En lo que dura el trayecto en guagua desde la turística localidad de Puerto Rico hasta Las Palmas de Gran Canaria, Meryem habla consigo misma, frustrada por tener que pagar tanto tiempo y dinero por un billete de ida y otro de vuelta para hacer una entrevista para un trabajo en prácticas que no quiere, que no tiene nada que ver con lo que estudió y donde odiará a casi todos.

A partir de ese momento, su voz interior comienza a mutar y acaba por convertirse en un monólogo lleno de bromas ácidas y críticas al mercado laboral, el modelo económico y el día a día en las Islas Canarias, uno donde emerge “Supersaurio”, el supermercado que dará a la protagonista la oportunidad laboral de convertirse en todo aquello que detesta.

El Teatro Leal de La Laguna acogió el pasado viernes la obra que da vida a la historia creada por la escritora canaria Meryem El Mehdati (1991), quien escapa de las limitaciones de su propia experiencia y recopila las preocupaciones de sus amigos en la eterna lucha por buscar un futuro en el archipiélago a pesar de haber nacido en una de sus zonas más turísticas.

Durante esta aventura corporativa, que cobra vida gracias a la actuación de la cómica y actriz Delia Santana, la protagonista se ve envuelta en un escenario sencillo, rodeada de estanterías, cajas registradoras y productos de supermercado, donde existe una clara diferencia entre los que trabajan cara al público, casi todos canarios y precarios, y los que lo hacen en la oficina en la planta superior, casi todos peninsulares.

Y es ahí donde comienzan los problemas, con una compañera que le hace la vida imposible y a la que sueña con poder “plantarle la mosca”, mientras se ve arrastrada a salir a tomarse algo con sus compañeros en el “after work”, a pesar de que no bebe ni fuma ni quiere estar ahí porque la última guagua hasta Puerto Rico sale a las nueve de la noche.

Durante los meses que duran las prácticas, Meryem aprende que sus compañeros ya se han comprado varias casas y planean grandes vacaciones, mientras celebran que el recorte de plantilla que hará la empresa no les afecta a ellos, pero sí a los últimos de la cadena de mando, los mismos a los que les duelen las muñecas y las articulaciones después de cada jornada.

Poco a poco la rabia se va apoderando de ella, mientras describe cómo todos son incapaces de aprenderse su nombre o de entender por qué vive tan lejos, cuando podría alquilarse una casa en la capital para la que no gana suficiente dinero.

Una realidad que comienza a cambiar cuando conoce a otro empleado mayor que ella en las oficinas de Supersaurio, del que acaba por enamorarse y con el que comparte sus confidencias, hasta que un día llega su peor pesadilla: la oportunidad de ser contratada y convertirse en una trabajadora más del engranaje que durante meses juró destruir.

Entre debates internos y números musicales, Meryem choca de frente con sus contradicciones y acaba por aceptar el puesto cuando escucha el salario anual que recibirá, uno que le permitirá alquilar un apartamento en Las Palmas y restregarle a su tutora de las prácticas en la empresa su éxito.

Sin embargo, el precio a pagar cada vez es más alto cuando el compañero por el que siente algo abandona su puesto y cambia de trabajo, los días se van solapando entre sí y ya solo tiene tiempo para trabajar, cenar, limpiar y volver a trabajar.

Finalmente, la protagonista ve cómo “el sistema ha ganado”, cómo ella misma ha cambiado y su frustración se torna en “disciplina burguesa”, la que le permite después de tres años en el supermercado inventarse que tiene un catarro para no ir a la cena de empresa y elegir a la que será su becaria en los próximos meses, una chica más joven que ella a la que sabe que no le cae bien desde que la mira por primera vez. 

Catalina Pereda y Andrius Blaževičius han recibido las estatuillas del 25.º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. La productora del filme que recibió la Lady de Oro, dirigida por su hermano, Nicolás Pereda, y que asistió acompañada de la madre de ambos y fuente de inspiración del título, Marcela Rodríguez, y el director del reconocimiento de Plata aún se encontraban en la Isla y han compartido su emoción y agradecimiento con los presentes en la lectura del Palmarés de la Sección Oficial celebrado en la mañana del sábado 2 de mayo en el Auditorio Alfredo Kraus.

La cita ha transcurrido entre cineastas, jurados, equipo del Festival y medios de comunicación, ágil y emocionante, fue el marco en el que los jurados desvelaron premios y expusieron argumentos. Así, los responsables de valorar los largometrajes a concurso, explicaron que han otorgado la Lady Harimaguada de Oro a la coproducción entre México, Alemania y Canadá Lo demás es ruido | Everything Else Is Noise (2026, 71 min.) de Nicolás Pereda.

Entre los diez largometrajes que competían en la Sección Oficial, el jurado de este apartado se ha posicionado en favor de esta producción por tratarse “de una propuesta cinematográfica muy creativa que entrelaza las relaciones humanas, principalmente entre géneros y generaciones, con cuestiones artísticas y recursos cinematográficos. El uso de la luz, del encuadre y del sonido crea una composición humorística pero conmovedora protagonizada por actrices destacadas, entre ellas Teresita Sánchez”. 

El segundo premio de esta 25.ª edición, la Lady Harimaguada de Plata, concedido a la película How to Divorce During the War | Skyrybos karo metu del cineasta Andrius Blaževičius (Lituania, República Checa, Luxemburgo, Irlanda, 2026, 108 min.), que acudió acompañado de la protagonista, su mujer, la actriz Žygimantė Elena Jakštaitė, escucharon sorprendidos la exposición de un jurado que ha destacado que el guionista y director “refleja la agonía y el impacto de un conflicto externo con las consecuencias descontroladas de decisiones personales y profesionales”.

El palmarés de la edición, además, reconoció a la actriz Danielle Brooks, intérprete de If I Go Will They Miss Me de Walter Thompson-Hernandez (Estados Unidos, 2026, 92 min.) con el Premio a la Mejor Interpretación, por “ofrecer una interpretación fascinante como esposa y madre, gracias a la intensidad de su presencia sin exagerar los sentimientos de su personaje”. Y, por “convencer con una autenticidad excepcional del trauma de la violación, el dolor, la presión de grupo y el coraje de una mujer de 17 años para alzar la voz en un entorno social dominado por el miedo y el silencio”, el jurado de la Sección Oficial concedió una mención especial a Eva Kostic, actriz del largometraje 17 (Macedonia del Norte, Serbia, Eslovenia, 2026, 105 min.).

La producción 17, el debut cinematográfico de la directora y guionista de Macedonia del Norte Kosara Mitić, también se ha alzado con el Premio del Público de este 25FICLPGC. Para el jurado popular, la obra ganadora “nos acerca, con enorme sensibilidad y honestidad, a las heridas invisibles, a los vínculos que nacen en los momentos más difíciles y a la fuerza que aparece incluso en medio del dolor. Algunas de sus escenas han resultado especialmente impactantes por su crudeza humana, removiéndonos y obligándonos a mirar de frente realidades difíciles, pero necesarias de contar”.

Premio al Mejor Cortometraje

En la categoría de cortometrajes, el premio ha recaído en el trabajo de Jay Rosenblatt y Stephanie Rapp Heartbeat (Estados Unidos, 2025, 31 min.). Cristina Haneș, Sandra Leege y Loes van Keulen, jueces de la sección, han resaltado que “esta película nos cautivó con su claridad emocional e intimidad incondicional, sin ser intrusiva. En esta exploración sensible y compartida de los momentos más difíciles que una pareja puede enfrentar junta, desafiando la relación y sacudiéndola hasta sus cimientos, nos acercamos lo más posible a lo que realmente significa la paternidad tardía. La distancia no solo es el medio para conectar con la película, sino que es un poderoso gesto de pasar las páginas de un diario del pasado, ofreciendo encontrar la verdad cinematográfica y la sanación”.

Igualmente, los encargados de fallar el premio han hecho una mención especial a la pieza corta Honey, My Love, So Sweet (Filipinas, 2025, 20 min.) de JT Trinidad por abordar “una sincera exploración de una de las grandes preguntas de la vida. Narrada desde la perspectiva de un joven a punto de descubrir por primera vez sentimientos abrumadores, la experiencia es universal y perdura a través de las generaciones. Ambientada entre las desgastadas paredes de un cine del centro de Manila, la magistral cinematografía revela tanto los preciosos detalles táctiles como la impresionante visión general. Aquí, buscamos respuestas en el brillo del proyector, en nuestros reflejos en la pantalla y en el espacio compartido del cine”.

Premio Panorama España

El Jurado Joven encargado de valorar los trabajos presentados en esta sección, premió a Las líneas discontinuas (España, 2025, 90 min.) de la cineasta Anxos Fazáns, “por narrar con su silencio, por tratar la visibilidad desde la ternura y por su exquisito uso de la música”.   

Tal y como se anunció el pasado miércoles, el palmarés contempló, además, una mención especial al documental Sucia (España, 2026, 82 min.) de Bàrbara Mestanza y Marc Pujolar. Destacaron este largometraje “por la importancia de su mensaje. Por su honestidad radical y compromiso”.

Premios Canarias Cinema

El jurado del apartado más local de la cita cinematográfica internacional en la ciudad, «Canarias Cinema», compuesto por Pilar Martínez-Vasseur y Ana Lombardía otorgó el Premio Richard Leacock al Mejor Largometraje a la película La lucha, (España, Colombia, 2025, 92 min.). Para el jurado, esta obra del cineasta José Alayón “nos introduce en la travesía de un duelo mediante una historia familiar y la metáfora de la lucha canaria”. 

Asimismo, pone en valor “el trabajo artístico en su conjunto: un guion riguroso en el trabajo de investigación, bien estructurado y rico en sutilezas; una dirección virtuosa de actores no profesionales y una puesta en escena de una gran fuerza visual de principio a fin; una dirección de fotografía que conjuga con maestría el retrato de la geografía del territorio y el espacio más íntimo de los personajes; la atención a pequeños grandes detalles en la dirección de arte, el montaje...”. En su conjunto, “se siente un gran trabajo de equipo a favor de una obra solvente a todos los niveles que transmite una gran verdad”, concluye la argumentación del fallo. 

«Canarias Cinema» fue el primer apartado en conocer sus premios el pasado lunes y concedió el Premio Richard Leacock al Mejor Cortometraje que llevaba por título Somos islas, (España, 2025, 6 min.), un trabajo que firma Marta Torrecilla. De dicho corto, el jurado ha valorado “el cuestionamiento de la identidad que trasciende lo puramente individual para explorar la influencia del territorio en la construcción personal”. Igualmente, resalta “la articulación narrativa a partir de archivos personales, imágenes rodadas ad hoc de cierta audacia formal y no exentas de humor y una voz en off muy bien hilada y sutil para servir de guía al espectador”.

