Los milagros existen. En la llamada Cordillera Sur, a los pies del monte Miravete y en plena huerta de Murcia renace el nuevo espacio cultural de la asociación La Madriguera. Fundada en 2012 se ha visto obligada a buscar nueva sede. Este contratiempo ha desatado, sin embargo, una energía transformadora cargada de ilusión, solidaridad y, también, de enfado y cabezonería (por la tercera c del conocido lema de Carlos Alcaraz). Todo suma y engrandece la fuerza necesaria para abordar un proyecto de esta naturaleza. “La emoción, la ilusión y el enfado es lo que nos mueve y lleva a los seres humanos a hacer cosas casi imposibles”, afirma Pilar Sola, actriz, docente y gestora cultural a cargo de la gestión y comunicación de la asociación.

La presidenta de la asociación cultural, La Madriguera, y encargada de producción es Elena Serrano, actriz y docente. Completa el equipo directivo Antonio J. Navaro, secretario y encargado de la dirección y asesoramiento técnico. Artista plástico, músico, creador y técnico audiovisual.

A contrarreloj, Elena, Antonio y Pilar, después de meses de reformas durante uno de los veranos más tórridos que se recuerdan, ultiman los detalles para la inauguración este viernes 1 y sábado 2 de septiembre. Con entradas agotadas, la compañía residente Zoo Cabaret abrirá las puertas de la nueva Madriguera con su cabaret huertano, patrimonio teatral de la Región de Murcia.

Enmasillar o lo que surja

No están solos. Algunos voluntarios y socios han aportado su fuerza de trabajo para pintar, enmasillar, mover trastos o lo que surja. El espacio se encontraba abandonado y muy deteriorado. “Es un reto muy importante sobre todo porque los recursos económicos son prácticamente cero”, asevera Serrano. El poco ahorro con el que cuenta la asociación cultural se reinvierte en la mejora del espacio; comprar un foco, un altavoz o un ventilador.

Ser o no ser socio, esa es la cuestión. Porque La Madriguera subsiste, continúa Sola, “gracias a las cuotas anuales y aportaciones de los socios y socias. Esto permite cubrir el alquiler, gastos de suministros, seguro, medidas de seguridad, asesoría, entre otras cosas, por la simbólica cantidad de 15 euros al año”. Sin embargo, hay socios que al renovar la cuota aumentan la aportación y estimulan la solidaridad y motivación de sus gestores. Como Pablo Gomis, clown en Circo del Sol y socio de La Madriguera, que sumó 200 euros al renacimiento del proyecto en su última renovación. Como apunta Navarro, “potenciamos la cercanía, entre los propios artistas y el público. Es un espacio en el que la gente se implica”.

“Un reducto de cultura libre de machismo”

La Madriguera es un proyecto de activismo cultural, asegura Sola, con el fin último de fomentar la cultura y el arte. “Un reducto de cultura libre de machismo y mil agresiones que encontramos en el día a día. Una barraca cultural, así percibimos La Madriguera 3.0, en pleno corazón de la huerta murciana”. Con más de 400 socios, en su mayoría, muy participativos, cerca del 25% son artistas de la Región que, además, utilizan el espacio para sus creaciones y muestras. Algo distintivo y único ya que no están limitados por el restrictivo horario y burocracia institucional de teatros y auditorios municipales.

A lo largo de estos años han promovido múltiples iniciativas y sinergias a las que pretenden dar continuidad e impulsar. La Madriguera abierta, es un proyecto de colaboración con jóvenes alumnos de la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático) y con la escena teatral amateur a través de asociaciones como FATEAMUR y ESCENAMATEUR. “El teatro amateur es fundamental en la red cultural, como creadores y público”, afirma Serrano.

Convertida en referente murciano del circuito de salas off de España y parada cada vez más habitual de compañías y artistas de otras comunidades, incluso de otros países, La Madriguera, ha acogido hasta el momento, propuestas teatrales y musicales de Francia, Italia, Reino Unido, Alemania, México y Perú, entre otros. Es sede, además, de festivales teatrales como Titeremurcia, Microaaciona o la muestra de teatro Edmundo Chacour. El programa VIP, en colaboración con PAREM (asociación de ayuda a personas refugiadas y migrantes de la Región de Murcia) y Traperos de Emaús, presta especial atención a colectivos de personas que tienen dificultades de acceso a la cultura artística.

El cuidado y apoyo a los artistas es su seña de identidad así como la cercanía con el público. Un afecto y reconocimiento mutuo por parte de los profesionales del sector y los 'bichos' que se acercan a la madriguera. Las actividades son incontables: teatrales, musicales, rodajes, sesiones fotográficas, actividades artísticas formativas, exposiciones de artes plásticas (novedad en esta nueva andadura), cesiones de espacio, residencias... Un imposible levantado por tres soñadores y extraordinarios gestores culturales que sacude y emociona. Háganse un favor, visítenla: Camino viejo de Orihuela, 14, Torreagüera. Viva Murcia.

En el mundo del teatro hay un tabú que aún perdura: hablar del teatro aburrido y sus consecuencias. Peter Brook lo llama 'Teatro Mortal'. Para el director de escena, recientemente fallecido, representa el mal teatro, la obra de la que el espectador no se lleva nada. Una acepción que comparten muchos adolescentes sin haber leído a Brook o pisado un teatro. “Muchas personas de mi edad piensan que ir al teatro es aburrido. Pero realmente hasta que no estás allí no valoras lo entretenido y didáctico que puede ser”, asegura Alicia Bernal, estudiante de 1º de Bachillerato de Ciencias Sociales del IES molinense Cañadas de las Eras. ¿Cómo ha conseguido Molina de Segura acercar a tantos jóvenes al teatro y vencer el prejuicio del 'Teatro Mortal'?

El Premio de Teatro Joven, surgido en el marco del Festival de Teatro de Molina de Segura, es un programa de fomento y promoción de la cultura teatral dirigido a los jóvenes y adolescentes del municipio con edades comprendidas entre los 14 y 30 años con especial incidencia en el alumnado de los centros de secundaria y bachillerato de la localidad murciana.

En esta edición, 145 jóvenes de seis centros educativos de secundaria y bachillerato se han acreditado para las votaciones de las cinco obras programadas dentro del Premio. Previo al festival se realizaron unas jornadas formativas donde aprendieron algunas claves para mirar una obra de teatro como jurado y espectadores. Después de cada función realizan un votación en la que califican aspectos como la dramaturgia, escenografía, iluminación, entre otros, y cuyo fallo se da a conocer el sábado.

“Además del jurado, es destacable el numeroso grupo de jóvenes que han acudido a las representaciones. El jurado sirve de polo de atracción a otros compañeros y compañeras que van con ellos”, afirma Juan Francisco Saorín, director del Teatro Villa de Molina. La iniciativa, única en la Región de Murcia, cuenta con el trabajo y complicidad del profesorado de los centros educativos participantes y ha conseguido acercar al teatro a cientos de jóvenes.

Alicia Bernal ya sabía lo que era ir al teatro. En 4º de la ESO descubrió la asignatura 'Artes escénicas y danza' y a su profesora, Margarita Muñoz, jefa de departamento y catedrática de Música. “Tiene mucho entusiasmo con su asignatura y eso ha despertado el interés por el teatro de muchos de nosotros”, asegura Bernal.

La nueva ley de educación -LOMLOE- permite ofertar asignaturas del bachillerato de artes escénicas y música en Institutos de Educación Secundaria donde no se imparten. Así, el IES Cañadas de las Eras cuenta con dos asignaturas específicas de artes escénicas, en 4º de ESO y 1º de Bachillerato.

“Las artes escénicas son una herramienta fundamental en la educación. Además, deberíamos entenderla como una nueva metodología. No solo como contenido específico, sino como herramienta para facilitar otros contenidos”, comenta Margarita Muñoz que forma parte del grupo de coordinación del proyecto.

El ciberacoso, el bullying o la discriminación, a escena

Los jóvenes que hoy van al teatro son nativos digitales, han pasado una pandemia mundial, y acomenten el legado de un mundo adulto difícil de explicar. El teatro, además de entretener -o aburrir- interpela a cada uno de los espectadores y al mundo que habitamos. “Han comprobado cómo el teatro es otra forma de abordar problemáticas que tenemos en las aulas: el acoso, el ciberacoso, el bullying, el maltrato o la discriminación. Esto les ha ayudado a abrir debates”, señala Muñoz.

Para Álvaro de Ayala, estudiante de 1º bachillerato del IES Cañadas de las Eras y miembro del jurado, “de las temáticas que más me han impactado ha sido la del suicidio en jóvenes de la obra 'La metamorfosis de Gregor'. Algo de lo que no se habla tanto y está en el día a día”. A Bernal, por su parte, le ha sorprendido 'La perspectiva del suricato' porque “te enseña que no hay nadie normal y todos somos raros. La historia era muy bonita. Las obras que hemos visto no solo han sido entretenidas, sino muy didácticas”.

Margarita Muñoz, durante las dos semanas de Festival, aprovecha horas lectivas para comentar aspectos vinculados a las temáticas que abordan las obras en clase : “Las chicas se identificaron mucho con el personaje principal de 'Golfa'. La puesta en escena es muy realista y esa forma de comunicar les sorprendió bastante”.

Álvaro no se acordaba de lo que era ir al teatro. El año pasado, continúa, “escuchaba a compañeros que me contaban lo que hacían en la asignatura de Artes Escénicas y Danza y me llamaba bastante la atención y este año he decidido matricularme”. Si el teatro fuese una enfermedad, sería contagiosa y se propagaría por el boca a boca. Una enfermedad que no acaba con la salud, sino con el aburrimiento, con lo mortal. De ahí la importancia de establecer puentes entre disciplinas, intergeneracionales, entre las instituciones y la ciudadanía.

¿Quién escucha a los jóvenes?

De los objetivos con los que nació el proyecto, además de ofrecer alternativas de ocio a los jóvenes o favorecer la reflexión y el sentido crítico a través del teatro, destaca el hecho de sentar las bases para crear espacios de protagonismo juvenil hasta tal punto de que puedan participar en el diseño y desarrollo de la programación teatral. ¿Quién escucha a los jóvenes? Una cuestión que parece subyacer a toda la organización y participación del Premio de Teatro Joven del Festival de Teatro de Molina. “Los jóvenes ven cosas que los adultos no vemos”, concluye Muñoz.

De Ayala da con una clave que resalta la importancia de las artes en vivo frente a los medios digitales: “Hay temas que al conocerlos a través del móvil no prestamos la misma atención que cuando los vemos en un teatro”, e incide en que sí “se da a entender entre los jóvenes que el teatro es algo aburrido”. Bernal apunta un aspecto fundamental para luchar contra el aburrimiento: “Hay que conocerlo bien. Para mí ha sido una experiencia muy valiosa y animo a la gente a ir al teatro”.

Esta noche arranca la maratón de teatro que se prolongará a lo largo de las próximas dos semanas en Molina de Segura. La 53º edición del Festival de Teatro de Molina presenta 'Pedro Cano, pintar el viaje' un recorrido por la vida y obra del artista plástico murciano -a cargo del cartel de este año- de la mano del gran actor murciano, Sergio Alarcón.

Hasta 23 espectáculos despliegan un amplio abanico de géneros en sala y calle. Hoy en día, hablar de teatro en singular, es extraño. La diversidad teatral se abre paso. El teatro raro, poco común y escaso en su especie -programación permanente de la red española de teatros de titularidad pública- también se verá en Molina de Segura. He aquí la oportunidad que brinda este Festival.

'Golfa' de Primera Toma-Crémilo, miércoles 21 de septiembre, 21:00h. Teatro Villa de Molina

El acoso escolar repunta tras la pandemia: es un hecho. Si los adolescentes no habían tenido bastante con la pandemia, la vuelta a la presencialidad en los centros educativos trae un aluvión de insultos, motes, burlas y agresiones físicas para muchos de ellos: un espejo desquiciado del mundo adulto que devuelve la imagen que no queremos ver.

La obra escrita por José Padilla arranca con la pintada de la palabra “golfa” en la fachada de un instituto motivada por la separación de una pareja de adolescentes. Ella comienza a sufrir bullying y la obra es un intento de mediación con figuras paternas interpuestas. Mucha palabra, poco movimiento escénico, preguntas lanzadas al aire del patio de butacas, concentración, densidad, introspección. La obra permite manipular el móvil durante la función para interactuar con los actores. El propio medio digital, empleado para el acoso virtual a través de redes sociales, es ahora herramienta que cuestiona y señala comportamientos infames.

Con 'Golfa' el teatro se torna herramienta pedagógica. Tras la representación habrá un encuentro con el público en el que participará una sexóloga.

'Las aves' de La Calórica, viernes 23 de septiembre, 21:00h. Teatro Villa de Molina

Si 'Golfa' aprovecha la potencia pedagógica y comunicativa del teatro con La Calórica asistimos a un espectáculo ecléctico, de humor absurdo y negro al servicio del discurso político.

El dramaturgo Joan Yago se inspira en 'Las aves' de Aristófanes estrenada en el 414 a.C para estudiar los mecanismos emocionales que hacen funcionar al populismo neoliberal y cuestionarse los motivos de su auge en la esfera internacional.

La comedia original de Aristófanes ya tenía su miga. A los 50 años de la recién estrenada democracia ateniense, escribe una comedia donde explica la historia de dos atenienses adinerados que, hartos de la injerencia pública en sus asuntos particulares, abandonan el mundo de los humanos y convencen a las aves para crear una nueva civilización.

Si te gusta la comedia excesiva y negra, preguntarte a mitad espectáculo: “¿Qué es esto?”. Y disfrutas el arte que interpela desde la extrañeza del lenguaje y la corporeidad, no te la pierdas.

'Quixote' de GrupoPuja, sábado 24 de septiembre, 22:00h. Plaza de España

La compañía murciana capitaneada por Gema Segura y Luciano Trevignani lleva cerca de 20 años realizando espectáculos de teatro aéreo. 'Quixote' se ha visto en Costa Rica, San Petersburgo, Caracas, Canarias, Rumanía, Bélgica, entre otros, y el próximo sábado despegará por primera vez en la Región de Murcia.

Las acrobacias tienen algo hipnótico y, al mismo tiempo, te sacuden y cortan la respiración, en algún momento. GrupoPuja realiza el espectáculo teatral a 40 metros de altura con música en directo. El aire es el espacio escénico que potencia las sensaciones del espectador: Belleza y adrenalina en cada secuencia coreográfica.

'Quixote' está inspirada en el inmortal caballero de la triste figura, Don Quijote de la Mancha. “Un soñador y un guía en un mundo en crisis y dormido en valores humanos”. GrupoPuja, una compañía que como tantas otras lucha por sobrevivir en un mercado de la cultura profesional muy difícil, sigue firme en sus ideales y necesidad de utopía.

'Distancia' de Onírica Mecánica, viernes 30 de septiembre, tres pases (17:00, 18:30 y 20:00h). Teatro Villa de Molina

La compañía murciana, Onírica Mecánica, profundiza en propuestas teatrales participativas e inmersivas. No en el sentido del metaverso o la realidad virtual -de momento-, la narrativa está sustentada por un cuidado espacio sonoro y escénico que, con ayuda de la tecnología, crea momentos de intimidad para el espectador y su imaginario.

Jesús Nieto y sus ayudante de dirección, Alicia Bernal y Estela Santos, junto al habitual equipo artístico y técnico de la compañía tienen como objetivo expandir el hecho teatral a través de la ciencia ficción especulativa. En esta pieza se realiza un recorrido por el espacio público del municipio siguiendo el audio de los auriculares. “Una experiencia poética, política y científica que cuestiona las interacciones humanas desde una perspectiva social”.

'Leira' de Nova Galega de Danza, viernes 30 de septiembre, 21:00h. Teatro Villa de Molina

¿Es posible retratar la dura belleza del campo en un espectáculo de danza contemporánea con elementos costumbristas y del folclore gallego? 'Leira', que se hizo con dos premios Max el año pasado -Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Bailarín- aborda estas cuestiones. Los principales elementos del campo: el sol, la lluvia, el viento y la intemperie inspiran coreografías que recorren los surcos arados de la tierra sobre las tablas del teatro.

Durante toda la función los bailarines están acompañados de la cantante y chelo, Rosa Cedrón. La música se entremezcla con la coreografía moderna sobre los rural y lo ancestral. Las mujeres del campo sobresalen en este universo que evoca un tiempo lejano que aún perdura en los márgenes de la ciudad y lo latifundios capitalistas.

El próximo 15 de septiembre arranca la 53ª edición del Festival de Teatro de Molina de Segura. Más de 5.000 personas pasan cada año por el festival con más historia de la Región de Murcia. Un público fiel que reconoce el referente cultural que, en cada edición, acerca nuevas experiencias y tendencias escénicas.

Al frente de la organización del festival y la dirección del Teatro Villa de Molina está Juan Francisco Saorín -Sao- (Blanca, 1960). Funcionario del ayuntamiento de Molina de Segura desde 1985, llegó a Molina de Segura con tan solo 6 años. De adolescente, en el emblemático cine Consu del municipio, conoció la potencia de las artes en vivo con la obra 'Quejío', dirigida por Salvador Távora, de la mítica compañía andaluza La Cuadra .“Descubrí que el teatro tenía mucho que decirme”.

