La consejera de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, Patricia del Pozo, junto con el director general de Hospital Virgen Macarena, Miguel Ángel Colmenero, y otros gerentes del proyecto, han inaugurado este martes la exposición ‘El Signo Tangible’, en la que se presentan al público por primera vez en décadas seis tablas restauradas correspondientes al conjunto iconográfico del retablo mayor de la iglesia del Hospital de San Lázaro de Sevilla. La exposición estará abierta al público hasta el 27 de febrero de 2027. Además, ha querido agradecer la iniciativa de las entidades que han hecho posible este proyecto, como son la Fundación la Caixa e Hidralia, y también Autismo Sevilla y la ONCE.

Las obras conservadas de Pedro de Villegas y Juan Chacón han pasado por un proceso de restauración acometido por el Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico (IAPH). El trabajo de conservación se ha estructurado en tres fases, como ha explicado Del Pozo. En primer lugar, la redacción del proyecto científico-técnico, en la que se ha detallado el objetivo del mismo y dónde se quiere llegar con esta intervención. La segunda fase se dedica a la conservación, es decir, la restauración de las obras realizadas por parte de los expertos del IAPH. Finalmente, la tercera fase corresponde a una propuesta metodológica para la conservación futura de los bienes que acaban de ser restaurados. A esto, añade la consejera, hay que sumar el proceso previo, muy delicado, de retirar esas tablas del retablo de la Iglesia de San Lázaro. También han pasado por un proceso de restauración dos esculturas que no se exponen en la muestra. 

El proceso técnico de este proyecto ha consistido en la recuperación de las policromías originales ocultas, la reintegración de su cromática original y además se han realizado intervenciones de consolidación y refuerzos estructurales de las piezas. La intervención ha sido acompañada de estudios científicos para profundizar en el conocimiento material de las obras, así como su proceso histórico de alteración. 

La novedad de esta exposición es que se ha hecho accesible para todos los públicos. Todas las muestras incorporan recursos fáciles, audiodescripción, braille para personas que tienen dificultad visual, para que también puedan disfrutar de la exposición. 

Además de mostrar las piezas, se hace un recorrido por la historia y la arquitectura del Hospital de San Lázaro, así como el encargo del retablo, el proceso de creación de las seis tablas y el proceso de recuperación pictórica de las mismas, que corresponden al siglo de oro de la pintura sevillana. 

Por su parte, el gerente del Hospital Virgen Macarena ha querido resaltar el doble objetivo de la restauración de la capilla de San Lázaro. Por una parte, la idea de tener un centro cultural en la planta baja del edificio en el que se puedan hacer eventos de todo tipo. Por otra, la planta de arriba sería un centro de innovación y de ciencia. 

Además, en representación del proceso técnico del proyecto, José Luis Gómez Villa, jefe de intervención del IAPH y comisario de la exposición, ha presentado la muestra como “inconformista”. Esto quiere decir que además de la contextualización temporal, material, histórica y cultural; así como la respectiva capacidad técnica y tecnológica del proceso; la exposición da un paso más en cuanto a recursos de accesibilidad tanto física, como cognitiva y sensorial para el disfrute de todos. 

Sobre la posible rehabilitación De la Iglesia de San Lázaro

Ante la incertidumbre sobre el estado de la capilla de San Lázaro, Del Pozo ha explicado que están en búsqueda de financiación y en conversaciones con el consejero de Salud, Emergencia y Presidencia, Antonio Sanz, sobre el futuro de este proyecto que ya ha comenzado con la restauración de estas tablas. Además, ha terminado la intervención arqueológica necesaria para poder llevar a cabo cualquier tipo de redacción del proyecto de restauración de la Iglesia. “Esta actuación ha dejado datos muy importantes sobre la historia y evolución del hospital más antiguo de Europa que actualmente está en funcionamiento”. Asimismo, añade que la actuación ha dejado datos, desconocidos hasta el momento, muy importantes relativos a las distintas etapas constructivas del templo, desde su origen mudéjar hasta la importante reforma experimentada por la iglesia en el año 1843. Se han documentado y localizado elementos necesarios con la arquitectura, el entorno y conservación del edificio.

Santander entregará este miércoles 28 el Premio del Festival de Artes Performativas 'Plataforma' 2026 a la bailarina y coreógrafa, Elena Córdoba, en reconocimiento a su trayectoria artística, su contribución a la renovación de la danza contemporánea española y su constante labor de investigación en torno al cuerpo y el movimiento.

La entrega tendrá lugar a las 20.00 horas, en Escena Miriñaque, al finalizar la representación de 'Cuentos de piel y de huesos. Cuento 1. Las apariencias no engañan', una nueva creación que Elena Córdoba presentará en estreno absoluto dentro de la III edición del festival.

La concejala de Cultura, Noemí Méndez, se ha referido a Córdoba como “una de las figuras fundamentales de la danza contemporánea independiente española”, cuya trayectoria representa la experimentación, la investigación artística y la apertura de nuevos lenguajes escénicos.

La concejala ha explicado que el galardón consistirá en una obra original del creador santanderino Quique Ortiz concebida como homenaje a una famosa acción de Marina Abramovic, artista serbia de reconocimiento internacional y una de las figuras más influyentes del arte de la performance.

La pieza, titulada 'S/T' (2026), está realizada en acrílico y serigrafía sobre lienzo.

Con la concesión del Premio Plataforma 2026 a Elena Córdoba, el festival da continuidad al reconocimiento iniciado en la edición anterior con Olga Mesa, otra de las grandes protagonistas de la renovación de la danza contemporánea española. El Festival Plataforma Santander está organizado por el Ayuntamiento y comisariado por la Cooperativa Performa, bajo la dirección de Iñaki Martínez y Mónica Maneiro.

Referente de la nueva danza española

Elena Córdoba forma parte de una generación de artistas que ha transformado los lenguajes de la danza y las artes escénicas. Junto a creadoras como La Ribot, Olga Mesa, Mónica Valenciano, Blanca Calvo o Ana Buitrago, ha participado en el movimiento de renovación que dio lugar a la denominada nueva danza española.

A lo largo de más de tres décadas, ha construido una trayectoria singular basada en la observación del cuerpo, sus estructuras, sus funciones y sus posibilidades expresivas, ampliando las relaciones entre danza, pensamiento e investigación.

Su trayectoria se caracteriza también por una intensa actividad pedagógica, la colaboración con artistas de distintas disciplinas y su participación en proyectos colectivos que entienden la danza como una práctica de conocimiento, comunicación y encuentro.

En los últimos años ha desarrollado 'Ficciones Botánicas', un proyecto de investigación que establece relaciones entre el cuerpo humano y la vida vegetal mediante la observación microscópica, el estudio de la naturaleza y la creación coreográfica.

En este contexto se inscribe 'Cuentos de piel y de huesos. Cuento 1. Las apariencias no engañan', la pieza que estrenará mañana en Santander.

La compañía teatral Abubukaka cumple veinte años y lo celebra como mejor sabe: con humor, un viaje por sus creaciones. Durante noviembre de 2026, la compañía con sede en La Laguna desarrollará una programación especial que reúne actuaciones en Tenerife y Gran Canaria, la presentación del libro ‘No somos nadie pero ustedes tampoco (20 años de Abubukaka)’ y una exposición que se inaugurará el 23 de noviembre, fecha exacta de su aniversario.

Formado por Carlos Pedrós, Amanhuy Cala, Víctor Hubara y Diego Lupiáñez, Abubukaka ha construido desde 2006 un universo de sketches, personajes y situaciones disparatadas que ha llevado a teatros y plazas de toda Canarias y de parte de la península ibérica. La compañía ha realizado una media de 60 actuaciones por temporada, que reúnen a aproximadamente 25.000 espectadores. A esta trayectoria escénica se suma una comunidad de más de 200.000 seguidores en sus diferentes redes sociales, donde sus creaciones audiovisuales alcanzan cinco millones de reproducciones al año.

Dos décadas sobre el escenario

El Teatro Leal de La Laguna albergará el estreno de la función conmemorativa de estas dos décadas sobre el escenario. El espectáculo ‘20 años de Abubukaka’ tendrá cuatro representaciones en el principal recinto escénico lagunero, con actuaciones los días 2, 3, 9 y 10 de noviembre, repitiéndose los días 12 y 13 de noviembre en el Teatro Guiniguada de Las Palmas de Gran Canaria.

