Más de 30 canciones que han dado forma al Rock duro en los últimos 50 años, interpretadas por decenas de músicos de Bizkaia. Esa es la esencia de la iniciativa Scream for me Bilbao, que está forjándose desde hace varias semanas y de la que, a pesar de que muchos datos se reservan para la noche señalada, ya sabemos algunas cosas. La primera, que se ha concebido como una gran fiesta para la noche del 27 de octubre (Sala Santana, Bilbao); se trata de una gran celebración de la historia del Rock, con muchas de las canciones referenciales del género.

La segunda cuestión llamativa es que los encargados de interpretar todos esos temas serán músicos de Bizkaia –más de 30 han confirmado ya su asistencia- que compartirán escenario en una iniciativa única. Los protagonistas mantienen en secreto la identidad de todos ellos, y también las canciones o grupos que sonarán, pero sí podemos saber que será una noche en la que se hará un recorrido desde los orígenes del Hard Rock hasta los grupos de éxito en la actualidad, recorriendo varias décadas de música.

Para ello, se ha conformado un grupo base, llamado Power Scream, que irá interpretando las canciones y al que los músicos invitados se irán acoplando. Los componentes de Power Scream son Pedro Ortega (voz y guitarra), José Prieto Kasta (guitarra), Raúl Arauzo (bajo), Jorge Cobelo (batería) y Abi F. y Tatiana Castro (voces). Aunque aún faltan algunos meses para la cita, podemos adelantar quiénes serán los protagonistas a la hora de tocar las canciones de la década de los 70. Sobre el escenario estarán Luis Solo (Luber Jack), Miguel Moral (Highlights), Íñigo López Agudo (Quaoar) y Leyre Prettykiller García (Fear Crowd). Poco a poco, se irá revelando la identidad de más protagonistas.

El pegamento que ha logrado unir a tanta gente y tan diversa en esta iniciativa proviene de dos pubs bilbaínos: el Hells bells (Barrenkale) y el Azzurro (Telesforo Aranzadi). Sus dos almas, Raúl Araúzo y Sergio Itxaso están detrás de las cortinas de esta celebración de la música en vivo y que, debido a su complejidad, está planteada para una sola y única ocasión, aunque admiten que “una vez que la criatura tiene vida, no sabemos hasta dónde podrá llegar”.

El repertorio se mantiene en secreto, aunque todas las canciones serán conocidas, “tanto, que apuesto a que la gente que asista estará cantando o tarareando toda la noche”. Los temas pertenecientes al decenio de 1970 tendrán la marca de los siguientes rockeros:

De momento, las entradas para el acontecimiento se pueden encontrar en ambos locales.

Scream for me Bilbao

27 de octubre de 2018, Sala Santana

Más de 30 clásicos del Rock en directo, interpretados por más de 35 músicos de Bizkaia

“Ya no compra música ni dios. Y a este paso no va a quedar nada en pie”. Quien así se queja amargamente es Joserra, uno de los patrones del catálogo de venta de música y merchandising heavies con más trienios en el Metal vasco y, probablemente, uno de los más longevos de toda Europa. Después de 21 años de actividad, Shop circus tiró la toalla en diciembre. “Podíamos haberlo cerrado hace dos años, pero hemos tratado de resistir, a veces hasta sin cobrar. Manteníamos una pequeña esperanza. Pero es imposible. No se puede competir con Amazon, y a las discográficas les da igual si caemos las tiendas. Había un pequeño grupo de clientes entregados e irreductibles, pero iban a menos”.

Hace dos décadas, el Metal pasaba por una etapa de transformación. Entonces abrió Donosti Rock (San Sebastián, calle 31 de agosto), uno de los pocos baluartes que aún quedan en Euskadi en forma de tienda. Su catálogo de venta por correo pretendía rivalizar con gigantes en esa área como Discoplay o Tipo, pero centrándose en la música extrema. Enseguida apareció Internet, y eso pronto tumbó tanto al mítico boletín Bid como a la Tipo que, además, había expandido sus tentáculos por muchas capitales de provincia.

Sin embargo, el signo de los tiempos es el que es. Shop circus, ya con Joserra y Oier, aún vivió momentos dulces, gracias a unos seguidores más comprometidos con el producto original que los de otros estilos. Sin embargo, la cosa empezó a declinar. “Llevo mucho tiempo sin poder irme de vacaciones. He pasado bastantes meses sin cobrar, aunque mi entorno siempre me ha animado. Hemos pasado insomnio y cosas peores. Había que levantar los 600 euros del alquiler, más facturas, más autonómos, más… Es imposible, a cada disco nuevo le sacábamos dos o tres euros de beneficio, y en Internet lo tienen gratis, y sin esperar. ¿Cómo competir con eso?”.

La caída de la gipuzkoana Shop circus es sólo una más, y ha pasado tan desapercibida que, seguramente, muchos de los que alguna vez han comprado en el catálogo aún estarán reparando en ello gracias a este artículo. Clientes que ni siquiera se habrán dado cuenta de que su revista ha dejado de editarse. Durante los últimos años, el cierre de tiendas de discos ha sido una constante, un goteo al que acompañaban un par de lamentos… Y a otra cosa. Donosti Rock en San Sebastián, Power Records en Bilbao, Long play en Barakaldo… Y unas pocas más resisten contra el signo de los tiempos. El revival del vinilo da algo de oxígeno, pero aún es pronto para decir si eso permitirá que sobrevivan, porque a la vez compiten con grandes superficies tipo FNAC o El corte inglés. Y caso aparte merecen casos como el de Elkar, orientada a fomentar y proteger la creación en euskera y que, pese a mantener sus propias tiendas, se ve asfixiada también por los nuevos consumos.

Con este panorama, parece que va contra el signo de los tiempos que la promotora Last Tour anuncie la creación de una nueva discográfica. Su amable nombre, Oso polita, se presenta como un intento por “reeditar lo que nunca debió cambiar en la industria: que la relación entre un sello y sus grupos sea transparente, justa y de total confianza”. Ese deseo parece muy loable, pero ¿Para qué editar un disco si no se lo vas a vender a nadie? ¿Para qué hacer un esfuerzo creativo, pensar un título, una portada y gastar energías en una campaña de promoción, si el público se lo va a descargar gratis?

Según el informe Nielsen Scan, en 2017 el consumo de música aumentó en los Estados Unidos. Es decir, se escucha cada vez más música, pero por el contrario la venta de copias físicas volvió a caer más de un 16% con respecto al año anterior. Y va una década consecutiva de descensos. En 2016, en los Estados Unidos, se vendieron 123 millones de unidades entre cedés y vinilos; en 2017 ya sólo 102 millones. Y eso, a pesar del repunte del vinilo: en 2017 se vendieron más de 14 millones de unidades (en 2016 habían sido 13 millones). Muy lejos de las cifras del año 2007, cuando se vendieron más de 500 millones de discos en ese país. Las cifras son fácilmente trasladables a Euskadi, España o Europa. La razón está en el consumo de música vía streaming. Escuchamos más música, pero gastamos y acumulamos menos.

Al mismo tiempo, aumenta la asistencia a conciertos (33% más), a festivales (18% más) y a espectáculos de música en general (24% más). Esto hace también que varíen los gustos, aunque suene estrambótico. Los datos revelan que escuchar música por Spotify está propulsando el Hip Hop/R&B y el Rap o corrientes similares que, por vez primera en la historia, superan al Rock en los Estados Unidos. Paralelamente, tras la crisis económica, las grandes corporaciones discográficas vuelven a repuntar en sus beneficios. Según Promusicae, en 2017 los ingresos para las empresas españolas por streaming ya fueron el doble que por venta de cedés y vinilos.

“Me da pena por los clientes más fieles. Hay algunas historias acojonantes. Teníamos un tipo de Galicia que es enterrador. Internet le pilló ya talludito y no se entiende con la venta online, así que recibía el catálogo y hacía los pedidos por teléfono. O sea, la prehistoria. Nos pedía como diez discos al mes. El pobre está desconcertado, como si se fuera a quedar desatendido. Por gente así merecía la pena. Hemos conocido a personas extraordinarias, pero también hay mucho mamoneo”, cuenta Joserra sobre el caso de Shop circus.

Alguno estará ahora lamentándose. Sí, si les hubiéramos comprado algo más de vez en cuando, quizás seguirían abiertos. Apliquémonos el cuento con los que aún quedan.

Estaría bien hacer un mapa vasco de las tiendas de discos que aún existen. Si en tu pueblo o barrio hay alguna, haznos llegar nombre y ubicación para elaborar un artículo de homenaje a todas ellas metalbitacora@gmail.com

Ghost le han devuelto la elegancia al Rock duro. La cuarta obra de los suecos emula a una ópera-Rock, suena ampulosa y pegadiza, y representa un homenaje a la década de los 80

Ha llegado el cuarto testamento. El clero de Ghost está dispuesto a evangelizar a las masas, y para ello entregan Prequelle, un disco elegante, con el que quieren seducir a cualquier amante del buen Rock duro. Su misa negra no es sólo para metaleros o seguidores de lo oscuro, este disco expande los tentáculos musicales porque el resultado es eso que los horteras llamaban hace años “buena música”. Hace quince años, los grupos importantes eran atacados por algunos seguidores de vendidos o de hacer discos comerciales cuando lograban grandes éxitos o daban giros en su estilo. Eso era cuando en la música se vivía de vender discos, pero como eso ya no existe, nadie califica a los discos como “comerciales”. Pues bien, este lo es, es comercial en el sentido de que conectará con nuevos públicos.

Quizás, esto sea consecuencia del advenimiento del Cardenal Copia, el sustituto del Papa Emeritus III (Ghost muda cada disco de pastor de la oscuridad), y de la energía que aportan los demonios sin nombre que le acompañan en esta nueva etapa. En la realidad, el cerebro de Tobias Forge reconecta sus circuitos para asaltar el éxito absoluto, en una muestra de ambición total, y una gran concentración dirigida a crear el trabajo más atractivo posible. Se ha rodeado de músicos muy competentes. El cuarto disco suele ser el clave en la proyección de los más grandes. El tiempo dirá si Prequelle alcanza esa categoría, pero no cabe duda de que va a sonar muchas veces en vuestros reproductores. Ghost son ya una catch-all-band, se lanzan a por el público sin pudor, independientemente de sus etiquetas y gustos concretos.

Empieza con una introducción inquietante, propia del oscurantismo de la banda y el universo que ha sabido construir, que no acabamos de saber si es una parodia, simple utilitarismo o, tercera posibilidad, si ellos de verdad se lo creen. Estar en 2018 con Papas, cardenales y evangelios es simplemente ridículo para los nacidos a partir de 1980, porque a nadie le preocupan la Iglesia, los curas ni su poder menguante; pero con Ghost, por alguna razón, esto funciona. 'Ashes' da paso al primer salmo, un 'Rats' con ritmo y con gancho, la batería y la guitarra marcan el camino hasta la aparición del Cardenal, al que le rodean coros y secciones de viento y cuerda que serán ya una constante en todo el trabajo. Es sencillo intuir que con su hipnótico movimiento, 'Rats' será la apertura de sus conciertos.

El segundo mensaje del Cardenal, 'Faith', empieza con un riff de guitarra que simula un canto de misa, para dar paso de nuevo a un bamboleo guitarrero que dirige, otra vez, el cantante que, sin ser un artista de recursos extraordinarios, sí sabe lo que quiere, y ha madurado hasta convertirse no sólo en el líder del proyecto, sino también en un frontman excelente. Nadie puede imaginar a Tobias Forge en otro proyecto que no sea Ghost. Su final con el canto y el órgano sacro de acompañamiento es magnético. Continúa el rito con un 'See the light', canción entre balada y medio-tiempo, en el que comprobamos que lo comercial se apodera del experimento. El teclado es clave de principio a fin, y pienso si el espíritu de ABBA se adueñó del Cardenal durante la composición, porque la fabricación de partes pegadizas es constante.

