Aunque se habían reunido para hacer versiones y conciertos puntuales, es ahora cuando Amparo Sánchez y su banda regresan con un nuevo álbum. Con Himnopsis colectiva, Amparanoia estrena diez canciones de la mano de su propio sello, Mamita Records, en el que vuelve a proponer un viaje musical donde la cumbia, el western e incluso ritmos más urbanos se compinchan para recuperar su estilo inconfundible. 

Ha sido un largo recorrido desde que llegara a Madrid con su primer hijo, con la intención de intentar ganarse la vida con la música, en los noventa. Poniendo cañas, empapándose del buen hacer de Bambino, The Clash, Bob Marley o Mercedes Sosa, la voz de Amparo Sánchez irrumpió en 1997 con su disco El poder de Machín como una de las principales valedoras de lo que se bautizó como mestizaje y logrando, entre otros reconocimientos, convertirse en Mejor Grupo Europeo en los BBC Music Awards. 

Sus ritmos lo mismo podían animar un bar abarrotado del madrileño Lavapiés que sonar en una comunidad zapatista. Con todo, Amparanoia dijo adiós en 2008. Pero Amparo no ha parado quieta. Desde Granada, habla con elDiario.es sobre la música y su propuesta para afrontar un mundo polarizado en el que la cultura tiene mucho que decir. 

¿Por qué dijo adiós como Amparanoia y por qué vuelve ahora con un disco?

En 2008 dije adiós con la gira Bye Bye Tour con la idea fija y el sentimiento de poder hacer otras cosas. Había dedicado cerca de 12 años a Amparanoia en exclusiva y necesitaba nuevos retos. Al finalizar la gira, tuve tiempo para escribir el libro La niña y el lobo, firmar varios álbumes con mi nombre y apellido y hacer experimentos musicales como crear mi propio sello discográfico, Mamita Records. 

En 2017, cuando se cumplía el veinte aniversario del disco El poder de Machín, mis compañeros propusieron que hiciéramos algo conmemorativo. De ahí salió el álbum El coro de mi gente, donde compañeros y compañeras versionaron nuestras canciones, y nos pusimos a girar. Lo que iba ser un reencuentro conmemorativo y de celebración puntual se alargó. En 2019, decidimos preparar un nuevo disco, parecía que la gente quería seguir viendo al grupo. Me di cuenta también de que podía compaginarlo con mis otras tareas y me puse a componer para Amparanoia. En 2020 grabamos el álbum, aunque, como es lógico, los conciertos se cancelaron. Ahora estamos siguiendo el plan, que básicamente consiste en aportar a través de la música, y dentro de las circunstancias, mensajes de fuerza, ritmos con alegría y dar ese regalo al público hasta que se pueda tocar en directo.  

¿Cómo definiría esta nueva colección de canciones? 

He seleccionado las que para mí eran las diez mejores canciones que había compuesto para este proyecto. He buscado que estuviera presente ese viaje musical característico de Amparanoia. Un viaje desde Los Balcanes a El Caribe, pasando por distintos puntos de Latinoamérica, del Mediterráneo, y viajando incluso al pasado, incluyendo sonidos de rock. Me cuesta describirlo porque los estilos para mí significan una cosa, pero para otros pueden tener otro significado. 

¿Cómo consigue Amparanoia encontrar su sonido? 

Las canciones tienen un proceso. Suelen nacer con guitarra y voz; algunas, también con piano, ya que he podido retomar mis estudios. Pero normalmente nacen chiquititas, siempre con un tempo y una intención, y luego se les va poniendo el traje. Con este álbum, como mis planes desde marzo desaparecieron, he tenido mucho tiempo para decidir qué quería y ponerle el cariño, el sonido, el concepto y la textura a cada canción, pero teniendo la vista puesta en el universo que quería crear alrededor de esas canciones. 

El disco invita a despertarse de la hipnosis. ¿Qué cree que nos mantiene hipnotizadas? 

Las redes sociales, los medios de información, nuestras propias creencias limitantes, la toxicidad. Creo que nos cuesta mantener un diálogo con nosotros mismos. Nos cuesta mirar de frente algunos de los valores que propongo en el álbum: nuestra identidad, el valor del tiempo, la importancia del presente y del perdón o el desapego. Estos temas te están llamando a ti, pero tienen un efecto colectivo. Se trata de salir de esa hipnosis colectivamente porque estamos en esto juntos. No hay otra manera.

¿Cuál de todos los conceptos que aborda el álbum le parece ahora más importante?

El tiempo. Si de verdad fuéramos conscientes de lo importante qué es vivir cada momento intensamente, sin pensar a la vez qué voy a hacer de cena esta noche, sería mucho mejor. 

El valor del tiempo también tiene otra perspectiva: muchas veces esperamos a que pase el tiempo para hacer lo que de verdad queremos y, ahora más que nunca, que no tenemos control sobre nada, hay que hacerlo, sin esperar a ese momento perfecto que proyectas en un futuro incierto. 

Hablando de la importancia del presente, ¿qué cuestiones sociales hay que abordar ya?

A nivel político, lo principal es que podamos volver a hablar y entendernos sin llegar a los niveles de vergüenza a los que estamos llegando. Sin ataques. Sin polarizar a la población. Creo que debemos evolucionar para entendernos, para respetar al otro y avanzar hacia un objetivo común: estar bien y que se atiendan las necesidades de todos. Sin cortes de luz, por ejemplo, como está pasando ahora en Madrid, pero también en Granada. Sin ataques al feminismo ni a las mujeres. Prestando también atención al medio ambiente. Pero sobre todo que para salir de cualquier cosa lo tenemos que hacer a nivel colectivo. Si va cada uno a lo suyo, va a ir todo peor.

Amparanoia ha sido un referente en lo que se llamó mestizaje. ¿Qué significado tiene esta etiqueta?

Un término que aparece a mediados de los 90, cuando nos encontramos grupos latinoamericanos y de otros países con propuestas y mensajes similares. Esa etiqueta nació en esos años, pero para mí la música siempre ha sido mestizaje. Para mí, lo que hace C. Tangana también es mestizaje. La música es mezcla de investigar, experimentar, encontrar tu propio estilo. Creo que hay pocos estilos que realmente sean puros. La música evoluciona y se mezcla con la sociedad y las nuevas tendencias, pero sin perder de vista lo antiguo. 

¿Qué siente cuando se le reconoce como una voz pionera? 

Agradecimiento. Me siento bien, ¡aunque también un poco mayor! A veces músicos muy jóvenes me dicen ‘yo crecí escuchándote’ o ‘mis padres siempre te ponían’ y te das cuenta de que han pasado unas cuantas décadas. Es un orgullo que me sigan llamando nuevas generaciones, como Juanito Makandé o Rozalén, que siempre me cuenta que Que te den era su tema estrella en sus actuaciones acústicas. Me recuerdan lo importantes que fue para ellos mi música. Creo que algo habré aportado, pero quiero seguir aportando más.

¿Cómo era la Amparo Sanchez que llegó a Madrid a intentar ganarse la vida como música y cómo es ahora?

Ahora he vuelto a la ciudad de la que me fui cuando llegué a Madrid, así que estoy completando un círculo. Llegué a Madrid con mucho entusiasmo y con la idea muy clara de que si no me iba bien regresaría a Granada y aceptaría que no podía vivir de la música, pero que lo tenía que intentar. Con esas ganas y con mi hijo pequeño me instalé en un apartamento diminuto de la calle Ballesta. Al principio tuve que hacer otros trabajos como servir cañas y poner tapas, pero iba encontrando mis lugares para cantar. Ahora lo pienso y creo que fui una valiente por dejarlo todo. Estoy muy agradecida por haberlo hecho y ahora muy orgullosa de mí por haber sido valiente y volver a un sitio que dejé y retomar mis lazos familiares y mi relación con la ciudad. Estoy muy contenta de haber vuelto y más de haberme ido. 

¿Qué se siente cuando algunas de sus canciones se escuchan hasta en fiestas populares? 

2020 fue el primer año en el que no recibí ningún vídeo desde algún pueblo en el que la orquesta tocara Que te den. Recibir esos vídeos es algo muy bonito. En un par de ocasiones incluso me subí a cantar con las orquestas. Esa canción la ha elegido el pueblo porque nunca hubo un videoclip, jamás sonó por la radio y tampoco se promocionó. Es un orgullo que sea mi canción más conocida, además me encanta cantarla, me quita todos los males.

¿Cómo ha cambiado su relación con la industria musical desde que apareció El poder de Machín, en los 90?

Hoy tengo mi propio sello. Si en ese momento lo hubiera tenido, no sabría todo lo que sé ahora y hubiera sido posiblemente un fracaso, pero no hubiera firmado contratos por 70 años ni otras cosas horribles. Pero tenía mucha ilusión, sabía muy poco... era esa inocencia. Hasta que me cansé y monté mi propio sello con mi equipo de trabajo. Sin ellos y ellas sería imposible. Siempre he trabajado muy abiertamente con mi equipo y lo que quiero para mi lo quiero para los demás: escuchar, sumar y aquí nadie es más que nadie. Es un sello familiar, donde están mis dos hijos. Imagínate: mamita, como el nombre de la discográfica, con sus pollitos y los compañeros y compañeras de trabajo, que también son familia. 

¿Cree que esa industria está más abierta a las mujeres?

Va poco a poco, pero vamos avanzando. Lo que pasa es que cambiar la imagen de ‘el productor’ y ‘el manager’ es difícil, son estereotipos muy marcados. Ahora, cada vez más mujeres se atreven a producir sus álbumes o a reconocer que ya llevan tiempo haciéndolo. Parece que nos cuesta más darnos ese lugar o confiar en que podemos tener la última palabra. Pero siento que hay nuevas mujeres que lo tienen muy claro: son sus propias productoras, compositoras, todo. Las mujeres como ejecutantes de instrumentos seguimos siendo menos, como cantantes sí que hay más, pero estadísticamente somos menos, y en la parte técnica hay nuevas generaciones muy preparadas, pero está costando. Nos queda un poquito todavía para alcanzar una igualdad que sea evidente, que salte a la vista.

