Un estadio Santiago Bernabéu prácticamente lleno. Pero en vez de para ver los goles de Cristiano, para disfrutar del cine de autores como los hermanos Taviani, Carlos Marqués-Marcet, Lucrecia Martel o Pedro Pinho. Así podemos imaginar lo que ha sido la 14ª edición del Festival de Cine de Sevilla (SEFF): 75.238 espectadores que, entre el 3 y el 11 de noviembre, han poblado las salas de cine de la ciudad acercándose a los 80.000 asientos de capacidad del estadio madrileño.

El delegado de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, Antonio Muñoz, se preguntaba en la presentación del balance de la última edición cómo valorar el éxito del festival. “Número de espectadores, estrenos, ingresos, apoyos, críticas... Utilicemos el indicador que utilicemos, el festival presenta un balance positivo”, ha subrayado.

En número de espectadores, el festival ha crecido un 6,41% (de 70.704 a 75.238 espectadores). El certamen ha incrementado su público un 32% desde que José Luis Cienfuegos tomó las riendas del SEFF en 2012. La recaudación ha ascendido este año a los 121.500 euros, algo más de un 10% del presupuesto del festival, que se financia a través de partidas del Ayuntamiento de Sevilla, ayudas nacionales e internacionales y patrocinios privados.

El público más joven sigue siendo la gran cantera de este festival que ha convertido el cine de autor en su seña de identidad. Una tercera parte de los espectadores son menores de 19 años que acuden con sus centros escolares a disfrutar de la selección de películas infantiles y juveniles de la secciones Europa Junior y Cinéfilos del Futuro. 26.372 niños y jóvenes han disfrutado de una sección que ha mejorado las cifras del año anterior (24.528), educándose en una versión diferente del audiovisual a la que consumen habitualmente en móviles y salas de cine comerciales. El abono joven, dirigido principalmente al público universitario, también se ha incrementado un 13%, tras una fase de estancamiento. 

Los más jóvenes no han sido los únicos que han llenado las 466 proyecciones en el Teatro Lope de Vega, el Alameda y los Cines Nervión y CineZona. De este modo, el abono senior, que se presentó por primera vez el año pasado para mayores de 60 años, ha incrementado su venta un 15,33%.

Caras famosas del cine español

El cine español ha aportado su dosis de caras conocidas, gracias a los estrenos de Oro (Agustín Díaz Yañes), Tierra Firme (Carlos Marqués-Marcet) o El Autor (Manuel Martín Cuenca), que vinieron acompañados de actores y actrices como Lola Dueñas, Oona Chaplin, José Coronado, Javier Gutiérrez, Bárbara Lennie, Agathe Bonitzer, Antonio de la Torre, Óscar Jaenada, Raúl Arévalo, Juan Diego, Irene Escolar, Ruth Díaz, Berto Romero o Nerea Barros, entre otros.

Ellos y directores como Pedro Pinho, Thierry de Peretti o Mathieu Amalric han protagonizado las 173 presentaciones y 123 coloquios, en los que han compartido impresiones con los espectadores de las 214 películas (132 largos y 82 cortos) del festival, entre las que ha habido 24 estrenos mundiales, una premier internacional y 78 premieres españolas.

El SEFF en Cahiers du Cinema

Según datos del festival, 320 medios se han acreditado, ofreciendo un impacto en medios nacionales valorado en 10 millones de euros, un 33% más que en la edición anterior. La cobertura ha trascendido las fronteras nacionales, haciéndose eco en Reino Unido (Morning Star, Tribune, Screen International, The Independent), Francia (Cahiers du Cinema, Liberation, Cineuropa), Italia o Portugal. El delegado de cultura del ayuntamiento sevillano ha señalado que “tenemos que mejorar la promoción externa y vincular la imagen de Sevilla con el cine de autor. Creemos que hay un campo de mejor en medios nacionales e internacionales”. 

José Luis Cienfuegos, director del festival, ha indicado, por su parte, que entre “las cosas a mejorar se encuentra el servicio al espectador, que es una de nuestras obsesiones. Se ha ido mejorando con los años, pero hemos tenido problemas con los canjes por internet y las entradas”. Cienfuegos ha subrayado que ha sido un año de retos, ya que “se había cambiado el 70% del equipo del festival”, tras el fichaje del exprogramador del SEFF, Alejandro Díaz Castaño, como director del Festival de Cine Internacional de Gijón, entre otros.

En cuanto a la presencia de autoras en el festival, sólo el 18,5% de las películas del SEFF estaban dirigidas por mujeres en las secciones principales. Los datos del sector no son mucho mejores: las mujeres apenas dirigen el 16% de las películas presentadas a los Goya, según un informe de la Asociación de Mujeres Cineastas y Medios Audiovisuales (CIMA). Esta desigualdad se vio algo compensada en el palmarés del SEFF, en el que 9 de los 24 premios fueron para cineastas, técnicos y artistas femeninas.

A fabrica de nada. Así se llama la película portuguesa que se ha alzado este año con el Giraldillo de Oro del Festival de Cine de Sevilla. El jurado (Thomas Arslan, Agathe Bonitzer, Valérie Delpierre, Fernando Franco y Paolo Moretti) ha premiado el film de Pedro Pinho por “centrarse en la compleja situación económica contemporánea con un enfoque antirretórico, poético y profundamente original. El documental, la ficción y el musical conviven brillantemente en esta atrevida y cercana película que lleva al espectador a un viaje visionario y dramáticamente realista”.

El 'Giraldillo de plata', es decir, el Gran Premio del Jurado, ha ido a manos de Valeska Grisebach por Western, una película alemana, porque “a partir de una historia marginal y ”local“, el director crea un retrato social metafórico y tenso, que trasciende poderosamente lo real para adquirir una gran magnitud sociopolítica”.

“Transnacional, transterritorial, poética y políticamente, la película explora un universo fantasioso pero histórico que nunca deja de evocar el tiempo presente”. Esas han sido las razones por las que Zama, dirigida por Lucrecia Martel y producida por Pedro Almodóvar, ha merecido una mención especial del jurado. 

El director de la película francesa Barbara, Mathieu Amalric, se ha llevado el galardón a mejor dirección, A Violent Life (Thierry de Peretti) lo ha hecho por mejor guión y las mejores actuaciones han recaído en Selene Caramazza (Corazón Puro) y Pio Amato (A ciambra). El premio a mejor fotografía ha ido a manos de Maria von Hausswolf del film danés Winter Brothers. En total, nueve mujeres han sido premiadas en esta 14ª edición del Festival de Cine de Sevilla.

Explosión de alegría de Deborah Haywood

Uno de los momentos más divertido de la lectura del palmarés ha sido cuando Deborah Haywood, la directora británica de Pin Cushion, ha recibido la noticia de que había recibido, ex aequo, el premio especial de la sección Nuevas Olas. Con un marcado acento británico, Haywood no ha parado de agradecer y gritar sorprendida: “Oh my god! No way!”, arrancando los aplausos de los presentes en un premio compartido con The wild boys (Bertrand Mandico), “por su creación de atmósferas propias y sus temáticas actuales, como la identidad de género y el acoso escolar, enfocadas a provocar una reacción en el público”.

El premio principal de la sección lo ha recibido la película española Niñato de Adrián Orr “por su valentía en diluir las fronteras entre lo factual y lo ficcional, además de por su acierto en el retrato antropológico del núcleo familiar en la realida social actual”. En cuanto a no ficción, el documental A distant constellation (Shevaun Mizhari) se ha llevado el premio Nuevas Olas (No ficción) por “usar el cine como arte y como medio para contar historias universales. El director dirige su mirada a enmarcar los coloridos personajes para ofrecer finalmente una humilde, humana y profunda oda a la vida como un viento que cruza el pasado, presente y futuro”.

La mejor película de Resistencias, la sección de cine español independiente respaldada por eldiario.es/andalucia, ha sido para Ternura y la tercera persona (Pablo Llorca) “por dar un rico paisaje humano de la historia de una familia y el vecindario donde viven, y por representar de manera brillante la lucha cotidiana de personas reales con toques de humor”, mientras que el gran premio público, concedido dentro de la sección EFA (European Film Awards), lo ha ganado Insyrated (Philippe Van Leeuw).

Premio al sevillano Manuel Muñoz Rivas

El director sevillano Manuel Muñoz Rivas ha ganado el premio especial de Deluxe (valorado en hasta 6.000 euros para crear una copia digital de distribución en salas de cine, un DCP (digital cinema package)) por su obra sobre los marginales habitantes del Parque Nacional de Doñana en El mar nos mira de lejos.

Mr. Gay Siria (Ayse Toprak) ha ganado el premio LGTBI ‘Ocaña a la libertad’ “por la valentía que demuestra su directora al narrar, con la fórmula de la no-ficción, las experiencias de un grupo de homosexuales varones que escapan de una Siria en guerra, todo ello mostrado con la esperanza de una vida mejor”.

Los premios restantes han recaído en las siguientes películas:

Premio Eurimages: The Intruder (Leonardo di Costanzo)

Mejor corto Panorama Andaluz: El mundanal ruido (David Muñoz)

Premio Especial Rosario Valpuesta: Ayer o anteayer (Hugo Sanz Rodero)

Mención especial: Diferencias (Isabel Alberro)

Premio Asecan a mejor película de la sección oficial: Tierra Firme (Carlos Marqués-Marcet)

Premio Cicae Ópera Prima: Tierra de Dios (Francis Lee)

Son historia viva del cine. Los hermanos Taviani, Paolo y Vittorio, llevan más de medio siglo rodando en su Italia natal. Por el camino, se han hecho con Osos, Palmas y Leones de Oro en algunos de los grandes festivales de cine del mundo. Es decir, los europeos. Los Taviani llegan a Sevilla para recibir el Giraldillo de honor del festival y para estrenar, precisamente en el Festival de Cine Europeo, su última película (la 24ª), Una cuestión privada, que se vio por primera vez en el Festival de Toronto, y que ha proyectado el certamen sevillano fuera de competición.

