Recientemente, en mi artículo “Sánchez Mejías no lo habría permitido”, reflexionaba a propósito de la inauguración del “Paseo de los Poetas” en la calle Tetuán de Sevilla, y subrayaba la necesidad de que se actuara con ecuanimidad y justicia, para no convertir ninguna presencia (por adecuada que sea) en el contrapunto de omisiones que, de inmediato, deberían repararse.

Hoy deseo completar aquellas líneas con otra posible ausencia que resultaría igualmente clamorosa: la de las extraordinarias mujeres poetas, artistas, pensadoras del momento cultural que situamos en torno al 27. Para que no tengamos que preguntarnos, cuando las placas comiencen a proliferar, dónde están las de aquellas mujeres que, codo a codo con sus compañeros de generación, fraguaron la modernidad literaria y artística de nuestra cultura .

Porque, aunque en la foto del Ateneo de diciembre de 1927 solo hay hombres, hay otras fotos igualmente significativas (como los homenajes a Lorca, Cernuda o Aleixandre) en las que la presencia de grandes creadoras es evidente e incuestionable. Y, sobre todo, ahí están sus importantes libros que las hacen merecedoras de figurar junto a los poetas de su generación.

Ya Gerardo Diego fue consciente de ello cuando, en la segunda edición (1934) de su emblemática antología Poesía española, dio un paso significativo -aunque claramente insuficiente- al incluir por primera vez a dos mujeres poetas -Josefina de la Torre y Ernestina de Champourcín- corrigiendo la ausencia inexplicable de voces femeninas en la primera edición de 1932.

Esta inclusión fue un tímido gesto de reconocimiento hacia la creación femenina de la generación, aunque dejó fuera a otras voces igualmente valiosas como Concha Méndez o Carmen Conde, por solo citar dos incuestionables. La propia Concha Méndez expresó en sus memorias el dolor de esa exclusión, recordando cómo muchos compañeros poetas las veían como “las mujeres de” sus maridos (Alberti, Altolaguirre, Domenchina, Oliver...), en lugar de como creadoras con voz propia. Y preparó en 1935 la Antología de poetisas del 27 que solo hemos conocido en edición facsímil, en 2018, gracias a Paloma Jiménez del Campo y Christina Linares. Las poetas incluidas en este proyecto original eran Josefina de la Torre, Ernestina de Champourcín, Carmen Conde, Concha Méndez, Pilar de Valderrama, Dolores Catarinéu y Cristina de Arteaga. Es una muestra la autoconciencia de grupo y la voluntad de estas escritoras por constituirse en parte del canon, sin depender de la mirada masculina.

El espacio público es el gran escenario de la comunicación social. Por ello, la señalética urbana, las placas conmemorativas, cumplen una función pedagógica fundamental. Sevilla, que aspira a ser un referente literario mundial, Capital del 27, debe proyectar una imagen de rigor histórico

Han tenido que pasar muchas décadas hasta el trabajo ejemplar de Pepa Merlo que, en 2010, ofrecía Peces en la tierra: Antología de mujeres poetas en torno a la Generación del 27, con una importante relación de veinte creadoras: Casilda de Antón del Olmet, Gloria de la Prada, Pilar de Valderrama, Lucía Sánchez Saornil, Rosa Chacel, Concha Méndez, María Luisa Muñoz de Buendía, Cristina de Arteaga, María Cegarra, Elisabeth Mulder, Ernestina de Champourcín, María Teresa Roca de Togores, Carmen Conde, Josefina de la Torre, Marina Romero, Josefina Romo Arregui, Dolores Catarinéu, Josefina Bolinaga, Esther López Valencia y Margarita Ferreras. A estas alturas del siglo XXI resulta incuestionable la importancia de estas poetas convenientemente rescatadas (también, por cierto, en Sevilla). Más recientemente Pepa Merlo ha ampliado la antología en el volumen Con un traje de luna. Diálogo de voces femeninas de la primera mitad del siglo XX (2022).

En 2022 se publicaba en la colección Austral Mujeres del 27. Antología poética, preparada por el poeta y ensayista José Luis Ferris, autor de tres libros de referencia sobre mujeres del 27, que seguía la estela abierta por Pepa Merlo. Como indica la editorial, se trata de una “reveladora antología con el propósito de contribuir al rescate y la restitución de la vida y la obra de diecisiete poetas que protagonizaron la cultura del primer tercio del siglo XX; diecisiete autoras que formaron parte del tejido de esa época, que se desenvolvieron con naturalidad entre los compañeros de su generación y que, sin embargo, fueron borradas del tiempo, del recuerdo y del derecho a existir y a ser memoria”.

Si entendemos la literatura como un acto de comunicación radical y como un compromiso con la verdad y con la belleza, la ausencia de las mujeres creadoras en los hitos conmemorativos de Sevilla no es solo un olvido administrativo; es una distorsión del relato cultural. Reivindicar la presencia de estas escritoras no es una concesión a la corrección política, sino un ejercicio de ecuanimidad intelectual, ética y estética.

El espacio público es el gran escenario de la comunicación social. Por ello, la señalética urbana, las placas conmemorativas, cumplen una función pedagógica fundamental. Sevilla, que aspira a ser un referente literario mundial, Capital del 27, debe proyectar una imagen de rigor histórico. Incluir a estas mujeres en el “Paseo de los Poetas” es un acto de justicia y reparación; de enriquecimiento de la propia ciudad. También es necesario incorporar su presencia en el “Jardín de los poetas” junto a la Puerta de Jerez.

Leer y difundir a estas escritoras es, en última instancia, trabajar por la dignidad de la cultura compartida. Hagamos que Sevilla, madre de poetas desde hace siglos, reconozca a estas grandes mujeres con la misma generosidad con la que el tiempo ha preservado su obra, a pesar de todos los silencios impuestos. Solo entonces, la palabra estará verdaderamente habitada por la verdad, la bondad y la belleza.

La poeta cántabra Ana García Negrete (Castro Urdiales, 1961) despertó a la poesía a temprana edad cuando se inició componiendo canciones desde donde consolidó su vocación por los versos. Desde su primera obra, Algo tendrán que decir las estaciones (2005), ha alumbrado poemarios como Memoria para seguir un rastro (2010), Y dices tu nombre (2015), Descrédito de la certeza (Premio de poesía José Luís Hidalgo, 2016), El Balcón (2021) y el estudio sobre la figura y la obra poética y dramática de Isaac M. Cuende. Publica ahora 'Muda de invierno', un poemario que nace del frío y la soledad, de los árboles y el silencio en un retiro en Valderredible, lejos del ruido y la prisa de lo urbano. En ese invierno del sur de Cantabria, la poeta toma conciencia de que solo estamos de paso. La naturaleza “se pertenece a sí misma” y en ese sentido, le inquieta la explotación del territorio “que no nos pertenece con actos de soberbia política”. Sus poemas hablan desde la tierra sobre memoria -que es de lo que “estamos construidos”- e infancia, que no es ese espacio feliz “que se repite como un cliché”.

Valderredible ha sido el escenario que ha inspirado este poemario, ¿Qué aporta ese paisaje a los poemas de este libro?

Cuando llegas a un lugar en el que no has vivido, todo es novedad, y si es invierno, se añade la soledad de los pueblos vacíos, el viento que azota las copas de los árboles, el sol invernal con otra luz y otro horario, los brotes aún por abrirse, el agua que corre con el caudal que aportan las lluvias y la nieve…

Esa naturaleza que está presente en 'Muda de invierno', el bosque, los pájaros… el silencio ¿resulta cada vez más complicado de encontrar en Cantabria sin la algarabía del turismo y la urbanización de los entornos naturales?

Tristemente resulta cada año más difícil y por eso mismo elegí el invierno, y porque me gusta el frío, la nieve, los hielos y los paisajes sin gente. No me parece mal el turismo, lo que me inquieta es la invasión, la desmesura a costa de la vida de los demás, la explotación del territorio que no nos pertenece con actos de soberbia política. Nosotros solo estamos de paso y la naturaleza, a la que necesitamos para vivir sin tener que arrasarla, se pertenece a sí misma.

En sus poemas asoma el peso de la memoria a veces desde la propia experiencia. La memoria colectiva está en disputa y todavía es objeto de profunda controversia ¿tenemos que hablar más de memoria histórica?

Tenemos que hablar de memoria porque de eso estamos construidos. Ocultar intencionadamente una parte de la historia para alumbrar otras que interesen más a alguien, es construir una narración acomodada a los intereses de ese alguien. Negar el dolor, el derecho a conocer, a reivindicar lo que quedó oculto, es cruel y dice mucho de quien así actúa. Lo peor de la humanidad convive con lo mejor y hay quien pretende que la vida sea un juego de trileros con intención de confundir y desviar la atención de lo necesario.

Además de ese encuentro íntimo y lírico ¿la poesía puede ser política, en el sentido de participar de la vida social? ¿debe servir para elevar la voz ante algunas causas?

Puede, naturalmente, porque lo político está en todas partes y es posible leer poesía con ese trasfondo, sin que por ello caiga en la soflama o la consigna y se desvíe del hecho poético. La historia de la literatura está plagada de grandes poetas y poemas que así lo han dejado escrito, desde el mundo clásico, pasando por todas las épocas y movimientos conocidos, incluida la presente.

En ese sentido, ¿se puede separar al autor de su obra?

Qué peliagudo es responder ahora que lo sabemos todo de todo el mundo. Atenerse a lo que contemplamos o leemos es sencillo si solo tenemos ese arte como referencia. Cómo varia la opinión sobre una obra estimable hasta ayer mismo por el hecho de conocer determinadas acciones u opiniones, ajenos a esa obra. Cómo reorientar la admiración que nos merecía. Creo que es inevitable que se produzca una decepción que te aleja de esos autores, como si sucediera con alguien a quien estimas. Si lo que sabes ataca a lo esencial de la obra es fácil que esta se venga abajo, porque se produce una impostura, y el rey queda desnudo. Ya siempre verás la mancha. Por el contrario, puede mejorar la admiración que sentíamos si esos hechos nos resultan estimables, aunque la obra no haya variado. Conviene recordar que seres puros hay muy pocos, quizás lo ángeles, si existen, y en la biografía de las personas hay hechos que no conocemos, aunque queramos saberlo todo e interpretarlo. Creo que cada quien debe proceder según sus convicciones. Obedecer a la doxa a veces hace del mundo algo irrespirable.

El lenguaje poético está hecho de sensibilidad y de ritmo, usted legó a la poesía desde la música y la composición de canciones ¿cree que eso ha influido de alguna manera en su estilo?

Bueno, la música fue el principio porque en mi familia la música era un importante referente. Hay compositores, músicos distintos, un investigador de flamenco que se fue al exilio etc. Entonces, todo fue surgiendo de forma natural y me encantaba componer canciones de amor y protesta. Yo escribía desde muy pequeña y leía muchísimo. Todo fue confluyendo en la poesía. El ritmo, hasta para llevarle la contraria, siempre ha flotado en el aire.

Con quince años empezó a participar en el proyecto Cuévano y eso le abrió a su vocación poética, ¿falta poesía en las escuelas y entre los jóvenes?

La poesía cuando no llega por elección personal, lo que no es tan habitual, se enseña mal, aunque yo tuve la suerte de vivir un tiempo donde leer literatura clásica, al menos, era importante. Cuévano fue para mí una escuela preciosa y lúdica, sus poetas, eran todos amigos. La confluencia de aquellas personas me abrieron los ojos a la lectura avanzada, por así decirlo.

En el poema ‘Iniciación del niño’ describe ese paso de la infancia a la edad adulta. Vivir “seguirá doliendo”, pero al menos la infancia debería ser un territorio feliz. Sin embargo, hay más niños sin alegría a nuestro alrededor, los menores migrantes que sufren el rechazo de cierta parte de la sociedad. En sus poemas también aflora el lazo entre madre e hija ¿Qué siente cuándo se pone en la piel de estas personas?

Yo no creo que la infancia sea ese espacio feliz que se repite como un cliché. Tiene espacios para la felicidad porque la inocencia de la infancia busca la bondad en todo, creo yo, pero los niños sufren soledades y otros dolores porque la persona adulta no está en la cabeza de la infancia. Actuamos de manera despótica según nos ven ellos, aunque sea inevitable, pero comprender lo que ocurre en la mente y en la piel de nuestros niños a veces no está a nuestro alcance y nos equivocamos. En ese poema el niño no quiere hacerse la foto que le demandan mientras le piden que sonría y todo eso, y no respetamos ese No, que está gritando con su gesto.

Los lazos con los hijos o las hijas son inextricables, tan fuertes que, aunque mantengas una vida independiente de ellos, no desaparecen en ningún momento. Su demanda es tu demanda. Las hijas representan la feminidad y es fácil pensar en ellas a través de ti. Quisieras liberarlas de todo lo que has vivido en función de tu género, y que no les pase a ellas.

Sus primeras referencias poéticas -ha comentado alguna vez- eran inevitablemente masculinas, como entonces era todo. ¿Está la voz femenina suficientemente presente en la poesía?

Yo creo que todavía pesa un canon discutible. Se ve en los libros de enseñanza y en algunos stands de librerías, y eso pesa mucho en la mentalidad de las personas, pero cada vez se leen a más mujeres. Las mujeres necesitan leer a mujeres, oírlas hablar de todo lo que nos interesa realmente. A menudo las mujeres están en una realidad que a los hombres todavía les es ajena, no sé si por pereza, porque toda la vida las cosas fueron para ellos de una manera y no de otra, pero el caso es que la poesía de mujeres se ha separado ya de una cierta poesía escrita por hombres que no les interesa a ellas.

¿Es usted una escritora de poemas disciplinada que lo hace siempre en la misma mesa, a la misma hora, o practica una inspiración anárquica y acaba anotando un verso sobrevenido en la servilleta de cualquier bar?

