El delegado del Gobierno en Extremadura, José Luis Quintana, ha dejado claro este martes que la responsabilidad de la seguridad en el Museo Arqueológico de Badajoz es del Ejecutivo regional y ha manifestado que el robo del 'Tesoro de Villanueva', que estaba expuesto desde diciembre, “es producto de la falta de gobierno” en la comunidad desde las pasadas elecciones del 21 de diciembre.

Los ladrones sustrajeron 144 monedas de oro históricas de las 149 que componen el conocido como 'Tesoro de Villanueva' tras forzar una reja del edificio y romper la vitrina en la que estaban expuestas. Pero no hay imágenes del robo porque no hay cámaras en el Arqueológico pacense, lo que ha provocado un conflicto entre el Gobierno y la Junta.

Quintana ha dicho que la investigación continúa, pero no se sabe “absolutamente nada más” y no hay ningún avance, además de insistir en que la hipótesis más certera, como ya se había señalado, es que se trate de un robo por encargo. Además, ha considerado “muy difícil” saber si la intención de los ladrones es sacar las monedas fuera de España para que su rastro sea más complicado de seguir, como se le ha preguntado.

Con respecto a la responsabilidad de la seguridad del museo, de titularidad estatal, pero cuya gestión está transferida al Gobierno extremeño, José Luis Quintana ha señalado que la Ley 5/2010 de 1 de diciembre sobre Instituciones Museísticas de Extremadura deja muy claro que esta corresponde a la comunidad autónoma. En ese sentido, ha precisado que en su artículo 9, punto 1, se indica que es la Junta quien tiene la obligación de “disponer la de las medidas de control ambiental y seguridad adecuada y suficiente para la conservación y custodia de su fondo y el funcionamiento de la institución”.

Para Quintana, el robo ha sido “producto de la falta de gobierno”, ya que Extremadura tiene un Gobierno en funciones desde hace seis meses, cuando María Guardiola decidió el pasado mes de octubre convocar elecciones anticipadas. En este sentido, el delegado del Gobierno ha recordado que precisamente el Museo Arqueológico de Badajoz ha recibido en los últimos meses algunos elementos muy valiosos, como las famosas caras del yacimiento tartésico del Turuñuelo o el pasado mes de diciembre las monedas que han sido sustraídas, cuando ya no había gobierno en Extremadura.

Sin embargo, Quintana ha ironizado con que para el PP “la culpa va a ser siempre de Pedro Sánchez”, a pesar de que la ley extremeña deja muy claro que la responsabilidad de la seguridad del museo corresponde a la Junta de Extremadura.

La Junta señala al Ministerio de Cultura

Pero la ley se interpreta de otra forma por parte del Gobierno autonómico, que señala al Ministerio de Cultura como responsable del edificio y competente en la instalación de los sistemas de videovigilancia y de seguridad estructural del inmueble. El secretario general de Cultura de la Junta de Extremadura, Francisco Palomino, ha considerado que hay que distinguir entre titularidad y gestión del museo.

Bajo ese argumento, ha subrayado que las inversiones estructurales, incluidas las relativas a seguridad tecnológica, corresponden al propietario del inmueble, por tanto, al Ministerio de Cultura. No obstante, Palomino ha aclarado que el museo contaba con medidas de protección operativas “dentro de sus limitaciones”, entre ellas vigilancia presencial y vitrinas de seguridad para las piezas expuestas.

Sin aclarar cuáles, ha remarcado que, pese a la ausencia de cámaras, existían dispositivos y protocolos “dentro de lo humanamente posible” para un equipamiento de estas características.

El XXXIII festival Womad Cáceres, que se celebrará del 7 al 10 de mayo en la ciudad monumental, reunirá a 21 grupos procedentes de 14 países como Brasil, Palestina, Estados Unidos y Nigeria, lo que convertirá a la capital cacereña en una auténtica “ONU cultural” y con el hijo de Fela Kuti como cabeza de cartel: el nigeriano Seun Kuti.

El secretario general de Cultura de la Junta de Extremadura, Francisco Palomino, que ha hecho referencia a esa“ONU cultural”, ha dado a conocer la programación, que incluye nombres como el brasileño Zé Ibarra, el ‘shamstep’ de la banda (a medio camino entre Palestina y Jordania) 47Soul, y la cumbia y la chicha de los peruanos Bareto. También se subirá al escenario de Womad Cáceres la neoyorquina Sorvina con su puente musical entre el jazz rap, el neo-soul, el gospel y el hip hop.

El nigeriano Seun Kuti (heredero del legado de Fela Kuti) dará rienda suelta al afrobeat que creó su padre con la banda Egypt 80, que cerrarán los conciertos del festival de 2026; y los africanos BIM fusionarán rock, rap y raíces vudú, tras pasar por escenarios míticos como el Carnegie Hall.

Desde el corazón de Londres llegará el grupo Steam Down, con su redefinición del jazz contemporáneo y su fusión de afrobeat, grime y sonidos electrónicos. Además, la Balkan Paradise Orchestra reinterpretará desde Barcelona la música balcánica con una puesta en escena vibrante y arrolladora. La fusión Reinó Unido y Ghana se dará con el dúo Raz & Afla y su propuesta que navega entre raíces africanas y electrónica contemporánea.

Desde Galicia, Caamaño & Ameixeiras revisitarán la música tradicional, a través de la voz, el violín y la percusión para construir un universo sonoro de raíz y vanguardia, reinterpretado el folklore gallego.

Los turcos Islandman imprimirán su sello con un sonido propio: el Neo-Turkish-Psychedelia, fusionando lo acústico y lo electrónico. Y a caballo entre Oriente y Occidente, Shanghai Restoration Project (España-EEUU-Sudáfrica) reimaginarán el sonido de la Shanghai de los años 30.

El cuarteto de música africana Djarabi (afincado en Badajoz) vestirá el escenario de WOMAD Cáceres de multiculturalismo con integrantes procedentes de Senegal, Bélgica y España, para maridar sonidos cubanos y blues africano. Y la cumbia el punk tomarán protagonismo con la formación extremeña A Garulla, formada en 2023 y que serán los primeros en levantar el telón de esta edición, el 7 de mayo. De Camerún llegará el creador del ritmo ekang Dominique Atsama y su guitarra que mezcla la música de su país con ritmos más occidentales.

Otra propuesta nacional es LK Funk, un sexteto cacereño que dibuja un mapa sonoro a través del funk y el rap. Como es habitual, el festival pone el acento en la presencia de artistas extremeños en el cartel, destacando nombres como Willy Wylazo, Carolina La Chispa, Canchalera y Jorge Navarro.

El festival combinará conciertos con actividades paralelas como el mercado global de artesanía, talleres y danza (percusión corporal, Bollywood dance), pasacalles, cine y espacios dedicados a la literatura.

Estrategia para la Capitalidad Cultural

El concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cáceres, Jorge Suárez, ha incidido en la consolidación del modelo impulsado durante la presente legislatura, apostando por un festival “que dignifica la música y mejora la convivencia”, reiterando que “no habrá botellón”, lo que permite “ganar en imagen de ciudad, en respeto al patrimonio y en calidad de la experiencia cultural”.

Suárez ha puesto como ejemplo “del enorme nivel musical de nuestra tierra”. “Si las músicas del mundo vienen a Cáceres, Cáceres también tiene que mostrarse al mundo”, ha afirmado, vinculando esta estrategia con la candidatura de la ciudad a Capital Europea de la Cultura en 2031.

El concejal ha tenido además palabras de recuerdo para Dania Dévora, directora histórica del festival durante más de dos décadas, cuyo reciente fallecimiento ha supuesto “una gran pérdida para la cultura”. Suárez ha destacado su papel clave en la consolidación del Womad en Cáceres.

La agencia de espectáculos en Madrid Sonde3 Producciones volverá a coordinar por tercera vez consecutiva el festival de las músicas del mundo. El director de festivales de la empresa, Chema Fernández, ha defendido el carácter transformador del festival, al que describe como un “éxodo cultural y social” que convierte a la ciudad en un espacio global de convivencia, donde durante cuatro días confluyen música, arte y gastronomía de todo el mundo; con una participación que llegó a los 160.000 asistentes en la última edición.

En el ámbito económico, el contrato de Womad Cáceres 2026 se ha articulado finalmente como una licitación de una sola edición debido a la situación administrativa y política, con un presupuesto base de aproximadamente 470.000 euros sin IVA. 

El Teatro Bretón de Logroño vive esta semana la última jornada del Ciclo Jueves Flamencos de esta edición, con ‘Muerta de amor’ y comienza el mes de mayo con el espectáculo ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’.

Tras cuatro meses sobre las tablas, el ciclo Jueves Flamencos pone punto y final a una edición en la que se reafirma la gran acogida por parte del público de este tipo de eventos. Para cerrar la temporada, este jueves 30 de abril, a las 20:00 horas, llega ‘Muerta de amor’, un espectáculo en el que una docena de artistas guían al espectador por un pasaje coreográfico, con carácter de copla, que apunta al deseo, la fantasía y la provocación. Lo hacen a través del cante de Juan de la María, acompañado por la artista invitada Mara Rey, y el baile coreografiado de Manuel Liñán (Premio Nacional de Danza 2017).

El espectáculo recibió en el Premio Talía 2025 varios galardones, en la categoría ‘Mejor labor de producción’ (Peineta Producciones) y en la mención ‘Mejor Intérprete masculino de danza’, entre otros premios.

El sábado 2 de mayo, a las 20:00 horas, se inaugura el mes con la obra ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’ de Henri Roorda, un alegato vitalista disfrazado de despedida. Se trata de texto sincero, divertido y conmovedor que celebra la belleza de vivir incluso en el umbral de la muerte. Con Mario Gas en escena y la dirección de Fernando Bernués, esta obra es una experiencia teatral que emociona y hace pensar sin perder de vista el humor.

El espectáculo tiene una duración de una hora aproximada y un precio único de 14 euros, ya que se trata de un espectáculo de aforo reducido. Las entradas están disponibles para su adquisición en la web del Teatro Bretón, la taquilla y a través del teléfono habitual.