La propuesta plantea un viaje caótico y lleno de humor por las dos décadas de la compañía, desde sus inicios hasta sus creaciones más recientes. El grupo recuperará los sketches, personajes y locuras que han definido su estilo irreverente, mezclando nostalgia, parodia y giros inesperados. Una celebración donde todo puede pasar… y seguramente pasará.

‘No somos nadie pero ustedes tampoco’

El 18 de noviembre, la Fundación CajaCanarias acogerá la presentación de ‘No somos nadie pero ustedes tampoco (20 años de Abubukaka)’, un libro escrito por Paco Sánchez y diseñado, maquetado y editado por Rayo 52.

La publicación reúne imágenes, anécdotas y datos imprescindibles para comprender la naturaleza orgánica de Abubukaka y recorrer los veinte años de su historia. En la presentación participarán los integrantes de la compañía y distintas personas que han hecho posible tanto la edición del libro como la propia existencia del grupo. Habrá una ronda de preguntas, firma de ejemplares y alguna sorpresa bien avenida.

Una exposición para celebrar el día del aniversario

El 23 de noviembre, coincidiendo con el día exacto del vigésimo aniversario, se inaugurará la exposición ‘20 años’ en la tienda de Abubukaka, situada en la calle Heraclio Sánchez, 27, en La Laguna.

La muestra reunirá objetos, prendas y fragmentos de manifiestos fundacionales de la compañía, ofreciendo al público un acercamiento a su historia a través de los elementos que han acompañado su recorrido. La inauguración incluirá la venta y firma del libro, un copioso cóctel y las demás ocurrencias que puedan surgir hasta entonces.

Humor dentro y fuera de los teatros

Además de su actividad escénica y audiovisual, Abubukaka mantiene una presencia habitual en los medios de comunicación. La compañía colabora varias veces por semana en Radio Club Tenerife y participa los viernes en el programa «Hay que verlo», de RTVC, con una sección de humor propia.

Con esta programación, Abubukaka invita al público a celebrar veinte años de humor irreverente y a reencontrarse con las historias, los personajes y las personas que han hecho posible su trayectoria.

Los teatros romanos de Mérida y de Medellín, en la provincia de Badajoz, y el Puente Romano de Alcántara, en Cáceres, han sido distinguidos con el reconocimiento de 'Lugar Mágico de España'. La iniciativa, impulsada por el denominado Ecosistema Mágico de España, ha premiado a estos tres enclaves extremeños destacando su valor histórico, artístico y cultural dentro del mapa patrimonial del país.

Los nuevos galardones se han dado a conocer durante el VI Encuentro Nacional de Pueblos Mágicos de España, celebrado en la localidad de Padrón (A Coruña) entre los días 23 y 25 de octubre. Con esta incorporación, los tres recintos forman parte de una nómina de 32 espacios seleccionados a nivel estatal por su singularidad y por su capacidad para generar experiencias vinculadas a la historia, la cultura y la naturaleza. Se trata de una distinción honorífica otorgada a monumentos o parajes concretos y no a la totalidad de los términos municipales.

Tras hacerse pública la concesión del sello, el Ayuntamiento de Mérida ha valorado que el reconocimiento supone una nueva oportunidad para continuar difundiendo la excepcionalidad de su teatro romano, al que ha definido como un “espacio vivo, estrechamente ligado a la identidad de la ciudad y a su actividad cultural”. Desde el Consistorio emeritense han manifestado que el galardón puede contribuir a incrementar el flujo turístico hacia el conjunto arqueológico, sus museos y el resto de la oferta patrimonial de la capital extremeña.

Por su parte, el Ayuntamiento de Medellín ha respaldado la distinción señalando que el fallo refuerza la apuesta municipal por la conservación de su legado arqueológico. Fuentes municipales han destacado que el teatro “constituye uno de los principales atractivos monumentales de Medellín, cuyo conjunto patrimonial incluye también su castillo medieval y otros vestigios históricos que sustentan su oferta de turismo cultural”, confiando en que el distintivo actúe como motor de desarrollo económico local.

En relación al Puente Romano de Alcántara, la organización de Pueblos Mágicos de España ha justificado su inclusión definiendo la infraestructura como “ingeniería convertida en símbolo del tiempo”. En su dictamen, los promotores han resaltado la “escala monumental y una claridad constructiva que todavía asombran casi dos mil años después”, subrayando el valor de sus seis arcos, el arco honorífico central y el templo romano como un conjunto “donde obra humana, río y frontera se explican mutuamente”.

El teatro popular asturiano, también conocido como teatro costumbrista asturiano, ya es Bien de Interés Cultural de carácter inmaterial. El Boletín Oficial del Principado de Asturias (BOPA) publica, en su edición de ayer, el decreto del pasado día 13 de este mes por el que se oficializa su declaración con la que se reconoce y protege una manifestación escénica y sociocultural “singular”, con más de un siglo de trayectoria, caracterizada por el uso del asturiano como lengua vehicular, el arraigo comunitario y la participación de las clases populares en la creación, representación y difusión de las obras.

El pasado mes de febrero, el pleno del Consejo del Patrimonio Cultural de Asturias ya había allanado el camino para que el Principado declarase como Bien de Interés Cultural (BIC) a la colección artística de la antigua Caja de Ahorros de Asturias (Cajastur), el yacimiento arqueológico de Lucus Asturum, en el concejo asturiano de Llanera, y el teatro popular o costumbrista asturiano.

El teatro popular o costumbrista asturiano se define como “el conjunto de obras dramatúrgicas en lengua asturiana, representadas y producidas desde los estratos no privilegiados de la sociedad y dirigidas principalmente a un público de origen similar”. Este movimiento mantiene continuidad desde aproximadamente 1920 hasta la actualidad.

Su origen se vincula a las experiencias teatrales alrededor de las distintas sociedades de Cultura e Higiene que desarrollaron su labor en el Gijón/Xixón de las primeras décadas del siglo XX. Con todo, el fenómeno se extiende rápidamente por el resto de Asturias ya en los primeros años, al hallar un movimiento asociacionista muy consolidado en todo el territorio con planteamientos similares, que encuentra en el teatro amateur una fórmula más para el desarrollo cultural de sus postulados.

Para la tutela y salvaguardia de esta manifestación cultural de carácter inmaterial se fomentarán líneas de actuación. Entre otros fines, irán encaminadas a la difusión y pervivencia del bien mediante el apoyo a las agrupaciones estables, asociaciones culturales o secciones artísticas de otras asociaciones culturales o vecinales, que sustentan el mantenimiento de este movimiento escénico y sociocultural.

También se dirigirán a la articulación de cauces de relación y colaboración con la Federación de Asociaciones de Teatro Amateur del Principado de Asturias (FETEAS).

El Principado dará apoyo a la creación y conservación del teatro popular en asturiano, así como al desarrollo de herramientas que contribuyan a alentar los estudios sobre esta manifestación cultural.

Con la declaración de BIC, también está prevista la elaboración de campañas para favorecer el conocimiento y la valoración del teatro popular o costumbrista por parte de toda la ciudadanía asturiana.

Lori Meyers es uno de esos grupos que ha sobrevivido a su época. Nacidos en la efervescencia de la música independiente de los 2000, los originarios de Loja (Granada) han atravesado cambios de formato y plataformas sin dejar de defender una idea que parece cada vez menos habitual en la industria: que una banda se construye con discos y en los escenarios, no solo con una sucesión rápida de lanzamientos. Cinco años después de su último trabajo, Alfredo Núñez, Antonio López 'Noni' y Alejandro Méndez publican Disonancia, su octavo álbum de estudio.

El regreso del grupo no responde a la urgencia de alimentar las plataformas de streaming, sino a la necesidad de tener algo que contar. “Cuando estamos metidos en el trabajo y en giras intensas, pasa el tiempo rápido. La industria lleva sus fabricaciones y se van acumulando los años, pero han tenido que pasar relaciones, emociones y sentimientos; si no, es difícil hacer un disco”, cuenta Noni a elDiario.es. En Disonancia, esa espera se convierte en canciones que exploran las contradicciones entre lo que sentimos y lo que logramos expresar.

En lugar de confiarlo todo a las redes sociales y los códigos QR, Lori Meyers ha recuperado con este proyecto el teléfono y el contestador automático: una llamada a un número con prefijo granadino permite escuchar fragmentos del álbum, como si escuchar música pudiera volver a ser una experiencia tan sencilla como descolgar. La campaña incluye, además, dos vales dorados escondidos en copias físicas del disco, uno en un cedé y otro en un vinilo, que permitirán a quienes los encuentren compartir una jornada de tapeo con la banda.

