones en una época en la que políticos y gestores culturales parecen estar obsesionados por los números, los resultados y las evaluaciones cuantitativas.

Pero es que los números también acompañan a este programa advirtiendo así, que una inversión mínima puede ser un multiplicador máximo, social, artístico y cultural. Con un presupuesto cercano a los 100.000 euros y un público creciente (en la edición pasada ya congregó a más de 4000 personas) el equipo y los artistas defienden el resultado: lo que importa es lo que no se ve, lo que queda, lo que se construye en el imaginario, la sensibilidad y la cultura de toda la gente que por aquí pasa.

Qué es el 3, 2, 1?

Es un formato de programación cultural en el que se dan cita nuevas propuestas de innovación artística que en su mayoría tienen como referencia las artes escénicas. Durante una semana todos los espacios del Azkuna Zentroa exprimen su potencial como espacios artísticos, desde la sala de exposiciones, los pasillos, el atrio, hasta los espacios polivalentes. En ellos se pueden ver instalaciones de artistas de aquí y de allá como las fotografías de Elssie Ansareo que, trabajadas con la variopinta y numerosa comunidad creativa bilbaína como modelos, ha generado unas fotografías que reenvían a iconos del arte y de la cultura popular. Ansareo explicar su obra desvelando así otra de las máximas del festival: “lo contemporáneo no tiene por qué ser elitista, y los artistas debemos trabajar para cambiar esa percepción”.

Esa reflexión también es compartida por Llorenç Barber, otro de los ilustres desconocidos (para el público español) que en esta edición del festival presenta una instalación y acción sonora. Inquieto e inclasificable, Barber apenas trabaja en España, y aunque ya cansado de quejarse, reconoce no entender el por qué del miedo a los formatos y las formas no convencionales.

Precisamente lo no convencional y lo sugerentemente singular es lo que define el trabajo de Alaitz Arenzana y Maria Ibarretxe, dos artistas de Bilbao que han contado con el apoyo del festival para la creación de una pieza nueva. Un reto al que ellas han respondido con un dispositivo no escénico que se asemeja más bien a una convención o a un congreso y en la que aseguran que el público sale con algunos aprendizajes útiles para su vida cotidiana, eso sí, aprendidas mediante una experiencia artística encontrada, inesperada.

En este contexto parece entonces como si las propuestas escénicas, esas que se ven en un teatro convencional, fuesen precisamente eso, lo más convencional. Algo hay de cierto porque si el formato condiciona el contenido, nada más constrictivo que un teatro para la imaginación de estos artistas. Y aún así, en el 3, 2, 1 siempre encontramos artistas que exploran la forma de obviar las limitaciones de esas tres paredes de una caja escénica. Ese es el caso de Philippe Quesne, uno de los artistas franceses renovadores de la escena teatral francesa y europea. Actualmente al frente del Théâtre de Nantèrre-Amandiers, en la inmediata periferia de París, es uno de esos artistas de éxito que el ordenado sistema cultural francés producen de vez en cuando.

Con mente teatral reconoce las influencias decisivas que la renovación de la danza francesa de finales de los noventa y principios de los años 2000 dejó en su lenguaje artístico. Hoy Philippe Quesne recorre los más prestigiosos festivales de artes escénicas de Europa y América. Sin embargo, en España, ¿quién conoce a este icónico y contemporáneo autor francés?

Hay otras maneras de programar cultura

El 3, 2, 1, es por tanto un festival que se erige en un extraño faro cultural en un panorama cultural español bastante aislado internacionalmente y esclerotizado artísticamente. En España, son pocos los formatos de programación artística donde se de cabida natural al site specific, al slam, a las instalaciones sonoras, a las instalaciones performativas… Que además lo hagan desde la centralidad que un centro como Azkuna Zentroa tiene en el ecosistema cultural de Bilbao, aún menos. Fernando Pérez admite que “no se sienten solos porque prefieren verse encuadrados en un marco cultural europeo. Aunque a veces, cuando quieres colaborar y tus colaboradores naturales que son los culturalmente más cercanos, lamentas que a duras penas resisten o sencillamente ya no existen”.

Bilbao acoge estos días un festival atípico que no sólo hace reflexionar a los ciudadanos que a él se asoman, sino que también puede ser materia de reflexión sobre los formatos de programación cultural habituales en el país. La prueba de que otras formas de hacer son posibles sin renunciar a la responsabilidad y el servicio público, es este festival que está al alcance de todos: artistas, ciudadanos y programadores culturales.

Decíamos al inicio que el 3, 2, 1 se extinguirá al acabar su actual edición. ¿Y después qué? “Pues a inventar un nuevo formato que aprovechando lo ganado y acumulado estos últimos años suponga un avance cualitativo. Lo importante es siempre estar activo y creativo”, Pérez dixit.

La danza es la disciplina más agraviada dentro de las artes escénicas, con peores resultados económicos y de público. Y a pesar de los sesgos metodológicos de los estudios de los que disponemos, los datos son elocuentes. Según el Anuario SGAE, el total de funciones de danza en toda España ha pasado de 4.653 en 2008 a 2.354 en 2013, o, en términos de público, de 1.627.780 en 2008 a 953.928 en 2013. Según los datos parciales que publica la Generalitat de Cataluña, la tendencia es igualmente desalentadora. En Cataluña se ha pasado de 46 compañías de danza en 2009, a 29 en 2013; y de 1.410 representaciones de danza a 762 en el mismo intervalo de años.

El problema es que no podemos contar con datos que nos den una imagen real y comparativa del sector. Por ejemplo, mientras que la Secretaría de Estado de Cultura computa como compañía a todo aquel que se considera a sí mismo compañía de danza, la Generalitat de Cataluña, algo más rigurosa, establece un filtro de profesionalidad para elaborar su base estadística que consiste en considerar compañía a toda aquella estructura jurídica que tenga al menos 3 años de antigüedad y haga al menos cinco representaciones de danza al año. Que no es lo mismo.