La última gran obra de los octogenarios se estrenó hace cinco años en la Berlinale y terminó llevándose el Oso de Oro. César debe morir era una deliciosa película, a caballo entre la ficción y el documental, en la que unos presidiarios relacionados con la Mafia interpretan Julio César de William Shakespeare.

En esta ocasión, los Taviani han apostado por formas más clásicas. Eso sí, han vuelto a apoyarse en la literatura para contar la historia de un partisano que busca desesperadamente la forma de liberar a su amigo del alma, que ha caído en manos de los fascistas. La cinta parte de la novela homónima de Beppe Fenoglio, el escritor por antonomasia de la II Guerra Mundial y la lucha miliciana. No ha sido la primera vez que los cineastas se inspiran en la literatura universal, como Tolstoi en No estoy solo, Pirandello en Kaos y Tu ríes o Goethe en Las afinidades electivas.

“Fenoglio es el escritor de la resistencia. Había sido partisano y le escribió a su editor diciéndole que quería pasar a la historia como el cantor de la resistencia. Le dijo que estaba escribiendo una historia que tiene lugar durante la resistencia, pero que era una historia de amor. El trasfondo es la resistencia, sí, pero es una historia de la locura de amor de un partisano”, ha explicado este viernes Taviani ante una sala de prensa repleta.

Un Orlando enamorado

En Una cuestión privada, el protagonista se comporta como, en el poema épico renacentista italiano, un “Orlando enamorado y celoso, que corre y se olvida de todo lo que tiene alrededor. No es que quiera salvar a su amigo, es que quiere salvarlo para saber si le ha traicionado con la mujer que amaba. Es una carrera en busca de la verdad”.

¿Se rueda de manera diferente con 50 años de profesión a las espaldas? A sus 86 años (su hermano tiene 88 años y no ha acudido a Sevilla ni ha estado en el último rodaje por problemas de su salud), Paolo asegura que “si no grabamos, no logramos vivir. Yo no me puedo jubilar, porque... ¿Qué hago? ¿Leo? Ya he leído mucho. ¿Veo películas? Ya he visto muchas películas. Trabajaremos hasta que el cuerpo aguante. El plató es, para mí, mi ambiente natural”.

Taviani subraya que “cuando uno es viejo tiene que demostrarse que está vivo y que logra comprender un fragmento de la realidad. Esto es una profesión en la que siempre se trabaja con el mismo oficio. A veces lo logras, otras no. Alguna vez hay desilusiones”. El director de cine ha aludido a Giuseppe Verdi o Miguel Ángel Buonarroti, recordando que consiguieron sus mejores obras siendo octagenarios como ellos: la ópera Falstaff de Verdi o La Piedad de Buonarroti.

“Envidia enorme” por Xavier Dolan

En un arranque de sinceridad, el director italiano ha confesado que siente “una envidia enorme” por el canadiense Xavier Dolan, que atesora dos premios en Cannes y tres César sin tan siquiera haber cumplido los 30 años. “Siento lo que sentía cuando veía películas muy hermosas... una envidia enorme. No lo hago porque no me sale. Yo voy por otro camino”.

El cine de los Taviani, que siempre ha tenido unas fuertes connotaciones políticas, nació cuando florecía en Francia un movimiento intelectualista como la nouvelle vague. “En Italia éramos polémicos, pero la historia que se estaba viviendo, era un momento muy particular. Nosotros hicimos una película, Bajo el signo de escorpión, que era muy revolucionaria y con la que realmente queríamos reinventar el lenguaje (cinematográfico)”.

Por último, el octogenario ha sorprendido con una diatriba a favor de las nuevas tecnologías y las nuevas formas de hacer cine. “Las nuevas tecnologías lo están cambiando todo. Es algo que no me entristece, ya que un joven de hoy en día tiene más suerte que nuestra generación. Nosotros no pudimos hacer muchas películas, porque estaban llenas de fantasía y solo los americanos se lo podían permitir”. En cuanto a las series, ha asegurado que deberían hacer una serie sobre el Corsario Negro, la famosa novela de Salgiari, con la que su padre les hacía llorar de emoción. “Desde hace dos o tres años, pienso que deberíamos hacer una serie como han hecho Steven Spielberg o Martin Scorsese, pero soy muy viejo. Yo haría una serie del Corsario Negro y haríamos los galeones de manera digital, ayudados por la tecnología”, ha sentenciado.

Los números hablan. Y nos cuentan una historia de discriminación. No es una historia del pasado, sino de un presente en el que sólo 3 de cada 20 películas que se presentaron a los últimos Goya estaban dirigidas por mujeres (un 16%). O que menos de una de cada cinco películas (un 18,5%) que participan este año en las secciones principales del Festival de Cine de Sevilla tienen un ojo femenino tras la cámara.

La directora Peggy Johnson, en unas declaraciones recogidas por El País en el Festival de Venecia, aseguraba que “a las reuniones me llevo a mi productor y al responsable de financiación, hombres, para validarme. Es humillante, pero es así”. El mundo del cine, jerarquizado y masculinizado, es un espejo de una sociedad en la que el machismo sigue presente.

Según el informe anual de la Asociación de Mujeres Cineastas y Medios Audiovisuales (CIMA), sólo había un 26% de mujeres entre las 2.270 personas con puestos de responsabilidad entre las 154 películas que se presentaron a la 31ª edición de los Premios Goya. La autora del documento, la investigadora Sara Cuenca, habla de dos conceptos para entender el problema: la segregación laboral horizontal y la segregación vertical.

Segregación vertical y horizontal

Por un lado, las mujeres se siguen dedicando, en una inmensa mayoría, “a aspectos tradicionalmente asociados a dicho género. Se plasma en que las mujeres tienen una representatividad muy elevada en las áreas relativas a la belleza y los cuidados”. De esa manera, las jefas de vestuario, maquillaje y peluquería son el 75%, mientras que los hombres copan los puestos relacionados con “aspectos creativos, tecnológicos y de liderazgos”: son hombres el 84% de los directores, el 83% de los guionistas, el 97% de los directores de efectos especiales y el 98% de los directores de fotografía.

El otro concepto, el de segregación vertical, implica que las mujeres están “ancladas” a los grupos profesionales más “alejados de los procesos decisorios”. En la inmensa mayoría de los casos, son los hombres los que deciden qué, cómo y cuándo se va a hacer una película.

Nerea Barros: “Parece que mi criterio vale menos”

La actriz Nerea Barros, que protagoniza la película A estación violenta en el Festival de Cine de Sevilla, es conocida por su papel de actriz. Hace dos años ganó un Goya por su papel en La Isla Mínima de Alberto Rodríguez. El año que viene se estrena como productora en Morir para contar, un documental sobre los efectos de los conflictos bélicos en los corresponsales de guerra. Siente que en su faceta como productora “tengo que hacer un doble esfuerzo. Parece que no vale con mis palabras, que tengo que demostrar algo, como si mi trabajo o mi criterio valieran menos que los de mi coproductor. Eso me hace sentir rechazada, ya que parece que las mujeres tenemos que correr unos cien metros lisos más, a toda velocidad, para lograr el mismo objetivo”.

Barros cree que ese machismo presente en el mundo del cine es un reflejo de la sociedad. “Tengo amigas y colegas a las que les cuesta mucho sacar adelante un guion, producir una película o dirigirla. Para una mujer, el esfuerzo es mayor. Todos deberíamos tener las mismas posibilidades, pero hay como tres o cuatro muros, que a veces resultan imposibles de superar”, subraya.

Teresa Villaverde presenta su película, Colo, en la sección Nuevas Olas del Festival de Cine de Sevilla. La cineasta portuguesa afirma que empezó a “trabajar muy joven. Pensé que las dificultades para poder rodar eran por ser tan joven, pero no por ser mujer. Ahora entiendo que estaba equivocada. Empecé a producir películas para poder hacer lo que quiero, pero curiosamente sólo me presentan como directora. Es algo que no ocurre con los hombres, a los que se presenta como director y productor”. Es decir, como personas con un poder y control mayor sobre el producto cinematográfico.

Eva Vila, directora de Penélope, obra que compite por el Giraldillo de Oro en la sección oficial, mantiene que “venimos de una tradición de cine hecho por hombres, en la que no está normalizado que las mujeres puedan dirigir. Ahora mismo hay muchas óperas primas de mujeres, lo importante es que puedan lograr su segunda y tercera película. Es decir, que cada vez sea más fácil para ellas seguir haciendo cine”.

A todo eso, hay que añadir que las mujeres suelen dirigir películas de presupuestos menores que los hombres. Económicamente hablando, dirigen filmes de menor importancia. El infomre de CIMA recuerda, por ejemplo, que Telecinco Cinema, la productora del canal de televisión, no ha financiado ninguna película dirigida por mujeres en los últimos años.

Women in focus

Ana Rosa Diego es la presidenta de la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (AMMA), que organiza este viernes y este sábado unas jornadas dirigidas a las profesionales del sector denominada Women in Focus en el Festival de Cine de Sevilla. Diego subraya que desde la asociación consideran fundamental que la futura ley andaluza del cine conceda más puntos en las subvenciones a aquellas películas que incluyan “mujeres como jefas de departamento de los equipos técnicos, porque son las que tienen capacidad para formar equipos y que sean paritarios”.

