El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, ha presidido hoy, 27 de julio, el acto de entrega de los Premios de Investigación del Instituto de Estudios Riojanos (IER), unos galardones creados en 2018 para fomentar la investigación científica, el desarrollo y la innovación tecnológica en La Rioja, así como la formación, cualificación y desarrollo de los investigadores riojanos dentro del Espacio Europeo de Enseñanza Superior e Investigación. En esta edición, los premios han recaído en dos investigadores agregados del IER: Roberto Rodríguez Andrés, en la categoría de investigadores a partir de 36 años, y David Labarga Varona, en la modalidad de hasta 35 años.

El Premio de Investigación para investigadores a partir de 36 años ha distinguido el trabajo 'Entre bambalinas. Biografía de Antonio Alesanco (1852-1935), el comerciante, empresario de teatro y político riojano que fue primer presidente de la Mutua Madrileña', de Roberto Rodríguez Andrés. Por su parte, David Labarga Varona ha obtenido el galardón en la categoría de hasta 35 años por la investigación 'Estudio del impacto de diferentes prácticas agrícolas en vid sobre la microbiota del suelo y el mosto'.

La recuperación de un protagonista de la modernización de España

La investigación de Roberto Rodríguez Andrés, logroñés, licenciado y doctor en Periodismo, recupera la figura de Antonio Alesanco (Berceo, 1852-Madrid, 1935), comerciante, empresario teatral y político riojano que alcanzó una destacada relevancia en la España de comienzos del siglo XX y cuya trayectoria había permanecido prácticamente olvidada.

La obra reconstruye su recorrido desde sus orígenes humildes hasta convertirse en uno de los comerciantes más prestigiosos de Madrid, impulsor del Teatro Romea como referente de las variedades, empresario en sectores como el inmobiliario, el eléctrico y el asegurador y primer presidente de la Mutua Madrileña. Asimismo, analiza su actividad política como diputado y concejal, además de su permanente vinculación con La Rioja, donde impulsó la reconstitución del Centro Riojano de Madrid en 1930. El estudio contribuye también a profundizar en los procesos de modernización económica, cultural y política de la España de principios del siglo XX a través de la recuperación de una figura riojana de gran proyección nacional.

Conocimiento para una viticultura más sostenible

En la categoría de hasta 35 años, el jarrero David Labarga Varona, biólogo y doctor en Enología, ha sido reconocido por una investigación centrada en el impacto de distintas prácticas agrícolas sobre la microbiota del suelo, la rizosfera y el mosto en viñedos de la Denominación de Origen Calificada Rioja, con el objetivo de aportar conocimiento que contribuya a una viticultura más sostenible y resiliente frente a desafíos como el cambio climático y la degradación del suelo.

Desarrollado entre 2019 y 2024 en cuatro viñedos riojanos, el estudio concluye que la añada y la localización son los principales factores que condicionan la microbiota del viñedo y demuestra que determinadas prácticas agronómicas pueden favorecer la biodiversidad del suelo y mejorar la adaptación del cultivo a escenarios de sequía. Entre sus resultados, destaca que los acolchados orgánicos mejoran la biodiversidad microbiana a largo plazo, que la elección del portainjerto constituye una herramienta útil frente al estrés hídrico y que el riego con agua ozonizada presenta un impacto muy limitado sobre la microbiota en las condiciones analizadas.

La investigación forma parte de la tesis doctoral defendida por el investigador en el Instituto de Ciencias de la Vid y del Vino (ICVV), dentro del programa de Doctorado en Enología, Viticultura y Sostenibilidad de la Universidad de La Rioja. La tesis obtuvo la calificación de sobresaliente cum laude, con Mención Internacional y propuesta para Premio Extraordinario de Doctorado, y sus resultados se han difundido mediante publicaciones científicas internacionales y congresos especializados.

Los Premios de Investigación del Instituto de Estudios Riojanos se convocan anualmente en régimen de concurrencia competitiva y cuentan con una dotación de 10.000 euros para cada una de sus dos categorías: investigadores de hasta 35 años e investigadores a partir de 36 años.

El alcalde de Sevilla, José Luis Sanz, ha inaugurado en la mañana de este lunes la placa dedicada a Luis Cernuda en el Paseo de los Poetas de la Generación del 27, ubicado en la calle Tetuán. En contexto, se trata de la segunda placa que se descubre en este proyecto tras la dedicada a Ignacio Sánchez Mejías el pasado 15 de junio.

Durante su intervención, Sanz ha destacado que Cernuda fue “posiblemente el poeta más universal que dio Sevilla”. “Sin Cernuda, sin su mirada y sin su voz, la Generación del 27 no habría sido la misma. Sevilla tiene con él una deuda de memoria que hoy empezamos a saldar en las calles de la ciudad”, ha apostillado.

Asimismo, el Consistorio ha confirmado que las obras de rehabilitación de la Casa Luis Cernuda concluirán en los próximos días, lo que permitirá su apertura el próximo 16 de diciembre, fecha en la que arrancará la conmemoración del centenario de la Generación del 27, coincidiendo con el aniversario del histórico encuentro de 1927.

Por ese motivo, el primer edil ha agradecido al Ilustre Colegio de Abogados de Sevilla, representado por su decano, Óscar Fernández; su compromiso con el patrimonio inmaterial de la ciudad y su patrocinio de esta placa puesto que “que sea el Colegio de Abogados quien haga posible este homenaje tiene un valor especial, porque es la institución heredera de aquellas aulas de Derecho de las que salió el poeta. Gracias a su colaboración, Sevilla sigue completando este paseo por su memoria literaria”.

Así es el Paseo de los Poetas del 27

El proyecto propone transformar el propio pavimento de esta emblemática vía del casco histórico, donde estuvo ubicado el histórico Ateneo de Sevilla, en un espacio de memoria viva. A lo largo de la calle se dispondrán placas de bronce de 35 x 35 centímetros, integradas en el suelo, en las que figurará el nombre de cada uno de los miembros de la Generación del 27. De este modo, el paseo urbano se convertirá en un recorrido cultural y emocional, en el que vecinos y visitantes caminarán literalmente sobre la huella de quienes renovaron la poesía, el teatro y el pensamiento estético del siglo XX.

Cada placa recogerá el nombre del poeta o poetisa homenajeado, sus años de vida y los símbolos que identifican tanto a la ciudad como a la conmemoración centenaria. El proyecto tiene un carácter participativo: instituciones, empresas, colectivos y ciudadanos patrocinarán las placas de los distintos miembros del grupo. En la actualidad ya están patrocinadas más de veinte placas, entre ellas las de Federico García Lorca, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Jorge Guillén, Vicente Aleixandre, Pedro Salinas o María Zambrano. El Consistorio se ha encargado de la primera de ellas, la de Sánchez Mejías.

Actos por el centenario de la Generación del 27

La conmemoración arrancará oficialmente el próximo 16 de diciembre de 2026, coincidiendo con el aniversario del encuentro histórico que dio origen al grupo, con la apertura de la Casa Luis Cernuda, uno de los grandes proyectos patrimoniales y literarios del Ayuntamiento.

A partir de ese momento se desplegará una ambiciosa programación que incluirá la gran exposición que acogerá la Real Fábrica de Artillería, en colaboración con la Junta de Andalucía, y un congreso organizado conjuntamente con la Universidad de Sevilla, el Ateneo de Sevilla y la Real Academia Sevillana de Buenas Letras. El programa se extenderá hasta diciembre de 2027.

El Ateneo de Sevilla, institución que hizo posible aquel encuentro fundacional de 1927, será junto al Ayuntamiento uno de los principales actores de esta conmemoración. Así, el Paseo de los Poetas se irá completando progresivamente, nombre a nombre, hasta que todos los poetas del 27 estén presentes en la ciudad que los acogió y en la que forjaron un movimiento universal.

El amanecer de este domingo dejó sus tonos anaranjados para teñirse de los 11 colores universales. Alrededor de 500 personas desnudas y pintadas en homenaje a la bandera del Orgullo desfilaron frente a la catedral de Santa Ana, en Las Palmas de Gran Canaria, bajo las directrices de los asistentes del artista Spencer Tunick, que observaba la escena con su cámara en mano desde la terraza de las Casas Consistoriales de la ciudad. Todo salió como se esperaba, hasta que terminó la intervención y tocaba quitarse la pintura.

Aunque la mayoría de los participantes optó por retirarse la pintura corporal en las duchas de sus casas, otros decidieron hacerlo directamente en el mar. Durante la mañana se vio a varias personas lavándose en zonas de la playa de Las Canteras, como Playa Chica o La Cícer, tiñendo el agua de un llamativo color azul fosforescente, tal y como publica la cuenta de X Mi laya de Las Canteras. Las imágenes no tardaron en generar indignación entre vecinos y usuarios de la playa, que cuestionaban por qué no se utilizaban duchas o instalaciones adecuadas para eliminar la pintura.

La pintura corporal utilizada en las intervenciones de Spencer Tunick es biodegradable, no tóxica y soluble en agua, características que garantizan que, tratada correctamente, no representa un riesgo para el medio ambiente. Sin embargo, esto no significa que pueda eliminarse en el mar. Que un producto sea biodegradable implica que sus componentes pueden descomponerse de forma segura en determinadas condiciones, como las que ofrecen las plantas de tratamiento de aguas o los sistemas de compostaje, pero no que esté diseñado para ser vertido de manera masiva en un ecosistema natural como el océano.

¿Qué ocurre si te quitas la pintura de Spencer Tunick en el mar?

Aunque el impacto de una sola persona pueda parecer reducido, el problema surge cuando cientos de participantes se lavan al mismo tiempo en la misma zona. Esa concentración repentina de pintura genera un episodio puntual de contaminación que el ecosistema marino no puede absorber de forma inmediata.

Los compuestos orgánicos presentes en la pintura pueden favorecer la proliferación de microorganismos que consumen el oxígeno disuelto en el agua durante su proceso de degradación. Esta disminución del oxígeno puede afectar especialmente a la microfauna marina y a otros organismos sensibles que habitan en la orilla, además de alterar temporalmente el equilibrio del ecosistema costero.

¿Cómo debe retirarse correctamente la pintura corporal?

La organización de este tipo de intervenciones suele establecer protocolos específicos para minimizar cualquier impacto ambiental. La forma adecuada de retirar la pintura es utilizar las duchas habilitadas por la organización o hacerlo en casa con agua, jabón neutro y una esponja.

De este modo, las aguas residuales llegan a la red de saneamiento y son tratadas en las estaciones depuradoras antes de su devolución al medio, evitando que los restos de pintura alcancen directamente el mar y reduciendo al mínimo su impacto sobre la flora y la fauna marinas.

“Tras un intenso periodo de reflexión, he llegado a la conclusión de que este es el mejor momento para decir adiós a la Crónica. Decir adiós es elevar algo a lo divino y la crónica para mi es algo sagrado”. Así lo manifestó ayer al finalizar la quinta y última representación de la edición número 58 de Crónica Najerense.

“Tras un primer momento de sorpresa e incredulidad, el sentimiento mutuo que impera es el de gratitud”, dicen desde la organización del evento, que incide en dar las gracias a Del Pozo: “Gracias, Mabel. Siempre formarás parte de la Crónica”. “Haber tenido la oportunidad de disfrutar y compartir momentos muy intensos y emotivos, de todo lo vivido a lo largo de estos siete años, y los aprendizajes que dejan una huella profunda en el corazón y un recuerdo luminoso de agradecimiento”, añaden.

En breve, la Crónica iniciará la búsqueda de un nuevo director o directora para que se haga cargo de la representación najerina.

Balance de la 58 edición

Bernardo Sánchez, en su calidad de “Heraldo de la Crónica” dio, el pasado 10 de julio en el Claustro de los Caballeros, el pistoletazo de salida a la 58o edición de Crónica Najerense reivindicando la magia del Claustro en un emotivo pregón inaugural.

Con la misma ilusión con la que nació hace casi seis décadas, Crónica Najerense ha vuelto a trasladar al espectador a la Nájera medieval; del 21 al 25 de julio la plaza de Santa María, transformada en corral de comedias, ha vuelto a bullir en ruidos y músicas.