Sao estudió Magisterio pero su verdadera vocación la desarrolló en la Universidad Popular y la función pública municipal: la educación social, la animación sociocultural y, en los últimos tiempos, el área de participación ciudadana. Una experiencia laboral y vocación que ha confluido en la dirección del teatro: “Mi papel como gestor no es dedicarme solo a programar. Tengo en mente proyectos de participación y apertura de una institución como el teatro Villa de Molina”.

Artísticamente recoge el testigo de su antecesor en el cargo, José Antonio Avilés, la persona con la que dio sus primeros pasos en el mundo de las artes escénicas en un tiempo que el teatro valía una revolución.

¿Cómo llegaste al teatro?

Descubrí el teatro en la adolescencia y ha sido una herramienta de crecimiento personal muy valiosa. Me dotó de capacidad de liderazgo, de responsabilidad y sensibilidad, eso se lo debo al teatro. A los 16 años me incorporé al grupo de teatro escolar formado por José Antonio Avilés -anterior director del Teatro Villa- en el Instituto Vega del Táder. De ahí pasé a la compañía Pandora dirigida también por Avilés. Fueron unos años inolvidables.

El Festival de Teatro de Molina es el de mayor antigüedad de la Región de Murcia gracias a la determinación de llevarlo a cabo en el momento más complicado de la pandemia. 53 ediciones ya, ¿es un peso o da alas?

No nos importa ser el más antiguo. Lo que realmente no preocupa es cumplir con las expectativas de todas estas décadas de teatro. Por un lado estimula y, por otro, es una presión. Las 53 ediciones dicen mucho de la capacidad del municipio de Molina de Segura de sustentar un proyecto cultural de esta envergadura. A los molinenses nos caracteriza el espíritu innovador y la búsqueda de nuevos proyectos tanto en el ámbito cultural como empresarial.

¿Mantiene el festival el mismo espíritu rompedor con el que surgió?

El festival nació en 1972. En ese momento, el contexto social y político necesitaba del teatro para expresar alternativas al régimen político. Aunque políticamente hemos cambiado mucho, seguimos necesitando esta expresión cultural. Mantenemos el espíritu de explorar nuevos lenguajes escénicos y discursos comprometidos con las problemáticas del momento. El teatro ya no es un templo donde ir a ver una obra. Como organización el teatro está vivo y abierto a lo que sucede alrededor y debe buscar espacios de conexión e intercambio con la ciudadanía. No se trata solo de programar una secuencia de obras.

¿Qué aporta el Festival de Teatro que no se encuentra en la programación permanente del Teatro Villa de Molina?

Durante las dos semanas que dura el festival nuestra intención es disfrutar de la fiesta del teatro que además coincide con las fiestas patronales de Molina de Segura. En la programación puedes encontrar teatro de sala, danza, clown o danza y, además, teatro de calle que durante el resto del año no programamos. La visión de la programación es muy diferente a la permanente del Villa de Molina. Hay propuestas que por su naturaleza son difíciles de programar durante la temporada y tienen cabida en el festival.

Habéis hecho un esfuerzo importante por atender a públicos como el joven, creando el Premio Joven de Teatro la edición anterior. ¿Cómo fue la experiencia y qué expectativas hay este año?

Con la idea de dotar de carácter propio al festival y diferenciarlo de otros festivales y la programación permanente, nos focalizamos en el público joven que, normalmente, no viene al teatro.

La edición anterior se puso en marcha el Premio Joven y este año hemos desarrollado un nuevo proyecto: un campus de teatro joven. Se hizo en julio. Con la colaboración y apoyo de los centros educativos del municipio nuestra intención es que los jóvenes vean en el festival un espacio juvenil, transgresor y novedoso que les haga sentirse cómodos y despierte su amor por el teatro.

El bullying y el acoso son dos temas recurrentes en entornos escolares y adolescentes. ¿Qué vamos a ver en el espectáculo 'Golfa'?

'Golfa' trata el acoso en ámbito de pareja adolescente, sí. Sin duda, un grave problema el bullying y el teatro puede ser un vehículo para reflexionar sobre ello. Hay otras obras programadas como 'La metamorfosis de Gregor' o 'En bucle' interesantes en ese sentido. En la programación destinada al público juvenil hemos buscado mostrar ese espacio de identificación y reflexión.

En esta edición hay una apuesta interesantísima por compañías de la Región de Murcia, ¿es algo meditado o falta de presupuesto?

El presupuesto es el mismo que en otras ediciones. Es fruto del compromiso del equipo gestor actual y del papel que debe jugar una institución de esta naturaleza. El festival tiene que dar cabida al teatro de la Región de Murcia y ser una plataforma que ayude a impulsar a las compañías locales.

Tenemos la suerte de tener grandes creadores en la Región que generan espectáculos importantes y nosotros confiamos en ellos. Esto enriquece la propuesta del festival junto a otras compañías de ámbito nacional e internacional. Es una sinergia que nos beneficia a todos.

¿Ha impactado el festival en el tejido teatral del municipio?

Cuando el festival comenzó no había ningún tipo de infraestructura teatral en Molina de Segura, no existía el Teatro Villa de Molina. El festival, sin duda, ha contribuido a que hoy tengamos este teatro con una programación permanente.

Se ha generado mucha afición estos años. Ahora mismo contamos con ocho grupos de teatro aficionado en Molina de Segura. También cabe destacar la calidad de los espectadores, que cada año han visto un selección de los mejores espectáculos en gira de ese momento.

El festival se abre con una obra de Els Joglars y se cierra con la última producción de Atalaya TNT, ¿tiene un vínculo especial el festival con estas compañías?

Son dos compañías que han tenido mucha presencia en el festival a lo largo del tiempo y ellos nos tienen mucho cariño. La asociación de Amigos del Teatro de Molina de Segura ha dado el premio, en esta edición, a Els Joglars por sus 60 años de trayectoria. Para nosotros es un orgullo que una compañía tan importante como Atalaya TNT quiera estrenar su última producción en Molina de Segura.

¿Qué supondría la llegada de Vox Molina al gobierno municipal y cómo afectaría a la cultura teatral? Me consta que concejales de esa agrupación municipal manifestaron su descontento con la programación de la reconocida bailarina, Luz Arcas, en un espectáculo que rendía homenaje a María Teresa León.

El festival tiene tal dimensión e historia a sus espaldas que siempre tendrá espacio y reconocimiento a nivel municipal y por parte de la Comunidad Autónoma. El festival perdurará gobierne quien gobierne. Es algo más que una manifestación cultural y está muy instaurado en la sociedad molinense.

¿Qué recomendaría a un espectador con ganas de emociones y presentaciones escénicas contundentes y conmovedoras y a otro que solo pretenda pasar un buen rato?

Hay muchas propuestas interesantes, me cuesta elegir. Por 50 euros se puede adquirir el bono con el que ver los 23 espectáculos programados a lo largo de las dos semanas. Además, el teatro y la danza que se realizan en las calles y plazas son gratuitos o tienen el precio simbólico de un euro. Pretendemos facilitar la accesibilidad y que nadie interesado se quede sin poder asistir por motivos económicos.

Tres piezas que no dejarán indiferente a nadie son 'Las aves' de la compañía La Calórica, la obra inaugural de Els Joglars o 'Celestina infernal', que es una obra de títeres para adultos. Para pasar un muy buen rato recomiendo cualquier espectáculo de calle o danza.

¿Te ha sorprendido algo de la gestión cultural institucional?

Soy funcionario del Ayuntamiento y conozco el funcionamiento de la institución. Previamente he pasado por áreas como Juventud y Participación Ciudadana. En ese sentido no me ha sorprendido.

Personalmente, la dirección del Teatro Villa de Molina es un reto apasionante y estoy muy contento del trabajo que estamos haciendo todo el equipo. Esta mañana he tenido una reunión con profesores de los centros de educación secundaria implicados en el Premio Joven del Festival. Ver la disposición del profesorado y el compromiso de los centros escolares de Molina de Segura con este proyecto me da mucha alegría. Hay un camino que recorrer y nos ilusiona a mucha gente.

El próximo 22 de agosto, Begoña Iriarte (Donosti, 42 años) vuela de nuevo a Grecia con la asociación murciana Amigos de Ritsona. Acompañada de su icónico títere corpóreo, Beatriche Urruti, llevará el teatro y el humor a niños y adultos migrantes que malviven en las calles de Atenas y campos de refugiados.

De su infancia y adolescencia en Intxaurrondo recuerda las huelgas, las asambleas en el instituto, desalojar su casa por amenaza de bomba de ETA ya que vivía cerca de una comisaría de policía o el autobús, con el que solía ir al colegio, quemado. Una memoria y una identidad marcada por unos acontecimientos de los que aprendió que “la neutralidad no es una opción”.

Llegó a Murcia en 2002 tras la estela de Ángel Facio y su compañía Los Goliardos. Tras abandonar los estudios de Filología Hispánica se matriculó en la ESAD -Escuela Superior de Arte Dramático- de Murcia para estudiar Interpretación Musical. Ha trabajado en compañías como Periferia Teatro y Hormigas Suben al Árbol. Creadora escénica, actriz, titiritera, modelo... un pluriempleo artístico que no evita la precariedad laboral ni su implicación en ONG como Amigos de Ritsona y PAREM -Asociación para la Ayuda a Personas Refugiadas en Murcia-. Además, codirige y protagoniza, junto a Clara Sáez de Tejada, el postcast feminista, 'Fue sin querer'.

Durante la entrevista paramos dos veces. El camarero y un amigo -ambos extranjeros- saludan a Iriarte amistosamente. Hablan de pasaportes, de la lentitud de la burocracia, de viajes y nuevos destinos laborales. Todo muy rápido. Hay alegría compartida en los reencuentros y una fisura por la que reconocer ciudades alejadas de la violencia y hostilidad al otro.

Este verano vuelves a visitar los campos de refugiados en Grecia con la asociación Amigos de Ritsona ¿Cómo está la situación actualmente?

Ahora mismo hay devoluciones en caliente, están tirando mucha gente al mar, familias enteras, aunque toquen tierra son devueltas al mar en botes. Así, los refugiados no aumentan, pero sí los muertos. Por otro lado, los campos de refugiados son centros de internamiento con muchas restricciones para entrar y salir. Han criminalizado la ayuda humanitaria. La última vez que estuvimos en Lesbos no pudimos entrar. Las ONG que trabajan allí lo hacen prácticamente a escondidas.

En verano hace un calor horrible, las tiendas donde viven alcanzan los 50ºC. Hay personas que llevan más de cinco años sin documentación en el campo, sin poder salir. Muchos son hombres jóvenes que viajan solos puesto que las familias, mujeres y niños tienen prioridad a la hora de salir del campo. ¿A qué te lleva esta situación de violencia y miseria? Imagínatelo.

¿Qué aporta el teatro y el humor en este contexto?

La gente no viene a sobrevivir a Europa sino a vivir, eso ya lo hacen en sus países de origen. Las ONG ponemos parches. Sé que no voy a salvar a nadie ni a arreglar nada.

Realmente fue Beatriche -títere de gomaespuema- la que me empujó y me convenció para emprender estas acciones porque yo tenía muchas dudas. Miraba las noticas y al trozo de gomaespuma y sentía que ahora sí podía ofrecer algo de igual a igual. No importa el idioma, el espectáculo está construido a base de gags y habla de los fallos humanos, de la estupidez humana, eso le hace gracia a todo el mundo, es universal.

En 2016 fui sola a Atenas. Había muchos squats -edificios ocupados utilizados por las ONG como alternativa a los campos de refugiados- en la ciudad. Entraba, coordinada con ONG locales, y montaba el show. Después fui a Lesbos con Amigos de Ritsona, al campo de refugiados de Moria y Monte de los Olivos.

¿Quiénes son las hermanas Urruti?

Una pareja artística formada por un títere y yo. Construí a Beatriche para una formación teatral que iba a recibir, por pura precariedad. El taller era de manipulación de títere corpóreo y muppet y el profesor no tenía títeres para todos. Pensé: “Con el pastizal que me he gastado para estar mirando, me muero”. En 2015 nació Beatriche. Desde el primer momento me decían que la muñeca funcionaba muy bien.

Laboralmente, ¿cómo has entrado en la pandemia y cómo has salido?

Tuve la suerte de empezar a trabajar como modelo en la facultad de Bellas Artes en enero de 2020, gracias a eso pude solicitar la cobertura de autónoma durante la pandemia. Me veía haciendo la maleta y volviendo a casa de mi madre. Pasado el parón más fuerte de la pandemia conseguí bastantes bolos en la Región. Y esto, se lo tengo que agradecer, especialmente, a muchas mujeres gestoras culturales. Han sido hadas madrinas, fue un momento difícil para mí.

Eres autónoma, si pudieses contabilizar un sueldo mensual, ¿cuál sería?

Soy poco más de mileurista. Me da miedo hacer cuentas. Tengo un coche de 22 años, una bicicleta y un alquiler, nada más. No vivo mal para lo pobre que soy. Cada vez que empieza el año no sé el trabajo que voy a tener.

¿Cómo gestionas la incertidumbre laboral?

Como puedo. Ahora estoy tranquila porque hoy me han confirmado que vuelvo a trabajar como modelo en Bellas Artes, lo que me garantiza un ingreso hasta junio del año que viene. Es lo único fijo y no depende de mi actividad teatral. Cuando tienes 25 años esto se vive de otra manera. Los miedos cambian conforme cumples años y la energía vital no es la misma. Como mínimo, tengo dos ataques de pánico anuales que resuelvo hablando con amigas y mi madre. No me acostumbro al vértigo de no encontrar trabajo y verme con un pie en la calle.

También colabora con PAREM -Asociación para la Ayuda a Personas Refugiadas en Murcia-. ¿Qué labor despeñas y en qué consiste el trabajo de esta ONG?

PAREM trabaja en la inclusión social de las personas refugiadas que ya están en la Región de Murcia. Somos una ONG pequeña que trabaja, sobre todo, con voluntariado. Recibimos una ayuda del ayuntamiento de Molina de Segura para el proyecto La Casita, una casa de acogida que gestionamos en Molina. El resto de proyectos depende de la demanda y la disponibilidad de la persona voluntaria. Yo me encargo de la parte cultural y tengo el apoyo de centros escénicos de Murcia y Molina de Segura que me ceden entradas regularmente, también de la Filmoteca y el centro escénico La Madriguera. Voy con personas refugiadas al teatro.

Cuando uno no tiene lo básico es muy difícil poner atención en las actividades culturales. Ir al teatro no va a hacer que encuentres trabajo pero facilita el hecho de conocer gente y quitarte un poco el miedo. Las personas negras tienen miedo de las personas blancas. Somos una sociedad que da miedo. Si las mujeres blancas pasamos miedo muchas veces, ¿cómo no lo va a pasar alguien con un color de piel y cultura diferente? En el patio de butacas de un teatro, cuando te ríes junto a un montón de gente, que en tu día a día ves muy diferente, se rompen algunas barreras de esta sociedad violenta y hostil con el extranjero. Aunque a mi pesar cada vez soy más pesimista, sigo con ganas en el proyecto.

En los últimos años Vox ha irrumpido con fuerza en la Región ¿qué te dicen las personas migrantes residentes en Murcia, hay una preocupación creciente?

Ellos saben quién es Vox. Ayer, un chico de la casa de acogida estaba viendo GTV Televisión y me mandó una captura de pantalla de la televisión en la que se leía: “Argelia nos corta el gas pero nos manda más inmigrantes ilegales”. Todo esto les afecta y sienten miedo. Su preocupación es legalizar su situación y encontrar trabajo.

Las personas con un pensamiento racista se ven refrendadas por un partido político que las apoya y hace que, incluso por la calle, se envalentonen en sus posicionamientos políticos.

¿Qué piensa Beatriche del fin del mundo contemporáneo al que parecemos abocados después de la pandemia, el cambio climático, las crisis ecológicas y económicas o las guerras más cercanas a Occidente?

Beatriche está un poco hasta el coño de todo. Está de vuelta. Ella quiere reír y pasarlo bien a pesar de todo. Sabe que todo eso existe y por ello se viene conmigo a Grecia. Si hace un bolo donde gana cuatro perras o nada porque cree que es necesario, lo hará. La pesimista de las dos soy yo.

La pandemia sacó a los espectadores de los teatros. Ahora, la inflación y crisis económica tampoco ayuda a incrementar el gasto en cultura de la ciudadanía. Teniendo en cuenta que, además, los hábitos culturales están en continuo cambio ¿qué crees que va a pasar con el teatro y sus profesionales?

Es algo que se veía venir y seguramente la pandemia lo ha acelerado. En teatro nos está pasando lo mismo que al resto de la sociedad: no existe la clase media artística. Empezar un nuevo proyecto teatral requiere mucha pasión, fuerza y una capacidad de mantenerte económicamente mientras estás produciendo. Hay súper producciones con grandes presupuestos y vías de distribución, pero el tejido cultural que está por debajo de eso, pequeños autónomos y profesionales con producciones más modestas y afán de investigación, está despareciendo. Es un peligro porque ahí está la efervescencia y las propuestas novedosas, que exploran más allá de lo comercial y donde se dejan ver las inquietudes sociales.

