“El teatro tiene algo mágico, milagroso”, confiesa Carmen Tamayo, miembro fundadora y directora del proyecto escénico 'Mujereando': “Ha conseguido convertir en protagonista a un colectivo invisible”. Esta gaditana de Prado del Rey afincada en Sevilla, actriz y técnica de intervención psicosocial, habla con un entusiasmo contagioso de sus dos “pasiones”: la interpretación y la acción social. Hace seis años que las unió en el centro de día en el que trabajaba en Sevilla capital y donde encontró a un grupo de mujeres sin hogar a las que transmitir “el amor por el teatro como herramienta terapéutica”.

El resultado fue 'Mujereando', una compañía teatral que funciona regularmente desde entonces auspiciada por la comunidad creativa Cuenta3, con sede en la capital andaluza, y que ahora da el salto al cine. Este fin de semana ha comenzado en Prado del Rey el rodaje de 'Mujereando, el documental', una cinta de equipo cien por cien andaluz, con “una financiación modesta”, que pretende registrar el proceso creativo de este grupo teatral por el que han pasado hasta la fecha 47 mujeres, “28 de las cuales han salido de la calle y llevan a día de hoy una vida completamente normalizada, integradas incluso en el mercado laboral”, explica Carmen Tamayo.

El salto al lenguaje audiovisual del proyecto 'Mujereando' se produce como parte “lógica” del proceso de esta compañía: “Ha sido una demanda constante de todas ellas”, aclara Tamayo. “Están empeñadas en darles visibilidad a sus problemas, su gran lema es que ninguna mujer sufra lo que ellas han sufrido hasta llegar aquí”.

Actualmente, son siete las integrantes de la agrupación y nueve las que participan en el documental: África, Charo, Macarena, Rosa, Tamara, Emilia, Pilar, Libertad y Candela. Mujeres de entre 30 y 55 años, residentes en Sevilla que trabajan sus propios textos a partir de sus experiencias personales: “Con esto hay que tener cuidado, el teatro es una herramienta terapéutica, pero cuando abres la caja de Pandora, luego la tienes que cerrar bien, que la escena sirva para que se reconcilien con sus demonios”, aclara la directora.

Historias colectivas

De este modo, el documental tendrá dos partes: “por un lado estará basado en los testimonios en primera persona de cada una de ellas, con sus vidas tan frágiles, y por otro, será un registro del proceso creativo de la compañía. Nosotras creamos nuestras propias obras de teatro. Planteamos qué necesitan sanar y en función de cada uno de los relatos individuales se confecciona una historia colectiva con los retales de cada una de ellas”, explica la directora.

Asimismo, Carmen Tamayo y su equipo trabaja en una película que sea, al igual que las obras de teatro, “estéticamente muy potente”: “Que el teatro, y en este caso el cine, las dignifique, que no se las vea pequeñas”. Para ello, han buscado localizaciones con mucha carga escénica, como la Fábrica de Artillería y la Torre del Cambio de Agujas, en Sevilla; Sierra Nevada, en Granada; y las playas de la costa de Cádiz, entre otras.

Cuenta3 cuenta con la participación de Canal Sur TV, que ha comprado los derechos de emisión del documental; la Diputación de Cádiz y la Junta de Andalucía, y con la colaboración del Ayuntamiento de Prado del Rey (Cádiz) y el Ayuntamiento de Sevilla. “El equipo motor vamos a trabajar con un sueldo, pero queremos que todos los técnicos, maquilladores, sonidistas, etc.., tengan un sueldo: se trata de dignificar a estas mujeres y también a la industria del cine”, señala Tamayo.

Javier Menéndez (1972) se ha presentado a la sociedad sevillana como nuevo director general de la institución cultural “más importante de Andalucía” tras la salida del músico Pedro Halffter como director artístico y Antonio Garde, último gerente del coliseo, que ha regresado a su anterior ocupación en el Ministerio de Cultura del Gobierno Central. Menéndez acaba así con la bicefalia directiva que ha guiado las políticas de trabajo del Teatro de la Maestranza, abriendo un nuevo ciclo que estará guiado “por la ambición”. “El proyecto que presenté para este espacio de lo primero que habla es de ambición artística. No somos un museo, un teatro es un ente vivo, somos exhibidores de espectáculos. Y como tal, hay que trabajar para que se reconozca ampliamente la importancia social y cultural que desempeña este teatro”, ha señalado en su primera aparición ante los medios de comunicación. 

“Una etapa nueva, con savia nueva”. Así ha definido el delegado municipal de Cultura en Sevilla, Antonio Muñoz -como presidente del Consejo Rector del Teatro de la Maestranza- el tiempo nuevo que se abre en el Coliseo sevillano con el aterrizaje en la ciudad de este asturiano. 

Ambición internacional

“Hablamos de la importancia del Maestranza en el ámbito cultural español, pero este teatro tiene que tener una ambición internacional -ha continuado-, y trabajaremos para poder situarlo a la altura de la Deutsche Oper de Berlín, con la que podemos tener una diferencia en cantidad -ha dicho en relación al presupuesto- pero no en calidad”.

Con este objetivo, Menéndez se encuentra ya trabajando a contrarreloj en la programación de la temporada 2019-2020, que según ha asegurado, aún no está confeccionada. Entre las primeras ideas que le sobrevuelan la cabeza, el nuevo director general ha citado algunos nombres que en su opinión cree imprescindibles y que en ciertos casos, aún son inéditos en el Maestranza. “Hay un repertorio que debe estar en un teatro lírico, compositores como Janáček, Britten, Shostakóvich. Óperas de Richard Strauss, que aún no han aparecido”, ha manifestado. En su política de programación estarán siempre “espectáculos que sean estimulantes a nivel estético, renovadores, que supongan un objeto de reflexión para el público”, ha asegurado como “mi primera declaración de intenciones”.

No obstante, Javier Menéndez se ha calificado como un profesional “muy respetuoso con la tradición”. “Las tradiciones están vivas, pero son siempre un punto de partida, no un objetivo. Yo odio los discursos convencionales en los espacios de creación cultural, pero la tradición sí”, ha manifestado con rotundidad; al tiempo que ha asegurado que un teatro como el de la Maestranza “debe mirar a la creación actual. No hay que tener miedo al público”.

Como un guiño manifiesto a la Orquesta Barroca de Sevilla, ha asegurado también que “este teatro debe tener ópera barroca escenificada”- en relación a que habitualmente se ha programado en versión concierto-  e incluir otras disciplinas que complementen la programación lírica: “El Maestranza no es un teatro de ópera exclusivamente”.

“Diálogo y más diálogo”

A este respecto, Javier Menéndez comparte nueva casa con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, formación dirigida por el maestro estadounidense John Axelroad, con quien confiesa que aún no se ha sentado. “Me ha contactado por Facebook y me ha emplazado a cenar, así que así lo haremos”, ha bromeado. A este respecto, asegura proponer “diálogo y más diálogo” entre las dos instituciones para llegar “a la situación más beneficiosa para ambos”.

Y no podía faltar el flamenco, disciplina andaluza por antonomasia y patrimonio inmaterial de la Humanidad al que Javier Menéndez se confiesa poco cercano pero “abierto a ir introduciéndome cada vez más”. “Uno no puede saber nunca de todo, por eso lo importante es saber rodearse de un buen equipo y en ese sentido, estoy en buenas manos”, ha señalado con honestidad.

Desde Asturias

Javier Menéndez nació en Oviedo el 19 de enero de 1972. Se licenció en Administración y Dirección de Empresas en la Universidad de Oviedo, donde se formó simultáneamente en música y canto. Posteriormente, inició estudios de musicología y se especializó en gestión cultural. En 1999 se incorpora al equipo de Dirección Artística del Gran Teatro del Liceo de Barcelona, a las órdenes de Joan Matabosch, llegando a ser Director Adjunto. Regresó a Oviedo en 2003 para hacerse cargo de la Dirección Artística de la Ópera de Oviedo. Desde el año 2013 asumió las tareas de Dirección General y Dirección Artística.

El teatro tiene el poder cauterizador de cerrar heridas, pero también de abrirlas, de crear rendijas por las que dejar escapar las emociones, grietas por las que se cuelen nuestros temores. De todo ello habla 'Melodrama', la nueva apuesta escénica de Teatro A Pelo, compañía sevillana independiente que, tras el éxito de su montaje anterior, Las dependientas, consigue debutar este fin de semana -1, 2 y 3 de febrero- en el Teatro Central de la capital andaluza, templo de la escena contemporánea, con este montaje que bucea en todo aquello que nos hace vulnerables a los seres humanos.

'Melodrama' viene a ser, en palabras de su creador, Julio León Rocha, “una constelación de cicatrices”. “Queremos mostrar las heridas como una cualidad más de las personas, no como algo que haya que ocultar”. Y así lo entiende también el director del espectáculo, Fran Pérez Román, que orquesta sobre el escenario las emociones de cuatro actores -Celia Vioque, José Luis Bustillo, Koldo Arostegui y Verónica Morales- que plasmarán el resultado de un proceso de investigación teatral “muy largo, en el que hemos trabajado, desde la incertidumbre y desde la vulnerabilidad, todas nuestras heridas, nuestros deseos”, apostilla León.

Todo este proceso, que partió de una residencia artística desarrollada en el Convento de Santa Clara de Sevilla durante el pasado verano, reunió en torno a la idea de 'Melodrama' a artistas de muy diversas procedencias: bailarines, actores, músicos... en un ambiente multidisciplinar que ha dado como resultado lo que pretende ser la carta de presentación de Teatro A Pelo: un espectáculo “fronterizo, contaminado” de todas las influencias recibidas y en el que la palabra, el teatro físico y la música se entrelazan para echar el lazo a “nuestros miedos y nuestros dolores”.

Una nueva forma de teatro

“Teatro A Pelo nació en 2011, inmersos en plena crisis, con la precariedad más absoluta en el terreno cultural, y quizás por eso se inventaron un nuevo modo de producir, con colaboraciones de todo tipo. Una nueva forma de teatro que se contamina de todo lo que tiene al lado, un teatro en la frontera, ese no-lugar que da una enorme libertad y otorga una segunda vida a los desechos”, explicaba durante la presentación del espectáculo el director del Teatro Central, Manuel Llanes, que se ha disculpado públicamente por no haber programado su anterior montaje Las dependientas, multipremiado en certámenes y festivales de teatro de todo el país hace un año y que ha servido a la compañía para abrirles la puerta del Central, “un sitio muy importante para nosotros a nivel emocional; nuestro imaginario tiene mucho que ver con todo lo que hemos visto aquí como espectadores”, confiesa el director.

De este modo, Teatro A Pelo ha hecho del punto de fuga de sus emociones uno de los motores de explosión de sus creaciones escénicas. Así fue con 'Las dependientas' y así se repite en 'Melodrama'. “Yo he tenido que aprender a trabajar las emociones en primer término, las chicas nos llevan mucha ventaja en esto”, confiesa Fran Pérez Román, que ha escarbado en los diferentes modelos de masculinidad en este trabajo y bromea ma non troppo cuando asegura que encontrarse con este equipo le ha “destrozado la vida”: “Es cierto, ahora vivo más, pero también sufro mucho”.

Junto con un concentrado trabajo de teatro físico, donde el cuerpo de cada uno de los actores trabaja -como si fuera la palabra- para generar emociones, densidades y atmósferas, 'Melodrama' tiene un importante trabajo musical que planea a lo largo de todo el espectáculo. “El melodrama fue un género cinematográfico muy popular en la década de los 50 reservado para ciudadanos de segunda: las mujeres y los homosexuales, que eran a quienes les estaba permitido expresar sus emociones; y en el que la música subrayaba muchas de las escenas. Nosotros hemos querido recrear esto invitando a músicos muy diferentes, que viajaran a un mismo espacio desde muy distintos enfoques. Y el resultado ha sido una gozada, completamente emocionante”, explica Julio León.

Sobre el poder curativo de este espectáculo, Fran Pérez cree que, a la larga, “nos dejará cicatrices bonitas”, pero de momento, de cara al gran estreno, “estamos con las carnes abiertas”, vuelve a bromear. De momento, tienen todas las entradas vendidas.

Que las preocupaciones de la danza clásica y contemporánea se encuentran en la recuperación histórica de nuestro acervo cultural es una evidencia que se plasma en las próximas propuestas del Teatro de la Maestranza. El fado y la saudade portuguesa, la revisión de la Francia pre-revolucionaria y una visita a los nuevos modos de vida de la gran urbe neoyorkina conforman las propuestas de las tres compañías internacionales programadas por el Maestranza dentro de su ciclo de Danza.

El coliseo sevillano, tras su puesta en escena de La Bayadere, el próximo 17 de febrero (20.00 horas) trae una compañía de referencia para la danza contemporánea en Portugal, el Quorum Ballet, que se presenta en la capital andaluza con una obra que, desde su propio título, pone en danza una de las claves esenciales de la cultura del país vecino, la saudade. El espectáculo Saudade/Back to Fado invoca a ese dolor de ausencia que caracteriza la naturaleza portuguesa expresada en su música popular, el fado. La pieza, para siete bailarines, está inspirada en la obra del poeta portugués del siglo XVI Luís Vaz de Camões, una de las grandes figuras literarias portuguesas de todos los tiempos y exhibe una singular puesta en escena, de gran plasticidad, dominada por la presencia del agua, sobre la que los bailarines danzan.

En el espectáculo, un cuarteto de músicos, entre los que la guitarra portuguesa posee un gran relieve, interpreta la música en vivo con su cantante, Joana Melo (Sandim, 1984), una de las figuras destacadas de la actual canción portuguesa, interactuando con los bailarines.

El Quorum Ballet es una compañía muy joven y pujante -se fundó en 2005- liderada por su director artístico, el bailarín y coreógrafo Daniel Cardoso. El cuerpo de baile procede del Ballet Gulbenkian -ya desaparecido y que en su día fue la compañía nacional de danza contemporánea portuguesa-, la Compañía Nacional de Danza de Lisboa, la de Martha Graham en Nueva York y el Peter Schaufuss Ballet de Dinamarca.

'Marie-Antoinette' en Sevilla

[[OBEJCT]] Tras la saudade lisboeta, el Teatro de la Maestranza le abre sus puertas el 24 de febrero a otro icono de la danza europea: el Malandain Ballet Biarritz, brillante compañía de danza clásica pero con expresión actual liderada por el creativo coreógrafo Thierry Malandain. Mandalain Ballet se presenta en Sevilla con Marie-Antoinette, una pieza que, sobre músicas de Joseph Haydn, pone en revisión la figura histórica de María Antonieta (1755-1793), archiduquesa de Austria y reina consorte de Francia donde, siendo esposa de Luis XVI, fue detestada tanto por la corte como por el pueblo, que la acusaban de frívola y derrochadora. Tras la abolición de la monarquía en 1792, Maria Antonieta fue juzgada por traición y guillotinada en 1793.

Sin embargo, nuevos análisis de su figura histórica sugieren la posibilidad de una mujer fascinante que, además, fuera gran inspiradora de la danza. Invitado por el Château de Versalles, Thierry Malandain se enfrenta al desafío de concebir nuevos perfiles de un personaje emblemático en la memoria colectiva francesa rescatando su gusto por las artes, el teatro, la música o la danza, no tan conocido, así como que fue protectora de artistas y que ella misma cultivó el canto, el clave y el arpa. La base musical de la coreografía son extractos de las sinfonías 6 -Le Matin- 7 -Le Midi- y 8 -Le Soir- de Joseph Haydn. Fueron compuestas, conformando un trío sobre el ciclo del día, en 1761.