Polémicas aparte, la realidad profesional de bailarines, coreógrafos y pedagogos refleja las tendencias laborales del grueso de los trabajadores españoles: precariedad, desprotección laboral y devaluación salarial. Una realidad cotidiana de miles de profesionales que, pese a la crisis, ni han desaparecido, ni han disminuido. Según la Secretaría de Estado de Cultura, en 2009 se contabilizaban 3.825 profesionales artísticos vinculados a la danza (bailarines, coreógrafos y docentes) y en 2013 unos 4.458. Un aumento que esconde una realidad profesional más deslavada: unos profesionales forzados a buscar alternativas profesionales que, si son dentro de la danza, les llevan a diversificarse.

Para poder sobrevivir, los bailarines recurren a dar clases o se aventuran en la coreografía. Eso, si tienen suerte, porque lo más frecuente son las alternativas fuera del sector de la danza, desde hostelería, a eventos, turismo, etc.

¿Qué han hecho las Administraciones o instituciones públicas? Si han hecho algo, ha sido poco, desestructurado y, a juzgar por los resultados que se muestran, insuficiente.

Precariedad, desprotección laboral y devaluación salarial

Las competencias de promoción cultural corresponden en exclusiva a las comunidades autónomas, y allí las políticas públicas para la promoción de la danza en España son prácticamente inexistentes. O, cuando existen, son inconexas, fugaces y apenas se concentraban en la difusión y mucho menos en la producción. Son políticas que, en distintas medidas y según la Comunidad Autónoma, han provocado que la danza dependa fuertemente de la financiación pública, generándo sectores económicamente protegidos, socialmente cerrados y administrativamente clientelares. En los estribos de este sistema, los otros niveles administrativos como el municipal y el estatal intentan jugar con cierta torpeza el papel al que le relegan las comunidades.

Por una parte, los Ayuntamientos y Diputaciones se han visto limitados a sostener la difusión mediante los teatros, festivales y circuitos de los que son titulares. Pero estos espacios están sometidos a tantas otras funciones que tienen que cumplir como espacios de titularidad pública (programación de otras disciplinas y de otras actividades ciudadanas y asociativas).

En este contexto, la danza no deja de ser algo anecdótico. Y, pese a que el grueso de la programación de danza del país pasa por estos espacios, son los que peores condiciones tienen: menguantes recursos, fuerte presión de la desmesurada oferta cultural, desconocimiento y desmotivación artística, relación directa con unos públicos en transformación social y cultural, etc.

Después está el Estado que, ensimismado en sus unidades de producción de siempre (Compañía Nacional de Danza y Ballet Nacional) y en unas ayudas y subvenciones que no han cambiado desde hace años, apenas acierta a complementar a las comunidades en la difusión nacional e internacional. Programas como Danza a Escena, impulsado por el INAEM conjuntamente con La Red de teatros y auditorios de titularidad pública, no palía ni tan siquiera a las compañías seleccionadas (unas 20 compañías que realizan alrededor de 100 representaciones).

El último refugio

En un país con un sector tan precarizado, no es de extrañar que brillen en estos momentos algunos proyectos faro como el Mercat de les Flors y su estructura asociada, el Graner, en Barcelona, en la difusión, producción y acompañamiento de artistas y residencias. No es de extrañar, tampoco, que existan poquísimos proyectos de colaboración hacia el exterior de España que se rijan por una lógica profesional y no de manipulación institucional/administrativa de la comunidad autónoma de turno. Ni extraña que toda la presión se traslade hacia los teatros alternativos y los cada vez menos festivales de danza, convertidos en el último refugio al que recurrir, una vez que gran parte de la danza se ha marginalizado en las programaciones escénicas regulares por desidia y desconocimiento de profesionales y políticos responsables de ellas.

¿Y los públicos? Ni están ni se les espera. Probablemente, nunca estuvieron. Con una disparidad artística natural a esta disciplina, que va desde lo tradicional a lo contemporáneo, del flamenco al ballet y del costumbrismo al hip-hop, ha sido difícil acompañar, formar y consolidar públicos. No es casualidad que la danza sea la disciplina que provoca menos interés en la población.

Ante este panorama parece irremediable un plan de choque, una reestructuración industrial que aquí llamaremos “artística”. La danza, ese triste sector que siempre se queja y tan poco confía en si mismo, necesita de un radical cambio de actitud y orientación, no sólo de las políticas públicas de todos los niveles administrativos, sino de una decidida renovación estética y artística que permita conectar con nuevos públicos. De esto podríamos hablar en un futuro inmediato.

Hay mucho que todavía se puede hacer si se aceptamos el fracaso de un viejo sistema/modelo que ha hecho aguas por todas partes víctima del desorganizado reparto de (in)competencias entre administraciones. Desde repensar y refundar las unidades de producción del INAEM (CND y Ballet Nacional) hasta una mejor estructuración de la difusión y la producción pensadas en la mejora de la calidad y el desarrollo y crecimiento artístico de los creadores. Hay que optar/elegir/desechar y fortalecer proyectos, asumir riesgos, gestionar negativas, cuestionar viabilidades y estrategias. Más coordinación, más colaboración y más valentía pueden sacar a este sector de la anemia mórbida en la que está sumido.

Una cierta angustia recorre el mundo de la cultura. Un cierto nerviosismo también. Tras largos años de crisis, el mundo de la cultura parece que articula algunas palabras inteligibles que a duras penas se hacen oír entre el ruido que la agenda pública y mediática generan.

Como consecuencia, estos días coinciden diversas iniciativas que pretenden dotar de estructura, coherencia y publicidad a las reivindicaciones del sector cultural. Hace tan solo unas semanas y, tras un largo periodo de trabajo, la Fundación Alternativas presentaba su informe sobre el estado de la cultura en España que ellos subtitulaban La salida digital. Se trata de un análisis transversal que, dentro de las catastróficas cifras y desalentadores datos, ofrecía alguna ventana de luz animando a emprender acciones más decididas para abrazar “culturalmente” el ya no tan nuevo paradigma digital.

