Bañado entre dos aguas, crisol de culturas y tendencias. Entre la ficción y la realidad. Entre lo comercial y lo autoral. El cine andaluz llega en 2026 con fuerzas renovadas, tras un año en el que cuatro de sus mejores autores, Alberto Rodríguez, Rafael Cobos, Santi Amodeo y Fernando Franco, nos brindaron cuatro obras maestras: Los Tigres, Golpes, El cielo de los animales, Subsuelo y, también para televisión, una de las mejores series de nuestra historia reciente, Anatomía de un instante.

Mientras la temporada de premios reparte suerte entre estas obras, despuntan algunos de los grandes hitos de este 2026, en los que nuestro cine reivindica su indiscutible potencia simbólica.

El primero en llegar será Paco León, autor de grandes comedias, como la saga de las Carminas (Carmina o revienta, Carmina y amén) o Kiki, el amor se hace. León hace suyo el éxito histórico de Aída, para convertirla en una ficción autorreferencial, Aída y vuelta, abordando el rodaje de un capítulo de la famosa serie y, por tanto, jugando entre la realidad y la ficción, un terreno donde el director sevillano es, sin duda, un gran maestro. El 30 de enero la tendremos en cartelera.

Sin fecha de estreno y con pocos detalles, pero culminando su fase de posproducción, llegará La luz, el quinto largometraje de ficción del prolífico Fernando Franco, en una cinta de la que sí sabemos que está protagonizada por Alberto San Juan y Pedro Casablanc. Siendo su autor el director sevillano lo que sí tenemos claro es que ser una nueva obra de calidad que profundizará en las esquinas más recónditas del alma humana.

Se rodará en primavera y llegará a finales de año: la tercera película de Guillermo Rojas, que ya nos sorprendió con su delicada historia de amor Una vez más y consu divertida comedia de ambientación histórica, Solos en la noche. “Pequeño y especial”, así define Rojas Una simple carta de amor, que entremezcla dos historias: una autoficción actual y una búsqueda del amor en los años 60.

Será también la tercera de Gonzalo Bendala, autor que continúa explorando las fronteras entre la luz y las tinieblas humanas, tras Asesinos inocentes o Cuando los ángeles duermen. En Lucidez, con un reparto encabezado por Óscar Casas, Fiona Paloma, José Coronado y Najwa Nimri, Bendala se adentra en el fascinante mundo de los oninorautas, personas que controlan lo que sucede en sus sueños.

Convertido en un director de culto con La furia de Mackenzie, Paco Campano llega también con su tercera película, Cuántica Rave, que promete ser una bendita locura en forma de… comedia musical de ciencia ficción. Por si fuera poco, a los mandos de la nave espacial pilotan Antonio Dechent, Pablo Carbonell, Javier Botet (sí, el mítico monstruo de Rec) y África de la Cruz. Entre el punk, los efectos especiales artesanales y las maquetas, la diversión está asegurada.

Un momento histórico para el cine andaluz tendrá lugar en el mes de febrero, cuando Iván & Hadoum celebre su estreno mundial en la Berlinale. Guionista de series como Veneno o La chica invisible, además de director de los cortos Farrucas y Víctor XX, -ambas nominadas a los Goya-, Ian de la Rosa debuta como director de largometraje. El cineasta almeriense ambienta entre los invernaderos y paisajes de su tierra esta historia de amor LGTBIQ+ y multicultural.

A la cara, la adaptación al largometraje del exitoso corto de Javier Marco, volverá a estar protagonizada por Manolo Solo abordando el tema del odio en las redes a través de un troll que se ve confrontado por su propia víctima. Lo hará tras triunfar en el Festival de Gijón. Una adaptación a la gran pantalla será también La ventana abierta, la segunda película que dirige Ana Graciani. En este caso, de una obra teatral que ella misma escribió y dirigió hace una década.

Patricia Ortega, la directora venezolana afincada en Sevilla desde hace un lustro, llegará a 2026 golpeando dos veces, cinematográficamente hablando, tras su tierna y divertida Mamacruz, el coming of age de la tercera edad que protagonizó Kiti Mánver. Lo hará con Caballé, el biopic de nuestra cantante de ópera más universal, y con 9 lunas, que, con un reparto encabezado por Jorge Sanz, María León, Kiti Mánver, Sara Sálamo y Fernando Guallar, aborda la historia de un hombre trans que acude al hospital.. y resulta estar embarazado. Por su parte, Antonio de la Torre se convertirá en el gran monstruo de la literatura infantil española, Sacamantecas, de la mano de David Pérez Sañudo.

Presentado su avance en la última edición del Festival de Málaga, Hora y veinte (Marc Romero) promete 80 minutos de electrizante thriller con Macarena Gómez al frente del reparto y con Salva Reina en la producción. Otro malagueño, el productor Ezekiel Montes, estrenará, al menos, dos películas de ficción este 2026: la superproducción en inglés La quietud de la luz, ópera prima de Fernando Frater, y La señora que juega, dirigida por José Enrique March, con José Manuel Poga, Antonio Dechent, Nancho Novo y Elena Martinez.

En el terreno documental, el cine andaluz seguirá definiendo, con voz propia, su historia política, social y cultural a través de figuras como Julio Anguita (El hombre de los tres siglos, de Hugo Cabezas y Alejandro Toro), El Niño Miguel (Santi Amodeo), Emilio Beauchy (E. Beauchy. El fotógrafo en el café cantante, de Sara Beauchy y Dina Harovic), las mujeres de la obra del gran poeta granadino (Lorca, en femenino y singular, de Pilar Crespo), una histórica obra de danza de insumisión poética (Naquerar, José Romero y Patricio Hidalgo), el rugby femenino más subversivo (A la melée, Rocío Rodríguez) o tres jóvenes desempleados en Taranta (de Samuel Nacar, ganador del World Press Photo en 2025), además de grandes actores nacionales como Paco Rabal (Vanesa Benítez) o grandes gestas universales como la del avión Plus Ultra (Elías Pérez), entre otras muchas obras de cinema verité que el 2026 nos irá desvelando.

El actor y director Paco León se ha vuelto a disculpar por una de las escenas de la película 'Kiki', en la que uno de los protagonistas dormía con somníferos a su pareja para abusar de ella. León ya se disculpó por esta trama en 2021, cinco años después de estrenar la película, y ahora ha publicado otros dos mensajes en sus redes sociales con motivo del caso de Gisèle Pélicot en Francia, que fue violada por más de 50 hombres tras ser drogada por su marido.

“Escuchando las declaraciones de los que la violaron es verdad que vivimos en esto que llaman la cultura de la violación, que parece que son palabras y realmente existe la cultura de la violación”, ha declarado el actor y director español, que añade: “Y eso está en todos”. 

León afirma ahora que no para de pensar en la trama de Kiki y ha recordado que ya se disculpó por la escena. “Después de los años tomé conciencia de que estaba romantizando una violación y una sumisión química, que parece que dentro del matrimonio no pueden existir las violaciones y existen, desgraciadamente”, ha dicho.

El actor y director dijo en 2021 que consideraba “imperdonable haber romantizado una violación sistemática”. Entonces, León dio las gracias a las personas “que me lo han hecho ver” y prometió “seguir trabajando y aprendiendo”.

'Kiki' fuer rodada en 2016, narraba varias historias de filias sexuales y prácticas eróticas. Una de ellas era la de un hombre que drogaba a su esposa, con una discapacidad motora, para abusar de ella mientras estaba inconsciente “Siento mucho no haber tenido en ese momento la sensibilidad para tratar el tema y haber frivolizado con él”, dijo entonces en su disculpa.