Para finalizar ¿alguna música que te ayude a sobrellevar el final del verano murciano?

Queralt La hoz y la canción 'Con poco'. Todos los días canto y bailo sola en mi cocina porque sino este mundo es insoportable.

Pedro Alberto Cruz (49 años) es doctor en Historia del Arte y profesor de 'Últimas tendencias del arte' en la Universidad de Murcia (UMU) desde hace 20 años. Ha publicado recientemente 'Arte y performance: una historia desde las vanguardias hasta la actualidad' en la editorial Akal; 700 páginas -55 de bibliografía- que le costaron dos años de redacción, sus ahorros y un préstamo para concluir la fase de documentación. Una obra referencial que acerca una disciplina artística difícil de sistematizar.

De su paso por la política en el Gobierno regional del Partido Popular -fue consejero de Cultura de 2007 a 2014- le queda una sensación agridulce y una placa de titanio en el pómulo izquierdo fruto de la agresión sufrida en la puerta de su casa en 2011. Inmerso en plena gira de presentación del libro ya tiene en mente nuevos proyectos: un nuevo libro sobre el pintor murciano Antonio Martinez Mengual y un monográfico sobre performance y humor. Todo esto al margen de su actividad como comisario de arte, poeta y columnista.

Durante la entrevista hablamos de performance, investigación académica y política. Su voz suave cae sobre las preguntas con una contundencia extraordinaria; una cadencia solo rota por su sonora carcajada y el movimiento constante de la pierna debajo de la mesa. En el antebrazo izquierdo lleva tatuado la frase de una poeta amiga: “Amar es revolucionario”.

¿Qué le ha movido investigar a de forma tan profunda la performance?

Todo lo relacionado con el cuerpo me ha interesado mucho. En 2004 publiqué 'La vigilia del cuerpo' posteriormente, junto a Miguel Ángel Hernández, 'Cartografías del cuerpo' y en 2014 'Cuerpo, ingravidez y enfermedad'. Mi sueño siempre ha sido escribir una historia de la performance.

¿Puede contarnos sobre la fotografía de la portada de 'Arte y performance'?

Es Tania Bruguera en la performance 'Self sabotage' (autosabotaje). Se realizó en el pabellón de la Región de Murcia en la Bienal de Venecia, la única vez que la Región participó. Delante del público introdujo una bala en el tambor de la pistola, lo giró y se apuntó. Afortunadamente, no se mató. Una persona del público pidió al comisario que parase la performance.

Lo que pretendía Tania Bruguera era criticar el concepto del artista adocenado que vive en su estudio. Que adquiere la etiqueta de político, pero realmente lo hace todo desde la distancia y sin arriesgar su propia integridad física. Ella ha estado varias veces arrestada por el régimen cubano. Siempre ha estado a pie de conflicto poniendo su propia vida en peligro, es una performance que encaja perfectamente en su trayectoria.

Para denunciar la esclavitud laboral, Santiago Sierra, a principios de los años 2000, utilizaba personas inmigrantes, prostitutas o drogodependientes en sus performances. El cuerpo expuesto como obra de arte era un cuerpo esclavo y esclavizado a su vez por el propio artista. Me cuesta imaginar algo así en la actualidad.

Hoy en día ya es difícil encontrar performance extrema. Hay mucha performance delegada. El artista tiene una idea y se vale de colaboradores para ejecutarla, no pone en juego su cuerpo. El propio Santiago Sierra ya no hace este tipo de performance.

Ahora mismo nos encontramos en un momento de regresión. Además de lo moral se incorpora lo políticamente correcto. ¿Cuántos artistas están hoy dispuestos a ser detenidos por expresar una opinión?

¿Qué le dijeron en el banco al solicitar un préstamo para escribir el libro?

Me había gastado 20.000 euros de mis ahorros en comprar libros y me faltaba dinero para seguir adquiriendo más. Al preguntarme por el objeto del préstamo se quedaron muy sorprendidos.

Esto da una idea de cómo está la investigación en España. Haces las cosas por vocación. No hay ayudas para hacerlo.

¿Lo intentó?

No. La burocracia es muy basta y disuasoria. Para este tipo de proyectos no hay ayudas. Quizá solicitar un proyecto de investigación y vincular el libro lo cual me habría costado casi más trabajo que escribirlo.

Veo que la investigación se rige por la misma voluntad vocacional presente en muchos ámbitos de la cultura artística. No solo hay que crear, sino ser tu propio productor/comercial.

Si nos atenemos al rendimiento económico de la universidad española, en el ámbito de la investigación, es mínimo. Cada seis años, el docente se somete a la evaluación de su trabajo de investigación durante ese periodo. Tienes que presentar tus publicaciones y trabajos. Si te las evalúan positivamente te conceden otro sexenio de investigación. Por esto cobras, una vez descontada la retención, poco menos de 100 euros al mes. La investigación, desde el punto de vista económico, no está incentivada.

Desde 2007 a 2104 fue consejero de Cultura del Gobierno regional, ¿cómo recuerda esos años? ¿volvería a la política?

Lo recuerdo de una manera agridulce. A nivel personal, aunque tuve la oportunidad de trabajar con gente maravillosa, no lo repetiría. Fue un desgaste personal muy fuerte. La opinión pública se deslizó muy rápidamente de la crítica a la gestión a lo personal. Se dijeron absolutas barbaridades de mí.

¿Se ha sentido estigmatizado tras abandonar la política? ¿Le ha pasado factura?

Durante mucho tiempo en el ámbito cultural de la Región se me ha hecho el vacío, incluso personas con las que conté y a las que di soporte. Para determinados sectores el hecho de tratar conmigo es hoy todavía tabú.

Cuando entré en política estaba en el cénit de mi trayectoria profesional. Venía de ser uno de los comisarios de la Bienal de Valencia y era invitado a conferencias por toda España. Cuando salí de la política fue un vacío absoluto. Podía entenderlo por parte de la gente de la política puesto que solo hay intereses, pero en el mundo de la cultura me he costado mucho trabajo recuperar la normalidad.

En la barra de un bar el ciudadano puede pedir políticos diferentes, que quieran romper, pero cuando alguien entra con alternativas y no se adecúan al patrón de político enseguida lo señalan, lo estigmatizan y le empiezan a echar. En los últimos años tenemos ejemplos de políticos a nivel nacional que han querido transformar las cosas, no se han mordido la lengua y los han inmolado.

Durante los años de su gestión se criticó el hecho de destinar mucho dinero a grandes proyectos culturales y dinamitar otros más pequeños de ámbito local.

Eso fue un análisis muy simplista y que no es cierto. Los dos años que pude gestionar un presupuesto digno el sector del teatro tuvo más subvenciones que nunca. Se sacaron por primera vez ayudas a la producción de cine. Las galerías, que han sido muy críticas conmigo, tuvieron más subvenciones que nunca. Los artistas murcianos expusieron aquí, en ARCO, en Venecia.

Hubo proyectos como el SOS o MANIFESTA -Bienal Europea de Arte Contemporáneo- que requerían más recursos. Muchas ciudades tienen eventos de ese tipo. Cuando en 2016 fui a Zurich porque quería vivir el centenario del Dadaísmo se estaba haciendo el MANIFESTA. No solo la ciudad, sino el país lo vivía como un acontecimiento histórico.

Se llegó un punto en el que, ya no criticarme, sino insultarme daba rédito socialmente. Me sorprende que toda esa vorágine crítica que se generó entonces cuando la trasladas ahora, que hemos tenido una consejera de Cultura de ultraderecha, se transforme en un silencio absolutamente sepulcral. ¿Qué pasa ahora si se expresa la opinión sobre política cultural?

Durante su gestión se realizaron muchas propuestas artísticas críticas con el poder y provocadoras en los centros de arte que se gestionaban desde la Consejería. Pero en septiembre de 2008, la cancelación de la performance de Leo Bassi originó un revuelo y críticas enormes. ¿Qué impacto tuvo esta actuación en todo el trabajo realizado?

Tengo dos puntos negros objetivos en mi gestión política, uno es ese. La censura a Leo Bassi me vino impuesta. Presenté mi dimisión. Reuní a mi equipo, mis directores generales, les dije que no iba a cargar con una censura porque iba en contra de todos mis principios. Ellos me convencieron de continuar. Me dijeron que cómo iba a tirar toda la gestión y proyectos iniciados por esto, “esto se va a quedar en nada”, me dijeron. Y no se quedó en nada, con mucha razón.

Ahora bien, que todo se filtre a través de eso me parece excesivo. En esta vida todos, medios de comunicación, gestores culturales, hacemos concesiones. Lo de Leo Bassi fue muy jodido. Ese mes nació mi hijo prematuramente, con siete meses. Estaba en la incubadora y tenía dos horas al día para verlo. Recuerdo ese periodo como uno de los peores de mi vida.

La segunda cosa de mi gestión que me parece intolerable: cerca del final de mi trayectoria política, Presidencia propuso la declaración de los toros como Bien de Interés Cultural (BIC) y la dirección general de Bellas Artes la aprobó. Yo soy antitaurino, prohibiría los toros. Y te soy sincero. Estaba tan cansado de estar batallando que dejé pasar eso, que para mi era uno de mis puntos éticos esenciales. Mi faceta animalista debió llevarme a abandonar el cargo.

El 15 de enero de 2011 varias personas le agreden y dan una paliza en la puerta de su casa al grito de “¡Consejero, hijo de puta, sobrinísimo!” [por su relación con el expresidente murciano Ramón Luis Valcárcel], una de ellas portaba un puño americano. Aparece en la prensa regional y nacional con el ojo morado y puntos en el pómulo. Días después en una entrevista afirma: “El puño tiene nombre, pero quienes lo apuntaron a mí son muchos”. Me recuerda a los actuales mensajes de odio de la ultraderecha.

Llevo una placa de titanio en el pómulo. Se creó un caldo de cultivo muy peligroso. A cualquier cosa que pasaba con el Gobierno regional se le ponía mi cara. Se fue de las manos y se generó un contexto de odio incontrolable. La tarde de antes a la agresión estaba con dos directores generales tomando un café y les dije: “Tengo la sensación de que me van a agredir”. Una sensación basada hechos ya que una semana antes habían aporreado mi interfono hasta destrozarlo.

A continuación se empezó a decir que si era un asunto de drogas, que si era un putero, un chapero... He sido de todo. He tenido todos los vicios habidos y por haber. Tuve un bar durante dos años que coincidió con los últimos en política. Estuve un año siendo consejero y pinchando los fines de semana. Un diputado del PSOE que venía de vez en cuando al bar me dijo: “Quería pedirte perdón. Dijimos cosas sabiendo que no eran ciertas. Después de tu agresión, tomamos conciencia y nos dijimos que esto no podía volver a suceder”. Se lo agradecí mucho.

A pesar de todo, sigue muy activo en redes y prensa con un nivel de exposición pública alto y una postura beligerante contra las política e ideario de Vox.

No hay ningún día que no reciba algún insulto o amenaza de la gente de Vox. Puede haber quien piense que lo hago por provocar. Pero no puedo evitar saltar cuando veo un acto de injusticia o esta gente dice alguna barbaridad. Al final todo es lenguaje, y si le concedemos el territorio del lenguaje van a construir la realidad a su antojo. Ellos son de hacer listas negras. Estamos en un momento de regresión y de pérdida de derechos muy importante. Siempre he sido muy comprometido, esto trae problemas. El modelo suizo del bienquedismo es lo que triunfa. No soy un bienqueda.

“Nunca sé cómo clasificar mis espectáculos. Me cuesta etiquetar mi estilo. Está inspirado en mis estudios de danza contemporánea, española y flamenco. Y, en este caso, me he empapado del folclore murciano”, asegura Hortensia Laencina (Murcia, 1995) la mañana del estreno. Bailaora curtida en los tablaos de Polaris y media España, bailarina, performer y creadora, la joven Laencina es pura dinamita escénica.

Su último espectáculo de danza, 'Murcianik', se estrenó el pasado 18 de marzo en el Teatro Circo Murcia. El proyecto se ha gestado al amparo del programa de ayudas, Reactivos Culturales, puesto en marcha por el ayuntamiento de Murcia tras los devastadores efectos de la pandemia para las artes en vivo.

Todo lo que nace del flamenco, se entremezcla y permuta, sin más, atraviesa tierras raras ante la extrañeza del público ávido por saber qué está viendo. El último grito musical de Rosalía: “Fuck el estilo”, lo practican en la danza española dos grandes renovadores del flamenco, Israel Galván y Rocío Molina. Referentes para la joven artista murciana con los que ha tenido oportunidad de trabajar y formarse.

No solo el miedo se huele, la rabia también, fuente inagotable de energía escénica. Si hay algo que transmuta a la perfección Laencina es el vestuario, diseñado por África Hernández para la ocasión. La 'murcianik' aparece en escena con la tradicional falda huertana. Estática, desafiante, con un regazo que se extiende por las tablas del Teatro Circo y acoge el testimonio de ocho mujeres beniajanensas: Fina Pelegrín, Mari Flores, Lola Marín, Fina y Lolita Pellicer, Antonia Hernández, Julia Ruiz y Luz Cascales. Mujeres de un tiempo en que todo era pecado y trabajadoras en una tierra que ya no existe, al menos, como la recuerdan: la huerta de Murcia. Tras el 'Canto a Murcia' interpretado por la peña el Barracón de Alcantarilla, la falda cae y aparece Hortensia en bermudas, híbrida, andrógina, eléctrica, cuerpo expresivo al compás de Antonio Serrano, su fiel escudero a cargo de la música, ayudante de dirección y regiduría.

Coreografía en la era

Colaboran en la presentación de 'Murcianik' estudiantes del conservatorio de danza de Murcia -Clara Díaz, Víctor López, Agustín Pagán y Miriam Gallego-. Acompañan a Laencina con postizas, castañuelas, taconeos, bailes rotos y tránsitos. La coreografía de los cuatro jóvenes estudiantes con la falda al hombro, entorno a un montón de panochas, es catártica. La era, el ágora tradicional huertana, donde el trabajo, en ocasiones, se convertía en un evento lúdico aglutinaba a familiares y vecinos para realizar el esperfollo (quitar la envoltura de la mazorca de maíz). Recuerda Hortensia, abuela de Laencina, sentados alrededor del montón de panochas “hablábamos, reíamos y hasta bailábamos”. Evoca a una mujer sorda que bailaba malagueñas al ritmo de las bandurrias ante el asombro de todos. Inspirado en el testimonio de su abuela y la guitarra de Serrano, el baile sordo de Laencina es uno de los momentos más bellos de la pieza. En el programa de mano, le escribe: “Gracias por darle voz a mi baile y por contarme tu historia dándole sentido a la mía”.

La lucha en escena y por la danza de Hortensia Laencina va mucho más allá del feminismo y los dilemas identitarios de nuestro tiempo. A Liddell, a Artaud, le habría bastado uno solo de sus gestos aunque no entendieran nada. En 2018 ganó el Premio al Mejor Baile Libre en el concurso de Alegrías “La Perla de Cádiz”. La primera mujer que lo consiguió vestida de pantalón, un hecho que pasados los años, asegura, “no es algo que me enorgullezca, que deba recalcarse. Ocurrió en pleno siglo XXI. Ojalá se me recordara como Hortensia y no por ser la primera mujer en ganar llevando pantalón”. Durante la función la falda se convierte en capa y el fajín huertano en falda. Desnuda o con ropa, el simbolismo no es el fin. “Lo que importa es la danza y mi vida. El alma y no el cuerpo. Hoy me convierto en mi misma” concluye el manifiesto de 'Murcianik'.

Sintiéndola bailar, se echa en falta que el universo artístico de Hortensia, su rabia magnética, su fuerza arrolladora colisione con otras fuentes creativas y avance, de una vez por todas, hacia nuevos horizontes expresivos en esa búsqueda interminable, que nos interpela a todos, de ser uno mismo.

'Sustratos de un baile', obra de Isabel Lavella iniciada meses antes del fatídico marzo de 2020, se ha montado desescalada a desescalada y está inevitablemente marcada por “cómo ha cambiado el mundo. Hay un antes y un después que afecta a la hora de crear y de manera profunda al cuerpo”, afirma Lavella horas antes de subirse a las tablas del auditorio. El pasado viernes 11 de febrero pudo verse en el auditorio municipal de Algezares dentro de la la IV edición del Festival Enclave Mujer organizado por el ayuntamiento de Murcia. La pandemia, en curso, no impidió la presencia de numeroso público gracias a la ampliación de aforos en los teatros de la Región.