El techo de cristal para las mujeres en la industria del cine está ahí. Rosa García, jefa de prensa del documental Los demás días, dirigido por Carlos Agulló y presentado este jueves en el festival, cree que esa limitación la sufren también las responsables del marketing y la comunicación de una película, como es su caso. “A la hora de liderar la comunicación de una película, somos una pieza clave. No solo manejamos una agenda, sino la comunicación de una película. Por lo que sea hay un techo, es como si fuéramos figuras invisibles”, sostiene.

Su compañera de profesión Sonia Uria subraya que las profesiones relacionadas con el mundo del cine “requieren mucho sacrificio, te capitaliza la vida con tus hijos y tu pareja. Culturalmente, parece que un hombre sí puede irse varios meses a otro país, porque le ha salido un proyecto, mientras que una mujer tiene que argumentar el doble. En nuestro caso, si eres madre y te vas a la promoción de una película varias semanas, parece que has matado a Manolete”.

Rosa García subraya que, en definitiva, lo importante es que “haya historias que nos representen, porque las mujeres somos un target que está fidelizando la taquilla. Se están demandando historias en las que nos veamos reflejadas y no seamos sólo parejas o madres del protagonista. Queremos vernos representadas en la pantalla, en diferentes rangos de edad”.

La actriz Nerea Barros corrobora que “los papeles más guays y complejos lo tienen los hombres, mientras que la mujer suele la madre, la hija o la amante del protagonista. Suelen ser personajes mucho más simples y con menos prismas. Tienes que ser tú la que le aporte esas aristas, pero tras una cortina, sin que se note… sin molestar”. Barros cree que su personaje en A estación violenta, su película estrenada en el festival, “no es la novia de nadie. Es un ente en sí mismo, que atraviesa una serie de conflictos rodeada de otros personajes, que son hombres. Eso ocurre, porque hemos trabajado dos años sobre el personaje de mujer que queríamos”.

Como reivindicó la actriz andaluza Cuca Escribano en la última ceremonia de los Goya: hacen falta más “más personajes femeninos”. Y también más técnicas, más directoras, más productoras y más jefas en el mundo del cine.

Añada del 92. Son los benjamines del Festival de Cine de Sevilla. A sus 25 años, Anxos Fazáns y Miguel Rodríguez gozan de una insultante juventud, que no les ha impedido cumplir el sueño de todo director de cine: rodar su primer largometraje. El cineasta sevillano, Miguel Rodríguez, ha apostado por un documental biográfico, La Isla, protagonizado por su padre, el creador de una serie infantil andaluza llamada La Isla de Flora.

Por su parte, la directora gallega Anxos Fazáns, con tres cortos y una webserie a sus espaldas, ha dado el salto al largometraje de ficción con A estación violenta, que se estrena este jueves. En esta primera aventura ha contado con Nerea Barros, que atesora un Goya por La Isla Mínima, y lo ha rodado en celuloide. Todo un reto al que también se ha apuntado Rodríguez, que lo mezcla con otros formatos como el VHS o la imagen digital.

Aman las salas de cine y la cultura de consumo lento. Lo de la atención dividida y las multipantallas no va con ellos. De hecho, Anxos lleva más de un año con la pantalla del móvil rota y no tiene instalado Instagram. Son jóvenes millennials como nunca te habías atrevido a imaginarlos. ¿Hay puntos de conexión generacional? ¿Hacia dónde se dirigen estos jóvenes cineastas? Ellos mismos nos lo cuentan.

Sois los directores más jóvenes de este festival, pero en vuestras películas hay una importante esencia nostálgica. Retrocedamos a vuestra infancia: ¿Cuáles son los orígenes de vuestra cultura audiovisual?

Miguel Rodríguez: Las series de animación escatológicas que ponían en los años 90 en Nickelodeon y Cartoon Network, del tipo Ren & Stimpy. A los 11 años empecé a ver cine, películas de Stanley Kubrick...

Anxos Fazáns: ¡Qué prematuro! Yo veía un programa que se llamaba Xabarin Club, que reunía series como Shin Chan, Teletubbies, Sailormoon, Bola de Dragón, Pokemon, Arale y su fiel mierda rosa. Como ves, lo escatológico lo petó en los 90. Además, emitían videoclips infantiles con grupos de rock gallegos, psicodélicos y punks. En Galicia, hemos crecido con ese programa y, por eso, andamos mal de la cabeza (ríe). Mi interés por el cine fue progresivo, recuerdo que en el instituto vi Los amantes del círculo polar de Julio Medem. 

¿Por qué decidisteis estudiar cine?

Anxos: Yo hacía teatro desde los 7 años. Estudiar comunicación audiovisual fue una decisión de última hora y lo escogí porque me gustaba escribir y ya había desechado lo de ser actriz.

Miguel: Al empezar a interesarme por el cine, vi que quería desarrollar una profesión y dedicarme a la dirección. En segundo de comunicación audiovisual, ya estaba desilusionado con la idea de hacer cine industrial. Cuando comencé el máster de cine, lo empecé con unas expectativas muy bajas, y este proyecto me ayudó a reilusionarme. Somos una generación pegada a la televisión, de ahí nace nuestro interés por el cine.

¿Os disgusta la etiqueta millennial?millennial

Miguel: Hay una brecha generacional y gente que nos considera jinetes del Apocalipsis, que venimos a cargarnos la cultura. Son personas a las que les inquieta el mero hecho de acercarse a otra generación y no parecen tener ningún tipo de interés en nosotros.

Anxos: Yo no me identifico con lo que se describe como millennial. Es posible que sea una excepción, pero creo que hay más personas como yo: nos gusta consumir lentamente y ver una película en una sala de cine, aunque eso no esté reñido con ver pelis en pantalla pequeña.

¿Quiénes son vuestros directores de cabecera?

Miguel: La forma de narrar de Carl Elsaesser ha sido una influencia directa para mí. Los cineastas sevillanos que estamos en la sección Resistencias consumimos cine de mucho tipo: serie B, cine experimental... La heterogeneidad de formas que hay en mi película se debe a que, como consumidor, me gusta una cinematografía muy diversa. 

Anxos: Sobre todo el cine europeo más actual. Me gusta Oslo, 31 de agosto, de Joachim Trier, que también habla de un chico que se está desenganchando a las drogas. Tiene el mismo mensaje de desesperanza que mi película. La directora británica Andrea Arnold hizo una adaptación de Cumbres Borrascosas. No tiene nada ver con mi peli, pero fue uno de los referentes que más usé, porque tiene una poética visual que intento elaborar y no sea todo tan narrativo. Además, soy muy fan de Jim Jarmusch y David Lynch. Como hice teatro, me interesa mucho el trabajo de actores y la ficción. Los límites están muy desdibujados entre ficción y no ficción, he trabajado con actores y no actores. (Se dirige a Miguel): Tu película me lleva a esa época en la que merendaba pan con nocilla delante de la televisión, viendo Xabarin Club.

Miguel: Me gusta. (Se dirige a Anxos): Creo en la tuya hay referentes más obvios, como Banda aparte o Jules et Jim de Jean-Luc Goddard y cierto cine español de la época de los 90, en el que se hablaba mucho de la tradición y de la brecha generacional. Has mencionado Los amantes del círculo polar…

Anxos: Para este proyecto no me acordé mucho de Julio Medem. Goddard no es de mis directores favoritos, pero sí me gusta la primera parte (de su filmografía). Me interesan algunas cosas del cine quinqui español, aunque éste hablara más de la heroína, fuera más moralista y haya envejecido regular.

¿Qué similitudes veis entre vuestras películas?

Miguel: (Bromea). En la de ella hay un plano en el que el protagonista mira al mar y en la mía, mi padre mira a la televisión.

Anxos: Ambas películas hablan de una generación perdida. Ambos hablamos de un pasado que no se muestra en la película, que empieza in media res.

¿Y diferencias?

Anxos: Todo. Su punto de partida es su realidad, su familia... con todo eso construye su película. Lo mío es lo opuesto, hay un trabajo previo que no es mío, pero al final termino encontrándome conmigo misma y con mi familia. Me he dado cuenta de que hay mucho de mí en la peli. Es como si los dos años haciendo esta peli estuvieran ahí reflejados… es raro.

Miguel: Veo diferencias en el tratamiento, el género, la apuesta y el trabajo con actores. Mi padre es una especie de showman. Lo que más se ha revindicado de mi película es la parte emocional. 

Anxos: Me ha interesado mucho el material de tu infancia, grabado en VHS, y la parte inicial haciendo el títere. Hay una poética visual en el juego de texturas y realidad. Me gustan estos proyectos hechos desde la realidad íntima de la gente. Creo que al final lo importante es llegar a algo que sea de verdad.

¿Quieres decir llegar a vosotros mismos?

Anxos: Cuando ruedas una película, te expones mucho, te haces muchas preguntas. Para que la película esté bien, ha de ser de verdad y tener mucho que ver conmigo. Muchos intentamos que la película tenga un significado para nosotros.

Miguel: Si el nivel de exposición es alto en ficción, imagínate en la narrativa autobiográfica de un documental. Yo soy muy pudoroso, con lo cual es como un vía crucis. Era un material muy sensible y quería estar lo más lejos posible del típico documental biográfico con picos climáticos.

¿Os desnuda vuestra película ante el espectador?

Miguel: (Se mira con Anxos). El problema es cómo cubrirte.

Anxos: Él se está exponiendo todo el tiempo. En mi ficción, en cambio, el problema es otro: tratar de que se me vea a mí.

Miguel : Yo creo que al final siempre te expones.

¿Qué os ha gustado más de vuestras respectivas películas?

Anxos: De La Isla, me ha gustado el juego de formatos, las imágenes de archivo en VHS y la mezcla con el metraje digital actual. Es la parte más plástica. 