Aproximaciones también transversales son las que se han abordado en dos congresos profesionales de los dos últimos días. Uno de ellos, impulsado por la Federación estatal de asociaciones de gestores culturales (FEAGC) y con sede en Pamplona, ha intentando pulsar la opinión de los múltiples sectores que componen la cultura para culminar, al final del congreso, con un Pacto por la Cultura. Un pacto, que hay que recordar, viene a recuperar la estela de otro firmado en similares condiciones en 2010.

El otro congreso ha tenido lugar en el Ateneo de Madrid bajo el título En defensa de la cultura, y ha sido impulsado por diferentes asociaciones profesionales. Allí han querido diseñar una hoja de ruta, también transversal, para influir en las políticas culturales del país.

Estas dos últimas son iniciativas que buscan con cierto ímpetu aunar voces y criterios, cohesionar ideas y fortalecer el discurso público de cultura. Son esfuerzos loables: ya no asistimos a manifiestos firmados por artistas/autores como ocurría tan solo años atrás, sino que en esta ocasión, son los mismos profesionales los que se organizan. Y aunque existan entre ellos diferencias en la acción, quizá existan menos en el análisis de lo ocurrido.

Fuga de cerebros en un sector atascado

El mundo de la cultura, entendiendo éste como el que sociológicamente conforman las personas que trabajan en actividades culturales, ha perdido, como muchos otros sectores, gran parte de sus trabajadores. Sólo por dar una cifra, ha pasado de 568.800 trabajadores en 2008 a 485.300 en 2013, casi un 15% menos de efectivos. Estas cifras son corolario de la destrucción de valor: número de empresas, facturación, calidad del empleo, sueldos, etc. La cultura ha sufrido un impacto que en muchos términos se puede comparar al que han sufrido otros sectores económicos y otras realidades sociales. Ese fuerte impacto también se deja ver en su estructura económica y en su financiación.

Aunque el capítulo más conocido es el impacto que la subida del IVA en algunas actividades culturales ha podido causar, también lo es el repliegue en la financiación pública de la cultura: se ha pasado de un gasto en cultura del conjunto de todas las Administraciones Públicas de 7.090,2 M€ en 2008 a 4.770 M€ en 2012 (y la cifra puede haber bajado aún más en 2013), según datos del MECD. Por no hablar de la contundente contención del gasto en cultura que han hecho los hogares españoles que han pasado de gastar 16.962,5 M€ en 2008 a 12.261,7 M€ en 2013. Ese repliegue y ese recorte infligen una fuerte herida a la sostenibilidad de un sistema cultural tal y como lo hemos concebido hasta ahora.

Ante semejante panorama, rara ha sido la Administración Pública, estatal, autonómica o local que se haya atrevido a plantear un plan estratégico de reestructuración de algún sector. Más bien al contrario, nadie ha querido adentrarse en las aguas pantanosas y pestilentes de sectores en descomposición.

Por eso el sector cultural, tarde y lentamente y quizá con una cierta oportunidad política (estamos en el año electoral más prolífico de los últimos años!) ha comenzado a organizarse y a reivindicar una actitud más activa desde los poderes públicos hacia la cultura. Esa reivindicación corre el riesgo de ser articulada desde la urgencia y desde el resarcimiento olvidando siempre la reiterada oportunidad estratégica.

Los colectivos también hacen campaña

¿Por qué no aprovecha el sector cultural la actual coyuntura no solo para reclamar acciones desde los poderes públicos, sino también para plantear una reestructuración (auto)crítica en pos de la sostenibilidad? Quizá por un planteamiento erróneo, por una posible confusión de la naturaleza de las reivindicaciones. Una cosa son las reivindicaciones de carácter económico, veladamente laboral o corporativas y otra muy diferente son las reivindicaciones de unas mejores y más eficientes políticas culturales. Las primeras van dirigidas internamente al sector de la cultura. Las segundas van dirigidas al ciudadano.

El sector de la cultura, como colectivo, se juega su imagen pública y su conexión con la sociedad. El sufrimiento pasado y presente de los trabajadores de la cultura tiene su correlación con el del ciudadano corriente. El desempleo, la precariedad y la merma de las condiciones de trabajo son transversales a todos los ámbitos de la sociedad española (y europea, si afinamos).

Lo mismo ocurre con la reivindicación histórica, ahora redoblada, de incluir las enseñanzas artísticas en el curriculum educativo. Semejante planteamiento, muy deseable, tendría un efecto nocivo si no se enmarca en una reforma educativa más amplia, estable y consensuada (quimera por antonomasia de las políticas públicas en España).

En definitiva, el reto es importante y doble: uno, mejorar las condiciones económicas y laborales, y, dos, hacer entender a la sociedad la necesidad de colocar a la cultura en un lugar hasta ahora apenas mal ocupado. Para lo primero no disociar las reivindicaciones, sino sumarlas a las de la sociedad en su conjunto se presenta como decisivo para la recuperación del vínculo social por parte de los trabajadores de la cultura. Para lo segundo es importante recuperar una visión estratégica (amén de autocrítica), una acción política decidida y exigir una renovación de una Administración anquilosada.

Una parte del sector organizado o no en esos congresos, ya está en ese camino. Otra, insiste en estrategias del pasado. Basta analizar las iniciativas al inicio de este texto referenciadas para comprobar que esas contradicciones y esas diferencias residen en el seno del propio sector cultural. Lo cual no impide que la innovación se imponga y emerja una posible nueva estrategia cultural.