Isabel Lavella nombra a Martha Graham durante la función, la suma al elenco. La mujer número once. Bailarina y coreógrafa estadounidense, persona central en el desarrollo de la danza contemporánea que a mediados de los años 30 ya bailó a la depresión y el aislamiento provocados por el desplome de Wall Street, La Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial. Casi 100 años después, nos encontramos frente a diez referentes de la danza contemporánea en la Región de Murcia, todas formadoras y maestras de jóvenes generaciones de bailarinas. Encontramos profesoras del Conservatorio de Danza; Maite Piqueras, María Dolores Marín e Isabel Lavella y formadoras de las principales escuelas de danza y movimiento en la Región; Encarna Rubio, Sonia Cayuela, Tania Herrero, Cristina Groetsch, Enriqueta Miñano y Margarita Amante así como la violonchelista, Laura Jiménez. Todas con edades comprendidas entre los 45 y 65 años y la mayoría sin subir a escena desde hace más de veinte años.

Asegura Isabel Lavella que el discurso escénico, texto y movimiento, se sostiene “por la confrontación de las mujeres con su edad, su cuerpo y su biografía. Es un trabajo reflexivo, performático, donde aflora la fragilidad del tiempo”. Durante el espectáculo, el tiempo toma forma de piedra que oprime, arrastra al suelo, voltea y aleja. Además, el tiempo es sombra, ancestros, miedos de los que se quiere huir y una no puede más que abrazarlos, dar las gracias y seguir. El tiempo es una caja de zapatos olvidada con el eco de un taconeo que aún resuena con fuerza. La fragilidad del tiempo es un cuerpo de baile con la cadera, la rodilla y la columna envejecida que no renuncia al juego teatral y, sobre todo, a la gratitud de estar vivas. Afectadas, dolientes y radiantes, como todos y cada uno de los espectadores, jóvenes y boomers, atravesados por la oscuridad del presente.

En 'Sustratos de un baile' hay un ejercicio de contención físico y emocional extremo. Tanto impacta lo que se muestra como lo que no. Lavella, obsesionada en sus creaciones por no ser “voz de un manifiesto plano. Siempre hay un nivel sutil desde donde nombro y me coloco”, recuerda al filósofo francés Didi-Huberman quien asegura que para saber hay que tomar posición. No es un gesto sencillo, asegura Huberman. “Por ejemplo, se trata de afrontar algo; pero también debemos contar con todo aquello de lo que nos apartamos, el fuera-de-campo que existe detrás de nosotros, que quizá negamos pero que, en gran parte, condiciona nuestro movimiento, por lo tanto nuestra posición. Se trata igualmente de situarse en el tiempo”.

Las mujeres en escena se presentan, una a una, tras una ventana que fija el marco por el que ver el patio de butacas y viceversa. Da la impresión de que han elegido cuidadosamente la materialización de su sombra, el cuadro de su espectador-mundo. Las vemos jugar con las ventanas, bailar con ellas, cantarles, atravesarlas, alejarse para volver imantadas.

La belleza de la pieza de danza-teatro aflora por entre las contraventanas, en lo oculto, en lo que se intuye roto, en el perfecto y maravilloso cuerpo de baile. Pasado el ecuador de la función, las diez más una, juntas al fin, sin música ni efectos sonoros, muestran el sonido de sus pasos, su respiración, el cuerpo a cuerpo, el encanto de la vulnerabilidad compartida. Si la sororidad fuera carne, tendría la forma de diez mujeres enlazadas, sostenidas, balanceándose, una misma en todas, caóticas y ordenadas a la vez.

La obra viaja con mucha transparencia, asegura Lavella. “Tiene un subtexto feminista donde habla del empoderamiento de las mujeres. No ponemos en escena prototipos de mujeres bailarinas. Nos presentamos con algo que contar”.

Al final de la obra uno tiene la sensación de haber asistido al primer capítulo de algo. Conocido el cuerpo de baile queremos más. Queremos saber. Tomar posición, por relativa que sea, junto a ellas y que explote lo que tenga que explotar. Próximamente nuevas fechas. No se la pierdan.  

La compañía murciana Alquibla Teatro narra en 'Mi cuerpo será camino' un sinfín de historias de vida con las que levanta un árbol genealógico de la experiencia de extranjería, del sentido de la familia y del esfuerzo constante de ganarse la vida. Un monumento a las personas migrantes y trabajadoras, a los abuelos y abuelas perdidos en el tiempo y a los que vendrán.

La obra se podrá ver el próximo 12 y 13 de marzo de 2022 en el Teatro Circo Murcia, aunque el pasado 18 de diciembre, la consejería de Servicios Sociales del Ayuntamiento de Murcia celebró el Día internacional del migrante con su puesta en escena en este mismo teatro. Entre las diversas actividades programadas, numerosas asociaciones locales acudieron a la invitación de 'Mi cuerpo será camino'. El texto cuenta la historia real de una familia originaria del Campo de Cartagena, obligada a migrar a Buenos Aires en busca de oportunidades y cómo generación tras generación -desde finales del XIX- se suceden movimientos migratorios en el seno familiar.

El teatro, tal y como lo conocemos, ha sobrevivido más de dos milenios y, aún hoy, está en el centro de la actividad cultural de la ciudad. Obligado siempre a renovarse, a mudar en busca de la escurridiza verosimilitud más allá de la teoría y práctica teatral aprehendida. El oficio, el riesgo estético y en la producción es algo que conoce muy bien Antonio Saura, director escénico y fundador de Alquibla Teatro. La puesta en escena de 'Mi cuerpo será camino' sorprende desde el principio. Minutos antes del inicio del espectáculo, allí estamos todos, espectadores y actores, mientras suenan los últimos avisos. Se perciben las ganas de compartir la experiencia.

Saltos en el tiempo

La última producción de Alquibla Teatro está estructurada en cuatro partes y un epílogo con incontables saltos temporales, de espacios y numerosos personajes interpretados por un mismo actor. La proyección de las acotaciones ayuda al espectador a seguir la trama y a viajar con los actores. Campo de Cartagena, 1862. Buenos Aires, 1927. Munich, 1964. Hospitalet, 2000. Munich, 2011. España, 1937, Munich, 2020... El tiempo se retuerce, el autoexilio se convierte en exilio forzado, lo temporal en irreversible. En el transcurso de la obra vemos a miembros de una misma familia comunicarse entre sí desde la lejanía: por carta, teléfono fijo, móvil o videollamada. Los actores arropan a los personajes al interpretarlos y, sobre todo, mientras esperan su turno sentados en los laterales del escenario en dos bancos enormes repletos de ropa. Espectadores de sí mismos. Todo aquí y ahora. Qué acierto de disposición escénica.

El complejo texto de Alba Saura plasma, con rotundidad y emoción, algunos de los principales desgarros de la experiencia de extranjería: La soledad, el desarraigo, la añoranza de la familia biológica, el deseo de una nueva, la ilusión de volver, la frustración, la rabia, la miseria o las fiestas interpuestas. El texto nace en el marco de la investigación académica y está atravesado, irremediablemente, por la experiencia vital de la propia autora murciana, que como tantos jóvenes, continuan viajando en busca de oportunidades laborales que en 'la huerta de Europa' no crecen. Alba Saura reside actualmente en Barcelona donde trabaja como docente en la Universidad Autónoma.

El espacio sonoro está compuesto por canciones como 'Mediterráneo'de Serrat que da nombre a la pieza. Suena también Concha Piquer y otras canciones más contemporáneas. A su vez, la guitarra de Álvaro Imperial se cuela y permea la escena con la delicadeza de una suave brisa estival.

De un enclave chabolista porteño al sur de Francia

Algunos de los personajes/personas que encarnan el compacto y sobresaliente elenco son: Juana de León (San Pedro del Pinatar, 1903-1983), cantante de copla interpretada por Esperanza Clares que brilla en el cante y el baile, dando lo mejor de sí. El actor Julio Navarro -Ginés, San Pedro del Pinatar, 1862 -Buenos Aires, 1927- el origen de todo, perdido y moribundo en el conventillo de La Paloma, enclave chabolista porteño, estremece en sus ensoñaciones finales. El encuentro de Laura -joven arquitecta que trabaja de camarera en Alemania mientras reparte curriculum a diestro y siniestro- interpretada por Nadia Clavel con Miguel -José Ortuño-, el abuelo emigrante al que nunca conoció y nunca volvió, es uno de esos sortilegios teatrales, que de la mano de estos dos jóvenes actores, nunca olvidas. Carmen -interpretada por Cristina Aniorte- que emigró del Madrid de 1937, con 7 años, a Buenos Aires y después de cruzar un océano nunca vio el mar. O Juan, que salió del Campo de Cartagena a trabajar de operario en el sur de Francia hasta que acabó en Cataluña con Manuela, su mujer, en 1968. Al que da voz y cuerpo el genial, Pedro Santomera. No se la pierdan.

Los espectáculos teatrales de Navidad regresan, un año más, al Teatro Romea y al Teatro Circo Murcia. Los escenarios municipales acogerán dos montajes musicales pensados para disfrutar en familia que estarán en cartel durante varios días: 'Bambi. Príncipe del bosque' Del Molino Producciones - Hipocampus Eventos Artísticos podrá verse en el Romea los días 29 y 30 de diciembre y 2 de enero mientras que 'Los músicos de Bremen' de Nacho Vilar Producciones está programado en el Teatro Circo Murcia el 3, 4 y 7 de enero.

Un nuevo y originario 'Bambi. Príncipe del bosque' ambientado en Japón

Para la mayoría de mortales, Bambi, son unos dibujos animados antiguos de Disney en los que, en un momento determinado, lloras. La interpretación cinematográfica de la novela 'Bambi, una vida en el bosque' de Félix Salten (1923) ha traspasado generaciones. Sin embargo, la propuesta teatral del nuevo musical Del Molino Producciones se aleja de la ficción Disney para agarrar con fuerza el texto de Salten, un hito en la literatura de animales.

Pepe Ferrer - junto a Geli Peñalver- es el encargado de la puesta en escena de 'Bambi. Príncipe del bosque' y reconoce que todo parte del texto. “Félix Salten al hablar de los animales conecta plenamente con la naturaleza. Hay fragmentos de la novela que están inspirados en el sintoísmo, culto popular mayoritario en Japón, con mensajes muy potentes de respeto a la naturaleza”. Esto, junto al hecho de ser amantes de la cultura y el teatro japonés ha determinado el tratamiento estético del musical.

En primer lugar, el cartel está inspirado en la bandera de Japón, comenta Ferrer. “La escenografía se basa en el kirigami -técnica japonesa que consiste en cortar el papel dibujado sin trazo previo- todo el bosque es blanco de papel recortado”. Además, el vestuario de los actores combina ropa tradicional japonesa, kimonos, con otra más actual de estética manga. Durante la función suenan instrumentos originarios de Japón y “aparecen marionetas de gran tamaño, manipuladas por actores que a su vez cantan e interpretan personajes, inspirado en la técnica teatral del Bunraku”.

La cultura nipona no solo es un pretexto formal y técnico. En la interpretación de la novela liderada por Ferrer y Peñalver hay, cómo no, licencias poéticas. Al nacer Bambi, su padre es el príncipe del bosque y ni a la madre ni a él le puso nombre Salten. “Nosotros le hemos puesto nombre a los dos. El padre se llama Nara, nombre de una ciudad japonesa donde los ciervos son venerados, considerados deidades”, afirma Ferrer.

'Bambi. Príncipe del bosque' habla del destino, “del camino de iniciación y aprendizaje en el tránsito del Bambi pequeño, curioso y juguetón, al ciervo adulto con un destino marcado: ser príncipe del bosque. No en el sentido de la realeza, sino protector del grupo y del bosque”, sostiene Ferrer. A lo largo del espectáculo también se habla de una de las grandes amenazas para sistemas vivos como los bosques, el cambio climático.

Del Molino Producciones y Pepe Ferrer, que ha dirigido la inmensa mayoría de sus producciones, llevan mucho tiempo trabajando en teatro para el público familiar. ‘El Libro de la Selva’ y 'La Dama y el Vagabundo' son algunos de sus musicales previos. Así, asegura, que la nueva producción “es un obra de gran belleza. Los niños van a disfrutar enormemente con el musical. El adulto tendrá, además, que pensar junto con sus hijos en qué están viendo. Es un espectáculo que continúa más allá del teatro”.

Teatro Romea

Miércoles, 29 de diciembre de 2021 – 17:00 y 19:30 h.

Jueves, 30 de diciembre de 2021 – 17:00 y 19:30 h.

Domingo, 2 de enero de 2022 – 17:00 h.

Precio: 15 / 12 / 10 €

Explosión de emociones con 'Los músicos de Bremen'

La potencia de los cuentos populares radica en el hecho de plantear, de forma sencilla y contundente acontecimientos, en ocasiones, despiadados. Los Hermanos Grimm escribieron un relato en el que un burro, un perro, un gato y un gallo se ven obligados a salir de las granjas donde han vivido siempre hacia un futuro incierto. Sus dueños han decidido sacrificarlos porque consideran que, por su vejez, estos sólo consumen comida y ya no les son útiles para el servicio doméstico.

A partir de aquí comienza la aventura y, también, el riesgo estético de la propuesta teatral: qué y cómo se cuenta y, ante todo, qué inspira el cuento. Para Jorge Fullana, director escénico de 'Los músicos de Bremen' y profesor de Espacio Escénico en la ESAD, “la historia de los Grimm, al fin y al cabo, narra las andanzas de cuatro animales que se encuentran en el camino y sueñan con formar una banda musical una vez lleguen a Bremen. Hemos incluido personajes que no están en el cuento original y algunos secundarios tienen más protagonismo”. Es el caso de unos ladrones que merodean por la comarca y se han especializado en robar sueños.

Los musicales son muy exigentes para los intérpretes, afirma Fullana, “no solo tienes que saber interpretar, sino cantar y bailar bien. El reparto actoral es muy trabajador y está comprometido con la propuesta que se acerca más al pop rock que al musical clásico”. De la creación y dirección de la parte musical de la obra se encarga Belter Souls con Pablo de Torres a la cabeza, Jon Mitó es el responsable de la coreografía y la dramaturgia corre a cargo de Juan Montoro. Es la primera vez que el director escénico murciano está al frente de un musical y, curiosamente, continúa Fullana “es la primera vez que me siento más director porque tengo que coordinar y gestionar a más creativos. En otros montajes, con menor presupuesto, me hago cargo de otros aspectos como el espacio o las luces”.

Gran parte de la dramaturgia se ha incorporado a la letra de las canciones durante el espectáculo. Dentro de la complejidad de coser todos los elementos escénicos de forma coherente, destaca Fullana, “ha resultado un proceso creativo amable. Levantar un musical es un trabajo muy colectivo. Este espectáculo es muy musical, muy cantado, incluso en algún momento con un toque de concierto”.  

No es el primer musical destinado a público familiar basado en cuentos populares que pone en el mercado Nacho Vilar Producciones. Previamente, 'El flautista de Hamelin' y 'El mago de Oz' pasaron por las mismas tablas de los teatros de Murcia. En 'Los músicos de Bremen', la diversión, asegura Fullana, está presente “desde el minuto uno. Es una propuesta muy entretenida. Las canciones te llevan con el texto a una explosión de emociones continua. Hemos hecho un montaje muy espectacular para ser disfrutado en familia”.

Teatro Circo Murcia

Lunes, 3 de enero de 2022 - 17:00 y 19:30 h.

Martes, 4 de enero de 2022 - 17:00 y 19:30 h.

Viernes, 7 de enero de 2022 - 17:00 h. 

Precio: 15 / 12 / 10 €

Hacía mucho tiempo que no sentía un patio de butacas vivo en los minutos previos al inicio de una obra de teatro. Ayer, en el auditorio de La Alberca, más de un centenar de adolescentes del IES Alquibla entre juegos, miradas cómplices y alguna colleja esperaban el comienzo de 'Mujer tenías que ser' de Yampo Teatro. La compañía de Águilas, capitaneada por Rocío Carrasco y Fran Giménez, estrenaba su último montaje frente a un numeroso grupo de escolares en pase matinal. Una actividad extraordinaria que debería formar parte del currículo docente.

La dramaturgia de Fran Giménez tiene una doble naturaleza: Didáctica, plantea un recorrido por los principales autores teatrales y algunas de sus heroínas literarias desde el siglo XVI hasta nuestros días y humorística, basada en una trama de viajes en el tiempo y cruces tecnológicos y dialécticos en los que participa hasta el propio Ibai Llanos.

El dramaturgo murciano, profesor de Lengua castellana y literatura, conoce muy bien la historia del teatro español impresa en el currículo escolar. El texto recoge más de una veintena de referencias a obras teatrales, autores y personajes femeninos que saltan del papel al acervo cultural. 'Mujer tenías que ser' arranca con La Celestina y Areúsa de Fernando de Rojas, atraviesa el siglo XVII arrastrados por Laurencia de Lope de Vega en 'Fuenteovejuna' y continua con un electrizante desfile protagonizado por Rosaura de Calderón, Doña Juana de Tirso de Molina, La Novia de Lorca, Carmela de Sinisterra, entre otras, hasta culminar Blancanieves, de Angélica Liddell.