A finales de 1987, bajo el suelo del antiguo Cine Rialto en Villanueva de la Serena, el tiempo se detuvo para revelar un secreto custodiado durante más de siglo y medio. De forma accidental y a escasa profundidad, las obras de reforma del local sacaron a la luz un conjunto numismático de 149 piezas de oro. Tras décadas de un silencio casi absoluto, el reciente y lamentable robo de este tesoro ha vuelto a situarlo en el epicentro de la atención pública.

Sebastián Fernández Iglesias, de Acedera, un pueblo cercano a Villanueva de la Serena, fue el obrero que lo encontró. Picó en el suelo y aparecieron las monedas a muy poca profundidad cuando estaba trabajando en la construcción de la futura Casa de la Cultura. Así de simple, a pesar de que el inmueble había sido vivienda, edificio gremial, salón, cine... Según las crónicas de la época, el trabajador creyó que eran monedas de chocolate, pero eran un metal precioso apenas sin uso. Por su honradez al entregarlas recibió 650.000 pesetas y sus compañeros también obtuvieron una recompensa.

El 'Tesoro de Villanueva', como pasó a conocerse, ha estado custodiado por el ayuntamiento 38 años, pero el pasado noviembre, la Consejería de Cultura se hizo cargo de él para exponerlo y compartirlo en el Museo Arqueológico de Badajoz. Para ello se montó una exposición en diciembre, que hasta el viernes podía visitarse. La madrugada del sábado asaltaron el edificio para hacerse con el botín. Aunque en un principio se dijo que los ladrones habían sustraído las 149 monedas que componen el conjunto, han sido 144 las robadas.

Los cacos se colaron por una ventana de la parte trasera de edificio, rompieron la vitrina, cogieron las piezas y se fueron. No hay imágenes del robo y en el momento del asalto, cerca de las siete de la mañana, solo había una persona que vigilaba el centro. La Policía baraja como hipótesis que el robo se produjera por encargo. Pero quién lo encargó, quiénes lo robaron y dónde está el tesoro es un misterio a día de hoy. Como lo es quién pudo esconder unas monedas de oro de tanto valor bajo tierra, por qué tardaron tanto en salir a la luz si estaban enterradas superficialmente y por qué el dueño o su familia nunca las pudieron recuperar.

¿En qué consiste el 'Tesoro de Villanueva'?

El análisis del doctor en Historia Juan Ángel Ruiz Rodríguez, que hace unas semanas impartió una conferencia sobre el hallazgo en el Museo Arqueológico de Badajoz, revela un conjunto de una homogeneidad técnica excepcional, aunque no exento de singularidades. Según explica a elDiario.es Extremadura, estas piezas “no eran moneda de tránsito diario, sino de atesoramiento para grandes transacciones comerciales”.

Ruiz Rodríguez considera que la procedencia de las monedas desmiente categóricamente el mito de una Extremadura aislada durante la crisis del Antiguo Régimen. El tesoro es la prueba material de que esta localidad pacense latía al ritmo de una economía globalizada, impulsada por la industria lanera, la Mesta y las rutas de la trashumancia.

El conjunto consta de 149 monedas. Si bien el estándar de la época fijaba su peso en 27,1 gramos por pieza, existen dos excepciones documentadas: una moneda con un peso inferior debido a un error original de pesaje en la ceca, y otra a la que le falta un pequeño fragmento. En total, el conjunto suma casi 4 kilos de oro de 22 quilates.

Las piezas cubren un arco cronológico de medio siglo: hay 45 monedas del reinado de Carlos III, 64 de Carlos IV y 40 de Fernando VII. 148 de ellas corresponden al valor de ocho escudos. La excepción es la pieza de 1822, la más moderna y la única cuyo valor está expresado en reales. Su estado de conservación es, en su mayoría, flor de cuño, lo que indica que apenas circularon antes de ser ocultadas bajo tierra.

La mayoría se acuñaron en cecas de América (Santiago de Chile, Potosí, México, Lima y Nuevo Granada ) y solo 18 en España, concretamente en Madrid y Sevilla y una en Cádiz. Ruiz Rodríguez subraya que la abrumadora presencia de oro acuñado en ultramar evidencia la solidez de las relaciones transatlánticas de las familias de la zona.

Una moneda que se valoró en 420.000 pesetas

Es aquí donde surge una de las anécdotas más fascinantes: los “retratos prestados”. El historiador explica que, debido al retraso con el que los cuños oficiales llegaban a América, las cecas a menudo utilizaban bustos de reyes anteriores o inventaban la efigie del nuevo monarca. Esto dio lugar a piezas curiosas, como una donde Fernando VII presenta un aspecto que recuerda más a un indígena americano que al Borbón, un detalle que añade una capa de intriga numismática al conjunto.

Dentro de este numario, la pieza de 1822, la de más valor del conjunto destaca por su inmensa carga política. Es la más moderna del tesoro y, a juicio de Ruiz Rodríguez, marca el momento crítico del entierro del tesoro. Esta moneda es única por su ruptura formal: la leyenda abandona el latín por el castellano para proclamar a Fernando VII como 'Rey por la Gracia de Dios y la Constitución', reflejando su juramento forzoso de la Carta Magna de 1812.

Presenta además el llamado “retrato heroico”, una imagen idealizada del monarca que sustituyó a bustos anteriores mucho más crudos. En 1987, la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre le otorgó una valoración individual de 420.000 pesetas, no solo por su estado impecable, sino por simbolizar el breve oasis liberal antes del retorno del absolutismo. El valor material del tesoro en su conjunto se cifró en 1987 en algo más de 15 millones de pesetas y su valor económico en el mercado actual ronda el medio millón de euros. Sin embargo, el valor histórico y patrimonial es “incalculable”, según el delegado del Gobierno en Extremadura, José Luis Quintana.

¿Quién lo enterró en su casa y nunca lo recuperó?

Entre los posibles dueños del dinero se ha barajado a Manuel Godoy, que era de Badajoz y fue valido de Carlos IV, con una carrera política meteórica, que le permitió amasar una gran riqueza. Parte de su patrimonio, formado por tierras e inmuebles, se encontraba en la comarca de La Serena, pero todo fue confiscado por el Estado con su caída en desgracia en 1808. Pero el historiador y cronista Juan Ángel Ruiz Rodríguez es tajante: la ubicación del hallazgo (calle Pedro del Río 2 de Villanueva de la Serena) no coincide con la residencia del 'Príncipe de la Paz'. La confusión nace de la división topográfica de la actual calle Carrera, que antiguamente constaba de tres tramos: la zona alta (propiamente Carrera, donde vivía Godoy), el tramo medio (Tesero) y el tramo bajo (Pedro del Río). Aunque la casa del tesoro perteneció a la hija de Godoy, la condesa de Chinchón, esta no la adquirió en 1875 como pago de una deuda judicial, medio siglo después de que el oro fuera enterrado.

La hipótesis más sólida apunta a que el dueño del oro fuera un liberal acomodado. Según las investigaciones de Ruiz Rodríguez, probablemente se trataba de un miembro de las familias procedentes de la Tierra de Cameros (La Rioja), comerciantes y arrendadores de dehesas que se asentaron en Villanueva. Su hipótesis es que el propietario ocultó su fortuna en 1823, al estallar la Década Ominosa, para evitar el secuestro de bienes por parte de los absolutistas. El hecho de que las monedas aparecieran esparcidas y de forma superficial sugiere un entierro ejecutado con improvisación en un momento de pánico.

A pesar de la ligereza a la hora de esconder el dinero, el tesoro no apareció hasta finales del siglo XX. Entre tanto, el edificio de la calle Pedro del Río fue testigo de la evolución social de la localidad a través de sus diversos propietarios, según el historiador. Siguió siendo una vivienda señorial hasta que en 1925 se convirtió en sede del sindicato agrario católico. Unos años más tarde lo adquirió una familia de Quintana de la Serena y pasó a acoger el Salón Trajano, después el Cine Trajano, el Cine Delicias y, por último el Cine Rialto, que se echó abajo para construir la Casa de Cultura y fue el lugar del hallazgo.

No obstante, la importancia del Tesoro de Villanueva de la Serena trasciende lo pecuniario. Su verdadera relevancia reside en la “musealización”: la necesidad de que estas piezas dejen de ser un secreto custodiado en la oscuridad de una caja fuerte para convertirse en patrimonio visible. Solo a través de su exposición y estudio público podrá este legado de oro y misterio ser devuelto a la ciudadanía, explicando una parte esencial de nuestra historia común.

Cuando Donald Trump decidió descargar ataques sobre Irán y desencadenar así la guerra en Oriente Medio, las discusiones se llenaron de nombres de buques atacados en el estrecho de Ormuz, de previsiones sobre cómo afectará la economía bloquear el petróleo, de armamento y, solo en algunos casos, de recuentos de víctimas.

Pero para la analista de conflictos María Ferreira Basanta, la guerra tiene otra cara. Ella la cuenta desde la cotidianidad de una cocina en la que alguien limpia pescado; desde el olor a sudor en una azotea de Pakistán o desde el sabor de un brick de suero fisiológico en un apartamento en Jerusalén.

Todas esas escenas son las piezas del puzzle llamado Un mapa de los lugares donde caemos (Viajes al pasado, 2026), un libro que recopila, a modo casi de cuento, anécdotas que la autora ha ido coleccionando durante décadas de trabajo de campo. Aunque sus 15 capítulos puedan parecer desconectados, forman un collage que pretende aproximar al lector a la miseria de la guerra, del conflicto y de la violencia. Pero también a la belleza de la vida que sobrevive entre las bombas y el hambre.

“Cuando hablamos de guerras, solemos hacerlo desde la geopolítica, en términos de pérdidas económicas y en cómo nos afecta la cancelación de un vuelo a Dubai. Pero de lo que hablamos es de personas. Pero yo lo hago desde la cotidianidad. Aquello que solemos sublimar, el amor, la guerra o las tragedias, siempre se puede conectar a la intimidad de nuestra cocina o a un viaje en autobús un lunes cualquiera”, apunta María Ferreira en una entrevista con elDiario.es.

