Casi quince días después de la clausura del Saraqusta Film Festival ha llegado el momento de hacer balance de la primera edición de un evento que eligió la historia como leitmotiv con el que atraer a Zaragoza una rica y variada propuesta de trabajos y actividades vinculadas con el mundo audiovisual. Lo hizo además 125 años después de la llegada del cine a Zaragoza, un acontecimiento que supuso el pistoletazo de salida de una de las manifestaciones artísticas que sin duda han marcado el devenir social y cultural de la capital aragonesa.  

Está claro que el pasado sigue estando presente en una urbe que, a pesar de haber sufrido terribles pérdidas patrimoniales, se identifica con sus tradiciones y sabe valorar el esfuerzo de sus antecesores por construir un enclave fundamental en la geografía española. El Saraqusta Film Festival fue consciente de esta fortaleza, por ello planteó un lugar de encuentro donde tanto profesionales como público en general pudiera reunirse y disfrutar durante siete días de una selección de propuestas fílmicas y televisivas. Sin contar los títulos elegidos para inaugurar y clausurar el festival –Buñuel, un cineasta surrealista y Waiting for Waldemar, respectivamente-, del 26 de septiembre al 2 de octubre se proyectaron cinco películas de ficción, cinco documentales y cinco capítulos de series. Todos ellos en horario vespertino, puesto que se reservó las mañanas para llevar a cabo tanto las ruedas de prensa como una variada oferta de mesas redondas vinculadas con el séptimo arte. 

Conscientes a su vez de la buena acogida popular de los homenajes, en esta ocasión se decidió galardonar a dos de las figuras que mayor vínculo han tenido con la producción audiovisual histórica a nivel nacional: el actor Rodolfo Sancho, quien interpretó a Fernando el Católico en la serie Isabel, y el guionista Javier Olivares, creador junto a su hermano de Pablo Olivares de El Ministerio del Tiempo, uno de los mayores éxitos televisivos de los últimos años. Analizando todos estos ingredientes se confirma que el festival está más cerca de conseguir uno de sus objetivos primigenios: convertirse en referente del panorama de festivales nacionales e internaciones. 

Dentro del panorama cultural zaragozano el Saraqusta Film Festival no ha sido el único evento que este otoño ha elegido la historia como punto de partida. Bajo la denominación “Zaragoza. Fiesta de la Historia” la Universidad de Zaragoza ha programado entre el 18 y el 24 de octubre conferencias, talleres y visitas didácticas que sirvan para divulgar el pasado de una ciudad que ostenta los títulos de Muy Noble, Muy Leal, Muy Heroica, Muy Benéfica, Siempre Heroica e Inmortal.

Salduie, Caesaraugusta o Saraqusta. Un territorio en definitiva que ha sido testigo de la construcción de una identidad, una historia y un relato que continúa escribiéndose. Celebremos a partir de iniciativas como el Saraqusta Film Festival o “Zaragoza. Fiesta de la Historia” que nuestro pasado continúa más vivo que nunca. 

Se ha hablado mucho acerca de la manera en la que actual situación pandémica ha influido en el día a día de la población, sobre cómo será la denominada “nueva normalidad” y si realmente habrá servido para reflexionar sobre aspectos que permitan seguir edificando una sociedad mejor. La transición hacia ese nuevo escenario ya está en marcha, y lo que está claro es que habrá cambios a todos los niveles, aunque también hábitos, costumbres y rituales que, por su inherencia a la propia naturaleza del ser humano, permanecerán impasibles ante las circunstancias.

Uno de ellos es la necesidad de reunirnos, compartir con nuestros semejantes experiencias en común vinculadas con el ocio, disfrute y aprendizaje. Una actividad que, precisamente por las limitaciones propias del contexto sanitario experimentado, ha adquirido un valor especial en los últimos meses. El modo en el que se desarrolla es distinto al de antes, sin embargo, los beneficios que genera continúan siendo los mismos. Se ha modificado la interacción personal, pero también se han tenido que adecuar los espacios en los que se llevaba a cabo. En este sentido han ganado protagonismo las zonas al aire libre, áreas diáfanas que aseguraran un ambiente limpio y ausente de organismos nocivos. Muchas ya existían, otras se reinventaron y, en un tercer grupo, estarían aquellas que han aparecido cumpliendo todos estos requisitos. La Cúpula Geodésica ubicada en el en el parque de La Granja (barrio de San José, Zaragoza) pertenece a estas últimas.

Con un aforo de 2.500 personas, 15 metros de altura y 30 de diámetro, la inauguración del complejo tuvo lugar el pasado sábado 17 de julio con el espectáculo Los disparates de Goya, de Sergio Muro y Joan Pascual. Un homenaje a Francisco de Goya que forma parte de la extensa nómina de actividades que en 2021 se están desarrollando con motivo del 275 aniversario de su nacimiento. Incluido dentro de la programación municipal “Cultura al Raso”, la apuesta abarca un abanico multidisciplinar de manifestaciones artísticas, desde el teatro y la danza hasta la poesía y la pintura, todo ello aderezado con un toque especial de performance. Humor, locura, arte y creatividad ofrecidos por el dúo musical Binoceronte (Alejandro Güerri y Carlos Marta), la soprano Pilar Marqués, la bailarina Raquel Loren, el guitarrista Lucio Cruces, el poeta Josema Carrasco y el artista Sergio Muro, la compañía de teatro Zona Zalata y el Aula Experimenta Teatro de la Universidad Rovira i Virgili (Tarragona).

La prematura ausencia de entradas para el evento vaticinaba el éxito en el que se convirtió esta particular propuesta por honrar el pintor de Fuendetodos, que continuará celebrándose en otros puntos de la geografía aragonesa y nacional, como Gallur, Cariñena o Tarragona. Y es que, más allá de las infraestructuras que irán emergiendo a lo largo de los años en la ciudad, lo que realmente seguirá perenne será la necesidad de fomentar una cultura que nos entretenga, nos enseñe y, lo más importante de todo, nos haga libres. 

Existen figuras que se caracterizan por haberse convertido en parte del acervo popular de una nación, territorio o generación. Y luego están aquellas que, directamente, hacen que la narración de la historia resulte incompleta si se obvia su existencia. El cineasta Luis García Berlanga ostenta el honor de pertenecer a este segundo grupo. No solo por la innegable calidad de su trayectoria fílmica, sino también por haber sido capaz de traspasar los límites del séptimo arte e incluso haber sido reconocido por la Real Academia Española -el término berlanguiano se utiliza para hacer referencia a su figura o su obra-. Por todos estos motivos, cualquier noticia vinculada con el cineasta -y más en 2021, declarado Año Berlanga con motivo del centenario de su nacimiento-, llama la atención de los medios de comunicación. 