Miguel: De su película me ha gustado esa especie de disolución narrativa con películas de los 90, tanto en el contenido como en la forma. La desesperación de los personajes se traslada a la forma de la película, a la manera de rodarla. También me parece un mérito que se haya rodado en gallego y que dicho idioma esté tan presente en el cine gallego.

Anxos: Fue una decisión complicada, pero los actores son gallegos y transcurre en Galicia, así que no tenía sentido que hablaran en español.

¿Cómo definiríais el cine de vuestra generación?

Miguel: No sé si se puede hablar de una corriente.

Anxos: El hecho de que nosotros dos hayamos hecho obras tan diversas, significa que nuestra generación está rodando películas muy diferentes. En cualquier caso, veo una tendencia hacia lo íntimo.

Miguel: Yo no hablaría en clave generacional, pero sí veo que los cineastas sevillanos se están centrando en el tema familiar y la familia está siempre muy presente.

¿Creéis que hay espacio para vuestro cine en los circuitos comerciales?

Miguel: No (tajante).

Anxos: No lo sé. Mi película podría tener un pequeño hueco, pero por ahora no sé qué recorrido va a tener. Hay dificultades, como que esté en gallego o que el super 16 no esté de moda. Existe un pequeño circuito en el que este tipo de cine sí puede moverse, pero veo improbable que llegue a salas grandes.

Miguel: Un hueco, como tal, tampoco lo quiero. Parece que el peso del cine al margen recae sobre nosotros. Me disgusta esa etiqueta, porque lo nuestro también es cine y esa etiqueta es una forma del sistema de sacarnos fuera. 

Anxos: Hay autores a los que sí les interesa ir en contra de los estándares, pero no me gusta que nadie te sitúe ahí por obligación.

¿Dónde os imagináis dentro de diez años?

Miguel: Lo único que sé es que mi pelo no estará ahí. Soy un poco cortoplacista, sé que va a haber un desequilibrio entre lo que imagino y lo que ocurrirá.

Anxos: Con lo chungas que están las cosas, no pienso mucho en el futuro. Si lo piensas mucho, te deprimes. No soy la única, es algo propio de la gente de mi edad, la crisis de los 25 años y que me afecta incluso a mí, que he tenido la suerte de rodar una película. Nada me garantiza que pueda volver a hacerlo.

Miguel: Antes se pensaba que tu carrera iba progresando: primero vas a una escuela de cine, inviertes mucho dinero, haces tus primeros cortos, ruedas tu primer largometraje y los siguientes largos serán mejores y más caros. Ahora ya no se piensa así.

Mimosas de Oliver Laxe o Mapa de León Simiani. Forman parte de ese cine español que Luis E. Parés, programador de Resistencias en el Festival de Cine de Sevilla, ha definido como ese otro cine español que no busca el taquillazo, pero que “habitamos y nos habita. Son películas que han ampliado nuestro horizonte hasta límites que no sospechábamos”. Ese cine de autor, heterodoxo y sin complejos, es al que trata de darle su espacio la sección del festival.

Sergio Cobo, profesor de historia del cine en la Universidad de Sevilla, la define como una sección “arriesgada, innovadora y fértil, donde ver ese cine español que difícilmente encuentra otras vías de distribución. Es la que sección que hay que verse si vienes al Festival de Sevilla y una de sus señas de identidad”.

La sección está integrada por diez películas españolas, nueve de ellas compiten por el premio del Jurado Fipresci. Histeria de España, una obra colectiva coordinada por Kikol Grau, es una mirada punk a la historia de España, se proyecta fuera de competición. Cuatro de las películas que compiten por el Fipresci son mujeres: Ana Serret, Ana Domínguez, Anxos Fanzáns y Mónica Rovira.

A estación violenta (Anxos Fázans)

A sus 25 años, Anxo Fazáns cuenta ya con una webserie, Fame, tres cortos y estrena con A estación violenta su primer largometraje. Protagonizada por Nerea Barros (Goya por la Isla Mínima), el film retrata la vida de un escritor frustrado, al que el reencuentro con sus amigos le hace estallar. Según Fázans, “es una película muy personal, que habla de mí, de mi generación y de todas las generaciones. Habla de la tristeza y la soledad, temas que no siempre interesan y que cuesta admitir que están ahí”.

Proyecciones: Jueves 9 (20.15), Viernes 10 (22.00) y Sábado 11 (12.30).

El señor Liberto y los pequeños placeres (Ana Serret)

El señor Liberto y los pequeños placeres (Ana Serret)Ana Serret se resiste a hablar del olvido en El señor Liberto y los pequeños placeres. La directora asturiana no quiere que el vacío se apodere de este documental sobre el alzheimer, la enfermedad que sufre su padre, el señor Liberto desde hace años. Serret aclara que “quería saber más de lo que pasaba por su cabeza y me resistía a pensar que todo estaba perdido, que lo estaba olvidando todo. Quería investigar sobre algo que no existe, pero que yo estoy convencida de que siguen estando dentro de él, como las vivencias y las emociones. Creo que no se hacen documentales sobre el alzheimer resaltando lo vivido, sino lo olvidado”. Ana quería bucear en esos pequeños placeres que nos mantienen vivos.

Proyecciones: Miércoles 8 (19.45) y Jueves 9 (18.00).

Ver a una mujer (Mónica Rovira)

¿Ficción o documental? La directora se muestra a ambos lados de la cámara en una película a flor de piel sobre el desamor. La directora de Ver a una mujer, Mónica Rovira, explica que “es una relación de amor y desamor entre dos mujeres y en la que hay una relación muy íntima con la cámara, que termina afectando a lo que ocurre. No me siento cómoda definiéndolo como un documental o como ficción. Es algo que va más allá de los géneros. Una película es contar una historia con imágenes y sonidos. Mi materia son imágenes atrapadas desde la vida, pero lo real no es lo verdadero”.

Os fillos da vide (Ana Domínguez)

Ana Domínguez se zambulle en la fiesta de las estaciones que gira alrededor de los viñedos, la vendimia y el vino en Os fillos da vide. La realizadora gallega alaba la “sensibilidad de tener un espacio para este tipo de películas, como ésta, hecha con mucho amor. Es un viaje por el ciclo de la vida, recordando las vendimias de mi niñez”.

Proyección: Miércoles 8 (20.00).

La Isla (Miguel Rodríguez)

La Isla (Miguel Rodríguez)La Isla de Flora. Así se llamaba el programa de títeres que emitía Canal Sur a principios de los 90, con Flora, Tico y Ulises de protagonistas. El padre de Miguel Rodríguez, el director de este documental, creó aquellos muñecos y le dio vida a Tico y Bigotoff. “Establezco un diálogo con mi padre. Es una película familiar, en la que mi padre es el protagonista en la que quería saber cómo serían los espectadores de aquel programa 27 años después. Quería evaluar ese legado, el de un programa que recibía más de 3.000 cartas diarias y hacerlo experimentando con los formatos: 8 mm, 16 mm, VHS, SLR y hasta imágenes 3D”, explica Miguel Rodríguez.

Proyecciones: Viernes 10 (18.00).

La Transacción: un recorrido visual por la transición (Kikol Grau)

La Transacción: un recorrido visual por la transición (Kikol Grau)¿Qué más se puede decir de la transición? Según el director Kikol Grau, mucho. En La Transacción: un recorrido visual por la transición, Grau lleva a cabo “un recorrido audiovisual por la transición española a través de más de 150 películas, con las que intento explicar la historia reciente de España. Estamos como estamos, por cómo se hicieron las cosas entonces. Si no barres la casa, te salen grietas por todos lados. Como los tiempos no vienen dados para que la gente lea, este documental es perfecto para que los estudiantes se lo vean en 50 minutitos. Es mejor que una asignatura coñazo, de hecho, quiero regalárselo a mis colegas profes”.

Proyecciones: Viernes 10 (11.00).

Las cosas (Carlos Rivero)

Las cosas (Carlos Rivero)El realizador Carlos Rivero cierra su trilogía con Las Cosas y vuelve a filmar a su sobrino Aarón. Es una visión complementaria, ya que “ahora sí se relaciona con la cámara. En el misterio de Aarón, yo intentaba la relación de él con la realidad y hubo un momento en el que él dejó de interesarse por esa realidad y empezó a mirar la cámara. Antes lloraba, reaccionaba con violencia cuando veía que el director le grababa. Ahora llora porque quiere la cámara y no se la dejo. Se relaciona con las imágenes con una mirada fascinada, como en los orígenes del cine”.

Proyecciones: Miércoles 8 (22.00), Jueves 9 (19.45) y Viernes 10 (21.45)

Se abrirá la tierra (Alonso Valbuena)

Se abrirá la tierra (Alonso Valbuena)El cordobés Alonso Valbuena repite en el Festival de Sevilla, pero ahora con un largometraje, Se abrirá la tierra, escrito por Belén Díaz, en la que convierte a su familia en personajes de su película a caballo entre el documental y la ficción. Es una historia de fantasmas, “grabada con mi familia, que es la tónica que suelo seguir. Los personajes son mi abuela, mis primas y una chica de Madrid, que era el único personaje totalmente ficticio. Combino rodaje en 4K y VHS. El 4k de la historia de misterio, en contraposición al VHS, más familiar, algo que beneficia a los dos”.

Proyecciones: Jueves 9 (19.45).

Ternura y la tercera persona (Pablo Llorca)

Ternura y la tercera persona (Pablo Llorca)Pablo Llorca es uno de los cineastas veteranos de la sección y lleva desde finales de los años 80 dirigiendo películas, como Venecias o Jardines Colgantes, fecha en la que algunos de sus compañeros de Resistencias aún ni siquiera habían nacido. Con Ternura, Llorca firma una comedia protagonizada por Mario Gas y su hija Miranda, sumergiéndose en un barrio obrero de Madrid.