Tomo notas de muchas cosas que observo, citas que me gustan, reflexiones que sin pensar alguien hace y me llaman la atención, músicas que escucho. Me siento cuando la vida me da permiso porque lo de la prisa no lo he resuelto todavía y no sé si podré hacerlo algún día con tantas demandas como tenemos. Hay días que al sentarme para leer, de pronto surge el poema o el texto, otras agarro mis notas y empiezo a desarrollar lo que será un libro. Hay uno a la espera…

¿Tiene un cuaderno donde escribe versos a mano? ¿se puede hacer poesía escribiendo al ordenador o de alguna manera rompe la magia?

Yo escribo todo a lápiz, pero últimamente las notas del teléfono también guardan todo aquello que me viene en cualquier lugar donde me encuentre. Al ordenador escribo cuando estoy trabajando un poema y de repente surge otro que se abre paso y me dice que deje lo anterior, pero en general, el lápiz y el cuaderno son mis aliados.

¿Guarda muchos poemas en el cajón esperando una relectura o desechados después de tantos de trayectoria literaria?

Hay una porción de poemas que esperan, tal vez, una estructura que los sostenga, pero están al acecho. Tengo, sin embargo, otro libro muy avanzado porque Valderredible dio para mucha escritura que posteriormente he ido puliendo. Ese libro será algo más político que “Muda de invierno”, si así puede decirse, porque alude a hechos más o menos reales de las biografías de muchas personas y poetas, habla de los otros y de las otras, y de mi propia biografía en relación con ellos.

¿Hay poesía en las redes sociales?

Puede haberla, excluirla sin más, no sería válido como opinión que no conoce lo que se publica. Soy poco “redera” y supongo que tiene que haber mucha cosa inconsistente, mucha necesidad de decirse y de hablar con cierto aire de poema sin que llegue a constituirse como tal. Todos hemos leído en algún momento cosas así. Sucede cuando se sustituye el ritmo por el canturreo y la emoción por la sentimentalidad. No obstante hay un hecho, y es que los géneros tal como los hemos conocido están sufriendo un borrado de límites que mejora las posibilidades de narrar y unas fórmulas beben de otras, modifican lo anterior, invalidan la rigidez de la forma y generan ideas en los creadores que antes no se hubieran planteado, se juega con técnicas audiovisuales, sonidos de fondo que crean atmósferas antes insospechadas... Veremos dónde desemboca todo ello cuando pase un tiempo, pero seguro que algo bueno dejarán para que los siguientes tomen una senda propia.

Tormenta de verano en el lugar de Pescueza, ovejas atalantadas alrededor de una encina, una de pie un poco antes de que anochezca. Esa es la oveja elegida para el sacrificio. Relámpagos lejanos. Qué sea el cielo el que mate todavía hoy es una bendición.

¿Qué se ve desde aquí? Al menos que sea un lugar como el del verano pasado, pensó el veraneante. Un lugar que desde la umbría se abra a lo vasto, y unas montañas bien puestas allí.

Ahora, y desde ese instante, él guardaría silencio y no desvelaría ese lugar a nadie. Muchos pasan y no se quedan: he aquí el lugar para escribir el libro, y en el lugar para escribir el libro también había un río, un río como el Ucero o el Uso, como el Seber o el Magasca. Nadie sabe dónde están. Un río en el que uno, sin ser un gran nadador, no podría ahogarse. Y él lo llamó el río de las mañanas, el temprano, y el río hacia la noche. Tampoco desvelaría el nombre del río, pues era un río para él solo; como mucho uno de esos tantos ríos secos que hay por el país. En una carta, que ni dios sabe cómo pudo llegarle a los pocos días a ese lugar, escrita en un papel azul muy fino, y que dejaba arrastrase que ya no se atrevía a pensar que vería la mayor parte de la tierra, y en el que añadía a esto el otro fracaso del que uno no es culpable: el no haber vivido en todas las épocas.

En el acuse de recibo del veraneante: ¿no sería mejor que nunca hubiéramos salido de la caverna? Y ahora que las visitamos, que vamos de Pech Merle a Altamira y entramos en las grutas oscuras con linternas de luz ultravioleta. Me daba miedo ya-no-sé-que más que la nada, y aquella luz negra, la luz UV-A, las lámparas de Wood en aquellos mediodías incandescentes del verano bajo ese sol de los muertos, donde como bichos, escondidos del sol, en una casa de adobe con apenas dos ventanucos, o respiraderos, a salvo en aquella oscuridad de mampostería azul, a resguardo como ahora en este lugar de ¿Pescueza? Solo puede llegar aquí el que se ha perdido.

Otros días de calor, tormentas secas: les falta la humedad del amor, les falta que tú les cantes, lo haces mal, cantas mal, y eso es suficiente para que las tormentas secas se desencadenen e incendien sin ser vistas el pasto seco.

Ahora debemos escribir todas las frases que Posidonio escribió y se perdieron, 'La sabiduría del sol', y las que a punto de escribir no escribió. “El ritmo de las olas: ni se apresuran ni se detienen. Así debe ser tu vida”.

Paisaje desolado, este -si pudieras verlo- sobrio, ancho, sin final concreto. Estoy en allí y lo veo -si tú pudieras verlo- Debería haber otro también aquí, el testigo mudo, digamoslo así, testigo de lo desolado, paisaje o tierra quieta, detenida entre dos lugares sin nombre, y el testigo, ese otro que se allega para ayudarme a ver, señalaría a aquella vía de tren abandonada, allí -¿la ves?- con su talud de hierba seca muy crecida donde echarse a dormir; aquello que atraviesa la nada. Nadie vendrá a compartir esto que uno ve, la llanura al final de un tiempo o una época, campos de hierba a punto de arder en cuanto digas la palabra que lleva la chispa, hierba rala y viciosa, los campos sin límites parecen muy antiguos, amarillos hasta casi el blanco. Si pudieras verlos también callarías y nos echaríamos a dormir sobre el talud de la vía de tren.

A veces es por una carretera por la que apenas van coches, estrecha, sin arcén, del color de las carreteras que se pierden en el país del sol. Amas lo que se pierde, lo que te lleva a lo perdido por el lugar perdido, bajo el sol de los trallazos. Da igual la carretera, en otros tiempos irías cantando, avanzando rápido, sabiendo que pronto habría un río en tus ojos. Ahora en silencio, con tu gran y lento silencio, de otro modo, y por fe en ti cada vez más despacio.

Aún quedaban en ese lugar hombres que no habían visto el mar: esa es la esperanza, la esperanza de que desaparezcan las reproducciones de imágenes, y la vuelta al lenguaje sagrado de lo que no se ve ni puede llegar a verse. Y aunque no hubieran visto el mar real, si habían sido contaminados por diferentes y muchas imágenes. Aquí mismo, un poco más allá, un hombre del río llamó a una de sus hijas Marimar y a otra Pacífica.

Idiotas bailando sin saber bajo el sol de Ocaña, zombis del mediodía, Born Slippy sin aves negras y builds-up de estepa de calzoncillos negros; en la yesera reseca del Yepes, campos de gipsófitas, hierba jabonera y de las pecas, al ver al loco comiéndose las hojas pegajosas de una santolina viscosa pude disculparme, no soy yo la virgen azul; el tomillo sapero sabía a miedo, y la flor de nube me ayudó a respirar hacia el dios del horizonte.

Espigas de avena loca, siempre quise ahogarme con ellas, de niño las llamaba los arponcillos de dios, me las comía, hay una droga amarilla ¿cómo se llama? Con ella olvido la noche y a dios, y los arponcillos al cegarme en la leche.

Ahora en un apeadero de tren, no en una estación, en un simple apeadero, una plataforma de hormigón rectangular, pero cuando un rectángulo es singularmente alargado, ya no hay desproporción, y se puede alargar como el cielo de invierno, rectángulos abiertos y estrechos. En los apeaderos es importante el nombre del lugar; si no hay un nombre nada se detendría en el lugar, nadie se apearía: apearse, casi ha desaparecido la palabra apearse, y han desaparecido las palabras de los apeaderos. Después del apeadero no hay nada, entonces el veraneante repara en viejas historias. ¿Quién se besó por última vez en el apeadero? En este, y la historia de las obras de cuando se levantaron los raíles. Ya no hay raíles, solo una especie de camino en alto. Un camino elevado para que uno vaya con la cabeza metida en el cielo, y esa imagen me lleva al que camina dentro del agua, y el agua le llega hasta el cuello, y por momentos hasta la boca. ¿No hablamos así ahora? ¿Con el agua casi hasta la boca? Y lo más importante, ese 'Ahora'. ¿No fue ya hace mucho tiempo?

Siendo la primera vez que alguien, tú 'Nadie' pasa por este lugar, pero sin inaugurar nada, ni siquiera decir es-la-primera-vez que unos pasos sellan este suelo, solo como si uno pudiera convertirse en el aire de uno mismo. Sabes que después vendrán muchos más, pero como tú, sin decir es-la-primera-vez, y ese aire de uno mismo, en vez de girar alrededor, va por delante de uno, porque es el aire de los ojos. Esto me lleva a un recuerdo, en el trance de estar en el último tramo de Ibor, antes de entrar sus aguas en el Tajo, el silencio roto solo por el sonido de remos en el agua. Si lo has podido oír, me quedo feliz.

Una vez que se da el entrelazado de la urdimbre a la trama, al lienzo de tela le llega la duración del silencio, es irreversible esa duración de realidad, lo que no se puede desentrelazar se desgarra: ella me dijo que la urdimbre del poema no tiene traza, está el sol sobre nosotros y basta.

Después de hacer el muerto largo tiempo en la tabla del río, de sentir de alguna manera la ingravidez, y de estar en cruz flotando bocarriba, intentando dormirse en las aguas oscuras, sin voluntad de nada, solo de estar ahí, flotando de esa manera que llamamos hacer el muerto en las aguas, intentando dormirse, abandonado por el lenguaje que va desgastando su mano y el mentón azul, sin ninguna insinuación rusa o alemana, menos aún española, y cuánto pesa la lengua en uno, si se abrazara a sus huesos no se hundiría, y sabiendo que nunca se ahogaría y que dormir sobre las aguas se hace difícil, imposible, pero al menos eso, estaba feliz de sí mismo, bajo el sol y el cielo, en el momento de estar más quieto que nunca.

Un recuerdo, un recuerdo cualquiera de otros veranos, tuyo, o del otro, y que haya ocupado en ti un espacio, y por eso ya sea tuyo, y que no se convierta en una larga historia, y podría decirte como es tu sombra. Una vasta memoria sin apenas hechos memorables, en la que aquí y allí no hay nadie, y como medir la intensidad del silencio.

Para no llegar a perder totalmente la voz por falta de uso, dos o tres veces al día hablaba con lo que fuera en voz alta, se obligaba a hablar a esto o aquello, e incluso se permitía un grito al final de la tarde, y también alguna vieja canción de lucha.

Y el veraneante siguió con su libro: “En este lugar, posiblemente más alejado que otros lugares, solo porque él lo sentía así, el lugar más alejado de todos los lugares para él. Solo para él. Su manera de sentir ese lugar era muy fuerte, tanto que pronto comenzó a sembrarlo de frases en cierto sentido ya muy gastadas como: aquí me gustaría morir y ser enterrado, o este era el lugar que siempre busqué, y un milagro me lo ha dado, o la belleza tiene aquí un sentido de bondad, y es omnipresente en todas las épocas, o ¿Vergel? ¿Eterna primavera,etc.…? ¿Y cómo había llegado a este lugar después de ir de Norte a Sur, zigzagueando entre Aliste y Sayago, incursionándose alegremente en Tras-os-montes? Solo había que mirarle los pies una vez que se quitase las botas y los calcetines. La planta de los pies es un libro, e igual que ciertas mujeres de heno leen las manos, las palmas de los pies pueden ser leídas por algunos iniciados. Sabría de dónde vienes y hacia dónde vas solo leyendo la palma de tus pies.

El Ayuntamiento de Torrelavega ha convocado la edición número 28 del Premio de Poesía José Luis Hidalgo, dotado con 1.800 euros, y cuyos trabajos se pueden presentar hasta el 17 de septiembre.

La concejala de Cultura, Esther Vélez, ha dado a conocer este viernes las bases del galardón, que convoca el Ayuntamiento de Torrelavega con carácter bienal.

Se trata, ha explicado Vélez, de un premio de “gran tradición y prestigio nacional e internacional”, que hace referencia a uno de los poetas esenciales de la posguerra, nacido en Torres en 1919 y fallecido a los 27 años.

Desde su primera edición, en 1972, han sido galardonados poetas de distintas tendencias y diferentes generaciones, que han visto refrendada su obra y han unido su trayectoria a la de uno de los poetas fundamentales del segundo tercio del siglo XX, cuya obra, tanto poética como artística, se puede disfrutar en el Aula Poética José Luis Hidalgo, situada en el Centro Nacional de Fotografía José Manuel Rotella de Torrelavega.

El último ganador de este premio fue el poeta jienense Salvador García, con su libro 'Enseguida el legado', de carácter neorromántico, que destaca por su “exquisita” poesía que actualiza la tradición de la mitología clásica.

El Premio José Luis Hidalgo está dirigido a poetas del ámbito nacional e internacional. Los trabajos han de ser originales e inéditos, estar escritos en castellano y con una extensión mínima de 400 versos.

La dotación económica asciende a 1.803 euros y el Ayuntamiento, como viene siendo habitual, estudiará la posibilidad de publicar el libro ganador.

El plazo de presentación finalizará el próximo 17 de septiembre de 2026, a las 23.59 horas, el jurado publicará el fallo antes del 21 de diciembre y la entrega del premio tendrá lugar antes del 31 de diciembre de este año.

