El dúo sevillano SFDK, uno de los grandes referentes musicales del hip-hop, será protagonista de la próxima edición del Icónica Santalucía Sevilla Fest, donde recalará con su nueva 'Gira 2027' el próximo 26 de junio. Formados a principios de los años 90 por Zatu y Acción Sánchez, han construido a lo largo de más de tres décadas una trayectoria que “ha trascendido géneros, generaciones y fronteras”.

Su presencia en Icónica Sevilla Fest supondrá, además, un encuentro especialmente significativo entre uno de los grupos más importantes de la música urbana española y la ciudad que vio nacer y crecer su propuesta artística, informa la organización en una nota de prensa.

Desde sus primeras maquetas hasta la creación de himnos intergeneracionales y discos fundamentales como 'Siempre Fuertes', '2005' o 'Redención', Zatu y Acción Sánchez han desarrollado una carrera marcada por la dedicación absoluta a la música y por una “capacidad única para mantenerse como referencia a lo largo de décadas”.

Entre sus grandes hitos se encuentran los discos de oro, su presencia como cabeza de cartel en los principales festivales del país y décadas de éxito en las listas, además de algunas de las mayores demostraciones de fuerza de la música urbana española en directo. Entre ellas destaca especialmente el concierto celebrado con motivo de su 30 aniversario en el estadio La Cartuja de Sevilla, ante más de 60.000 personas, una cifra que refleja la “extraordinaria conexión del dúo con su público”.

“La versatilidad de SFDK, la agudeza lírica de Zatu y la maestría en las producciones de Acción Sánchez han convertido al dúo de Pino Montano en un referente inamovible de la cultura hip-hop. Una identidad artística que ha sabido evolucionar sin perder sus raíces y que ha permitido a varias generaciones encontrarse en torno a sus canciones y a una forma de entender la música que ya forma parte del patrimonio cultural contemporáneo de Sevilla”.

Con las confirmaciones de El Barrio (5 de junio, con entradas agotadas), Hakuna (11 de junio) y SFDK (26 de junio) Icónica Santalucía Sevilla Fest inicia la cuenta atrás para su séptima edición, que volverá a reunir algunas de las voces más influyentes de la música internacional, y a ofrecer experiencias únicas en un entorno excepcional.

En los próximos meses, el festival dará a conocer el resto de nombres que completarán un cartel ecléctico, diverso y de primer nivel. Con cifras récord conseguidas en solamente seis ediciones, Icónica Fest ha logrado posicionarse como el evento musical líder en venta de entradas en España y una de las principales vivencias musicales de Europa.

Si bien sus carteles han estado llenos de nombres icónicos de la música de todos los tiempos, como Patti Smith, C. Tangana, Culture Club, Scorpions, Anastacia, Laura Pausini, Take That, Justin Timberlake, Pet Shop Boys, Maná, Sting, Jean-Michel Jarre, Kylie Minogue o Robbie Williams, entre muchos otros, la cita aspira a lograr en 2027 su propuesta más ambiciosa.

Cuando Susana Ginesta, líder de las Cadiwoman, anunció este miércoles en redes que esta chirigota femenina acompañaría a Shakira en sus próximos conciertos en Madrid, mucha gente pensó que estaba de guasa. A decir verdad, el modo en que lo hizo, con un rótulo superpuesto sobre la imagen de la estrella colombiana con la leyenda “Shaki, ve abriendo la cama nido, que las Cadiwoman van pa llá. No nos lo creemos todavía”, inducía cuando menos a la sospecha. Tampoco el texto de su comentario: “Actuaremos en su pedazo de evento. No puedo dejar de pensar en cuplés nuevos y en un baile de barriga apropiado”. Pero era verdad.

Será el 26 y el 27 de este mes de septiembre cuando las Cadiwoman, una formación carnavalesca de marcado acento feminista –Ginesta es experta en políticas de igualdad–, se integren en el Macondo Park, la ciudad de fantasía que el equipo de Shakira ha concebido para sus doce conciertos anunciados entre el 18 de septiembre y el 11 de octubre, con los que espera congregar, y deslumbrar, a más de 50.000 espectadores. 

“Al principio nosotras también creíamos que era cachondeo”, explica Susana Ginesta, “cuando recibimos la llamada de una chica que forma parte de la organización del evento, que se confesó fan del carnaval y que había pensado que podíamos encajar. Hasta que poco a poco nos lo fuimos creyendo, y lo hicimos definitivamente cuando apareció el cartel y, en medio de ese mogollón de artistas vimos en una parte chiquitita el nombre de Cadiwoman. Solo ahí dijimos: va a ser verdad que vamos a actuar en este festival tan gordo”.

Su hermana, Marta Ginesta, explica divertida el desconcierto que ha cundido en Cádiz desde que se hizo pública la noticia. “Mucha gente cree que es mentira, otra que ha sido Shakira quien nos ha llamado en persona desde un fijo y que va a entrar en la chirigota... Solo podemos asegurar que vamos a formar parte de su espectáculo, pero vamos, no creo que vayamos a tomar café con ella”.

'Artivismo' a la gaditana

Según Susana, “al parecer alrededor de los conciertos, Shakira ha creado un concepto en el que se van a dar cita muchas disciplinas: arte callejero, música, exposiciones, gastronomía... Ahí mucha gente va a pasar las horas previas al concierto, y el lugar se va a llenar de actividades. Una de ellas va a ser la de Cadiwoman”. El tipo –vestuario para la ocasión– que llevarán a su cita en Madrid será el mismo con el que han salido en el carnaval de Cádiz de este año, el de Las Queen, una desenfadada réplica femenina de las bandas latinas de barrio.

Con casi dos décadas de andadura en el Carnaval, estas desvergonzadas –en el mejor sentido de la palabra– chirigoteras presumen de tener “el poder de mimetizarse cada año en un personaje intentando exprimirle todo el jugo posible para que sea divertido y punzante. El nombre puede recordarnos a una superheroína, y es que para sobrevivir en Cádiz (y prácticamente en todo el mundo) casi que hay que serlo”, afirman.

“Cantamos las cosas que nos pasan, y lo que vemos a nuestro alrededor, escenificando el costumbrismo desde lo absurdo intentando ser la criptonita de lo sistemático”, agregan. “Cadiwoman para nosotras no sólo es una chirigota, es una manera de hacer activismo feminista desde el humor, es hacer artivismo. También es una catarsis personal que nos permite exorcizar demonios, creando un espacio de creación y pensamiento desde la risa, que es lo más serio que existe en el mundo”.

Crítica social

Esa filosofía las ha llevado a actuar en centros penitenciarios, programas formativos de empoderamiento, jornadas y congresos feministas o en salas de música, y les ha valido numerosos reconocimientos. Incluso llevaron con éxito hasta Uruguay un proyecto intercultural con la Intendencia de Montevideo, donde se realizaron además del espectáculo, conferencias y talleres a cargo de las especialistas en políticas de igualdad de este grupo.

No obstante, la experiencia en el Macondo Park de Shakira será a buen seguro muy diferente. “Creo que lo vamos a pasar estupendamente, lo vamos a dar todo, este viernes sin ir más lejos hemos quedado para ensayar y vamos a ver qué cantamos”, comenta Marta.

“Por lo que nos han explicado, los organizadores querían unir y fusionar la cultura de Colombia, del carnaval de Barranquilla con el de Cádiz y las cosas que hacemos por aquí. Haremos una hora de show e intentaremos recrear el carnaval callejero por las calles de Macondo. Hay gente que se cree que vamos a estar al lado de Shakira haciendo el Waka-waka, pero no”, rie Susana. “Estamos nerviosas, contentas, ilusionadas. Iremos a hacer lo que sabemos hacer: arte, carnaval, música y por qué no, un poco de crítica social”.

La chirigota callejera Cadiwoman, conocida en el mundo del Carnaval de Cádiz por tener una composición íntegra de mujeres y cantar letras sarcásticas con un marcado tinte feminista, va a ser una de las invitadas en la residencia de Shakira en Madrid, al actuar en dos de los conciertos que la artista tiene programados desde este mes de septiembre.

En concreto, la agrupación gaditana actuará los días 26 y 27 de septiembre en el Espacio Macondo, compartiendo escenario con artistas de éxito como Amaia, Guitarricadelafuente o Ángeles Toledano, entre una larga lista de invitados.

Las mujeres de Cadiwoman se subirán al escenario con el tipo de 'Las Queen', que ya cantaron por las calles de Cádiz este pasado febrero, según ha contado Susana Ginesta, una de sus integrantes, a Europa Press, asegurando que están “muy contentas” por ser partícipes de uno de los eventos musicales más esperados de la temporada.

Ahora queda por delante ver el repertorio que llevarán a la residencia de la colombiana en Madrid, para lo que intentarán elegir lo que mejor se ajuste al lugar, y siendo conscientes de que tienen argumentos de sobra para formar parte de este evento multidisciplinar, ya que además de música, habrá gastronomía, exposiciones de moda, de pintura y de otras disciplinas.

La chirigota Cadiwoman empezó a andar hace 17 años. Sus integrantes cantaban las cosas que les pasaban y lo que veían a su alrededor, “escenificando el costumbrismo desde lo absurdo e intentando ser la criptonita de lo sistemático”.

Esta forma de contar lo cotidiano desde una visión feminista y sin olvidar el humor son las señas de identidad de una agrupación callejera que ha conseguido con los años ser una de las que siempre hay que buscar y ver por las calles de Cádiz tras el concurso oficial en el Teatro Falla.

Y es que, como defiende la propia agrupación, Cadiwoman “no sólo es una chirigota” sino “una manera de hacer activismo feminista desde el humor”, es decir, artivismo.

En todos estos años, han actuado en cárceles, han participado en programas formativos de empoderamiento, en jornadas y congresos feministas o en salas míticas. Ahora, cantarán sus letras ante miles de personas, lo que permitirá que su mensaje llegue aún más lejos.

Hace apenas cuatro meses, elDiario.es Andalucía se hacía eco de una noticia que ya estaba en boca de muchos granadinos: La Tertulia de Granada, el local por el que durante más de cuatro décadas había desfilado la flor y la nata de la cultura local, nacional e internacional, desde Enrique Morente o Luis García Montero a Rafael Alberti, Paco Ibáñez, Joaquín Sabina o Mario Benedetti, cerraba sus puertas. Su responsable, Tato Rébora, dejaba no obstante abierta una posibilidad de supervivencia, casi un milagro: la creación de una asociación para mantener abierto un espacio de encuentro único e histórico.

Eso es precisamente lo que ha ocurrido entre el final de la primavera y el verano. Desde que se produjo el anuncio de la clausura de La Tertulia, se planteó un largo programa de despedidas por parte de músicos y creadores encaminado, entre otras cosas, a reducir las deudas en la contabilidad del local de la calle Pintor López Mezquita. En esas citas fue fraguándose la Asociación Cultural Entusiastas de La Tertulia, nacida de la movilización de “socios, amigos, artistas y habituales decididos a impedir que desapareciera un lugar que forma parte de la memoria cultural de Granada”, explican en un comunicado.

“Desde el 31 de mayo, que fue el último día de La Tertulia abierta bajo el formato de sus 46 años, han pasado tres meses”, explica Tato Rébora, el alma de La Tertulia desde su fundación. “Andrés Neuman escribió un artículo proponiendo una asociación cultural, y él mismo propuso el nombre de Entusiastas de la Tertulia, lo cual me parece indicado. Fueron reuniones de mil temas, formación de comisiones, de programación, de logística, de reforma... En fin, de todas las actividades que tenía tradicionalmente la tertulia. Una reformulación, yo creo que todo para mejor”.

Ahora, la nueva asociación pretende “conservar el carácter histórico de La Tertulia: mantener la poesía, la música, el pensamiento y el encuentro entre generaciones. La Tertulia quiere seguir haciendo historia”. Así, este próximo miércoles 2 de septiembre, La Tertulia vuelve a abrir sus puertas para iniciar oficialmente una etapa distinta de una historia que, “pese a lo que parecía hace apenas unos meses, todavía tiene muchas páginas por escribir”. La jornada de reapertura, a partir de las 21.00 horas, se concibe como “un mosaico de participaciones en el que agentes culturales de la ciudad, artistas locales y creadores de distintos ámbitos compartirán sus voces en un acto abierto al público. Será el primer latido de esta nueva etapa y una muestra viva de la diversidad y el talento que convierten a Granada en una ciudad culturalmente viva”.

Programación renovada

Le seguirá, el jueves 3, una jam de poesía, y al día siguiente, el viernes 4 de septiembre, a partir de las 21.00 horas, se celebrará un encuentro privado que contará con un concierto exclusivo del artista Juan Pinilla, quien actuará en agradecimiento y como broche de oro a este nuevo comienzo. Desde la organización destacan que “este concierto no es solo un espectáculo, es un abrazo musical a quienes nos han sostenido. Será, sin duda, un acontecimiento en la ciudad”. La programación regular de la tertulia se retomará a partir de la semana siguiente, con sesiones periódicas que mantendrán el diálogo, la reflexión y el encuentro entre generaciones que siempre ha caracterizado al espacio.

En los días siguientes, tendrán lugar una reunión del club de ajedrez (5 de septiembre), un concierto de José Antonio y Patricia Fernández (5 de septiembre), la primera noche de tango de la nueva etapa (8 de septiembre), la Tertulia de los Inmortales (9 de septiembre), un taller de dibujo (10 de septiembre), el ciclo de poesía Sureñas. Voces de aquí para allá (10 de septiembre), la presentación de La Tragantía (11 de septiembre), un escenario abierto de música (11 de septiembre), un café filosófico (12 de septiembre), un concierto de Juan Pinilla (12 de septiembre), otra noche de tango (15 de septiembre), una jam de risas (16 de septiembre), una jam de poesía (17 de septiembre), la representación de Oníricas (18 de septiembre), una nueva sesión del club de ajedrez (19 de septiembre), el taller de musicalidad para bailarines de Lucio Claros (22 de septiembre), una noche de tangos con el Gerull-Crispy-Claros Trio (22 de septiembre), una charla sobre Inteligencia Artificial y Arte (23 de septiembre), una jam de poesía en torno a la amistad (24 de septiembre), un nuevo escenario abierto de música (25 de septiembre), otro encuentro del club de ajedrez (26 de septiembre), un concierto de flamencas y poesía (26 de septiembre) y una última noche de tango (29 de septiembre).