Proyecciones: Jueves 9 (22.30), Viernes 10 (20.00) y Sábado 11 (22.00).

Manuel Muñoz Rivas (Sevilla, 1978) vive en un difícil triángulo con vértices en Lisboa, Madrid y Barcelona. Ha trabajado como montador para el cineasta gallego Eloy Enciso (Arraianos) y el catalán Mauro Hercé (Dead slow ahead). Sin embargo, para el rodaje de la que es su primera película como director, El mar nos mira de lejos, ha recurrido a sus paisajes de la infancia, en la frontera entre la zona urbanísticamente más poblada de Matalascañas y la naturaleza más salvaje del Coto de Doñana. No es un caso aislado.

El mar nos mira de lejos marca un hito por ser la primera película de creador y producción andaluza que compite en la más que exigente Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF). Y sin embargo, lo hace compartiendo un hecho que se repite en la inmensa mayoría de creadores andaluces que se dan cita este año en la muestra: convertir en materia filmable su realidad más cercana, más inmediata. Encontrar la excepcionalidad en sus paisajes más recurrentes, lo menos frecuente en lo aparentemente cotidiano.

“Andalucía no es ya sólo un territorio de producción audiovisual, sino un espacio narrativo, una tierra de inspiración”, admite el programador de la sección Panorama Andaluz del SEFF, Juan Antonio Bermúdez, que ha oficiado este lunes 6 de noviembre el acto de reunión de la industria andaluza del cine en el marco del SEFF, donde se han presentado una veintena de proyectos localizados, casi en su totalidad, en diferentes zonas y acontecimientos andaluces.

Destaca Bermúdez, junto con la película de Muñoz Rivas, la presencia andaluza a lo largo y ancho de toda la programación del festival: “tres directores sevillanos en la sección Resistencias -Carlos Rivero, Alonso Valbuena y Miguel Rodríguez-; otras producciones que han entrado fuera de sección, como El Autor, de Manuel Martín Cuenca; Oro, de Agustín Díaz Yanes; Fogueo, de David Sainz, y Los Gigantes no Existen, de Chema Rodríguez”. Hay también otro hito que celebrar esta edición: los estrenos absolutos en este marco de los documentales Rota n’roll, de Vanesa Benítez; y Que nadie duerma, de Mateo Cabeza. Todos ellos han puesto el foco en hechos históricos, situaciones actuales, ficciones o documentales sobre realidades que les atañen en lo personal.

Un fidedigno caleidoscopio

Veámoslo: de los nueve largometrajes y los siete cortos destacan, “además del peso del documental en la producción audiovisual andaluza”, una “versatilidad” -explica Bermúdez- que puede ayudarnos a los espectadores a componer un fidedigno caleidoscopio de la Andalucía pasada, presente y, por qué no, futura.

Buen ejemplo de esto es Que nadie duerma, de Mateo Cabeza, director que ha crecido con el Festival desde sus cortos (Sevilla Santa, La vida sigue igual) hasta este primer largo que estrena ahora para contar, con la única mediación de la cámara, el día a día de la compañía Danza Mobile, con sede en Sevilla. Una agrupación dedicada a las artes escénicas que cuenta con la peculiaridad de que sus miembros son personas afectadas de Síndrome de Down.

Por su parte Rota n’ Roll, ópera prima de la gaditana Vanesa Benítez Zamora y merecedora del Segundo Premio Imagenera 2017, tampoco se escapa de su radio de acción más cercano y analiza el influjo cultural que supuso la base naval estadounidense de Rota en la España de la posguerra. “Todavía me encuentro abrumada por el recibimiento que está teniendo el documental, me están llegando noticias incluso desde Estados Unidos”, ha señalado la joven realizadora, que se nutre de testimonios y archivos personales de personajes anónimos de Rota que vivieron inmersos en un espacio de libertad y modernidad gracias a los nuevos sonidos que llegaban de América y que coloreaban la vida gris de la España de la Dictadura.

Los otros dos estrenos absolutos de Panorama Andaluz son historias de ficción. Lugares, de Manuel Noguera, que definía así su película: “Es la primera vez que hago un largo, algo tremendamente ilusionante. Son cuatro historias en paralelo, historias de personas que están encerradas con otras. ¿ Y qué hacen las personas en esas situaciones? Hablar. El diálogo es el motor del largometraje”.

Por su parte el dramaturgo y guionista Juan Carlos Rubio se estrena también en el cine con esta adaptación de su obra de teatro homónima Las heridas del viento. La película que se proyectará durante la Gala RTVA como homenaje a su protagonista Kiti Mánver (Premio RTVA 2017).

Pero si hablamos de estreno nacional y de repaso a la realidad andaluza, hay que detenerse, sin duda en Más allá del escenario, de Nonio Parejo, que se proyecta en Sevilla tras su reciente premiere mundial en Cinespaña de Toulouse. Parejo, histórico del documental andaluz (Campos de Níjar, Los presos del canal…), rescata ahora la memoria del Teatro Lebrijano, un referente de la resistencia cultural antifranquista, y la de su ideólogo Juan Bernabé. “Lebrija fue un pueblo que cogió la bandera andaluza de la lucha antifranquista, con un teatro que rompió moldes. La pena es que duró poco, sus actores no eran profesionales y estaban aglutinados alrededor de Juan Bernabé, su director, que murió muy pronto”, ha destacado Parejo.

Mariano Agudo, habitual del Festival con otros trabajos para la productora Intermedia (Habitar la Utopía, Boliviana) presenta Samba, un nombre borrado. “Con extremo respeto por el tema y sus protagonistas”, Agudo acompaña un infrecuente viaje en la migración africana: el de Mahmud, que vuelve a su país de origen tras la pista del desaparecido Samba Benjai.

Caballo de viento, de Moisés Salama, es un documental “de acompañamiento” que sigue a Nando Fernández de Castro, un anarquista ya en su madurez que exhibe su vida, ideología y milagros ante la cámara. Premio Imagenera 2017: Ruibal, por libre, de César Martínez Herrada, es retrato del cantautor del Puerto de Santa María Javier Ruibal, reciente ganador del Premio Nacional de Músicas Actuales, a través de sus amigos, sus paisajes y las ciudades que han ido tejiendo su mestizaje en sus 35 años de carrera.

Se sale de este interés por lo andaluz (como concepto universal) Descanse en paz, Mr. Hopper. En 1970 Dennis Hopper, en la cúspide de su carrera, rodó en el poblado peruano de Chinchero el filme experimental The Last Movie. En Descanse en paz, Mr. Hopper, de Aurelio Medina y Daniel García, volvemos a Chinchero para descubrir qué queda de aquellos días en los que Hollywood tomó el pueblo.

Cortometrajes

Los responsables de los cortometrajes participantes en Panorama Andaluz han sido los verdaderos protagonistas de este día del Audiovisual Andaluz en el SEFF, con un total de 17 propuestas de corta duración. “El cortometraje andaluz, asegura Bermúdez, muestra sus recursos, su esplendor y su variedad en esta categoría competitiva” por el Premio Rosario Valpuesta al Mejor Cortometraje y el Premio Especial Rosario Valpuesta a categoría artística, ambos concedidos por la Universidad Pablo de Olavide y otorgados por un jurado de ASECAN.

Directores como David Muñoz o Manuel Jiménez, regresan al Festival. El primero propone en El mundanal ruido. El segundo (premiado hace dos años con Show me now!) mantiene Conversaciones ajenas. Con propuestas documentales más clásicas compiten: The Resurrection Club (con la que Guillermo Abril y Álvaro Corcuera han estado nominados al Goya); Finis gloriae mundi de Sándor Salas; El afilaó de Julián Azcutia, y Las altas aceras, de Javier Polo.

Ya desde la ficción veremos Ayer o antesdeayer de Hugo Sanz; Pez, de Javier Quintas; El atraco, de Alfonso Díaz; Amor, de Ana Rosa Diego y Mercedes del Río; Diferencias, de Isabel Alberro; Problemas de guion, de Bernabé Bulnes; Una china en el zapato, de Adrián Ramos y Oriol Segarra; Una casa en el campo, de Chiqui Carabante; Cachorro, de Jesús Rivera. Y fuera de concurso, el SEFF proyecta la animación Guajira, de Jesús Guisado; y Sueñan en Alepo, de Rycardo Moreno.

Cannes, Venecia y Berlín. Todos los grandes festivales del mundo han bendecido el documental con su máximo galardón. La Palma de Oro en 2004 fue para Fahrenheit 9/11 (Michael Moore), el León de Oro veneciano recayó diez años después en manos del documentalista Gianfranco Rosi por Sacro Gra y, finalmente, Berlín le otorgó su Oso de Oro a Fuego en el Mar (también de Rosi) en 2016. Todo festival que se precie programa una buena hornada de cinema verité en su oferta anual. El Festival de Cine de Sevilla no es ajeno a este auge cinematográfico y ha incluido en su 14ª edición más de 25 largometrajes de no ficción, como El mar nos mira de lejos, que compite en sección oficial por el Giraldillo de Oro y que ya se estrenó en la Berlinale.

¿A qué se debe este auge? Las razones son muy diversas, pero destacan el hambre de realidad de los espectadores y el abaratamiento de los costes de producción. Paola García Costas, directora y productora de Línea de meta y Todos los caminos (primer documental protagonizado por el actor Dani Rovira y que verá su estreno el año que viene), cree que “depende de varios factores, como la necesidad de simbolizar una realidad en constante cambio y conectada globalmente, el surgimiento de nuevos canales de difusión por internet o la facilidad para poder contar grandes historias con un presupuesto menor al de la ficción”.