Remarcar que, el 21 de julio, día del estreno, se alcanzaron las 300 representaciones. En este viaje al medievo riojano, una visión fantasmagórica de los Reyes desde al año 820 hasta 1076, da paso a diversas escenas como la proclamación del Fuero de Nájera, algo tan medieval como un juicio de Dios, una boda real...hasta el clásico y majestuoso Reparto del Reino, que, con más de 100 personas en escena, a decir de muchos, sigue siendo, junto con la Calumnia, unos de los momentos cumbre de la representación.

Sin olvidar, el entierro del rey Sancho III que resulta luctuoso y sobrecogedor, la boda del rey don García, o como Celia y Marcelo nos cuentan en vivo y en directo su maravillosa historia de amor.

Este año el homenaje al actor veterano ha sido para Julio García, que además de participar durante muchos años ha sabido trasmitir a sus hijos el amor 'por la Crónica. La respuesta del público ha sido magnífica, con una ocupación superior al 95,5%, destacando que jueves viernes y sábado se colgó el cartel de “Localidades agotadas”.

“Ver el patio de butacas lleno, además de ser un gozo, sirve de acicate para ir con mucha fuerza a por la quincuagésimo novena edición”, dicen. El día del estreno se contó con la presencia de Gonzalo Capellán, presidente de La Rioja y José Luis Pérez Pastor, consejero de Cultura.

El miércoles 22 de julio vino a vernos Fernando Saéz Lara, subdirector general del Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE), quien dijo, entre otras cosas, sentirse “muy emocionado al termino de esta estupenda representación”.

“Impresionante, excelente, espectacular, grandioso, magnífico, divertido y didáctico, una verdadera experiencia inmersiva”, son algunos de los títulos de los comentarios recibidos a través de la plataforma de venta de entradas.

A falta de datos definitivos, desde la organización apuntan que “podemos afirmar que el impacto económico de la esta edición rondará los 200.000 euros”, ante lo que finalizan dando “las gracias a todos los que lo han hecho posible”.

Los Jardines de Pereda se convertirán este fin de semana en el gran escaparate del queso artesano de la región con la celebración de la VIII Feria del Queso de Cantabria, una cita organizada por el Ayuntamiento de Santander y la Cofradía del Queso de Cantabria que reunirá del 31 de julio al 2 de agosto a 14 queserías y productores de la comunidad autónoma.

En esta octava edición participarán las queserías Ándara, Albuzano, El Carmen, El Pendo, Javier Campo, La Brañuca, La Providencia, La Sobanuca, Pasiega de Peña Pelada, Quesoba, Río Corvera, 7 Villas, Tasugueras y Tresgallo, representantes de las tres Denominaciones de Origen Protegidas de Cantabria: Picón Bejes-Tresviso, Quesucos de Liébana y Queso de Nata de Cantabria.

Según ha informado el Consistorio, como uno de los grandes atractivos del evento, cada quesería ofrecerá un pincho elaborado con queso artesano cántabro por un precio único de 2 euros. Los asistentes podrán degustar propuestas muy variadas, desde brochetas de quesos y tartaletas de queso azul hasta originales elaboraciones con queso a la plancha, entre otras especialidades.

La feria abrirá sus puertas los tres días de 11.30 a 15.30 horas y de 18.00 a 22.00 horas. Además de la oferta expositiva y gastronómica, contará con una amplia programación paralela para todos los públicos, que incluirá conciertos, actuaciones de música y danza tradicional cántabra, sesiones de DJ en vinilo, catas comentadas, talleres de elaboración de queso y una zona de bebidas con vinos, cervezas artesanas y vermús elaborados en Cantabria.

La alcaldesa, Gema Igual, ha animado a santanderinos y visitantes a acercarse a este evento que pone en valor uno de los productos más representativos de la gastronomía regional y el “excelente trabajo” que desarrollan las queserías artesanas de Cantabria.

“La Feria del Queso se ha consolidado como una cita imprescindible del verano santanderino porque une tradición, calidad, promoción del producto local y dinamización económica y turística. Es una magnífica oportunidad para disfrutar de nuestra identidad gastronómica y apoyar a un sector que forma parte del patrimonio y de la riqueza de Cantabria”, ha destacado.

La regidora ha subrayado que iniciativas como esta feria “contribuyen a promocionar nuestros productos de calidad, respaldan al sector agroalimentario de la región y enriquecen la oferta cultural y de ocio de Santander durante el verano, generando además un importante atractivo para quienes nos visitan”.

Por su parte, el Gran Maestre de la Cofradía del Queso de Cantabria, Adolfo Izaguirre, ha puesto en valor el trabajo que desarrolla la entidad para promocionar el patrimonio quesero de la comunidad contribuyendo a difundir “la excelencia de un producto que forma parte de la identidad gastronómica de Cantabria” y ha destacado que los quesos cántabros figuran “entre los más reconocidos y premiados” del panorama nacional.

La banda extremeña Sanguijuelas del Guadiana protagonizará los actos oficiales del Día de Extremadura en el Teatro Romano de Mérida. Según ha anunciado la Junta de Extremadura, la formación de Casas de Don Pedro ofrecerá un concierto gratuito el próximo 8 de septiembre en el monumento emeritense, además de encargarse de la actuación de cierre de la ceremonia de entrega de las Medallas de la región durante la noche previa, el 7 de septiembre.

El anuncio llega semanas después de que el grupo decidiera retirar de su agenda pública la fecha prevista en el Teatro Romano. Este movimiento se produjo tras la controversia generada el pasado mes de junio, cuando el Consorcio de la Ciudad Monumental de Mérida revocó la autorización para un concierto de Pablo López al considerar que no respetaba el criterio de exclusividad regional requerido para actuar en dicho espacio. Finalmente, la Junta organiza este evento en exclusiva en el marco del día grande de la comunidad con el objetivo de “acercar la cultura y el talento extremeño a la ciudadanía”.

La banda, galardonada recientemente como Mejor Nuevo Artista en los Premios de la Academia de la Música, pondrá el broche final al acto institucional de las Medallas de Extremadura la noche del lunes 7 de septiembre. La Junta ha detallado que ofrecerán un repertorio preparado especialmente para la parte festiva del evento que incluirá “alguna colaboración sorpresa”. Para esta cita previa, el acceso será libre hasta completar el aforo del recinto y se controlará mediante pases físicos.

Entradas mediante sorteo notarial para el día 8

Desde el Ejecutivo regional han puesto en valor que Sanguijuelas del Guadiana representa “una de las propuestas musicales más originales y con mayor proyección del panorama nacional”, destacando su capacidad para reivindicar la identidad rural y conectar “con fuerza” con el público joven.

Para el concierto principal del 8 de septiembre, la distribución de las localidades gratuitas se gestionará a través de la página web oficial del grupo y se dividirá en varias fases con el fin de garantizar la “igualdad de oportunidades”.

En los próximos días se abrirá un periodo de registro previo en la web de la banda para todas las personas interesadas. Transcurrido este plazo, se celebrará un sorteo telemático ante notario y a cada persona agraciada se le asignarán dos entradas, pudiendo elegir sus asientos de forma directa en la propia plataforma digital.

Lo que nació en 1920 como un refugio imprescindible para las obras de los artistas becados por la Diputación de Badajoz ha evolucionado hasta convertirse en la principal pinacoteca de la región. Con un fondo que supera las 2.000 piezas firmadas por más de 300 autores, el MUBA custodia cinco siglos de creación plástica y actúa como un hilo continuo que enlaza el pasado renacentista con la vanguardia más reciente, sosteniendo una memoria visual que Extremadura no ha dejado de ampliar.

La raíz del proyecto: una respuesta a una necesidad urgente

A principios del siglo XX, la situación del patrimonio artístico regional era precaria. Los artistas becados por la Diputación creaban obras de indudable valor que, al finalizar las pensiones de formación, quedaban huérfanas, sin una institución que garantizara su custodia. La figura del pintor Adelardo Covarsí fue determinante para revertir esta desidia. Convencido de que Extremadura no podía permitirse el lujo de perder el rastro de sus creadores, impulsó la creación del museo aprovechando el impulso de un Real Decreto de 1919. La Diputación de Badajoz hizo suya la causa y apenas doce meses después, las primeras salas abrían sus puertas.

Aquellos primeros años no fueron fáciles. El museo sobrevivía en los márgenes de la actividad institucional, ocupando tres salas de la planta baja del Palacio Provincial que debían ser desalojadas cada vez que el calendario administrativo requería el uso de los espacios. Fue un tiempo de convivencia forzosa que subrayó la urgencia de dotar a la institución de un edificio independiente y definitivo.

De las estrecheces a la ambición contemporánea

La historia del MUBA es, sobre todo, una crónica de crecimiento sobre la marcha. Las reformas de los años sesenta sirvieron de parche, pero fue la adquisición de la casa palacio de la calle Meléndez Valdés, en 1978, la que permitió al museo ordenar su relato expositivo. El siguiente salto de escala ocurrió en 1998, cuando se incorporó el inmueble de la calle Duque de San Germán, frente a la ermita de la Soledad.

Sin embargo, el punto de inflexión llegó bien entrado el siglo XXI con el proyecto DOTS. La inversión de más de cinco millones de euros, materializada en 2015, no supuso solo ganar metros cuadrados —hasta alcanzar los 3.300 actuales—, sino resolver el diálogo entre el peso histórico y la arquitectura contemporánea. El estudio Hago logró integrar en el casco antiguo de Badajoz una estructura de hormigón blanco perforado que filtra la luz, un diseño reconocido internacionalmente que convirtió al museo en candidato al prestigioso Premio Mies van der Rohe.

El hilo narrativo: del siglo XVI a Eduardo Naranjo

El recorrido por sus salas permite seguir el pulso de la plástica española sin perder la perspectiva regional. La colección es un muestrario de la evolución estética: desde la rigurosidad de los maestros del Renacimiento y el Barroco —con Luis de Morales como referencia obligada— hasta la explosión del siglo XIX y XX.

El museo ejerce una labor de memoria indispensable al dar contexto a figuras como Eugenio Hermoso, Enrique Pérez Comendador, Godofredo Ortega Muñoz, Juan Barjola o Ángel Duarte. La reciente apertura de la sala permanente dedicada a Eduardo Naranjo, inaugurada en mayo tras el acuerdo entre la Diputación y la fundación del artista, es la prueba de que el MUBA no es un cementerio de obras, sino un ente dinámico. Al renovar periódicamente las piezas de Naranjo, el museo garantiza que la mirada sobre el hiperrealismo extremeño se mantenga viva.

Más allá del muro: investigación, catalogación y futuro

La impresión que recibe el visitante en las salas es solo la superficie visible de un trabajo mucho más profundo. La vida cotidiana del MUBA se decide en los talleres de restauración, donde cada pieza recupera su integridad, y en las mesas de catalogación, donde se ordena y se interpreta el patrimonio que custodia la institución. En paralelo, el museo ha emprendido un esfuerzo técnico sostenido para volcar su inventario en plataformas como Hispana y Europeana, una apuesta que ha ampliado de forma decisiva el acceso público a sus fondos y ha permitido que su colección circule más allá de las fronteras físicas de Badajoz.

En este momento, la institución trabaja en una nueva fase de modernización cofinanciada por el programa estatal del 2% Cultural. No se trata solo de reformar espacios, sino de adaptar la climatización y la eficiencia energética a las exigencias que impone la conservación del siglo XXI. Es un trabajo silencioso, pero vital para asegurar que, cuando pasen otros cien años, el legado artístico que empezó Covarsí siga siendo el pilar sobre el que Extremadura entiende su propia identidad creativa.

En paralelo a esta expansión material y simbólica, el museo ha ido afinando una vocación que hoy lo define con claridad: ser un espacio donde la ciudadanía aprende a mirar. Cada nueva exposición temporal, cada actividad educativa y cada alianza con otras instituciones refuerza esa función pública que convierte al MUBA en mucho más que un contenedor de obras. Es un lugar que enseña a interpretar el patrimonio, a reconocer la potencia de la creación contemporánea y a situar la cultura en el centro de la vida colectiva. En esa tarea —discreta, constante, profundamente formativa— reside la verdadera medida de su futuro.