Desde el colectivo quieren asimismo hacer llegar un agradecimiento muy especial a cuantas personas han hecho posible esta reapertura. “Sin su apoyo incondicional, su cariño y su confianza, esto no habría sido posible.”, señalan los promotores, que recuerdan que el espíritu de La Tertulia siempre ha sido el del encuentro y el diálogo.

Tertulia para rato

“Yo creo que La Tertulia va a seguir siendo la misma, mejorada”, explica Rébora. “Mejorada por la inyección de entusiasmo de un grupo numeroso de jóvenes realmente entusiastas y, además, porque va a tener el apoyo económico de los socios, que va a posibilitar que ese tema sea, por supuesto, más relajado y que pueda asistirse a todas las deudas sin tener el estrés de cada mes. Así que yo creo que ha sido la mejor solución: desde un extremo, que era el cerrar ya definitivamente, ahora la tertulia pasa a la responsabilidad de la asociación cultural. Es decir, que he cedido, se puede decir que he regalado La Tertulia a la asociación cultural. Es decir, que yo me sumo a ser un entusiasta más de la nueva etapa de La Tertulia”.

“Realmente creo que va a haber, en este sentido, tertulia para rato, renovada y con aquella frase de Mario Benedetti que decía: ‘Pienso, luego insisto’. Es decir, que va a continuar con coherencia, pero también con actitud de renovación. Y a mí me divierte y me gusta mucho”; concluye Rébora. “Creo que esta nueva etapa la voy a disfrutar muchísimo, con la cantidad de iniciativas de las que estoy siendo testigo, que realmente valen la pena. Esta nueva etapa va a superar la edad de muchos y, sobre todo, la mía, que suelo ser el mayor de todos”.

Cuando todavía no se había repuesto de la pérdida del maestro de la guitarra Pepe Habichuela, el flamenco vuelve a vestirse de luto, esta vez por la pérdida de un productor. Pero no de un productor cualquiera: Ricardo Pachón, nacido en Sevilla en 1937, ha fallecido a la edad de 89 años tras hacer Historia en un género que revolucionó de la mano de artistas únicos como Camarón de la Isla, Lole y Manuel, Veneno o Pata Negra, abriendo las puertas de la modernidad en una España ansiosa por inaugurar una nueva etapa tras la larga noche del franquismo.

Licenciado en Derecho por la Universidad de Sevilla, Pachón trabajó en el Área de Cultura en la Diputación de Sevilla y en la Junta de Andalucía y RTVE, donde realizó programas memorables como los de la serie El Ángel: Musical flamenco. Fue también guitarrista durante un tiempo, llegando a acompañar a ídolos como Pastora Pavón, la Niña de los Peines. Sus comienzos en la producción vinieron ligados a grupos del llamado rock andaluz como Imán o Smash, pero su primer hito flamenco lo marcó con uno de los miembros de este grupo, Manuel Molina. Este guitarrista formó con su compañera, Lole Montoya, el dúo Lole y Manuel, que vino a pintar de colores la grisura del ecuador de la década del 70 con discos como Nuevo día, Pasaje del agua o Romero verde, cuando el dictador agonizaba en la cama.

Era solo el comienzo de una revolución que continuaría con Veneno, la síntesis del feeling gitano de los hermanos Amador y el atrevimiento de un joven Kiko Veneno, que tendría su continuidad en los 80 en la aventura insólita de los Pata Negra. Pero si Pachón hubiera de ser recordado por un solo artista, éste sería sin duda Camarón de la Isla, para quien produjo La leyenda del tiempo, un disco tan trascendental como incomprendido en su momento, así como Como el agua, Calle Real, Viviré, Flamenco Vivo o Soy gitano, entre otros álbumes memorables.

Carrera llena de estrellas

En la carrera de Pachón figuran también artistas tan singulares como el rockero sevillano Silvio, para quien realizó Al este del Edén y Fantasía occidental, los malagueños Tabletom o Rocío Jurado, para quien compuso la banda sonora de La Lola se va a los Puertos, de Josefina Molina, un campo en el que repetiría para la película Belmonte, de Juan Sebastián Bollaín.

Sin embargo, su terreno natural fue siempre el flamenco, en el que siguió trabajando con grandes creadores como Rafael Riqueni, Tomatito o Diego Carrasco, así como jóvenes valores como Maíta vende Ca o La Macanita. Durante 50 años estuvo a la cabeza del sello Flamenco Vivo, con un impresionante archivo que nadie, excepto él mismo, ha logrado ver en su totalidad, pero que atesora joyas fonográficas y audiovisuales de incalculable valor, incluyendo incontables fiestas privadas.

Otros hitos suyos fueron el documental Triana pura y pura, que narra la expulsión de los gitanos del barrio de Triana de Sevilla. Entre los galardones que jalonan su carrera destacan el premio Imagenera 2013, Festival de Sevilla Panorama Andaluz, el Beefeater In-Edit Film Festival Mejor Película y el Premio Leyenda del Flamenco de San Fernando.

Fue tentado para dirigir la Bienal de Sevilla -“Nunca ocurrió porque las personas responsables consideraban que yo era muy gitanero”, decía encogiéndose de hombros- y llegó a estar al frente del Instituto Andaluz de Flamenco, apenas por un año entre 2019 y 2020, cuando ya era octogenario. En cierto modo, este cargo, aunque fugaz, coronaba una trayectoria que ahora, con la marcha del sevillano, deja un caudal de música sencillamente impresionante.

La Fundación Pública de Servicios Cueva de Nerja (Málaga) ha informado este viernes de la suspensión de la edición de 2026 del Festival Cueva de Nerja y una decisión que, han detallado, se ha llevado a cabo “como consecuencia de la situación jurídica que afecta al procedimiento de contratación para la organización y explotación de este evento musical durante el periodo 2026-2030”.

A través de un comunicado, han indicado que la fundación inició la tramitación del expediente en 2025, “en tiempo y forma”, con el objetivo de garantizar “la celebración y estabilidad del festival durante los próximos cinco años mediante un contrato que prevé la organización de entre diez y 12 conciertos de primer nivel por cada edición”.

Tras la adjudicación definitiva del contrato, y el consiguiente anuncio de la celebración de este festival en 2026, “la empresa excluida del procedimiento por el Tribunal Administrativo Central de Recursos Contractuales (Tacrc) interpuso un nuevo recurso especial en materia de contratación que ha provocado la suspensión legal del procedimiento impidiendo su ejecución dentro de los plazos necesarios para celebrar la edición de este año”.

“La fundación ha hecho todo lo posible para que este festival pudiera celebrarse, impulsando la tramitación del procedimiento, colaborando plenamente con el Tacrc y realizando todas las actuaciones necesarias para hacer viable la ejecución del contrato, la celebración de los conciertos y del conjunto de actividades, servicios y prestaciones que integran la organización integral de este festival”, han aseverado.

Además, han añadido que la fundación ha solicitado el levantamiento de la suspensión “al considerar que su mantenimiento ocasiona un grave perjuicio al interés público comprometiendo la celebración del festival”. No obstante, “la falta de una resolución dentro de los plazos necesarios hace materialmente imposible organizarlo este año con las garantías jurídicas, técnicas, logísticas y de seguridad exigibles”, han añadido.

Así, han apuntado que una vez que el Tacrc dicte la resolución correspondiente, la fundación adoptará “las decisiones que procedan conforme al ordenamiento jurídico para garantizar la continuidad de las futuras ediciones del festival”.

Desde la Fundación Pública de Servicios Cueva de Nerja han lamentado “profundamente” esta situación y han reiterado su “compromiso con la legalidad, la transparencia, la seguridad jurídica, la defensa del interés general y la continuidad de uno de los acontecimientos culturales más importantes de Andalucía”.

“Sé de un lugar/ Para ti/ Abre tu corazón/ Que hoy vengo a buscarte, amor...” La impetuosa voz de Jesús de la Rosa se abre paso en el comienzo de la canción Sé de un lugar, uno de los temas clásicos del grupo de rock andaluz Triana, convertido en himno medio siglo después de su lanzamiento. Ahora, el comunicador Manu Sánchez ha vuelto a ponerlo de moda en su espacio televisivo El perro andaluz para varias generaciones de espectadores, aunque el significado de su letra sigue siendo un misterio o, como mínimo, objeto de especulación.

Cabe recordar que fue en el año 1975 cuando el grupo capitaneado por De la Rosa, junto con el guitarrista Eduardo Rodríguez Rodway y el batería Juan José Palacios, Tele, se dio a conocer dentro y fuera de Sevilla con un álbum deslumbrante titulado El Patio, que vería la luz el 14 de abril de ese año con una memorable portada del artista plástico Máximo Moreno, que sería autor de otras muchas cubiertas de álbumes de rock y flamenco.  

Sé de un lugar es el corte que abre la cara B del álbum, “y uno de los más lineales del disco”, según recuerda el periodista especialista en la música de la época José María Arenzana, responsable del espacio Callejón del rock andaluz en Canal Sur. “Triana graba su primer single en octubre de 1974, y en 1975 se graba esta canción al mismo tiempo que el primer disco de Lole y Manuel y el debut de Goma, donde tocaba Manolo Imán. Curiosamente, en los tres discos se incluyó una canción que tenía los mismos acordes. Así ocurre con Todo es de color de Lole y Manuel, que al parecer surge de un momento de cachondeo entre Manuel Molina y Tele, en el que improvisaron una letra que decía ‘Todo es de Pulpón’ refiriéndose al conocido empresario que los representaba”.

Una historia de amor

A Arenzana le llama la atención que todas las demás canciones del disco, como Abre la puerta, Luminosa mañana o En el lago, aluden “a referencias concretas del momento, pero con mucha sustancia mística ayudada por el LSD al que eran aficionados. 'En el lago', por ejemplo, se inspiró en los lagos del Serrano, cerca de Sevilla, donde se pusieron de tripis hasta los ojos. Sin embargo, 'Sé de un lugar' se desmarca de todo eso: es una canción de amor que habla de construir un espacio, un hogar”. Ello explicaría, entre otras cosas, el llanto de un bebé que se escucha en torno al minuto 3.30 de la canción, y que representaría la presencia y el cuidado de descendencia en casa.         

Gonzalo García Pelayo: “Me parece un tema muy definitorio de las intenciones de Triana, casi programático, de exaltación de la tierra propia, como si esa pertenencia se fusionara con la personalidad esencial de uno. Andalucía en este caso, claro”

Según el periodista, Jesús de la Rosa, al que apodaban El grande por su inusual altura, se había casado con una argentina, a la que conoció en uno de los barcos que el citado mánager Pulpón surtía de músicos a finales de los años 60 para amenizar las veladas haciendo versiones bailables de temas exitosos. El cantante se casó con la muchacha en Madrid, tuvieron hijos y en los primeros años de matrimonio “llevaron una vida muy precaria, pues los contratos escaseaban. Fue por eso que De la Rosa dio tantos tumbos: se apuntó a un grupo de Granada, y fue cantante de Los Bravos tras la deserción de Mike Kennedy, aunque no llegó a grabar ningún disco con ellos, porque decían que tenía demasiado acento andaluz”.

A los mandos de aquella grabación estuvo el productor musical y director de cine Gonzalo García Pelayo, una presencia ubicua en la música del momento desde que en 1975 fundara el sello Gong, trabajando para artistas como Víctor Jara, Silvio Fernández Melgarejo, Luis Pastor, Hilario Camacho, Gualberto, Lole y Manuel o María Jiménez, entre muchos otros. Pero nunca ha olvidado la impresión que le causó Sé de un lugar en el repertorio del grupo sevillano. “Me parece un tema muy definitorio de las intenciones de Triana, casi programático, de exaltación de la tierra propia, como si esa pertenencia se fusionara con la personalidad esencial de uno. Andalucía en este caso, claro”.

Tiempo y lugar fundidos

“La produje y la grabé dos veces”, añade el productor. “La original en el primer disco del grupo y una segunda con Diego Cigala en una versión que también me parece memorable, porque Diego era el único de aquel disco-homenaje que podía competir con Jesús. Siguiendo esta misma idea abrí mi primera película, Manuela, con Sé de un lugar para enmarcar la historia del film en la Andalucía que debía palpitar en todo el film que fue considerado como primera película andaluza de la transición”.

Después de aquel estreno, han sido muchos los que han utilizado este tema como motivo musical, desde una conocida marca de aceite para su anuncio televisivo al mencionado programa de Manu Sánchez, donde sirve para reivindicar “todas las Españas”. Igualmente, la influencia de aquella canción y de aquel disco se extiende a artistas como Camarón, que entendió escuchando a grupos como Triana o Las Grecas que el flamenco podía y debía hacer su propia revolución a través del rock, a los más recientes Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, banda sevillana en la que la huella trianera es más que evidente.  

Arenzana, por su parte, asevera que “García Pelayo se quedó alucinado con aquella composición, porque cristalizaba algo que venía propugnando desde la creación del grupo Smash, buscando una música que fundiera el tiempo en que estaban y también el lugar, la Sevilla y la Andalucía de la que habían surgido. El grupo que lo logró plenamente, el gran hacedor de esa fusión, fue Triana”.