Entre todos los títulos seleccionados en el apartado canario, un jurado compuesto por Aida Ballmann, Nuria Landete y María Miró, asociadas de CIMA, Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, decidió conceder el premio a la montadora del largometraje La lucha, Emma Tusell, por “el montaje orgánico y con ritmo que mantiene la concentración, con un tempo en el que cada plano forma parte del pulso de la historia. Con ello logra bucear en el mundo emocional de los protagonistas y su relación paternofilial, convirtiendo la lucha en un abrazo”.

Igualmente, el jurado CIMA quiso hacer una mención especial a Marta Torrecilla por su cortometraje Somos islas por lograr “con una narrativa sencilla pero muy efectiva, reivindicar la identidad única de cada mujer, haciendo una analogía con la autenticidad de cada una de las islas del Archipiélago”.

Y el jurado del Premio de Distribución Digital 104, compuesto por Jonay García, Domingo J. González y Nayra Rodríguez, otorgó también el premio al cortometraje presentado por Marta Torrecilla, Somos islas “por su exploración de la identidad a través de dos personas a las que el mundo percibe como iguales y su diálogo con la condición insular canaria”.

PALMARÉS

SECCIÓN OFICIAL

Lady Harimaguada de Oro

Lo demás es ruido (Nicolás Pereda, México, Alemania, Canadá, 2026, 71 min.)

Lady Harimaguada de Plata

How to Divorce During the War (Andrius Blaževičius, Lituania, República Checa, 2026, 108 min.)

Premio a la Mejor Interpretación

Danielle Brooks por su interpretación en If I Go Will They Miss Me (Walter Thompson-Hernandez, Estados Unidos, 2026, 92 min.)

Mención Especial del Jurado

Eva Kostic, actriz del largometraje 17 (Kosara Mitić, Macedonia del Norte, Serbia, Eslovenia, 2026, 105 min.).

Premio al Mejor Cortometraje

Heartbeat (Jay Rosenblatt & Stephanie Rapp, EE. UU., 2025, 31 min.)

Mención Especial Cortometraje

Honey, My Love, So Sweet (JT Trinidad, Filipinas, 2025, 20 min.)

Premio del Público

17 (Kosara Mitić, Macedonia del Norte, Serbia, Eslovenia, 2026, 105 min.)

PANORAMA ESPAÑA

Premio Panorama España

Las líneas discontinuas (Anxos Fazáns, España, 2025, 90 min.)

Mención Especial del Jurado

Sucia (Bàrbara Mestanza & Marc Pujolar, España, 2026, 82 min.)

CANARIAS CINEMA

Premio Richard Leacock al Mejor Largometraje

La lucha (José Alayón, España, Colombia, 2025, 92 min.)

Premio Richard Leacock al Mejor Cortometraje

Somos islas (Marta Torrecilla, España, 2025, 6 min.)

Premio de Distribución Digital 104

Somos islas (Marta Torrecilla, España, 2025, 6 min.)

CIMA

Premio CIMA

Emma Tusell, montadora del largometraje La lucha.

Mención Especial

Marta Torrecilla, por Somos islas.

El Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria propone un «Domingo cinéfilo» para cerrar su vigésima quinta edición. La última jornada de la cita cinematográfica en la ciudad recupera para su último día de proyecciones en Cine Yelmo Las Arenas los títulos ganadores del 25 aniversario y joyas que han formado parte del programa.

Alianzas y colaboraciones

El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, organizado por el área de Cultura del Ayuntamiento de la capital grancanaria, a través de Promoción de la Ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, cuenta con la ayuda pública del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), el apoyo del programa para la internacionalización de la cultura española, PICE Visitantes, de Acción Cultural Española (AC/E) y del patrocinio público de Promotur Turismo Islas Canarias.

Entre los aliados destacados del certamen se encuentran Fundación Auditorio y Teatro, Cine Yelmo, Centro Comercial Las Arenas y Hotel Cristina by Tigotan, espacios que también funcionan como sedes o acogen actividades de la cita. A ellos se suman otras entidades como Audiovisuales Canarias, Sagulpa, Toyota, Royal Bliss, Fuze Tea, Coca-Cola, Guaguas Municipales, Global, Fleet, Freak World, Music Library & SFX y Blackout Films.

Por su parte, el mercado del festival, MECAS, es posible gracias al patrocinio de la Gran Canaria Film Commission–Sociedad de Promoción Económica de Gran Canaria, la colaboración del Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC) y el apoyo de Proexca.

La Fundación Japón, The Yanai Initiative, la Film Heritage Foundation, la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, la Universidad del Atlántico Medio, IES La Guancha, CIFP Felo Monzón, el Instituto del Cine de Canarias, CIFP Las Indias, el Clúster Audiovisual de Canarias, Digital 104, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), Brasil CineMundi, los laboratorios Tres Puertos y Terra Lab de Novos Cinema, son entidades colaboradoras.

La psicóloga Maite Fernández Valderas mantendrá este sábado un diálogo con el también psicólogo Leocadio Martín Borges en torno al libro Psicóloga en campaña, publicado por Canarias3puntocero Ediciones. Esta actividad entre esos profesionales de la mente humana (ambos también son escritores), ella desde la perspectiva de la empresa y la política, y él, desde la resiliencia y la capacidad de reinventarse, se ha convocado como parte del programa de la Feria del Libro de Santa Cruz de Tenerife. La cita será a las 13.00, este sábado, 2 de mayo, en el Espacio Cultural Alfonso García Ramos, en la misma glorieta Patricio Estévanez del parque García Sanabria (fuente de los cisnes).

El libro de Maite Fernández Valderas Psicóloga en campaña, distribuido en toda España por Azeta, se ha convertido en uno de los títulos canarios más vendidos en los últimos meses. Con un escenario tan movido políticamente en la actualidad en España y ante las elecciones de mayo de 2027, el ensayo está llamado a funcionar como manual de cabecera para todas aquellas personas que ejercen la política y las que conforman sus equipos de apoyo en los partidos políticos y las instituciones públicas; también, para los medios de comunicación y para la ciudadanía que desee distinguir con mayor precisión a un líder honesto y preparado de otro que sea más un producto prefabricado.

Premiada en Washington con el Napolitan Victory Awards al Mejor Blog Político del año 2024, Maite Fernández Valderas es psicóloga y especialista en Psicología de Empresa y de las Organizaciones. Titulada como coaching profesional, Fernández Valderas fundó la firma ETIK, el laboratorio donde acuñó el programa Creando líderes políticos y con el que facilita a los candidatos y cargos electos las herramientas, los estilos de dirección, las técnicas de comunicación y la gestión de equipos, a lo que se une la faceta relacionada con el desarrollo de estrategias motivacionales para las organizaciones y las escuelas de negocios. De esta manera, Maite Fernández Valderas crea una relación de confianza y profesional que permite a los políticos discutir de forma abierta sobre sus preocupaciones.

Festival Mar Abierto ha presentado este miércoles la programación de su 20ª edición, que contará con 20 conciertos en Gran Canaria, Fuerteventura y Tenerife, protagonizados por 11 artistas nacionales e internacionales. La organización prevé superar los 25.000 asistentes, consolidando así el posicionamiento del festival dentro del calendario cultural de Canarias.

La programación reunirá a nombres destacados de la escena nacional e internacional como Luz Casal, Marta Sánchez, Pablo López, Víctor Manuel, Bebe, José Mercé, Ainhoa Arteta, Pasión Vega, Silvia Pérez Cruz, Sole Giménez y This is Michael, configurando una edición diversa que combina grandes voces, propuestas consolidadas y espectáculos pensados para todos los públicos.

La respuesta positiva del público tiene además una traducción directa en el impacto económico sobre el entorno, ya que Festival Mar Abierto podría movilizar en 2026 cerca de 3,45 millones de euros en gasto, generar un impacto económico estimado de 3,29 millones de euros en la economía canaria y sostener o crear alrededor de 45 empleos equivalentes a jornada completa, según sus organizadores. 

Además, este año el festival contará con la segunda edición del concurso Talento en Mar Abierto, una iniciativa con la que el proyecto vuelve a abrir espacio a la música emergente del archipiélago. A través de esta propuesta, bandas y artistas canarios tendrán la oportunidad de integrarse en la programación del festival, ganar visibilidad ante nuevos públicos y formar parte de una cita cultural consolidada en las islas.

Con esta nueva edición, Festival Mar Abierto celebra dos décadas de trayectoria reafirmando su compromiso con la cultura, la música en directo, la descentralización de la programación y la generación de actividad cultural y económica en Canarias.

El consejero de Presidencia y Movilidad Sostenible del Cabildo de Gran Canaria, Teodoro Sosa, afirmó que “el Festival Mar Abierto, que este año celebra su 20º aniversario, no solo es una cita imprescindible en la agenda cultural de Canarias, sino que se ha consolidado como uno de los proyectos culturales más destacados del archipiélago”. Asimismo, subrayó que “desde el Cabildo seguiremos apoyando iniciativas como esta, que enriquecen la vida cultural, generan actividad y apuestan también por el talento emergente en nuestras islas”.

Por su lado, el director de Relaciones Institucionales de Turismo de Islas Canarias, Javier Prieto, explicó que “llevamos años apostando de forma decidida por la cultura, que constituye un valor clave para diversificar y enriquecer nuestro destino”. Prieto recordó que los actos de carácter cultural ocupan el primer puesto en los patrocinios, con casi 33 millones de euros destinados a 496 eventos. En el caso del Festival Mar Abierto, con el que Turismo de Islas Canarias ha colaborado en todas las convocatorias de patrocinios, “se trata de un ciclo de conciertos que cuenta con artistas de primer nivel, lo que no solo eleva la calidad de la experiencia para quienes nos visitan y para la ciudadanía, sino que también genera un importante impacto económico en las islas, por encima de los tres millones de euros en su última edición”.

El concejal de Cultura del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, Josué Íñiguez destacó la importancia de que un festival con 20 años de trayectoria mantenga una vinculación tan estrecha con la ciudad. “Mar Abierto forma parte ya de la vida cultural de Las Palmas de Gran Canaria. Quienes llenan los teatros son los vecinos y vecinas de la ciudad, y eso demuestra que estamos ante un proyecto consolidado, con arraigo en la ciudadanía y con una capacidad real de dinamizar la actividad cultural”, señaló.

Asimismo, subrayó que el festival “ha sabido construir un proyecto sólido, ambicioso y de largo recorrido, con una programación diversa y de calidad”, poniendo en valor “la destacada participación femenina, que se ha convertido ya en una seña de identidad dentro de Festival Mar Abierto”.

El director de la promotora, Jairo Núñez, explicó que “Festival Mar Abierto es un proyecto que ha ido creciendo y evolucionando, pero que siempre se ha mantenido en la línea de la calidad y de aportar un valor real al territorio”. En este sentido, añadió que “la cultura tiene la capacidad de generar actividad, empleo, movimiento económico y retorno en el entorno en el que se desarrolla. Un festival como este tiene un efecto directo no solo en la actividad artística, sino también en equipos técnicos, producción, logística, comunicación, transporte, hostelería y muchos otros sectores”.