Los seres humanos nos solemos centrar en lo que nos diferencia. Pero cuando caemos, vemos que solemos caer en lo mismo. Da igual dónde estemos: somos vulnerables a lo mismo

El libro de esta analista de conflictos, asesora en misiones médicas y doctoranda en seguridad internacional, recorre medio mundo: despega desde Heidelberg, ciudad alemana en la que vive, y sigue hacia Jerusalén, Pakistán, Egipto o Kenia, para aterrizar en un pueblecito de Cádiz. Ese es el itinerario de los lugares en los que la autora ha caído y ha visto a otros caer. “Los seres humanos nos solemos centrar en lo que nos diferencia. Pero cuando caemos, vemos que solemos caer en lo mismo. Da igual dónde estemos: somos vulnerables a lo mismo. A la soledad, al desamor, al miedo y a la decepción”, sostiene.

Por eso, Ferreira no sólo se queda en las víctimas más evidentes. En su trabajo, que consiste en “tratar de entender por qué la gente hace lo que hace”, retrata todas las caras del poliedro. Desde una trabajadora sexual con clientes millonarios en Dubai, hasta un monje budista en Sudáfrica, pasando por un agente de policía pakistaní, un soldado israelí, un cura alemán o una niña que vive en un cementerio egipcio.

“Es importante saber que tanto la gente que hace cosas terribles, como las que vemos como héroes o como víctimas conforman sus días igual que nosotros. Que, cuando hablamos de guerras, de lo que hablamos es de personas”, zanja Ferreira.

Hacia el núcleo de las personas

“Yo quería saber a cuántas personas había matado y él quería olvidarlo”. Así empieza el capítulo que Ferreira dedica a Eli, un soldado israelí retirado “que mataba desde el cielo, como un dios que ha decidido no mirar”. Las páginas que siguen a esta frase relatan el intento de averiguar no sólo a cuánta gente ha podido quitar la vida este militar, sino también qué le llevó a querer -y poder- bombardear Gaza sin sentir el más mínimo atisbo de culpa.

“La conciencia es una estupidez, una invención moral para esclavizarnos a todos”, dice Eli para esquivar las preguntas de Ferreira. El interrogatorio se desarrolla sin prisa, desde la sinceridad de saber que ninguno de los dos apoya ni respeta los postulados del otro. Y, al contrario de lo que sucede en las películas, la respuesta no esconde una historia épica ni descorazonadora. Eli había dejado las Fuerzas Armadas, no por culpa ni remordimientos, sino porque había empezado a sufrir vértigos.

“Hablamos de gente que se supone que es inteligente y que nunca se ha parado a pensar si matan, a quién matan o si sufren o no. Pero es que con el avance tecnológico, muchos soldados matan como si jugaran a un videojuego. Es tan virtual que es normal que no se planteen nada”, reflexiona Ferreira.

Por eso la historia cambia cuando los militares se enfrentan directamente a la muerte. En una conversación que no aparece en el libro, pero que la autora rescata para elDiario.es, otro soldado le confiesa por qué dejó el Ejército israelí. Él era soldado de tierra y le enviaron a uno de los enclaves donde había apostadas fuerzas de Hamás.

En ese lugar en concreto había tres rehenes israelíes detenidos. El soldado pensaba que su misión sería entrar y rescatar a sus compatriotas. Pero no. Las órdenes fueron volar la casa por los aires, con Hamás y los civiles israelíes dentro. ¿Por qué? “Porque es mejor tener muertos que rehenes”, le dijeron.

Hay soldados que nunca se ha parado a pensar si matan, a quién matan o si sufren o no. Pero es que con el avance tecnológico, muchos matan como si jugaran a un videojuego

Hasta entonces, las víctimas de sus acciones habían sido esa figura etérea denominada “enemigo”, que no tiene rostro, ni pasado ni familia. Pero aquel día todo cambió. “¿Cuál es la victoria si no es proteger al prójimo?”, se preguntó el soldado. Ferreira fue testigo de este cambio de fidelidades y, aunque se congratuló de ver cómo el mundo perdía un asesino, no pudo dejar de preocuparse por algo: los muertos sólo son muertos cuando pertenecen al bando contrario.

Eso es algo que estos días, en plena guerra en Oriente Medio, le ocupa mucho espacio en la mente. Su familia política es pakistaní y, por tanto, conoce bien esa zona que ahora es un polvorín. “Me paso el día cabreada porque ves que sus respuestas son impulsivas. Tanto mi familia como buenos amigos que tengo en Israel o en Irán dicen que lo que quieren es ganar. Y, para eso, cuántos más muertos haya del otro lado, mejor”, expone Ferreira.

La autora, que ha visto la miseria derivada de la pobreza, la ira, la avaricia o la indiferencia, sabe que se vienen momentos complicados. Pero insiste en que no son inauditos. “La guerra es lo habitual. Lo excepcional es la paz”, sostiene. Aunque el mundo ahora mire a Irán, todavía un poco a Gaza y alguien incluso se acuerde de Ucrania, Ferreira tiene en su mente también a Somalia, Sudán o Venezuela. “Hay tantos conflictos que es imposible entenderlos todo. Lo único que pido es que no obviemos que existen”, suplica la escritora.

Pero, a pesar de todo el horror, ese Mapa de los lugares en los que caemos es un libro que destaca por su belleza. Por lo bonito de los gestos diarios, de las pequeñas alegrías que sobreviven hasta en las guerras más aciagas. Por esa resistencia en todas sus formas que es “una manera tan bonita como cualquier otra de hacer un homenaje a la gente que vive en este mundo”.

Aunque haya muertes en esas crónicas que son “cartas de amor” a los países en los que ha trabajado, también hay esperanza. La de una cuñada rebelde en Pakistán, que se anima a romper las cadenas que la atan al hogar o la de una trabajadora sexual sin nombre que se vuelve a sentir parte de este mundo cuando se la rebautiza como Dulcinea en la piscina de un hotel de lujo en el que, hasta entonces, había sido invisible. “La vida está llena de cosas bellas. Y no nombrarlas sería injusto”, zanja Ferreira.

El entorno del Área Natural de Especial Interés (ANEI) Pozo Tremeo centrará, entre mayo y diciembre, el programa de ecoturismo y turismo cultural que el Ayuntamiento de Polanco ha diseñado para descubrir su patrimonio natural y social a través de rutas, talleres y actividades.

El programa propone una aproximación al territorio que combina el conocimiento científico con la experiencia sensorial y la participación ciudadana, según ha informado el Consistorio. Así, las rutas naturales y culturales permitirán a los participantes recorrer espacios de interés paisajístico y patrimonial, de cara a interpretar su evolución y significado a lo largo del tiempo.

Junto a ello, los talleres de cerámica botánica ofrecerán espacios de creación artística vinculados a la naturaleza, mientras que otras actividades sobre plantas medicinales permitirán profundizar en el conocimiento tradicional y en los usos de la biodiversidad local.

Las propuestas también incluyen talleres de gastronomía intergeneracional concebidos como espacios de encuentro entre personas de diferentes edades en los que compartir conocimientos y tradiciones culinarias.

La alcaldesa, Rosa Díaz, ha resaltado este lunes en un comunicado que el programa, financiado con fondos municipales, responde a un modelo de turismo sostenible orientado a la conservación del patrimonio y a la dinamización del territorio fuera de la temporada alta.

El calendario detallado de actividades se promocionará a través de la pagina municipal y de la empresa colaboradora NansaNatural, donde también se podrán realizar las inscripciones para participar en cada una de las propuestas.

La investigación sobre el robo del 'Tesoro de Villanueva' en el Museo Arqueológico Provincial de Badajoz comienza a despejar incógnitas sobre la naturaleza del delito, aunque no sobre sus autores. El delegado del Gobierno en Extremadura, José Luis Quintana, ha confirmado este lunes que la Policía Nacional trabaja con la hipótesis principal de un “robo por encargo”. La precisión del golpe y el botín seleccionado, las 149 monedas de oro de los siglos XVIIIy XIX, refuerzan la idea de un plan ejecutado por profesionales.

Pese a la gravedad del suceso, por el momento no se han practicado detenciones, y es que los investigadores se enfrentan a la ausencia de imágenes de los autores en las cámaras de seguridad del centro. Sin rastro visual, la Policía Nacional mantiene abiertas distintas líneas de investigación para tratar de localizar unas piezas de “incalculable valor”, en palabras de Quintana, que fueron sustraídas tras reventar la vitrina donde se exhibían desde diciembre en la madrugada del sábado.

El delegado del Gobierno ha aprovechado para delimitar de nuevo responsabilidades en la custodia del patrimonio. Aunque el edificio del museo es de titularidad estatal, Quintana ha precisado que “la gestión integral de las instalaciones corresponde a la Junta de Extremadura”. Esta puntualización llega tras la polémica generada por las dificultades que encontraron los agentes para acceder al museo en los primeros momentos de la intervención policial. José Luis Quintana ha defendido la actuación de la Policía Nacional, subrayando que los agentes lograron acceder al recinto “salvando las dificultades” y actuando con celeridad pese a no disponer de llaves del centro en un primer momento, un detalle que pone el foco en los protocolos de coordinación y seguridad del Arqueológico pacense.

Un botín 'quemado' en el mercado legal

A pesar del éxito del robo, la recuperación de las piezas cuenta con un factor a favor. El delegado del Gobierno ha recordado que las monedas, descubiertas en 1987 en Villanueva de la Serena (Badajoz), donde estuvieron custodiadas hasta el pasado noviembre, y cedidas posteriormente a la Junta, están catalogadas de forma individualizada.

Esta ficha técnica detallada de cada pieza de oro es la principal baza de los investigadores, ya que dificulta enormemente su venta en circuitos legales de numismática o subastas internacionales. El rastreo se centra ahora en los canales del mercado negro de arte, bajo la premisa de que quien encargó el robo conocía perfectamente el valor histórico y material del conjunto.

Esta nueva información se suma a los detalles conocidos desde que se conoció el robo. Como ya se sabe, los asaltantes lograron sortear la vigilancia —el museo cuenta con vigilancia presencial, pero la persona encargada no detectó el asalto en el momento— para robar únicamente las 149 monedas de oro del 'Tesoro de Villanueva'.

La falta de grabaciones de vídeo y el método utilizado para reventar la vitrina sugerían desde el principio un conocimiento previo de las vulnerabilidades del museo, una teoría que cobra fuerza con la confirmación oficial del posible encargo profesional.