El cine español, o al menos una parte de él, es ciclotímico. Tan pronto está en una fase deprimida como tira la casa por la ventana. A juzgar por las cifras y las valoraciones que desde una parte del sector del cine se han hecho del conjunto del 2014, al cierre del año se ha frenado la tendencia bajista en la asistencia a las salas y se ha conseguido un año de éxito en la recaudación del “cine español”. Quizá algo de este clima optimista se verá en la gala de entrega de los premios Goya que organiza la Academia de Cine. Olvidados quedarán, al menos durante el tiempo que dure la fiesta, los lamentos, los temores y las penurias que tan solo unos meses atrás se desataban por doquier en la atrófica industria cinematográfica española. Una industria que pese a sus éxitos puntuales generados por algunos taquillazos, tiene problemas y (des)equilibrios sin resolver, pudiéndose resumir estos en i) muchas producciones con un presupuesto medio/bajo que además decrece año tras año y ii) un panorama de difusión y distribución en profunda transformación y con notables dificultades.

Sin embargo, el objetivo de este texto no es aguar la fiesta a los trabajadores del cine español, ni recordar a los productores las dificultades de su trabajo. Más bien me gustaría elaborar un breve análisis sociológico sobre algunos de los rasgos que configuran la base social del cine. Para lo cual he utilizado los datos que publicó el CIS (Estudio 3047) en Enero de 2015. Datos que cabría precisar hacen referencia al concepto “cine” genérico, sin hacer distinción de ninguna parte entre “cine español” o de cualquier otra categoría.

Una de las lecturas más inmediatas del estudio del CIS, tal y como explicaba en un anterior texto, es que el cine es, junto con la música, uno de los ámbitos de la cultura más apreciados por los ciudadanos españoles: el 67,7% de los encuestados declara interesarse mucho o bastante por el cine (73,4 por la música, el 61,7 por la lectura, el 39,6 por el teatro, el 40,1 por las artes plásticas y el 24,3 por la danza). Tras años de crisis de venta de entradas, estos datos son toda una paradoja que debería hacer reflexionar: o los ciudadanos mienten en un improvisado postureo (lo que es arriesgado de mantener) o son las industrias cinematográficas las que no saben sacarle siempre partido a ese dato.

Parecería interesante estudiar cómo ese porcentaje de ciudadanos “motivados” cambia en función de algunas características demográficas, como la edad o el lugar de residencia.

La interpretación de ambos gráficos es sencilla: el interés por el cine decrece conforme la población envejece y crece conforme el núcleo poblacional aumenta de tamaño. Podríamos decir que los públicos más motivados hacia el cine son los jóvenes y residentes en grandes núcleos urbanos.

Esta lectura sociológica puede despertar ya en el lector algún resquicio de reflexión sobre hacia qué segmento de la población dirigirían una película si fueran productores, o qué programación cultural hacer en su municipio si fueran técnico de cultura. Pero no se adelanten en sus reflexiones y déjenme proponerles un gráfico más.

Cuando cruzamos las respuestas que han dado los ciudadanos respecto a la pregunta “en qué medida [el encuestado] se interesa por el cine” con la pregunta en la que se les pide que se ubiquen ideológicamente (siendo 1 la extrema izquierda y 10 la extrema derecha), el resultado es el gráfico anterior. En él he introducido la media global (la línea verde) y la que corresponde a los encuestados que deciden no ubicarse ideológicamente o que no contestan a esa pregunta que, sumados, representan al 25,79% del total, una cifra no despreciable (la línea roja discontinua).

Las lecturas de este último gráfico son dos: Primero, el grueso de la población con interés por el cine y que está por encima de la media se encuentra en un amplio espectro ideológico, del 1 al 7, quedando sólo por debajo de ésta el segmento de población más escorado a la derecha. Y segundo, la población que no se autodefine ideológicamente está muy por debajo de la media e incluso de los segmentos ideológicos (más a la derecha) menos amantes del cine.

Que todas estas observaciones se hagan sobre el ámbito del cine es relevante para toda la industria y los trabajadores que hay detrás. Parece incomprensible que una disciplina artística con tantos vientos a su favor (como hemos visto en los gráficos) no tenga su correlación en un sector articulado y dinámico. Tan responsables son de esa situación las bisoñas industrias cinematográficas todavía torpes en la adaptación al paradigma digital, sobre todo en lo que se refiere a la distribución cinematográfica, como lo son también los responsables políticos que diseñan y deciden las políticas que afectan al cine. Déjenme desarrollar más esa idea.

Parecería que con los datos aquí vertidos, un analista y consejero político de un hipotético ministro de Cultura pudiera pensar que desarrollar políticas que favorezcan a este sector podría ser rentable políticamente. Y sin embargo esto parece no suceder. Entre otras cosas porque la imagen que el político tiene del cine (español) viene distorsionada por la que el propio sector cinematográfico genera de sí mismo, no por la que construye el público/ciudadano.

Cabría por tanto trasladar el debate sobre el cine en España, y por ende, el eterno debate del cine español, hacia terrenos menos ideológicos y más profesionales: positivizados y objetivos. Tanto el sector del cine, sus trabajadores, como el ámbito político, y por extensión el ciudadano, saldrían beneficiados. El cine es una disciplina, de entre todas las artísticas, con un amplio respaldo social que además es transversal. Por tanto, a los que decidan políticamente sobre el cine, y con los datos en la mano: apoyen el cine y sean inventivos con sus políticas; hay una población esperando, les será rentable. Al sector del cine (español): observen el potencial de público que tienen y decidan si sólo quieren (como colectivo) dirigirse a un segmento ideológicamente concreto, pero si lo hacen, asuman las consecuencias.

Mientras tanto, que continúe la fiesta… que ya nos ocuparemos de la resaca cuando llegue.

*Gracias a Alvaro Martínez Pérez por su asistencia en el tratamiento de datos.