La película de Paco León es un remake de la australiana The Little Death (2014), dirigida por el debutante Josh Lawson. La crítica española la diferenció de aquella por explotar un perfil más cómico y extravagante. Aunque, en el fondo, trataban de lo mismo: de las parafilias sexuales de una serie de desconocidos. De hecho, la de Lawson también incluye varias escenas alrededor del imaginario de la violación.

El caso que ha sacudido ahora Francia ha motivado a León a regresar una vez más a esta escena de su película. “Creo que es obvio que todo el mundo sentimos asco, repulsión e incomprensión ante este tipo de monstruos”, ha dicho. “Recuerdo con horror cosas que yo mismo he escrito”, ha insistido León. “Me avergüenzo de no haber tenido esa sensibilidad”.

Imaginen que en mitad de El mago de Oz, Dorothy tomara un 'tripi' junto al hombre de hojalata, el león y el espantapájaros y acabaran en un mal viaje en el que se les dilatan los ojos como a un dibujo animado e incluso ven a Michael Jackson a lomos de una mantarraya. Parece que la anterior frase la hubiera escrito el teclado predictivo del teléfono móvil, pero no, es una de las infinitas ideas que propone Paco León en su inclasificable Rainbow, una versión moderna y queer de El mago de Oz. León da un triple salto mortal con su nueva película, tanto a nivel narrativo como de puesta en escena. No siempre cae de pie, pero al menos se arriesga a jugar hasta el límite con un título tan libre y surrealista que parece difícil creer que exista. Lo hace gracias a la unión de Telecinco Cinema y Netflix, donde se estrenará el 30 de septiembre, una semana después de su llegada a los cines.

León cambia de registro en esta versión moderna del clásico donde Dorothy es una chica del extrarradio que vive con su padre y su perro. Aquí no es Dorothy, sino Dora, y la interpreta Dora Postigo. Se escapa para encontrar a su madre, y en el camino (viaje lisérgico incluido) se encuentra a tres trampantojos del espantapájaros, el león y el hombre de hojalata en los cuerpos y rostros de Weka, Ayax Pedrosa y Luis Bermejo. ¿Y las brujas del este y del oeste? Pues unas Carmen Machi y Carme Maura desatadas y pasándoselo pipa con este musical extraño destinado a dividir al público.

Queda claro que Paco León no se achanta ante nada, ni ante los clásicos que muchos considerarían intocables. Recuerda que hay muchas versiones de El mago de Oz, y alguna incluso tan loca como la suya: “La de Michael Jackson es delirante, increíble. Una película con negros de la Motown… impresionante”. Lo dice antes de soltar la bomba que, “aunque no la parezca”, él no era especialmente fan de la película. “Estaba buscando una historia que me permitiera desarrollar un universo con sus propias reglas y me topé con este cuento, con esta novela que me la leí en bilingüe para practicar el inglés y dije, esta es. Porque es un cuento, porque tiene una protagonista femenina que es una líder de unos desclasados, y porque habla de diversidad, de aceptarse a uno mismo. En fin, discursos muy fáciles de asumir hoy en día”, explica.

Otra de las cosas que le apetecía era saltar de su universo pegado a la calle al “terreno de la fantasía”. “Me apetecía juntar la fantasía y el realismo, y hacer un musical que no es tampoco un musical. Y, sobre todo, que me diera la oportunidad de trabajar con gente a la que admiro, que es el motor de hacer esta película. Es casi una excusa para contar esta historia. Es para poder trabajar con Dora, para poder trabajar con Ajax, con Weka, con esos maquilladores, para meter a mis hijos en una escena. Meter todas esas colaboraciones de diferentes artistas, de disciplinas muy distintas, de bailarines, coreógrafos, artistas plásticos y cantantes… Sí, la historia en realidad es una excusa”, asegura entre risas.

Aunque Rainbow parezca alejada de las dos películas de la saga Carmina y de Kiki, el amor se hace, hay un elemento común a todas ellas, la libertad. No solo la creativa, sino que todas abordan la libertad de decisión, la libertad sexual… algo que Paco León cree que más que un tema de la novela, es un tema suyo que sale de forma automática. “Yo intento apurar los límites de la libertad. Como no soy nada académico y como mi formación tampoco, como director creo que ser un analfabeto cinematográficamente también te da una osadía. Por eso me quiero permitir hacer cosas que normalmente no se hacen”.

Yo intento apurar los límites de la libertad. Como no soy nada académico y mi formación tampoco, como director creo que eso también te da una osadía

Paco León — Director de cine

Una libertad que no se siente forzada, que no aparece en un ejercicio de tokenismo (apariencia de diversidad para evitar las críticas), sino que aparece de forma natural. León explica el trabajo que se ha hecho en todos los departamentos pero deja claro que, al final, esa diversidad viene de la realidad, que es lo que realmente le inspira. “Tú te das una vuelta por Lavapiés y ves eso, ves a un no binario, a un negro hablando con una gorda, a una china… Y todo eso está más en la realidad que en la ficción. Yo creo que con que se equipare un poco lo que ves en la calle con lo que ves en las películas o en las series, ya está bien. Creo que sorprende que se haga, pero creo que es bastante realista”.

Dice que quiere escapar de “lo reivindicativo”, pero su discurso y sus películas siempre tienen un poso activista en sus ansias de libertad. “Huyo un poco de lo reivindicativo porque me da un poco de pudor, la verdad. Pero sí quiero practicar cosas como eso, como la diversidad o la libertad. Cosas que me parecen básicas y que hay que defenderlas siempre y que, aunque algunos pensemos que está muy asumido, sigue siendo muy necesario reivindicarlas”. Su Dorothy lo hace en un viaje en coche donde las baldosas amarillas son las líneas de una carretera comarcal que termina en una fiesta tan loca como el universo de su creador.

Que una película se estrene en una plataforma sin pasar por los cines, o que lo haga a la vez en salas e internet, nos parece, actualmente, algo normal y sin épica. Los cambios de consumo cultural sufridos en los últimos años se vieron propulsados por una pandemia que hizo que estuviéramos metidos en casa y aislados durante meses, consumiendo audiovisual como nunca antes y haciendo que muchos descubrieran las bondades de las plataformas de contenido. Este contexto hace diez años era impensable. 

Hace una década las salas eran templos inquebrantables. Una película debía pasar por cines y luego esperar seis meses para llegar a televisión de pago. Cuando alguien se atrevía a desafiar el statu quo sobre las formas de distribuir cine, siempre salía una palabra: “ventana”. Había que respetar las “ventanas” y los tiempos entre ellas. No estaba escrito en ninguna ley que una película debiera pasar primero por cines y luego esperar medio año hasta su siguiente lugar de explotación, pero eran normas escritas en piedra que los diferentes actores de la industria cumplían a rajatabla.

Era un tiempo donde internet ya estaba en casi todos los hogares y la piratería era la principal preocupación del sector. Unos pocos, en contra del sentir general, veían internet como un posible aliado en la lucha contra las descargas ilegales. En 2011, el presidente de la Academia, Álex de la Iglesia, daba un discurso que molestó a la industria en el que pedía ver internet como el presente, no como un enemigo, y ser astutos para usarlo a su favor. 

Un año después, un director novato y una de las pocas plataformas de contenido disponible en España desafiaron los cimientos de la exhibición audiovisual. Él, acababa de salir de una serie de éxito y dirigía su primera película. En 2012 Paco León todavía era el Luisma de Aída, pero acababa de rodar un filme personal, divertido e irreverente. Su unión con Filmin hizo que decidieran apostar por estrenar Carmina o revienta a la vez en salas, internet y venderla en DVD. Un movimiento arriesgado, casi suicida, del que se han cumplido casi diez años y que anticipó un futuro en el que pocos creían.

