El Festival de Cine Europeo (Seff) decidió este año reconocer con el Premio Ciudad de Sevilla la trayectoria de la actriz y cantante francesa Jeanne Balibar (París, 1968), uno de los rostros de referencia del cine de autor en el país galo.

Hija del filósofo Étienne Balibar y de la física Françoise Balibar, dice no haber tenido demasiada influencia de sus padres en su carrera artística. “Cuando era niña, cosía mucho con mi madre, hacíamos vestidos. Mi madre me enseñaba a hacerlo de un modo muy matemático, usaba mucho las matemáticas para cortar los patrones, etc. Eso me ha ayudado mucho, pero la Física no. Y respecto a la Filosofía… A lo mejor me ha influido en el sentido de que, cuando me gusta una película o una obra de teatro, me gusta cuando tiene algo filosófico. Eso no significa que tenga que ser nada complicado, pero si no hay un sentido filosófico en la película o la obra de teatro, no me interesa. Pero eso es todo, creo”, comenta.

Balibar, que ha trabajado con grandes del celuloide francés contemporáneo, desde Assayas a Rivette, pasando por Desplechin, Honoré o Biette, también fue protagonista de un espléndido filme de Pedro Costa, quien filmó su experiencia como cantante en Ne change rien. “Sí, pero ¿sabe?, no fue exactamente una experiencia para mí”, recuerda, “porque estuvimos poco con él, grabando los discos y en las actuaciones, pero él fue muy, muy discreto, filmaba haciendo el documental, pero de una manera que difícilmente sabías que estaba allí. Es distinto de la experiencia de trabajar directamente con un director. Tenía un equipo muy pequeño, él solo y el técnico de sonido, eso era todo. Fue muy especial, eso sí”.

“Nunca espero ningún éxito”

La actriz también ha trabajado con directores internacionales como Michael Winterbottom o Pawel Pawlikowski, cuya película Cold war fue una de los grandes éxitos del cine europeo el año pasado.  “Yo nunca espero ningún éxito, la verdad, y en efecto mi papel en esa película era muy pequeño. Me gusta mucho el trabajo de los protagonistas, especialmente el de Joana, pero no puedo contar demasiado porque fueron sólo tres días de rodaje para mí. Y las cosas que vi en aquel set no me gustaron mucho, así que prefiero no opinar sobre ello…”, asevera.

La “fervorosa desregulación fiscal”

Muy crítica en su día con el presidente francés Nicolas Sarkozy, tiene aún más munición para el actual inquilino del Elíseo. “Creo que Emmanuel Macron es peor, porque recibe muchos consejos de Sarkozy. Por ejemplo en los impuestos, no solo en Francia, sino en todo el mundo. Hay una fervorosa desregulación fiscal que, está probado y estudiado, permite evadir impuestos a la gente con dinero, los bancos y las industrias, el capitalismo, de una manera nunca vista. Y las consecuencias son catastróficas, especialmente en Francia, donde hay una sistemática distracción de recursos de los servicios públicos y cualquier actividad que no sea rentable económicamente. Y eso está arruinando nuestra sociedad de una manera peligrosa. Por encima de todo, pienso que Macron es muy hipócrita y juega a juegos muy peligrosos con la extrema derecha”, dice.

Y cuando se le dice que hay intelectuales que admiran a Macron como hombre leidísimo, responde:  “Estoy segura de que lee mucho y es un hombre cultivado, pero eso nunca ha impedido a nadie ser un criminal, por desgracia”. ¿Y la izquierda francesa, qué hace frente a eso? “¿La izquierda? Ha desaparecido, está desintegrada en Francia en este momento. El partido socialista tiene un 6 por ciento, los comunistas un 4… No, la izquierda en Francia ya no existe. Al menos de momento”, lamenta.

“Miles de millones evadidos”

Su compatriota, el director Robert Guédiguian, decía recientemente a Eldiario.es Andalucía que teníamos que escribir el Manifiesto comunista de esta época. Ella tiene sus dudas: “Creo que el primer Manifiesto comunista sigue siendo valioso. No creo que tengamos que cambiar muchas palabras de ese texto para aplicarlo al siglo XXI”.

Atenta a la actualidad, Balibar sabe que la extrema derecha en España ha logrado muchos votos advirtiendo de los peligros de la emigración, un campo en el que los franceses tienen bastante más experiencia que sus vecinos del sur. “Lo primero que habría que hacer es recuperar esos miles de millones que se han evadido y reconstruir la solidaridad entre las personas, el sistema sanitario, garantizar que haya trabajo y educación para todos. Eso significa aprobar leyes contra la evasión de impuestos. Veríamos que somos un continente muy rico que puede ayudar a muchas personas”.

“Es obvio que estos políticos quieren construir muros entre las personas que han nacido en Europa y quienes vienen de fuera, entre hombres y mujeres”, prosigue la artista. “Pero todos estos muros son maneras de distraer nuestra atención del principal problema, que es que hay ladrones y criminales que son responsables de que haya personas muriendo en todo el mundo. Pero no hacen nada con ese dinero, lo guardan en paraísos fiscales donde ese dinero se apila como un montón de mierda que nadie utiliza. Son criminales y responsables de muchas muertes. Alguien debería ayudarlos a parar y recibir ayuda mental para curarse. Es mi opinión”.

“No me atrevería a dar consejos a nadie”

Y agrega: “Mi madre es alemana y recuerdo visitarla en Alemania, y estar feliz porque en Alemania nadie hablaba de la extrema derecha. Era un auténtico alivio porque en Francia llevábamos 25 años hablando del Frente Nacional y no sabíamos qué hacer con eso. Pero ahora es lo mismo en Alemania, en Italia, en España. No sé qué decir, no creo que los franceses podamos decir nada porque nosotros mismos hemos fracasado. No me atrevería a dar consejos a nadie”.

También se muestra pesimista respecto al poder del cine para cambiar las cosas: “En primer lugar, el cine es una industria, y ninguna industria sirve para eso, sería una mentira. En un 98% de su producción, consiste en hacer funcionar una industria, es un esclavo del dinero, como cualquier industria. Cuando hay algún trabajo que intenta escapar de esto, habla de algo más que de derechos humanos, intenta crear un pequeño espacio en el mundo en el que la libertad tenga sentido por un instante”.

Por último, Balibar no rehúye la polémica en torno al movimiento #MeToo en Francia, con aquellas polémicas declaraciones de Catherine Deneuve y otras celebridades. “Creo que es una cuestión muy, muy difícil. Porque es una gran verdad que las mujeres han sido abusadas y expuestas a ser menos consideradas por su condición sexual. Pero creo que la verdadera pregunta es quién tiene el poder, quién tiene el dinero, quién está en condiciones de dar trabajo a otra gente. Porque al final todo el mundo tiene que comer”.

Hipocresía

“Creo que el punto central es la industria cinematográfica como un ámbito en el que la gente sólo tiene contratos de corta duración”, agrega. “Sería interesante dejar de ver esa industria desde el binomio hombre-mujer, y contemplar la industria del cine como cualquier otra del siglo XXI: una industria donde hay muchos contratos temporales, de dos, tres meses. Y, por otro lado, es una industria donde la gente en general trabaja como autónomo. Y eso es algo realmente horrible, y gente como Macron insiste en eso: no seas un empleado, sé tu propio jefe. Eso es muy hipócrita, porque la gente no sabe cómo hacerlo, no tienen la fortaleza necesaria ni el apoyo de los sindicatos. La industria del cine debe pensar de esto, no sólo en la situación de las mujeres. Hay mucho bla bla bla sobre lo que dicen actrices fascinantes, pero sólo hablan las que no tienen miedo a perder su trabajo. Es todo muy hipócrita”.

Si el año pasado el Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff) vino marcado por las contundentes demostraciones de vigor del cine ruso y de otras repúblicas ex soviéticas, en la edición de 2019 el palmarés ha venido a reflejar el buen momento que atraviesan los directores mediterráneos, especialmente Italia, que ha acudido a la capital hispalense con algunas de las propuestas más atractivas del programa.

De hecho, una de ellas, Martin Eden, del director Pietro Marcello, se ha alzado con el Giraldillo de Oro a la Mejor película, según el criterio del jurado formado por Lucía Alemany, Serge Bozon, Mirsad Purivatra, Elías León Siminiani y Ada Solomon. La adaptación que Marcello ha hecho del célebre relato de Jack London ha merecido el máximo reconocimiento del certamen “por la intensa y vibrante forma en la que retrata el arco vital de su protagonista en continuo diálogo con la historia de Italia y por su decidida apuesta por el potencial narrativo del material de archivo en el contexto de una película de ficción”, según el acta.

Más premios italianos

El cine italiano se lleva además otras dos estatuillas: una al Mejor actor para Pierfrancesco Favino por su impecable interpretación del mafioso arrepentido Tommaso Buscetta en El traidor, de Marco Bellocchio, “por la manera en que su interpretación obliga a la audiencia a preguntarse: ¿De dónde viene esta súbita honestidad? ¿Cuánto tiempo será capaz de mantenerla? ¿Qué hondura alcanza dicha honestidad?”; y otro para una de los acontecimientos de esta edición, el filme de animación La famosa invasión de los osos en Sicilia, del dibujante y cineasta Lorenzo Mattoti, “por integrar luz y sombra al contar una historia que trata a su potencial audiencia joven como espectadores inteligentes”, al decir del jurado.

El Gran Premio del Jurado, por su parte, ha recaído sobre la originalísima Technoboss, del portugués João Nicolau, una cinta llena de humor absurdo y disparatado que destaca “por la elaborada, ingenua y musical dulzura de su tono y por el humanismo que desprende una historia que pone su foco en las consecuencias que tanto el paso del tiempo como las nuevas tecnologías pueden tener en la vida del ciudadano común”.

Mediterráneo ha sido también el premio ex aequo a la mejor actriz, que se han repartido Marta Nieto (protagonista de Madre, de Rodrigo Sorogoyen) “por la feroz intensidad con que encarna un conflicto interior, hondo y apenas verbal”, y Zorica Nusheva (Dios existe, su nombre es Petrunya, de la macedonia Teona Strugar Mitevska) “por el poderoso uso del silencio, el lenguaje corporal y la fuerza interior para encarnar una actitud firme y desafiante en un contexto de obstáculos extremos”. Esta última cinta ha obtenido también el premio Women In Focus a la Mejor película de la Sección Oficial.

Un ganador reincidente

Un viejo conocido del Festival de Cine de Sevilla, el israelí Nadav Lapid –Giraldillo de Plata en 2014 por La profesora del parvulario– tampoco se fue esta vez de vacío. Su último trabajo hasta la fecha, Synonymes, conquistó el premio a la Mejor dirección “por su energía, su búsqueda de nuevas posibilidades en el lenguaje cinematográfico y un cruce muy original entre identidad lingüística y personal”.

El rumano Corneliu Porumboiu se llevó asimismo el premio al Mejor guion por su trabajo en la ingeniosa, entretenidísima La Gomera, “por su perversa inteligencia”. El premio a la Mejor dirección de fotografía recayó finalmente sobre una de las apuestas fuertes del festival, esa inquietante distopía de oscura belleza titulada Atlantis, del ucraniano Valentyn Vasyanovich, “por el contraste entre la quietud de su puesta en escena, la atrocidad de los espacios retratados y las acciones que tienen lugar en cada encuadre, y por el poder de transformar una contemplativa propuesta de ficción en una experiencia casi documental para el espectador”.

Más premios mediterráneos: el Jurado Camp_Us del Festival de Sevilla 2019, compuesto por Daniel Alcaide, María Campo, Luis Antonio Galán, Luna Guerrero y Bárbara Guerrero, ha decidido otorgar el premio a la Mejor Película de la sección Las Nuevas Olas al filme Abou Leila, del argelino Amin Sidi-Boumédiène “por su incursión en el mito a través del viaje entre lo único y lo real”. El Premio Especial en la misma modalidad fue para A Russian Youth, de Alexander Zolotukhin y el reconocimiento a la Dirección cinematográfica fue para Jaione Camborda por Arima.

Premio para 'Barzakh'

El Jurado Las Nuevas Olas_No Ficción del Festival de Sevilla 2019, compuesto por Guelfo Ascanelli, Maria Bonsanti y Alberto Hermida Congosto ha decidido otorgar además el premio a la Mejor película de Las Nuevas olas-No Ficción a Zumiriki, de Oskar Alegria. Una mención especial en esta modalidad ha recaído sobre Space Dogs, de Elsa Kremser y Levin Peter.

Y más: mientras que el premio Deluxe al Mejor director español de las Secciones competitivas fue para el sevillano Alejandro Salgado por su documental Barzakh, Barzakhel jurado Fipresci, compuesto por Bojidar Manov, Yael Shuv y Paula Arantzazu Ruiz, ha decidido otorgar el siguiente premio a la Mejor película de Revoluciones permanentes a Bait, de Mark Jenkon.