El efecto de llevar a escena la esencia del currículo escolar vinculado al teatro español de los últimos 500 años es demoledor. Un acierto, mayúsculo, abierto al debate y controversia, como el buen teatro. Uno siente, cerca del final, que Angélica Liddell es otra viajera del tiempo, una enviada 'V de Vendetta': por ella y por todas sus compañeras ninguneadas e invisibilizadas. A lo largo de los 90 minutos aparecen algunos nombres de dramaturgas de siglos pasados: Ana Caro, Maria de Zayas y Catalina de Areuso y, también, contemporáneas: Itziar Pascual, Lola Blasco o las murcianas Diana de Paco y Raquel Garod, entre otras. Fran Giménez enciende una vela en mitad de la noche curricular y anima a transitar nuevos caminos, a repensar nuestra propia historia y presente.

La puesta en escena de este viaje por la historia de nuestro teatro la sustentan las actrices, María Piñero y Lorena Piñero. Hermanas de sangre, Calderona y Baltasara en 'Mujer tenías que ser', la pareja brilla de cabo a rabo y da una coherencia a los saltos temporales e incontables transiciones entre personajes, abrumadora.

Detrás del ensamblaje y creación del artificio teatral -texto, trabajo de las intérpretes, del efectivo y bello diseño de luces a cargo de Jesús Palazón, de la disposición de cada elemento escenográfico, del espacio sonoro, el vestuario y hasta el más mínimo detalle que uno alcance pensar está, Rocío Carrasco, directora de Yampo Teatro desde su fundación en 2004, y presidenta, en la actualidad, de la asociación de Directores de Escena Profesionales de la Región de Murcia (DEmurcia). Su curriculum académico la ha llevado al máster en Dirección Escénica Middlesex University, en Londres, y a realizar estudios de dirección en la GYTIS de Moscú, escuela fundada por Meyerhold.

La directora de escena aguileña tiene una obsesión que, en este caso, ha pasado a formar parte de la ficción teatral: mide, con precisión de relojera suiza, la duración de cada escena y el tiempo total de la obra. El ritmo escénico de 'Mujer tenías que ser' es perfecto y el reto era enorme: atravesar cinco siglos de historia teatral de forma orgánica, divertida y conmovedora sin caer en arengas redichas. En el diseño escenográfico destacan elementos estructurales que concentran la acción dramática en un cuadrilátero y otros elementos como ruedas de madera o una cuña de madera tamaño humano con los que consigue crear la atmósfera necesaria en cada escena.

En la búsqueda contrarreloj de Solano, que ha viajado del siglo XVII al XXI y trata de regresar, hay un momento en el que Calderona y Baltasara creen divisar a su compañero a lo lejos, en el horizonte del patio de butacas. Más de 50 personas nos giramos para ver si era cierto que Solano estaba allí, en el auditorio de La Alberca. El teatro y los adolescentes tienen ese poder, escuchémoslo. No se pierdan a Yampo Teatro. 

Hacía mucho tiempo que no sentía un patio de butacas vivo en los minutos previos al inicio de una obra de teatro. Ayer, en el auditorio de La Alberca, más de un centenar de adolescentes del IES Alquibla entre juegos, miradas cómplices y alguna colleja esperaban el comienzo de 'Mujer tenías que ser' de Yampo Teatro. La compañía de Águilas, capitaneada por Rocío Carrasco y Fran Giménez, estrenaba su último montaje frente a un numeroso grupo de escolares en pase matinal. Una actividad extraordinaria que debería formar parte del currículo docente.

La dramaturgia de Fran Giménez tiene una doble naturaleza: Didáctica, plantea un recorrido por los principales autores teatrales y algunas de sus heroínas literarias desde el siglo XVI hasta nuestros días y humorística, basada en una trama de viajes en el tiempo y cruces tecnológicos y dialécticos en los que participa hasta el propio Ibai Llanos.

El dramaturgo murciano, profesor de Lengua castellana y literatura, conoce muy bien la historia del teatro español impresa en el currículo escolar. El texto recoge más de una veintena de referencias a obras teatrales, autores y personajes femeninos que saltan del papel al acervo cultural. 'Mujer tenías que ser' arranca con La Celestina y Areúsa de Fernando de Rojas, atraviesa el siglo XVII arrastrados por Laurencia de Lope de Vega en 'Fuenteovejuna' y continua con un electrizante desfile protagonizado por Rosaura de Calderón, Doña Juana de Tirso de Molina, La Novia de Lorca, Carmela de Sinisterra, entre otras, hasta culminar Blancanieves, de Angélica Liddell.

El efecto de llevar a escena la esencia del currículo escolar vinculado al teatro español de los últimos 500 años es demoledor. Un acierto, mayúsculo, abierto al debate y controversia, como el buen teatro. Uno siente, cerca del final, que Angélica Liddell es otra viajera del tiempo, una enviada 'V de Vendetta': por ella y por todas sus compañeras ninguneadas e invisibilizadas. A lo largo de los 90 minutos aparecen algunos nombres de dramaturgas de siglos pasados: Ana Caro, Maria de Zayas y Catalina de Areuso y, también, contemporáneas: Itziar Pascual, Lola Blasco o las murcianas Diana de Paco y Raquel Garod, entre otras. Fran Giménez enciende una vela en mitad de la noche curricular y anima a transitar nuevos caminos, a repensar nuestra propia historia y presente.

La puesta en escena de este viaje por la historia de nuestro teatro la sustentan las actrices, María Piñero y Lorena Piñero. Hermanas de sangre, Calderona y Baltasara en 'Mujer tenías que ser', la pareja brilla de cabo a rabo y da una coherencia a los saltos temporales e incontables transiciones entre personajes, abrumadora.

Detrás del ensamblaje y creación del artificio teatral -texto, trabajo de las intérpretes, del efectivo y bello diseño de luces a cargo de Jesús Palazón, de la disposición de cada elemento escenográfico, del espacio sonoro, el vestuario y hasta el más mínimo detalle que uno alcance pensar está, Rocío Carrasco, directora de Yampo Teatro desde su fundación en 2004, y presidenta, en la actualidad, de la asociación de Directores de Escena Profesionales de la Región de Murcia (DEmurcia). Su curriculum académico la ha llevado al máster en Dirección Escénica Middlesex University, en Londres, y a realizar estudios de dirección en la GYTIS de Moscú, escuela fundada por Meyerhold.

La directora de escena aguileña tiene una obsesión que, en este caso, ha pasado a formar parte de la ficción teatral: mide, con precisión de relojera suiza, la duración de cada escena y el tiempo total de la obra. El ritmo escénico de 'Mujer tenías que ser' es perfecto y el reto era enorme: atravesar cinco siglos de historia teatral de forma orgánica, divertida y conmovedora sin caer en arengas redichas. En el diseño escenográfico destacan elementos estructurales que concentran la acción dramática en un cuadrilátero y otros elementos como ruedas de madera o una cuña de madera tamaño humano con los que consigue crear la atmósfera necesaria en cada escena.

En la búsqueda contrarreloj de Solano, que ha viajado del siglo XVII al XXI y trata de regresar, hay un momento en el que Calderona y Baltasara creen divisar a su compañero a lo lejos, en el horizonte del patio de butacas. Más de 50 personas nos giramos para ver si era cierto que Solano estaba allí, en el auditorio de La Alberca. El teatro y los adolescentes tienen ese poder, escuchémoslo. No se pierdan a Yampo Teatro.

Hay muchas formas de entender el arte teatral, de ejercer esta profesión milenaria. La celebración del teatro, para ese grupo de personas que llamamos público, ha permutado considerablemente a lo largo de los siglos. Pero en el ritual -por no decir, manías- de los creadores escénicos previo al estreno de una obra se percibe un hilo de tiempo intacto. Antonio Saura -director artístico de Alquibla Teatro-, siempre realiza la misma tarea horas antes de estrenar: “corto los filtros de los focos, algo que podría hacer cualquier técnico, pero forma parte de mi ritual. Ese último corte iluminará cada uno de los espacios escénicos, transportará al espectador los tiempos dramáticos e iluminará los cuerpos en movimiento” con la esperanza de gastarlos pronto, “señal de que hemos hecho muchos bolos”. De forma sistemática, además, lee el texto dramático una última vez en busca de algún matiz o gesto no registrado en su cuaderno de dirección, 48 horas antes de estrenar.

'Mi cuerpo será camino'. Todo surge del texto

Alquibla Teatro estrena 'Mi cuerpo será camino' en el Teatro Villa de Molina el próximo 4 de diciembre. El texto de Alba Saura, publicado por la editorial Máquina de Nubes, ahonda en los lazos de una familia originaria del Campo de Cartagena a lo largo de varias generaciones y migraciones sobrevenidas: desde el tío que se marcha a Buenos Aires finalizando el siglo XIX a la joven que emigra a Alemania en busca de una oportunidad laboral en pleno siglo XXI. Serrat da título a la pieza, Concha Piquer y el Mediterráneo inspiran una dramaturgia compleja -que surge de la investigación académica- con más de una veintena de personajes interpretados por seis actores, entre los que destacan los emblemáticos Esperanza Clares y Julio Navarro, así como la incorporación del joven José Ortuño.

El repertorio de Alquibla trasluce un gran respeto y admiración por la dramaturgia, desde autores clásicos a contemporáneos de ámbito nacional y regional. “Procuro que la puesta en escena sea fiel al texto dramático porque es el que me ha inspirado, todo surge del texto”, señala Saura. 'Mi cuerpo será camino', primera gran producción de Alquibla Teatro tras los estragos de la pandemia, es un texto que conoce al dedillo. En agosto de 2020, en pleno confinamiento perimetral, inició el proyecto con Alba Saura, dramaturga y docente universitaria, Álvaro Imperial, músico, y Esperanza Clares, actriz, directora de producción y cofundadora de Alquibla Teatro.

La puesta en escena, ideada por Saura, ahonda en las constantes escénicas de Alquibla Teatro que intercalan dolor -de la migración y el desarraigo, en este caso- con humor. El espacio escénico ha resultado “muy poético y limpio. Con pocos elementos generamos todos los lugares y tiempos contenidos en las 24 escenas que tiene la obra”. Una puesta en valor de la teatralidad donde seis actores interpretan a una veintena de personajes con “cierta vocación de anacronismo: con un solo cambio de chaleco o peluca, los actores se convierten en otro personaje. Ayudamos al espectador con la proyección de una didascalia que sitúa la ciudad y el momento de cada escena”. Todo un reto interpretativo para el elenco que contarán en escena con una luz y plástica “con sabor, color y olor a mediterráneo”.

El milagro de la producción teatral en Murcia

Las poéticas, también las teatrales, necesitan un medio material para desarrollarse. No son luz que se propaga en el vacío. El lunes de 6 octubre comenzaron lo ensayos en la nave industrial que Alquibla Teatro tiene en el polígono industrial Oeste, de lunes a viernes de 9 a 14:30h. Quien ha trabajado en una fábrica conoce la naturaleza del frío y el calor industrial. “Cada día he puesto una vela al clima para que el proceso de ensayos pudiera finalizar en esa nave. Con frío no se puede ensayar allí. Cuando veo el vaho salir por la boca de los actores pienso que no son condiciones de trabajo”. Por fortuna, el frío, que ha llegado, les ha sorprendido en la semana de residencia del auditorio de Algezares.

“En Alquibla, los bolos que hemos hecho desde que comenzó la pandemia nos han dado para no cerrar la compañía. Gracias, además, a un préstamo ICO que comenzaremos a pagar en abril de 2022”, apunta Saura. La producciones teatrales necesitan políticas culturales coherentes con la realidad de un sector, en la actualidad, muy castigado por la pandemia. Los profesionales de las artes escénicas de la Región de Murcia tienen por un lado al Instituto de Industrias Culturales (ICA), que depende de la consejería de Educación y Cultura y, por otro, la red de teatros municipales.

En primer lugar, “los teatros de todo el país están al 100% de ocupación menos en la Región de Murcia que siguen al 75%. No sé en qué piensa la consejera de Cultura, debería mirar al resto de comunidades”. Por otro lado, los presupuestos municipales en Cultura se han reducido y, en general, “los teatros están programando poco”, afirma Saura.

La convocatoria anual con la que el ICA favorece la producción teatral aún no ha publicado la resolución definitiva. Esta circunstancia acarrea problemas a la hora de planificar una producción en un mercado muy competitivo. “Vamos a estrenar el 4 de diciembre sin saber si el Gobierno regional nos ha apoyado o no, porque la resolución final de las ayudas a producción no se ha hecho pública. No sé lo que me queda por amortizar o cuales son los costes de la producción pendientes de amortizar con el caché. Es surrealista que las ayudas de producción de un ejercicio salgan a final de año. Porque yo podría tener cero ayudas o una ayuda importante con lo que la producción podría haber sido mejor”, concluye Saura.

“Hacer creaciones periféricas es muy difícil, el mercado las penaliza, los presupuestos son bajos”, continúa el director artístico de Alquibla. “Compites en un mercado con producciones cuyo presupuesto es cien veces mayor al tuyo. Veo producciones con presupuesto superior al que el Gobierno regional destina a toda la profesión teatral en un año. Las compañías murcianas no competimos en igualdad de condiciones fuera de la Región”.

Raíces

La vida profesional y familiar de Antonio Saura siempre se ha desarrollado en Murcia. Viaja mucho por trabajo y por placer -muchas veces para ver teatro que no llega a Murcia-. En 1997 estuvo trabajando en Madrid, en el Teatro María Guerrero para el Centro Dramático Nacional. Era consciente, ya entonces, que “las políticas teatrales en la Región son de perfil bajo” y que “la aventura de la creación periférica castiga mucho, es dolorosa y agota muchísimo”. Decidió volver porque, apunta, “mis raíces están en Murcia. Necesitaba la proximidad de mi gente y familia. Estoy muy feliz con cada una de las producciones”.

Desde entonces ha realizado una o más producciones anuales, ha formado, junto con Esperanza Clares, una de las principales escuelas de formación teatral no reglada de la Región y ha contribuido a forjar un difícil tejido asociativo a lo largo de estas décadas. Fundador de MurciaaEscena y de la asociación de Directores de Escena Profesionales de la Región de Murcia, siempre dispuesto a echar un cable y a hablar sin pelos en la lengua. “Estamos a años luz de tener una política teatral de altura y, aún así, en esta Región hay mucho talento de actores, dramaturgos, directores y técnicos. Esto no es un lugar común, es un hecho”.

Raúl Lledó (1975), oriundo de Torre Pacheco, está al frente de la concejalía de Cultura desde el año 2015. Es miembro del Partido Independiente de Torre Pacheco que gobierna en coalición con el Partido Socialista.

Con 7 años inscribieron a Lledó en la escuela de fútbol municipal. Duró un día. De las clases de fútbol pasó a las que impartía Pedro Inglés, un ceramista del campo de Cartagena. De esos primeros coqueteos con la plastilina, el barro y la pintura hasta los estudios de escultura en la Escuela de Arte y Oficios.

De familia humilde y trabajadora, su padre se crió en una casa de campo entre los Urrutias y el Algar, sin agua corriente ni electricidad. Como tantas personas en esta Región, comenzó a trabajar desde muy niño en el campo hasta que montó su propia empresa de construcciones. Su madre, empleada en una emisora de radio de la Palma y una fábrica de caramelos, tras casarse, se dedicó al cuidado de sus 9 hijos. De ellos ha aprendido a valorar lo que tiene, el respeto hacia los demás y lo que cuesta ganar un sueldo o criar una familia. 

15 años de camarero, otros tantos de escultor en la fundación Prometeo y una activa participación en el tejido asociativo del municipio lo lanzaron a la concejalía de Cultura de la mano de su actual alcalde, Antonio León. Una decisión meditada y consultada con su nueva familia numerosa -dos hijos y una perra adoptada-. Lledó entiende la cultura sin privilegios y pegada a las demandas de vecinos y artistas. Es de la opinión que al teatro se va a pasárselo bien y reír, aunque no se olvida de las grandes tragedias como 'Yerma', de Lorca.

¿Cómo llegas a la política después de trabajar de camarero y escultor en la Fundación Prometeo?

Comencé en la hostelería con 15 años. En mi casa somos 8 hermanos y enseguida me puse a trabajar los fines de semana para ayudar con mis gastos. Me gusta el contacto con la gente. Disfruté mucho mi trabajo los 15 años que estuve en el restaurante Venezuela.

A la política llegué después de algún tiempo vinculado a la asociación Prometeo y otras asociaciones culturales del municipio. He estado en grupos de canto coral, en la banda de música y también en un grupo de teatro. Un día el actual alcalde, Antonio León, me dijo: “Sabemos que tienes mucho que aportar, nos gustaría que lo hicieras a través del Partido Independiente”. Después de meditarlo algún tiempo y consultarlo con la familia acepté la propuesta. He estado mucho tiempo en el otro lado, como político ahora me pongo mucho en el lado de los artistas y vecinos y empatizo con las demandas.

¿En qué ha mejorado el área de cultura de Torre Pacheco desde que estáis en el gobierno?

En la cercanía con la gente. Siempre que podemos lo organizamos para realizar las actividades que nos proponen. Estamos abiertos a cualquier iniciativa. Realizamos visitas con colegios al CAES y a las bibliotecas. Somos proactivos en la oferta de actividades a los centros escolares.