Juana Dolores ganó en 2020 el Premi Amadeu Oller con Bijutería, su primer poemario. Seis años después, la también actriz, dramaturga, directora de escena y videoartista, se lanzó a traducirse a sí misma del catalán al castellano y ofrecer sus poemas en una edición bilingüe, Bisutería, editada por La Uña Rota. Sus versos no han perdido un ápice de pertinencia, tenacidad, combatividad y claridad a la hora de criticar el capitalismo, hablar sobre lo que significa ser mujer, la violencia y el deseo.

La autora catalana sostiene que durante este tiempo no siempre ha tenido la misma relación con su poemario, que llegó a “cogerle un poco de manía” y “dudar” de ella misma, pero que ahora se siente “orgullosa y satisfecha” porque escribió el libro “que quería”. Sigue dedicándoselo a todos sus amantes, como buena “yonqui del amor”: “Me encanta experimentarlo y contarlo, también que me lo expliquen, oírlo”.

En ‘Idea sin imagen’, escribe: “Ni siento ni callo como una mujer”. ¿Ha cambiado el concepto de lo que es “ser mujer”?

Las mujeres seguimos siendo putas, guarras, escandalosas, exageradas, frígidas, aburridas, locas, enfermas mentales, feas o guapas, delgadas o gordas, y seguimos haciendo de madres y psicólogas a los hombres. Además, nos siguen acosando, agrediendo, violando y matando. Los feminicidios y las violaciones no han disminuido a pesar del boom del movimiento feminista en 2018 que ha acabado diluyéndose en el simbolismo anecdótico y en la agenda parlamentaria.

Sin olvidar que la explotación y la pobreza está totalmente feminizada, solo hace falta considerar la existencia del Tercer Mundo para no tener ninguna duda sobre ello. El machismo es un síntoma de una enfermedad que es el capitalismo. Es cierto que arrastramos estructuras, violencias y concepciones patriarcales de antaño, pero el capitalismo se las ha hecho propias, las ha sofisticado o las ha sustituido por otras.

Las proletarias estamos jodidísimas. Las burguesas son otra cosa, no son mujeres. No son nuestras aliadas ni mucho menos nuestras compañeras de lucha. Sus intereses y los nuestros son distintos, incompatibles, contrarios, antagónicos. Podemos compartir violencias a las que podemos estar sujetas tanto nosotras como ellas, pero jamás la vida de una rica será igual que la vida de una pobre.

Se nos bombardea con propaganda sexista y clasista constantemente en relación con nuestros cuerpos y al mismo tiempo se nos condena a tener arrugas porque no podemos pagar los tratamientos que las famosas ricas sí, y aún seguimos pensando que Rosalía realmente es feminista. Quizás sí lo es. Pues entonces nosotras tenemos que ser otra cosa. Si el PSOE es la izquierda, pues nosotras tenemos que ser también otra cosa.

Está claro que el descrédito tanto del movimiento feminista como de la izquierda tiene que ver con su carácter institucional burgués. De nada sirve un papel de Yolanda Díaz o Irene Montero para erradicar la misoginia. Solo ofrecen medidas preventivas y paliativas, no destructivas. Nosotras debemos luchar por destruir la misoginia.

Como se dice en el programa 72DIES, L’opressió de gènere: anàlisi i perspectives de superació, sin combatir la opresión de género no hay estrategia comunista exitosa y no se puede acabar con la opresión de género sin estrategia comunista exitosa. La socialdemocracia, la corriente política que cree que el capitalismo puede ser reformado, PSOE, Sumar, Podemos, CUP, Bildu, BNG o cualquier otro chiringuito socialdemócrata no tiene nada que ofrecernos a las mujeres trabajadoras, solo falsas promesas y mentiras.

Si escribo que no siento ni callo como una mujer es porque me gustaría aprender a sentir y a callar como una revolucionaria. Ese es el único género que me interesa porque es el único que puede superar el género mismo. Todo lo demás me parece identitario. Accesorio en la posibilidad más bonita, pero accesorio. Nunca determinante. Pero la clase no es accesoria. Y sí es determinante. Sin acabar con el capitalismo no acabaremos con ningún tipo de opresión y/o violencia. Y ser mujer seguirá siendo lo mismo pero con variaciones; es decir, humillante y traumático de una forma u otra. Devenir mujer bajo el capitalismo es un auténtico trauma en todos los sentidos.

El machismo es un síntoma de la enfermedad del capitalismo

Juana Dolores — Escritora

En otro de sus poemas afirma y repites que “el deseo siempre es violento”, ¿por qué?

Me fascina que bajo el capitalismo muchas mujeres fantaseemos eróticamente y sexualmente con la violación, indistintamente de si hemos sido violadas antes o después o nunca. Me fascina y me espanta. Erotizamos la dominación histórica que los hombres han ejercido contra nosotras. ¿Por qué? Me pregunto. Ese verso tiene algo de esa fascinación y espanto.

Por otro lado, para mí la política tiene algo de libidinal. Y en ese sentido deseo violentamente. Defiendo el odio de clase porque sin odio de clase no hay conciencia de clase. Y sin ser consciente de la realidad, del mundo que me rodea, de lo que pasa, estaría totalmente enajenada y eso sería como estar muerta en vida. Toda esa moda de tematizar la dulzura y la ternura como herramientas políticas y blablablá me parece una farsa, una estafa intelectual. ¿De qué dulzura y de qué ternura estamos hablando?

Criticar el capitalismo en abstracto ocultando la lucha de clases y, por lo tanto, obviando que existen clases cuyos intereses respectivos son antagónicos, es no criticar nada. Si para Sara Torres los afectos son lo que dice que es, para las mujeres de clase trabajadora son determinantemente otra cosa muy diferente. Vivimos una crisis de la vivienda histórica. Estamos siendo espectadores de genocidios, de secuestros y asesinatos a bocajarro de civiles en manos de cuerpos parapoliciales nazis, del auge del fascismo contemporáneo y la nueva extrema derecha en todo el mundo. Han sido publicados documentos que recogen pruebas y testimonios de las atrocidades cometidas a niñas pobres por las oligarquías económicas. Y el dúo sionista EEUU-Israel bombardeó un colegio asesinando a más de 150 niñas.

La decadencia de la moral burguesa no solo es una realidad sino que ha sido publicada y mediatizada. Así que una siente la violencia del capitalismo y sabe que debe cultivar con violencia su deseo de conseguir negarlo y superarlo. Porque hay dos tipos de violencia, la ilegítima que es la que se nos impone y la legítima que es la que combate la imposición. No hay nada más violento que el dolor de los otros te sea ajeno, así que no me vengan a hablar de ternura radical y dulzura como posicionamientos políticos. Es una desfachatez.

Lo que es imprescindible políticamente ahora mismo es organizarse en organizaciones y sindicatos de clase. En este mundo de barbarie, dividido entre la clase explotadora y la clase explotada, el único gesto dulce y tierno es la solidaridad y la unidad de los que sufren, de los oprimidos, de la clase trabajadora en su total diversidad. Y para ello es imposible eludir el conflicto. Hay que señalarlo, exponerlo y discutirlo. Lástima que en la farándula se coman el culo los unos a los otros y nadie quiera discutir con seriedad y voluntad política. Me preocupa mucho la despolitización generalizada. Romantizar la vida es siempre algo asquerosamente reaccionario.

El descrédito del movimiento feminista y de la izquierda tiene que ver con su carácter institucional burgués

Juana Dolores — Escritora

Ocurrió con Julio Iglesias, pero ni mucho menos fue el primer caso en el que frente a los agresores sexuales, la 'respuesta' fue el silencio por parte de las mujeres, e incluso de la sociedad, cómplice de ellos. ¿Cree que en algún momento se pondrá fin a tanta impunidad?

Creo que la gente debe empezar a saber, a entender y a reconocer que no vivimos bajo ninguna democracia real, que vivimos bajo la dictadura capitalista, bajo la dictadura de la burguesía. Así que lo que está en crisis no son “las democracias” como se dice, lo que realmente está en crisis es el modo de producción capitalista. Hasta que esta situación no sea superada, será imposible lograr poner fin a la impunidad de los hombres con poder. Un sistema basado en el dinero es un sistema de moral corrompida y perversa.

Respecto al caso particular de Julio Iglesias, no quiero dejar de decir que es imprescindible analizarlo, sobre todo, en su dimensión de clase y dejar de fetichizar la violencia sexual contra las mujeres desde el morbo, el sensacionalismo, el victimismo y/o el rédito político. Es horrible. Las mujeres que trabajan en el servicio de las casas de los ricos aguantan y normalizan estar sometidas a condiciones de semiesclavitud. No tengo mucho más que añadir. Siento mucho agradecimiento y orgullo de las mujeres que decidieron y consiguieron denunciarlo públicamente, es una experiencia que ninguna persona querría vivir. Además, los procesos judiciales especialmente en cuestiones de género son burocráticamente macabros, perversos y sociópatas.

El desencanto (1976), el célebre documental de Jaime Chávarri sobre la familia Panero, marcó un hito en la cinematografía española, pero también sobresalió por su impacto en la sociedad. Una sociedad que, por aquel entonces, aún emergía tambaleante de entre las sombras, con sed de nuevos vientos pero todavía lastrada por yugos no siempre visibles. En ese contexto, el filme trascendió el género documental para dialogar de forma directa (e incómoda) con el sentir general de la Transición, ese periodo entre dos mundos, en el viejo que se resiste a morir y nuevo que araña con fuerza aunque sin enclavarse.

La película iba a mostrar el reencuentro del clan Panero para recordar a su patriarca, el poeta Leopoldo Panero (1909-1962), un miembro de la Generación del 36 que terminó abrazando el franquismo. Sin embargo, en ese diálogo entre los hijos –también literatos: los poetas Juan Luis (1942-2013) y Leopoldo María (1948-2014), y el escritor diletante José Moisés “Michi” (1951-2004)– y la viuda, se produce un cruce de acusaciones nada veladas, una serie de reproches, señalamientos y expurgación de heridas que rompía con un silencio en torno a la institución familiar arraigado durante décadas, y que se entendió como la expresión de un malestar colectivo, que iba más allá de este linaje.

Y, en medio de ese elenco, sobresalió ella, la mujer, Felicidad Blanc (Madrid, 1913-San Sebastián, 1990), por fuera la hija bien educada de la burguesía, la esposa ejemplar y la madre protectora, por dentro un alma reconcomida que no sacó todo su potencial. En el documental se expresaba en un lenguaje formal casi impostado, falto de naturalidad, que contrataba con la vehemencia, rozando la enajenación, de algunos de sus hijos. Era una voz, una manera de hacer, de otra época, la que desaparecería con ella, la que el propio filme, al saltar a la palestra las miserias de una familia, comenzó a romper.

Después de la imagen dada en El desencanto, Felicidad Blanc quiso contar su versión de los hechos, esto es, compartir su vida, desde sus orígenes hasta el camino que había tomado tras enviudar y que le dio, aun siendo una escritora de escasa obra, un lugar en el círculo bohemio de la época. Para ello, narró sus vivencias a la periodista Natividad Massanés, pieza determinante en la gestación de Espejo de sombras (1977); un libro de memorias que, no por tópico deja de ser cierto, se lee como una novela.

La colaboradora –una figura, la del escritor de autobiografías en la sombra que, no solo en este caso, merece más crédito– sin duda tuvo mucho que ver en el ritmo, la emoción y, también, la naturalidad de la voz de esta Felicidad Blanc que se resarce del mal sabor de boca del documental, una naturalidad que compensa su tendencia, como en el filme, a preparar sus intervenciones, a ese lenguaje un tanto artificioso fruto de su educación. La editorial Cátedra reedita ahora la obra, en edición de Virginia Trueba Mira, cuando se cumplen 50 años del estreno de la película.

Historia de una mujer, historia de un siglo

Felicidad Blanc nació en el barrio de Salamanca de Madrid en 1913, en el seno de una familia burguesa. El primer capítulo de estas memorias está dedicado a una galería de familiares, algunos bastante pintorescos, que encarnan los valores del mundo de ayer. Ella era hija de un médico que se enamoró de una mujer siete años mayor que él, una apasionada del teatro a quien la rígida educación le inculcó el gusto por el escenario, pero no le permitió convertirse en actriz. Por ella, el médico dejó Barcelona, donde se formó y donde vivió sucesos que le marcaron como la bomba del Liceo en 1893, del que le tocó atender a los heridos en el hospital.

La autora fue su cuarta hija, a quien bautizaron como su madre: “Pienso que ese nombre fue como un desafío al destino, pues ni mi madre ni yo fuimos demasiado felices”. En el libro rememora su vida desde su niñez hasta poco después del documental, a finales de los años setenta. Ella es la última representante de un estamento social que, en el marco de la incipiente democracia, aparece caduco, anquilosado. La película, con la crudeza de las hostilidades entre una familia de apariencia modélica, según los cánones de la época, ya contribuyó al derrumbe, sin forzarlo, porque la grieta estaba ahí desde hacía mucho.

Más allá de su papel en el clan de los Panero, Felicidad Blanc fue, por ella misma, una intelectual con aptitudes más que demostradas

Los problemas comenzaron con el matrimonio: se casó con Leopoldo Panero en 1941, y confiesa que hasta el último momento dudó, como si tuviera una premonición acerca de la existencia que le esperaba al lado de ese hombre, que durante la Guerra Civil pasó de estar a punto de morir a manos de los sublevados por su colaboración con el marxismo a alistarse en ese bando y adherirse al régimen conservador de la dictadura. Más allá de la controversia, para Felicidad Blanc fue el carácter déspota de su marido, su desapego y sus problemas con el alcohol, lo que rompieron el hogar, y a ella misma.