Los jóvenes también han tenido sus premios. El público de la sección Europa Junior decidió premiar a la citada La famosa invasión de los osos en Sicilia, de Lorenzo Mattoti, mientras que el premio Cinéfilos del Futuro fue a parar a La vida escolar, de Grand Corps Malade y Mehdi Idir.

De Suleiman a Violadé

El público de la Selección Efa (European Film Academy) otorgó su Gran Premio del Público a And then we danced, de Levan Akin, que también ha logrado el premio Ocaña que concede la Asociación Cultura con Orgullo; y el Euroimages –compuesto por Ramón Pérez Martínez y Fernando Vílchez, a De repente el paraíso, una vez más un mediterráneo: el palestino Elia Suleiman. El jurado de la Asociación de Escritores Cinematográficos de Andalucía (Asecan), formado por Manuel Blanco Pérez, Juan Antonio Hidalgo y Antonio Morales, concedió finalmente los siguientes premios. El Rosario Valpuesta al Mejor Cortometraje de Panorama Andaluz, para Litoral, de Juanjo Rueda. El Espacial Rosario Valpuesta a la Categoría Artística de Panorama Andaluz, para Foreigner, de Carlos Violadé.

Por último, el Jurado Cicae (Confédération Internationale des Cinemas d'Art et d'Essai) del Festival de Sevilla 2019, compuesto por Mario Jorge Alves, Edit Csenki y Domenico Dinoia ha decidido otorgar el premio a la Mejor ópera prima de las secciones Oficial y Nuevas Olas a Take me somewhere nice, de Ena Sendijarevic.

Concluye así la decimosexta edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla, una cita consolidada en el calendario internacional de festivales y que esta vez miró, acaso más que nunca, hacia el sur.

María José y su marido, Manuel, son quizá los espectadores más fieles y ávidos del Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff). Este año verán una media de cuatro títulos diarios, dos películas por la mañana y otras dos por la tarde, hasta sumar una veintena. En otras ediciones llegaron a los cinco títulos diarios, “en total unas 28 o 30 películas”, pero ahora las energías no siempre acompañan: “Dejamos de asistir a la última sesión, porque nos quedábamos dormidos.  Además, este año muchas sesiones de acreditados tenían todas las localidades vendidas”, explica.

Ella tiene 73 años, él 89. Afincados en la localidad sevillana de Tomares, cada mañana toman a primera hora el metro –“con los estudiantes de la UPO”, añaden– para no faltar a su cita con el Seff. Su pasión por el cine viene de largo. “Mi marido siempre fue muy cinéfilo, frecuentaba los cineclubs en su juventud”, comenta. “Luego hemos ido siempre a infinidad de festivales, a Benalmádena, a Portugal, cuando se proyectaban allí las películas que estaban prohibidas aquí”.

“En esta casa vemos cine desde por la mañana. Nos levantamos temprano y a las 9.00 ya estamos viendo alguna película de Filmin, especialmente clásicos en blanco y negro”, prosigue María José. Pero en concreto lo del cine europeo fue para ella un amor instantáneo: “En la primera edición, hace ahora 16 años, fuimos a ver una o dos películas, a ver cómo iba aquello. Me gustó tanto que, ya cuando me jubilé, dos años después, me fidelicé de manera frenética”.

Cine realista y social

La pareja guarda celosamente todos los programas desde entonces, y disfruta repasando de vez en cuando las mejores películas que han podido visionar en este tiempo. “A mí me gustan mucho las inglesas. Las francesas no tanto, ¡demasiado modernas a veces! Pero los ingleses saben hacer muy bien el cine realista y social. Mi marido en cambio es más heterodoxo, adora por ejemplo a Roy Andersson. Y con mis hijos, a los que les encanta también el cine, nos aconsejamos mutuamente películas, sobre todo de contenido político. Somos una familia muy politiquera”, ríe.

María José y Manuel son dos casos ejemplares que demuestran no sólo que hay un público para el cine de autor europeo, sino también que existe una necesidad de educar a los espectadores en formas de mirar diferentes a las que Hollywood nos tiene acostumbrados.

Siempre bajo sospecha de ser oscuros, complejos o aburridos, los filmes que se exhiben esta semana en el certamen sevillano merecen una oportunidad a juicio de la fiel espectadora tomareña: “Para mucha gente, todo lo que no sea cine comercial es difícil. Es cierto que los directores europeos no son tan evidentes, te invitan a sacar una simbología. Yo estudié Historia del Arte ya de mayor, y lo comparo con ver pintura abstracta: no ves las cosas a la primera, tienes que detenerte y sacar algo de lo que te están mostrando”.

El matrimonio no está solo en esta inquietud. Son otros muchos los que estudian minuciosamente los programas de mano y se sacan abonos para no perderse lo mejor de la producción europea anual. A Dani Muñoz, sevillano, el gusto por el cine le llevó a estudiar comunicación audiovisual, y ahora cumple como un espectador fiel y exigente. “Estuve muchos años viviendo en Madrid, y allí sí era frecuente ver cine independiente y en versión original. Aquí no lo es tanto, de modo que el Festival de Cine cubre bastante bien la falta de variedad de la cartelera”, afirma.

“Prueben una cosa distinta”

“Sobre todo, nos da la oportunidad de ver los trabajos de directores que, a pesar de ser reconocidos, no llegan a las salas comerciales, como Albert Serra, Bruno Dumont o Abel Ferrara. O que no se estrenarán hasta dentro de algún tiempo, como la nueva de Elia Suleiman, que está anunciada para febrero o marzo”, agrega Muñoz.

Su recomendación para los escépticos es “que prueben una cosa distinta. No es cierto que sea un cine aburrido, basta ver una película como La Gomera, que ha pasado este año por el festival, para ver que también hay cosas súper entretenidas. Se trata de descubrir otras miradas, autores españoles que no son famosos, un cine documental muy interesante… El cine americano llega a todo el mundo, sí, pero creo que el Festival de Sevilla se ha convertido en un referente para mucha gente”.

Eso en un tiempo en el que la propia figura del espectador de sala parece amenazada de extinción: “Con HBO y Netflix, ahora la gente sólo ve series. Todo tiene que estar montado rápido, se impone una narrativa muy determinada. Pero luego, cuando venimos al festival, se oyen por todos lados comentarios de gente a la que le ha sorprendido esta o aquella película, espectadores jóvenes o mayores que de otro modo no verían este cine jamás”.

Películas que desafían

“El Seff me ayuda a descubrir cosas que no encuentro ni por internet”, asevera Guillermo Echemendi, otro asiduo del certamen sevillano. Afincado en Valencia, dice que “vengo desde que estaba en la carrera, hace nueve años, y me considero casi más de festivales que de salas”. Cuando se le pregunta por los motivos de los espectadores para apoyar el cine europeo, responde: “No sé si buscamos algo en concreto, o si queremos encontrarnos con cosas que nos desafían. Ya sean filmografías que no estrenan habitualmente en España, como películas de bajo presupuesto que tampoco tienen fácil darse a conocer. Este año me ha gustado mucho Big, big, big o el ciclo de Pere Portabella, que me parece de los cineastas más interesantes de nuestro país”-

Sea como fuere, el cine europeo encuentra en Sevilla muchos baluartes en los que resistir. “Todo no va a ser JokerJoker”, concluye María José, a punto de tomar un día más el metro con su marido, hacia los cines Nervión. “Nosotros al menos ni siquiera hemos ido a verla. Mis hijos me dicen ‘mamá, dale una oportunidad, es muy buena’, pero a mí me gustan otras cosas”.    

El Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff) sirve, además de para columbrar los rumbos estéticos del séptimo arte, para detectar en cada momento cuáles son las preocupaciones de los creadores. A juzgar por la programación de este año, sin duda una de ellas es la voluntad de llamar pan al pan y asesinos a los asesinos. Así, frente a una creciente ola de series televisivas que exaltan la épica mafiosa, con capos y killers convertidos en héroes, los directores del momento tratan de reflejar al crimen organizado como lo que es: una lacra y un enorme fracaso social.

En un lugar destacado de esta postura se encuentra El traidor, el nuevo trabajo del director italiano Marco Bellocchio, donde se narra la historia de Tomasso Buscetta, el pentito (arrepentido) de la Cosa Nostra siciliana que decidió colaborar con la justicia para proteger a su familia de las ansias vengativas de sus viejos socios. Esta coproducción de Italia, Francia, Brasil y Alemania ha logrado acumular cuatro nominaciones para los próximos premios de la Academia del Cine Europeo (EFA), y promete ser la guinda del certamen sevillano, que concluye este sábado.

“Bellocchio es uno de los grandes cronistas de la historia de Italia”, comenta Javier Estrada, programador del Seff, “y vuelve con una cinta de corte tradicional, sin necesidad de transgresiones, pero con una narrativa vigorosa. En cada plano está esa puesta en duda de la particular moralidad de la mafia”.

Sátira sin concesiones

El argumento del Buscetta real era cínico pero intachable: la asociación a la que él había pertenecido, llamada la Honorable Sociedad, ya no existía, se había convertido en otra cosa, más cruel, más inhumana. Y precisamente La mafia ya no es lo que era es el título de la nueva propuesta del siciliano Franco Maresco. Componente durante años del exitoso dúo cómico Cipri e Maresco, este director lleva varios años apostando por comedias corrosivas de un profundo sentido cívico, en las que se formulan graves denuncias de corrupción y criminalidad con una carcajada de fondo.

Si en su anterior Belluscone ponía el acento en las conexiones entre el Estado italiano y la mafia, en esta ocasión Maresco toma como personaje central a la fotógrafa Letizia Battaglia y como pretexto el aniversario del asesinato de los jueces Giovanni Falcone y Paolo Borsellino para conjugarlo todo con el boom de la música neomelódica, el sonido cani por excelencia de los barrios deprimidos del sur de Italia. “Maresco hace retratos hilarantes de figuras de medio pelo que colaboran con los verdaderos capos”, explica Javier Estrada. “El resultado es un panorama muy agridulce, donde muestra cómo toda la sociedad palermitana está enferma, infectada por el virus mafioso”.

“Sin embargo”, prosigue el programador, “Maresco trabaja en todo momento en clave de humor, y eso es precisamente lo que hace sus películas particulares y fascinantes. Se ríe de toda la sociedad, pero no es un cínico, es un analista. Cree que una sociedad enferma, que acepta a la mafia, se merece como mínimo que se rían de ella”, añade. Como dato curioso, cabe señalar que el cineasta no ha visitado Sevilla este año, y de hecho no viaja nunca a los festivales. Dicen que tiene miedo a ser asesinado por la Cosa Nostra o similares si sale de su zona de seguridad, en la capital siciliana, lo que no le impidió conquistar el premio del Jurado en la última edición del Festival de Venecia.

El corazón de un tiempo

Muy diferente en la estética, pero no del todo en el fondo, es el documental Camorra, del director Francesco Patierno. En él se trata de poner de manifiesto que la mafia no son solo los bajos fondos, sino que es un modo de vida que se extiende a todos los órdenes de la sociedad, que empieza controlando la paz social para seguir con la economía y acabar apropiándose del alma de un pueblo. “Es una película construida con material de archivo, en clave histórica”, informa Estrada. “Se trata de ir al corazón de un tiempo, de ese momento preciso en que la telaraña de la mafia empezaría a envolver a la sociedad italiana entera. Posee una pulsión emocional muy grande, y al mismo tiempo remite al presente”.

Según el programador, “todas estas películas, al fin y al cabo, hablan de un país que dan por perdido en cuanto a tener la fuerza y el coraje de romper las cadenas con la mafia”.

Un último título da un giro inesperado a estas visiones realistas y comprometidas del fenómeno más desolador que se ha abatido sobre la Italia del último siglo. Se trata de Tano da moriré, película incluida en el ciclo Melodías Excéntricas y que fue estrenada en 1997 por la directora Roberta Torre. Aquí la desacralización de la figura del boss viene expresada en clave de musical, demostrando una vez más que la risa puede ser un magnífico instrumento para enfrentarse al poder grosero de los mafiosos. “Una forma iconoclasta y humorística de hablar del hecho mafioso”, concluye Estrada; muy lejos, en todo caso, de esos capos que a veces el propio cine ha presentado como figuras admirables o modelos a imitar. Todo parece indicar que estas visiones grotescas son, se mire por donde se mire, mucho más fieles a la realidad.

