Hoy ver fotografías de animales salvajes con la máxima calidad nos parece una cosa totalmente natural. La evolución de la tecnología de las cámaras fotográficas, sumada al desarrollo de dispositivos como los drones, nos permiten ver cómo es la vida silvestre cuando no intervienen los humanos con todo lujo de detalles. 

Pero hace 100 años, nada de esto era como lo es ahora, y todo empezó en parte gracias a Cherry Kearton y su hermano Richard. De Cherry se dice que fue el primer hombre del mundo que disparó con una cámara y no con un rifle a un animal, y sus fotografías siguen siendo estudiadas y admiradas un siglo después de que este joven fotógrafo las tomara.

Richard (nueve años mayor) y Cherry Kearton crecieron en una granja de Yorkshire (Inglaterra) a finales del siglo XIX, en el seno de una familia trabajadora. La historia cuenta que en el año 1892, después de encontrarse con un nido de pájaros, Richard le pidió a su hermano pequeño que tomara una foto de aquellos pequeños animales. Fue el principio de todo.

Después de aquello, se dice que se les ocurrió la idea de crear un libro ilustrado íntegramente con fotografías sobre aves y sus nidos, algo que en aquella época no existía. Dicho y hecho. Escrito por Richard e ilustrado con las fotografías de Cherry, el libro Nidos de aves británicas: Cómo, dónde y cuándo encontrarlos e identificarlos fue el primer libro de naturaleza ilustrado íntegramente con fotografías.

Su propio “caballo de Troya”

Aquel libro fue el inicio de una larga carrera dedicada al mundo de la fotografía animal. Richard y su hermano viajaron por distintos países del mundo para que Cherry pudiera capturar todo tipo de animales con sus cámaras fotográficas, pero pronto se encontraron el primer problema, y es que en aquella época no tenían lentes con un buen zoom que les permitieran estar lejos de los animales.

En ese momento tuvieron que poner a trabajar su ingenio. Los Kearton idearon todo tipo de escondites para acercarse lo máximo posible a la fauna salvaje sin ser vistos. Uno de los mecanismos más interesantes fue el del buey disecado, una piel con forma de animal totalmente realista cuyo interior era lo suficientemente espacioso para el fotógrafo y su cámara.

Cherry también encargó otro sistema, esta vez con forma de oveja, diseñada también para mimetizarse con el ambiente. El problema de esta es que era mucho más estrecha y dentro de ella solo había hueco para la cámara, que el fotógrafo operaba a distancia. El joven se colocaba en su tienda de campaña y accionaba el disparador mediante un tubo neumático de quince metros. 

Ver las fotografías que Cherry Kearton hizo a lo largo de su vida en distintos lugares del mundo es imprescindible para conocer la historia de la fotografía de animales. 

La industria asturiana quiere abrir sus puertas a nuevas miradas. Ese es el objetivo de Territorio Productivo, una iniciativa promovida por elDiario.es Asturias, que plantea una conexión entre empresa, cultura, educación y sociedad a través de la creación artística y la divulgación. El proyecto acaba de lanzar una convocatoria abierta dirigida a cualquier ciudadano interesados en interpretar el tejido productivo del Principado desde una perspectiva cultural y contemporánea.

La propuesta se desarrollará mediante visitas a empresas y entornos industriales asturianos, donde los participantes podrán conocer de primera mano procesos de producción, tecnologías, materiales y dinámicas laborales. A partir de esa experiencia, los creadores elaborarán trabajos fotográficos, artículos, ensayos o crónicas que serán evaluados por un jurado multidisciplinar. El plazo para apuntarse está abierto hasta el 15 de junio, con la visita a las empresas la segunda quincena de junio y en septiembre tendrá lugar la exposición y la publicación de los textos.

El proyecto no persigue ni textos promocionales ni descripciones empresariales convencionales. La intención es que los participantes utilicen la industria como punto de partida para reflexionar sobre cuestiones más amplias relacionadas con la sociedad, la tecnología, el trabajo, el territorio o los desafíos del futuro.  

La convocatoria contempla dos líneas abiertas al público general: fotografía y artículos o ensayos. En el caso de la fotografía, cada participante podrá presentar hasta tres imágenes individuales con capacidad de lectura propia. Por su parte, la modalidad de ensayo está dirigida a la elaboración de trabajos de no ficción con una extensión de entre 1.500 y 4.000 palabras.   

Cómo participar

La participación es gratuita, aunque será obligatorio asistir al menos a una de las visitas programadas a los entornos industriales durante el mes de junio. Tras ese periodo de inmersión, los participantes dispondrán de los meses de julio y agosto para desarrollar sus propuestas. La fecha límite de entrega será el 1 de septiembre.   

Los trabajos seleccionados recibirán una dotación económica de 400 euros por categoría, además de publicación en elDiario.es Asturias y participación en una exposición y jornada pública que servirá como cierre del proyecto. Una oportunidad única para establecer vínculos entre el ámbito empresarial, el educativo y el cultural, generando nuevas narrativas sobre una realidad industrial que continúa siendo uno de los pilares económicos de Asturias.   

El jurado estará integrado por representantes del ámbito industrial, empresarial, científico, tecnológico, cultural y periodístico. Entre los criterios de valoración figuran la calidad de la escritura o de la propuesta visual, la originalidad de la mirada, la capacidad para conectar experiencias concretas con cuestiones de alcance social y la utilización de la observación directa como herramienta narrativa.   

La iniciativa Territorio Productivo es posible gracias a un programa de divulgación de la innovación industrial del Principado de Asturias, y pretende impulsar una nueva forma de acercarse a la industria regional, no solo como actividad económica, sino también como un espacio donde se cruzan historias humanas, innovación, conocimiento y transformación social.

Territorio Productivo cuenta, además, con una línea en colaboración con la Escuela Superior de Arte del Principado de Asturias con la participación de alumnado y profesorado para el desarrollo de propuestas desde el diseño, la creación y la mediación.

Puedes formalizar tu inscripción a los dos concursos aquí.

Bases del certamen de fotografía

Bases certamen de artículos y ensayos

La endometriosis es una enfermedad inflamatoria crónica que afecta a 190 millones de mujeres y personas con útero en todo el mundo, provocando dolor intenso, hemorragias, esterilidad, distensión abdominal y náuseas. Lleva pudiendo ser nombrada desde 1860, pero aún hoy sigue siendo un tabú social, está escasamente investigada de tal forma que las constantes “soluciones” que han recibido sus pacientes han sido: “Tus síntomas son normales” y “se te pasará cuando te quedes embarazada”. Y no, no se pasa.

Laia Abril, Premio Nacional de Fotografía 2023, lo ha experimentado en sus propias carnes y ha decidido visibilizar esta enfermedad en la exposición Endometriosis. El dolor silenciado 1860-2026, que acogerá el Museo del Romanticismo hasta el próximo 13 de septiembre, como parte del programa de PhotoEspaña. En ella ha reunido los cuerpos fragmentados de siete personas con endometriosis, mostrando la disociación necesaria para sobrevivir, evocando la violencia obstétrica y abandono institucional.

Carolina Miguel, directora del Museo del Romanticismo, ha señalado en la presentación de la muestra celebrada este martes las conexiones entre las cuestiones invisibilizadas en el arte del siglo XIX con las que continúan hoy en día, “por el hecho de ser mujeres”; además de reivindicar la “necesidad” de que las instituciones museísticas de servir como “espacios de reflexión para colaborar a hacer un mundo más igualitario”.

María Santoyo, directora de PhotoEspaña, ha incidido en que la endometriosis es ese “dolor silenciado, pese a que lleve siendo nombrado desde el siglo XIX”. La responsable ha hecho referencia a cómo pese a que es un padecimiento colectivo, los dolores asociados a los ciclos menstruales, “tan sumamente incapacitantes”, son muchas veces obviados. La exposición hace todo lo contrario, les coloca en el centro del foco.

En lo que respecta al plano artístico, María Santoyo ha indicado que “hay todo un arte desarrollado en torno a las heridas de guerra. Sin embargo, con este tipo de dolores, que tienen mucho que ver con nuestra sociedad y la capacidad de que se perpetúe, también con nuestra propia autocensura; contribuimos a que no esté encima de la mesa y, por lo tanto, no se investigue lo suficiente y siga siendo incapacitante cuando, seguramente si hubiese recibido la atención merecida, no estaría haciendo sufrir a tantas mujeres”. “La fotografía y el arte sirven para esto”, ha reivindicado.

En la misma línea se ha situado Ángeles Albert, directora general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes, que ha apuntado que “parece que” las mujeres se están “acostumbrando” a que exista un techo de cristal, “a no reclamar, pese a tener igualmente voz propia, con acento propio”. “Cuando hablamos de cosas tan obvias para nosotras nos sorprende que, si son tan naturales, ¿por qué no hemos hablado tanto de ello? ¿Por qué no lo hemos contado?”, ha planteado para evidenciar la pertinencia y necesidad de una exhibición como Endometriosis. El dolor silenciado 1860-2026.

Trípticos bañados en lágrimas

Esta exposición es heredera del proyecto On Mass Hysteria de Laia Abril, en el que la fotógrafa lleva una década reflexionando sobre la violencia institucional que sufren las mujeres y el ejercicio de representación de las mismas, por la forma en la que se deforman los temas en función de cómo son narrados y fotografiados. Ella fue una de las mujeres a las que la comunidad médica le dijo que “tenía que aguantar” el dolor y que estuviera tranquila, que desaparecería el día que se quedara embarazada. En su proceso descubrió una “sororidad sostenida” entre las personas que sufren endometriosis, y entre las que se dan consejos para sobrellevar el dolor.

“Hay una sabiduría ancestral en que las mujeres, frente a las violencias y abandonos institucionales, encuentran formas de resistencia”, ha explicado la artista, que ha fotografiado para la exhibición a seis mujeres y un hombre transexual que sufren este dolor crónico tan debilitante. Sus imágenes han sido tomadas desde planos cenitales, con los que evoca los momentos de disociación durante los periodos de sufrimiento. “Cuando tienes un dolor que nadie escucha ni soluciona, a veces tiene un punto hasta cómico. En la noche, retorciéndote de dolor, tu alma sale un poco de tu cuerpo y te ves retorciéndote, en la cama, en la ducha. Un delirio que cuando lo comunicas, ves que le pasa a mucha gente”, ha reconocido.

En sus obras le dio igualmente importancia a enseñar la resistencia: “Cuando tienes dolor, el cuerpo se estira, se retuerce, te pones boca abajo, te echas agua caliente, pero también quería mostrar posiciones de alivio, que las piezas no fueran solo densas, sino que albergaran esperanza, que la resistencia estuviese presente”. Las fotografías las ha recubierto con un barniz elaborado con sus propias lágrimas. “Era una forma de fusionarme con ellas y compartir ese dolor”, comenta. La exposición la acompaña con piezas sonoras “tenues y sutiles”. “El dolor es casi un sonido constante, una tortura que no se va, y el sonido ayuda a conectar con esas largas noches de dolor y largos días de incomprensión. La falta de investigación médica, la violencia obstétrica e institucional”, ha concluido.

La Asociación de Amigos de Vicente Aleixandre ha informado esta semana de que han sido halladas en una maleta de piel unas 500 fotografías del escritor, de las cuales 300 son “completamente inéditas”, que “revelan un aspecto más íntimo” del poeta español, al mostrar al mismo en escenas de su vida cotidiana con su hermana Conchita, en Miraflores de la Sierra (Madrid), lugar en el que tenía su residencia estival, o acompañado de sus padres, un descubrimiento que prevé estar disponible para el público en los próximos años.

“Tenemos incluso una fotografía estereoscópica en cristal, que es el 3D de la época, aparece Vicente Aleixandre con personajes que aún no hemos identificado. Aún es pronto, porque los próximos pasos son categorizar las fotografías y, después, digitalizarlas, pero nos gustaría crear una especie de catálogo y que en el año 2027 el público pudiese disfrutarlas, a través de una exposición, por ejemplo. Pero aún está todo muy caliente”, ha remarcado el presidente de la referida asociación, Alejandro Sanz, a Europa press en una entrevista.