Además del matrimonio, impresionan las idas y venidas por su hijo Leopoldo María, siempre una causa de sufrimiento: “Mientras tanto la vida de Leopoldo María sigue su curso irregular. Y yo, desorientada, ya no sé si hago bien o hago mal. Lucho conmigo mismo tratando de comprender lo que ya no comprendo, imponiéndome a él seguramente con desacierto”. Los trapos sucios se lavan en casa, hasta que llegó el documental, y luego las memorias. En estas páginas la autora se vacía, y saca a la luz conflictos que por aquel entonces no era nada habitual exponer, como el malestar físico del embarazo o el dolor por la pérdida de un hijo recién nacido.

Dramas que a menudo ella tuvo que llorar a solas, porque su esposo no estaba presente. Lo sobrelleva con resignación: “A veces creo que Leopoldo es más feliz con sus hermanas y sus amigos. Y cuando vuelve y oigo las risas de ellos entre las encinas, no siento pesar por ello”. Por el ejemplo que había vivido en casa, con su padre, Felicidad Blanc era consciente de la violencia institucionalizada en la familia antes de casarse, como también era consciente de que, de determinados temas, no se habla. 

La mujer que no fue

Más allá de su papel en el clan de los Panero, Felicidad Blanc fue, por ella misma, una intelectual con aptitudes más que demostradas: gran lectora desde la infancia, se dedicó a la traducción y cultivó la escritura, aunque a pesar de su vocación solo publicó varios cuentos en revistas. En ella pesa la sensación de que podría haber sido, no exactamente más (concepto tan relativo, por otra parte), sino distinta. Como todos, sí, porque todos dejamos atrás muchos “y si” cada vez que tomamos una decisión. Solo que el suyo es más restrictivo si cabe, porque reprimió algo que la llenaba.

El mundo de las letras, no obstante, le proporcionó el solaz de otras maneras, como los amigos. Su recuerdo de Luis Cernuda, por ejemplo, es uno de los más hermosos, aunque no exento de tristeza: “Han pasado los años, él ha muerto, Leopoldo también. Pero hay algo que quedará para siempre mientras yo viva: la mañana de aquel día de sol, con toda la primavera de Londres para nosotros”. Sobre Dámaso Alonso, dice: “Es una especie de doctor Jeckyll y míster Hyde: podía ser el trabajador infatigable de días y días encerrado en su despacho, o el niño travieso y terrible que se desata como un río y se desborda y que nos hace temblar a todos”.

Se dice de Felicidad Blanc que era una gran conversadora, y cabe pensar que quizá sus virtudes más apreciadas son de las que no pueden reproducirse por escrito. En el rodaje del documental, al que llegaba con sus intervenciones preparadas –lo mismo que en sus encuentros con Natividad Massanés para preparar estas memorias– lo demostró pese a sus titubeos iniciales: “Sí, hay que seguir y poco a poco me olvidaré de la cámara. Lo haré con tanta naturalidad y hablaré con tanta soltura que Jaime tendrá que parar mi charla inagotable”.

Espejo de sombras es un libro encomiable sobre una mujer digna de conocer, una mujer que dedicó su vida a los demás –su padre, su marido, sus hijos–, probablemente sin que nadie le diera las gracias; pero que tuvo la osadía (y la generosidad) de quitarse capas de naftalina en la madurez, primero ante las cámaras y luego con esta autobiografía. Si bien los críticos tienen parte de razón al objetar que se trata de unas memorias sesgadas –en ningún momento reconoce su posición privilegiada, por ejemplo–, su propia naturaleza testimonial ya la redime de cualquier pretensión de objetividad. No importan tanto los hechos como el modo en el que ella los vivió y la impronta que le dejaron; es su punto de vista, lo que podríamos llamar su “verdad”, lo que importa.

Y es que, aun retratando realidades muy duras, Felicidad Blanc no va de víctima ni de heroína. Aunque sus recuerdos rezuman amargura, también revisten fortaleza, dominio de sí misma, una lucidez sin parangón para analizar sin concesiones lo que ha vivido y lo que tiene a su alrededor. “Yo soy diferente, mi vida ha sido diferente”, reflexiona a propósito de los Panero, “el dolor me ha marcado más que a los demás, no brota en mí la risa espontánea que a ellos les brota, y no disfruto con las cosas que ellos disfrutan”.

Al pensar en los lectores potenciales de este libro, de esta nueva edición, es inevitable asociarlo a quienes vieron el documental y se dejaron deslumbrar, por las imágenes y por ella. No obstante, sería muy interesante que también los jóvenes la descubrieran, aunque fuera en otro formato –estas memorias podrían adaptarse a novela gráfica, por ejemplo, un género en el que hoy se hacen auténticas obras de arte, y muy didácticas–, no tanto porque Felicidad Blanc resulte inspiradora (no del modo en el que puede serlo un inventor o un deportista de élite, al menos) como porque su existencia, y su forma de verla, son un reflejo muy vívido de un mundo de ayer cuyos ecos todavía resuenan.

La Consejería de Cultura y Deporte ha incorporado a la colección permanente del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) la obra inédita de Rafael Alberti 'Fábula de Polifemo y Galatea', en torno al poema homónimo de Luis de Góngora. El conjunto, ejecutado sobre cartulina de 50x70 centímetros, consta de ocho acuarelas firmadas por el autor de 'Marinero en tierra', cuatro bocetos en blanco y negro, un dibujo a color que introduce el poema, un estudio manuscrito del portuense sobre esta pieza lírica de Góngora y las sesenta y tres octavas reales del poema original, manuscritas por el propio Alberti en tinta.

A este respecto, la consejera de Cultura y Deporte en funciones, Patricia del Pozo, ha destacado que “la adquisición de una obra de Rafael Alberti no sólo constituye la incorporación de un bien de incuestionable calidad técnica y estética, sino también la posesión de un fragmento vivo de la historia cultural de España”. También ha señalado que “este conjunto de dibujos en acuarela y textos en tinta representa la incorporación de una pieza culmen dentro de la producción plástica del artista y un ejemplo de la conexión estética entre Alberti con Góngora, uno de los ejes fundacionales de la Generación del 27”.

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) ya ha iniciado los trámites necesarios para la adquisición e incorporación de esta obra de Rafael Alberti (El Puerto de Santa María, Cádiz, 1902-1999) a sus fondos tras la aprobación de la propuesta por parte de la Comisión Técnica del museo y el depósito provisional de la obra en la institución con sede en el monasterio de la Cartuja de Sevilla. Esta iniciativa forma parte del conjunto de acciones y actividades que viene impulsando la Consejería de Cultura y Deporte con motivo de la conmemoración del centenario de la Generación del 27.

Alberti, artista visual además de poeta

La propuesta de incorporación responde a varias cuestiones que aportan valor a la CAAC. Por una parte, permite incluir en los fondos a un artista fundamental como Rafael Alberti, que aún no estaba presente en la colección. Asimismo, la obra seleccionada es una pieza “inédita y de indudable valor artístico” que posee, además, la doble condición del artista como escritor y como pintor. A ello se suma su valor patrimonial e historiográfico, dejando patente su diálogo con la lírica del Siglo de Oro y su vinculación con la Generación del 27, al tiempo que destaca por su virtuosismo técnico y conceptual.

La propuesta se incluye dentro de los objetivos recogidos en los estatutos del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, que establecen como una de sus funciones principales la constitución y ampliación de una colección permanente de arte contemporáneo. Se trata de una de las figuras más polifacéticas e influyentes de la cultura española del siglo XX. Aunque universalmente reconocido como uno de los máximos exponentes de la poesía de la Edad de Plata y miembro central de la célebre Generación del 27, su producción plástica y su dimensión como artista visual poseen un gran valor.

Tras trasladarse con su familia a Madrid en 1917, encauzó sus pasos hacia las artes plásticas, asistiendo de forma asidua al Museo del Prado para copiar a los grandes maestros. En 1920 logró exhibir sus primeras obras pictóricas en el Salón Nacional de Otoño de Madrid y en la prestigiosa Residencia de Estudiantes. Aunque una afección pulmonar le apartó temporalmente de los pinceles y propició su eclosión literaria, consagrada tempranamente con el Premio Nacional de Literatura 1925 por 'Marinero en tierra', Alberti jamás abandonó la creación visual.

Obra plástica reconocida en Europa

El dibujo y la pintura quedaron indisolublemente ligados a su palabra escrita a través de sus célebres “liricografías”, un formato híbrido original donde el trazo cromático y el poema se funden en una única manifestación estética. El exilio tras la Guerra Civil Española (1939) marcó una etapa de madurez y proyección internacional en su producción artística. Durante sus estancias en Argentina y, muy especialmente, en Italia (Roma), Alberti revitalizó su técnica pictórica. Exploró con maestría la xilografía, el grabado, la litografía y el dibujo al pastel.

A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, su obra plástica fue objeto de un intenso reconocimiento en Europa, protagonizando exposiciones individuales en galerías e instituciones de primer orden en Roma, Milán, París y Fráncfort, donde se valoró su capacidad para dialogar con las vanguardias abstractas y el expresionismo sin perder su lírica mediterránea.

Tras su regreso a España en 1977, su relevancia institucional se consolidó definitivamente. Su obra plástica forma parte de los fondos de colecciones permanentes de la máxima relevancia, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), y es custodiada activamente por la Fundación Rafael Alberti en su localidad natal, El Puerto de Santa María.

Durante el mes de enero de 1938, Barcelona entera tembló. Esos días, los proyectiles lanzados por la aviación fascista italiana devastaron la ciudad. Fue un mes de ataques sin precedentes, tanto que en sólo 20 días hubo 2.000 impactos y se lanzó un millón de kilos de bombas que causaron 2.700 muertos y 7.000 heridos. 

Pero lo peor estaba por llegar: sólo el 30 de enero, dos formaciones causaron más de 900 víctimas. Uno de los puntos más mortíferos fue la plaça Sant Felip Neri y sus alrededores, donde centenares de personas buscaron refugio en el sótano de la iglesia o en una guardería aledaña. Muchos de los fallecidos fueron niños. 

Este sábado, esa plaza en la que vuelve a haber una escuela y en la que Sant Felip Neri sigue en pie, cientos de barceloneses han vuelto a mirar al cielo. Casi 90 años después, otro bombardeo ha sacudido la capital catalana, pero ha sido muy distinto. 

En vez de gritos, sirenas y explosiones, el aire se ha llenado de un silencio intenso y respiraciones contenidas. Lo que ha caído del cielo no han sido bombas, sino cien mil poemas que un helicóptero ha lanzado sobre Barcelona. Todos ellos hablan de la libertad. 

Se trata de una acción concebida por el colectivo chileno Casagrande que ya ha visitado diversas ciudades víctimas de los bombardeos fascistas. Empezaron por su natal Santiago de Chile y siguieron con Dubrovnik, Guernica, Varsovia, Berlín, Londres, Madrid y Róterdam. Ahora ha sido el turno de Barcelona, en el marco de los actos de celebración por el 50 aniversario de la muerte del dictador Francisco Franco. 

La plaza llena hasta reventar, ha esperado expectante al inicio de la performance. Entre los asistentes, muchos locales, algo poco habitual en la zona de la Catedral, que los barceloneses tienden a evitar debido a la masificación turística. A la que se ha visto aparecer el helicóptero por el horizonte, los gritos y aplausos se han adueñado de la plaza.

Cuando han empezado a caer los poemas, la muchedumbre ha alzado los brazos, intentando rescatar aunque fuera uno de los puntos de libro. No todos lo han conseguido, pero la gente se ha ido a casa contenta igual. “Ha sido precioso”, cuenta Antònia, que espera que su nieto consiga uno de los poemas que se han quedado atrapados en las ramas de un árbol a base de lanzarle pelotas.

Los puntos de libro llevan impresas composiciones de 100 poetas que el colectivo ha seleccionado entre artistas catalanes y chilenos.

El helicóptero que ha sobrevolado Barcelona iba cargado con cerca de media tonelada de arsenal poético seleccionado por los responsables de esta performance política y artística. Tras Casagrande se encuentran Julio Carrasco, Cristóbal Blanci y Joaquín Prieto, que se estrenaron en 2001 frente al Palacio de la Moneda, en Santiago de Chile. 

La que fue la residencia de Salvador Allende sólo ha sido sobrevolada en dos ocasiones: la primera fue de la mano de los militares, en 1973. La segunda, fue para cambiar las bombas con poemas.  

Aunque esta acción de Casagrande es profundamente simbólica y pacifista, los integrantes del colectivo aseguran que es algo que va mucho más allá. Pretenden “resignificar” el espacio e “invertir el significado” de los bombardeos fasctistas. “No buscamos borrar el trauma histórico, sino volver visible la memoria inscrita en el espacio urbano y reactivar la relación emocional con el pasado”, señala Carrasco. 

Efectivamente, las calles de Ciutat Vella lucen hoy llenas de turistas y visitantes que las miran, fotografían y admiran, pero sin acabar de verlas. Las paredes de los edificios góticos y los suelos empedrados todavía conservan las cicatrices y las mutilaciones de la metralla de los bombardeos del 38. 

La fachada de Felip Neri está plagada de mellas, recordando el resultado de esos bombardeos atroces que fueron un campo de pruebas para el modelo de destrucción sistemática de ciudades civiles que perfeccionarían los países del Eje durante la Segunda Guerra Mundial. 

Esta performance se enmarca en la Celebración de los 50 años de España en Libertad y ha contado con el apoyo económico y logístico del Ayuntamiento de Barcelona, que se ha encargado, entre otros, de pedir los permisos de vuelo. “El Bombardeo de Poemas es un buen ejemplo de que esta conmemoración no defensiva ni un ejercicio de nostalgia”, ha expresado Carmina Gustrán, comisionada para la Celebración. 