Seguramente, no se trata de echar a pelear el cine europeo con los gigantes de la animación estadounidense. Pero sí de brindar al espectador otras formas de mirar y de alimentar la mirada, de demostrar que hay vida inteligente en el género más allá de Disney y Pixar. DisneyPixar Si el año pasado la industria europea de la animación ya mostró signos inequívocos de vigor y creatividad, este año el Festival de Sevilla (Seff) despeja los últimos resquicios de duda al respecto con La famosa invasión de los osos en Sicilia, la obra del célebre dibujante de cómics e ilustrador Lorenzo Mattoti, quien visitó ayer la capital hispalense.

“Para este proyecto partí de las ilustraciones de Dino Buzzati, que además de escritor era también artista, y hacía unos dibujos ya de por sí metafísicos y surrealistas”, explica Mattoti. “Todas las ideas gráficas que vienen de su libro me han servido de apoyo, pero también estaba el problema de espectacularizar el filme. Y en este sentido, he querido echar mano de las raíces estéticas italianas y europeas, no recurrir al gótico anglosajón ni nada de eso. Quería trabajar con luces y colores mediterráneos, vivos, luminosos, cálidos”, agrega.

El resultado es un filme deslumbrante tanto en su aspecto gráfico como en el narrativo, que narra la historia de dos cómicos vagabundos que se refugian en una cueva mientras recorren Sicilia. Allí despiertan sin querer a un oso que estaba hibernando, y para evitar una desgracia empiezan a contarle una vieja historia ambientada en la propia isla, la leyenda de los osos que llegaron a hacerse con el poder y convivieron, más o menos en armonía, con los hombres. El autor de este relato, Dino Buzzati (1906-1972), es un escritor conocido sobre todo por su obra maestra, El desierto de los tártaros, aunque también publicó otras novelas, colecciones de relatos y numerosas piezas periodísticas, sobre todo crónicas de montañismo.

“Para Buzzati, Sicilia era un imaginario, un mundo de leyenda, por eso ambientó la acción allí”, explica el dibujante. “Evidentemente, nunca han existido en Sicilia altas montañas, tal vez ni siquiera ríos, de modo que nos hemos permitido algunas licencias para recrear la isla. En todo caso, Buzzati forma parte de mi cultura, es de los que me ha enseñado a contar cómo se crea el misterio. Cada cierto tiempo, me he referido a su obra en mi trabajo. En sus libros hay siempre algo fabuloso, extraño”.

“La famosa invasión de Sicilia por los osos tiene criaturas extrañas, fantasmas, situaciones de aventura… Está llena de imágenes, además de brindar una historia profunda”, prosigue Mattoti. “¿Por qué nadie lo había adaptado antes al cine? Cuando mi productora me preguntó ‘¿qué te apetecería hacer, si pudieras rodar un largo?’, le hablé de este libro, y se enamoró automáticamente”.

El dibujante que colaboró con 'El cuervo'

No es la primera vez que este creador nacido en Brescia en 1954, premio Eisner 2003 por Doctor Jekyll y Sr. Hide, hace incursiones en el séptimo arte, ya que ha colaborado con clásicos de la talla de Michelangelo Antonioni, Soderbergh o Wong Kar Wai. Para mucha gente será siempre, sien embargo, el dibujante que colaboró con Lou Reed en un libro singular, El cuervo. “Era un hombre muy especial, y un gran amante del arte”, recuerda de aquella experiencia.

Pero volviendo al filme que lo trae a Sevilla, Mattoti se muestra satisfecho de todos los recursos que ha podido desplegar en el proyecto. “Quería que la película tuviera una estructura gráfica, he trabajado mucho la composición, los espacios, los personajes, y utilizar al máximo la profundidad que el cine puede dar. Son 40 años de experiencia puestos en la empresa”, afirma.

“No quería sacar la materia de los lápices de colores, del papel, se trataba de que funcionara en la pantalla. Y hay mucho trabajo de sombras, mucho contraste con la luz. Eso nos ha permitido crear espacios muy ricos, incluso trabajar con el vacío”, comenta el autor de cómics como Il signor Spartaco, Fuegos o Caboto, entre otros títulos. “Nos hemos divertido también metiendo dibujos originales de Buzzati en algunas escenas, en los frescos o en la tapicería del Palacio Real”.

El amor a la pintura italiana y “la iconografía y estética europea” están presentes a lo largo y ancho de esta producción, una de las más esperadas del Seff 2019. “Y sobre todo, no hemos tenido miedo del color. Algunos filmes lo tienen, miedo al color, a su fuerza expresiva. Pero si hay disfrute en La famosa invasión de los osos en Sicilia, es gracias a eso”.

Sin querer estropear la emoción a ningún espectador, cabe preguntarle a Mattoti si el desenlace no es en cierto modo pesimista: la constatación de que hombres y osos, léase seres diferentes, no pueden convivir juntos. El dibujante sonríe: “Buzzati en su obra siempre es un tanta melancólico, fatalista, en el sentido en que el hombre siempre pierde en su relación con la Naturaleza. Es uno de sus objetos principales”, comenta. “Pero creo que aquí habla también de respeto hacia esa Naturaleza. Los osos viven en ella como huéspedes, los hombres como dueños. La cambian, la destruyen, la trasforman. El hecho de que los osos eviten contaminarse con los vicios de los hombres es, en este sentido, una metáfora”.

Metáfora que espera que aprovechen muchos jóvenes y también los mayores, pues se trata de un producto para todos los públicos. “Es un libro de nuestras raíces, de nuestra tradición”, concluye el artista. “Y para no acabar con ese final pesimista, quisimos meter el misterio de la posibilidad de un final diferente. Para que la fantasía, la imaginación del espectador, permita imaginar otras posibilidades de convivencia”.             

Si hubiera que calcular el impacto de un producto audiovisual por lo concurrido de sus ruedas de prensa, podríamos decir que el estreno de la segunda temporada de La Peste ha sido uno de los acontecimientos de la programación en lo que llevamos de Festival de Cine de Sevilla.Festival de Cine de Sevilla El director Alberto Rodríguez, natural de la capital hispalense y viejo conocido del certamen, aparecía junto a su equipo ante las cámaras y los micrófonos con el aura de las grandes estrellas, a pesar de su proverbial modestia. Todos lucían en las solapas una insignia dorada formada por tres moscas, un pin que tiene mucho que ver con lo que venían a presentar.

Junto a Rodríguez comparecieron su inseparable Rafael Cobos, guionista, los productores de Domingo Corral (Movistar), José Antonio Félez (Atípica) y una nutrida representación del reparto, como Claudia Salas, Jesús Carroza o Pablo Molinero. El director bromeó con el hecho de que el plan de rodaje inicial contemplara la posibilidad de desplazarse a la Tierra de Fuego, y al final “nos quedamos entre Dos Hermanas y Almería”, recordó. “Pero esa es la magia que tiene el cine, puedes hacer algo casi real con cualquier cosa que te propongas, y sin irte tan lejos”.

También hubo cierta guasa con el hecho de que la nueva temporada, que muestra una Sevilla en la que la población ha sobrevivido a la peste pero se enfrenta a otra plaga, la de la corrupción encarnada en una fuerza mafiosa. “La ciudad ahora vive su momento más fastuoso, pero se ha desbordado. A su puerto acude gente de todas partes intentando enriquecerse, lo que hace que el Gobierno no pueda controlar todo lo que sucede en sus calles y se cree un nuevo grupo de poder llamado La Garduña”, comentó Rodríguez. “Confío en que esa Sevilla no tenga nada que ver con la de hoy, aunque la Historia también nos demuestra que hay problemas que 500 años después siguen ahí”.

Pero la carcajada general la despertó el actor que hace el papel de Pontecorvo, el alcalde de Sevilla inspirado en el histórico Puñonrostro, Federico Aguado, al asegurar que su personaje “es un poco Abascal”, y en ese sentido sí aseguró que conforme se profundiza en la trama “descubrimos que las cosas no han cambiado casi nada”.

La convivencia feliz entre series y cine

¿Han logrado por fin las series estar presentes en un festival de cine sin que sea motivo de polémica? Rafael Cobos tiene sus dudas: “No creo que esté normalizado, cuando sigue siendo objeto de debate. Hasta donde yo llego, hay una cosa evidente: uno y otro formato se retroalimentan y se benefician mutuamente”, explica. “Yo transito los dos formatos, y creo que, aun siendo distintos, son un ejercicio de comunicación del que todos salimos bien parados. La televisión que se hace cada vez es mejor, con un lenguaje cada vez más rico y diferenciado del hecho cinematográfico, y al final, ¿por qué no?, es posible la convivencia feliz, el matrimonio con conciencia de las particularidades de cada uno, y también de sus posibilidades de simbiosis”.

Eso aunque la pequeña pantalla siempre agite viejos fantasmas. “El cine siempre es paranoico, ¡que no venga nadie de fuera a mancillarnos, a extinguirnos, a desprestigiarnos!”, bromea Cobos. “No es así. Yo veo películas en el ordenador, porque mi forma de vida me lo exige, pero lo que más me gusta es hacerlo en una sala de cine. Cada formato tiene su momento, y afortunadamente tenemos la posibilidad de disfrutar de los dos”.

Lo seguro es que el equipo de La Peste promete una segunda temporada “más luminosa” que la primera, y vacunada contra la vacua polémica según la cual el acento andaluz de los personajes no era inteligible para los espectadores en general. “Ahí se dieron varias coincidencias”, interviene Cobos. Primero, esos oportunistas que aparecen siempre en estas situaciones. De repente, una de las series con mayor producción de la historia de la televisión está hecha por andaluces, y han decidido usar el dialecto que podía hablarse en la ciudad donde se desarrolla la historia; con la coincidencia de que elegimos que formalmente fuera una película oscura, porque la narrativa lo exigía, y que en algún caso hubiera ciertas dificultades en la interpretación de lo que se decía, con el audio, no sé exactamente cuáles fueron los elementos técnicos… Lo cierto es que esa mezcla se usó como arma contra un proyecto que indiscutiblemente era un valor. Y atacarlo por ahí, me parece algo menor, un poquito oportunista. La segunda temporada sí ha habido una intención de que sea más luminosa en todos los sentidos, y de que se oyera y entendiera todo, y creo que lo hemos conseguido“.

Sobre la posibilidad de que La Peste tenga por delante una larga vida, Cobos explica que “antes de que se estrenara la primera, se anunció que se iba a renovar, y ahora –pedimos cautela– lo normal es ver cómo se desarrolla la temporada que empieza. La primera era conclusiva, pero dejaba algunos interrogantes que podían resolverse en una eventual segunda temporada, y la segunda termina asimismo con interrogantes que podrían contestarse en una tercera”.

En todo caso, el éxito de la serie viene a demostrar que “aquí hay historias importantes que contar, y con gente que tiene la capacidad de hacerlo muy bien. La putada es que todavía no hemos construido el relato, pero si lo piensas, mucha gente piensa en Nueva York cuando quiere imaginar una gran ciudad, pero la Sevilla del XVI era igual de importante o más. Era la gran Babilonia, la Nueva Roma, ese espacio donde confluían personas de todo el mundo con la promesa del oro, o al menos la posibilidad de hacerse rico. Una ciudad por la que pasaban comerciantes, dramaturgos, poetas, pintores, delincuentes, todo estaba allí. Lo mejor y lo peor, como fue la Nueva York de principios de siglo. Es interesante hacer ese relato para reivindicar que somos y fuimos una parte importante de la Historia”, apostilla Cobos.

Cuando todavía no había empezado el recuento de los votos en la noche del pasado 10N, el cineasta francés Robert Guédiguian (Marsella, 1953) presentaba en el marco del Festival de Sevilla su último filme, Gloria Mundi. El veterano y agudo retratista de las clases trabajadoras marsellesas vuelve aquí a proyectar su mirada sobre una realidad en la que la solidaridad parece el último foco de resistencia frente a los abusos del capital. Y aunque el foco se ponga una vez más sobre su ciudad natal, el cineasta cree que las lecturas son válidas a nivel global.

“En España, en cuatro años, han tenido cuatro elecciones, y la derecha se aprovecha de ello para rebozarnos como croquetas”, afirma. “Ante esto, creo que lo que la izquierda debe hacer es reinventarse. Debe haber una izquierda con puntos claros en un programa, y que sea también capaz de soñar, algo que ahora no hay. La izquierda que tenemos es plana. Es la hora de escribir el Manifiesto comunista, como en 1848, pero en el siglo XXI. Han pasado 150 años, y es hora de que la izquierda vuelva a ofrecer algo. Y que nos hagan sentirnos con ganas de apoyarla”.

¿Qué ha hecho mal la izquierda para que hayamos caído en este desencanto?