Tiene un vínculo especial con América Latina, como transmite en Cumbia perfecta. ¿Qué le ha aportado viajar allí?

Muchísimo. En México, los zapatistas, por ejemplo, me han aportado todo; también Argentina, donde conocí a las Madres de la Plaza de Mayo y el movimiento de desaparecidos. Siempre vengo de Latinoamérica con el corazón muy lleno. Siento mucho amor, conexión y admiración por un pueblo que ha sufrido tanto, pero que se apoya colectivamente y le da la vuelta a todo. Mira ahora, la ley del aborto en Argentina es un ejemplo para toda la región. Son muy valientes nuestras hermanas latinoamericanas, mucha admiración y reconocimiento hacia ellas. 

¿Cuáles son los planes de Amparanoia para el futuro?

Estamos preparando un concierto en streaming, poco más te puedo decir. El plan en estos momentos es incierto. Ahora más que nunca nos tenemos que adaptar a cómo vienen las cosas. 

Con el potencial comercial de vuestra música, ¿hubo alguna propuesta que dejarais de lado para manteneros fieles a Amparanoia? 

Nunca he tenido el objetivo de ser una artista comercial. Siempre he intentado mantenerme en otro lado, para contar las cosas que quería contar o participar en los movimientos o reivindicaciones que quería. Siempre he trabajado para ser mi propia jefa. Ahora estoy en el momento más álgido de ese deseo: apuesto por la independencia, por la calidad, por las relaciones humanas y por trabajar por unos objetivos de sostenibilidad, de poder crecer y, a lo mejor algún día, invertir en otros artistas. Lo demás para mí no ha sido nunca importante, y ahora lo es mucho menos.

Aunque no le molesta en absoluto que a veces su trayectoria se resuma con frases como 'la guitarrista de Michael Jackson', su carrera va mucho más allá. Gracias a su originalidad y excelente técnica, Jennifer Batten ha conseguido ser una de las guitarristas eléctricas más reconocidas y desarrollar un estilo que bebe del rock, el jazz, la electrónica e incluso los géneros que suelen caer en la etiqueta de “músicas del mundo”.

En la audición que le cambiaría la vida, Jackson no estaba allí. Ante una cámara, Batten tocó el solo de Beat it, algunos ritmos funk y una composición usando tapping, una técnica en la que las notas se pulsan directamente sobre el mástil de la guitarra y que ella puede interpretar a dos manos. Como resultado de aquella prueba, de 1987 a 1997, cada vez que el Rey del Pop remataba sus estribillos, Batten era quien daba un paso al frente para atacar los solos que electrizaban todos los escenarios que pisó durante las tres giras internacionales en las que acompañó a Jackson. Como ella misma explica, la guitarra eléctrica era todavía “un mundo de hombres” en el que apenas se daba espacio a las mujeres. Batten era una de las pocas que tocaba en conciertos multitudinarios. 

Desde entonces, no ha parado quieta. En 1992 llegaría el primero de sus discos en solitario, Above, below and beyond, la carta de presentación que la llevaría a tocar junto al legendario Jeff Beck, su guitarrista favorito, en dos de sus álbumes y en sus correspondientes giras. Entre otros proyectos, Batten ha publicado otros dos discos propios o trabajado con el Cirque du Soleil. Replicar su técnica despierta un interés que la ha llevado por todo el mundo, dando clases y talleres. Ahora, con nuevas ideas para seguir adelante en plena pandemia, Jennifer Batten contesta a elDiario.es por mail cómo ha conseguido destacar como instrumentista, la inevitable pregunta sobre Michael Jackson y a qué se refiere cuando habla de female revolution.

¿Cómo definiría su estilo?

Creo que mi estilo es una combinación de todo lo que he estudiado. Cuando me tomé en serio la guitarra, comencé a estudiar jazz y a aprender solos de Charlie Parker. Por eso, aunque terminé más bien en el rock, reconozco que ciertas ideas arpegiadas de bebop han permanecido en mi interpretación. Así que para definir mi estilo con palabras, que siempre son un poco traicioneras, diría que es 'jazz rock con ciertas interválicas añadidas'.

¿Cómo ha logrado convertirse en una guitarrista tan reconocida? 

Eso se debe al tiempo que he pasado con la guitarra y al que he invertido escuchando a los demás. Creo que tiene que haber una dedicación al oficio que supere las 10.000 horas para ir más allá de la emoción de conseguir unas pocas victorias.

El hecho de ser mujer, ¿ha sido alguna vez un obstáculo en su carrera?

Como la mayoría de las mujeres, he afrontado muchos prejuicios al reclamar nuestros derechos en un mundo que antes era solo de hombres y en el que no éramos bienvenidas. Pero tuve la suerte de entrar en escena en un momento en el que artistas como Michael Jackson y Jeff Beck estaban abiertos a la idea de contar con una mujer en la banda. Eso marcó claramente la diferencia. Obtener el respaldo de iconos tan influyentes hace que los artistas menos importantes se sientan seguros al hacer lo mismo.

Dice que el mundo de la guitarra está viviendo una “female revolution”, ¿cómo ha cambiado la situación desde los años 80?

A finales de esa década, pensaba que la revolución de las mujeres estaba pasando. Pero, en realidad, salvo por el hecho de que algunas de nosotras tocábamos en grandes escenarios, esa revolución estuvo estancada durante un par de décadas. 

Creo que el hecho de que Internet se pusiera al día, y hoy puedan verse vídeos de otras guitarristas en YouTube, ha servido para inspirar a toda una generación de mujeres a tomarse en serio como guitarristas. Es ahora cuando estamos viviendo la revolución que pensé que llegaría hace mucho tiempo. Hoy, hay guitarristas increíbles como Lari Basilio y Nili Brosh que realmente lo están petando y a mí me inspiran a ir más allá; también a miles de personas. Estas intérpretes han demostrado que las mujeres guitarristas están al mismo nivel que los hombres.

¿Qué otras mujeres le inspiran?

Ariana Powell y Kaki King han hecho algunas cosas interesantes. También sigo encontrándome con guitarristas extremadamente talentosas en TikTok, pero lamentablemente no recuerdo sus nombres.

¿Es más difícil para las guitarristas que no cantan?

Definitivamente es más difícil para guitarristas que no cantan, ya sean hombres o mujeres. La gente que escucha música instrumental es una audiencia mucho más pequeña. De todos modos, en este momento, obtener reconocimiento es más complicado porque el poder de las compañías discográficas es mínimo. El marketing depende ahora de cada artista y de la cantidad de contenido que suba a YouTube y a las redes sociales. Si realmente quieres que se te conozca, promocionarte es un trabajo a jornada completa y que reduce el tiempo que puedes dedicar a mejorar con tu instrumento.

¿Cómo te sientes cuando alguien resume tu carrera diciendo simplemente “fue la guitarrista de Michael Jackson”?

Me siento afortunada por haber sido la guitarrista de Michael Jackson durante diez años, nunca habrá otro espectáculo con un alcance tan masivo. Así que es de esperar que eso sea lo primero con lo que la gente me asocie durante el resto de mi vida. No me supone ningún problema. Quienes conocen más el mundo de la guitarra saben que también toqué con Jeff Beck y que grabé mis propios álbumes.

Mucha gente le considera una pionera que demostró que las mujeres podían tocar con tanta técnica e inspiración como los hombres. ¿Cómo le hace sentir?

Sinceramente, no lo pienso mucho. Solo lo hago cuando recibo un correo electrónico de alguien que me dice que comenzó a tocar, o que se inspiró, gracias a mi trabajo. Cuando en 2016 obtuve un Icon en los premios anuales She Rocks, recuerdo que me lo entregó [la guitarrista] Malina Moye, que pronunció un discurso sobre cómo la había influenciado. Hasta que no la escuché, nunca me paré a pensar que pudiera haber conexión alguna. 

¿Qué significa la guitarra para ti? 

La guitarra es mi psiquiatra. A medida que envejezco, aprecio más y más el poder que tiene la música para sanar el alma. Si voy a mi estudio un poco enfadada o deprimida, lo más probable es que, después de tocar una hora, la química de mi cerebro haya cambiado y me encuentre mucho mejor. Es la mejor droga que se me ocurre.

¿En qué trabaja ahora?

Desde el confinamiento, he tenido muchas sesiones de grabación, pero principalmente estoy centrada en el nuevo proyecto que lancé en agosto: GuitarCloudSymposium.com. Es un espacio de aprendizaje que celebramos una vez al mes y al que puede unirse cualquier guitarrista de cualquier país del planeta. El primer taller lo di junto a los guitarristas Gretchen Menn, Nili Brosh y Vicki Genfan. Todo es en vivo e interactivo. En octubre se ha incorporado Danielle Gottardo, que es una de las nuevas guitarristas favoritas de Steve Vai, quien también ha participado en el proyecto vía Zoom, al igual que Scott Henderson y Andy Timmons. 

También hacemos sesiones temáticas. El 16 de enero, dedicaremos una a los héroes de la guitarra como Jeff Beck, Van Halen, Joni Mitchell y sus afinaciones abiertas o Jimmy Page. Estoy preparada para quedarme en casa mucho más tiempo, aunque tengo giras pendientes que se pospusieron por la pandemia. Así que básicamente Guitar Cloud Symposium es mi vida y mi futuro.

Como profesora, ¿diría que hay más mujeres guitarristas que antes?