Un sencillo “Good evening” marcó el inicio de la velada mientras Diana Krall se acomodaba frente a su piano. Era la última tarde de la 61ª edición del Jazzaldia de Donostia, y el auditorio del Kursaal había anunciado su venta completa, manteniendo incluso una lista de espera para presenciar la vigésima visita de la artista canadiense al festival. Durante dos horas, la pianista y su banda se propusieron inmutar al público donostiarra a través de una mezcla de talento, complicidad y genialidad.

El concierto arrancó con un solo de piano que abrió paso a la interpretación de ‘Let’s fall in love’. Mientras las notas de ‘We just couldn’t say goodbye’ y ‘Just like a butterfly that’s caught in the rain’ flotaban en la sala, las luces se volvieron guías. Cuando la banda al completo –integrada por el bajista Dennis Crouch, el guitarrista Marc Ribot y el batería Jay Bellerose– participaba, el escenario brillaba a la vez que se teñía de colores. En los momentos de los solos individuales, le acompañaba una única luz, obligando al público a admirar al artista en acción.

Los pelos se pusieron de punta durante 'I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter'. Tras este número, Krall no ocultó su entusiasmo y compartió su sentir con el auditorio. “I really enjoyed that, I really enjoy playing with these men”, expresó en referencia a sus músicos. Esa sintonía fue palpable en piezas como ‘Fly away home’, donde se pudo apreciar un destacado solo de percusión tras haber disfrutado previamente de las intervenciones del bajo y la guitarra.

Más allá de los estándares como ‘I’ve got you under my skin’ o ‘I’M Confessin’’, Krall ofreció regalos musicales en forma de versiones, incluyendo ‘It's All Over Now, Baby Blue’ de Bob Dylan y una pieza de la artista Eleanor Collins. Esta versatilidad refuerza su imagen como un puente entre la música clásica y la popular, una identidad artística forjada desde que comenzó a tocar a los cuatro años en Nanaimo.

La sesión, definida por un tono tranquilo y relajante, llevó al público a un momento de desconexión del mundo exterior para centrarse únicamente en la impresionante presencia de la música. Antes de despedirse, Krall se dirigió a los asistentes con un escueto pero sincero “what a wonderful audience”. Su paso por el Kursaal dejó la huella de una intérprete que busca la excelencia y el respeto por la tradición, cerrando el festival con la calidez emocional que la caracteriza.

Russell Crowe ya está en Gran Canaria. El actor, conocido por interpretar a Máximo en Gladiator y al matemático John Forbes Nash en Una mente maravillosa, aterrizó este sábado en la isla para participar en un nuevo proyecto cinematográfico internacional.

El ganador del Oscar permanecerá en Gran Canaria durante los próximos días para el rodaje de El último druida (The Last Druid), una producción de fantasía que ha elegido varios escenarios de la isla y que reúne a un destacado reparto internacional.

La película está dirigida por el cineasta estadounidense William Eubank, que aprovechará diversos parajes naturales de Gran Canaria para recrear la antigua Caledonia, el territorio que hoy ocupa Escocia.

Y sí, Russell Crowe volverá a la época del Imperio romano. Pero esta vez cambiará de bando. Más de 25 años después de convertirse en el general Máximo en la premiada película de Ridley Scott, el actor interpretará a un anciano líder celta obligado a empuñar de nuevo las armas para enfrentarse a las legiones romanas y defender a su pueblo.

Le acompañará un reparto internacional formado por Rose Leslie (Juego de Tronos), Andreas Pietschmann (Dark), Daniel Zovatto (No respires) y el australiano Stacy Clausen.

A pesar de que inicialmente el equipo tenía previsto rodar parte de la película en Cataluña, las autoridades autonómicas suspendieron el permiso para filmar en la zona de Sant Cugat por motivos de prevención sanitaria ante el brote de peste porcina, lo que obligó a reorganizar el plan de rodaje.

Gran Canaria se convirtió entonces en uno de los principales escenarios de la producción, favorecida por su competitiva política de incentivos fiscales para el sector audiovisual y por la participación del productor grancanario Adrián Guerra, a través de Nostromo Pictures.

Así es El último druida, la película que rueda en Gran Canaria

Ambientada en la antigua Caledonia, el territorio que hoy ocupa Escocia, El último druida narra la resistencia de las tribus celtas frente al avance del Imperio romano. La película combina acción, aventura y fantasía en una historia marcada por la lucha por la supervivencia, la defensa del territorio y el choque entre dos civilizaciones.

Cortes y restricciones al tráfico en Telde

Según anunciaba el Ayuntamiento de Telde unos días antes de la llegada de Russell Crowe, el municipio tendrá algunas limitaciones en el tráfico rodado y en el movimiento de peatones, además de la ocupación de zonas de aparcamiento durantes los días que la productora Nostromo Pictures lleve a cabo la grabación, prevista entre el 26 y 29 de julio y el 9 y 10 de agosto.

Las zonas afectadas son Hoya del Pozo, Playa del Hombre y el sector del Bufadero de La Garita. En concreto, en las calles Laurel, Lope de Vega, Pío Baroja y Félix Alvo, en las avenidas de Playa del Hombre y del Bufadero, en el parking de la playa de Hoya Pozuelo y en el paseo marítimo de Hoya Pozuelo.

Zonas afectadas por la grabación de El último druida

La intervención comenzó antes del amanecer en un ambiente de expectación y euforia colectiva. Los cerca de 500 voluntarios, reunidos desde primera hora en las inmediaciones de la plaza de Santa Ana, se pintaron el cuerpo con uno de los once colores asignados -negro, marrón, turquesa, rosa, blanco, rojo, naranja, amarillo, verde, añil y violeta- antes de ocupar su posición. Desde la azotea de las Casas Consistoriales y con la ayuda de un megáfono, el fotógrafo estadounidense Spencer Tunick fue guiando cada movimiento hasta completar la gigantesca bandera arcoíris humana entre aplausos, vítores y decenas de fotografías de los propios participantes.

Tras finalizar la sesión, Spencer Tunick, considerado uno de los artistas más reconocidos del mundo por sus instalaciones fotográficas con cuerpos desnudos, explicó que con Gran Spectrum había querido representar “el gran espectro de la identidad LGTBIQ+” y reivindicar la aceptación del cuerpo como símbolo de libertad y diversidad. “Donde quiera que los cuerpos sean aceptados, desnudos, al unísono y no separados, es un paso adelante hacia el futuro”, afirmó. Cuando la composición se disolvió y los participantes comenzaron a hacerse selfies entre ellos, la intervención dejó tras de sí una de las imágenes más singulares que ha vivido Vegueta, antes de que el equipo se trasladara a una segunda localización, en el entorno de la Casa de Colón, para completar la obra fuera de la mirada del público.

Las primeras luces del domingo apenas habían comenzado a iluminar la fachada de la Catedral de Santa Ana cuando el silencio habitual de Vegueta quedó sustituido por una imagen inédita. Cientos de personas desnudas, pintadas con once colores diferentes, ocuparon la plaza siguiendo las indicaciones del fotógrafo estadounidense Spencer Tunick hasta formar una gigantesca bandera arcoíris hecha de cuerpos humanos.

La intervención, bautizada como Gran Spectrum, reunió a cerca de 500 participantes en el casco histórico de Las Palmas de Gran Canaria como parte de la programación de Culture & Business Pride 2026. La obra convirtió durante unos minutos uno de los espacios más emblemáticos de la capital grancanaria en un símbolo de diversidad, libertad y reivindicación de los derechos del colectivo LGTBIQA+.

Desde la azotea de las Casas Consistoriales, Tunick dirigió la composición mientras los voluntarios, distribuidos por gamas cromáticas, ocupaban el pavimento de la plaza hasta completar una enorme bandera arcoíris humana. La fotografía aprovechó la luz del amanecer para capturar una de las imágenes más singulares que ha acogido la ciudad en los últimos años.

La primera gran intervención de Spencer Tunick en Canarias

Con esta instalación, Las Palmas de Gran Canaria entra en el reducido grupo de ciudades elegidas por Spencer Tunick para desarrollar sus intervenciones artísticas, junto a enclaves como Nueva York, Barcelona, Londres, Viena, Sídney o Ciudad de México, donde el fotógrafo llegó a reunir a más de 18.000 personas.

Los participantes comenzaron a concentrarse a primera hora de la mañana en las calles próximas a la plaza de Santa Ana. Tras recibir un bote de pintura corporal, cada uno se aplicó el color asignado antes de acceder al espacio donde el artista fue reorganizando las filas hasta lograr la composición definitiva. Después de la sesión principal, el equipo se desplazó a una segunda localización en el entorno de la Casa de Colón, cuya realización se desarrolló sin acceso para los medios de comunicación.

¿Por qué Spencer Tunick eligió Vegueta y no las dunas de Maspalomas?

Aunque durante los meses previos estudió distintos escenarios en Gran Canaria, el fotógrafo estadounidense decidió finalmente situar la obra en Vegueta y renunciar a uno de los lugares más icónicos de la isla: las dunas de Maspalomas.

Tunick explicó que intervenir en un espacio natural protegido no encajaba con la filosofía de su trabajo. Durante su visita comprobó la elevada presión turística que soporta el enclave y rechazó añadir un nuevo impacto sobre un ecosistema especialmente sensible: “Nunca haría algo así en medio de un lugar virgen, porque mi intención con mi trabajo nunca es ensuciar la tierra”, aseguró el artista durante la presentación del proyecto.

Frente a ello, encontró en Vegueta el escenario ideal para desarrollar una intervención donde el cuerpo humano dialogara con la historia de la ciudad. Según explicó, los cientos de participantes eran capaces de “reconfigurar” temporalmente el significado de un espacio con más de cinco siglos de historia sin alterar el entorno.

Un cuerpo colectivo como símbolo de diversidad

Lejos de plantear el desnudo como una provocación, Spencer Tunick vuelve a utilizar el cuerpo humano como materia artística. En Gran Spectrum, los voluntarios se convirtieron en el propio lienzo de una obra concebida para representar la pluralidad de identidades y orientaciones sexuales mediante once tonalidades diferentes.

La instalación abre además la programación de Culture & Business Pride 2026, que hasta el próximo 1 de agosto reunirá en Gran Canaria conferencias, actividades culturales y actuaciones centradas en la defensa de los derechos humanos y la diversidad.

El Mobofest, el festival que va néixer fa una dècada “per amor a l'art” i que ha acabat convertint-se en un dels referents de la música independent a les Balears, es va acomiadar aquest dissabte del seu públic amb una edició marcada pel record. Impulsat per un grup d'amics, organitzat per una associació sense ànim de lucre i allunyat dels grans circuits comercials, el certamen ha dit adeu en el moment de més reconeixement de la seva història i ho ha fet amb un emotiu homenatge a Joan Roca, baixista d'Antònia Font, traspassat aquesta setmana, als 54 anys, després d'una llarga malaltia. L'actuació que la banda havia d'oferir per clausurar el festival es va transformar en un acte de comiat en memòria del músic, convertint el tancament de la cita en una nit carregada d'emoció.

Rebudes, música, art i festa és el que significa per a molts el Mobofest, que la darrera edició ha tingut lloc al Puig de Consolació, a Sant Joan (Mallorca), el lloc que els va veure néixer. Durant tres dies, l'esdeveniment ha penjat el cartell de “Sold out”. La cartellera la conformaven més d'una vintena d'artistes entre els quals destaquen La Ludwig Band, Maria Jaume, Él Mató a un Policía Motorizado, The Ripplets, Ànims Parrec i molts més.

Però l'experiència va més enllà de la música. “La Mobo és molt estiu”, explica Aina Amor, una jove de Palma que fa tres anys que assisteix al festival. “El lloc és increïble, gairebé màgic: el bosc, la posta de sol... És espectacular. A més, hi ha escenaris simultanis i molt bon ambient. Saps que t'ho passaràs bé passi el que passi”, afegeix.

Durant els tres dies, el recinte ha contat amb diversos escenaris, un mercat, una zona gastronòmica de foodtrucks amb opcions sense gluten vegetarianes i veganes a més de diverses barres distribuïdes per l'espai. Per a Rafel Català, que ha acudit a cinc edicions, el festival s'ha convertit en un espai de descobriment, “l'important són els moments que vius allà. Sempre sortiràs amb nous records”

El Mobofest ha convertit diferents racons de Mallorca en escenaris per a la música independent. No és només un espai per a artistes consolidats, sinó també una plataforma per donar a conèixer nous artistes. “Sobretot demanem molta confiança al públic. Potser no coneix un grup i nosaltres els fem confiar en nosaltres que els agradarà i normalment sol passar”, comenta Toni Martorell, cofundador de Mobofest.