Nedra Talley Ross, la última integrante que quedaba viva de las Ronettes, ha fallecido a los 80 años. La artista fue una de las fundadoras, junto a sus compañeras y también primas Estelle Bennett y Ronnie Spector, del icónico grupo de pop que alcanzó el estrellato en los años 60. Según ha publicado su hija Nedra K. Ross en redes sociales, “falleció tranquilamente en su propia cama, en casa, rodeada de su familia y sabiendo que era querida”.

La cuenta oficial de las Ronettes en Facebook ha anunciado la muerte en Facebook: “Con gran pesar comunicamos el fallecimiento de Nedra Talley Ross. Fue una luz para quienes la conocieron y la quisieron”. “Como miembro fundadora de las Ronettes, junto a sus queridas primas Ronnie y Estelle, la voz, el estilo y el espíritu de Nedra contribuyeron a definir un sonido que cambiaría la música. Su aportación a la historia del grupo y su influencia determinante perdurarán para siempre”, ha añadido.

La artista fue creadora de éxitos como Be My Baby, Baby I Love You, Walking in the Rain y I Can Hear Music. Aunque su fama no se alargó demasiado en el tiempo y solo publicaron un disco durante su trayectoria, estos hits ejercieron una gran influencia en el sonido de los años 60 y llegarían a alabarlas artistas como los New York Dolls, Bruce Springsteen o Billy Joel.

Nacida en Manhattan en 1946, Talley Ross comenzó a actuar con sus primas cuando eran adolescentes, hasta que formaron las Ronettes en 1957. Consiguieron una residencia en un club local y un contrato discográfico, pero sus primeros singles no lograron entrar en las listas de éxitos. Fue más adelante cuando, de la mano del productor Phil Spector, quien recientemente había cosechado una serie de hits, empezaron a dominar en las radios.

Karol G prepara su regreso a los escenarios este verano. Después de convertirse en la primera artista latina en encabezar el cartel de Coachella, la cantante colombiana ha anunciado que volverá a actuar en los estadios de gran parte del mundo, con fechas en Norteamérica, Latinoamérica y Europa. Su visita a España, eso sí, no ocurrirá hasta 2027. La artista hará paradas el 3 de junio en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona, el 11 de junio en La Cartuja de Sevilla y el 24 de junio en el Riyadh Metropolitano de Madrid.

Si quieres hacerte con entradas para alguno de estos conciertos, la preventa arranca este lunes a partir de las 10:00 horas, en la que se espera que haya una alta demanda tras el furor causado por la colombiana después de su actuación en Coachella. A esta preventa solo pueden acceder los usuarios que se hayan registrado en este enlace antes del viernes 24 de abril a las 16:00 horas, por lo que de momento no se puede rellenar el formulario.

No obstante, quienes deseen obtener entradas para ver a Karol G todavía tendrán más oportunidades, así que no te preocupes si no te registraste para la primera preventa. Dos días más tarde, el 29 de abril, tendrá lugar una segunda preventa, de la mano de Live Nation, a partir de las 10:00 horas. Para tener opciones de comprar tickets en esta preventa es necesario registrarse en este enlace. Cada fan podrá hacerse con hasta seis entradas.

Una vez hayan sucedido las dos preventas, la venta general de entradas de Karol G dará inicio el jueves 30 de abril a las 10:00 horas tanto en Live Nation como en Ticketmaster. Los fans volverán a tener la posibilidad de hacerse con seis entradas y se recomienda que entren a la cola virtual con media hora de antelación, es decir, a las 9:30 horas. No es necesario registrarse en ninguna parte para entrar a la venta general de entradas, pero vuelve a esperarse una alta demanda.

Los precios de las entradas

Los precios de las entradas de Karol G con su gira Viajando por el mundo Tropitour van desde los 285,50 euros hasta los 70,50 euros, según indica Live Nation. Las entradas 200 Copas Pit cuestan 285,50 euros, las entradas Golden Circle cuestan 161 euros, las de pista general cuestan 127 euros, las de gradas 1 cuestan 161 euros, las de gradas 2 cuestan 138 euros, las de grada 3 cuestan 104 euros, las de grada 4 valen 93 euros, las de grada 5 tienen un precio de 81,5 euros y las de grada 6 cuestan 70,5 euros.

En 2024 Karol G llenó cuatro veces el estadio Santiago Bernabéu con la gira Mañana será bonito. Con ese tour internacional vendió 2,3 millones de entradas en 62 fechas y generó más de 300 millones de dólares. Además, el álbum homónimo, el primero en español de una artista femenina en debutar en el número 1 del Billboard 200, obtuvo el Grammy al Mejor Álbum de Música Urbana. A esos logros se suman ocho premios Grammy Latinos.

El pasado abril la artista expresó su deseo de poder pronunciarse con mayor libertad sobre las acciones que el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos (ICE) lleva a cabo en el país, así como su miedo a hacerlo. “La gente dice: 'Es mejor que no lo hagas'... ¿Por qué?, porque si dices algo, tal vez recibas una llamada el día siguiente: 'Oye, te retiramos la visa'. Te conviertes en carnada de algunas personas que quieren demostrar su poder”, explicó en una entrevista.

Plan de negocio, análisis económico, estimaciones de mercado… Términos que pueden sonar cotidianos en cualquier empresa, en cualquier proyecto del siglo XXI, parecen encajar con más dificultad en el tranquilo (en exceso) día a día de la España vacía, donde los pueblos languidecen hoy lamentando el éxodo urbano iniciado en los años cincuenta. “El mundo rural no está para desaprovechar recursos”. El arqueólogo Ángel Palomino repite esta idea como una especie de mantra para explicar que, hasta los pueblos con menor densidad de población, con todas las estadísticas de desarrollo en contra, tienen una oportunidad de tomar acaso el último tren.

Solo existe una condición, un requisito de mínimos: todos los municipios en los que este experto en gestión de proyectos en el medio rural trabaja reúnen un argumento común: tienen “memoria”, en sus calles y plazas conservan la herencia de sus antepasados, un patrimonio que da para hacer cálculos, estimaciones, números sobre los que sustentar una casi utópica recuperación. De esa filosofía tan pegada al “Excel” nació el proyecto Ars Stellaris, que pretende poner en el mapa la región acaso más despoblada de Burgos: un conjunto de extensos páramos y valles fértiles situados en el occidente de esta provincia, en la estela del Camino de Santiago.

Sobre la mesa, un mapa de 14 pueblos con un denominador común, iglesias de origen medieval con raíces en el románico y en el gótico —todas son bienes de interés cultural (BIC)— que han ido transformándose, envolviéndose en otros estilos a lo largo de los siglos. De Melgar de Fernamental, corazón del Canal de Castilla, a Castrojeriz, parada obligada del Camino Francés. De Villamorón, municipio casi desértico que ha logrado salvar su mayúsculo templo del siglo XIII, a Sasamón, donde radica el edificio religioso más monumental del conjunto, una descomunal iglesia gótica impropia del medio rural. Joyas que han resistido al drama del exilio de sus habitantes y que hoy aspiran a convertirse en esperanza de progreso (o, al menos, de una tierra todavía viva), pero con un giro de guion.

“El modelo de ‘Oiga, mire, deme usted dinero para retejar la ermita de mi pueblo’ se ha acabado”. Rodrigo Sáiz es el gerente de la fundación Ars Burgensis, el organismo impulsado por el arzobispado de Burgos hace un par de años para desarrollar planes de conservación del patrimonio y dinamizar el territorio que lo ampara. “Ahora estamos en un modelo distinto, en el que puede haber dinero público si una ermita se pone en valor a través de una campaña de difusión, se digitaliza y tiene una accesibilidad plena”, expone. Un análisis honesto, pero una visión del patrimonio que divide a quienes cuidan de los edificios históricos de la España rural.

En contra, aquellos que piensan que no en todos los casos —templos aislados sin vocación clara de generar recursos en su entorno— se podrá hablar de repercusión económica. Precisamente, ese giro de guion aquí radica en que la restauración de las iglesias burgalesas será consecuencia de lo que puedan “producir” a su alrededor, y no un fin. “Estamos desarrollando un plan de gestión, no de intervención”, aclara el arqueólogo Ángel Palomino. En números, Ars Stellaris cuenta con un presupuesto de 248.000 euros, algo más del 60% del capital que procede de la Junta de Castilla y León lo completa la fundación eclesiástica.

Digitalización exhaustiva

En ese “cambio de enfoque”, la piedra angular es una plataforma de gestión digital que “va a dar visibilidad al proyecto”. En la práctica, una web donde aparecen los 14 templos digitalizados —tanto el exterior como sus bienes muebles (retablos o esculturas)—, lo que posibilita que “siempre estén abiertos” (aunque sea a través de una visita virtual), destaca Ángel Palomino. “En entornos rurales de pueblos muy pequeños no es fácil que te abran la iglesia”, precisa, apuntando a esa labor en extinción de los denominados custodios, vecinos que guardan la llave del templo y lo abren al visitante cuando pueden.

“A partir de un plan de este tipo, seguramente sea más fácil y viable conseguir la inversión que echando mano de lo de siempre”, sostiene el miembro de la firma Patrimonio Global. En su opinión, los valores inherentes al patrimonio —como la historia o la memoria que atesoran— “son intangibles que, al final, no se pueden materializar”. “Lo que se pretende es crear un producto de turismo cultural y patrimonial para identificar estos territorios, incorporando un conjunto de iglesias a las dinámicas del desarrollo regional”, precisa.

Atendiendo a la rentabilidad económica y social de planes como este en el medio rural, cabe acudir a la pregunta clave: ¿Resulta factible lograr mejoras perceptibles en zonas de interior profundamente deprimidas y sin apenas vecinos? “Yo creo que sí”, señala sin dudar Ángel Palomino, y justifica su convicción: “El punto de partida es tan bajo y la situación es tan crítica que los resultados a corto y medio plazo parece que no se ven, pero cuando analizas el impacto al detalle, sí que se está produciendo”.