Uno de los acontecimientos más esperados era la apertura de la caja de seguridad 1.034 del Instituto Cervantes, lugar donde el director depositó un misterioso documento el 27 de mayo de 2008. Las instrucciones eran sencillas: solo se podía acceder a su contenido cuando se cumplieran cien años de su nacimiento, es decir, el 12 de junio de 2021. Sin embargo, el acontecimiento se adelantó al día 10, un cambio repentino de guion que parecía sacado de algún largometraje del ilustre director valenciano. ¿Realmente había que esperar más tiempo? Berlanga nos debía una explicación, y ya habíamos esperado demasiado para esa explicación que nos debía. 

Sus nietos, Fidel y Jorge García Berlanga, acompañados de Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, y Mariano Barroso, presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, desvelaron que en la pequeña urna había almacenado el guion inédito de la película ¡Viva Rusia!, escrito por Berlanga, su hijo Jorge, Rafael Azcona y Manuel Hidalgo. Se trataba de la cuarta entrega de su famosa Trilogía Nacional, compuesta por La escopeta nacional (1978), Patrimonio nacional (1981) y Nacional III (1982). Un proyecto que comenzó a gestarse tras la muerte de Luis Escobar, actor que había encarnado al marqués de Leguineche y cuya pérdida hacía inviable la realización de un posible Nacional IV. El clan familiar seguía con sus negocios de dudable legalidad, pero a través del hijo del marqués, Luis José (José Luis López Vázquez). 

El texto junto al resto del material que contenía la caja -una biografía de Berlanga y un ensayo sobre El verdugo en una revista francesa- ha pasado a formar parte de la exposición “Berlanguiano. Luis García Berlanga (1921-2021)” organizada por la Academia de Cine y ubicada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. 

Más allá del indiscutible valor cultural de los documentos, el evento ha supuesto el final de un nuevo capítulo en el legado del eterno director. La reivindicación de una manera de hacer cine única y universal, que utilizó el humor como pincel con el que retratar las miserias, sueños y esperanzas de una sociedad que durante la segunda mitad del siglo XX transitó en busca de su propia identidad.

El domingo 9 de mayo de 2021 finalizó el estado de alarma que comenzó seis meses antes, cuando el gobierno español decidió que era necesario adoptar por segunda vez esta excepcional medida. La lucha sigue siendo la misma que hace más de un año: hacer frente a una pandemia a la que poco a poco se le va ganando terreno, pero que continúa dando batalla y cobrándose vidas en todo el mundo, sin distinción. El marco temporal que rodeó a la extinción del estado de alarma estuvo acompañado por el inevitable clima político de las elecciones madrileñas, un evento que saltó del ámbito regional al nacional movido por la controversia generada por sus protagonistas.

En ambos casos, el final del estado de alarma y las elecciones madrileñas, se ha utilizado la palabra “libertad” para defender circunstancias, comportamientos y/o argumentos a los que les ha faltado una reflexión más profunda sobre el propio término. Un uso banal que en ocasiones no solo ha llevado al error, sino que además ha servido para desvirtuar el correcto significado del vocablo en cuestión. Es arriesgado, por todo lo que abarca y el respeto que merece, lanzarse a su utilización mediática; sobre todo cuando se hace para fomentar todo lo contrario: falta de respeto, odio y crispación.

A la demagogia se le hace frente con otra herramienta mucho más cercana a la libertad: la cultura. El conocimiento como arma que despierta a las mentes dormidas, las hace críticas y las guía en su día a día. Un salvavidas que ha quedado al descubierto durante estos últimos meses, y que no debe de caer en el olvido. La literatura, el cine o el teatro se han convertido en nuestros aliados en los malos momentos, pequeños oasis donde mitigar un sufrimiento que parecía nunca iba a llegar a su fin. No debemos de olvidar el importante papel de los libros con el confinamiento más severo, ni tampoco la incuestionable seguridad que demostraron espectáculos como el cine o el teatro. Transiciones en esta particular desescalada a las que recientemente se ha sumado, siguiendo las medidas actualmente vigentes, la celebración de conciertos en salas.

Todavía queda mucho camino que recorrer, no solo para que la fatídica situación epidemiológica en la que estamos sumergidos termine, sino también para alcanzar una libertad plena en todos los sentidos, en todos los lugares, para todas las personas. Ser libre se ha equiparado de manera errónea con el derecho al desenfreno o a la elección de un partido político que malinterpreta el término, una maniobra que empaña nuestra propia conciencia como sociedad. La libertad genera responsabilidad, buenas acciones y sentido crítico; no permitamos que el fantasma de la ignorancia nos acomode en la rutina de la injusticia y nos vuelva seres irracionales. Por nosotros, pero también por los que vendrán. 

El pasado 17 de marzo la cultura aragonesa y española perdió a una de sus figuras de referencia dentro del ámbito musical: Antón García Abril. El compositor turolense creció rodeado del arte que terminó convirtiéndose en su oficio, de las partituras que acabarían encumbrándolo dentro y fuera del país. Hace unos días el silencio llegó para despedir al encargado de dotar a Aragón de su himno oficial, un instante en el que también el cine y la televisión nacionales quedaron huérfanos de quien, durante décadas, puso la banda sonora de su historia.

Autor de música orquestal, música de cámara y obras vocales, fue catedrático de Composición y Formas Musicales del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (1974-2003), miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y Presidente de Honor de la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis, de Zaragoza. Un currículum dotado de distinciones que convivieron con reconocimientos más populares, derivados del éxito que cosecharon muchas de las bandas sonoras que compuso para películas y series que marcaron la segunda mitad del siglo XX.

Su amistad con el director Pedro Lazaga y el productor José Luis Dibildos hizo que colaborase en títulos como Las muchachas de azul (1957), La ciudad no es para mí (1966), Sor Citroën (1967), Vente a Alemania, Pepe (1971), El padre de la criatura (1972) o Hasta que el matrimonio nos separe (1977). Además, ya en los años ochenta trabajó en cintas tan míticas como La colmena (1982) o Los santos inocentes (1984), ambas de Mario Camus; así como en ficciones para la pequeña pantalla, como Fortunata y Jacinta (1980), Anillos de oro (1983) o Brigada Central (1989-1992). Una trayectoria que sirvió para regalar al audiovisual nacional toda una serie de temas que se han convertido en parte del recuerdo de una época entre varias generaciones. Nostalgia que invita al reencuentro con obras que forman parte de la historia cultural del país.