A lo largo de los 41 minutos que dura el trabajo, encontramos diez cortes, y nada menos que tres de ellos son instrumentales. La intro y otras dos canciones. Hay que ser atrevido en este momento de la historia para hacer tal cosa. Era algo frecuente en los 80, así que este es otro síntoma más de que el concepto bebe de esa etapa. 'Miasma' es fabulosa. No necesita voz, tiene una primera parte discreta, para cambiar súbitamente de velocidad en sus dos últimos minutos, a lo Fleetwood Mac, y rematar con un saxofón que parece un claro homenaje a Supertramp. “Miasma” es un desafío al consumo de música actual, marcado por el mp3 y la reproducción sólo de aquellas canciones que más nos gustan. Si quieres entender este trabajo, hay que oírlo de principio a fin.

Además, la instrumental es un gran prólogo para uno de los mejores momentos del disco, 'Dance macabre', una canción que va camino de ser clásico, con un estribillo y un juego de palabras tan facilones que uno se pregunta cómo no se le ocurrió antes. Solamente hay que cerrar los ojos e imaginarse al público saltando al ritmo de esa pieza en directo. Una de las virtudes de Prequelle es que no tiene descansos ni momentos valle. Son 41 minutos para ir descubriendo sus secretos en cada nota. Es así en “Pro memoria” cuando, tras otra intro catedralicia, el Cardenal nos sermonea: “Lucifer susurra silenciosamente en tu cabeza”, para avanzar en un crescendo fantástico, que concluye con ese “no olvides que vas a morir”, confirmando que esto no es sólo un disco, sino un musical, o una ópera Rock, o todo a la vez.

“Witch image” es ese puente entre el Heavy Metal y el Rock clásico que envuelve Prequelle, a veces guitarras contundentes, a veces frenazos, y ritmos que son más para bailar que para agitar la cabeza. La grabación, entre Estocolmo y California, bajo la producción del británico Tom Dalgety, le da las dosis exactas para que haya un equilibrio estupendo entre todo lo que quieren transmitir. Si, como yo creo, son burlescos y paródicos, lo son como nadie; si se lo creen de verdad, chapeau igualmente. “Helvetesfonster” es la tercera instrumental, y enfila la recta final, a modo de cuento o parábola.

El cierre, con “Life eternal” es como aquellos finales de misa en los que los asistentes cantaban con el cura para salir con el alma purificada y la sonrisa en la cara. Es ampulosa, está híper adornada, con coros y un piano que va de principio a fin, en un clímax en el que el Cardenal sólo dirige la orquesta hasta despedirnos. No, este no es un disco que siga la corriente mayoritaria ahora mismo en el Heavy Metal: no es de voces guturales y guitarras fieras. Es otra cosa: es un regreso al gusto por la buena música, por la exploración, los ritmos comerciales y los estribillos coreables. Ghost le hacían mucha falta al Rock duro, quizás contribuyan a una catarsis y a una recomposición de los esquemas. Mientras, 'Prequelle' es para disfrutar, el tiempo dirá cómo madura, pero la primera impresión es muy buena.

Todavía hay gente que pregunta por el Metal attack, en Iturribide (Bilbao) aunque ya no existe –le ha sustituido ElMetal de Ramón-. Fue uno de los primeros bares puramente heavies que hubo en Euskadi. Sin duda, el más conocido y el más dinámico. Ese garito, comandado por Fernando, era la puerta de entrada al Heavy Metal y, sin género de dudas, hacia conciertos y festivales en otras ciudades europeas a las que peregrinar para ver a grandes bandas. “Me suelo encontrar a gente que viene a darme las gracias. Eso lo llevaré siempre conmigo, la gratitud de tantas personas es lo más importante”, Fernando se refiere a decenas y decenas de chavales que empezaron a viajar a otros paises gracias a él. “Ahora viajar es fácil, cualquiera se lo puede permitir, pero en 1986 ir a Londres era un lujo solamente al alcance de pocos”.

La primera vez que organizó un autobús desde Bilbao para ir al extranjero fue en 1986, con destino a Donington Park, en Inglaterra. El cartel era espectacular: Bad news, Def Leppard, Motorhead, Ozzy Osbourne, Scorpions y Warlock. “Hace 32 años no existía Ryanair, así que teníamos que ir y volver en autobús. Como era una matada, programaba algún punto de paso intermedio, y luego estábamos cuatro días en Londres. En realidad, eran unas vacaciones. Los festivales de entonces sólo duraban un día, y nos volvíamos del tirón cuando acababan los conciertos”. ¿El precio? “Unas 18.000 pesetas”. Es decir, entre 100 y 120 euros por el viaje y el festival. Antes había organizado otros viajes para ir a San Sebastián, cuando el Velódromo Anoeta le disputaba a Bilbao el ser la tercera plaza en discordia tras Madrid y Barcelona.

Primero, el Monters of Rock en Donington, luego llegaron los viajes al Dynamo Open Air de Eindhoven (Países Bajos), a Wacken (Alemania) y a otros destinos, pero siempre con Fernando como dinamizador y organizador. “Gracias a esas aventuras he conocido a algunos de mis mejores amigos, que lo siguen siendo hoy”, confiesa. Su familia, visionaria, decidió apuntarle a clases de inglés en un tiempo en el que el idioma extranjero que aún se impartía en algunos colegios era el francés. “Eso me permitió viajar y poder defenderme por el mundo”. Y en un tiempo en el que no había Internet, teléfonos móviles ni transferencias bancarias, contactar con decenas de personas era toda una aventura, que exigía estrategia.

“Cuando veía algún festival apetecible, hacía unos pocos carteles con mi número de teléfono de casa, quedaba con los interesados en el fotomatón de Zabalburu, y luego íbamos a la hamburguesería Savana. Allí me pagaban, en metálico, claro. Cuando abrí el Metal Attack en 1991, entonces ya tenía mi propia sede”. Su lista de actuaciones vistas es difícilmente superable: 6.863 hasta hoy, todos anotados con rigurosidad exquisita en un documento. El primero data de diciembre de 1987 (Orquesta Mondragón, Pabellón de La Casilla), y desde entonces todo lo que un heavy pueda soñar: AC/DC (12 veces), Motorhead (13 veces), Judas priest (17 veces), Iron Maiden (24 veces), Metallica (33), Slayer (30)… Y joyas que forman parte de la leyenda del género. La lista contiene conciertos de las épocas doradas de los grandes grupos, pero también hay excepciones al Metal. Como buen amante de la música, puede presumir de haber visto a Elton John, Neil Young, Joan Jett, Texas o Spandau ballet, siempre en sus años más brillantes.

“Los festivales de los 80 consistían en el mismo concepto que los actuales, pero sin turistas. Sólo íbamos personas interesadas en los grupos, no era un acto de diversión como sucede ahora, que se han puesto de moda. Tampoco había excesivas comodidades: ni carpas ni zonas VIP: sólo escenarios y puestos para comida y bebida”. Ni había whatsapp ni tampoco el euro, así que el dinero era un enredo: “Cuando íbamos a Alemania o al Reino Unido, solíamos parar unas horas en Amsterdam, de modo que salíamos de Bilbao con francos, florines, libras esterlinas y marcos alemanes. Les dábamos una buena comisión a los bancos”.

Durante muchos años, se convirtió en comprador compulsivo de discos, hasta que paró en seco en 2006. Acumula más de 10.000 lo que, en la última mudanza le obligó a dedicar sólo una furgoneta para la música, “te aseguro que será la última mudanza de ese estilo que haga”. Tanto compraba, que se le amontonaron 800 discos sin oír. “No tenía tiempo para escucharlos, aunque llevara el ritmo de uno al día, fíjate lo que me hacía falta para ponerme al día”. Con tanas horas invertidas en el Heavy Metal es casi imposible encontrar una espinita clavada, un artista al que no haya visto. Tras escarbar en la memoria, Fernando encuentra uno: “nunca pude ver al que era mi guitarrista preferido, Randy Rhoads. Sí he visto muchas veces a Ozzy pero me hubiera gustado verlo con él”.

En el caso de muchos aficionados al Metal, la entrega por la música tiene altibajos. Hay fases en la vida en las que, por familia, trabajo u otras dedicaciones, la música pasa a segundo plano, por eso Fernando es un caso singular. “Hubo dos años en los que bajé mucho el pistón, fue cuando estuve cuidando a mi madre, enferma de Alzheimer, pero la música me mantiene vivo. Es algo que siempre me produce satisfacción. De hecho, este último año he ido a más festivales que nunca, 21”.

Con tantos viajes, siempre siendo organizador y responsable de todo, es remarcable el hecho de que nunca tuvieran que lamentar un accidente o una desgracia. Aunque sí, claro, muchas anécdotas. “La más común era la de quien se pasaba con el alcohol y se perdía el festival. Imagínate, ir a Inglaterra a ver seis grupos y volverte sin nada. Yo mismo me perdí la campana de AC/DC en el 81, vas a ver a AC/DC y ni ves la campana!”. Aunque sí hubo una que le gusta contar, entre risa y cabreo: “Una vez en Amsterdam un tipo desapareció. Iba tan borracho que se balanceaba. Pensamos que se había caído a los canales y habría muerto. Hablamos con la policía, pero no apareció. Tuvimos que retomar el camino, porque 160 personas no podían depender de él. Años después, me enteré de que se había quedando dos meses viviendo a la sopa boba en Amsterdam. Lo acogieron unas monjas y lo estuvieron manteniendo en un convento”.

Mientras ultima sus próximas citas, admite: “Reconozco que llevo la vida que todo heavy querría llevar. ¡Incluso los no heavys! Dedicar todo mi tiempo a la música”. Eso sí, ya con límites. Ahora, nada de campings, de ver conciertos más tarde de la una de la madrugada ni arriesgar la salud en condiciones meteorológicas adversas. Y, por supuesto, siempre está dispuesto a compartir una charla con cualquiera sobre música, y eso incluye a todos aquellos que formaron parte de sus misiones por el mundo en busca de Metal. “No hay nada que le guste más a un heavy que hablar con otro heavy sobre lo que más le gusta, que es el heavy”.

El Heavy Metal es un negocio ruinoso. El estilo está en constante regresión y su estética y el universo que construyó a su alrededor encajan malamente con el mundo que tenemos en 2018. En Euskadi, el género siempre estuvo ensombrecido por el Punk y el Rock Radical Vasco, que tenían mejor acomodo político y propagandístico. De modo que pensar en el Metal como una forma de ganarse la vida es algo condenado al fracaso. Al menos para un vasco que tenga un mínimo de sensatez. Sin embargo, no todo el mundo tiene por qué estar bien de la cabeza.

En su cuarta edición, la organización del Dimetal Fest ha decidido arriesgar, crecer y dar un salto adelante en todos los sentidos. Después de haber apostado fuerte en 2017 con Su Ta Gar, querían más; y eso que a pesar del éxito de convocatoria no habían logrado beneficios. Más bien al contrario. Pero como el Metal no es negocio, deciden subir el riesgo, pasar de un día de festival, a dos; llamar a 30 bandas en lugar de a media docena, y causar un terremoto de escala 9 entre unos aficionados que llevan tiempo reclamando contar con otro festival en tierras vascas.

En la era de Internet y las redes sociales, cuando se confunde la cruda realidad con los espejismos, y las pataletas de los 'haters' y amargados con una gran indignación social, que a la hora de la verdad se confirma como inexistente, conviene no caer en ilusiones. Posiblemente, este no es el festival que soñaban los que tienen el culo aplanado de estar sentados escribiendo opiniones en Facebook, pero es de lo mejor que se puede construir desde la humildad y, sobre todo, siendo gratis. Los dos principales reclamos, a falta de que se desvele una última sorpresa, son Angelus Apatrida y Crisix, dos grupos que representan lo mejor del Thrash español de nuevo cuño. Pertenecen a la vanguardia de las generaciones más jovenes y seguramente arrastrarán a un buen número de seguidores, aunque sean habituales en la oferta metalera vasca cada año.