Sí. Durante 30 años he impartido talleres en los que el 99% de la audiencia estaba integrada por hombres. Ahora veo más mujeres, pero no las suficientes como para equilibrar el porcentaje.

¿Cree que la guitarra tiene género? 

Definitivamente, la guitarra no tiene género. En el mundo actual, a los hombres se les da permiso para profundizar en sus emociones y, de la misma forma, ahora es más aceptable que las mujeres conecten con su lado agresivo. Solo hay que ver a Nita Strauss tocando con Alice Cooper. No hay nada delicado en eso. Si hablas con ella, verás a una mujer amable y tranquila, pero, una vez que sube al escenario, no para en ningún momento. Creo que lo más saludable para nosotros como raza humana es poder aprovechar todos las caras de todas las emociones.

Cuando ya se les ha enterrado, su voz vuelve para contarnos algo nuevo. Coincidiendo con momentos señalados, bandas y artistas que llevan años sin pisar la tierra reaparecen con nuevos lanzamientos empaquetados en flamantes cajas. Bajo la categoría de ‘inéditos’ se han incluido algunos de los mejores episodios de la música, como Réquiem de Mozart y Para Elisa de Beethoven o joyas como (Sittin’ on) The dock of the bay, de Otis Redding; pero, en otras ocasiones, no pasan de la mera anécdota. Más allá de la magia y las grandes historias que a veces los rodea, estos lanzamientos plantean dilemas que pueden resumirse en una sola pregunta: ¿qué hubiera querido la persona cuyo nombre aparece en la portada?

Ya sean composiciones terminadas o apenas garabatos, lo inédito causa fascinación. No podemos evitar mirar por la cerradura. “En estas grabaciones, a veces lo que ves es el proceso creativo y de decisión, como si pudieras colarte en la mesa de trabajo del autor. Te conviertes un poco en un voyeur —explica Héctor Fouce, profesor e investigador de la Universidad Complutense, experto en música popular e industrias musicales—. Este tipo de material apela al fan, porque ya se ha dejado de lado radicalmente la idea de que el público normal compre discos. Incluso si no son ventas masivas, como discográfica puedes vender algo tangible que te ha costado relativamente poco y obtener unos márgenes de beneficio amplios”. La rentabilidad de las carreras póstumas cuenta con exponentes como el rapero Tupac o el éxito de Pearl, el segundo disco de Janis Joplin que cumple ahora su 50 aniversario.

Este febrero, Bob Dylan lanzará 1970, una recopilación de 74 canciones que no se habían publicado. 2020 se cerró con una buena dosis de material inédito: la joven promesa del rap Pop Smoke triunfó con su disco debut —y póstumo—, sin poder saborear plenamente su éxito en las listas. Incluso David Bowie, que dejó su legado bien remachado con el álbum Blackstar (2016), publicado días antes de conocerse su muerte, ha firmado nuevos lanzamientos. 

Jimi Hendrix, todo un veterano en la publicación póstuma, ha ampliado su catálogo, una vez más, con su Live in Maui y la promesa de que aún queda material por desvelar. “Se da una gestión de las expectativas. No deja de ser un mercado de futuros”, señala Fouce. También hay quienes prefieren seguir su ejemplo mientras aún siguen en este mundo: Neil Young o The Rolling Stones todavía pueden opinar sobre el lanzamiento de material que llevaba archivado desde los años setenta. 

¿Quién decide?

Gestionar el legado secreto de artistas ausentes puede no ser tan fácil. Cuando Chopin pidió en su lecho de muerte que destruyeran su obra no publicada, ¿hizo bien su familia en rescatar algunas de esas partituras que, aún hoy, siguen interpretándose? Las críticas de fans y de la familia de la artista de R'n'B Aaliyah hicieron que la publicación de uno de sus discos póstumos se viera frustrada. En el caso del brasileño Renato Russo, del grupo Legião Urbana, la policía registró a finales de octubre dos estudios de grabación tras la denuncia de que un productor podría haber ocultado composiciones hasta ahora desconocidas. 

Antes de grabarse, cuando apenas son un esbozo, las canciones ya están protegidas. “Cuando se genera una obra, una canción, no hace falta registrarla para que genere derechos de autor. El Convenio de Berna dejó muy claro que esos derechos se generan por el mero hecho de la creación”, explica Noemí Brito Izquierdo, especialista en derecho digital en Ceca Magán Abogados.  

Cuando desaparece la persona que firma la obra, los derechos pasan a los herederos o a quien se haya designado. Hay dos tipos: los derechos patrimoniales, más relacionados con la gestión económica de lo publicado, y los morales, que protegen la integridad de la obra. Pasados setenta años desde la muerte del creador, la obra pasa al dominio público. “Los derechos morales incluyen decidir si una obra va a ser divulgada y de qué forma, así como el reconocimiento de condición de obra del autor, exigir el respeto a la integridad de la obra o impedir cualquier modificación o deformación”, apunta Brito. 

Hijos, parejas o quien tenga legalmente la capacidad de hacerlo ponen en orden archivos, cajones y discos duros valorando qué debe ver la luz y en qué forma. El manager de Michael Jackson, Frank DiLeo, aseguró tras morir su cliente, en 2009, que calculaba que había al menos cien canciones inéditas. Más delicado es el asunto de la correspondencia, diarios y material personal. “Habría que analizar cada situación concreta, ya que son elementos íntimos, entra en juego el secreto de las comunicaciones y otros derechos elementales”, señala la experta Brito.

Instagram cambia las reglas

Ahora que los artistas se ven obligados a subir material de todo tipo a las redes de forma constante, quizá cueste entender la excitación que producía poder acceder a material no oficial. “Ha habido un cambio de paradigma brutal. Antes había una gestión de la escasez, los grupos sacaban disco cada cierto tiempo. Ahora es al revés, es la gestión de la abundancia, ya que es más sencillo grabar y distribuir”, señala Fouce. 

Los fans de Rosalía pueden acceder desde su teléfono, y gratis, a una cantidad de información sobre la artista —y su lado más humano— que ya hubieran querido los biógrafos de Robert Johnson. Precisamente la nonagenaria hermana del pionero del blues ha publicado un libro en el que ve la luz la tercera foto que se conserva de él. Con tan poca información, hay quien prefiere dar por buena la leyenda y creer que el autor de Crossroads o Sweet Home Chicago efectivamente hizo un pacto con el diablo. 

Tesoros y bocetos 

Las historias que acompañan a estos lanzamientos son a veces tan importantes como la música. El rastreo de las grabaciones perdidas de Tino Casal pasó por Italia y llegó hasta a un trastero de São Paulo (Brasil). Casi medio siglo después de que el músico español grabara esos temas han visto la luz con el título Origen.

Los títulos dan pistas, no siempre honestas, de lo que se puede esperar. Desde la humildad de Sketches for My Sweetheart the Drunk, de Jeff Buckley, que apuesta por la idea de “boceto” para presentar el primero de los discos póstumos del cantautor, hasta llegar a las grandes expectativas del “Lioness: Hidden Treasures”, de Amy Winehouse. Entre medias, quedan los homenajes y la sensación de epílogo de Thanks for the Dance (2019), de Leonard Cohen. También la promesa de poder conocer a nuestros ídolos sin filtros: Michael, de Michael Jackson o TIM, del Dj Avicii, juegan con el minimalismo de un nombre propio al igual que el sobrio Piano & a Microphone 1983 de Prince. 

Aunque si hay un título ineludible entre los póstumos es Life after Death (1997), del rapero The Notorious B.I.G. Apenas dos semanas después de morir en un tiroteo, el lanzamiento del estadounidense conquistó las listas.

¿Hasta qué punto se puede seguir rebuscando en los cajones? Fouce cree que hay legados bien administrados, entre los que incluye a Hendrix, y mal administrados, como fue el caso, por un tiempo, de Elvis Presley. Decidir qué se publica tal cual o qué requiere trabajo adicional no es una decisión fácil. En 1994, los tres Beatles supervivientes se reunieron para tratar de insuflar vida a unas grabaciones de canciones inacabadas de John Lennon. Una de ellas, Free as a Bird, acompañó al lanzamiento del primer volumen de Anthology. Otra, Now and Then, fue imposible de adecentar. Los intentos por incluirla en el tercer volumen de la antología de la banda finalmente no llegaron a puerto. No se puede descartar que, en el futuro, la canción vea su nacimiento oficial. 

A veces, tras los inéditos hay experimentos fallidos cuyas mejores bazas han visto la luz en formatos menos rompedores pero mucho más disfrutables. Posiblemente gran parte de los fans agradecen que bandas como Pink Floyd abandonaran su proyecto de grabar todo un disco usando únicamente instrumentos fabricados con objetos caseros. Con la idea de evitar un fracaso, Joe Strummer discutió con sus compañeros de The Clash para lograr que moderaran sus excursiones fuera del punk y centraran sus esfuerzos en publicar Combat Rock. También la ambiciosa ópera rock de ciencia ficción Lifehouse, de The Who, acabó desechándose para alimentar el imprescindible Who’s next (1971). 

Pero hay quienes han rogado por escuchar, sin ningún tipo de recorte o alteración, estos proyectos inacabados. Para dar continuidad al histórico Pet sounds (1996), Brian Wilson agotó la paciencia del resto de los Beach Boys. Nunca satisfecho, Wilson pedía cosas como que los músicos de sesión tocaran con sombreros de bombero y colocaba madera ardiendo en el estudio, todo para que la interpretación hiciera justicia a la pieza Fire. Aquellas grabaciones, que su autor quería convertir en “sinfonía adolescente dedicada a Dios”, se convirtieron en El Dorado de los álbumes inéditos sobre el que se lleva décadas elucubrando. Finalmente, comenzando las grabaciones desde cero, Wilson dio su bendición al lanzamiento oficial, en 2004, con el nombre de SMiLE. 