“Queremos devolver a las ciudades la memoria que les pertenece y celebrar la libertad conseguida estos años en contraposición con ese pasado incómodo de violencia y agresión fascista”, ha añadido la comisionada, que defiende los actos de memoria que funcionan como “una experiencia compartida”. 

Esta se espera que una a los habitantes de Barcelona, pero también a los de cualquier ciudad que haya sido víctima del fascismo. De hecho, el colectivo Casagrande, se plantea esta acción como un “diálogo entre ciudades” y plantean a Barcelona y a Santiago de Chile como “dos caras de la misma moneda” en las que se ha usado “el terror político contra poblaciones civiles y gobiernos democráticos”.

Los poemas lanzados sobre Barcelona pertenecen a un centenar de poetas, la mitad de ellos catalanes y la otra chilenos, todos ellos menores de 50 años. Los textos, impresos en catalán y castellano, son obra de hombres y mujeres por igual. Aunque no contienen necesariamente la palabra libertad, todos ellos hacen referencia a a ella de distintas maneras. 

La localidad pacense de Tamurejo volverá a convertirse los próximos 26 y 27 de junio en un punto de encuentro entre literatura, naturaleza y pensamiento con la celebración de la séptima edición de Siberiana, el Festival de Literatura y Naturaleza de la Reserva de la Biosfera de La Siberia. Bajo el lema ‘Vitamina Siberiana’, la cita reunirá a escritores, poetas, editores, artistas visuales y especialistas en cultura para reivindicar el valor de la creación y el vínculo con el territorio como respuesta a la incertidumbre y al pesimismo contemporáneos.

Entre los nombres destacados de esta edición figuran el escritor y cineasta David Trueba, la novelista Marta del Riego, el periodista y escritor Rafael Navarro de Castro, la autora portuguesa Joana Bértholo, la poeta Sandra Benito, los escritores Carlos García Mera y Carmen Hernández Zurbano, además del poeta y gestor cultural Gonzalo Escarpa.

El festival nació en 2020 impulsado por el escritor Gabi Martínez y el Ayuntamiento de Tamurejo, encabezado por la alcaldesa Rosa María Araújo. La iniciativa surgió tras la experiencia de Martínez como pastor en La Siberia extremeña, recogida posteriormente en su libro Un cambio de verdad. Desde entonces, Siberiana se ha consolidado como una referencia cultural en el medio rural, reuniendo en sus distintas ediciones a autores como Jesús Carrasco, Irene Solà, Miguel Delibes de Castro, Jorge Riechmann, Javier Cercas, Noemí Sabugal, Azahara Palomeque, Elvira Lindo o Sergio del Molino.

Programación

La programación arrancará el viernes 26 con una jornada centrada en el mundo campesino, la agricultura y el paisaje. Marta del Riego hablará de su novela Cordillera, una trama que combina pastoras trashumantes y biólogos, en una conversación conducida por la periodista Cristina Núñez, mientras que Rafael Navarro de Castro abordará la realidad del campo contemporáneo y la agricultura industrial a partir de sus obras La tierra desnuda y Planeta invernadero.

El sábado 27 será el turno de la escritora portuguesa Joana Bértholo, considerada una de las voces más destacadas del pensamiento ecológico en la literatura lusa. Además, Sandra Benito conversará con Carlos García Mera y Carmen Hernández Zurbano sobre la representación del paisaje en sus respectivos poemarios, en un encuentro presentado por Luis Sáez Delgado. La jornada incluirá también un recital de Gonzalo Escarpa.

El cierre del festival correrá a cargo de David Trueba, que protagonizará una entrevista nocturna conducida por la escritora extremeña Pilar Galán. Novelista y cineasta, Trueba es autor de obras como Abierto toda la noche, Saber perder y Queridos niños, además de director de películas como Saben aquell.

Literatura, cine y patrimonio cultural

Siberiana acogerá además la presentación de un nuevo número de Suroeste, publicación dirigida por Antonio Sáez Delgado y promovida por la Junta de Extremadura que reúne textos inéditos de poesía, narrativa y ensayo en las distintas lenguas ibéricas, respetando siempre su versión original.

La programación audiovisual incluirá la proyección del cortometraje Medea a la deriva, adaptación animada de la novela gráfica de Fermín Solís, y del documental El enigma de los hydropithecus, una obra que explora los límites entre realidad y ficción a través de una supuesta especie de homínidos acuáticos creada por el artista catalán, Joan Fontcuberta.

La exposición principal de esta séptima edición estará dedicada a las fotografías de paisaje de Eduardo Hernández-Pacheco (1872-1965), investigador, geógrafo y profesor vinculado a Extremadura. Sus imágenes, conservadas en la Biblioteca Histórica de la Universidad Complutense y en el Museo Nacional de Ciencias Naturales, destacan tanto por su valor documental como por su calidad estética. La muestra será presentada por Javier González de Durana, de la Fundación Ortega Muñoz.

Asimismo, el OSCEC Estremaúra (Órgano de Seguimiento y Coordinación del Estremeñu y su Cultura) impartirá el taller ‘Contando el territorio: lengua, literatura y cultura extremeña como espacio de encuentro’, una propuesta para reflexionar sobre la relación entre lengua, identidad y territorio.

El cartel de esta edición ha sido realizado por la ilustradora extremeña Moyra Montoya Moyano. La obra recrea un jardín exuberante y lleno de vegetación para trasladar visualmente el espíritu de Vitamina Siberiana, una invitación a detenerse, observar y reconectar con el paisaje y la naturaleza.

Durante la presentación del festival, el secretario general de Cultura de la Junta de Extremadura, José Luis Gil Soto, destacó que Siberiana representa “una dosis de energía cultural, de pensamiento, de belleza y de futuro” y subrayó su capacidad para unir dos ámbitos que, a su juicio, en Extremadura no pueden entenderse por separado: la cultura y el paisaje. También defendió el papel de este encuentro como ejemplo de que la cultura de calidad puede contribuir a la cohesión territorial desde el medio rural.

La Universidad de Alcalá (UAH) celebrará el congreso internacional 'Ángel Crespo, realidad entera' para conmemorar el centenario del nacimiento de este poeta ciudadrealeño de la Generación de los 50.

Tendrá lugar los días 23, 24 y 25 de junio en el Colegio de San Ildefonso (Rectorado, Plaza de San Diego, s/n) en Alcalá de Henares.

El poeta afincado en Puerto Rico

Ángel Crespo Pérez de Madrid nació en Ciudad Real el 18 de julio de 1926 y fue un poeta, ensayista, traductor y crítico de arte español. A mitad de su vida se trasladó en 1968 a Puerto Rico, debido a la situación política que atravesaba España en aquel entonces. Como poeta y ensayista escribió varias decenas de libros, y como traductor recibió en 1984 el Premio Nacional de Traducción por su versión del Cancionero de Petrarca.

Falleció en Barcelona en 1995 y en 2011 se publicó su primera biografía, ''Humanidad y humanismo de Ángel Crespo (1926-1995)', escrita por el también poeta Amador Palacios, que es especialista en las corrientes de poesía española a las que estuvo adscrito Crespo.

El programa de 'Ángel Crespo, realidad entera': 23 de junio

El ciclo comenzará el 23 de junio a las 9.30 horas con la inauguración de la jornada, llevada a cabo por Manuel Castro Priego, decano de la Facultad de Filosofía y Letras de la UAH; Antonio Piedra, director de la Fundación Jorge Guillén, profesor y poeta; Elena Sánchez de Madariaga, profesora titular en la Universidad Rey Juan; Carlos, Vicedecana de Calidad de la Facultad de Educación de la URJC e IP del proyecto I+D Cartografía de redes epistolares transatlánticas en la cultura española del siglo XX; Fernando Larraz Elorriaga, director del grupo GILCO y catedrático de Literatura Española en la Universidad de Alcalá; Luis Gracia Gaspar, director del congreso e investigador en la Universidad de Alcalá.

A partir de las 10:00 horas, se sucederá la conferencia inaugural, titulada 'Postismo, geometría, Brasil: divagaciones para abrir un centenario', moderada por Antonio Piedra y en la que intervendrá Juan Manuel Bonet, crítico de arte y literatura y exdirector del InstitutoCervantes y del Museo Reina Sofía.

Una hora más tarde, la mesa redonda 'Tradición, traducción y la poética en Ángel Crespo', en la que intervendrán Marcos López Resina (Universidad Complutense de Madrid); José Ángel Sánchez Ibáñez (Universidad de Zaragoza/Instituto de Estudios Altoaragoneses) y Esther Ramón (Universidad Carlos III de Madrid). Será moderada por Sofía Morante Thomas.

Tras una pausa para el café, la segunda mesa redonda, 'Una lengua emerge. Ángel Crespo, poeta', moderada por Carlos Martín Aires y en la que debatirán Jenaro Talens, catedrático de Literaturas Hispánicas, Literatura Comparada y Estudios Europeos en la Universidad de Ginebra; Fanny Rubio, catedrática de Literatura Española en la Universidad Complutense de Madrid y Juan José Flores, escritor.

Los asistentes tendrán un receso a las 14:00 horas para volver a la conferencia 'Guerra en España, edición de Ángel Crespo', impartida por Javier Blasco, catedrático de Literatura Española en la Universidad de Valladolid, a las 16:00 horas. Seguidamente a las 17:15, la mesa redonda 'Los trabajos del espíritu. Recepción de la obra de Ángel Crespo', llevada a cabo por Fernando Valls, catedrático de Literatura Española Contemporánea en la Universidad Autónoma de Barcelona, y Jordi Doce, poeta, traductor y editor de Galaxia Gutenberg. La moderará Pilar Alonso Palomar.

Cerrará el ciclo del martes a las 18:30 horas la conferencia 'La intrahistoria del exilio español en Puerto Rico y Ángel Crespo', impartida por Luce López-Baralt, profesora distinguida y catedrática emérita en la Universidad de Puerto Rico, vicedirectora de la Academia Puertorriqueña de la Lengua Española y académica correspondiente de la RAE. Se encargará de la moderación Luis Gracia Gaspar.

Actividades del 24 de junio

El miércoles 24 de junio la jornada comenzará a las 9:00 horas con la mesa redonda 'Nuevas miradas y propuestas para con Ángel Crespo y su obra', moderada por Jesús Aguilar Fernández Gallego y en la que intervendrán Irene Gómez Valverde (Herzog August Bibliothek); Ferdinand Padrón (Universidad de Puerto Rico) y Luis Gracia Gaspar (Universidad de Alcalá).

Seguirá a las 10:00 horas la mesa 'Destierro e ideología de (y en torno a) Ángel Crespo', llevada a cabo por Ignacio Huerta Bravo (University of New Haven); Caridad M. Rodríguez (Arizona State University) y Carlos Guerreira Labrador (Universidad de Alcalá/Universidad Nacional de la Plata). Esará moderada por Andrea Durán Rebollo.

Una hora más tarde la conferencia 'Poesía y Vida en Ángel Crespo' llevada a cabo por Amador Palacios, poeta, ensayista y traductor. Tras una pausa, la actividad regresará a las 12:30 horas con la mesa redonda 'Ni verdad ni mentira. Biografía de Ángel Crespo', en la que participarán Noemí Montetes-Mairal, profesora de Literatura Española en la Universitat de Barcelona y directora del Aula Poética de la UB; José Luis Gómez Toré, profesor de Literatura Española en la Universidad Complutense de Madrid, y Trinidad Ruiz Marcellán, escritora y directora de Olifante. Ediciones de Poesía. Estará moderada por Luis Enrique Valdés Duarte.

Después de un descanso, a las 16:00 horas se producirá la conferencia 'Dante/Crespo: una Commedia para el siglo XX', impartida por Sergio Santiago Romero, profesor de Literatura Española en la Universidad de Alcalá.

A las 17:15 horas la mesa redonda 'El poeta es un fingidor. Ángel Crespo, traductor', en la que debatirán José Ruiz Casanova, profesor de Literatura Española e Historia de la Traducción en la Universitat Pompeu Fabra; Laura Dolfi, catedrática de Literatura Española en la Universidad de Parma y miembro correspondiente de la RAE por Italia, y Chiara Chieregato, profesora de Literatura y Traducción en la Universitat Pompeu Fabra. Estará moderada por Marcos López Resina.

A las 18:30 horas se presentará la 'Antología personal (para Oeste Macri), un libro inédito de Crespo, y también la reedición de 'El aire es de los dioses' editado por Olifante. Ambos libros serán comentados por sus diferentes editoras, Laura Dolfi y Trinidad Ruiz.

Para finalizar el día, se llevará a cabo un recital a las 19:30 horas con micro abierto en el Hostel Complutum (Plaza de San Diego, 2), que se encuentra enfrente del Rectorado.

Cierre del ciclo el 25 de junio

El último día de estas jornadas sucederá en el jueves 25 de junio en la Sala de Juntas del Colegio de Málaga (Calle Colegios, 2, Alcalá de Henares). Comenzará a las 9:00 horas con la mesa 'Vínculos y contribuciones americanas de Ángel Crespo', impartida por Violeta Díaz Fernández (Universidad de Valladolid), Julio Alberto Bejarano Hernández (Instituto Universitario Caro y Cuervo de Bogotá), yJesús Aguilar Fernández Gallego (Universidad de Alcalá). Contará con la moderación de Sofía González Gómez.

A las 10:00 horas la mesa redonda 'Una universidad seria y competente»: análisis de cartas y redes intelectuales en proyectos de investigación', en la que participarán José Teruel Benavente, profesor de la Universidad Autónoma de Madrid e IP de los proyectos Epistolarios en la cultura del medio siglo y Epistolarios inéditos en la cultura española desde 1936 (2014-2022), y también Elena Sánchez de Madariaga, profesora titular en la Universidad Rey Juan Carlos, Vicedecana de Calidad de la Facultad de Educación de la URJC e IP del proyecto Cartografía de redes epistolares transatlánticas en la cultura española del siglo XX (2025-2029).