Paco León se encuentra a punto de estrenar su nueva película, Rainbow, que llegará a los cines una semana antes que a Netflix en una situación que ya nadie cuestiona, pero entonces todo fue muy distinto. Recuerda toda aquella aventura como una vivencia “apasionante y muy divertida”. Todo comenzó cuando decidió liarse la manta a la cabeza, coger dos cámaras de fotos, un presupuesto de 5.000 euros y rodar un falso documental con su madre. Estaba “aburrido de estar en Aída” y buscaba retos. “No sabía si estaba haciendo un vídeo familiar caro o una película barata. Era un experimento, con la osadía que da no saber”, cuenta el actor y director.

Una industria en contra

Una vez montada y terminada surgió la pregunta, ¿y ahora qué hay que hacer para que la estrenen? Paco León comenzó los trámites habituales, llamando a las distribuidoras. Entre ellas Alta Films, de Enrique González Macho, que solía llevar gran parte del cine español con cierta aspiración comercial. “Le llevé la peli y yo creo que nunca la vio, porque pasaba el tiempo y no contestaba, hasta que ya le di un codazo y me dijo que no era el perfil de las pelis que llevaban y que mucha suerte. Mi gozo en un pozo”.

De fondo empezaba a sonar el nombre de Filmin y esa palabreja que entonces nadie usaba: plataforma. Mientras tanto, la película se presentó en el Festival de Málaga y se formó la revolución. La crítica alabó su frescura, su osadía y ganó tres Biznagas. En el mismo Festival de Málaga, el propio González Macho que había rechazado su película se lo pensó mejor: “Después del 'bulle bulle' que hubo me dijo que quizás podrían hacer una distribución pequeñita, de 10 o 15 salas, algo muy arty, y yo pensé que muy bien, así que decidimos reunirnos a la vuelta”. El azar quiso que el mismo día de la reunión con el distribuidor, en un restaurante japonés, estuviera presente Juan Carlos Tous, uno de los fundadores de Filmin y la otra persona que hizo posible ese fenómeno llamado Carmina o revienta. 

Me decían que los exhibidores no me iban a dejar, que ningún cine iba a poner una película que estuviera a la vez en plataformas, y yo le dije que íbamos a comprobarlo

Paco León — Actor y director de cine

“Era la única persona que había en el restaurante y nos reconocimos”, cuenta Paco León que le dijo que se tomaran algo juntos y así le explicara bien “qué era eso de Filmin”. Le dio una masterclass sobre plataformas y el contexto del momento, con una piratería disparada y muchos diciendo que “nadie pagaría por contenido online”. Le trasladó su pasión, su visión del presente y del futuro y con esa idea en la cabeza subió a la reunión con González Macho. Allí se encontró con una nueva sorpresa. “Nos ofreció 100 salas y adelantar 300.000 euros de publicidad. Ellos se pusieron muy flamencos, en plan, 'toma, ¿y ahora qué?, una oferta que no podrás rechazar', pero yo me puse a hacer preguntas incómodas, como cuánto tenía que hacer la película para tener beneficios, y me dijeron que para llegar al break even había que recaudar 1,5 millones de euros. Era como una hipoteca, que te dan el dinero y te compran el alma. Le pregunté qué peli española había hecho ese dinero y me di cuenta de que eso era una ruina. Me dijo que el cine era así, y ahí me di cuenta de cómo iba esto. Yo de cine no sé, pero, ¿cómo una película que había costado 30.000 euros se iba a gastar ese dinero en promoción? Ese no era el espíritu de mi película”, apunta.

Allí le propuso experimentar, pasar de un estreno comercial al uso y hacer juntos “un estreno multiplataforma”. Su respuesta fue tajante, eso no podía ser: “Me dijo que los exhibidores no me iban a dejar, que ningún cine iba a poner una película que estuviera a la vez en plataformas, y yo le dije que íbamos a comprobarlo, que lo intentáramos, y me dijo que lo intentara yo, que estaba loco y que no contara con ellos”. Su socio le dijo que lo cogiera, que era la oportunidad que todo director novel querría, que no fuera kamikaze. No les hizo caso.

Un empresario improvisado

Con la idea todavía en la cabeza decidió hacer su propio “estudio de mercado en Twitter”. Preguntó a la gente si estarían dispuestos a pagar algo menos de dos euros por ver su película online. Se acuerda de la respuesta de la gente y la define como “magia”. El teléfono no dejó de vibrar lleno de testimonios de gente que lo ayudaron a tomar la decisión. Una persona de Almería que tenía que recorrer muchos kilómetros para ir al cine, una familia de cinco hijos que no se podía permitir ir con todos los miembros al cine, una fan de México…

“Vi que se abría un público potencial enorme y que había mucha gente que no podía ir al cine y dije, no tengo nada que perder, esto es un experimento industrial así que vamos a ponernos a ello”. Tenía claro que quería un estreno en todas las plataformas, pero para eso hacía falta un par de salas. Ahí empezó lo que define como “una cruzada”. Llamando sala a sala, dueño a dueño para convencerlos. El primero en decir que sí estaba en Zamora, y con uno en la mano ya fue más fácil poder decir “que ya había cines que habían dicho que sí y que no serían los únicos”. “Había que generar la sensación de que se estaban perdiendo algo”, añade con picaresca.

Pero siempre encontraba alguna nueva piedra en el camino. Para anunciar su locura a los cuatro vientos concedió una entrevista a El País para contar que Carmina o revienta iba a ser “la primera película en estar en plataformas, DVD y salas de cine”. Su sorpresa fue que cuando salió la noticia no se incluía el dato del estreno en salas tradicionales. “Llamé corriendo para ver qué había pasado, y la periodista me dijo que había hablado con Enrique (González Macho) y le había dicho que es que eso no iba a ocurrir, que los cines no me iban a dejar conseguirlo. Me pillé un cabreo del quince y les dije que si no me iban a creer cuando me hacían una entrevista que no me iban a entrevistar más en su vida. Y colgué. Ahora lo pienso y digo, 'dónde vas colgando a El País', que luego se convirtió en uno de los cómplices más grandes, porque ellos vendieron la película junto al periódico y fue como más se vio”.

Allí estaba yo, jugando a los empresarios, yo que hasta ese momento era el Luisma

Paco León — Actor y director de cine

Generar la noticia era “la forma más barata y blanca de hacer promoción”, y ahí comenzó el periplo de Paco León por todos los medios, dando entrevistas y vendiendo un estreno multiplataformas que muchos no querían que ocurriera. También negociando con los exhibidores, entre ellos Yelmo, que no querían poner Carmina o revienta en sus cines pero sí en su plataforma de video on demand, Youzee. “Les dije que iba a estar en todas las plataformas menos en la suya”, cuenta entre risas recordando el órdago lanzado a la empresa: “Les dije que se lo cambiaba por cuatro salas, ellos me dijeron que dos, y yo les dije que vale, pero que las elegía yo y que fueran los Ideal de Madrid y los Diagonal de Barcelona. Allí estaba yo, jugando a los empresarios. Yo, que hasta ese momento era el Luisma”.