“Habrá algunas que puedan tener valor antropológico, como curiosidad, pero ¿merece la pena escuchar esto en un momento en el que tienes superabundancia de música? Intentando sacar lo que alguien no ha sacado antes, al final vas acabar sacando la lista de la compra como obra literaria maestra”, plantea Fouce. No todo este material ve la luz. El responsable de Universal Music, David Joseph, explicó que le movían “razones morales” al declarar que había destruido las pistas que conformaban el disco inacabado de Amy Winehouse. Nadie ha convencido tampoco a Jeff Beck para que su colaboración con músicos de la Motown en 1970 vea la luz. 

Despedidas a medio hacer

El poder emotivo de las canciones póstumas no puede ser pasado por alto. Especialmente cuando se habla de artistas que han trascendido su papel y se han convertido en iconos populares, modelos a seguir o, simplemente, compañeros de viaje a los que cuesta decir adiós. 

Un caso podría ser Tom Petty, fallecido en 2016. Su familia ha reeditado Wildflowers y ha desvelado material nunca antes visto. En Something Could Happen, el video que acompaña a este tema inédito, muestra cómo una mujer trata de superar una pérdida dolorosa tirando trastos viejos al cubo de la basura. Pero las antiguallas cobran vida y se unen para crear un ser animado con una forma de andar y moverse inconfundible: no es Tom Petty, pero casi. Esos trastos evocan sus canciones rescatadas del olvido. Finalmente, los objetos se desmoronan y en el cielo se dibuja un símbolo que pone punto final a una despedida que se quedó a medio hacer. 

Tenemos este tipo de artistas, tres o cuatro, con los que sentimos que volvemos a casa o revivimos nuestra juventud, ese momento mítico que añoramos donde descubres la persona que eres en base a lo que lees y lo que escuchas. Cuando suenan, piensas: ‘Ese era yo cuando aún no me había echado a perder’. Quizá por eso nos fascinan —y se siguen vendiendo— esos momentos íntimos e inacabados de genios a los que, casi a escondidas, tenemos la esperanza de volver a escuchar en su forma más humana.

Mucho antes de que Kim Gordon, bajista de Sonic Youth, animara a “bombardear el centro neurálgico de la falocracia del rock”, las mujeres ya llevaban tiempo demostrando que podían ser excelentes guitarristas y aportar páginas a la evolución de la historia de las seis cuerdas. No ha sido un camino fácil, pero, a pesar de la tradicional falta de visibilidad y de oportunidades, la situación está cambiando.

Aún así, cuando una guitarrista solista se baja del escenario, puede que entre las enhorabuenas se cuele algún 'tocas como un tío'. June Millington, fundadora de las históricas Fanny, tampoco entiende el matiz negativo que tiene la frase 'tocar como una chica': “Claro que toco como una chica —explica convencida a elDiario.es—. Los ritmos están en mi cuerpo, en mi ADN. No trato de copiar a nadie, es que literalmente soy eso”.

Sentada en su cama, con un póster de Bob Marley a sus espaldas, la joven promesa del R&B Melanie Faye se lo toma un poco a broma. “En estos momentos, ¿qué es música de chicos o de chicas? ¿Es el metal de chicos o el pop para chicas? No lo creo”, explica por videollamada. Susan Santos, nombre clave del blues en España y con reconocimiento internacional, coincide con sus compañeras de profesión. Quiere, como todas, que se las valore únicamente por las notas que arrancan de sus instrumentos: “Si cierras los ojos y la música que escuchas te transmite algo, qué más da quien la toque. La música no tiene género”. 

Desde los fabricantes de guitarras hasta la industria discográfica empiezan a dedicar más espacio a mujeres intérpretes como la virtuosa Lari Basilio o la metalera Nita Strauss, que este año ha ocupado el primer puesto en la lista de los diez mejores guitarristas del momento de la revista Total Guitar. El reconocimiento llega también, aunque con años de retraso, para pioneras como Beverly 'Guitar' Watkins (1939 – 2019), una mítica guitarrista de blues, que limpiaba casas cuando la música no le pagaba lo suficiente, y que finalmente grabó su primer álbum a los 60 años.

Un lanzamiento pionero

“Mi madre nos acompañó a la tienda de música y alquiló los instrumentos”, recuerda Millington. Eran los años sesenta, en California, y al padre de June y Jean no le entusiasmaba que sus hijas fueran a dar su primer concierto. “Ella creyó totalmente en nosotras. Al final de año, ya lo habíamos pagado todo —rememora Millington—. ”¡Tienes que tener a tu madre apoyándote si vas a montar una banda de rock!“.

El resultado: las hermanas Millington acabaron formando una banda, Fanny (coño, en inglés) que pasó a la historia en 1970 como la primera formación de mujeres que consiguió grabar un álbum con una de las grandes discográficas, llegar a las listas de éxitos y coincidir en sus conciertos con lo mejor de la escena, como Slade o Jethro Tull. 

Millington es rápida en mencionar a quienes les ayudaron a crecer, pero también señala las resistencias que encontraron: “Mucha gente tenía prejuicios contra nosotras y creo que es porque llegamos demasiado pronto al juego. Cuestión de misoginia, no podían soportarlo”. The New York Times dijo de ellas en 1971 que eran “extremadamente buenas” pero también apuntaba que suponían “un desafío al ego masculino”. Ante los obstáculos, el camino estaba claro. “Ensayar—subraya, una y otra vez, Millington—. Nosotras estábamos totalmente obsesionadas”. 

“La madre del rock and roll”

Si en los sesenta había prejuicios, la cosa empeora si se retrocede a los Estados Unidos de los años treinta, cuando llegaron las primeras guitarras eléctricas y nadie imaginaba que se convertirían en reinas de la música moderna. Eran los tiempos de Sister Rosetta Tharpe, guitarrista cuyo legado llega mucho más lejos que su nombre. Los llamados padres del rock ‘n’ roll reconocieron la contribución de esta cantante de gospel que, ya en 1938, grabó su primer éxito, Rock me. Parece justo que ahora se le suela presentar como “la madre del rock ‘n’ roll” y que la revista Guitar Player la haya nombrado número uno en su lista de 50 guitarristas mujeres sensacionales. Con todo, Rosetta Tharpe no entró en The Rock ‘n’ Roll Hall of Fame hasta 2018.

“Si miramos la historia del blues, las pioneras eran mujeres, con el añadido de que encima eran negras. Pero cuando el blues se empieza a mezclar con el rock y los blancos se apropian del estilo, se empieza a masculinizar”, explica Susan Santos. Esta compositora, cantante y guitarrista —reconocida en los European Blues Awards como Best Musician Performance en 2018— cree que es vital que se conozca más esa parte de la historia:  “Mucha gente aún se sorprende al ver vídeos y darse cuenta de que esa mezcla de blues y rock and roll, que muchos conocieron por Chuck Berry o Elvis, ya la tocaban mujeres antes”.

Esas mujeres acompañaron a la guitarra eléctrica desde sus primeros pasos, dentro del folk, el blues o el country. Pese a que la historia no les ha concedido siempre el lugar que merecen, no deben olvidarse talentos como la blues woman Memphis Minnie (1897-1973), Mary Ford (1924-1977) o la artista country Maybelle Carter (1909-1978), a quien la guitarra debe el Carter scratch, una técnica rítmica que combina acordes con melodía y que fue muy emulada después.

Tampoco a Elisabeth Cotten (1893-1987), creadora de la técnica Cotten picking. Pioneras que allanaron el camino para artistas como Bonnie Raitt y, más recientemente, para blues woman como Susan Tedeschi o Ana Popović. También ha habido mujeres que han destacado ocupándose de las notas graves del bajo: la amplísima hoja de servicios de la bajista Carol Kaye abarca más de 10.000 sesiones, desde La bamba a Good vibrations de The Beach Boys, pasando por el tema de Misión Imposible.

El relevo generacional

“Nunca he tenido una canción en la radio o en la televisión, pero he trabajado con Quincy Jones. ¡Lenny Kravitz me sigue!”, dice, casi como si no se lo acabase de creer, Melanie Faye. La carrera de esta guitarrista de 22 años explotó en Instagram en 2017, gracias a un vídeo viral en el que demostraba cómo conjuga el sabor de los acordes de jazz con ritmos R&B y que es capaz de rendir homenaje tanto a Jimi Hendrix como a Mariah Carey. Toda una prueba de que las nuevas generaciones buscan abrir nuevos caminos y canales, como hicieron sus antecesoras.

Hasta llegar a nuestros días, sorteando barreras y apoyándose en quienes sí creían en ellas, muchas mujeres fueron consiguiendo reconocimiento. En el jazz, nadie discute el talento de Emily Remler o Mary Osborne; en el rock, la originalidad y carisma de la propuesta de Jennifer Batten se traduce en tres discos en solitario, giras y grabaciones con Michael Jackson o Jeff Beck y muchos, muchos viajes para enseñar su excelente técnica. Con planteamientos muy distintos, Joan Jett o el movimiento Riot Grrrl demostrarían que los registros más crudos también contaban con mujeres talentosas.

Empujando los límites del instrumento, los caminos descubiertos por aportaciones como la experimentación con afinaciones abiertas de Joni Mitchell enlazan con la exploración, ya en en siglo XXI, que propone Kaki King o, en otro plano, St Vincent, que incluso ha diseñado su propia guitarra con la marca Ernie Ball. Estrellas en estilos tan distintos como Lita Ford, Orianthi, Badi Assad, Ani DiFranco, Poison Ivy, Gabriela Quintero, Yvette Young o las hermanas Rebecca y Megan Lovell (Larkin Poe) dan fe de que hay audiencias dispuestas a valorar lo que tienen que ofrecer. 