Thierry Malandain, por su parte, ha recorrido la trayectoria habitual de un bailarín clásico, pero con una marcada afición por explorar los márgenes de la danza y ha desarrollado sorprendentes proyectos junto a grupos de culto como el ensemble barroco Le Poème Harmonique de Vincent Dumestre. Capitaneando un equipo de intérpretes que dominan con excelencia el lenguaje de la danza clásica, pero con expresión actual, Malandain ha explicado que su danza es “germen de variaciones”. “Clásica para unos, contemporánea para otros, hereditariamente neoclásica, yo simplemente intento encontrar la danza que realmente amo”, asegura.

Un viaje a Nueva York con el Tulsa Ballet

Finalmente, el ciclo de Danza del Teatro de la Maestranza culmina el próximo 9 de abril con la visita a Sevilla del estadounidense Tulsa Ballet que, bajo la dirección artística de Marcello Angelini, ha destacado por preservar la tradición del ballet clásico promoviendo la apreciación de la danza contemporánea. Un programa ecléctico, formado por tres piezas, descubrirá al público sevillano un sorprendente ballet nacido en Estados Unidos que ya ha causado sensación en Europa.

El programa presenta, como decimos, tres piezas. Una primera titulada Who Cares?, con coreografía del gran George Balanchine sobre música de Gershwin, que evoca a partir de 16 de sus canciones la vida urbana y la ciudad de Nueva York. La pieza fue creada en 1970, 30 años después de que Gershwin le ofreciera a Balanchine marchar con él a Hollywood para trabajar juntos en un musical que no pudo completar a causa del tumor cerebral que le provocó la muerte.

Le sigue Shibuya Blues, sobre música de Michel Banabila, Manuel Wandji y René Aubry, una coreografía de Anabelle López Ochoa, bailarina y coreógrafa belga de origen colombiano, y 45 años de edad, que ha ganado diversos premios por un estilo que, sobre un virtuosismo clásico, expresa un movimiento contemporáneo.

Y finaliza con The green table, un retrato de los horrores de la guerra sobre música de Fritz A. Cohen. Se trata de una coreografía de Kurt Jooss (1901-1979), bailarín, profesor y coreógrafo alemán que creó la pieza en 1932. Jooss fue el primer coreógrafo reconocido por sintetizar la danza clásica con la moderna.

En definitiva, tres apuestas del Maestranza para recorrer parte de la cultura occidental a través de la danza a lo largo de este 2019.

2018 acabó de cine en Andalucía. Al terremoto político y social sobrevenido tras las elecciones del pasado 2 de diciembre, la cultura contestó con una impecable ceremonia de espíritu europeísta y tono conciliador, apelando a la responsabilidad social del cine, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. La European Film Accademy había elegido la capital andaluza para celebrar sus anuales Premios Europeos del Cine -una suerte de Oscars del viejo continente- y Sevilla le respondió con una excelente organización, colocando a Andalucía en el escaparte internacional de la cultura con mayúsculas.

Con este aval afronta el Ayuntamiento de Sevilla -apoyado hasta ahora por la Junta de Andalucía y su consejero de Cultura en funciones, Miguel Ángel Vázquez- el que será sin duda, el primer hito cultural de 2019: la celebración en Andalucía de los Premios Goya del cine español. La gala tendrá lugar el próximo 2 de febrero en el Palacio de Congresos y Exposiciones (Fibes) en lo que será la segunda vez en sus más de 30 años de historia que esta ceremonia sale de Madrid (la primera fue hace dieciocho años en Barcelona) y pondrá rumbo al sur.

Además de la promoción que supondrá para Sevilla, la visita de los Premios Goya tendrá un impacto económico que los regidores municipales han calculado en torno a los cinco millones de euros, entre la contratación de personal, adaptación de los espacios, servicios de azafatas, catering y traductores, así como las reservas en hoteles y desplazamientos. Una muestra de que el cine es, en los últimos años, un motor económico y una industria ya consolidada en nuestra tierra.

Buena muestra de ello es también el rodaje de la segunda temporada de La PesteLa Peste, la primera serie original de Movistar Plus creada por Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, que tiene previsto su estreno para noviembre de 2019. Cobos, guionista, será el 'showrunner' de esta temporada, mientras que Rodríguez dirigirá los dos primeros episodios. David Ulloa será el director de los cuatro últimos. En total, seis episodios de 50 minutos de duración para disfrutar no solo de Sevilla, sino de nuevas localizaciones: el rodaje, que comenzó en octubre, se extenderá las primeras semanas del año por municipios como Carmona, Utrera, Alcalá de Guadaira, Palos de la Frontera (Huelva) y Cuevas de Almanzora, en Almería.

La acción de esta segunda temporada arranca cinco años más tarde del final de la última, mostrándonos a un Mateo aventurero -papel protagonista que encarna Pablo Molinero- que ya está de vuelta del Nuevo Mundo, listo para luchar contra la corrupción en la Sevilla del siglo XVII.

V centenario de la primera vuelta al mundo

Esa Andalucía conquistadora, puerta del Nuevo Mundo y ejemplo de integración cultural y racial, estará presente en la que, sin duda, es la efemérides del año. En 2019 se cumplen quinientos años del comienzo de la primera circunnavegación de la Tierra, la expedición que inició Magallanes en 1518 con la salida de cinco naves y más de 600 hombres del Puerto de Sevilla y el regreso, en 1522, de un único barco -la Nao Victoria- con sólo 17 supervivientes a bordo capitaneados por Juan Sebastián Elcano (Magallanes había muerto en una batalla con indígenas de Filipinas).

La vicepresidenta del Gobierno, Carmen Calvo, presentó el pasado mes de octubre la reunión de la Comisión Nacional para la conmemoración del V Centenario de la expedición Magallanes-Elcano, donde se dieron a conocer las actividades que ya están dispuestas, más de 200, que abarcan exposiciones, música, teatro, deporte y cine a lo largo de todo 2019.

La idea, según explicó Calvo, es que la celebración sea “inclusiva y multidisciplinar” y que abarque de 2019 a 2022, es decir los tres años que duró la aventura. Para lograr una alta participación tanto institucional como de la sociedad civil, el Gobierno anima a los ciudadanos a que envíen sus proyectos, una iniciativa que ha recopilado ya unas 200 ideas, de las que han sido seleccionadas hasta el momento 74 “por su originalidad, relevancia, rigor, interés cultural, e impacto nacional e internacional”. Entre las actividades promovidas ya por el Gobierno destacan la exposición itinerante El viaje más largo, promovida por AC/E y el Ministerio de Cultura, una gran muestra sobre la aventura marítima, y la dedicada a la expedición en la Biblioteca Nacional.

En artes escénicas y musicales figuran la obra Sphaera Mundi-Naumon, de La Fura dels Baus, que dará la vuelta al mundo con una “eco-nave”, y la ópera Magallanes: No hay rosas sin espinas, en la que colaborará Placido Domingo. En cuanto a las actividades náuticas programadas, una réplica de la nao Victoria dará la vuelta al mundo; el buque escuela Juan Sebastián Elcano hará la llamada Ruta 2019-2020 y el campeón del mundo Alex Pella circunnavegará el globo con su trimarán con el proyecto Tras la estela de Elcano.

Asimismo, desde la vertiente andaluza, la Junta de Andalucía ya ha aprobado estos años atrás en el Parlamento varias iniciativas presentadas por varios partidos políticos (PSOE y Ciudadanos en su mayoría) para lograr la colaboración máxima en este evento de dimensiones planetarias. La buena sintonía entre las administraciones competentes en el evento (el Ayuntamiento de Sevilla, el Ayuntamiento de Sanlúcar de Barrameda y la Junta, hasta ahora gobernadas por el PSOE en los tres casos) auguraba un feliz desenlace que habrá que volver a configurar de nuevo y colmar de voluntad política tras la nueva foto fija del arco parlamentario, si se quiere llegar a buen puerto en este viaje transoceánico.

Museo íbero de Jaén

Año clave igualmente para una de las últimas joyas de la corona cultural andaluza. Tras la celebración en 2018 de los 15 años del nacimiento del Museo Picasso en Málaga, le toca el turno al Museo Íbero de Jaén que, a pesar de llevar un año con sus puertas abiertas al público con una exposición temporal, no se podrá ver al completo hasta el año 2021, cuando se completen las 3.357 piezas arqueológicas organizadas en ocho áreas temáticas que dispondrá el Museo (aunque contará con un fondo no expuesto de 9.194 obras de la cultura íbera).

La apertura al público de la exposición permanente se realizará por fases, es decir, las diferentes áreas temáticas se podrán ir visitando conforme concluyan su instalación y montaje. Una vez licitado y cumpliendo todos los plazos, habrá que esperar a mediados de 2019 para firmar el contrato entre la Junta de Andalucía, sobre la que ha recaído la adecuación del inmueble; y el Gobierno Central, propietario de las piezas arqueológicas. El Consejero de Cultura en funciones, Miguel Ángel Vázquez, anunció hace unos meses que la intención es que en el año 2020 se puedan visitar las primeras áreas. “Con el nuevo Ministerio de Cultura será posible acelerar los plazos, dentro de la rigidez de la Ley”, dijo. Hasta 2021 no se completará.

La Junta invertirá 5,8 millones de euros en dotar de discurso museográfico el Museo Íbero de la capital. Esta cantidad se irá desgranando en los presupuestos de la Administración Autonómica correspondientes a 2019, 2020 y 2021. Con esta cantidad, la inversión total en el Museo Íbero de Jaén rondará los 32 millones de euros. “Será la mayor inversión cultural que se ha realizado en esta provincia”, recordó.

El Teatro de la Maestranza busca director general

Y para año clave, el que vivirá el Coliseo operístico más importante del país tras el Teatro Real de Madrid y el Liceo de Barcelona: el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Su director artístico, Pedro Halffter, abandonó el cargo el pasado mes de noviembre, coincidiendo con la finalización de su contrato, mientras que el que ha sido director gerente del coliseo en los últimos dos años, Antonio Garde, se reincorporó al Ministerio de Cultura y Deporte como subdirector general de Música y Danza del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y Música (Inaem) también a final de año. Para afrontar el futuro del teatro, los miembros del Consorcio que sustenta la institución cultural más prestigiosa del sur de España (integrado por Ministerio de Cultura, Junta de Andalucía, Ayuntamiento de Sevilla y Diputación Provincial) han acordado fusionar los dos cargos anteriormente citados en un único puesto de responsabilidad: un director general del Teatro de la Maestranza que, además de la programación artística, se encargue de la gestión y la relación con los trabajadores.

Para cubrir la nueva plaza, el Maestranza ha iniciado un proceso de selección, mediante convocatoria pública. Los interesados en concurrir al proceso de selección presentaron sus propuestas el pasado mes de noviembre, fecha en la que se cerró esta convocatoria, según consta en el documento que aparece colgado en la web del Maestranza.

Este nuevo proyecto de gestión tendrá un marco temporal comprendido entre 2019 y el 31 de julio de 2022, así como un marco general de financiación de dicho proyecto. La valoración de la candidaturas la realizará, atendiendo a los principios de mérito y capacidad, una comisión nombrada por los órganos de gobierno del Consorcio Teatro de la Maestranza y Salas del Arenal.

Málaga reclama un Auditorio de Música

Y si seguimos en el capítulo de los grandes equipamientos culturales, la reivindicación es así de clara: Málaga, que ha conseguido consolidar su etiqueta de 'Ciudad de los museos', es la única gran capital española que no cuenta con un Auditorio de Música. La demanda es un clamor a voces de la sociedad civil malagueña desde los años 80, reactivada ahora por la plataforma ciudadana 'Por el Auditorio de la Música de Málaga' y que ha recogido como un guante el Ayuntamiento de la capital.

Parece ser, aunque no hay fechas exactas, que 2019 puede ser clave para la puesta en marcha del conocido proyecto del Auditorio del Puerto, un espacio abierto a todas las músicas, que sería la sede permanente de la Orquesta Filarmónica de Málaga y contaría con una temporada lírica. Ubicado en el Muelle de San Andrés (terrenos que siguen reservados para este uso), el Auditorio cuenta con un proyecto arquitectónico aún vigente que el Ayuntamiento de Málaga volvió a remitir al Ministerio de Cultura la pasada primavera para impulsar la constitución de un consorcio al modo del Teatro de la Maestranza –ministerio, Junta, Diputación y Ayuntamiento– que culmine esta asignatura pendiente que supondría una factura de 95,7 millones de euros a repartir entre las cuatro administraciones.

Y no nos despedimos sin desearle suerte a la Casa Natal de Velázquez en Sevilla, una iniciativa privada que sigue intentado recabar apoyos económicos e institucionales para lograr su anunciada apertura en la primavera de 2019.

La India, siglo XIX. La explosión de color de los saris, la magnificencia de su patrimonio artístico y la sensualidad de sus manifestaciones dancísticas son un imán para los creadores europeos. El viejo continente se despierta al arte bajo el influjo del exotismo asiático y los artistas románticos de toda condición -pintores, poetas, escritores...- desarrollan un paladar de gusto orientalizante que, junto con el interés por Andalucía y sus tradiciones, les hace viajar al continente asiático en busca de inspiración. Además de las artes plásticas y la literatura, la danza europea se ve contagiada también por esta fascinación asiática, como lo demuestra La Bayadère, la pieza de ballet clásico más exótica de la historia europea de la danzaLa Bayadère, estrenada en el Teatro Bolshoi de San Petersburgo en la época dorada de los Ballets Rusos.

140 años después de su estreno, La Bayadère regresa a Sevilla el próximo 9 de enero -con funciones también los días 10, 11 y 12- de la mano del Ballet Nacional ChecoLa Bayadère, que hará subir a la escena del Teatro de la Maestranza uno de los mayores éxitos de la historia reciente de la danza centroeuropea.  La Bayadère está inspirada en los versos del poeta hindú Kalidasa, donde hace referencia a las mujeres consagradas a la danza por la religión. En la India, a estas mujeres se les llama Davadasi. Se formaban como bailarinas desde muy pequeñas, siguiendo una disciplina muy estricta y quedaban consagradas de por vida a este menester, en una suerte de sacerdocio femenino de su politeísta creencia. Fueron los navegantes portugueses, a su llegada a la península del Indostán quienes las bautizan con el nombre de bailaderas, de donde se ha derivado hasta nuestros días como bayaderas.

Así las cosas, esta revisión de lo que podemos denominar “un clásico entre los clásicos” llega a la capital andaluza de la mano del Ballet Nacional Checo, una formación de referencia en Europa Central, que se presenta en el Teatro de la Maestranza con su director artístico, Filip Barankiewicz, al frente, abordando la célebre partitura de Ludwig Minkus, con coreografía del mexicano Javier Torres a partir de la original de Marius Petipa. En el foso, acompañando al ballet e interpretando la partitura en directo, el público se reencontrará con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, dirigida por la batuta de Václav Zahradník.

Más de ochenta bailarines en escena 

El Ballet Nacional Checo despliega sobre la escena un cuerpo de 81 bailarines provenientes de 14 países y ha previsto tres elencos diferentes de primeros bailarines que se alternarán en cada una de las funciones, repitiendo en la última función el del día del estreno. Asimismo, participarán en cada una de las funciones una veintena de alumnos del Conservatorio de Danza de SevillaConservatorio de Danza de Sevilla.