Desde que en 2021 iniciara su andadura, el Icónica Santalucía Sevilla Fest se ha convertido un referente para el mapa musical español y europeo. La cita estival, que se ubica en un espacio tan emblemático como la Plaza de España, volverá a reunir este año a miles de espectadores en torno a un cartel en el que figuran estrellas como Aitana, Raphael, Maroon 5, Robbie Williams, Lenny Kravitz, Isabel Pantoja & Il Divo, Jamiroquai, Viva Suecia, Pablo Alborán, Los Delinqüentes, Raphael, Dani Fernández, Hombres G, Marilyn Manson, Moby o Sting 3.0, entre otros.

Al frente de esta aventura está el empresario Javier Esteban, que conversa con Eldiario.es sobre el pasado, el presente y el futuro de Icónica.     

Hace un par de años hablamos de las posibilidades de crecimiento de Icónica, y nos dijo que todavía veía mucho margen para ello. ¿Se han confirmados sus expectativas?

La verdad es que Icónica nos ha sorprendido a todos, hasta a los que estamos detrás del proyecto. Siempre hemos visto que tenía un margen de crecimiento muy grande, pero también te digo que hubiera sido algo muy soñado posicionarnos en tan solo cuatro años como el festival de ciclo con más ventas en España. Y ahora, que cumple su sexta edición, estamos en números de poder decir, seguramente en septiembre, cuando acabe el verano, que ha sido el evento musical con mayor asistencia de toda España.

¿Y en fechas estivales, que tradicionalmente eran consideradas un desierto en Sevilla?

Sí, pensar esto desde Sevilla y para Sevilla, con el verano tan temido que ha habido aquí siempre... Cuando empezábamos era uno de los grandes retos que teníamos en la cabeza, entendíamos que era muy complicado conseguirlo. Y quizá podemos decir que lo hemos conseguido en tiempo récord, porque estamos hablando de superar las ventas y la asistencia de festivales como Primavera Sound, Arenal Sound o Mad Cool, que son marcas con muchísimos años y mundialmente conocidas.

Cuando Icónica nace, en plena pospandemia, la gente tenía muchísimas ganas de disfrutar de música en directo y de encontrarse, pero ese impulso se ha ido atenuando. ¿Qué es lo que ha hecho que Icónica, en cambio, sí se mantenga y goce de buena salud?

Eso es complicado saberlo. Yo tengo mi propia apreciación, y es que Icónica nació como un festival, como te decía, de Sevilla para Sevilla. Muchas veces eso no se tiene tan en cuenta en otras ciudades y se generan festivales para la gente que va de vacaciones o para un público más turista. Ese reto lo teníamos encima de la mesa cuando empezamos, porque todas las previsiones y los indicadores decían que Sevilla era muy mala compradora de entradas, que la gente no tenía interés por comprar entradas de conciertos. Por ejemplo, el Estadio Olímpico tenía un índice de solo un 8% de público sevillano cuando había conciertos. De hecho, nuestro primer año, siendo todavía 2021 y con los desplazamientos limitados por el COVID, y además con un cartel muy nacional, solo tuvimos un 21% de público sevillano. Pero trabajándolo con el máximo cariño e intentando contarle a los sevillanos que esto es un festival para ellos, y además haciendo un cartel muy acorde con lo que es esta ciudad, un cartel muy ecléctico, creo que hemos sido pioneros en mezclar en un mismo cartel a Prodigy con Siempre Así o ahora a Isabel Pantoja con Marilyn Manson. Eso ha permitido que sea un festival muy de ciudad, muy de la marca Sevilla, un festival incluso familiar, y que el sevillano le coja cariño a este evento, que además sucede en una época en la que antes todos mirábamos hacia fuera para irnos a la playa. Ahora es al revés: muchos sevillanos que están de vacaciones vuelven un miércoles o un jueves para ver un concierto y se marchan al día siguiente.

Se ha llegado a hablar de un 60% de público local...

Este año estamos por encima, casi en un 70%. Precisamente esta mañana [por el lunes] hacíamos repaso y ya hemos pasado, con las ventas de hoy, del millón cinco mil asistentes que van a pasar por Icónica. De esos, 614.000 son sevillanos, que corresponde más o menos a un sesenta y pico por ciento, pero en esta sexta edición estamos ya en el 68% de público local.

Antes de la crisis de 2008, Sevilla presumía de estar bastante integrada en el circuito internacional, luego vino la crisis y pareció perder ese estatus. ¿Podemos decir que Icónica ha devuelto a la ciudad al mapa de las grandes giras mundiales?

Sin duda alguna. Me preguntan mucho por el gran cartel que tenemos este año y, sin quitar mérito al departamento de booking, que hace una labor encomiable, te puedo decir que un gran porcentaje de los artistas que están hoy en este cartel son ofrecimientos de las propias oficinas. Al final el mundo de la música habla y ya existe una corriente dentro de los grandes tours internacionales que dice: “Oye, Sevilla”. Antes los artistas tiraban para Málaga, Madrid o Barcelona, y ahora piensan que uno de los sitios más interesantes es Sevilla. Sigue haciendo mucho calor, sí, pero tiene un espacio único y una producción de primerísimo nivel. Creo que nadie puede mejorar lo que hacemos aquí; podrán igualarlo, pero tecnológicamente estamos siempre a la última tanto en sonido como en iluminación. Y también es muy interesante para los artistas tener de fondo esos más de 600 móviles iluminando la Plaza de España, porque hacen un telón totalmente diferente a todo.

Del cartel internacional de este año, ¿hay algún nombre que le haga especial ilusión?

A mí, ilusión me hace todo, porque construir el cartel es algo que hacemos con muchísimo cariño y buscando que Sevilla se vea identificada en él. Pero es verdad que tenemos grandes nombres, ves ese cartel y es un poco como soñar despierto. Va a quedar para la historia y del que se hablará durante muchos años.

Ustedes han cuidado mucho el producto nacional e incluso hay un sello andaluz y sevillano muy acentuado. Hemos visto conciertos memorables Antílopez o SFDK, este año están Los Delinqüentes… ¿Ha sido eso, también, una seña de identidad?

Claro que sí. Nosotros nos sentimos parte de una industria de la que forman parte todos esos artistas que hoy tienen sus carreras más que consolidadas y otros que están por venir. Desde que empezamos con Icónica siempre hemos contado con el producto local. Si hacemos un festival en Sevilla y queremos que sea de Sevilla para los sevillanos, los artistas tienen que verse representados y sentir que tienen cabida en un festival cargado de estrellas internacionales, pero también de nuestras estrellas locales y nacionales. Este año, sin ir más lejos, tenemos a Isabel Pantoja, Califato ¾… El año pasado estuvieron Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Kiko Veneno, Raimundo Amador, Siempre Así. Ese es un poco el sello de este proyecto.

Se dice que uno de los grandes logros de Icónica este año ha sido juntar en el cartel a Isabel Pantoja y a Kiko Rivera, ¿ha sido tan difícil?

Ha sido un guiño más. Sobre todo porque Kiko llevaba varios años en los que se había planteado esa posibilidad y, por una cosa o por otra, no había surgido. Nos contaron que estaba disponible y que era posible por las dos partes, y lo vimos como un gesto bonito y un detalle más. Habrá mucha gente a la que le encantará ver eso y no deja de ser otro guiño a los sevillanos dentro del cartel de este año. Esa es la idea de siempre: un cartel que te permita ir con tus hijas un día, con tus amigos otro, con tu pareja o llevar a tus padres a otro concierto. Al final también somos el reclamo de esos regalos de Navidad recurrentes cada año, porque ofrecemos la posibilidad de regalar experiencias y, si son compartidas, mucho mejor.

Las controversias en torno a Icónica y los ruidos que ha habido en los últimos tiempos, ¿están completamente cerrados?

Sí. No ha habido juicio como tal. Ha sido una competencia mal entendida del promotor que organiza Concert Music en Chiclana, Noches de la Maestranza o Cabaret Festival en Mairena del Aljarafe. Durante seis meses estuvo diciendo que iba a demandar, denunciar y llevar el caso a la Fiscalía. Los medios le dieron voz durante ese tiempo, pero sin que hubiera nada presentado ni en el juzgado ni en la Fiscalía. Finalmente, a finales de noviembre o principios de diciembre se presentó una denuncia en Fiscalía y en poco más de veinte días quedó archivada. Era lo que siempre habíamos dicho. Además, se denunciaban cosas que no tenían ni pie ni cabeza. Nosotros hemos estado siempre muy tranquilos porque este es un proyecto iniciado con el anterior Gobierno del Ayuntamiento, basado siempre en la legalidad y en la normativa vigente. Luego hubo un cambio de Gobierno, nos reunimos con ellos, nos transmitieron que veían el festival como un proyecto muy importante para la ciudad y seguimos trabajando exactamente igual, con la misma honestidad y legalidad. Lo que pasó fue un ruido que se jugó más en los medios que en los juzgados, porque ya digo, ha quedado todo archivado.

¿Teme que quede la mancha?

Todo eso es un ruido que molesta porque intentas hacer las cosas bien y construir una marca sólida. Pero tener ya a 614.000 sevillanos que han decidido pasar por Icónica habla muy claro. En una capital de 700.000 habitantes y una provincia que no llega a los dos millones, demuestra que en seis años los sevillanos han acogido el festival de una forma espectacular. Y ahora, en vez de tener que pagar hoteles y desplazarse a otras ciudades para ver grandes conciertos, son ellos los que están en casa y tienen a las grandes estrellas en su propia ciudad.

Hay quien se queja de que dure poco, de que se acabe pronto. ¿Hay posibilidad de alargarlo?

No. Las ordenanzas tienen una limitación máxima y nosotros nos acogemos a ella. Este año tenemos 31 conciertos, 31 noches para disfrutar, y creo que hay tiempo suficiente para todo el que quiera venir. Lo que pretendemos es que sea un año con una temperatura que permita disfrutar de todo lo que está preparado.

No le voy a preguntar quién te gustaría que viniera y todavía no haya venido, porque imagino que la lista será larguísima, pero sí me gustaría saber si hay algún artista imposible.

Imposibles son Queen, Michael Jackson y Rocío Jurado. Esos tres los tendría en mi cartel si pudiera, pero eso sí es imposible. A partir de ahí depende mucho de los tours de cada artista. Hay artistas que vienen con formatos pensados para estadios y ahí no podemos entrar, porque nuestro aforo es de 18.000 personas. Pero cuando preparan shows más adaptados a arenas, sí pueden pasar por Sevilla perfectamente. Por ejemplo, Karol G ahora mismo trae un show de estadios y ahí tendremos que esperar otra ocasión. Pero no descartamos a nadie, salvo esos tres grandes iconos.

Alba Blanco (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1995) estaba empezado a dar forma a su proyecto musical, todavía sin nombre, cuando recibió un sms de una amiga en el que la llamaba sarcásticamente “La Perra Blanco”. El nombre le sonó tan bien, que lo adoptó como remoquete artístico y con él lleva ya varios años paseándose por toda Europa y firmando discos notables. En el último de ellos, Lovers and fears, se atreve a cantar por primera vez en español.

Hija de un miembro del grupo Los Destrozamitos, creadores del llamado Sonido Lineápolis, y de una profesora de piano, empezó a cantar y tocar la guitarra con 12 o 13 años, de forma autodidacta. Formó parte de un par de bandas locales, pero muy pronto se dio cuenta de que el rock no era el ámbito más hospitalario para una chica. “Aunque no creo que sea mala gente, sufrí un trato bastante horrible, se notaba la misoginia en el aire”, recuerda. “No contaban conmigo para ninguna decisión, y cuando había alguna reunión importante, me decían que me saliera fuera del local a fumarme un cigarrito”.

“No me gusta generalizar al hablar de los hombres, pero la Historia se ha escrito así”, puntualiza. “Al final, me echaron de dos bandas, una por discutir con el cantante, y la otra porque el guitarrista me dijo que haría mejor dejando el instrumento. Yo tengo mi carácter y me dije que, a partir de ese momento, no iba a estar bajo las órdenes de nadie, y menos de un hombre”.

Cambio de idioma

En ese proceso de emancipación fue providencial para Alba la cercanía con Gibraltar, adonde solía acudir para hacer jam sessions en locales como el Tunnel o el Lord Nelson. “Estuve dos años yendo todos los jueves y domingos, y cogí muchas tablas”, evoca. Así fue creciendo La Perra Blanco, y poco a poco fueron apareciendo discos que eran objeto de una espléndida acogida: La Perra Blanco, Won’t you come on, Pop & Shake, Get it out… Y finalmente Lovers and fears, producido y grabado entre Valencia, donde actualmente reside la cantante, y Chicago. “Tuve la oportunidad de viajar allí, pero preferí no hacerlo. Suponía dejar a mis músicos y grabar con gente de allí, además con jet lag y encerrada en el estudio, sin poder hacer turismo ni nada. Para eso, pensé, me quedo en casa”. 

El cambio de idioma, asegura, es algo que “se venía planteando desde hacía tiempo. Le tenía miedo porque no escucho bandas que canten en español, ni siquiera latinas. Pero mi manager, el productor y muchos colegas me insistían, ‘¡dale una oportunidad!’. Y yo pensé, ‘Bueno, si todo el mundo me lo dice…’ Pero no creas que ha sido fácil desterrar los prejuicios, he tenido que trabajar para eliminarlos. Ahora me arrepiento de no haberlo hecho antes, porque es muy chulo ver a toda la gente coreando conmigo las canciones, flipo con ese momentazo”.

“Aunque tengo un buen nivel de inglés, por mucho que quiera una, no es mi lengua nativa. Pero me había acostumbrado a escribir canciones en esa lengua, y creo que todavía tengo que aprender a hacerlo en castellano. Me gusta la literatura, la poesía, y eso me ayuda a continuar”. Sobre las lecturas, reconoce que sus preferencias en narrativa son “más bien oscuras: mi autor preferido es Dostoievski”, mientras que en poesía es devota de los hermanos Machado, “sobre todo de Manuel”, puntualiza.