En numerosos emplazamientos del Centro Cultural Conde Duque de Madrid puede leerse un viejo lema que perteneció a la Guardia Real hasta 1820 : Solvit Formidine Terras, que traducido al latín castellanizado daría “libera la tierra del terror” (en relación al Rey, se sobreentiende). Algún arquitecto tomó la decisión de conservar este lema, tan marcial, en las paredes del Cuartel del Conde Duque que con dinero del famoso plan Zapatero se remozó en el ya aparentemente lejano 2010. Y es que aquel plan hacía realidad el viejo emblema: el que venía a liberar la tierra del pánico. Ya han pasado algunos años y parece que estamos instalados en una larguísima y mutante crisis que nos va mostrando muchas caras y transformaciones. Una crisis que nos ha familiarizado con el temor y la angustia. 

Aquellas obras que algunos Ayuntamientos hicieron al calor del plan Zapatero, en los casos de que fueran destinadas a equipamientos culturales, simbolizaron así los últimos estertores de uno de los rasgos más característicos de las políticas culturales en España: construir continentes. Aprovechando esa última inyección de dinero público de carácter expansivo configuraron los residuos ideológicos de una forma de concebir la cultura. 

Hoy los Ayuntamientos se encuentran ante una coyuntura económica y administrativa muy diferente. Una vez corregido el efecto del desplome de los recursos provenientes de la burbuja inmobiliaria, en el que fue su primer shock fiscal, el conjunto de los entes locales se enfrenta ante condicionantes que pueden modificar sus políticas públicas y, en el caso particular y muy sensiblemente, las culturales. No sólo hay amenazas de índole económicas o fiscales, muy ligadas a la evolución y convergencia económica europea, sino que también hay condicionantes estructurales muy ligados al contexto socio-político español. 

Antes de analizar los datos que se extraen de la realidad cultural de los entes locales españoles sería conveniente ponerla en perspectiva comparada con lo que ocurre en nuestro entorno europeo.

Gráfico 1. Fuente: Eurostat

 Gráfico 2. Fuente: Eurostat 

En el conjunto del entorno europeo la tendencia de fondo, aunque tímida, es a reducir el gasto que las administraciones locales gastan en cultura. En esta tendencia también está clara la división entre norte (ricos) / sur (pobres), como se aprecia en el gráfico. Pero también se aprecia la influencia de las políticas económicas de contención del gasto (austeridad). Los países que aumentan gasto son en general aquellos que gozan de un mejor equilibrio de cuentas (y de renta). Y los que reducen gasto, pues como ven, los que practican las políticas de austeridad. Y en este campo, España es uno de los países campeones al marcarse el mayor porcentaje de reducción. 

De manera que si enfocamos sobre España veremos los matices de esas sombras pese a que la Administración Local es el nivel administrativo que menos endeudado está y que, en contraste con los otros niveles, se presenta con un balance positivo, al menos en el ejercicio 2013. No obstante eso no le exime de ser el nivel administrativo más frágil pese a los avances y mejoras que se han producido durante el vigente periodo democrático. Su dependencia de las transferencias económicas de otras Administraciones, en particular de la General del Estado; su debilidad recaudatoria (con escasa y rudimentaria capacidad fiscal) y, sobre todo, que es una Administración de proximidad que ha asumido y prestado servicios al ciudadano pese a que competencialmente no le correspondía, han sido unas circunstancias recurrentes de estás últimas décadas.

Todas estas circunstancias concurrían juntas cuando la crisis comenzó a horadar los presupuestos públicos. Fíjense en cuál ha sido la evolución del gasto liquidado en cultura por nivel administrativo y comprenderán la debacle particular de la que les estoy hablando. 

Gráfico 3. Fuente: Anuario de estadísticas culturales publicado por la Secretaría de Estado de Cultura. 

Y aunque los datos oficiales (estadísticamente consolidados) se nos queden en el ejercicio 2012, es fácil aventurar que la tendencia  a la reducción perdura durante los años 2013 y en el curso que está finalizando. Por tanto, los efectos de la crisis en los presupuestos de los entes locales para cultura parece que no podemos considerarlos como del pasado y que podamos, aún hoy, seguir asistiendo a cierres o recortes. 

Aún así, la amenaza que se cierne sobre los Ayuntamientos y otros entes locales no es sólo financiera, sino también normativa. Se cumple ya casi un año después de la aprobación y entrada en vigor de la Ley de racionalización y sostenibilidad de la Administración local (LRSAL), más conocida como “Ley Montoro”. Esta Ley, aprobada el 30 de diciembre de 2013 ha estado ejerciendo una larga sombra sobre el ejercicio presupuestario de los entes locales durante el 2014 suponiendo de facto un golpe centralizador y una transformación del marco administrativo local. Una ley que actuando sobre todos los ámbitos de gestión municipal está incidiendo en la ya frágil autonomía de decisiones de los municipios: en su oportunidad política, en la gestión de las mismas y en los efectos organizacionales y presupuestarios. Y si atendemos al ámbito que nos ocupa, cultura, pueden leer aquí lo que Joan Amenós Álamo resume. 

Gráfico 4. Fuente: Anuario de estadísticas culturales publicado por la Secretaría de Estado de Cultura.

Siendo el local un ámbito muy dado a la creatividad “contable” y administrativa, o dicho de otro modo, donde las partidas de gasto, tomando como ejemplo el área de cultura, se distribuyen en “cajones de sastre” como es el de “Promoción cultural” o a “ambiguos” y “antiguos” epígrafes como el de “Fiestas populares y festejos”, cabe pensar, que para sortear algunas de las limitaciones de la ley se cambie la forma de gestionar o contabilizar la partida presupuestaria. Dicho de otra forma, y a modo de ejemplo, ante la imposibilidad de contratar personal (gasto atribuible al capitulo I y al epígrafe “Administración general de cultura”), un auditorio local, ante la necesidad, podría externalizar mediante contratación de servicios esa mano de obra (Capítulo II y posiblemente bajo el epígrafe “Promoción cultural”). 

Parece una contradicción que el legislador con voluntad racionalizadora permita (por no quererlo/haberlo previsto) la proliferación de prácticas administrativas irracionales. Y aunque algunas de las disposiciones de la citada ley aporten una contención y ordenación del gasto saludables, es una ley que no sienta ninguna base nueva para la articulación y construcción de un nuevo y renovado municipalismo, menos aún en lo que a política cultural a nivel local se refiere. 