A las 11:15 horas tendrá lugar la última conferencia 'Ángel Crespo y la poesía y filosofía chinas', impartida por José María Balcells, catedrático de Literatura Española en la Universidad de León.

Clausurará el congreso internacional Antonio Piedra, director de la Fundación Jorge Guillén, profesor y poeta; Pilar Alonso Palomar, gerente de la Fundación Jorge Guillén, Elena Sánchez de Madariaga y Luis Gracia Gaspar, director del congreso e investigador de la Universidad de Alcalá.

Hasta la fecha, decenas de artistas han sido premiados con un Pulitzer de forma póstuma. En 2019, un año después de su muerte, la organización reconoció a Aretha Franklin por su “contribución indeleble a la música”. Casi 40 años antes, en 1981, el primero en recibir este reconocimiento fue John Kennedy Toole, que ganó el premio de ficción gracias a su novela, publicada también póstumamente, Una conjura de necios. 

Apenas un año después, en 1982, Sylvia Plath fue la primera mujer escritora en recibir este prestigioso galardón de forma póstuma. La poeta estadounidense se había suicidado casi 20 años antes, pero su obra estaba en plena expansión, y los Pulitzer decidieron reconocer su poesía recogida en Poemas completos (1981). 

Juventud y muerte

Nacida en Boston, Plath mostró una gran capacidad para las letras al publicar su primer poema con tan solo ocho años. Pasó toda su adolescencia y juventud escribiendo diarios, textos poéticos y también prosa, demostrando un enorme talento que la llevó a convertirse en una de las voces más singulares de la literatura estadounidense del siglo XX. 

Después de terminar el colegio, Sylvia empezó sus estudios universitarios en el Smith College. De aquella época son algunas de sus cartas más populares, recogidas en Cartas a mi madre, en las que la joven revelaba a su madre sus primeras experiencias tanto amorosas como en el plano de la amistad con otras chicas. 

Gracias a las notas que consiguió en Smith, Plath obtuvo una beca Fulbright que le permitió ir a estudiar a la Universidad de Cambridge. Allí conoció al poeta inglés Ted Hughes, con quien se casó en 1956. En 1962, tras tener a su segundo hijo, Sylvia decidió separarse del escritor y se instaló en Londres con los niños. Tras publicar La campana de cristal un año después, la joven decidió quitarse la vida. Tenía 30 años.

Las publicaciones póstumas

Tras fallecer Sylvia, Hughes adquirió los derechos de explotación de toda su obra y se convirtió en el editor de lo que la que fue su esposa había escrito en vida. Ted supervisó y editó sus manuscritos y, en 1965, publicó el poemario Ariel, probablemente la obra poética más importante de Plath. 

Son muchos los críticos que a lo largo de la historia han acusado a Hughes de manipular la obra de Sylvia. Entre los textos que editó se encontraban sus diarios, uno de los volúmenes literarios más relevantes de la obra de la escritora. El que fue su marido destruyó algunos de sus últimos escritos personales una vez ella se suicidó, y la primera edición de sus diarios, que se lanzó al poco de recibir el Pulitzer, llegó a librerías con muchas partes censuradas. Hoy, los Diarios completos de Sylvia Plath (en castellano editado por la Alba Editorial) tienen dos tercios más de material de los anteriormente publicados en Estados Unidos en 1982.

La ciudad de Barcelona ha decidido rendir un merecido homenaje a la memoria de Bronisława Wajs, conocida universalmente como Papusza, al ‘bautizar’ unos nuevos jardines con su nombre literario. Esta decisión de la Ponencia del Nomenclátor de la capital catalana busca integrar en el mapa de la ciudad a una figura que representa la voz primera de la mujer gitana en la literatura impresa. Nacida en Polonia, Papusza trascendió las barreras de una cultura oral para plasmar en versos la esencia de su pueblo errante. Su reconocimiento en la capital catalana se suma a otras denominaciones de grandes autores que han contribuido a la cultura universal. 

La poeta, que vivió entre dos mundos, encuentra ahora un rincón de paz en el espacio público barcelonés, un espacio verde servirá para que la ciudadanía descubra la trágica figura de una mujer que fue pionera absoluta en las letras. Con esta iniciativa, Barcelona salda una deuda histórica con una de las voces más singulares y potentes de la lírica del siglo XX. En los jardines del barrio, su nombre se unirá al de otros ilustres escritores que hoy definen el nuevo paisaje urbano de la ciudad.

La vida de Bronisława Wajs comenzó en Lublin, donde creció en el seno de una familia nómada que recorría los caminos rurales de la Polonia de entreguerras. Criada en la dureza del tabor o caravana de carromatos, su infancia estuvo marcada por la falta de educación y la autoridad de patriarcas analfabetos. Sin embargo, su curiosidad intelectual la llevó a aprender a leer y escribir de manera autodidacta, intercambiando víveres por lecciones con una tendera. Aquel empeño personal por acceder al alfabeto fue visto con recelo por su propia comunidad, que consideraba la escritura una traición. Pese a las palizas y la incomprensión familiar, Papusza persistió en su búsqueda de conocimiento, sintiendo que la palabra escrita era una salvación. 

Su historia es la de una niña que desafió los atavismos de su raza para conquistar un mundo de ideas que le estaba vedado. Así, entre bosques y ríos, se fue forjando la primera gran intelectual de la etnia gitana polaca de las tierras bajas. Aquel esfuerzo solitario sería el primer paso para que el mundo conociera el alma de una nación sin fronteras geográficas. A los 16 años fue casada a la fuerza con Dionisy Wajs, un arpista mucho mayor que ella con quien compartió una existencia dedicada a la música itinerante. Juntos recorrían aldeas donde ella cantaba y recitaba sus versos acompañada por el arpa o el violín, ganándose una gran reputación artística. Aunque su matrimonio fue difícil y no pudo tener hijos biológicos, la pareja adoptó a un niño huérfano rescatado de entre los escombros. 

Durante estas travesías, Papusza compuso letras basadas en la tradición romaní, capturando la belleza de los bosques y la melancolía del camino. Su creatividad florecía en la intimidad de las hogueras, ajena todavía al impacto que sus palabras tendrían en el mundo exterior. Era descrita como una mujer de hermosura salvaje y talento desbordante, capaz de emocionar con solo una balada a los oyentes. Esta etapa de nomadismo inspiró gran parte de su obra posterior, cargada de imágenes sobre la libertad y la naturaleza. No obstante, la rigidez de las costumbres clánicas pronto entraría en colisión directa con su deseo de expresión individual y artística.

El estallido de la Segunda Guerra Mundial trajo consigo el horror del exterminio gitano perpetrado por los nazis, una tragedia que marcó su obra. Papusza fue testigo del sufrimiento de su pueblo en los bosques de Volhynia, donde miles de personas fueron asesinadas por las fuerzas ocupantes. De esa desgarradora experiencia nació ‘Lágrimas sangrientas’, uno de los primeros poemas que documentó el Holocausto desde la perspectiva romaní. En sus versos, describió con crudeza el hambre, el frío y el silbido de las balas, convirtiéndose en el testimonio lírico de una masacre. Sus palabras no solo lloraban a los muertos, sino que también expresaban un amor inquebrantable por la naturaleza que les servía de refugio. 

Este poema, que hoy se expone en el Museo de Auschwitz, es una elegía fundamental para comprender el dolor de las víctimas. La guerra destruyó su mundo físico, pero fortaleció su voz poética como una herramienta de resistencia y memoria para las generaciones venideras. Nadie antes había logrado capturar con tal maestría el desgarro de una cultura que estuvo a punto de desaparecer totalmente. La suerte de Papusza, eso sí, cambió radicalmente cuando conoció al poeta polaco Jerzy Ficowski, quien se refugió en su caravana huyendo de la persecución política. Ficowski quedó prendado de su talento natural y comenzó a traducir sus poemas del romaní al polaco, facilitando su publicación en revistas. Al alcanzar los 40 años, Bronisława se convirtió en una celebridad literaria en Polonia, recibiendo el aplauso de intelectuales como Julian Tuwim. 

Sin embargo, esta fama resultó ser un arma de doble filo para una mujer que siempre había vivido bajo las estrictas normas del clan. Sus obras publicadas desvelaban secretos y costumbres que la comunidad consideraba sagrados y que debían permanecer ocultos a los ojos ajenos. El éxito exterior se tradujo rápidamente en una creciente hostilidad interna, ya que se la veía como una informante al servicio de los gadjos. A pesar de que su intención era pedagógica y buscaba la emancipación de los suyos, el pueblo gitano no perdonó su osadía. Fue el inicio de una tragedia personal que la llevaría desde la cima del reconocimiento hasta el abismo del repudio.

Enjuiciada y repudiada

El conflicto estalló definitivamente cuando Ficowski utilizó la obra de Papusza para promover políticas gubernamentales de sedentarización del pueblo gitano. Acusada de traición por haber revelado las claves de su cultura, la poeta fue sometida a un severo juicio tribal por el Baro Shero. Fue declarada mahrime, un término que significa impura y que conllevaba la expulsión definitiva y el repudio absoluto de su comunidad. Nadie volvió a dirigirle la palabra, convirtiéndola en una paria social dentro de su propio hogar y condenándola a una soledad eterna. Atormentada por la culpa y el rechazo, Papusza llegó a quemar cientos de poemas inéditos en un intento desesperado por recuperar el perdón. Aquel sacrificio de su propia obra no sirvió para detener la condena de ostracismo que le impusieron sus semejantes más cercanos. 

Los últimos 34 años de su vida fueron un lento descenso hacia el olvido y la tristeza, marcados por graves crisis nerviosas. Vivió aislada en la ciudad de Inowroclaw, cuidando de su anciano marido y recibiendo apenas el apoyo de su familia directa. A pesar de la publicación de su poemario “Canciones habladas” en 1973, ella se sentía como una muñeca rota, ignorada por el mundo. Falleció en febrero de 1987 sin que apenas nadie se percatara de que se apagaba la voz más importante de la lírica romaní. Su situación de abandono fue la consecuencia de haber intentado tender un puente entre la tradición tribal y la modernidad nacional. Murió en una injusta soledad, motivada por la incomprensión de un pueblo que no supo ver la generosidad de su mensaje artístico.

El V Festival de las Ideas y la Cultura (FIC) de elDiario.es no solo será un gran foro para el debate periodístico y la música, sino también un espacio para el arte comprometido y la memoria democrática. Durante los días 26 y 27 de junio, el recinto del festival en Rivas-Vaciamadrid acogerá la sobrecogedora instalación Ruina, del reconocido artista Eugenio Merino.

Ruina es un dispositivo artístico y de memoria en el que la figura de Federico García Lorca aparece representada como una escultura “bajo el suelo”, cubierta por un cristal transitable. Los visitantes que se acerquen a la obra podrán caminar por encima mientras observan, bajo sus pies, una representación de los cuerpos de los miles de asesinados por el franquismo que aún hoy continúan desaparecidos en fosas comunes.

El proyecto, exhibido por primera vez en 2024, es el resultado de una profunda investigación sobre la verdadera ideología política de Lorca y su instrumentalización desde la dictadura hasta nuestros días. La pieza que se podrá visitar en el FIC llega cedida en préstamo por el Archivo Arkhé de Madrid, institución donde actualmente reside de forma permanente.

'Sobre Lorca': la voz del poeta en la piel de Alberto San Juan

La dimensión visual y escultórica de Ruina cobrará vida a través de la palabra. El viernes 26 de junio a las 20:00 horas, el aclamado actor Alberto San Juan llevará a cabo la acción escénica Sobre Lorca junto a la instalación.

En esta performance, San Juan interpretará en directo una cuidada recopilación de entrevistas, conferencias y manifiestos políticos del genio granadino. La acción busca poner en relación directa la muerte del poeta con su firme posición ideológica, su compromiso social y su condición sexual, aspectos históricamente silenciados o edulcorados.

Para esta puesta en escena, Merino y San Juan contaron con la colaboración de Víctor Fernández, experto en la figura de Lorca y coeditor de obras de referencia como Palabra de Lorca: declaraciones y entrevistas completas (2017) y De viva voz: Conferencias y alocuciones (2021).

Como toda la programación del FIC, el acercamiento a esta obra será de acceso libre y gratuito:

Instalación Ruina (Eugenio Merino): Centro Cultural Federico García Lorca. Entrada libre hasta completar aforo. 

Alberto San Juan: Sobre Lorca: Centro Cultural Federico García Lorca. Entrada libre hasta completar aforo

Instalación interactiva: Recreativos Federico

El Centro Cultural Federico García Lorca se transformará además en un espacio lúdico y crítico con una instalación artística de Álex Peña que convierte el legado de Lorca en siete máquinas arcade y de consumo. A través del juego, el humor y la ironía, piezas como La grúa de Bernarda Alba o Las Sinsombrero invitan al público a reflexionar sobre la mercantilización de la cultura y la vigencia de nuestra memoria dramática. 

Es una experiencia inmersiva donde la literatura se toca y se juega, acercando la figura del poeta a las nuevas generaciones desde una perspectiva contemporánea, participativa y profundamente poética. 

El Festival de las Ideas y la Cultura 2026 cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid, España en Libertad 50 años y el Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030.

La literatura, la danza y el humor más mordaz se darán la mano en el Festival de las Ideas y la Cultura de elDiario.es en Rivas-Vaciamadrid el próximo sábado 27 de junio. El escritor y comunicador Bob Pop desembarca en el FIC con 'De cuerpo presente', un aclamado monólogo que promete convertirse en uno de los momentos imprescindibles del fin de semana.