El resto del cartel, hasta treinta grupos, es una amalgama de lo mejor que se puede encontrar en este país: desde el Heavy Metal rocoso de Vhaldemar, en el mejor momento de su carrera, hasta los evocadores The Wizards; desde el Hard Rock de Auritz, con una alineación de mucho nivel, hasta los prometedores gipuzkoanos Overloud, probablemente sin rival en su estilo ahora mismo; de la furia juvenil de Late to scream, al sonido extremo de Aposento. Las plañideras virtuales podrán escribir muchas gilipolleces sobre el Dimetal Fest de este año, pero lo que no podrán decir es que no se apuesta por los grupos de aquí.

Como he solido decir en otras ocasiones, Dimetal Fest es una experiencia, y en septiembre se propulsará durante dos días, con un sinfín de iniciativas paralelas (charlas, concursos, las ya famosas Metal Olimpiadas) y un ambiente que, ahora mismo, no hay en ningún otro acontecimiento metalero en Euskadi. Seguramente, dinero no van a ganar, pero pasar, nos lo vamos a pasar como pocas veces.

Dimetal Fest

(Dima, Bizkaia, 28 y 29 de septiembre de 2018)

-4 escenarios, 30 grupos (Angelus Apatrida, Vhaldemar, Crisix, The wizards, Late to scream… A falta de nuevas confirmaciones)

He dejado reposar este “Against all kings” durante algunos días, hasta que me he decidido a escribir sobre él. La razón es que desde que han proliferado webs a mansalva, blogs y redes sociales, parece que cuanto antes se escriba el comentario de un disco recién salido, más influencia se tiene. Y, la verdad, en la mayor parte de ocasiones conviene que los trabajos descansen, den vueltas en el reproductor, y nos permitan saber cómo evolucionan con las escuchas. Pues bien, pasado ese tiempo prudencial, me reafirmo en la primera impresión que tuve al escucharlo: es un disco sensacional.

¿Qué hacen Vhaldemar para encandilar con su quinto trabajo? Ante todo, conviene decir que esto debería ser el premio a la constancia y la tenacidad, porque no son unos recién llegados y, además, han mantenido con una fe inquebrantable los principios en los que creen. ¿Cuáles son? Heavy Metal puro, con variaciones de Power. Es decir, dos corrientes que no viven, precisamente, su época dorada. Una está considerada fuera de moda (esto no es nuevo), y la otra vivió su apogeo a mediados de los 90. Dicho esto, tenemos el principal escollo para que Vhaldemar puedan llegar a grandes audiencias. Eso, si pensamos en nuestras claves, porque en Japón, donde viven el Metal aislados del ruido opinativo, gozan de una cierta popularidad, y ya tienen cerradas varias fechas en su próxima gira.

Al margen de esto, en cualquiera de los indicadores que miden un disco puntúan alto: han facturado muy buenas canciones, directas, sin florituras –no llega ninguna a los cinco minutos-; están bien grabadas, cosa cada vez menos frecuente hoy en día, a pesar de que tenemos una tecnología infinita; rebosa energía y velocidad; y, finalmente, hay calidad. Es cierto que el suyo es un género ya explorado, pero precisamente por eso es interesante “Against all kings”: entra poderosamente refrescando un área que no pasa por sus mejores días, pero que puede revivir, porque sus seguidores siguen ahí, no han desaparecido.

Entre las once canciones, hay algunas fabulosas, como “Howling at the moon”, y una tarjeta de presentación que lo dice todo de ellos. Hay que tener el pecho de cemento armado para salir hoy con una canción titulada “Metalizer”, en la que la palabra Metal se repite diez veces. Esos son los baluartes que defienden, y si crees que no forman parte de tu ser, no les entenderás. “Eye for an eye”, “The last to die” o “I will stand forever” son títulos que podrían firmar Accept, Judas priest o Manowar, tres bandas cuyo espíritu sobrevuela todo el disco. Homenajeados, que no copiados. No confundamos.

Hay ramas del Heavy Metal en las que la frontera entre el ridículo y la brillantez es muy fina. En el Industrial, entre emular a Rammstein, y parecer duendes zombies mal maquillados, hay poca distancia; en el Black Metal, entre dar miedo y causar una risa compasiva, hay apenas dos gestos; en el Metal powerizado, entre molar cantando a reyes, guerreros, espadas y corceles negros, a parecer los protagonistas de “Los visitantes” cantando coplas medievales en la Europa de hoy, hay apenas dos pasos. Ahí, también, reside el mérito de Vhaldemar: tienen credibilidad.

Si hay que pensar en un buen disco elaborado en Euskadi en este 2017, este “Against all kings”, cotiza muy al alza. Con que sean capaces de trasladar un cuarto de esta energía al directo, el 2018 será –o debería ser- su año. Excelente retrato de lo que es el Heavy Metal en 2017, con esfuerzo por ofrecer nivel y energía. El tópico de que buscamos fuera lo que tenemos en casa se cumple en este caso con creces. Zorionak Monge, Escudero y compañía!

Llevo casi 18 años en el periodismo. En este tiempo me ha tocado dar noticias

comprometidas, delicadas y confusas. A veces, noticias que hubiera sido mejor no dar. Pero nunca, repito, nunca, me había encontrado con un caso como el de hoy: para elaborar este artículo he consultado a músicos, promotores, intermediarios y personas con criterio porque trabajan por y para la música. Sin embargo, y a pesar de ser personas todas ellas con experiencia, no podréis saber quiénes son. Nadie quiere exponerse ni significarse en este tema. Todos prefieren aparecer con su identidad cubierta. Es más, ha habido quien directamente ha evitado contestar a las preguntas.

Supongo que esto confirma una tesis que mantengo desde hace tiempo: las redes sociales e Internet, lejos de aumentar la pluralidad y la libertad, lo que están haciendo es aumentar el fanatismo y el linchamiento. ¿Para qué opinar, si diga lo que diga, me van a poner a parir? Dicho queda, todas son opiniones reales de gente que no desvelaré.

En primer lugar, empezaré por contaros de dónde sale este planteamiento. Recientemente, un grupo al que conozco recibió una oferta para actuar en un importante festival de verano. No era la primera vez que contactaban con ellos, a través de un intermediario, y la oferta que les planteaban era la siguiente: 300 euros por una actuación de menos de una hora. Hablamos de un festival al que acuden decenas de miles de asistentes, y que cuenta con una importante proyección, cada vez más internacional, por lo que actuar allí es algo goloso para cualquier músico.

Ahora bien, con 300 euros un grupo de varios componentes no cubre los gastos que le supone tener que trasladarse cientos de kilómetros en una furgoneta alquilada, a lo que hay sumar estancia y personal de apoyo (técnicos, etc). Hace unos meses, en ese mismo festival, otra banda que conozco sí aceptó por el mismo precio y condiciones (hay un extra, les dan un pase para los días que dura el festival con acampada gratuita). Los que sí aceptaron sabían que iban a perder dinero, pero corrieron el riesgo de hacerlo a cambio de la promoción que les reportaba estar en un cartel con bandas de talla mundial. Los primeros, dijeron que no tocarán en esas condiciones.

Más allá del circuito de festivales masificados, hay una realidad cotidiana que son los bares, pubs o locales que organizan conciertos. Ahí la recaudación es modesta y la remuneración depende casi siempre de la generosidad del organizador. Además, todos sabemos que la música Rock es un negocio ruinoso hasta que se alcanza un determinado nivel, al que, por cierto, sólo llegan los privilegiados. De modo que hace mucho que tocar a cambio de nada es una práctica habitual.

La pregunta es: ¿Deberían los grupos y artistas prestarse a tocar por debajo de coste? ¿O es una inversión de futuro? S.L. cree que este es un dilema “complejo” y se muestra partidario de que “siempre” se pague por tocar: “establecer un mínimo es difícil, porque depende de lo que el grupo genere. Sí creo que un mínimo de 50 euros por músico podría fijarse”.

G. J. Lleva más de 20 años pisando escenarios, con bandas de todo tipo, desde tributos a combos con temas originales. “Un grupo que puede vivir de ello, que va con su vehículo, técnico de sonido, una persona para vender el 'merchandising' y dos más de apoyo no debería tocar por menos de 3.000 euros”. Pero, ¿Y si hablamos de grupos –que son la mayoría- que no pueden vivir de lo que generan? “Un grupo amateur en un local de 100 a 200 personas de aforo debiera tener 300 euros asegurados, pero todos incumplimos eso”. La pregunta es, ¿Por qué? Y aquí hay coincidencia: los grupos se enfrentan a un público que puede activar el boca a boca y, a veces, simplemente “porque esto es música y te apetece tocar. Y qué hostias, lo haces gratis porque te gusta. No es bajar a la mina, ¡es disfrutar!”, admite G.J.

Pero, ¿Y tocar gratis? S.L. recuerda que siempre por tocar “generas unos derechos de

autor, y cobras en función de lo que genera ese festival, al margen del caché. Así que

puedes renunciar al caché, pero compensa por la vía de la SGAE“.

En consecuencia, los promotores se suelen aprovechar de los grupos locales, a los que les ofrecen actuar de teloneros o comparsas de bandas que provienen de fuera y que tampoco son capaces de llenar un recinto, lo cual acaba suponiendo un abuso.

Ingresos con la venta de entradas

En el otro bando, están los organizadores: N.L.C. asegura pagar siempre. “Hay organizadores que se aprovechan de los grupos locales. Les llaman como teloneros de una banda internacional que no está en condiciones de llenar el recinto para que, entre conocidos y cercanos, completen un aforo de recaudación positiva. Yo no hago eso: si cobra uno, cobra el otro. Eso sí, hay que tener en cuenta lo que genera cada cual, y casi siempre me veo obligado a negociar los cachés. Aún así, es muy raro que yo logre ingresos con la venta de entradas”.

El público suele quejarse del precio de las entradas, en muchas ocasiones abusivo -incluso desde la bajada del IVA-, pero este promotor distingue entre diferentes situaciones: “En mi caso, tengo ventaja, porque soy propietario de mi sala, y eso me permite ganarle a las barras. Los que, además de contratar al grupo, tienen que pagar el alquiler, es muy frecuente que pierdan dinero. A veces me piden 500 euros de caché, y yo replico, lo dejamos en 250 y, si pasamos de una cifra determinada en recaudación, subimos. Eso también les obliga a ellos a implicarse en la producción, porque es muy cómodo que te lo hagan todo y, encima, cobrar bien sin garantizar una entrada decente”, señala.

En el Rock duro es muy común el victimismo entre los músicos cuando se encuentran con que su realidad es la de escasos asistentes y nulo entusiasmo. Prefieren buscar responsables en terceros, o incluso en el propio público, sin darse cuenta de que la constancia, el esfuerzo y, a veces, el fracaso, forman parte de esto, como de cualquier otra actividad. Una de las frases más escuchadas es esa de “la gente sólo mueve el culo cuando vienen los grandes, tipo Maiden, pero no apoyan a los que estamos empezando”, como si los seguidores, aparte de disfrutar de la música, estuvieran obligados a hacer favores.

 Me habría gustado que músicos de primera línea y grandes promotores, además de intermediarios, hubieran respondido a esta pregunta, pero por ahora sólo he conseguido silencio. Espero que con vuestras aportaciones logremos sacar una conclusión de si es acertado o no, en ocasiones, tocar gratis.