Entraremos en breve en un año electoral en el que nos toca elegir a nuestros representantes en los gobiernos locales. En pocos meses los debates sobre nuestras ciudades/pueblos se colarán incluso en nuestras casas. Aquí se ha escogido una política local concreta, la cultural, para hacer un análisis de sus situación actual a nivel local. Sería deseable no sólo debatir sobre la perspectiva economicista (ordenación de recursos económicos) sino también sobre cómo las transformaciones sociales y políticas han afectado a nuestra sociedad y a nuestras instituciones en estos últimos años.

En consecuencia, las propuestas a nivel de políticas locales corren el riesgo de perder fuelle financiero, mientras no se decida en sentido contrario. Pero también nos enfrentamos ante el riesgo de que esas políticas pierdan el tono de proximidad que los ciudadanos reclaman y que, por otra parte, está consagrado en nuestro ordenamiento jurídico bajo el principio de subsidiareidad. 

Tenemos planteado como sociedad el reto de idear e implementar con éxito un remodelado edificio institucional y político. Quizá un edificio que se parezca algo más a la sociedad post crisis. Y tenemos ante nosotros la posibilidad en los próximos meses de comenzar esa ciudadana tarea por nuestros Ayuntamientos. 

Y si me permiten que vuelva de nuevo al terreno de la cultura, hay que ser claro: los tiempos de construir continentes vacíos pertenecen ya a otra época. La lógica economicista que ha imperado en estos años de crisis debería sernos útil para el análisis, pero no cegarnos en las posibilidades transformadoras que siempre pertenecen a las generaciones contemporáneas. Las reformas que necesitamos en la política local requieren de la inventiva y de la exploración de espacios institucionales hasta ahora no transitados: los contenidos, la proximidad, lo social, lo artístico. Con el permiso de los profesores Gustavo Bueno y Manuel Delgado respectivamente, de menos cultura (mítica) y más cultura (antropológica, social). 

Quizá algún día en el frontispicio de algún centro cultural alguien se atreva a poner un lema, que no tendría por qué ser en latín y que rece: Libera los ciudadanos de lo banal. Amen!

Sobre el papel de la creación cultural en el desarrollo europeo

Cuando el “presidente saliente” de la Comisión Europea, Jose-Manuel Barroso, presentaba el pasado 1 de marzo la declaración “Una Nueva Narrativa Europea” lo hacía delante de Angela Merkel, y acotando su discurso con sonrisas, afirmaba ante la audiencia que lo que quería era lanzar una provocación a los creadores, científicos e intelectuales europeos: “qué pueden hacer ustedes por el ”proyecto europeo“?”. El acto y el texto, titulado “La mente y el cuerpo de Europa” (The mind and the body of Europe), tuvieron una timidísima recepción en los medios españoles. Sin embargo, aquel texto fue una apertura oficial de las cortinas de una escena pública europea que lleva mucho tiempo llenándose de debates e ideas muy estimulantes: el papel decisivo que la cultura puede jugar en el desarrollo económico, social y político europeo.

Los debates públicos en Europa tienen una agenda propia. Pocas veces esos debates se filtran en los temas de los sistemas de medios de comunicación de los diferentes países y regiones de Europa, siempre concentrados en otras agendas políticas y mediáticas. Sin embargo, son debates imprescindibles para seguir y comprender muchas de las transformaciones decisivas de nuestros entornos; para comprender, en definitiva, el Zeitgeist, el espíritu de los tiempos.

Estos debates europeos, más ahora en tiempos de elecciones al Parlamento Europeo, giran en torno al rol de Europa en un orden global. La ecología, la energía, la información, la cultura, todos ellos son temas que ocupan esos escenarios públicos de los que hablaba al inicio y que llevan inoculado en ellos el espíritu de los tiempos. Si esta crisis económica, ya bautizada como la Gran Recesión, se mira con distancia, veremos que podría estar significando una gran cesura, un punto y aparte en la Historia de Europa. Lo que se resolvería a la salida de estos años de crisis que golpean asimétricamente pero contundentemente sobre el conjunto del continente, es sin lugar a dudas el rol quiere jugar Europa en el nuevo orden global emergente.

Desde el campo de la cultura se llevan haciendo aportaciones a este debate, que en los últimos tiempos están siendo mucho más rigurosas. No sólo la propia Comisión Europea viene liderando iniciativas de debate de carácter institucional, entre ellas la anteriormente citada, sino que los hilos de debate están empezando a surgir desde lugares otrora inesperados. Por ejemplo están siendo numerosos los manifiestos o declaraciones que desde estructuras representativas de la cultura europea o desde foros de cultura se están lanzando a la opinión pública.

Todos estos textos redundan en una idea: llevar la cultura al corazón de la agenda política europea con la convicción de que ésta puede ayudar a resolver problemas sociales, políticos y económicos. Todos reclaman, en términos generales, que la cultura sea utilizada como sector estratégico para salir de la crisis. Explotar las ventajas comparativas que a escala global tiene Europa en materia de cultura ayudaría a posicionar el continente en un mundo donde otros bloques económicos ya están tomando posiciones (Brasil, China, EEUU…).

El debate está lleno de matices y aspectos a discutir: el equilibrio entre industrias creativas y creadores; reformulación normativa de la propiedad intelectual para seguir compensando al creador en el paradigma digital de difusión de contenidos; cómo apoyar al tejido creativo y estimular su crecimiento; cómo utilizar los medios del programa Creative Europe de manera más eficaz; la cultura como posible herramienta de política exterior de la UE a falta de otros elementos más sólidos; la cultura como motor de impulso económico de ciudades o entornos desfavorecidos europeos… Todos estos temas están siendo argumentados, contrastados, debatidos y defendidos. Son temas que han dejado de ser minoritarios y de expresión de futuribles; Ahora son reales y conforman ya la agenda de instituciones, lobbies y grupos de opinión.