Lejos de casa

Con todo, el lenguaje que La Perra Blanco domina mejor es sin duda el del escenario. Sus conciertos son un derroche de energía que se contagia al público, mientras que los discos parecen excusas para propiciar precisamente esos encuentros con los fans. “El estudio no me gusta, todo lo contrario, me agota, me aburre”, dice. “Lo que disfruto es la comunicación con la gente, que se ría, que baile, que me permita trazar ese puente comunicativo con ella y generar empatía. No hay nada comparable a eso”.

Es algo que saben bien en muchos rincones de España y el extranjero donde La Perra Blanco ya ha dejado su huella. Sin embargo, tiene la espinita de no ser muy requerida en su tierra, La Línea de la Concepción, y en la provincia de Cádiz en general. “A pesar de haber subido un escalón en los últimos tiempos, este año no tenemos ni un bolo en la zona”, lamenta. “Sé que no es culpa de la gente, porque continuamente me escriben preguntando cuándo volvemos, y no sé ni qué decirles. Hemos tenido a 1.100 personas en Madrid, a 800 en Barcelona, números muy buenos para un grupo como el nuestro. Ignoro si es cosa de las administraciones, pero lo seguro es que no nos quieren allí”.

“En español hay un refrán que dice que nadie es profeta en su tierra, y por algo será”, agrega. “No pasa nada, seguiremos en lo nuestro, pero no deja de darme pena que mi familia tenga que conducir dos horas hasta Sevilla para verme, y no puedan hacerlo en nuestra ciudad. Cuando vengan a buscarme, lo digo siempre, tal vez sea demasiado tarde”.

Esperando el cambio

De momento, La Perra Blanco es una artista que cuelga el cartel de ‘No hay billetes’ en casi todos sus conciertos, y cuando no tiene conciertos trata de relajarse y ejercitarse canalizando su desbordante energía sobre el saco de boxeo. “No soy una persona violenta, solo me sienta bien descargar así”, sonríe.

En cuanto al machismo del medio, “sigo todavía sufriendo el mansplanning, esos hombres que me explican cosas sobre micrófonos como si yo no llevara diez años como profesional de esto. Por suerte, cada vez vienen más niñas a mis conciertos, les regalo púas y me cuentan que ellas también cantan y tocan… En 20 o 30 años, si el mundo no ha reventado antes, se notará el cambio”.      

El próximo 30 de mayo, si no media un milagro, La Tertulia de Granada cerrará sus puertas después de 46 años de vida. Hasta entonces, este legendario local por el que han pasado notabilísimos poetas, actores, artistas plásticos y músicos celebrará cada día una despedida diferente hasta entonar el adiós definitivo. Una triste noticia para la cultura de la capital nazarí, pero también un síntoma de que este tipo de espacios, que han actuado como indiscutibles dinamizadores culturales durante décadas, no tienen fácil su supervivencia en los tiempos que corren.

La cabeza visible de La Tertulia, Tato Rébora, explica que el recinto “ha sido un espejo de la vida cultural de Granada con todas sus épocas. La primera, que fue una época dorada, era aquella en la que nos visitaron desde Rafael Alberti o Mario Benedetti a toda la Generación del 50, y de Paco Ibáñez a Joaquín Sabina, sin olvidar a gente como Enrique Morente o Luis García Montero que nos visitaban a diario”.

Rébora recuerda también que más adelante los distintos gremios fueron haciendo suyo el local: un tiempo era especialmente frecuentado por actores, otro por periodistas… “Las artes se fueron fragmentando y teniendo sus propios espacios, lo que supuso un relativo declive para nosotros”, recuerda. Fue entonces cuando se impuso la necesidad de programar actividades: “Donde antes las cosas ocurrían espontáneamente, y bastaba con que yo pidiera silencio para que todos oyéramos a Benedetti recitando poemas, ahora había que elaborar un programa con eventos concretos”.

La soledad y los móviles

Eso marcó una segunda etapa en La Tertulia, en el que el local “llegó a ser el filtro por el que pasaba todo, era un influencer de la ciudad. Había artistas que venían a comentar allí lo que estaban haciendo en ese momento, antes de lanzarlo a la ciudad en su conjunto”. Pero fue entonces cuando Rébora, junto a los dos socios que sostienen la empresa, empezaron a observar tendencias preocupantes en el sector.

“La Tertulia, como tantos otros lugares, había sido un lugar de encuentro, y la vida cultural su complemento”, evoca. “Pero el encuentro fue declinando, nos dimos cuenta de que terminaba el acto cultural programado y la gente no se quedaba como antaño, se iba. Además, durante el acto se consumía cada vez menos: ahora se pedía una cerveza en el tiempo en que antes se tomaban tres cubatas. El principio de salud empezó a primar sobre el sentido del placer, el público se cuidaba mucho más”.

Pero donde más se notó fue en la atmósfera de la clientela. “Antes, a las dos de la mañana podría aparecer un cliente que nos decía: ‘Estaba solo en mi casa y quería hablar con alguien’. Ahora, esa persona se queda en su casa mirando el móvil, chateando. El pub como lugar de encuentro ha muerto. Ahora prima el bar de tapas, que es tal vez poco atractivo como espacio, pero que la gente prefiere. Y en la noche hay cada vez menos gente que supere los 40 años”.

La puntilla de la pandemia

En los últimos tiempos, son muchos los locales como La Tertulia que han echado el cierre en Andalucía y el resto del país, aunque los motivos son múltiples: desde la jubilación de los propietarios y la falta de emprendedores que quieran tomar el testigo a la subida vertiginosa de los precios de alquiler, sin olvidar los problemas de insonorización en el caso de espacios para la música en directo, lo cierto es que aquel boom de locales donde disfrutar de recitales poéticos, conciertos de cantautores o de jazz, espectáculos de narración oral o café teatro va camino de apagarse irremediablemente.

La puntilla, según este veterano hostelero, “fue la pandemia. Eso ha cambiado la noche del mundo. Las masas la han cambiado por las mañanas. Si vas por Granada, todos los lugares de desayuno están llenos. Hemos pasado de tener los bares nocturnos llenos a no encontrar un sitio donde sentarte a tomarte un café a las diez de la mañana, porque está todo ocupado”.

En muchos lugares de España, el turismo ha llegado al auxilio de espacios como este que iban desfalleciendo, aunque el precio a pagar en cuanto a pérdida de naturalidad y autenticidad es evidente. “A La Tertulia viene un turismo español que nos visita como si leyesen un cómic, o como si fuese un museo. Los cuadros de nuestras paredes cuentan la historia del local y se emocionan. Solo los martes, que programamos tango, comprobamos que vienen muchos extranjeros. Pero eso no mitiga las dificultades: de seis horas que estamos abiertos, solo hay ingresos realmente durante dos horas, y como te digo con poco consumo. Antes me costaba cerrar La Tertulia, casi había que echar a la gente. Ahora a las dos y media no hay nadie”.

Las épocas mandan

En cuanto al respaldo oficial, La Tertulia ha recibido numerosos premios, tanto del Ayuntamiento como de la Junta de Andalucía. La Feria del Libro de la ciudad le hizo también honores, e incluso en la ciudad de Buenos Aires hay una placa reconociendo esta labor de años. Sin embargo, ninguna institución ha facilitado su subsistencia, a pesar de haber desarrollado una labor por las artes y las letras imposible de evaluar económicamente.

Lo que sí les ha llegado es el calor de los parroquianos, que en los últimos días están llenando La Tertulia, ayudando a reducir las deudas y, de paso, animando a sus responsables a mantener la llama viva. “Hemos tenido varias iniciativas, incluso se ha hablado de plantear crear una asociación cultural para evitar el final. No me niego a nada, pero lo que no querría es no cerrar el 30 de mayo para tener que cerrar seis meses después”, explica Rébora sin muchas esperanzas. “Hace mucho que aprendí que las épocas mandan sobre las voluntades individuales. Las tendencias tienen una potencia que no es posible revertir”.

Rébora no puede evitar la melancolía al comentar que “es duro cerrar, porque es mi vida. Yo siento que no llego a Granada hasta que no llego a La Tertulia. ¿Cómo voy a hacer ahora? Temo quedándome dando vueltas sin saber adónde llegar”.

Javier Ruibal no tiene manías ni supersticiones, pero cada noche, justo antes de salir al escenario, acostumbra a contar hacia atrás desde 20, muy despacio: veinte, diecinueve, dieciocho, diecisiete… Un rito que volverá a repetir este viernes en el Teatro de las Cortes de San Fernando (Cádiz), con motivo de una ocasión muy especial: la grabación de un nuevo disco en directo, el quinto de su carrera tras Pensión Triana, Lo que me dice tu boca, Sueño y 35 aniversario.

Un reto “tan excitante como comprometido”, según este cantautor portuense de 70 años, ya que la experiencia acumulada no es ninguna garantía ante el vértigo del directo. “A mí me gusta mucho hacer directos, creo que es la verdad de la música, ¿no? Es más excitante que una grabación de estudio. La grabación del concierto ya se oirá después, pero la presencia del público es fundamental”.

En la receta de Ruibal, lo primero que hay que tener es “motivación y ganas y también un repertorio que permita la sorpresa”, comenta. “En este caso es todo inédito, a diferencia de los anteriores. En Lo que me dice tu boca había algunas canciones conocidas y muchas otras que no, en Sueño eran mis canciones acompañadas por la Orquesta de Córdoba… Aquí es todo nuevo, con arreglos nuevos de Javier López de Guereña y una banda preciosa”.

Compañerismos y complicidad

Ese factor, la banda, es otro de los ingredientes fundamentales en la cocina de su disco. En esta ocasión, Ruibal se rodea de un verdadero grupo de solistas, con Alberto Bocanegra al piano y teclados; Diego Villegas en los vientos; José Recacha en guitarras y bajos; y Joaquín Calderón, que aportará instrumentos de cuerda y violín, sin olvidar a su hijo, Javi Ruibal, a la batería, percusiones y producción.

“Javi, aparte de que tiene mucho criterio, me conoce lo suficiente y tiene la posibilidad de decirme: aquí creo que te estás pasando, o aquí te estás quedando corto. Y eso es estupendo”, comenta el artista. “Claro, él se ha criado escuchando mi música y me ha visto componerla incluso, entonces a él no le puedo yo engañar, es el único al que no puedo engañar de entre todo el planeta [risas]. Él sabe cuáles son mis cadencias y en todo caso, si las hay, mis virtudes”.

“Siempre he estado con músicos que tienen su propia expresividad y su trayectoria y sus propias carreras”, prosigue Ruibal. “Gente que también se la juega personalmente, fuera de mis grabaciones y de mis conciertos. Y eso a mí me provoca una idea de compañerismo muy interesante, porque nadie es más que nadie. Eso sí, cada uno toca y lo que se dedica a hacer, lo hace con la mayor excelencia posible. También me gustan los músicos que me dan la impresión de que, como solistas, son mejores que yo. Por eso es muy interesante la idea de no competencia en el escenario, pero sí hacer una puesta en común en la que todo el mundo pueda expresarse y estar a favor de obra”.

Por otra parte, el gaditano subraya que la preparación de un disco como este “exige más ensayos y más precisión que un disco convencional. El repertorio lo trabajo en solitario, indudablemente, dándole muchas vueltas a las cuestiones de melodía y de armonía y muchas más vueltas a la palabra y al verso, que para mí es tan importante como lo musical”.

De los arreglos a los ensayos

“Entonces, una vez que yo ya me he partido el coco y he llegado al convencimiento de que no doy más, entonces interviene la labor del arreglista”, agrega. Con Javier López de Guereña, con el que Ruibal ya ha trabajado en otras ocasiones, “hablo en unos términos que son muy curiosos porque de pronto, para referirme a qué arreglo veo yo para tal canción, por ejemplo, digo, aquí épico, aquí sensual, aquí jocoso. Ese tipo de expresiones que no tienen nada que ver con la idea que la flauta vaya en tal o cual tonalidad, o haciendo tal cosa. Es más bien una cuestión de sensaciones, algo que atañe a ciertas sutilezas que van más relacionadas con la emoción que yo quiero que conserve la canción arreglada, que ya estaba en la canción desnuda. Para que no se pierda eso que yo he sentido cuando lo he compuesto”.

Las nuevas tecnologías acuden aquí en auxilio de compositor y arreglista, pues hay emuladores muy aceptables que permiten hacerse una idea de cómo puede quedar el resultado final. “Yo no leo música más que lo imprescindible”, admire Ruibal, “a mí ya me puedes dar un kilo de papeles que me quedó indiferente. Pero si me das la sonoridad y el resultado, pues eso me anima mucho”.

Luego viene la labor de organizar todo ese material, repartir el trabajo entre los músicos y, naturalmente, hacerlo sonar. En este caso, Ruibal distingue entre ensayos “musicales” y “técnicos”, estos últimos en el propio teatro. Los ensayos domésticos, en cambio, se han repartido entre la casa de José Recacha, en Coria del Río, en los Tempo Estudio, en Sevilla, en Mairena. “Luego vamos al teatro y tendremos dos días para poder ensayar ya in situ. Al ser la grabación en directo, hay que ir ya al escenario con el máximo de trabajo técnico hecho, solventando los posibles problemas de amplificación que pueda estropear el sonido, y que en un estudio no existen”.

Un teatro con historia

La elección del Teatro de las Cortes viene de un ofrecimiento expreso de la alcaldesa de San Fernando, Patricia Cavada, y de la delegada de Cultura, Pepa Pacheco. “Me dijeron que les hacía una ilusión tremenda que eso se hiciera allí, y a nosotros nos gustaba el teatro por su sonoridad. Es un teatro entero de madera, lo cual quita un montón de asperezas a la hora de sonar y de grabar. Y luego es un teatro lleno de historia, un sitio donde se ha proclamado la primera constitución progresista de la historia europea, la de 1812. Una constitución tan bien hecha que fue odiada inmediatamente por los poderes absolutos y se la cargaron. Mira si estaría bien hecha, fue un peligro a la sostenibilidad del absolutismo. Cantar allí me parece un privilegio”.