Crisix, Vita Imana, Killus y OST componen el cartel de la décima convocatoria del Halloween Metal Fest de Bermeo, que se festeja este sábado 4 de noviembre en el Kafe Antzokia de la localidad vizcaína. Las cuatro bandas han pasado, en alguna ocasión, por el festival, y todas ellas protagonizaron momentos álgidos que, ahora, con este aniversario redondo, se pretenden rememorar. Esta vez, para tratar de facilitar el transporte a quienes deseen acudir, se ha dispuesto un autobús desde Bilbao para el que la reserva de plazas puede hacerse en este enlace

La celebración bermeana demuestra que hay circuito musical más allá de Bilbao, y que la constancia es algo que va aparejado siempre a la música extrema. Sólo así se puede entender que se elabore un cartel tan ambicioso y atrevido, porque si bien los metaleros se suelen quejar en las redes sociales de que “siempre vienen los mismos”, también lo es que cuesta encontrar respuestas positivas cuando se introducen elementos más o menos novedosos en los conciertos.

En esta ocasión, todos son conocidos para el público metalero. Vita Imana pertenecen a esa generación de bandas madrileñas que han convertido a Euskadi en su segunmdo hogar. Tocan por aquí a menudo, y su directo explosivo conecta bien con la filosofía de los seguidores más aguerridos y jóvenes. Tienen un último disco, El m4l, que culmina su madurez musical. Vita Imana parten con una ventaja con respecto a otras bandas de Metal extremo que buscan el mestizaje: su sonido es inconfudible.

El otro puntal del cartel es Crisix. Otro grupo joven, repleto de energía y también con un nutrido y fiel grupo de seguidores en Euskadi. Su Thrash Metal con aires actualizados engancha muy bien con esa demanda de mayor furia y velocidad que recorre a la nueva oleada de seguidores del Metal. Es evidente que no corren buenos tiempos para los seguidores de la melodía y laas voces limpias e inofensivas. From blue to black, que data del 2016, obtuvo una notable reperscusión internacional.

La joya del cartel, que además encaja perfectamente con la filosofía del festival, son los levantinos Killus. Su espectáculo sobre el escenario es difícil de describir, pero habría que buscar ingredientes de Rammstein, Marylin Manson o Alice Cooper. Hay teatralidad, maquillaje, sonido industrial y mucha energía. El pasado verano actuaron en el escenario principal del Resurrection Fest de Lugo y ampliaron su radio de acción. Es, sin duda, el grupo que menos ha visitado Euskadi y, quizás, el que más merezca la pena descubrir. Su último trabajo, Ultrazombies, ha conseguido ofrecer un sonido pulido y singular.

La cuarta pata del banco son OST, que juegan en casa, y serán los encargados de lanzar la noche. Estamos ante un festival muy interesante, no sólo porque “descentraliza” el Metal de Bilbao, sino porque su ambiente calabacesco y su renovada propuesta musical merecen reconocimiento. A ver si el público responde.

Cuando un movimiento popular es hegemónico, no necesita conquistar espacios. Simplemente, todos le pertenecen. En el caso de la música, cuando un estilo es preponderante, lo impregna todo: Internet, televisión, radio, bares, autobuses o publicidad. Si te gustan esa clase de canciones, no tienes problemas: suenan en todas partes y las puedes escuchar casi sin percibir que están sonando. Si vas a la peluquería, seguramente allí estarán de fondo; en el centro comercial, también, y hasta en los auriculares del tipo que va a tu lado en el metro.

Sin embargo, si lo que te gusta es la música de minorías que, además, no tiene ningún interés en lograr ser mayoritaria, hay que buscar determinados momentos del día para poder disfrutarla. En tu coche, en tu teléfono, en tu casa… Si alguna vez aparece alguna canción en un lugar público, entonces tendrás una anécdota que contarles a tus amigos. Es más, seguramente ellos te lo contarán a ti si ven algún resto de tu estilo musical en algún espacio conquistado.

En el caso concreto del Metal, ser los raros de clase o del trabajo complica las cosas, especialmente cuando uno quiere relacionarse con otras personas en el marco de su música. Porque, al igual que las relaciones sexuales, practicarlas uno mismo puede estar bien, pero con otros suelen resultar más satisfactorias. Es decir, ponerse Slayer en casa mola, pero ir a un concierto es una sensación muy superior. Entre la soledad de tu casa y los conciertos, hay un paso intermedio: un lugar público en el que suene buena música. Y, entonces, sólo puedes buscar un bar.

Quienes leais esto y vivais en pueblos pequeños sabréis de qué hablo. En todos los pueblos hay una iglesia, pero no en todos hay un bar en el que pongan Sepultura. Hace un tiempo, todas las ciudades tenían un templo (o varios), más o menos siniestro, en el que los metaleros se podían reunir cada noche a discutir de sus cosas –que, por otra parte, casi siempre son las mismas-, pero esos espacios están menguando. Es difícil encontrar un garito jevi.

Es más, uno se da cuenta de lo raros que somos cuando viaja e intenta enterarse de dónde está el bar melenudo del lugar. Generalmente, se encuentra locales que no mejoran en nada lo que tiene cerca de su casa. A mí me ha pasado buscar el referente del Metal en Nueva York (Duff’s bar) y comprobar que, para ser Nueva York, ya podía ser más impresionante. Todos han oído hablar del Underworld de Londres, y han leído crónicas de conciertos míticos allí registrados y, cuando cumples el objetivo de entrar, por fin, no puedes evitar preguntarte si era necesario perder una tarde entera en ir alli sólo por curiosidad, porque tampoco es para tanto. Pero, qué hostias, allí has estado y puedes presumir de ello.

Hoy en día, no sé si porque los millenials se reúnen en lonjas o porque, efectivamente, como dice Gene Simmons, el Rock está enfermo terminal, esos bares ya no son lo que eran, si es que los hay. Pero los que resisten, acumulan una serie de anécdotas y recuerdos que no has logrado en ningún otro local de ocio. Allí suelen estar los personajes que uno siempre aprecia encontrar. En el caso de Bilbao, este sábado hay un garito que cumple años, siete exactamente, y no sólo resiste, sino que es un referente. La villa es una de las pocas localidades que aún mantiene un circuito vivo de locales en los que suena música de la que pone las pilas. Junto a ElMetal de Ramón (calle Iturribide), Las Ruedas (en la misma calle), el Zerua, o esa rara avis del centro bilbaíno que es el Azzurro del mítico Sergio, el Skulls perfila un ambiente encantador. En su misma calle, el Hell’s bells permite completar una ruta en cuyo itinerario, además de copas, suele haber abrazos, fotos de esas (casi siempre ridículas) en las que sacas los cuernos con cara de panoli, aunque pretendas parecerte a un guitarrista molón, y conversaciones en las que normalmente metes la pata porque intentas aparentar más conocimientos musicales de los que jamás tendrás.

Unai empezó su aventura hace siete años, y no sólo aguanta sino que su clientela, y esto es extraño, está conformada por una mezcla intergeneracional que permite ver en ella a calvos y a peludos, a puretas y a recién llegados, a despistados y a otros que parecen estar atornillados a la barra. El tasquero es un tipo rápido al que difícilmente cogerás en un renuncio, y si los tabiques del pub hablaran, se les notaria la risa floja al haber visto a tantos fichajes galácticos pasar por delante.

El Skulls celebra este sábado siete años sirviendo copas y poniendo música, y yo no podré estar porque algunos catalanes quieren hacer cosas, que diría Rajoy. Eso sí, estaré el siguiente sábado, poniendo música, y echándome unas buenas risas. Porque yo no sé si eres de bares, pero si lo eres, y te gusta el Rock duro, debieras conocerlo (igual que los que he mencionado antes). Porque si algún día nos faltan los bares, lo único que nos quedará será ver vídeos en Youtube y darle a Me gusta a comentarios de Facebook, pero a ver dónde y con quién te sacas un selfie poniendo cuernos como si fueras James Hetfield.

El final del verano (en el calendario, porque el meteorológico hace tiempo que se fue, si es que alguna vez vino a Euskadi) está marcado por un festival distinto. Y esto, que sea distinto, ya le hace tener sentido. En un mercado festivalero saturado y repetitivo, la aparición, hace tres años, del Dimetal Fest supuso una bocanada de aire fresco, que ayuda a entrar en el otoño con energías renovadas. Enclavada en plena comarca de Arratia, la localidad cambia su aspecto un día año para acoger a un número creciente de seguidores de música extrema, sorprendido a sus escasos 1.500 habitantes que, a estas alturas, en la tercera edición, ya están más que implicados en un proyecto popular y variado.

Lejos de las propuestas masivas, alineadas con el circuito habitual, en Dima uno encuentra estampas familiares. De momento, ya veremos hasta dónde llega en el futuro, es una excelente oportunidad para reunirse con amigos y conocidos de otras localidades y pasar un día entero entre música, charlas y otros entretenimientos. La imaginación de los asistentes se dispara, y uno puede encontrarse a una cuadrilla con una discoteca móvil a bordo de un contenedor de basura con Manowar a tope, o un tractor tuneado en el que suena Kreator. Las tabernas del pueblo reciben a los visitantes con los brazos abiertos y los barriles cargados, y es posible cruzarse con la alcaldesa, que ese día viste, por supuesto, de camiseta negra.

En todo caso, no hay festival apetecible sin buenos grupos, y este año la apuesta del Dimetal sube un escalón al fichar a Su ta gar, la apuesta más ambiciosa desde que nacieron. Los de Eibar suelen medir mucho sus apariciones, y el hecho de que hayan bendecido a Dima supondrá un buen empujón de cara al futuro. Quien más o quien menos ha visto una vez, o más, a Gorosabel y compañía, pero es innegable que se encuentran en un momento clave de su carrera. Después de haber terminado su singular y única gira por teatros, el regreso al formato habitual es toda una incógnita. Están en plena madurez pero no parece que eso les haya quitado el hambre, y su repertorio es una incógnita. ¿Habrán bajado pulsaciones después de haber pisado teatros, o tendrán ganas de meter más decibelios? ¿Qué planes tienen para el futuro ahora que están ampliando horizontes? Sin duda, en Dima tendremos algunas pistas.

Aunque Su ta gar es el principal reclamo, en Dima habrá más grupos y alternativas de ocio. De hecho, la salsa empieza a cocinarse por la mañana, con una charla que se ha convertido en fija en el gaztetxe del pueblo: una tertulia sobre música, el universo metalero y otros temas de interés. Es un momento único para intimar con músicos y asistentes. Ese rato suele abrir las gargantas para el poteo de mediodía y la posterior (¿Hay alguna celebración vasca sin herri bazkaria?) comida popular.

Además, este año, la organización ha previsto actividades para niños y niñas, de tal manera que se hace amable y acogedor para toda la familia. Hablando claro, aparcas a los críos y te vas de concierto. Y, si andas sobrado, montarán también unas “olimpiadas metaleras”. Evil seeds, bilbaínos que el año pasado fueron seleccionados dentro de la muestra de Aste Nagusia, serán los encargados de empezar la tarde con su poderoso Heavy Metal clásico; y les seguirán los asturianos Last days of eden, marcados por un ambiente sinfónico próximo a Nightwish.

Otro de los atractivos es el de los bermeanos Ost, incombustibles e inasequibles al desaliento. Tal es así, que a algunos de sus integrantes no es raro verles tocar en dos y hasta tres formaciones al tiempo. Tras 20 años repartiendo cera, Ost aseguran tener más energía que nunca, y la del sábado es una buena ocasión para que lo demuestren. Otros que atraviesan un buen momento son los vitorianos The Faithless, en una tendencia ascendente desde su formación en 2015. Tras los citados Su ta gar, los powermetaleros Raven’s gate de Valencia tratarán de mantener encendida la antorcha, que deberán consumir los barceloneses Drakum.

 No hay mejor manera de abandonar el verano, o lo que sea que tenemos, y recibir al otoño que compartiendo un día entero de música cañera en un entorno abierto y plácido. Si no has estado nunca en el Dimetal Fest, este puede ser tu año. No encontrarás demasiadas propuestas similares por aquí cerca. De hacer lo mismo de siempre, estarás a tiempo cualquier fin de semana.