Estas instantáneas datarían de inicios del siglo XX, momento en el que el autor se encontraría en su juventud, en sus años 20. “También hay instantáneas con su abuelo materno, o incluso un negativo, algo que no es muy usual para la época, pero que nos permitirá obtener la máxima calidad fotográfica”, ha esgrimido.

Con sus grandes amistades

De hecho, Aleixandre aparece también acompañado por otros poetas e incluso autores de la Generación del 27, entre ellos Dámaso Alonso, su “gran compañero de Generación”, Lorca o Jorge Guillén. A través de las mismas, la Asociación llevará a cabo un minucioso trabajo de recopilación para construir una cronología que acerque al público a este autor. “No hemos podido ver las fotografías con mayor detalle, porque fue abrir la maleta y encontrarnos con la sorpresa. Algo sabíamos de la existencia de estas fotografías, pero no esperábamos que fuesen tantas”.

A juicio de Sanz, la importancia del hallazgo reside en contar con instantáneas que permitan indagar en la biografía de este autor más allá de sus escritos, que son los que “realmente han guardado su historia”. “En aquella época, escribió miles de cartas, con un fondo íntimo y confesional. Gracias a ellas, sabemos cosas de su amor, pasión y dolor”, ha detallado, una narrativa que, ahora, se verá complementada con este hallazgo.

Por eso, el responsable ha asegurado que las mismas “refuerzan la iconografía” de Aleixandre porque “aunque tenemos muchos manuscritos, esto es revelador. Que un poeta del 27 tenga más de 200 fotografías ya es algo muy importante. Por el momento, creo que cada uno verá un gesto, una expresión, que nos hará penetrar aún más en su personalidad”.

Según el presidente de la entidad, ahora estas “joyas” deberán ser catalogadas y digitalizadas “con urgencia”, para estudiar con detalle el hallazgo. “Nuestra idea es editar un álbum para hacer una antología y que podamos ver a Vicente Aleixandre en un orden cronológico”, ha concluido.

Una de las imágenes más impresionantes del año ha sido tomada a más de 4.000 metros de altura y ha fascinado a la mismísima NASA, que la seleccionó entre sus fotografías astronómicas destacadas del mes de abril. Se trata de una foto en la que se aprecia el doble arco de la Vía Láctea, y que en esta ocasión tuvo la aparición de un tercero, algo inédito.

La fotografía ha sido obra de Angel Fux, especializada en astrofotografía y paisajes nocturnos, que ascendió hasta una cumbre con 4.200 metros y tuvo que superar unas difíciles condiciones meteorológicas con temperaturas que llegaron hasta los -28 grados, fuertes rachas de viento y cornisas heladas. ¿Qué la llevó hasta este reto?

Meses de planificación y la sorpresa del tercer arco

Fue hace más de un año cuando Fux se planteó ir más allá de lo que había hecho y observar el cielo nocturno desde los 4.200 metros del Dent d’Hérens en la cordillera de los Alpes, por detrás del Cervino, que se sitúa en la frontera entre Italia y Suiza. Así, la fotógrafa se marcó el objetivo de captar el momento en el que se puede captar el doble arco de la Vía Láctea, con material especializado.

Su planificación, contada al detalle por la protagonista en su blog, contó con la ayuda del guía de montaña Richard Lehner y su hijo Arnaud. Para tomar la fotografía que se ha hecho viral en marzo, contactó medio año antes, en septiembre con Lehner, y en seis meses se dedicó a preparar toda la logística, el equipo y el estudio que se requiere.

Y es que este fenómeno astronómico captado solo es posible contemplarlo durante unos pocos días durante el mes de marzo, cuando los dos brazos de la galaxia se aprecian sobre el horizonte en una misma noche, aunque no al mismo tiempo, sino a lo largo de la misma rotación terrestre.

“El arco invernal, una franja de estrellas más tranquila y menos densa, se eleva durante la primera mitad de la noche. Luego, a medida que la Tierra gira, el arco estival asciende desde la otra dirección, trayendo consigo el núcleo galáctico, ese inconfundible y denso río de luz. Juntos, forman lo que se conoce como doble arco de la Vía Láctea”, afirma Angel Fux en su blog.

No se trata de un fenómeno que no se haya explorado, ya había sido captado anteriormente, por la misma Fux en 2025 desde el Gornergrat a 3.100 metros de altura. Pero esta vez se propuso subir 1.000 metros y la recompensa mereció la pena, porque además apareció un tercer arco. Esto se conoce como ‘Gegenschein’ y se trata del brillo difuso del cielo nocturno causado por la luz solar que refleja el polvo interplanetario justo en la posición opuesta al sol, que al ser tenue se capta en raras ocasiones en fotografía.

El reto tenía una dificultad añadida, o, mejor dicho, dos. La primera es que para que se capte adecuadamente se deben dar condiciones extra como que la luna esté en una fase adecuada, que se esté en la ubicación correcta para el ángulo de los dos arcos, además de un horizonte despejado de 360 grados y que la contaminación lumínica sea la más baja posible. Además, la meteorología, en una noche invernal es dura, y el período óptimo para la foto dura solo cinco días.

Impresionó a la NASA

La fotografía tomada por Angel Fux se hizo viral después de que el pasado 21 de abril la NASA la incluyera dentro de la ‘Astronomy Picture of the Day’, que es uno de los reconocimientos más prestigiosos dentro de la divulgación astronómica.

La fotógrafa extremeña Nuria Barragán Hernández ha firmado un hito poco habitual en el panorama de la fotografía de moda nacional: conquistar los tres primeros premios del XIV Concurso Nacional de Fotografía Tenerife Moda 2026, organizado por el Cabildo de Tenerife. La autora se convirtió así en la gran protagonista de un certamen que este año giraba en torno al diálogo entre moda y gastronomía y que reunió cerca de un centenar de imágenes procedentes de una veintena de proyectos creativos.

El concurso, consolidado ya como una de las citas destacadas del sector de la imagen y el diseño emergente, premia la creatividad visual y la capacidad narrativa de la fotografía contemporánea. En esta edición, el jurado valoró especialmente la coherencia estética de las obras, la originalidad y el uso del lenguaje visual para construir relatos en torno a la identidad, la artesanía y la cultura gastronómica.

Barragán, que ya había sido reconocida en anteriores ediciones del certamen —en 2025 obtuvo el tercer premio—, logra ahora una victoria absoluta que confirma la proyección de su mirada artística dentro de la fotografía de moda y autor.

“Mi camino en la fotografía empezó hace cuatro años cuando decidí cursar el ciclo de grado superior de Iluminación, Captación y Tratamiento de la Imagen en Cáceres”, explica la joven fotógrafa, especializada en moda y retoque digital. Desde entonces, asegura, no ha dejado de construir un lenguaje propio “para expresar mediante las fotografías aquello que quiero transmitir con las imágenes que capto en mi día a día”.

Su trayectoria comenzó a orientarse pronto hacia la postproducción y el tratamiento digital de la imagen. “Comencé a interesarme por la postproducción de imágenes, su tratado y los diferentes resultados que podía obtener mediante las composiciones de luz y la utilización del color”, relata. Con apenas 20 años ya trabajaba como fotógrafa y retocadora de moda y belleza para marcas y empresas reconocidas, además de publicar en revistas locales, nacionales e internacionales.

La fotógrafa extremeña cuenta actualmente con seis años de experiencia en fotografía editorial, publicitaria y beauty, además de fotografía social y de interiores. Aun así, sostiene que continúa persiguiendo “la fotografía perfecta”, tratando de superarse en cada nueva editorial y proyecto creativo.

“Logré vivir de lo que me apasiona y de lo que siempre tuve en mi cabeza y que con palabras no supe explicar”, afirma Barragán sobre una profesión que define también como una extensión de su propia mirada. “Mi tierra me aportó todo aquello que nunca pensé y ahora trabajo por todo mi país dando lo mejor de mi persona como profesional”, añade.

La convocatoria impulsada por Tenerife Moda y la Empresa Insular de Artesanía repartía un total de 7.500 euros en premios y estaba abierta tanto a fotógrafos profesionales como noveles residentes en España. Más allá de los galardones, el reconocimiento a Nuria Barragán deja también la sensación de estar ante una creadora que entiende la fotografía como un territorio emocional: un espacio donde la luz, el color y la identidad dialogan hasta convertir cada imagen en una atmósfera propia.

El fotógrafo extremeño Michel Pedrero Rubio, nacido en Plasencia, ha sido reconocido como Mejor Fotógrafo de Reportaje del Mundo en la 12ª edición de los 35 AWARDS 2026, uno de los certámenes internacionales de fotografía más multitudinarios y prestigiosos del panorama contemporáneo. El galardón supone un hito para el fotoperiodismo español y extremeño y consolida la trayectoria de un autor que ha convertido el nomadismo, la documentación etnográfica y la mirada humanista en las señas de identidad de su obra.

Pedrero, conocido bajo el nombre artístico de 'Wildnomadphoto', ha obtenido el reconocimiento gracias a su serie 'Hygiene in a failed state' (Higiene en un estado fallido), un trabajo desarrollado junto a la comunidad Mundari, en Sudán del Sur, donde retrata la vida cotidiana de este pueblo nilótico y su relación simbiótica con el ganado en un contexto marcado por la ausencia de infraestructuras básicas y la inestabilidad política.

La edición de 2026 de los 35 AWARDS reunió a más de 124.000 fotógrafos procedentes de 174 países y cerca de 470.000 imágenes presentadas a concurso. El sistema de selección, dividido en tres fases y supervisado por un jurado internacional integrado por 50 especialistas de distintos países, está considerado uno de los más exigentes del circuito fotográfico internacional. El reconocimiento recibido por Pedrero no premia únicamente una imagen concreta, sino la calidad y coherencia narrativa del conjunto de la serie presentada.

Aunque el fotógrafo extremeño obtuvo el segundo puesto en la subcategoría de imagen individual de reportaje, la puntuación global alcanzada por toda su obra fue la que finalmente lo situó en el primer puesto mundial de la clasificación general de fotógrafos de reportaje. El certamen valora especialmente la consistencia narrativa, la capacidad de construir un lenguaje visual propio y el desarrollo de proyectos documentales sostenidos en el tiempo.

Una de las fotografías más comentadas de la serie muestra a un niño Mundari lavándose con orina de vaca, una práctica tradicional utilizada como desinfectante natural y repelente de insectos en una región donde el acceso al agua potable y al saneamiento es extremadamente limitado. Lejos de buscar el impacto sensacionalista, el reportaje apuesta por una aproximación profundamente humanista, centrada en la dignidad, la resistencia y la adaptación cultural de esta comunidad ganadera.

Los Mundari

La vida de los Mundari gira en torno a las vacas Ankole-Watusi, animales considerados símbolo de riqueza, supervivencia y prestigio social. Pedrero retrata ese vínculo con una estética cargada de atmósferas densas y casi irreales, construidas a partir del humo de las hogueras de estiércol que la comunidad utiliza para ahuyentar mosquitos y protegerse de los parásitos. Las cenizas, además, son empleadas como protección solar y repelente para personas y animales.

En las imágenes predominan los tonos terrosos, los cielos polvorientos y la luz natural del amanecer y el atardecer, elementos que se han convertido en parte del sello visual del fotógrafo placentino. Su trabajo huye de la espectacularidad vacía y de la representación clásica de la miseria africana para construir una narrativa basada en la cercanía emocional y la observación paciente.

Pedrero se define como un “explorador de la verdad” y un “ser humano de pies inquietos”. Su trayectoria está profundamente marcada por el viaje y por la convivencia prolongada con las comunidades que fotografía. Aunque nació en Plasencia, el autor ha residido durante años en ciudades andaluzas como Granada y Sevilla, una dualidad que él mismo resume como “raíces extremeñas y alma andaluza”.