El disco llega cinco años después de Espacios infinitos. ¿Temen quedarse atrás si no publican con más frecuencia?

Noni: Para la gente más joven es distinto, pero para gente como nosotros... Cuando empezamos con Viaje de estudios u Hostal Pimodán, había más o menos un año y medio o dos de diferencia. Al principio no era tan fácil subir algo, tenías que fabricar un cedé o un vinilo. Ahora es supersencillo. Una persona hace una canción en su ordenador, puede durar cinco minutos y subirla muy rápidamente. De hecho, muchos colegas que tenemos trabajando en la industria están hartos de este sistema de los singles, de sacar cada viernes 200 canciones.

Ahora, con la inteligencia artificial, ni siquiera es fácil saber si lo que escuchas lo canta una persona o una máquina.

N: Nosotros somos un grupo de directo y es donde menos puedes mentir a la gente. Hacemos música de una manera romántica, defendiéndola en un directo con todo lo que conlleva, con sus miedos y con su gloria. Igual que con el formato disco: siempre hemos sido más de ese formato que de sacar singles. Es verdad que hoy en día la gente escucha playlists, no escucha discos enteros, entonces se hace difícil. Hay que amoldarse a la actualidad, pero siempre se puede mantener la esencia que cada uno tiene.

¿No les da miedo la IA?

Alejandro Méndez: A mí sí me da un poco de miedito. De aquí a 10 o 15 años ya no solo podrá hacer canciones produciéndote la melodía, es que podrá componerme un disco entero si se lo pido. Eso es lo que me asusta, lo que nos pueda deparar dentro de 20 o 30 años, más que nada por puro desconocimiento.

Alfredo Núñez: Es como si ya no lleváramos nosotros el coche.

N: Tendrá que ser obligatorio poner una marca de agua de que se ha hecho con IA. Es curioso porque la inteligencia artificial debería estar hecha para barrernos la casa y hacer las tareas domésticas, para dejarle tiempo al humano. Y al final va a ser lo contrario: se va a dedicar a hacer el arte, lo que es más humano de lo humano, y nosotros nos vamos a dedicar a mirarlo detrás de una escoba. Por ese lado sí da un poco de terror y de pavor, pero confío en que al humano le quede algo artístico.

Han titulado el disco Disonancia.

N: Era una disonancia emocional. Somos personas a las que nos cuesta expresar sentimientos, y algunos artistas utilizamos las canciones que creamos para decir cosas que realmente no diríamos en persona. Ese era el juego de esa disonancia, pues a veces las letras dicen más cosas de las que puedes decir realmente en persona.

La soledad elegida tiene un peso importante en las canciones.

N: Es un concepto de pararte a pensar, de no tener ningún estímulo. Es encerrarme en mi casa, intentar aburrirme. La vida que está llevando todo el mundo va excesivamente rápido, siempre con un dispositivo. Intenté que en esa época las composiciones vinieran del aburrimiento como lo hacía antes, cuando empezábamos y no había tantos estímulos. Esa era la soledad elegida: estar con mi perro, intentar recapitular movidas, pensar, aburrirme, agobiarme, deprimirme, tener ansiedad, pero sufrirlo sabiendo que eres consciente de ello, no andando por la Gran Vía.

¿Notan que ahora es más difícil lograr ventas físicas, o tener una audiencia fiel de otra época ayuda a mantenerlas?

N: Es muy difícil, cada vez gana más el digital. Yo hace mucho tiempo que no compro un vinilo o un cedé. Te vas acomodando, todo va al teléfono. Mi set de vinilos con mis altavoces buenísimos está abandonadísimo. Es complicado, aunque fíjate que el vinilo hoy en día tiene más ventas que un cedé, pero se utiliza casi como merchandising o por coleccionismo.

¿Siguen siendo críticos con Spotify?

N: Nunca he tenido Spotify, tengo iTunes. A mí iTunes no me dice cuántas escuchas lleva una canción, ni me impone tendencias, solo me pone la portada y el título. Es verdad que lo de Spotify y ese tipo de movidas me resultan raras. Cuando quiero escuchar música no me importa cuánta gente lo escucha.

A.M.: Por un lado, prioriza los números, y aparte acumula mucho poder con un porcentaje de escucha muy grande. Cuando alguien acumula mucho poder ya sabemos lo que pasa, que puede manejar hilos.

N: Pues entonces retiro todo lo que he dicho, ¡amamos Spotify! (Risas). Pero es lo que dice Ale, empezaron de una manera para cambiar el formato, pero consiguen tanto poder que hasta las discográficas tienen que estar detrás de ellos para colocar a su artista ahí. Con ese poder pueden hacer sus playlists, poner la música que quieren y elegir las tendencias. Más allá de que uno puede seguir decidiendo ir a una tienda física a descubrir un disco, pero en ese sentido han perdido mucho poder las radios o los programas de televisión.

¿Se obsesionan con los números?

N: El algoritmo es como todo: si entras en YouTube en un vídeo de cocina, te van a salir 300. Si le das a uno de un tío arreglando un coche, te salen cuatro.

A.M.: Recuerdo la ansiedad por los likes... Si llevásemos dos discos necesitaríamos más feedback, pero la inercia de Lori te permite ir un poco más relajado. Hay que mirar los números de venta y de likes, darle de comer al algoritmo un poquito, pero tampoco hay que rayarse.

Te saca la malafollá que haya tanta crispación y ganas de ir a la confrontación

Alejandro Méndez — Integrante de Lori Meyers

¿Siente Lori Meyers las consecuencias de un mundo cada vez más individualista?

N: Yo soy bastante individualista por momentos, pero en la industria musical sí se nota el cambio. Lo que ha pasado es que la gente ya no quiere tener una discusión por sus compañeros por si tocan o no el bajo mal. Ahora lo haces en el ordenador, no discutes y montas una gira con subordinados que te acompañen. Está más estirado que haya autores solitarios.

Una canción del disco se titula Malafollá. ¿Qué les saca actualmente la malafollá?

N: A mí últimamente el Mario Kart. Juegas con 20 personas y, cuando vas a llegar de los primeros, te putean. Eso me cabrea. Jugando 20 personas, cuando vas a llegar de los primeros te hacen una putada. Eso es un cabreo.

A.M.: Una vez que uno empieza a tener más edad, te puede dar malafollá que la gente esté tan crispada, y al final te la comes tú. Hay mucha crispación, muchas ganas de ir a la confrontación, y eso saca la malafollá.

¿Cómo la evitan?

A.M.: Respirando para que se te baje el cortisol antes de responder.

N: Dejando un ratico el teléfono. Si tienes perro, irte con él de paseo; si tienes gato, echarle un ratón... Cada uno que haga lo que pueda. Esa era la historia de la soledad de este disco: volver a pensar y no tener tantos estímulos. Eso es lo que a veces necesita la gente: saber relajarnos y quitarnos algunos estímulos para recuperar los propios.

En alusión a otra de sus canciones, ¿qué dictaduras ven ahora en la sociedad?

N: Hace mucho tiempo te hubieran dicho las religiones o cosas así. Pero ahora mismo las dictaduras que estamos viviendo son todas personales. La vida va excesivamente rápido y nos estamos creando nuestra propia dictadura nosotros mismos. Eso sí que puede llegar a ser complicado.

Lori Meyers ha sacado adelante su proyecto desde Granada. ¿Los jóvenes de ahora lo tienen más difícil?

N: En nuestra época no nos vinimos porque teníamos a la familia allí, y nuestro primer sello estaba en Barcelona. Desde Andalucía a Madrid es fácil probar, pero Barcelona quedaba muy lejos. Teniendo ya internet, correo electrónico, lo de tener que venirse a Madrid lo empecé a ver como tener que estar en la jarana. Vi mejor quedarme en mi entorno que ir a una ciudad que no sabemos bien cómo nos habría afectado. Eso lo hizo Miguel Ríos, que es una broma que tenemos en Granada. Lo hizo Miguel Ríos y después nadie más, así que será por algo.