Se estaba divirtiendo mucho, pero también reconoce que estuvo “acojonado”. “Esto no sé si debería contarlo, pero me llegaron a decir, no sé si sería verdad, que los exhibidores estaban escribiendo una carta para decirle a los productores que me boicoteasen como actor, y eso me acojonó bastante. Era mi carrera, pero pensé, bueno esto son faroles, sé cómo es la industria y sé que te llaman cuando estás de moda y pasé olímpicamente”. Deja claro que su propuesta no era algo “antisistema”, sino un experimento para ver si era posible hacerse algo así. “Creía que en vez de criminalizar la piratería había que quebrarse la cabeza para hacer más accesible la película, porque nadie pensaba en la señora de Almería que quería ir a cine”, añade.

La ayuda de Filmin

Su cómplice en esta locura fue Juan Carlos Tous, quien confiesa que pensar en esto le hace darse cuenta de que “diez años en internet es una eternidad” y preguntarse qué pasará dentro de diez años. En aquel momento, Filmin era de los pocos que defendían que para contrarrestar a la piratería había que tener disponibles de forma legal las películas y “que las ventanas eran anacrónicas y que no podía haber seis meses entre una y otra”. Era un “entorno agitado”, con mucho debate. Justo el momento en el que se encuentra a Paco León en el restaurante que ambos recuerdan como clave en esta unión. 

“Él estaba convencido de que un estreno Day and date, a la vez en salas e internet, algo que ya se había hecho en EEUU con películas pequeñas, era la mejor oportunidad para satisfacer a un cliente que hacía mucho ruido en las redes sociales y que pedía una disposición de títulos inmediata. Creía que su película podía satisfacer a esta gente y nosotros también y que esto era el futuro. Sabíamos que tarde o temprano iba a llegar de forma masiva para muchos otros títulos”, cuenta Juan Carlos Tous de aquel experimento. Una vez Paco León decide apostar por Filmin, ponen “toda la maquinaria en marcha junto a Cameo”. “Fueron unas semanas excitantes y muy movidas. Yo hablaba con distribuidores de cine y me decían que eso no iba a funcionar nunca, que íbamos a matar al cine, que iba a tener consecuencias negativas… la industria mandaba un mensaje conservador y negativo, pero por redes sociales y el público eran optimistas y vanguardistas”.

También se acuerda de las amenazas. De los comentarios que les decían que si estrenaban en Filmin se olvidaran de llevarla a sus salas o de que las vendieran en su tienda. Para ellos hubo otro reto, el técnico. “Nunca se había hecho algo así, y no sabíamos cuánta gente se iba a conectar, si aguantarían las redes, teníamos una marcha atrás y había pánico. Recuerdo que estaba en un viaje en un hotel y pendiente del móvil, pero todo salió bien y se generó el debate por romper un sistema. Ese debate ha permitido muchas cosas, y creo que fue una puerta para este tipo de películas”, opina.

Fueron unas semanas excitantes y muy movidas. Yo hablaba con distribuidores de cine y me decían que eso no iba a funcionar nunca, que íbamos a matar al cine

Juan Carlos Tous — Fundador de Filmin

Para ellos ese momento es “un hito”, Un acontecimiento marcado en su historia “con letras brillantes y bien destacadas”. Probaron su capacidad, les dio repercusión y mucha presencia en los medios, donde Paco León siempre hablaba de Filmin, lo que “fue un altavoz buenísimo”. También los detractores sirvieron de altavoz de una plataforma que todavía daba sus primeros pasos. Aquel estreno simultáneo les sirvió para que otros productores les propusieran lo mismo, y también para “que la industria abriera los ojos y vieran que eso podía ser bueno para todos”. En definitiva, “fue un salto cualitativo”.

Las cifras que resalta Tous lo dejan claro: “Salimos con 25 cines y llegamos a 105.000 euros de recaudación. En video on demand y Pay per View llegamos a 200.000 euros. En iTunes hubo 6.500 pases. En prensa se vendieron 42.000 copias y Cameo vendió otras 28.000 entre DVD y Blu Ray. Hicimos un informe que presentamos Paco y yo y en el que se estimaba que entre 250.000 y 280.000 espectadores habían visto la película. Paco quería que aquella película se viera cuanto más mejor. Era una película fresca, donde mostraba sus dotes como director, y el objetivo era que se viera”. 

Paco León también tiene claro que “el experimento salió bien”, y ahora mira al pasado encantado de que su nueva película vaya a tener un estreno en muchas plataformas sin que nadie lo cuestione. Aquella aventura le hizo aprender muchísimo, sobre todo de marketing, y recuerda uno de sus hitos: “Ese mismo año se estrenó Lo imposible, en cuyo equipo estaba Sandra Hermida, con quien luego yo he hecho todo. Un día comparamos los impactos de comunicación de las películas. Ellos gastaron un millón de euros. Nosotros casi nada. Tuvimos los mismos impactos en notoriedad. Eso me parece un golazo”. Nadie pensaba que un actor que saltaba a la dirección y de la mano de una plataforma podrían anticipar lo que estaba por venir, pero ahora está claro que vieron el futuro mejor que nadie.

“Es imperdonable haber romantizado una violación sistemática”, ha escrito el actor y director Paco León en su cuenta de Instagram. Se refiere a una escena de la película Kiki, el amor se hace, que rodó en 2016 y que entrecruzaba varias historias de filias sexuales. La parte en cuestión muestra a un hombre que droga a su mujer para mantener relaciones, “por supuesto sin su consentimiento”, matiza el cineasta. “Siento mucho no haber tenido en ese momento la sensibilidad para tratar el tema y haber frivolizado con él”, continúa León.

La película de Paco León es un remake de la australiana The Little Death (2014), dirigida por el debutante Josh Lawson. La crítica española la diferenció de aquella por explotar un perfil más cómico y extravagante. Aunque, en el fondo, trataban de lo mismo: de las parafilias sexuales de una serie de desconocidos. De hecho, la de Lawson también incluye varias escenas alrededor del imaginario de la violación.

“Una noche, mientras se mete torpemente en la cama, Maeve le informa a Paul de que le gustaría que la violara, un malentendido que se resuelve con risas incómodas. Es su fantasía, le explica, pero no querría saber con certeza que es Paul si realmente sucede ni cuándo. La noción equivocada de la violación como fuente de placer sexual, en lugar de acto de agresión, mancha constantemente esta línea argumental”, escribió la crítica Christy Lemire en el prestigioso portal cinematográfico de Roger Ebert, donde suspendieron a la película.

En España, la crítica aplaudió casi de manera unánime a Paco León y a su Kiki, el amor se hace. Estuvo nominada a cuatro premios Goya, incluido el de Mejor guion adaptado, aunque finalmente no se hizo con ninguno. Una de las pocas reseñas que puntualizó las sombras de la película fue la que escribió la periodista Desirée de Fez para el periódico El Español.

“Aun así, Kiki, el amor se hace tiene sus problemas”, reconoce la crítica. “Algunos son leves, como la escritura histriónica de personajes y diálogos. Otros, más graves. Es el caso de la historia del cirujano plástico al que da vida Luis Bermejo. No hay por dónde cogerla. El humor, más desafortunado que negro, no funciona y la resolución del relato es muy dudosa. El toque romántico que tan bien le viene al resto de las historias a ésta le sienta como una patada”.

Cinco años más tarde, el director se da cuenta de su error. “No es fácil reconocer que metiste la pata en el pasado ahora que no viene a cuento. Pero sí que viene a cuento. Que todos tenemos una responsabilidad con lo que hacemos y los valores que transmitimos. Y que con la mejor de las intenciones te das cuenta de que tú también estás colaborando con la cultura de la violación”, expresa en Paco León en su post.