De entrada, ha seguido pagando el precio de la caída del Bloque soviético, con todos los defectos que tenían esos países, y también sus virtudes. Pero ese desmoronamiento sigue pasando factura. Mientras estaba ese bloque, los empresarios, los burgueses, la clase capitalista, siempre que había una huelga pensaban que había que dar un poco al menos, o podía pasar lo mismo que pasó en la Unión Soviética. Cuando se desmoronó el Bloque, dijeron en cambio: el mundo es nuestro. Cuando hablo de reescribir el Manifiesto comunista, quiero decir que volvamos a tener un imaginario, una esperanza, un sueño. Volvamos a unirnos, a tener sindicatos reales. La historia nunca es uniforme, va a ocurrir algo, algo tiene que cambiar. Participemos de ese cambio.

En Gloria Mundi se reflejan situaciones en las que el poder transformador del proletariado parece hoy bastante limitado. ¿Qué opciones hay? Gloria Mundi

El colmo de la alienación es que el capitalismo ha conseguido algo fantástico: que el propio obrero tenga el discurso del patrón. En la película, Matilda, que está de pruebas en su trabajo y sabe que la van a echar dentro de unos meses, lo dice muy claro: “Si yo estuviese en su lugar, haría lo mismo”. Es la victoria absoluta por parte del capital. Esto es lo que hay que cambiar. Luego los chicos que se ponen en huelga para pedir dos o tres euros más al día que les permitan pagarse la comida, refleja hasta qué punto es grave lo que tenemos ante nosotros. Todo el mundo se considera empresario, quiere ser jefe. Ahora en Francia vas a la taberna de la esquina, y oyes a trabajadores decir que no hay que aumentar el salario mínimo, porque si se aumenta, no podremos competir contra las empresas chinas. Por boca de la gente, de pronto, habla el dinero. Y confío en que esto va a cambiar, hay pequeñas bolsas de gente que no está de acuerdo. Todo el asco que da este mundo va a crear una bola y cualquier día va a explotar.

Francia tiene ya una larga experiencia con la ultraderecha. ¿Qué consejo pueden darnos a nosotros, los españoles, que empezamos a ver su ascenso?

La única forma, creo, para combatir la extrema derecha es volver a pensar una construcción popular de extrema izquierda. No hablo de socialdemocracia, ni mucho menos, sino una izquierda real con un programa preciso, que favorezca los movimientos populares. Nada de “hagamos un poco para la clase trabajadora”, sino un programa dirigido de veras a la clase obrera. Solo así se puede hacer que la masa popular quiera adherirse. Una vez nos hayamos hecho con esto, podremos explicar cosas más sutiles o filosóficas. Pero al principio hay que ser muy concreto, al servicio de esta gente.

¿Eso puede hacerse en la actual situación de Francia, con los partidos de izquierda muy debilitados?

Es una catástrofe, en efecto. Hay que reconstruir todo, mezclando los movimientos ciudadanos. Ahora mismo hay, de cara a las municipales, intentos de hacerlo, y espero que funcione en algunos casos. Hay colectivos de base que se están reuniendo con partidos de izquierda, que han perdido mucho pero siguen teniendo buenos elementos. Intentan fusionarse para hacer listas comunes, mixtas. Porque los partidos quizá no tengan la verdad absoluta, pero los colectivos ciudadanos tampoco. La gente desorganizada en la calle, que participa de movimientos espontáneos, no tiene más ni mejores ideas que los partidos. No hay una solución milagrosa.

Un éxito de la extrema derecha es sin duda que se haya normalizado su discurso. ¿Podemos decir que en Francia se ha perdido del todo el miedo a este movimiento?

No, no lo creo. La extrema derecha en Francia está menos viva, tiene menos fuerza que hace 25 años. Al contrario, para justamente ganar votantes, ha tenido que suavizar bastante su discurso, al contrario que aquí en España. Por ejemplo, la oposición entre Marine Le Pen y su padre es evidente. El padre le reprochaba que ella se hubiera ido demasiado a la izquierda, ¡por favor!

¿Qué propuestas puede hacer el cine para ayudar a estos cambios?

[sonríe] El cine puede, si no cambiar las cosas, sí participar en la creación de ese imaginario del que hablaba antes. Hacer propuestas para despertar de nuevo ese sueño. Marius y Jeanette, mi película de hace veinte años, sería lo opuesto a Gloria mundi. Toda la película se desarrollaba alrededor de un patio, y de hecho la hice para que existiera ese patio, para que fuera una idea concreta. Por eso se hace cine. Todos los movimientos sociales necesitan una bandera, un estandarte, un himno, algo donde reconocerse. Tal vez el cine pueda proporcionarlos.

¿Por qué cree que existen más propuestas de distopías que de utopías en el cine actual?

Siempre es más fácil criticar que construir. [Nicolas] Boileau, el autor del XVII francés, decía que criticar es fácil, hacer arte es más difícil. Aunque la crítica también puede ser constructiva.

Coinciden en cartelera Ken Loach, usted y otros cineastas cuyas propuestas no dejan mucho espacio a la esperanza, ¿la hay?

Es cierto que no hay mucha esperanza en mi película, y la de Ken Loach no la he visto, pero por supuesto sigo su cine y me gusta mucho. Pero yo creo que si decides adoptar una mirada como la de Gloria mundi, una tragedia, no puede aparecer de repente un militante de izquierdas que vaya a salvar el mundo. No funcionaría. Tienes que ir hasta el final del tema que has escogido. Lo ideal sería alternar una Marius y Jeanette, una Gloria, una Marius, una Gloria… Crítica, construcción, crítica, construcción…

Estará usted al tanto de la polémica que hay en Francia en torno a la islamofobia, y cómo ese concepto está desplazando el de “racismo” para acabar segregando a una población en razón de sus creencias. ¿Qué opina usted?

Evidentemente, no creo en la islamofobia, no es verdad. Lo que hay es racismo de toda la vida, y los racistas no están en contra del islam, ¡no saben ni lo que es! Pero efectivamente utilizan esa idea, dicen vaguedades en torno a la doctrina… Pero es racismo, y nada más.

Su esposa Amine dedicó el premio de Venecia “a todas las personas que duermen el sueño eterno en el Mediterráneo”. ¿Cómo podemos evitar que se manipule también el drama de los muertos y explotados en las migraciones?

En mi película anterior, La casa junto al mar, trabajamos este tema, y somos muy militantes de esta causa. Formo parte de SOS Mediterráneo. No es una cuestión de izquierdas o derechos, es un reto para el hombre. No puedes pensar ni por un momento que dejar morir a alguien que se agarra a un barco, es una cuestión de humanidad, punto. Además, en términos científicos, la emigración en el mundo se hace en su 95 por ciento se produce entre países pobres, dentro del continente africano. Lo que queda aparte de eso no es un problema, es mínimo. Y frente a eso, es como si el mayor especialista del mundo en una enfermedad dijera que está controlada, y todos los cretinos y todos los borrachos respondieran que no es así. El problema de la emigración no existe, no es un problema. Un cinco por ciento entre 500 millones de habitantes es nada, una gota de agua. Y hay que decirle a todos esos cretinos que la tierra no es suya. Siempre nos hemos movido, Francia no me pertenece, España no te pertenece a ti tampoco, la tierra pertenece a la Humanidad. Si proteges tu territorio como un león, un lobo, no somos hombres.

Y en concreto Europa, que se construyó sobre esa base. ¿Cuántos años se hace a sí misma rechazando la emigración?

No ve que es una riqueza enorme acoger a gente, si se quedan siempre los mismos, los pueblos se debilitan. Nos pudrimos como el agua estancada.

El ciudadano Elia Suleiman (Nazaret, 1960) tiene mucho del personaje que interpreta en su último filme, De repente, el paraíso. Esa especie de Buster Keaton a todo color, con algún que otro tic de Mr. Bean, que vaga por Palestina, París y Nueva York viviendo peripecias tan poéticas como divertidas. Camina con aire despistado por su hotel, finge asustarse del tamaño de un micrófono que le acerca un periodista, hasta que, ante una taza de café como la que sorbe en varias escenas del filme, se dispone a responder a cuantas preguntas surjan.

Es la cara amable de una cinematografía que con más frecuencia muestra la cotidianidad terrible de un pueblo ocupado, la demostración de que Palestina y humor no son, ni mucho menos, conceptos antagónicos. “¿Por qué iba a serlo, acaso la gente no se ríe en Palestina?”, se pregunta. “Para mí, son dos caras de la misma moneda. Todas mis películas tienen algo de burlesco, de humor, a lo mejor porque si estás absorbiendo la realidad de la ocupación, del racismo, de la opresión, de la injusticia, el humor surge cuando menos lo esperas. Antes vivía en Nueva York, en la frontera de Harlem, ¡cuando Harlem era Harlem! Y si contara las cosas divertidas que me han pasado allí, creo que saldrían de una forma muy natural. Si eres un cineasta que se expresa a sí mismo desde el humor, ya está, es tu forma de ser. Y no eres el primero ni el último”, explica.

“Pero no todo el humor viene de Palestina, no es humor de gueto”, matiza a renglón seguido. “Parte del motivo de que mis películas sean así es porque me crié en una casa llena de gente divertida, mis padres lo eran, mis hermanos también, y yo era el más pequeño. Así que si me preguntan de dónde viene esa gracia de mis películas, no es del cine en absoluto: es de mi familia”.

Una mirada nómada

Su biografía cuenta que, siendo muy joven, huyó a Londres para evitar cierta orden de detención basada en actividades delictivas. Allí conoció a John Berger, a cuya memoria está dedicado el filme, y lo frecuentó hasta que se instaló en Nueva York, en los primeros años 80. “Llevo la mayor parte de mi vida deambulando por distintos países, he vivido una existencia nómada en ellos, y quería dar imágenes de los distintos ambientes de estos lugares”, comenta. “Ahora ser nómada se ha vuelto necesario debido a la globalización, y a la tensión y a la ansiedad, y el estado de guerra y posguerra que vemos por doquier, ese ambiente un tanto apocalíptico que encontramos vayamos adonde vayamos. Yo quería comunicar esta ansiedad tan personalizada y tan interiorizada, lo que defino como la fragilidad y la vulnerabilidad que siento”.

“Lo que estamos experimentando ahora”, prosigue el cineasta, “no tiene precedentes: es la primera vez en la Historia que vivimos en el gueto global de la Tierra, todos estamos ocupados. Y una cosa que me da miedo, y espero equivocarme, es que hemos llegado a confrontarnos con nuestro propio fin. Toda la tierra se enfrenta a un momento existencial. La película trata de eso, pero no pretendo movilizar a nadie, solo darles placer, ternura, proporcionar imágenes para que el ser humano se sienta mejor”, dice.

¿Solo eso? “Bueno, no sólo hago cine para provocar disfrute o placer”, matiza, “pero es el motivo inicial con el que trabajo. De repente, el paraíso no es una película cómica, aunque mi deseo es que la gente goce. Luego la película plantea una serie de preguntas, claro, pero sé que no puedo obligar a la gente a hacérselas. Así pues, que disfruten, que tengan libertad de ver sus distintas capas, hay muchas cosas políticas subyacentes, pero no quiero imponer nada al espectador. Prefiero que se quede en la poesía, en el terreno del placer. No me gusta que las películas te estén dando lecciones: eso me aburre a mí, y seguro que aburre a los demás también”.

Por otro lado, el director de Divine intervention y The time that remains no parece muy confiado en la capacidad de la Humanidad para aprender de sus propios errores: “No sé, a lo mejor los seres humanos sí aprenden algo ante las multinacionales y sus máquinas de guerra. Nosotros solos no podemos enfrentarnos a esa capacidad de destrucción, la cultura como herramienta se queda atrás, porque requiere mucho más tiempo, frente a una maquinaria militar capaz de destruir un país entero en cuestión de días. ¿Cuánto se puede resistir? Aunque vemos protestas y manifestaciones por aquí y por allá, es más rápido quemar el Amazonas. Tardamos dos siglos en aprender algo, e irónicamente las fuerzas malignas son mucho más eficientes destruyéndolo, y llevándonos por caminos que no habíamos previsto”.

Tal vez por eso, entre intervenciones de amigos célebres como Gael García Bernal y gags que oscilan entre el absurdo y lo surrealista, Suleiman va desarrollando un discurso cautivador, que deja amplia libertad al espectador para sacarle punta. “Ya no tengo la ambición de demostrar nada, pero sí de seguir creando imágenes”, confiesa. “Algunos gags son como haikus, poesía pura, y el resto lo puedes interpretar como quieras, infinitamente”.

Por último, Eldiario.es pregunta a Suleiman por la última escena del filme, donde el personaje que él mismo interpreta contempla serenamente a un nutrido grupo de jóvenes que se contonean en una pista de baile al son del estribillo “Soy árabe, témeme” de Yuri Mrkadi. ¿Una declaración de orgullo final, o algo parecido? “Debo decir algo muy específico: esta escena no debería llevar subtítulo, fue un error”, lamenta. “Dejo la elección a los distribuidores, a los que me temo que les encanta la letra, pero para mí es una canción kitsch que no tiene nada de sustancia. Ese tío está cantando ”soy árabe“ pero está ligando con una tía, no tiene nada que ver con ser nacionalista ni nada de eso. Es una letra muy tonta. Siento que la gente lea los subtítulos, porque no tiene ningún interés”.