El festival ha marcat aquells que han acudit a les seves diferents edicions. “M'ha ajudat a descobrir grups que avui dia escolto i que m'han marcat”, explica Rafel Català, qui també destaca el concert de Maria Jaume, que qualifica d'“espectacular”, i l'homenatge que va fer a Antònia Font, que considera “molt emotiu”.

Per a Toni Guiscafre, la importància del Mobofest va més enllà de la música: “Mou la cultura de les illes. És molt bonic poder portar grups locals i internacionals. L'ambient i la gent que ve aquí fan la Mobo”. Després de deu anys de festival, considera que “quedarà un buit molt gran”.

Per altra banda, durant els concerts no han faltat reivindicacions com “SOS Turisme” que ha comptat amb una paradeta al mercat o banderes de Palestina al crit de “visca una palestina lliure” per part de grups com Amulet en acabar la seva actuació.

Deu anys d'història

Tot va començar amb un grup d'amics que tenien els mateixos gustos musicals i no trobaven cap lloc on veure tots els seus artistes preferits. “Encara que sembli una bogeria, simplement ens vam preguntar: 'Per què no fem un festival?' I així va néixer la nostra primera edició”, explica Martorell.

'La Mobo', com és coneguda popularment, es va donar a conèixer el 2017 com una primera edició “molt humil” -destaca el cofundador- emmarcada dins les festes patronals de Sant Joan. “Vam posar 50 euros cadascun per a costejar les despeses. Sempre amb una filosofia de 'do it yourself' (”fes-ho tu mateix“) i d'anar pas a pas. Sobretot fent les coses com les entenem nosaltres, que sigui una associació sense ànim de lucre. Tot el que guanyàvem era per reinvertir en el mateix festival”, explica.

Les tres primeres edicions van ser gratuïtes per a tothom i a partir d'aquí els preus no han pujat dels 50 euros. “Els primers anys al ser gratuït va venir molta gent, sobretot ja al tercer any”, explica l'organització. La iniciativa va ser ben rebuda i al segon any ja van assistir-hi més de 2500 persones. “Hem fet molta feina per lluitar per un públic que s'ha acabat fent molt de 'La Mobo'. Una sèrie de gent que s'ha fet molt fan, cosa que ha costat molt i hem fet molta feina al respecte”, afegeixen.

“Sempre hem tingut clar que volíem un festival assequible per a tothom”, explica Toni Martorell. Aquest festival ha suposat un lloc on reivindicar la importància de visibilitzar la cultura i la llengua. “La majoria dels grups són de Mallorca i canten en català. Ho hem tractat com una cosa molt normal, sense necessitat d'haver de treure cap bandera al respecte. És una cosa que per a nosaltres és així i ho hem tractat amb normalitat”, afegeix.

Un dels trets diferencials del Mobofest ha estat la seva aposta per artistes escollits pels mateixos organitzadors, més enllà de la seva capacitat per vendre entrades. El festival va ser un dels primers a portar a Mallorca grups com La Ludwig Band o Cala Vento, i en la seva última edició ha complert un dels seus grans objectius: comptar amb Antònia Font i El Mató a un Policía Motorizado.

Rafel Mulet destaca aquest caràcter proper del festival: “És un festival de gent d'aquí i amb grups d'aquí, majoritàriament en català. A més, s'ha fet per diferents zones del Pla, i això surt una mica dels llocs clàssics”.

La majoria dels grups són de Mallorca i canten en català. Ho hem tractat com una cosa molt normal, sense necessitat d'haver de treure bandera alguna al respecte. És una cosa que per a nosaltres és així i ho hem tractat amb normalitat

“Descentralitzar la cultura”

Un dels objectius dels organitzadors ha estat “descentralitzar la cultura”. “No volíem que fos un esdeveniment de ciutat, vam triar ”El Pla“ perquè és ca nostra”, comenta Martorell. Encara que això els ha suposat una complexitat més elevada a l'hora de portar artistes, la logística o el tema tècnic.

“Volíem fer-ho en un format còmode, sense cues ni aglomeracions perquè la gent pogués veure els grups d'aquí, però també els de fora”, declara l'organitzador. Durant els anys 'La Mobo' ha atret artistes no només en l'àmbit insular sinó també en l'àmbit nacional com Amaia el 2025 o Julieta Venegas el 2024. “Que artistes d'aquest calibre vinguin a cantar a Porreres i tenir l'oportunitat de veure-les en primera fila per 40 euros és una bogeria”, afegeix Toni Martorell“.

Per a Carme Rosselló, de Palma, l'essència del festival també és en el seu origen. “Fa moltíssims anys que vinc, podria dir que des dels inicis. M'atreia sobretot que fos gent d'aquí muntant una iniciativa que normalment està molt capitalitzada. Era gent propera a nosaltres i ens va fer molta il·lusió”, recorda.

“Passa poc que hi hagi música en català en directe i encara passa menys que ocorri fora de Palma”, afegeix Rosselló, que defineix el Mobofest com “un espai de confiança”.

Malgrat haver tingut una bona rebuda per part de la població de les illes, els creadors lamenten una manca d'entesa per part de les administracions. “Les institucions prefereixen tenir una bona revetlla per al poble i que actuï el mateix grup que ja ha estat en vint pobles i que canten les mateixes cançons que tenir una associació sense ànim de lucre et porti alguna cosa totalment diferent i únic. Això és un dels grans desavantatges”, lamenten. “La Mobo és important perquè enriqueix la cultura de Mallorca i la descentralitza”, comenten.

El creixement del projecte també ha suposat importants reptes econòmics. El festival s'ha finançat mitjançant la reinversió dels seus beneficis, subvencions públiques i una petita part de finançament privat, amb Rosa Blanca com a principal patrocinador. “Hi ha hagut anys complicats, és difícil fer que els números quadren”, explica Martorell.

El Mobofest ha consolidat un públic principalment catalanoparlant i de la Part Forana, interessat en propostes musicals independents. Tot i que el festival ha intentat ampliar el seu espectre amb artistes com Amaia, els seus organitzadors asseguren que l'essència del projecte s'ha mantingut i que el públic ha continuat confiant en la proposta del festival. “Traiem les entrades sense haver confirmat artistes i la gent ja les compra”, assegura el coorganitzador.

“No volíem morir d'èxit”

Aquest desè aniversari ha vingut acompanyat d'un comiat per part del festival: “Sempre hem pensat que no volíem morir d'èxit”, al·leguen els organitzadors. El principal motiu és el desgast que comporta organitzar un festival, expliquen que en començar tenien 18 anys i que ara en tenen 30 i estan “cansats”. La vida passa i aquests estius que tenies vacances i podies dedicar-te un mes sencer a muntar un festival s'han convertit en què les vacances que tens les inverses a fer una altra feina. La preparació del festival comença al setembre i acaba a l'agost, tens un mes per descansar i tornes a començar. A més, és molt complicat coordinar-nos i que tots estiguem igual d'implicats alhora“.

Tot i que s'acomiaden, l'equip ho fa amb un bon record i ganes de descansar, volen que “altra gent organitzi” i ells ser el públic. “Ens fa molta pena perquè ara és el millor moment de La Mobo”. Ha estat un recorregut molt dur, picar pedra, convèncer un públic, fer-lo teu“.

“És molt bonic acabar quan el projecte està en el seu punt àlgid després de deu anys i acabar-lo molt bé i tots contents abans que les coses es vagin morint a poc a poc”, conclou l'equip.

Ens sap molt de greu perquè ara és el millor moment de "La Mobo". Ha estat un recorregut molt dur, picar pedra, convèncer un públic, fer-lo teu

Un homenatge molt especial

L'última cita del Mobofest ha coincidit amb la mort de Joan Roca, el baixista d'Antònia Font. La seva mort ha causat una gran commoció en el món de la música catalana i en el panorama balear. Aquest era el primer any en què el grup anava a tocar al festival, “mai s'havia pogut donar i en l'últim any havia estat possible”, comenta Martorell.

L'actuació d'Antònia Font era un dels moments més esperats d'aquesta desena i última edició. Anava a ser, a més, la primera vegada que la banda actuava al Mobofest. “Mai s'havia pogut donar i, precisament, en l'últim any havia estat possible”, lamenta Martorell.

Tanmateix, després de conèixer-se la defunció del músic, el festival va anunciar la cancel·lació del concert. “El concert previst d'Antònia Font no es durà a terme. Els membres de la banda li faran un homenatge, així l'actuació esdevé una mostra d'afecte, estima i admiració cap a ell”, va comunicar l'organització a través de les seves xarxes socials. D'aquesta manera, el comiat del Mobofest va acabar esdevenint també un emotiu homenatge a un dels músics més volguts i respectats de l'escena balear.

“En Joan ens va dir, fins al final, que tenia moltes ganes d'arribar a avui i ser aquí. No hi ha arribat, però creiem que la millor manera d'honrar-lo és fent música per a ell, damunt de l'escenari. Així que tocarem un parell de temes, però ens haureu d'ajudar”, va declarar Pau Debon, la veu d'Antònia Font. Ajudat del públic, va cantar cinc cançons en forma d'homenatge: Alegria, Dins aquest iglú, Alpinistes-samurais, Tots els motors i per acabar, Batiscafo juntament amb la coral Sa Corrala va tancar l'actuació de manera èpica i emocionant.

Una segona vida

Per finalitzar aquesta dècada de festivals, Mobofest ha decidit fer una col·laboració amb Deixalles, una entitat sense ànim de lucre de les Illes Balears que va néixer el 1986 per la iniciativa de la delegació d'Acció Social del Bisbat de Mallorca i de la Federació de la Petita i Mitjana Empresa de Mallorca (PIMEN).

L'organització ha volgut utilitzar les lones que han format part de la imatge del festival al llarg de les edicions. “Durant anys hem anat acumulant lones que al final no saps què fer-ne perquè cada festival té la seva decoració especial” comenta Toni Martorell. “Li hem donat una segona vida i serà un record molt bonic per a la gent que vulgui emportar-se un tros de Mobo i vulgui recordar-ho d'alguna manera”, afegeix.

“És la primera vegada que fem una col·laboració amb un festival”, comenta Alícia Marqués coordinadora de tallers a Deixalles a aquest diari. “El que hem fet és crear diferents productes com bosses, necessers, clauers… Tot ho han fet al taller de costures de deixalles on s'està fent un itinerari d'inserció laboral amb la seva monitora”. D'aquesta manera, el festival ajuda a la inclusió i a la sostenibilitat en el seu últim adeu.

El Mobofest, el festival que nació hace una década “por amor al arte” y que ha acabado convirtiéndose en uno de los referentes de la música independiente en Balears, se despidió anoche de su público con una edición marcada por el recuerdo. Impulsado por un grupo de amigos, organizado por una asociación sin ánimo de lucro y alejado de los grandes circuitos comerciales, el certamen ha dicho adiós en el momento de mayor reconocimiento de su historia y lo ha hecho con un emotivo homenaje a Joan Roca, bajista de Antònia Font, fallecido esta semana, a los 54 años, tras una larga enfermedad. La actuación que la banda debía ofrecer para clausurar el festival se transformó en un acto de despedida en memoria del músico, convirtiendo el cierre de la cita en una noche cargada de emoción.

Reencuentros, música, arte y fiesta es lo que significa para muchos el Mobofest, cuya última edición ha tenido lugar en el Puig de Consolació, en Sant Joan (Mallorca), el lugar que los vio nacer. Durante tres días, el evento ha colgado el cartel de “Sold out”. La cartelera la conformaban más de una veintena de artistas entre los que destacan La Ludwig Band, Maria Jaume, Él Mató a un Policía Motorizado, The Ripplets, Ánimos Parrec y muchos más.

Pero la experiencia va más allá de la música. “La Mobo es muy verano”, explicaba anoche Aina Amor, una joven de Palma que lleva tres años asistiendo al festival. “El lugar es increíble, casi mágico: el bosque, la puesta de sol... Es espectacular. Además, hay escenarios simultáneos y muy buen ambiente. Sabes que te lo vas a pasar bien sí o sí”, añade.