Para demostrarlo, acude a otros ejemplos del mismo perfil, en programas del Ministerio de Reto Demográfico. En concreto, cita la inversión de 600.000 euros en proyectos de arqueología que se están llevando a cabo en pueblos de la Ribera del Duero (provincias de Burgos y Valladolid). “Tenemos que incluir datos demográficos en las actuaciones que estamos desarrollando y en todos los municipios afectados ha habido un incremento de población”, afirma. En todos, igualmente, el trabajo se ejecuta en red: pueblos de apenas veinte habitantes se asocian para crear un impacto conjunto en la zona. Las aventuras individuales son cada vez más escasas.

¿Y qué hay del perfil turístico de esta iniciativa? El programa Ars Stellaris apunta a un destinatario muy concreto: el “visitante respetuoso”. Lo explica Rodrigo Sáiz, gerente de la fundación Ars Burgensis. “Objetivamente, nuestro visitante no es precisamente un hooligan inglés que viene aquí a emborracharse, sino personas con cierto sentido del gusto artístico que quieren ver iglesias”, define. Y va más allá: “Hay un respeto por la santidad del lugar y un sentido del relajamiento; quien viene no lo hace atropelladamente ni tiene únicamente el interés de tomarse un ‘selfie’ antes de ver un museo”. Es decir, que la llamada no se dirige al grueso de los datos macroeconómicos del sector.

Sáiz cita que, “de los 100 millones de visitantes que recibe España cada año, veinte llegan atraídos por la cultura”. Y en esa todavía generosa porción de la tarta “hay medallas de oro, como la Mezquita de Córdoba, la Sagrada Familia o la Catedral de Burgos, pero también hay medallas de plata o bronce”, detalla. En los escalones inferiores del podio, aparecen las iglesias del occidente burgalés como “un lugar de reflexión, de meditación para contemplar auténticas joyas, tablas flamencas o esculturas de autores de talla internacional en la Edad Media, y de paso llevamos actividad a la España vacía”, propone.

La iniciativa no es la primera de este tipo en la España vacía ni en la provincia de Burgos, aunque sí está claramente inmersa en esa filosofía de impacto económico que está desarrollando la Junta de Castilla y León en la autonomía del país con mayor volumen de patrimonio. En la comarca de Bureba, al norte de Burgos, los ayuntamientos de núcleos con poblaciones mínimas trabajan en la creación de un circuito cultural que permita disfrutar de sus iglesias románicas, aunque muchas veces la falta de vecinos llega a tal punto que impide atender la apertura de los monumentos de la ruta y convierten estos proyectos en una quimera. En la comunidad de Cantabria, la región de Liébana está recuperando las pinturas de distintos edificios históricos con fines de conservación, pero también para tratar de llevar la vida a una de las regiones más despobladas del norte del país. En todos estos ejemplos, un denominador común —la despoblación— y un rayo de esperanza, el patrimonio.

La Comisión de Educación del Parlamento de Navarra ha aprobado por unanimidad una resolución por la que se insta al Departamento de Educación del Gobierno foral a crear un grado profesional de la enseñanza de la gaita en el Conservatorio Profesional de Música Sarasate y/o en el Conservatorio Escuela de Música-Conservatorio municipal Fernando Remacha de Tudela para el curso 2026-2027.

La moción, presentada por EH Bildu, pide para ello modificar el Decreto Foral 21/2007, de 19 de marzo, por el que se establece el currículo de las enseñanzas profesionales de música en el ámbito de la Comunidad Foral de Navarra.

A tal efecto, y con el fin de posibilitar su implantación efectiva en el curso 2027-2028, la modificación del Decreto Foral 21/2007 deberá aprobarse con carácter previo a la Orden Foral por la que se regulen las pruebas de acceso a las enseñanzas profesionales de música correspondientes a dicho curso académico, “garantizando así la inclusión de la especialidad de gaita navarra en el procedimiento oficial de admisión”.

La resolución aprobada incluye un segundo punto en el que se emplaza al Ejecutivo foral a “planificar y calendarizar la implantación progresiva de la especialidad en el Conservatorio Superior de Música de Navarra, garantizando su puesta en funcionamiento en un plazo máximo de tres años desde la aprobación de esta moción”. UPN ha presentado una enmienda de modificación, no aceptada por EH Bildu, dirigida a reformular el primer punto, sin cambiar su pretensión, para modificar el Decreto Foral 21/2007 con el tiempo necesario para que la enseñanza de gaita “pueda ser implantada en los Conservatorios Profesionales de Navarra en el curso 2027/2028”.

En la exposición de motivos, la resolución impulsada por EH Bildu defiende la necesidad de instaurar un itinerario formativo integral para, mediante la ordenación académica en los grados profesional y superior de música, dotar a la gaita del “reconocimiento y la protección” que requiere uno de los instrumentos “populares más antiguos, prestigiosos y representativos del patrimonio cultural” de Navarra. 

A tal objeto y teniendo en cuenta que, dado que ningún centro que imparte gaita tiene carácter reglado (23 escuelas municipales, 25 academias privadas), no es posible obtener titulaciones oficiales en Navarra, se llama a abrir la vía adecuada para poder contar con profesorado cualificado y acreditado. 

En ese sentido, se apunta que en la Comunidad Foral solo existen cinco profesores de gaita titulados —gracias a una convocatoria extraordinaria en Catalunya en 2009— y alrededor de 340 personas que están recibiendo clases, 206 de ellas (curso 2024/25) en las escuelas de música municipales.

Un día después de que saltaran las alarmas por el robo de 149 monedas del 'Tesoro de Villanueva' en el Museo Arqueológico Provincial de Badajoz, el delegado del Gobierno en Extremadura, José Luis Quintana, no ha arrojado luz sobre la investigación porque no existen imágenes del asalto, ha confirmado este domingo.

Lo que sí ha confirmado es que los delincuentes forzaron una reja del edificio en la madrugada del sábado y fueron específicamente a por las las 149 monedas de oro acuñadas durante los reinados de Carlos III, Carlos IV y Fernando VII. Sin embargo, no ha concretado si el museo contaba con un sistema de cerrado de televisión y ha recordado que el museo está en un edificio del Estado cedido hace casi 40 años a la Junta de Extremadura. Sobre si era suficiente la vigilancia de una sola persona, ha señalado que eso es responsabilidad de quien lo gestiona.

Quintana también explicado que la Policía Nacional se desplazó cuando llamó la persona que estaba de vigilancia y, al llegar allí, encontraron “algunas dificultades” para entrar, que no ha concretado, por lo que ha negado que se produjera un “enfrentamiento” con los ladrones.

El delegado del Gobierno hace muy pocos días fue a ver las monedas y ha subrayado que son “una auténtica maravilla”. “Han ido a por esos objetos”, ha asegurado, pero no ha querido desvelar nada más de la investigación.

El conocido como 'Tesoro de Villanueva' apareció en 1987 en Villanueva de la Serena (Badajoz) durante unas obras públicas que se llevaban a cabo en el antiguo Cine Rialto para convertirlo en la actual Casa de la Cultura. El origen del conjunto, las 149 monedas de oro, acuñadas entre 1772 y 1822 en cecas como Madrid, México, Lima, Potosí, Popayán, Santiago, Sevilla y el Nuevo Reino, se vincula a la ocultación realizada probablemente en los años veinte del siglo XIX en una vivienda señorial donse se construyó la Casa de la Cultura. De hecho, fueron los trabajadores de la obra quienes encontraron el tesoro.

Tras su hallazgo, y en aplicación de la Ley de Patrimonio Histórico Español, las monedas fueron declaradas de dominio público y entregadas a la Junta de Extremadura, aunque en 1989 se acordó su depósito provisional en el Ayuntamiento hasta que se resolviera su destino definitivo. El pasado noviembre el Gobierno extremeño informó de la recepción del histórico conjunto monetario y desde diciembre estaban expuestas en el Museo Arqueológico de Badajoz, siendo la primera vez que se exponían al público.

Un barco pesquero navega solitario hacia el Gran Sol. Lo hace por un océano Atlántico no demasiado encrespado que despliega toda su fuerza visual, dispara reflejos, satura colores. El cineasta los manipula hasta disolverlos. La secuencia, musicalmente aderezada por una suerte de jazz ambient, se extiende durante casi diez minutos. “Fomos ficando sós / o Mar o barco e máis nós”, arranca el poema del vanguardista Manuel Antonio que presta el título al primer largometraje de Adrián Canoura (Burela, A Mariña, 1991). Esas imágenes por momentos oníricas dan paso a bordo: el Raúl Primeiro, un buque con base en el puerto de Burela cuyo patrón es el padre del director. Fomos ficando sós, estrenada en el festival Punto de Vista de Nafarroa, es la película con la que Canoura reflexiona sobre las relaciones paterno filiales, el estancamiento emocional y el paso del tiempo.

El filme comienza en el desván de los Canoura, en Burela, hace unos diez años. Allí encontró Adrián las cintas de vídeo que su progenitor, Raúl, había ido registrando durante años de travesías por los mares del norte a la busca de la merluza do pincho. “Él siempre decía que grababa para enseñar después a la familia, pero yo no recuerdo que nos pusiera nunca esas películas”, explica el hijo en conversación con elDiario.es al día siguiente de la primera proyección pública de Fomos ficando nós. Ese material, que abarca tres décadas de trabajo en el Raúl Primeiro, conforma uno de los tres núcleos visuales de la obra. Los otros dos son el recopilado por el propio Canoura en dos mareas -campañas de pesca- acompañando a su padre y una instalación que recrea algo así como un camarote y el puente de mando.

“Las cintas tienen una fuerza increíble. También plástica, con todo ese grano del VHS que casaba con lo que yo hacía”, relata. El cine de Canoura suele experimentar con las texturas y los colores, buscar los extremos menos transitados de la imagen. También ha incursionado en el videoarte -con el que acompaña la propuesta musical de Baiuca, electrónica folk- y colaborado en directo con Oliver Laxe. Pero los vídeos de su padre en el Raúl Primeiro escondían además un retrato casi antropológico del trabajo en el mar. Como de otra manera Vikingland (2011, Xurxo Chirro), que montó el diario filmado de un marino mercante gallego entre alemania y Dinamarca. Hombres -solo hombres, una profesión masculinizada al extremo- que pasan semanas en un reducido espacio físico, rodeados de la inmensidad del océano, y sin los medios de comunicación de la actualidad.