La pasión por la fotografía le viene desde la infancia. Hijo de un pintor y de una poeta, comenzó utilizando la cámara analógica de su padre y desarrolló una formación mayoritariamente autodidacta basada en la experimentación, el estudio de la luz natural y el análisis del trabajo de otros autores. Un viaje de varios meses por América Latina terminó de convencerle de que la fotografía era la herramienta con la que quería contar historias sobre la diversidad humana y paisajística del planeta.

Desde entonces ha recorrido algunos de los territorios más remotos y complejos del mundo: el Ártico siberiano, Etiopía, Angola, India, Myanmar, Bolivia, Papúa o Sudán del Sur. Sus trabajos han sido publicados en medios internacionales como National Geographic o The Times y también mantiene un portfolio destacado en Photo Vogue. Además, es embajador de la marca Nikon y participa habitualmente en talleres y expediciones fotográficas internacionales.

Antes de este reconocimiento mundial ya había logrado una importante proyección internacional. En 2022 fue finalista de World Press Photo por su serie 'Sudán nos mira', centrada en el golpe de Estado ocurrido en el país africano en 2021. Aquella nominación marcó, según ha explicado en distintas entrevistas, un punto de inflexión en su carrera profesional y consolidó su interés por documentar territorios atravesados por conflictos políticos, crisis humanitarias y procesos de transformación social.

Parte de su trabajo más reciente se centra en la documentación de culturas y tradiciones amenazadas por la globalización y el cambio climático. En el Valle del Omo, en Etiopía, ha fotografiado las marcas corporales y rituales identitarios de las tribus Larim y Toposa, mientras que en Bolivia ha desarrollado varias series sobre las cholitas escaladoras, mujeres indígenas que practican montañismo vestidas con atuendos tradicionales y que se han convertido en símbolo de resistencia y empoderamiento femenino.

En Siberia documentó la vida de los Nenets, un pueblo nómada de pastores de renos que sobrevive en condiciones extremas bajo las auroras boreales del Ártico. En India, sus retratos de la comunidad Dom de Varanasi, encargada de las cremaciones rituales, muestran nuevamente su interés por retratar oficios y formas de vida marcadas por el estigma social desde una perspectiva de dignidad y humanidad.

Cooperación internacional

Además de su faceta artística y documental, Pedrero participa en proyectos de sensibilización y cooperación internacional. Ha colaborado con organizaciones humanitarias utilizando sus exposiciones para recaudar fondos y visibilizar conflictos olvidados por los grandes medios de comunicación. También impulsa el colectivo 'We the Wild Collective', una plataforma orientada a dar voz a artistas y creadores de comunidades remotas o marginadas.

El fotógrafo extremeño prepara ahora nuevos proyectos relacionados con el impacto del cambio climático en comunidades indígenas del Amazonas y los Andes, así como una serie sobre la despoblación rural en Europa con especial atención a Extremadura. Bajo el título provisional de 'Cities with Memory', el trabajo pretende documentar cómo sobreviven la memoria y las tradiciones en territorios afectados por el abandono demográfico.

El triunfo de Michel Pedrero en los 35 AWARDS llega además en un momento de intenso debate sobre el papel de la inteligencia artificial en la creación visual. En un certamen que ya incorpora categorías específicas para imágenes generadas mediante IA, la victoria de una obra profundamente vinculada a la experiencia física, la convivencia y el viaje refuerza el valor del fotoperiodismo documental basado en la presencia humana sobre el terreno.

Con este reconocimiento internacional, el fotógrafo placentino sitúa su nombre entre los grandes referentes actuales del reportaje fotográfico y convierte su mirada nómada y humanista en una de las más destacadas del panorama visual contemporáneo. Su trabajo, construido desde la paciencia, la inmersión y el respeto hacia las comunidades retratadas, ha logrado conectar con audiencias de todo el mundo y colocar a Extremadura en el mapa internacional de la fotografía documental.

Una taza antigua, fotografías en blanco y negro, un botijo de barro o una muñeca. A simple vista son objetos cotidianos, pero guardan recuerdos importantes, la historia de una familia, la memoria de una generación que tuvo que abandonar su hogar para ser feliz en una nueva vida. Eso es lo que busca rescatar la fotógrafa Angélica Dass (Río de Janeiro, 1979) con su proyecto Museo Migrante Migrante, con el que, a partir de fotografías de los objetos y de sus dueños y audios de sus historias, recolecta relatos íntimos de migrantes de distintas generaciones. “Este proyecto propone una mirada alternativa a los relatos dominantes sobre la migración y busca compartir historias desde la dignidad, la escucha y la multiplicidad con el objetivo de visibilizar la diversidad de trayectorias migratorias”, destaca la artista durante su visita a Bilbao, donde a lo largo de toda la semana recopilará las historias de migrantes en Euskadi para su proyecto.

“Algo que me sorprendió tanto de Euskadi como de España en general es que no existe un museo de la inmigración, sí que hay algunos espacios dedicados, pero no un museo como tal”, reconoce. Por ello, su proyecto busca dar ese lugar a las historias de personas migrantes. “Mi historia migratoria empieza cuando mi país, Nicaragua, cae en una dictadura. Desde que vine a España he vivido en Donostia y, actualmente, en Bilbao”, escribe uno de los participantes dentro del contenedor marítimo reconvertido en archivo y ubicado en Itsasmuseum, para ofrecer una experiencia expositiva y comunitaria que recorrerá ciudades como Bilbao, Medina de Rioseco (Valladolid), Santander, Barcelona, Málaga y La Laguna (Santa Cruz de Tenerife) hasta el 18 de diciembre.

Sin embargo, Museo Migrante Migrante no busca solamente rescatar las historias y los objetos de personas que hayan migrado tras un largo viaje. A Dass le parece igual de significativo quien narra su historia tras un cambio de continente o de país, que de comunidad autónoma, provincia o incluso de pueblo. “Mi abuelo Juan y mi abuela Petra, uno dejó Nartzabal y la otra dejó Aztarbe [caseríos cercanos a la zona] y se fueron a Azkoitia”, narra otro de los participantes cuya familia se mudó a unos pocos kilómetros, del caserío familiar al pueblo, pero para quienes también supuso dejar muchas cosas atrás.

Ante la ausencia de una sede física permanente, el Museo Migrante Migrante, considerado un museo nacional dedicado a la migración, se articula principalmente a través de su plataforma digital: museomigrantemigrante.es. Así, el proyecto reside en la web multilingüe donde se digitalizan los retratos, audios y objetos recolectados. Este archivo digital permite que el museo siga creciendo de forma translocal y se convierta en un recurso educativo accesible a largo plazo, incluso cuando la instalación no se encuentre físicamente en la ciudad. “El archivo digital no es un complemento, sino el museo en sí: un espacio vivo, público y en constante crecimiento”, detalla la fotógrafa.

Por ello, la web se divide en tres ejes: el archivo, la educación y la comunidad. Ese archivo reúne retratos fotográficos, objetos y relatos vinculados a experiencias de migración. Se trata de un archivo abierto y participativo pensado para crecer incluso cuando el museo no está en movimiento, incorporando contribuciones de comunidades y dentros educativos a distancia. La parte educativa se basa en recursos adaptados para docentes, mediadores culturales y estudiantes de Arte. Y, por último, la comunidad, trabaja con agentes locales reforzando el vínculo entre el territorio y el archivo digital. “El Museo Migrante Migrante no termina cuando finaliza la acción presencial. El museo permanece en la web, conectando historias, territorios y generaciones y asegurando una vocación de largo recorrido del proyecto”, concluye.

La vida d’Allan Tannenbaum hauria estat diferent, potser, si no hagués viatjat fins a Eivissa amb una càmera a les alforges d’aquella Norton Commando que va comprar a Londres i que acabaria circulant pels carrers de Manhattan. Era l’estiu de 1970: la carrera d’aquest fotògraf –retratista de la contracultura de Nova York als setanta, periodista internacional als vuitanta i noranta, arxiver del seu propi banc d’imatges des de llavors– encara no havia començat. “Jo era un jove nord-americà, graduat en Belles Arts i amb moltes ganes de veure món, que viatjava a Europa per primera vegada i volia conèixer la Mediterrània. Aquella ruta amb moto que va acabar a Eivissa va ser molt important per a mi, efectivament. En els cercles universitaris dels Estats Units en què m’havia mogut es parlava força d’un lloc que, a diferència de Mallorca, encara no havia estat del tot espatllat pel turisme”, explica Tannenbaum, tot explicant per què va conduir mil cinc-cents quilòmetres cap al sud per embarcar-se cap a una illa que va donar un gir a la seva vida: “La setmana que hi vaig passar em va marcar molt, va ser l’inici de tot el que va venir després”.

Duu un bigoti espès, canós com el remolí de cabells que li creix a les celles i al cap: Tannenbaum es connecta a l’entrevista des d’una habitació decorada amb fotografies en blanc i negre. És el record d’una feina que no s’atura: manté perfils a les xarxes socials i continua sortint de casa amb una càmera penjada a l’espatlla. Per exemple, una Hasselblad analògica que va comprar per internet fa uns anys a un paio “de Kíiv”. Saluda en castellà –la mateixa llengua que fa servir per interrompre un minut la conversa amb una excusa de pes: “He de treure un peix que tinc al forn”–, tot i que demana de forma educada passar-se a l’anglès per parlar de fotografia, música i política. L’accent de Tannenbaum és nord-americà, sí, però sense exagerar. Des de fa una dècada, només viu a Nova York la meitat de l’any.

Ara el fotògraf és a Nazaré, Portugal. Davant l’onada més gran de l’oceà Atlàntic, la seua dona i ell passen els mesos més càlids, gaudeixen de la jubilació i aprofiten per recórrer amb cotxe la península Ibèrica: “Ens encanta Nerja, a Màlaga”. Amb vuitanta anys fets, el fotògraf sembla no haver perdut la pulsió que el va portar d’El Salvador a les Filipines o de Bagdad a Gaza, quan va documentar conflictes bèl·lics al final de la Guerra Freda. De fet, la seua maleta és preparada per tornar a marxar. Quan acabi l’entrevista amb elDiario.es, un taxi el recollirà per portar-lo a l’aeroport de Lisboa. Farà –una altra vegada– escala a Barcelona i tornarà a Eivissa: “Més de mig segle després, qui ho havia de dir”.

Un carret ple de moments únics 

El segon viatge a l’illa servirà, a més, per inaugurar la primera exposició que fa a Espanya. Contrast Ibiza el va convidar fa uns mesos i el fotògraf no s’ho va pensar. Com que la filosofia d’aquest festival, que ja suma sis edicions, és aprofundir en la història del rock-and-roll, l’obra de Tannenbaum s’adaptava a l’esdeveniment com si fos un guant. Als setanta va ser editor de fotografia de la revista SoHo Weekly News. Aquella feina li va permetre ser testimoni directe d’uns anys vibrants per a la indústria musical sense haver de sortir gairebé del seu barri novaiorquès. Gairebé tot passava en aquell racó de la Gran Poma. Alguns exemples en són prou il·lustratius:

James Brown fent un salt al mig d’una avinguda de Manhattan. Bruce Springsteen i Steven Van Zandt –guitarres enlaire– acompanyant un solo de saxo de Clarence Clemons. Muhammad Ali preparant la seva picada d’abella davant d’un mirall. Jack Nicholson repenjat en un sofà regalant a l’objectiu la més dura de les seues mirades. Patti Smith, angelical, esquinçant amb desgana una guitarra elèctrica mentre John Belushi li passa un braç per damunt de l’espatlla. Bob Marley –com calia esperar– amb jaqueta de xandall. El serrell de Joe Strummer guaitant per la finestreta d’un taxi groc. John Lennon i Yoko Ono passejant feliços per Central Park. Mick Jagger fent moltes coses –divertint-se a Studio 54 amb la seua esposa Bianca, agitant els braços com una oca a l’ombra d’un gratacel, deixant-se abraçar per Dolly Parton en un camerino, obrint la boca mentre comparteix una cigarreta i una copa amb la resta dels The Rolling Stones…– i cap d’elles sobri. O, simplement, la silueta urbana del downtown novaiorquès un solpost qualsevol.