Su legado adquiere todavía más sentido si se le vincula al devenir de una sociedad que, tras décadas consumiendo largometrajes cómicos con los que abstraerse de su realidad cotidiana, se encontró a partir de los años setenta con una España que había cambiado en muchos sentidos, también en la relativa a sus preferencias fílmicas y televisivas. El compositor fue parte de estas transiciones, atestiguando e interpretando a través de su música los deseos y las emociones de una población que, casi sin saberlo, se había transformado con el paso del tiempo.

Las creaciones de Antón García Abril han pasado a formar parte del legado patrimonial de un territorio que ha sabido reconocer y admirar la figura de un músico imprescindible en la historia contemporánea española. 

El mito que durante muchos años acompañó a la película Salida de Misa de doce del Pilar de Zaragoza de Eduardo Jimeno tuvo, entre otras consecuencias, que el año 1996 acogiera por todo lo alto la gran fiesta del cine español. La celebración de su erróneo centenario sirvió para corregir un dato acuñado desde el seno del Régimen franquista y perpetuado por la historiografía afín a sus ideales. Más allá de dicha idiosincrasia, tampoco sería justo minusvalorar el trabajo del director aragonés, uno de los pioneros del séptimo arte a nivel nacional. Razón que sin duda justifica un año de festejos de muy diversa índole, todos ellos vinculados con el mundo del cine. 

Se podría hablar incluso que 1996 supuso un punto de inflexión dentro del audiovisual contemporáneo aragonés, tal y como señaló el historiador del arte Luis Antonio Alarcón. La carencia de actividades y eventos vinculados con dicha manifestación artística se vio solventada a partir de ese instante con innumerables proyectos nacidos desde diferentes colectivos e instituciones. De hecho, fue en septiembre de ese año cuando tuvo lugar el I Festival Nacional de Cine de Jóvenes Realizadores Ciudad de Zaragoza, un acontecimiento que despertó el optimismo del colectivo y que con posterioridad derivó en el actual Festival de Cine de Zaragoza. Fue también el momento en el que la Semana del Cine y de la Imagen de Fuentes de Ebro (SCIFE) comenzaba a dar sus primeros pasos, un foro de encuentro que contribuyó a la emergencia de otras tantas nuevas propuestas.  

Con el mismo espíritu pero diferente formato, 1996 fue a su vez el año en el que Ramón Perdiguer decidió poner en marcha una serie de encuentros mensuales en los que, frente a una buena mesa y un puñado de amigos, afloraran exquisitos debates e intercambios alrededor del séptimo arte. La ya mítica Tertulia Perdiguer no solo continuó con su actividad de manera ininterrumpida -la actual situación pandémica ha sido la única excepción que obligó a suspender la presencialidad-, sino que terminó convirtiéndose en un referente en la capital aragonesa, participando con ciclos, proyecciones y diversos eventos en la agenda cultural zaragozana. Febrero ha sido el mes en el que ha conmemorado su 25 aniversario, una celebración agridulce empañada por las restricciones vigentes en la ciudad, que, pese a todo, no ha mermado el entusiasmo de un colectivo ansioso por continuar aportando su granito de arena. 

Como la Tertulia Perdiguer, otra cita indispensable, el ciclo “La buena estrella”, ha cumplido estos días 25 años. Nacido con el nombre de “Yo confieso” bajo el amparo del Ayuntamiento de Zaragoza, su periplo se interrumpió en 1999, siendo retomado en mayo de 2002 por la Universidad de Zaragoza con su denominación actual. Frente a la actividad se encuentra uno de los rostros más polifacéticos de nuestra tierra, Luis Alegre, encargado de conducir unas sesiones orientadas a conocer mejor el trabajo desempeñado por relevantes cineastas nacionales. En éstos y otros casos, recordar y conmemorar su punto de partida supone echar la vista atrás para hacer balance, reflexionar y coger impulso para seguir adelante. Porque mientras existan este tipo de foros, podremos presumir de que nuestra cultura goza de buena salud.

El pasado lunes 18 de enero Dani Rovira y Ana Belén hicieron públicas las nominaciones a los Premios Goya 2021 desde la sede de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Como todos los años, cada vez que se conoce a los afortunados que participarán en la recta final por la obtención del preciado galardón resulta inevitable hacer balance de la actividad cinematográfica llevada a cabo en el último año, tanto desde el punto de vista artístico como industrial.

Como ocurre en la mayoría de las ocasiones -no solo en los Premios Goya, sino que resulta extensible a cualquier tipo de evento de características semejantes-, los resultados responden a toda una serie de condicionantes que no se limita a la calidad de las cintas presentadas. Criterios muchas veces inevitablemente subjetivos que endiosan o ignoran trabajos ya de por sí variados, que comparten el deseo por figurar en la larga nómina de audiovisuales que engrosa la cinematografía española. Lo que muchas veces se olvida es que detrás del resultado visible (la película) se encuentran incontables horas de trabajo, historias de sacrificio e incluso proyectos truncados.

Más allá de la competición, es necesario que existan plataformas de este tipo para mostrar la enorme cantera de profesionales que existe dispuesta a apostar por el séptimo arte, por la cultura, por hacer que el país continúe avanzando y evitar que se acabe apolillando la capacidad crítica y reflexiva de la población. Se busca además que el éxito social que obtienen los ganadores sirva para concienciar sobre la necesidad de seguir apoyándolos, una reivindicación que casi siempre es ignorada por parte de las instituciones. Organismos que tampoco prestan atención a otros títulos que por lo general quedan fuera de estos galardones, y que sin embargo son los que sirven para sacar adelante una parte importante de recaudación obtenida en las salas.  

En esta edición Aragón puede presumir de contar con cintas que visibilizarán la labor desempeñada en su territorio o por cineastas vinculados con la región: Las niñas (Pilar Palomero) -nueve nominaciones, incluidas Mejor Película, Mejor Dirección Novel y Mejor Guion Original-, Uno para todos (David Ilundain) -Mejor Actor Protagonista, David Verdaguer- y Gastos incluidos (Javier Macipe) -Mejor Cortometraje de Ficción-. Una lista en la que lamentablemente no han podido figurar otros dos trabajos que se han quedado en las puertas de la selección final, Planeta 5000 (Carlos Val) y Marcelino, el mejor payaso del mundo (Germán Roda); así como otros tantos audiovisuales y profesionales de gran valía que continuarán buscando nuevas oportunidades en el futuro.