Durante los tres días, el recinto ha contacto con varios escenarios, un mercadillo, una zona gastronómica de foodtrucks con opciones sin gluten vegetarianas y veganas además de varias barras distribuidas por el espacio. Para Rafel Català, que ha acudido a cinco ediciones, el festival se ha convertido en un espacio de descubrimiento, “lo importante son los momentos que vives allí. Siempre saldrás con nuevos recuerdos”

El Mobofest ha convertido diferentes rincones de mallorca en escenarios para la música independiente. No es solo un espacio para artistas consolidados, sino también una plataforma para dar a conocer nuevos artistas. “Sobre todo pedimos mucha confianza al público. Alomejor no conoce a un grupo y nosotros les hacemos confiar en nosotros que les gustará y normalmente suele pasar”, comenta Toni Martorell, cofundador de Mobofest.

El festival ha marcado a quienes han acudido a sus diferentes ediciones. “Me ha ayudado a descubrir grupos que hoy en día escucho y que me han marcado”, explica Rafel Català, quien también destaca el concierto de Maria Jaume, que califica de “espectacular”, y el homenaje que realizó a Antònia Font, que considera “muy emotivo”.

Para Toni Guiscafre, la importancia del Mobofest va más allá de la música: “Mueve la cultura de las islas. Es muy chulo poder traer grupos locales e internacionales. El ambiente y la gente que viene aquí hacen la Mobo”. Tras diez años de festival, considera que “quedará un vacío muy grande”.

Por otra parte, durante los conciertos no han faltado reivindicaciones como “SOS Turismo” que ha contado con una paradita en el mercadillo o banderas de Palestina al grito de “viva una palestina libre” por parte de grupos como Amulet al terminar su actuación.

Diez años de historia

Todo empezó con un grupo de amigos que tenían los mismos gustos musicales y no encontraban ningún sitio donde ver a todos sus artistas favoritos. “Aunque parezca una locura, simplemente nos preguntamos: '¿Por qué no hacemos un festival?' Y así nació nuestra primera edición”, explica Martorell.

'La Mobo', como se la conoce popularmente, se dio a conocer en 2017 como una primera edición “muy humilde” -destaca el cofundador- enmarcada dentro de las fiestas patronales de Sant Joan. “Pusimos 50 euros cada uno para costear los gastos. Siempre con una filosofía de 'do it yourself' (”hazlo tú mismo“) y de ir paso a paso. Sobre todo haciendo las cosas como las entendemos nosotros, que sea una asociación sin ánimo de lucro. Todo lo que ganábamos era para reinvertir en el propio festival”, explica.

Las tres primeras ediciones fueron gratuitas para todo el mundo y a partir de ahí los pecios no han subido de los 50 euros. “Los primeros años al ser gratuito vino mucha gente, sobre todo ya en el tercer año”, explica la organización. La iniciativa fue bien recibida y al segundo año ya asistieron más de 2500 personas. “Hemos hecho mucho trabajo para luchar por un público que se ha acabado haciendo mucho de 'La Mobo'. Una serie de gente que se ha hecho mucho fan cosa que ha costado mucho y hemos hecho mucho trabajo al respecto”, añaden.

“Siempre hemos tenido claro que queríamos un festival asequible para todos”, explica Toni Martorell. Este festival ha supuesto un lugar donde reivindicar la importancia de visibilizar la cultura y la lengua. “La mayoría de los grupos son de Mallorca y cantan en catalán. Lo hemos tratado como algo muy normal, sin necesidad de tener que sacar bandera alguna al respecto. Es algo que para nosotros es así y lo hemos tratado con normalidad”, añade.

Uno de los rasgos diferenciales del Mobofest ha sido su apuesta por artistas escogidos por los propios organizadores, más allá de su capacidad para vender entradas. El festival fue uno de los primeros en llevar a Mallorca a grupos como La Ludwig Band o Cala Vento, y en su última edición ha cumplido uno de sus grandes objetivos: contar con Antònia Font y El Mató a un Policía Motorizado.

Rafel Mulet destaca este carácyer cercano del festival: “Es un festival de gente de aquí y con grupos de aquí, mayoritariamente en catalán. Además, se ha hecho por diferentes zonas del Pla, y eso sale un poco de los lugares clásicos”.

La mayoría de los grupos son de Mallorca y cantan en catalán. Lo hemos tratado como algo muy normal, sin necesidad de tener que sacar bandera alguna al respecto. Es algo que para nosotros es así y lo hemos tratado con normalidad

“Descentralizar la cultura”

Uno de los objetivos de los organizadores ha sido “descentralizar la cultura”. “No queríamos que fuera un evento de ciudad, elegimos ”El Pla“ porque es nuestra casa”, comenta Martorell. Aunque esto les ha supuesto una mayor complejidad a la hora de traer artistas, la logística o el tema técnico.

“Queríamos hacerlo en un formato cómodo, sin colas o aglomeraciones para que la gente pudiera ver los grupos de aquí, pero también los de fuera”, declara el organizador. Durante los años 'La Mobo' ha atraído a artistas no solo a nivel insular pero también a nivel nacional como Amaia en 2025 o a Julieta Venegas en 2024. “Que artistas de este calibre vengn a cantar a Porreres y tener la oportunidad de verlas en primera fila por 40 euros es una locura”, agrega Toni Martorell.

Para Carme Rosselló, de Palma, la esencia del festival está también en su origen. “Hace muchísimos años que vengo, podría decir que desde los inicios. Me atrajo sobre todo que fuera gente de aquí montando una iniciativa que normalmente está muy capitalizada. Era gente cercana a nosotros y nos hizo mucha ilusión”, recuerda.

“Pasa poco que haya música en catalán en directo y todavía pasa menos que ocurra fuera de Palma”, añade Rosselló, que define el Mobofest como “un espacio de confianza”.

A pesar de haber tenido un buen recibimiento por parte de la población de las islas, los creadores lamentan una falta de entendimiento por parte de las administraciones. “Las instituciones prefieren tener una buena verbena para el pueblo y que actúe el mismo grupo que ya ha estado en veinte pueblos y que cantan las mismas canciones que tener una asociación sin ánimo de lucro te lleve algo totalmente distinto y único. Esto es una de las grandes desventajas”, lamentan. “La Mobo es importante porque enriquece la cultura de mallorca y la descentraliza”, comentan.

El crecimiento del proyecto también ha supuesto importantes retos económicos. El festival se ha financiado mediante la reinversión de sus beneficios, subvenciones públicas y una pequeña parte de financiación privada, con Rosa Blanca como principal patrocinador. “Ha habido años complicados, es difícil hacer que los números cuadren”, explica Martorell.

El Mobofest ha consolidado un público principalmente catalanoparlante y de la Part Forana, interesado en propuestas musicales independientes. Aunque el festival ha intentado ampliar su espectro con artistas como Amaia, sus organizadores aseguran que la esencia del proyecto se ha mantenido y que el público ha seguido confiando en la propuesta del festival. “Sacamos las entradas sin haber confirmado artistas y la gente ya las compra”, asegura el coorganizado.

“No queríamos morir de éxito”

Este décimo aniversario ha venido acompañado de una despedida por parte del festival: “Siempre hemos pensado que no queríamos morir de éxito”, alegan los organizadores. El principal motivo es el desgaste que conlleva organizar un festival, explican que al empezar tenían 18 años y que ahora tienen 30 y están “cansados”. La vida pasa y esos veranos que tenías vacaciones y podías dedicarte un mes entero a montar un festival se han convertido en que las vacaciones que tienes las inviertes en hacer otro trabajo. La preparación del festival comienza en septiembre y acaba en agosto, tienes un mes para descansar y vuelves a empezar. Además, es muy complicado coordinarnos y que todos estemos igual de implicados a la vez“.

Aunque se despidan, el equipo lo hace con un buen recuerdo y ganas de descansar, quieren que “otra gente organice” y ellos ser el público. “Nos da mucha pena porque ahora es el mejor momento de La Mobo”. Ha sido un recorrido muy duro, picar piedra, convencer a un público, hacerlo tuyo“.

“Es muy bonito terminar cuando el proyecto está en su punto álgido después de diez años y terminarlo muy bien y todos contentos antes de que las cosas se vayan muriendo poco a poco”, concluye el equipo.

Nos da mucha pena porque ahora es el mejor momento de "La Mobo". Ha sido un recorrido muy duro, picar piedra, convencer a un público, hacerlo tuyo

Un homenaje muy especial

La última cita del Mobofest ha coincidido con la muerte de Joan Roca, el bajista de Antònia Font. Su muerte ha causado una gran conmoción en el mundo de la música catalana y en el panorama balear. Este era el primer año en el que el grupo iba a tocar en el festival, “nunca se había podido dar y en el último año habia sido posible”, comenta Martorell.

La actuación de Antònia Font era uno de los momentos más esperados de esta décima y última edición. Iba a ser, además, la primera vez que la banda actuaba en el Mobofest. “Nunca se había podido dar y, precisamente, en el último año había sido posible”, lamenta Martorell.Sin embargo, tras conocerse el fallecimiento del músico, el festival anunció la cancelación del concierto. “El concierto previsto de Antònia Font no se llevará a cabo. Los miembros de la banda le harán un homenaje, así la actuación se convierte en una muestra de afecto, cariño y admiración hacia él”, comunicó la organización a través de sus redes sociales. De este modo, la despedida del Mobofest acabó convirtiéndose también en un emotivo homenaje a uno de los músicos más queridos y respetados de la escena balear.

“Joan nos dijo, hasta el final, que le hacía muchas ganas llegar a hoy y estar aquí. No ha llegado, pero creemos que la mejor manera de honrarlo es haciendo música para él, encima del escenario. Así que tocaremos un par de temas, pero nos tendréis que ayudar”, declaró Pau Debon, la voz de Antònia Font. Ayudado del público, cantó cinco canciones en forma de homenaje: Alegria, Dins aquest iglú, Alpinistes-samurais, Tots els motors y para terminar, Batiscafo junto a la coral Sa Corrala cerró la actuación de manera épica y emocionante.

Una segunda vida

Para finalizar esa década de festivales, Mobofest ha decidido hacer una colaboración con Deixalles, una entidad sin ánimo de lucro de las Illes Balears que nació en 1986 por la iniciativa de la delegación de Acción Social del Obispado de Mallorca y de la Federación de la Pequeña y Mediana Empresa de Mallorca (PIMEN).

La organización ha querido utilizar las lonas que han formado parte de la imagen del festival a lo largo de las ediciones. “Durante años hemos ido acumulando lonas que al final no sabes qué hacer con ellas porque cada festival tiene su decoración especial” comenta Toni Martorell. “Le hemos dado una segunda vida y será un recuerdo muy chulo para la gente que quiera llevarse un trozo de Mobo y quiera recordarlo de alguna manera”, añade.

“Es la primera vez que hacemos una colaboración con un festival”, comenta Alícia Marqués coordinadora de talleres en Deixalles a este diario. “Lo que hemos hecho es crear diferentes productos como bolsas, neceseres, llaveros… Todo lo han hecho en el taller de costuras de desechos donde se está haciendo un itinerario de inserción laboral con su monitora”. De esta manera, el festival ayuda a la inclusión y a la sostenibilidad en su último adiós.

La vil·la de Rocafort (València) en la qual va viure durant la Guerra Civil el poeta Antonio Machado finalment serà rehabilitada, després d’anys d’abandó institucional i d’ocupacions, amb un risc greu d’incendis i de “danys irreparables”, segons reconeix la Generalitat, propietària de l’espai protegit, en la documentació de l’adjudicació del contracte consultada per elDiario.es.

La Conselleria de Cultura, dirigida per Carmen Ortí, va signar el passat 24 de juliol el contracte, per un import d’1,7 milions d’euros, tramitat per urgència amb l’empresa Cyrespa Arquitectónico SL, una firma especialitzada en restauració de patrimoni històric adjudicatària de la rehabilitació de Villa Amparo.