“Yo quería enfocarme en la imagen de esa generación que me da esperanza. Es un bar de gays y lesbianas y no tienen nada que ver con ser o no árabes, se lo están pasando bien, son activistas, algunos anarquistas, todos son pacifistas… Es una nueva generación de jóvenes en Palestina que, como ocurre en muchos otros lugares del mundo, dan la espalda a la ideología y a cualquier afiliación política, y basan su resistencia en la cultura”, asevera Suleiman. “Su definición de ser palestino no tiene nada que ver con su procedencia geográfica, tiene mucho más que ver con ser progresista, liberarse, divertirse. Vaya a donde vaya, veo a generaciones jóvenes como estas, que son más libres que las anteriores. Son los peores enemigos de los poderes, porque son poéticos. Es muy difícil arrestarlos, ¿por qué podrías hacerlo? ¿Porque bailan? No puedes categorizarlos y meterlos en un gueto, tampoco, porque simplemente están manifestando su existencia a través del placer, la poesía el arte. Definitivamente, voy a pedir a los distribuidores una vez más que quiten los subtítulos. Es una emoción, no hay que atender a la letra”.

Aunque en su país haya todavía quien le niegue el pan y la sal, hace décadas que Almodóvar es mucho Almodóvar en Europa, y este año vuelve a demostrarlo colando cuatro nominaciones en los Premios del Cine Europeo (EFA) para su último filme, Dolor y gloria. En concreto, la cinta aspira a los galardones a Mejor película, Mejor dirección, Mejor guion y Mejor actor por el enésimo trabajo de Antonio Banderas para el cineasta manchego.

Enfrente tendrá a un peso pesado como Roman Polanski, que con El oficial y el espía también ha conseguido cuatro nominaciones, Mejor película, Mejor dirección, Mejor guion y Mejor actor por el papel de Jean Dujardin; y a un veterano de reconocida solvencia como Marco Bellocchio, que también apunta a cuatro estatuillas con El traidor, su filme más reciente: Mejor película, Mejor dirección, Mejor guion y Mejor actor para Pierfrancesco Favino.

Así se dio a conocer a mediodía de ayer en el ya tradicional anuncio de nominaciones de la Academia Europea de Cine, que tuvo lugar en el restaurante Abades Triana, en el marco del Festival de Cine Europeo de Sevilla (Seff), que acaba de arrancar su décimosexta edición. La efeméride del día –los 30 años de la caída del Muro de Berlín– no pasó desapercibida para unos premios que se entregarán precisamente en la capital alemana el próximo 7 de diciembre, en fastuosa ceremonia, una vez hayan votado como corresponde los más de 3,600 miembros de EFA. “La Academia del Cine Europeo ya cuidaba a la cinematografía europea antes de la caída del Muro”, afirmaron sus responsables. “Después de la caída lo va a seguir haciendo”.

No lo tendrán fácil, desde luego, para elegir entre las citadas tres grandes películas, pero tampoco entre el resto de las aspirantes: ahí estará también lista para batirse el cobre La favorita del griego Yorgos Lanthimos, que esta vez se conforma –es un decir– con tres nominaciones: Mejor película, Mejor director y Mejor actriz para Olivia Colman; o la espléndida Retrato de una mujer en llamas de Céline Sciamma, una de las últimas grandes alegrías del celuloide continental, que peleará por las estatuillas a Mejor directora, Mejor actriz – Noémie Merlant y Adèle Haenel– y Mejor guion.

Otros filmes que aspiran a ser reconocidos en la categoría de Mejor película son la francesa Los miserables, de Ladj Ly, y la alemana System crasher, de Nora Fingscheidt. En el apartado de Mejor documental, figuran la británico-estadounidense For Sama, de Waad al-Kateab y Edward Watts; la macedonia Honelyland, de Ljubomir Stefanov y Tamara Kotevska; la letona Putin’s witnesses, de Vitaly Mansky; la franco-italiana Selfie, de Agostino Ferrente; y la franco-estadounidense The disappearance of my mother de Beniamino Barrese.

Otras actrices que ya sueñan con alzar su estatuilla son Trine Dyrholm por su trabajo en Queen of hearts, Viktoria Miroshnichenko por Beanpole y Helena Zengel por System crasher. Entre los actores, completan la nómina de aspirantes Levan Gelbakhiani con And then we danced, Alexander Scheer con Gundermann y Ingvar E. Sigurðsson en A white, white day.

El acto en el que se dieron a conocer estas nominaciones estuvo conducido por Concha Ortiz como intérprete y maestra de ceremonias, y contó con la presencia de destacadas figuras del cine español y europeo. Una de las más solicitadas fue sin duda Luis Tosar, que después de triunfar con A hierro mata al principio de la temporada presentaba ayer mismo en Sevilla Intemperie, basada en la novela homónima de Jesús Carrasco; también el director de este filme, Benito Zambrano, así como su colega Rodrigo Sorogoyen, que en la víspera había inaugurado esta nueva edición del Festival de Cine Europeo con su nueva producción, Madre.  

Cabe recordar Una de las estrellas del festival, el palestino Elia Suleiman, prefirió tras el acto irse a deambular solo por esta soledada Sevilla de noviembre, a sentarse en una terraza con un café y ver la vida pasar, como el personaje que él mismo interpreta en su último filme, De repente, el paraíso.  

A sus envidiables 92 años, Pere Portabella da muestras de una vitalidad poco común. Impecablemente enchaquetado, toma asiento, cruza las piernas con cierta agilidad y, a pesar de quejarse discretamente de la agenda de entrevistas que le han preparado, cuando su discurso echa a rodar no hay quien lo pare: anécdotas, reflexiones, digresiones, ocurrencias, todo lo que es capaz de generar la cabeza de un gran creador nutre profusamente la conversación.

Nacido en Figueres, la patria del mismo Dalí al que dedicó algunos cortometrajes, se inició en el séptimo arte con la productora Films 59, con la que estrenaría algunos de los títulos fundamentales del cine español, empezando por Los golfos (1960), de Carlos Saura, y El cochecito de Marco Ferreri, del mismo año. “Un día, Antonio Saura me cuenta que tiene un hermano con una película en mente, pero que no logra sacar adelante, titulada Los golfos. Bueno, le digo, que venga a verme. Yo tenía ganas de meterme en algo, y acepté. Era una película hecha en la periferia de Madrid, sobre el mundo de la picaresca, de la delincuencia común, un poco hija de El jarama de Ferlosio. Y cuando estaba para hacer la película con él, me encuentro allí, justo en la entrada de un ascensor, con Luis Buñuel, que no tenía ni idea de que estaba allí. Luego, a solas, le propuse: ¿Por qué no hacemos una película tú y yo juntos? Allí nace la conspiración”, recuerda.

Pero entre una cosa y otra, se cruza Ferreri. “Viene Azcona y me dice que hay un realizador en Canarias que tiene un guion que no estaba mal, que estaba vendiendo material sanitario y ópticas. Le mandamos el dinero para que viniera, y empezamos a rodar El cochecito, que fue a Venecia y ganó el premio de la Crítica Fipresci. Engañé a la censura, me retiraron la subvención… pero Pepe Isbert envenena a toda la familia. Los mata a todos”, ríe.

Quedaba por hacer la obra magna de Buñuel, Viridiana, que junto con las anteriores supuso para Portabella un revulsivo radical.  “Yo soy una síntesis de cine, arte y política”, se autodefine. “Con aquellas tres películas puse en evidencia la censura franquista, los intereses de los estados en cuanto al control ideológico y las imposiciones de las multinacionales. Esto lo impugné de una tacada”.

“A Buñuel le puse como condición que la película se hiciera en España, asentar un guion que resistiera a la censura, con el compromiso de que, donde se estrenara, se pasaría entera. Y así fue, y obtuvo en Cannes la Palma de Oro. L’Osservatore Romano, indignado con razón, exclamó que cómo era posible que un país ejemplar como era España, con el cual tenían un concordato, hubiera hecho esa ‘inmundicia’, entre otros insultos tremendosL’Osservatore Romano. Al día siguiente, el ministro de Asuntos Exteriores de nuestra dictadura contesta que esa película jamás ha sido rodada en España. Todo el material estaba puesto a salvo en París, se lo llevaron a México, y la película, con una mordida se vuelve mexicana. O sea, que el éxito es total. Desde entonces, lo que siempre he pensado es que hay que tener una impugnación, una posibilidad de salida que no sea solamente imaginativa”.

Usuarios, no espectadores

Poco tiempo después, Portabella arrancaría su propia obra cinematográfica, de la que estos días se exhibirán en Sevilla copias restauradas de Vampir-Cuadecuc, El sopar y El silencio antes de Bach. “Me construyo la respuesta, codifico, hago una relación entre poesía, música, arquitectura , cine… No hago argumentos, sino un tránsito de ideas, de sugerencias, en el cual puedo hacer propia una experiencia a partir de sus contradicciones. No tiene nada que ver el cine de hoy, no compito con ellos. Hay una ruptura total, aunque a algunos los he ayudado, como a Albert Serra”.  

Algo escéptico con los tiempos que corren, Portabella lamenta que “el espectador de cine ha desaparecido, solo quedan los residuos, que van manteniéndose con los seriales en las grandes cadenas. Ahora hay muchos que son usuarios, no espectadores”.

Políticamente comprometido desde su temprana juventud, el productor fue amigo de nombres como Josep Tarradellas o Santiago Carrillo, pero también ha tratado de cerca a Pedro Sánchez o Ada Colau, entre otros. Y aprecia la diferencia entre ambas generaciones de políticos. “El problema hoy es que el contexto ha llevado a una degeneración del lenguaje. Por ejemplo, Trump. Es la liquidación de los discursos articulados para tratar de convencer al otro. Y en este sentido, se generan ese tapón de mediocridad. No hay discursos articulados, son réplicas de réplicas y contrarréplicas. Es igual aquí que en Estados Unidos, hay una especie de embotellamiento entre ellos, y es muy difícil salir de ahí. ¿Qué pasa? Que ha accedido gente que no era conflictiva. ¡Nada de pensar! Esto ha arruinado el panorama, han accedido a la política personas muy indocumentadas. No es que no nos haga falta otra cosa, es que lo prefieren así quienes nos controlan”, y añade: “Un error de los partidos democráticos es que tenían que tener una base de militantes, y militante significa fidelidad. ¿A quién? A la cúpula. Un sistema democrático es todo lo contrario”.

Facilitar la política

El compromiso político de Portabella se canaliza ahora a través de la Fundación Altrenativas, el think tank que preside. “Hacemos trabajos, celebramos una convención, pero no damos consejos a nadie”, comenta. “Resolvemos, desde un prisma progresista. Las limitaciones las ponemos nosotros. Y nada de encargos que puedan servir para tapar otras cosas, ya sabes cómo funcionan a veces estas historias”.

Una de sus actividades favoritas es organizar suquets, encuentros de personalidades “en una casa de mi padre que he heredado, una masía”, explica. “No accede en absoluto la prensa, no es un acto público. Se trata de que se puedan frotar, que haya un vis a vis del todo. Genera una proximidad, se llegan a dar formas de contacto por encima de protocolos. Esto es facilitar la política”.

Uno de esos encuentros reunió a Pedro Sánchez con Carles Puigdemont. “Me pidieron estar un rato a solas, y fue estupendo. Vinieron empresarios, intelectuales de mucho nivel, pero luego la cosa se deterioró entre ambos partidos. Habría que entrar en muchas particularidades, pero el Partido Popular acentuó una situación de confrontación”, asegura.

¿Pronóstico para la situación catalana? “Estamos ante una derecha emergente, pero con el componente de ultraderecha de Vox que lo intoxica todo. Es un binomio letal, en un tiempo complicadísimo, de elecciones y de las sentencias. ¿Cuál es la salvación? Ninguna. Cuando hay un tapón fuerte, cuando en una autopista de cuatro carriles hay un accidente de coche que invalida todas, hay que intentar abrir una vía para buscar una salida y atender a los heridos”.

Reconocimiento internacional

“Hace un mes, en Cataluña, hubo una iniciativa de los ciudadanos desde los cuatro puntos del territorio, para hacer un recorrido de 100 kilómetros para terminar ocupando el centro de Barcelona. Y fue ejemplar, intergeneracional. Toda la diversidad del mundo y el pluralismo que quieras, con una solidaridad, por donde pasabas, fantástica. Y a las siete, cuando llegaba la noche, empezaron los actos de violencia tanto por un lado como por otro. Ahora en Barcelona tienen ocupada la plaza de la Universidad. La salida es esta: que los ciudadanos tomen la iniciativa. Ahora toca llenar las urnas hasta los topes. Y cuanto más cabreados, votar más”.