Dedicarse al cine en este país no es fácil, muchas veces ni siquiera económicamente gratificante. Así que, más allá de los resultados de la alfombra roja -que ojalá en esta ocasión se materialice en varios galardones con sello aragonés-, reivindiquemos la labor social y cultural de nuestros fabricantes de sueños.

En 1949 Joseph Campbell publicó El héroe de las mil caras, una obra en la que explicó el mecanismo narrativo conocido como “viaje del héroe”. Un esquema sencillo, que se apoya en la estructura clásica de planteamiento, nudo y desenlace para analizar los diversos elementos que sirven para mantener vivo el relato. En concreto Campbell estableció doce etapas que configuran un circuito cíclico, una travesía en la que cada baldosa del camino supone un giro de los acontecimientos. Pruebas, rechazos, recompensas, aliados o enemigos componen esta particular montaña rusa cimentada en el esfuerzo y el sacrificio, valores inherentes al propio éxito de la marcha.

El héroe se lanza a la aventura con un entusiasmo que convive con la incertidumbre y las dudas ante lo desconocido, postura que puede llevar al rechazo y, en los casos más extremos, al abandono. Es en este punto cuando entra en juego una pieza clave: el maestro. Una figura experimentada y dueña del conocimiento necesario para que el aprendiz pueda lograr su cometido, hacer frente a las adversidades y regresar al punto de partida con la lección aprendida. En esta historia el maestro se llama Antonio Altarriba, y los héroes son aquellas personas interesadas en estudiar el cómic o utilizarlo como medio de expresión artística. ¿El título del cuento? Fundación El arte de volar.

Catedrático de literatura francesa en la Universidad del País Vasco, guionista, ensayista, novelista y crítico, el altruismo y generosidad que siempre han caracterizado al galardonado Premio Nacional de Cómic (2010) se han materializado en esta ocasión en la creación de una plataforma de apoyo a autores e investigadores que comienzan su trayectoria en el noveno arte. Recurre a uno de sus mayores éxitos, El arte de volar (2009, Edicions de Ponent) para dar sentido a su proyecto más personal, utilizando la metáfora del vuelo para explicar la importancia del despegue, las dificultades del ascenso y la satisfacción del aterrizaje: “Desde la Fundación el arte de volar nos encargaremos de dar ese primer empujón para saltar el muro, para salvar los obstáculos que nos impiden sacar la cabeza por encima de las nubes”. Becas, premios o exposiciones son algunas de las actividades que aporta la fundación al panorama del noveno arte nacional.  

Altarriba no camina solo, todo lo contrario. A la colaboración de entidades públicas y privadas (Universidad de Zaragoza, Asociación Aragonesa de Autores de Cómic o Norma Editorial) se suma el trabajo individual de profesionales vinculados con el sector, como Viviane Alary, Sergio García, Antoni Guiral, Luis Martínez o Julio Gracia, director y uno de los principales motores de la fundación. Con este material está claro que el relato va a tener final feliz, que los héroes volarán alto y que el viaje habrá merecido la pena. Y todo gracias a un cicerone de lujo: Antonio Altarriba y su Fundación El arte de volar. Porque en cuanto consigues separar los pies del suelo, lo demás es fácil.

Es mi deber comenzar diciendo que la frase no es mía. Para ser más concretos, se podría decir que fue una especie de regalo que me hizo recientemente José Antonio Aguilar, director del Festival de Cine de Fuentes de Ebro (Zaragoza). Lo interpreto así porque en ese instante, y tras diversos comunicados que agrandaban la nube negra en la que continuamos inmersos, me paré y reflexioné. ¿Y sí en realidad tendríamos que empezar a pensar ya en cómo queremos que sea ese “renacimiento”? ¿Estamos a tiempo de coger impulso y, cuando pasé el vendaval, haber aprendido algo? La respuesta no puede ser otra: sí.

José Antonio utilizó estas palabras cuando nos anunció la cancelación de la 25ª edición del Festival, cuya celebración estaba prevista del 30 de octubre al 7 de noviembre. No ha sido ni será el primer encuentro cinematográfico que ha decidido cancelarse o posponerse, convirtiéndose durante estos meses en la tónica general para este tipo de eventos multitudinarios. Decisiones tomadas con sensatez y valentía, sensaciones que en cada caso particular conviven con la tristeza y la impotencia que desde hace meses se han adueñado de todo el país.    

Como no podía ser de otra manera, Fuentes de Ebro iba a celebrar por todo lo alto su cuarto de siglo; efeméride que marca la vitalidad de la que sigue gozando un certamen que se ha convertido en todo un referente en Aragón. La Semana del Cine y de la Imagen de Fuentes de Ebro (SCIFE), denominación que recibió en sus orígenes, fue uno de los primeros foros de encuentro entre diversas generaciones de cineastas; además de ser testigo del nacimiento de otras iniciativas similares, como la Asamblea de Cineastas Aragoneses (ACA) o el aula de cine del Centro Penitenciario de Daroca. Además, es colaborador, entre otros, del Festival de Cine de Zaragoza, el Festival Internacional de Cine de Huesca, las Jornadas de Cine de La Almunia de Dª. Godina y las Jornadas de Cine Mudo de Uncastillo. Talento regional y también nacional, ya que durante todo este tiempo se ha encargado de homenajear a algunas de las figuras más relevantes de España vinculadas con el séptimo arte, como Francisco Rabal, Terele Pávez o Marisa Paredes.

“El equipo del Festival trabaja desde este momento con la vista puesta en 2021, esperando que todo sea propicio y poder celebrar como se debe el 25 aniversario del festival”. Poco más se puede decir. El Festival de Cine de Fuentes aprovecha para coger aire, seguir construyendo y volver con las energías renovadas. Un espíritu que acompaña también a otras iniciativas culturales, obligadas a tomar decisiones similares.

Ahora nos toca cuidarnos y ser responsables, pero también reflexionar y preguntarnos cómo queremos que sea la nueva etapa que comience cuando todo esto acabe. Nos impusieron la peste, pero el renacimiento está en nuestras manos.   

Ha pasado una semana desde que apareció en mi teléfono la noticia que confirmaba los peores pronósticos. Simplemente porque no era posible perderte tan pronto, que nos dejaras sumidos en esta perpetua orfandad que todavía nos resistimos a creer. ¿Cómo puede ser posible que, una persona con tantísima vitalidad, se ausente de manera tan prematura? Porque el destino es una putada, querido Joaquín, juega con nosotros a su libre albedrío, sin preguntarnos, sin pedirnos permiso; haciéndonos pensar que lo poseemos, y en el momento que nos confiamos, nos devuelve una bofetada de realidad.