El material que es mostra a la sala d’exposicions Sala Walter Benjamin és ple de moments únics. Però al carret de Tannenbaum també hi haurà una fotografia fora de lloc i, alhora, molt propera per al públic eivissenc. En aquella imatge hi apareixen cases de parets emblanquinades. És un carreró sense asfaltar. En primer terme, gairebé menjant-se l’objectiu, el morro d’una furgoneta Barreiros. A l’esquerra, d’esquena, un Renault L4 i, al costat dret, també d’esquena, un Escarabat de la casa Volkswagen. Tots els vehicles comparteixen matrícula: PM, Palma de Mallorca. Darrere la ferralla amuntegada s’entreveu una terrassa. Cadires i taules plenes de gent amb màniga curta. És un bar del qual penja un rètol: English Pub.

A l’Eivissa de 1970, l’Eivissa que va conèixer Allan Tannenbaum, les coses noves i les coses velles topaven sense remei.

–He triat aquesta imatge –explica el fotògraf– perquè m’agrada especialment. Transmet molt. Realment, l’illa era un lloc que semblava tret d’una altra època... i al mateix temps, tot era molt modern. La història d’Espanya no m’era aliena i, quan, després d’aturar-me a París i travessar França, vaig travessar els Pirineus, de nit, abans d’allotjar-me tres dies en una pensió de Les Rambles i agafar el vaixell per arribar a l’illa, sabia que entrava en un país sota una dictadura. El primer que em va cridar l’atenció van ser aquells capells de tres puntes que duia la Guàrdia Civil.

–El tricorni.

–Exacte! A Eivissa, veies les parelles de la Guàrdia Civil creuant-se amb aquells carros estirats per animals amb què encara es movien els habitants de l’illa. I, entremig, turistes com naltros.

Un àlbum hedonista

Abans de l’entrevista, Tannenbaum ha enviat algunes fotografies per WhatsApp per anar fent boca. És el seu àlbum eivissenc: dos al·lotes baixen amb bicicleta pel Portal de ses Taules, uns cossos nus es torren al terrat d’una casa, uns banyistes esmorzen amb els peus enfonsats a l’arena daurada de s’Aigua Blanca... Va utilitzar un objectiu de 50 mm, fixat a una càmera de la marca Mamiya Sekor. La tècnica i l’equip no són els que farà servir després, quan es converteixi en professional, però ja s’hi intueix una mirada documentalista en les seues postals mediterrànies. Dos anys abans d’aquella aventura iniciàtica, Tannenbaum havia congelat alguns moments d’una concentració antibel·licista a San Francisco amb una Miranda de 35 mm. Va ser la seva primera experiència com a fotògraf amateur. El Vietnam cremava i els jóvens als quals els seus pares podien pagar-ho escapaven del reclutament per evitar entrar en aquell escorxador. No pocs acabarien amagant-se a la serra de Tramuntana o als camps eivissencs. El còctel que vindria després és prou conegut: natura, amor lliure, LSD. El poder de les flors.

–Era cert el mite hippy o es va magnificar?

–Bé... La meua oportunitat de venir a l’illa va ser un amic que havia llogat una vila al camp, força lluny de la ciutat. Com que no tenia gaires diners, depenia bastant de la seua hospitalitat, així que vam passar una setmana prenent el sol, tocant la guitarra, banyant-nos en platges salvatges. Record que vaig pintar molt i vaig passar hores escrivint un diari. Per al visitant, aquella Eivissa era idíl·lica: tot estava ancorat en el passat i, al mateix temps, tot era molt lliure. Es respirava hedonisme i no calia sortir de festa per gaudir-ne.

–El 1970 encara no existien les discoteques, només alguns bars que punxaven vinils a Sant Antoni o al port de Vila. Ara, en canvi, hi ha desenes, potser centenars de llocs que podríem anomenar discoteques: a qualsevol restaurant de platja hi punxen música electrònica i ja han començat la temporada. T’animaries a fer una volta per la festa eivissenca? És un bon exercici antropològic.

Per al visitant, aquella Eivissa era idíl·lica: tot estava ancorat en el passat i, alhora, tot era molt lliure. Es respirava hedonisme i no calia sortir de festa per gaudir-ne

Allan Tannenbaum — Fotògraf

–[pensa uns segons] Potser ja soc una mica gran per a això... Saps què passa? Jo vaig viure una època d’efervescència al Soho. El barri es desindustrialitza, la ciutat no té ni cinc, els índexs de criminalitat són altíssims, el cost de la vida està per terra. Aleshores, moltíssimes ments brillants –escultors, pintors, poetes, músics– s’estableixen al mateix lloc i hi ha una explosió creativa. Jo la vaig poder fotografiar. Sent que vaig ser al lloc correcte en el moment indicat.

–La música disco, els inicis del rap, l’auge de la salsa com a gènere comercial: sembla que al Nova York de finals dels setanta tothom es passava el dia ballant. Va ser així?

–[somriu] Amb Tito Puente ens ho vam passar molt bé! Quins temps. Curiosament, crec que ja no queden llocs on la gent vagi només a ballar a prop d’altres persones. Als concerts, als jóvens ara pareix que els interessi més fer-se selfis o gravar vídeos per a les seves xarxes. No presten atenció al que veuen!

–Les xarxes socials i els mòbils han matat l’espontaneïtat amb què es comportaven els artistes a la vostra època... o és un altre mite que tenim els millennials?

–Jo crec que és veritat.

–Llavors, aquella famosa sessió que va fer amb John Lennon i Yoko Ono abraçant-se nus sota uns llençols blancs avui seria impensable. Sense anar més lluny: els fotògrafs tenen prohibit l’accés als concerts de Rosalía.

–Mira, jo no he tornat a Eivissa, però he intentat seguir tot el que ha anat passant a l’illa durant les darreres dècades a través de reportatges i documentals. Tot s’ha convertit en un negoci. Què va passar amb el Nova York dels setanta? El mateix. La ciutat mai no serà avorrida, però l'èxtasi d’aquella època ja no tornarà. Va desaparèixer.

–La culpa va ser dels yuppies que sortien en pel·lícules com Wall Street?

Va començar a haver-hi sous, les converses van canviar –es parlava d’actius i d’accions– i els espais encantadors es van convertir en una font d’ingressos. Vam viure de primera mà allò que després es va anomenar gentrificació i que s’ha estès per la resta del planeta. Alguns galeristes es van fer rics, però molts artistes van haver de marxar del barri. No podien pagar el lloguer. Aquells canvis, als noranta, es van fer profundíssims. Va ser llavors quan es va posar de moda gastar-se set-cents dòlars en una botella de xampany i presumir-ne. La imatge que tenc a la memòria per definir aquella època és la d’uns tipus encorbatats fumant un puro dins d’una limusina a la recerca de llums vermells. Però, llavors, jo ja em dedicava a una altra cosa.

A Nova York vam viure de primera mà la gentrificació. Alguns galeristes es van fer rics, però molts artistes van haver de marxar del barri. No podien pagar el lloguer. Aquells canvis, als noranta, es van fer profundíssims. La imatge que tinc a la memòria per definir aquella època és la d'uns homes amb vestit fumant-se un puro a bord d'una limusina a la recerca de llums vermelles

Allan Tannenbaum — Fotògraf

Dos dàcades cobrint conflictes

A finals dels setanta, el fotògraf estava saturat de les llums de Nova York. Havia passat massa nits fotografiant sota els focus de l’Studio 54, on a Diana Ross, Truman Capote o Jacqueline Kennedy Onassis se’ls feia de dia. Havia entrat centenars de vegades amb la càmera penjada a l’espatlla al seu local preferit: el Mad Club, on, segons explica, hi havia “menys postureig” que a la discoteca fetitxe d’Andy Warhol. “Necessitava un canvi”, explica. Un altre viatge –a Israel, el 1979– li’l concediria. Es va treure la caçadora de cuir i es va vestir amb roba de camuflatge. Va reorientar la seva carrera cap al periodisme internacional, es va ficar en embolics força menys pacífics que una gira d’una banda de rock. La Revolució Sandinista (1980-1990), la Primera Intifada (1987), la Primera Guerra del Golf o la caiguda de Kabul en mans dels talibans (1996) van ser alguns dels episodis que Tannenbaum va cobrir per a l’agència Sigma Photo News. “Ucraïna o l’Iran són paraules majors. És pitjor l’escena geopolítica ara que en aquells anys?”, es pregunta per respondre’s ell mateix: “No sé què dir. Malauradament, el món és un lloc boig i agressiu. Per això cal aferrar-se a l’esperança. Això és el que vam sentir a Sud-àfrica”.

Allan Tannenbaum no vol penjar sense parlar abans de l’apartheid. La primera vegada que va recórrer el país –1985– el supremacisme blanc era incontestable. Malgrat el bloqueig internacional. “He estat en diverses guerres, però crec que aquell és el context amb més violència que m’ha tocat viure. La repressió que vam poder documentar era terrible”, diu. Les seues fotografies van acabar en una carpeta que va portar el govern sud-africà –profundament anticomunista– a denegar-li el visat durant un lustre. No va ser fins al febrer de 1990 que va poder tornar a Ciutat del Cap, l’epicentre del poder bòer. Ja havia caigut el Mur de Berlín, l’URSS era al caire de la desaparició, les guerres iugoslaves encara no havien esclatat, i anaven a alliberar Nelson Mandela després de vint-i-set anys empresonat a Robben Island.

Allan Tannenbaum va ser vetat de Sud-àfrica durant cinc anys per les seves fotografies, que van acabar sent el pretext d'un govern profundament anticomunista

–Mandela transmetia la mateixa sensació davant la càmera que totes aquelles estrelles del rock que havies fotografiat abans?

–Era un tipus icònic, un símbol de llibertat per a tots els sud-africans que estaven oprimits. Quan el van alliberar, vaig sentir, com poques vegades, que aquell dia s’estava escrivint una pàgina de la Història. Crec que cal aferrar-se al que representen personatges com aquell.

És 12 de febrer de 1990, un dia després que el guerriller que va acabar apostant per la reconciliació pacífica a Sud-àfrica hagi sortit de la presó. Els Mandela –Nelson i Winnie, la seua esposa– estan asseguts a la part del darrere d’un cotxe que circula per una pista d’aeroport. Després d’haver-se reunit a Ciutat del Cap amb l’arquebisbe Desmond Tutu, volen cap a Johannesburg. Un eixam de càmeres els envolta. La finestreta baixa i un home d’uns quaranta-cinc anys –duu un bigoti espès, que ja canós, com el remolí de cabells que li creix a les celles i al cap– dibuixa un somriure d’orella a orella. Al fotoperiodista, en comptes de prémer el botó de la seva Canon, li surt de l’ànima estrènyer la mà del futur president de Sud-àfrica. Wim de Vos, un càmera neerlandès de la CBS, capta el moment.

Allan Tannenbaum sembla tenir tant d’afecte per aquella instantània sud-africana com per una altra imatge que enviarà després per correu electrònic. Vol que aparegui en aquest reportatge. A la fotografia, el fotògraf surt assegut, amb l’esquena lleugerament encorbada, al seient d’una Norton Commando comprada a Londres. Llueix un bigoti espès, negre com el remolí de cabells que li creix a les celles i al cap –el porta llarg, amb una estètica que recorda Frank Zappa– i el seu rostre pareix cansat. Mira a càmera, com si des d’aquells portals de Brooklyn estigués recordant-se d’Eivissa, l’illa on ha tardat cinquanta-cinc anys a tornar.