Lo primero que hicimos al llegar fue eliminar todas las entradas de protocolo. Mi alcalde cuando va al teatro paga su entrada. Cuando yo voy con mi mujer exactamente igual. Antes el teatro era más para la élite. A nosotros hay algo que no nos asusta, que es tener gente con pensamiento crítico y para eso la cultura es fundamental, es un bien de primera necesidad.

Hicimos un esfuerzo enorme. Nos costó mucho trabajo recuperar el público teatral después de la gestión del anterior equipo de gobierno. Entonces llegó la DANA y tuvimos unas inundaciones con unas pérdidas económicas muy importantes. Cuando parecía que remontábamos sobrevino la pandemia. Ahora nos da mucha alegría tener 400 espectadores para ver a Doble K Teatro.

¿Qué importancia tiene la programación teatral para la concejalía de Cultura que actualmente dirige?

Una parte muy importante del presupuesto está destinada única y exclusivamente a programar teatro. Durante la pandemia hemos programado en el espacio joven de Torre Pacheco que facilitaba los controles de aforo y sanitarios. Hemos programado mucho teatro de calle con compañías murcianas en su inmensa mayoría. Tenemos que romper la barrera del teatro y sacar todo lo que podamos a la calle. Al programar, pensamos también en todos los municipios de alrededor de Torre Pacheco que no tienen teatro. Las obras están a un precio muy asequible y hacemos una campaña de comunicación muy potente.

¿De qué manera se promueve el teatro en los jóvenes de Torre Pacheco?

Hemos tenido campañas específicas pero ahora mismo han desaparecido. Tenemos grupos de teatro municipales para personas mayores y jóvenes. Con más de 30 años de historia, del grupo de teatro el Mantón, han salido algunos artistas que están triunfando en Madrid como Agustín Otón o Ángel Roca.

En los institutos y colegios había pequeños grupos de teatro en los que organizábamos un festival que se llamaba Educaescena. Este tipo de medidas son muy importantes ya que se forma el público teatral del mañana y despierta vocaciones. Sin estas actuaciones de sensibilización nos podemos encontrar los teatros vacíos y nada de lo que estamos haciendo tendría sentido.

¿Qué medidas se han tomado para apoyar a las industrias culturales locales?

En la programación del año que viene tenemos a la Aye Cía de la que forman parte Fran Ros y Sofía Acosta, que son de Torre Pacheco. Estamos en contacto permanente con ellos y con todos los agentes culturales locales. Vemos lo que tienen en cartelera y estudiamos la posibilidad de traerlos a Pacheco.

¿Cuándo podremos visitar el Museo Paleontológico y de la Evolución Humana de Torre Pacheco?

Cuando la comunidad autónoma asuma las competencias que le corresponde. La sima de las Palomas es el yacimiento Neandertal más importante, después de Atapuerca, en el arco mediterráneo. Yo no estaba en política cuando alguien decidió hacer ese edificio.

Es nuestro Prestige cultural.

Es un edificio que está desubicado y sobredimensionado. Los gastos anuales de mantenimiento están en torno al millón doscientos mil euros, algo que el ayuntamiento no puede asumir. No es competencia del ayuntamiento dotar de contenido y finalizar la obra. Cuando la Comunidad autónoma entienda la importancia del proyecto volveremos a hablar de cómo gestionarlo. Si es que se decide que ese sea el entorno y el edificio adecuado.

Si, al menos, el edificio estuviese en un entorno urbano se generaría un retorno de la actividad cultural. Está perdido en un mar de invernaderos dando la espalda al Cabezo Gordo que es donde está el yacimiento de la sima de las Palomas.

¿Qué opinas de la problemática medioambiental y la gestión del ecocidio del mar Menor?

Cada uno debe tener claro sus competencias y actuar en consecuencia. Si hay regadíos ilegales, transformarlos en lo que deba ser. Ayudar a los agricultores a recuperar la inversión que se les ha permitido hacer. Indemnizarlos. Son personas que se han dejado mucho dinero para sacar su familia adelante. Los agricultores son los primeros interesados en que toda esta problemática se solucione y que se les deje de culpar. Los mayoría de agricultores realizan un aprovechamiento ejemplar del agua.

Torre Pacheco tiene un porcentaje alto de personas migrantes y, por otro lado, Vox, un fuerte respaldo electoral, ¿hay tensiones entre los vecinos?

Un tercio de la población de Torre Pacheco es de fuera. Para nosotros es positivo. Buena parte de ellos trabajan en el campo y ahora es difícil ver gente española trabajando en el campo sino es en puestos de responsabilidad. El mayor problema es el arraigo de los jóvenes. No terminan de sentirse de aquí porque no se les termina de aceptar y no se sienten del país de origen de sus progenitores porque nacieron aquí. Se debe trabajar mucho desde las escuelas. En Roldán hay un colegio público con un porcentaje muy alto de inmigrantes y es uno de los mejores de la Región de Murcia, no hay problema de convivencia. Es necesario invertir en educación y dejar hacer al profesorado.

Formas parte el Partido Independiente de Torre Pacheco, ¿ni de izquierdas ni de derechas?

Dentro de los afiliados tenemos personas que se identifican más con la derecha y otros con la izquierda. Afortunadamente, nosotros nos centramos en el municipio y en los vecinos. Estaremos más de acuerdo en unas prioridades que en otras pero las necesidades reales del municipio las tenemos claras. La gestión diaria no nos impide pensar en el Pacheco del futuro. Ni de derechas ni de izquierdas, del municipio y de sus vecinos.

En estos cuatro años ¿qué te ha sorprendido y decepcionado de la política?

Me ha sorprendido lo difícil que es gestionar algunas cosas. No porque no se puedan hacer, sino por los trámites burocráticos. Estuve mucho tiempo trabajando en la empresa de reformas y construcciones de mi padre y hermanos donde estaba acostumbrado a solucionar muchas cosas a golpe de teléfono. Ahora, estamos más de un año tratando de terminar el expediente de mantenimiento de los molinos de viento que dependen de Patrimonio y Cultura. Por cualquier nimiedad lo rechazan y debes empezar de nuevo. Eso es lo peor que llevo, no poder solucionar las cosas de forma inmediata. Los molinos tienen un problema de termitas que no entienden de papeles, ni de firmas, ni de periodos de contratación.

La ciudadanía no quiere políticos de chaqueta y corbata. Quieren que les lleguen y sean cercanos. Y si no puedes resolver sus demandas en el momento por lo menos que los atiendas y expliques porqué.

El próximo mes de noviembre tendrá lugar la III edición del Congreso Internacional de Artes y Diversidad, una iniciativa promovida por Fundación Cepaim y Aye Cultura Social junto con la Universidad de Murcia (UMU) y la Universidad Politécnica de Cartagena (UPCT), en la que filósofos, artistas y colectivos reflexionarán en torno a cuestiones de género, vulnerabilidad y formas de habitar la ciudad, la casa o nuestro propio cuerpo.

Juan Nicolás (Cartagena, 1977) es jefe de servicio CREES (Cultura Reponsable-Economía Social) en la fundación Cepaim y principal artífice del Congreso. Con estudios de danza clásica, es licenciado en Dirección Escénica y Dramaturgia por la ESAD de Murcia.

Desde que en 2004 inauguró el emblemático Espacio Fa -centro autogestionado de arte y pensamiento contemporáneo-, Nicolás, no ha parado de agitar el panorama cultural de la ciudad de Murcia. Fichado por Pedro Alberto Cruz -Consejero de Cultura, Turismo y Deportes, de 2008 a 2014- llegó a la dirección del Centro Párraga en 2008, el momento de mayor inversión en cultura artística que ha conocido la Región de Murcia. Cuatro años de descubrimiento y acercamiento al arte contemporáneo que acabaron con un nuevo horizonte personal: vincular el arte con la acción social, un objetivo que desde 2013 desarrolla en Cepaim.

Uno de los grandes retos laborales de Nicolás es “conciliar la rentabilidad social y económica, que la factura artística impecable cumpla un objeto social”. Un propósito que brilla en su máxima expresión en cada edición del Congreso. Reconoce que este proyecto es especial, en lo personal y profesional. Nicolás ha sufrido la exclusión social en primera persona, conoce la fragilidad y vulnerabilidad que muchas veces esconde la palabra, diversidad. Cuando echa la vista atrás no elude la autocrítica, el futuro lo vislumbra con un congreso en expansión e invita a “todes” a vivir, aquí y ahora, esta “experiencia inolvidable”.

El lenguaje de la diversidad ha revolucionado la forma de comunicarnos y pensar el mundo.

Afortunadamente. Con los años, además, se ha hecho más accesible a todo el mundo. Desde mis inicios en la gestión cultural tuve especial interés en las cuestiones de género, transgénero y la diversidad. Cuando era director del Centro Párraga lo tuve muy presente en las programaciones. En aquellos años no se hablaba de patriarcado, ni mucho menos de teoría queer o transgénero. Es importante reconocer que vivimos en una sociedad patriarcal y que existe la desigualdad de género.

¿Qué os llevó a organizar el Congreso Internacional de Artes y Diversidad del que se celebra la tercera edición? ¿Algún referente?

El Congreso tiene mucho de Paul B. Preciado. La motivación principal fue mostrar la potencia que tienen las industrias culturales como factor generador de empleo y crecimiento económico. Abordar la gestión de la diversidad en una Murcia que, aunque nos quieran decir lo contrario, siempre ha sido un espacio de libertad. Murcia ha sido y es una de las ciudades más tolerantes en la aceptación de la diferencia, sea de género, de origen cultural u otras.

El congreso es atípico; combináis lo académico con el encuentro artístico y festivo.

Las artes en vivo me enseñaron que el pensamiento se puede articular desde la acción artística. Intercalamos lo académico con la performance, no hay otro congreso igual. Nosotros mismos nos preguntamos: ¿qué somos? Esta duda es coherente con la propuesta de transitar espacios identitarios que no son normativos y construir nuevas relaciones rompiendo fronteras entre lo académico y el festival. Los participantes lo agradecen mucho. En la programación no hay nada puesto al azar, está muy medida. Es un Congreso que se escucha y se siente.

¿Qué destacarías en esta edición para una persona que asiste por primera vez?

La presencia de artistas de América Latina, como la boliviana María Galindo, no me la perdería por nada del mundo. Es algo irrepetible, una pieza creada para el Congreso. También la ponencia de Paul B. Preciado. Recuerdo una entrevista en prensa que le decían lo valiente que había sido y él respondía, me emociono al recordarlo: “No, he sido vulnerable”. Esa fragilidad nos interesa trabajarla porque afecta a mucha gente.

¿De qué está hecha tu valentía/vulnerabilidad?

Hace un mes enterraba al que ha sido como mi padre, la pareja de mi madre durante 33 años. Un cáncer de pulmón se lo ha llevado en cuatro meses con 65 años de edad. Mientras llevaba su féretro a hombros me sentí valiente al conectar con el dolor que produce la pérdida. Estaba destrozado.

Soy valiente cuando soy yo mismo y me muestro vulnerable, cuando habito en la fragilidad. En el congreso inventamos cuerpos nuevos, frágiles y vulnerables, abiertos al cambio.

Hace dos años la asociación Feministas Gitanas por la Diversidad se quejaron de no tener voz en el congreso. Lo local sigue reclamando espacio y tiempo de representación. ¿Cómo se atiende a la diversidad en expansión?

Es imposible programar todo lo que queremos y acoger a todo el mundo. Este año sí están programadas, el Colectivo Galactyco también y más agentes locales pero siempre quedan cosas pendientes. De la intervención en el congreso anterior me acuerdo perfectamente porque me levanté y les pedí disculpas, tenían razón. Ahí las conocimos. No todo el mundo que trabajamos en el ámbito de la diversidad nos conocemos y este congreso también sirve para establecer interrelaciones profesionales y darnos a conocer.

¿Qué impacto tienen este tipo de congresos en las políticas regionales y municipales?

El Congreso cuenta con el apoyo del Gobierno regional, del Ayuntamiento de Murcia y de Cartagena y del Ministerio de Igualdad. Poco a poco se incorporan metodologías de trabajo que vienen de la acción social en la gestión política, pero las cosas no suceden de un día para otro.

Existe una gran deuda: reconocer el papel que juegan las industrias culturales en las políticas sociales. Por ejemplo, en las nuevas convocatorias del ICA (Instituto de Industrias Culturales) se da más protagonismo a los agentes sociales, como los que formamos parte de Acceso 44. El congreso te permite constatar cómo las industrias culturales van de la mano de la acción social.

Tenemos una consejera de Educación y Cultura que pertenecía a Vox. A través del prisma de las artes y la diversidad, ¿cómo la ves?

No la conozco personalmente. El ICA colabora con la organización y su director general vendrá a la inauguración como en ediciones anteriores. Si Mabel Campuzano viene al Congreso, creo, que le gustará. Nosotros no hemos tenido ningún problema.

Me cuesta imaginar a Mabel Campuzano escuchando a Paul B. Preciado o asistiendo a una performance de Linda Porn.

El Congreso es un espacio que reflexiona desde la diversidad de pensamiento y posicionamiento y huye de la confrontación. Quiero pensar que nadie puede sentirse incómodo en un espacio tan bello. El Congreso es un acto de amor y generosidad; lo que se respira es libertad, respeto y tolerancia.

Estuviste al frente del Espacio Fa, un espacio cultural autogestionado en el centro de Murcia. ¿Qué recuerdas de esos años?

Son los años más bonitos de mi vida, estaba todo por hacer. No había una sala con esas características en Murcia. No existía el Teatro Circo, ni la Chimenea Escénica, ni otros tantos sitios que abrieron después y muchos acabaron cerrando. Espacio Fa fue un espacio artístico con propuestas contemporáneas. Muy difícil de gestionar económicamente, pero la recompensa era enorme. Este Congreso tiene ese espíritu. Algunos profesores de la ESAD me han dado las gracias por organizarlo ya que han conocido y se han animado a introducir la atención a la diversidad en sus asignaturas. Ahí te das cuenta que tiene capacidad de transformación y que todo esto vale para algo.

De allí saltaste a la dirección del Centro Párraga.

Estuve cuatro años. Pedro Alberto Cruz me nombró. Me dijo: “Esto -el Espacio Fa- hace falta en la Región de Murcia y yo te voy a dar los recursos”. Le dije que sí enseguida. Los cuatro años del Centro Párraga fueron brutales. Es un Centro de referencia internacional de arte contemporáneo.

Estuviste al frente del Párraga en la época de mayor inversión en cultura en la Región de Murcia, ¿alguna autocrítica pasados los años?

No diría que salí decepcionado de la dirección del Centro Párraga, pero sí es verdad que una de las decisiones que me llevó a trabajar en una ONG como Cepaim fue ver que la capacidad de transformación social no se aprovecha en su totalidad en el arte contemporáneo. Pasaron piezas muy potentes con un presupuesto descomunal, pero ¿qué poso dejaron? Todo esto me llevó a pensar en relacionar el arte con un fin más social. Ahí tuve la oportunidad de entrar en Cepaim. Siempre he sido una persona muy comprometida socialmente y he sufrido la exclusión en mis propias carnes. Sabía que a través de la cultura se podía hacer algo más.

Muchos artistas criticaron la gestión cultural de esos años centrada en megaproyectos y grandes nombres sin atender el tejido local.

Hay una asignatura pendiente en ese sentido. Siempre será poco lo que se dé a los artistas murcianos. Si me preguntas si ha sido perjudicial que se haya programado mirando hacia fuera te diré que no. Hemos podido ver propuestas increíbles y hemos situado a Murcia en el mapa cultural nacional. Quizá el modelo, la forma de ayudar al tejido local, no fue la acertada. Lo podíamos haber hecho mejor.

El error es pensar que una cosa es excluyente de la otra. Lo interesante es la combinación de ambas, respetar los procesos de aprendizaje, las demandas del público y facilitar al espectador familiarizarse con los nuevos lenguajes artísticos.

¿Qué planes tienes de futuro?

Mi gran apuesta personal y profesional es este Congreso. Me gustaría que todavía creciese más. Que el año que viene se extienda durante más días y acabe siendo un gran evento, un referente internacional y visitar más espacios de la Región de Murcia.

Me involucro en todos los proyectos que participo pero este me toca mucho. Invito a todo el mundo a que asista. Las personas invitadas realizan un acto de generosidad: Desnudar su alma y compartir con todes nosotres lo que es habitar y transitar espacios identitarios desde su propia vida. Es una experiencia inolvidable.

Ricardo Iniesta (Úbeda, 1956) –Premio Nacional de Teatro 2008– recogió el pasado viernes el premio a la trayectoria de la compañía sevillana Atalaya-TNT otorgado por el 52 Festival Internacional de Teatro de Molina de Segura. Por cuarta vez la compañía visita el festival murciano desde que en 1989 presentaron 'La rebelión de los objetos', del poeta y dramaturgo ruso, Vladimir Maiakovski.