A.N.: Es curioso porque hoy la comunicación es más comunal y universal, así que casi que parece que el hecho de venirse a Madrid es por estar en la farándula, en el mundillo. Estamos tan desconectados, que quizás de esa forma parece más físico y humano. Es verdad que los jóvenes hoy tienen más medios para publicitarse, pero hay tantísimas formas de escuchar música, que a un artista no lo defino por una canción, sino por su carrera. Tienen más posibilidades, pero también el límite de enfrentarse a mucha gente diferente. A mí no me dice nada un artista que pegue un pelotazo masivo con una canción; me dice algo cuando conozco su carrera y entiendo su obra.

Si el cineasta neoyorquino Woody Allen y la pequeña Mafalda que odiaba la sopa tienen su propia escultura en Oviedo/Uviéu, ¿Por qué no puede haber en la 'muy noble, muy leal, benemérita, invicta, heroica y buena' capital asturiana una figura vinculada al universo de Studio Ghibli?.

Los tres tienen en común haber sido distinguidos con uno de los Premios Princesa de Asturias y ese galardón, unido al gran tirón popular que tienen los tres, ha llevado a Kanta Ogaki a liderar una iniciativa ciudadana para rendir tributo en la ciudad a Hayao Miyazaki con un monumento que perpetúe su memoria.

Una referencia internacional

Más de 1.300 firmas están ya reclamando una estatua en homenaje al Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2026 a través de change.org.

Studio Ghibli es una referencia internacional en la animación y, según los expertos, su influencia ha trascendido generaciones y fronteras, creando un puente cultural que une a personas de diferentes orígenes y transmitiendo valores atemporales como “la amistad, la empatía y el respeto”.

Un tributo y una inversión

El promotor de esta iniciativa ha solicitado al Ayuntamiento de Oviedo que se erija una estatua en homenaje a una de las obras de Hayao Miyazaki y Studio Ghibli, en reconocimiento a la concesión del premio que otorga la Fundación Princesa de Asturias.

Argumenta que, además de honrar “a un gran artista”, también posiciona a la capital asturiana como “un punto de encuentro internacional para fanáticos del anime y del cine de animación. Instaurar esta estatua sería no sólo un tributo justo, sino una inversión en el futuro turístico y cultural de la ciudad”, subraya.

Woody Allen en bronce

En 2003, el entonces alcalde de Oviedo, Gabino de Lorenzo, impulsó la instalación de una escultura de bronce, a tamaño natural, dedicada al cineasta Woody Allen en la calle Milicias Nacionales.

La obra, creación del escultor asturiano Vicente Menéndez-Santarúa, era un homenaje al Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2002. En aquel entonces el galardón se denominaba en masculino por el actual rey Felipe. Era una forma de agradecer las palabras del cineasta que había elogiado la ciudad en su visita, al describirla como “deliciosa, exótica, bella, limpia, agradable, tranquila y peatonal”.

En varias ocasiones sustrajeron las gafas al alter ego de bronce y todas las veces se repusieron. La escultura ha sido motivo de debate local. Varias organizaciones pidieron al ayuntamiento que fuera retirada tras las acusaciones de abuso sexual contra el director de cine, pero se descartaron una a una y fue 'indultada' por el consistorio.

Mafalda, en el Campo San Francisco

A escasos metros de la calle Milicias Nacionales está el Campo de San Francisco y en uno de los bancos está sentada Mafalda, la niña contestaria que salió de la imaginación desbordada de Quino.

La de Mafalda es una de las esculturas que más interés despierta entre los propios asturianos y los numerosos turistas que se acercan a la ciudad. Su imagen es una de las más fotografiadas junto a la Catedral o el mercado del Fontán, por citar algún ejemplo.

El propio Quino visitó la obra, instalada el 23 de octubre de 2014, cuando acudió a recoger en Oviedo/Uviéu el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades de ese mismo año.

Si la iniciativa de Kanta Ogaki prospera, quizá cualquier día se sume a este dúo famoso una réplica del universo salido del Studio Ghibli. De momento, más de un millar de personas se han animado a firmar la petición.

OFFF Sevilla celebra en la Fundación Cajasol justo dentro de un mes, el jueves 26 de noviembre, la jornada 24 Hour Creative People, un evento en el que durante 10 horas, estudiantes, talento emergente y empresas se sientan a la misma mesa que referentes nacionales e internacionales en formato de pequeño grupo que favorece la conversación directa y el intercambio de igual a igual. Bajo el lema Let’s Meet, participarán más de 400 jóvenes creativos y estudiantes con nombres como Enrique Acosta Naranjo, Ana Barriga, Braw Haus, Johanna Jaskowska, Buenaventura, Buck o Studio Dunbar. Las entradas están disponibles desde ya hasta el 13 de noviembre en la web del festival, y pueden adquirirse con el Bono Cultural Joven, con descuentos para estudiantes y para empresas y profesionales andaluces. 

La sesión parte de la premisa de Agostadero, la asociación cultural que impulsa el festival. “En la era de las redes sociales, la inteligencia artificial y los grandes eventos, lo innovador es apostar por la proximidad y por lo micro frente a lo macro, porque las ideas más potentes suelen empezar en una conversación y solo después se expanden al mundo digital”. El objetivo es que de esos encuentros nazcan vínculos y colaboraciones entre quienes ya tienen una trayectoria consolidada y quienes están empezando.

Cinco desayunos, cinco dilemas 

La jornada comienza a las 10.00 horas con cinco desayunos creativos, en los que un centenar de jóvenes podrán conversar en mesas reducidas con creadores de primer nivel. Cada mesa gira en torno a una pregunta del sector: ¿Quedarse o irse?, en ella profesionales como el estudio malagueño Santa Rita o la artista visual sevillana Marta Zubieta hablarán sobre el debate del desarrollo de una carrera creativa desde la ciudad de origen o la necesidad de emigrar para crecer.

La segunda mesa, ¿Mainstream o underground?, conversarán Ricardo Barquín, ganador de un European Design Award; y Andrés Gil, director creativo especializado en inteligencia artificial.

La tercera mesa girará en torno a la pregunta ¿Gestionar o crear?, donde se debatirá sobre instituciones y creatividad. Ana Barriga, una de las pintoras más destacadas del panorama contemporáneo español; el diseñador e ilustrador, Ale Rojas; y como moderador estará Alex Gobern, presidente de ADG-FAD, Asociación de Directores de Arte y Diseñadores Gráficos, y durante una década director creativo de Morillas.

En la siguiente mesa, el tema será ¿Boomer vs. Z? en el que se planea un diálogo intergeneracional entre la cineasta y directora creativa Patricia Gloum; y Enrique Acosta Naranjo, uno de los grandes nombres del diseño gráfico andaluz.

Por último, la mesa ¿Level up o new game? abordará los referentes, la industria y el futuro del videojuego con Miriam Barea, artista conceptual sevillana, y la compositora Sara López. 

Del primer pitch a la mentoría 

A mediodía, Pensar, crear, hacer abre el escenario a pequeños estudios, artistas, creativos emergentes y comunidad educativa para que presenten proyectos en fase inicial. Se seleccionarán seis propuestas, que tendrán 20 minutos cada una para convencer al público, que también participa en la votación, y a un comité formado por las instituciones participantes, OFFF Sevilla y los mentores. Los equipos seleccionados recibirán además un abono para el festival completo. El proyecto elegido este año recibirá un programa de mentoría personalizado con creadores de peso. La convocatoria para presentar los proyectos está abierta desde ya hasat el 13 de noviembre.

La mañana se cierra con Cóctel y ... match!, un encuentro en el que creativos, estudios y empresas españolas e internacionales comparten espacio con el talento emergente y los jóvenes creadores para intercambiar proyectos y emplazarse a futuras colaboraciones.

Encuentros internacionales y talleres por la tarde

Por la tarde, los encuentros Cara a cara proponen a empresas, estudios y profesionales andaluces con trayectoria conversaciones de tú a tú con invitados internacionales del festival.

Además, en paralelo se realizarán cuatro talleres prácticos de 16.00 a 20.00 en los que creadores de cartel enseñarán distintos métodos de creación, entre ellos Johanna Jaskowska, Ramón Soler, Sara López y Alex Lampe. Los talleres cuestan 60 eruos y se puede reservar la plaza a través de la web del festival.

OFFF Sevilla 2026

OFFF Sevilla es la edición andaluza de OFFF, festival de cultura posdigital nacido hace 25 años y que ha celebrado ediciones en ciudades como Barcelona, Nueva York, Londres, París, Lisboa, Montreal, Ciudad de México o Melbourne. Se celebra en Sevilla desde 2018 como punto de encuentro entre la red internacional OFFF y la escena creativa del sur de Europa, y en su última edición recibió a público de más de 14 países. Desde 2022 tiene su sede principal en la Real Fábrica de Artillería, en el barrio de San Bernardo, un conjunto del patrimonio industrial andaluz del siglo XVIII con más de 10.000 metros cuadrados que acoge las conferencias, los conciertos, los estudios pop-up y el mercado del festival. Es un proyecto de Agostadero.