Es imposible repasar todas las instrumentistas que, de una u otra manera, han contribuido a que la guitarra eléctrica se convirtiera en la reina omnipresente de la música moderna. Mucho más si se amplía el foco para incluir a la guitarra clásica, con nombres como Sharon Isbin y Charo; o a la flamenca, con la que destaca Antonia Jiménez. Incluso ahora, con los ritmos urbanos ganando cada vez más terreno a los estilos que abrazaron la guitarra como bandera y parte indisoluble de su ADN, nuevas compositoras e intérpretes se añaden a la lista, y muestran que es precipitado dar por muerto a este instrumento. 

“La guitarra va a sobrevivir siempre que los músicos se adapten, como sobrevivió el piano —dice Faye cuando se le recuerda que hay quien cree que el instrumento está en coma—. Los estilos se adaptan a los nuevos tiempos”. Faye descubrió la guitarra y el rock a través del videojuego Guitar Hero III. Cambió el mando de plástico por una eléctrica real, estudió música en serio y, cuando Internet la descubrió, empezaron a pasarle cosas como que Bibi McGill, la guitarrista y directora musical de la banda de Beyoncé, le pidiera una de sus clases particulares. 

Estas mujeres insisten en la importancia de esforzarse por mejorar, dejar a un lado los insultos y seguir adelante. “En el circuito del blues hace diez años había muy pocas mujeres, y menos jóvenes. Yo iba a las jam sessions y, al principio, por ser chica no me daban la oportunidad de subir al escenario. Los inicios fueron muy complicados, con el tiempo fue cambiando y ahora me siento muy querida en Madrid. Hoy es más fácil ver mujeres —apunta Santos—. Si tienes algo que aportar a la música al final encuentras tu sitio, pero lo tienes que luchar más que los hombres”. 

Revolucionar la industria

La industria ha cambiado por el camino. “En los últimos años, muchos medios de comunicación, e incluso muchos hombres, han intentado apoyar a aquellas mujeres que tienen algo que aportar. Pero aún están en minoría —apunta Santos, que acaba de publicar The L.A. Sessions—. A la mujer, por el hecho de ser mujer, se le exige más: ser guapa, maravillosa y hacerlo bien”.

“Tienes que ver quién eres, qué quieres y hacer eso. Si eres buena, nadie va a ser capaz de detenerte. Pero ser buena significa trabajar mucho, muy duro”, subraya Millington, la guitarrista de Fanny, que también es cofundadora de Institute for the Musical Arts (IMA), una organización sin ánimo de lucro para empoderar a las mujeres que quieren ser músicas. “Hay mucha información que estamos pasando a la siguiente generación, y ellas la transmitirán a la siguiente”, apunta. Es el mismo espíritu que ha empujado su canción Play like a girl, surgida de un comentario desafortunado que las Millington han transformado en lema: «Si te dicen que no puedes hacerlo, simplemente sube el volumen y toca como una chica».

La icónica marca Fender, creadora de la omnipresente stratocaster, desveló en 2018 que el 50% de las ventas a guitarristas debutantes correspondían a mujeres. Ese mismo año, Nita Strauss se convertía en la primera mujer espónsor de Ibanez, marca que desde este año también representa la brasileña Lari Basilio. En Fender, han rematado 2020 confirmando el modelo signature diseñado para H.E.R., la primera artista negra en firmar este tipo de acuerdo con la marca; también el de la multinstrumentista Tash Sultana. 

Santos, que ha sido endorser de Fender, y ahora de la también icónica Gibson, cree que hay marcas que están intentando apoyar: “Gracias a eso, vaya a donde vaya, me dan una guitarra y amplis. Hay que potenciar y ayudar a las mujeres que se dedican a la música. Esto hace diez años, era muy raro. Era inusual que en un catálogo de guitarra vieras a alguna guitarrista como referencia o endorser”. Un gran cambio que ha saltado también al marketing, donde las fotografías sexistas de modelos van dejando paso a las músicas. 

Da igual lo que digan las listas de tops, las convenciones sociales o las crónicas y portadas dictadas por la industria musical. Desde el blues al hip hop, de lo más técnico a lo más instintivo, ejemplos de mujeres con talento hacen sonar su música en los silencios que la historia les ha querido imponer. “Establecer tu propio estilo, tocar tus canciones y volar: esa es la libertad definitiva —dice June Millington—. Nadie puede atarme cuando estoy tocando la guitarra. Nadie”.

Mucho han cambiado las cosas desde finales de los años 90, cuando Ovidi Tormo y su hermano Álvaro empezaron a montar bandas de rock. El apodo de “Cigarros” —por su pelo rubio y complexión delgada— les venía de chavales, pero aún quedaban años para que llegara la Z con la que Los Zigarros han ido conquistando posiciones. A base de pisar mucho escenario, se han ganado un estatus que les permite invitar a las tablas a colegas como Fito, Carlos Tarque, Leiva, Ariel Rot, Aurora García o su productor, el guitarrista Carlos Raya. Para inmortalizar los dos llenos absolutos que protagonizaron en el Circo Price, los valencianos rescatan el título de una de sus canciones para bautizar su nuevo lanzamiento: ¿Qué demonios hago yo aquí? Directo desde Madrid. 

Asumiendo a rajatabla ese manual de estilo de rock 'n' roll que arranca con Chuck Berry, le debe mucho a The Rolling Stones y trae a la mente a bandas como Tequila o Burning, Los Zigarros tocarán en la La Riviera (Madrid) el 26 de diciembre para presentar su nuevo CD/DVD. Ovidi, cantante, guitarrista y compositor de la banda, cuenta por teléfono a elDiario.es la razón de ser de un disco grabado con amigos y que es una celebración del rock 'n' roll, incluso en tiempos de pandemia.

¿Qué se siente al salir al escenario del circo Price, ver que está lleno y saber que lo que pase ahí va a quedar inmortalizado?

Eso fue muy fuerte. El sitio era acojonante, brutal. Nosotros no habíamos grabado nunca un DVD. Además grabamos con ídolos a los que admiramos muchísimo y con los que hemos crecido como Fito, Tarque o Ariel Rot. También con amigos que nos hemos ido encontrando por el camino como Leiva, Ángel Vera o Aurora García. Pero bueno, no lo recuerdo como algo especialmente estresante, fue todo muy natural. Llevábamos un año de gira muy potente tocando ese repertorio. En los ensayos, las canciones de los colaboradores cuadraban muy bien. Al final, dentro de la importancia que tenía, lo pudimos disfrutar, que era lo importante.

¿Recuerda sus primeros conciertos? 

Perfectamente. El primero fue en Madrid en la sala Moby Dick. Fue una presentación para medios. Recuerdo que vinieron un poco los mismos que ahora han grabado el DVD con nosotros, pero aún no nos conocíamos. Estuvo Fito, Quique González… un montón de gente para ver el nuevo grupo de rock que había fichado Universal, que era un poco la promesa y no sé qué y no sé cuál. Pero ahí éramos muy pollos todavía y cuando me imagino ese momento, ¡me da una vergüenza…! Ahora la banda es un mega cañón. En ese momento, todo era mucho más inocente. 

¿Cómo surgieron las colaboraciones con Leiva, Fito, Tarque y demás?

Lo que queríamos era colaborar con gente con la que tuviéramos relación. No queríamos tirar de teléfono y llamar alguien con el que nunca coincidimos. Esa era la premisa. Siempre lo ha sido, desde el primer día.  

Por estar con Universal siempre hemos tenido la posibilidad de colaborar con mucha gente famosa, digamos. Pero siempre dijimos que no. Hicimos tres discos nosotros solos, sin colaboraciones de ningún tipo para intentar encontrar nuestro sitio por nuestros propios esfuerzos. Hasta que llegó el momento de decir “joder, vamos a darnos un gustazo y a grabar un DVD”. Ahí, llamamos a los amigos: Fito, que es un amor, la mejor persona; Tarque, que es de nuestra pandilla en el pueblo; Leiva, con el que compartimos todo y tenemos la banda de versiones Gran Cañón; Carlos Raya, que es el quinto Zigarro y productor; Ariel Rot, que es amigo y nos invitó a grabar un par de temas para su último disco; Aurora, que es amiga y ha cantado muchos temas con nosotros; y Ángel, que toca la armónica conmigo desde hace 15 años. Todo el mundo es muy cercano. Lo que queríamos era eso: celebrar el rock 'n' roll y el fin de la primera etapa de Los Zigarros con amigos. 

A la hora de componer, ¿es difícil escribir algo nuevo sin salirse del rock 'n' roll?

Yo diría que es difícil escribir algo nuevo y punto. Sea en el rock 'n' roll o donde sea. El objetivo en nuestro caso no es tanto escribir algo nuevo, sino que nos mole. Luego, si le gusta a la gente, es la hostia. Pero es clave que te guste a ti primero. 

El rock como forma artística está inventado desde hace 60 años; lo nuevo son las aproximaciones a él. Las canciones pueden ser muy similares, las puedes vestir o abordar de muchas maneras, pero en el fondo una canción es siempre una canción: empieza, estrofa, estribillo, solo y acaba. En ese marco tienes que hacer algo. Se trata de aportar lo tuyo y lo único distinto que puedes aportar es lo que tienes tú, que no tiene el otro. Es así en las canciones y en la vida. La música la comparo siempre con la comida: todos sabemos con qué se puede combinar el arroz, pero la diferencia es hacerlo a tu manera y que esté bueno. 

¿Han tenido algún momento en su carrera en el que realmente se hayan preguntado “¿Qué demonios hago yo aquí?”