Fomos ficando sós no trata solo sobre eso. “Yo no quería hacer un retrato documental de cómo se pesca. Ya existen otras películas y seguramente realizadas mejor de lo que yo podría hacer”, aduce Canoura, “si en la mía hay un hilo es esa grieta, ese hueco que, a nivel íntimo, se abría entre mi padre y nosotros, su familia. Como antes se había abierto entre él y su padre, mi abuelo, también marinero”. El Raúl Primeiro solía navegar hasta Escocia y su tripulación -sobre 15 personas-, pasar más de un mes fuera de casa. Ahora se queda al sur de Irlanda o cerca de la costa francesa, y las mareas duran entre 20 y 30 jornadas. “Nunca lo expresamos abiertamente, pero nuestra comunicación siempre fue difícil, había ese estancamiento emocional de la gente del mar. El tópico habla de gente ruda”, dice.

Distancia emocional

Canoura recuerda la falta de comunicación, cierta “distancia emocional” respecto de su progenitor. Fomos ficando sós es, también, una tentativa de comprender qué sucedía y por qué sucedía. Además de los VHS, el cineasta y su cámara se embarcaron en dos travesías y las filmaron. La primera en 2019, a la brava, sin saber muy bien a qué se iba a enfrentar. “Fue casi una grabación pirata”, recuerda, “medio escondido, con un aparato pequeño. Tampoco quería incomodar al resto de los marineros”. La segunda hace dos años, ya con la productora Zeitung respaldando el proyecto y un boceto de guión en la cabeza. Las imágenes recogen los trabajos y los días de un barco en alta mar, aunque el protagonista indiscutible es el patrón, Raúl Canoura. Y esa cierta sensación de marasmo y soledad que enlaza con la poesía de Manuel Antonio, tan querida del cineasta y que también sucede en un buque, un pailebote.

“Hay mucha distancia entre el pailebote de Manuel Antonio y el Raúl Primeiro, pero también similitudes”, asegura. Su padre y la tripulación andan sobre todo a la pesca de la merluza do pincho, que se captura con anzuelo, una por una, “la técnica más artesanal dentro de la pesca industrial”. “Es un método repetitivo, con un punto aburrido”, se extiende, “la gente en Burela me decía, 'pero qué vas a grabar si es todo el día lo mismo”. Ese cierto estatismo provoca reflexión existencial. “No cuadrante estantío das estrelas / ficou parada está hora: / O cadáver do Mar / fixo do barco un cadaleito [en el cuadrante estancado de las estrellas / quedó parada esta hora: / El cadáver del Mar / hizo del barco un ataúd]”, dice el poema que da título a la película. La performance que funciona como tercer elemento de la narración dialoga con esos versos.

“Me interesaba añadir un ejercicio de juego, llevar el filme a una poética más plástica, no solo documental”, apunta, “a la frontera entre lo plástico y lo etnográfico”. Canoura reconstruyó un camarote y un puente de mando, y estableció un paralelismo entre el patrón de barco y el cineasta: “Compartimos aparatos, pantallas, botones. Y hay elementos en común entre dirigir un barco y dirigir una película. Al fin y al cabo, en los dos casos das órdenes a una tripulación”, señala. Al mismo tiempo, la instalación buscaba representar ese umbral entre el sueño y la vigilia en el que, explica, a menudo vivía su padre embarcado. Si Fomos ficando sós es un documental, lo es utilizando varios lenguajes, no todos habituales en el género.

Tras su estreno en Punto de Vista, la película estará en el Play-Doc de Tui (en la frontera gallega con Portugal) el 1 de mayo. En invierno se estrenará en salas comerciales.

En la 74.ª edición del Festival de San Sebastián que se celebrará del 18 al 26 de septiembre, además de los estrenos de las películas y proyectos cinematográficos, se presentará de forma oficial Zinemaren Akademia, una nueva institución formada por 150 profesionales del mundo del cine de Euskadi, Navarra e Iparralde. Se trata de la primera academia del cine creada en Euskadi y, como sus creadores han manifestado a través de su primer comunicado, busca ser “un espacio inclusivo, plural y representativo, al servicio de las y los profesionales del cine y del audiovisual”. “La primera semilla de un proyecto colectivo que aspira a representar, fortalecer y visibilizar el sector audiovisual del territorio”, han asegurado.

El proyecto ha surgido tras varias reuniones, la última de ellas en Bilbao, en la que se ha puesto la guinda a Zinemaren Akademia. Se ha tratado de “un encuentro cerrado y exclusivamente profesional”, en el que han pedido a los medios de comunicación que respeten el proceso, puesto que quieren evitar que “dinámicas externas” condicionen el desarrollo de la iniciativa. Para ello, han participado representantes de otras academias cinematográficas autonómicas, como Laia Aubia (Catalunya), Miguel Mariño (Galicia) e Irene Belert (Comunitat Valenciana), quienes han compartido sus experiencias y han servido de guía para lo que se quiere desarrollar en Euskadi.

Tras las intervenciones se ha celebrado un espacio de debate abierto en el que los asistentes han podido compartir sus “reflexiones e inquietudes en torno a los pilares que definirán la futura academia: su identidad, su modelo de participación, sus funciones y su forma de organización”, han adelantado.

Con esta última reunión se llevará a cabo la formalización legal de la entidad. “Asimismo, se ha establecido que la junta fundacional tendrá carácter transitorio hasta la celebración de las primeras elecciones de la futura junta de gobierno, momento en el que se definirá de manera democrática su estructura definitiva”, han reconocido desde la nueva organización.

Por el momento todo está en el aire, aunque existe una “voluntad compartida” de que el proyecto tenga éxito. De hecho, Zinemaren Akademia, podría tratarse incluso de un nombre provisional, y queda por determinar qué requisitos serán necesarios para formar parte, su ámbito geográfico, su sede, sus fuentes de financiación o el nombre de los 'Goya' vascos, que sí que buscan crear una vez la nueva institución de sus primeros pasos en el mundo del cine.

La revista cultural Almazuela presenta su segundo número, titulado “La Enredadera”, disponible en formato digital en su nueva página web almazuelarevista.com. Este nuevo número supone un paso adelante para el proyecto: si el primero fue el nacimiento, este es, en palabras de sus directoras, “la germinación”.

El gran cambio respecto al número anterior es que Almazuela deja de ser un proyecto unipersonal. Lo que nació como un Trabajo de Fin de Máster de la Universidad Pompeu Fabra —galardonado con la Matrícula de Honor como mejor TFM de su promoción— ha crecido hasta convertirse en una redacción: Patricia Izquierdo, su fundadora, suma a Nuria Alonso como codirectora y coautora, consolidando un equipo que incluye también a Carmen Ramírez en el diseño gráfico, a Samuel Noval como desarrollador web y a Matilde Blanco (La Abuela Matilde), modelo y costurera de la portada.  La revista estrena además su propio espacio en internet, almazuelarevista.com, como nuevo punto de acceso al proyecto. 

Bajo el concepto de “la enredadera”, el número recoge seis reportajes y entrevistas que ahondan en la cultura, el arte y el activismo riojanos, unidos por la convicción de que conocer lo que ocurre en La Rioja, poner en valor a quienes crean y trabajan en ella, y construir comunidad desde lo local son actos necesarios y reivindicativos. El grupo de música folclórica Vivace, formado por Jorge Martínez y Diego Pérez, abre el número hablando de tradición, comunidad y del resurgir de la música popular en La Rioja. Le sigue una entrevista con Adri Torres, ilustrador logroñés que ha trabajado para Marvel, Disney o Netflix y que reivindica la continuidad de los proyectos culturales locales como clave para el desarrollo artístico de la región. La K Casa, una casa drag logroñesa que lleva tres años ganando la gala drag de la ciudad, protagoniza un reportaje sobre comunidad queer, identidad y resistencia en una capital que, según sus integrantes, “aún tiene mucho por avanzar”. Gema Pérez, profesora de cestería en la Universidad Popular de Logroño, habla del oficio artesanal más antiguo de la humanidad y de su labor como divulgadora por los pueblos riojanos. La Lonja, galería de arte contemporáneo de la calle Beratúa que cumple diez años en 2026, defiende la democratización del arte y el acceso gratuito a la cultura. Por último, María Ángeles Matute, presidenta de la Federación de Asociaciones Vecinales de La Rioja, repasa los 25 años de la Red Vecinal Contra la Violencia de Género e Intrafamiliar, que acompaña a víctimas de maltrato.

Almazuela se define como una revista intergeneracional, pensada para la población riojana y todo aquel que quiera conocer más sobre esta tierra. El proyecto sigue buscando apoyos de personas, empresas y organismos que quieran formar parte de esta herramienta de conexión cultural. 

El Museo Arqueológico Provincial de Badajoz ha sufrido esta madrugada el robo de 149 monedas del conocido Tesoro de Villanueva de la Serena, tras forzar una reja y romper violentamente la vitrina en la que estaban las monedas. Según han informado la Junta de Extremadura, el acceso de los autores se ha realizado por la parte trasera del edificio, forzando la reja.

En estos momentos, la zona permanece acordonada y con un amplio despliegue de la Policía Nacional, mientras la Policía Científica se encuentra en el museo realizando la inspección técnica.

La Policía Nacional ha confirmado que se ha interpuesto una denuncia y que han recibido un aviso del servicio de vigilancia del museo a las 6:00 horas pero que al llegar ya no había nadie. La Junta de Extremadura, por su parte, ha precisado que el museo cuenta con vigilancia permanente y cumple con las medidas de seguridad exigidas.

El pasado 23 de noviembre el Gobierno extremeño informó de la recepción del histórico conjunto monetario conocido como el 'Tesoro de Villanueva', hallado en 1987 en Villanueva de la Serena. Se trata de 149 monedas de oro que hasta ahora permanecían depositadas provisionalmente en el Ayuntamiento villanovense.

Las monedas, acuñadas entre 1772 y 1822 en cecas como Madrid, México, Lima, Potosí, Popayán, Santiago, Sevilla y el Nuevo Reino, fueron encontradas el 11 de noviembre de 1987 durante las obras del antiguo Cine Rialto de Villanueva de la Serena.

El origen del conjunto, integrado por piezas de los reinados de Carlos III, Carlos IV y Fernando VII, se vincula a la ocultación realizada probablemente en los años veinte del siglo XIX en una vivienda señorial ubicada donde más tarde se construyó la Casa de la Cultura.