Por la parte de sonorización y grabación, Ruibal cuenta con otro viejo cómplice como Javier Rondán, su técnico de sonido desde hace años. Entre unos y otros, reconoce el cantante, no tiene más remedio que rejuvenecer, “porque ellos están en esa cosa tan galana que tiene la primera madurez, mientras que yo ya estoy en la tercera. De alguna manera, yo me nutro de esa energía, pero ellos también me dan latiguito para que espabile. ¿Me explico? Quieren que tú estés lo más relajado posible, pero que también des lo mejor, y que si en alguna parte el fraseo que hace la voz puedes arriesgarte más, te lo dicen. Es muy bonito y es muy generoso por su parte, porque podrían limitarse a tocar tan bien como tocan y punto, y en cambio se involucran a fondo en el proyecto”.

Finalmente, tan importante resulta conocer los pasos de la receta como eludir los errores que eventualmente se hayan podido cometer en grabaciones anteriores. ¿Cuáles serían estos escollos a evitar, en el caso de Ruibal? “En Pensión Triana, por ejemplo, había un pulso muy fuerte, porque era un repertorio de mucha euforia. Es un disco muy optimista y muy eufórico y todos los músicos tocaron con una fuerza que luego, a la hora de mezclar, me las vi y me las deseé, porque de las dos tomas que se habían hecho, de los dos conciertos que hicimos, no sabía uno con cuál quedarse. Y no es como ahora que tú puedes tomar una parte de una y juntarla a otra toma anterior, como cortar y pegar, aunque para mí la gracia está en la naturalidad”.

Un viaje sonoro

“En Lo que me dice tu boca todo es mucho más relajado, y ahí sí tomé cartas en el asunto y pensé que, en lugar de estar todo el tiempo tocando con todos, iba a hacer una canción con Andreas Prittwitz, otra con Víctor Merlo… Traté de que eso fuera un poquito menos impetuoso que en la experiencia anterior. Luego Sueño era con la Orquesta de Córdoba, con lo cual yo ahí era quien menos mandaba. Me limité a cantar lo más bonito que pude. Y luego el 35 aniversario lo planteamos como una fiesta de duetos. Cantar con Martirio, con Miguel Ríos, con Drexler, con Pasión Vega, incluso con cada uno de los músicos que había tocado conmigo a lo largo de los años, dándole su sitio a cada uno”.

De contenido del álbum, Ruibal solo puede adelantar que “todo gira alrededor de un mismo asunto, es un objeto y un viaje, un largo viaje que ocurre durante un largo tiempo: una historia contada en doce capítulos, en doce canciones, donde hay guiños musicales a una serie de lugares diferentes y de épocas diferentes. Y luego el lenguaje es, en cierta medida, clásico, un lenguaje de época. Bueno, no voy a decir de Siglo de Oro, pero casi, casi. Con ese tipo de expresividad que hubo en la época en la que transcurre la historia”.

La cabeza del portuense ya está en el próximo viernes, y casi se ve entre las bambalinas del teatro de las Cortes. “Yo he sido siempre muy salvaje, salgo al escenario sin calentar la voz ni nada, ¿no? No me pongo a canturrear en el camerino ni nada de eso. Es una cosa un poco bruta por mi parte, pero como me ha ido muy bien, no quiero romper esa costumbre”, asegura. “Sigo saliendo con la misma chispa, y los mismos nervios, aunque ya un poco más controlados. Cuando solamente está la luz de escena esperándome, me doy el gusto de estar veinte segundos larguísimos ahí: veinte, diecinueve, dieciocho, diecisiete…”.

El paisaje habitual de la costa onubense ha mudado su piel esta semana para hablar, casi exclusivamente, portugués. Lo que antaño nació como una serie de escapadas de fin de curso sin mayor pretensión, se ha consolidado en este 2026 como 'La Punta': un gigante del ocio para estudiantes que ya se sitúa como la cita de referencia para la juventud lusa antes de dar el salto a la Universidad.

Punta Umbría no solo acoge una fiesta; gestiona un rito de iniciación que ha pasado de las precarias carpas junto a la carretera a una infraestructura de lujo totalmente integrada en el entorno.

De la improvisación a la madurez turística

El festival ha recorrido un largo camino desde aquellos tiempos del 'Festival Village'. La organización ha aprendido que menos es más: para esta edición se han convocado a unos 6.500 asistentes, una cifra sensiblemente inferior a los récords de otros años, pero que responde a una estrategia clara de sostenibilidad y orden. La clave del éxito actual radica en la profesionalización: se han desmantelado las ruidosas carpas exteriores para trasladar el corazón de la fiesta a los complejos de la cadena hotelera Barceló y a la propia arena de la playa. Esta integración busca que el evento sea una experiencia de calidad para el visitante y, sobre todo, una convivencia menos traumática para el vecino.

El pulmón financiero de la primavera

Las cifras que maneja el municipio explican por qué Punta Umbría se vuelca con este evento. Se calcula que el paso de los estudiantes dejará unos cuatro millones de euros de beneficio directo. Es una suerte de “precuela” del verano que permite a la hostelería y al comercio local hacer caja en un mes tradicionalmente valle. Pero el impacto real se mide en nóminas: solo para atender las necesidades del festival, se han tramitado unas 1.000 contrataciones extraordinarias, permitiendo que muchos trabajadores locales adelanten su incorporación a la campaña turística. Además, el sector hotelero ve en estos jóvenes a sus clientes del futuro; el estudiante que hoy descubre la ría de Huelva de fiesta, es el adulto que volverá en unos años con su familia.

Un escaparate digital hacia Portugal

No se puede entender 'La Punta' sin mirar a la pantalla del móvil. El festival se ha convertido en un producto de consumo masivo en redes sociales, impulsado por una treintena de influencers lusos que proyectan la imagen de Punta Umbría hacia todo Portugal. La importancia es tal que su aplicación oficial suele encabezar los rankings de descarga en el país vecino durante estos días, posicionando la marca Huelva de una forma que ninguna campaña de marketing tradicional conseguiría. En lo musical, la cita ya no tiene complejos. Este miércoles, el foco estará sobre el brasileño Pedro Sampaio, cuya escala en Punta Umbría dentro de su gira internacional eleva el listón del festival a la categoría de gran evento de conciertos.

Seguridad sin fronteras y el desafío del cielo

La gestión de la seguridad también ha roto moldes. Para que la mediación sea efectiva, la Guardia Civil cuenta con el apoyo directo de patrullas de la GNR portuguesa. Ver a agentes de ambos países trabajando juntos es ya una estampa habitual que facilita el control preventivo y evita que la barrera del idioma sea un obstáculo en situaciones de tensión. El gran enemigo de esta edición, sin embargo, no será el desorden, sino la meteorología. Con un pronóstico que anuncia lluvias y frío a partir de este martes, la organización ha tenido que activar sus “planes B”. Los amplios salones de los hoteles se transformarán en zonas de juego (gaming) y escenarios cubiertos para que el temporal no arruine una semana que ya es, por derecho propio, el motor económico de la primavera onubense.

Ni Santiago Auserón ni sus seguidores olvidarán el concierto del pasado viernes en el Teatro de las Cortes de San Fernando (Cádiz), y no precisamente para bien. Desde la salida a escena del artista, icono de la movida madrileña, era evidente que algo no funcionaba. El respetable esperaba que el recital remontara en algún momento, pero el reloj iba corriendo y la situación se volvía angustiosa. Una noche tan pésima que el artista ha acabado pidiendo disculpas en redes sociales, renunciando a su caché y prometiendo un concierto de resarcimiento cuando su salud mejore.

Antonio es uno de esos espectadores que vieron al ídolo en sus horas más bajas. “Empezó extrañándome la forma de tocar al principio, luego los continuos parones y el hecho de que prácticamente no terminara ni un tema. Santiago decía todo el tiempo, ”voy a hacer esta canción otra vez, quiero hacerla bien’, pero la gente le decía que siguiera, aplaudía y le daba ánimos. Pero la cosa no mejoró. Alguien se marchó al grito de ‘¡Santiago, que te den!’, pero la mayoría nos quedamos. Estábamos todos consternados, esa es la palabra“.  

Hubo algún momento extravagante, como cuando pasó cerca del teatro una banda de música de las que ensayan estos días para la Semana Santa, y el músico propuso salir afuera a escucharla. Sin embargo, el concierto se cubrió de tintes más bien dramáticos. “Santiago discutió con el tipo del sonido por alguna cuestión técnica, mientras intentaba en vano sacar el concierto adelante. Nos decía cosas como ‘me parece que no estoy conectando con vosotros. Yo estoy aquí para que lo paséis bien, pero no sé qué me pasa’. Estábamos viendo a un tipo brillante, pero que tocaba en la luna”. Quienes grabaron esa noche con sus teléfonos móviles han evitado hasta ahora difundir las imágenes, por temor a dañar la imagen del cantante.

Dos meses de baja

Al día siguiente de esta cita, el propio Santiago Auserón se dirigía a través de las redes sociales a sus “queridos amigos” de San Fernando, Cádiz. “Anoche en el Real Teatro de San Fernando me fallaron las fuerzas. Sabía que me arriesgaba a ello, porque me habían aconsejado la baja médica por hipertensión debida a agotamiento extremo y, pese a todo, quise intentarlo. No salió bien. Lo siento mucho. Algunos incidentes técnicos me complicaron aún más la cosa. Pero no valen excusas. En cuanto me recupere un poco, me gustaría corresponder de algún modo a quienes tuvisteis la amabilidad de comprar la entrada. Así lo voy a plantear a la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento. Salud”.

Este lunes, Auserón anunciaba la cancelación de un concierto previsto en la Casa de la Cultura de Peralta (Navarra) para el 28 de marzo, con este mensaje: “Por indicación médica, y a raíz de los acontecimientos del pasado viernes, el artista deberá suspender su actividad profesional durante los dos próximos meses para atender su recuperación”.

Fuentes del Ayuntamiento de San Fernando comentaban a elDiario.es Andalucía que, a pesar de lamentar las condiciones en que transcurrió el recital, no procedía una reclamación por incumplimiento de contrato ni diligencias similares, pues el concierto se había realizado. Poco después, en las mismas redes, Auserón confirmaba que “hemos acordado con el Ayuntamiento la devolución íntegra del importe de las entradas. Asimismo, y pese al esfuerzo por cumplir con los compromisos adquiridos en una situación de evidente agotamiento, hemos decidido renunciar al cobro del caché, en coherencia con nuestro compromiso artístico y por respeto al público y a la institución. El espectáculo no pudo desarrollarse conforme a lo previsto, y entendemos que la confianza de quienes adquieren una entrada para asistir a nuestros proyectos debe ser siempre correspondida”.

“La Concejala de Cultura María José Pacheco Guerrero, a quien agradecemos personalmente, la comprensión y el cariño recibido, nos ha informado que hoy mismo se ha enviado un correo a los compradores informándoles de esta decisión. El reembolso del importe de las entradas se efectuará automáticamente a través del mismo método de pago utilizado en la compra. Gracias por vuestra comprensión y por el cariño recibido. Esperamos reencontrarnos con todos vosotros cuando Santiago esté plenamente recuperado”.

Personas frágiles

El incidente pone de relieve la presión a la que está sometida esta profesión, y que se manifiesta en sonados hitos como el desmayo que sufrió la cantante Pastora Soler, el trastorno de ansiedad reconocido por Beret o las más recientes cancelaciones de Morrisey. Circunstancias que incluso han apartado de los escenarios para siempre a intérpretes talentosos y de éxito.

El sevillano David Linde ha sido tour manager de numerosas bandas, así como responsable de festivales como Nocturama o Microclima. La noticia de San Fernando le sorprende y no. “He trabajado con Santiago y sé que es un profesional super serio, que se cuida mucho. Pero también he aprendido en estos años que un artista es una persona muy frágil, que carga sobre sus hombros un peso muy grande. Lo raro es que estas cosas no pasen más a menudo”.

Linde ha vivido todo tipo de peripecias con los músicos a los que ha acompañado, desde ataques de agorafobia a pánico a que falle la memoria. “Muchos, si pudieran, actuarían para un solo espectador, y de espaldas”, asevera. El manager se sorprende de no haber tenido que cancelar nunca por estos motivos, “aunque luego he tenido que ir con muchos al hospital”, y desde luego asegura que la leyenda de la fiesta eterna durante una gira es precisamente eso, leyenda: “A partir de un nivel, un camerino es un lugar sagrado en el que no entra ni el tato. Después del concierto, sí, puedes tener alguna fiesta, pero si al día siguiente viajas y tienes bolo, te aseguro que te lo piensas. Lo del alcohol y las drogas está sobredimensionado: ahora lo que más consume un músico es omeprazol, porque el estómago es el que más sufre estas presiones”.  

“Tenemos que pensar que un futbolista, si tiene una molestia, no sale a jugar”, concluye Linde. “Pero yo he visto salir a tocar a gente horas después de un accidente de tráfico, o a la que se le ha comunicado un rato antes que se ha muerto su madre. Y tienes que salir a convencer a cinco o diez mil personas de que no te cansan los kilómetros ni te duele la rodilla. Eso no hay cerebro que lo aguante”.

Los síntomas del 'burnout'

Del cerebro de los artistas sabe, y mucho, Rosana Corbacho, psicóloga clínica con más de 15 años de experiencia especializada en la industria musical. Tal vez por eso, lo sucedido con Santiago Auserón no le sorprende. “En la consulta los casos de burnout es lo que más frecuentemente atiendo”, comenta. “El estrés crónico tiene consecuencias físicas en el cuerpo. A cada persona le afecta de una manera. Los síntomas más comunes de burnout son: irritabilidad, problemas de sueño, de estómago, tensionales, ansiedad, disminución de la productividad y la motivación, dolores de cabeza e intensificación de los síntomas de otras enfermedades que la persona pueda padecer (i.e. tinnitus en los músicos)”. 