Jaume Ripoll es confundador de Filmin, la plataforma de cine y series online española. Tres de las películas más vistas de la historia de Filmin son documentales: Ciutat morta, La teoría sueca del amor y Mi querida España. Ripoll, que ha acudido a los encuentros industriales del Festival de Sevilla, ve el documental como “un análisis de hora y media, que te ayuda a comprender la realidad. Por su parte, los festivales de documentales, como Doc Barcelona o Documenta Madrid, han ayudado a que se dé un Goya a mejor documental y a que se normalice como género cinematográfico”.

Nuevas vías de distribución

Gracias a internet, el documental ha encontrado nuevas vías de distribución que van más allá de la televisión o las salas de cine. Es el caso de Netflix, HBO, Amazon, Filmin o incluso Youfeelm, que se sirve de los medios digitales para llenar salas físicas con sus propuestas de crowdfunding.

Raúl Díez, confundador de Youfeelm, cree que el impulso del género estriba en estas nuevas vías de difusión y en su función didáctica, al conectar con audiencias concretas. “Vivimos en una sociedad infoxicada, es decir, expuesta a mucha información. Hay una necesidad de saber y conocer, en la que el documental se percibe como una fuente de información fiable y contrastada. Los documentales están, además, muy ligados a temáticas y sensibilidades concretas. Eso nos permite llegar muy fácilmente a determinadas comunidades, que promocionan nuestros eventos, como en el caso de Línea de Meta, en la que la Asociación Española del Síndrome del Rett promovía los actos, aglutinando a gente afectada o interesada en el tema”, sostiene.

Vanesa Benítez, directora de Rota N´Roll, documental estrenado en el Festival de Sevilla sobre la relación del pueblo gaditano con la base militar norteamericana, afirma también que “el documental es una herramienta didáctica de primera mano. De hecho, yo no sé si he hecho un documental o una tesis doctoral sobre este periodo histórico (que comenzó en los 50 con el establecimiento de la base militar). Es un trabajo subjetivo con un componente muy periodístico, en el que hay un hambre por saber”.

Documentales de gran presupuesto

Plataformas de streaming como Netflix o HBO ofrecen documentales de gran calidad y presupuesto a sus abonados, ya sea en forma de largometrajes o de series, como Making a murderer, Hot girls wanted: turned on, Amanda Knox u O.J.: Made in America, por citar solo algunos títulos. Bernabé Rico, productor de Murillo, el último viaje, que se ha estrenado este lunes en el Festival de Sevilla, sostiene que plataformas como Netflix han sido fundamentales para la democratización y extensión de estos documentales. Han logrado llegar al gran publico. Cuando se estrena un documental en Netflix, me preocupo más por verlo que por una película de ficción. Sus documentales me van a llegar, es difícil que me defrauden“.

Olmo Figueredo, fundador de la productora sevillana La Claqueta (30 años de oscuridad, La vida en llamas) cree también que el documental se ha visto muy beneficiado por estas nuevas plataformas. “La gente desconocía el documental, no querían verlo. Ahora, de repente, vemos que las grandes plataformas los programan junto a la ficción y llega a tener más éxito. Y que eso ocurre porque le dan el mismo cariño y los mismos recursos que a la ficción”.

La difusa frontera ficción-no ficción

Ficción y no ficción se han retroalimentado en los últimos tiempos, hasta el punto de que muchos autores no quieren situar sus películas en un lado u otro de la “fértil frontera”. El documental ha asumido con naturalidad los recursos de la ficción para consolidarse como género cinematográfico capaz de mirar, de tú a tú, a películas ficticias de otros géneros. Manuel Muñoz, cuya película, El mar nos mira de lejos, se bate el cobre en sección oficial con obras ficticias, considera que “la ficción más clásica tiene una nueva vida gracias a lo que toma prestado del documental y el documental se ha legitimado como forma artística en el momento en que ha dejado a un lado la prioridad de documentar hechos y ha empezado a tener más cuidado con la forma cinematográfica, poniendo al mismo nivel el contenido y la forma”. Es así como cineastas como Mariano Agudo hablan sin complejos de road-movie, un género propio de la ficción, para definir Samba, un nombre borrado, su documental social sobre la inmigración.

Temas originales y diferentes

En un mercado internacional, interconectado, con una competencia feroz y multitud de plataformas: ¿Cómo puede triunfar el documental andaluz? Olmo Figueredo cree que “la clave es siempre la misma: elegir temas que sean muy locales, pero lo suficientemente originales y diferentes para atraer a todo el mundo. Es decir, poner en valor tu diversidad cultural. Si le añades una narrativa o una técnica diferentes, entonces consigues pegar el salto para llegar a un público más amplio. Por ejemplo, en 30 años de oscuridad contábamos una historia muy clásica como si fuera un cómic, mientras que en La vida en llamas le dábamos tratamiento de película de acción a una historia de naturaleza”.

Juan Antonio Bermúdez, programador de la sección Panorama Andaluz del festival sevillano, subraya que en Andalucía siempre ha habido tradición documentalista. “El cine andaluz no ha tenido nunca una industria, pero sí ha habido aventuras individuales que han sacado adelante grandes documentales. Es el caso de Rocío, de Fernando Ruiz Vergara. El género ha estado muy conectado a la distribución en televisión. De hecho, la producción andaluza se ha visto muy impulsada desde Canal Sur. Lo que ocurre ahora es que el documental se está liberando de un cierto formato condicionado por su exhibición en la televisión, de 60 minutos, con muchas entrevistas y planos cerrados. Ahora se abre más a la no ficción, ofreciéndole más libertad a creadores como Mariano Agudo, que procede del documental clásico y al que le veo ciertos rasgos estilísticos particulares en Samba, un nombre borrado”.

El espectador percibe que el género está menos encorsetado y bebe de los recursos cinematográficos de la ficción, mientras goza de una historia real. Es decir, disfruta de una historia real con los métodos narrativos y estilísticos que el cine ha forjado durante más de un siglo de historia. Hernán Zin, excorresponsal de guerra y cineasta, se siente especialmente cómodo con esa nueva libertad que le concede el género. Cinematógrafo de los documentales televisivos de Jon Sistiaga, Zin es el director de la trilogía Nacido en Gaza, Nacido en Siria y la futura Nacida en Nigeria. Con ella rompió con los corsés del documental de televisión, de la mano de una productora andaluza como La Claqueta.

“El documental cinematográfico busca una mirada, un lenguaje propio y experimenta con las formas. Eso lo diferencia del reportaje o documental para televisión. Nacida en Nigeria es totalmente cinematográfico y muy libre, ya que puedo contar lo que quiero, como quiero. Para mí, que vengo del periodismo, es como si me hubiera sacado de encima una armadura y pudiera jugar con las ideas”, explica.

Esa libertad se refleja en las películas documentales que se encuentran diseminadas por toda la programación del Festival de Sevilla y que se concentran con una decena de títulos en la sección de no ficción de Las Nuevas Olas. Desde el conflicto árabe-israelí de Amos Gitai (West of the Jordan River) a los documentales históricos de Ermanno Olmi (Vedete, sono uno di voi) o musicales como If I think of Germany at night (Romuald Karmakar), pasando por las investigaciones sobre la memoria (What I rembember, de Antoinette Zwirchmayr), así como Tarrafal (Pedro Neves), Meteors (Gürcan Keltek) o Southern belle (Nicolas Peduzzi), entre otras. Hay subgéneros y visiones de todo tipo... son una pequeña muestra de la enorme extensión de enfoques y temas que el documental ofrece hoy en día.

La sección Panorama Andaluz concentra un buen número de títulos, que van desde los mencionados Samba, un nombre borrado o Rota N' Roll a Caballo de Viento, sobre el activista antifranquista Fernando Fernández de Castro 'Nando'; Descanse en Paz, Mr. Hopper, que conecta la figura del actor Dennis Hopper con un pueblo peruano donde rodó un extraño western; Más allá del escenario, sobre la lucha antifranquista desde las tablas del Teatro Lebrijano; Que nadie duerma, sobre la compañía de danza en la que trabajan personas con discapacidad; o Ruibal por libre, ganadora del Imagenera con este retrato sobre este artista flamenco.

Como explica el realizador sevillano Carlos Rivero, que estrena Las Cosas en la sección Resistencias, el documental “me permite que la película nazca, mientras la filmo, y no antes con ideas preestablecidas sobre un papel”. La no ficción sigue su curso con el siglo XXI y su filosofía postmoderna como testigos. ¿Será capaz de explicar las claves de los conflictos, crisis y procesos del futuro? Como diría Salman Rushdie, “si quieres narrar historias inéditas o darle voz a los sin voz, tienes que encontrar tu propio idioma (...). Equivócate de idioma y te quedarás ciego y mudo”.

Cincuenta minutos y acción. La edición número 14 del Festival de Cine de Sevilla arrancó la noche del viernes 3 de noviembre con una ceremonia de inusitada rapidez, liviana en el contenido -menos mensajes entrelíneas, menos crítica política y social que en otros años- y dominada por el humor más blanco, menos incisivo. La televisiva Silvia Abril condujo una gala trepidante en el ritmo y colorida en cuanto a rostros conocidos que habitan las zonas más hipsters del mainstream nacional (valga la paradoja para citar a Berto Romero, Carlo Padial, David Verdaguer, Irene Escolar...).

Será ésta la tendencia que dominará esta semana de festival y de cine europeo en Sevilla, que proyectará hasta el sábado 11 de noviembre doscientas películas que van “desde el gran cine industrial a un cine absolutamente radical, desde los nombres irrenunciables a los nuevos realizadores”. Así lo explicaba en la jornada inaugural su director, el programador José Luis Cienfuegos, que efectivamente ha equilibrado más que nunca en esta edición los reclamos para públicos más amplios con otros para los que aún se refugian en etiquetas como 'cine de autor'.