Calendario de conciertos de Festival Mar Abierto 2026 

Bebe

José Mercé 

Ainhoa Arteta 

Luz Casal 

Sílvia Pérez Cruz 

Pasión Vega

This is Michael

Pablo López

Víctor Manuel

Sole Giménez 

Marta Sánchez 

Los conciertos de Festival Mar Abierto cuentan con el apoyo del Gobierno de Canarias, Turismo Islas Canarias y su marca Islas Canarias - Latitud de Vida, Instituto Canario de Desarrollo Cultural, Cabildo de Gran Canaria - La Isla de Mi Vida, Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria a través de la Concejalía de Cultura y de Promoción Las Palmas, Ayuntamiento de La Laguna a través del Organismo Autónomo de Actividades Musicales y Cultura y el Cabildo de Fuerteventura.

El presidente del Cabildo, Antonio Morales, presentó esta mañana el documental Por qué no escribo nada, dirigido, escrito y producido por Isabel Fernández, que se adentra en la figura de Carmen Laforet para ofrecer una nueva mirada sobre una de las voces más singulares de la literatura española. En la rueda de prensa participaron también Isabel Fernández, directora y guionista del documental; Mónica López, actriz grancanaria que pone la voz y la imagen de Carmen Laforet, y Silvia Sánchez Horna, productora ejecutiva.

La película, una coproducción de Al Pati Produccions (Barcelona) e Imaco 89 (Gran Canaria), participa en la Sección Canarias Cinema del Festival de Cine Internacional de Las Palmas de Gran Canaria, tras su paso por la sección oficial del BCN Film Festival. Su estreno en cines está previsto para el mes de noviembre.

Con solo 23 años, Carmen Laforet escribe Nada, una novela que la convirtió en un fenómeno literario. Sin embargo, frente a la imagen de escritora frágil y vencida por el éxito, Por qué no escribo nada, propone una lectura distinta: la de una creadora original, rebelde y profundamente comprometida con su independencia, que pagó con el ostracismo su decisión de salirse del guion.

Por qué no escribo nada sumerge por primera vez al espectador en la vida y la mente de Carmen Laforet, desde su punto de vista. Utilizando correspondencia privada, y algunos textos inéditos de la autora, el guion reconstruye el fulgurante éxito de la joven autora, su conflicto con la prensa, y la creación de su espacio privado para la escritura, en el que juega un papel fundamental la evocación del paisaje y la atmósfera de la isla de Gran Canaria, donde Carmen vivió y se formó desde los 2 a los 18 años.

El escritor grancanario Ricardo Lezcano y su amiga y escritora María Dolores de la Fe son los principales receptores de sus cartas, en las que Carmen narra, en primera persona, sus recuerdos en la Isla, su vida y sus nuevas experiencias en Barcelona. Esta es la primera vez que una biografía sobre la autora reivindica el peso fundamental de su universo canario.

El rodaje se realizó en varias localizaciones de Gran Canaria: Maspalomas, Sardina del Norte, Agaete, El Atlante, Caldera de Bandama, Roque Nublo y Roque Bentayga, además de otras escenas grabadas en Barcelona y el Montseny, además del material de archivo cedido por la Filmoteca Canaria de cineastas como Martín Moreno, Rafael Gil y Roberto González.

El documental ha contado con un equipo técnico y artístico formado por profesionales canarias, como Silvia Sánchez, como productora ejecutiva; Belén Álvarez (Lajalada), en la composición musical, y Zhana Yordanova, como directora de Fotografía.

Por qué no escribo nada, de 103 minutos de duración, cuenta con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Gobierno de Canarias, y el Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC), además de la Televisión Pública Canaria, la televisión pública catalana 3CAT, la Filmoteca de Catalunya, la Filmoteca Canaria y el Patrocinio del Cabildo de Gran Canaria.

Mónica López da vida a Carmen Laforet

Tomando como punto de partida textos de la propia autora -incluidos algunos inéditos-, así como correspondencia privada, artículos y libros, la película reconstruye de forma libre e íntima el universo de Laforet y su lucha por la libertad. La actriz grancanaria, Mónica López (Rapa), presta su voz y encarna a Carmen Laforet, aportando cuerpo y presencia a la figura de la escritora. Nominada al Goya y a los Premios Feroz, la actriz se convierte aquí en el vehículo de una voz que el filme busca devolver al presente.

La película subraya además la dimensión contemporánea de Carmen Laforet. Más allá del mito de la autora de una sola obra, el documental la presenta como un alma libre, ajena a las imposiciones del escrutinio mediático, la presión editorial y los modelos impuestos sobre cómo debía comportarse una joven escritora. En ese gesto de restitución, el documental no solo recupera a Laforet: también dialoga con todas aquellas mujeres que han sido juzgadas por apartarse del camino esperado.

Las cartas inéditas de Carmen Laforet a su amiga de Las Palmas de Gran Canaria, la escritora María Dolores de la Fe, y a Ricardo Lezcano, juegan un papel fundamental en la construcción de la película, así como la evocación del paisaje y la atmósfera de la isla en los que se formó Laforet. Es la primera vez que una biografía, sobre esta escritora fundamental del siglo XX, reivindica el peso de su universo canario en su personalidad y su obra.

En esta aproximación coral a su figura participan también las escritoras: Najat El Hachmi (ganadora del Premio Nadal 2021 por su novela El lunes nos querrán), Laura Freixas (fundadora en 2009 de la Asociación Clásicas y Modernas para la igualdad de género en la cultura), Karmele Jaio (ganadora del Premio Euskadi de Literatura en Vasco 2020 por su novela Aitaren Etxea), Ana Merino (ganadora del Premio Nadal 2020 con El mapa de los afectos), Elsa López (ha sido presidenta de la Sección de Literatura del Ateneo de Madrid, y directora de la Fundación Antonio Gala), Blanca Ripoll (compiló y editó los artículos de Carmen Laforet publicados en la revista Destino entre 1948 y 1953, bajo el título Puntos de vista de una mujer) y María Zaragoza (ganadora del Premio Azorín 2022 con su novela La biblioteca de fuego, y del Premio Psyco-Tau 2022 por Amores que matan), cuyas voces enriquecen el retrato de una autora esencial y ayudan a situar su legado en el presente.

La Biblioteca Insular presenta el día 29 de abril el poemario Retrogradaciones, escrito por la periodista Lara López (1967). El libro publicado por la editorial La Nube de Piedra plantea una exploración poética de la experiencia vital alrededor del amor, la pérdida, la memoria y la identidad, no como relato lineal, sino como un conjunto fragmentario de impresiones que, en conjunto, dejan ver una biografía. La presentación, que tendrá lugar a las 19.00 horas, correrá a cargo de la periodista de Canarias Ahora Gara Santana.

Lara López, que compagina la creación literaria con la dirección y presentación de Músicas Posibles en RNE Audio y Derivas en Radio Clásica, ha publicado más de una decena de libros de poesía, narrativa y ensayo, entre los que figuran Óxido, Insectos, Derivas y Antología de bolsillo.

Como señala el escritor y ensayista Serafín Portillo en el prólogo del nuevo poemario, el estilo de López es fragmentario y elusivo, generando una sensación de desorden que, al mismo tiempo, invita al lector a participar activamente en la lectura, a completar esos espacios vacíos con su propia interpretación. A menudo sus poemas giran en torno a temas de deseo, frustración, desencuentros, con una estructura que remite a ciclos que nunca llegan a culminar, como los movimientos de los astros.

La trayectoria profesional de Lara López ha estado estrechamente ligada a RTVE desde 1987, donde ha dirigido y presentado programas musicales, culturales e informativos en todas sus cadenas, en radio y televisión.

La clave simbólica del poemario, según el prologuista Serafín Portillo, es la astronomía ptolemaica, que es un modelo geocéntrico desarrollado por Claudio Tolomeo en el siglo II d. C., que situaba a la Tierra, inmóvil, en el centro del universo. Para explicar el movimiento retrógrado de los planetas, introdujo epiciclos (círculos pequeños) que giraban sobre deferentes (círculos mayores) alrededor de la Tierra, siendo la base de la astronomía hasta la revolución copernicana. Estos conceptos estructuran el libro de Lara López.

Estructura del poema

El sujeto poético aparece como un ser errante, igual que los planetas “irregulares”. La vida se presenta como un movimiento circular y frustrado, donde los deseos (amor, plenitud) giran sin llegar a cumplirse. El poemario se estructura en cuatro partes que reflejan dos planos: el plano cósmico (abstracto y universal) que se ve reflejado en secciones como “retrogradaciones”, “epiciclos” y deferentes“ y, por otro, el plano humano (biográfico y terrenal) a través de secciones como ”Insilios“ y ”Exilios“. La primera hace referencia a lo cercano, lo familiar, lo que pertenece al pasado y a la infancia, mientras que la segunda alude al movimiento errante del exilio, como una búsqueda que puede ser tanto un desafío como una oportunidad.

Cada sección muestra un cambio de enfoque, desde la breve y abstracta “Insilios”, pasando por los poemas reflexivos de “Epiciclos”, hasta llegar a los más concretos y discursivos de “Exilios” y “Deferentes”. Estos últimos están marcados por una sensación de fatalidad biográfica, con temas recurrentes como la figura del padre fallecido, el amor perdido y la inevitabilidad de los destinos humanos. El poemario es un viaje errante, tanto físico como emocional, que explora la tensión entre el deseo de encontrar sentido y la resistencia del mundo a ofrecerlo, todo dentro de un marco cósmico y humano interconectado.

Sobre Lara López

Fue directora de Radio 3 entre 2008 y 2012. Actualmente, dirige y presenta el programa Derivas, de pensamiento, música y poesía en Radio Clásica (jueves, 23h) y forma parte del equipo de guionistas de Documentos RNE.

Desde 1996 conduce Músicas Posibles, un programa que ahora se emite en formato exclusivamente digital en RNE Audio. Lara López es Colaboradora Honorífica del Departamento de Musicología de la Universidad Complutense de Madrid y docente en el Máster de Poesía de la Escuela de Escritores, así como en el Máster de Industria Musical y Estudios Sonoros (MIMES) de la Universidad Carlos III de Madrid.

Todos conocen una historia de Pinocho, pero pocos quizá conozcan la que concibió su autor Carlo Collodi (1826-1890) en el contexto de la unificación italiana con la que quiso hacer una crítica social a la situación de la infancia o a la corrupción política y judicial de la época. El Colectivo Andersen se ha propuesto llevar la verdad de uno de los libros más importantes de la literatura europea a todos los rincones y reivindica que el papel de la literatura infantil no debe ocultarles a los niños el mundo, mucho menos su rostro más feroz. El portavoz del colectivo, José Jiménez, explica a este periódico por qué es tan importante que no se perviertan los valores de las historias originales.

¿Cuándo y por qué se funda el colectivo Andersen en Canarias?