Para esta especialista, “uno de los problemas del estrés es que no nos damos cuenta de cuando va aumentando porque se produce una exposición muy gradual o lo sentimos prácticamente como 'parte del trabajo'. Y si nos damos cuenta, lo que hacemos para aliviar las sensaciones desagradables de tensión suele empeorar la situación a medio plazo. En psicología lo llamamos mecanismos de afrontamiento. Uno de los más llamativos es cancelar encuentros con amistades o actividades de ocio para seguir trabajando. Ésto alivia el malestar inicial, pero hace que el nivel de estrés se vaya acumulando. En el caso de los músicos, el trabajo es lo primero. La obra, el concierto, la grabación.. Ocupa la vida entera de los artistas que se identifican con su rol laboral. Esto deja poco espacio para recuperarse y aún menos cuando se pasa por una mala época”. 

“El estrés es tensión”, añade Corbacho. “Sólo es dañina cuando se acumula o es crónica. Si un artista está notando fallos o que no llega a donde antes llegaba, seguramente experimentará señales de alerta intensas. Si además tiene un concierto y percibe las expectativas del público y de su equipo, más tensión sufrirá. Enfrentarse a cancelar es una de las peores pesadillas de cualquier artista. Yo diría que habría que hacer un trabajo de reestructuración y recuperación. Cuando ya tenemos signos de burnout el simple descanso no lo cura”. 

Eso y, por supuesto, aprender a reconocer límites. “Cuanto antes se aprende a gestionar el estrés y los límites del cuerpo, más se recupera la autonomía. Elegir las estrategias de afrontamiento más saludables y lidiar con qué se mueve dentro de uno mismo ante decepcionar al público o al equipo. A veces se tiene que llegar a situaciones extremas para evaluar y priorizar el cuidado. Y no hacerlo a tiempo siempre acaba pasando factura: al artista, a su equipo y también al público”. 

La sexta edición de Icónica Santalucía Sevilla Fest ha presentado este jueves 26 de febrero sus cifras definitivas, en una convocatoria que sitúa al evento sevillano en la vanguardia de los festivales europeos al superar las 200.000 entradas vendidas a cuatro meses de su inicio. Este dato supone un crecimiento inédito del 76,51% respecto al mismo periodo del año anterior —cuando se contabilizaban 115.348 entradas— y eleva la previsión total de asistentes por encima de los 358.000 espectadores, lo que sitúa a la cita al nivel de grandes festivales de masas como Mad Cool o Primavera Sound.

Javier Esteban, CEO de Green Cow Music y director del festival, ha subrayado que el impacto económico global para Sevilla se estima en 278,2 millones de euros, una cifra que refuerza su naturaleza como proyecto estratégico de ciudad y que se apoya en un cambio drástico en el comportamiento del ciudadano: mientras que históricamente el sevillano solo representaba el 8% del público en los grandes conciertos del Estadio Olímpico, en ICÓNICA esa cifra se ha disparado hasta el 70%, logrando desestacionalizar el turismo y evitar que los residentes abandonen la ciudad en los fines de semana de verano para quedarse a ver artistas por los que antes tenían que viajar a Madrid.

En el apartado artístico, la organización ha confirmado este jueves la incorporación de cuatro nombres internacionales que se suman a los 28 artistas ya anunciados: el panameño Rubén Blades, el icónico productor electrónico británico Fatboy Slim y los exponentes de la música urbana internacional Mora y Omar Courtz. La logística de venta para estas nuevas citas ya está definida, de modo que las entradas para Blades y Mora estarán disponibles a partir del martes 3 de marzo a las 10:00 horas, mientras que las de Fatboy Slim y Omar Courtz saldrán a la venta el jueves 5 de marzo a la misma hora.

Esas novedades refuerzan un cartel que el propio Javier Esteban define como uno de los mejores de Europa, diseñado tras analizar minuciosamente los gustos de una Sevilla ecléctica que ha consolidado la Plaza de España como el escenario de experiencias “premium” que el público local demandaba.

Más allá de los nombres propios, esta edición pone el foco en la gestión técnica del patrimonio bajo el paraguas de la sostenibilidad. El festival se ha convertido en el primero en recibir el certificado de Gestión Sostenible de Patrimonio, referencial 100 C97, posicionándose como un caso de estudio internacional sobre cómo armonizar grandes eventos con la protección de Bienes de Interés Cultural como la Plaza de España y el Parque de María Luisa.

Pablo Tábora, director de proyecto, ha anunciado la creación de una comisión de expertos externa que validará todos los protocolos de actuación para garantizar el máximo cuidado de los monumentos. Además, en el plano visual, se ha desvelado que el espectáculo Icónica Light rendirá homenaje este año a la ciudad de Granada, tomando el testigo del tributo realizado a Cádiz en la edición anterior para seguir vinculando el festival con la identidad andaluza.

La presentación ha contado también con una perspectiva científica sobre la salud mental bajo la premisa de la campaña “Volvamos a la plaza”, que reivindica el espacio público como antídoto contra el aislamiento digital. El análisis técnico de Javier García Ruiz, conocido en redes sociales como @psicologo.sevillano, vincula la experiencia del festival con la segregación simultánea del “pack completo” de las hormonas de la felicidad: dopamina por el placer del espectáculo, oxitocina por el fortalecimiento de los vínculos de la manada humana, serotonina por la exposición a la luz solar y endorfinas por el contacto físico y las risas.

García Ruiz ha comparado el festival con el concepto del “murito”, haciendo referencia a esa plaza donde el psicólogo jugaba de pequeño y que representaba un refugio de libertad y socialización real. Esta versión “2.0” del murito que propone el festival busca ofrecer emociones auténticas frente a la receta falsa de éxito de las redes sociales, recuperando la esencia de la plaza como el punto de encuentro social que históricamente ha generado mayor satisfacción vital en los seres humanos.

Antonio Smash murió con las botas puestas. Hasta el último momento estuvo grabando discos, ofreciendo recitales y sumándose a las iniciativas de los colegas que lo requirieran –solo un par de días atrás había estado rindiendo homenaje a su amigo Pedro G. Mauricio–. Había sido rockero toda su vida, y rockero ha muerto a los 73 años en la víspera de la noche de Reyes de este incipiente y convulso año 2026.

Antonio Samuel Rodríguez nació en Sevilla, en abril de 1952, y desde su primer uso de la razón sintió la llamada de la música. Probó fortuna con la batería en grupos de aficionados, en un momento en que el rock empezaba a irrumpir en España, en buena medida bajo el influjo de las bases estadounidenses de Rota y Morón.

El hecho de haber empezado tan joven en la música le permitió ser un puente entre las bandas de los 60 y las de los 70, participando en infinidad de proyectos con suerte desigual. Así, en 1968 fundó el más celebrado de todos, el grupo Smash, junto a Julio Matito, Gualberto García y Henrik Michel. La transcendencia de esta formación fue tal que, con la estela de discos como Glorieta de los lotos o We come to smash this time, pasaría a ser conocido por todos como Antonio Smash.

Espacio de resistencia

Aunque en sus años mozos se había sentido refractario al flamenco, en los primeros 70 se acercó a Manuel Molina –más tarde Lole y Manuel– en una fusión pionera de rock y música jonda que favoreció la grabación de un éxito como El Garrotín. Eran los tiempos de la antigua Cuadra de Sevilla que, regentada por Paco Lira, reunía lo más granado de la creatividad sevillana. Pisco Lira, heredero de aquel legado, recuerda a Antonio con Smash, “acompañando a la Antígona que puso en escena el grupo Esperpento. Y aún recuerdo los ensayos de El Garrotín, Tangos de Ketama y Ni recuerdo ni olvido”.

A renglón seguido, el músico se alió con Manuel Rodríguez (andando el tiempo, Manuel Imán) para dar forma al grupo Goma, que marcaría otro hito en el rock de raigambre sureña con un disco tan significativo como 14 de abril, cuyos colores republicanos en la portada (diseñada por Alberto Corazón) fueron convenientemente censurados. “Antonio fue un gran músico y un gran trabajador, además de tener una vis cómica muy acentuada, que no todo el mundo conocía”, comenta Manuel Imán, todavía impactado porque el pasado viernes estaban tocando juntos y brindando por los viejos tiempos. “Yo tenía 15 años cuando fui al teatro San Fernando a ver a los Smash, y poco después me compré mi primera guitarra. Para mí fue una referencia absoluta, clave para todos los inicios de lo que se llamaría el rock andaluz”.

También dejaría Antonio su sello en formaciones madrileñas como el grupo Granada, Flamenco o Coz. De vuelta a su ciudad natal, sigue embarcándose en aventuras musicales como la de Silvio y Luzbel, en cuyo legendario disco Al Este del Edén participa, así como con Barra Libre y Gas. En aquella época lo conoció el periodista y músico Pive Amador, que oficiaba como mánager del grupo. “Le debo a Antonio ser batería, porque si la gente recuerda, en la portada de Al Este del Edén aparecía él con el brazo vendado. Surgió una actuación y Silvio, que antes había sido batería y al que yo había animado a hacerse cantante, me dijo: '¿Te acuerdas de que yo no era cantante? Pues ahora soy yo quien te hace batería a ti'. Parece mentira que no quede nadie vivo de aquella portada”.

Asimismo, Antonio será testigo de excepción de una nueva hornada de músicos flamencos al militar en Pata Negra, la banda de los hermanos Amador, como batería, bajista y compositor en los elepés Blues de la frontera (1987), Pata negra, el directo (1989) e Inspiración y locura (1990). “Esa manera de amar la música no la he visto en nadie, hasta el punto de sufrir por querer hacerlo todo bien”, añade Pive Amador. “Pero en el fondo, me parece que no hay mejor manera de morir que haciendo hasta el final lo que uno quiere”.

Ya de lleno en los años 90, en la resaca de la Expo, colabora con Kiko Veneno, Alba Molina, Manuel Molina, Luis Auserón o el grupo Caraoscura. “Fue siempre una inspiración para mí, su amor por la música, su dedicación, su decisión a la hora de hacer las cosas”, comentaba consternado Veneno. “Yo era dos semanas mayor que él, pero él fue mi maestro, el músico total, mi referente de la música sevillana, y siempre lo será”.

El hecho de haber estudiado solfeo y haberse convertido pacientemente en multiinstrumentista le permitió trabajar tanto como intérprete como en calidad de productor y arreglista, y por supuesto de afrontar sus proyectos en solitario como paradigmas de exquisita cocina casera. Jardín secreto, Balas de amor o el más reciente Viéndolas venir, del año pasado, son algunos de los títulos que lanzó desde ese espacio personal de resistencia que él mismo había creado.    

Su huella se manifiesta incluso en grupos actuales, como Pony Bravo, que se declaran deudores de su legado: “Nunca tuvimos la suerte de poder colaborar con Antonio Smash, nunca tuvimos contacto personal con él, aunque compartimos cartel en algún festival. Pero es un referente claro de lo que para nosotros fue la mejor época de la música sevillana y andaluza”, aseguran.

Marco Serrato es sobradamente conocido en Sevilla como bajista del grupo metalero Orthodox, aunque también ha militado en formaciones como Hidden Forces o Sputnik Trio, y colaborado con músicos como Dani Llamas o Raúl Cantizano. Dada su versatilidad, no le sorprendió que el festival malagueño Canela Party le hiciera un encargo singular: componer un espectáculo para uno de los cantaores flamencos más en boga de la actualidad, el manchego Israel Fernández. Después de fichar a varios cómplices y tratar de sintetizar su experiencia en diversos estilos, en agosto de 2024 Serrato y los suyos se metieron en el estudio de grabación antes incluso de presentarse en vivo: había nacido Frente Abierto, un proyecto que va mucho más allá de las fusiones flamencas al uso, y que se hará oír este sábado en el Monkey Week de El Puerto de Santa María (Cádiz).

Eso sí, según afirma el músico, la base flamenca ha sido respetada en todo momento. “El esquema de la soleá o de la seguiriya está ahí, y en eso encontré un buen lienzo sobre el que volcar los colores de todas las historias en las que he estado metido hasta ahora”, comenta, quien además de contar con Fernández, fue incorporando a otros cantaores como Lela Soto, Inés Bacán, Sebastián Cruz o Ángeles Toledano. “La idea era que, más que sentir que funcionaba, el resultado nos gustara a nosotros. Ese fue el baremo con el que hemos jugado, pero a veces también apretamos el puzzle si no encajaba a la primera. Los proyectos en los que he trabajado no están pensados para agradar a las masas, y en este caso ha sido igual: nos hemos guiado por la intuición y los gustos personales”.      

Eso sí, en la agenda de Serrato y sus compañeros no entraban dos palabras muy socorridas para hablar de fusiones arriesgadas: transgresión y provocación. “No tengo ningún interés en eso”, asevera. “Habrá quien le parezca un crimen acompañar una caña como lo hacemos, pero mi objetivo no es transgredir ni provocar, sino hacer algo que yo, como oyente, echo de menos. Estoy convencido de que la transgresión tiene algo reaccionario en su núcleo, en el fondo siempre le da un poco la razón a aquello que está transgrediendo. No tenemos nada que dinamitar”.

El misterio del mercado

Lo mismo puede decirse de la intención de escandalizar a los puristas: “A estas alturas me parece absurdo. La gente se escandaliza por cosas extramusicales, por una portada con cualquier tontería, por cualquier declaración salida de tono, pero no por un sonido determinado”, explica. “A muchos les sorprendería que Inés Bacán, a sus 73 años, es la que menos se asusta de lo que hacemos. Tiene mucha sensibilidad artística y ha estado en muchos fregados. Es la prueba viva de que el flamenco siempre ha estado en el mundo”.