Mi Joaquín no llevaba bigote, ni fumaba, pero continuaba siendo el artista todoterreno que había traído el mar a las áridas tierras aragonesas, el luchador que defendía su amado Teruel y, sobre todo, era mi amigo. Me entenderás cuando te diga que se han cumplido tus predicciones, que ahora todo el mundo te reivindica y ensalza, recordando tus obras y rememorando sus encuentros contigo. Ambos coincidiremos en que es una muestra del cariño que durante décadas fuiste regalando a todos nosotros, y que sin duda viste reflejado el dos de diciembre de 2019, cuando celebraste tus cincuenta años en la música. Pero, como amiga, también te digo que me hubiera gustado celebrar todos estos reconocimientos contigo, con nuestra bodega, con el que grupo de personas que, después de cinco años, convertimos en parte de nuestra familia.

Has sido mi maestro, mi cómplice, mi cantautor de cabecera, la persona que “me saco del pueblo y me descubrió el mundo”. Seguro que recuerdas aquella comida en la que nos reencontramos y, de repente, se paró el mundo. Era como si tuviéramos toda una vida pendiente de contarnos y compartir, como si diez años antes no solo me hubieras firmado tu disco, sino que me hubieras emplazado a volver a descubrirte en el momento adecuado. Jugar con el destino, como te decía antes, porque si alguien creí que podía hacerlo, ése eras tú.  

Son tantos los buenos recuerdos que se acumulan en mi cabeza desde entonces que todavía me resulta imposible pensar en ellos sin que me duela. Me abriste tu casa, y entraste en la mía, te convertiste para mi familia y para mí en parte de nuestro círculo más cercano. Pero no lo hiciste solo, sino que te acompañaron personas maravillosas que tampoco comprenden cómo has podido dejarnos ahora. Tu mejor legado no solo ha quedado en tus obras, sino que está en cada uno de los afortunados a quienes nos regalaste tu amistad, tu compañía, tu sabiduría y, sobre todo, tu generosidad. Gracias.

Seguro que ahora le estás contando a nuestro querido Labordeta tus últimos proyectos, el éxito de Los 3 Norteamericanos y que vuestras canciones siguen estando presentes en el corazón de los aragoneses. Porque, mi querido Joaquín, a diferencia de los olivos, tú no vas a ser centenario. Vas a ser eterno. 

La casuística tan especial a la que comenzó a enfrentarse el mundo entero hace unos meses ha dibujado un futuro incierto e impredecible, en el que cada amanecer anuncia una nueva batalla ante un enemigo invisible. La sociedad ha sido testigo del crepúsculo del ser humano como dios omnipotente e indestructible, capaz de controlar todos los elementos sobre la faz de la tierra. ¿Una lección de humildad? Quizás sí, pero el precio ha sido demasiado caro. ¿Hemos aprendido algo? Ojalá, aunque solo el tiempo podrá corroborar o no esta afirmación. De momento, hay que seguir luchando para intentar ganar la guerra.

De lo que no cabe ninguna duda es que 2020 estará presente en los libros de historia, que generaciones enteras lo estudiarán igual que hasta ahora se ha hecho, por ejemplo, con la pandemia de 1918 -más conocida como “gripe española”-. La pregunta que podemos formularnos actualmente es de qué modo se hablará de esta situación, cuáles serán los materiales que se utilizarán para conocer lo que sucedió. La sobrecarga informativa es constante, y lo más sensato sería intentar aportar una visión objetiva y real, pero de sobra es sabido que esto no siempre es posible. Aunque a veces sí.

Covid Photo Diaries es una iniciativa que nació con el objetivo de poner remedio a esta situación. Se trata de un proyecto nacido el 17 de marzo de 2020 que buscó documentar diariamente los efectos de la Covid-19 a lo largo de todo el país. En su equipo se encuentran ocho reconocidos fotoperiodistas; Manu Brabo, Olmo Calvo, José Colón, Javier Fergo, Susana Girón, Isabel Permuy, Judith Prat y Anna Surinyach; profesionales que, debido a las condiciones de confinamiento, han desarrollado su labor en distintas ciudades españolas: Madrid, Barcelona, Zaragoza, Gijón, Jerez de la Frontera y Sevilla. Con el apoyo de Médicos del Mundo, durante los momentos más duros de la cuarentena han retratado y comentado, ya que cada imagen iba acompañada de unas breves líneas, las situaciones a las que día a día tenían que hacer frente sanitarios desbordados, impotentes familiares que despedían a sus seres queridos en la fría distancia o individuos en riesgo de exclusión y con dificultades de acceso a las necesidades básicas. Una realidad incómoda para ciertas personas, pero fundamental para comprender en profundidad y con sus múltiples matices lo que está suponiendo este estado de excepción.

Hacer historia significa construir una sociedad mejor, más justa, igualitaria y que sea capaz de hacer frente a la adversidad valiéndose de sus mejores armas. La pandemia nos ha recordado cuáles son, que están a nuestra disposición y que, a pesar de su valor, son un tesoro frágil y vulnerable. Hacer historia significa también no olvidar, seguir luchando por mantener las victorias pasadas y poner los cimientos más adecuados para las futuras. No somos invencibles, intentemos por lo menos no convertirnos tampoco en unos imbéciles. 

La historia está llena de búsquedas infructuosas, intentos por llenar huecos que ayuden a entender mejor muchos de los acontecimientos, avances y cambios que se han sucedido a lo largo de los siglos. No obstante, y sin obviar el trabajo previo que suelen llevar este tipo de hallazgos, en el momento más inesperado aparecen algunas de las piezas del puzle. Gracias a Filmoteca Española, desde hace unos días María Forteza ha pasado a formar parte de la -todavía deficitaria- nómina de cineastas españolas. Con este descubrimiento la directora balear se ha convertido en la primera mujer en realizar una película sonora en nuestro país, un reconocimiento que hasta ese momento ostentaba El gato montés (1935) de Rosario Pi.