El espectáculo que el público podrá disfrutar en Rivas nace de las páginas de su libro homónimo, De cuerpo presente, una conmovedora revisita al pasado publicado por la editorial La Uña Rota. La obra se construye como un diálogo íntimo y fascinante a través del tiempo y la enfermedad. El origen se remonta a 1998, cuando un joven Bob Pop escribió un conjunto de poemas desde la plenitud antes de ser diagnosticado de esclerosis múltiple. Veintisiete años después, el autor retomó aquellos textos para responderse a sí mismo desde su realidad actual: la de un cuerpo marcado por el dolor y las limitaciones físicas, pero impulsado por una lucidez excepcional. Esa poderosa conversación entre su yo del pasado y su yo del presente es la que cobrará vida sobre el escenario.

A través de una aplastante sinceridad, repasará su propia vida y nos invitará a reír y reflexionar a partes iguales sobre la vulnerabilidad, los cuidados y la condición humana con un monólogo brillante, tierno y mordaz.

Para esta ocasión tan especial, el comunicador no estará solo: construirá esta puesta en escena acompañado por el talento del bailarín Miquel Barcelona y los acordes a la guitarra de Salvador Blanch.

Como el resto de las actividades del FIC, el espectáculo de Bob Pop será de acceso totalmente gratuito.

Cuándo — Sábado, 27 de junio. A partir de las 20:40 h

---

Dónde — Plaza de la Constitución (Rivas-Vaciamadrid)

Acceso gratuito. No hace falta entrada.

Un cartel de lujo 

'De cuerpo presente' se suma a un diverso cartel con el que elDiario.es sacará el periodismo a la calle para unirlo con la cultura, la música y el debate en Rivas-Vaciamadrid en colaboración con la iniciativa del Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid Ágora Rivas. 

Con Marc Giró como maestro de ceremonias, la plaza vibrará también con los conciertos gratuitos de artistas como Ariel Rot, La Bien Querida o Jordi Évole y Los Niños Jesús. Además, por los escenarios del FIC pasarán personalidades de la talla de Silvia Intxaurrondo, Marta Flich, Andrea Ropero, Ignacio Escolar y Lucía Solla Sobral. 

El Festival de las Ideas y la Cultura 2026 cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid, España en Libertad 50 años y el Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030.

La ciudad de Cáceres celebrará el próximo jueves, a las 19.00 horas, un acto de homenaje a Pablo Guerrero en la Biblioteca Pública del Estado. La iniciativa reunirá a un amplio grupo de voces del ámbito cultural extremeño con el propósito de reconocer la vigencia de una obra que ha acompañado a varias generaciones y que continúa siendo un referente ético, estético y social.

El acto contará con la participación de Javier Arroyo, Víctor Asuar, Elisa Blázquez, Francisco de Borja, Manolo Cañada, Jeremías Clemente, Enrique Cidoncha, Santos Domínguez, Pilar Galán, Antonio Guerrero, Miguel Ángel Lama, Celia Muriel, Miguel Ángel Naharro, Nando Juglar, Teresa Rejas y Ada Salas, entre otros nombres vinculados a la creación literaria y musical en Extremadura. La diversidad de perfiles convocados refleja la amplitud de la huella que Guerrero ha dejado en la cultura contemporánea.

Una trayectoria singular

El homenaje coincidirá con la presentación del libro Pablo Guerrero. Porque amamos el fuego, una obra en la que Manuel Cañada propone un recorrido por la dimensión humana, artística y comprometida del cantautor. El volumen se articula a partir de testimonios, recuerdos y reflexiones que permiten situar la figura de Guerrero en el contexto social y político de las últimas décadas, alejándose de la biografía convencional para ofrecer una lectura más profunda de su legado.

El título, tomado de uno de los versos más reconocibles del universo poético del artista, subraya la importancia de la palabra como herramienta de resistencia, de belleza y de conciencia crítica. Cañada, conocido por su activismo social y por su defensa de los derechos de las personas más vulnerables, aporta una mirada que conecta la obra del cantautor con los movimientos sociales y con las transformaciones culturales del país.

Un referente de la canción de autor

Nacido en 1946 en Esparragosa de Lares, Pablo Guerrero es autor de canciones emblemáticas como A cántaros, convertida en un símbolo de esperanza durante los últimos años del franquismo y la Transición. Su producción, que abarca más de cinco décadas, se caracteriza por la búsqueda estética, el compromiso social y una profunda vinculación con el paisaje, la memoria y la cultura popular.

Su obra ha influido en varias generaciones de músicos y escritores, y ha contribuido a consolidar una forma de entender la canción de autor en la que la poesía, la sensibilidad social y la experimentación musical conviven de manera natural. Guerrero es considerado una figura clave para comprender la evolución de la música de autor en España y su relación con los cambios políticos y culturales del país.

Un reconocimiento colectivo

La cita en la Biblioteca Pública de Cáceres aspira a convertirse en un acto de reconocimiento colectivo a un creador que ha trascendido el ámbito estrictamente musical para convertirse en una referencia ética y cultural. El encuentro pretende celebrar la palabra, la poesía y las canciones de una de las voces más singulares surgidas de Extremadura, y reivindicar la vigencia de una obra que continúa interpelando al presente.

Por los siglos de los siglos Amén: que así sea, y ese siempre sea así, ininterrumpido, inacabado. En este vasto paisaje milenario es más antigua todavía la duración, y la erosión de la voz y la mirada, la continua mirada y voz del hombre apenas ha podido desgastar aquellas montañas que alguien se atreve a llamar viejas: ces vieilles femmes blues, con más misericordia que verdad. Cada vez las mira más, y teme un día no poder dejar de mirarlas.

Hay que mostrar lo invisible de lo que se ve, me dice: cuánto más se está perdido, más se es empujado hacia la raíz, la profundidad. Lo que sale de mi es siempre desconocido. Y ese amigo de Beckett, el mismo que llevaba esperándome en el lugar de Bravales más de veinte años, el mismo que dijo una vez: “Estás sobre la tierra, no hay cura para eso” Después vino lo kafkiano: “El camino verdadero, que pasaba por una cuerda, que no está extendida en alto sino sobre el suelo, y parece preparada más para hacer tropezar que para que sigas su rumbo”.

Al pasado sólo puede retenérselo en cuánto imagen que relampaguea, escribió Benjamín, de ahí que estos días de tormentas al final del día, aquí, en Jola, en cada relámpago que toca la tierra y en cada trueno que sigue después, sean los viejos días de mi infancia, los mismos, no otros, y el tiempo vivido realmente el instante que va de la iluminación del relámpago al sonido del trueno.

“De lo que trata: la cosa” “El polvo, también tiene sus razones de peso” Edmond Jabès. Una vez era verano, en aquel tiempo siempre era verano, digamos que al final de ese tiempo. En la mirada se notaba ya el final de ese tiempo: por un camino de tierra muy seca, trallado por el sol, la ráfaga de aire muy caliente, leve o fuerte levanta la polvareda. La tierra del final de una época, en el momento justo en el que se acaba ese tiempo, de una duración indefinida en un lugar inmensurable; la duración desde la que se funda la memoria. A cada latido solar un golpe continuo de luz. Ese final de época, y las cosas importantes se van por sí solas: a la vez que se recogen o se pliegan en sí mismas se desplazan hacia todos los lados, así desaparecen de un momento a otro durante muchos momentos. Y era el polvo aireado, arrastrado, esa gran cosecha de polvo, y ese camino tan recto que se pierde en sí mismo allí. El polvo, las grandes polvaredas de un final de época, ese polen ya infecundo que se posa sobre la sal. Un largo y recto camino por el que esperas que algo venga o llegue, del que se espera lo venidero, y si fuera que nada trajera, siendo el camino por el que nada viene o se acerca, en momentos te impulsa, en demasiados momentos te invita a ir con la misma fuerza de la espera en la que nada llega o viene. Se abría así otro tiempo absoluto, el “tiempo” de otras “asunciones” menores, hasta hacer de uno ese hombre de polvo, un pulvis hominis del anhelo en lo otro. En todo podías estar.

Cuanto más me adentraba en el ancho y vasto lugar, sin sentirme perdido o mal hallado a lo largo de aquella comarca de parameras más que de desiertos, lugares de abandono más que de imposibilidad, como si allí se hubiera amado mucho, quizás demasiado para nada. Una llanura alta y fría en invierno, abrasada en el tiempo de los días largos, como un Aliste mucho más al Sur, por decir algo que pudiera ayudar a alguno a situarlo todavía en el mundo. ¿Y había otro país al lado, otros lugares a punto de perder cientos de nombres y palabras? Y mientras iba, quizás, por esta vez quizás, entre Galeana y Valencia de Mombuey, en los días del primer verano, días que se cerraban con tormentas breves y violentas, a trallazos de sol y agua, y entonces uno se anegaba de esa nada del paisaje español, hallando en ellas el sagrado refugio para las tormentas, en largas caminatas solares, donde a la escucha de lo extraño se ama todo aquello que no se puede expresar, y que se te cierra y dura toda la vida en uno. Esa duración para siempre, qué como los aires al mover las ramas, nunca estas se repite un movimiento igual a otro. Y la alegría de hoy es viejísima, es la tuya, va pasando otra vez por ti sin atender, es siempre la misma; esa alegría y tú no os recordáis.

Nunca fui a Muniesa ¿Debería ir a Muniesa? Muniesa, el solo nombre ya me atrae; de las cinco vocales solo le falta una. Muniesa, los nombres más bellos en mi lengua son los que conjugan en un extraño orden cuatro vocales, dejando siempre fuera una de las cinco, siendo siempre necesaria la “u” y no la “o” para alcanzar un sonido más armónico; la “o” del yo, y la del “otro” la “o” del cero. Las cuatro vocales, la mano a la que le falta un dedo, siendo este casi siempre el dedo gordo de la mano. Muniesa, nunca estuve allí y no creo que en algún momento uno llegue a pasar por ese lugar. Antes tendría que haber dado un largo rodeo por Villarquemado, donde el zahorí de los cuatro dedos de Anadón explicaba en el bar de la plaza, con honda sabiduría mántica, como encontrar los pozos en los años más secos. Y a la escucha del zahorí, ¿No sientes aquí, a través de la bella palabra, de Muniesa, en este aquí de suelos resecos y tierras tralladas por el sol las venas de agua subterráneas?

Más lejos, todavía más lejos que en este lugar vacío, donde ya había demasiada lejanía entre tú y los otros, entre este lugar y los otros lugares, y sintiéndote más lejos eras menos lejano

Y en los otros lugares de Lécera, Alacón, Oliete, Alcaine, Alloza, llevando tras de ti la polvareda, tu poco, tu casi nada, tu silencio de polvo, y ya desde Muniesa, a esos lugares de casi nombres de mujer, y con tu polvareda detrás, porque allí el silencio del cielo era más alto y azul que en otros lugares donde llueve poco, o porque te sentías más lejos, y allí ya no llegaba el ruido de los monos locutores de radio. Más lejos, todavía más lejos que en este lugar vacío, donde ya había demasiada lejanía entre tú y los otros, entre este lugar y los otros lugares, y sintiéndote más lejos eras menos lejano, y porque era como haber pisado la luna, si, la luna, ocre, rojiza, la luna de tu país, de vida mínima, de vida resistente, de una resistencia a la ingravidez de la nada, y estaba la gravedad real, y el aire seco, demasiado seco por lo vacío.

Y en otro día, si he visto demasiados árboles en ese día, más de los que esperaba ver, demasiados para la idea que como extranjero tenía del lugar: muchos para lo que me contaban los otros, lugar vacío, árido, de tierra extrañada y trallada por el sol español, una paramera tras otra, donde dios se convierte después del aire a ras del suelo, llevándose la polvareda hacia ti, en el ventríluoco que te dará una voz oscura al mediodía, “en ese ya no sé hablar” y en “ese ya no sé a donde voy”. Y si había tantos árboles, más de los que pensaba, tantos chopos, fresnos, alcornoques, encinas, quejigos, al menos durante esa primera noche me quedaría de pie, quieto y en silencio sin dejar que el ventríluoco pasara su voz por mi garganta.

Y un poco más allá, durante otro día, pero no sé ya cuál de los días, me fijé en que él escribió en algunos de sus papeles, o en unos de esos pequeños cuadernos suizos, refiriéndose a ellos: un disidente, en último término de su generación, o,  -en los que la generación de poetas profesores- y en palabras del disidente: “Ahora la estupidez sucede al crimen”. O -aquella generación es más de profesores que de pensadores, o -resulta a veces grande la distancia entre unos y otros- Y en sus cuadernos suizos, por ejemplo, en el Moutarde, reproducción del trabajo original del diseñador Pierre Legrain, o -¿Cómo puede Sebastián de Cordoba, poeta ínfimo, o “Aborto literario” etc…- En otro cuaderno ginebrino, y plegado de frases en francés, haciendo oscilar su pensamiento entre dos lenguas, dos paisajes, dos de cada hecho o casa: In principio creavit Deus: Berechiyt bara Elohim.

Los tiempos antiguos siempre resultaban más fuertes, y allí donde pueda llegar la memoria de cada uno, siempre un poco más allá de uno mismo, y resultaban más fuertes, como si después de ellos ya no hubiera ocurrido nada, más que días con tormentas de verano, y temporales y nevadas en invierno. Gracias a aquellos tiempos solo damos vueltas, grandes vueltas, a veces de un año entre el “Pozo de los humos” y el valle del Múrtiga. Bajo estos cielos anchos nadie enloquece.

Todo ha existido ya. ¿Pero cuántas cosas se ha quedado en camino sin llegar a ser? Se le arrancó a la naturaleza su capacidad de originar “algo” nuevo, una flor, o una especie nueva y original. Ahora se engendra por visión y de palabra. No se acaba de morir del todo la muerte.