Tras su hallazgo, y en aplicación de la Ley de Patrimonio Histórico Español, las monedas fueron declaradas de dominio público y entregadas a la Junta de Extremadura, aunque en 1989 se acordó su depósito provisional en el Ayuntamiento hasta que se resolviera su destino definitivo.

El mítico grupo El Último de la Fila regresa a los escenarios tres décadas después con una nueva gira que recorrerá 12 ciudades españolas y que arranca este sábado en el Marenostrum Fuengirola, en Málaga, un reencuentro con el público que afrontan con “responsabilidad”. A ello unen la emoción de volver a Andalucía, una tierra a la que, recuerdan, acudían en sus inicios para tocar “en entrañables casetas” y con cuyo público siempre han sentido una conexión especial, marcada por “una fluidez y una facilidad fuera de lo común”.

Así lo han explicado Manolo García y Quimi Portet en una entrevista concedida a Europa Press, donde han rememorado su evolución desde aquellos primeros conciertos hasta actuaciones en plazas de toros y grandes recintos. En su opinión, Andalucía ha sido siempre un lugar donde han encontrado “un público entregado y receptivo a nuestra propuesta”, algo que confían en volver a vivir en esta nueva etapa.

En este sentido, han querido destacar las “facilidades” recibidas en Fuengirola para preparar los ensayos generales, por lo que se muestran “sumamente agradecidos”. De cara al concierto inaugural en la ciudad malagueña, su deseo es que “el público conecte con la emotividad del repertorio y disfrute tanto como nosotros”.

“Una charla rutinaria de sobremesa”

Respecto a su regreso tras tres décadas, ambos explican que la idea de volver a girar bajo el nombre de El Último de la Fila surgió mientras trabajaban en el estudio en distintos proyectos, al recuperar con “suma facilidad la dinámica habitual” del grupo, lo que les llevó a plantearse de nuevo los directos. “La conversación definitiva fue, curiosamente, una charla rutinaria de sobremesa”, revelan, señalando que “después de esa conversación todo fue muy fácil y natural”.

En este contexto, han asegurado ser “perfectamente conscientes de la expectación que generan estos nuevos conciertos y la asumimos plenamente”, al tiempo que han subrayado que la única manera de responder a ella es centrarse en su oficio y preparar cada actuación con “absoluto respeto” hacia las canciones y lo que significan tanto para el público como para ellos, cuidando al máximo tanto los ensayos como la parte técnica del espectáculo.

En cuanto a este regreso, no descartan que pueda ir más allá de algo puntual, aunque prefieren dejar la puerta abierta y señalan que “ya lo iremos viendo”. “El reto de esos 12 conciertos es suficientemente serio como para concentrar toda nuestra energía en ellos y permitirnos la frivolidad de negligir el futuro por unos meses”, han explicado.

Canciones “altamente significativas”

Por otro lado, Manolo García y Quimi Portet han detallado que estos conciertos se articulan en torno a unas dos docenas de canciones “altamente significativas para nosotros y para el público”, al tiempo que han avanzado que la interpretación será “lo más fiel posible” a las versiones originales. No obstante, han subrayado que “no es un concierto nostálgico en absoluto”, ya que “esas canciones nos continúan interpelando de una forma natural y genuina”.

Asimismo, sobre su vuelta a trabajar juntos, se han sincerado señalando que son dos personas que, “por diversos motivos, tenemos una gran facilidad para trabajar con eficiencia y con absoluto respeto”. En este sentido, han recalcado que ambos son conscientes de que el concepto de El Último de la Fila “está por encima de nuestras individualidades”, aunque han apuntado que “quizá” la única diferencia respecto a etapas anteriores es que ahora están “un poco más relajados”.

En la misma línea, han señalado que su relación siempre se ha caracterizado por un entendimiento sólido en todos los niveles, especialmente en el artístico. “Eso sucedió antaño, continúa sucediendo actualmente y, eventualmente, continuará sucediendo en un hipotético futuro”, han apostillado.

Una música “válida durante decenios”

En este sentido, han explicado que el repertorio del grupo, surgido en los años 80 y 90, pertenece a ese género menor al que les gusta denominar “música popular contemporánea”, en el que las canciones “pueden resultar válidas durante decenios”. “Eso ha sucedido con material musical desde los años 60 del pasado siglo”, afirman, y por ello confían en poder permitirse “la pequeña vanidad de que nuestro material musical pueda también resultar interesante después de prácticamente 30 años”.

En relación con el panorama actual de la música, los artistas han reconocido que es “completamente diferente” al de sus inicios, aunque han subrayado que lo que no ha cambiado es la esencia de su oficio. “Hacemos canciones de música popular para el propio placer y para el presumible placer de nuestros coetáneos”.

Por último, han destacado que existen “muchos artistas” actuales que les gustan, al tiempo que han remarcado que “siempre habrá músicos increíbles haciendo música altamente inspiradora y cada generación tendrá, afortunadamente, sus propios músicos, independientemente del estado y del funcionamiento de la industria”.

La recuperación del patrimonio literario del siglo XIX español se enriquece con la publicación de una nueva edición crítica de 'El fantasma de Maseboso' (1854), obra del escritor riojano Manuel Ibo Alfaro (1828-1885). Esta edición rescata y reivindica un relato representativo del romanticismo costumbrista, en el que la tradición oral, el elemento legendario y la intención moral se entrelazan para ofrecer un testimonio singular del imaginario popular.

Ibo Alfaro, reconocido en su tiempo como periodista, pedagogo y narrador, desarrolló una prolífica actividad literaria en Madrid desde mediados del siglo XIX, colaborando en destacadas publicaciones periódicas. Su obra, marcada por una clara vocación didáctica, refleja el interés por preservar las tradiciones rurales y la historia local, elevándolas a categoría literaria.

En este contexto, 'El fantasma de Maseboso' constituye una de sus piezas más significativas, al conjugar el relato sentimental con una atmósfera gótica vinculada a la memoria de un espacio en ruinas.

La presente edición incorpora un estudio introductorio que contextualiza la figura del autor y analiza los principales ejes temáticos de la obra: la evocación del pueblo abandonado de Masegoso, el simbolismo de sus ruinas, las tensiones familiares que articulan la trama y la construcción de personajes de marcado carácter romántico. Asimismo, se examinan figuras clave del relato, como la tía Avedúcula, mediadora de conflictos en clave celestinesca; o Lázaro, cuya dimensión ambigua oscila entre lo grotesco y lo sobrenatural.

El volumen se completa con una edición crítica y anotada del texto, acompañada de un aparato bibliográfico que facilita tanto su lectura como su estudio.

Esta publicación pretende no solo recuperar una obra relegada al olvido, sino también contribuir al conocimiento de una tradición literaria que encuentra en la leyenda y el costumbrismo una vía de expresión privilegiada. Se presenta, en definitiva, como una aportación relevante para investigadores, docentes y lectores interesados en la literatura española del siglo XIX y en la pervivencia de sus imaginarios culturales.

La obra es el número 14 de la Colección 'Nuestros Escritores' y se puede adquirir ya en la librería del IER (calle Portales, 2, Logroño) y a través de su página web www.larioja.org/ier

MANUEL IBO ALFARO

Manuel Ibo Alfaro (Cervera del Río Alhama, 1828 - Madrid, 1885) fue un reconocido escritor, periodista y pedagogo riojano cuya obra literaria oscila entre el más puro romanticismo costumbrista y la literatura de intención moral y didáctica. Dedicado profesionalmente a la enseñanza, especialmente en los campos de la psicología y las matemáticas, combinó su vocación educativa con una intensa actividad literaria desarrollada en Madrid a partir de 1854.

Colaborador habitual de publicaciones como El Semanario Pintoresco Español o El Tribuno, cultivó el relato breve y el folletín histórico-sentimental, géneros en los que exaltó la fe, las tradiciones rurales y la historia patria. Entre sus títulos más destacados figuran El fantasma de Maseboso (1854), La cruz de los dos amantes (1857) o La mora encantada (1856).

En todos ellos, Ibo Alfaro conjuga el elemento legendario con el retrato costumbrista, elevando la memoria popular a la categoría de historia literaria. Su obra, rescatada del olvido por estudiosos como Bravo Vega, constituye hoy un valioso testimonio del imaginario tradicional riojano y soriano.

ALBERTO GUTIÉRREZ

Alberto Gutiérrez Gil (Talavera de la Reina, 1985) es licenciado en Filología Hispánica y doctor en 'Estudios Filológicos'. Actualmente es Profesor Titular de Universidad en el área de Didáctica de la Lengua y la Literatura en la Facultad de Educación de Ciudad Real (Universidad de Castilla-La Mancha).

Su especialidad es el teatro del Siglo de Oro, especialmente la comedia palatina de la generación calderoniana, habiendo editado y estudiado obras de autores como Francisco de Rojas Zorrilla o Antonio Enríquez Gómez.

Asimismo, explora en los aspectos didácticos del teatro clásico español en las etapas primaria, secundaria y universitaria, además de investigar en torno al álbum ilustrado como artefacto literario y, sobre todo, como herramienta didáctica desde un punto de vista multidisciplinar.

De entre sus publicaciones destacan la monografía Francisco de Rojas Zorrilla y la comedia palatina (IDEA, 2023) o la edición de las cuatro comedias del autor toledano que conforman el volumen IX de sus Obras completas (Universidad de Castilla-La Mancha, 2021).

Vítor Belho no se lleva a engaño. “Queremos vivir de nuestro trabajo, y vivir lo mejor posible, pero Nordesía no nació para ganar mucha pasta. Pretendíamos ser un activo para la mejora de la comunidad musical, desde la convergencia entre tradición y modernidad”, asegura. Una empresa cultural, fundada hace ahora 30 años por Paco de Pin y el mismo Belho, que entiende que su función va más allá de lo mercantil, añade. “Las grandes cifras económicas ocultan la realidad diversa de la música popular, que a veces tiene dificultades para emerger”, sostiene, “nosotros seguimos creyendo en los artistas que se expresan desde la propia creatividad”. Nordesía, compañía clave en el despegar del folk gallego en los 90 y en la apertura a las músicas globales de raíz, celebra este sábado su cumpleaños con un concierto en la Sala Capitol de Santiago de Compostela.