Esa misma noche pudo verse dentro de la programación del festival 'Elektra.25', una versión contemporánea del mito, con la que recuerdan los 25 años de la pérdida de Heiner Müller. El espectáculo obtuvo diez candidaturas a los Premios Max entre los más de 400 espectáculos inscritos en la edición de 2021, lo que supuso el mayor número de candidaturas recibidas por un montaje teatral en los últimos años. La alegría apenas duró unos meses. Tras la segunda fase de selección –realizada por el jurado madrileño– no obtuvieron ninguna nominación finalista de las diez candidaturas. Algo que pone de manifiesto “la desigualdad tremenda con respecto a las obras que se ven en Madrid y el resto de España”, afirma Iniesta.

La compañía también cuenta en un barrio del extrarradio de Sevilla con el Centro Internacional de Investigación Teatral TNT –que cumplió 25 años en 2020– y está reconocido por el Ministerio de Cultura como uno de los dos proyectos de investigación y creación teatral más valorados, junto a la Sala Becket de Barcelona.

¿En qué lugar ha quedado el teatro tras los estragos de la pandemia?

El teatro es más necesario que nunca. Los espectadores están cansados de comunicarse por pantallas y redes sociales. Es de los pocos eventos que tienen que realizarse en vivo y en directo. Esa es nuestra grandeza y también, ahora mismo, la dificultad. Los intentos de hacer teatro grabado o streaming no han terminado de funcionar.

Políticamente, ¿cuál es su estado de ánimo?

Si no fuese por el Gobierno progresista los teatros estarían cerrados, tal y como ha pasado en el resto de Europa. El Gobierno de coalición ha salvado al teatro. Hemos tenido la suerte de contar con esto en un momento muy difícil. Ministerios como el de Trabajo, entre otros, han hecho una labor importantísima, con medidas muy valientes.

¿Esperaba tantas nominaciones a los Max 2021 con 'Elektra.25'?

Los Premios Max están muy centralizados en Madrid, algo que debe cambiar. Nuria Espert, la mejor actriz de este país, no ha recibido un Premio Max. El jurado ve la mayor parte de las obras por vídeo. Hay una a desigualdad tremenda con respecto a las obras que se ven en Madrid y el resto de España.

Nosotros hemos tenido diez nominaciones y ninguna candidatura finalista. Lo cual es absurdo, en cine no pasa esto. 'Electra.25' no la ha visto nadie del jurado madrileño, los que deciden quién pasa a la final. Nos parece lamentable el funcionamiento de los premios.

A pesar del centralismo, habéis creado una escuela de teatro icónica en Sevilla.

Gracias a los maestros que hemos tenido de todo el mundo. Cada uno con sus herramientas y aportaciones nos han permitido generar un teatro basado en la capacidad de conmoción de los actores frente a los espectadores. Los actores que se forman en TNT tienen un bagaje enorme. Algunos han formado parte de grandes compañías nacionales como Els Comediants, La Fura dels Baus, entre otras, y también de compañías de fuera de España.

¿Cómo acabaría una carta destinada a un joven estudiante de teatro?

Que se prepare para uno de los oficios más bellos de la Historia del Arte, Como decía Jean Genet. Generemos ansias de un mundo mejor.

'Elektra.25', ¿algo que añadir?

Hoy día abunda el teatro que cuenta historias actuales y también es importante hablar de las grandes pasiones humanas –como Electra–, de los grandes mitos y continuar la tradición de arte universal. Si sólo contamos historias domésticas de nuestro alrededor, coartamos su potencial. El teatro español adolece de demasiado realismo y costumbrismo de lo que está sucediendo. El teatro tiene que apostar por la universalidad.

Del 21 de septiembre al 3 de octubre se celebra la 52 edición del Festival de Teatro de Molina de Segura, el más longevo de la Región de Murcia, gracias a la firme decisión de seguir adelante con la anterior edición tras la primera y devastadora ola provocada por la COVID-19. Un auténtico festival de teatro es mucho más que un time line salpicado de reconocibles nombres del teatro. Molina de Segura continua la tradición de los grandes festivales que tanta vida dan a espectadores y creadores.

En esta edición, el 25% de la programación del Festival corresponde a compañías murcianas. Como novedad, este año se ha vinculado el festival al premio de dramaturgia JJ Ferrando, en cuya primera edición se han presentado más de 300 originales. La obra del dramaturgo zamorano, Antonio Oliveira, ganador del certamen y la joven directora de escena y dramaturga, Victoria Jiménez, finalista, se han publicado en la editorial Tirano Banderas.

Además, en colaboración con la Asociación de Amigos y Amigas del Teatro Villa de Molina, se reconocerá la trayectoria de la compañía Atalaya TNT de Sevilla que, a lo largo de décadas, ha mostrado su calidad y vinculación con el festival. El viernes 24 de septiembre, tras la entrega del galardón a Ricardo Iniesta -director de la compañía- impartirá la conferencia, 'El método Atalaya'.

El programa de actividades complementarias culmina con la puesta en marcha del Premio Joven de Teatro. Cerca de cien jóvenes molinenses elegirán la obra ganadora entre los cinco espectáculos de temática juvenil que se representan en el Festival. Previamente, el jurado recibirá formación en dos talleres donde aprenderán formas de mirar un espectáculo teatral y diversas técnicas. Los encuentros creativos en colaboración las asociaciones ASSITEJ y TE VEO-Artes escénicas para la infancia y la juventud, así como diferentes talleres formativos circenses abiertos a todas las edades y capacidades.

Nada como sumergirse en la programación de los 25 espectáculos del 52 Festival de Teatro de Molina de Segura y descubrir el teatro de cada uno. En caso de que no te aclares entre tanta sinopsis y premios, aquí tienes la guía definitiva. Vamos allá.

Teatro político de ninguna parte

Si no conoces a La Zaranda, Teatro Inestable de Ninguna Parte, no te la pierdas. Y si ya has visto alguno de sus espectáculos estarás contando los días que faltan hasta el sábado 25 que presentan la elogiada, 'La Batalla de los ausentes', un espectáculo que carga contra el poder con su habitual artefacto poético. En palabras del dramaturgo Eusebio Calonge: “En un momento en que el pesimismo, la tristeza o la desesperanza nos han derrotado, en 'La batalla de los ausentes' resucitan una espada de luz contra esos jinetes oscuros, en un canto a la dignidad humana contra todo los que ocultan al amanecer su horizonte”.

Un día antes, otro plato fuerte del festival. Atalaya TNT presenta 'Electra.25', una pieza con 10 candidaturas de los Premios Max 2021. La compañía lleva 25 años adaptando grandes textos del teatro clásico universal, una cifra con la que conmemoran los años que han pasado de la muerte de uno de sus grandes referentes, Heiner Müller y los 25 siglos del nacimiento de Eurípides -autor de la tragedia griega 'Electra'-.

Teatro OMG y WTF para jóvenes y viejóvenes

The Cross Border Project inaugura el festival con 'La chica que soñaba', el próximo martes 21 de septiembre a las 20:00h, un espectáculo que opta al Premio Joven de Teatro y que visibiliza la problemática de las mujeres en las carreras históricamente masculinizadas, como las científicas. Una obra que cuestiona e inspira. Con 10 años a sus espaldas, la joven compañía liderada por Lucía Miranda, combina con maestría conmovedora teatro, educación y transformación social.

Un auténtico festivalero está dispuesto a realizar maratones teatrales. 24 horas después de la inauguración del festival visita el Teatro Villa de Molina, Induoteatro, cuyo director Chico García firma una sinopsis que comienza así: “Hace dos años leí en prensa una noticia relacionada con el suicidio de una adolescente murciana llamada Lucía. Tenía 14 años”. En 'Broken Play. Stop Bulling', el terrible acoso escolar y cyberbulling se entremezcla con temas universales del universo adolescente.

Para senderistas que se entretienen con las flores silvestres

Un buen plan en cualquier festival que se precie es echar el día, deambulando por diferentes rincones del pueblo y conocer a sus gentes y tapas, entre obra y obra de teatro. El 52 Festival de Teatro de Molina, como ya es habitual, ha programado buena parte de las obras en la calle o espacios no convencionales, todos ellos gratuitos o precio simbólico. Entradas a euro, oiga.

Belleza en las calles, plazas y colegios encontramos con Ertza danza en 'Meeting point', un espectáculo de danza contemporánea Premio Max 2018 al mejor espectáculo de calle. La Fam Teatre con 'Mr. Blue Sky' y la compañía portuguesa, Pia, que cierra el festival con la performance 'O2 Oxygen'.

Si te gusta Radiohead y alguna vez en tu vida has pasado un momento bonito a orillas del Mar Menor, o cualquier otro, hay una “escena” de 'Ronem Ram' que no olvidarás nunca. La compañía murciana Onírica Mecánica ha preparado una instalación que invita al espectador a hacer un recorrido individual -metafórico y literal, senderista- por un mundo dañado que sufre una crisis climática a partir del colapso medioambiental del Mar Menor. Las entradas vuelan (4 espectadores cada 20 minutos).

Si no duermes tranquilo sin ver algo diferente

Al menos una vez en tu vida tienes que ver un espectáculo de danza contemporánea en un espacio público o no convencional. Una de las oportunidades que ofrece el festival corre a cargo de la compañía valenciana Fil d'Arena en 'Senia' -domingo 3 de octubre, frente al Centro Comercial Vega Tader-. Una obra gestada durante el confinamiento que reflexiona sobre el ritmo frenético que llevamos día a día sin detenernos a respirar y disfrutar del camino. Una pieza que conlleva el deseo de muchos artistas escénicos profesionales de “respirar sin miedo a la inactividad y la precariedad”.

La Cía. Andrea Díaz Reboredo presenta 'Silencio' en el Teatro Villa de Molina. Cuenta con la participación de Miriam Garlo, artista molinense, que introduce en la creación las inmensas posibilidades expresivas y artísticas de la lengua de signos. Teatro de objetos y universo poético.

Familias, ¿cómo están ustedes?

No sé si los últimos serán los primeros ni si las “edades recomendadas” por artistas y organizadores en los programas de mano os llevan de cabeza como a mí. La aventura y el descubrimiento forma parte de la experiencia de un festival y esto, queridos padres y madres, os interpela directamente. Así que, ya saben: ¡Luz verde y adelante!

Para todos los públicos -o casi- tenemos 'Glubs', producto local. Con el mar como tema de fondo, cuatro marineros aparecen en tierra tras un naufragio. Tiburones, batallas, tormentas y mucho más en una epopeya épica que encadena situaciones absurdas y disparatadas, destaca la presencia del genial actor murciano, Sergio Ruiz. Teatro de calle de la mano de Yllana y Nacho Vilar Producciones -Finalista de la XXIV edición de los premios MAX a mejor espectáculo de calle-.

El circo, en su riqueza y diversidad, es una de las grandes apuestas del festival. 'Los viajes de Bowa', de La Gata Japonesa, es uno de ellos. Malabares, magia, equilibrios y acrobacias aéreas en una pieza llena de humor y poesía.

Ante cualquier duda o reclamación de la guía definitiva, no olviden consultar la programación. El teatro se mueve. Nos vemos por ahí.

Desde que llegó a España procedente de la ciudad de México, en 1999, Murcia se ha convertido en el segundo hogar de Linda Porn -alter ego- y la tierra donde nació su hija e inició su carrera artística. Este jueves 9 de septiembre presenta en el Cuartel de Artillería de Murcia su última creación escénica, 'La Llorona', una obra que reflexiona sobre maternidades migrantes y violencia institucional.

Artista multidisciplinar, Linda Porn, se sirve de la performance, el videoarte y el teatro para levantar obras atravesadas por el transfeminismo, el trabajo sexual, la migración, el colonialismo o la maternidad. En su México natal cursó estudios en el Laboratorio de teatro campesino e indígena. Desde entonces, compagina el trabajo artístico y sexual con el cuidado, en solitario, de su hija.

Pertenece a colectivos de trabajadoras sexuales que luchan por sus derechos como el sindicato OTRAS y CATS Murcia. Además, junto a la artista Daniela Ortiz, funda el grupo 'Madrecitas' que visibiliza y denuncia la violencia institucional a las familias migrantes.

Linda Porn está feliz con su vuelta a Murcia después de ocho años en Barcelona. Durante la entrevista, su gesto y palabras tienen una fuerza atávica. De familia humilde y obrera, con el estigma del trabajo sexual y la vivencia de madre soltera y migrante, es una luchadora incansable por los derechos laborales y sociales de las trabajadoras del sexo y, en el plano artístico, la expresión conmovedora de toda la rabia y vulnerabilidad contenida en los últimos 500 años de patriarcado y clasismo.

¿Por qué te llamas Linda Porn?

No es solo un alter ego. En 2013 salí de Murcia a Barcelona y entré en una nueva línea de trabajo artístico, más postpornográfica. Linda, me da la fuerza de ser otra. Además, coincidió con mi salida del armario: hice público que era trabajadora sexual. Quería proteger a mi hija, que pudiera ir tranquila al instituto. Al ser madre soltera nos llamamos igual.

Antes de venir a España estudiaste en el Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de México, ¿Qué aprendiste en la escuela?

Vivía en Colina Doctores -Ciudad de México- con mi madre y mi hermana, un barrio bastante marginal pero con personas de gran conciencia sobre su clase. Había una escuela de iniciación artística en la que cursé bachillerato. A continuación, quise entrar al CENART (Centro Nacional de las Artes) pero las personas de mi clase social teníamos difícil el acceso. Me enteré del laboratorio de Teatro Campesino. Al llegar, encontré que todos los matriculados eran personas obreras y campesinas. Pero no clase obrera como la de aquí, sino gente pobre.

Allí recibí toda la formación y fuerza con la que sigo trabajando. Todos mis maestros son campesinos, muchos analfabetos. Trabajan con elementos culturales populares y los transforman en arte. Las culturas originarias tienen su propio arte.

¿Qué es 'La Llorona' y quién es La Malinche?

La Malinche es la mujer a la que hicieron responsable del mestizaje entre España y México. Tuvo dos hijos con Hernán Cortes. Un hecho que ha servido a México como sustento cultural de su machismo y feminicidio salvaje. La Malinche es la india que le abrió las piernas al blanco, quien traicionó a los suyos. Se ha generado un misterio misógino de la mujer india que alimenta aún hoy muchos sistemas penales y judiciales de México. Todo esto lo traté en una obra que estrené hace años en el Centro Párraga.

La Llorona -personaje histórico de México que da nombre a la obra- es una mujer acusada de asesinar a sus dos hijos en el río porque Hernán Cortés la deja por otra española. El castigo es penar por toda la eternidad. La mayoría de infanticidios los comenten hombres pero, en la memoria colectiva, la acusada es una mujer. Las cifras son claras: la violencia vicaria la ejercen los hombres. No hay perdón ni juicio donde pagar su culpa. La Llorona es como el Coco en España, el hombre del saco.

¿Qué vamos a ver en el Cuartel de Artillería? ¿teatro, performance, videoarte?

Teatro rarito (risas). Por el tema de la pieza y por la situación legal en la que estoy se accederá solo con invitación.

¿En qué situación estás?

La maternidad está muy cuestionada. Hoy todo el mundo puede opinar y llamarte mala madre. Y, esto, llega hasta la justicia. No solo la maternidad está vigilada por todos y todas sino que también hay una aparato de vigilancia que son los servicios sociales y protección al menor. En la pieza se trata esta cuestión. Cómo nos quitan los hijos a muchas mujeres migrantes, pobres, madres solteras o mujeres con consumo de droga. El problema no es que ellas se queden sin los niños, sino que los niños se quedan sin sus madres. ¿A qué familias van estos niños? ¿a qué centros? Se cuestiona todo eso. Se habla de protección al menor y lo primero que hacen es sacarlo de su casa y encerrarlo en un sitio con otros niños. Es delicado el tema y me gustaría que en la muestra solo estuviesen personas con esta sensibilidad.

¿Tienes una denuncia de los Servicios Sociales?

Sí, en realidad, una violación de los derechos humanos de mi hija y míos. No tuve juicio. Se me imputaron muchas acusaciones que se dieron por hecho. Mi hija estuvo encerrada en un centro una semana. Al conocer esta realidad de cerca me encontré con un montón de gente como yo. Y mi hija se encontró con un montón de niños como ella. Es un problema estructural, racista, clasista y patriarcal. La gente no hablamos porque tenemos miedo por nuestros hijos.

¿Piensas que ser trabajadora del sexo ha influido en esta denuncia?

Por supuesto. Me fui de Murcia a Barcelona para proteger a mi familia. Por lo visto, es muy incómodo para muchas personas que una mujer sea madre, puta y artista. Como si en esta sociedad pluriempleada te definieran por una sola de tus facetas.

Molesta la palabra puta y, si estás racializada, más. Me dicen: “¿por qué no limpias escaleras?”, “deberías cuidar de tu hija” o “¿te gustaría que tu hija fuera puta?”. Siempre quieren que estemos en silencio.

¿Desde cuándo te dedicas al trabajo sexual?

Actualmente hice el parón. Empecé con 18 años en México. Necesitaba salir de la precariedad. Quería estudiar y que mi madre no se matara fregando suelos para que yo pudiera cumplir mi sueño universitario. Quería pagar mis estudios, comprarme libros y ropa. Como con cualquier trabajo. No estaba en la calle pidiendo limosna.