La Bayadère fue coreografiada por el francés Marius Petipa, conocido por títulos de referencia internacional como La bella durmiente, El cascanueces o El lago de los cisnes. La particularidad de La Bayadère sobre otras piezas del coreógrafo es la combinación entre los pasos clásicos del ballet y su aroma indio. En Europa se conocía poco de la cultura oriental, aunque estaba muy idealizada por los románticos de la época. Hasta dar con los pasos exactos, Petipa pasó seis meses montando esta espectacular coreografía.

En su punto álgido, este ballet es célebre por su escena del Reino de las Sombras, que convoca a los espectros de un gran número de bayaderas. La puesta en escena incluye “exquisitos decorados, un vestuario colorista y actuaciones virtuosas”, según informa el teatro. La majestuosidad de la danza clásica está, pues, asegurada para abrir el 2019.

“Preocúpate el día que no te dé el pellizco en la barriga”. Fahmi Alqhai, el violagambista que ha sabido llevar la música antigua a los públicos más variados sin tocar un ápice su esencia, lleva a rajatabla el consejo que le dio, de joven, su maestro José Miguel Moreno, referente mundial en las músicas de los siglos XVI al XVIII. Es la máxima que ha aplicado, de lleno, a su nuevo proyecto, 'Diálogo de viejos y nuevos sones', un disco nacido de las entrañas, “del cariño y de la emoción” -precisa-, y grabado con la joven cantaora onubense Rocío Márquez, una de las voces flamencas del momento en el panorama nacional e internacional.

La cosa queda más o menos así: música antigua y flamenco, Monteverdi y fandangos del Alonso, poemas de Santa Teresa y sones de ida y vuelta, boleros, chaconas y seguiriyas ancestrales. Y todo, sin que haya una nota que suene a impostura o, por qué no decirlo, a pastiche. Como si parecieran estar condenados a entenderse, Fahmi Alqhai, director de la agrupación Accademia del Piaccere, y Rocío Márquez, consiguen que todo suene natural y que su proyecto haya sido bendecido tanto por la ortodoxia flamenca como por los adalides de la modernidad.

“Yo diría que es una cuestión de respeto y de gusto, de buen gusto”, intenta explicarse Fahmi, al tiempo que Rocío Márquez puntualiza que, muchas veces, dar con la fórmula adecuada depende “de la dirección del movimiento: este disco es algo que ha nacido desde dentro hacia fuera y no al revés: no es un imposición externa, sujeta a las inercias comerciales, que luego hayamos tenido que interiorizar nosotros”.

'Diálogo de viejos y nuevos sones' nació por encargo de la Bienal de Flamenco de Sevilla para su edición de 2016, como un espectáculo conjunto que se estrenó en la iglesia Barroca de San Luis de los Franceses. A partir de ahí, nueve meses de trabajo, de base teórica, ensayos y ensamblaje de las dos sensibilidades artísticas de estos músicos. Tras este periodo de gestación, aseguran que la criatura “ha nacido criada, con todo el pelo”, bromea Fahmi. “Es un disco que necesitaba madurez, tiempo, mucho escenario y mucho ensayo”, asegura Rocío Márquez, que insiste: “Nos hemos dado cuenta de lo bueno que es ensayar, porque lo que arriesgas en un ensayo a puerta cerrada no puedes hacerlo en un escenario”. Y así, a base de “prueba-error” ha nacido este 'Diálogo' que, como sorpresa, cierra con una versión de los 'Angelitos negros' de Machín.

“Nos gusta gustar”

Y es que en su afán por ensanchar sus horizontes musicales y entregárselos al gran público, Rocío Márquez y Fahmi Alqhai saben trabajar ajenos al mainstream pero sabiendo que “nos gusta gustar”, admite este músico sevillano de padre sirio que conquista los escenarios de todo el país. “No pienso que haya que ser un maldito al que le gusta componer para él mismo viendo llover tras la ventana; yo intento siempre ser fiel a mí mismo, pero no soy una roca insensible a los gustos del público. Es a él al que le debo mi carrera”, puntualiza Alqhai. Y de ahí que este 'Diálogo de viejos y nuevos sones' -que salió a la venta como disco el pasado 19 de octubre- sea un espectáculo vivo, que viaja a velocidad de crucero. De momento, han recorrido desde el Auditorio Nacional de Madrid al Festival Mozart de Augsburgo (Alemania), del Festival de Ambronay (Francia) al Festival I. M. D. de Granada... A inicios de este 2018 la propia Bienal de Flamenco, colaboradora en el proyecto discográfico, presentó el espectáculo en Brno (Chequia), y para este año hay previstas actuaciones en Italia, Francia, Alemania, Suiza y Bélgica.

En este viaje le acompañan dos músicos más: el también violagambista Rami Alqhai, hermano de Fahmi, del que muchas veces siente que es “una mano más” y el percusionista Agustín Diassera, “una pieza absolutamente fundamental en el disco”, apostilla Rocío. Antes de recorrer el mundo, los cuatro se cruzaban -se cruzan- por el barrio, entre San Lorenzo y la Alameda, en pleno centro de Sevilla, a menudo. “Yo conocía a Rocío, me parecía una artistaza, pero no habíamos tenido ocasión de hacer nada juntos... Así que siempre que nos veíamos por la calle nos decíamos lo típico de: 'a ver cuándo nos juntamos'.... Y aquí estamos”, sonríe mirando con admiración a la onubense.

Recuerda Leonor Bonilla (Sevilla, 1987) su primera audición en el Teatro de la Maestranza. Eligió el aria 'Porgi amor', de la célebre ópera de Mozart 'Las bodas de fígaro', una pieza profunda y melancólica, icónica en el repertorio operístico que, sin embargo, “me salió realmente mal”, recuerda entre el rubor y la sonrisa. A pesar de esa autocrítica tan implacable, su apuesta fue ganadora y le sirvió para ingresar en el Coro del Teatro de la Maestranza en 2011, uno de “los pilares más importantes de la cultura de esta ciudad” -como ella misma defiende- que dirige el maestro Íñigo Sampil, quien se acuerda “perfectamente de esa audición, que no sólo no fue mala, sino que nos descubrió una voz con un enorme potencial”, corrige a la soprano.

Así las cosas, seis años y medio después, Leonor Bonilla es protagonista de un salto profesional “nada habitual”, como reconoce Sampil, al ser la encargada de inaugurar la temporada operística del coliseo andaluz en el rol principal de Lucia Di Lammermoor, obra maestra de Donizetti donde afronta el primer gran papel de toda su carrera.

“Estoy feliz y nerviosa a partes iguales. Nerviosa por debutar en un papel tan importante como Lucia Di Lammermoor, y feliz por hacerlo en este teatro, donde he crecido, donde vi mi primera zarzuela, mi primera ópera, mi primer ballet, donde canté por primera vez en un coro, en 'La Bohème'.... Si  hoy me dedico a la ópera es gracias al Teatro de la Maestranza”, reconoce esta joven soprano que, sin embargo, ha acumulado en los últimos años un interesante palmarés de premios y reconocimientos internacionales.

Como Curro Romero

“Cuando me preguntan cómo estoy, digo que me siento como Curro Romero cuando se enfrenta a un Miura... pero sin miedo”, bromea la cantante, que debuta en el rol de Lucia dentro de un elenco donde comparte protagonismo con el veterano tenor catalán José Bros en el papel del enamorado Edgardo. Bros, que ha encarnado este papel en múltiples ocasiones, ha sido “todo un padre para mí” -dice la sevillana- y vaticina a Bonilla “mucha suerte, la va a tener y éste va a ser un papel que marcará su carrera para toda la vida”.

“Es uno de los roles con más exigencia técnica que existen, un papel muy completo, con agudos, graves y un gran fraseo, pero en el que te expones mucho... Por momentos, como en el aria final, estás vendida”, continúa entre bromas Leonor Bonilla, para quien “la sensación anímica de Lucia te la llevas a casa; viajar a partir de sus emociones y luego regresar de ellas no es fácil, por lo que también es un papel muy comprometido a nivel interpretativo”.

Esta Lucia Di Lammermoor que abre la temporada lírica del Maestranza es una producción de la Deutsche Oper de Berlín, que cuenta con la dirección musical de Renato Baldasonna y un reparto plagado de nombres nacionales del belcanto: junto a Leonor Bonilla y José Bros, estarán en el escenario el tenor Manuel de Diego (como Lord Arturo), la mezzosoprano María José Suárez (Alisa), y el malagueño Gerardo López, en el papel de Normanno. Completan la nómina de intérpretes el barítono Vitaliy Bilyy (Lord Enrico) y el bajo Mirco Palazzi (Raimondo).

Una producción “tradicional”

Con más de 60 músicos de la Real Orquesta de la Maestranza en el foso, esta producción ha apostado por una puesta en escena clásica, “tradicional”, en palabras de su director musical, pero con un aspecto “fresco, casi efervescente”: “Clásico no es sinónimo de viejo. Esta producción narra con mucha precisión y sentimiento la historia de Lucia, así que bienvenida la tradición en el mejor sentido del término”, aclama Baldasonna.

'Lucia di Lamermoor' se representará en el Teatro de la Maestranza los días 26, 29 de octubre, 1 y 4 de noviembre, a las 20.00 horas. Los responsables del Teatro han remarcado que en esta temporada se ha adelantado media hora el inicio de las funciones, con el objetivo de adecuarse a un horario más europeo.

Estrenos en España y versiones en concierto

Siguiendo con la oferta de óperas, el Teatro de la Maestranza ofrecerá a lo largo del año un programa doble con 'El Emperador de la Atlántida' y 'Der Diktator', este último título de estreno en España, que llegarán a la capital hispalense el próximo 30 de noviembre y el 2 y 4 de diciembre. Además, sobresale el retorno de 'Il Trovatore' de Verdi tras casi 20 años sin representarse, así como el clásico 'Andrea Chénier', que contará con la soprano Ainhoa Arteta. Las versiones en concierto de 'Tenorio', de Tomás Marco (el 31 de octubre) e 'Israel en Egipto' de Haendel (13 de abril) completan la temporada lírica.

Por su parte, en la búsqueda de nuevos públicos, el Maestranza acogerá a partir del 2 de abril funciones para escolares y familias, entre ellas, 'Guillermo Tell' de Gioachino Rossini. En cuanto a zarzuela, destaca el retorno de la obra 'La Taberna del Puerto' el próximo 7 de febrero, bajo la dirección musical de Oliver Díaz. El teatro también acogerá recitales líricos y ciclos de coros de cámara.

Ya antes que una calle con su nombre, Concha Caballero (Baena, Córdoba - 1956; Sevilla - 2015) tuvo un magnolio. Un árbol plantado en uno de los patios del Parlamento de Andalucía, el antiguo Hospital de las Cinco Llagas, donde fue diputada tantos años. “Recolectaba sus frutos cada año”, recuerda la periodista andaluza Lourdes Lucio, afilada cronista para El País durante más de 20 años. “Inmenso, de hojas brillantes y agudas”, como cantara Luis Cernuda a su célebre Magnolio en Ocnos, la obra con la que quiso recordar a Sevilla, el árbol de Concha Caballero pudo ser, como para el poeta del 27, “algo más que una hermosa realidad: en él se cifraba la imagen de la vida. Aunque a veces la deseara de otro modo, más libre, más en la corriente de los seres y de las cosas...”.

Así, libre, atenta a las pequeñas cosas, han recordado amigos, familiares, compañeros de todos los colores políticos y periodistas -“porque los periodistas la adorábamos”, ha dicho la también otrora cronista parlamentaria de El País, Isabel Pedrote- a una mujer que se topó con casi todos los techos de cristal en una Andalucía que peleaba por encontrar su lugar en la España de las Autonomías. Caballero fue política en las filas de Izquierda Unida, primera mujer portavoz del Parlamento de Andalucía, diputada clave en la reforma del Estatuto de Autonomía, profesora de Lengua y Literatura y, ya en el tramo final, autora de una obra emocionante sobre la ciudad en la que pasó la mayor parte de su vida: Sevilla, ciudad de las palabras.

Por ésta y otras razones, el Ayuntamiento de Sevilla, que aprobó la iniciativa con la inusual unanimidad del pleno, descubría en la mañana del 2 de octubre una placa con su nombre en la barriada de Los Príncipes, donde transcurrió la mayor parte de su vida en la capital andaluza. Fuera del foco turístico, en esa Sevilla que no sale en las postales, hay hoy una calle que se llama Concha Caballero Cubillo que, como el magnolio de Cernuda, persigue “la corriente de los seres y de las cosas”.

Hasta allí, en el corazón del Polígono Norte, haciendo esquina con la calle Pueblo Palestino, se desplazaron las mujeres que, agrupadas en el Fórum de Política Feminista de Sevilla, han promovido este homenaje. La veterana Kechu Aramburu reconocía que “teníamos una deuda con Concha Caballero y éste será ya su rincón para siempre”, explicaba en presencia de su viudo, Antonio Girón, y de sus hermanos Rosa, Gabriel y Keka.

Referente para cualquier servidor público, mujer que abanderó causas que parecían imposibles, con la virtud de haber mantenido una intachable coherencia personal y profesional, feminista y ejemplo de ética política. Así fue descrita por el alcalde de la ciudad, Juan Espadas, que cerró un acto en el que su compañero durante los últimos 25 años de vida quiso destacar su perfil más cultural, una altura intelectual, que ha quedado plasmada ya para siempre en esa Ciudad de las palabras. “Acreditó un compromiso enorme con Sevilla, razón de más para que hoy estemos aquí, en este rincón, que la recordará para siempre”.

Cuando parecía que la carrera profesional de Fran Perea se había entregado a la producción teatral de mayor riesgo y compromiso con proyectos como Feel Good o la compra de los Teatros Luchana de Madrid -dentro de un grupo de artistas que han redefinido el concepto de la gestión cultural en nuestro país-, Fran Perea (Málaga, 1978) vuelve a sorprender -incluso a sorprenderse, como confiesa- con Viaja la palabra, un proyecto transmedia que incluye la publicación de un libro que ve la luz este 2 de octubre, un disco que supone su regreso a la música después de ocho años de silencio, así como un proyecto de fomento del español en el extranjero de la mano del Instituto Cervantes que ahora dirige el poeta Luis García Montero.

Pese al golpe de timón que ha dado en su travesía profesional, Fran Perea encuentra puntos de convergencia entre Viaja la palabra y sus trabajos anteriores en “el componente romántico” -sonríe cuando el entrevistador utiliza el término kamikaze- que tiene esta nueva aventura: “Igual que quise hacer el teatro que me gusta ver como espectador; ahora he diseñado un disco que es el resultado de la música que me gusta escuchar; así como un homenaje a los artistas que admiro, esos que saben poner en palabras, en versos, sentimientos universales que las personas con menos talento no sabemos”, dice Perea mientras cita a Pedro Guerra, Joaquín Sabina, Jorge Drexler, Serrat...

Artista en continuo estado de aprendizaje y superación, Fran Perea va a cumplir 40 años con este Viaja la palabra, un proyecto “personal e intimista donde hay mucha desnudez, quería ponerme a prueba y ser duro conmigo mismo”, reflexiona el creador, que ha cocinado a fuego lento este disco “que no sabía que iba a ser un disco” y que reúne canciones que esperaban su momento guardadas en el cajón junto con otras compuestas ex profeso para este trabajo. “Es todo un ejercicio de libertad creativa donde las influencias que me han marcado y el recorrido vital que he seguido en todos mis años de profesión se ven reflejados en temas de una gran carga emocional”, explica Perea, que ha contado en este viaje de raíces folk y mediterráneas con las colaboraciones de Rozalén y Ara Malikian.