El Colectivo Anderson se funda en 1989, por un grupo de profesionales de la educación que están destinados en el Cono Sur de Las Palmas de Gran Canaria. El contexto, no solamente social, sino político desde entonces, en un momento de diez años de democracia y en un entorno social y económico un poquito complicado para la ciudad. Entonces ahí, estos profesionales se dan cuenta de que el nivel de lectura en los colegios de los barrios del Cono Sur es bastante bajo. Es entonces cuando se organizan, crean el Colectivo Andersen y empiezan a través de la literatura infantil a hacer programas tanto con niños como docentes para que no solamente los niños lean, sino que los profesores se den cuenta del poder que tiene el libro infantil como herramienta didáctica. 

¿Por qué ustedes quieren reivindicar la verdadera historia de Pinocho tal como la concibió Carlo Collodi en 1882?

Creemos que es justo que si nosotros vamos a reivindicar el 200 aniversario del nacimiento de un autor, reivindiquemos también el texto original porque con Pinocho ha pasado una cosa curiosa. Curiosa y mala. Tú preguntas a todo el mundo por la calle si tiene a Pinocho en la estantería de casa y te puedo asegurar que el 90% dice que sí. En cambio, preguntamos a la gente si ha leído el Pinocho original, el 90% dirá que no. Entonces, una de las cuestiones que planteamos en el Colectivo es reivindicar el texto original porque es una historia que ha sido muy baboseada y, sobre todo, destrozada. Ha sido infantilizada.

Entonces, ¿ustedes denuncian que no solo ha sido versionada sino pervertida? ¿Es la versión de Disney la más dañina?

La más dañina es la de Disney, todo lo que ha tocado destroza. Disney tiene una consigna social, política y económica muy clara. Esto se explica muy bien en un libro del escritor chileno Ariel Dorfman , Para Entender al Pato Donald, en el que analiza cuál es el mensaje que está siempre implícito en las películas de Disney.

Pinocho, un libro que tiene un contenido muy potente, lo redujeron a las aventuras de un niño que “se porta mal”

Por ejemplo, en Disney el héroe siempre pertenece a la clase alta. Es una princesa, es un príncipe o es alguien rico. En Disney nunca se plantea el problema de autoridad; el principio de autoridad es clave para entender a Disney. Incluso en cualquier película de Disney te das cuenta de que los ricos y los reyes tienen la gran responsabilidad de gobernar el mundo. 

Y con Pinocho, un libro que tiene un contenido muy potente, lo redujeron a las aventuras de un niño que “se porta mal”. 

¿Qué tres cosas dirías que se pervierten en el relato de Disney con respecto al texto de Collodi? 

Lo primero es la crítica social. Geppetto es pobre. Muy pobre. Incluso hay pasajes muy duros sobre la miseria que viven los niños en esa Italia que recién da los primeros pasos. Lo segundo, una crítica feroz a la corrupción política y a la corrupción de la justicia. 

El pasaje este de La isla de los Juguetes donde lo condenan, está en la cárcel y le condenan porque ha sido robado, es decir, que los que roban quedan libres y el que ha sido robado va a la cárcel. Y después el tercero sería el ambiente oscuro que tiene Pinocho. Pinocho está constantemente relacionado con la muerte. A Pinocho lo ahorcan y mata al grillo parlante en los primeros capítulos. Al simplificar la historia, Disney deja de decir muchas cosas porque una de las premisas que tenemos a la hora de explicar el libro, sobre todo al público de Secundaria, es que Pinocho es una metáfora de la infancia de Italia. 

 Al margen de que sea Pinocho, al margen de que sea una historia más o menos famosa, ¿qué hay de importante en buscar la verdad y el origen en los tiempos (rápidos) que corren?

La mentira es un hecho que está ahí, que todos caemos en ella en mayor o en menor proporción. Es una lucha constante. Pero en el caso de la literatura infantil es importante que los niños se enfrenten a la verdad, aunque sea cruda. Y Pinocho es un ejemplo clarísimo.

Pinocho, aparte de esa metáfora sobre esa Italia que recién nace, también es una alegoría de la libertad. Es decir, es un ser que intenta autodeterminarse a sí mismo y que se equivoca mil veces y mil veces se levanta y mil veces se equivoca. Y se encuentra con un mundo que es muy crudo.

A los niños hay que enfrentarlos al mundo. Los cuentos tradicionales, que son cruelísimos, lo son para enfrentar a los niños con la verdad. Hay una cosa que nosotros le decimos a los niños, sobre todo a los grandes, cuando se acercan a nuestras exposiciones, que es que la literatura infantil es una cosa que surge en el siglo XIX, como mercado. Es decir, libros infantiles, La Isla del Tesoro, los de Ruyard Kipling o Alicia en el país de las maravillas. Y antes no había literatura infantil simplemente porque no había mercado, porque de cada 10 niños que la hacían, ocho se morían. Entonces, la literatura para niños de la primera época es cruda porque es lo que los niños están acostumbrados a ver. Y yo creo que es un error intentar dulcificar las cosas, porque eso al final es mentir. 

Y a nivel literario, ¿qué importancia tuvo esta novela tan importante para una Italia unificada en un momento en que se estaba difundiendo como una suerte de compendio del italiano que iban a hablar y a leer?

Pinocho es un mito en Italia. Nosotros desgraciadamente no hemos tenido una novela infantil así tan fuerte hasta los años 20 cuando surgió Celia. Pero para Italia Pinocho es un libro fundacional. Y tú le preguntas a cualquier italiano y adora a Pinocho.

Primero, la elección del nombre no es inocente. El pino es un árbol que en invierno no pierde las hojas. Es decir, es un árbol inmortal. Para la cosmogonía centro-europea y norte-europea es el símbolo de inmortalidad. Simplemente con el nombre Collodi está dándole a Italia una idea de inmortalidad pese a no tener vida propia. Pinocho es una cosa inerte, hecha de trozos que cobra vida. ¿Como Italia? Entonces, para ellos, para los italianos, Pinocho aparte de ser un libro infantil muy importante, es también un mito de fundación de la propia cultura nacional, de la nueva cultura nacional del Risorgemento.

¿Van a seguir dando esta pelea por la verdad en la literatura con la obra de Collodi?

Nuestra idea ahora es mover la exposición por todos lados, como hemos movido otras de otros autores. Ahora empezaremos una ronda de municipios. Vamos a ir a Tenerife para intentar moverla por allá. Y después el tema es que se nos vienen dos efemérides literarias muy importantes. El año que viene, en el 2027 tenemos el 90 aniversario de El Hobbit y en el 2028 tenemos el 200 aniversario de Julio Verne y veremos cómo, a través de esos libros, podemos hacer contenidos educativos, podemos hacer unidades didácticas, charlas en los colegios, porque el objetivo fundamental es que los pibes lean.

El director, productor y animador Tony Bancroft (Tennessee, Estados Unidos), codirector de la película 'Mulán', acudirá por primera vez a un festival en España y lo hará a la 21 edición de Animayo Gran Canaria --La Isla de Mi Vida--.

Bancroft estará en Animayo impartiendo un taller presencial de narración visual y una master class sobre animación. Además dará a conocer algunos “entresijos” de la animación durante la presentación del corto 'The Piano' de Avery Kroll, del que es productor ejecutivo, según ha informado el festival grancanario en nota de prensa.

El director, productor y animador, formado en uno de los centros más prestigiosos en el ámbito de la animación como es el California Institute of the Arts (CalArts), “está considerado uno de los artífices del Renacimiento de Walt Disney Feature Animation en los años noventa”.

Ha sido reconocido por su papel en el desarrollo de la animación y estilo visual de títulos emblemáticos de la época, así como galardonado como codirector de 'Mulán', junto a Barry Cook; como supervisor de animación y animador del creador de personajes icónicos como Pumba de 'El Rey León', Iago de 'Aladdin', Din Don/ Cogsworth de 'La Bella y la Bestia', Gárgolas de 'El jorobado de Notre Dame' o Kronk de 'El emperador y sus locuras', entre otros.

Otros títulos vinculados al trabajo de Tony Bancroft son 'El regreso de Mary Poppins' (Walt Disney Pictures), 'Desencantada', 'Bernardo y Bianca en Cangurolandia', 'El príncipe y el mendigo' o el cortometraje de Disney del año 2023 por su 100 aniversario 'Había una vez un estudio'.

Más allá de sus doce años en Disney, ha sido productor ejecutivo de la nominada al Oscar “Mosley” (Huhu Studios/China Film Animation) o supervisor de animación en 'Stuart Little 2', de Sony Pictures Imageworks, y animador 2D y animador principal en 'Space Jam: A New Legacy', de Warner Bros, entre otros.

En Animayo, Bancroft participará, con el patrocinio de U-Tad, Centro Universitario de Tecnología y Arte Digital (Madrid), entre el 6 y 9 de mayo, ambos días incluidos. En concreto, el miércoles día 6, a las 18.00 horas, presentará el corto 'The Piano', de Avery Kroll, del que es productor ejecutivo.

En este caso habrá entrada gratuita hasta completar aforo, siendo esta proyección especial, ya que tendrá lugar durante la 'Gala de Presentación de Invitados Estrella en Vivo' en el Espacio CICCA.

Por su parte, el viernes día 8 (16.30 a 20.30 h), impartirá el taller 'Visual Storytelling: Think Like an Artist, Tell Like a Director'. Y el sábado día 9 (18.30 a 20.00 h) dará su master class 'Animation with a Legacy: Mulan, The Lion King, Aladdin and Other Unforgettable Films'.

A la finalización de cada actividad habrá una firma de autógrafos en las mismas ubicaciones. Las entradas para ambas acciones ya están disponibles a través de la web de Animayo donde también se puede ampliar información, requisitos y contenidos.

Tienes tres minutos como poeta. ¿Te atreves? El próximo 8 de mayo, a las 18:00 horas, la Biblioteca Municipal de Santa Brígida se convertirá en un escenario donde todo puede ocurrir con Poetry Slam, un encuentro de poesía en vivo en el que cada participante dispone de tres minutos para encender el corazón de la sala.

Santa Brígida se suma así al fenómeno del spoken word. El formato es directo, intenso y sin red. Cada participante dispone de tres minutos para recitar un texto propio y de temática libre. No puede haber música de fondo ni atrezzo que distraiga. En el Poetry Slam importa tanto lo que se dice como la forma de decirlo: la voz, el ritmo, la emoción, los silencios, los gestos, la mirada y la presencia escénica se convierten en herramientas tan poderosas como las metáforas.

El jurado eres tú

Los jueces no llevarán toga ni serán expertos literarios. El jurado será el público, personas elegidas al azar entre los asistentes que puntuarán cada intervención y decidirán quién avanza en las rondas eliminatorias hasta proclamar a la persona ganadora.

Aunque existe una dinámica competitiva, el verdadero premio no es ganar, sino conectar con otras voces. Por eso da igual si alguien pisa un escenario por primera vez o si lleva cien recitales a sus espaldas. Da igual si te sientas en la primera fila o al fondo. Lo importante es estar allí cuando la poesía ocurra.

Cómo participar

La organización anima desde ya a confirmar asistencia indicando de qué lado se quiere vivir la experiencia, como público o como poeta.