El discurso de Belho sobre el estado de la cuestión musical en Galicia (y en el Estado) es crítico. Pese a ser uno de los empresarios culturales gallegos de mayor impacto, desconfía de lugares comunes. “Soy una persona observadora y reflexiono. Ahora mismo estoy más en el paradigma de los derechos culturales que en el de la industria cultural”, afirma. Es su respuesta a la pregunta por las decepciones que, al frente de Nordesía, vivió en estos 30 años. “Quizás la mayor frustración es ver que el dilema entre la dimensión económica y la dimensión social de la música, de la cultura, se inclina hacia lo económico como indicador principal”, dice. Los grandes números -cachés, públicos, conciertos- imponen una lógica perversa, uniformizadora. “Y acaban por arrastrarnos a todos, porque también se imponen en la contratación pública. Si no eres relevante en esos términos, no tienes espacio”, aduce.

Belho cita las investigaciones del periodista catalán Nando Cruz, colaborador de elDiario.es, como reveladoras. Sintetizadas en dos libros, Macrofestivales. El agujero negro de la música (Península, 2023) y Microfestivales y otros festivales posibles (Sílex, 2025), abogan por una reformulación del mapa de la música en directo y una valorización de experiencias al margen o más allá de las citas mastodónticas, insostenibles, con carteles intercambiables y sin ninguna coherencia. “El macrofestival es una tiranía, la explotación del usuario”, considera Belho, “determinado por el efecto FOMO [miedo a perderse algo]”. Contrapone los modelos que Nordesía ha promovido -ImaxinaSons, Sons da Diversidade, Festival dos Abrazos, Cantos na Maré- o promueve, como el Maré. “Buscamos insertarlo en el marco de una ciudad [Santiago de Compostela], que haya una programación diversa, implicada con otros agentes sociales”, defiende. Por los escenarios de su última edición pasaron músicos palestinos o brasileños, mexicanos o andaluces, gallegos o suizos.

“Hay una carrera por el crecimiento constante, una apuesta por la cantidad, que no compartimos. Hay que poner perspectiva, porque sino”, se extiende, “acabaremos con los lugares donde nace la música. Que son los templos de la cultura, alimentados por el poder en sentido amplio, sino los barrios, los pueblos. La música es más que un negocio”.

Talento potencial, déficit de contexto

Y en absoluto estas tres décadas de historia se reducen a una mirada pesimista. Nordesía tiene sus orígenes remotos en el Festival Folk Cidade Vella de Santiago de Compostela, que Belho dirigió entre 1987 y 1995. Fue cuando conoció a Paco de Pin, experto en las áreas técnicas del espectáculo. El último año actuaron Salif Keita, La Vieja Trova Santiaguera, Berrogüetto o Sharon Shannon. “Ya tenía cierta envergadura pero acabó abruptamente”, dice sin ahondar en los motivos. “Pero Paco y yo detectábamos un potencial de talento brutal en la música gallega y un déficit de contexto y capacitación”, señala, “queríamos abrir las músicas de raíz y explorar, desde ellas, una mirada al mundo”. Constituyeron Nordesía.

Los objetivos iniciales no estaban claros. Su “manifiesto poético ideológico” citaba la vanguardia histórica del poeta Manuel Antonio y el Laboratorio de Formas, núcleo teórico del Sargadelos de Díaz Pardo y Luís Seoane. Las intersecciones entre industria, cultura y política. El nombre lo recogieron de una exposición de Antón Reixa, otro poeta y, al frente de Os Resentidos, pionero del rock avanzado en gallego. El proyecto fue adquiriendo forma sobre la marcha. Además de “la proyección al mundo del talento gallego”, la profesionalización del sector fue otra de sus batallas.

“Cuando empezamos, se pagaba en sobres, no había altas y bajas en la Seguridad Social, ni seguros de ningún tipo”, recuerda, “nosotros impulsamos el convenio autonómico de servicios y productoras culturales, creamos la Asociación Galega de Empresas Culturales, fuimos consejeros en la creación de la Axencia Galega das Industrias Culturais (Agadic) durante el gobierno bipartito”. La participación en foros, ferias y encuentros “en los cinco continentes” o la organización de tres ediciones del Womex -uno de los principales mercados de las llamadas músicas del mundo- en Galicia son algunos de los hitos que destaca el propio Belho.

Proliferación espontánea de foliadas

El mundo ha cambiado. Y el mundo de la música, de manera singular en estos 30 años. Belho cita la metamorfosis de los soportes musicales -casetes, vinilos, cedés, Internet- y lo que describe como crecimiento exponencial del tejido creativo y empresarial. “Soy reticente a hablar de industria cultural para el caso gallego, prefiero hablar de tejido cultural”, puntúa, “pero hoy en día hay aspectos de la música popular que están normalizados y creo que es un triunfo”. Se refiere, por ejemplo, a la proliferación espontánea de foliadas y seráns, “algo que sucede de forma natural y orgánica, no siempre sobre un escenario”. La música gallega actual en la que más se fijan en Nordesía bebe, precisamente, de esas fuentes.

Belho no es, sin embargo, adanista. Le entusiasma el éxito de audiencia de propuestas como Tanxugueiras -cantareiras seducidas por los llamados ritmos urbanos- o The Rapants -indie dance cantado en gallego- pero recuerda que ya a finales de los 90, artistas como Carlos Núñez, Berroguetto o Luar Na Lubre -estos aún activos- “llenaban A Quintana [emblemática plaza de la zona vieja de Santiago de Compostela] con entrada de pago”. “Aquellos artistas constituían un verdadero movimiento que trabajaba la riqueza musical, tímbrica y sonora del país”, considera. ¿La diferencia? La mayor visibilidad mediática, el fenómeno de las redes sociales y una comunidad que actúa, contesta. Y aunque alerta de las alarmantes estadísticas que indican cierto retroceso de la lengua gallega, concluye: “Hoy en día la sociedad es más permeable a estímulos culturales propios”.

Por el palco de la Sala Capitol de este sábado, 24 de abril, donde Nordesía celebrará sus 30 años, desfilarán raperos -Lumedoloop-, jazzeros y renovadoras de la canción de raíz popular -A Pedreira & Alejandro Vargas, una de las responsables de la redignificación de la pandereta -Felisa Segade, de Leilía-, gaiteiros escorados al pop -Budiño-, una cantante referente de la recuperación del folclore gallego -Uxía- e incluso habrá presencia africana, mozambiqueña más concretamente -Cheny Wa Gune.

La nueva edición del Día del Libro de Zaragoza, con motivo de la celebración del 23 de abril, festividad de Aragón, ha estado marcada por una gran afluencia de público y un ambiente festivo que ha llenado las principales arterias del centro de la ciudad, según ha destacado la Comisión Permanente del Libro (COPELI).

Desde primeras horas de la mañana, miles de personas han paseado entre los espacios literarios instalados en el Paseo de la Independencia, la plaza de Aragón, el entorno de Santa Engracia, y este año por primera vez también la plaza de Salamero, consolidando nuevamente esta cita como uno de los grandes eventos culturales del calendario zaragozano.

Los nuevos espacios habilitados en la plaza Salamero también han registrado gran cantidad de público, por lo que desde la organización se valora muy positivamente esta ampliación.

La jornada, organizada por la Comisión Permanente del Libro (COPELI) con la colaboración del Gobierno de Aragón, la Diputación de Zaragoza y el Ayuntamiento de Zaragoza, ha reunido este año a 115 expositores, instalados en 176 arcadas y espacios habilitados, y de 350 autores que han participado en sesiones de firma durante todo el día.

“Ha sido una jornada espectacular, muchísima gente, por lo que podríamos hablar de un ligero incremento de ventas y de público con respecto al año pasado, cuando ya tuvimos un magnífico Día del Libro, así que todos muy satisfechos de cómo se ha desarrollado”, según ha valorado el presidente de COPELI, Daniel Viñuales.

Una edición más, Zaragoza ha demostrado que es una ciudad que lee, celebra y vive su cultura con intensidad. La edición de este año se ha completado con la distribución de miles de elementos promocionales, entre ellos 6.550 claveles y 10.000 marcapáginas, además de 5.000 programas de mano que han facilitado el seguimiento de actividades, firmas y ubicaciones, contribuyendo a una experiencia organizada y accesible para todos los asistentes.

Como es tradición, la programación ha comenzado con un recorrido institucional por los distintos stands por parte de representantes de las administraciones, que han podido compartir impresiones con profesionales del sector y con el público en un ambiente marcadamente participativo.

En representación de la Diputación Provincial de Zaragoza, ha estado presente el diputado delegado de Archivos y Bibliotecas de DPZ, José Manuel Latorre, quien ha realzado que “este es el mejor momento para comprar un libro porque el mejor escenario es la calle, donde no hay plataformas digitales, sino que lo mejor es hablar con los libreros y libreras, con los editores, con los autores y autoras y que celebremos especialmente que la actividad económica que produce todo el ecosistema literario nos hace también mejores personas y mejor comunidad”.

El director general de Cultura del Gobierno de Aragón, Pedro Olloqui, ha expresado que “el Día del Libro es enorme en Aragón, un enorme proyecto colectivo que se ha construido en la suma del esfuerzo de todas las instituciones, de todas las industrias culturales relacionadas con el mundo de las letras, librerías, editoriales y autores y, por supuesto, con el respaldo la militancia cultural de todos los aragoneses y aragonesas. Por tanto, es una felicitación colectiva este éxito”.

La alcaldesa de Zaragoza, Natalia Chueca, también ha participado en el recorrido inicial de la jornada, y ha expresado: “Celebramos nuestra identidad a través de la cultura, así que me hace especial ilusión ver que el Paseo de la Independencia vuelve a acoger este Día del Libro, una fiesta de la cultura donde tenemos que reivindicar el valor de la lectura en una sociedad donde muchas veces las pantallas compiten con la lectura sosegada de un buen libro”.

A lo largo del día, el ambiente ha sido festivo, familiar y participativo, con una altísima asistencia de público gracias también al buen tiempo: el sol ha acompañado durante toda la jornada, animando a que miles de personas salieran a disfrutar del Día de Aragón y de los libros.