Amo las tierras vacías, esta de Jola te estraga el lenguaje, te lo empobrece para que sea más real la comunicación, así el lugar se va enriqueciendo con el silencio. Pero ese amor es un amor extraño, un amor estragado y violento lleno de silencio. Es el amor de la ausencia, nada se llena, nada puede llenarse; es tal la fuerza del olvido que la memoria de uno se ensancha tanto, y yéndose tan lejos oprime. Todo aquí permanece olvidado, y la huida es lenta, debe ser lenta para no arder de soledad.

Antes de que conquistara al público internacional con El mal querer (2018) y mucho antes de que revolucionara la industria con Motomami (2022), Rosalía debutó con Los ángeles (2017), un disco producido junto a Raül Refree en el que la catalana demostró no solo sus dotes para cantar, sino también de composición.

De esa etapa previa a Malamente, la canción con la que dio el salto al mainstream, son algunos temas como Catalina, De plata o Aunque es de noche. Si uno mira los créditos de este último, que acumula más de 20 millones de reproducciones en Spotify y Youtube, además del nombre de la artista y el de Refree aparecen dos más: San Juan de la Cruz y Enrique Morente. ¿Qué tienen que ver estas dos personas en la canción de Rosalía?

Aunque es de noche es un tema en el que Rosalía hizo una reinterpretación musical de un poeta místico del Siglo de Oro español llamado San Juan de la Cruz. Junto con santa Teresa de Jesús, se considera que este fraile español fue uno de los autores más importantes de la mística experimental cristiana.

A finales del siglo XVI, De la Cruz escribió sus principales textos místicos, entre los que se incluye el poema Cantar del alma. “Su origen no lo sé, pues no lo tiene, mas sé que todo origen della viene, aunque es de noche. Sé que no puede ser cosa tan bella, y que cielos y tierra beban della, aunque es de noche”, escribió el religioso entonces.

De poema a canción

Quien haya escuchado la canción de Rosalía puede encontrar similitudes entre estos versos y la letra que interpreta la cantante, y es que Aunque es de noche no es más que una adaptación de este texto en el que San Juan desarrolló su convencimiento de la existencia de Dios aunque no pudiera verlo ni comprenderlo plenamente.

En este caso, Rosalía no fue la pionera que dio a conocer las palabras del fraile del Siglo de Oro. En 1984, el poema de San Juan de la Cruz fue popularizado ampliamente por Enrique Morente, quien lo adaptó a ritmo de tango flamenco. Hoy en día, sigue siendo una de sus canciones más conocidas del artista (es la que más reproduciones tiene entre su repertorio disponible en Spotify). 

Aunque es de noche no es la única canción de la carrera de Rosalía que parte de una letra que no es una composición suya. Ocurre lo mismo con Catalina, su primer gran éxito, que apareció grabado como tangos por primera vez en el año 1926 a manos del músico y cantautor de flamenco Manuel Vallejo.

Cervezas Alhambra celebra el próximo 3 de junio una nueva edición de ‘UNIVerso Murcia’, el encuentro poético impulsado junto a Poetry Slam Cartagena que convertirá Café Zalacaín en un espacio para la palabra, la escucha y la creación compartida. Una cita que invita a descubrir la cultura y el talento de la Región sin prisa, poniendo el foco en el proceso creativo y en las historias que nacen desde el origen.

El encuentro comenzará a las 20:00 horas y contará con una apertura muy especial a cargo del poeta, rapero y filólogo Bartolomé Sánchez Estrella (@toloortografo), que compartirá algunos de sus textos antes de dar paso al formato participativo de la jornada.

Sobre el escenario se reunirán seis poetas seleccionados previamente mediante una convocatoria abierta en redes sociales. La propuesta pondrá el foco en aquellas piezas inspiradas en la Región, sus paisajes, sus códigos culturales y las historias que forman parte de su identidad.

Fiel a la dinámica habitual de ‘UNIVerso Murcia’, el público volverá a desempeñar un papel protagonista. Durante una primera ronda, los asistentes puntuarán cada intervención y decidirán qué dos participantes pasan a la final, donde el ganador se escogerá en directo a través de los aplausos del público.

El acceso será gratuito hasta completar aforo. Las invitaciones podrán descargarse a través de los canales oficiales de @murciaorigen, donde también se encuentra disponible toda la información sobre esta nueva cita.

Con encuentros como ‘UNIVerso Murcia’, Cervezas Alhambra continúa consolidando Murcia Origen como un espacio de encuentro para la creación contemporánea y el talento local, impulsando propuestas que invitan a detenerse en el proceso creativo y descubrir nuevas formas de expresión desde una perspectiva más cercana y personal.

En la barcelonesa sierra de Collserola, un curioso viajero puede visitar una antigua masía conocida hoy como Vil·la Joana. Aunque existen evidencias de un sustrato bajomedieval del siglo XV y documentación que data del siglo XVI, el edificio actual corresponde principalmente a una estructura del siglo XVII. A lo largo de los años, este espacio situado en la parroquia de Vallvidrera ha logrado sobrevivir al paso del tiempo bajo el abrigo del parque natural. Su historia es una sucesión de épocas y etapas que comenzó como el Mas Ferrer, especializándose en la viticultura durante el próspero siglo XVIII. Fue en ese periodo cuando la masía consolidó su carácter agrícola antes de sufrir las grandes transformaciones del siglo XIX.

Actualmente, se alza en la carretera de la Església, rodeada de una naturaleza que parece detener el tiempo en los límites de Barcelona. Su arquitectura actual, aunque arraigada en el pasado, refleja las reformas que la convirtieron en una quinta de recreo. Es un edificio que narra la evolución de la vida rural catalana hacia la modernidad residencial de las élites. La fisonomía que hoy admiramos se debe a la familia Miralles, quienes adquirieron la propiedad en el siglo XIX para convertirla en la mencionada quinta de recreo. Bajo un estilo neoclásico, reformaron la masía añadiendo galerías laterales y una elegante torre mirador que corona la estructura original. Un elemento distintivo de su fachada principal es el reloj de sol donde todavía puede leerse la inscripción “Quinta Joana” junto a un campanario. 

El edificio consta de una planta baja y dos pisos con cubierta a dos aguas, manteniendo su esencia de planta basilical original pese a las reformas. Esta transformación convirtió una explotación rural en una residencia señorial destinada al descanso estival de la burguesía de Sarrià. La intervención arquitectónica dotó al conjunto de una solemnidad que la diferencia de otras masías catalanas de la zona. Es este entorno el que atrajo a una de las grandes figuras de la literatura de Catalunya, Jacint Verdaguer, que buscó allí un último y necesario descanso espiritual. Los Miralles, amigos cercanos del escritor, transformaron su hogar en un sanatorio improvisado para el ilustre huésped.

Verdaguer, el máximo exponente de la Renaixença, llegó a Vil·la Joana el 17 de mayo de 1902 buscando alivio para su avanzada tuberculosis. El poeta escogió este emplazamiento por su ubicación privilegiada en plena naturaleza y por su estrecha amistad con el propietario, Ramon Miralles. En aquel entonces ya era una figura venerada, pero se encontraba distanciado de las élites tras sus duros enfrentamientos con el obispado. Su llegada a Vallvidrera supuso un retiro íntimo en un ambiente sereno que reforzaba su conexión con la tierra y la espiritualidad. Aquejado por la enfermedad, el autor de obras maestras como ‘L'Atlàntida’ y ‘Canigó’ buscaba en el aire puro de la montaña un milagro. Verdaguer, gran conocedor de la flora catalana, encontró en la vegetación de Collserola una fuente de inspiración final antes de su fallecimiento. La masía se preparó así para albergar los últimos suspiros de un hombre que había dignificado la lengua catalana. 

La estancia del poeta fue breve pero trascendental, ya que murió en una de las habitaciones de la casa el 10 de junio de 1902, pero ese tiempo bastó para ligar eternamente el nombre de la masía a su memoria. Su fallecimiento golpeó profundamente a toda la sociedad catalana, que salió en masa a las calles para rendirle un último tributo. El entierro de Verdaguer se convirtió en el acto más multitudinario recordado hasta ese momento en la ciudad de Barcelona. Desde el mismo instante de su muerte, la casa fue considerada un lugar de memoria, preservando intactos los espacios que ocupó. El oratorio, el despacho y su cama de muerte se mantuvieron como reliquias de una trayectoria literaria y personal inigualable. Aquel 1902 marcó el fin de una vida, pero inició la mitificación de un espacio que hoy sigue siendo un referente. La masía ya no sería recordada solo por su arquitectura, sino por ser el santuario del gran maestro de la palabra.

Tras la muerte del poeta, el ayuntamiento de la capital catalana compró la finca a la familia Miralles en 1920 para darle un nuevo uso. En 1921, el edificio fue transformado en una escuela de educación especial que resultó ser pionera en toda Europa. Este innovador proyecto, basado en el método Montessori, atendía a niños con discapacidades intelectuales, ceguera y sordera de forma integral. Además de la parte pedagógica, Vil·la Joana albergó un laboratorio científico dedicado a la investigación en psicología, psiquiatría y otorrinolaringología. Profesionales de gran prestigio, como el doctor Pere Barnils, colaboraron en este centro que incluía talleres y musicoterapia. Durante décadas, hasta 1973, las aulas convivieron con el recuerdo del poeta, creando un vínculo único entre educación y literatura.

De masía a museo

Aquella fue una etapa donde la masía se llenó de vida y esperanza para los colectivos más vulnerables de la ciudad condal. El proceso de convertir la masía en un museo comenzó formalmente en 1963, cuando se dedicaron algunas estancias a la vida de Verdaguer. Sin embargo, no fue hasta las intervenciones arqueológicas y arquitectónicas de 2014 y 2015 cuando el edificio recuperó todo su esplendor. Esta rehabilitación fue compleja debido a que la estructura se encontraba en una situación de ruina técnica al carecer de cimientos. Pero se logró estabilizar la superposición de las masías de los siglos XV y XVII y hoy el espacio forma parte de la red patrimonial del Museo de Historia de Barcelona como Casa Verdaguer de la Literatura. 

El objetivo fue trascender la biografía del autor para explicar el papel de Barcelona como motor de creación literaria. Así, Vil·la Joana se reinventó como un centro de difusión de la palabra reconocido internacionalmente por la UNESCO. La museografía actual huye de la simple decoración y apuesta por un itinerario que conecta la historia de la casa con la literatura. En sus salas, los visitantes pueden contemplar una nube de palabras donde destacan conceptos como ‘Amor’ o ‘Sant’, recurrentes en su obra. El recorrido transita por el dormitorio situado en la galería, la mesa de escribir y los objetos personales del autor. No se trata solo de un memorial, sino de un espacio que explora cómo la literatura ha retratado las distintas Barcelonas históricas. El segundo piso se ha destinado a la investigación y el estudio, acogiendo seminarios, másteres y talleres para grupos reducidos. La casa invita a los ciudadanos a participar en un ambiente de cultura popular que integra diversas disciplinas y formatos. Cada rincón del museo tiene un sentido profundo que busca transmitir el fenómeno de la experiencia literaria universal.

La obra Gramática del desorden, del onubense Enrique Zumalabe, ha sido la ganadora de la 46 edición del Premio Iberoamericano de Poesía Juan Ramón Jiménez, dotado con 25.000 euros y la publicación del libro. Con este premio la Diputación de Huelva rinde homenaje al Nobel moguereño y gran poeta universal, al tiempo que incentiva la producción literaria en el ámbito de la poesía. Además, es la primera vez que gana este premio un onubense.

Los encargados de comunicar el fallo y el nombre del ganador han sido el presidente de la institución provincial, David Toscano; el alcalde de Moguer y presidente de la Fundación Zenobia-Juan Ramón Jiménez, Gustavo Cuéllar, acompañados por el director de la Fundación Zenobia-Juan Ramón Jiménez, Antonio Ramírez Almansa, y el presidente del Jurado de esta edición, Juan José Téllez.

El presidente de la Diputación ha apuntado que este año se han recibido 654 obras y con “importante presencia iberoamericana: 88 poemarios de la República Argentina, 58 de Colombia, 49 de México y 30 desde Chile.

El presidente del jurado ha indicado que “ha sido complicado por la calidad notable de los textos presentados”, mientras que el autor, al que han llamado para comunicarle el fallo, ha agradecido el precio y ha mostrado su sorpresa porque ha confesado que creía que “no tenía posibilidades de poder ganarlo, toda vez que ha comentado que, además, ha estado destinado algunos años por sus labores profesionales en Moguer.

Obra

Enrique Zumalaba (Huelva, 1977) cursó Magisterio y Psicología en la Universidad de Sevilla. Entre otros quehaceres, formó parte del consejo editorial de la publicació La Cinta de Moebius. También fue creador de la revista Psiqueactiva. Ha sido colaborador de Uniradio (la radio de la Universidad de Huelva) en programas dedicados a la cultura y a la literatura entre los años 2007 y 2014.

Entre sus obras, se encuentra No todo es Juan Ramón, todo es Juan Ramón (2006), Literatur. I Encuentro de narrativa breve, y dentro de la colección Poesía Nueva que con motivo del Ciclo de Conferencias, Acercamiento (Huelva: Diputación Provincial, 2006). Parte de su obra poética permanece inédita, entre ella los poemarios Tus poemas (diez intentos fatales de huida desesperada) (2001), Donde nunca has estado (2001) y Resurrección de un libro (en preparación). También, ha publicado Además del Llanto (Sevilla: La Isla de Siltolá, 2014) y La lluvia o la mañana (Sevilla: La Isla de Siltolá, 2018). En cuanto a la narrativa, tiene un libro de relatos inédito Cometiendo errores (2001).