Lo cierto es que esta liviandad de la gala fue viajando desde la gasa ligera del vestido de Silvia Abril -de quien se echó en falta algún sarcasmo, algún dardo envenenado sobre el asunto catalán- hasta el título inaugural: Tierra Firme, cuyo equipo casi al completo visitó la muestra sevillana. Se trata de una comedia generacional en la que intervienen un trío de amigos treintañeros y un dilema contemporáneo: la maternidad como huida hacia adelante, como única manera de forzarse a alcanzar la vida adulta. “La decisión de tener hijos parece vital, pero solo es un problema en el primer mundo. Por ello, creo que es muy frívolo tomárselo muy en serio. Así que la única forma de hacer una película en serio sobre ello era hacerlo de forma ligera”.

Ahí lo tienen, lo explicaba el director del filme, Carlos Marqués-Marcet, que ha contado para esta película de corte naturalista, rodada a bordo de un barco por los canales de Londres, con los actores David Verdaguer y Natalia Tena, que muchos conocen por la serie Juego de Tronos: La tercera pieza que conforma el triángulo protagonista es una más que creíble Oona Chaplin, que por primera vez comparte película con su madre, Geraldine Chaplin, a la que su hija ha definido como “una diosa a la que amo y admiro”.

Sin estridencias

Un barco que se tambalea, uno de los miembros que rompe la vida idílica del trío -sin trabajo fijo, con estrecheces económicas pero feliz al fin y al cabo- porque desea pisar Tierra firme, y un tono de comedia indie rondan esta película desenfadada, naive y generacional que sigue los patrones del primer largo de Marqués-Marcet, 10.000 km, con el que ganó hasta cinco premios en el Festival de Cine Español de Málaga. Aquí da un paso más, afianza el oficio, su mirada de cineasta casi descreído, sus ganas de contar, la naturalidad a la hora de enfrentarse a las relaciones humanas, el buen tino de un casting de actores más que creíbles, cuajados de matices, el guión que consigue transitar por drama y el humor sin hacer ruido, sin estridencias.... Todo es desconocido aún, existe un nuevo orden universal que ha desordenado los patrones clásicos en la familia, en los amigos, en la forma de relacionarnos y en su valoración social. Y Carlos Marqués-Marcet está aquí para contárnoslo.

Cienfuegos enmarca esta película dentro de esos “grandes títulos de la cosecha del año” en el continente que ha programado en la Sección Oficial a concurso, en la que participan 17 largometrajes, con predominio del cine francés. De esas doscientas películas se efectuarán unas 400 proyecciones, y de ellas 185 son estrenos nacionales y veinte estrenos mundiales, lo que hace del certamen sevillano, cuyos premios en metálico se dedican íntegramente a la distribución de los filmes -como mejor sistema de promoción del cine europeo- una cita obligada también para programadores.

Con un presupuesto de poco más de un millón de euros, la misma cantidad de sus últimas cinco ediciones, el festival ha logrado ser uno de los de mayor número de espectadores del país, con 75.000 espectadores y hasta 100.000 si se cuentan los participantes en todas las actividades del Festival.

Vaqueros rotos, alguna que otra cabellera de color estridente y móviles en los bolsillos. Los 80 alumnos del seminario 'Historias e inercias del cine español', organizado por la Universidad de Sevilla y el Festival de Cine (SEFF), permanecen muy atentos a lo que cuentan los profesores Sergio Cobo, Alberto Hermida y Samuel Fernández. Es el tercer año que se celebra en el seno del SEFF y los estudiantes, casi todos de primero y segundo de Comunicación Audiovisual (CAV), lo reconocen abiertamente: “No conozco prácticamente el cine que nos habéis enseñado”.

La que habla es Ana Jiménez, alumna de segundo de CAV, afirma que le gusta mucho el cine clásico, que le encantan autores como Alfred Hitchcock o el español Luis Buñuel, pero que “este cine tan innovador y actual es algo que falta en mis conocimientos sobre cine”.

El seminario se puede entender como una guía práctica para recorrer algunas de las películas más heterodoxas que el Festival de Sevilla proyectará a lo largo de su 14ª edición. Los profesores ofrecen dos itinerarios con 13 películas, para que cada estudiante elija diez, con cintas como Se abrirá la tierra, Ver una mujer, Histeria de España, Os fillos da vide, Transacción, Sotobosque, El mar nos mira de lejos, La isla, El señor Liberto, Las cosas, Ternura y la tercera persona, Penélope  o A estación violenta. En el seminario se aborda “el debate sobre independencia o precariedad, además de indagar sobre los orígenes del otro cine español, sus mutaciones, la mirada de género o las nuevas dinámicas de exhibición”.

Alberto Hermida explica que en años anteriores “estábamos más centrados en la sección Resistencias, pero este año hemos abierto el abanico y también veremos obras de la sección oficial. La intención es hacer un recorrido por estas películas del cine español, ofreciéndoles material para que, cuando vayan al cine, tengan ya ciertas claves de lo que van a ver”.

Cine independiente: la marca del cine español

¿Y cuál es ese tipo de cine? El que se hace al margen de los grandes presupuestos, el gusto general y la crítica. El cine al margen del canon: cine de autor independiente. “Un cine fallido desde el punto de vista del modelo industrial, pero muy generoso en el ámbito de la creación”, subrayan. Según Samuel Fernández, se trata de seguir “la propuesta de cine español que hace el festival, una producción heterogénea con muchas etiquetas. No es una apuesta como la de otros festivales de cine español, que proyectan películas muy insertas en el sistema comercial. Son obras con muchos matices, muchas variantes, muchas aristas, una apuesta general por el cine de autor independiente, que es la marca del cine español y, en general, del cine europeo”.

En ese cine hay desde una mirada femenina radical como la de Mónica Rovira, en la que aborda la complejidad de las relaciones amorosas, a la mirada subjetiva y personal sobre la familia del sevillano Carlos Rivero (Se abrirá la tierra) o el cordobés Alonso Valbuena (Las cosas). “Este cine tiene mucho que ver con lo subjetivo, lo personal y lo familiar. La autoficción, la fina línea entre la ficción y no ficción, el documental experimental y político. En definitiva, son corrientes que empiezan a tomar forma en este cine”.

Un mundo que desaparece en Doñana

Entre las obras que tendrán la oportunidad de ver sus estudiantes, Fernández cree que un buen paso primer paso es ver El mar nos mira de lejos, dirigida por el sevillano Manuel Muñoz Rivas y que “está hecha en Doñana, con una visión muy acertada de un mundo que va desapareciendo. El mundo de los habitantes nómadas de Doñana, que habitan como nómadas en el espacio protegido, en esa parte en la que muere Matalascañas”.

Sergio Cobo destaca de la experiencia que le “hacemos el recorrido completo por la sección. No se trata solo del seminario y las películas, sino de la oportunidad de charlar con los directores en el Q&A (preguntas y respuestas) posterior”. Reconocen que la última sesión del seminario es la que más disfrutan, porque ven el recorrido, la evolución que han tenido sus estudiantes en su manera de mirar y entender este cine que, en ocasiones, puede ser “difícil, pero que si lo explicas consigues que la gente se acostumbre a ver un cine diferente”. Alberto afirma que lo que buscan es “cambiar su formar de ver o de crear”, ya que entre los estudiantes se encuentran directores de cine en ciernes. 

“Hay alumnos que salen enfadados de la primera película y que terminan en la sesión final subrayándote matices que no esperabas, porque a lo largo del seminario han educado esa sensibilidad. Al final, tenemos caras que repiten”, concluye Samuel. 

“El más vanguardista, de autor y menos ortodoxo” de los festivales. Con esas credenciales -en palabras del delegado municipal de Cultura en Sevilla, Antonio Muñoz- se ha presentado en Madrid la próxima edición del Festival de Cine Europeo de la ciudad, una muestra que pendula entre el cine de autor y aquel otro más joven e independiente que emerge en las zonas periféricas de la industria. Arropados por un nutrido grupo de cineastas y actores que se verán las caras en noviembre en Sevilla -lamentablemente, con una única presencia femenina, la de la veterana Kiti Mánver-, los responsables del SEFF habían guardado para este acto una de sus mejores y más atractivas sorpresas: la concesión del Giraldillo de Honor, máximo galardón del certamen, a los hermanos Paolo y Vittorio Taviani, leyendas del cine italiano y, por extensión, europeo.

En presencia de Carlos Marqués-Marcet (director de Tierra firme), Carlo Padial (Algo muy gordo), Samu Fuentes (director de Bajo la piel de lobo), Agustín Díaz Yanes (director de Oro), Raúl Arévalo (como actor de Oro), Manuel Martín Cuenca (director de El autor), Javier Gutiérrez (como actor de El autor), Velasco Broca y Canódromo Abandonado (equipo de la película Ayudar al ojo humano), Alonso Valbuena (Se abrirá la tierra), Miguel Rodríguez Pérez (director de La Isla), Alfonso Díaz (director de El atraco), José Manuel Gómez Vidal (director de Murillo, el último viaje) y Carlos Agulló (director de Los demás días), se dio a conocer el reconocimiento a esta pareja de hermanos cineastas, productores de todas sus películas, escritores, fieles evangelizadores del cine de Rossellini y autores entregados al arte más político, más combativo, más comprometido.