La cita llega además en un momento especial para el movimiento en Gran Canaria. Poetry Slam vive actualmente una temporada de prueba con el objetivo de convertirse en sede oficial de Poetry Slam España en la isla, con lo que, a partir de la temporada 2026-2027 podrá enviar a su representante al campeonato nacional, llevando la voz nacida en Canarias a competir en el gran escaparate estatal de la poesía escénica.

El Círculo de Bellas Artes de Tenerife ha presentado dos nuevas exposiciones, una individual y otra colectiva, dentro programa definido con motivo de la celebración del Centenario de la entidad cultural.

Se trata del montaje del creador plástico Julio Blancas, que presenta En la paz de mis desiertos, y de la nueva colectiva de Nudos y enredos, que esta vez exhibe obra de Gonzalo González, Federico García Trujillo, Abraham Riverón y Antonia Bacallado.

Las reseñadas exposiciones, comisariadas en los dos casos por Octavio Zaya, podrán verse en las salas del Círculo de Bellas Artes de Tenerife, ubicado en la calle Castillo 43 de la capital, hasta el 6 de junio próximo, de martes a sábado y en horario de 10.00 a 13.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas.

En la presentación, participaron algunos de los artistas que obra expuesta; el presidente del Círculo, Pepe Valladares, y el comisario del programa artístico del Centenario, Octavio Zaya.

Tal y como reseña el curador internacional Zaya, “en la obra de Julio Blancas, el grafito deja de ser un medio para convertirse en materia viva. A través de la repetición paciente del trazo, el artista construye superficies densas donde el tiempo parece acumularse como un sedimento. Sus dibujos no describen el paisaje: lo transforman en experiencia”, indica el comisario.

Zaya además plantea que Blancas, “partiendo de la observación del territorio ‑barrancos, rocas, formaciones volcánicas‑, ha ido desplazando su mirada hacia un espacio cada vez más interior. En estas obras [las montadas en el Círculo], el paisaje ya no se ofrece como imagen reconocible, sino como una presencia que se intuye: cavidades, oquedades y estratos donde el negro, lejos de ser ausencia, revela luz, profundidad y memoria. En la paz de mis desiertos ‑concluye Zaya‑ alude a ese lugar de recogimiento donde todo lo superfluo desaparece. El desierto no es aquí vacío, sino posibilidad: un espacio fértil en silencio donde el dibujo se convierte en un acto de atención y permanencia. Cada pieza exige una mirada lenta, cercana, casi táctil, invitando al espectador a perderse en la trama del grafito como quien se adentra en un paisaje sin nombre”, reflexiona.

Octavio Zaya concluye que, “ajeno a lo inmediato, el trabajo de Blancas propone una experiencia distinta del tiempo: más lenta, más densa, más consciente. En ese tránsito entre lo visible y lo interior, dibujar es permanecer”, remata.

Julio Blancas

Julio Blancas nació en 1967 en Las Palmas de Gran Canaria. Se formó en las escuelas de Artes Plásticas de Las Palmas de Gran Canaria y de Santa Cruz de Tenerife, en la especialidad de escultura. Ha participado en casi 20 exposiciones individuales y unas 60 colectivas en las principales salas del archipiélago, con incursiones en la Península e internacionalmente en centros ubicados en Bélgica e Italia y con residencias como las realizadas en Nueva Orleans (EEUU) o en el estudio del artista Jiri Dokoupil en Berlín, en 2010.

Entre sus exposiciones, destacan la realizada en 1998 en la sala Degli Arconi de la ciudad italiana de Gubbio, la ofrecida en la ermita del Gran Poder de Bajamar en 1999 y la que en 2001 dio a conocer en Galería Artizar de La Laguna, con la que ha realizado cinco muestras individuales más desde entonces. También ha participado en algunas colectivas emblemáticas como Figuraciones indígenas (1997), La Isla Taller (1999), Triálogos (2001) y Osmosis. Blancas+Nicanor (2015).

Su obra forma parte de las colecciones de TEA Tenerife Espacio de las Artes, CAAM (Centro Atlántico de Arte Moderno), la Colección Bruno Bischofberger (Suiza), Fundación CajaCanarias (Tenerife), Colección Artizar (La Laguna, Tenerife), Gobierno de Canarias y Fundación Sabadell.

Sobre ‘Nudos y enredos’

Los artistas Gonzalo González, Federico García Trujillo, Abraham Riverón y Antonia Bacallado, estos dentro de la cuarta edición de Nudos y enredos, también integran la propuesta artística visible desde este 23 de abril en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife.

Nudos y enredos refleja o alude, según el propio Zaya, a que “vivimos en un tiempo de conexiones complejas, donde las relaciones se multiplican, se tensan y se transforman constantemente. Propone habitar esa complejidad en lugar de simplificarla. El nudo une y bloquea al mismo tiempo: es tensión, vínculo y conflicto. El enredo, en cambio, es exceso de conexiones, una maraña de significados que no termina de resolverse. Juntos, funcionan como una metáfora de nuestra experiencia contemporánea: un mundo profundamente interconectado, pero difícil de descifrar”.

En esa línea, las exposiciones colectivas con el sello Nudos y enredos “reúnen obras que no buscan una lectura única, sino que abren un campo de relaciones. Al situarse unas junto a otras, generan fricciones y afinidades que invitan al espectador a establecer sus propios vínculos. El sentido no está solo en cada pieza, sino en los espacios que se activan entre ellas”, explica Octavio Zaya.

El director Oliver Laxe, nominado al Oscar por su película 'Sirat', ha hablado este jueves en el marco del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria de su próximo proyecto, del que ya tiene pinceladas y del que no sabe si quiere “liarla mucho o muchísimo”, dada su personalidad “intensa” o “mesiánica”.

Laxe ha inaugurado las sextas jornadas del oficio cinematográfico del festival charlando con el periodista Carlos del Amor y quienes han asistido al coloquio, y se ha “abierto en canal” como pocas veces antes lo había hecho.

Así, se ha descrito a sí mismo como alguien intenso, pero ha insistido en que, siendo artista, tiene que ser así. “Y luego me han dicho que soy mesiánico y es verdad. Soy así: creo en los mesías”, ha agregado.

En ese punto, ha hablado de su nuevo proyecto, del que ya tiene algunas imágenes, si bien ha admitido que puede haber cambios porque él suele dedicarle mucho tiempo a cada película, que ha considerado una “labor de artesanía”.

“Mi próxima película, de hecho, va de un mesías. Estoy con imágenes, intenciones. Es un fenómeno que le sucede al planeta Tierra, en principio, que aparentemente es su destrucción, pero que al final se ve que es su salvación”, ha relatado para deleite de sus aficionados, que llenaban la sala Jerónimo Saavedra del Auditorio Alfredo Kraus de la capital grancanaria.

Y ha apuntado que 'Sirat', premio del Jurado del Festival de Cannes de 2025, fue una “terapia de choque”, pero que este nuevo proyecto en el que está todavía “declinando” posibilidades será más terapéutica.

Por ello, ha dicho que no sabe si va a “liarla mucho o muchísimo” con ese proyecto.

Entre esas posibilidades, ve una más “plástica, sin apenas narrativa, sin que haya identificación con los personajes”, con distintas escenas que se van juntando, “que se rozan”.

Por otro lado, piensa en otra opción “más hollywoodiense”, con actores de Hollywood, que sea más “fácilmente financiable” por las grandes productoras y con un presupuesto que pueda ser más alto, algo que ha admitido que le interesa mucho porque sería “como un caballo de Troya” que se metería en ese mundo.

Batman espiritual y no conocer el guion de su vida

Laxe ha tenido la oportunidad de mostrar más de sí mismo, de un modo más personal e íntimo, incluso hasta el punto de contar que hubo una época, mientras rodaba su opera prima 'Mimosas' (2016), en la que creyó que la vida no quería que fuera cineasta.

Por ejemplo, ha hablado sobre que no le importaría que le propusieran rodar alguna película de superhéroes y que uno de los que más le gustan es Batman.

“Me preguntaron una vez cómo haría Batman y les contesté que de forma espiritual, no es coña. Es muy esotérico Batman, en la cueva, escorpiónico. Alguna explosión metemos también, tenemos que despertarnos todos”, ha comentado, entre risas de los asistentes, el director gallego.

Durante el coloquio, una de las asistentes le ha preguntado que si, siendo tan intenso, querría saber cuándo moriría, a lo que Laxe le ha respondido que “confía en el guion”, por lo que no le gustaría saber la fecha de su muerte.

Asimismo, ha reconocido que las malas críticas que le han hecho sobre 'Sirat', película que le ha catapultado al éxito internacional, le han servido de “medicina”.

Y, hablando de medicina, no ha dudado en comparar esta premiada obra que le ha llevado hasta el teatro Dolby de Los Ángeles -sede donde se desarrollan los Oscar- con un medicamento.

“'Sirat' es un vaso de medicina, y la medicina es amarga. Lo que intentas es ponerle miel al borde del vaso, para que entre mejor la medicina. Es una cuestión de equilibrio, entre luz y sombra”, ha defendido Laxe.

El realizador ha recalcado que le parece bien que haya películas “ideológicas y políticas”, porque cree que son necesarias, pero que su visión va por otro lado.

“Soy gallego, defendemos la ambigüedad como forma de acercarnos a este mundo. Si protegemos las imágenes, si las defendemos de nosotros mismos, de nuestra pseudoideología, es cuando de verdad pueden penetrar al espectador, curar el imaginario colectivo, y que eleve su nivel de consciencia, y no hay nada más político que eso”, ha concluido

El Baifo, tercer álbum de estudio del cantante canario Quevedo, ya camina solo en un recorrido que parte desde Canarias al mundo. Catorce canciones, como catorce declaraciones de amor (no romántico) a una tierra que ha marcado el modo en que este joven de 24 años se ha comunicado con todo el planeta y ha conectado con la idea de identidad colectiva y relación con sus orígenes de toda una generación isleña. “Este disco es para las islas”, cuenta Quevedo a este periódico. “Pero sobre todo es como una visión de un joven de aquí, de la vida en general, no solo de las islas, pero obviamente crecer aquí, vivir aquí, estar aquí, te condiciona mucho, ni a bien ni a mal, simplemente a la manera de ver las cosas, son distintas, son desde otro punto, y yo quería representar eso con el álbum”.

El artista explica y valora las colaboraciones en este disco de los puertorriqueños Tonny Tun Tun y Elvis Crespo, “los cantantes míticos que siempre han acompañado mucho a las festividades de las islas, han venido todos los carnavales desde hace veinte años, ya son como iconos aquí, y la gente los quiere”, expresa. 

Y tiene palabras cariñosas con artistas de Nueva Línea, con las que ha grabado para El Baifo la canción Al Golpito. “La están rompiendo, son increíbles y todo lo que han hecho ellas es muy fuerte”, explica.

“Para mí ha sido como un shock muy heavy, en 2026 hay una orquesta que canta versiones de merengue y canta sus canciones y hacen su movida, y la gente de aquí lo sigue acogiendo como lo que yo recuerdo cuando era chico de carnavales. Es lo que he soñado siempre, no tener que irme a otro lado para hacer colaboraciones”.