¿Por qué crees que entre las feministas levanta ampollas el trabajo sexual con posiciones tan polarizadas?

Huyo de esos debates. Las trabajadoras sexuales estamos en la diana. Es vernos u oírnos y nos piden que nos callemos o acusan de proxenetas, de privilegiadas. Nos han llegado a decir que nosotras no podemos hablar porque tenemos Twitter. “Que hablen las que no tienen”, nos dicen. Muchas piensan que las mujeres que cobran 15 euros el polvo no tienen Twitter. Hay una cuestión muy clara de clasismo y racismo. Una clase obrera, en este caso de trabajadoras sexuales, ha dicho: no queremos más opresión del patrón. Y las patronas nos dicen que nos callemos. Nos piden que limpiemos sus culos, sus casas y que cuidemos de sus ancianos e hijos. Que esa sea nuestra vida aquí, sin aspirar a más.

Hay una construcción social de la feminidad muy marcada en los pueblos hispanos. Con el progresismo español una mujer sí podía ir a la universidad y ganarse la vida pero de ¿puta? Comercializar con la sexualidad está totalmente censurado. Y no solo eso, ganarse la vida con el trabajo sexual es como de tontas, para las que no tuvieron oportunidad de nada. El abolicionismo tiene una base muy fuerte de clasismo y racismo. Lo cierto es que el trabajo sexual mantiene familias aquí y en Latinoamérica.

Cómo explicarías lo que supone ser madre soltera y migrante con el estigma del trabajo sexual.

Es muy jodido llevar la maternidad en solitario. Cuando nació mi hija en el hospital Virgen de la Arrixaca me dijeron que no tenía documentación. Nació ilegal. Nuestros hijos, nada más nacer, son violentados. Después tienes que vivir con esto. He conocido familias en las que sus hijos, con más de veinte años, no tienen documentación española.

En 'La Llorona' se habla del racismo institucional en el Reino de España. De cómo llegas con un plan de vida en el que piensas que podrás pagar un coche, una casa y tener un plan de pensiones cuando seas vieja. Pero ese plan no empieza nunca. Nadie te contrata o trabajas en negro por poco dinero. Con la persona que mejor puedo vivir mi profesión de trabajadora sexual es con mi hija. No quise esconderle que era trabajadora sexual porque en algún momento lo sabría. Quería que entendiera que no era nada malo.

Llegué a cambiar mi acento, mis costumbres y las de mi hija para no llamar la atención. Pero igual la llamamos. Los microrracismos son continuos. Tenemos derecho a estar aquí, a vivir tranquilas y ser respetadas. La generación de mi hija ya todos nacieron aquí, son todos españoles. Este es su mundo, su país.

Cristina Rivera, socióloga y escritora mexicana, habla del feminicidio de su hermana en la novela perturbadora, 'El invencible verano de Liliana', a finales de los 90. ¿Ha cambiado algo la situación?

Una de las razonas por las que mi hermana y yo salimos de allí es precisamente la violencia hacia las mujeres, está en el ambiente. Sabes que un día u otro te va tocar. Sino es tu pareja, es un familiar, alguien de la calle, sabes que alguien te va a hacer daño. Ahora veo a las madres de las niñas asesinadas en las calles. Visibilizando los feminicidios.

Mi hija tiene 16 años. Está preciosa y es verano, va con camisetas y shorts cortos. ¿Sabes qué pasaría en México? Que no volvería por la noche o volvería en trocitos. Simplemente por salir así vestida. Mis paisanos me dicen que soy muy crítica con México. Si volviese no sabría qué onda hay. Sería extranjera. Todos los inmigrantes mexicanos que van a Estados Unidos representan la segunda fuerza de ingresos monetarios del país. Los migrantes levantamos países.

Hubo un tiempo en que Ceutí fue nuestra Florencia: un proyecto cultural único en la Región, donde las artes escénicas y plásticas, la música o el arte urbano cabía en sus pequeñas plazas, calles estrechas y centros culturales. Por extraño que suene, Ceutí ubicó a la Región de Murcia dentro y fuera de España.

Graffitis y alguna escultura icónica es todo lo que queda de esta capitalidad cultural, de este emporio artístico de la Vega Media venido a menos. Entre los recuerdos de lo que fue y se extinguió se erige, contra todo pronóstico, un nuevo santuario para los amantes de las artes: la carpa de Grupo Puja. Un espacio escénico autogestionado que se inaugura con el estreno del último espectáculo de la compañía de teatro aéreo. Gema Segura y Luciano Trevignani dan forma a una larga investigación en torno al genio renacentista, Leonardo da Vinci. En concreto, a su obsesión por la geometría y su deseo de hacer volar al ser humano.

En 2006, Trevignani -procedente de Argentina- aterrizó en España con su carpa. En el Ceutí de entonces encontró lo que el arquitecto Michael Reynolds llama, “enclaves de libertad”. Lugar de ensayo durante mucho tiempo y también hogar, en medio del amplio parking de La Conservera, se encuentra la estructura metálica circular con aire circense recientemente homologada. Un espacio vivo, inesperado, ubicado a escasos metros de uno de los cadáveres culturales que gestiona el ICA (Instituto de Industrias Culturales y las Artes), dependiente de la Consejería de Cultura. Toda una paradoja.

En lo que llevamos de siglo, la política cultural regional ha pasado por un periodo de altas inversiones -generalmente vinculadas a grandes proyectos, voluminosos espacios y rutilantes nombres de ámbito nacional e internacional-, una crisis y la actual política de convocatorias -centrada, al fin, en el tejido artístico local- con presupuestos reducidos a su mínima expresión y pronóstico reservado. La primera etapa fracasó estrepitosamente dejando recuerdos imborrables y lamentables como la propia Conservera cerrada a cal y canto por no pagar ni el mantenimiento de las instalaciones, megainfraestructuras con fines culturales a medio hacer a lo largo y ancho de la Región y espacios escénicos en activo, como el Centro Párraga, en caída libre presupuestaria. La política de subvenciones y ayudas al sector tiene a los profesionales más desenvueltos saltando de convocatoria en convocatoria tratando de cuadrar los números de futuras producciones o proyectos.

Los pequeños detalles son vitales, se suele decir, pequeñas cosas hacen que sucedan cosas grandes. La historia de Grupo Puja y el ICA está llena de desencuentros. Un corte de suministro eléctrico semanas antes de un estreno. La cancelación del preestreno de 'Quixote' en La Conservera por un evento de última hora organizado por Coca-Cola. Y, sobre todo, una gran dificultad de entendimiento entre empresa e institución. Si pasados los años, una pequeña compañía de teatro -sin ninguna subvención ni resolución favorable de convocatoria alguna- renace y homologa (6.000 euros sólo el proyecto técnico) un nuevo espacio escénico en un contexto socioeconómico durísimo, ¿qué cabe esperar de la institución cultural más allá de la gestión de convocatorias?

Años de lucha a contracorriente cansan. El amor al trabajo, la vocación, no te salva. Segura y Trevignani, artífices de Grupo de Puja, acostumbrados a recibir aplausos por medio mundo, consideran que el gran formato, en artes escénicas, ha muerto. Aseguran no tener garantías para sobrevivir de su oficio. Sus espectáculos aéreos a 40 metros de altura y música en directo -entre 10 y 15 personas en gira- se suspendieron por el cierre de fronteras y cancelación masiva de muchos festivales. En año y medio, un bolo, el próximo mes de agosto en Rumanía. En estos momentos, no descartan la taquilla inversa, la “gorra digna”, esto es: la voluntad.

En la Puerta del Sol, días atrás, la policía pidió los papeles a la leyenda viva del hiperrealismo, Antonio López, mientras pintaba unos de sus interminables cuadros. “Puede ser Van Gogh”, soltó el policía a una persona contrariada por la actuación. Hace dos años la policía municipal de Ceutí se presentó en la carpa y advirtió que tenían una semana para desmontar y desalojar el parking. Esto, después de 15 años de convivencia. Este fin de semana, sobran los motivos para celebrar un nuevo renacimiento con el homenaje al arte y los artistas de Grupo Puja en su última obra de teatro aéreo, 'La mía fábrica'.

Este sábado 19 de junio, dentro de la XXVIII Cumbre Flamenca, la joven Hortensia Laencina presenta ‘Medeas’ en el Teatro Circo Murcia (TCM). Una pieza preparada en la residencia artística, La Aceitera, que dirige Rocío Molina en Sevilla. “Medeas tiene mucho de lo que Rocío me inspira”, asegura Laencina en este viaje escénico del mito hasta nuestros días sobre los discursos asignados a las mujeres, su liberación y la culpa que muchas veces acarrea.

Hortensia Laencina (Murcia,1995) es titulada superior en Coreografía de Baile Flamenco por el Conservatorio Superior de Danza de Málaga. En 2018 recibió el Premio al Mejor Baile Libre en el Concurso de Alegrías de la Peña “La Perla de Cádiz”. Un año después, participó en el Encuentro Coreográfico organizado por Israel Galván en Sevilla, uno de sus grandes referentes junto a Rocío Molina y Marina Abramovic. Además, ha ganado el Málaga Crea y obtuvo el Primer Premio de Artes Escénicas del Certamen Creamurcia con ‘Genuina’ en 2020.

La pasión y voluntad por la danza de Laencina no caben en una bata de cola. Ha bailado en tablaos flamencos de media España y Marruecos, entre ellos, muchos veranos por rumbas en los tablaos de Polaris destinados a turistas. Un trabajo que dejó para abrazar su verdadera vocación: la creación coreográfica, el baile libre, la fusión -entre flamenco y contemporáneo- sin prejuicios ni estereotipos. Con “la memoria de lo aprendido” y una rebeldía artística innata.

Laencina tiene un bonito acento murciano que reivindica y habla con el mismo entusiasmo que baila. A sus 25 años, conoce la dureza y precariedad del oficio, algo que no detiene su gran sueño: vivir de la danza. En el horizonte cercano, ‘Murcianik’, un Reactivo Cultural del Ayuntamiento de Murcia junto a las artistas Carrie Palmer, África Hernández y Andrea González que espera sea un “boom” en su carrera. Actualmente vive en Barcelona, pero se plantea volver un tiempo a la Región: “Murcia me llama a gritos”.

¿Qué significa para ti ser bailaora?

Es complicado ponerme la etiqueta. Vengo del flamenco y la danza española, también del ballet clásico, contemporáneo o la danza urbana. Pero si me preguntan, digo que soy bailaora.

El flamenco lo he aprendido desde pequeñita. Ahora mismo es una herramienta más para la expresión. También me siento creadora y coreógrafa.

¿Te pesa?

Ser mujer y bailaora me ha pesado mucho toda la vida, está muy estereotipado como bailan y visten las mujeres y hombres en flamenco, aunque cada vez hay más fusión. A mí me gusta bailar con pantalón en vez de con falda.

Bailaora es un concepto del que quiero salir. Es un camino muy marcado por referentes como Rocío Molina o Israel Galván. Tener el pelo corto o tatuajes me cierra puertas, aunque otras se abren. Durante el confinamiento me rapé yo misma y lo sentí como una liberación. Después, me llené de tatuajes. Tenía cinco y ahora, más de treinta.

Ha sido una catarsis.

Siempre me quise rapar el pelo y no me atrevía, no solo por el baile. Tenía miedo de verme demasiado masculina y fue lo contrario. Sentía mi pelo largo como una peluca. Ha supuesto algo más fuerte de lo que pensaba. Me rapé con ganas y por rebeldía. Si en algún sitio no me seleccionan por esto es un sitio donde no quiero estar.

¿En qué dirías que eres ortodoxa y en qué vanguardista?

He estudiado 14 años en el conservatorio, mi cuerpo tiene la memoria de lo aprendido. Tengo un gran conocimiento del baile y cante flamenco. Es algo que no se olvida. En ‘Genuina’, por ejemplo, bailo unas alegrías completas pero sin bata de cola. El zapateado es muy importante en mis piezas.

Mi lado vanguardista tiene que ver con la libertad que le doy al cuerpo, el vestuario o el uso del desnudo. He pasado muchos años estudiando el baile con bata de cola y me gusta, pero me siento incómoda. Es una técnica muy específica. Ahora solo utilizo bota de hombre. Me resultan más cómodas y sujetan mejor el tobillo. Me gusta llevar mis espectáculos a lo performático. Ahí es una gran referente Marina Abramovic.

¿Quiénes son tus referentes murcianos?

Mi profesora Loles Souan, vengo de ella. No sería quién soy sin haber recibido esa formación. Cuando salí de Murcia y bailaba, me decían: “eres Loles”. Me empapé de ella. José Luis Navarro también me marcó mucho. Descubrí el lado masculino de la danza.

Admiro a muchas artistas murcianas que trabajan fuera aunque no tengamos la misma línea de trabajo: Lucía Campillo, Carmen Coy o Maise Márquez, entre otras, y muchos músicos.

Descubriste el baile en una escuela de formación no reglada en Santo Ángel, desde muy pequeña. ¿Qué te aportaron las clases en la infancia?

Bailar tan pequeña y tener la oportunidad de hacerlo en mi pueblo fue brutal. Mis padres veían que yo no paraba de bailar. Iba a la piscina y en vez de bañarme, bailaba alrededor de ella. En las fiestas del pueblo me subí al escenario con 4 años. Mis padres me apuntaron a la escuela Dancing, que sigue a día de hoy. Amor fue mi profesora y ella también es madre de danza, me transmitió su energía.

¿A qué se dedican tus padres?

Son funcionarios los dos. Organizan cursos de formación para otros funcionarios. Mi madre de pequeña bailaba en el Conservatorio pero tuvo que dejarlo. Mi padre siempre ha tocado la guitarra. Ellos tenían un punto artístico que no desarrollaron profesionalmente y, de alguna forma, mi hermano -Bruno Laencina miembro del grupo Ruto Neón- y yo hemos tenido la valentía de continuar esos caminos que ellos comenzaron.

¿No te presionaron para estudiar otra carrera universitaria junto a los estudios artísticos?

No, lo agradezco mucho. Tengo compañeros a los que sí han obligado y eso te aleja mucho de la danza. Cuesta mucho llegar donde quieres. Me han dado todas las facilidades para formarme. Con 14 años me llevaron a Jerez a continuar la formación. Todos los veranos íbamos a Madrid o Sevilla a seguir formándome. Gracias a ellos me he podido expandir mucho más con la danza.

Entre tus 30 tatuajes hay un clavel en el antebrazo homenaje a Murcia, ¿qué celebras de tu ciudad?

Estoy enamorada de Murcia. Me encantan las personas, mi gente, los artistas murcianos. Lo siento mi hogar. En Barcelona ahora estoy muy a gusto también, pero cuando vuelvo y escucho el acento murciano, me encanta. Qué gusto escuchar un acho. Le tengo mucho cariño.

Una marinera y una caña en la plaza de las Flores tiene magia. Como vivo a lado del monte también disfruto mucho la naturaleza o el mar. Es un sitio perfecto. Cuando salgo percibo mucho odio hacia Murcia y mucha broma. Me relacionan con ciertos partidos políticos, la tauromaquia, con cosas que no van conmigo. La visión que se tiene no se corresponde con la realidad que vivo.

En la profesión artística hay mucha vocación y ¿mucha precariedad laboral?

Sí, mucha. He bailado en verano en los tablaos de Polaris para turistas, por rumbas y vestida de flamenca típica pero no me sentía cómoda. Lo hacía por necesidad y, a pesar de tener mucho trabajo, no me podía independizar de mis padres. Con casi 26 años, tampoco es posible. Al final, parece que tienes que ser profesora. Me encanta enseñar a profesionales, pero no es mi vocación ahora mismo la docencia con la infancia. A Amor, por ejemplo, le fascina y se nota. Esos son los buenos docentes. De lo contrario, tenemos profesores frustrados que dan clase porque no han podido bailar.

Durante la carrera no nos enseñan nada administrativo. La única opción es hacerte autónoma. Nuestro trabajo es intermitente y muchas artistas no ganamos lo suficiente para mantener el autónomo y generar facturas. Yo quiero cotizar y bailar en teatros y tablaos. Hay muchos tablaos que permiten bailar sin contrato a las profesionales. Y si no lo haces en estas condiciones, no bailas. Valorar nuestro trabajo nos cuesta mucho a los artistas.

¿En qué medida crees que tu trabajo te permitirá formar una familia, tener un coche nuevo o una casa, si fuera tu deseo?

Mis dos grandes problemas-sueños son vivir de la danza y formar una familia. Siempre lo he visto incompatible aunque he visto bailaores y bailaoras que lo han hecho y se puede. Me gustaría tener la estabilidad suficiente para tener un coche y una casa. Ser madre es una de las grandes ilusiones de mi vida y lo veo muy lejano. Es complicado aceptarlo.

¿Sigues siendo futbolera?

El punto futbolero lo tengo ahí, cada vez que veo un balón me pongo a dar toques. He perdido mucho, pero me encantaba. Durante años, del entrenamiento me iba directamente al conservatorio, mis amigas se acuerdan de verme llegar con las botas de fútbol.