Con Mallorca, un cortometraje de ocho minutos de duración que los investigadores han datado entre 1932 y 1934, María Forteza – pseudónimo de María Mercè Forteza, también conocida como Mari-Mercé o Maruja La Isleñita- consigue aportar algo de luz a unos años clave en la transición del cine mudo al sonoro en España. El primer intento fue el largometraje El misterio de la Puerta del Sol (1929, Francisco Elías Riquelme), una cinta recuperada en 1994 tras pasar décadas en la casa de los herederos de su productor, Feliciano Manuel Vitores. A pesar de que con la Segunda República disminuyó el número de producciones, hasta el estallido de la Guerra Civil el cine se revistió de una gran calidad, llegando a hablarse de Edad de Oro entre 1935 y 1936. Los acontecimientos que se sucedieron tras este periodo lograron sin embargo ensombrecer una época en la que el séptimo arte, entre otras manifestaciones artísticas, había conseguido despuntar en el panorama sociocultural del país.

El empeño de la dictadura franquista por eliminar cualquier atisbo que pudiera recordar al sistema político que le había precedido, unido a la fragilidad de un material sensible y muchas veces denostado, ocasionaron la desaparición -y en numerosas ocasiones destrucción- de gran parte del patrimonio fílmico español. Ser conscientes de su valor como obra de arte y documento histórico, apostando por su restauración, conservación y estudio, asegura mantener viva la memoria colectiva de generaciones pretéritas. El hallazgo de Mallorca ha dejado además en evidencia el desconocimiento y la falta de visibilidad que pervive en la historiografía relativa a la mujer, otra de las lacras que sigue estando presente en una sociedad que todavía no ha llegado a familiarizarse con nombres de pioneras como Elena Jordi (Thais, 1918), Helena Cortesina (Flor de España o La historia de un torero, 1921) o Rosario Pi (El gato montés, 1935).

Pese a todo, en medio de la vorágine de estos tiempos convulsos e inciertos, donde nuestro común enemigo se ha convertido en la estrella mediática de los últimos meses, resulta reconfortarte encontrar noticias que nos despierten de esta terrible pesadilla y nos recuerden que la vida sigue y seguirá cuando todo esto pase. Lo haremos además intentando aprender del presente, pero también del pasado para intentar seguir luchando por un mundo más justo.

Hace unos días conocíamos el fallecimiento del artista Luis Eduardo Aute, figura imprescindible para entender el poder que tuvo la música en la sociedad española durante los últimos cuarenta años del siglo XX. Con Aute, experimento la sensación de arrastrar una asignatura pendiente. Es como si se tratara de un amigo al que no le he prestado la suficiente atención, el genio tímido y discreto del que todavía no sé nada, del que solo conozco la epidermis de un universo proteico y multiforme. Una sensación que a priori resulta desalentadora, pero que se vuelve dulce al descubrir que, realmente, se trata de un regalo al que todavía no le he quitado el envoltorio.   

De manera inconsciente, durante muchos años rehusé profundizar en la figura del creador de una de las canciones clave de nuestra historia: durante muchos años pensé que Aute era Al alba y nada más. No es frecuente encontrar composiciones que consigan aglutinar lo bello y lo cruel, lo onírico y lo real en tan pocas palabras, conseguir viajar a infinidad de lugares en tan breve espacio de tiempo, sin moverte, sin dejarte pestañear. Cuando el cantautor escribió Al alba para que fuera interpretada por Rosa León lo hizo buscando contar una historia de amor, algo tan simple y universal como eso. Lo consiguió, pero es un amor como el propio Aute: polisémico, auténtico, difícil. Hay miedo en él, un temor que va más allá del deseo por la otra persona. Hay miedo a la muerte.

Cuando su intérprete primigenia sugirió las semejanzas con las ejecuciones llevadas a cabo al amanecer por el franquismo, la mirada se dirigió inevitablemente a un Régimen que murió matando, que pocos meses antes del fallecimiento de su dictador y ante el rechazo masivo de todo el país y de parte del extranjero, asesinó a cinco personas. Resulta inevitable escuchar la canción y no estremecerse ante estos paralelismos: porque ahora sabemos que era real el temor a la madrugada, que tras la noche llegó una noche mucho más larga…

El tema fue incluido por Aute en sus discos posteriores, y junto a él siguió sumando composiciones tan populares como Pasaba por aquí o Cine, cine; que a su vez continuaban completando una trayectoria musical en el que se incluían éxitos como Rosas en el mar o Las cuatro y diez. Pero Luis Eduardo no termina aquí, es mucho más. La inquietud por descubrir, experimentar, reivindicar y expresar tuvo más canales, no solo el musical. El documental Auterretrato (2019, Gaizka Urresti) se ha encargado recientemente de bucear también en el patrimonio pictórico, audiovisual y poético de un creador que durante muchos años buscó entenderse a sí mismo y al propio ser humano, sus miedos, sus anhelos y sus contradicciones; la belleza, los sueños, el erotismo, el caos. El presente nos permite seguir disfrutando y aprendiendo de todo este legado, rendirle a su demiurgo el homenaje que se merece. Ahora y siempre, más Aute, por favor.  

Pocas veces el cine ha resultado tan premonitorio como en esta ocasión. Si algo tienen en común tres de las películas que mayor repercusión tuvieron en 2019 (Parásitos, La trinchera infinita y Jojo Rabbit) fue que todas ellas compartían la inquietud por transmitir al espectador la empatía hacia personas que se encontraban encerradas en un espacio reducido, contra su propia voluntad, obligadas por una amenaza externa y, en sus casos además, de manera clandestina. ¿Quién iba a decir que, pocos meses después, íbamos a estar experimentando una sensación no tan ajena? Ficciones basadas en realidades que, por su lejanía temporal o geográfica, parecían distantes de cualquier parecido con algo que pudiera resultarnos familiar. Hasta ahora.

Uno de los mayores temores que han acechado estos últimos días al tomar conciencia de que la amenaza es real, es el hecho de tener que enfrentarse a la idea de un aislamiento forzoso, la privación o máxima reducción de la libertad de movimientos. Ante ello, uno de los mecanismos que desde el inicio se ha alzado como paliativo de este excepcional estado ha sido la cultura. Artistas que, de forma completamente generosa y altruista, han ofrecido sus creaciones (música, libros, actuaciones teatrales, poesía), museos que han garantizado contenido virtual para su consulta (Museo del Prado, Centro de Arte Reina Sofía, Louvre) o plataformas que han facilitado productos audiovisuales de forma gratuita, se encuentran entre algunas de estas iniciativas; que, a medida que el tiempo de cuarentena se prolonga, ve aumentada su cantidad y variedad.      

Material que, por fortuna y desde no hace tantos años, en la actualidad resulta de fácil acceso para la mayoría de la población. Sin embargo, éste es el momento perfecto para pararse y valorar, no solo el medio, sino también el contenido que se ofrece. La cultura no solo sirve para sofocar al agobiante aburrimiento de estas semanas, es mucho más: es la herramienta que, como seres humanos, nos permite adquirir conocimientos, pensar, reflexionar y ser críticos. La situación exige estar preparados en este sentido, ya que una mente racional es la que hace frente a la adversidad y sabe sacar un aprendizaje de ella. En este caso, la moraleja está bastante clara.