Un informe elaborat pel Servei d’Arquitectura i Suport Tècnic Patrimonial, que consta entre la documentació de l’adjudicació, justifica la urgència del procediment per la necessitat d’“aconseguir les condicions de seguretat, accessibilitat i funcionalitat per a l’ús dotacional públic previst en l’immoble”, adquirit per la Generalitat durant l’etapa de l’Executiu autonòmic del Pacte del Botànic, presidit pel socialista Ximo Puig.

La documentació inclou la diligència elaborada per la Guàrdia Civil arran de l’ocupació de Villa Amparo per dos homes i una dona que s’havien instal·lat en l’espai protegit i que cuinaven en “una mena de fogonet”, a més d’emmagatzemar “matalassos, roba i ferramentes de tota mena”, segons indica l’exposició de fets elaborada per dos agents de l’Institut Armat el 25 de març de 2025, reproduïda íntegrament al final d’aquesta informació.

“Actes vandàlics” i possibles incendis

L’abandó patit per l’espai emblemàtic, en definitiva, va propiciar que fora “objecte d’actes vandàlics” i que s’incrementara el “risc que es produïsquen incendis a l’immoble”.

El contracte inclou la direcció i la coordinació de les obres per a la renovació de les instal·lacions, la millora de l’accessibilitat a l’edifici —amb la incorporació d’un ascensor per a accedir a la primera planta—, com també l’adequació d’espais com lavabos, una sala multiús per a tallers i conferències i una biblioteca.

En definitiva, la Generalitat pretén “incorporar el nou ús cultural i museístic de manera adequada, mantenint les característiques de l’habitatge i dels seus jardins”, i “fer valdre el bé protegit i permetre que el públic puga gaudir” d’aquest vestigi del patrimoni cultural de la Guerra Civil.

En la Nave 0 de Matadero, en Madrid, una imponente lámpara de cuchillos de carnicero gira suspendida en el aire, proyectando destellos rojos y plateados sobre sus muros. Ese resplandor que recorre toda la sala, y que forma parte de la exposición Ofertorio (hasta el 30 de julio), es la metáfora de nuestro modelo político y económico: la superestructura del espectáculo nos deslumbra para invisibilizar la explotación, el sacrificio de los cuerpos y, en definitiva, la violencia estructural sobre la que se sostiene la maqueta neoliberal.

Esa mirada que escarba bajo capas de barniz social es el sello de Greta Alfaro (Pamplona, Navarra). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y máster en Fotografía por el Royal College of Art de Londres, la artista combina con habilidad su inspiración en el folclore y el paisaje ancestral con una formación cosmopolita y antropológica.

Ofertorio aborda, desde la industria cárnica, la deshumanización que acompaña al hiperconsumismo, una representación que nos recuerda que el llamado progreso esconde la crueldad tras la publicidad de productos empaquetados con narrativas amables.

“Si vas al supermercado, te van a vender siempre cerditos felices y cosas dentro de un plástico, de manera que un niño que haya nacido en la ciudad nunca jamás sabrá que ese cerdo no vive en el campo, no se parece al de la foto y vive en una granja intensiva”, explica la artista en una entrevista con este medio realizada mientras recorre la exposición. Con este gesto, Alfaro evidencia cómo la sociedad oculta la violencia en los procesos para vender una ficción libre de culpa.

Para su última exposición, específicamente creada para el espacio madrileño, la artista ha aprovechado la propia arquitectura del espacio para articular una nave ceremonial. “Según entramos, la sala está organizada de manera simétrica, he intentado que parezca un templo. Aprovechando la arquitectura, los arcos, las columnas...”, explica Greta Alfaro durante el recorrido.

La pieza central opera a modo de retablo medieval con una videoinstalación de tres canales enfrentada por una figura femenina anatómica de cera del siglo XVIII (cedida por el Museo de Anatomía Javier Puerta) e iluminado por una imponente pieza en el techo. Una lámpara de cuchillos que “funciona como el elemento que unifica todo el espacio”.

Este templo interroga el origen del sacrificio. “El espacio en el que estamos es un matadero industrial (...) Me interesa cómo hemos industrializado la muerte. Y cómo mucha parte del progreso a nivel tecnológico, técnico y científico está basado en cosas que se han desarrollado para la guerra, para la muerte”, subraya.

Al cruzar las cortinas de la nave, confeccionadas con huesos de animales adornados con lazos rojos, el espectador tropieza con la paradoja de la belleza y el desecho. “Las he tratado como si fueran reliquias. Son huesos de animales que te comerías, pero les he dado una especie de aire hacia lo sagrado, con la composición de las reliquias de los santos”, comenta la artista.

Sin embargo, esta reapropiación de la iconografía religiosa funciona como un ejercicio de distancia crítica que choca de frente con la reciente reivindicación estética y neoconservadora de los símbolos católicos. “Me horroriza la fascinación por esta imaginería si no es desde la crítica y la ironía”, advierte Alfaro respecto al auge tradicionalista que se está dando entre los sectores más jóvenes. “La gente más joven que se deja seducir por estas ideas no ha vivido en sus carnes los rigores ni los horrores de la religión en España, la parte triste, castradora y de castigo que ejerció la Iglesia durante el franquismo. Falta Memoria Histórica y cultura para entender que la crítica hacia la simbología católica no es gratuita, sino que nace de una realidad muy cruda”.

Para la artista, el movimiento reaccionario instrumentaliza lo sagrado e impone además una moralidad peligrosa si se basaba en el concepto de pureza. “A mí me interesa hablar de ética, de empatía y de igualdad, y en ese discurso la ética no existe. La pureza siempre es una imposición desde el poder, desde el hombre blanco, occidental y conservador. ¿Qué es la pureza? La que se le exige a una mujer o la que se exige a la sangre según dónde has nacido. En el momento en que se decide quién es puro y quién es impuro, se rompe por completo con la idea de igualdad”, cuestiona.

En el universo de Alfaro se desvelan otras realidades. Inspirada por los ritos, el imaginario barroco de vísceras y martirios, y el modo en que el capitalismo se ha apropiado de las dinámicas en torno al sacrificio, la artista traza un puente directo entre la propaganda sagrada del siglo XVII y la tiranía actual de las pantallas. “En el Barroco se decide hacer propaganda de la fe a través del arte y los sentidos para convencerte de que hay algo sagrado”, explica la artista desde Matadero, mientras añade que “la sociedad capitalista bebe de esa misma creencia”. “Nos seduce y nos convence a través de lo sensorial, sin dejar espacio ni tiempo para pensar”, critica.

Ante esta sobredosis de imágenes en redes sociales, pantallas y luces, diseñadas para anestesiar el juicio crítico, Alfaro dirige la atención precisamente hacia lo que se deja fuera de campo visual, desvelando la trastienda de explotación que la cultura del hiperconsumo necesita embellecer para seguir sosteniéndose.

Este ocultismo deliberado responde a una estrategia histórica de limpieza social. “Hay un paralelismo claro desde el momento en que se sacan los mataderos y los cementerios fuera de las ciudades o se ponen retretes en las casas: quitamos de la vista la enfermedad, la excrecencia, el sufrimiento y la muerte”, analiza la creadora. Sin embargo, esa negación de la realidad genera una grieta que el mercado no tarda en capitalizar: “Es curioso que la explosión de la imagen suave y ‘cuqui' coincida con el auge del true crime. Como nos negamos a mirar la parte oscura de frente en nuestra vida diaria, necesitamos tener una catarsis y la ficcionalizamos, pensando siempre que la violencia es algo que les ocurre a otros”.

Esta estrategia, basada en disfrazar la dominación con narrativas amables o sagradas, conecta directamente con cómo educamos el deseo y justificamos la explotación de los cuerpos. Se trata de un mecanismo anestésico que también opera en los roles de género. “Para ser ama de casa se lo tienes que vender como algo superbonito del amor romántico, pero en realidad le estás vendiendo una cárcel”, señala Alfaro.

Esa misma mirada que oculta la violencia y la sangre es la que invisibiliza a la clase obrera, la más vulnerable del sistema encargada de mantener la maquinaria económica. “¿Quién trabaja en un matadero matando miles de reses al día y luego llega a su casa a cenar tranquilamente? La gente más pobre”, reflexiona la artista ante sus collages, concebidos como dos pequeños altares a los laterales de la sala. “Hay muchos niveles de explotación escondidos. En esta sociedad nos vendemos al capital dentro de estos templos del hiperconsumismo”, zanja.

Su trabajo renuncia a la contemplación pasiva del arte para sacudir la apatía y despertar la empatía del visitante. En un sistema que anestesia la conciencia a través del consumo masivo de imágenes, el arte cobra sentido si esa sacudida nos mueve a actuar contra la ceguera cotidiana.

La villa de Rocafort (Valencia) en la que vivió durante la Guerra Civil el poeta Antonio Machado por fin será rehabilitada, después de años de abandono institucional y de ocupaciones con un serio riesgo de incendios y de “daños irreparables”, según reconoce la Generalitat, propietaria del espacio protegido, en la documentación de la adjudicación del contrato, consultada por elDiario.es.

La Conselleria de Cultura, dirigida por Carmen Ortí, firmó el pasado 24 de julio el contrato por un importe de 1,7 millones de euros tramitado de urgencia con la empresa Cyrespa Arquitectónico SL, firma especializada en restauración de patrimonio histórico adjudicataria de la rehabilitación de Villa Amparo.

Un informe elaborado por el Servicio de Arquitectura y Apoyo Técnico Patrimonial, que consta entre la documentación de la adjudicación, justifica la urgencia del procedimiento por la necesidad de “conseguir las condiciones de seguridad, accesibilidad y funcionalidad para el uso dotacional público previsto en el inmueble”, adquirido por la Generalitat durante la etapa del Ejecutivo autonómico del Pacte del Botànic presidido por el socialista Ximo Puig.

La documentación incluye la diligencia elaborada por la Guardia Civil con ocasión de la ocupación de Villa Amparo por parte dos varones y una mujer que se apalancaron en el espacio protegido y que cocinaban en “una especie de hornillo”, almacenando además “colchones, ropajes y enseres de todo tipo”, según indica la exposición de hechos elaborada por dos agentes del Instituto Armado el 25 de marzo de 2025 (reproducida íntegra al final de esta información).

“Actos vandálicos” y posibles incendios

El abandono sufrido por el emblemático espacio, en definitiva, propició que fuera “objeto de actos vandálicos” y que se incrementara el “riesgo de que se produzcan incendios en el inmueble”.

El contrato incluye la dirección y la coordinación de las obras para la renovación de las instalaciones, la mejora de la accesibilidad al edificio (con la incorporación de un ascensor para el acceso a la primera planta), así como la adecuación de espacios como aseos, una sala multiusos para talleres y conferencias y una biblioteca.

En definitiva, la Generalitat pretende “incorporar el nuevo uso cultural y museístico de una forma adecuada manteniendo las características de la vivienda y de sus jardines” y “poner en valor el bien protegido y permitir que el público pueda disfrutar” de este vestigio del patrimonio cultural de la Guerra Civil.

“Soy un nazi, me encanta Hitler”, reza uno de los mensajes que Kanye West publicó en redes sociales a inicios del año pasado. No fue el único que escribió: “Algunos de mis mejores amigos son judíos y no confío en ninguno de ellos”. Son declaraciones que colman la carrera llena de altercados del rapero, cuya reputación se ha ido desmoronando en las últimas décadas por sus comentarios y acciones. Desde cuestionar los motivos de la muerte de George Floyd hasta enorgullecerse de su antisemitismo, la mochila del artista está cargada de controversias. Unas polémicas que, si bien han motivado a algunos países a cancelar sus conciertos, no le impedirán subirse al escenario en Madrid el próximo jueves.

Este iba a ser uno de los años más importantes de la trayectoria de Kanye West, con una vuelta al ruedo que lo iba a llevar a visitar las principales ciudades de Europa. No obstante, la gira ha atravesado conflictos desde su anuncio. Reino Unido, Francia, Italia, Suiza, Polonia... son países en los que iba a actuar Ye, como se hace llamar ahora el cantante, pero donde no podrá hacerlo por sus comentarios de odio ensalzando el nazismo. Su disculpa llegó en enero, cuando compró una página en el The Wall Street Journal para pedir perdón a la comunidad judía y a sus seguidores, atribuyendo su mal comportamiento a un trastorno bipolar derivado de una lesión cerebral no diagnosticada.