No es la primera vez que un producto cultural refleja la violencia sexual como romántica. En algunos, la violación actúa como línea argumental para mostrar el horror y las secuelas que produce en las víctimas; pero en ocasiones estas escenas se banalizan o se añaden únicamente como elemento morboso (como las violaciones en Juego de Tronos que en la historia original eran sexo consentido). Este último caso es el de Kiki, el amor se hace. “Me avergüenzo de ello y agradezco a las personas que me lo han hecho ver. Prometo seguir trabajando y aprendiendo”, concluye León.

¿Se puede contar una historia fresca y con toques cómicos ambientada en tiempos difíciles? Aquí en España estamos muy acostumbrados a tomarnos las cosas que nos pasan en la vida, vengan bien o torcidas, afortunadamente, con humor. Puede que sea un mecanismo de defensa, pero nos sirve y mucho. Nuestro cine clásico está plagado de ejemplos, como El verdugo, El pisito o La vaquilla; la televisión también, como es el caso de la reciente Arde Madrid. Pero antes de adentrarnos en la serie, deberíamos hablar brevemente de su director.

Paco León conquistó a muchos cinéfilos con sus primeras y personales películas, Carmina o revienta y Carmina y Amén. En los dos filmes, protagonizados por su madre y musa, Carmina Barrios, hay momentos que ya forman parte de nuestras retinas como espectador. Para mí, particularmente, la escena del monólogo de Yolanda Ramos, a solas con Carmina, hablando de sus experiencias sexuales en Carmina y Amén se ha quedado grabado a fuego en mi memoria fílmica.

El cineasta sevillano sorprendía a muchos con sus primeros trabajos como director. Cierto es que el público, en general, tenían al cineasta ubicado como actor y su salto a la dirección resultó, cuanto menos, refrescante. Tardó poco en conquistarnos con su estilo personal, ameno, sencillo, directo… y muy de barrio muy de barrio(lo dice uno al que Carmina le recuerda su abuela, que fue muy grande).

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Afortunadamente, la ficción se adelantó a la realidad más de un lustro. En Carmina y amén, Paco Casaus, que interpretaba al marido de Carmina, moría en los primeros minutos de metraje. El fallecimiento desencadenaba todo ese universo de humor irreverente que con tan buen ritmo marca Paco León, director de Carmina o revienta y la mencionada secuela.

Francisco Casaus ha fallecido este 27 de diciembre de 2019. Así lo comunicaba su hijo, Juan Antonio Casaus García este viernes: “Hoy falleció Paco Casaus (Francisco Casaus Larinto). Mi padre. Era conocido por otros muchos nombres, como 'El burraco', 'El poeta loco' o 'Gran Boca Pelada', entre otros”.

A la familia Casaus García le unía una amistad imperecedera con la familia León Barrios. Esa amistad quedaría sellada, artísticamente hablando, en las dos películas de su ahijado, Paco León.

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No, ‘Arde Madrid’, no es una comedia extremadamente rupturista en España, pero es cierto que poco a poco las comedias españolas empiezan a explorar otros caminos. En ese sentido, la serie creada por Paco León (‘Kiki, el amor se hace’) y Anna R. Costa (‘Ventdelplà’) para Movistar, tiene un punto muy especial. Ambos creadores viajan al Madrid de los años 60 para mostrar su visión socarrona y picante del costumbrismo franquista a través de los ojos de Ava Gardner (Debi Mazar).

La decisión artística de narrar los ocho episodios en blanco y negro, no hacen nada más que constatar el énfasis de Paco León y Anna R. Costa en trasladar al espectador a aquellos años de franquismo, tradición, encaje y bolillo. Un costumbrismo rancio que poco a poco se resquebrajaba gracias a los vientos de libertad y modernidad que entraban desde el exterior y que resultarían imparables para el régimen. Entonces, aquella 'dolce vita' madrileña de los años 60, se convirtió en todo lo que el franquismo odiaba, pero que debía permitir.

En la casa de Ava Gardner, a modo de Caja de Pandora para el régimen, se desarrollan las fiestas más salvajes y glamurosas de Madrid, de esas que duran hasta el amanecer; incluso molestaban diariamente a sus vecinos Juan Domingo e Isabel Perón recién exiliados de Argentina. La vida de Ava, antítesis de la España franquista, se desarrolla entre la libertad, sexualidad y derroche.

Para espiar los “malos” hábitos de Ava Gardner y, de paso, descubrir a algún anarquista o comunista se infiltra Ana Mari (Inma Cuesta), una instructora católica, apostólica de la Sección Femenina, reconvertida en criada de la diva de Hollywood. Junto a ella, su “marido” Manolo (Paco León), un buscavidas y vividor, que llegará a comerciar con las bragas usadas de la actriz. También se encontrará la jovial e inocente Pilar (Anna Castillo), tan poco preparada para la vida como los problemas que se le vienen encima.

'Arde Madrid’ se aleja de ser una crítica extremadamente ácida sobre el franquismo. En mi caso, era lo que esperaba. Sin embargo, el relato explora ese camino, pero de otra forma bien distinta. Paco León y Anna R. Costa toman la opción más socarrona y paródica, con pequeñas gotas surrealistas para satirizar y reírse de las cataduras morales y éticas del propio régimen. Esto se mantiene siempre latente durante el desarrollo de la temporada, aunque realmente lo que espolea la serie es la historia de Manolo, Ana María y los gitanos, que no termina de tener la fuerza, desarrollo e interés suficiente.

Sin embargo, la serie gana en ese camino de mostrar y exprimir de la forma más absurda posible la moral, ética y valores del franquismo. En representar todo lo que el régimen odiaba, pero que a la vez muchos anhelaban, envidiaban y suspiraban en secreto. Dos mundos opuestos: modernidad y libertad versus inmovilismo franquista. Ana Mari y Manolo representa a esa España inmersa en la censura, la moral católica, la picaresca y la represión, mientras que Ava Gardner es el glamour, fiestas y la libertad sin cortapisas.

El retrato se mueve entre la sátira y el drama costumbrista, como ya hiciera Paco León en ‘Carmina o revienta’ o ‘Carmina y amén’. En este caso, el papel de la mujer se antoja como el más importante dentro de ‘Arde Madrid’ por esos personajes femeninos tan fenomenales y, sobre todo, por la representación de la libertad sexual femenina al más estilo particular del creador. Algo de lo que nunca sobra hablar.

El reparto -incluidos los cameos- se antoja soberbio comenzando por Debi Mazar, con lo que supone dar vida a Ava Gardner, pasando por Inma Cuesta, en un papel a su medida, y terminando por la gran Anna Castillo.

‘Arde Madrid’ ha resultado ser una primera y agradable propuesta televisiva de Paco León y Anna R. Costa. Sin ser perfecta, la serie supone un pequeño soplo de aire fresco para la televisión y se suma a otras propuesta diferentes como ‘El fin de la Comedia’, ‘Mira lo que has hecho’ y próximamente ‘Vota Juan’. La serie se encuentra disponible en Movistar.

01:30.- Las 'midterms' americanas y Hollywood. Conexión con Alejandra Musi, corresponsal de 'El Universal' en Nueva York

15:45.- 'Arde Madrid'. Entrevista con Paco León y Anna R. Costa

28:55.- 'Lo que tienes que saber', con Bernardo Pajares

39:10.- 'Observatorio en Bremen', con Janina Pérez Arias

41:35.- Más estrenos de cine. Incluye entrevista con Alice Rohrwacher por 'Lazzaro Feliz'

47:50.- Más estrenos de series

51:00.- 'Tu hijo'. Entrevista con Miguel Ángel Vivas y Pol Monen

01:07:55.- 'Palillos en los ojos'. Hoy, 'La primera purga'

Arde Madrid es la primera serie de Paco León. Uno de los actores y directores más divertidos y transgresores del panorama presenta la historia de una solterona coja, un chófer buscavidas y Ava Gardner en el Madrid de los 60.