El viernes 27 y el sábado 28 de noviembre la Real Fábrica de Artillería a una veintena de artistas y estudios de una decena de países. Por el Foro Magallanes pasarán la montadora brasileña Mah Ferraz; ECHOLAB, estudio irlandés de sonido de tráileres; BUCK, con dos premios Emmy y varios Leones de Oro en Cannes; Studio Dumbar; el colectivo de experiencias inmersivas Marsmallow Laser Feast; o Voku Studio; o el estudio Buenaventura.

Es más, el emplazamiento acogerá, con entrada libre, Pop Up Studios y el market, con el que más de 70 artistas muestran y venden su obra, una gran diversidad de artes gráficas. Además, en el Punto de Encuentro del Patio de Crisoles, se ofrecerán actuaciones musicales a mediodía y un concierto al cierre de cada jornada, con la música y los visuales del colectivo Noon.

OFFF Sevilla 2026 cuenta con el respaldo institucional del Ayuntamiento de Sevilla; el apoyo de Fundación Cajasol, Andalucía TRADE, Monotype, la Universidad Internacional de Andalucía (UNIA) y la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, y la colaboración de SGAE y Noon Música Moderna.

Este lunes, a las 12:00 horas, se ha realizado el sorteo de las 200 invitaciones dobles para acudir al acto institucional ‘Bailando con Azcona’, que se celebrará el próximo jueves, 29 de octubre, a las 20:00 horas.

Tal y como indicaban las bases, a las 12:00 horas de este lunes 26 de octubre la sala de usos múltiples del Ayuntamiento de Logroño ha acogido el sorteo público de las 200 invitaciones para el acto institucional ‘Bailando con Azcona’, el próximo 29 de octubre a las 20:00 horas.

Los agraciados podrán presentarse a recoger sus invitaciones, mostrando el resguardo que recibieron en el momento de participación, entre los días 26 y 28 de octubre en el punto de información del Ayuntamiento de Logroño (010) de 9:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 19:00 horas.

Aquellos premiados que no recojan sus invitaciones en el plazo señalado perderán su invitación, que pasará a disposición de los números de reserva en el sorteo por orden de extracción. Se procederá a contactar con los participantes de esta lista de reserva hasta completar el aforo.

La lista de los premiados está disponible en la web logrono.es, en el apartado ‘Eventos’.

La Filmoteca de Cantabria Mario Camus estará presente la temporada 2026-2027 en un total de 47 municipios de la región. En 26 de ellos lo hará a través de la Filmoteca Regional -Colindres y Astillero serán los últimos que se incorporen-, y en el resto, mediante la colaboración con la Red Cántabra de Desarrollo Rural por la que se llevarán a cabo 44 proyecciones en 21 municipios en riesgo de despoblación.

La directora de la Sociedad Regional de Cultura y Deporte, María Fernández Rosillo, y el gerente de la Filmoteca de Cantabria, Cristian Franco, han presentado este lunes la programación de la presente edición que se inaugura este lunes y que se extenderá hasta mayo de 2027.

Se han previsto 650 proyecciones de 26 títulos pertenecientes al cine clásico y también al más contemporáneo, lo que hace de esta “ambiciosa” iniciativa “uno de los mayores programas que una comunidad autónoma puede desarrollar en cuanto a acercar la cultura cinematográfica a la ciudadanía nivel nacional”, según Fernández.

También se desarrollarán los ciclos Mujeres de cine, Cine y mujer rural, Cine eterno, Clásicos modernos, Nuestro cine y Nuevas sensaciones.

Entre los títulos, se han destacado los pases de 'Santander, ciudad en llamas', la película que ha restaurado la Filmoteca, o estrenos recientes como 'Incontrolable', 'Vermiglio', 'La cena' o 'El último vikingo'. Fernández ha destacado que en su conjunto la propuesta es “muy atractiva”.

En la presentación se ha resaltado que el público que asiste a las proyecciones de la Filmoteca es “muy fiel y leal” y su asistencia es “creciente”.

En este sentido, han indicado que en la temporada pasada se registraron 11.999 espectadores en 25 municipios, a los que se sumaron 705 en el ciclo desarrollado por la Red Cántabra de Desarrollo Rural, lo que ha dejado “un muy buen sabor de boca”, para Fernández.

La responsable de la Sociedad Regional de Cultura y Deporte ha señalado que, como en otros años, la Filmoteca Mario Camus se hará cargo de la logística y los derechos de exhibición de las películas y los ayuntamientos, de las proyecciones de las cintas, recordando que se trata de una “actividad muy ambiciosa” que se lleva el 22% del presupuesto de la Filmoteca Mario Camus.

La obra 'Federico. No hay olvido, ni sueño: carne viva', de la compañía Proyecto 43-2, que fue cancelada en Valladolid por la Junta de Castilla y León, por motivos ideológicos, se pondrá en escena en Asturias. La Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Mieres está cerrando el acuerdo para que se pueda representar, sin censura alguna, en el primer trimestre de 2027.

La concejala de Cultura del Ayuntamiento de Mieres, Núria Ordóñez, ya venía negociando una fecha con la compañía teatral para su representación en la Caja de Resistencia, antes de que Proyecto 43-2 denunciara a la Junta de Castilla y León ante la Fiscalía por impedir que se representara la obra el pasado sábado, día 24, en el Ciclo VI Comunidad a Escena que organiza la Fundación Siglo, dependiente de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Junta de Castilla y León.

En este caso, es muy significativo que mientras la actividad cultural en Valladolid la gestiona el partido Vox dentro del gobierno de coalición con el Partido Popular (PP), la Concejalía de Cultura de Mieres que traerá la obra a la comunidad autónoma asturiana está en manos de Izquierda Unida (IU).

Pensamiento libre y espíritu crítico

“Ante la censura y las cancelaciones, libertad de expresión, pensamiento libre y espíritu crítico”, ha explicado Núria Ordóñez, quien ha mostrado su apoyo a la compañía.

Caja de Resistencia vuelve a desempeñar así un papel fundamental en la defensa de la libertad de expresión y frente a los ataques a la cultura.

'Malditas de dios', la próxima obra

La concejala Ordóñez ha recordado que este trimestre se podrá ver en Mieres una obra de teatro que fue censurada en Madrid. Se trata de 'Malditas de dios', de Doce Canciones, que el 27 de noviembre, a las 20:00 horas, se pondrá en escena en el Auditorio Teodoro Cuesta de Mieres.

Esta obra aborda los abusos y la represión en el Patronato de Protección a la mujer creado por el franquismo para reeducar y redimir a aquellas mujeres jóvenes que el régimen consideraba que no se ajustaban a las normas de comportamiento moral establecidas.

Mieres, 'territorio libre de censura'

El municipio asturiano de Mieres se declaró “territorio libre de censura” y creó Caja de Resistencia, el año 2023, en una iniciativa de la concejala de Cultura, Rocío Antela, para garantizar la libertad y como muestra de solidaridad hacia el colectivo de trabajadores de la cultura que veían censurados sus espectáculos.

En esta tesitura se encontró la obra 'El señor puta o la degradación del ser', un drama teatral que fue censurado en la localidad extremeña de Talayuela, bajo el gobierno de coalición de PP, Vox y el partido Extremeñistas, y que se puso en escena en Mieres.

El propio ministro de Cultura, Ernest Urtasun, aplaudió esta iniciativa cultural a través de un post en la red social X donde declaraba que una de sus prioridades era garantizar la participación en la vida cultural, como reproducimos a continuación.

El Festival de Cine de Fuentes de Ebro cumple treinta ediciones y lo celebrará con una programación especial que rendirá homenaje a dos generaciones del audiovisual español: la actriz María Luisa San José, uno de los rostros conocidos del cine de la Transición, y el director zaragozano Nacho García Velilla, responsable de algunas de las comedias cinematográficas y series de televisión más populares de las últimas décadas. Ambos recibirán el reconocimiento del certamen durante la clausura de la gala.