El Forum d’Avignon es uno de los think tank más consolidados sobre las intersecciones entre cultura y economía. Influyente en la esfera francófona, su motor irradia cada vez más influencia a esferas más amplias. Este foro, a través de su manifiesto Catalyse 2014 “Reinventar un espacio urbano creativo europeo” reclama un papel central para la cultura en la economía europea. La organización con sede en Bruselas y cada vez más influyente Culture Action Europe ha lanzado una declaración con ocasión de las elecciones europeas en la que reivindica la dimensión social de la cultura y el papel de los creadores como agentes privilegiados para reescribir el pacto social post-crisis.

La European Cultural Foundation, Fundación holandesa dedicada a la difusión cultural en Europa ha conseguido aglutinar alrededor de un texto reivindicativo que se titula “Dar forma a Europa por medio de la cultura”, a otras organizaciones europeas. Un texto que, de manera analítica, clara y política, marca una agenda en materia de cultura para la próxima legislatura europea (2014-2020).

Se tratan sólo de algunos de los textos que más eco están teniendo en círculos políticos y culturales. Y quizá son, sobre todo, aquellos que recogen las ideas más conformadas y consensuadas en las diferentes sensibilidades intelectuales. Pero también estos textos registran en sus márgenes declarativos ideas atrevidas que llevan la semilla de la ilusión, de la inventiva y del riesgo: ¿por qué no utilizar las personalidades y los símbolos culturales europeos para acuñar moneda con ellos? ¿Por qué no ver a Kafka, Coco Chanel, Fritz Lang, Picasso o Pina Baush en el anverso de los billetes del euro? ¿Por qué no promover algún tipo de Erasmus de las Artes? ¿O por qué no hacer de la movilidad de los trabajadores de la cultura, el motor de un embrión de armonización de la protección social común que salve los galimatías de los sistemas de seguridad social nacionales y probar así con un modelo netamente europeo?

Todas las ideas, arriesgadas o no, son ideas que trazan el camino, el debate, de una cada vez más madura conciencia comunitaria europea. Y, en definitiva estamos, ante una comunidad, la cultural, que con ocasión de las elecciones asume su responsabilidad como ciudadanos europeos para proponer, debatir y consensuar acciones políticas en un entorno político común. A muchos ciudadanos nos gustaría que ésta fuese también la tónica del debate público en nuestras esferas nacionales, existan o no elecciones en el horizonte. Los temas y los debates que conciernen a Europa tienen una lógica europea, no sólo y exclusivamente estatal y de suma cero. Es responsabilidad de los medios y de los políticos trasladar estos temas y estos debates con esa lógica y enfoque europeos a los ciudadanos. Y a nosotros, los ciudadanos, de exigir que nuestros representantes y nuestros comunicadores nos lleven a los debates europeos tal y como en Europa ocurren. El sector de la cultura es un buen ejemplo de ello. Mientras unos hablan de la cultura como “la mente y el cuerpo de Europa”, aquí, a lo sumo, nos explican los formularios que hay que rellenar para optar a las subvenciones europeas. Elijan ustedes: o influir o ser diluido en el fluido.

Recientemente se ha hecho público el Anuario de las artes escénicas, musicales y audiovisuales 2013 de la SGAE, un documento estadístico que se realiza a partir de los datos que la sociedad de gestión de derechos de autor recoge de las actividades culturales de pago que la propia SGAE registra. Pero también es un estudio enriquecido con datos de otros sectores y de otras fuentes, en lo que pretende ser un análisis global basado en datos del conjunto de la actividad cultural del país. Un ejercicio que se ha de agradecer pues la diversidad de datos y sus variantes estadísticas nos es de enorme utilidad para los profesionales que trabajamos en un sector tan cambiante como el cultural.

No obstante, el Anuario SGAE no es el único estudio serio y riguroso que se hace en España, sino que existen muchos otros, con metodologías y campos de análisis diferentes. Por ello, la lectura trágica que de los datos compilados se trasladó a la opinión pública por parte de los responsables de SGAE, debería ser matizada.

Creo necesario, antes de entrar en esos matices, dejar muy claro que los datos aportados por SGAE sobre el ejercicio 2012 (Caída de públicos en un año de un 31% en artes escénicas, de un 11% en el cine, de ventas generalizadas en todos los sectores…) deben despertar la alarma del sector y causar preocupación en aquellos que tengan responsabilidades de gestión, desde el ámbito público, o desde el privado. Mucho se publicó y poco se debatió –porque poco más hay que decir ante datos tan crudos- del desmoronamiento de algunos sectores culturales. Ya conocíamos los problemas de las tocadas industrias del cine y de la música, pero poco habíamos hablado hasta ahora de la preocupante situación de sectores, por otra parte, no tan “industrializados” como la danza, el teatro o la ópera. Lo que este anuario fotografía es una realidad cultural que ha acelerado su cambio estructural. Hay partes del ecosistema, que debilitadas, se desmoronan, y otras, que fortalecidas, brotan y se expanden.

De estas últimas también habla el citado Anuario, aunque poco se haya destacado, quizá intencionadamente. Frente a las manifestaciones y prácticas culturales hegemónicas en las últimas décadas, emerge una nueva realidad cultural de la que todavía conocemos poco: la cultura digital.

Para sorpresa del lector, los indicadores en materia de cultura digital en España son muy elocuentes. Éstos revelan, por una parte, que estamos bien situados en el acceso a una tecnología digital de masas, y por otra parte, como viene señalando el profesor Antonio Ariño, que se han producido unos profundos cambios en los hábitos de consumo cultural relacionado con estas tecnologías a las que todavía no se sabe explotar, comercial y culturalmente. La cultura digital supone un nuevo régimen de comunicación que está reorganizando todas las dimensiones de la cultura, desde el lenguaje, hasta los contenidos, pasando por las prácticas.