Ambos participan en dos canciones junto al artista malagueño en Viaja la palabra. Rozalén suma su voz y su talento en el tema Mi caballito de mar,  una canción en la que Fran Perea refleja lo que para él representa el proceso creativo. “Hice la canción con Alfonso Samos e invité a Rozalén a cantarla conmigo, había coincidido varias veces con ella y me parece una tía muy guerrera”, subraya Fran Perea. Por su parte, el violinista de origen armenio Malikian, cuya propuesta musical es exclusivamente instrumental, colabora paradójicamente en la canción titulada Mi voz. “Fue el primer tema que compuse sin saber aún si vería algún día la luz como parte de un disco… Y pensé que la colaboración con Malikian, cuya voz es un violín, me daba pie para hablar de cómo todos tenemos algo que decir a través del canal que queramos”.

Un artista en crisis

“La crisis en los procesos creativos, mi relación con la violencia, Málaga, la pérdida, la memoria...” Fran Perea repasa cada uno de los temas a los que hinca el diente en este proyecto y concluye que Viaja la palabra es el reflejo de que es “un artista que vive en permanente crisis. Quizás de estos baches salgo luego con más impulso y salen cosas como ésta... Pero sí, me cuesta y sufro. No soy masoca, pero si no sufro siento que no estoy vivo”, confiesa.

Viaja la palabra ya se ha podido escuchar parcialmente en Serbia con sendos conciertos en Novi Sad y Belgrado el pasado mes de mayo que contaron con la colaboración del Instituto Cervantes, institución que ha nombrado a Fran Perea embajador de la lengua española. Y es que Viaja la palabra trasciende su papel como simple trabajo musical: es un proyecto multicanal que engloba una acción de impulso del español en el extranjero y un libro homónimo que sale a la venta el 2 de octubre de la mano de Grupo Planeta. “Era la manera de unir todas las piezas: La serie Los Serrano se hizo muy popular en Serbia, algo que fomentó el interés por la cultura española en este país. Pero lo más sorprendente es que, más allá del fenómeno fan, hoy en día hay muchísimos estudiantes de español en Serbia que estudian a Calderón y a Lorca”.

Para dar comienzo a este viaje por la palabra de Fran Perea, el artista malagueño echará a andar este trabajo musical en su ciudad natal el 4 de octubre, para continuar de gira por Andalucía con paradas en Sevilla (5 de octubre) y Jerez de la Frontera (26 de octubre). Más allá del recital al uso, Fran Perea ha diseñado un nuevo concepto de concierto donde incorpora “ciertas características de mi faceta teatral que lo convierten en un espectáculo escénico más completo”, apunta a vuela pluma, dejando en el aire la curiosidad por adentrarse en Viaja la palabra, que en 2019 cruzará nuestras fronteras y comenzará su periplo internacional.

Hace tiempo que el relato ha dejado de ser un género literario menospreciado, que crece a la sombra de la novela. Gracias a esa “mala salud de hierro” de la que adolece o a la escasa presión que recibe por parte del mercado editorial -las novelas parecen estar condenadas a vender, a buscar el gusto mayoritario-, el cuento se ha convertido en un territorio muy fértil para la libertad y la experimentación. Es aquí donde encuentra su hábitat la periodista andaluza Xenia García (Sevilla, 1975), que acaba de debutar en el panorama editorial con el libro El trigo que cae, una compilación de relatos de fuerte identidad y reivindicación de género (literario). García no entiende la escritura de historias cortas como un ejercicio previo o de tránsito hacia la novela, la cultiva con un alto grado de exigencia, con una voz propia y un estilo que no admite divagaciones: “El cuento requiere una concentración parecida a la que se da en la poesía”, asegura.

Tras aparecer en algunas antologías, El trigo que cae (Talentura) es su primer libro de relatos de carácter individual, un conjunto de veinte historias con un denominador común y un fuerte sentido unitario: la familia y las relaciones personales. “Yo quería darle una unidad al libro porque me interesa contar una historia más allá de las pequeñas narraciones desperdigadas de cada uno de los cuentos”. Para ello, Xenia García ha realizado una selección entre los “muchos” relatos que lleva escritos “desde que empecé muy niña” y otros que ha creado ex profeso para darle unidad al volumen. “Como todos giran en torno a esa parte de nosotros mismos a la que renunciamos para que funcionen la pareja, la familia o las relaciones de amistad, me he centrado en relatos de esas características, los demás siguen guardados en un cajón”, confiesa.

Dedicada profesionalmente a la comunicación institucional y los recursos humanos, Xenia García siempre ha escrito en la intimidad, “por necesidad personal” y sin intención de llamar a las puertas del mercado editorial: “ Nunca me lo había planteado seriamente. Me parecía absolutamente imposible”. Sin embargo, esta periodista que se denomina como “carne de taller literario” dejó ver sus dotes para fabular historias de corto aliento en uno de esos cursos que dirigió otra voz literaria andaluza de mujer que ha irrumpido con fuerza en el panorama literario español: Sara Mesa. Fue entonces cuando se produjo la epifanía. “Puedo decir que fue ella la verdadera impulsora. Le pareció que mis relatos tenían calidad y tal cual cogí un manuscrito y lo mandé a varias editoriales, fue no hace más de un año. Enseguida me contestó Talentura y me animé, ha sido bastante vertiginoso”.

Cosas que pasan cuando vas a por el pan

Tras este periplo nace El trigo que cae, un volumen para el que inicialmente Xenia García tenía pensado otro título: Cosas que pasan cuando vas a por el pan. “Es el nombre que lleva el último relato, y tenía una intención clara: yo quería jugar con la idea de la cotidianeidad, con cómo el mundo te puede cambiar de repente en ese acto sencillo de ir a comprar pan... Decía Raymond Carver que las influencias son fuerzas. Y yo sin duda he bebido de todos los autores a los que he leído, pero me interesa también beber de la realidad. Me gusta tener los pies en el suelo cuando escribo relatos”, cuenta la autora, que explica que todos los personajes de su libro “se preguntan constantemente cosas, y yo creo que está vinculado con la pérdida de identidad del hombre moderno, ese no saber qué somos y, sobre todo, no saber qué queremos. Todos mis personajes viven así, intentando satisfacer la imagen que los demás tienen de ellos hasta que se produce algo inesperado que cambiará sus vidas para siempre, en un caso es un pequeño lunar que aparece o en otros, una mujer que se queda embarazada. Y ya nada vuelve a ser igual”.

No obstante y a pesar de ese apego a la realidad actual, escuchar a Xenia García es pasearse por maestros del cuento como Julio Cortázar o, más cercano, Eloy Tizón. “Yo he intentado reflexionar sobre esa idea de la esfericidad del cuento que tenía Cortázar, que hablaba de esa redondez perfecta de un relato, donde no puede faltar ni sobrar nada, que se pone casi detrás de una vitrina para que se le admire.... hasta que llega Eloy Tizón y nos expone su teoría del post-cuento. Él defiende que no hay un buen cuento si no le falta algo. Para mí eso ha sido fundamental, me cuesta mucho pensar en un relato perfecto”. Dejar sus historias abiertas, “para que transpiren”, es otro denominador común en la escritura de Xenia García, que busca dejar al lector “rumiando”...

Pensando en ellos se encuentra ya, enfrascada en el que será su segundo libro de relatos, “con la novela no me atrevo”. “Me estoy atreviendo con la poesía, pero no con ánimo de publicar. Voy sin prisas”, asegura esta mujer que hace realidad una frase pronunciada con frecuencia por Cristina Fernández Cubas, quien pudiera ser la mejor voz femenina actual del cuento en español: “Un buen relato debe suspender el tiempo a tu alrededor”.

“Por la prensa de esta mañana me llega la noticia: Federico García Lorca ha sido asesinado en Granada, su ciudad natal. Un grupo de hombres -¿de hombres?- lo acribillaron a balazos, no sabemos en qué rincón de la vieja ciudad del Genil y el Darro, los ríos que él había cantado. ¡Pobre de ti, Granada! Más pobre todavía si fuiste algo culpable de su muerte. Porque la sangre de Federico, tu Federico, no la seca el tiempo.

Sí, Granada. Federico García Lorca era tu poeta. Lo era tan tuyo que habría dejado de serlo de todas las Españas pulsando su [tu] propio corazón.“

Este testimonio transido de rabia, tan arrebatado que aún encoge el corazón, fue escrito por Antonio Machado el 8 de septiembre de 1936. Las noticias llegaban tarde y mal en los primeros meses de la contienda civil, porque, en realidad, el poeta de Soledades se refiere a la madrugada aciaga, funesta, del 18 de agosto, justo un mes después del golpe fascista, cuando Federico cae muerto en una cuneta entre los municipios de Víznar y Alfacar. Horas antes, apresado en casa de su amigo, el también poeta Luis Rosales, el gobernador civil de Granada le pregunta a Queipo de Llano qué hacer con Lorca. Hiela su respuesta: “Dale café, mucho café”. Todos sabían ya a esas alturas a qué se refería el siniestro golpista.

Se cumplen este sábado 82 años de ese asesinato que cercenó a toda la poesía española, ese fusilamiento a la cultura y el compromiso político y cívico que significó la muerte de Federico y algunos de nuestros autores actuales, más destacados y personas del mundo de la Cultura, vuelven su mirada hacia el poeta en esta jornada de plomiza memoria.

Las palabras de Machado las trae hoy al presente el premio nacional Antonio Rodríguez Almodóvar, “un texto poco conocido, tal vez de preparación del poema recordado por todos El crimen fue en Granada”, explica. El escrito apareció en uno de los cuadernos personales del poeta sevillano que adquirió la Fundación Unicaja en 2003 (y que fue publicado por la misma entidad en 2004) y tiene para Almodóvar una doble lectura: “Por un lado, la poderosa intuición de Machado con ”la sangre de Federico no la seca el tiempo“; cuánta razón tenía, que hasta hoy parece fluir en su vivo recuerdo; y por otro, el concepto ”Las Españas“, que los buenos republicanos utilizaban para definir ese asunto tan complejo de la pluralidad de nuestra nación. Tal vez hoy deberíamos recuperarlo, al igual que otros textos de Machado, precisamente de sus últimos días en Catalunya, cuando ya Barcelona era bombardeada por la horda fascista, momentos tan sabiamente descritos por Ian Gibson en la biografía del poeta andaluz-castellano. Queda mucho por saber, pero sobre todo por recordar”, reflexiona Rodríguez Almodóvar al hilo de este día.

Otro intelectual de enorme influencia machadiana y profundo conocedor de su obra, el ex vicepresidente del Gobierno Alfonso Guerra, bucea en la memoria del poeta de Granada hasta reparar en “un pequeño texto estremecedor que puede ser una guía para comprender el excepcional creador que fue Federico: es la carta que dirigió a Regino Sáinz de la Maza”.

En ella, en realidad un poema visionario, Lorca le deja a su amigo esta reflexión final, entre el delirio y la profecía:

Fue en ese momento un momento terrible de miedo, mi mamá Doña Muerte me había dado la llave del tiempo, y por un instante lo comprendí todo. Yo vivo de prestado, lo que tengo dentro no es mío, veremos a ver si nazco.

La escritora sevillana Eva Díaz Pérez, célebre por su Trilogía de la memoria y sus estudios sobre intelectuales españoles en el exilio, acepta el reto de recomendar textos de García Lorca con los que perseguir su rastro y preservar su memoria con una premisa: “Es dificilísimo, porque de Lorca... hasta los andares”. Aún así, “mi preferencia es su libro Poeta en Nueva York, pero propongo otra opción, su primer libro del que además se cumplen cien años: Impresiones y paisajes.Impresiones y paisajes En este libro se intuye al gran poeta que será; es una obra maravillosa y reveladora del joven del Sur que descubre el mundo castellano y gallego, esa España medieval, recia y sobria que le evoca al imaginario de voces antiguas que había leído en el Romancero viejo. Ese libro desvela una epifanía para Lorca que a partir de entonces confirma lo que quiere ser: escritor. También me gusta el origen del libro: ese viaje de estudios que realiza en 1916 con el profesor Berrueta y sus compañeros. El viaje como deslumbramiento juvenil, la excursión pedagógica tan de la Institución Libre de Enseñanza. Y que creo que para Lorca fue como una especie de Grand Tour condensado, con ese sentido de revelación del mundo de la cultura, la historia y del paisaje castellano”, explica la autora.

Granadina como el poeta de Fuentevaqueros, activista en el mundo de la cultura, las ideas, el feminismo y los derechos sociales es la periodista Pilar del Río, presidenta de la Fundación José Saramago. Para este 18 de agosto, Del Río ha querido recordar al “gran escritor que es Federico García Lorca como un activo ciudadano, al que nadie o nada le resultaba ajeno. Tomó partido por causas y con su valentía personal enriqueció una forma de estar en la vida. Se granjeó enemigos, que lo asesinaron y lo siguieron matando después de muerto, pero también admiradores que seguimos amándolo cada día”. A esta bellísima reflexión, añade Pilar del Río “una foto de Federico que me parece señal de su universalidad. En marzo de 1936 pidió la libertad para el brasileño Luis Carlos Prestes, secretario general del PC de Brasil, encarcelado cuando el Gobierno de Getulio Vargas. Prestes salió de la cárcel , pero Olga Benario, su mujer, alemana y judía, fue deportada y murió en una cámara de gas años después. Lorca no fue indiferente, por eso hoy nadie puede ser indiferente con Lorca. Obra aparte, inmensa obra, para la que he solicitado el Premio Nobel de Literatura”. 

Muy cercano a la familia de Pilar del Río, y confeso admirador de la obra de Saramago, es el actor Antonio de la Torre. El malagueño, que acaba de finalizar el rodaje de La trinchera infinita -donde se pone en la piel de un republicano que estuvo escondido en un zulo construido en su propia casa durante más de treinta años- reconoce haber sido durante años un lector “bastante típico” de la obra más conocida de Lorca. Sin embargo, “tuve la suerte de poner voz a sus cartas en un par de documentales dirigidos por Juan José Ponce y me impresionaron las que escribió desde Nueva York, llenas de luz y esperanza. Escritas por alguien que se sentía con mucha vida por delante”.

Algunas de esas cartas, precisamente, se encuentran entre los más de 5.000 documentos recién llegados a Granada desde la Residencia de Estudiantes, como corpus fundamental del Legado Lorca que se custodiará a partir de ahora en la ciudad del poeta. Responsable de este depósito de carácter histórico ha sido el consejero de Cultura de la Junta de Andalucía, Miguel Ángel Vázquez, que elige “el poema Fábula y rueda de los tres amigos, un texto premonitorio que ahora ha musicado Miguel Poveda en su nuevo trabajo, Enlorquecido”, y cuya lectura, ciertamente sobrecogedora, incluye versos como éste:

Cuando se hundieron las formas puras  bajo el cri cri de las margaritas,  comprendí que me habían asesinado.  Recorrieron los cafés y los cementerios y las iglesias,  abrieron los toneles y los armarios,  destrozaron tres esqueletos para arrancar sus dientes de oro. 