Por no estar a la contra, Frente Abierto no posa ni siquiera como proyecto anticomercial. “Ni siquiera tenemos una visión del mercado, es algo que se nos escapa. Musicalmente sí vemos el hueco, pero no sabemos si el mercado, tan extraño y volátil, lo verá como nosotros. A veces pienso que ni siquiera los que controlan el mercado saben por dónde van a ir los tiros. Seguir todo eso desgasta mucho, yo prefiero hacer lo que me motive artísticamente, y a partir de ahí, que venga lo que sea”.

A la hora de pensar en referentes inspiradores, el primero que le viene a la cabeza a Serrato (aparte del magisterio metalero de Black Sabbath, The Obsessed o Candlemass) es la Liberation Music Orchestra del jazzero Charlie Haden, “una forma abierta de meter cosas y sonoridades distintas en el mismo saco”, dice. “Nos preguntamos cómo no se ha hecho algo así antes en el flamenco. Lebrijano probaba cosas interesantes en discos como Lágrimas de cera, el propio Agujetas, paradigma de pureza, también ha sido valiente en trabajos como Cien años atrás. Eso me ha inspirado más que Niño de Elche con Toundra, o los discos más populares de Camarón o Morente, que a mí personalmente nunca me sirvieron para entrar en el flamenco, sino que más bien me supusieron un obstáculo. Y he echado de menos un poco más de valentía en este campo. Cuando han querido fusionar, se han limitado al jazz o al rock suavecito de sota, caballo y rey”.

Zonas fronterizas

Por el costado flamenco, Raúl Cantizano atesora también una amplia experiencia en adentrarse en territorios movedizos. “Frente Abierto hace un acompañamiento al cante pero desde otro lugar, casi como traductor”, comenta. “Se trata de poner en común el lenguaje del rock, el riff de guitarra, la métrica que le es propia, con el cante. En ese sentido, los cantaores no se acostumbran a cantar a su aire, porque tienen una banda de cinco personas detrás, y tienen que ir todos a una. Se trata de crear un nexo, una especie de bisagra entre unos y otros”.

El guitarrista sevillano, acompañante de artistas tan diferentes como Rocío Márquez, Niño de Elche, Andrés Marín o María Moreno, afirma haberse “criado en ese mestizaje, en esa zona fronteriza que es un terreno muy cómodo para mí. También hago flamenco tradicional y voy a tablaos, pero donde más me gusta moverme es teniendo una pata en lo jondo y otra en otros mundos”.

También David Cordero se siente a gusto en esos territorios poco definidos. El creador y productor de música ambient trata de “aportar lo mejor de mí dentro de las necesidades del proyecto, y de paso intentar aprender”, asegura. “En el momento en que sales de tu estilo, ya estás empezando a pisar fango, pero esa es precisamente la parte atractiva, sobre todo ver cómo encaja mi mundo dentro de esa fusión. Si hubiese sido un proyecto más cómodo, quizá no hubiese sido tan divertido. En la música no tiene que haber certezas”.

30 'omegas'

Para este creador afincado en Cádiz, “por suerte en la música ambient no hay tantos ortodoxos como en el flamenco o el metal, siempre hay un abanico muy amplio de opiniones, gustos y colores. No hay mandamientos ni normas arraigadas, así que este tipo de mezclas no duele a nadie. Pero al final el veredicto tiene que darlo el público”.

Más crítico se muestra Marco Serrato sobre el flamenco, que “solo se mira a sí mismo, y a las cuatro cosas que dan trabajo y dinero. Todo deriva hacia la rumbita y el flamenquito”, considera. “Que el Omega siga siendo tenido como referente de encuentro con el rock lo dice todo, ¡debería haber ya, después de tanto tiempo, 30 omegas! Esto habla de la digestión lenta del flamenco y del público en general”.

“Nosotros nunca trabajamos según las reacciones del público. Hemos demarcado el territorio y el estilo, veremos qué pasa a partir de ahora”, concluye Serrato. “Lo que te aseguro es que en un solo disco no va a quedar esto. Aunque no le guste a nadie”.

Desde hace más de 15 años, el cantante argentino-estadounidense Kevin Johansen y el dibujante argentino Liniers comparten escenarios en un espectáculo que aúna sus dos disciplinas, convenientemente sazonadas de ironía, humor e improvisación. Ahora lanzan un disco, Desde que te Madrid (Sony Music), grabado en directo en el Teatro Albéniz de la capital española. Para promocionarlo, se han embarcado en una nueva gira internacional que incluye siete fechas españolas: Santiago de Compostela (25 de septiembre), Bilbao (día 26), Sevilla (día 27), Barcelona (1 de octubre), Alicante (día 2) y, una vez más, broche en Madrid (día 11), en el marco del programa de la Hispanidad.

“En realidad llevamos colaborando más de 15 años”, comenta Kevin Johansen para elDiario.es Andalucía desde un aeropuerto nórdico, cerca ya el momento del embarque, junto a su compañero. “Todo empezó sin querer-queriendo, Liniers dibujaba un afiche, un póster de calle para anunciar un concierto, una tapa de disco… Hasta que empezamos a dar forma al espectáculo, si bien los formatos han cambiado mucho: al principio Liniers se sumaba de espaldas a hacer un mural, luego fueron un par de computadoras entre bambalinas, y finalmente hace unos 15 años se subió en el escenario con su escritorio de dibujante”.

El músico bromea también con el hecho de que él, nacido en Alaska, viva actualmente en Argentina, mientras que el dibujante porteño se ha afincado en Vermont, Canadá. En ese cruce de vuelos se las han arreglado para seguir encontrándose a menudo y propiciar la alquimia. “Nunca hemos ensayado nada, no hay guion prefijado. Ahora nos reunimos y el espectáculo nos agarra más relajados…”, dice Johansen, a lo que Liniers agrega: “Más inmaduros”.

Amigos de asado

“La razón por la que funciona el show”, apunta Liniers, “es porque éramos amigos de antes, amigos de comer asado. Tenemos varios conocidos que se han juntado para hacer algo parecido, pero se deshilacha rápido, porque no es tan fácil que algo así funcione en el tiempo. No es algo que puedas forzar. Además, los dibujantes solemos ser más tímidos…”. “… Mientras que el músico es más un ególatra inseguro”, apostilla Johansen.

Liniers se queja jocosamente de que, si bien en su estudio dispone de “infinito tiempo para dibujar una tira, las canciones de Kevin duran solo tres minutos. Le pido que haga los solos más largos, ojalá hiciera rock progresivo, un poco de David Gilmour… Pero está bueno, me hace sacar herramientas diferentes, hay toda una expresividad que no me sale cuando dibujo tranquilo”. “Yo cada vez soy más amigo de la síntesis”, replica Johansen. “Salvo porque es una palabra muy larga. La dejaría en sint”.    

Lo que tal vez no tenían claro cuando empezaban a rodar el proyecto era que pudiera tener un eco tan grande, incluso a nivel internacional. “La música es el primer idioma, como decía Youssou N'Dour, y los dibujos ayudan también a traducir las palabras y hacer todo más universal”, comenta el cantante, mientras su colega tira de ironía: “También nos ayuda nuestro dominio del sueco, del holandés, del danés…”

Humor encontrado

Un esfuerzo que no tendrán que hacer en España, país que consideran casa, y más aún en ese Madrid que homenajean en su nueva entrega. Para Johansen es, “de alguna manera, una de esas ciudades de las que uno se apropia. En todos estos años teníamos esa costumbre, ‘terminamos la gira en Madrid, ¡casita!’. España todo es un lugar que cobija, y aquí teníamos amigos, la casualidad linda de que estaba Jorge Drexler, estaban Las Migas, que colaboran en el disco, como podían haber sido otros. Es verdad que ese fin de gira nos agarró muy cansados, aprendimos que los discos en directo hay que grabarlos al principio del tour, no al final”.

Como queda de manifiesto a lo largo de la conversación, el desenfado es para estos artistas un código permanente, casi una respiración. Johansen, sin ser exactamente un músico humorístico (aunque ha colaborado con sus ilustres e hilarantes paisanos, Les Luthiers), nunca renuncia a ese ingrediente, y lo mismo sucede con Liniers. “No es tampoco un ilustrador de chiste fácil a flor de labios, pero hay una yuxtaposición en lo que hacemos: desde el escenario estoy proponiendo algo irónico y veo a la gente con lágrimas en los ojos, emocionadas por algo que él acaba de dibujar. No es una propuesta que busque el humor, simplemente lo encontramos”.

“Es raro”, prosigue el cantante, “pero en la música hay cierto tabú con el humor, mis colegas tienen miedo de no ser tomados en serio. Por suerte, hoy hay más desparpajo al respecto, los músicos jóvenes están convencidos de que pueden usar el humor y también tener mucha crítica y observación social. La ironía es un velo bajo el cual puede decirse las verdades más tremendas, y ya sabes lo que decía Mark Twain: el problema del humor es que nadie se lo toma en serio. Yo he aprendido a interpretar las risas como aplausos”.

En cuanto a la tan cacareada cultura de la cancelación, Liniers opina que “no creo que sea nada nuevo, es algo que siempre pasó. Antes era el poder, los zares, los militares, la Iglesia por ejemplo, con su lista de libros que no se podían leer. En España tienen mil millones en ejemplos, en especial con los amigos de la revista Mongolia. Pero ahora, más que nunca, nos pusieron un megáfono a todos, le dimos poder a la gente y descubrimos que muchos son también fachos. Mucha gente tiene la necesidad, como los antiguos reyes y los papas, de decir qué se puede y qué no. En algunos casos con buen tino, porque veníamos medio distraídos como grupo social, y en otros como dicen los americanos: tirando el bebé con el agua del baño”

Como los Rolling

La conversación deriva inevitablemente hacia Milei. Cuando se les pregunta si el país ha entrado en zona desconocida con tan extravagante mandatario, el dúo ríe. “Argentina conoce todas las zonas, hemos tenido Mileies para aburrir”, asegura Liniers. “Se dice que el hombre es el animal que tropieza dos veces con la misma piedra, pero nosotros nos tropezamos ocho, diez, catorce veces… Nos encanta”.

Y ante el entusiasmo que Milei parece suscitar en una parte de la población española, y en especial en Madrid, donde ha sido aclamado, Johansen matiza que “hay de todo. Creo que muchas personas se fueron de Argentina desencantadas y enojadas y vinieron a España, porque hubo muchos errores al otro lado del binomio, como se fueron a Estados Unidos, a México… Y creen que lo que mínimamente tenga olor a cambio, eso es la solución. Yo no entiendo nada de esto, aunque como argentino puedo opinar de todo”.

Los altavoces anuncian el embarque de su próximo vuelo a Ámsterdam, pero todavía tienen tiempo para animar al público español a verlos. “No van a poder creer lo que perciben”, subraya Johansen, y Liniers le pregunta antes de lanzar una carcajada: “¿Eso es bueno?”

“En todos los shows pasa algo diferente, que nosotros mismos ni siquiera sospechamos, tanto en la música como en el dibujo. Y ahora que estamos más seasoned, con más temporadas, tenemos un relajo que favorece la creatividad”, adelanta Johansen. Liniers, por último, bromea con la posibilidad de seguir juntos otros 15 años o más. “Si Kevin me sigue invitando, yo sigo. Nos proponemos ser los Rolling Stones de la actividad interdisciplinar. En realidad aspirábamos a ser Paco y Ca7riel, pero nos está saliendo más ser Simon & Garfunkel”. 

Con cinco décadas ya de carrera y más de 30 millones de discos vendidos, Gilberto Santa Rosa (San Juan de Puerto Rico, 1962) es una de esas estrellas de la música latina capaz de poner a bailar a las masas desde que suena la primera nota. El Caballero de la Salsa, como se le conoce popularmente, desembarca este sábado en el festival Icónica de Sevilla para ofrecer un recorrido por sus grandes éxitos al público convocado a la cita en la Plaza de España de la capital hispalense.

Aunque sus canciones le han llevado por todo el mundo, desde Nueva York a Tokio, el artista comenta a SevillaelDiario.es: “No creas que dejo de sorprenderme, el entusiasmo y la emoción son nuevos en cualquier plaza, porque el público es siempre distinto. Es la gente la que hace que la experiencia de actuar no sea nunca igual. Nos entusiasma llegar a un lugar y hacer música, y especialmente en estos festivales de verano, que no habíamos hecho antes y empezamos a probar hace un par de años”.

Cabe preguntarle a Santa Rosa, no obstante, si la salsa –como fenómeno globalizado– es la misma cosa para un japonés, para un australiano o para un caribeño. “Supongo que se vive de maneras diferentes, pero hay un denominador común que es el baile. Ese es el modo en que la gente expresa su gusto por la música. En Europa hay un fenómeno muy interesante, y es que desde hace muchos años hay una escuela de baile de salsa, que se puede decir que incluso ayudó mucho al desarrollo de esta música de este lado del mundo. Pero más allá de eso, el público se entrega en todas partes cuando llegan las musas”.

Músicos separados por kilómetros

Destacado en su país desde una edad muy temprana, Gilberto Santa Rosa conquistó década tras década un mercado muy concurrido que, según afirma, hoy es irreconocible. “La promoción de las multinacionales ha cambiado dramáticamente, radicalmente. Es un mundo completamente distinto, todo lo que aprendimos ya no vale para nada. Antes grababas un disco y salías a promoverlo, y si el disco tenía éxito lo sentías, en la calle, caminando, en el carro… Antes era más físico todo, ¿no?, más personal, ahora es más difícil saber cuándo algo funciona, aunque el dinero se ve mejor”.

“No ha cambiado tanto la esencia del arte, aunque ya la gente tiene otra manera de grabar su música”, prosigue. “Hoy grabas con gente a la que ni siquiera conoces, que están a muchos kilómetros, porque hay una parte que la tecnología ha invadido. En mi caso, si tengo que echar mano de alguien que vive lejos para tocar conmigo, prefiero que venga al estudio con nosotros, y disfrutar de esa parte de la experimentación. Prefiero mantener la vieja escuela en eso, estoy convencido de que tiene su beneficio, y que el público lo percibe. Y nosotros nos divertimos más conocemos a gente, gente que aporta cosas a tu música, y eso es bonito”.