La localidad zaragozana volverá a convertirse, entre el 30 de octubre y el 7 de noviembre, en punto de encuentro de profesionales y aficionados al séptimo arte, con proyecciones de cine español, documentales, cortometrajes, coloquios y un concierto especial para conmemorar las tres décadas de trayectoria del festival.

La programación comenzará el viernes 30 de octubre con el documental “Memoria de Los Olvidados”, de Javier Espada, y la película “La bola negra”, dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi. El sábado 31 se celebrará la ceremonia inaugural, presentada por Ariadna Redondo, con la entrega de los Premios Panorama del Cine Español a “Caminando con el diablo”, de Rubén Pérez Barrena, que recibirá reconocimientos por su dirección, interpretación, guion y música.

La trigésima edición concluirá el sábado 7 de noviembre con una celebración al aire libre en la que participarán más de un centenar de personas pertenecientes a distintas agrupaciones de Fuentes de Ebro. Posteriormente, la gala se trasladará al cine de la localidad, donde se entregarán los premios de cortometrajes y documentales y se rendirá homenaje a María Luisa San José y Nacho García Velilla.

Una actriz ligada a la transformación del cine español

Nacida en Madrid en 1946, María Luisa San José ha desarrollado una extensa trayectoria en cine, teatro y televisión. Alcanzó una notable popularidad durante los años setenta, una etapa en la que participó tanto en comedias comerciales como en películas que reflejaban los cambios sociales y culturales de la España de aquellos años.

Entre sus trabajos figuran “Los nuevos españoles”, dirigida por Roberto Bodegas, y “El diputado”, de Eloy de la Iglesia, una de las películas representativas del cine de la Transición por su tratamiento de la homosexualidad y la política. También ha trabajado con cineastas como Antonio Giménez Rico y Carlos Saura, además de mantener una prolongada actividad teatral con obras de Federico García Lorca, William Shakespeare o Lope de Vega.

Su trayectoria fue recuperada en 2025 por la Academia de Cine dentro del proyecto Memoria Colectiva del Cine Español, dedicado a preservar los testimonios de profesionales que han contribuido a la historia de la cinematografía española.

De “Aída” al cine rodado en Aragón

El segundo homenajeado será Nacho García Velilla, nacido en Zaragoza en 1967 y uno de los directores y guionistas aragoneses con mayor presencia en la industria audiovisual española.

Tras participar como guionista en “Médico de familia”, desarrolló una parte importante de su carrera televisiva en producciones como “7 vidas” y “Aída”, antes de dar el salto a la dirección cinematográfica con “Fuera de carta” (2008).

Posteriormente llegaron comedias como “Que se mueran los feos”, “Perdiendo el norte”, “Villaviciosa de al lado” y “Menudas piezas”, esta última estrenada en 2024 y basada en la historia real de un grupo de escolares zaragozanos que participaron en una competición nacional de ajedrez.

Velilla ha mantenido una estrecha vinculación con Aragón, donde ha situado y rodado parte de sus películas. Su producción más reciente es la serie “Por cien millones”, estrenada en marzo de 2026 en Movistar Plus+, que recrea el secuestro del futbolista Enrique Castro “Quini” y recupera escenarios reales de Zaragoza relacionados con aquel suceso.

El centenario de Paco Rabal

La conmemoración del centenario del nacimiento de Paco Rabal será otro de los acontecimientos destacados. El viernes 6 de noviembre se celebrará un coloquio sobre la figura del actor, con la participación de su hijo, Benito Rabal, María Luisa San José y Eulalia Ramón, moderado por Jesús Nadador.

La jornada incluirá el estreno del documental “200 vidas. Paco Rabal”, dirigido por Vanesa Benítez, dedicado a recuperar la trayectoria artística y personal de uno de los grandes intérpretes del cine español.

Esa misma noche tendrá lugar la denominada Noche del Cine Aragonés, presentada por Ana Esteban, en la que se proyectarán los diez cortometrajes aragoneses de ficción seleccionados para la Sección Oficial. Sus equipos participarán en la sesión y el público podrá votar para elegir su premio.

Toda la programación del disponible en la web del Festival de Cine de Fuentes: https://www.festivalcinefuentes.com/

El Circuito Territorio, promovido por la Consejería de Cultura, continúa esta semana su recorrido por Cantabria con una programación variada que llevará teatro, narración oral, música y magia a nueve municipios de la región entre el 26 y el 31 de octubre.

La programación arranca este lunes 26 en Villaescusa, donde la compañía Epalú presentará 'El hadelfo' a las 18.30 horas en la Casa de Cultura.

El martes 27 será el turno de Polanco, cuya Biblioteca Municipal acogerá a las 17.00 horas el espectáculo familiar 'La pirata trotavientos', de Kaskabel y Cía.

El programa continuará el miércoles 28 en Laredo, en el Salón de Actos del CEIP Villa del Mar, que recibirá a las 19.30 horas a Juan Saiz con 'Tañedor', una propuesta que combina música y tradición oral.

El jueves 29 llegará con doble cita. A las 18.00 horas, Epalú volverá a representar 'El hadelfo' en la Biblioteca Municipal de Camargo, y a las 19.00 horas, el Centro Cultural Ateca de Santander acogerá un concierto del grupo Casapalma.

La programación del viernes 30 también ofrecerá dos espectáculos. En el Salón de Actos de Gama, en Bárcena de Cicero, Arte en Escena pondrá en escena 'El cerco de Leningrado' a las 19.00 horas. Y a la misma hora, en Pesaguero, Annie Chamer presentará 'Clásicos Disney a la luz de los farolillos', una propuesta musical para todos los públicos.

El fin de semana comenzará el sábado 31 con dos espectáculos de magia. Diego Cathan llevará 'Magia... de cine' al Teatro Casino Liceo de Santoña a las 18.00 horas, mientras que el Mago Xuso cerrará la semana en Bielva (Herrerías) con 'MagIA', a partir de las 18.30 horas.

El Teatro Bretón recibe el viernes 30 y el sábado 31 la obra ‘El hijo de la cómica’, adaptada, dirigida y protagonizada por José Sacristán. El domingo día 1, se abre el mes de noviembre con el espectáculo familiar ‘Sueño’, inspirado en la obra ‘Sueño de una noche de verano’ de Shakespeare.

‘El tiempo amarillo’ de Fernando Fernán Gómez es el alma en la que se basa la obra que adapta, dirige y protagoniza José Sacristán. Un espectáculo plasma las memorias de Fernán Gómez y busca transmitir sus vivencias a través de un homenaje a él y a sus antepasados.

Se trata de una adaptación teatral cálida y ágil, llena de vida, con toques de humor brillantes y elegantes. En este monólogo, el consagrado José Sacristán, interpreta a diversos personajes, voces y maneras de presentarse en las tablas.

La obra contará con dos sesiones a las 20:00 horas, el viernes 30 y el sábado 31 de octubre, dura aproximadamente una hora y 20 minutos y el precio de las entradas varía entre los 20 y los 8 euros.

El domingo 1 de noviembre a las 18:30 horas llega al Teatro Bretón el espectáculo infantil ‘Sueño’. Una versión libre, divertida y poética de ‘Sueño de una noche de verano’ de Shakespeare, destinada a niños y niñas a partir de 8 años.

Cuatro intérpretes serán los encargados de encarnar a todos los personajes de la obra original, en un verdadero torbellino teatral plagado de recursos escénicos, despliegue físico, poesía y mucho humor. ‘Sueño’ nos trasporta a un bosque mágico donde los protagonistas descubren que los deseos el amor y la imaginación pueden cambiarlo todo.

La obra cuenta con numerosos reconocimientos, como el Primer Premio Barroco Infantil del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro 2024 o el Premio Atina 2022 a la Mejor Adaptación, entre otros.

Esta obra contará con una función escolar el lunes 2 de noviembre para alumnos de Primero y Segundo de la ESO.

Cuenta con un precio único de 8 euros y dura aproximadamente una hora.

La investigación del proyecto Sensoxenoma resulta, al mismo tiempo, compleja de explicar y sencilla de comprender. Sucede a menudo con la ciencia que se mueve en las fronteras del conocimiento. “¿Puede un estímulo musical producir una respuesta biológica medible?”, resume la pregunta inicial uno de sus documentos de trabajo. Y lo explica a elDiario.es, con otras palabras, el biólogo y genetista Antonio Salas, uno de sus investigadores principales: “Queremos saber qué sucede a nivel molecular ante los estímulos sensoriales”. La base material de las emociones, de alguna forma, pero sobre todo una vía desconocida a los secretos últimos de la biología y, quizás, a nuevos procesos terapéuticos.