La vida de Allan Tannenbaum habría sido diferente, tal vez, si no hubiera viajado hasta Eivissa con una cámara en las alforjas de aquella Norton Commando que compró en Londres y terminaría rodando por las calles de Manhattan. Era el verano de 1970: la carrera de este fotógrafo –retratista de la contracultura de Nueva York en los setenta, periodista internacional en los ochenta y noventa, archivero de su propio banco de imágenes desde entonces– todavía no había comenzado. “Yo era un joven americano, graduado en Bellas Artes y con muchas ganas de ver mundo que viajaba a Europa por primera vez y quería conocer el Mediterráneo. Aquella ruta en moto que terminó en Ibiza fue muy importante para mí, en efecto. En los círculos universitarios de Estados Unidos en los que me había movido se hablaba bastante de un lugar que, a diferencia de Mallorca, todavía no había estropeado del todo el turismo”, cuenta Tannenbaum, explicando por qué condujo mil quinientos kilómetros hacia el sur para embarcarse hacia una isla que dio un giro a su vida: “La semana que pasé allí me marcó mucho, fue el inicio de todo lo que vino después”.

Luce un frondoso bigote, canoso como el remolino de pelo que le crece en las cejas y la cabeza: Tannenbaum se conecta a la entrevista desde una habitación decorada con fotografías en blanco y negro. Es el recuerdo de un trabajo que no cesa: mantiene perfiles en redes sociales y sigue saliendo de casa con una cámara al hombro. Por ejemplo, una Hasselblad analógica que compró por internet hace unos años a un señor “de Kiev”. Saluda en castellano –el mismo idioma que usa para interrumpir un minuto la charla con una excusa de peso: “Tengo que sacar un pescado que tengo en el horno”–, aunque pide cortésmente pasarse al inglés para conversar sobre fotografía, música, política. El acento de Tannenbaum es yanqui, sí, pero sin exagerar. Desde hace una década, sólo vive en Nueva York la mitad del año.

Ahora el fotógrafo está en Nazaré, Portugal. Frente a la ola más grande del Océano Atlántico, su mujer y él pasan los meses más cálidos, disfrutan de la jubilación, aprovechan para recorrer en coche la Península Ibérica: “Nos encanta Nerja, en Málaga”. Cumplidos los ochenta, el fotógrafo parece no haber perdido la pulsión que lo llevó de El Salvador a Filipinas o de Bagdad a Gaza, cuando documentó conflictos bélicos al final de la Guerra Fría. De hecho, su maleta está preparada para partir de nuevo. Cuando acabe la entrevista con elDiario.es, un taxi lo recogerá para llevarlo al aeropuerto de Lisboa. Hará –otra vez– escala en Barcelona y regresará a Eivissa: “Más de medio siglo después, quién lo diría”.

Un carrete repleto de momentos únicos 

El segundo viaje a la isla servirá, además, para inaugurar la primera exposición que realiza en España. Contrast Ibiza lo invitó hace unos meses y el fotógrafo no se lo pensó. Como la filosofía de este festival que ya suma seis ediciones es escarbar en la historia del rock and roll, la obra de Tannenbaum le iba al evento como anillo al dedo. En los setenta fue editor de fotografía de la revista SoHo Weekly News. Ese trabajo le permitió ser testigo directo de unos años vibrantes para la industria musical sin tener que salir apenas de su barrio neoyorquino. Casi todo sucedía en aquel rincón de la Gran Manzana. Valgan algunos ejemplos:

James Brown pegando un bote en medio de una avenida de Manhattan. Bruce Springsteen y Steve Van Zandt –guitarras al aire– acompañando un solo de saxo de Clerence Clemons. Muhammad Alí preparando su picadura de abeja frente a un espejo. Jack Nicholson repantingado en un sofá regalándole al objetivo la más dura de sus miradas. Una Patti Smith angelical rasgando con desgana una eléctrica mientras John Belushi le pasa un brazo por encima del hombro. Bob Marley –cómo no– en chaqueta de chándal. El flequillo de Joe Strummer asomando por la ventanilla de un taxi amarillo. John y Yoko, de paseo feliz por Central Park. Mick Jagger haciendo muchas cosas –jangueando en Studio 54 con su esposa Bianca, aleteando los brazos como un ganso a la sombra de un rascacielos, dejándose abrazar por Dolly Parton en un camerino, abriendo la boca mientras comparte un piti y un trago junto al resto de los Rolling Stones…– y ninguna sobrio. O, simplemente, el skyline del downtown neoyorquino un atardecer cualquiera.

El material que se muestra en la sala de exposiciones Walter Benjamin de Sant Antoni de Portmany está repleto de momentos únicos. Pero en el carrete de Tannenbaum habrá también una foto fuera de lugar y, al mismo tiempo, muy cercana para el público ibicenco. En esa imagen aparecen casas de paredes encaladas. Es una calla sin asfaltar. En primer plano, casi comiéndose el objetivo, el morro de una camioneta Barreiros. A su izquierda, de culo, un Renault L4 y, en el costado derecho, también de culo, un escarabajo de la casa Volkswagen. Todos los vehículos comparten matrícula: PM, Palma de Mallorca. Tras el amasijo de hierros se entrevé una terraza. Sillas y mesas llenas de gente en manga corta. Es un bar del que cuelga un letrero: English Pub.

En la Eivissa de 1970, la Eivissa que conoció Allan Tannenbaum, lo nuevo y lo viejo chocaban sin remedio.

–He elegido esa imagen –explica el fotógrafo– porque me gusta especialmente. Transmite mucho. Realmente, la isla era un lugar que parecía sacado de otra época… y al mismo tiempo, todo era muy moderno. La historia de España no me era ajena y, cuando, después de parar en París y atravesar Francia, crucé los Pirineos, de noche, antes de alojarme tres días en una pensión de Las Ramblas y coger el barco para llegar a la isla, sabía que entraba en un país bajo una dictadura. Lo primero que me llamó la atención fueron esos sombreros de tres picos que llevaba la Guardia Civil.

–El tricornio.

–¡Eso mismo! En Ibiza, veías a las parejas de la Guardia Civil cruzándose con aquellos carros tirados por animales en los que aún se movían los habitantes de la isla. Y, entre ellos, turistas como nosotros.

Un álbum hedonista

Antes de la entrevista, Tannenbaum ha enviado algunas fotografías por WhatsApp para ir abriendo boca. Es su álbum ibicenco: dos chicas descienden en bici por el Portal de ses Taules, unos cuerpos desnudos se tuestan en el tejado de una casa, unos bañistas almuerzan con los pies metidos en la arena dorada de s’Aigua Blanca... Utilizó un objetivo de 50 mm, fijo a un aparato de la marca Mamiya Sekor. La técnica y el equipo no son los que utilizará después, cuando se convierta en un profesional, pero ya se intuye una mirada documentalista en sus postales mediterráneas. Dos años antes de aquella aventura iniciática, Tannenbaum había congelado algunos momentos de una concentración antibélica en San Francisco con una Miranda de 35mm. Fue su primera experiencia como fotógrafo amateur. Ardía Vietnam y los jóvenes a quienes sus padres se lo podían costear escapaban del reclutamiento para entrar en aquel matadero. No pocos se acabarían ocultando en la Serra de Tramuntana o en los campos ibicencos. El cóctel que vendría después es de sobras conocido: naturaleza, amor libre, LSD. El poder de las flores.

–¿Era cierto el mito hippie o se magnificó?

–Bueno… Mi chance para venir a la isla fue un amigo que había alquilado una villa en el campo, bastante lejos de la ciudad. Como no tenía mucho dinero, dependía bastante de su hospitalidad, así que nos pasamos una semana tomando el sol, tocando la guitarra, bañándonos en playas salvajes. Recuerdo que pinté mucho y pasé horas escribiendo un diario. Para el visitante, aquella Eivissa era idílica: todo estaba anclado en el pasado y, al mismo tiempo, todo era muy libre. Se respiraba hedonismo y no hacía falta salir de fiesta para disfrutarlo.

–En 1970, todavía no existían las discotecas, sólo algunos bares que pinchaban vinilos en Sant Antoni o en el puerto de Vila. Ahora, en cambio, hay decenas, quizás cientos de lugares, que podríamos llamar discoteca: en cualquier restaurante de playa pinchan electrónica y ya han empezado la temporada. ¿Te animarías a dar una vuelta por la fiesta ibicenca? Es un buen ejercicio antropológico.

Para el visitante, aquella Eivissa era idílica: todo estaba anclado en el pasado y, al mismo tiempo, todo era muy libre. Se respiraba hedonismo y no hacía falta salir de fiesta para disfrutarlo

Allan Tannenbaum — Fotógrafo

–[piensa unos segundos] Quizás ya esté un poco mayor para eso… ¿Sabes qué pasa? Yo viví una época de efervescencia en el Soho. El barrio se desindustrializa, la ciudad no tiene un duro, los índices de criminalidad son altísimos, el coste de la vida está por los suelos. Entonces, muchísimas mentes brillantes –escultores, pintores, poetas, músicos– se establecen en el mismo lugar y hay una explosión creativa. Yo pude fotografiarlo. Siento que estuve en el lugar correcto en el momento indicado.

–La música disco, los inicios del rap, el auge de la salsa como género comercial: parece que en el Nueva York de finales de los setenta todo el mundo se la pasó bailando. ¿Sucedió así?

–[sonríe] ¡Con Tito Puente lo pasamos muy bien! Qué tiempos. Curiosamente, creo que ya no quedan lugares a los que la gente vaya sólo a bailar cerca de otras personas. En los conciertos, a los jóvenes ahora parece que les interese más sacarse selfies o grabar vídeos para sus redes. ¡No prestan atención a lo que ven!

–¿Las redes sociales y los móviles han matado la espontaneidad con la que se comportan los artistas en vuestra época… o es otro mito que tenemos los millennials?

–Yo creo que es cierto.

–Entonces, aquella famosa sesión que hizo con John Lennon y Yoko Ono abrazándose desnudos bajo unas sábanas blancas hoy sería impensable. Sin ir demasiado lejos: los fotógrafos están vetados en los conciertos de Rosalía.

–Mira, yo no he vuelto a Ibiza, pero he tratado de seguir todo lo que ha ido ocurriendo en la isla durante las últimas décadas a través de reportajes y documentales. Todo se ha convertido en un negocio. ¿Qué pasó con el Nueva York de los setenta? Lo mismo. La ciudad nunca será aburrida, pero el éxtasis de esa época ya no volverá. Desapareció.

–¿La culpa fue de los yuppies que salían en películas como Wall Street?

–Empezó a haber dinero, las conversaciones cambiaron –se hablaba de activos y de acciones– y los espacios adorables se convirtieron en una fuente de ingresos. Vivimos de primera mano lo que luego se llamó gentrificación y se ha extendido por el resto del planeta. Algunos galeristas se hicieron ricos, pero muchos artistas tuvieron que marcharse del barrio. No podían pagar el alquiler. Aquellos cambios, en los noventa, se hicieron profundísimos. Fue entonces cuando se puso de moda gastarse setecientos dólares en una botella de champán y presumir de ello. La imagen que tengo en la memoria para definir esa época es la de unos tipos trajeados fumándose un puro a bordo de una limusina en busca de luces rojas. Pero, para entonces, yo ya me dedicaba a otra cosa.