Aquella época la conoce bien el protagonista de Francoland, un dictador que es exhumado con la ayuda y el humor de Pepe Macías. Gamberras y divertidas son las mujeres que reinan en El Debatuiter: Marta Flich, Eva Soriano y Virginia Riezu.

Y la banda revelación de la temporada, Carolina Durante nos transporta del Madrid postfranquista al actual.

Aquí puedes ver el monólogo inicial de Javier Gallego Crudo en vídeo:

Carne Cruda cumple 10 años gracias a sus oyentes Ayúdanos una temporada más. ¡A por la décima!

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A la comunidad trans la lucha por ocupar nuestro espacio en la pequeña y gran pantalla nos ha cogido un poco por sorpresa debido a que se trata de un mundo donde hasta hace poco éramos simples objetos de burla constante

Hace una semanas Scarlett Johansson anunció que iba a ser la protagonista de la película Rub and Tug, en la cual iba a interpretar a un hombre transgénero. Cuando se hizo pública la noticia la comunidad trans reaccionó con indignación ante este hecho, mientras el resto de la sociedad no comprendía esta oleada de críticas constructivas. Hoy quiero intentar explicar el por qué de estas críticas y por qué los personajes trans de series y cine deben ser interpretados por personas transgénero.

Para empezar debemos comprender que la situación que viven las actrices y actores trans es muy precaria pues reciben muy pocas oportunidades laborales, la mayoría de las cuales giran a encasillarlos en personajes trans, limitando y dañando su carrera en el mundo del cine. Partiendo de esto es normal que la comunidad de actores trans, la cual nunca recibe ofertas para interpretar a personajes cisgénero (persona que no es trans), se indigne cuando una persona cis interprete a un personaje trans.

Scarlett Johansson ha renunciado a la película. En una entrevista ha reconocido sus errores y ha compartido la idea de que el papel que le fue concedido debe ser interpretado por una persona trans, así como ha deseado que en el futuro la situación de las personas trans cambie.

Lejos de estas nobles palabras tenemos la actitud del actor español Paco León, el cual también fue criticado debido a que va a interpretar a una mujer trans en una nueva serie. Su reacción, lejos de asemejarse a la de Johansson, se basó en torpes explicaciones y una serie de lamentables tuits en los que demostraba no conocer absolutamente nada sobre la vida y situación de las personas transgénero.

Quizás Paco León debería ver cómo reaccionan los espectadores al hecho de que una mujer trans sea interpretada por un hombre, pues seguramente ocurra el mismo lamentable hecho que cuando fui al cine a ver la Chica Danesa. Durante la proyección de esta película hubo una sonora carcajada cuando la protagonista salió vestida por primera vez de mujer. Esto se debe a que la protagonista, Lili Elbe, estaba interpretada por un hombre. A los ojos de los espectadores esto sólo reforzó la idea de que las personas trans somos gente disfrazada del género contrario, algo que nos deshumaniza totalmente y nos convierte en objeto de burla constante.

No está todo perdido. A la disculpa pública de Scarlett Johansson debemos añadir que actualmente existen series como Pose, protagonizada íntegramente por cinco mujeres trans. A la comunidad trans la lucha por ocupar nuestro espacio en la pequeña y gran pantalla nos ha cogido un poco por sorpresa debido a que se trata de un mundo donde hasta hace poco éramos simples objetos de burla constante. Pero debido a su gran influencia en la sociedad no podemos descuidar esta parte de la lucha.

Los títulos de crédito dejan paso a una obra de teatro. Una puesta en escena sobre un único escenario: cuatro socios de una empresa de informática se someten, durante una noche, a un extraño proceso de mediación para elegir a la persona que pasará los próximos siete años en prisión. Todos son culpables de haber cometido un fraude fiscal de altos vuelos y todos lo tienen muy claro: solamente uno expiará la culpa corporativa. ¿Pero quién? El director general (Alex Brendemühl); la directora financiera (Juana Acosta); el director comercial (Juan Pablo Raba) y el genio informático, que en su momento, hizo ricos a sus colegas (Paco León) son los personajes que están sobre el tablero de juego. Entre todos, han de encontrar una solución a contrarreloj. Más les vale. El fisco les está pisando  los talones.

'7 años' es una película de suspense cuya tensión se aventura a recorrer unos diálogos cercanos, reales, pero acerados y llenos de mala baba. Unos diálogos capaces de saltar, a degüello, de un tema sangrante a otro, para poner de relieve las miserias, las debilidades, las pasiones, los golpes bajos y las heridas abiertas de los cuatro socios. Este espectáculo, minuciosamente orquestado por el director Roger Gual ('Smoking Room'), cuenta con algunos buenos cómplices entre sus intérpretes protagonistas, aunque también con alguna puesta en escena, por momentos, irregular. Quizás sea este el único punto débil de una buena y esmerada producción.

La película comienza a funcionar porque ejerce un “efecto flechazo” sobre el espectador en los primeros minutos de metraje. El planteamiento resulta original y engancha. Genera intriga por el contraste que pone en escena: los protagonistas aceptan someterse a unas civilizadas reglas del juego, un proceso de mediación, para solucionar un asunto visceral, donde lo que prima es el instinto de supervivencia. Un conflicto repleto de asuntos pendientes, algún que otro recuerdo entrañable y un puñado de malentendidos, de esos que acaban ‘sucediendo’ en una vieja amistad.

Esta primera película original española de la plataforma de contenidos online Netflix se realizó en 17 días rodando planos secuencia de manera cronológica. Durante la última jornada, Gual volvió a grabarla al completo. Una forma de trabajar que ha contribuido a la creciente intensidad emocional que recorre el proceso de mediación. La película, además, se está emitiendo simultáneamente en 190 países. Un alcance  universal para un dilema ético que no entiende de fronteras. Se puede ver en lugares donde cualquier hijo de vecino puede reconocer el conflicto que mantienen los personajes así como la lacra social que evidencia. Una corrupción que es el signo de los tiempos y que, desgraciadamente, dejó en algún momento de escandalizarnos produciéndonos una recurrente melancolía.

La película ha escrito una nueva página en la historia de la distribución cinematográficaespañola. Sin embargo, la receta que la convierte en una buena y entretenida producción no deja de ser todo un clásico. Su fuerza reside en un  guion que está lleno de giros y golpes de efecto eficaces (hay cine del bueno concentrado en su ADN). Está firmado por José Cabeza y por Julia Fontana y tiene la virtud de convertirse en un eficaz bisturí que pone al descubierto las contradicciones y la vileza en las que puede llegar a enfangarse el ser humano en una situación límite.

Además, cuenta con el talento suficiente como para  provocar al espectador y obligarle tomar partido por uno u otro candidato a la trena. Le acompaña una cámara con una fuerte personalidad. En constante movimiento, como una fiera enjaulada, que imprime un ritmo nervioso, pero que no abandona una diplomática cadencia. Una cámara que señala a uno y a otro protagonista como si fuera un dedo acusador al que se le agota la paciencia.

Estrenar una película exclusivamente en Internet y que no pase por los cines ya no es el futuro, es el presente. Y con la llegada hace un año a nuestro país de Netflix, el gigante del VOD nortamericano, era cuestión de tiempo que anunciasen producciones propias que no se verán en la gran pantalla.