Sensoxenoma comenzó en 2019 de la mano del Instituto de Investigación Sanitaria de Santiago de Compostela (IDIS) y de los grupos de investigación GenPoB y GenVip de la universidad de la ciudad. Salas Ellacuriaga y el pediatra Federico Martinón son sus investigadores principales. Lo coordina la musicóloga y doctora en ciencias de la educación Laura Navarro y en él trabajan unas 60 personas. Su campo de estudio se encontraba, en buena parte, por rozar. “Hasta donde sabemos nadie en el mundo está explorando esta área”, asegura Salas, “hemos creado el concepto de sensogenómica [una disciplina de la ciencia genómica que busca investigar como los estímulos sensoriales repercuten en el ADN] y ya hemos publicado 12 trabajos científicos en revistas importantes, cuando no había nada”. Y todo surgió en una casa. En la de Salas, concretamente.

“Soy muy melómano. Y en mi familia la música ha funcionado a menudo como terapia y jugado un papel fundamental en la recuperación fisiológica de una de mis hijas”, relata, “yo quería entender qué pasaba”. Los efectos de la música en las personas los han estudiado neurocientíficos o psicólogos cognitivos, pero faltaba la perspectiva molecular. Genética. Si alguien se emociona al escuchar música, qué sucede en ese momento en los genes. “Intentamos comprender lo más básico, las páginas de la partitura de nuestra genética y como esta se expresa al estimularse”, metaforiza, “en este caso con la música, algo que seguro está enraizado en nuestro genoma”. Los instrumentos musicales más antiguos conocidos, recuerda, datan de hace 40.000 años. Y los seres humanos nacen siendo “seres musicales”, con sentido del ritmo.

Dimensión social de un proyecto científico

A partir de esas intuiciones, Sensoxenoma ha creado un método experimental en el que se combinan genética, transcriptómica (estudio de las moléculas de ARN), proteómica (estudio de las proteínas), microbiota (estudio de microorganismos vivos), psicofisiología y participación ciudadana. Y que obtiene sus muestras y resultados a partir de conciertos de la Real Filharmonía de Galicia en colaboración con asociaciones de pacientes con deterioro cognitivo, daño cerebral o trastornos del espectro autista. “El proyecto, cuya dimensión científica es fundamental, ha adoptado también una dimensión social importantísima. Trabajamos con 24 entidades”, anota Salas.

“Una persona con alzhéimer no recuerda el nombre de su hijo pero sí Ondiñas veñen. A los que padecen daño cerebral, la música suele servirles como terapia. Y aquellos con autismo poseen una sensibilidad especial para la música y hay estudios que relacionan esa condición con el oído absoluto”, explica sobre los motivos para centrar parte de las investigaciones en esos colectivos. Pero no solo. A los conciertos experimentales del Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela, han acudido todo tipo de personas. Van cinco ediciones.

La primera, en 2022, ya obtuvo resultados significativos. Habían asistido personas con deterioro cognitivo y otras que no. A todas les recogieron muestras de sangre -un pinchazo en el dedo- y saliva. Más de mil muestras. En las primeras, sus genes cambiaron de expresión casi el doble de veces en que en las segundas. Lo del “cambio de expresión” es importante. Lo recuerda Laura Navarro, musicóloga y coordinadora del proyecto. “El ADN, los genes, no cambian, no se modifican. Pero ante cualquier estímulo se expresan, eso es el ARN y lo que nosotros estudiamos”, indica. En cualquier caso, en esa primera experiencia musical, los genes cuya actividad estaba alterada de las personas con deterioro cognitivo tendían a cambiar el sentido de su desplazamiento tras el estímulo musical.

“Esta conclusión abre una hipótesis de posible respuesta compensatoria”, aduce un documento del proyecto, que también advierte: “Pero no demuestra que la música trate o cure una enfermedad neurodegenerativa”. De hecho, Sensoxenoma avisa contra los malentendidos de la divulgación. “Nuestro proyecto no pretende demostrar que la música cure alzhéimer, daño cerebral u otras patologías”, dice uno de sus dosieres, “sus resultados son investigación básica y traslacional que ayudan a describir mecanismos y generar hipótesis”.

Los conciertos continuaron. Incorporaron sensores de ritmo cardíaco y de actividad en la piel. Se recogieron muestras de lágrimas. Los repertorios también cambiaron: música clásica, a veces más popular -Carmen, de Bizet-, a veces menos; música de cine, más figurativa y asociada a emociones claras -tristeza, alegría. “Hay una parte biológica de la relación que tenemos con la música, una ancestralidad”, sostiene Navarro, quien además avanza que uno de sus objetivos para 2027 es utilizar otras músicas. Le interesan especialmente el jazz o la improvisación. “Dependiendo del estilo, el número de estímulos cambia. No es lo mismo una partitura de Beethoven que C. Tangana”, dice.

“Vemos cosas inimaginables”

“Estamos viendo cosas inimaginables. Algunas respuestas abren caminos para procesos terapéuticos”, defiende Antonio Salas, “y desde luego aportan información sobre la discapacidad”. Sus documentos señalan que la pregunta inicial, aquella “¿puede un estímulo musical producir una respuesta biológica medible?”, ya ha cambiado. Los resultados permiten “preguntas más precisas”: ¿Qué mecanismos se activan? ¿Qué personas responden de forma diferente? ¿Cuánto dura el efecto?

También los objetivos en el futuro inmediato del proyecto. Entre ellos, “explorar posibles aplicaciones de la música como intervención no farmacológica, siempre dentro de estudios clínicos específicos”. Parte ya lo han llevado a la práctica. El proyecto Euterpe ADN deriva de Sensoxenoma y consistió en un año de intervenciones en siete centros de mayores —con deterioro cognitivo o no— en Galicia y el norte de Portugal. El método tenía tres partes: la escucha, el canto y la práctica instrumental basada en la improvisación con instrumentos adaptados.

“Lo que me gustaría es contagiar la investigación del sensogenoma”, concluye Salas, “y en ello trabajamos. Pero la ciencia es un constructo lento”.

La programación de esta semana del Palacio de Festivales de Cantabria incluye el ballet de Lucía Lacarra y el estreno de la obra teatral 'Don Juan. Cenizas y sombras', de la compañía cántabra Ruido Interno.

El primer espectáculo será 'Lost Letters' (Cartas perdidas), a cargo de Lucía Lacarra Ballet que cuenta por primera vez con coreografía del bailarín canadiense Matthew Golding.

La sala Argenta acogerá la representación de esta danza el viernes 30 de octubre, a las 19.30 horas, con una duración de 70 minutos sin descanso.

Esta coproducción del Teatro Arriaga Antzokia, del Kursaal Eszena, del Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz y del Festival Internacional de Música y Danza de Granada con la colaboración de Teatros del Canal, está basada en una carta real escrita por el artillero de la Primera Guerra Mundial Frank Bracey a su esposa, Win.

Así, la pieza imagina cómo podría haber cambiado el destino de esa mujer si nunca hubiera llegado a sus manos la carta que le envió su amado esposo.

'Lost Letters' transforma una historia real en un guion y argumento original para un ballet, explora la temática de las conexiones perdidas e invita a reflexionar sobre el poder de la comunicación.

Estreno del Don Juan de Ruido Eterno

Y el sábado 31, a las 18.30 horas en la sala Pereda, será el turno del estreno de la obra teatral 'Don Juan. Cenizas y sombras', de Ruido Interno con una duración de 55 minutos sin descanso.

Con la interpretación de los jóvenes actores Gloria Aia Hermosa, Íñigo Sanz Vega, Aroa Gómez y Pablo González, bajo la dirección de Juan Carlos Fernández Izquierdo, la propuesta se adentra en una relectura del Don Juan Tenorio de José Zorrilla en la que aborda temas como la pasión, el honor, la traición y la redención desde la sensibilidad actual.

Además, lo hace con el uso del lenguaje propio que define la trayectoria artística de esta compañía cántabra: una cuidada dramaturgia visual, un tratamiento expresivo de la luz, la incorporación del vídeo y la música como elementos narrativos.

Este montaje tiene un significado especial, ya que nació hace más de veinte años en las aulas del IES Manuel Gutiérrez Aragón, en Torrelavega, donde Fernández Izquierdo fue profesor de los cuatro intérpretes. Aquella experiencia teatral despertó su vocación profesional.