Aun así, las cancelaciones fueron sucediéndose en los siguientes meses. Reino Unido, de hecho, le prohibió directamente la entrada tras la indignación pública y las peticiones para anular su show. Un portavoz del Ministerio del Interior, el departamento del gobierno británico que se ocupa de las cuestiones migratorias, explicó que habían denegado la solicitud de West para viajar porque “su presencia en Reino Unido no favorecería el bien público”. Esto desencadenó la suspensión del festival Wireless, donde el rapero era cabeza de cartel, y del que marcas como Pepsi y PayPal habían retirado su patrocinio debido a las conductas antisemitas del autor de My Beautiful Dark Twisted Fantasy.

A pesar de que muchos países han cerrado las puertas al músico, España ha decidido mantener la celebración del concierto, que tendrá lugar en el estadio Metropolitano este 30 de julio. Ernest Urtasun, ministro de Cultura, sostuvo en mayo que le “repugnan” las manifestaciones vertidas en el pasado por el rapero: “No me gustan nada y me parecen fuera de lugar”. Sin embargo, alegó que “no le corresponde al Ministerio promover la cancelación de ningún concierto por las opiniones que haya tomado cualquier artista” y que la decisión debe tomarla el promotor del evento. “Más allá del rechazo que me producen sus declaraciones, no me corresponde a mí”, insistió Urtasun. Desde la promotora, de momento, no van a hacer declaraciones.

¿Sería posible cancelar el concierto?

Pese a que el ministro de Cultura haya asegurado que no incumbe a España la suspensión de dicho concierto, lo cierto es que el país sí tendría la posibilidad de cancelarlo si observa peligros en torno al mismo. Jorge Correcher, especialista en Derecho Penal, apunta a elDiario.es que hay artículos en el Código Penal que persiguen los discursos de odio y que, aunque no se han aplicado tanto en casos de industria musical, ya que eso se ha reservado mucho más para el enaltecimiento del terrorismo, sí se han aplicado en casos de manifestaciones que pudieran tener un contenido antisemita, racista, de antigitanismo o incluso de aporofobia.

No obstante, y aunque estos discursos aislados pueden generar ese tipo de reacción por parte del ordenamiento jurídico, Correcher pone también el foco en la adecuación de esa respuesta, puesto que, cuando lo que está en juego es la libertad de expresión, el experto medita que “resulta bastante complicado decidir dónde poner el freno”, agregando que “el Código Penal, al menos, limita ese freno a aquellos casos en los que puedan producirse actos de violencia, odio o discriminación”. Sin embargo, en un ámbito ya no jurídico, el especialista afirma que “este tipo de actos son difícilmente cancelables ahora mismo, sobre todo cuando tenemos un presidente de los EEUU que hace lo que hace”.

Ningún tipo de discurso de odio ni ninguna persona con mensajes tan violentos como los de Kanye West deberían tener cabida en ningún espacio cultural

Nerea Luján — Escritora

Correcher añade que esta situación “se replica en muchos ámbitos del mundo” y que “la ventana de Overton está tan abierta que entra cualquier cosa”, por lo que “es bastante difícil saber poner el límite en estos casos”, avivando el debate sobre cuándo se alcanza la censura. “¿Por qué le vas a decir a esta persona que no puede hacer proclamas supremacistas, cuando el presidente de EEUU tiene grupos que lo apoyan que impregnan eso?”, inquiere. Más tajante al respecto es Nerea Luján, escritora de la obra Creadoras y Combativas, donde ha analizado el arte urbano desde una mirada femenina: “Ningún tipo de discurso de odio ni ninguna persona con mensajes tan violentos como los de Kanye West deberían tener cabida en ningún espacio cultural”.

El discurso antisemita

Los comentarios antisemitas del cantante son el desencadenante de que se haya suspendido su concierto en varias ciudades. Alejandro Baer, sociólogo y especialista en memoria, violencia y estudios judíos contemporáneos, considera que “no es sorprendente que varios países europeos hayan optado por cancelar sus conciertos al considerar que sus manifestaciones públicas sobre los judíos o la banalización del nazismo trascienden el ámbito de la libertad artística porque contribuyen a legitimar discursos de odio”. El experto indica que “aquí volvemos a ser la excepción y tiene que ver con nuestra historia”.

“En gran parte de Europa occidental, la experiencia de la Segunda Guerra Mundial y, sobre todo, del Holocausto se convirtió en un elemento central de la cultura política después de 1945. Impuso un ejercicio de reflexión y responsabilidad que, aunque incompleto, contribuyó a modelar las instituciones, la educación y el discurso público. En España, este proceso nunca llegó a producirse y por eso no existen estas barreras de contención hacia el antisemitismo, ni siquiera con respecto a sus formas más explícitas”, valora Baer a elDiario.es.

La ministra polaca de Cultura, Marta Cienkowska, afirmó durante una rueda de prensa que una nación marcada por la terrible historia de los campos de concentración nazis no podía dejar cantar en Polonia a alguien que apoya a Hitler. La presión del gobierno obligó a los dueños del Estadio de Silesia, donde iba a actuar el artista el 19 de junio, a romper el contrato con la empresa organizadora, Projekt Hałas. En el pasado, Kanye West llegó a vender camisetas con esvásticas y publicó la canción Heil Hitler, donde hace apología del dictador. El tema fue retirado momentos después por plataformas como Spotify, YouTube o SoundCloud. “Literalmente dejan a los negros abajo”, protestó el rapero en X.

Más allá de ello, Baer resalta que “es un problema que una figura tan popular contribuya a normalizar mensajes antisemitas entre públicos amplios, especialmente jóvenes”. Es algo en lo que coincide con Tania María García Arévalo, experta en estudios hebreos y arameos, quien alerta de que, mientras que en el siglo XVII y XVIII solo una parte concreta de la población tenía acceso a los discursos de odio, en la actualidad “este tipo de declaraciones se expanden como la pólvora y ganan muchísima más aceptación, calando en la sociedad más joven”. Además, existe un desconocimiento evidente: “Los alumnos llegan de cero en cuanto antisemitismo, solo reconocen el Holocausto”.

El uso de las redes sociales ha sido fundamental para Kanye West. Incluso Elon Musk canceló la cuenta del rapero en 2022 cuando publicó una imagen de una esvástica fusionada con una estrella de David. “Lo hice lo mejor que pude. A pesar de eso, volvió a violar nuestra regla contra la incitación a la violencia”, dijo el empresario. García Arévalo destaca que “el antisemitismo ha tenido una expansión brutal en los últimos años debido a las redes y el anonimato que generan, donde cualquiera puede decir cualquier cosa” sin que nadie lo contraste. Carmen Domingo, periodista y autora de Cancelado, obra en la que repasa la cultura de la cancelación, advierte que “estamos generando una sociedad de titulares, donde a veces el titular es el que te condiciona el retuiteo sin leer el artículo”.

Las palabras de West no solo han provocado que varios países le den la espalda, también lo han hecho las marcas. Adidas puso fin a su cooperación con él y Foot Locker anunció la retirada de las zapatillas del cantante. Aun así, Domingo sostiene que “las marcas se mueven por economía”: “No tiene nada que ver con la ideología, tiene que ver con el mercado”. Lo ejemplifica con la polémica de El Xokas por sus comentarios sobre Ester Expósito, que hizo que Burger King cancelara su colaboración con el creador de contenido. “Le puso [el menú especial] y se lo quitó por los mismos motivos: se lo puso porque daba dinero y se lo quitó porque ahora ya no lo da”, relata.

Cuando Kanye West se suba al escenario el próximo jueves, habrán pasado más de cuatro meses desde que iniciara la venta de entradas. En aquel entonces, numerosos fans mostraron su descontento cuando, tras la preventa, varias localidades rebajaron su precio hasta en más de 100 euros durante la venta general. Muchos compradores denunciaron haber pagado de más, a lo que las promotoras respondieron justificando el cambio por ajustes en la configuración del recinto y ofreciendo la posibilidad de cambiar las entradas. Pese a ello, desde la organización del evento aseguran que ha habido una “alta demanda” y que el concierto, además de haber movilizado a alrededor de 3.000 profesionales, “proyectará la imagen de Madrid en todo el mundo”.

El equipo liderado por la arqueóloga Oihane Mendizabal, de la Sociedad de Ciencias Aranzadi-Euskal Herriko Unibertsitatea, ha encontrado durante la campaña de excavación arqueológica en el yacimiento romano de Zaldua, ubicado entre Burguete y Espinal, materiales vinculados a la calzada romana Iter XXXIV, que cruzaba los Pirineos hace 2.000 años. Además, se han completado los trabajos en los dos últimos sectores de la zona norte de las termas, documentando una posible entrada porticada monumental y un área occidental con un horno y evidencias que apuntan a un espacio de almacenamiento y preparación de alimentos, además de numerosos materiales de la vida cotidiana.

El yacimiento lleva siendo excavado por el equipo, compuesto por un grupo de 15 voluntarios, desde el 13 al 24 de julio. Como en los últimos 9 años, la excavación ha continuado en el edificio de las termas de esta ciudad romana, centrándose esta vez en la zona norte.

En palabras de la directora del yacimiento, “se han continuado los trabajos en dos sectores ubicados en la zona norte de las termas”. “Estos espacios son los últimos que nos faltaban para delimitar el edificio en su totalidad. En el sector más oriental, interpretado como posible entrada al edificio, el año pasado se identificaron al menos tres bases de columnas circulares que seguramente sujetarían una entrada porticada al complejo desde la calle principal del asentamiento. Asímismo se ha continuado registrando fragmentos de mármol, que denotarían la monumentalidad del edificio”, ha explicado.

En el área occidental, en cambio, se ha continuado con la documentación de un horno de fases más tardías. Asimismo, los restos hallados alrededor de la estructura, como un pavimento de pequeños cantos rodados, numerosos fragmentos de dolia (recipientes cerámicos de grandes dimensiones) y varios restos de huesos de animales quemados, plantean la hipótesis de que se podría tratar de una zona destinada al almacenamiento y preparación de alimentos. No obstante, serán necesarios los estudios de detalle de todo el conjunto del material que serán realizados en los próximos meses. También se han hallado otros objetos cotidianos de la vida diaria como fichas de juego, monedas, fragmentos de diversos tipos cerámicos o vidrio, etc.

Otra de las novedades de este año ha sido el estudio geoarqueológico realizado en las inmediaciones de lo que fue el núcleo urbano de Zaldua (a unos 500 metros), más concretamente en el humedal de Jauregiaroztegia, situado en la misma localidad de Burguete. Gracias a los testigos de sedimentos recogidos se quiere conocer más a fondo los cambios mediambientales del entorno del yacimiento durante la Antigüedad, es decir entre los siglos I a.C. y V d.C. aproximadamente.

Esta iniciativa, al igual que la campaña de excavación de Zaldua, se enmarca en el proyecto de investigación transfronterizo ATEA, que tiene como objetivo comprender los cambios en el territorio que atravesaba la vía romana transpirenaica en ambas vertientes. En dicha investigación participan numerosos investigadores que provienen de diversas Universidades, empresas y centros de investigación de ambos lados de la frontera.

Por último, el sábado 25 de julio se ha organizado una visita guiada al yacimiento, abierta al público en general. En euskera será a las 11 horas y en castellano a las 12 en el mismo yacimiento.

Los escritores más misteriosos no son los que se ocultan del todo (y que sin pretenderlo alientan la investigación en torno a su identidad), sino los que, sin dejar de dar sus señas biográficas ni de mostrar el rostro, se apartan del foco para dejar que la literatura se abra camino, a su ritmo. La paciencia trae sus recompensas, al menos cuando la calidad de la obra avala la permanencia del autor en las librerías. Al fin y al cabo, al final solo quedan los libros, no el número de presentaciones ni de entrevistas de promoción. Los libros, lo único que importa al lector, lo único capaz de derrotar al tiempo.

En el caso de Fleur Jaeggy, nacida en Zúrich (Suiza) en 1940, nadie que la haya leído lo pone en duda: es lo que se llama una autora de culto, tal vez la última de una estirpe, la de Ingeborg Bachmann, Marlen Haushofer, Unica Zürn, escritoras centroeuropeas a las que se puede sumar la brasileña Clarice Lispector, todas ellas maestras del estilo, de la prosa concentrada y elusiva, especialistas en la recreación de atmósferas opresivas. En España, la admiran escritores como Enrique Vila-Matas, otro autor que se inscribe en una tradición transfronteriza, o Pilar Adón.