El primer proyecto en España fue a caer a las manos de Roger Gual, un realizador cuyo primer largometraje, con el que 7 años comparte el tono, mereció el premio a Mejor Guión en el Festival de Málaga, Mención Especial del Jurado en Karlovy Vary y Mejor Dirección Novel en los Goya de 2003. Se trataba de Smoking Room, una eficaz sátira socio-política que hablaba de una realidad española previa a la crisis de un vacío moral totalmente definitorio.

Remake y Menú degustación, sus siguientes filmes, ampliaban horizontes en cuanto al mero plano formal: la primera ataba mentalmente a los personajes a una masía, aunque el espacio cambiase. Y la segunda los llevaba hasta la cena en un restaurante de lujo, con resultados más que cuestionables según la crítica.

Parece que el ensayo y error le ha llevado hasta 7 años, un thriller en un único espacio que es la excusa perfecta para sacar la verdadera psicología de unos personajes perversos pero creíbles. Una película cuya principal habilidad es sacarle jugo a su vuelta de tuerca: si en Doce hombres sin piedad se buscaba al verdadero asesino, y en La Soga un cadáver en un arcón, en 7 años se busca a la persona más conveniente para ser señalada como culpable de un delito.

Cuentas en Suiza, cloacas en España

7 años cuenta la historia de cuatro amigos y exitosos emprendedores que fundaron una empresa de nuevas tecnologías y aplicaciones digitales hace años. Un día, se reúnen y se encierran en su oficina: la UDEF les ha pillado desviando fondos a un paraíso fiscal y va a por ellos. Para que no terminen los cuatro con sus huesos en la cárcel, uno de ellos debe asumir las responsabilidades. Así que tienen que decidir, entre los cuatro y por consenso quién va a pasar siete años de su vida en prisión.

“Pasa pocas veces que llegue a tus manos un guión que no puedas parar de leer”, nos cuenta el director de la película, “pero el material de partida era genial y supimos ver que había una gran historia”, dice Gual. Si conseguía financiación volvería al punto de partida que le reveló como cineasta: meter a unos personajes de arquetipos predeterminados en un solo espacio, para ir desmontando dichos arquetipos pieza por pieza. 

El resultado empieza siendo una batalla dialéctica en la que, durante su tedioso arranque, ninguno de sus actores parece realmente convincente. Pero eso es porque aún cumplen los roles que aparentan: cuando los trapos sucios empiezan a salir, las acusaciones desnudan psicológicamente a todos ellos hasta dejar sus oscuros secretos a la vista del público. “Todos los actores aportaron al guión. Yo siempre digo que un guión es una herramienta de trabajo, no un objeto que haya que idealizar, sirve para leerse durante el rodaje y se puede cambiar e incluso romper”, defiende Roger.

“Siempre pretendo no forzar las situaciones, es decir, no convertir a un actor en un personaje, sino dejar que el personaje se acerque al actor. De esa manera, tras algunos ensayos, ellos mismos comprendían y captaban cosas que a nosotros se nos escapaban”, explica el realizador catalán.

La limitación del espacio puede ser, para muchos, una imposición insuperable, pero para otros no es más que otro método para insuflar energía a la narrativa. Roger defiende que para rodar, su método le funciona: “Cada maestrillo tiene su librillo. Antes de rodar definimos la situación que escenificamos y cuando grabo, lo hago siempre en planos secuencia para que los actores estén en situación constantemente”, explica.

En 7 años, los grandes empresarios que defraudan y evaden pagan un alto precio. El delito económico revela la verdad: quienes pensabas que eran tus hermanos, tu familia, te apuñalarían por la espalda si de ello dependiese ahorrarse la cuchillada para sí mismos.

Aún así, Roger Gual no tiene claro que en nuestro país quien la haga la pague. “Creo que se está demostrando que no”, dice resignado. “Es así, no es una opinión: abres el periódico y ves que la impunidad es norma. Yo creo que la película da que pensar en este sentido, y si sirve para que pensemos en cuáles son nuestros valores morales y en porqué defendemos lo que defendemos, habrá cumplido su objetivo”, sentencia. “Vivimos y nos movemos en base a los principios éticos que nos han enseñado, pero hay algo más. Algo oculto. La gente debería preguntarse qué es”.

Este año el Festival celebra su decimoctava edición y su objetivo sigue siendo el mismo que cuando nació, el de favorecer la difusión y promoción de la cinematografía española. Además de premios y de galas, este evento incluye ciclos, exposiciones y numerosas actividades paralelas de formación e innovación en el cine.

El Premio Málaga Sur este año irá para Antonio de la Torre. Isabel Coixet y Kiko de la Rica recibirán el Premio Retrospectiva y el Premio Ricardo Franco, respectivamente. Campanadas de medianoche, de Orson Welles recibirá el Premio de Película de Oro.

Este fin de semana se han presentado películas como Palmeras en la nieve, dirigida por Fernando González y protagonizada por Mario Casas y Macarena García. Matar el Tiempo, protagonizada por los hermanos Yon González y Aitor Luna, fue uno de los estrenos más esperados, esta cinta compite en la sección oficial por la Biznaga de Oro.Las protagonistas de Cómo sobrevivir a una despedida acapararon casi todos los flashes de la prensa a su llega y el film Todos tus secretos inauguró la zona de Zonazine.

Este año se han inscrito 1.174 obras, de las cuáles se han seleccionado 178 para competir en las distintas secciones del festival. Entre ellas hay 32 películas españolas frente a 13 latinoamericanas, 84 cortometrajes y 45 documentales, más 4 filmes que se presentan en la sección “Afirmando los derechos de la mujer”.

Paco León recibe el Premio Póstumo a su carrera... en vida

Anoche se celebró una gala en homenaje al actor y director Paco León, quien recogió el Premio Eloy de la Iglesia, recibiendo así el primer premio póstumo que se entrega a un artista en vida. La Terremoto de Alcorcón y Canco Rodríguez han sido los encargados de dirigir esta especial velada en la que, antes de entregar el premio, se enumeraron las últimas voluntades del “fallecido”, peticiones como “que se baje el IVA cultural antes que muera otro actor” y “que se abra una sucursal del chiringuito malagueño El Tintero en cada provincia”.

Sobre su relación con el Festival de Málaga, ha dicho que es “un idilio en toda regla”, desde que Carmina o revienta le pidió “salir y dijo que sí”. “Pido en matrimonio al Festival de Málaga y, prometo respetarlo y honrarlo en la salud y en la enfermedad, todos los días de mi vida, hasta que la muerta nos separe”, declaró Paco León durante la celebración del acto, según recoge EFE.

El próximo 26 de abril se celebrará una maratón en el Cine Albéniz en que se proyectarán las películas que han resultado ganadoras en las diferentes categorías.

Carmina y Amén

Carmina y AménDirector: Paco León

País: España

Intérpretes: Carmina Barrios, María León, Paco Casaus y Yolanda Ramos,

Paco León ha demostrado con creces ser la antítesis del personaje que ha hecho las delicias de los seriéfilos, el Luisma. El carisma y la indocilidad fueron marca de la casa en su debut como cineasta con Carmina o revienta, con la que además descubrimos que le vienen de familia. Si hace unos años hicimos lo propio con su hermana María en la conmovedora La voz dormida, en 2013 enmudecimos ante la torrencial madre del artista. Ahora, al talento inquietante, castizo y desmedidamente natural de su sello se le une el beneplácito de grandes productoras como Telecinco Cinema, Mediaset y Canal +.