Reconocido casi más en el extranjero que en España, Pere Portabella ha sido homenajeado desde el Moma hasta el Documenta de Kassel o el Pompidou.  “Ahora mismo tengo en Cambridge una agenda que ocupa tres meses de proyecciones, y ocurre igual en Francia, en Brasil…”, enumera satisfecho. “Hay un chino, de nombre muy complicado, que dice que el artista es, en primer lugar, alguien muy comprometido con lo que hace, pero que no se lo apropia, sino que lo deja para quien quiera lo utilice, y haga su recorrido con su experiencia, y complete el final. Segundo, no pide nada a cuenta. Tercero, no presume de méritos. Por eso el cine de Portabella perdurará”, apostilla.                  

A punto de celebrar su octavo año al frente del Festival de Cine Europeo de Sevilla, el asturiano José Luis Cienfuegos se muestra tranquilo, acaso más convencido que nunca de la programación que ofrecerá en esta nueva edición, que abrirá este viernes Rodrigo Sorogoyen con su nuevo filme, Madre, y contará con figuras como Elia Suleiman, Abel Ferrara o Roy Andersson, entre otros.   

Hace poco Benito Zambrano decía que los festivales se han convertido en la “trinchera” del cine más interesante. ¿Usted se siente en pie de guerra?

Existe la sensación de que hay que seguir peleando, diversificando estrategias e intentando hacerte fuerte en aquello que puedes defender con más decisión y argumentos. Y ahora el argumento principal es que los festivales somos más necesarios que nunca para defender el cine europeo, pero también a los autores. Lo que nos distingue es que ponemos en primer lugar al autor. Cada película corresponde a una mirada singular y diferente. El espectro, y este año más que nunca, es tan amplio y rico que llega hasta irritar ese falso consenso según el cual ahora el cine no se ve en salas. Esa es nuestra trinchera.

El año pasado se notaba en la programación una preocupación por el ascenso de la extrema derecha. ¿De qué nos informa este año el cine europeo?

Sobre las fronteras, hay mucha ficción que aborda, desde el prisma puramente histórico (El traidor de Bellocchio) o desde esa distopía que se mueve entre lo real y lo fantástico, como puede ser Atlantis o Terminal Sud. Con una visión distinta a la de los años 60, se está haciendo un cine político. Quizá no tanto en España, pero sí en Europa. Parece que aquí perdura esa tendencia a pensar que el cine político necesita grandes presupuestos o un engranaje industrial notable. Nosotros demostramos que se puede hacer usando recursos y estrategias novedosas.

¿Cómo está posicionado el cine español en el contexto europeo?

En el circuito europeo de autor, excelentemente posicionado. Es un referente. Sólo tienes que ver que Oliver Laxe y Albert Serra son premiados en Cannes, qué decirte de las grandes figuras como Almodóvar… Una directora como Icíar Bollaín tiene un enorme éxito por ejemplo en Alemania, con cientos de miles de espectadores. Todos estos se conocen, tienen visibilidad, son valorados y queridos. Y no olvidemos que Alberto Rodríguez fue premio del público de los EFA, como [Eloy] Enciso estuvo este año en Locarno, Madre de Sorogoyen en Venecia, a Isaki Lacuesta se le hace una retrospectiva en el Pompidou…

Ya que menciona los EFA (los premios europeos), ¿ha repercutido en el festival el hecho de que el año pasado Sevilla fuera la sede de estos premios?     

Más que por el evento en sí, es el resultado de muchos años de trabajo que acaban propiciando una combinación perfecta: los EFA, los Goya, el Festival… Eso unido a la gran labor que se está haciendo con los rodajes en Andalucía, nos hemos ido retroalimentando entre todos. Este año tenemos una sección oficial que algún periodista ha definido como irrepetible, pero es la evidencia de que el Seff está ahí, y Sevilla cuenta mucho en la exhibición de películas y la reivindicación de grandes cineastas europeos.

¿Alguno de los invitados de la nueva edición le ilusiona especialmente?

Hombre, ser testigo del testamento cinematográfico de uno de los grandes cineastas de los últimos años, Roy Andersson, combinado con la belleza de un Lorenzo Mattotti, el gran ilustrador y dibujante que ha adaptado La famosa invasión de Sicilia por los osos, es una maravilla. Pero no es sólo cuestión de nombres, hablamos de grandes películas. Ver en la gran pantalla una película como El traidor de Bellocchio, un director con un reconocimiento internacional indiscutible, o un filme tan épico como Martin Eden de Pietro Marcello, o Sinónimos de Nadav Lapid, o Robert Guédiguian y su Gloria mundi, uno de esos viejos luchadores que se miran a veces con cierta displicencia, pero están cambiando la historia del cine europeo. Son películas que están dejando huella, y programarlas da una enorme sensación de felicidad. Casi diría que la programación del Seff 2019 es luminosa, tanto como se acusa al cine europeo de oscuro, de ensimismado.

El director del festival de san Sebastián, José Luis Rebordinos, comentaba hace poco que quizás los festivales deberían ejercer más como filtro de la producción cinematográfica, y no programar tantos títulos. ¿Qué opina usted?

Por supuesto, somos prescriptores y lo seguiremos siendo. Pero me parece que lo reivindicable de los festivales es que sigan estando los autores ahí. Hablamos de miradas, de ideas, y de transmitir conocimiento. Al fin y al cabo, es una labor de educar, y de crear un espacio de diálogo y de encuentro.

Hemos visto cómo los escándalos de acoso han conmocionado a Hollywood. ¿El cine europeo está a salvo de ello, o lo afronta de una forma diferente?

Creo que los trabajadores del cine europeo de hoy pertenecemos a una generación para la que todo esto es inconcebible, no nos entra en la cabeza. Y que Europa tiene otra mentalidad, otra manera de entender el cine hecho, dirigido, producido, presentado por mujeres. En Sevilla no respondemos a ningún tipo de cuota, hemos ido siempre por delante en iniciativas de paridad en el comité de selección, sin que nadie nos lo pidiera. Es una forma de transmitir nuestras ideas sin necesidad de enarbolar ningún tipo de pancarta.

¿Se intuye un esfuerzo de reconciliación con el cine andaluz? Lo digo porque en los últimos años arreciaban las críticas de no darle su sitio en el Seff…

Siempre hemos intentado cuidar la presencia andaluza. Es cierto que este año hemos disfrutado programando y seleccionando Panorama andaluz. Y también se intuye cierto recambio generacional en los programas de cortometrajes. Está llegando una nueva generación que a lo mejor no está tan sometida, en la no ficción, al formato televisivo o del reportaje. Pero no debería haber dudas de que todas las películas andaluzas que nos llegan son visionadas por el mismo equipo de selección que películas de otros lugares de Europa. Ahí está, por ejemplo, Alejandro Salgado con la premier de Barzakh.   

¿Cuál sería la principal fortaleza y la principal debilidad del cine andaluz ahora?

Una muy buena noticia reciente ha sido el nacimiento de Ancine, la asociación de productores del cine andaluz, porque desde el minuto cero está planteando nuevas estrategias, formas de comunicarse con industrias, programadores, formas de colaboración y trabajo en común , y el reflejo son las jornadas de industria de este año, que en apenas un par de meses recibieron 40 proyectos. Pero hay una visión del cine andaluz amplia. Hablamos de La trinchera infinita, que es también una película andaluza. La asignatura pendiente, y así se lo he transmitido a las administraciones públicas y los agentes culturales, es que hay un vacío que llenar del corto al largometraje. Hay que cubrirlo y colaborar con propuestas imaginativas.

El estreno de La Peste en el marco del Seff, ¿es una anécdota, o la señal de que el festival quiere abrirse a otros formatos?La Peste

Ni una cosa ni la otra. Los festivales siempre hemos estado más abiertos a otros formatos de lo que pueda parecer, pero el foco aún no estaba en las series, y parecía casi una extravagancia que tú las programaras. Algunos lo hemos hecho. Recuerdo Queer as folk, o Neverwhere, basada en un relato de Neil Gaiman. Lo que ocurre es que ahora a las series de televisión se les otorga mayor protagonismo. De todas maneras, La peste nos sirve para reivindicar a dos gigantes como Alberto Rodríguez y Rafa Cobos, y de paso, la profesionalidad de los equipos técnicos y artísticos del cine andaluz. Sólo ver el vestuario, la ambientación, el resultado final, requeriría un homenaje cada día del festival.        

Remedios Malvárez (Huelva, 1968) acaba de regresar de Barcelona, donde ha estrenado en el festival In-Edit su último trabajo, Menese. “Ha sido impresionante ver aplaudir a una sala llena con 500 personas”, celebra. “Cantar y contar a este artista en femenino es un giro que no todo el mundo entiende”.

El artista no es otro que José Meneses Scott (La Puebla de Cazalla, 1942-2016), uno de los grandes exponentes del cante jondo de la segunda mitad del siglo XX, personalidad singularísima que conoció las mieles de la gloria y también un amargo ocaso. Ambos extremos son reflejados fielmente en el documental de Malvárez, quien se define como “enamorada del flamenco” que, después de dos décadas dedicada a la fotografía  flamenca, empezó una carrera que nunca se ha apartado de estos predios: “Mi primera película, Silencio, tenía como protagonista a una chica sordomuda y hablaba del flamenco como herramienta de superación. La segunda, Alalá, ambientada en Las Tres Mil Viviendas, se refería a este arte como vehículo de educación en valores. Con Menese, pretendo recordar que hubo una canción protesta dentro del flamenco”, explica sobre este trabajo, que ha obtenido el segundo premio Imagenera y se presentará en el próximo Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Sus inicios de zapatero y albañil, su debut en el café Central de su villa natal, el encuentro providencial con su mentor, Francisco Moreno Galván, su salto a Madrid y su compromiso político, que le granjeó públicos entusiastas y algún disgusto por parte de la censura, son narrados en el filme. “Mucha gente desconoce que, además de aquel flamenco que se convirtió en la marca España del franquismo, el de los señoritos, hubo otro que se enfrentó al poder. Hasta que llegó la Transición, la canción protesta dejó de tener interés y se borró ese legado”, comenta Malvárez.

Desencantado de la democracia

De hecho, José Menese fue siempre fiel militante comunista, “aunque ya no queda nada, desgraciadamente”, se le oye suspirar en la película. “Una de las frases que cantaba era Firme me mantengo. Firmeza y compromiso le acompañaron hasta el final. Y sí, estuvo muy atormentado con eso, no entendía los cambios que se estaban produciendo a su alrededor. Era un desencantado de la democracia. Había luchado toda su vida por algo que no se estaba materializando. Por el contrario, ya no le llamaban tanto como antes, y sufría también por ello”, agrega la directora.

Fueron los años más amargos de un artista que había gozado del favor del público, que había sido un símbolo de lucha por las libertades y se había codeado con la crema de la intelectualidad. Según Malvárez, “coincidieron muchas cosas. Su mentor, su otra mitad artística, Moreno Galván, ya no estaba. Era su bastón, su guía. Y empezaba a lamentar su ocaso físico, que le aterraba, al tiempo que esa nueva democracia traía aires nuevos para el flamenco, una música más comercial, fresca y libre. Se sentía olvidado”.

La puntilla de ese descenso a los infiernos fue el alcoholismo que empezó a padecer cuando volvió a refugiarse a La Puebla de Cazalla. “Quiso volver a sus raíces, y como mucha gente ante la vejez, cayó en la bebida. Eso sí, cuando se subía al escenario no parecía nunca que hubiera bebido. Se transformaba”.

La mujer del artista

Este es uno de los aspectos delicados de la personalidad de Menese que el documental aborda con tanta claridad como tacto. “No era nuestro interés buscar la polémica fácil, todo lo contrario. Creíamos que se puede hacer un retrato de un personaje y ser honesto, pero desde la naturalidad y el respeto. Lo contamos con la misma delicadeza que nos lo han contado a nosotros”, dice Malvárez.

En este sentido, cobra especial relieve la figura de la viuda del cantaor, Encarnación Gil, quien no rehúye ninguna cuestión, incluida la bigamia de facto que Menese mantuvo en un periodo de su vida, y que propició el nacimiento de dos hijos suyos en el mismo día. “También se trataba de retratar el papel de la mujer del artista, sus sacrificios y su soledad”, prosigue la directora. “Cuando empezamos el rodaje estábamos ilusionados con el personaje, pero acabamos enamorados de su mujer. Es un ejemplo de amor incondicional, de compromiso. A pesar de las dificultades, siempre estuvo a su lado”.