Aplaudimos diariamente a todos los profesionales que están luchando por vencer al COVID-19, así como aquellos que están permitiendo alejarnos de la situación de parálisis absoluta; pero sobre todo observamos impotentes la fragilidad del individuo ante la magnitud de los acontecimientos, el valor real de servicios básicos que, hoy por hoy, son los que nos están sacando del agujero. Cuando esta crisis puntual se disipe y se convierta en un amargo recuerdo, tenemos el deber de no olvidar que pudimos superarla gracias a la sanidad pública y la generosidad de miles de personas que supieron anteponer el bienestar colectivo al individual. La cultura es la que nos ayudará a mantener vivo este recuerdo, reponernos y actuar en consecuencia. Porque saldremos de ésta.          

Si por algo se caracterizó la última edición de los Premios Goya fue por poner frente a frente a dos de los pesos pesados de la cinematografía española. Pedro Almodóvar (Dolor y gloria) y Alejandro Amenábar (Mientras dure la guerra) no solo sumaron numerosas nominaciones en sus respectivos trabajos, sino que además lograron alzarse con los principales galardones. La competencia sin embargo no se lo puso nada fácil, en una ocasión donde quedó en evidencia la variedad y el talento del cine español.

Respaldada por quince nominaciones, La trinchera infinita se mantuvo al acecho hasta el último momento de la carrera, intentando convertirse en una tercera vía respecto a sus dos máximas contrincantes. No pudo ser, pero logró volver a casa con los premios a mejor actriz principal (Belén Cuesta) y a mejor sonido. Un trabajo surgido de los cineastas Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, quienes ya habían conseguido hacerse un hueco en la industria fílmica hispana con Loreak (Flores, 2014) y Handia (2017). Al margen de su indudable calidad técnica, seña de identidad del equipo vasco, la valentía del largometraje reside en la visión elegida para contar la historia más reciente de España.

La trinchera infinita trasciende la frontera cronológica entre 1936 y 1939, se adentra en la dictadura franquista hasta 1969, y lo hace a través de un protagonista cuya vida se paró nada más comenzar la contienda. Higinio representa la figura de cientos de personas, la mayoría hombres pertenecientes al bando republicano, obligadas a permanecer ocultas tras la llegada de la represión franquista. Conocidas popularmente como “topos” -término acuñado por los periodistas Jesús Torbado y Manu Leguineche en su libro Los topos (1977)-, su destino fue una auténtica muerte en vida. Perseguidos por las instituciones fascistas, permanecieron apartados de una sociedad que siguió su rumbo mientras ellos esperaban en zulos el momento idóneo para volver a ser visibles. Años de cautiverio marcados por el horror y el miedo constantes, familias destrozadas y señaladas; una combinación de víctimas y prisioneros que consiguió robar la identidad de numerosos españoles.  

Aunque no ha sido habitual, el tema de los “topos” ya había estado presente en la gran pantalla. Fernando Fernán Gómez con Mambrú se fue a la guerra (1986) o más recientemente Los girasoles ciegos (2008), basada en el libro de relatos homónimo de Alberto Méndez, partieron de la misma premisa. Esta segunda se convirtió en la última colaboración entre el director José Luis Cuerda y el guionista Rafael Azcona, otros dos grandes referentes de la cinematografía española. El prematuro fallecimiento de Cuerda hace unos días ha devuelto a primera línea cintas tan icónicas como El bosque animado (1986), Amanece que no es poco (1989) o La lengua de las mariposas (1999). Desde aquí, y aprovechando la inercia de La trinchera infinita, resulta necesario recordar también trabajos como Los girasoles ciegos, una cinta modesta que se suma a la nómina de trabajos comprometidos con la memoria histórica. Porque, señoras y señores, todo esto sigue siendo un sindiós.

Hace unos meses la editorial aragonesa GP Ediciones aportó a su corpus de cómics históricos un título que arrojaba una nueva mirada sobre la historia española del siglo XX. 'Esclavos de Franco' de Chesus Calvo, obra reseñada por Óscar Senar en este mismo rotativo, elige como vehículo de transmisión de su argumento un tema que quizás hoy en día pueda resultar todavía desconocido para parte de la sociedad.

Cuando se habla de campos de concentración, de forma automática la mente de la inmensa mayoría de la población actual viaja en el tiempo y recuerda los horrores que la Alemania nazi llevó a cabo durante la Segunda Guerra Mundial en los centros de exterminio que construyó para ejecutar su programa de aniquilación. Sin embargo, pocas veces se repara en los cerca de 300 espacios que, con un objetivo similar aunque quizás mejor camuflados, levantó Franco desde el comienzo de la Guerra Civil a lo largo de la geografía española.

Con el precedente de 'Cautivos. Campos de concentración en la España franquista, 1936-1947' (2005) de Javier Rodrigo, el periodista Carlos Hernández en su libro 'Los campos de concentración de Franco' (2019) profundiza en este bochornoso capítulo y actualiza algunas cifras. Aumenta su número, y esboza el periplo por el que pasaron entre 700.000 y 1.000.000 de prisioneros durante los más de 20 años que estuvieron en funcionamiento (1936-1959) -pese al cierre en 1947 del ubicado en Miranda de Ebro, siguió habiendo “campos de concentración tardíos”-. Clasificados en diferentes grupos según su grado de “peligrosidad”, la mayor parte de los detenidos eran combatientes republicanos a los que se les obligó a realizar trabajos forzosos en condiciones infrahumanas, donde el hambre y las enfermedades convivieron con continuos episodios de torturas físicas y psicológicas.

Por suerte, no solo el terreno literario se ha hecho eco de este suceso. El Centre del Carme de Valencia acogió hasta finales de 2019 la exposición 'Pasado y presente, la memoria y su construcción', un proyecto de la artista Ana Teresa Ortega en el que visibilizó a través de las series «Cartografías silenciadas» y «De trabajos forzados» arquitecturas y actuaciones urbanísticas que habían servido de escenario en la represión franquista. Trabajos, denominados por la propia autora como foto-esculturas, que rompían el silencio a través del arte y se convertían en todo un canto libertario en pleno siglo XXI. La cultura en todos los casos como altavoz de una realidad sobre la que no podemos ni debemos pasar página.