Donde quiere estar

El cantante, que ha llegado a lo más alto de la escena urbana española y latinoamericana, no se quita del pensamiento las ocho islas. Lo ha reflejado en sus dos discos anteriores y en este más que nunca porque “ esta es mi casa”. Cuenta a Canarias Ahora que, como le ha pasado a muchos artistas canarios, le gustaría poder trabajar desde aquí. “Hay tanto talento, como que parece que no se le da una exposición por la condición de insularidad, hay pocas oportunidades”, denuncia.

Siente que su deber como artista es reivindicar una industria musical fuerte en las Islas. “Siempre he pensado eso y ahora que tengo la oportunidad de hacer todo esto aquí, porque puedo realmente, como que parece que cada vez hay más medios, parece que cada vez hay más gente metida en la movida aquí, y que parece que puede haber una industria canaria, siento que también es como el momento volver aquí y decir que lo que solía hacer fuera ahora puedo hacerlo desde aquí”.

Como una verbena en el norte

La pregunta ineludible, cómo impregna con tan solo 24 años tanta identidad compartida, tiene una respuesta que a nadie deja indiferente, como lo que quiere plasmar en temas como Gáldar.

“Es como un golpe en el pecho, con las cosas buenas y malas, pero qué experiencias vivimos aquí, qué manera de crearnos tan única tenemos y luego entran como unos pianos que parecen como de merengue, aunque está sonando un reggaeton, luego las trompetas, que hace como que sea mucho más feliz porque es como el momento de darte cuenta de que somos únicos. Y yo siento que esos switches de las canciones representan mucho eso, como en Gáldar también, cuando entró Tonny Tun Tun, entró la salsa, porque me imaginé como un reggaeton mío, muy actual, y de repente el momento, nos vamos de verbena todo el mundo a la fiesta del pueblo”.

Qué tiene El Baifo

El Baifo es el tercer disco en la carrera de Quevedo, que ya es uno de los cantantes españoles más escuchados en todo tipo de plataformas. Antes publicó Donde quiero estar (2023) y Buenas noches (2024), a los que precedió su colaboración con Ed Sheran 2Step (2022) y el megaéxito global de su sesión con el productor argentino Bizarrap. ¿Qué tiene El Baifo que lo hace diferente a lo anterior?. Empezó a grabarlo mientras estaba de gira: “Me pilló un momento personal muy bueno, con muchas ganas además de hacer música, de empaparme también del proyecto este y lo he podido hacer también desde un punto mucho más tranquilo, sin menos comeduras de cabeza, y siento que se refleja en el álbum y en la actitud y la energía que tiene el álbum, que al final es feliz, buena vibra, celebración y eso se nota”.

El Ministerio de Cultura ha iniciado los trámites para declarar el Silo portuario de Santa Cruz de Tenerife, ubicado en la Autovía de San Andrés, como Bien de Interés Cultural en la categoría de patrimonio industrial, tras la paralización de su inminente derribo.

La infraestructura pertenece a la Autoridad Portuaria de Santa Cruz de Tenerife y es el único ejemplo de silo de tipo portuario que se conserva actualmente en España, según ha resaltado el departamento ministerial.

Ante el anuncio de su posible demolición, tanto la Consejería de Universidades, Ciencia e Innovación y Cultura del Gobierno de Canarias como el Colegio de Arquitectos de Tenerife solicitaron al Ministerio de Cultura, como organismo competente en la materia, su protección y salvaguarda.

La incoación del expediente por parte del Ministerio supondrá la protección del silo y, por lo tanto, no será posible su demolición. El silo de Santa Cruz de Tenerife es un edifico de más de 30 metros de altura y otorgaría “una presencia extraordinaria” en el entorno de la ciudad por su estructura volumétrica, altura y ubicación.

Se construyó en los años 60 del siglo pasado siguiendo el proyecto de Joaquín Soriano y Benítez de Lugo. Se trata de un edificio de arquitectura industrial de estilo racionalista, único dentro de los silos de la Red Nacional de Silos y Graneros, un sistema de almacenamiento de trigo basado en los grain elevators norteamericanos, en el que prima su función, la seriación modular, la nitidez geométrica de los volúmenes y la ausencia de ornamentos.

Todavía conserva parte esencial de su maquinaria y supondría un testimonio de uno de los planes destacados dentro de la política de autarquía y autoabastecimiento de los años de la posguerra, siendo un ejemplo de gran interés para comprender una época de la historia socioeconómica y de la técnica de la España contemporánea.

El Ministerio de Cultura trabaja actualmente en la incoación de este expediente que, una vez publicado en el BOE, constituirá la primera fase del proceso de declaración como BIC.

Una vez iniciado, se aplicará de forma provisional la máxima protección prevista en la Ley 16/1985, de 25 de junio, de Patrimonio Histórico Español. Tras este paso comienza el periodo de información pública, en el que se valorarán los informes técnicos, las posibles alegaciones y se dará trámite de audiencia a los interesados.

La última fase del proceso será la elevación de la propuesta al Consejo de Ministros

Comienzo con una contradicción inherente al hecho de escribir sobre una película diciendo que cada vez creo menos en la necesidad de explicar, o de explicarse a uno mismo, las películas a través de las palabras. El discurso organizado mediante ellas nunca logra comunicar de un modo absoluto la experiencia personal ante una obra. Y, aunque se acerque, ¿para qué hacerlo? Por una necesidad de comunicar, quizá; por una necesidad de autoafirmación, por querer formar parte de una comunidad; por tantas razones posibles. Hay películas más fáciles de analizar que otras, cuyas virtudes y defectos son más fácilmente reconocibles, disponga o no uno de la habilidad para comunicarlo con claridad. Pero hay películas que transitan por un terreno menos aprehensible mediante el lenguaje, películas hechas para ser experimentadas de un modo personal, que es lo que creo que ocurre con el cine de Sorrentino.

Creo que uno debe suspender parcialmente su juicio racional como espectador al contemplar una película como La Grazia, como ya ocurría con La gran belleza o con Parthenope, y lo digo con total convicción, por si se piensa al leerme que trato de esquivar un análisis en profundidad. Creo que en La Grazia el director ha emprendido un camino que, si bien parte de una estructura convencional, con un claro arco dramático y ubicada dentro de ese enorme paraguas que podríamos llamar el cine narrativo e industrial, se permite sin embargo el “capricho” de volar más allá de lo meramente dramático en términos narrativos, con el objetivo de generar una experiencia espiritual y estética que sólo el gran cine puede lograr. Y lo hace, además, con sentido del humor, sin arrogancia ni pretenciosidad. Véase la escena, por ejemplo, del presidente de Portugal: es puro cine, no deja de hablarnos del conflicto interno del protagonista y, a la vez, es una cosa independiente, una suerte de “capricho cinematográfico”, como mencioné antes, que hace las delicias de cualquiera que disfrute de un cine alejado del algoritmo.

Las películas de Sorrentino son hermosamente imperfectas, como sólo lo puede ser una obra con verdadera ambición. Las películas grandes no pueden ser el resultado de una fórmula matemática, no son una bella modelo generada por inteligencia artificial, sino más bien una que tiene un ligero defecto en términos de armonía que hace que el conjunto resulte más sexy o más bello. Son Kate Moss o Michelle Pfeiffer. Las grandes películas son casi perfectas, no el resultado de una fórmula algebraica.

La Grazia es una película que se abre poco a poco, que se desarrolla con un ritmo de otros tiempos, condicionada tan sólo por su propia naturaleza; libre, sin el yugo de la sobre-explicación narrativa que cada vez va a más en cada vez más subproductos de mercado que acabarán por anular la sensibilidad y el criterio de los espectadores del futuro y que probablemente ya lo estén logrando con algunos del presente. El aborregamiento, por hablar claro y en términos simples. Creo además que, sin dejar de ser fiel a sí mismo, Sorrentino recorre en esta película una tendencia hacia una poética visual más libre, más onírica y menos sujeta a lo racional, más ligada al cine de Tarkovski y un poco menos, como en el caso de Parthenope, al de Fellini (me hace pensar en esto las escenas en que evoca a su esposa caminando y las relacionadas con la ingravidez -como verán, qué complicado aludir a ellas sin hacer spoiler-). 

La Grazia es la obra de un esteta que se toma la vida en serio lo justo como para generar una belleza sólo producible mediante lo cinematográfico, y esto (este tomársela en serio sólo lo justo) se revela en el leitmotiv que recorre toda la historia, la duda que corroe al protagonista durante toda la película y que concluye en una divertidísima escena final que es toda una declaración de intenciones. Un epílogo que, en mi opinión, afirma que debemos tomarnos la vida con más ligereza. La ligereza de la que se nos ha hablado durante toda la historia. Una ligereza que, por tanto, tiene peso dramático. Ahí es nada. Todo tiene sentido en la película y en la vida. Y, a la vez, nada lo tiene.

La compañía Comediantes de la Cacharra Verde se sube al escenario del Centro Cultural de Santa Brígida este sábado, 25 de abril, a las 18.00 horas con El niño de la media luna, una propuesta teatral dirigida a público infantil y familiar. 

Basado en la vida y la obra del escritor Miguel de Unamuno, El niño de la media luna es un montaje concebido para acercar al público más joven a la obra de uno de los grandes autores de la literatura española de una forma lúdica y participativa. A través de una cuidada selección de textos de títulos como Niebla, Abel Sánchez o La tía Tula, la pieza propone un viaje por algunas de las historias y personajes más emblemáticos de Unamuno adaptados a un lenguaje escénico accesible para niños y niñas.

La compañía canaria Comediantes de la Cacharra Verde está formada por músicos, actores y cantantes, y crea espectáculos infantiles y familiares con un enfoque participativo, musical y creativo. A lo largo de su trayectoria han generado múltiples montajes —como La casita de los cuentos, Bailando con cuentos o Los colores de Violeta— siempre con un sello dirigido a fomentar la imaginación, la cultura y el gusto por las artes escénicas entre los más pequeños.

La obra forma parte de la programación diseñada por la Concejalía de Cultura, que dirige Avelina Fernández Manrique de Lara, para este mes de abril, y tiene como objetivo fomentar el acceso al teatro y la lectura desde edades tempranas. La entrada es gratuita.

En la noche de este lunes, en la avenida de Las Canteras la gente solo caminaba en una dirección, como si regalaran algo en El Confital aunque la sorpresa estaba un poco antes, en La Puntilla, lugar donde el cantante Quevedo convocó a fans y curiosos en una enigmática publicación desde su instagram, posteada tan solo unas horas antes:  “Mañana algo va a pasar en la Isla. Hasta mañana, el baifo está en casa y en el cielo ocho estrellas brillarán”.

El anuncio del cantante de 24 años es su esperado último álbum El Baifo, que ha ido dejando pistas en redes y, hace una semana, una lona gigante en el centro de Madrid. Para rizar el rizo, minutos después del show ha publicado una imagen donde se ve al propio Quevedo asistiendo al show desde una terraza sin que los fans supieran que lo tenían a unos metros.