En Nueva York vivimos de primera mano la gentrificación. Algunos galeristas se hicieron ricos, pero muchos artistas tuvieron que marcharse del barrio. No podían pagar el alquiler. Aquellos cambios, en los noventa, se hicieron profundísimos. La imagen que tengo en la memoria para definir esa época es la de unos tipos trajeados fumándose un puro a bordo de una limusina en busca de luces rojas

Allan Tannenbaum — Fotógrafo

Dos décadas cubriendo conflictos

A finales de los setenta, el fotógrafo estaba colapsado por las luces de Nueva York. Había pasado demasiadas noches fotografiando bajo los focos del Studio54 donde a Diana Ross, Truman Capote o Jacqueline Onassis se les hacía de día. Había entrado cientos de veces con la cámara al hombro en su garito preferido: el Mad Club, donde según cuenta, había “menos postureo” que en la discoteca fetiche de Andy Warhol. “Necesitaba un cambio”, explica. Otro viaje –a Israel, en 1979– se lo concedería. Se quitó la chupa de cuero y se vistió con ropa de camuflaje. Reorientó su carrera al periodismo de larga distancia, se metió en meollos bastante menos pacíficos que una gira de una banda de rock. La Revolución Sandinista (1980-1990), la Primera Intifada (1987), la Primera Guerra del Golfo (1990-1991) o la caída de Kabul en manos de los talibanes (1996) fueron algunos de los episodios que Tannenbaum reporteó para la agencia Sigma Photo News. “Ucrania o Irán son palabras mayores. ¿Está peor la escena geopolítica ahora que entonces?”, se pregunta para responderse a sí mismo: “Pues no sé qué decir. Por desgracia, el mundo es un lugar loco y agresivo. Por eso, hay que aferrarse a la esperanza. Eso fue lo que sentimos en Sudáfrica”.

Allan Tannenbaum no quiere colgar sin hablar antes del apartheid. La primera vez que recorrió el país –1985– el supremacismo blanco resultaba incontestable. Pese al bloqueo internacional. “He estado en varias guerras, pero creo que aquel es el contexto con más violencia que me ha tocado vivir. La represión que pudimos documentar era terrible”, dice. Sus fotografías acabaron en una carpeta que el gobierno sudafricano –profundamente anticomunista– llevó a denegarle el visado durante un lustro. No fue hasta febrero de 1990 cuando pudo volver a Ciudad del Cabo, el epicentro del poder boer. Ya había caído el Muro de Berlín, la URSS estaba al borde de la desaparición, las guerras yugoslavas aún no se habían desatado, iban a liberar a Mandela después de veintisiete años preso en Robben Island.

Allan Tannenbaum estuvo un lustro vetado de Sudáfrica por sus fotografías, que acabaron siendo el pretexto de un gobierno profundamente anticomunista

–¿Mandela desprendía la misma sensación delante de la cámara que todas esas estrellas del rock a las que habías fotografiado antes?

–Era un tipo icónico, un símbolo de libertad para todos los sudafricanos que estaban oprimidos. Cuando lo liberaron, yo sentí, como pocas veces, que aquel día se estaba escribiendo una página de la Historia. Creo que hay que agarrarse a lo que representan personajes como aquel. 

Es 12 de febrero de 1990, un día después de que el guerrillero que acabó apostando por la reconciliación pacífica en Sudáfrica haya salido de la cárcel. Los Mandela –Nelson y Winnie, su esposa– están sentados en la parte de atrás de un coche que circula por una pista de aeropuerto. Después de haberse reunido en Ciudad del Cabo con el arzobispo Desmond Tutu, vuelan hacia Johannesburgo. Un enjambre de cámaras los rodean. La ventanilla se baja y un tipo en sus cuarenta y cinco –luce un bigote frondoso, que ya canea, como el remolino de pelo que le crece en las cejas y la cabeza– dibuja una sonrisa de oreja a oreja. Al fotoperiodista, en vez de apretar el botón de su Canon, le sale del alma estrechar la mano al futuro presidente de Sudáfrica. Wim de Vos, un camarógrafo neerlandés de la CBS, capta el momento. 

Allan Tannenbaum parece tenerle tanto cariño a esa instantánea sudafricana como a otra imagen que enviará después por correo electrónico. Quiere que aparezca en este reportaje. En la fotografía, el fotógrafo aparece sentado, la espalda ligeramente encorvada, en el asiento de una Norton Commando comprada en Londres. Luce un frondoso bigote, negro como el remolino de pelo que le crece en las cejas y la cabeza –lo lleva largo, con un look que recuerda a Frank Zappa– y su rostro parece cansado. Mira a cámara, como si desde esos portales de Brooklyn estuviera acordándose de Eivissa, la isla a la que ha tardado cincuenta y cinco años en regresar.

La edición andaluza de elDiario.es vuelve a premiar a quienes mejor logren captar con su cámara la esencia de Andalucía a través de su gente. Por eso, la cuarta edición del concurso de fotografía en Instagram #GentedeAndalucía2026 ofrece la oportunidad de optar a grandes premios y de formar parte de una exposición colectiva que tendrá lugar en la Fundación Cajasol, en pleno corazón de Sevilla.

En esta ocasión, el ganador del primer premio se llevará una cámara instantánea Fujifilm instax mini 99 (o similar) con kit de películas, para que pueda seguir explorando su mirada creativa y capturando momentos en formato instantáneo desde el minuto uno.

El segundo y tercer premio recibirán un cheque regalo de El Corte Inglés, por valor de 200 y 100 euros, respectivamente. Además, los autores de las mejores fotografías verán sus creaciones expuestas en las paredes de la Fundación Cajasol, luciendo en gran formato.

Requisitos para participar 

El plazo para participar permanecerá abierto hasta el 30 de septiembre. En cuanto a los requisitos que hay que cumplir, conviene recordar que cada concursante podrá participar con un máximo de 5 imágenes. Todas ellas han de contener referencias humanas (ya sean rostros, multitudes, sombras, siluetas...) y ser de nueva creación. Es decir, no pueden haberse tomado ni publicado con anterioridad a la fecha de inicio del concurso (24 de marzo).

Recuerda que las fotografías que registren mayor número de 'me gustas' tendrán más posibilidades de quedar entre las seleccionadas, pero la decisión última estará en manos de un jurado experto formado por cuatro fotógrafos expertos, que valorará la creatividad, la originalidad y la calidad técnica de las obras.

Aprovecha los meses de primavera para salir a la calle a retratar las tradiciones y emociones que se viven en cada rincón de Andalucía, desde una mirada original. Asegúrate de cumplir todos los requisitos revisando los detalles de las bases del concurso en este enlace.

Cuenca no sabía qué era un parque de bolas hasta que la madre de Carlota Visier abrió uno allí a mediados de los años noventa. A partir de entonces, aquel espacio lleno de colorines se convirtió en el escenario principal de su infancia.

Mientras otros niños acudían de forma puntual a celebrar cumpleaños, o a ser custodiados mientras sus padres hacían sus cosas, ella pasaba allí muchas horas al día, en invierno y en verano, haciendo cotidiano lo especial, disfrutando de algo parecido a la celebridad por ser “la hija de la dueña” y encontrando también momentos de recogimiento en medio de las multitudes.

Aquella experiencia, tan llamativa para la mayoría que crecimos en aquellos años, a la vez que reconocible en muchos de sus matices, fue tomando, con el tiempo, forma como obra artística. 

“Tengo muchísimas fotografías de mi vida desde incluso antes de nacer. Mi madre me hizo un cuaderno en el que me contaba cómo me iba a llamar, cuando se casó con mi padre, etc. Antes de ser un proyecto yo ya estaba siendo pensada. Y hacía tiempo que quería sacar adelante un proyecto con ese material”, explica Visier. “Además, tengo una editorial que combina mucho las fotos de archivo y la literatura. Tenía las fotos, la historia, la editorial… Así que decidí que iba a publicar un libro contándolo”.

El resultado fue An only child (Ediciones Comisura, 2024), un fotolibro que “reflexiona sobre la soledad en la infancia, porque soy hija única, y ese contraste de la soledad rodeada de gente. Además, claro, el escenario del parque infantil era increíble y es verdad que cuando eres hija de una persona que tiene un negocio, pues siempre estás ahí un poco. Si es un bar, pues en el bar, si es un parque de bolas, pues en medio de los cumpleaños”.

El salto a la novela llegó después, en gran parte gracias a la editora Andrea Toribio de Temas de Hoy, que al conocer aquel primer proyecto vio en él un potencial mayor. “Que alguien me propusiera algo así en un sello grande me dio un poco de pánico”, reconoce la autora. Aun así, decidió asumir el reto. “Lo pensé poco porque me fío mucho de Andrea y confío plenamente en ella. Pensé que podría ser una oportunidad”.

El resultado es Hija única (Temas de hoy, 2026), una novela que recoge ese punto de partida autobiográfico y lo expande a través de la ficción. A partir de la infancia de Irasema, una niña que tiene muchos paralelismos con ella, Visier construye un relato que aborda también qué significaba ser niña en los noventa y la relación profunda, compleja y decisiva que se establece con su madre.

“Escribir Hija única ha supuesto salir de mi zona de confort. Inventar, crear ficciones, editar los propios archivos familiares… Ha sido un poco montar un gran puzle más complejo con todo lo que quería contar, ya que en un libro caben muchos temas”, sostiene la autora, que inscribe su libro en un movimiento literario más amplio que en su opinión busca “no hablar de la infancia como un paraíso perdido, sino más bien como todo lo contrario. Siendo más realistas, contar las cosas desde miradas que hasta ahora no se habían visto. Pienso, por ejemplo, en Andrea Abreu, Elisa Victoria o Lana Corujo”.

La autora inscribe su libro en un movimiento literario más amplio que en su opinión busca 'no hablar de la infancia como un paraíso perdido', sino más bien como todo lo contrario. Siendo más realistas, contar las cosas desde miradas que hasta ahora no se habían visto

La madre como centro

Pero aunque, como decíamos, la protagonista de Hija única es Irasema, una niña de Cuenca, la auténtica factótum del relato es su madre, de la que nunca conocemos el nombre. Sin ella, la historia no existiría.

La madre es quien crea el espacio en el que todo sucede, el parque recreativo Party Fan, quien documenta cada etapa de la vida de su hija, llegando a dedicar una habitación entera de la casa a guardar fotos, recuerdos y demás memorabilia de su propia hija. La madre es quien, en definitiva, da forma al universo que sostiene toda la narración.

Preguntada por esto, la autora afirma: “Las hijas únicas tenemos un vínculo fuerte con la madre”, y reconoce que uno de los grandes objetivos de la novela era “explorar la unión de una hija con una madre famosa, aunque sea a nivel local, una madre protagonista que archiva la vida de la hija que es su foco y su centro, pero al mismo tiempo, pues tiene una vida de mujer trabajadora y es una madre de los 90, con todo lo que eso implicó en ese momento”.

“Me interesaba mucho que el personaje de la madre fuera protagonista por esta relación y porque de verdad quería mostrar cómo era tener un negocio y una familia en esa época”, explica Visier. “Me parece una proeza admirable cómo montó de la nada un parque de ocio infantil que no existía en mi ciudad. Luego, claro está, como toda historia, tiene sus claroscuros”.

Me interesaba mucho que el personaje de la madre fuera protagonista por esta relación y porque de verdad quería mostrar cómo era tener un negocio y una familia en esa época

La madre también es la responsable del archivo de Irasema. La persona que documenta, guarda, clasifica. “Todo ese archivo es bastante real. Mi madre guarda muchas cosas de mi infancia: el sobre con el pelo que me cortaron la primera vez que fui a la peluquería, utensilios de cuando era bebé, el frasco de la primera vacuna, incluso botes de gel vacíos de hace más de treinta años. Todo se ha conservado casi intacto”. 

También hay decenas de álbumes de fotos, claro, “incluso algunos pequeños que hizo para que me los llevara cuando me fuera de casa”, recuerda. “Mi madre archivó todos mis recuerdos para dejar claro que fui una hija muy querida, pasase lo que pasase, incluso si ella faltaba. Ese archivo no es solo un símbolo de amor, sino una forma de decir que todo lo que tiene que ver conmigo es importante y merece ser conservado. De alguna manera, yo era su proyecto, y guardar cada cosa formaba parte del mismo”.