Es una pregunta que te la podrías hacer en cualquier momento de la vida. Yo me la hago continuamente. Le pusimos ese título al disco principalmente porque mi hermano y yo, que siempre hemos seguido el camino de la música y el rock 'n' roll, nos acordábamos de cuando estábamos en nuestro cuarto escuchando a Nirvana y todo estaba muy en contra. Y de repente, 25 años después nos vemos con Los Zigarros triunfando en un escenario acompañados de gente muy importante. En ese momento, te preguntas: ¿qué demonios hago yo aquí? Es muy psicodélico, muy fuerte pensarlo. 

El disco arranca con Apaga la radio, ¿sienten que los medios no tienen en cuenta a las bandas de rock? 

Sentimos que los grandes medios no tienen en cuenta la cultura en general. Yo creo que la radio debería ser un altavoz de lo que pasa en el país, la ciudad y en el pueblo. Esa debería ser su meta. 

Cuando me preguntan '¿cómo está el rock 'n' roll en este país?', digo que el rock 'n' roll está siempre bien. Llevamos ensayando en locales industriales toda nuestra vida y siempre están llenos de bandas de rock 'n' roll. Lo que pasa es que los grandes medios no les hacen ni puto caso. En la televisión no hay casi programas de música: está Buenafuente, que lleva toda la vida apoyando la música, La hora musa o Un país para escucharlo, de Ariel Rot. Pero ya no ves un solo de guitarra en la tele ni apenas músicos, salvo contadísimas excepciones. Los grandes medios de comunicación son basura, eso es obvio y todo el mundo lo sabe. No reflejan la realidad. Por ejemplo, en este país tenemos un hip hop extraordinario que es absolutamente underground. Eso es un crimen, no lo puedo entender. En EEUU, Francia, o Inglaterra la música es una industria enorme y aquí no se le hace caso ni al flamenco.

¿Cómo sobrevive una banda en época de pandemia sin directos? 

Depende de la banda, claro. En nuestro equipo, que somos nueve, hay gente que ha tenido que buscarse la vida un poco por fuera del mundo musical. Mi hermano y yo, por ejemplo, tenemos bandas de versiones y tocamos en bares. Ahora parece que todo se normaliza un poco y que podremos tocar en el 2021, pero la situación no está muy bien, la verdad. 

Me parece terrorífica la gestión que han hecho con nuestro sector. El otro día fuimos a tocar a Canarias, el único concierto que hemos dado desde enero, y seguimos el protocolo al pie de la letra. Es curioso, porque justo enfrente había un centro comercial y estaba llenísimo. Obviamente nadie puede con Zara o Mango, pero es muy descarado que nosotros llevemos un año sin poder trabajar y el centro comercial esté como si nada. Es un poco putada, la verdad. 

¿Qué medida cree que se podrían haber tomado para que os sintierais más respaldados? 

Por ejemplo, se pueden hacer conciertos de otra manera. Es muy sencillo. No hace falta que sean a las 12 de la noche y tomando cubatas. En el auditorio de Canarias, tocamos a las 21:00 horas, salimos a las 22:30 y allí no se contagió nadie, os lo puedo asegurar. Ese modelo de concierto se podría haber aplicado al resto de ciudades, pero hacen falta políticos que piensen en alternativas. Lo fácil es decir 'no se puede hacer nada, todo cerrado'. El mundo de la cultura estamos siendo 100% ninguneados.

Hay quien quiso hacer doblar las campanas antes de tiempo, y no se puede decir que no hubiera razones. AC/DC llegaba a 2020 tan en las últimas, que parecía imposible que pudiera seguir adelante: su cantante Brian Johnson se había retirado de los escenarios por problemas auditivos, el batería Phil Rudd tenía asuntos pendientes con la justicia por amenazas de muerte a un empleado, Cliff Williams daba por jubilado su bajo y Malcolm Young, guitarra rítmica —y la mitad del corazón de la banda—, moría en 2017 tras sufrir demencia. Pero, en 47 años de carrera, no es la primera vez que AC/DC tiene que asumir pérdidas irremplazables. 

Pese a la acumulación de malas noticias, la banda australiana ha publicado en viernes 13 su decimoséptimo disco, Power Up. En pleno y pandémico siglo XXI, el guitarrista Angus Young reagrupa a los suyos y recupera su uniforme de colegial para poner a prueba, una vez más, el tremendo éxito de una fórmula aparentemente sencilla pero eficiente y, sin duda, longeva. 

El estilo de AC/DC se reconoce al instante. Casi a primera vista, en su música se aprecia el ADN del blues y rock ‘n’ roll, pasado por su máquina de ritmo contagioso y sin miramientos. En esos riffs bamboleantes, en cada ráfaga de notas afiladas, está el sentido del espectáculo y las ganas de disfrutar de Chuck Berry, la contundencia y saber estar de bluesmen como John Lee Hooker. Sin purismos, claro, porque esto no va de ponerse serios. AC/DC no es nada más —ni nada menos— que una grandiosa banda de rock ‘n’ roll, un brindis por las cosas sencillas pero bien hechas, que al sumarse dan como resultado algo mucho más grande que sus modestas partes.

Más que un regreso, es casi una resurrección. “Ya han tenido varias. Son buenos en eso —explica a elDiario.es por teléfono Clinton Walker, periodista australiano y autor de la biografía Highway to Hell—. Pero como siempre, han encontrado la manera de superarlo todo”. El nuevo disco ve la luz precisamente en el 40º aniversario de su álbum Back in Black (1980), con el que se repusieron a la pérdida del fallecido pero inmortal Bon Scott. Un paralelismo que ha subrayado el propio Angus Young, al asegurar que “Power Up está dedicado a Malcolm, así como Back in Black fue un homenaje a Bon”. 

Resistir es vencer

Nadie aspiraba a que este álbum pudiera tratar de tú a tú a los grandes discos que han consolidado el nombre de AC/DC; pero, si resistir es vencer, hay algunas buenas noticias. Stevie Young hace un buen papel sustituyendo a Malcolm Young y en la voz de Johnson no se aprecia el calvario por el que ha pasado. Creado a partir de composiciones inacabadas de Malcolm y Angus, Power Up es una nueva colección de canciones con las señas de identidad de la banda bien visibles, pero en la que no hay himnos. 

En la estela de los anteriores discos Black Ice y Rock or Bust, también producidos por Brendan O’Brien, Shot in the Dark o Realize son sus momentos más disfrutables, con Through the Mists of Time como punto más melódico y la adrenalina de Demon Fire azuzando uno de esos boogie rock que les caracterizan. Pero lo más valioso de este lanzamiento quizá sea la promesa implícita de una nueva gira, la prueba palpable de que estos sexagenarios —septuagenarios, en el caso de Johnson— siguen con ganas de más.

Nada ha podido parar aún a AC/DC. Ni los momentos más duros ni los más inverosímiles, como cuando en un concierto en Melbourne el único espectador solo estaba ahí para partirle la cara a un Angus por entonces novato, como recuerda Walker. Desde que eran unos críos han tratado de mantener la bandera del rock ‘n’ roll con vida y no les ha quedado otra que aprender a seguir adelante. It’s a long way to the top if you wanna rock ‘n’ roll. 

Volver de luto

En su mejor momento, tras la repentina muerte de Bon Scott, parecía llegar también la de AC/DC, esa banda de rock que había nacido en 1973, en plena era del punk, cuando se creía que en el mundo no había sitio para otro guitar hero a la vieja usanza. 

Walker los vio en 1974, aún tiernos pero con su espectáculo ya definido: “Había que ser muy bueno en el circuito australiano de pubs, porque el público siempre podía saltar de un concierto a otro en el bar de la esquina”. Sin reparos, estos chicos pregonaban que había algo más que las escasas opciones que les ofrecía su clase social, algo más allá de la fábrica o, si acaso, el fútbol. Su salida no era la anarquía del punk, sino el rock ‘n’ roll. “Hay quien dice que su estilo es simplón, no lo veo así. Es instintivo, intuitivo, no es literal: no se trata de escribir letras como Bob Dylan, sino como Little Richards —apunta Clinton Walker—. Y Bon era un gran contador de historias”.

Pero en 1979, tras confirmar con su sexto trabajo internacional, Highway to Hell, que tenían grandes aspiraciones y el talento con el que respaldarlas, aparecía muerto Bon Scott. Se apagaba el ingenio, la peligrosa chispa que corría sobre el latido seco y seguro de la guitarra de Malcolm y la energía de la de Angus Young.

Apostando por Brian Johnson, un nuevo cantante muy alejado del registro y estilo de su predecesor, la banda asumía el doble reto de volver tras un disco redondo y sin la voz con la se habían consolidado. Decir que la jugada salió bien es quedarse cortos: Black in Black es uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Pero no podían bajar la guardia. “Tengo nueve vidas—cantaría Johnson en el tema homónimo—. Abusando de cada una de ellas”. Efectivamente, ha hecho falta quemar varias vidas hasta llegar a Power Up.

Sobrevivir al vídeo

En los ochenta, mientras las nuevas generaciones encontraban sus referentes en Guns ‘n’ Roses o Van Halen, AC/DC buscaba la manera de no perder su puesto en primera línea. Pero si For Those About To Rock no estaba al nivel del anterior superventas, Flick of the Switch bajaba aún más el listón. Se producía además una despedida importante: Phil Rudd. Los grandes baterías que intentaron sustituirle demostraron hasta qué punto el estilo de Rudd es clave en el empaque y pegada de AC/DC.

Había que ser más descarado, más llamativo, más rápido. AC/DC buscaría cambiar sin hacer cambios. Los hermanos Young asumieron esta misión imposible autoproduciendo Fly on the Wall. Celebrado por algunos —el cantante de la banda Airbourne, discípulo de esta faceta más cafre— y apedreado por muchos, la jugada surtió efecto en un sentido: sus vídeos se colaron en cadenas como MTV. El año siguiente, enterrado en la banda sonora de la película Maximum Overdrive, el tema Who Made Who (y el consiguiente videoclip), confirmaba que la MTV no iba a matar a las estrellas de la radio, sino, en su caso, más bien lo contrario. 