16 veces. “Fuck you I won’t do what they tell me”. 16. Y después, bum, “¡Motherfucker!” Han pasado 25 años de aquel estremecimiento musical que sentimos millones de personas alrededor del mundo. En realidad, menos. Desde la última vez que escuchamos la canción, porque no hay demasiados temas que mantengan tanto vigor y vitalidad pese al discurrir del tiempo como “Killing in the name”. Seguro que lo recuerda bien Bruno Brookes, ese DJ de la BBC al que en febrero de 1993 se le coló la canción mientras hacía la lista semanal del Top 40. Los desconocidos Rage against the machine entraban como novedad sin que el bueno de Bruno supiera que cantaban contra el odio racial y los excesos policiales, incluyendo un buen puñado de tacos. Hubo decenas de llamadas de oyentes enervados, y a Brookes le suspendieron una semana de empleo y sueldo.

El mundo, por aquel entonces, aún vivía como hegemónicos el racismo, la homofobia y el conservadurismo más atroz. Así que era el momento adecuado para que un cuarteto de Los Ángeles desafiara aquella carcunda con letras incendiarias y ritmos explosivos. Hasta entonces, nadie había sonado como Rage against the machine. Después, tampoco. ¿Cómo fue posible que un grupo neomarxista y revolucionario pudiera alcanzar la cima musical, combinando riffs de Metal con Hip Hop? El atrevimiento de Zack de la Rocha, Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk no tenía límites; como tampoco los tuvo su crecimiento, que fue un fenómeno fulgurante: de tocar en fiestas para amigos a encabezar el festival Lolapalooza en 1993, tras telonear a Public enemy.

RATM fueron visionarios en varios aspectos. Sus letras eran lemas totales de las más variadas causas. De hecho, no encajaban en el arquetipo de la sociedad estadounidense. La visión que tenían de su propio país se correspondía más que con la que puede tener un latino o incluso un europeo. Quizás la razón esté en los orígenes del vocalista De la Rocha y del guitarrista Morello, uno hijo de un artista mexicano, el otro hijo de un diplomático keniata y una activista estadounidense. Sea como sea, la combinación de influencias y denuncia social conformó un artefacto musical tan poderoso que hoy es difícil encontrar una rebeldía similar que conecte tanto con los fans. Los angelinos fueron a los 90 lo que el Punk a los 70, pero con un nivel instrumentístico de alta calidad.

Para llegar a la fórmula Rage hay que mezclar a Cypress Hill y Public enemy con diversas bandas de Rock y Hardcore. Se pueden encontrar rastros de muchas de ellas, y el oído de cada cual captará sus propios matices. Supongo que les influyeron Faith no more y Black flag, Beastie boys y Led Zeppelin, Black Sabbath y The Clash. Sin embargo, la combinación más fascinante es la que logró que los dedos de Tom Morello dispararan esos riffs tan singulares y agresivos desde su guitarra. Unas veces suena a Hendrix y otras a Van Halen (Sleep now in the fire). No entiendo cómo hay aún tan pocos guitarristas que citen a Morello entre sus referencias.

La capacidad de anticiparse a los acontecimientos permitió a Rage against the machine componer “Killing in the name” antes de los disturbios de Los Angeles en protesta por la agresión policial a Rodney King, y viendo sus vídeos promocionales se pueden encontrar otras apariciones de ojo clínico, como el manifestante que en Wall Street muestra una foto de Trump Presidente (“Sleep now in the fire”, año 1999). En todo el disco de debut no aparece ni una sola canción de amor, ni tan siquiera esperanza. Sólo se escucha una vez esa palabra: “From here to the cape of no hope”, para decir que no la hay. Al contrario, bala, fuego, bomba, rabia, rebelión, pistola, furia, revolución, dolor o violencia aparecen constantemente.

Los ritmos vertiginosos enseguida conectaron con un público ávido de nuevas experiencias, en una década que vería crecer a bandas experimentales junto con el Grunge. De todos los que fusionaron Rock y Hip Hop sólo los discos de RATM mantienen esa frescura que invita a escucharlos de principio a fin una y otra vez. El primero y homónimo contenía diez puñetazos variados y rabiosos, de tal manera que destacar algunas canciones sobre otras es atrevido, aunque Freedom, Wake up -con ese final de furia incontrolable-, o el bajo serpenteante de Take the power back sobresalen, además del mítico himno inmortalizado por esa frase: Fuck you I won’t do what they tell me! Tan aprovechable es el disco, que deben leerse hasta los agradecimientos, donde aparecen menciones a Huey Newton, fundador de las Panteras Negras, o Bobby Sands, militante del IRA muerto tras una huelga de hambre. La portada fue prestada: es la foto de un monje vietnamita, Thich Quang Duc, que en 1963 se dio fuego como forma de protesta por la opresión de su gobierno contra los budistas.

El grupo sólo editó tres álbumes originales en el decenio de los 90, más otro de versiones, y las diferencias entre los propios componentes les llevaron a emprender caminos distintos. Curiosamente, la cultura Pop y el capitalismo que combatían en sus letras acabaron engulléndolos, como hacen con casi todo. Sólo puntualmente se les ha podido ver de nuevo juntos sobre el escenario y, en el presente, es el cantante De la Rocha quien se encuentra desarrollando un proyecto en solitario; porque Morello, Tim C. y Wilk conforman el supergrupo Prophets of rage, junto a Chuck D (Public enemy) y B-Real (Cypress hill) que, por cierto, próximamente estarán en el festival Download de Madrid y en el francés de Hellfest (Clisson).

Sin embargo, un cuarto de siglo después, el primer disco de Rage against the machine mantiene esa rabia que se reactiva en momentos como el actual, con Trump en Estados Unidos, el Brexit y la crisis de los refugiados en Europa, y la precariedad a nivel global. Nunca por separado o con otros grupos estos músicos han alcanzado el nivel de éxito que lograron con RATM; y, seguramente, los chavales que les descubrieron en los 90 o después, tampoco habrán berreado demasiadas veces un “Motherfucker!” con tantas ganas como el que sueltan cuando escuchan una de las canciones de sus vidas.

En Euskadi, la política ha dejado de darnos un par de días históricos por semana, como sucedía hace unos años (y algunos dicen que sucede ahora en Catalunya); en cuanto al fútbol, San Mamés y Anoeta distan mucho de ser las ollas a presión que antaño resultaban temibles para los equipos rivales; el País, en general, va perdiendo algo de épica, y eso se percibe también en los ambientes rockeros, donde la añoranza del pasado es una constante. Quizás por ello, a pocos días de que se llegue a uno de los conciertos de la década, no se percibe aún el aroma de las grandes ocasiones. Aunque es posible que influya el hecho de que, con la llegada de las redes sociales, se creen corrientes de opinión artificiales. La última dice, sobre Guns N’ Roses, que lo sofisticado entre los rockeros es despreciar su concierto. Por varias y diversas razones, pero despreciarlo. Sea como sea, la llegada de los californianos supondrá un hito indudable, y promete ser una celebración de las de guardarse para siempre en la memoria. Aunque, otra vez, el pasado y las comparaciones serán inevitables. ¿Qué sabemos de la gira de Guns N’ Roses a estas alturas?

Está batiendo records de recaudación: sólo con el paso de los años sabremos si el reencuentro entre Axl y Slash obedece a una amistad unida de nuevo gracias al pegamento de Duff McKagan, o a un interés por llenarse los bolsillos. Sea como sea, el público les estaba esperando. Sólo así se puede entender que hayan cosechado, hasta el tramo europeo, 230 millones de dólares (a los que deben restarse los gastos de producción). Sólo en Australia y Nueva Zelanda se han embolsado 38 millones. La gira se llama “Not in this lifetime” porque eso era lo que respondía Axl cuando le preguntaban si estaría dispuesto a reunirse con sus viejos compañeros alguna vez. Seguro que no pensaba volver a tener en esta vida la cuenta corriente tan llena.

Volverá a ser un gran espectáculo de Rock : el repertorio de una banda como Guns N’ Roses, que han facturado una docena de clásicos imprescindibles en la historia del Rock duro (desde Sweet child O’mine hasta November rain , pasando por You could be mine o Welcome to the jungle ), es asombroso y muy difícilmente superable. Muy pocos pueden presumir de tocar 25 o 26 canciones de las cuales el público se sabrá de memoria más de la mitad y, al mismo tiempo, permitirse el lujo de hacer cinco o seis versiones de temas clásicos de todos los tiempos. Si no varían durante la gira europea, harán nueve de los Use your Illusion , otras nueve del Appetite por destruction , cinco o seis versiones, y dos o tres del defenestrado Chinese democracy .

Esta vez sí son puntuales: a diferencia de los excesos de la primera época del grupo, donde les importaba todo muy poco, ahora salen al escenario en el momento convenido, y se marchan cuando es la hora. Desconozco si han hecho terapia o simplemente han madurado, pero debemos saber que no hay margen para retrasos de dos horas ni nada similar. Sólo el temor a un atentado –el reciente de Manchester condicionará el ambiente- podría hacer que se desluzcan los planes.

Los recintos van a ser especiales : tanto en San Mamés, que acogerá el primer concierto masivo desde su inauguración, como en el Calderón, que dará su último servicio antes de ser derruido, los dos estadios de su gira española grabarán estos conciertos en sus libros de historia. También el marco hace de esta gira algo único e irrepetible.

¿Son los Guns N’ Roses de la década de los 90? Ni ellos ni nosotros lo somos.

Hacer comparaciones es absurdo. Evidentemente, pensar en que Axl Rose tiene su garganta igual de afinada sería, simplemente, soñar; igualmente, creer que la brillantez de Slash será la misma tampoco tiene sentido; la formación no es la clásica (es más, cada uno tendrá su alineación favorita), pero es una reunión por la que todos hemos suspirado alguna vez, y las crónicas que nos han llegado desde Estados Unidos o América Latina aseguran que se trata de una gran celebración rockera. Difícilmente saldrá alguien defraudado. Vendrán, salvo sorpresa, Axl Rose , Slash , Duff McKagan , Dizzy Reed , Richard Fortus , Frank Ferrer y Melissa Reese.

Guns N’ Roses son un súper grupo. Ellos desafiaron en pocos años las marcas alcanzadas por los más grandes de la historia. Llenan estadios con una facilidad asombrosa y su público es transversal. El confeti, las luces, el volumen y su magnetismo serán sólo aderezos para que las grandes canciones que van a interpretar queden rodeadas de una celebración espectacular. Hay menos épica que hace 25 años, sí, pero las emociones se van a desbordar, y más vale que estemos allí para sentirlas. Tiempo habrá de discutir si el precio de la entrada mereció la pena. Aunque yo creo que sí: mejor un recuerdo caro que una espinita perpetua por haber renunciado a verles.

Último repertorio de la gira, con nuevas canciones:

Intro

Looney tunes

The equilizer (Harry Gregson-Williams)

It’s so easy

Mr Brownstone

Chinese democracy

Welcome to the jungle

Double talkin’ jive

Better

Estranged

Live and let die (Wings cover)

Rocket queen

You could be mine

New rose (The Damned cover)

This I love

Civil war (intro de “Voodoo child”)

Coma (with band introductions)

Speak softly love (Nino Rota, El padrino)

Sweet child O’mine

Out Ta Get Me

Wish you were here (Pink Floyd cover,Slash &Richard Fortus guitar duet)

November rain

Knockin’ on heaven’s door (Bod Dylan cover, with 'Only Women Bleed' intro)

Nightrain

Traca final

   24. Patience

   25. There Was a Time)

   26. The seeker (The who)

   27. Paradise city

Salida: You Know My Name (Chris Cornell song)

En el homenaje a Iñaki “Bomber”, se intentará batir el récord mundial de 'poteo heavy'.