Ser observada, convertirse en recuerdo

Uno de los elementos más singulares del libro es precisamente ese archivo y la sensación de la autora y la protagonista de haber sido constantemente observada y archivada. 

Pero la conciencia de la singularidad de la historia y de ese extraordinario archivo no surgió de inmediato. Sino que apareció cuando Carlota empezó a compartir su historia con otros. “Empecé a contarlo casi sin darle importancia, como una anécdota más de mi infancia, pero al compartirlo con gente de mi entorno vi que generaba mucha curiosidad”, recuerda. “Cuando venía gente a casa y les enseñaba fotos y recuerdos, su reacción de asombro me hizo darme cuenta de que aquello no era tan ordinario como yo pensaba. Ahí hice clic”. 

A partir de ahí, el archivo adquirió un nuevo significado. “Empecé a mirar mi propia historia de otra manera, a revisar lo que había en casa de mis padres y a reflexionar sobre lo que implica tener una vida tan documentada. No solo en fotos o cuadernos, sino en todo tipo de materiales: vídeos caseros, cintas, informes, incluso en objetos aparentemente insignificantes”.

Nostalgia y generación

Más allá de la historia personal, o precisamente por ella, Hija única conecta de forma directa con quienes crecieron en los años noventa. Es casi inevitable para los que forman parte de esa generación sentir cierta nostalgia. Un término que en los últimos años no ha tenido muy buena prensa.

Para Visier la nostalgia ha sido, en este caso, un motor de creatividad. “En el sentido de que a mí me interesa todo lo antiguo”, apunta. “Me atraen sin poder evitarlo las fotos de los rastrillos, los objetos antiguos… Hay algo en los recuerdos que encarnan las cosas que me interesa mucho como escritora”.

“Diría, incluso”, añade la autora, “que cualquier tiempo pasado sí fue mejor. Obviamente no pienso eso a niveles sociales, políticos o de derechos, pero sí que creo que al haber crecido en los 90 hemos sido la última generación en haber conocido el ocio material y el coleccionismo. Hemos sido los últimos que hemos coleccionado fascículos del quiosco, que guardábamos los regalos de los huevos Kinder, que leíamos las mismas revistas, veíamos los mismos programas de televisión o bailábamos la misma canción del verano. En ese sentido, creo que la nostalgia del libro es bonita porque esa época marcó un final y el principio de otra cosa”.

Creo que los crecidos en los 90 hemos sido la última generación en haber conocido el ocio material y el coleccionismo

Aun así, esa evocación no implica idealización. Mientras escribía el libro, Visier también se enfrentó a las limitaciones de ese contexto. “También había muchos problemas: conflictos sobre qué te tenía que gustar, cómo tenías que ser físicamente, los cánones de belleza… Yo lo estoy idealizando un poco porque me he metido en la visión de la niña, en lo que está viendo y sintiendo, pero idealización poca”, añade. 

El proceso de escritura de Hija única ha sido, en sí mismo, una forma de ordenar y entender su propia historia. “Este libro ha sido un proceso largo, de años”, reconoce. “Al principio todo estaba disperso, en cuadernos o en mi cabeza, y fue al ponerme en serio cuando reuní el material y le di forma”, explica. 

Escribir esta historia fue también revelador en el sentido de que la autora descubrió que algunos rasgos de su carácter se derivan directamente de aquellos años. “Se me da muy bien tratar con niños y adolescentes, fui profesora durante años, y creo que tiene que ver con ese entorno”, afirma. “Me ha quedado, además, una especie de impulso por hacer que la gente se lo pase bien, por pensar en cómo entretener o sorprender. Es como un pequeño sentido del espectáculo que llevo dentro”. Desde luego, con este libro lo consigue.

La de Lee Miller (Nueva York, 1907) es una de esas vidas que superan la ficción. Desde niña, estuvo familiarizada con posar ante el objetivo de una cámara. Su padre, ingeniero y fotógrafo aficionado, la retrató desde que nació hasta que se convirtió en adulta. Fue precisamente esa pasión de su padre la que hizo que su interés por la fotografía se fuera gestando.

Con 18 años, le pidió a su padre hacer un viaje de estudios a París, una experiencia que la marcó profundamente por la enorme vida cultural, artística e intelectual que había en la capital francesa. A su regreso a Nueva York, en 1926, tuvo un encuentro casual con el fundador de Vogue, Condé Nast. El hombre quedó fascinado con la belleza de Miller, a quien inmediatamente invitó a posar para su revista.

Durante un par de años, Lee se convirtió en una de las modelos más solicitadas en Nueva York, posando para algunos de los fotógrafos más destacados de la época. Pero la joven seguía soñando con ser ella quien se colocaba detrás de la cámara. En 1929, se trasladó a París con la intención de convertirse en aprendiz de Man Ray, con quien acabó teniendo una relación sentimental.

De modelo a corresponsal de guerra

El estallido de la Segunda Guerra Mundial supuso un nuevo giro de guion en la vida de Miller, que entonces se instaló en Londres. Allí empezó a colaborar como fotoperiodista para Vogue publicando reportajes sobre el impacto del conflicto en la vida de las mujeres, pero el avance de la contienda volvió a sorprenderla. De las fotografías de estudio, pasó a hacer reportajes sobre el terreno.

Así, se convirtió en una de las cuatro únicas fotógrafas acreditadas como corresponsales de guerra oficiales de las fuerzas armadas estadounidenses. Miller llegó a Normandía en julio de 1944, un mes después de que los Aliados lanzaran su invasión a la Europa ocupada por los nazis. Empezaba entonces su andadura como fotógrafa de guerra.

En aquella época, documentó varios momentos históricos como la Liberación de París o las consecuencias del Día D. También fotografió las ruinas de ciudades destruidas en toda Europa y el horror de los campos de concentración de los nazis. De hecho, algunos de sus trabajos más reconocidos los hizo en los campos de Buchenwald y Dachau, en abril de 1945. 

Fue ese mismo año en el que protagonizó uno de sus retratos más icónicos. Lee y su compañero David E. Scherman, fotógrafo de la revista Life, se colaron en el apartamento que Adolf Hitler tenía en Múnich el mismo día que el dictador alemán decidió quitarse la vida en Berlín. “Durante años he llevado la dirección de Hitler en Múnich en el bolsillo y por fin he tenido la oportunidad de usarla. Pero mi anfitrión no estaba en casa. Hice algunas fotos del lugar y dormí bastante bien en la cama de Hitler”, señaló tiempo después. 

Lee Miller nunca contó a su familia todo el trabajo que hizo en la guerra. Semanas después de su fallecimiento, fue su nuera Suzanna quien encontró de casualidad miles de negativos acumulados en cajas en una buhardilla. Anthony Penrose, su único hijo, decidió entonces catalogar toda la obra de su madre sin saber que esta había sido una de las fotógrafas más importantes del siglo XX.

El frío de Cantabria no es como el de Lima, la capital de Perú. Es un frío que muerde y que pone la piel de gallina. Maribel lo sabe. Sale de casa temprano todos los días. Camina, cada mañana, hacia la estación de tren de Torrelavega, desde donde viaja hasta las proximidades del barrio de Adarzo, en Santander, donde estudia. A partir de ahí son 20 minutos entre el tren y el aula, un paisaje abierto, húmedo, castigado por el viento. Las ramas de los árboles se agitan con violencia. Uno de ellos llama especialmente la atención de Maribel: lo ve desnudo, golpeado por el aire, pero firme. Se mira a sí misma: una mujer de 54 años, resiliente ante los cambios de ciclo.

Maribel, que prefiere no dar su apellido, es una de las dos personas que han contado, a través de cuatro fotografías, su experiencia como migrante en el sistema educativo español: una papelera que simboliza una jaula mental; un árbol, que representa la resiliencia frente al cambio; sus hijos, que encarnan su amor más grande; y finalmente, un amanecer, que ilustra la esperanza de un nuevo comienzo. La exposición tuvo lugar recientemente durante el IV Encuentro de Agentes Educativos para la Transformación Social en la Universidad de Cantabria.

Maribel migró a los 53 años. Pero migrar a esa edad no es solo mudarse; es apartarse de un camino construido durante una vida entera. Maribel es esposa y madre de tres hijos. En Perú, a casi 9.500 kilómetros de distancia de su hogar actual, su familia es de clase media: una etiqueta ambigua, pero que allá aseguraba cierta estabilidad. En Cantabria, la situación es completamente diferente: hay veces que es ella quien escucha los ánimos de su hija Marilia. “Por momentos me he sentido como la hija de mi hija”, confiesa con su voz gentil. 

Maribel ha tenido a España en su horizonte desde 2018, cuando su hija mayor, la mencionada Marilia, se mudó en busca de un nuevo comienzo. Pero no fue hasta 2021 cuando cruzó por primera vez el Atlántico para celebrar la boda de su hija en Santander. Por esos años, la idea de mudarse no era más que una ilusión lejana. El verdadero impulso llegó tres años después, en un viaje familiar en el que Maribel y Mateo, su hijo menor, entonces a punto de graduarse del Bachillerato, visitaron a Marilia. 

“Ese viaje lo cambió todo –relata Maribel–, ahí fue cuando mi hijo decidió que él también quería vivir en España”. Marilia les mostró su vida a su hermano y a su madre. Les presentó con entusiasmo una alternativa llena de nuevas posibilidades para ambos, que enamoró de lleno a Mateo del potencial futuro en Europa, y que despertó en Maribel la posibilidad de estudiar. Ese camino que ella siempre había querido seguir y al que puso en pausa tantos años antes para dedicarse a sus hijos. 

La sola idea sacudió por completo a la familia de vuelta en Perú, cuya situación económica chocaba en seco con las ilusiones de Mateo. Para una familia de clase media en Lima, financiar unos estudios en Europa se escapa de las manos. No solo se trataba de dinero: Mateo arrastra desde niño un problema neurológico que requiere controles y tratamientos costosos, difíciles de sostener en su país. Por eso, como familia, entendieron que si él venía, alguien tenía que acompañarlo. Maribel lo haría.

El proceso no fue nada fácil. La vía de entrada en España para madre e hijo por igual es a través del estudio, que si bien es algo que ella siempre había querido retomar, es un procedimiento complejo. Maribel confiesa no haberse dado cuenta de la magnitud de su decisión hasta llegar a España. “Una cosa es pensarlo, otra muy diferente es hacerlo realidad”, dice. Hoy, además, su historia se cruza con el proceso extraordinario de regularización que el Gobierno ha puesto en marcha para personas ya residentes en España. Para ella, esa vía es la posibilidad de que el proyecto no quede suspendido en el aire.

Su nuevo comienzo en España tiene un nombre técnico: Grado Superior de Servicio en Restauración. De un día para otro, Maribel pasó de administrar su hogar en Lima a tomar apuntes sobre protocolos de servicio en Santander. En sus primeros días de clase, Maribel sentía un “muro”, entre ella y sus compañeros. Era la mayor de todos, rodeada de gente mucho más joven cuyos hábitos de estudio estaban más frescos. El pasar de los meses no hacía las cosas más sencillas: el frío del invierno arreciaba y los libros de estudio pesaban más. La idea de rendirse crecía cada día como una sombra que oscurecía sus pensamientos.

Fue por esos días de principios de enero cuando Maribel estaba más sumida en la que describe como su experiencia más difícil. Fue una crisis silenciosa. Decidió sobrellevarla sola para no trasladar la angustia a sus hijos, aunque Mateo, que es quien vive con ella, sí alcanzó a notar que algo no estaba del todo bien. Se sentía encerrada y contenida, como dentro de una jaula. Durante su crisis, el apoyo de su familia, y especialmente de su esposo, fue clave para darse cuenta de que tenía que de alguna manera encontrar una salida para escapar de su jaula: “Eso es lo que simboliza la puerta, la decisión de salir adelante”. Fue precisamente esto lo que enmarcó en la primera de sus cuatro fotografías para la exposición:

La Jaula

“Cuando las palabras se convierten en tormentas, solo una decisión lo cambiará”.