Aunque AC/DC lograba llegar a las nuevas audiencias, el contador de temas memorables se quedaba a cero. Necesitaban una sacudida. “Es cierto que en aquella época algunos críticos, y quizá yo entre ellos, nos planteáramos hacia dónde iba AC/DC. Pero consiguieron salir de esa fase”, apunta Walter Scott, que cree que la clave ha estado en que siempre fueron una gran banda de directo. 

El gran golpe en la mesa llegaría en 1990, con el single Thunderstruck. Por primera vez en años, daban con una canción de las que suenan obligatoriamente en cada uno de sus conciertos y, también, en cada tienda de guitarras eléctricas. Con su reinado bien cimentado y con Rudd de nuevo a las baquetas, llegarían sencillos tan resultones como Hard as a Rock (1995) o el riff de Stiff Upper Lip (2001). Quizá sus discos no eran redondos, pero ya no tenía sentido sugerirles la jubilación anticipada. 

¿“No Malcolm = No AC/DC”?

Recuperarse de la muerte de su fundador, motor tanto rítmico como creativo, se antojaba un paso tan complicado como reemplazar a Bon Scott. Aunque los solos de Angus sean el sudor y el nervio, los zarpazos sobrios pero definitivos de Malcolm son esenciales en el secreto de la longevidad de la banda que el australiano creó, como explicaría a su hermano al reclutarlo, para tocar “puro rock”. 

Tanto es así que algunos fans han resumido de manera clara su opinión en redes: “No Malcolm = No AC/DC”. Quizá Angus, a pesar de seguir tal y como pidió su hermano, les dé la razón, porque lo cierto es que Malcom es el protagonista de cada entrevista que concede y la firma de ambos aparece en los créditos de esta nueva entrega. Ya en la anterior gira mundial, la demencia hacía que Malcolm tuviera que reaprender sus propias canciones. En la parte de atrás del escenario, mientras el estadio rugía, luchaba contra la enfermedad. Para la grabación de Rock or Bust, su sobrino Stevie Young sería su sustituto, quien ya le había reemplazado en directos. Finalmente, Malcolm dejaría la banda y moriría en 2017.

A este desastre, suficiente para finiquitar la banda, se sumaban graves acusaciones contra Rudd, quien finalmente admitiría las amenazas de muerte a un empleado y estuvo en arresto domiciliario por tenencia de drogas. La banda acabaría girando sin él, sin Malcolm e incluso sin Brian Johnson, debido a problemas auditivos que, antes de su tratamiento, parecían incompatibles con la vida de un músico de grandes estadios. “No podía escuchar el tono de las guitarras en absoluto. Era una forma horrible de sordera”, le explicó a Rolling Stone. En una imprevisible carambola, el vocalista fue sustituido por Axl Rose, de Guns ‘n’ Roses, que durante parte de la gira se vio obligado a cantar en silla de ruedas. El resto es historia: gira terminada, disco nuevo. 

Llegados a este punto, AC/DC ha sobrevivido a bandas más jóvenes que podían haber recogido su testigo pero han acabado disueltas o noqueadas. Hacer pronósticos contra ellos da mala suerte. Aunque es complicado que sus nuevos temas lleguen a la altura del rock de alto voltaje que firmaron en sus momentos más brillantes, siempre es posible añadir una muesca más a su historia. Antes de darlos por muertos, hay que recordar que son expertos en volver a la carga. 

A Fabiola Rosero le dijeron una y otra vez que aquello era una “pérdida de tiempo”, que no podía “dejar botado [tirado] al marido”. Que su obligación era “atender la casa”. También se lo repetían a Rosa y a otras muchas mujeres que forman parte de la red de agricultura urbana de la ciudad de Quito que, desde 2002, permite a muchas personas en situación de vulnerabilidad, sobre todo mujeres, mejorar su soberanía alimentaria y empezar un negocio sostenible.

El proyecto Agricultura Urbana Participativa (AGRUPAR) arrancó con una pequeña huerta a los pies del Panecillo, el monumento turístico a la virgen que vigila la ciudad y que, según dicen muchos quiteños, da la espalda a los barrios más marginales del sur. Ahora, 15 años después, hay 3.500 huertos orgánicos dispersos en varios puntos de la geografía urbana de la capital ecuatoriana.

La iniciativa ha sido premiada con el galardón Impulso para el Cambio concedido por la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático (COP23), que se ha celebrado en Bonn (Alemania) hasta este viernes. Este premio reconoce acciones innovadoras y replicables que cumplen con los compromisos sobre cambio climático del Acuerdo de París y con los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS).

“Me he liberado, ya no estoy esclavizada en el hogar”

Fabiola siempre trabajó como ama de casa y, durante algunos años, enfundando caramelos. “Con este proyecto me he liberado. Ya no estoy esclavizada en el hogar”, cuenta mientras coloca con mimo el maní [cacahuete] y otros frutos secos que vende en una de las 17 bioferias semanales organizadas por AGRUPAR. Trabaja en equipo con sus dos hermanas. Todo sus productos salen de la huerta de su hermana mayor.

Fabiola y Rosa le dan el valor añadido en la cocina de su casa, que es su micro fábrica. Sus familiares, sobre todo sus maridos, han pasado de criticarlas a ayudarlas. “He aprendido a valorarme, a demostrarme que no soy inútil. Ya no estoy esclavizada en el hogar”, repite Rosa, de 58 años. “Hemos creado un grupo de apoyo entre mujeres para aprender de la mano”, explica.

Alrededor de 4.000 agricultores urbanos, periurbanos y rurales participan en el proyecto. Más del 80% son mujeres. Una de las claves del éxito y la longevidad de esta iniciativa radica, dicen, en cómo se coordinan los propios productores para garantizar que el proyecto sea sostenible. Montan y desmontan las bioferias, transportan su mercancía, idean mecanismos participativos para mantener sus estándares de calidad y buscan soluciones comunitarias a sus necesidades. En las mingas [jornadas de trabajo en comunidad], construyen invernaderos y contactan con las compañeras que tienen plántulas listas para sembrar.

Teresa Ramírez tiene 69 años y trabaja desde los nueve. Ha convertido el patio de su casa, situado en una parroquia rural e indígena de la ciudad, en su sostén económico. Allí cultiva hortalizas orgánicas desde hace ocho años. “Lo que crece en el huerto, va directo a la olla. Ahora somos autosuficientes. También, tengo otro trabajo, preparo comida para la escuela con los propios productos de mi huerto”.

El 53% de la producción de AGRUPAR se destina al autoconsumo y el 47% a la comercialización. Esta está coordinada por el ayuntamiento, que también se encarga de la formación y del seguimiento técnico del proyecto.

Huertos urbanos como antídoto contra el hambre

La agricultura urbana y periurbana, según la Organización de la ONU para la Alimentación y la Agricultura (FAO), permite dar respuesta a una gran diversidad de retos que afrontan las ciudades como la participación ciudadana, el ordenamiento del territorio, la seguridad alimentaria y el combate a la pobreza. Un 30% de los habitantes de Quito viven con sus necesidades básicas insatisfechas, según datos del ayuntamiento. La pobreza extrema afecta al 7% y casi un tercio de los menores de cinco años padece desnutrición crónica.

Debido al aumento de la migración del campo a las ciudades, la demanda urbana de alimentos se incrementará y se podrían generar problemas de suministro, algo a tener muy en cuenta en ciudades como Quito, muy dependiente del abastecimiento exterior y con posibilidades de sufrir una catástrofe ambiental al estar rodeada por volcanes.

“El último año vendimos unos 300.000 dólares. Es chévere porque el dinero se queda aquí. Estamos haciendo un estudio sobre la política alimentaria de Quito. El 5% de lo que se consume aquí es local. El otro 95% viene de fuera”, explica Pablo Garófalo, uno de los técnicos del ayuntamiento de Quito que trabaja en la comercialización con AGRUPAR.

Como reconoce el premio de la COP23, estos huertos no son un mero pasatiempo: contribuyen a mejorar la soberanía alimentaria, combatir el cambio climático y fortalecer el tejido social y la economía local, respetando los saberes ancestrales de la población.

Así, técnicos y agricultores intercambian lo aprendido. Normalmente no siembran un día antes del Día de Difuntos, “porque el muerto se lleva la semilla”. Muchos siguen moliendo en piedra y secan los productos en hornos de leña. Otros han recuperado productos ancestrales que se estaban perdiendo como la oca, la mashua, la jícama y otros tubérculos que los más jóvenes no conocían.

Según cifras oficiales, durante estos 15 años se ha capacitado a más de 19.300 personas y sus productos han llegado a más de 100.000 consumidores. Y tratan de responder a sus demandas. “Ahora tenemos más de 40 tipos de hortalizas orgánicas y alrededor de 105 productos transformados de panadería, galletería o snacks”, señala Garófalo.

“Ya no espero que mi esposo me dé dinero”

Reducir y aprovechar los desperdicios ha sido otra de las bases del proyecto. La sobreproducción se soluciona transformando los excedentes en mermeladas y otros productos derivados. También se autogestionan el abono, como María Esther Pumisach, que regenta su propia granja. “Aprovecho los animales para tener mi propio abono y vendérselo a las compañeras. Yo sé de dónde proviene mi abono. No tiene productos tóxicos”, explica.

María Esther es otra veterana de la iniciativa. Empezó con un huerto y luego se lanzó a criar animales. Los primeros pollos los compró junto a otras cinco personas. Su primer cerdo se lo regaló el proyecto. Ahora, 10 años después, María Esther gana unos 200 dólares el mes que menos, pero a veces llega hasta los 700. Como Rosa o Fabiola, ha encontrado en sus cultivos y productos una válvula de escape para ser autosuficiente. “Me gestiono yo misma y ya no espero que mi esposo me dé (dinero). La vida me ha cambiado bastante”.