No obstante, para seguir el rastro y guardar la memoria de Lorca, no sólo se puede leer al poeta de Fuentevaqueros. El poeta y ensayista Antonio Molina Flores propone “abrir varias vías, al menos tres: la primera es leer obras sobre Lorca. Ahí las referencias pueden ser Ian Gibson y Andrés Soria Olmedo. Otra vía, más vivencial, es acercarse al Legado que acaba de venir de la Residencia de Estudiantes a Granada; visitar la Huerta de San Vicente y la Casa Natal en Fuentevaqueros. Para este viaje es imprescindible ir de la mano del poeta Juan de Loxa, quien más primorosamente y con menos medios cuidó de su legado y su memoria viva. Y un tercer acercamiento y más esencial es leer su obra: Poeta en Nueva York, Diván del tamarit, Sonetos del amor oscuro, o cualquiera de las tragedias”, explica este profesor de Estética de la Universidad de Sevilla, quien apunta: “Los franceses dicen ”de corazón“ -par coeur-, a saberse algo de memoria. Saber un poema de Lorca de memoria es llevarlo, de algún modo, en el corazón”.

Sin duda, Poeta en Nueva York ha sido el título más veces escuchado y traído al presente por los autores actuales cuando, a bote pronto, vuelven de nuevo su mirada a nuestro poeta más universal. Para Felipe Benitez Reyes, se trata del libro que contiene “la esencia más libre de la indesmayable magia verbal de Federico”. Asimismo, Guillermo Busutil, director de la revista Mercurio. Panorama de Libros, sigue quedándose con Poeta en Nueva York, “donde su poesía es cubista en su mirada fragmentada de la ciudad, sus imágenes y sonidos, y la belleza de la metafórica y contundente crítica social”. El poeta y periodista Juan José Téllez afina aún más la puntería lorquiana y recomienda “la conferencia que impartió en Madrid para presentar Poeta en Nueva York. También Yerma, el Diván del Tamarit y Los sonetos del Amor Oscuro”.

Fue el hispanista dublinés Ian Gibson, incansable estudioso e investigador de aquellos días, quien se ha atrevido a poner fecha exacta al fusilamiento de Lorca. Hace apenas unos meses, en marzo de 2018, ha visto la luz una revisión de su imponente obra El asesinato de García Lorca (Ediciones B), donde añade ciertos fundamentos que le permiten constatar que el asesinato de Lorca sucedió un 18 de agosto, tras pasar todo el día anterior en el Gobierno Civil de Granada y tras “una consulta con el General Queipo de Llano, que fue el jefe de la sublevación en Andalucía. Lo que decidía, se hacía. Yo creo que le consultaron desde Granada y que el dio su beneplácito”, aseguraba el hispanista recientemente en una entrevista a la Cadena Ser.

A día de hoy, y en días como hoy, conviene recordar que el poeta asesinado continúa desaparecido en una cuneta, mientras que su verdugo yace, con honores de Estado, en el interior de la Basílica de la Macarena de la ciudad de Sevilla.

Aquel que se deleita, el diletante, amante ocasional de algún campo del saber, encuentra en el verano su momento más esperado. Este perfil tan habitual de lector, de repente, abraza su pasión con vehemencia, y tiene en las largas siestas del estío un aliado perfecto y tarea, siendo literaria, no le falta.

Sí. De todas las artes parémonos en los libros, en la cosecha de libros más reciente y de autores andaluces para ser más exactos, que todo diletante tendrá amontonados o apuntados a vuela pluma por algunos de los rincones más inesperados de sus agendas. Como la cuestión es peliaguda -siempre se van a quedar autores fuera, se imponen los gustos personales, etc...-, hemos establecido un criterio numérico: 31 recomendaciones, una por cada día de agosto, el mes vacacional por excelencia del español medio. Así que aquí va una retahíla de recomendaciones como si el verano durara toda una vida. Aunque si el verano se acaba, las lecturas no. Conserven este artículo para el otoño y saquen tiempo para el deleite.

Empezando por el capítulo de lo memorialístico y biográfico, hay que reseñar varios títulos muy destacados. Aún con olor a imprenta encontramos.

1. La casita de las pirañas La casita de las pirañas (Anagrama), el segundo tomo de memorias del dibujante y activista sevillano Nazario Luque. Si en el anterior, La vida cotidiana del dibujante underground, se centró en sus andanzas en la efervescente Barcelona de la Transición, aquí viaja a la etapa inmediatamente anterior, su época de formación sexual y cultural, a partir de los años 60, en un periplo vital repartido entre Sevilla, To­rremolinos, Morón de la Frontera, Ibiza, Madrid, París, Londres... El autor evoca una ava­lancha de experiencias en las que se entremezclan el flamenco y el LSD, la co­pla y el underground, progres, hippies, comunas gais (la Casita de las Pirañas del título), novios, amantes ocasionales y personajes estrafalarios.. 

2. Otro personaje de excepcional personalidad fue el gaditano Carlos Edmundo de Ory, emblema del Postismo, último bastión del Surrealismo, a quien su paisano José Manuel García Gil le dedica la biografía Prender con keroseno el pasado (Fundación José Manuel Lara). Escrita con un delicioso tono novelesco y aludiendo en su título a uno de sus bautizados como aerolitos (aforismos pasados por el particularísimo tamiz de su creatividad), esta obra puede acompañar como un estimulante cicerone a todo aquel que elija la capital gaditana para pasar unos días de descanso: los ecos de la Alameda que vio nacer al poeta, el influjo marino que marcó su vida y su obra y los vientos de Levante están presentes en este relato tan poético como la propia vida de su protagonista.

 3. Del premio nacional de literatura infantil, el también sevillano Antonio Rodríguez Almodóvar, nos ha llegado sin embargo este año un libro de tez madura, que se acerca a la infancia con el peso de lo vivido. Hablamos de Memorias del miedo y el pan (Alianza Editorial), una sugestiva relación de anécdotas, situaciones, personajes y lugares que fueron configurando la personalidad del autor y alimentando su vocación literaria. Una rememoración que es al mismo tiempo un repaso a la historia reciente de nuestro país, especialmente a las “épocas de sucesos terribles y de grandes sacudidas morales en las que se desarrolló mi infancia”, explica el autor. 

4. Para finalizar el capítulo de las memorias, nos detenemos en la aparición de un más que estimulante Paseo por la vida de Simone de Beauvoir (Lumen), de la joven andaluza Carmen G. de la Cueva. A modo de interpretación personal de sus lecturas y su interés por este icono del feminismo, la autora aprovecha para hablar a sus lectores de muchos asuntos. Nos descubre, por ejemplo, que la voz del feminismo mundial más importante del siglo XX es, a la vez, de la que menos se ha leído y la que más producción literaria tiene aunque, eso sí, descatalogada y difícil, imposible en algunos casos, de encontrar.

Novela histórica

Y como ya hemos empezado a viajar en el tiempo con las dos últimas recomendaciones, pasemos a la siempre apetecible, y bien recibida por el lector, novela histórica. Enfrascados como estamos en plenos fastos de celebración del IV Centenario del nacimiento del pintor Bartolomé Esteban Murillo, es imprescindible recomendar dos novelas, escritas por dos periodistas sevillanos, publicadas al calor de la efemérides.

5 y 6. Hablamos de El color de los ángeles (Planeta), de Eva Díaz Pérez; y El enigma Murillo (Almuzara), de Andrés González-Barba. En el primer caso, Díaz Pérez fabula con las evocaciones de un maestro mayor y en reposo sobre su propia biografía. El libro es, además, un reflejo de la gran crisis en la que se vio sumida Sevilla en la época de Murillo, una ciudad que era a la vez devota y lujuriosa y que vivía asolada por las riadas del Guadalquivir y las epidemias de peste. El enigma Murillo, por su parte, viaja hasta la Sevilla del siglo XIX cuando la invasión napoleónica, capitaneada en Sevilla por el Mariscal Soult, dio como resultado el mayor expolio de obras de arte de la historia de la ciudad, siendo los cuadros del maestro barroco los más perjudicados.

7. Y de Sevilla a Cádiz de la mano de otro veterano en novela histórica: Jesús Maeso de la Torre, que ha publicado hace poco menos de un año Las lágrimas de Julio César (Ediciones B), un relato atravesado por el particular estilo fresco de su autor, que recrea la relación del emperador más célebre de Roma con Hispania.

 Género negro

8. Pero si hay un género, sin duda, que está hecho para el verano es la novela negra. Aquí nos permitimos una licencia: la recomendación de la última novela de un autor no andaluz pero que podemos encajar dentro de nuestros parámetros por cuanto se ocupa de una de las coyunturas más preocupantes de la realidad de nuestra comunidad: el narcotráfico en el Campo de Gibraltar. A estas alturas ya sabrán los lectores que hablamos de Lejos del corazón (Destino), la última entrega de Lorenzo Silva, donde le brinda una última aventura a la pareja de la Guardia Civil más célebre de la ficción nacional: Bevilacqua y Chamorro. En esta ocasión, como decimos, viajan a la Punta de Europa para resolver un crimen relacionado con la ciberseguridad. 

9. Y al thriller se ha pasado el hasta ahora creador de atmósferas románticas y adolescentes Blue Jeans. El sevillano sale de su zona de confort para publicar el thriller La chica invisible (Planeta), donde plantea una trama centrada en el asesinato de Aurora, una chica rodeada de misterio cuya muerte en el instituto de un pueblo sin nombre involucra a otra joven de 16 años, quien descubrirá la trama que hay detrás de este terrible suceso junto a sus padres, Aitana (forense del caso) y Miguel Ángel (sargento de la Policía Judicial de la Guardia Civil).

Pero más allá de la literatura de género, la narrativa es, sin duda, donde encontramos el mayor número de posibles lecturas para echar en la bolsa de la playa este verano. Y sin salir de Andalucía.

10. Pongamos por caso al malagueño Antonio Fontana, con un relato de autoficción que dará aire fresco a esta temporada de sofocos. Sol Poniente (Fundación José Manuel Lara), título con el que se hizo con el último Premio Málaga de Novela, es una novela intimista, un compendio de recuerdos atravesados por la ternura, la mirada infantil, el desgarro y la inocencia (la inocencia y su pérdida) que viaja a la Málaga de los años 70, al epicentro del barrio del Perchel, en una suerte de luminoso viaje de regreso a la infancia.

11. Y de Málaga, a Rota, otro destino en la diana vacacional andaluza. No se puede hablar de este municipio gaditano sin hacerlo de Felipe Benítez Reyes. El roteño ha celebrado con una reedición especial  los veinte años de vida de su personaje más conocido: Walter Arias, protagonista de El novio del mundo (Fundación Lara). Verdadera novela de culto, si no la leyó en su momento, la efemérides le brinda una segunda oportunidad de sumergirse en un universo tan inclasificable como este personaje, cuajado de excesos, delirios, episodios improbables pero no descabellados en la pluma de Benítez.

12. Un andar solitario entre la gente (Seix Barral) ha sido la sorpresa literaria de este año y supone el regreso a la novela del ubetense Antonio Muñoz Molina. Escribimos novela en cursiva puesto que este libro de título tan sugerente es un artefacto literario de difícil definición en el que nuestro autor, uno de los grandes pesos pesados de la literatura española actual, realiza un collage de imágenes, lecturas, citas y viajes que conforman su imaginario personal.

13. Antes de pasar al capítulo del ensayo, le dedicamos unas líneas más que merecidas a Maleza (Anagrama), de Daniel Ruiz, la novela de un chaval de barrio de la periferia, un suburbio apenas, con sus putas, descampados, jeringuillas y sus propios códigos morales. Una narración visceral marca de la casa, de un realismo crudo y sin concesiones.

Ensayos y otros ejemplos de No Ficción

14. Y entramos en la No Ficción para hacer parada en Juan Eslava Galán, que acaba de sacar a la luz su Enciclopedia Eslava (Espasa). Un título que no necesita muchas más explicaciones para los seguidores de uno de los autores más prolíficos del panorama editorial español.

15. Con fuerza ha irrumpido en las estanterías librescas Historia del rock andaluz (Almuzara y Centros de Estudios Andaluces), de Ignacio Díaz Pérez. En este relato periodístico hablan los protagonistas de este movimiento musical, un momento de especial explosión contracultural en nuestro país por donde desfilaron personalidades únicas como las de Gonzalo García Pelayo, Manuel Molina o Gualberto.

16. En la misma línea camina Fidel Moreno con ¿Qué me estás cantando? Memoria de un siglo de canciones (Editorial Debate), donde hace un repaso sentimental a los temas musicales que jalonan sus personalidad artística.

17. Finalizamos este apartado con Las palabras primas (Páginas de Espuma) de Fernando Iwasaki, una suerte de viaje de ida y vuelta a través del parentesco de las palabras de aquí y de allá, a menudo unidas a pesar del océano que se interpone entre ellas.

Poesía

Hay quien se atreve con la lectura febril de los versos también en verano. Aquí van un puñado de excelentes poemarios andaluces para las largas tardes de vacaciones:

18. La jiennense Carmen Camacho firma Fuegos de palabras (Vandalia), un recorrido por el aforismo poético español de los siglos XX y XXI.

19. Mientras que el veterano Juan Cobos Wilkins se pone trascedente en Donde los ángeles se suicidan (Isla de Siltolá). En estos “poemas con alas”, el poeta de Río Tinto da continuidad a su voz personalísima, alejada de las corrientes dominantes.

20. Y otra voz veterana de la lírica andaluza, la malagueña Chantal Maillard, nos ha regalado poemario en este 2018. Cual menguando (Tusquets) funde poesía, prosa y teatro, insertándose en la mejor tradición de Samuel Beckett y sus piezas antológicas, su teatro y sus películas.

21. No obstante, la gran sorpresa poética podría decirse que la ha dado el cantautor Joaquín Calderón, fichado por la editorial también andaluza Renacimiento, que le publica Soy como que puedo. Este debut poético es, según su autor, el resultado natural de un proceso continuado de lectura, que comenzó de una manera activa pasada la adolescencia. 

22. Y no podemos abandonar la lectura poética sin acordarnos del poeta andaluz de mayor actualidad estos días, después de haber sido nombrado Director del Instituto Cervantes. Hablamos del granadino Luis García Montero, cuyos poemas conforman el mayor legado de la llamada poesía de la experiencia. Montero, que acumula lectores y seguidores como si fuera una estrella de rock, publicó su último poemario hace menos de un año: A puerta cerrada (Visor). No se lo pierdan.

El humor, siempre a mano

Y terminamos con un infalible para lectores veraniegos: los humoristas, como las bicicletas, son para el verano. Aquí hay un puñado de grandes novedades que llenarán playas y montañas de carcajadas. No serán nunca, en cualquier caso, muecas vacías, sino un humor cuajado de pensamiento crítico.

23 y 24. El rey del género es sin duda el cómico Manu Sánchez, que ha hecho doblete en su año de debut editorial: Surnormal profundo (Aguilar), una sucesión de genialidades marca de la casa que se apuntan desde la propia elección del título y que recoge sus celebradas columnas en el programa La Ventana Andalucía de la Cadena Ser; y Confesiones de un ateo cofrade (El Paseo Editorial), transcripción del primer pregón heterodoxo de la Semana Santa que se pronunció en la mariana villa sevillana allá en 2017.