Y hablando de cambios, el autor de álbumes como Punto de vista, Perspectiva, Dos tiempos de un tiempo, De corazón o Expresión lamenta cómo la comunidad latina, que tanto ha luchado desde el siglo pasado por conquistar su lugar al margen de prejuicios y estereotipos, vuelve a ser criminalizada y estigmatizada. “Definitivamente hay inquietud, sobre todo en los Estados Unidos con ese señor al frente. El análisis que se está haciendo es exageradamente racista e injusto. Los países nuestros tienen y la gente nuestra tienen tantos retos y tantos problemas como cualquier otro país. Y mucha gente buena, también, porque es una cuestión de naturaleza humana. Lo que me preocupa es cuando los líderes quieren dañar una imagen, y los detractores hacen fiesta. Pero, como diría el Gran Combo de Puerto Rico, una de nuestras instituciones más grandes, los buenos son muchos más”.

Un origen común

Para terminar, Gilberto Santa Rosa no rehúye referirse a otra música latina que no ha parado de colonizar espacios sonoros en las últimas décadas, ese reguetón en el que muchos ven similitudes con la eclosión de la salsa en los años 60 y 70. “Es también una música que viene de sectores muy humildes, una música que como la salsa ha ido evolucionando y convirtiéndose en otra cosa. Creo que estos muchachos han sido, sin duda, muy hábiles no solo en esa evolución musical, sino también con la industria, hasta superar numéricamente a la salsa y a otros géneros. No les quito sus méritos, y pienso en todo caso que son mundos diferentes aunque vengan de un origen común”.

“Nosotros tenemos nuestros propios atributos, nuestra propia historia y nuestro propio mérito, y ellos tienen lo suyo. Yo nunca los he puesto a competir”, concluye Gilberto Santa Rosa, dejando claro que respeta a los reguetoneros aunque no llegue a confesar que le gusta lo que hacen. “No, yo no soy público de reguetón, aunque he colaborado con algunos de ellos. Curiosamente muchas de las grandes figuras de reguetón con quien he podido conversar son fanáticos de la salsa. Para mí hay cosas que sí y cosas que no. Lo que no me imagino es diciendo palabrotas en una canción, en ese aspecto estamos bien lejos y yo me considero un elemento del siglo pasado. He escuchado algunas cosas que me ruborizan, yo no sabía que eso se podía decir en una canción. Incluso con mis hijos, si ellos quieren escucharlo que lo escuchen, pero yo no me atrevo a hacerlo con ellos delante. Pero ellos tendrán sus razones para cantar esas letras, y el público tendrá sus razones para aceptarlas”.

La entrevista con Jean-Michel Jarre estaba fijada para el día anterior, el lunes, pero hubo de ser suspendida porque no se sentía bien. Algo completamente inusual según su oficina, que asegura que el artista no ha cancelado un compromiso en décadas. Finalmente, atendió a los medios horas antes de su actuación este martes en la Plaza de España de Sevilla, en el marco del Icónica Fest, y lucía un aspecto espléndido a sus 76 años, listo para encandilar a las masas con un espectáculo única de música e imágenes.

“Fue raro, estaba perfectamente dos días atrás, pero viniendo en el avión me vino una especie de gripe, algo muy tonto. Lo siento de veras, pero estoy muy contento de atender a la prensa hoy”, se disculpa este hombre amabilísimo cuya carrera se remonta a los primeros 70, y que sigue en la brecha después de más de seis décadas como leyenda viva de los sonidos electrónicos.

Jean-Michel André Jarre Pejot, nacido en Lyon, hijo del conocido compositor de bandas sonoras para el cine Maurice Jarre, encarnó durante años la idea del futuro. Ese futuro ya está aquí, es hoy, y cabe preguntarle cómo ha pasado el tiempo para él y para su mundo. “Es una pregunta muy interesante, porque puedes verlo con una perspectiva diferente”, afirma. “En cierto sentido, creo que no he cambiado en absoluto: en el sentido de que mi visión del futuro todavía es fresca, es probablemente la razón por la que continúo en esto. Nuestra visión del futuro siempre está condicionada por la curiosidad, y creo que mi curiosidad está bastante intacta. La curiosidad por las nuevas tecnologías, la curiosidad por explorar diferentes niveles de creatividad…”

Cerrar los ojos

“He sido muy afortunado pudiendo haber pasado por tres revoluciones diferentes en mi vida”, añade. “Una fue la revolución del comienzo de la música electrónica, con componentes electrónicos, analógicos; la segunda fue la emergencia de lo digital y las computadoras. Y la tercera es hoy, con la Inteligencia Artificial, que es probablemente el momento más importante y disruptivo que he visto. Pero en cada una de esas etapas me emocionaba el hecho de que pudiera encontrar herramientas, en sintonía con la sociedad de ese momento, para crear alguna música”.

A renglón seguido, Jarre asevera que “creo que no hay progreso en las emociones humanas. Las nociones de soledad, amor o muerte las seguimos describiendo más o menos los mismos sentimientos, 5.000 años atrás, 2 siglos atrás, 20 años atrás, hoy o mañana. La única cosa que ha cambiado son las tecnologías y las herramientas que usamos. Desde el violín a la guitarra eléctrica, a los sintetizadores, a los plug-ins, a la Inteligencia Artificial. Todos estos instrumentos son neutros, dependen de cómo los usamos. ¡Usémoslos!”

Por otro lado, Jean-Michel Jarre ha dado siempre una enorme importancia a las imágenes, y el mundo, que se ha llenado de imágenes, ha acabado dándole la razón. Él esboza una sonrisa culpable. “Sí, es una contradicción, porque, para empezar, yo defiendo que la mejor manera de escuchar música es cerrando los ojos. Hice un álbum recientemente, un álbum totalmente inmersivo, y realicé un par de conciertos donde pedí al público cerrar los ojos para crear sus propias imágenes. Eso es una cosa. Pero, al mismo tiempo, he dudado mucho entre ser pintor y músico. Siempre me ha interesado crear, especialmente con la música electrónica, la correspondencia visual de lo que tenía en mente, musicalmente, como una especie de opera totale, como dicen en italiano. Esta idea de intentar proponer y compartir con los espectadores una total inmersión, mucho antes de que el término ‘inmersivo’ se convirtiera en trendy”.

Escenarios patrimoniales

“Siempre he pensado que, si se trata de una presentación, especialmente con la música electrónica, sería interesante explorar la noción del espacio”, prosigue. “Y lo que voy a hacer hoy en Sevilla es, en realidad, algo que realmente he diseñado para este extraordinario evento. ¡Me encanta eso!”

Jarre recuerda que, durante su primera visita, hace ya bastantes años, estuvo en la Plaza de España “y pensé que algún día tendría que tocar en este lugar, porque es como un anfiteatro natural, y la acústica es muy especial. Algunas personas, de vez en cuando, pueden decir que no es bueno tocar música en este tipo de lugares. Creo que es absolutamente lo contrario. Cuando piensas en las personas que han concebido este lugar, fueron absolutamente revolucionarias, innovadoras. En realidad, en todas las épocas hubo que luchar contra los conservadores del momento. Estaban contra las personas que creaban este tipo de proyectos, diciendo que si era demasiado grande, que si esto, que si lo otro… Tuvieron que luchar para hacer posible su sueño. Y creo que la mejor forma –lo digo como un embajador que respeta el patrimonio mundial–, de contribuir y honrar este lugar es ser tan innovador y presentar un proyecto tan innovador como los que crearon este lugar”.

Desde Japón a Venecia, en cuya plaza de San Marcos brindó recientemente un concierto, Jarre ha actuado en los lugares más deslumbrantes del globo, y ya deben de ser pocas las maravillas del mundo que le queden por usar como escenario. “Me alegra que me hables de esto, porque todos los lugares en los que he tocado han sido propuestos. Por ejemplo, después de la ceremonia final de las Olimpiadas de Francia, hice mi presentación allí. Y luego me han propuesto Venecia o la Plaza de España de Sevilla, y no puedo decir que no a eso. Lo que sí quiero es hacer algo especial para cada ocasión”.

Una música europea

“Por ejemplo, esta noche tengo algunos instrumentos y algunos elementos que nunca han sido mostrados antes, como los láseres especiales que son motivados por el audio, por la música y también por la reacción del público. Láseres muy fuertes y llegan al espacio. Así que, por primera vez, Sevilla va a ir al espacio. Quién sabe si Sevilla llegará a Marte antes que Elon Musk”, ríe.

Cuando se le pregunta por la música electrónica que le gusta hoy, afirma: “Cuando empecé, la música electrónica era vanguardia y al mismo tiempo también era rechazada por el poder establecido en muchos géneros. Ahora se ha convertido en la música más popular del mundo”.

“Tenemos que entender que la música electrónica no tiene nada que ver con el jazz, el blues o el rock, no tiene nada que ver con América. Es profundamente europea, nació originalmente en Alemania, Francia, España. España ha tenido y tiene muchas escenas electrónicas muy interesantes, desde hace mucho tiempo. Y tiene ese tipo de sentimiento europeo basado en nuestra herencia de la música clásica, y también nuestra herencia del surrealismo y de los movimientos surrealistas. La idea de mezclar el sonido de un pájaro con un clarinete o el sonido de una máquina de limpieza con percusiones es algo muy latino, muy español, muy francés. Esto viene de Marcel Duchamp, de Salvador Dalí, de todos estos artistas”.

Según Jarre, “tenemos nuestra propia visión del mundo para compartir con el público, que es totalmente diferente de lo que la gente podría hacer en América o China. Por supuesto, tenemos muchos artistas muy jóvenes, artistas emergentes muy interesantes y también artistas establecidos. Estoy abierto a muchas colaboraciones en el futuro”.

Curiosidad y buenos genes

En cuanto a la cultura española en concreto, reconoce que ha sido para él, desde siempre, “una gran fuente de inspiración. El flamenco, por ejemplo, y la música española en general tienen una cualidad muy especial. Este tipo de energía y alegría, y detrás de esta alegría hay una especie de melancolía o tristeza o sentimiento trágico. Este tipo de oxímoron, esta contradicción entre el flamenco, la música clásica española, la música electrónica, las canciones, todo es muy especial y atractivo para el mundo”.

No se puede acabar la entrevista sin preguntarle a Jean-Michel Jarre por el secreto para mantenerse asombrosamente vitalista a sus años. “Probablemente sea la genética. Gracias a mi mamá y a mi papá, que tenían buenos genes y me los dieron… Ahora tengo que cuidarlos”, dice. “Pero el secreto es también la curiosidad, estar involucrado y emocionado con lo que haces. Estoy llegando a este concierto como cuando era joven, con el mismo tipo de alegría y emociones, y también un poco asustado y curioso de lo que va a suceder. Este tipo de actitud hacia la vida te hace, por supuesto, consciente. Así que, mientras tu cuerpo te lleva, creo que puedes seguir”.

Ninguna intención, desde luego, de bajarse del escenario. “Tengo muchos proyectos para los próximos años, estoy preparando el aniversario de Oxygen, entre otras muchas cosas diferentes. Y, por supuesto, estoy pensando en volver a España con un nuevo proyecto”.

El famoso dúo británico de tecno pop Pet Shop Boys, compuesto por el cantante y compositor Neil Tennant y el teclista y compositor Chris Lowe, arrancó en la noche de este pasado martes su nueva gira, titulada 'Dreamworld: The Greatest Hits Live'. Con un concierto en la monumental Plaza de España de Sevilla en el marco del festival Icónica, el dúo ha desplegado toda una selección de sus no pocos himnos generacionales, que han hecho vibrar a los aproximadamente 8.000 asistentes.

Ante un público conformado por mucha tropa veterana pero también por gente más joven, Pet Shop Boys ha dado así el pistoletazo de salida de su nueva gira para celebrar sus 40 años sobre los escenarios, con este concierto en Sevilla que ha sido además la primera ocasión en la que Neil Tennant y Chris Lowe han tocado en la capital andaluza.

El dúo británico, referente indiscutible del tecno pop internacional, ha abierto su concierto con el mítico Suburbia, de su álbum debut Please, de 1986; seguido de temas como Can You Forgive Her y sus sonidos de corte noventero; u Opportunities de vuelta al periodo ochentero; con una clara invocación a los primeros compases de la formación, que ha sabido evolucionar sabiamente a lo largo de las décadas, siempre en la primera línea de la escena musical internacional.

A partir de ahí, el concierto ha subido de ritmo con Left To My Own Devices, tras lo cual desafiando la noche hispalense después de una jornada de aviso naranja por altas temperaturas, Neil Tennant y Chris Lowe han puesto sobre la Plaza de España grandes himnos del enorme legado musical que atesoran, acompañando sus canciones con una sobria pero elegante y directa puesta en escena de clarísima estética retro.

Con un público abiertamente entregado, porque nadie había asistido para probar suerte, han sonado para regocijo de la concurrencia temas tan emblemáticos como Se a Vida e, cargado de buenas vibraciones; el animadísimo New York City Boy con un estribillo ampliamente aplaudido por el público; el siempre elegante Love Comes Quickly, el emotivo Always On My Mind, Paninaro o Heart, es decir ritmos y letras que son ya leyenda.

Encadenando una canción tras otra, Pet Shop Boys ha convertido este concierto de apertura de su nueva gira en toda una fiesta de tecno pop y cultura retro, con plena complicidad del público, arengado por un Neil Tennant con menciones al calor tanto en inglés como en español y a la belleza de la ciudad.

Han sonado también, como no, It's A Sin, auténtico buque insignia de los británicos y punto álgido de la noche; o la majestuosa West End Girls, otro himno indiscutible de los británicos, que cerraron con la cuasi mágica Being Boring, para poner el broche final de un concierto caracterizado por las buenas vibraciones y la energía positiva de un dúo que 40 años después de sus comienzos, demuestra estar en plena forma musical.