El show

Consistente en un espectáculo de figuras hechas con drones que iban cambiando, se proyectó un baifito, el Roque Nublo, El Teide, una pintadera u ocho estrellas verdes, entre otras formas y llegaron las esperadas palabras en el cielo: “Nuevo álbum El Baifo, esta semana”.

A continuación euforia, aplausos, alegría y tres canciones: Ni borracho, Somos costeros y la canción que hizo en colaboración con Elvis Crespo “ya casi cuando nos íbamos”, cuenta Noelia, que explica a esta redacción que “da igual la edad que tengas, Quevedo es un artista para todos los públicos, ha llegado lejísimos sin renunciar ni a su esencia ni a su identidad” y recuerda que “lo mínimo que podemos hacer es presentarnos y apoyarle en sus nuevos proyectos, para que siga representando las 8 estrellas con tanto carisma”.

Para su amiga Claudia, es impresionante “que todo el mundo tiene la misma ilusión porque con tan solo una historia que ha subido a las redes ha sido capaz de revolucionar a toda una isla”. Para Clara, de la misma pandilla “es de los pocos artistas que es agradecido con su gente”.

“Cuando avisa con tiempo la gente cambia el turno”

Para Cinthya Perdomo, fan de Quevedo y trabajadora en una heladería de la Avenida, cuando Quevedo anuncia “las cosas con tiempo”, la gente cambia el turno en los trabajos para poder ir a verle. A Cinthya le gusta su música pero valora especialmente que “defiende valores como la igualdad y que una mujer pueda estar con una mujer o un hombre con un hombre y los jóvenes vean eso en un referente”. En una pizzería cercana, donde la gente buscó wifi por falta de red en la Avenida, una trabajadora se sorprendía de que un joven de 24 años con un solo mensaje en Instagram no muy claro pudiera revolucionar así la rutina de una ciudad un lunes.

Tercer disco

El Baifo será el tercer disco en la carrera de Pedro Luis Domínguez Quevedo, que a sus 24 años es uno de los cantantes españoles más escuchados en todo tipo de plataformas.

Antes publicó Donde quiero estar (2023) y Buenas noches (2024), los que precedió su colaboración con Ed Sheran 2Step (2022) y el megaéxito global de su sesión con el productor argentino Bizarrap, la Bzrp Music Sessions, Vol. 52, más conocida por el público español como Quédate.

Hay frases que nunca deberían normalizarse ni decirse con desdén, pero hay situaciones en la vida, normalmente en las que se juntan todas las penurias, en que se vuelve cotidiano lo tenebroso y lo triste y se une con el propio impulso del mundo y la vida de seguir adelante. Tan trágico como necesario.

Saquen sus muertos (Astiberri, 2026) es el título de la última publicación de Rayco Pulido, Premio Nacional del Cómic 2017, y es una frase que se tornó cotidiana durante la epidemia de cólera que azotó a una isla del Atlántico, dejándola incomunicada, en el terrible verano de 1851. 

La muerte se ceba especialmente en la capital que apilaba sus muertos sin que tuvieran ya acomodo en el cementerio de la ciudad. Basado en los acontecimientos reales durante la epidemia de cólera que azotó la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria en 1851, el lugar del relato no es necesariamente la ciudad de Las Palmas (o tal vez sí), pero eso, para el autor del cómic y para el de la novela en la que se basa, Verano de Juan el chino, de Claudio de la Torre, no es lo más importante para contar una historia que transcurre en un clima apocalíptico donde surge, de repente, una dinámica de convivencia con la muerte, un héroe anónimo vagabundo y una historia de amor, ya que en palabras de Pulido: “Cuando la muerte está arrasando tu mundo, enamorarse es un acto de rebeldía”. 

¿Qué historia se cuenta en Saquen sus muertos?

Es la historia de un personaje que se llama Juan, apodado El Chino. Es un personaje anónimo, no tiene familia, no tiene pasado, no tiene tierras; un desheredado que vive en un escenario casi apocalíptico, un momento especial en una isla atlántica a mitad del siglo XIX, donde una epidemia de peste cólera mata a gran parte de la población. Esa isla y ese evento se inspira en una epidemia real que tuvo lugar en Gran Canaria el verano de 1851, enfermedad que en apenas tres meses diezmó la población de la isla, en el caso de la capital, murió el 20% de sus habitantes.  

Las clases sociales se simplifican a dos, la de los vivos y la de los muertos

En ese escenario, el que tiene posibles o una finca donde refugiarse, abandona el entorno urbano, y eso generó en la ciudad un orden social alternativo, propiciado por ausencia de autoridad que controle a la ciudadanía y el devenir de la ciudad. Las clases sociales se simplifican a dos, la de los vivos y la de los muertos. En ese “mundo nuevo” de supervivencia se desarrolla esta historia. Tanto en novela como en el cómic la crítica social tiene un peso específico, también habla sobre la condición humana, cómo tendemos a comportarnos ante crisis reales o cómo nos comportamos cuando nuestros actos no acarrean consecuencias negativas. Hay bastante misantropía en esta historia pero aún así, Juan aguanta el tipo e incluso se permite algo de idealismo romántico. 

A la hora de la creación, ¿qué elementos has elegido como artista para contar esta historia, por el hecho de ser concretamente esta historia?; ¿Hubo alguna decisión especial en el uso del color, la elección de unas frases y no otras? ¿Algún recurso que como creador hayas empleado por primera vez en Saquen sus muertos? 

La decisión inicial era que iba a ser blanco y negro, eso siempre lo tuve claro por el elemento central, que es la muerte y lo que se genera en torno a situaciones de pánico colectivo. Habitualmente trabajo en blanco y negro, salvo unos pocos casos el color se limita a un efecto ambiental o decorativo y yo quiero simplificar al máximo mi relación con el dibujo y también con el lector. En este caso, al contrario de lo que sucedía con mi anterior trabajo, Lamia, la imagen parte desde el blanco, desde la luz y los espacios vacíos. La historia transcurre en verano y aparte del calor sofocante debía representar el vacío propio de los terrenos de medianías, terrenos baldíos, páramos, polvo, etc. 

Las variables isla y siglo XIX son relevantes porque cerrando el puerto incomunicas a la población

También la presencia del mar es importante, en este caso es una simple línea que transmite la sensación de horizontalidad a la composición y aporta calma, eso nosotros apenas lo percibimos porque es nuestro día a día, sólo cuando pasamos mucho tiempo fuera, en sitios sin mar, sentimos esa falta. La luz y belleza visual contrasta con la historia, ese contrapunto fue algo buscado, las viñetas apestan a enfermedad y muerte. También el hecho de que haya gran cantidad de escenario rural y natural hace que el dibujo sea también más orgánico, con mucha menos geometría de lo que es habitual en mi trabajo. Así que por ahí también fue un reto. Y luego la toma de decisiones de lo que se queda y lo que se va, en mi trabajo prima la narración visual e intento no utilizar textos a menos que sea estrictamente necesario, cuando no puedo transmitir la información de otra manera, pero condenso los diálogos todo lo que puedo intentando no perder el estilo y el tono. 

Has comentado en la presentación algo que parece honesto en los tiempos que corren de relato, redes y SEO, que es que en tu proceso de contar la historia, cuando tú ves que la cosa se sube de emotividad o de drama, tú mismo la rebajas

Sí, es un poco no recrearse en la emoción y el dolor, en la parte dramática. Usar los personajes para atacar más a la tripa del lector que a su cabeza. Eso es algo que ejecuté en Nela, mi adaptación de la Marianela de Galdós, un texto que enfrié mucho, especialmente la parte final. Supongo que también tiene que ver con mi carácter, más bien seco.

Cuando leo cómics o libros demasiado emotivos, me desconecto y los abandono, yo hago los libros pensando en mí como primer lector e intento replicar lo que a mí me gusta ver en las historias. Además, a medida que te interesas por los procesos de creación, las estructuras de las historias y empiezas a releer desde un punto de vista analítico ya no hay vuelta atrás, le ves el andamiaje a casi todo, es sencillo encontrar el “emociónese aquí” de muchos autores y autoras e intento huir de eso. Hoy muchos productos de éxito siguen esta tendencia, yo no vivo del cómic, así que me puedo permitir andar mi senda.

Mencionabas al principio que, tal como hizo Claudio de la Torre en la novela, el cómic evita nombrar la ciudad real en la que están basadas todas las desgracias. ¿Qué te resulta a ti interesante del recurso narrativo de la omisión de la ubicación?

Primero respetar al autor del texto original, porque fue su decisión. El localismo hoy es un valor, las historias desde la periferia venden y se protegen. Pero en los setenta supongo que era un lastre. Verano de Juan El chino se publica en la prestigiosa Revista de Occidente que fundó Ortega y Gasset donde han publicado algunos de los más grandes de las letras hispánicas, esa una editorial tenía una buena distribución en latinoamérica e incluso para el caribe, tenía vocación internacional, de manera que intuyo una estrategia para no quedar relegado a las estanterías de la sección de literaturas locales.  

También porque creo que a Claudio de la Torre para esta historia le interesan los ingredientes isla, S.XIX y epidemia, no un lugar concreto que lo aleje de la ficción. Lo que necesita es meter a un grupo de personajes en un entorno adecuado para que surjan los conflictos. De hecho, no se documentó demasiado, todo parte de una serie de artículos que escribió Néstor Álamo para la revista Falange en el 1962, esa fue su inspiración, una ficción basada en un evento real. Es como una matrioska, una ficción que sale de otra y ahora mi adaptación es una capa más. 

Has recreado un universo asfixiante con algunas grietas por las que el lector respira para ir ansioso a la siguiente página, pero personalmente tú que tuviste que recrear ese ambiente que el lector percibe así, ¿qué opinas de lo que debieron ser aquellas largas horas de un verano caluroso de epidemia? 

Yo creo que se lo puede imaginar cualquiera, la COVID19 no fue nada comparado con esto y mira el caos que generó. El cólera mata por deshidratación, mueres por vómito y diarrea, sin medicamentos debe ser una muerte horrible. Las variables isla y siglo XIX son relevantes porque cerrando el puerto incomunicas a la población. Sin puerto no hay mercancías, también pueblos y municipios estaban cercados para que nadie pudiera entrar ni salir. Esa situación se prolongó de junio a febrero, debieron pasar mucha hambre. En mi libro hay una escena de una madre y su hijo cazando palomas y ratas, esa escena es cosa mía, no sale en la novela original pero supongo que comerían cosas peores. 

La guinda de esta historia es que tiene tintes de pleito insular…

Sí, es un hecho anecdótico, algo que encontré buscando documentación anexa para un posible texto que funcionara de epílogo, pero que al final descarté. Esta epidemia aparece como uno de los eventos fundacionales del pleito. Lo dejé en la presentación como una curiosidad. Hay un libro del historiador Agustín Millares Cantero, Santa Cruz dominadora*, que especifica todos los movimientos que se hicieron para mantener el bloqueo con vistas a quitarle o al menos deteriorar el negocio del puerto de Gran Canaria, que era el gran negocio de las islas. Ese artículo defiende que hubo bastante mala fe y que maniobraron para prolongar el bloque más de lo necesario, el último muerto es de septiembre y hasta febrero no entró un barco al puerto de Las Palmas. Pero bueno, eso lo dejo para investigadores, divulgadores, periodistas e historiadores, lo mío es la ficción.