25 y 26. El doctor Fernando Fabiani, a la sazón médico de familia en el centro de salud de un barrio popular de Sevilla, también viene con doblete: Vengo sin cita y Vengo de Urgencias (Aguilar) donde realiza un acopio hilarante de las más disparatadas anécdotas (a cada cual más real) que acumula después de más de quince años de profesión en la sanidad.

27, 28 y 29. La trilogía de Rancio (Julio Muñoz) es otro imprescindible en la combinación literatura-sol-piscina: El asesino de la regañá, El crimen del palodú y El prisionero de Sevilla Este (Almuzara) cuentan ya con legiones de seguidores. Los protagonistas, la disparatada pareja de policías Jiménez y Villanueva, son ya un clásico del género detectivesco-humorístico que tiene en Rancio su máximo exponente después de haberse coronado como el fenómeno local más destacado de las redes sociales nacionales con más de 200.000 seguidores.

... Y para los más pequeños...

Y ya como posdata final, esta relación de recomendaciones literarias no se puede olvidar de los más pequeños. Tres breves apuntes:

30. Los Cuentobjetos del encomiable Fran Nuño (minicuentos fantásticos sobre objetos cotidianos)

31. Y los eternos Cuentos de la media lunita de nuestro querido Premio Nacional Antonio Rodríguez Almodóvar que nunca pasan de moda y que han formado ya varias generaciones de lectores.

“Día histórico”. Así de exultante se encontraba la corporación municipal del Ayuntamiento de Sevilla ante la firma este lunes entre el alcalde de la ciudad, Juan Espadas, y uno de los artistas menos protocolarios que ha dado Sevilla, Luis Gordillo. Igualmente eufórico por la idea de “volver a mi ciudad en un momento en el que la veo espléndida, con un montón de artistas jóvenes buenísimos” que le darán el relevo. Gordillo sin embargo tiró de su sarcasmo habitual para deshacerse del corsé burocrático de esa rúbrica institucional: “No sé si es verdad o una autoleyenda que me he inventado yo, pero la primera exposición que hice aquí fue tan vanguardista - pegaba papeles de periódico, los arañaba y hacía muchas guarrerías encima- que alguien fue a la comisaría y me denunció. Era una ciudad invivible para alguien que quisiera hacer algo nuevo. Pero ahora vengo y se me hace la boca agua. Por eso no quería dejar pasar esta oportunidad, y lo voy a hacer con el máximo cariño posible”.

Esto se traduce en un convenio de colaboración entre el Ayuntamiento de Sevilla y la Fundación Luis Gordillo -con sede en Madrid- para que una selección antológica de la obra gráfica del pintor, así como la serie completa (37 dibujos en total) dedicados al mito de Carmen en Sevilla, se expongan de forma permanente en la ciudad a partir de la primavera de 2019. El espacio habilitado para ello será, de momento, el Refectorio Alto del Convento de Santa Clara, que pasará a llamarse Sala Gordillo.

“La fundación tiene unos objetivos muy importantes: reafirmar la obra, ordenarla, y hacer que se mantenga, que perdure. Hay que ver la de artistas que mueren…. Y mueren. Es como un fusilamiento generalizado. Así que esta manera de conservar mi obra para futuras generaciones me ha parecido de lo más interesante”, ha explicado a los medios el artista sevillano. Precisamente a los jóvenes artistas de esta ciudad -con nombres citados expresamente por Gordillo como Miki Leal, José Miguel Pereñíguez, Rubén Guerrero, o los presentes en la firma institucional, María Cañas y Fer Clemente- estará dedicado este proyecto que pretende llevar a cabo una “política de expansión del arte”, sobre todo, incidiendo en los jóvenes artistas: “No sólo se va a exponer obra mía, sería una pesadez”, bromeaba el pintor. Y, para ello, se va a realizar un programa junto con la Universidad de Sevilla, con el objeto de promover actividades de divulgación, investigación y de apoyo constante a los estudiantes que quieren dedicarse al mundo del arte. 

“Lo conocimos a final de los 90 y a muchos nos cambió la vida. Lo llamábamos Papá Gordillo”. Son palabras de la artista María Cañas que fueron leídas durante la firma del convenio por el delegado municipal de Cultura, Antonio Muñoz, y que refrendan esta figura de apadrinamiento que, efectivamente, siempre ha mantenido Luis Gordillo con las nuevas generaciones de artistas nacidos y formados en esta ciudad pero que pelean en la primera división del amplio espectro de las artes plásticas nacionales. “Es la generación más brillante desde la Nueva Figuración Madrileña. Son buenísimos”, apostillaba el maestro.

La obra gráfica del pintor se ofrecerá a la ciudad bajo la figura administrativa de cesión en comodato, mientras que la serie sobre Carmen será una donación. Todo ello está siendo ahora mismo catalogado y seleccionado de cara a la exposición inaugural prevista para el próximo mes de marzo y de la que se está encargando el profesor de la Universidad de Sevilla Luis Martínez Montiel.

A este respecto, el alcalde de la ciudad, Juan Espadas, ha informado de que este convenio va a arrancar en Santa Clara, pero pretende ir “más allá”, hasta convertir a Sevilla en un “referente de la pintura de vanguardia”. “La Sevilla de hoy es diferente a la que recuerda Gordillo, pero hay que seguir abriendo puertas a la diversidad, más allá de la estampa más reconocible y típica de Sevilla; y darnos una oportunidad para introducir una modernidad que nos haga cada vez más atractivos, convencidos como estamos de que hay que apostar por recuperar nuestro patrimonio más vanguardista”, ha asegurado el regidor. 

En pleno boom del género negro, que del reconocimiento del público ha dado el salto al del establishment académico con gestos como la concesión del último Premio Princesa de Asturias a Fred Vargas, la reina del Noir francés, Lorenzo Silva (Madrid, 1966) regresa a la actualidad editorial con Lejos del corazón (Destino). El capo de la novela detectivesca en España ha afinado el dardo hasta dar en el centro de la diana criminal del país: el Campo de Gibraltar, auténtico polvorín de narcotraficantes que desafían a diario el orden establecido.

La actualidad informativa en esta zona ha querido coincidir con la ficción del autor, en un juego de espejos donde realidad y novela se confunden hasta el extremo. Con esta visita a la punta de Europa, Lorenzo Silva celebra el vigésimo aniversario de las andanzas de Rubén Bevilacqua y Virginia Chamorro, dos agentes de la Guardia Civil que son ya dos clásicos contemporáneos del género.

Que usted sitúe la nueva novela de la saga detectivesca de Bebilacqua y Chamorro en el Campo de Gibraltar, de plena actualidad informativa por las últimas escaladas de violencia, ¿ha sido intuición, clarividencia...?

Jajaja, no, yo no tengo nada de eso, nadie tiene. Sí es cierto que, como bien decía Raymond Chandler, para que una historia criminal sea creíble hay que hacer dos cosas: “observar e imitar”. Y es lo que yo llevo haciendo durante veinte años: observar la realidad española y donde creo que hay algo pongo el foco, le aplico la lupa y lo miro más en detalle. De mi primer contacto con la realidad del Campo de Gibraltar hace ya casi 40 años, pero hace unos 15 fui a hacer un reportaje como periodista sobre pateras y me dije: “Aquí hay tomate”... Aquí hay, no una, sino muchas novelas. Y desde entonces empecé a observarlo con más interés. Y en todos estos años, sobre todo cuando ya decidí que iba a hacer una novela allí, seguí fijándome hasta que en el otoño pasado, me fui para allá y estuve con la gente y me di cuenta de que todo estaba a un tris de desmandarse... Sí, sí... Es que me dicen algunos lectores que incluso he predicho cosas que han pasado, como Guardias Civiles apedreados y rodeados por las mafias... Pero es que la realidad que yo vi el pasado mes de noviembre era ya muy parecida.

No sé si los hechos reales que se han desencadenado en el Campo de Gibraltar en los últimos meses, con el rescate a un narco de un hospital a punta de pistola, un niño muerto arrollado por una narcolancha, guardia civiles recibidos a tiros en la comunión del hijo de un narcotraficante.... ¿puede hacer que su relato parezca, si me permite la broma, un cuento de Disney comparado con la realidad?

El Campo de Gibraltar es un mundo muy complejo y todo allí es bastante impredecible. Pero cabe prever que si tú dejas que mucha gente se haga millonaria a través de la comisión reiterada de delitos, eso genera mucho riesgo social. Y eso a pesar de que la población española no es muy violenta y la delincuencia y los narcos del Campo de Gibraltar provienen genealógicamente del contrabando de siempre, que es un delito tolerado, integrado, etc... que no recurría jamás a la violencia. Si esto pasa en otro punto del planeta, habría ya cientos de homicidios, ajustes de cuentas con balazos en la nuca a diario. Pero por la propia idiosincrasia de la población, la violencia en Andalucía se mitiga.

Aunque claro, la codicia es muy poderosa y si alguien que está acostumbrado a comprarse el último Porsche, a dar fiestas de cumpleaños de los hijos que cuestan 20.000 euros, de repente ve que le cortas el grifo, se encoleriza y no controla. Y como se han reforzado los planes y se han mandado más medios y efectivos a la zona y los están bloqueando en tierra, han reaccionado encolerizados, porque están acostumbrados a vivir muy bien.

Además de complejo, el Campo de Gibraltar es también un mundo de contrastes -del drama de la inmigración al lujo de Sotogrande- poco conocido fuera de su entorno y que, sin embargo en su libro, aparece retratado con todos los matices ¿necesita pisar el terreno antes de ponerse a escribir?

La literatura tiene una ventaja sobre el periodismo: cuando un reportero cae de paracaidista en la zona porque su jefe le ha pedido que en dos días le haga un reportaje con todo lo que pasa ahí, lo más normal es que no le salga, ni aunque seas Kapucinski. Pero en la literatura te tomas tu tiempo, y yo me he pasado 15 años observando. Ya cuando empecé a escribir, me di una ronda suplementaria para instalarme allí y salir con los guardias civiles que salen con las patrulleras por la noche, hablar con periodistas, abogados, jueces, con la policía judicial... Claro, si escuchas a la gente que sabe y que vive en el entorno de tu novela, no es que estés a salvo de meter la pata pero sí que tomas más precauciones... A mí me resulta muy importante poner pies en el terreno para tratar de -no voy a decir conocer la verdad- pero sí llevarte trozos, girones, de la verdad. Que lo que vayas a poner en la novela no sea un postizo, un prejuicio, una suposición, una conjetura. La verdad absoluta no la tiene nadie, pero trozos de la verdad sí que podemos tocar y yo pretendo trenzar esos trozos de verdad en mis novelas.

Con Lejos del corazón'se cumplen 20 años de esta saga, con los agentes Bevilacqua y Chamorro envejeciendo en tiempo real. ¿En qué estado de salud literaria se encuentran?Lejos del corazón'

Yo los veo bastante bien y no sé si es que se contagian en algo del autor, porque yo me encuentro razonablemente bien. El tiempo te hace perder muchas cosas, pero te da otras. Ella (Chamorro) tiene ahora 42 y, a pesar de que siempre tuvo sus rigideces, ha aprendido a ser más flexible. Y él (Bevilacqua), que ha pasado por momentos de mucha decepción e historias muy crudas con visitas a realidades muy duras, tenía la mirada muy amarga. Yo intentaba mantener el humor entonces y me resultaba muy difícil en contextos como la guerra de Afganistán, o el asesinato de su superior. De tal modo que en esta novela, aunque el entorno también es complicado, sabe que en el fondo no tiene tan mala suerte y ha recobrado el sentido del humor.

Sus protagonistas han ido evolucionando en paralelo a como lo ha hecho en todo este tiempo la Guardia Civil. Hace 20 años eligió a dos guardia civiles como protagonistas de sus novelas, cuando el cuerpo estaba fuertemente estigmatizado por su identificación con el antiguo Régimen. Ahora, con la resolución exitosa de casos muy mediáticos, su popularidad es bien distinta. ¿Ha cambiado también su mirada literaria hacia la Guardia Civil?

Yo ahora la conozco mucho mejor, y eso me da muchos más matices. Y es curioso, pero es la puñetera verdad: cuando empecé veía a la Guardia Civil con mucha más frialdad, pero ahora que conozco a muchos y conozco lo que hacen, lo que se juegan y la carne que ponen en el asador la mayoría de las veces que, de verdad, en promedio es mucha más de la que he visto poner en otros ámbitos profesionales, intento no caer en la propaganda porque ésa no es mi labor, pero mi mirada es más cálida. Y es porque he tenido mucho contacto con la pasta humana de los guardia civiles y sinceramente creo que es de la pasta más valiosa que tenemos en este país. Y no reconocer esto sería mezquino.

Por hacer un último paralelismo de evolución en estos 20 años: la percepción del género negro también ha cambiado mucho. De ser considerado un género menor a haberle concedido el último Premio Princesa de Asturias a Fred Vargas, la gran novelista del Noir francés.Noir

Yo estoy aquí por la literatura. Antes de escribir he sido un gran lector y mi vida, mi vocación, lo que me ocupa el espacio y el tiempo es la literatura. Vender libros es el accidente que puede provocarse o no de este hecho. Pero indudablemente, respecto al premio, yo he sido siempre un gran crítico -está en la hemeroteca, cuando se lo dieron a JK Rowling-, pero tengo que reconocerles la audacia que no tienen otros premios literarios de sacudirse las telarañas y los prejuicios que impiden a algunos apreciar el valor literario de una obra por el hecho de que en su temática haya un crimen y su resolución. Cuando un escritor es tan original, tan valiente y tan atrevido como Fred Vargas, eso tiene un valor que muchas veces no está considerado por un sector de la literatura que es extremadamente conservador y que lo único que hace es ofrecerle al mundo académico lo que el mundo académico espera, con una inercia y una falta de riesgo absolutos.

Volviendo a la novela, con tantos elementos que tenía ya en la realidad del Campo de Gibraltar, ¿por qué introducir la variante de la ciberdelincuencia, como si no fuera suficiente todo lo que ya ocurre allí?

Jajaja, por una razón muy sencilla. Digamos que al final en el crimen organizado lo que funciona es el blanqueo de dinero y ahora mismo, la ciberdelincuencia es la gran herramienta para el blanqueo de dinero procedente del delito. Además, este tipo de delincuencia florece mejor en lugares en los que se ha relajado mucho la exigencia moral de la gente. Y bueno, pues es un hecho que en esta zona de España se dan estos mimbres. Creo que ésta es la novela más andaluza de la serie y lo es para bien y para mal, y lo digo como andaluz, no con la mirada del de fuera. Por ejemplo, buena parte del humor y de la violencia moderada que hay en la historia procede del carácter andaluz. Muchas de las cosas que escribo en la novela me han pasado de verdad. He escuchado al abogado de un narco decir: “No son malos, son traviesos”. Lamentablemente, en la sociedad andaluza hay espacios donde se han relajado las reglas, y no es ficción que cada vez que aparece un delito de ciberdelincuencia se salda con detenidos en Andalucía. No lo he escrito como algo arbitrario.

Además, como el chico de su novela, Crístofer, los ciberdelincuentes son más difíciles de detectar, porque están integrados socialmente. E incluso ellos mismos se sienten menos delincuentes porque no apuntan a nadie con una pistola en la sien...

Eso es lo más peligroso, que no ves a tu víctima y parece que haces un daño remoto. Pero hay veces que le roban a alguien desde su APP gratuita todas sus contraseñas, luego las venden por Internet a un criminal y eso, a la postre, sirve para vaciarle la cuenta corriente a una pobre pensionista y dejarla al borde del suicidio. Pero el chaval que hace eso nada más que tiene conciencia de estar traficando con unos datos.