La última vez que le vi fue en el Skulls de Bilbao, el 14 de mayo de 2016. Yo estaba poniendo música aquella noche, invitado por Unai, y él estaba de fiesta. Recuerdo el beso en los morros que me plantó después de que pinchara media docena de esas canciones clásicas que a cualquiera que lleve un poco de Rock en las venas le ponen a funcionar en modo euforia y amor por doquier. Las disfrutó mucho. Tengo grabadas las caras de complicidad que me ponía. Es un bonito recuerdo para ser el último. Intuí que en aquel momento había firmado ya los términos de la rendición ante el cáncer: sabía cuál era su futuro y decidió entregarse, pero con sus condiciones. Este es un ejercicio de inteligencia que no todos están en disposición de llevar adelante en su misma situación. Sin embargo, sus principios estaban claros, y él cumplió su parte: vivir a tope, disfrutando de la vida que le quedaba con la máxima intensidad, con Rock, y sus amigos y cercanos. Así lo hizo, hasta octubre, cuando nos dejó discretamente.

Hoy no escribo de un disco, ni de un grupo, ni tampoco de un músico. Hoy quiero dedicarle unas palabras a un seguidor del Rock duro. Uno de esos que llenan conciertos, que dan ambiente a las calles, que animan los bares y que contribuyen a que algunas canciones sean eternas. Hablo de Iñaki, el Bomber, un tipo de esos a los que había que conocer… Si se dejaba, claro. Sé de lo que hablo. Los seguidores de esta música casi siempre son anónimos. La atención se la llevan los protagonistas, pero un movimiento de estas características no puede sustentarse sólo en los vips, hay una base de la que conviene no olvidarse. El Bomber no era sólo un fan. También llevaba el Zerua Rock Bar, un garito de la calle Iturribide en el que sonaban Motorhead, AC/DC, Accept y todas esas bandas que forman parte de nuestro universo vital. Un sitio cuya atmósfera lo convierte en imprescindible.

El Bomber lo atendió incluso cuando la enfermedad le tenía más acorralado. El Zerua sigue abierto hoy, mantiene su espíritu, y empieza a ser uno de los pocos de su especie que quedan en el antaño gamberro y desafiante casco viejo bilbaíno.

El próximo sábado 20 de mayo habrá un homenaje para Iñaki en Bilbao. Creo que es el que a él le gustaría que le hiciéramos: vamos a intentar batir el récord mundial de 'poteo heavy'. Desconozco cuántos nos juntaremos, pero será digno de ver a cientos de tipos con camisetas negras ir a pedir a un bar tras otro. El colapso puede ser épico. Habrá una comida popular y, después, un concierto en el que sonarán los temas que al Bomber le ponían las pilas: tres bandas de versiones y tributo como son Bombers, Unholy covers y Motorhits. Sé que sus colegas están preparando alguna sorpresa más alrededor de su filosofía: carácter, música, amigos y bares.

Ha dejado huella, tanta que muchas personas que no llegaron a conocerle van a estar presentes en Bilbao. Y cuantos más seamos, mejor. Todo para decirle 'gero arte' a alguien que se fue sin avisar. Porque el Bomber era un poco así, un huraño que les daba a los niños piruletas.

La legendaria banda británica dio el pasado sábado el último concierto de su historia en su ciudad, Birmingham. Fundadores de un género, el Heavy Metal, han sido referencia para varias generaciones

 En 1982, en Iowa, durante un concierto (por aquel entonces a los músicos se les tiraba de todo y aguantaban –escupitajos, sujetadores, etc- no como los de ahora, que si les cae un vaso de plástico con cerveza paran la actuación) llegó un murciélago al escenario. Ozzy pensó que era un juguete. Pero no lo era. “No me jodas que acabo de comerme un murciélago”. Durante el resto de la gira, un médico tuvo que acompañarle para ponerle cada día las inyecciones contra la rabia.  

Este viernes 13 de diciembre empieza una gira especial que ya situé como una de las cosas más interesantes que nos iba a dejar este 2017 en cuanto al Heavy Metal: la serie de conciertos en teatros con la que Su ta gar pretende defender su último y más sentimental disco: Maitasunari pasioa. He tenido la suerte de compartir un rato con ellos durante los dos días que ha durado el ensayo general de esa serie de conciertos, y os puedo asegurar que va a ser algo inédito.

La gira empieza en el Bastero de Andoain, para luego continuar por Arrasate (21 de enero), Ermua (27 de enero), Bilbao (5 de febrero, Arriaga)y Pamplona (17 de febrero, Gayarre). De momento son cinco fechas con las que la banda presentará un repertorio muy distanciado de lo que suele ser habitual en su carrera, mucho más íntimo y centrado en el amor, la esperanza y los sentimientos.

Lo primero que os llamará la atención será, sin duda, entrar en un recinto poco frecuentado por el público metalero a la hora de vivir la música en directo, los teatros. Su elegancia y el ambiente contribuyen a que te sientas más extraño aún al estar sentado, y con una visibilidad excelente desde todos los rincones hacia el escenario, donde Aitor, Xabi, Igor y Galder se dispondrán con muchos más instrumentos que en una gira convencional. Habrá pianos, guitarras acústicas y menos contacto directo con los seguidores.

El repertorio se compondrá de 23 canciones, en su mayoría baladas y temas de medio tiempo rescatados de su discografía, en la que, como sabéis, las canciones lentas han aparecido casi como una constante en todos sus trabajos, si bien ha sido mucho más excepcional que las interpretaran en directo. Así que escucharemos temas que han sonado pocas veces en sus giras, al margen de que el último trabajo, Maitasunari pasioa, es interpretado casi al completo.

Y la gran pregunta: ¿Habrá potencia metalera, además de amor? La respuesta es que sí. Lo que no hará Su ta gar es adaptar los clásicos poderosos que les han llevado a ser la referencia del Metal vasco a este formato semiacústico. Es decir, no escucharemos Jo ta ke (que no faltará) sin gasolina, lo hará con toda su fuerza, o la demoledora adaptación de Haika mutil. Lo que no puedo adelantar es cómo reaccionaremos en esa recta final del concierto, cuando la formalidad del teatro se vea sobrepasada por la fuerza de las canciones más intensas. Y eso es lo imprevisible.

Es evidente que Su ta gar no habrían podido resistir 30 años como grupo referencial en el país sin tener calidad, que la han demostrado sobradamente, sin una constancia incombustible en su trabajo y, para mí lo más atractivo en los eibarreses, que nunca han tenido miedo de avanzar en su carrera hacia sonidos y apuestas distintas. Se ha visto con sus dos trabajos anteriores, Ametsak pilatzen y Bizirik gaude, muy interesantes musicalmente, y ahora con esta arriesgada propuesta para sus seguidores más fieles.

Su ta gar en teatros, una oferta más que interesante en este invierno vasco, que os podrá dar posibilidad de disfrutar de un concierto en familia. Un concierto de Heavy Metal en familia.

10- Dio volverá a salir de gira: estuve presente en la edición de Wacken de este 2016, y asistí a parte del concierto de los Dio disciples, que abandoné a la cuarta o quinta canción porque me parecía una de las peores versiones de esa banda tributo que había visto. Resultó que, justo después de mi marcha, la actuación se convirtió en viral porque guardaban una sorpresa: la aparición del mismo Ronnie James Dio en forma de holograma. Hubo una gran controversia en torno a la oportunidad de tal creación, pero la figura contaba con la aprobación de su viuda, Wendy, y, aunque la calidad de la actuación era más bien escasa, esa ocurrencia convirtió al concierto en uno de los momentos del verano festivalero. Tal recorrido ha tenido el holograma, que se acaba de confirmar que Dio volverá a salir de gira. Será como ver dibujos animados, pero el que no se consuela es porque no quiere.

9- Ghost nos visitarán con un despliegue espectacular: los suecos ganadores de un Grammy han alcanzado, con sólo tres discos, la categoría de banda de culto y referencia para el público metalero pero no sólo, también para todo aquel que tenga una cierta apertura hacia el terreno de lo excéntrico y el Rock enérgico. En marzo empezarán su travesía británica para luego saltar a Alemania y después al resto de Europa, incluyendo una visita a Bilbao (BEC), además de Madrid, Barcelona y Lisboa, con un montaje único: la catedral del ocultismo para que el Papa Emeritus pueda desplegar su homilía. Una gran ocasión para ver a una banda que aún despierta bastantes desconfianzas y recelos, pero que se halla en el culmen de su carrera.

8- La reunión de las formaciones clásicas de Helloween: a estas alturas es difícil decir cuál es la verdadera formación clásica de Helloween. Los de Hamburgo, en honor a la verdad, llevan muchos más años con Deris al micrófono de los que estuvo el gran Kiske, otrora renegado del Metal, pero es imposible desprenderse del nivel que la calabaza alcanzó cuando él firmó los dos álbumes legendarios Keeper of the seven keys. El hecho de que vayan a girar conjuntamente hace de los conciertos anunciados algo para recordar. La única incógnita está en el nivel que sean capaces de dar, y en si se notará que la reunión es obligada más por las circunstancias de mediocridad en las que está cada uno por separado que en auténtica sinceridad musical.

7- La incógnita del regreso de dos leyendas vascas: dentro de unos días los titanes Su ta Gar regresarán a los escenarios para demostrar que están en un momento enormemente fecundo de su carrera, en el que les bullen las ideas y no cesan de mostrar el poderío de su directo. Ocurre que esta vez la gira es distinta, estará delimitada a recintos cerrados, en algunas ocasiones teatros, para intimar con su último trabajo, que ha dejado traspuesto a más de uno, Maitasunari pasioa. Quizás una ocasión única para acercarse a los de Eibar en otro formato. Pero, sin  duda, lo que más expectación ha levantado en los últimos días es el enigmático mensaje de PiLT a través de las redes sociales: todo hace pensar que están de vuelta. Forjaron una auténtica revolución musical a finales de los 90 en Euskadi, y ahora en los mentideros se especula con un posible regreso o una serie limitada de conciertos para satisfacer a quienes no les pudieron ver en su día.

6- Sigue la racha de lanzamientos que han reavivado el Thrash: en 2016 Anthrax, Megadeth, Testament o incluso Metallica renovaron su discografía. En sus discos había casi tantas luces como sombras pero sin duda quedó claro que el Thrash Metal vuelve a vivir un momento de ebullición en el que las bandas clásicas conviven con las renovadoras. En la primera mitad del año publicarán nuevas grabaciones dos de las leyendas qiue atraviesan un momento más dulce: los alemanes Kreator, probablemente en el momento de mayor inspiración de su carrera, y los neoyorkinos Overkill.

5- El colapso de los festivales de verano: hace unas semanas advertí de la locura competitiva en la que han entrado las promotoras de los festivales de verano al aire libre en España y el paso de los días invita a pensar en que en 2017 algunas marcas caerán de forma estrepitosa. Era imposible resistir un ritmo alocado en el que los sold outs eran cuestión de horas. Incluso los grandes (Wacken, Hellfest, Graspop) están teniendo dificultades para completar carteles dignos de sus últimas ediciones, y de momento se contentan con vendernos a Aerosmith o Deep purple como grandes ganchos. Si no logran nada mejor, probablemente el palo que se lleven sea épico. Ninguno de ellos ha agotado las entradas a estas alturas. Quizás deberían empezar a plantear las cosas con más cabeza.  

4- Guns N’ Roses en San Mamés: el año 2015 acabó con la confirmación de que Guns N’ Roses volvían a las tablas después de dos décadas. Un año más tarde, ese tour bautizado con gran acierto “Una vez en la vida” podrá verse en Bilbao, en San Mamés, aparte de en otro puñado de afortunadas ciudades europeas. El éxito de los organizadores y patrocinadores al arrastrar a esta gira a la capital vizcaína es de los que hacen historia: se trata de una medalla en el expediente que figurará durante mucho tiempo. Más allá de si gustan más o menos, Axl es poco o muy simpático y el precio es abusivo o razonable, ese martes de mayo es uno de los días más esperados del año para miles de fans, entre los que por supuesto me incluyo.