Más habituales en Festivales de Cine que en las carteleras de los cines comerciales, Paolo y Vittorio Taviani llegarán a Sevilla poco antes de cumplir su novena década en el mundo, donde ya participaron, en su edición de 2013, con César debe Morir. Los Taviani han firmado también obras como La noche de San Lorenzo, o Padre Padrone, título que les valió la Palma de Oro y el Premio Fipresci del Festival de Cannes en 1977. El Festival de Sevilla les rinde homenaje por su aportación al cine europeo en una edición que programa dos de sus películas: Padre Padrone, en la sección Tour Detour; y el estreno absoluto de Una Questione Privata, su último largometraje, en Selección Oficial Fuera de Concurso.

Tras más de 63 años de carrera, Paolo y Vittorio Taviani regresan a sus orígenes en Una Questione Privata, un drama de guerra atmosférico, en el que un joven partisano se debate entre su pasión por una mujer y el urgente deber de luchar contra los fascistas. Adaptación de la hermosa novela de Beppe Fenoglio, Una Questione Privata plantea un axioma habitual en las películas de los hermanos: que la vida es un compromiso incómodo entre la esfera privada y la política.

También ha acudido a la cita una dama de la escena andaluza y nacional:la malagueña Kiti Mánver, que recibirá el Premio RTVA a toda la trayectoria en el marco del festival sevillano. “Pienso seguir dando guerra”, ha declarado la actriz, encantada con el premio y por el hecho de presentar en Sevilla la versión cinematográfica de la obra Las heridas del viento, dirigida por Juan Carlos Rubio, autor también del libreto y del guion.

Premio Ciudad de Sevilla para Trine Dyrholm

Por su parte, el Premio Ciudad de Sevilla -segundo en importancia de la muestra sevillana- será para la actriz fetiche de la oscarizada Susanne Bier. Hablamos de Trine Dyrhol (Odense 1972), que cuenta entre los hitos de su carrera haber participado en Celebración, la película de Thomas Vinterberg que inauguró el movimiento Dogma 95. “Su talento y versatilidad hacen que las tres décadas que lleva en la profesión hayan sido enormemente prolíficas”, asegura el SEFF. Dyrhol llega a Sevilla para presentar el estreno de Nico 1988, de Susanna Nicchiarelli, biopic de la musa de los 70 y cantante de la Velvet Underground.

Por lo demás, la puesta en escena madrileña -en la habitual cita celebrada en los Cines Doré, sede de la Filmoteca Española- sirvió para anunciar la incorporación a la Sección Oficial a Concurso de la última película del director francés Xavier Beauvois: Les Gardiennes. El director de De Dioses y hombres viaja a la Francia de 1925, un país más agrícola que industrial en el que los hombres se ven obligados a abandonar sus tierras para marchar al frente. Las mujeres, hasta aquí subordinadas a sus maridos, comenzarán a gestionar las granjas ayudándose unas a otras para salir adelante cueste lo que cueste.

Entre los anuncios realizados destaca también como incorporaciones de última hora destacada también la ópera prima de la jovencísma realizadora Anxos Fazáns, que debuta con A estación violenta, en la sección Resistencias.

Veinte estrenos absolutos

En total, se proyectarán 205 títulos de 42 países, 20 de ellos estrenos absolutos, y 58 películas españolas, entre ellas, como pases especiales fuera de competición: las más comercial Oro, de Agustín Díaz Yanes; Bajo la piel de lobo, ópera prima de Samu Fuentes protagonizada por Mario Casas, y Los gigantes no existen, del sevillano Chema Rodríguez. A este respecto, el director del festival, José Luis Cienfuegos ha valorado la “absoluta libertad” con la que ha realizado su trabajo, en las secciones a concurso, desde la Oficial, a la que compiten 16 títulos o Nuevas Olas, con 19, que “se complementan de una manera muy clara”.

El SEFF será también escenario para debates profesionales sobre la industria; en ese sentido, ha dicho el director, se abre Make them Circulate!, un escaparate donde las películas que hayan circulado por festivales y queden en “punto muerto” puedan tener un circuito de “circulación alternativa” hacia y desde Europa.

Finalmente, se ha anunciado el jurado internacional que concederá los Giraldillos del Festival: el realizador Thomas Arslan; la actriz Agathe Bonitzer; la productora Valerie Delpierre; el director de cine y montador Fernando Franco; y el programador de festivales Paolo Moretti.

Al director del Festival de Cine de Sevilla, José Luis Cienfuegos, no le gusta mucho hablar de cifras. No cree que la muestra, a las puertas de su 14ª edición, sea una cuestión de números, sino más bien de calidad cinematográfica.

“¿Cuáles son las expectativas de espectadores para esta edición?”, le preguntaba un periodista en la presentación a orillas del río Guadalquivir. “No nos obsesionemos con el más y más. Ha habido festivales que daban récords de asistencia, pero luego eso no se correspondía con la recaudación. ¿Qué cambia que haya 2.000 espectadores más o menos, con los contenidos (de calidad) que estamos dando? Nuestro objetivo es mantenernos en los 70.000 espectadores”, ha respondido Cienfuegos.

Al final, se ha hablado de cifras y letras. De números, autores y educación cinematográfica. Así, en lo que se refiere a cifras, el festival tendrá este año algo más de un millón de euros de presupuesto, más del doble que Huelva, un tercio de lo que tiene Málaga y siete veces menos que el de San Sebastián, por poner sólo algunos ejemplos cercanos.

Con ese presupuesto se programarán entre el 3 y el 11 de noviembre unas 200 películas en 400 proyecciones, una cifra similar a la del año anterior. Habrá 20 estrenos mundiales y 185 estrenos nacionales procedentes de 42 países, 32 europeos y 10 no europeos. Se contará con la presencia de casi un centenar de directores, “que vienen a defender sus películas y participar con el público. Estamos por el 90% de directores de sección oficial que nos van a visitar”.

Geraldine Chaplin, en Sevilla

El festival avanza para su 14ª edición en varios sentidos: apuesta decidida por el cine de autor, caras conocidas en las alfombra roja y formación de los futuros espectadores. Aunque Cienfuegos ha declarado que la alfombra roja “no le obsesiona”, sí entiende que es el “gancho”, el escaparate que abre las puertas del festival a un público más amplio. En ese sentido, habrá caras famosas tan internacionales como la de Geraldine Chaplin o Oona Chaplin, cuya fama se disparó hace cuatro años con su aparición en Juego de Tronos.

De la mano de Díaz Yanes y su película Oro, acudirán a Sevilla artistas de la talla de José Coronado, Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Antonio Dechent o Juan Diego, que compartirán flashes con Mario Casas y José Luis Perales, que ponen cara y notas musicales a El Autor (Manuel Martín Cuenca), rodada en Sevilla.

El cine de autor, como no podía ser de otra forma, no faltará en un festival ligado a su sello autoral. Será así como los grandes nombres del cine europeo que han triunfado a lo largo de este año, tendrán su hueco en la sección oficial, como Jonas Carpignano, quien triunfó en Cannes, de la mano de Martin Scorsese, con A Ciambra, una película sobre un adolescente de una comunidad gitana del sur de Italia, que crece rodeado de pobreza y necesidad. Desde Cannes, llega también A Violent Life (Thierry de Peretti), que indaga en las conexiones del independentismo corso con la mafia. Mientras que el checo Václav Kadrnka con Little Crusader (ganadora del Karlovy Vary), el portugués Manuel Mozos con Ramiro y el islandés Hlynur Pálmason (Winter Brothers, procedente de Locarno) completan el elenco de cineastas que competirán por el Giraldillo de Oro en sección oficial.

Con ellos se cierra una sección oficial en la que se había anunciado la presencia de El mar nos mira de lejos de Manuel Muñoz Rivas (estrenada en la Berlinale); Tierra de Dios de Francis Lee; Western de Valeska Grisebach; Un Sol interior de Claire Denis; A Fábrica de Nada de Pedro Pinho; Barbara de Mathieu Amalric; El Taller de escritura de Laurent Cantet; Corazón puro de Roberto de Paolis; Zama de Lucrecia Martel; Penélope de Eva Vila; o Tierra firme de Carlos Marqués-Marcet.

Más allá de la sección oficial, las secciones Nuevas Olas y Resistencias ampliarán el menú cinematográfico que ofrecerá la muestra sevillana este otoño. F.J. Ossang estará en Sevilla con 9 Fingers (premio a la mejor dirección en Locarno), o el aclamado cineasta israelí Amos Gitai, que proyectará su documental West of the Jordan River.

Un festival para toda la familia

Cienfuegos ha querido poner el acento en la función educativa del festival. “El espectador de cine de autor está envejeciendo, cuesta trabajo llevar a los jóvenes a ver cine de autor, porque les faltan referencias”. Algunos, subraya, no saben quién es Humphrey Bogart.

Europa Junior, la sección dedicada a los más jóvenes, se divide este año en dos secciones: Europa Junior y Cinéfilos del futuro, una denominación que es toda una declaración de intenciones. “Es un Europa Junior bis, creada para esos adolescentes maltratados por la televisión y las salas de cine, donde hemos programado las películas sin ningún tipo de paternalismo”, ha subrayado.

En la sección se proyectarán obras como El malvado zorro feroz (Benjamin Renner, una bella cinta de animación de los creadores de Ernest y Célestine, nominada a los Óscar), England is mine (Mark Gill dirige un biopic de un joven Morrisey antes de crear The Smitsh) y La Mélodie (Rachid Hami, con parte del elenco de Los chicos del coro). Europa Junior llevará, , según el festival, a las salas de cine a más de 22.500 menores con sus 1.200 profesores. Cienfuegos ha subrayado que el festival trabaja estrechamente con la comunidad educativa y ha aprovechado para criticar que los colegios “necesitan un refuerza urgente” en lo que a personal se refiere.

Aquí puedes consultar la programación prevista hasta la fecha.