Carmina y amén ha hecho historia en el cine español con su preestreno masificado y libre un día antes del lanzamiento de la cartelera. Podría parecer que León ha hecho lo que le ha venido en gana y se ha puesto las reglas no escritas de la distribución por montera. Pero la realidad es que ha contado con el apoyo de los exhibidores y productores para dar una previa gratuita en 125 salas y no perder el espíritu independiente que promovió con la anterior. Recordemos que la primera de las “Carminas” se estrenó simultáneamente en las salas de cine, en DVD, en canales de pago de televisión y en plataformas digitales. También conviene acordarse del pasado festival de Málaga, donde este vodevil de velatorio se llevó bajo el brazo dos de los premios principales.

Aprendiz de gigoló

Aprendiz de gigolóDirector: John Turturro

Intérpretes: John Turturro, Woody Allen, Sharon Stone, Sofía Vergara y Vanessa Paradis

País: EE.UU

En V.O: Fading Gigolo

El director de origen italiano homenajea en su última cinta a los tres genios modernos de la cinematografía americana. Por un lado a los Coen, con ese cariz extravagante que buscaban los hermanos en sus comedias burguesas, y por el otro a Woody Allen con la práctica totalidad del metraje. Un disparate ambientado en los suburbios de la gran manzana y que protagoniza el propio cerebro de la película, lo que es una referencia total al famoso retratista de Nueva York.

En Aprendiz de gigoló encontramos a dos amigos que por motivos económicos deciden probar suerte en el mercado de la prostitución. Pero el par de cineastas no se embarcará solo en esta aventura, pues han fichado a un trío de extraordinarias -Vergara, Stone y Paradis- que demuestran tener algo más que curvas y mucho sentido del humor. Partiendo de esas premisas, encontramos una ironía menos elegante que la de Allen y unos chistes que, por exigencias del guión, se quedan en las lindes de lo escatológico.

Divergente

DivergenteDirector: Neil Burger

Intérpretes: Shailene Woodley, Theo James, Kate Winslet, Tony Goldwyn y Ray Stevenson

País: EE.UU

En V.O: Divergent

Tras una gran guerra, el mundo se ha dividido en cinco fracciones que representan a la Osadía, la Abnegación, la Verdad, la Cordialidad y la Erudición. El caos se desatará cuando la joven y mojigata Beatrice descubra que es una divergente y que puede pertenecer a más de una de estas comunidades. Las producciones que se centran en las nuevas camadas de guerreros adolescentes se repiten y esta en concreto emana un sospechoso tufillo a Los juegos del hambre

Por si las coincidencias no fuesen suficientes, además esta historia de aventuras es tan solo la primera parte de una trilogía basada en las novelas de Veronica Roth. Summit Entertainment y su autora ya tienen pensado sacarle tajada, por una parte poniendo en marcha la segunda entrega, Insurgent, y por la otra, editando un tercer libro llamado Allegiant, que se rodará en dos partes. Ante esta falta de alicientes, resulta necesario destacar al director, al que reconocemos por grandes cintas como El ilusionista, y a la británica más rentable de Hollywood, Kate Winslet.

La muerte ronda a Carmina desde el cartel de su próxima entrega. En él aparece la actriz y matriarca de la familia León recortada dentro de una corona funeraria, de la que salen cigarrillos, coronas de virgen o el periquito Bárcenas. Una clara alusión a que el director, aparte de hablar de la idiosincrasia sevillana, no se olvidará del momento actual que vive este país en 'Carmina y amén', que se estrena este miércoles tras haber pasado, y con dos premios, por el Festival de Málaga de Cine Español.

“Me he sentido como Ángel Cristo domando a tanta leona”, definió el director en Málaga la experiencia de trabajar de nuevo con su madre, hermana y media familia. Al reparto de 'Carmina y amén', protagonizado por Carmina Barrios, María León y Paco Casaus, se han unido otros miembros de la familia León-Barrios, además de actores profesionales como Yolanda Ramos, Estefanía de los Santos o Manolo Solo. La película narra cómo Carmina, tras la súbita muerte de su marido, convence a su hija María de no dar parte de la defunción hasta pasados dos días y así poder cobrar la paga doble que él tenía pendiente. Durante esos dos días esconden el cadáver y disimulan su duelo en la cotidianidad de un bloque de pisos de un barrio humilde de Sevilla.

Pedro Almodóvar sobrevoló el ambiente del pase de la película en Málaga por varias razones: la de una escena de Carmina en moto que es un homenaje claro a la de Julieta Serrano en 'Mujeres al borde de un ataque de nervios', una imagen icónica del cine de los 80; y la banda sonora de trompeta que acompaña una secuencia del filme inspirada en otra de '¿Qué he hecho yo para merecer esto?'. León hereda de su hermano mayor manchego la osadía, la autoría y el surrealismo de trasladar historias a la pantalla desde lo más cercano: el bloque de vecinos. En uno de Sevilla vivió Paco de pequeño y ese micromundo, en el que la realidad puede superar cualquier ficción de sexo, drogas y violencia, se plasma en una segunda película que suma varios grados de cine a aquel experimento llamado 'Carmina o revienta'. Muchos en Málaga han sumado hoy más inspiraciones a la película como 'Cinco horas con Mario' de Delibes o el spaguetti western, a lo que Paco añade a su admirado Bill Viola en la escena del entierro.

Además de todo eso, 'Carmina y amén' es cine social sin pretenderlo y acaba convirtiéndose en una radiografía del momento actual en España, en la que aparecen asuntos como la inmigración, las tasas universitarias, los desahucios y hasta los problemas de la monarquía. Incluso la Duquesa de Alba estuvo a punto de hacer un cameo al final de la película, pero un problema de salud se lo impidió.

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“Pedro Almodóvar es carminista”. La sentencia es de Paco León, quien se ha vuelto a vestir su traje de director este sábado en el Festival de Málaga de Cine Español para presentar 'Carmina y amén', una película que cierra un díptico y que ha arrancado carcajadas, emoción y aplausos en una abarrotada sesión para la prensa en el Teatro Cervantes, como nunca se había visto en 17 ediciones. “Me he sentido como Ángel Cristo domando a tanta leona”, ha definido el director la experiencia de trabajar de nuevo con su madre, hermana y media familia.

Almodóvar ha sobrevolado el ambiente de la sala por varias razones: la de una escena de Carmina en moto que es un homenaje claro a la de Julieta Serrano en 'Mujeres al borde de un ataque de nervios', una imagen icónica del cine de los 80; y la banda sonora de trompeta que acompaña una secuencia del filme inspirada en otra de '¿Qué he hecho yo para merecer esto?'. León hereda de su hermano mayor manchego la osadía, la autoría y el surrealismo de trasladar historias a la pantalla desde lo más cercano: el bloque de vecinos. En uno de Sevilla vivió Paco de pequeño y ese micromundo, en el que la realidad puede superar cualquier ficción de sexo, drogas y violencia, se plasma en una segunda película que suma varios grados de cine a aquel experimento llamado 'Carmina o revienta'. Muchos en Málaga han sumado hoy más inspiraciones a la película como 'Cinco horas con Mario' de Delibes o el spaguetti western, a lo que Paco añade a su admirado Bill Viola en la escena del entierro.

Además de todo eso, 'Carmina y amén' es cine social sin pretenderlo y acaba convirtiéndose en una radiografía del momento actual en España, en la que aparece asuntos como la inmigración, las tasas universitarias, los desahucios y hasta los problemas de la monarquía. Incluso la Duquesa de Alba estuvo a punto de hacer un cameo al final de la película pero un problema de salud se lo impidió.

La secuela de la primera incursión de Paco León como director explora los límites entre la comedia y el drama, experimentando con un lenguaje más ficcionado sin perder la autenticidad de los personajes y situaciones, “condesando lo mejor del cine español”, tal y como han piropeado al director en Málaga.

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