En Andalucía nos quejamos mucho de que sólo trascendemos a la actualidad nacional por sucesos escabrosos y no por la imagen positiva y de progreso que también existe. ¿Cómo lo ve usted desde fuera?

Mi familia paterna es íntegramente andaluza, de Málaga, y a mí me duele especialmente, porque lo que usted plantea es una realidad. En este relato de Andalucía se omite sistemáticamente algo que yo creo que los propios andaluces se deberían preguntar por qué no se potencia más, y es el talento: desde el flamenco a la aeronáutica. Pero no es visible... En Granada, por ejemplo, hay una excelente facultad de Informática y un centro de referencia en el estudio del ADN. Todo eso está ahí, ¿pero por qué Andalucía no apuesta por eso de una vez en lugar de mirar con indulgencia al pícaro? ¿Por qué no se rompe con decisión y se manda el mensaje: oye, no eres gracioso?

“Pues nada, me dedicaré a hacer galas”. Entre el humor y el rubor, así de abrumado, respondía recién concluida la gala de los XXI Premios Max en Sevilla su director, el dramaturgo y director de escena Alfonso Zurro. La profesión -actores, músicos, autores, bailarines, coreógrafos y compañeros directores- se arremolinaban en un improvisado punto de encuentro a la salida del Teatro Cartuja Center Cite para felicitar a Zurro por lo que, sin duda, había sido una ceremonia que había gustado a todos, excelente demostración de talento pero, sobre todo, de dominio del oficio escénico.

Y sucedió en Andalucía. No hubo alfombra roja ni grandes outfits de alta costura- pero hubo oficio: el teatral. Alfonso Zurro, nominado en varias de las categorías que conformarían el palmarés, se fue de vacío en premios -las famosas manzanitas doradas- pero se llevó el mayor de los reconocimientos tras las bambalinas: haber convertido una gala de entrega de premios -tediosas por definición y en la que no parecen dar con la tecla cuando hablamos, por ejemplo, de los Goya- en un espectáculo.

En pleno fregado del sector por sacar adelante la redacción de la que será la primera Ley de Artes Escénicas de Andalucía que sirva para regular y dignificar un sector que aún cuenta con altos índices de precariedad, los profesionales de la escena andaluza dieron este lunes una lección con el desarrollo de una gala-espectáculo producida e interpretada por completo por profesionales de la comunidad.

Tras la alargada sombra de Alfonso Zurro -su sello estaba estampado en el guión, la escenografía, la selección de los actores, el tono sutilmente humorístico y el ritmo-, se reunió lo mejor de la profesión independiente de Andalucía. Quizás la excepción había sido la elección de la presentadora de la gala, la también sevillana Cristina Medina -más conocida por sus trabajos en televisión-, pero que brilló en su papel de conductora del acto sin necesidad de asumir un protagonismo excesivo.

“Queremos trabajo”

Un gran espejo que proyectaba a la inversa lo que sucedía en el escenario fue el único y poderoso elemento escénico en una gala con buenos y muy buenos números musicales y teatrales por donde desfilaron los veteranos actores andaluces Síndrome Clown, Paz de Alarcón, los Hombres Marlboro de la coreógrafa sevillana Isabel Vázquez e incluso una emotiva pieza musical interpretada por la Escolanía de los Palacios. Todo, en una noche larga pero entretenida, que desde el principio buscó la complicidad del público y que, como dijo el presidente de la SGAE, José Miguel Fernández Sastrón, merecería ya ser retransmitida por La1 de TVE en vez de La2, como ocurre con Los Goya, la hermana rica y glamourosa de los Max. Y es que, entre las reivindicaciones menos altisonantes estuvo la de la dignificación del sector, con números musicales en los que jóvenes actores reparten pizzas porque no tienen trabajo, o ponen copas en bares porque no llegan a final de mes. Incluso algunos galardonados aprovecharon sus discursos de agradecimiento (en catalán, valenciano y euskera) para pedir contratos, como los miembros de la compañía Bullanga, ganadores del Max que concede el público por su montaje Joc de xiquetes. “Ya tenemos un Max, ahora queremos trabajo”.

El nuevo ministro, de nuevo en Sevilla

A todo esto tinglado asistía cómodo y empático el recién nombrado ministro de Cultura y Deportes, José Guirao, que jugaba en casa -es un viejo conocido del sector andaluz, tras su paso por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía en los primeros años de la década de los 90- pero que fue interpelado en multitud de ocasiones (aunque sottovoce se agradeció especialmente su presencia, tras varios años sin que su antecesor en el cargo, el popular Méndez de Vigo, quisiera presidir esta gala). Guirao pareció uno más, mezclado entre los teatreros, gastando complicidad y cercanía.

El único patinazo fue quizás una foto institucional a la entrada de la gala que fue criticada ampliamente en las redes sociales por estar copada exclusivamente por trajes oscuros y corbatas -alcalde, consejero, presidente de la Sgae, ministro... todos hombres y nula presencia femenina-. Tampoco hubo una presencia predominante de la mujer en el escenario, más allá de la eficiente Cristina Medina. Tuvo que ser el Premio Max de Honor, José Sanchis Sinisterra -recibido en el escenario por Verónica Forqué-, el que defendiera el papel de la mujer en las artes escénicas, gracias a la “fertilidad de muchas dramaturgas” que están escribiendo y reclamó a las nuevas generaciones salir de las temáticas “pequeño burguesas” para “hacer visibles a los colectivos sociales”.

Galardonados

Los galardonados andaluces también protagonizaron los momentos más emotivos de la gala dentro y fuera del escenario. Tal fue el caso de la onubense Pilar Gómez (Max a la mejor actriz), que recordó sus inicios en Sevilla, en el Instituto Andaluz del Teatro, donde coincidió con actores como Paco León y MariPaz Sayago, encargados de entregarle el premio, y a los que permaneció abrazada largo rato detrás del escenario.

También el músico de Úbeda Luis Miguel Cobos (Max a la mejor composición musical) se ha formado en Sevilla, y brilló en su discurso emotivo y sincero. Más firme fue la bailaora Eva Yerbabuena -en la voz de su hija, puesto que no pudo acudir a la gala-, premiada como Mejor intérprete femenina de danza-, que aprovechó para reivindicar un espacio para el flamenco en las artes escénicas.

Al final, sensibilidad a flor de piel y ambiente festivo en una gala con un hermoso final dedicado al espectador: “Hay teatros vacíos, mal gestionados y moribundos que sueñan con su público, no podemos dejarlos así. Señores, hay que cuidarlos, y mimarlos, para que los espectadores nunca nos abandonen, vivan las artes escénicas y viva el público”, dijo Cristina Medina.

Pero la noche de los Max es de quienes se suben al escenario, no de los que nos sentamos en el patio de butacas. Y así se hacía notar, sin necesidad de catering, sólo entre cervezas y risas. Pasadas las dos de la madrugada, actores, directores, distribuidores, periodistas y personalidades seguían dándose palmadas repartidos entre el hall y la puerta principal, y casi nadie había abandonado aún el Teatro de la Cartuja (ministro y consejero de Cultura incluidos), que fue ayer el verdadero testigo de la fiesta del teatro.

“Aquí se enseña el ateísmo”. Así rezaba una placa en la puerta de la residencia parisina de José Marchena y Ruiz de Cueto, conocido popularmente con el sobrenombre del Abate Marchena. Hay tanta retranca en este pseudónimo, tanta guasa para apodar con un cargo eclesíastico a uno de los perfiles más anticlericales y revolucionarios de la Ilustración europea que sólo nos podía remitir a la Baja Andalucía. Concretamente, Abate Marchena - protagonista activo de la Revolución Francesa y responsable de que llegaran a España las grandes ideas de la Ilustración- nació en la localidad sevillana de Utrera hace exactamente 250 años (1768 - 1821).

Cuando se cumple la efemérides de este personaje tan destacado de la heterodoxia histórica, Utrera propone un recorrido cultural, turístico, gastronómico, escénico y musical desde la mirada de su intelectual más destacado, a través de un ambicioso programa de actividades, bautizado como Año Cultural Abate Marchena, que comisaría el gestor cultural Cristóbal Ortega y que propone a Utrera como una ciudad de referencia cultural y “un destino perfecto para una escapada diferente en la que se conjugan historia, cultura, patrimonio y gastronomía”, explica el comisario.

Pero antes de adentrarnos por el sugerente callejero utrerano, coronado desde dos riscos donde se miran desafiantes los imponentes templos de Santiago y Santa María de la Mesa, detengámonos en la figura del Abate. ¿Quién fue José Marchena y Cueto? Lo más apasionante de este Año Cultural será, precisamente, la posibilidad de descubrir y rescatar la figura de este gran heterodoxo español, perseguido por la Inquisición -lo que le lleva a huir a Francia-, traductor de Voltaire y Rousseau, e introductor de las ideas liberales más avanzadas en la España de Fernando VII. Y sin embargo, “un fantasma de nuestra historia”, según explica la periodista y divulgadora sevillana Eva Díaz Pérez, que ha diseñado algunas de las actividades más relevantes que se irán desarrollando a lo largo de este Año Cultural.

Calificado de heterodoxo por Menéndez Pelayo, quien lo define como “único heredero en medio de la monotonía ceremoniosa del siglo XVIII, de espíritu temerario y de aventuras”, el Abate Marchena es, en palabras de Cristóbal Ortega, “una de las mentes más prolíficas que ha dado el panorama español de todos los tiempos”. Traductor e intérprete, periodista, filósofo, historiador, dramaturgo, poeta y funcionario josefino, este personaje tiene “difícil catalogación”. En lo personal, “todas las referencias de él muestran a un hombre fuera de lo común. Sagaz, satírico, elocuente, ingenioso, burlón, mordaz y hasta en ocasiones temerario y excéntrico”. Y sí, a pesar de sus hechuras poco canónicas -según las crónicas oficiosas, era bajito y contrahecho- fue un seductor que gozó del amor de muchas mujeres.

Nuevas rutas por Utrera

Pues de la mano de esta figura fuera de lo común, el Año Cultural Abate Marchena propone una nueva ruta por el municipio de Utrera, “una de las ciudades más hermosas y señoriales que he tenido la oportunidad de visitar”, en palabras del comisario. Y así, junto a sus singulares calles empedradas del casco histórico, declarado Bien de Interés Cultural, la mayoría de actividades propuestas en el programa que se desarrollará hasta final de 2018 tomarán como escenarios iglesias y conventos, su ayuntamiento y su castillo… De tal modo que Utrera nos abra, literalmente, las puertas de su historia. “Arte sefardí, gótico, renacimiento, manierismo, barroco, historicismo, modernismo o regionalismo. El patrimonio histórico artístico de Utrera favorece cualquier iniciativa cultural que desee ponerse en marcha”, incide Cristóbal Ortega. No resulta, extraño pues, que a las puertas de la muerte, “el último deseo del Abate fuera regresar a la tierra que le vio nacer”.

Coincidiendo con la llegada de la estación estival, el Año Cultural Abate Marchena abrirá al público el Castillo que corona el municipio. El monumento más antiguo de la localidad, esta edificación defensiva cede su patio de banderas para la programación musical que se inaugura el viernes 15 de junio con el concierto del cantaor Tomás de Perrate y Proyecto Lorca, que estrenan el espectáculo ‘Revolución. Música popular, música cultivada y flamenco al filo de la Revolución francesa’, una propuesta creada expresamente para el Año Abate y dirigida por artista Pedro G. Romero.

El segundo concierto en el Castillo correrá a cargo de la Banda Sinfónica Unificada de Utrera, que el viernes 22 de junio estrenará una suite para banda sinfónica, narrador-solista y coro que nos situará en la época y contará a los espectadores la vida del intelectual de una forma cercana.

Tras los dos conciertos en el Castillo de la ciudad -y una deliciosa inauguración del ciclo de la mano de la Accademia del Piaccere el pasado 8 de junio en la Iglesia de Santiago, concierto de nivel internacional para este Año Cultural-, se incorporarán al programa otras formaciones como la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (28 de septiembre en la Plaza del Altozano) y la Orquesta Barroca de Sevilla (17 y 18 de noviembre en el Teatro Municipal).

Conferencias y guías didácticas

Ya de cara al otoño, el Año Abate una serie de conferencias que abordarán la figura y el tiempo del ilustrado, con ponentes como Luis Alberto de Cuenca, Javier Sierra, Pedro J. Ramírez y José Calvo-Poyato, entre otros. Además, Eva Díaz Pérez presentará la guía didáctica sobre el intelectual utrerano, una biografía de carácter divulgativo de la que se editarán 500 ejemplares con ilustraciones para que la población pueda conocer mejor al personaje homenajeado.

Díaz Pérez contará la vida del Abate desde su nacimiento en Utrera hasta sus estudios en Salamanca, pasando por su relación con los libros prohibidos y la persecución por parte de la Inquisición. También charlará sobre su exilio durante la Revolución francesa y su regreso a España como funcionario de las tropas de Napoleón durante la Guerra de la Independencia.

La autora repasará la obra de Marchena haciendo hincapié en sus ensayos, sus obras de teatro, su trabajo periodístico y su labor como traductor de autores como Voltaire y Rousseau, con cuyas obras introdujo de manera clandestina las nuevas ideas políticas en su país de origen. Más adelante verá la luz el primer montaje basado en la obra ‘Polixena’, uno de los hitos del Abate y que no se había representado hasta la fecha. La obra será el resultado del taller de investigación actoral impartido por el reconocido director de teatro Juan Dolores Caballero, ‘El Chino’.

Ha pasado tantas horas a su lado que la llama, sencillamente, Simone. La pensadora más relevante del feminismo universal en el siglo XX, el icono, el personaje, fascinante y controvertido, visionario y contradictorio que fue la filósofa francesa Simone de Beauvoir, ha dejado paso a la mujer, al ser humano, y se ha convertido “en una amiga”. Le ha sucedido a la joven autora sevillana Carmen G. de la Cueva (Alcalá del Río, 1986), que acaba de publicar en Lumen 'Un paseo por la vida de Simone de Beauvoir', un libro donde resume su experiencia personal con la autora de 'El segundo sexo'.

De la Cueva, una de las voces más importantes de esta nueva narrativa española que utiliza las redes sociales como principal vehículo de propagación, milita en el denominado Feminismo Literario. Irrumpió en el panorama editorial -y ya van seis ediciones- con la inclasificable 'Mamá, quiero ser feminista' (Lumen), una suerte de diario, dietario, memorias de infancia y, si se apura, libro de autoayuda a través del poder curativo que poseen para la autora las diferentes mujeres escritoras que han jalonado sus lecturas desde que era niña hasta hoy.

De este modo, y casi a modo de Spin-off nace ahora 'Un paseo por la vida de Simone de Beauvoir', donde narra su relación, primero de veneración, después más humanizada, con la pensadora francesa, que también tenía un papel protagonista en su primer libro. “Cuando comencé a leer sobre ella, a mirarla de cerca, me asaltaron las ganas que querer saberlo todo de aquella mujer, de perseguir el fantasma de una leyenda”, explica De la Cueva. Primero, reconoce, hizo “el camino al revés”: “Leí todo lo que se había escrito sobre ella antes de centrarme en todo lo que ella había escrito sobre sí misma”.