El debate no es nuevo, pero es un debate sobre el que se producen muchas deformaciones, críticas, simplificaciones y/o confusiones. Sin embargo utilizaré aquí algunos indicadores de reciente aparición que permitan acotar el enfoque que les sugiero.

GRÁFICO 1. ¿Para qué utlitiza en términos culturales internet? (% de respuestas)

Elaboración a partir de datos del Eurobarómetro sobre “Acceso a la cultura y participación” publicados en noviembre 2013.

Según los datos que acaba de publicar el Eurobarómetro, los españoles destacan sobre la media del resto de los europeos en el uso de internet para realizar actividades relacionadas con la cultura. En verdad esto no nos extraña, pues todos hemos podido comprobar en nuestro entorno como han proliferado los últimos años multitud de dispositivos con capacidad de conectarse a internet. Fíjense en que la penetración en España, por ejemplo de los famosos teléfonos smartphone, es de un 66% de los usuarios, frente al 64% en Reino Unido, el 53% en Francia e Italia o el 51% en Alemania (Fuente: Spain Digital Future in Focus 2013, comSCORE).

Por tanto, algo ha cambiado ya en nuestra sociedad. Más excitante aún: algo está todavía cambiando. Estamos acostumbrándonos a comunicarnos de maneras diferentes a las del pasado y estas nuevas costumbres están condicionadas por unas tecnologías a las que hemos acogido entre nosotros mejor que lo que esperábamos hace unos años.

No obstante, vemos los cambios, pero no somos capaces de decir a dónde hemos llegado porque la transformación aún no ha acabado. Por ejemplo, todavía son pocas las iniciativas y las empresas que aprovechen la ventaja comparativa que aporta la tecnología digital en el acceso y/o comercialización de la cultura. Identificamos aplicaciones, páginas de internet, objetos y medios, pero pocos están en la senda de la sostenibilidad, en Europa, pero particularmente en España. Aquí el desfase entre potencial y realidad se hace más clamoroso, si no, observen el siguiente gráfico y entenderán mi argumentación.

GRÁFICO 2. % de personas que argumentan que no realizan estas actividades culturales condicionadas por su alto coste.

Elaboración a partir de datos del Eurobarómetro sobre “Acceso a la cultura y participación” publicados en noviembre 2013.

Los españoles encuentran, mucho más que el resto de los europeos, caro el acceso a ciertas prácticas culturales, y por eso dejan de hacerlas. Estos datos casan más con los que se reflejan en el Anuario de la SGAE, pero el diagnóstico y la lectura que les sugiero, es manifiestamente diferente. Permítanme argumentarles de manera más lineal las ideas:

1-En un país donde la gente encuentra caro participar en actividades culturales, en las que son de pago, porque éstas son caras, la gente deja de ir (hasta aquí coincidimos con SGAE).

2-Pero resulta que en este país hay muchas prácticas culturales que no pasan por pagar una entrada, bien porque sean gratuitas en sí (por ejemplo espectáculos de calle), o bien porque la gente accede mediante el pirateo o la lesión al copyright. Según la Encuesta de hábitos y prácticas culturales 2010/11, el 17,7% ha bajado música gratis el último trimestre y de éstos, el 76,7% argumenta que lo hace por ahorro económico (casi el mismo porcentaje, 17,4% con contenidos audiovisuales).

3-Y también resulta que en este país la gente tiene un relativo buen acceso a internet (al margen la calidad de la banda ancha) y unas costumbres destacadas por el consumo de cultura a través o gracias a internet.

Entonces, ¿qué se está haciendo mal para seguir perdiendo un público que se puede estar dirigiendo hacia la gratuidad o a la piratería? ¿Qué es lo que no se hace para sacar mejor y más partido a las nuevas tecnologías como mediadoras de bienes culturales? ¿Cuáles son las barreras que encuentran esas nuevas y emergentes prácticas culturales que les impiden desarrollarse más rápidamente? … Bajo mi perspectiva, éstas son también cuestiones muy importantes de las que nos deberíamos ocupar.

Quizá hay muchos factores que expliquen esta situación. Algunos económicos que tienen que ver con el empobrecimiento de la población y su consiguiente pérdida de poder de compra. Otros sociológicos o demográficos que tienen que ver con unas nuevas generaciones mucho más entregadas a una cultura digital, instantánea y de bajo coste. Pero también los factores empresariales o estructurales, y estos son los factores que sectorialmente pueden preocuparnos. Las estructuras, instituciones públicas o privadas, la legislación o las empresas culturales, muchos artistas y gran parte del público, siguen anclados en una defensa nostálgica de un modelo de cultura que ya no volverá a ser lo que fue. Y de ese anclaje se explica el no despegue.

Podemos seguir esperando a que la gente vuelva en masa a los cines; a que compren discos como antes; a que vayan a los teatros a ver danza y teatro convencidos de realizar una actividad de excelencia cultural; a poner las rotativas en ralentí en expectativa de que los lectores vuelvan a comprar periódicos y revistas por millares; podemos desear que todo vuelva a ser como antes… pero fallaremos en nuestro anhelo y nos frustraremos.

En la actual crisis, la cultura tampoco saldrá indemne. Pocas cosas permanecen al margen de la cicatriz que la crisis deja, pero desde luego la cultura no será una de ellas. Por ello los tonos catastrofistas que se escuchan cíclicamente, a golpe de la presentación de un anuario, del cierre de algún festival, del recorte presupuestario de un programa cultural o la presentación de algún manifiesto de turno, pese a ser entendibles humanamente, todos esos lamentos tienen algo de canto del cisne. Es un tiempo que se va, una cultura que declina, y en definitiva, una generación que desciende de su apogeo. Si se mira con algo de detenimiento, si se observa con ojos más optimistas, conscientes de la constante e incesante regeneración cultural de las sociedades contemporáneas, descubriremos, que hay algo nuevo que crece. Y el futuro será de quienes lo sepan ver.