Las reservas marinas se crearon para poner una barrera al mayor depredador de los océanos: el ser humano. Mientras especies en peligro de extinción como el tiburón martillo permanecen en zonas protegidas, no corren peligro. Pero estos animales son migratorios. Antes o después se moverán de la reserva y los que han hecho un negocio de su captura lo saben. Áreas de gran biodiversidad como la reserva de Galápagos (Ecuador) son el reclamo para empresas que se lucran con la pesca ilegal, un negocio que, según la La Organizacón de las Naciones Unidas para la Alimentación (FAO), supone alrededor de un 28% de las capturas mundiales de pescado.

El caso del barco de carga chino Fu Yuan Yu Leng 999, que fue detenido el 13 de agosto en Galápagos con 300 toneladas de pescado, ha visibilizado un problema del cual no se tiene cifras exactas aunque se le atribuyen 19.000 millones de euros al año. Galápagos es la segunda reserva marina más extensa del mundo, según contabiliza el Gobierno ecuatoriano. 

Las flotas pirata recorren los sobreexplotados océanos. “Estamos a las puertas de un colapso de nuestros océanos, de nuestros peces, sobre todo de las especies comerciales. Algunas ya están en peligro de extinción, otras, en situación de vulnerabilidad”, advierte precisamente el director del Parque Nacional de Galápagos, Walter Bustos. Estas prácticas ilícitas representan también una amenaza para la soberanía alimentaria de muchos Estados, principalmente en los países en vías de desarrollo.

En las bodegas del carguero chino se interceptaron 6.623 tiburones de cuatro especies: el martillo, el zorro ojón o de anteojos, el zorro pelágico y el sedoso. Todos estos escualos figuran en la lista roja de la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN), que registra las especies en peligro de extinción o en situación de vulnerabilidad.

“Hay un problema muy grande de pesca ilegal, de pesca ilegal camuflada, aupada por muchas instituciones, legislaciones y gobiernos en todo el mundo”, explica Bustos, que cree que lo ha ocurrido en aguas ecuatorianas necesita una respuesta internacional.

Ángulos muertos en alta mar

La ausencia de una normativa internacional vinculante dificulta la persecución de la pesca ilegal. En la cercana cumbre europea sobre el mar, Ourocean, algunos expertos como Bustos intentarán sumar apoyos para que la ONU impulse un acuerdo global que proteja la biodiversidad marina y mejore las medidas existentes.

Buscan así paliar la impunidad que reina en aguas internacionales y consensuar un régimen de medidas sancionadoras que desincentiven estas prácticas. “En Europa, no hay condenas de cárcel, como en Ecuador. Son sanciones administrativas. Las multas pueden no ser lo suficientemente disuasivas”, explica Celia Ojeda, experta de Greenpeace. 

Cuanto más se alejan los buques de la costa, más difícil es controlar sus actividades pesqueras. Es en alta mar, fuera del alcance de las legislaciones estatales, donde las embarcaciones encuentran el ángulo muerto para camuflar sus capturas ilícitas. “La venta, comercialización y transbordo de pesca en aguas internacionales está totalmente prohibido y sin embargo está ocurriendo”.

Para evitar la entrada a puerto de la pesca ilegal, la FAO aprobó en junio de 2016 el Acuerdo sobre medidas del Estado Rector del Puerto. Además de reforzar el control portuario, los estados firmantes se comprometían a compartir información sobre los llamados ‘buques piratas’. “De momento, no existe una única lista oficial de embarcaciones ilegales que compartan todos los países. Eso hace que la pesca ilegal sea incontrolable”, explica Ojeda. 

China es uno de los países que no ha suscrito el acuerdo de la FAO. Las empresas chinas navegan cada vez a mares más lejanos ante la sobreexplotación experimentada en sus aguas territoriales que han diezmado las pesquerías. El país asiático soporta una gran demanda de pescado es el primer exportador mundial. Su flota es la mayor del mundo gracias, en parte, a las millonarias subvenciones que concede el Gobierno. China ha prometido reducir los subsidios de combustible a su flota en un 60% para 2019.

“Recuerdo viajar en transporte público. Fui manoseada y vi a hombres masturbándose en un autobús. Todo esto ocurrió cuando tenía 12 ó 13 años”, explica a eldiario.es Elsa D'Silva, activista en India. No es el único país donde los espacios públicos son inseguros. “Ocurre en todo el mundo. La diferencia está en el volumen, la frecuencia con que sucede y cómo de extremo es el acoso”, señala la experta Holly Kearl, directora de Stop Street Harassment y una de las coordinadoras de la International Anti-Street Harassment Week (Semana Internacional contra el Acoso Callejero), que se celebra hasta el sábado 16 de abril en ciudades de 37 países. Ninguna es española.

Durante estos siete días, actividades presenciales y acciones online, como las tweet chats (#EndSH) o la campaña lanzada por seis países latinoamericanos bajo el hashtag #NoEsMiCultura, buscan que se escuche la voz de las personas que sufren estas actitudes machistas y reapropiarse de la narrativa. En España no hay actividades programadas pero las organizadoras animan a participar delante del ordenador o sumándose a la pegada internacional de carteles que se pueden descargar en la web Stop Telling Women to Smile Stop Telling Women to Smile(deja de pedir a las mujeres que sonrían).

“El acoso callejero está en el espectro de la violencia de género”, afirma Alicia Wallace, de Hollaback! Bahamas, una de las promotoras de esta semana de acción global. Piropos y comentarios sexuales no deseados, miradas o gestos lascivos, acercamientos intimidantes, fotografías sin consentimiento, agarrones, presión de genitales sobre otro cuerpo, exhibicionismo, masturbación pública, persecución. “El acoso callejero se ha normalizado y es visto como una parte más de la vida que la gente –las mujeres en particular– deben esperar”, concluye. En España, la activista y parlamentaria de Podemos Beatriz Gimeno confirma que no hay datos estatales, pero opina que “el acoso existe aunque no alcanza los niveles de otros países”. Percibe un auge de incidentes contra la comunidad LGTBQ.

El caso de Afganistán

“Caminar en grupos rara vez evita el acoso. El uso de ropa conservadora no ayuda. En Kabul, he visto a mujeres con burkas azules acosadas tanto como las mujeres en pantalones vaqueros. El problema no es en absoluto cómo visten las mujeres, sino la sensación de que el hombre tiene derecho a los cuerpos de las mujeres en los espacios públicos”, escribe Noorjahan Akbar, la fundadora de la web Free Women Writers.

Una de las consecuencias del acoso callejero es que “afecta seriamente a la calidad de vida, ya que limita la libertad de movimiento y daña a la salud mental” explica Narayan Khatiwada, presidenta de la Juventud de Defensa de Nepal (YAN).

La Semana Internacional propone acciones como la entrega de tarjetas a los acosadores en Alemania, el ensayo de réplicas mediante juegos de rol en Estados Unidos o el mapeo de las zonas conflictivas en Guatemala o India, como hace Safecity. Las nuevas tecnologías han dado herramientas a los acosadores, pero también a las activistas. El objetivo es que las víctimas puedan “romper el silencio, compartir sus experiencias anónimamente, utilizar datos para tomar decisiones informadas, involucrar a la comunidad y hacer que las instituciones hagan su trabajo”, detalla Elsa D'Silva.

Ciudades con enfoque de género

Se incide en que las ciudades necesitan un enfoque de género. D'Silva destaca que las localizaciones menos accesibles, como aseos y subterráneos, y las más concurridas, como estaciones de tren mal iluminadas, son “zonas de confort para un agresor”. El transporte público ocupa un lugar destacado en el programa de esta semana. En Filipinas se entrenará a 100 conductores de tuktuk y en Papúa Nueva Guinea se entrevistará a las pasajeras que estén usando paradas solo para mujeres. Medidas similares también existen en Europa: bajo el nombre Project Guardian, Londres ha lanzado una campaña contra el acoso en el transporte público, como ya hicieron Vancouver o Nueva York, ciudades donde Hollaback! es muy activa.

En el sexto año de la convocatoria, las organizadoras reconocen ciertos avances. La directora del Observatorio Contra el Acoso Callejero (OCAC) de Chile, Francisca Valenzuela, cree “que se ha posicionado el tema en los medios y al menos conceptualmente las personas se refieren a él como un tema de violencia”.

No hay consenso en si se deben hacer leyes que aborden específicamente el tema. Activistas de Argentina, Chile, Bélgica, India o Portugal celebran su penalización legal, mientras que otras como Hollaback! creen que “legislar aumentarían la penalización que afecta predominantemente a las personas de color, de bajos ingresos. No queremos revictimizar a los hombres que ya son discriminados por el sistema”. Todas son partidarias de adoptar medidas que involucren a las comunidades. Narayan Khatiwada, activista nepalí, destaca que “en ausencia de conciencia, las leyes y la política no pueden ser implementadas de manera efectiva”.

No se puede entender el acoso sin escuchar a las víctimas. “Si eres un espectador, como muchos hombres, podrías no ser capaz de reconocerlo o no sentirte motivado a intervenir. La mayoría de los hombres que han asistido a nuestros talleres afirman que no conocían la magnitud del problema, ya que las mujeres y niñas no comparten sus experiencias”, afirma Elsa D'Silva desde India.

Valenzuela sabe qué le diría a alguien que no considere que el acoso tiene que ver con la violencia machista: “Todas estas expresiones alimentan un continuo de violencia que debe comprenderse y erradicarse por completo. Si lo más grave –como el feminicidio o la violación– te parece un problema, debemos aprender a ver los síntomas previos que generan una cultura de machismo, desigualdad y violencia”.