Así, la producción se convierte en un homenaje a su trayectoria compartida y reivindica el valor de la educación artística como impulsora de vocaciones escénicas.

El Ágora Solidaria Cultura y Memoria Luis Toca de Santander acogerá este miércoles, 28 de octubre, una charla sobre el Día de Muertos, una de las tradiciones más arraigadas de la cultura mexicana.

La sesión comenzará a las 19.00 horas y correrá a cargo de la periodista mexicana Norma Saldaña, afincada en la capital cántabra desde hace cuatro años.

La actividad permitirá conocer el significado de una festividad que se celebra cada año los días 1 y 2 de noviembre y que rinde homenaje a los familiares y seres queridos fallecidos.

Frente a otras celebraciones vinculadas a estas fechas, el Día de Muertos destaca por la importancia que concede al recuerdo, a los vínculos familiares y a la transmisión de las costumbres entre generaciones, ha destacado la asociación en nota de prensa.

Uno de sus elementos más representativos son las ofrendas o altares que se preparan en los hogares. En ellos se reúnen fotografías de los difuntos, flores, veladoras, pan de muerto y alimentos que eran de su agrado, en una composición cargada de simbolismo que mantiene presente su memoria.

Durante el encuentro, Saldaña abordará los orígenes y los principales significados de esta celebración, además de explicar cómo se vive actualmente en México.

La charla tendrá también una parte práctica dedicada a la elaboración de una ofrenda tradicional, en la que se presentarán algunos de los elementos característicos de estos altares.

Al finalizar el acto, se ofrecerá un pequeño ágape con motivo de la celebración del primer aniversario del Ágora Solidaria Cultura y Memoria Luis Toca.

La entrada será gratuita hasta completar el aforo y el acto podrá seguirse en directo a través del canal de YouTube del Ágora Solidaria Cultura y Memoria Luis Toca.

La deportista Vanesa Almeida Querejazu presentará el próximo martes 27 de octubre, a las 19:00 horas, en el Espacio Difusión de Torrelavega (Pasaje de Saro, 4), su libro 'No somos el problema. El autismo sin filtro', una obra que invita a comprender el autismo desde la experiencia de quienes lo viven en primera persona.

Diagnosticada de trastorno del espectro autista (TEA) en la edad adulta, Almeida combina en este libro su propia trayectoria vital con conocimientos científicos para acercar la realidad de las personas autistas y contribuir a derribar prejuicios. La obra aborda cuestiones como la comunicación, la percepción sensorial, la autonomía y las barreras que dificultan la participación plena en la sociedad.

Campeona del mundo de vela, tres veces campeona de España y entrenadora del Equipo Paralímpico Español de Vela en los Juegos de Londres 2012, Almeida está actualmente vinculada a la alta montaña y al proyecto 8000 Sin Barreras, desde el que promueve la visibilización del autismo a través del deporte, la ciencia y la divulgación.

El libro cuenta con la colaboración técnica de la Cátedra de Autismo de la Universidad de Burgos y Autismo Burgos, que han contribuido a respaldar el rigor de sus contenidos.

Con esta publicación, la autora propone cambiar la mirada sobre el autismo: pasar de centrarse en las dificultades individuales a reconocer también las barreras del entorno y la necesidad de construir espacios más accesibles e inclusivos.

El Centro de Integración y Cooperación Social (OICOS) del Ayuntamiento de Santander ha organizado una nueva edición del programa 'Cine e inmigración' para promover la convivencia en la diversidad que, en esta ocasión, está dirigida a alumnos de las últimas etapas de Primaria y Secundaria.

Así, el Palacio de Exposiciones acogerá dos sesiones: una el jueves 26 de noviembre para alumnos de 5º y 6º de Primaria con la película 'Los Williams' -documental narrado en primera persona por los futbolistas Iñaki y Nico Williams-, y otra el viernes 27 dirigida a estudiantes de 3º y 4º de la ESO con 'Viaje al país de los blancos'.

“A través del visionado de estas películas, impulsamos la reflexión y el análisis de la actitud de los personajes que el alumnado trasladará a su propia experiencia a partir de los materiales didácticos”, ha indicado en nota de prensa el concejal del Cooperación al Desarrollo, Mateo Echevarría.

Y es que el objetivo de esta propuesta es desarrollar en el alumnado una actitud crítica que rechace cualquier tipo de discriminación racial, así como fomentar valores esenciales como la diversidad cultural, igualdad, solidaridad y cooperación. Por ello, el edil ha animado a los colegios de la ciudad a participar de este programa y ha informado de que los interesados pueden inscribirse a través del correo irudibiziak@irudibiziak.com.

Películas

En la cinta 'Los Williams', los dos hermanos, futbolistas, vascos y “beltzas”, descendientes de ghaneses, narran su historia a través de los dos años más cruciales de sus vidas. Desde su histórica participación en el Mundial de Catar por dos selecciones diferentes, hasta la ansiada victoria del Athletic Club en la Copa del Rey tras 40 años, y el triunfo de Nico en la Eurocopa. Dos estrellas internacionales, cara a cara con su pasado y su futuro, a través de los conflictos que han marcado su vida: racismo, identidad, frustración, ambición, y éxito.

Mientras, 'Viaje al país de los blancos' está basada en la historia real de Ousman Umar, un joven ghanés que abandona su aldea atraído por la idea del “país de los blancos”, un lugar lejano que alimenta su curiosidad. Tras una travesía llena de obstáculos llega a Barcelona y descubre que la vida allí no es como él la imaginaba, hasta que conoce a Montse, que le acoge en su familia y le ofrece, además de amor y apoyo, la posibilidad de un futuro.

¿Y si reconocer una imagen en la pantalla no fuera lo mismo que comprenderla? En un ecosistema digital saturado de estímulos donde los contenidos circulan a velocidad de vértigo, detenerse a observar se ha convertido en una forma de resistencia y pensamiento crítico. Bajo esta premisa arranca ‘ERROR 422’, la nueva propuesta expositiva de la artista cacerense Beatriz Castela, que se exhibe en la Sala de Arte El Brocense de Cáceres hasta el próximo 21 de noviembre.

El título de la muestra toma prestado un código del lenguaje informático: aquel que señala una petición web cuya estructura es reconocida por el sistema, pero cuyo contenido resulta imposible de procesar. Castela traslada este concepto técnico al terreno de la percepción humana para poner en duda la relación que mantenemos con el flujo constante de imágenes que consumimos a diario.

“He querido trabajar sobre cómo procesamos hoy las imágenes o cómo las entendemos en un universo tan tecnológico como al que nos estamos enfrentando”, explicaba la autora durante la presentación de la muestra. A través de la pintura, el dibujo, la escultura y diversas instalaciones, la exposición explora las fronteras entre lo intangible y lo físico, cuestionando si lo que percibimos a través de una pantalla es fruto de un automatismo algorítmico o de un trabajo manual detallado.

Un freno al consumo automático de pantallas

Durante la inauguración, la vicepresidenta primera de Territorio, Igualdad y Cultura de la Diputación de Cáceres, Esther Gutiérrez, subrayó el valor del arte como herramienta para desarticular los discursos automáticos y fomentar la reflexión en la sociedad actual: “En momentos tan complicados debemos pararnos más a observar y no solo mirar; pararnos a analizar. Esta exposición ayuda a salir de la zona de confort con preguntas sobre el mundo que nos rodea”.

El trabajo de Castela invita al espectador a confrontar la apariencia de las obras. En un diálogo entre lo efímero y lo perdurable, la creadora demuestra que la mirada contemporánea a menudo confunde la superficie con el proceso, cayendo en la trampa de dar por entendida una realidad solo por el hecho de haberla visto repetida en un dispositivo.

Trayectoria investigadora y docente

Beatriz Castela (Cáceres, 1985) es artista visual, doctora en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y docente en esta misma institución, donde investiga en el Instituto de Arte y Tecnología de la Animación (ATA). Su obra, volcada en analizar la relación entre el espectador y la virtualidad, ha formado parte de las colecciones de centros de referencia como el MEIAC de Badajoz, el Museo Vostell Malpartida o el Museo de Cáceres, además de haber sido expuesta en países como Portugal, Colombia, Cuba o Corea del Sur.

La exposición ‘ERROR 422’, impulsada por la Diputación Provincial de Cáceres, permanecerá abierta al público en la Sala de Arte El Brocense (calle San Antón, 17) hasta el 21 de noviembre de 2026. La entrada es libre y gratuita.