Más controversia parece haber despertado, en este arranque de andadura de Menese, la inclusión en el documental de cantaoras como Rosario La Tremendita o Rocío Márquez, que a priori poco tienen que ver con los rumbos artísticos del homenajeado. “Es una apuesta y una reivindicación”, justifica Malvárez. “Quizá también haya sido una licencia creativa nuestra, pero me interesaba observar a un cantaor bastante masculino y machista en femenino. Y si queríamos poner de actualidad esa obra, qué mejor que intentarlo con mujeres que están haciendo un flamenco comprometido”.

Premio a la Mejor cineasta

Junto a las citas artistas figura también Laura Vital, que sí estuvo cerca de Menese. “De alguna manera, su evolución artística se ha desarrollado a su lado, estuvo diez años de gira con él. Por eso canta una nana, un palo muy de esa especie de paternidad que les unió”. Y como vacuna a las posibles críticas que puedan caerle por parte de los sectores ortodoxos de la afición, añade: “El purista es un nostálgico de una época que no vivió”.  

En todo caso, la directora opina que “si Menese hubiera vivido, la película hubiera sido otra, pero estamos convencidos de que le habría gustado. Me reconforta pensar que así habría sido”, dice. De momento, Malvárez está de celebración constante, ya que al premio Imagenera viene a sumarse el RTVA a la Mejor cineasta de Andalucía que acaba de recibir. “Estoy una mijita desbordada, todo esto es muy grande para mí. Lo asumo como un reconocimiento al trabajo en equipo. Y en estos momentos, cuando es tan difícil posicionar una película, es una gran ayuda. Me alegra más aún recibirlo en mi tierra, en Huelva”.          

El Festival de Sevilla ha presentado este viernes su 16 edición en el Cine Doré de Madrid, con la presencia del delegado de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Sevilla, Antonio Muñoz, y el director del Festival, José Luis Cienfuegos, a los que ha recibido Carlos Reviriego, director adjunto y de Programación de Filmoteca Española. En el acto también han participado Jaime Alejandre, subdirector general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA; José Manuel Gómez, responsable de cine y documentales de AC/E, y varios equipos de las películas españolas presentes en el certamen.

Del 8 al 16 de noviembre Sevilla se convertirá en la capital del cine europeo, gracias a una edición que volverá a reunir en la ciudad a los directores más aclamados del momento. Autores que presentarán por primera vez en España sus nuevas producciones y que vienen de triunfar en los grandes festivales internacionales. 

Robert Guédiguian, Jessica Hausner, Bruno Dumont, Elia Suleiman, Abel Ferrara, Justine Triet, Albert Serra, Pietro Marcello, Rodrigo Sorogoyen, Joanna Hogg y Mark Cousins son algunos de los nombres que forman parte de la cita. Grandes cineastas a los que el público tendrá la oportunidad de conocer de primera mano en Sevilla, a través de los numerosos encuentros y actividades programados con los directores. 

Antonio Muñoz ha querido también destacar que “el Festival supone un escaparate inigualable para reforzar la imagen de Sevilla en el mapa cinematográfico, como demuestra lo que hemos vivido en los últimos doce meses, ya que al propio certamen se sumaron la gala de los premios EFA y la de los Goya”.

“Hemos seleccionado películas (230 títulos) que remiten a una gran variedad de temáticas y estilos. Que pueden conmovernos, hacernos reír, impactarnos y, sobre todo, lograr que disfrutemos en la sala”, ejemplifica Cienfuegos. 

Cada año Sevilla acoge el anuncio de las nominaciones de la EFA (European Film Academy) y los directores más celebrados lo eligen para presentar en España sus últimas películas. De Roy Andersson a Marco Bellocchio, de Nadav Lapid a Corneliu Porumboiu, todos pasarán este año por Sevilla. 

Durante la presentación, Cienfuegos ha resumido los principales contenidos del Festival, desvelando algunos de los últimos secretos de la programación, como el Premio Ciudad de Sevilla, los jurados de las diferentes secciones y los detalles de las diversas galas de esta edición. 

Los nombres del cine europeo, a competición en Sevilla 

Las películas seleccionadas para la Sección Oficial a concurso son 18 y vienen firmadas por Roy Andersson, Abel Ferrara, Elia Suleiman, Nadav Lapid, Marco Bellochio, Jessica Hausner, Pietro Marcello, Bruno Dumont, João Nicolau, Valentyn Vasyanovych, Corneliu Poromboiu, Robert Guédiguian, Justine Triet, Teona Strugar Mitevska y Lorenzo Matotti.

La selección también incluye tres producciones españolas: 'Liberté' ,de Albert Serra, 'Longa noite', de Eloy Enciso, y 'Madre', la película de Rodrigo Sorogoyen protagonizada por Marta Nieto, que tras su premio a la mejor interpretación femenina en Venecia ha asistido a la presentación del Festival de Sevilla, donde esta película inaugurará el certamen.  

Los jurados

Todas ellas competirán por alzarse con los premios otorgados por un jurado oficial anunciado esta semana y que estará formado por la productora rumana Ada Solomon, ganadora del Oso de Oro en la Berlinale y Presidenta de la EWA (European Women’s Audiovisual Network); el director francés Serge Bozon; el director del Festival de Sarajevo, Mirsad Purivatra; y Elías León Siminiani, ganador del Goya a la Mejor Película Documental por 'Mapa'.

Junto a ellos, el jurado de la sección Las Nuevas Olas – No Ficción compuesto por Guelfo Ascanelli, responsable de Programación de la Cinemateca Francesa, Alberto Hermida, profesor de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Sevilla, y María Bonsante, Directora de EuroDoc, otorgará los premios a las mejores producciones documentales. 

Por su parte el jurado formado por el periodista búlgaro Bojidar Manov, el israelí Yael Shuv, y la española Paula Arantzazu Ruiz (colaboradora habitual de SensaCine, Cinemanía y Diari Ara, y profesora asociada en la Universidad de Castilla-La Mancha), será el responsable de otorgar el premio Fipresci a la mejor película de la sección Revoluciones Permanentes. 

Jeanne Balibar, Premio Ciudad de Sevilla

Cada año, un nombre clave del cine de autor recibe el Premio Ciudad de Sevilla con el que la capital reconoce su relevancia en la cinematografía europea. Actriz de cine y teatro, cantante y cineasta, la francesa Jeanne Balibar es una de las actrices francesas más importantes, que ha consolidado su carrera de la mano de directores como Arnaud Desplechin y Olivier Assayas (con quien ganó la Concha de Plata a la mejor actriz en San Sebastián por su interpretación en 'Finales de agosto, principios de septiembre'), Raoul Ruiz y Mathieu Amalric. 

La reciente 'Wonders in the Suburbs', la podremos ver en sección oficial fuera de competición en esta edición del festival. Protagonizada por la propia Balibar, es una comedia con momentos de humor absurdo, en la que el extravagante equipo de Gobierno de la alcaldía de Montfermeil adopta como proyecto estrella una escuela de idiomas en la que se impartirán los 62 idiomas que se hablan en las afueras de París.

El premio para Jeanne Balibar se suma al homenaje con el que Sevilla reconocerá el cine visionario de Pere Portabella, un nombre clave de la historia del español que recibirá en reconocimiento por su trayectoria el Giraldillo de Honor en la gala de inauguración. 

El cine Español en el Festival de Sevilla

Y siguiendo con las galas del Festival, en esta edición tendrán como presentadoras a las analistas culturales, humoristas, feministas y autoras de las críticas de cine más mordaces del momento, Isa Calderón y Lucía Lijtmaer. 

Uno de los títulos más esperados del otoño,'Intemperie', de Benito Zambrano, que ha acudido a la presentación en Madrid, llevará a Sevilla a Luis Tosar, Jaime López, Luis Callejo y Vicente Romero; y 'El plan', de Polo Menárguez con Antonio de la Torre, Raúl Arévalo y Chema del Barco, entre otros.

En la Gala RTVA se estrenará la comedia dramática 'Una vez más', protagonizada por Silvia Acosta y Jacinto Bobo, y con la que el cordobés Guillermo Rojas debuta como cineasta en la ficción tras una larga trayectoria como productor. La historia parte de un funeral que provoca el reencuentro de Abril con su pasado y sus sueños de juventud.

La gala de clausura del Festival también tendrá una película española como protagonista. 'Adiós', la nueva producción de Paco Cabezas, pondrá fin a esta edición en una última jornada por la que se espera que pasen también algunos de sus protagonistas, como Mario Casas, Natalia de Molina, Ruth Díaz y Carlos Bardem. Tras su exitoso paso por Estados Unidos, Cabezas ha regresado a Sevilla para rodar un emocionante thriller.

Respecto a los apartados a competición, la presencia española no se limita a las películas ya citadas. Dentro de la Sección Oficial - Fuera de Concurso, destaca el nombre de Marc Vigil (director de series como 'El Ministerio del Tiempo'), que estrena en Sevilla ‘El silencio del pantano’, protagonizado Pedro Alonso (‘La Casa de Papel’).

Las Nuevas Olas apuesta por el nuevo talento de nuestro cine Jaione Camborda, que presentará ‘Arima’, primer largo de esta realizadora gallega cuyas obras y colaboraciones anteriores (‘Verengo’, ‘Las altas presiones’) han tenido un gran recorrido en festivales internacionales. Destaca también la presencia de Alejandro Salgado ('Bolingo, el bosque del amor'), quien retrata a los Menores Extranjeros No Acompañados en 'Barzakh', título con el que tras su estreno en Sevilla competirá en el IDFA de Ámsterdam, el llamado Cannes de los documentales. Y en esta misma sección se proyectará 'Zumiriki', película seleccionada en la sección Horizontes de Venecia y con la que el cineasta navarro Oskar Alegria regresa al cine, tras la multipremiada 'La casa Emak Bakia' (2012), para filmar su reconexión con un modo de vida conectado a la naturaleza al borde de la extinción.

También el cine español es protagonista este año de la sección Revoluciones Permanentes, donde la mitad de las producciones son nacionales. Con las comedias independientes de Greta Gerwig como inspiración, la realizadora Mamen Díaz y la actriz Violeta Rodríguez, también coguionista aquí, cuentan en ‘Violeta no coge el ascensor’ la historia de una joven veinteañera condenada a pasar el verano de prácticas en una editorial. 

El dúo de cineastas Burnin’ Percebes ('Searching for Meritxell') cuentan en 'La reina de los lagartos' el amor de verano entre una terrícola y un extraterrestre, a los que dan vida Bruna Cusí ('Verano 1993') y Javier Botet (reconocido en Sitges por su papel en 'Ventajas de viajar en tren').

La pareja, en el cine y en la vida, formada por Carmen Haro y Miguel Rodríguez se propuso el reto de ver 30 veces ‘Big’, la película de los 80 protagonizada por Tom Hanks, y releer junto a sus padres y sus amigos aquel clásico del cine popular en la comedia documental 'Big Big Big'.

Estrenos en España

Las Special Screenings del Festival de Sevilla acogerán los estrenos en España de algunas de las producciones que más han dado que hablar en el último año. Junto a las ya anunciadas 'Beats', de Brian Welsh, y 'Days of the Bagnold Summer', de Simon Bird, se presentará en esta sección una de las películas más impactantes de la Berlinale, 'El monstruo de St. Pauli', en la que el cineasta alemán de ascendencia turca Fatih Akin ('Contra la pared') ofrece una crónica de la vida y los indescriptibles crímene del  asesino en serie de los años 70 Fritz  Honka.

Peter Brosens y Jessica Woodworth vuelven a Sevilla con la continuación de la sorprendente 'El rey de los belgas' (nominada a Mejor Comedia en los Premios del Cine Europeo 2017). En la sátira política 'The Barefoot Emperor', el susodicho monarca belga es herido y, al despertar,  todos  le  ocultan  que  la  Unión  Europea  ha  colapsado, dando paso a la  nacionalista Nova Europa.

También habrá espacio en Special Screenings para el estreno en España de una serie de películas luminosas y directas, historias de descubrimiento y de búsqueda que sitúan a sus jóvenes protagonistas ante los desafíos del mundo actual, como en 'How to Fake a War', de Rudolph Herzog, 'Gender Derby', de Camille Ducelier, o 'Girls on the Run', de Virginie Gourmel.

Finalmente, en el marco de esta sección no podemos olvidar el estreno en España de 'Women Making Films: A New Road Movie Through Cinema', el magistral ensayo fílmico del director irlandés Marc Cousins, en el que hace un recorrido por la historia del cine a través de la mirada de mujeres cineastas. El autor de 'The Story of Film: An Odyssey', aborda otro monumental proyecto de unas 14 horas de duración, en las que se muestra el impresionante y no suficientemente reivindicado legado cinematográfico del cine hecho por mujeres, a través de más de mil secuencias de películas. 