*Millares Cantero, A. (2007). Santa Cruz dominadora: el centralismo interno y la provincia imposible en el XIX canario. Ediciones Idea.

La alegría se dejaba sentir este sábado en la Sala Jerónimo Saavedra del Auditorio Alfredo Kraus, en Las Palmas de Gran Canaria, en la final de Sonora 2026 cuando, tras conocerse el desenlace de los votos del jurado, la organización decidió respetar el resultado y, en vez de repartir la cuantía de los premios o que se votase de nuevo para buscar el desempate, decidió desdoblarse y asumir que este año el festival se queda con dos campeones absolutos y dos subcampeones.

Así lo ha informado la organización en una nota, a la que califica como la final “más reñida de toda la historia de Sonora”, que dejó un resultado “igualmente histórico”: empate en la categoría de Oro para Los Blody y Good Franco; Plata para Usted y Belice; y Sonora Bronce para la poesía y el folk mestizo de Lula Mora. 

Una final con diez propuestas musicales de altísimo nivel, con Los Blody, Belice, Usted, Casablanca III, Xerach, Bífidos, Eric Böelle, Good Franco, Lula Mora y Pokzipol Poops, tal como puso de manifiesto la organización y el jurado durante la entrega de los premios de esta edición 2026.

Toda una sorpresa para los artistas que vieron reconocido su trabajo, en un encuentro que contó con la presencia de la alcaldesa de Las Palmas de Gran Canaria, Carolina Darias, “quien se implicó personalmente en apoyar y acompañar a las bandas en todo el proceso”, indica la nota.

El premio Sonora Oro está dotado con 6.000 euros para cada uno de los ganadores de 2026, Good Franco y Los Blody, quienes actuarán además en el Festival Sonora que se celebra el 16, 17 y 18 de octubre en la Plaza de Santa Ana, en Las Palmas de Gran Canaria; el segundo galardón Sonora Plata, con 3.000 euros, en este caso también para dos premiados, Belice y Usted; y el tercero, Sonora Bronce, con 1.500 euros.

Los pasaportes Sonora, con el que las bandas tienen la oportunidad de continuar mostrando su directo a lo largo del año más allá de esta final y que abre la puerta a los festivales de música que celebran en Canarias, deparaba también importantes novedades: Good Franco hacía triplete y se va a Sonidos Líquidos en Lanzarote y al Phe Festival en Puerto de la Cruz, pero además hacía también historia al recibir el primer Pasaporte Sonora a la grabación de un EP de la mano de la prestigiosa agencia Taste The Floor, del promotor y presidente del jurado Carlos Mata, que premiaba así la calidad y el potencial de la banda; Los Blody también hacían triplete y actuarán en Madrid en el Festival Canarias Tiene el Flow el próximo 14 de mayo -un nuevo pasaporte que se presentó por sorpresa en la final del sábado-, así como el Sonidos Líquidos La Graciosa y en el Festivalito de La Palma; Lula Mora se va a WOMEX Gran Canaria para actuar frente a cientos de promotores internacionales, Xerach viaja al Festival Boreal en Tenerife, y Casablanca III al Herofest de El Hierro. 

Bífidos, trío grancanario en la final de Sonora 2026, fue merecedor de otra de las sorpresas de la gran noche del concurso: Salán Producciones se los lleva a la Península a una gira por tres ciudades españolas. 

La final de Sonora 2026 tuvo de conductor y presentador a Supereze, comunicador y responsable del podcast No que va!!,y contó con la presencia de la alcaldesa de Las Palmas de Gran Canaria, Carolina Darias, quien destacó “el talento artístico que tiene esta tierra y la enorme calidad de las propuestas”, y el concejal de Cultura, Josué Íñiguez, para quien Sonora “forma parte indispensable de la propuesta de esta ciudad a la capitalidad europea de la cultura”, y quienes entregaron los galardones junto al productor ejecutivo y director de Sonora, Santi Gutiérrez y Juan Salan, el presidente de honor del jurado, Carlos Mata, quien se mostró “impresionado por el grandísimo nivel de la final”, y el director artístico de la candidatura de Las Palmas de Gran Canaria a la capitalidad cultural europea en 2031, José Luis Pérez Pont. Entre el público, además de diferentes artistas, responsables de podcast especializados y diversos promotores culturales, estaban también el ganador de Sonora 2025, Óscar ‘O.M.' Domínguez, y la segunda clasificada, Liane, quienes no se perdieron ninguna de las dos jornadas. 

Para el productor ejecutivo de Sonora, Santi Gutiérrez, “es todo un símbolo que la música que se hace en Canarias tome el Auditorio Alfredo Kraus, algo muy especial, y también en octubre en la Plaza de Santa Ana” y se mostró especialmente orgulloso del nivel de los artistas de la escena musical en las islas. 

En ese mismo sentido se expresó el director del certamen, Juan Salán, quien al término de la final anunció que elegía a una de las bandas, Bífidos, para hacer una gira con ellos por tres ciudades de la Península. 

El jurado de Sonora 2026 de esta final excepcional estuvo integrado por Carlos Mata, director ejecutivo de la agencia y sello discográfico Taste The Floor, que ejerció de presidente; los directores de los principales festivales de Canarias, Neftalí Acosta (Sonidos Líquidos y extensión a La Graciosa, Lanzarote), Javier Jiménez (Festival Boreal, Tenerife), Carlos Prieto (Festival Atlántico Sonoro, La Gomera), Alejandro Padrón (Herofest, El Hierro), José Víctor Fuentes (Festivalito La Palma), Antón Martínez (Womex); junto a José Luis Pérez Pont, director artístico de la candidatura de Las Palmas de Gran Canaria a la capitalidad cultural europea en 2031; Patricia Ginovés, periodista de Cultura del periódico El Día; Martina Andrés, periodista de Cultura de La Provincia; Malole Aguilar, periodista cultural y presentadora en RTVC; Mario Alonso, periodista, crítico musical y productor; y Óscar Pérez, músico, productor y ganador de Sonora en 2008.

La gran final de Sonora 2026 fue una fiesta colectiva, un brindis al excelente estado de forma que presenta la música que se hace en el Archipiélago. 

Pero también fue una noche para homenajear y recordar la figura indispensable de Dania Dévora, productora y directora de DD&Company, y presidenta del jurado de Sonora en 2024. “La cultura le debe mucho a Dania”, destacó la organización en el arranque de la jornada del sábado, pues fue “una de las personas que más hizo por la música dentro y fuera de Canarias, y además en sus proyectos contaba siempre con la participación de grupos de las islas”, señaló el presentador del evento, quien pidió al público que se pusiera en pie y guardara un minuto de silencio en su honor mientras sonaba Imagine, en versión de Ray Charles.   

Un mensaje en clave, de los que acostumbra el cantante Quevedo a compartir con sus fans en lo que ya es un éxito de comunicación y convocatoria, anuncia para mañana lunes más calor para Gran Canaria. Y es que el cantante ha compartido tres frases y un mapa, suficiente según la experiencia en sus convocatorias para revolucionar un poco todo: “Mañana algo va a pasar en la Isla. Hasta mañana, el baifo está en casa y en el cielo ocho estrellas brillarán”. La zona a la que se hace referencia en el mapa de la playa de Las Canteras y la sorpresa está prevista sobre las 20.30 horas

Tirando de raíces

Un edificio de la calle Fuencarral, en Madrid, amaneció el pasado 6 de abril con una lona gigante donde pudo verse una fotografía del cantante canario sosteniendo en sus brazos un baifo. A la imagen le acompañan las diferentes definiciones y locuciones que se dan en Canarias a la palabra para referirse a la cría de la cabra y una tercera acepción: “El Baifo. Pedro Luis Dominguez Quevedo”.

Esta lona y el hecho de que al final del videoclip de su último lanzamiento Ni borracho apareciera el cantante sujetando un baifo, han hecho que sus fans en redes sociales asocien las coincidencias con el inminente lanzamiento de un nuevo album.

No es la primera vez que el cantante grancanario tira de raíces para proyectarse al mundo. La pintadera canaria que cuelga de su cuello y que fue símbolo de su gira en 2022 se agotó en pocas horas en la tienda de la FEDAC (Fondo para la Etnografía y el Desarrollo de la Artesanía Canaria) y sus canciones siempre nombran lugares, palabras y fiestas canarias.

El Ayuntamiento de La Laguna ha presentado oficialmente el facsímil exacto de Descripción de las Islas Canarias, la obra monumental que el ingeniero renacentista Leonardo Torriani elaboró entre 1588 y 1592 por encargo del rey Felipe II. Esta reproducción artesanal, realizada con absoluta fidelidad al manuscrito original conservado en la Universidad de Coimbra, incluye más de 60 ilustraciones excepcionales: mapas insulares, perfiles costeros, planos urbanos como el pionero de La Laguna en traza renacentista, escenas etnográficas, fortificaciones y trajes tradicionales. Se trata de la primera representación científica, urbana y territorial del Archipiélago, uniendo ingeniería, cartografía, arte y observación naturalista para capturar la geografía, sociedad y defensas canarias del siglo XVI.

Colaboración histórica con Coimbra

La fragilidad del original impide su viaje, pero esta réplica, impulsada por la Concejalía de Patrimonio Cultural con motivo del 25º aniversario de La Laguna como Patrimonio Mundial, acerca el legado a la ciudadanía y fortalece los lazos con Coimbra, evocando figuras como José de Anchieta. El alcalde Luis Yeray Gutiérrez la describió como “un puente entre siglos, un gesto de recuperación de nuestra memoria fundacional y un símbolo del compromiso con la conservación del patrimonio”.

João Luís de Jesus Fernandes, subdirector de la Facultad de Letras de Coimbra, celebró el “honor” de esta colaboración que proyecta futuras iniciativas académicas.

Voces expertas en la presentación

El concejal Adolfo Cordobés resaltó su valor como “testimonio extraordinario del pasado del Archipiélago”, herramienta para investigación, divulgación y educación. Katarzyna Zych, conservadora de Papyri Ars, detalló el proceso artesanal página a página, respetando ilustraciones, anotaciones, marcas del tiempo y daños por xilófagos (insectos roedores de madera) para una réplica científica exacta. Néstor Verona, historiador y coordinador, enfatizó: “Torriani no solo dibujó mapas: construyó la primera mirada científica sobre Canarias, configurando su identidad urbana, defensiva y cultural”.

El próximo 15 de mayo se inaugurará la exposición en la Casa Anchieta, y se planean giras por ciudades como Las Palmas, Santa Cruz de Tenerife, Teguise o Garachico para compartir este patrimonio con todo Canarias.