Y en este proceso, para y reflexiona: “¿Sabes cuántas voces masculinas han estado escribiendo sobre Simone de Beauvoir y otras tantas mujeres escritoras a lo largo de la historia?”, “¿Y sabemos cuántos libros descatalogados hay, cuánto silencio en torno a las obras que ellas mismas escribieron? ¿Cómo podemos acercarnos a Simone o a muchas otras si ni siquiera podemos leer sus libros?”. Con el propósito, pues, de despojar a la pensadora de “las subjetividades masculinas” y “centrarnos y recuperar sus obras, que nos cuenten ellas mismas quienes eran, a través de su propia voz” nacen libros como éste primero dedicado a Simone de Beauvoir que, a modo de paseo, “escribo de su mano, desde mi experiencia lectora con ella”.

Relación de “amor-odio”

Su relación “casi de amiga” con la pensadora emblema del feminismo, ha sido en todo este tiempo “de amor-odio”. “He realizado un ejercicio muy grande para no juzgarla porque claro, había muchas cosas de ella que no me convencían; y cuando te enfrentas a un libro como éste quieres que tu personaje te caiga bien... Pero finalmente he llegado a entenderla, a tenerla tan presente que muchas veces pienso en algunas de mis tareas cotidianas y me descubro diciendo: 'esto le gustaría o no le gustaría a Simone'.... Puede parecer un poco esquizofrénico, pero ha sido muy hermoso”, relata la joven sevillana.

Y si ha habido algo “revelador” en el proceso de escritura de este libro, que ha supuesto una sorpresa en la personalidad de Simone de Beauvoir que tan diseccionada tenía la joven sevillana, ha sido “descubrir su pasión, su fanatismo por los paseos”. “Eso me fascinó y lo describo en el capítulo La paseante fanática, cuando viaja por primera vez sola a Marsella como profesora. Para sobrellevar la soledad se dedica a dar paseos, pero no de dos o tres horas, sino paseos hasta de nueve horas que ella describe con absoluto detalle en sus memorias. Ahí descubrí a una mujer tan apasionada y tan curiosa que me desveló su carácter poco convencional en unos años muy difíciles, poco antes de la II Guerra Mundial, donde mujeres como Simone están ocupando el espacio público por primera vez”.

La Tribu, mujeres redescubiertas

Al igual que en Mamá quiero ser feminista, G. de la Cueva, que es fundadora del colectivo La Tribu, una comunidad virtual dedicada a la literatura escrita por mujeres, propone en este libro un ejercicio literario personalísimo, donde la autora realiza un paralelismo constante entre su propia vida y la de Simone de Beauvoir, a modo de testimonio personal.

“Quiero centrarme y poner el foco en ella y solo en ella, porque casi todo lo que puede leerse sobre Simone ha sido siempre en relación a otros personajes, sobre todo Jean Paul Sartre y otros de sus amantes: y esto no iba a ser nunca la biografía de los dos filósofos existencialistas franceses, esto es un paseo, de su mano, por propias sus ideas”, explica de la Cueva, que cree que “acercarse a Simone a través de los hombres y de su vida amorosa la desautoriza como pensadora”.

La gala de la XXI edición de los Premios Max de las Artes Escénicas, galardones organizados por la Fundación SGAE con el propósito de reconocer el talento de los profesionales del Teatro y la Danza de nuestro país, vuelve a Andalucía. Justo una década después de su celebración en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, los Max regresan a la capital hispalense con una gala prevista para el 18 de junio en el espacio cultural Cartuja Center CITE, que pondrá el colofón a los Premios Max 2018 y que será dirigida por el veterano autor, dramaturgo y director afincado en Sevilla Alfonso Zurro.

Esta edición de los Max cuenta asimismo con un marcado acento andaluz, gracias a muchos de los artistas nominados en la mayoría de sus categorías: con Eva Yerbabuena en la categoría de Intérprete femenina de danza por Apariencias, el cordobés Juan Carlos Rubio en la categoría de Adaptación o versión de obra teatral por El Príncipe de Maquiavelo, Curt Allen Wilmer (Sevilla) y Kiti Mánver (Málaga) en Diseño de espacio escénico y Actriz protagonista respectivamente con Sensible, los malagueños Cristina Rojas y Homero Rodríguez en Autoría revelación por Felicidad, y Alfonso Zurro, nominado en Dirección de escena por Luces de Bohemia, de Teatro Clásico de Sevilla. 

Eva Yerbabuena

La artista granadina, Premio Nacional de Danza, estrenó Apariencias en la pasada Bienal de Flamenco de Sevilla, un espectáculo que actualmente se representa en el Teatro Español de Madrid y donde propone llegar a la esencia del flamenco, despojándolo de toda complejidad. Con un comienzo que viaja a lomos de lo contemporáneo y la abstracción, Apariencias termina con la tradicional Soleá que ha hecho grande a Eva la Yerbabuena y con la que consigue levantar al espectador de la butaca.

Juan Carlos Rubio

Metido en faena tanto escénica como fílmica, el dramaturgo y director Juan Carlos Rubio (Córdoba, 1967) fusiona en El Príncipe de Maquiavelo textos de los títulos más conocidos del autor italiano y da voz a un intenso personaje para demostrar que el poder, sea cual sea la época o la ideología, obedece siempre a las mismas reglas, independientemente del fin y de los medios. Además de El Príncipe, el montaje de Rubio recoge fragmentos de otras obras de Maquiavelo como Discursos sobre la primera década de Tito Livio, Del arte de la guerra, La mandrágora y correspondencia personal del autor.

Curt Allen Wilmer

Nacido en Alemania pero residente en Sevilla, Curt Allen Wilmer es una referencia como escenógrafo y diseñador de vestuario, con un largo recorrido profesional en múltiples ramas de la escenografía en el teatro y la ópera, así como los parques temáticos, los espectáculos o los espacios expositivos. Además, es cofundador junto a la arquitecta Leticia Gañán Calvo del estudiodeDos de Arquitectura y Escenografía. Galardonado recientemente con multitud de premios -entre ellos, el MAX 2017- por su trabajo en Hamlet, el último espectáculo de Alfonso Zurro, Allen dibuja en Sensible un espacio perfecto para el lucimiento de la veterana Kiti Mánver.

Kiti Mánver 

La veterana actriz malagueña vuelve a los Max gracias a su interpretación en Sensible, una versión de la novela epistolar Veinticuatro horas en la vida de una mujer sensible (1824) de la aristócrata francesa Constance de Salm en la que se describe la violencia y el desgarro que provocan los celos en su protagonista. El director, Juan Carlos Rubio, lleva a su musa Kiti Mánver a los años 50 y nos cuenta una relación amorosa entre una mujer madura y un chico de 20 años. Kiti Mánver se enfrenta a un monólogo sincopado por la danza de su partenaire, el bailarín y coreógrafo Chevi Muraday.

Cristina Rojas y Homero Rodríguez

Esta pareja malagueña de actores - a los que vimos en la película Seis y medio, la ópera prima de Julio Fraga- opta al Premio Max de Autoría revelación por La Felicidad, un texto escrito por ambos que destila realidad y que arrasó en su estreno en el XXXIV Festival de Teatro de Málaga. Protagonizada también por ambos, esta pieza podría resumirse como una fábula realista sobre la felicidad, pero también sobre el amor, la maternidad, el paro y las relaciones humanas.

Alfonso Zurro

Además de director de la gala del próximo 18 de junio, Alfonso Zurro, una de las voces más importantes del teatro nacional que trabaja desde Andalucía, está nominado por su versión de Luces de bohemia, de Ramón del Valle-Inclán. Zurro se acerca con máximo respeto a esta obra que revolucionó el teatro inaugurando un nuevo género, el esperpento, y que rompe con las convenciones escénicas anteriores. El sevillano es el responsable de la adaptación teatral, además de la dirección del montaje que protagoniza otro veterano de nuestras tablas, Manuel Monteagudo, que estos días triunfa, con otro registro totalmente diferente, en la Sala Cero de Sevilla con El asesino de la regañá.

Otros premios

Además de las 19 candidaturas a concurso, se concederán este año tres premios especiales: Premio Max de Honor, que ha reconocido la carrera del dramaturgo y director teatral José Sanchis Sinisterra; el Max de Carácter Social, que también mira a Andalucía con un reconocimiento para el proyecto Danza Mobile; y el Max Especial del Público, que se sabrá una vez concluya el plazo de votación.

Este año, los Premios Max cuentan con la colaboración del Ayuntamiento de Sevilla. Organizados por la Fundación SGAE desde 1998, los Premios Max, cuyo galardón está diseñado por el poeta y artista plástico Joan Brossa (Barcelona-1919/1999), impulsor de uno de los colectivos renovadores del arte español de posguerra, se han consolidado a lo largo de estos años como el reconocimiento más amplio en el ámbito de las Artes Escénicas en el Estado español.  

A pesar de llegar a Sevilla con el papel casi por estrenar (lo ha cantado una sola vez, en 2014), la soprano Ainhoa Arteta asegura que Adriana Lecouvreur es el papel que mejor la define emocionalmente. Lo dice una artista con una brillante y prolongada carrera internacional, que lo mismo ha sabido brillar con una dulcísima Mimí en La Bohème que en una desgarrada Violetta en La Traviata. Manon, Julieta, Tosca... Todo un rosario de roles de enorme personalidad jalonan su repertorio, pero en este nuevo desafío que le propone el Teatro de la Maestranza a partir del 21 de mayo es donde dice haber “encontrado mi verdad”. Adriana Lecouvreur, una ópera de Francesco Gilea apenas representada, plantea el drama real de la actriz del mismo nombre, diva de la Comédie française enfrentada a un destino trágico por participar de las intrigas políticas del París del siglo XVIII. Igualmente temperamental y enérgica, Ainhoa Arteta se mete de lleno en la arena de la actualidad y apela a su compromiso ciudadano para expresarse “con libertad”.

Debutó en 2014 con este papel que sólo ha cantado en una ocasión. ¿Cómo afronta su reencuentro con Adriana Lecouvreur?

Para mí es un caramelo, todo un regalo. Y puedo decir que es el título que mejor me define emocionalmente. Adriana es una actriz con una sensibilidad a flor de piel y yo me veo muy reflejada en muchas de las frases que canta en el primer acto, cuando está sola en el camerino y se plantea sus dudas, sus preguntas.... Los artistas debemos tener un alma que se acerque y que busque la verdad, por eso sufrimos tanto en la vida en general y nos lo tomamos todo a la tremenda cuando tenemos un problema, un mal de amores o una situación difícil que no sabemos gestionar. Como Adriana, que se ve involucrada en un mundo de intrigas y sale perdiendo.

La crítica asegura que Adriana Lecouvreur es un papel extremadamente goloso para una soprano ¿Cuáles son sus exigencias vocales?

Es complicado, hay que tener un centro muy bien colocado. Es un personaje que compagina momentos muy grandes de orquesta con otros muy íntimos vocalmente y eso requiere un dominio del instrumento vocal muy importante. Es cierto también que me encuentro ahora mucho más sólida, mucho más redonda que quizás en la primera Adriana que hice, con menos dudas técnicas. Lo asumo con amplitud, y eso me da mucho margen para entregarme al doscientos por cien en la parte escénica.

También hay unanimidad al considerar esta ópera como una obra maestra. ¿Por qué entonces es tan poco representada?

Principalmente porque hay muchísimos personajes, hasta 150 personas sobre el escenario en algún momento de la representación, y es una obra costosa, con una enorme complejidad escénica. Igualmente, requiere de cuatro solistas que tienen que ser cantantes de mucha envergadura, porque las partes para solistas son muy demandantes vocalmente. Todo esto hace que estemos ante una ocasión única en Sevilla, con un cast compacto y muy completo.

El Teatro de la Maestranza realiza una apuesta decidida por las voces españolas en su programación de ópera. ¿Qué percepción internacional existe actualmente del nivel de los cantantes de ópera españoles?

Ahora mismo hay un nivel extraordinario y se ha producido un relevo generacional muy pero que muy bueno. Tanto de las grandes voces como de los perfiles medianos, con una cantera lírica importantísima. Hay españoles cantando por todo el mundo, con unas carreras internacionales brillantísimas: Juan Jesús Rodríguez, Carlos Álvarez, que son andaluces de Huelva y Málaga; Nancy y Fabiola Herrera, María José Montiel, Ismael Jordi, Sabina Puértolas.... Hay muchos, muchos.... La calidad de los cantantes de ópera españoles es de Champion League.

Los que ha citado son la mayoría artistas bastante jóvenes. ¿Por qué existe entonces esa sensación de la ópera se ha desconectado de la sociedad?

Lo que yo creo es que en España falta educación para activar la cultura musical. Eso es fundamental, porque la ópera sigue estando de máxima actualidad. Desgraciadamente, la historia se repite y las óperas del siglo XVIII y XIX al final representan historias verídicas que se pueden ver y escuchar con una mirada actual. Y en el plano estético, la ópera arriesga con unas puestas en escena vanguardistas, rompedoras, brutales, como por ejemplo el estreno de Die Soldaten en el Teatro Real. La ópera está de rabiosa actualidad y quien piense que es un género acartonado está totalmente equivocado. El problema no está en la ópera, está en la falta de culturización y de acostumbrar a los nuevos públicos a educarse en la cultura.

Dice usted, a propósito de las intrigas de Adriana Lecouvrer, que los artistas no deben meterse en asuntos políticos, porque al final salen escaldados.... Sin embargo usted nunca ha renunciado a tener un compromiso y una voz pública, desde la causa animalista a la defensa de la unidad del Estado.

Totalmente. Soy una persona que tiene opinión y, siempre con respeto, digo lo que pienso. Nunca atropellada ni maleducadamente, pero estamos aquí para aportar ideas, para sumar y no para restar y yo siempre, todo lo que digo, no es con ánimo de crítica, sino de mejora, constructivo.

Se lo preguntaba porque le hemos escuchado últimamente, desde el propio escenario, reivindicar su españolidad, ahora que la unidad territorial del Estado está puesta en cuestión.

A ver, considero que tengo un perfil que no tiene posición política ni de derechas ni de izquierdas, pero soy una ciudadana española que cree firmemente en su país y en sus posibilidades, sobre todo en lo que concierne a mi mundo, el de la Cultura. Podemos aportar mucho a nivel internacional y eso debemos hacerlo unidos.

Es usted embajadora de la Marca España...

Sí, sí, y a mucha honra.

Le tengo que preguntar por el final de ETA, ¿cómo lo ha vivido como ciudadana del País Vasco?

Sinceramente, lo vivo como una alegría, porque que se termine una época de terror siempre es una buenísima noticia. Ahora, también es verdad que hay que entender que esto no es “se termina y aquí no ha pasado nada”. Cuando hay muertos de por medio existe una palabra que se llama duelo y el duelo hay que hacerlo, es una etapa que comienza ahora y de la que se tendrán que responsabilizar todos. Aunque, por supuesto, es una muy buena noticia.

En la era del #Metoo, ¿cómo se enfrenta al papel de la mujer en los roles operísticos?

A ver, los roles femeninos en la ópera son de todo tipo: los hay muy feministas y muy luchadores y hay otros muy sumisos, pero como pasa en la vida misma, y te toca interpretarlos, aunque no te gusten. No se trata de defenderlos, por supuesto, sino de mostrar una realidad y que está bien que esté ahí para plasmarla y para verla desde fuera y ver dónde está la virtud y el defecto de todo esto. La cultura sólo nos hace crecer, no tiene nada negativo, es todo positivo.