Directoras: Hogg y Berg 

Esta edición pondrá también el foco en dos importantes directoras europeas, acogiendo sendos ciclos cuyas proyecciones serán en su mayoría estrenos en España. Joanna Hogg (Londres, 1960) ha acaparado este año todos los focos con ‘The Souvenir’, un título apadrinado por Martin Scorsese y ganador del Gran Premio del Jurado en Sundance. Con la proyección de sus cuatro largometrajes en una retrospectiva inédita en nuestro país, el Festival de Sevilla dará  la oportunidad de acercarse a la autora.

Por su parte, el ciclo dedicado a Lene Berg (Oslo, 1965) estrenará en España buena parte de la obra de esta provocadora autora que desde los años noventa cuestiona los discursos oficiales y temas como las relaciones de poder, la sociedad de la vigilancia y la ambigüedad ética. En la retrospectiva del Festival de Sevilla podrán verse títulos que tratan sobre la reconstrucción del pasado (‘Shaving the Baroness’, 2010), la construcción de los estereotipos y presunciones sobre la edad o el género (‘Dirty Young Loose’, 2013) o los hechos que provocaron la detención de la pareja de Berg, de ascendencia afroamericana, en ‘False Belief’ (2019), que se estrenará tras su proyección en la Berlinale.

Otro de los ciclos que acogerá el Festival de Sevilla lleva por nombre Melodías Excéntricas, una selección que repasará los hitos más insólitos del musical europeo a través de once películas que basculan entre lo bizarro y lo sublime: ‘Un, dos, tres… al escondite inglés’ (1969), de Iván Zulueta, ‘The Death of Maria Malibran’ (1970), de Werner Schroeter, ‘Don’t Cry, Pretty Girls’ (1970), de Marta Mészaros, o ‘Billy The Kid and The Green Baize Vampire’ (1987), de Alan Clarke.

El Festival de Sevilla, el mejor puntuado por el ICAA

Ciclos, retrospectivas y focos completan una extensa programación que no sería posible sin la implicación de los distribuidores que tendrán su espacio en las actividades programadas para la industria. Y especialmente en las Jornadas de Promoción y Marketing en distribución de cine Independiente organizadas por el Instituto de Cinematografía y Artes Audiovisuales. De ellas ha hablado en su intervención Jaime Alejandre, subdirector general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA, quien ha explicado el objetivo de las mismas, promovidas para analizar la actualidad y tendencias en torno a la promoción y el marketing en la distribución de cine independiente y de autor en España. Alejandre ha destacado que “en 2019 se han presentado a las ayudas del ICAA un tercio más de festivales respecto al año pasado, lo que apunta a la pujanza del sector audiovisual español”. Sobre el Festival de Sevilla ha señalado que es el mejor puntuado este año y que “coincide con los objetivos de esta institución en su apuesta por la diversidad cultural ”.

Por su parte, Acción Cultural Española (AC/E), colabora un año más con el Festival mediante el programa PICE, propiciando la visita de representantes de entidades culturales internacionales de referencia, entre los que se encuentran varios de los jurados, para que conozcan la oferta creativa del sector en España y puedan así incorporarla a sus programas. José Manuel Gómez, responsable del área de cine y documentales de AC/E, explicó el programa y anunció también la presencia en el Festival de una exposición de retratos a cargo del prestigioso fotógrafo Óscar Fernández Orengo. 

El cine andaluz “está vivo y con muy buena vida”. Así ha definido Juan Antonio Bermúdez, programador de la sección Panorama Andaluz del Festival de Sevilla, el estado del cine andaluz tras seleccionar 10 largometrajes y 26 cortos de entre las 200 películas que se han inscrito en el certamen cinematográfico.

Buena sintonía

Para Bermúdez, la “buena sintonía” entre la línea de programación del festival y la sección de cine andaluz habla “muy bien de la propia sección, de un festival que está en sintonía con la producción de Andalucía y de las propias películas, que demuestran que en el cine andaluz se están haciendo obras muy diversas, muy abiertas a apuestas arriesgadas”.

Compromiso político, subversión, diversidad y creatividad son algunas de las apuestas de un sector que genera una riqueza de 130 millones de euros anuales en la comunidad autónoma andaluza.

Así, la subversión y el compromiso político estarán presentes en obras de no ficción como Reporteras de buen rollo (Guillermo García)  o Auschwitz en la playa (Isaías Griñolo), pero también de documentales musicales que se centran en personajes flamencos tan revolucionarios como Menese (Remedios Málvarez). Además, Parking ofrece, desde la ficción, una mirada alternativa sobre la inmigración.

Dos documentales reclaman la memoria de personas que cambiaron el mundo, pero olvidó la Historia. El cineasta jerezano Jorge Laplace presenta Equipo D. Los códigos olvidados, una reivindicación de los españoles republicanos exiliados que ayudaron a ganar la batalla contra el fascismo en la II Guerra Mundial, al descifrar los mensajes encriptados del ejército nazi. El complemento ideal a The Imitation Game, en la que ajustaban cuentas (positivamente hablando) con el genio Alan Touring.

En guerra con la historia

La otra es Helios Gómez, tinta y munición, de Pilar Távora. La directora se centra en la figura de este artista sevillano y gitano. “Era un trianero republicano, un soldado revolucionario. Helios era el mejor pinto de la vanguardia del siglo XX, pero es un desconocido para todos nosotros. es una obligación rescatar su obra y seguir sus huellas, porque se trata de recuperar la memoria histórica de unos de esos seres humanos que abren nuevos caminos y nos aportan luz, pero siguen ocultos. Para eso, está el cine: para abrir esos caminos”, ha apuntalado Távora.

En clave de reivindicación presenta también su película Guillermo García, conocido hasta ahora en su faceta como montador de la cineasta María Cañas. García firma Reporteras de buen rollo, un trabajo que “reivindica el acceso a la cultura de la mujer”. La radio y el teatro sirven de herramientas de emancipación de las mujeres de un barrio tan desfavorecido como el Polígono Sur de Sevilla.

El cineasta ha trabajado de la mano de María Limón, coordinadora de este taller,  que le asegura a eldiario.es Andalucía que se trata de una “iniciativa para llevar el radioteatro, como herramienta de transformación social, allí donde se necesita. Buscábamos trabajar con mujeres jóvenes que aprendieran a conciliar el tiempo libre y apropiarse de la cultura, a través del teatro”. Como apuntala Apolonia, empresaria del barrio y usuaria de taller, “nos ha abierto a otras realidades y hemos empleado el humor para hablar de temas que nos preocupan como la basura o las ratas”.

Flamenco y revolución

La música se convierte también en un excelente vehículo de reivindicación. En este caso de figuras flamencas tan revolucionarias como Menese o Manolo Sanlúcar. Menese, explica Remedios Málvarez, fue un ejemplo de “compromiso político y social revolucionario. Él cantaba a los temas sociales, pero cuando llegó la modernidad, la canción protesta del flamenco se olvidó. En la película, sus canciones no están cantadas por derecho, sino reinterpretadas en directo”.

El documental Manolo Sanlúcar, el legado (de Juan Manuel Suárez García, producido por Cinnamon y Malandar), ganador del premio Imagenera 2019 (Menese se hizo con el segundo premio) también reivindica la figura de un flamenco revolucionario.

En tono de reivindicación se firma otra obra flamenca, Se prohíbe el cante (José Carlos de la Isla), reclamando el papel que desarrollaron las peñas para que el flamenco no cayera en el olvido. De la reivindicación de la cultura habla también Nos salvará la risa (Los Ulen. 30 años), de Pepe Quero, que apuesta por la figura del payaso, que “practica el arte del ridículo y de entrar en el alma de la bondad humana. El payaso es un gran filosofo, no tiene edad, sexo, bandera, religión y tiene muy poca vergüenza, porque no le interesa caer bien, sino decir la verdad”.

Hasta tres películas abordan el reto de vivir en el extranjero desde perspectivas bien distintas. Parking (Tudor Giurgiu) ofrece los recuerdos del escritor rumano Marin Malaicu Hondrari cuando fue inmigrante ilegal en Córdoba (España). Según Olmo Figueredo, productor español de esta coproducción con Rumanía y República Checa, la película “ofrece una mirada diferente de la inmigración, no tan oscura, describiendo los momentos de llanto, pero también de felicidad de una persona que tuvo aquí grandes amigos y compañeros, y se enamoró aquí. Descubrió una tierra que le abrió los brazos”.

Por su parte, Isaías Griñolo lanza una mirada crítica con Auschwitz en la playa, a través de un grupo de activistas que emplean el humor para denunciar la crisis de los refugiados. .“Venía de hacer un ajuste de cuentas con el pasado. Esto es un ajuste de cuentas con el futuro de Europa, la Europa envejecida. Hay 36.000 muertos censados en el Mediterráneo, pero probablemente sean 100.000”, apunta.

Tras su paso por el prestigioso festival holandés IDFA y Seminci, el productor Daniel Méndez presenta en su tierra La libertad es una palabra grande, la historia de Muhammad, un palestino de 38 años al que encerraron durante 13 en el horror de Guantánamo. 

“Es el viaje de una segunda oportunidad para una persona, con unos condicionantes que la convierten casi en una quimera. Como gesto humanitario, Uruguay lo saca de Guantánamo, pero él se encuentra muchas dificultades: no hay comunidad árabe, percibe pequeña cantidad mensual y no habla el idioma”.

“A los que decíais que la primera ni se oía ni se veía: os vais a enterar. Ya veréis”. Así de impactante es la publicidad callejera de La Peste, cuya segunda temporada promete tener más luz, acción y riesgo. En definitiva, ser menos taciturna y oscura (en todos los sentidos...) que la primera.

Así lo han expresado este viernes sus creadores, Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, durante una presentación en el Espacio Santa Clara de Sevilla, donde han revelado que la premier mundial de la segunda temporada se hará en el Festival de Sevilla: el lunes 11 de noviembre, cuatro días antes de su estreno en Movistar+.

Rodríguez y Cobos comparten una estrecha relación personal y profesional. Su filmografía ha convertido Sevilla en escenario de canis (Siete Vírgenes), policías corruptos (Grupo 7) y podredumbre política y social (La Peste). El presupuesto de esta superproducción por la que ha apostado Movistar+ les permitió recrear Sevilla como nunca se había visto en pantalla: sí, una ciudad asolada por la peste clínica, religiosa, económica y política, pero también una ciudad viva y monumental.

Sevilla emerge de las ruinas

Tachada por algunas de oscura (“No se ve bien”), ininteligible (“No se entiende el acento andaluz”) y lenta, sus creadores han apostado por un protagonista, Mateo, que está más vivo que nunca y una ciudad que emerge de las ruinas de la plaga y con la prosperidad del comercio con las Indias, pero se encuentra con la mafia de La Garduña, como nuevo antagonista.

Según Alberto Rodríguez, que en esta ocasión solo dirige los dos primeros capítulos de la serie, “la segunda parte representa la lucha por el control de la ciudad de Sevilla entre el poder oficial y visible, el cabildo y el gremio de los ladrones, el hampa, la Garduña”.

Por su parte, Rafael Cobos, showrunner de la segunda temporada, explica que el protagonista, Mateo (Pablo Molinero) “ha recuperado las ganas de vivir y y descubriremos de su mano una Sevilla más luminosa, aunque igual o más corrupta, donde la mafia, controlada por La Garduña, nos permite añadir a la serie más acción, hacerla coral. Como si de un Elliot Ness se tratara, Mateo luchará codo con codo con Pontecorvo, el nuevo Asistente de la ciudad, contra el crimen organizado”.

José Luis Cienfuegos, director del Festival de Sevilla, ha subrayado que La Peste es “una serie exigente. La segunda parte no es simplemente una secuela y eso es algo que admiro de Rafael Cobos y Alberto Rodríguez: que no son conformistas”.

Más de 130 localizaciones andaluzas

La segunda temporada está compuesta por seis episodios de 45 minutos. Los dos primeros los dirige Alberto Rodríguez y los cuatro restantes, David Ulloa. La serie se ha rodado en Andalucía, en 130 localizaciones de las provincias de Sevilla, Huelva o Almería, como la propia ciudad de Sevilla, Utrera, Alcalá de Guadaíra, Palos de la Frontera (Huelva) o Cuevas de Almanzora (Almería).

La Peste ha reforzado la imagen de una ciudad que todos los años atrae grandes producciones regionales, nacionales e internacioales, como el caso de Juego de Tronos o la propia serie de Movistar. Por esa razón, el alcalde de Sevilla, Juan Espadas, ha aprovechado la presentación para señalar que “este proyecto es un reflejo del potencial y de la calidad del cine andaluz”.