3- La vida sin Metal Hammer: el 2016 acabó con la quiebra de la empresa británica Team Rock, que agrupaba a revistas como Metal Hammer o Classic Rock en su seno. La sorpresa ha sido monumental en todo el mundo metalero porque si hay una marca célebre que ha acompañado al Heavy Metal en los buenos y en los malos momentos esa es la Metal Hammer. Enseguida se organizó una campaña de crowdfounding para recaudar fondos destinados a los casi 80 trabajadores que se han quedado en la calle, en medio de la incógnita acerca de si la marca podrá sobrevivir. Este golpe no es ajeno a la crisis general que viven revistas y prensa, en medio de la proliferación de webs amateurs en las que uno ya no sabe bien de quién fiarse. Es una lástima que quienes caigan sean los buenos.

2- El regreso de Metallica a Europa: los de San Francisco se van a tomar con calma la gira europea tras la publicación de “Hardwire… To self destruct”. Hasta otoño no se dejarán ver por aquí, y entonces tendremos la medida de si su directo resiste o cae en la atonía. Sus nuevas canciones, como viene siendo trtadición, se han quedado muy por detrás de lo esperado. En este 2017 sabremos si sus conciertos seguirán siendo capaces de tapar sus carencias.

1- El año de las nuevas generaciones: por fin, en 2017, veremos la desaparición definitiva de algunos dinosaurios cuya sola presencia hace de pantalla para que el tradicionalmente conservador público heavy aborde la renovación del género sin trampas. Sin Black Sabbath, Twisted sister, Motley crue o AC/DC, a los que se unen Deep purple o Aerosmith, habrá que ver si el stablishment permite que Slipknot, Machine head, Volbeat, Avenged sevenfold o los mismos Ghost se conviertan en las leyendas que antes fueron otros. El bunker intentará resistir aferrándose a Maiden, Judas priest y hasta Metallica, pero agarrarse a un corcho lo único que hará es alargar la agonía. O hay vía libre a la savia nueva, o las estructuras del Metal empezarán a crujir seriamente. Los carteles de los festivales de este 2017 son una clara señal de alarma.

Antes de que digas o escribas lo que están pensando: 1- ni he escuchado todos los discos de 2016 ni podré hacerlo, a diferencia de ti, supongo; 2- podría hacer mención a otros 20 discos: a Anthrax, a Metallica, Testament, Gojira o a ese que quieres decirme para parecer el listo de la clase, pero antes tendrás que comprobar en Google si se ha publicado en 2016, pero no lo haré porque es una selección que va más allá de los propios discos; 3- si aún así quieres comentar, recuerda que esto es un blog personal, y que si tú tienes otra selección, la puedes aportar. Sobre lo que escribo, también admito críticas.

“Metal resistance” – Babymetal

Convertidas ya en un fenómeno planetario, las tres adolescentes japonesas siguen generando una controversia directamente proporcional a su insolencia musical. Tras haber hecho papilla los estándares del Metal tradicional y haberlo trasladado a un universo de dibujos animados, siguen adelante con una gira en la que continúan triturando marcas, además de ser una fuente inagotable de noticias. Desde la fulgurante velocidad de Road of resistance (con la inestimable y reconocible colaboración de Dragonforce) y Amore, pasando por el groove de Karate o los coqueteos con el Death de Sis. Anger, “Metal resistance” supone la consolidación de un fenómeno absolutamente trascendental para lograr que el género recomponga sus circuitos de conexión con las nuevas generaciones pero, sobre todo, para contribuir a rejuvenecer los cánones del Metal y ayudar al disfrute colectivo que, siendo de música de lo que hablamos, sigue siendo lo principal.

“The evil divide” - Death angel

Hay una corriente de opinión bastante extendida que defiende que, cuando una banda ha consumido ya dos décadas de existencia sin explotar del todo, deberían retirarse a disfrutar de su otoño vital y musical hasta desaparecer. Si esa teoría funcionase, habríamos perdido a Death angel hace tiempo. Los californianos nunca han llegado a la primera línea del foso: unas veces por sus propios errores, y otra por esa combinación de factores que llamamos suerte, y que también influye en la música. Este 2016 debería ser recordado también porque Death angel han dado de lleno en la diana con el disco más sólido de todos los que han publicado sus coetáneos este año. Moviéndose entre el Thrash con gusto que siempre han practicado, y el Heavy Metal más consistente, “The evil divide” merece por lo menos un par de escuchas con atención. 51 minutos de poderío y frescura entre los que es difícil destacar unas canciones por encima de otras dado su enérgica continuidad. Quizás citaría Lost por su rítmico juego de guitarras o Father of lies por esa letra tan puramente thrasher y combativa.

“Terminal redux” - Vektor

No soy un apasionado de la música excesivamente técnica y progresiva, pero es difícil no asombrarse ante la combinación de talento, frescura y furia que consiguen generar los estadounidenses Vektor con su Thrash de gran factura. ¿Es posible sostener un disco de visceralidad con canciones de 8, 9 o hasta 13 minutos? La respuesta está en un “Terminal redux” que supone una de las mayores bocanadas de aire fresco que ha recibido esta rama del Metal en los últimos años. La fórmula consiste en lo siguiente: si vas a hacer lo mismo que Kreator, déjalo, ya está hecho; si vas a hacer lo mismo que Testament, déjalo, ya está hecho; si vas a intentar emular a Slayer, también, déjalo. Pero si tu cerebro y tus dedos son capaces de propulsar al Thrash a una nueva dimensión, entonces sí, te harás con un hueco en mi negro corazoncito.

“Ghostlights” – Avantasia

Lo escribí hace algunos meses y no está de más reiterarlo: Tobias Sammet atesora un talento envidiable, y no es necesario que componga siempre obras maestras, porque no todas lo son: es suficiente con que ponga, como sólo él sabe hacerlo, cada cosa en su sitio: sin barroquismos, sin excederse, pero siempre sin subestimar al que paga por escuchar su música. Su último disco vuelve a ser un festival de estrellas y músicos de primera línea que marcan el camino a quien crea que a la gente se le puede dar gato por liebre. La hora y cuarto de Ghostights pasa y a uno le queda el regusto de que, dentro de diez años, cuando vuelva a ponerse este disco en el reproductor, sonará igual de brillante y actual. La limpieza de una orquesta, la elegancia de una boda; Avantasia es ese nivel superior que cuando algunos intentan ascenderlo, el resultado es un disco de mercadillo.

“The stage” – Avenged sevenfold

Hay momentos en los que se puede intuir que un grupo ha llegado al punto de maduración perfecto para eclosionar de manera imparable. The stage significa ese momento exacto en el que Avenged sevenfold han entrado en ebullición. En la eterna discusión sobre si a ti te gustan más o menos, suele haber un detalle que se pierde: el de apreciar calidad cuando la hay. Quizás no haya inspiración en todas las canciones, quizás no haya melodías cautivadoras en todos los riffs, quizás nos podamos despistar en algunos tramos de vacío creativo, pero no se puede negar que los estadounidenses son grandes músicos y tienen esa ambición por la que uno sabe que no dejarán escapar su oportunidad. Entre la potencia de God Damn y la delicadeza de Roman sky hay una gama tan variada de colores que su caudal creativo parece infinito. Y lo mejor es que su verdadero poderío lo muestran en directo. No es el disco del año, pero es el grupo del momento.

Año 2016. Ningún grupo que vaya a sacar un disco hoy en día va a ofrecer menos de 50 minutos de música. Nadie sabe muy bien por qué, pero se ha ido extendiendo la creencia de que, en la nueva época de las descargas gratuitas y de Internet, hay que ofrecer mucho para que el seguidor se disponga a pagar por lo que consume. De tal manera que para convencerle de que compre el vinilo, el Cd o se haga con la descarga digital, los artistas nos proponen nuevas canciones y, además, añaden descartes, versiones de otras bandas, los ruidos que hacían en el estudio cuando estaban borrachos y los mensajes de voz que envían a sus parejas acompañados de acordes de guitarra acústica.

Está muy bien. Eso es generosidad. Así podemos escoger entre diferentes versiones del disco: extended version, classic version, no version, de luxe, digipack, completa, sin queso y con camiseta con doble estampación. Mola. Total, que para cuando llegas a casa y te pones el disco es imposible saber cuántas canciones son nuevas, cuáles son remakes, y si el single edition contiene el solo o no porque te lo incluyen tres veces, una de ellas instrumental por si no tenías postre.

Cuando te has abierto la birra, puesto la camiseta y encontrado la única hora y media libre de toda la semana, te das cuenta de que has desperdiciando 35 minutos en saber qué demonios vas a escuchar. Y, si acaso te las ingenias para alargar el rato de soledad y te dispones a escuchar con atención el material, entonces, empiezan a pasar una tras otra canciones y canciones hasta que tus orejas dicen basta. Ya no sabes discriminar cuánto es potable y cuánto se debían haber guardado debajo de la cama.

Esta tendencia va contra el sentido de los tiempos. Cada vez tenemos menos espacio libre para dedicar atención exclusiva a creaciones culturales. Estamos en la era del mp3 y de escuchar canciones sueltas o trozos de discos mientras vamos en el coche o viajamos en autobús. Es más, suena la música a la vez que hacemos otras cosas, por ejemplo, compartir impresiones en las redes sociales o internet. Así que cuanto más largos sean los trabajos, menos probabilidad de apreciar las obras en su conjunto.

Extrañamente, es algo que pasa sólo en la música. No ocurre con otros ámbitos creativos a los que también afecta la selva de Internet. Sería como si un escritor decidiera publicar novelas de 800 páginas en lugar de 200, o como si un cineasta alargara las películas hasta las cuatro horas esperando así mayor recompensa del público. No, la literatura y el cine no han cambiado en este ámbito.

Estoy seguro de que esta tendencia está afectando a la creencia, cada vez más extendida, de que hoy en día se hacen menos discos con la categoría de clásicos que hace veinte años. Es normal. Por muy bueno que seas, es imposible crear 80 minutos brillantes cada dos años. Es más, si de esos 80 minutos 50 son buenos, los 30 restantes se cargan el conjunto. Por reiterativos y mediocres. Lo hacen todos. Lo acaban de hacer Metallica, los Maiden y hasta los Duretes del Barrio. Y es un error monumental.

Ningún disco clásico de Motörhead, ninguno, pasó de los 42 minutos, y la mayoría apenas pasaba de los 35 (Aces of spades, Bomber, Orgasmatron). El Screaming for vengeance de Judas priest dura 38 minutos, el Turbo 40, British steel 36 y Painkiller, con sus solos aparentemente larguísimos, 46. Slayer tampoco te marean: Reign in blood 34 minutos, South of heaven 37. Metallica necesitaron 54 minutos para hacer de Master of puppets un clásico eterno y emplearon una hora justa en su Black album, en este caso porque no tenía desperdicio. El Powerslave de Iron Maiden dura 51 minutos, The number of the beast 39; y el Appetite for destruction 53. Cuando un grupo tenía material abundante, hacía un disco doble. Así, los Keeper of the seven keys de Helloween eran, son y serán brillantes porque la primera parte dura 36 minutos y la segunda 54. Y así hasta el infinito.

Ahora, sin embargo, Iron Maiden nos torturan con 82 minutos, Metallica acaban de aplastarnos con 88 y no quiero ni pensar con lo que nos pueden amenazar Guns N’ Roses si se les ocurre grabar un disco. Si los redujeran en duración 35 minutos probablemente su material sería juzgado de otra manera. Desde luego Hardwire… To self-destruct tiene, al menos, 40 minutos de gran brillantez.

Y lo dejo aquí, que me estoy alargando.

Supongo que no soy el único, pero llevo varias semanas asistiendo, absolutamente asombrado, a la nueva burbuja que se está inflando de una manera incomprensible: la de los festivales de verano. O bien estamos ante el negocio más rentable de la historia, y casi nadie se había dado cuenta hasta ahora, o bien algunos promotores han decidido hacer la yihad musical: no sólo salto yo por los aires sino que, ya puestos a palmar, a ver si me cargo conmigo a otros tres o cuatro.