Como señala en el prólogo de 'Esclavos de Franco' Quique Gómez, presidente de la Asociación por la Recuperación de la Memoria Histórica, «el franquismo ha sabido ocultar muy bien sus muchas vergüenzas, y la democracia poco ha hecho por destaparlas». Como sociedad, entre los propósitos de año nuevo tenemos que incluir verdad, justicia y reparación real con las víctimas de los crímenes cometidos durante los cuarenta años que duró la dictadura. Una tarea que no solo nos permitirá sanearnos como país, sino que nos alejará de convertirnos, esta vez, en esclavos del franquismo.

Llevo varios meses dándole vueltas a esta sencilla afirmación. Creo que empecé a hacerlo cuando realicé mi primer audiovisual, ya que la idea que perseguía era contar una historia muy concreta, situada en un entorno geopolítico específico; pero que al mismo tiempo despertara el interés de aquellas personas que no estuvieran ligadas a él. Aunque mi interés fue en aumento, no ha sido hasta fechas recientes cuando realmente me he parado a indagar sobre el enunciado en cuestión.

Mis primeras pesquisas me señalan a dos poetas, William Carlos Williams y Miguel Torga, como “autores” de estas palabras, o por lo menos intelectuales que se vincularon con esta idea. Sin embargo, y ante la falta de satisfacción por el descubrimiento, continuo con mi reflexión personal. Volviendo la vista atrás, observo cómo durante la Prehistoria se han encontrado representaciones antropomórficas que, separadas por miles de kilómetros, comparten características formales. Ídolos que, de la Península Ibérica a Asia Central, muestran en todos los casos el poder que la imagen tenía ya en aquellos instantes. Ejemplos particulares que demuestran cómo los seres humanos compartimos toda una serie de intereses, sentimientos y necesidades comunes, aquí y en el otro extremo del mundo. Pero quizás esto resulta demasiado evidente (o no).

De vuelta de nuevo a 2019, a finales de este verano descubrí el éxito que el documental Zaragoza vil había tenido entre gran parte de la población maña. Su autor, Antonio Tausiet, insiste en que se trata de un trabajo sobre la capital aragonesa, pero que podría realizarse sobre cualquier otra localidad. Al fin y al cabo, su objetivo no ha sido otro que, desde la ironía y el sarcasmo, poner nombres y apellidos a los poderes fácticos que dominan la urbe. ¿Realmente no podría realizarse un “Teruel vil”, un “Madrid vil” o un “Nueva York vil”? Yo estoy segura de que sí. De hecho, el propio director elaboró un texto en el que, al hablar del éxodo rural durante el siglo XX a través del cine, trató el caso de Zaragoza comparándolo al de los Balcanes: “Todo son gajos de la misma naranja, alejada del cemento y la polución, sumida en un mundo que no puede desaparecer porque en él está la esencia de la vida”.

Otro director, Alejandro Amenábar, reflexionaba sobre este mismo tema en la presentación de su película Mientras dure la guerra. En este caso lo hacía mientras fuera del recinto tenía lugar una concentración ultraderechista donde se alimentaba el odio que ciertos colectivos quieren instaurar actualmente en la sociedad española. Preguntado acerca de la repercusión ideológica que ha podido generar su trabajo, el cineasta chileno fue claro: el diálogo y el entendimiento resultan claves ante la diversidad de posturas, ya sea en un país o en tu propia comunidad de vecinos. Tolerancia ante cualquier adversidad, porque “hablando se entiendo la gente”, y sobre todo porque ante todo son más las cosas que nos unen que las que nos diferencian. Y ahí es cuando entendí que lo local es lo universal.

Este año, la película American Beauty (1999, Sam Mendes) y yo cambiamos de década. Concretamente ella cumple los veinte, un momento vital en el que (¡por fin!) la mayoría de edad parece que se digna a introducirte en la edad adulta. En su caso se supo desde el principio que iba a convertirse en un producto atemporal, de los que vuelves a visionar tiempo después y te das cuenta que han envejecido bien, ¿O acaso ha cambiado mucho la sociedad sobre la que ironizaba en 1999? Más allá de los famosos pétalos de rosa y esa lolita que encandiló al personaje de Kevin Spacey, el largometraje es todo un reflejo de la hipocresía y las falsas apariencias que impuso el American way of life. Un modo de vida que a mediados del siglo XX se extendió más allá de las fronteras norteamericanas, y que estuvo acompañado de un voraz capitalismo en el que todavía hoy seguimos inmersos. España fue uno de los países donde se pasó de comprar por necesidad a hacerlo como símbolo de estatus, dejando a un lado la economía de subsistencia e introduciéndose a partir de los años sesenta en pleno desarrollismo. 

El sistema impuso en aquellos instantes la falsa felicidad, una idea cercana a lo que actualmente se conoce en muchos casos como postureo. Al consumismo le venía muy bien que la población adquiriese coches, chalets y que fuese guapa. Pero no solo eso, lo más importante era mostrárselo a sus amigos: ¿Cómo sino iba seguir alimentándose la rueda capitalista? American Beauty ironiza sobre este aspecto, aunque también sobre otras consecuencias derivadas de este modo de vida. La construcción de esta identidad ficticia está acompañada en la mayoría de los casos de una fuerte competitividad, que fomenta el individualismo y nos aísla de nuestros semejantes. Una dulce ironía que choca con la realidad y que queda subsanada con la creación de redes sociales artificiales, cuyas bases siguen estando cimentadas con mentiras. ¿Dónde está entonces el límite entre el yo real y el ficticio? La tensión entre ambos suele encontrar diferentes válvulas de escape y no suelen tener final feliz. De hecho, el grado de insatisfacción suele ser directamente proporcional a la perfección del disfraz. Nunca será lo mismo ocultarse bajo un simple antifaz que utilizando el vestuario de María Antonieta.

En la sociedad del siglo XXI no solo se ha continuado con esta tendencia, sino que los medios de comunicación e Internet se han encargado de convertirla en el gurú de nuestro día a día. “Consumir-mostrar” es el mantra que se repite continuamente en cada rincón del planeta, y si no puedes permitírtelo… pues te lo inventas. Lo peligroso, como también nos recuerda el largometraje de Sam Mendes, es el grado de frustración que generan los corsés impuestos por las falsas apariencias. Al fin y al cabo, en numerosas ocasiones supone ir en contra de nuestra propia naturaleza, de nuestros instintos, sentimientos y deseos. Supongo que podría estar bastante cabreada con esta situación, pero cuesta seguir enfadada cuando hay tanta belleza en el mundo.