Fleur Jaeggy se estableció en Italia tras completar sus estudios en Suiza, y allí desarrolló toda su carrera. Se casó en 1968 con Roberto Calasso, escritor y editor de la prestigiosa Adelphi, la editorial donde ha publicado todos sus libros y para la que ella ha traducido al italiano a autores como Marcel Schwob, Thomas de Quincey y Robert Schumann. La muerte de su marido, en 2021, la convirtió en copropietaria de la editorial junto con los otros herederos. Además de todo eso, su nombre está detrás de unas cuantas canciones de Franco Battiato, con quien colaboró como letrista bajo el seudónimo Carlota Wieck.

Jaeggy escribe en italiano, pero su estilo se aleja tanto de la verbosidad a la que tienden las lenguas románicas que se hace difícil considerarla “literatura italiana”. Tampoco su imaginario literario se corresponde con el usual en el sur de Europa, no por una cuestión geográfica, sino, y sobre todo, por un modo de mirar, de estar en el mundo. Su carácter es más afín a las culturas centroeuropeas, incluso nórdicas, por su tono gélido, punzante, y esas recreaciones sutiles de relaciones de dominación y dependencia, de reclusión y de amenazas que no se anuncian pero se respiran, con los personajes siempre al borde de un abismo, de una tragedia silenciosa.

Tampoco en el ritmo de publicación se asemeja a los escritores que copan las secciones de libros: cuenta con cinco novelas breves, dos libros de relatos y una obra de teatro; es una autora poco prolífica. Y no es un nombre habitual en los medios, en cualquier caso; no se prodiga en entrevistas ni artículos, ni ha tenido el afán de erigirse en portavoz de los intelectuales o intervenir en la opinión pública. Una mujer discreta, pero solo en lo extraliterario; en las páginas, la máxima exigencia, como la buscaban Mercè Rodoreda, Virginia Woolf o Thomas Bernhardt, la misma devoción por el lenguaje, por la voz. Ha publicado poco, pero nada que desmerezca, ni una sola palabra de más.

Tiene, como mínimo, una obra maestra, Los hermosos años del castigo (1989), el relato de una joven en un internado de señoritas. Es una de esas novelas hipnóticas, extrañas, que envuelven al lector en una atmósfera enrarecida, en medio de las relaciones entre las adolescentes, los juegos de dominio y dependencia, la sensualidad y la violencia reprimidas. No es amable; tampoco es trágica en el sentido de derramarse. Y, antes del hachazo, sabe hechizar como con un narcótico.

Tusquets está publicando nuevas ediciones de sus libros: los dos primeros, El dedo en la boca (1968) y Las estatuas de agua (1980), en un solo volumen; Proleterka (2001), otra de sus mejores novelas, y una obra de teatro, El ángel de la guarda (1971). Todas comparten ciertos rasgos, más allá de la brevedad y el estilo incisivo, a saber: los protagonistas niños o adolescentes, la edad de tránsito, carne de descubrimientos que los hieren para siempre; el aislamiento, esa sensación de vivir, más que en el margen de la sociedad, en una especie de limbo, un agujero con el tiempo suspendido, un espacio con sus propias dinámicas; y las emociones de sospecha, miedo, inquietud, peligro.

En El dedo en la boca, sigue a una muchacha que ha pasado muchos años encerrada en una clínica. Nos habla mientras pasea por la naturaleza, solitaria, entremezclando los recuerdos; con sus palabras desafía al lector, trata de inquietarlo: “Tal vez el hecho de que me atasen me daba placer; impedían que me asomara a ver qué me rodeaba”. Las estatuas de agua, por su parte, se vehicula en torno a la relación entre un joven, con una singular fascinación por las estatuas, y su criado, imitando a ratos el monólogo teatral. Soledad, apegos, corrupción de la pureza.

La vida en común acaba por eliminar esa especie de inocencia que tienen las personas solas”

Esos primeros textos son interesantes por cuanto contienen la semilla de todo lo que despliega después. Y si Los hermosos años del castigo es extraordinaria, Proleterka, la novela que publicó posteriormente, no la desluce: el Proleterka, ese nombre raro para los oriundos de estas latitudes, es el barco en el que viajan un padre y su hija. Son, en realidad, dos desconocidos que viven su particular tira y afloja. Ella intenta llenar los huecos de su historia familiar, al tiempo que experimenta, a lo largo del crucero, entre sus pasajeros, lo que se conoce como iniciación a la vida.

“Jane y Rachel conversaban: otro juego de paciencia”. Así se introduce la escena teatral en El ángel de la guarda, la última de las recuperaciones. De nuevo dos niñas, de nuevo un entorno aislado, de nuevo un mundo en el que la inocencia se ha corrompido. Niñas, con esa naturaleza extravagante de quien ha crecido solo, sin la presión de acompasarse con las normas sociales, que tan pronto da muestras de una fría madurez como de una inconsciencia temeraria. Hasta que la presencia de ese ángel de la guarda resquebraja el equilibrio tóxico en el que han construido su jaula.

Fleur Jaeggy no hace concesiones; es el lector quien tiene que darse entero, renunciar a la pretensión de entenderlo todo, renunciar a la complacencia, a la narrativa fácil que lo da todo masticado y hasta regala sonrisas. Con ella, no. Ella no escribe para gustar; está bien en sus confines, como lo están sus personajes, inmersos en un territorio donde el lector se mueve con paso titubeante. No parece que a estas alturas vaya a convertirse en protagonista de la escena literaria, aunque si le dieran el Premio Nobel no le faltarían aplausos.

El Festival del Patio + Metrópolis pone en marcha la venta escalonada de entradas para su tercera edición, que se celebrará entre el 11 de septiembre y el 3 de octubre en el Patio de la Diputación de Sevilla y en cinco municipios del área metropolitana. Las localidades podrán adquirirse a través de la web oficial del festival y a través de la plataforma de venta a partir del próximo lunes,l 27 de julio, a las 10.00 horas.

En la que es ya su tercera edición, la Diputación mantiene intacta su apuesta por una “programación cultural accesible con precios populares”: las entradas para los conciertos del Patio tendrán un precio único de diez euros, mientras las del ciclo 'Metrópolis' costarán 5 euros. En cuanto al cartel de 2026, reúne a algunos de los nombres más destacados del panorama musical nacional, “con una programación que vuelve a tender puentes entre estilos, generaciones y públicos”, destaca en una nota de prensa.

Pop, rock, indie, canción de autor, flamenco contemporáneo, músicas de raíz, electrónica o nuevas sonoridades convivirán en una programación concebida para acercar la música en directo a públicos diversos y expandir la actividad cultural más allá de la capital. En este sentido, el próximo lunes se pondrán a la venta las entradas para las cuatro fechas del Patio, uno de los escenarios más singulares del festival: Tanxugueiras (miércoles 16 de septiembre), Morgan (jueves 17), Los Planetas (viernes 18) y Ginebras (sábado 19).

El martes 28 será el turno de hacerse con una de las localidades previstas para las actuaciones de Abraham Mateo (La Rinconada, 11 de septiembre) y Café Quijano (Utrera, 12 de septiembre). El miércoles 29 saldrán a la venta las de Pablo López (Alcalá de Guadaíra, 25 de septiembre) y Luz Casal (Dos Hermanas, 26 de septiembre); mientras que el jueves 30 podrán adquirirse las entradas para el concierto de La Plazuela, que cerrará el festival el 3 de octubre en Mairena del Aljarafe.

“Cercanía entre artistas y público”

Durante cuatro noches consecutivas, el Patio albergará algunas de las propuestas más relevantes del panorama nacional en un entorno único, “cuya seña de identidad reside en la cercanía entre artistas y público”. La programación arrancará el 16 de septiembre con Tanxugueiras, el trío gallego formado por Sabela Maneiro, Aida Tarrío y Olaia Maneiro que, en apenas una década, ha revolucionado la música tradicional llevando su folclore a nuevos territorios sonoros.

Sevilla será una de las paradas de la gira de presentación de 'O Cuarto', el álbum más íntimo y personal de su carrera, con el que celebran diez años de trayectoria reivindicando la vigencia del patrimonio musical de su tierra natal.

Tomará el relevo Morgan, el 17 de septiembre. La formación liderada por Nina de Juan ha construido una sólida trayectoria gracias a un sonido que transita con naturalidad entre el rock, el soul y el folk y a unos directos de enorme personalidad. En el Festival del Patio presentarán 'Hotel Morgan', un disco que supone una nueva etapa creativa y que confirma la madurez artística alcanzada tras más de una década sobre los escenarios.

Un día más tarde será el turno de Los Planetas, uno de los grupos más influyentes de la música española de las últimas tres décadas. Referentes indiscutibles del rock alternativo y autores de algunos de los discos fundamentales del indie nacional, los granadinos aterrizarán en Sevilla con su directo en formato 'Esencial', una experiencia que convierte cada concierto en “un intenso viaje emocional donde conviven la psicodelia, la tradición y la libertad creativa. Una experiencia de proximidad, lucidez y verdad artística”.

La programación del Patio concluirá el 19 de septiembre con Ginebras, Premio Ondas Nacional de Música al Fenómeno Musical del Año 2024 y “una de las bandas imprescindibles del nuevo pop español”. El cuarteto presentará Donde nada es para tanto, su tercer álbum de estudio, un trabajo que refleja su evolución musical sin perder la frescura, la autenticidad y el humor que lo señalan como uno de los fenómenos más destacados de la escena de nuestro país de los últimos años.

Metrópolis: la música viaja por la provincia

La extensión Metrópolis volverá a llevar una programación de calidad a diferentes municipios del área metropolitana, reforzando una de las principales vocaciones del proyecto: acercar grandes conciertos a nuevos públicos y hacer de la música en directo un punto de encuentro.

El ciclo comenzará el 11 de septiembre en el recinto municipal El Abrazo de La Rinconada con Abraham Mateo, uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional de su generación. El cantante gaditano llegará con un repertorio que refleja una carrera marcada por la versatilidad, transitando con naturalidad entre el pop, el R&B y los sonidos urbanos.

Al día siguiente, el 12 de septiembre, la Plaza de Toros de Utrera recibirá a Café Quijano, que presentará Miami 1990, un trabajo que recupera la esencia sonora que convirtió al trío leonés en uno de los grandes referentes del pop español. Sobre el escenario, sus nuevas canciones convivirán con los grandes éxitos que han acompañado a varias generaciones y con un directo que continúa siendo una de sus principales señas de identidad.

El 25 de septiembre, la explanada del Auditorio Riberas del Guadaíra de Alcalá de Guadaíra acogerá a Pablo López, que llega con su nuevo tour 'El Niño del Espacio en Concierto'. Una propuesta concebida como un viaje profundamente emocional donde el piano, la interpretación y una cuidada puesta en escena sirven de hilo conductor para recorrer tanto los grandes éxitos del artista malagueño como las nuevas composiciones de su esperado próximo trabajo.

La programación continuará el 26 de septiembre en el Auditorio Los del Río de Dos Hermanas con Luz Casal, “una de las voces imprescindibles de la música española”. La cantante gallega presentará 'Me voy a permitir', un espectáculo que establece un diálogo entre pasado y presente, reuniendo las nuevas canciones de su último trabajo con algunos de los temas más emblemáticos de una trayectoria artística marcada por la libertad creativa y una extraordinaria capacidad interpretativa.

El cierre de Metrópolis llegará el 3 de octubre al Recinto Hípico de Mairena del Aljarafe con La Plazuela. El dúo granadino formado por Manuel Hidalgo Sierra y Luis Abril Martín se ha convertido en “una de las propuestas más originales del panorama nacional gracias a una fórmula que fusiona flamenco, electrónica, nu funk y músicas de raíz desde una mirada plenamente contemporánea”. En Sevilla presentarán su segundo y esperado disco, 'Lugar no0 (DLY)', culminando una gira que ha consolidado al grupo “como uno de los grandes referentes de la nueva escena andaluza”.