¿Alguien cree que es posible que en apenas seis fines de semana puedan coincidir nueve festivales musicales al aire libre compitiendo, en dos o más casos, por llevar a los mismos grupos? ¿Alguien piensa que la alta tasa de paro juvenil hay que explotarla invitando a los chavales a ir un festival o dos a gastarse el dinero que no tienen? ¿O acaso los patrocinadores se han vuelto tan generosos que cubren gastos e incluso pérdidas? Y todo esto sin contar la oferta de festivales por Europa. Ya que, por si a alguien se le ha olvidado, conviene señalar que a veces es más rentable y cómodo desplazarse a Londres, Hamburgo o Milán para ver un concierto que hacerlo a alguna ciudad española.

Se pueden plantear hipótesis estrambóticas pero es evidente que entre algunas promotoras ha comenzado una guerra abierta con un único objetivo que no es el de crear un festival rentable, sino el de dañar al competidor. Podrían aliarse, pero han decidido combatirse. El que saldrá perdiendo de este navajeo es el público, como de costumbre. Al tiempo.

El carrusel empezará el primer fin de semana de junio con un clásico, el Primavera sound de Barcelona. Llevan quince años en este negocio y parecen invencibles. Al ser los más madrugadores, probablemente no sufran directamente las consecuencias de la guerra, y su apertura de miras les permitirá pescar en caladeros aparentemente ajenos. Recordad que por el Primavera han pasado Napalm death, Venom o Nine inch nails. De la misma manera, otro que salvará los muebles en condiciones normales, por sus fechas alejadas del tiroteo, es el Leyendas del Rock, que camina hacia su duodécima edición aislado, a mediados de agosto en Villena (Alicante), y siempre con un cartel que no busca el crecimiento ansioso, sino el sentido y la racionalidad.

A partir de ahí, empieza la carnicería. Está siendo de tal magnitud que, a estas alturas, generalmente todos los grandes del verano ya habrían perfilado sus grandes nombres, pero este año la espera se puede hacer larga porque, intuyo, están todos echando las redes en el mismo caladero. El fin de semana del 15 al 17 de junio coinciden dos colosos del festivaleo europeo como son el francés Hellfest (Clisson) y el Graspop Metal Meeting (Desel, Bélgica). Ambos suelen ofrecer mezclas amplísimas en sus carteles y, quizás junto al Download inglés y el Sweden Rock sueco, sean lo mejor en cuanto a cartel que hoy por hoy se ofrece en el mundo (los europeos vamos muy por delante en cuanto a organización de festivales). Estos dos sólo tienen una coincidencia en Catalunya, pero de otro estilo, el Sónar al que, sin embargo, me consta que algunos metaleros son arrastrados de vez en cuando por sus parejas.

Apenas una semana después llega el turno para otro veterano, el Azkena Rock de Vitoria-Gasteiz que, si bien está orientado a las versiones más clásicas del Rock, nunca ha hecho ascos a la variedad, y ha combinado entre sus fichajes a Kiss con The Who, a Bob Dylan con Ozzy y muchísimo más. Es un festival con una parroquia fiel que, sin embargo, esta vez se verá tentada por un debutante, todo un gigante que aterriza en Madrid con un aparataje sostenido por su nombre, el Download inglés. En su afán por internacionalizarse (recordad la experiencia del desaparecido Sonisphere) el año pasado fueron a Francia y ahora a España con el reclamo, en primer lugar, de unos System of a Down que podrían perfectamente encajar en otro festival cualquiera.

Una semana después, llega otro consolidado, el Rock Fest de Barcelona, que coincidirá con uno especializado, más pequeño, pero muy interesante, el Be prog! que deberá hacer un esfuerzo titánico por resistir. Marillion y Jethro Tull podrían darles el salvoconducto pero es que hay un detalle aún más dramático: son ambos en la misma ciudad! El Rock Fest acaba de confirmar a Aerosmith, que podrían actual igualmente en el Azkena, en el Resu, en el Mad cool o en el BBK Live.

Y sin tiempo para regresar a casa y lavar la ropa, si es que alguien se está haciendo la gira de festivales, en menos de siete días tocan otras tres citas a las que sólo puede acudir Dios por eso del don de la ubicuidad: Resurrection Fest en Viveiro (Lugo), el Bilbao BBK Live de Bilbao y otro que sube de división, el Mad Cool Festival de Madrid. El Resu dice estar a punto de presentar las primeras bandas de su cartel, el BBK Live, que también ha acogido grupos de muy diverso pelaje y que, de momento, ataca con Depeche mode. ¿Y el Mad cool de qué va? Pues de momento tiene a dos gigantes que podrían estar, igualmente, en cualquiera de los dos anteriores: Foo fighters y Green day.

Sobreoferta, públicos fronterizos, minifundismo mental entre algunos organizadores y, en algunos casos, precios abultados. Conclusión con una pregunta: ¿En qué demonios están pensando?

En Estados Unidos ha sido frecuente que los músicos, al igual que artistas de cualquier expresión creativa, se hayan pronunciado en público sobre sus filias y fobias políticas, especialmente dentro del Rock. A principios del decenio de 1990 se conformó incluso una organización llamada Rock the vote para tratar de concienciar a los fans más jóvenes de la importancia de participar en la políca. Es conocida la actividad de estrellas como Jon Bon Jovi, Bruce Springsteen, Madonna, Ted Nugent o Neil Young en casi todas las campañas electorales, pero el Rock y el Metal no son sino expresiones que surgen de la sociedad y, como tales, tienen diversidad ideológica aunque haya una línea preponderante. El Rock es mayoritariamente demócrata en Estados Unidos.

Antes de convertirse en un republicano convencido, Dave Mustaine participó con una de sus formaciones más exitosas en una campaña de Rock the vote: si no votas ni se te oye ni se te escucha. Hazte oír

Sin embargo, el cambio derivado de la crisis económica ha acabado desgastando los esquemas tradicionales. El auge de Donald Trump, arrastrando a la división al Partido Republicano, y la batalla que Bernie Sanders dio frente a Hillary Clinton dentro del Partido Demócrata, han sido las llamas que han contribuido a carbonizar la tradicional división izquierda-derecha que existía en la sociedad y, por lo tanto, entre los propios músicos que, a lo largo de los años, iban sucediendo sus apoyos en función de su posicionamiento ideológico. Es más, esta vez muchos de los que antes no tenían problemas en exhibir sus deseos electorales, ahora prefieren callar. Parece que la mayoría de 'metalheads' no quieren ni a uno ni a otro, y quienes van a votar por Clinton lo harán sin ninguna convicción. Sólo por evitar el mal mayor, que sería Trump.

Es sabido que entre los republicanos hay algunos rockeros que siempre muestran fidelidad. El caso más claro es Ted Nugent. Hace años que el tío Ted confundió la línea que separa el activismo político de la música. A él le da igual quién se presente contra los demócratas: siempre le votará. Le es indiferente que sea Bush, McCain o Romney. Él siempre está allí. Esta vez también votará republicano.

Otros que son convencidos de Donald Trump son el guitarrista de Five finger death punch, Zoltan Bathory, Kid Rock, Jonathan Davis de Korn, el guitarrista de Queensryche Michael Wilton o el ex cantante de Judas priest y otras decenas de proyectos, Tim 'Ripper' Owens. Podemos intuir que no muy lejos estará otro republicano entregado: Blackie Lawless de WASP; e incluso el inefable Gene Simmons, aunque esta vez el alma máter de Kiss ha seguido el consejo de su compañero Paul Stanley y ha evitado hacer campaña abiertamente. Eso sí, a buen entendedor, pocas palabras bastan: “Es un animal político. Además, no quiere tu dinero. Él se paga su propia campaña y dice cosas que decenas de millones de personas piensan pero no se atreven a decir en alto por la presión de la corrección política”.

En el otro lado de la balanza, a Hillary Clinton le han llegado muchos más apoyos declarados de músicos metaleros. Podemos poner algunos ejemplos como Randy Blythe (Lamb of God), Gary Holt (Exodus, Slayer), Kerry King (Slayer), Sharon Osbourne –de manera que podemos intuir qué votará Ozzy-, Eric Petersen de Testament, Henry Rollins, Wes Borland o Jon Bon Jovi. Como decía antes, a Hillary le han llegado otros votantes que en un principio estaban con su oponente demócrata Berni Sanders. Es el caso de Mark Barney Greenway de Napalm Death, todos los componentes de Anthrax o Corey Taylor de Slipknot. De hecho, Taylor ha llegado a declarar que, si gana Trump, se marcha a vivir a Canadá o a Australia, al igual que Dino Cazares de Fear factory. También Lars Ulrich de Metallica baraja volver a Dinamarca en caso de que gane el rubio republicano.

Sin embargo, el grupo más nutrido se músicos se encuentra entre quienes no saben a quién otorgarle el voto o los que, directamente, no votarán. El “no sabe no contesta” incluye a quienes consideran que Donald Trump es un candidato extravagante, incluso peligroso, pero a la vez no comparten nada con Clinton, incluyendo un currículum en el que ven demasiadas zonas oscuras e incluso casos de corrupción evidentes. Marilyn Manson es uno de los que no piensa votar, al igual que Dave Draiman (Disturbed), Al Jourgensen (Ministry), Chris Adler (Megadeth, Lamb of God), Lzzy Hale (Halestorm), Burton C. Bell de Fear factory o Lou Koller de Sick of it all, una banda muy comprometida políticamente que ha expresado así la visión de muchos metalheads: “Trump está ahí para que nos parezca que Hillary es buena”.

En actitudes mucho más templadas, o incluso jugando a la confusión de sus seguidores, se encuentran Alice Cooper, el propio Dave Mustaine (que ha elaborado una línea de productos de merchandising de Megadeth jugando con el lema de Trump, 'Make America great again') o el cantante Sammy Hagar, quien se ha limitado a declarar que América necesita un “cambio profundo” y si a ese cambio contribuye que Trump diga las cosas que dice, “¡Bien hecho!”.

El tensionamiento político en el que se han visto implicados muchos sectores de la sociedad estadounidense con estas elecciones ha salpicado a varios artistas, que se han encontrado con situaciones incómodas sin haberlas buscado. Esto ha sucedido sobre todo con la candidatura de Trump, que ha usado sin permiso varias canciones de bandas célebres como Queen o Twisted sister llevando a la confusión a sus fans. Dee Snider tuvo que solicitarle que dejara de poner en sus mítines “We’re not gonna take it”, aunque ambos son amigos, y en cada entrevista se le pregunta por si apoya las propuestas de Trump. Sin mojarse del todo –reconoce que en Twisted sister hay algún miembro que le votará-, sí ha señalado que las propuestas que tiene en cuanto a inmigración no son las más adecuadas.

También Aerosmith exigieron a Trump que dejara de usar “Dream on” en sus actos públicos, aunque Steven Tyler y Joe Perry son militantes históricos del Partido Republicano. Recientemente tuvieron un encuentro con Barack Obama que molestó mucho al batería del grupo, Joey Kramer. Def Leppard se encontraron, por su parte, con una sorpresa en agosto: alguien había invitado a Trump a presentar su concierto del pasado mes de agosto en Des Moines (Iowa) junto a Tesla. Vivian Campbell sacó un comunicado contundente: “no queremos saber nada de ese payaso. No hacemos política”.

Quizás nunca como esta vez en la historia reciente de los Estados Unidos ha habido tanta electricidad política. Una polarización que ha movido las posiciones tradicionales entre los artistas que solían pronunciarse abiertamente sobre política y sus preferencias de voto. No es de extrañar: el momento es excepcional. No obstante, la reflexión más sensata es la que hizo James Hetfield hace unas semanas, en el sentido de que Metallica quiere mantenerse al margen de partidos políticos y religiones, ya que esos mensajes sólo dividen a la gente, mientras que la música, también el Heavy Metal, lo que debe hacer es unir a las personas.