En su caminata de todos los días, entre el tren y el aula de clases, Maribel tiene 20 minutos muy suyos. Es un camino que le ayuda a pensar como ningún otro, y fue precisamente ahí donde encontró su segundo símbolo: su árbol. “Era pleno invierno y el árbol no tenía ya hojas”, relata. Con el paso de los días, no solo perdió el follaje, sino que las ramas empezaron a quebrarse y a quedar tiradas en el suelo.

“Me daba nostalgia, me sentía reflejada en él. Yo lo veía resiliente y firme frente al cambio, golpeado y cambiado, pero fuerte”. Ella también se sentía golpeada por el cambio de país, de clima y de rol social. La segunda fotografía de su serie captura ese proceso que vivió en invierno: la resiliencia de mantenerse firme frente a los cambios de ciclo.

Resiliencia

“Aún estoy aquí de pie”.

El viaje de Maribel ha sido uno de subidas y bajadas, pero que no puede entenderse en ningún momento sin la presencia y el apoyo de su familia. Para una mujer que durante décadas fue el eje central de un hogar en Lima, la migración ha supuesto un enorme cambio de rol: aprender a ser sostenida por quienes ella siempre sostuvo. Los esfuerzos conjuntos de su familia permiten las condiciones para que ella, cuando ya ha cumplido 54 años, pueda sentarse en un aula en Santander.

El primero de los factores en esta ecuación compleja es Mateo. Con 21 años y una condición de paciente de neurocirugía, es el compañero más cercano de Maribel, el único miembro de su familia que vive bajo su mismo techo actualmente. Ambos estudiantes: Mateo estudia mientras Maribel estudia.

También en Santander está Marilia, la hija mayor, que con 34 años a sus espaldas es quien ejerce de guía y de soporte para su propia madre. Es ella quien empujó en un principio tanto a Maribel como a Mateo a dar el gran paso, y es ella –junto con su familia en Santander– quien los ayuda a mantenerse a flote. “Ella me dice que yo puedo, que hay muchas personas que empiezan a estudiar mayores: me da la fuerza que a veces se me agota”, reconoce la madre.

Al otro lado del Atlántico, a través de la tecnología, Marcio, su hijo de 30 años, la ayuda con las materias desde Perú. Él le brinda a su madre un apoyo muy grande con sus estudios, explicándole las materias que ella ahora debe dominar.

Y al fondo, sosteniéndolo todo desde Lima, está su esposo. Él también se plantea migrar en un futuro cercano, pero que por ahora es el anclaje que permite que la mitad de su familia esté en otro continente buscando mejorar su futuro. Tras estos meses, Maribel dice estar “profundamente agradecida” con su esposo. “Son estos momentos cuando más se valora el apoyo tan fuerte que nos da”.

Esta red de afectos y esfuerzos coordinados es lo que Maribel quiso capturar en la tercera fotografía de su serie.

Aprendizaje

“Muchas veces me equivoqué, caí y volví a levantarme”.

Cuando el clima —el de fuera y el de dentro— empezó a dar algo de tregua, Maribel encontró en un amanecer de primavera su cuarta y última fotografía. “Para mí el mensaje de la naturaleza fue muy claro: siempre hay un día nuevo, un mañana para volver a empezar y ser mejor que ayer, así sea en lo más mínimo”.

Con esta última fotografía que Maribel decidió titular 'Esperanza', la madre cerró un proyecto en el que había diseñado durante semanas. Sus hijos no sabían del trabajo de su madre, y durante la presentación en la Universidad de Cantabria se llevaron la sorpresa, que los conmovió hasta las lágrimas.

Esperanza

“Alegras mi día de seguir caminando”.

El proceso de Maribel no ha llegado a ninguna meta definitiva. Hoy dice sentirse adaptada en un 70 u 80%, un porcentaje honesto que deja un margen generoso para la duda. A pesar de las risas que ahora comparte en clase, la distancia con su hijo y con su esposo sigue doliendo. A esto se suma el “ruido de fondo”: esas conversaciones que escucha ocasionalmente, donde se habla de la inmigración de manera despectiva. “Es imposible no sentirse aludida”, confiesa.

Sin embargo, su proceso le ha enseñado a desprenderse de sus ataduras: “Ya no me siento arraigada a ningún lugar”, dice con una seguridad nueva. Maribel ya no solo busca sobrevivir; ahora busca graduarse, trabajar y, si el destino lo pide, volver a mudarse. Con sus hijos encaminados y el apoyo de su esposo —ese pilar que sostiene su ausencia desde Lima y que, quién sabe, quizás en un futuro migre también—, se siente lista para abrazar una segunda etapa marcada por su libertad y crecimiento.

Como síntesis de todo este tránsito, Maribel elige una última imagen que lo engloba todo. “Esta no forma parte del reportaje, pero en ella caben todos los sentimientos que he experimentado”, destaca. Es la imagen que encabeza este reportaje.

“Se trata de marcar con valentía el rumbo necesario para impulsar, en el sentido del proyecto Peironcely 10, la realización de un Centro Robert Capa impulsado por la ciudadanía”. Es la frase que resume la petición enviada por la delegada de Cultura del Ayuntamiento de Leipzig (Alemania), Skadi Jennicke, a su homóloga en Madrid, Marta Rivera de la Cruz.

El escrito plantea al Ayuntamiento que lidera José Luis Martínez-Almeida instaurar un espacio de memoria en esta zona de Entrevías que recoja el espírituo de la Capa Haus, una instalación museística sobre la obra del fotógrafo húngaro instalada en el mismo lugar de la urbe alemana donde tomó la famosa instantánea Fotografía del último hombre en morir. Una poderosa imagen, tanto como la que Capa captó durante los bombardeos del bando franquista en lo que hoy es Entrevías durante la Guerra Civil. Una casa arrasada por las bombas ante la indefensión de la infancia, convertida ya en Lugar de Memoria Democrática.

“A través de impresionantes imágenes, Capa retrató la liberación de Leipzig del fascismo en abril de 1945. Al mismo tiempo, puso de manifiesto el alto precio que no solo Alemania tuvo que pagar por recuperar la libertad y la democracia. Ya en 1936, nueve años antes, documentó las consecuencias de los bombardeos fascistas sobre la población civil republicana de Madrid. Tanto en Leipzig como en Madrid son ciudadanos comprometidos los que abogan por la conservación de lugares de importancia histórica”, expone el documento.

“En Leipzig, en el barrio de Lindenau, en un edificio donde tuvieron lugar los acontecimientos de 1945, surgió un ejemplo destacado de la cultura europea de la memoria. En estrecha colaboración entre iniciativas de la sociedad civil y el Museo de Historia de la Ciudad se desarrolló un concepto visionario consolidad como lugar de reflexión crítica sobre la historia y, al mismo tiempo, como centro de encuentro vivo con alta calidad de estancia e impacto público”, prosigue Jennicke. “Una resolución del Ayuntamiento, respaldada por todos los partidos, reafirmó y consolidó este proyecto. Hoy en día, la Capa Haus atrae cada año a miles de visitantes de todo el mundo; precisamente gracias a su coherente perfil en materia de cultura de la memoria, se ha convertido en un importante punto de referencia turístico”.

Para la responsable de Cultura de la ciudad centroeuropea, “igualmente auténtico es el de Peironcely 10, en Madrid”. “A través del intercambio y la creación de redes, se puede seguir reforzando la importancia de este proyecto en España. Al mismo tiempo, la Capa Hausde Leipzig constituye un ejemplo de cómo se puede conservar, acondicionar y hacer accesible al público de forma sostenible un lugar de importancia histórica mundial. Ambos lugares tienen en común que son gestionados y diseñados por la propia sociedad. De ello puede surgir una red de lugares de encuentro europeos que, siguiendo el espíritu de Robert Capa, trabaje por la paz, el entendimiento y los derechos humanos, y siga creciendo”, explica.

Un proyecto cultural que no convence a plataformas por la memoria ante el “borrado histórico”

La misiva llega después de que el área de Cultura anunciase que el solar de Peironcely se convertirá en el Centro de Experimentación Cultural Robert Capa, una dotación municipal para jóvenes, con talleres y actividades culturales gestionadas por la Fundación José María de Llanos. Aunque conservará una de las viviendas como espacio para contextualizar el edificio en la historia de la ciudad y en la obra de Capa, las asociaciones memorialistas y vecinales involucradas en su conservación (con la plataforma #SalvarPeironcely10 a la cabeza) siempre pidieron un museo de primer orden sobre la memoria de los bombardeos y del barrio.

El International Center of Photography (institución valedora del legado histórico del fotógrafo), liderado por la propia Capa Haus de Leipzig, criticó ya el “borrado histórico” en el anunciado centro sociocultural. Por ello, “prohíbe el uso de la imagen del fotógrafo en cualquier proyecto que no cuente con la aprobación de la plataforma #SalvarPeironcely10”.

Esta ubicación ha sido utilizada en los últimos años por la Fundación Anastasio de Gracia-FITEL y otras entidades memorialistas o vecinales agrupadas en #SalvaPeironcely10 como bandera de recuperación de la memoria del lugar a través de actividades culturales. Además, se han llevado a cabo distintas campañas arqueológicas en la zona que han servido para conocer mejor el día a día del barrio bombardeado y posteriormente habitado por recién llegados a la ciudad durante la posguerra. La puesta en valor ciudadana del entorno ha dado muchos frutos, que ahora ven también la luz en forma de nuevo centro cultural juvenil para la barriada. La cuestión es si eso eso es suficiente o deben seguir luchando por que la dotación honre un lugar que es historia viva de la barbarie y la memoria de Madrid.

Una imagen que muestra el momento en el que una familia es separada por el ICE dentro de un edificio federal de EEUU ha sido elegida como foto del año del World Press Photo 2026, que destaca lo mejor del fotoperiodismo y la fotografía documental en todo el mundo. La imagen, titulada Separados por el ICE, fue tomada por la fotoperiodista Carol Guzy para ZUMA Press, iWitness y el Miami Herald.

La fotografía capta el momento en el que un migrante ecuatoriano es separado de su mujer y sus tres hijos, reflejando la realidad detrás de las políticas migratorias de Trump. La imagen es una de las muchas capturadas por Guzy en aquel lugar y que conforman el reportaje fotográfico Arrestos del ICE en el Tribunal de Nueva York. Dicho reportaje también fue uno de los 42 ganadores del concurso World Press Photo.

“En 2025, la aplicación de las leyes de inmigración se intensificó a una escala sin precedentes en todo EEUU: en lugares de trabajo, hogares, esquinas y dentro de los juzgados federales, donde las familias acudían de buena fe a sus audiencias programadas”, ha anunciado el jurado. “Esta fotografía captura el angustioso momento de la separación de una familia. Fue tomada en uno de los pocos juzgados del país donde se ha permitido el acceso a fotógrafos: un único pasillo donde Carol Guzy y otros se presentaron día tras día para documentar lo que sucedía”, ha agregado.

El jurado señala que “lo que Guzy registra aquí no es un momento aislado de dolor, sino evidencia y documentación de una política gubernamental aplicada sistemáticamente a personas que acataron las normas”. “Esta imagen fue seleccionada de una obra más amplia de Guzy, premiada en la categoría de Historias de América del Norte y Central. En una democracia, la presencia de la cámara en ese pasillo no es casual, es esencial”, concluye.

El veto que Rosalía impone a los fotógrafos de los medios de comunicación en sus conciertos ha desatado las críticas unánimes de las organizaciones periodísticas de Catalunya. A su paso por Barcelona esta semana con el Lux Tour, el Col·legi de Periodistes de Catalunya, el Sindicat de Periodistes de Catalunya y el Sindicat de la Imatge (UPIFC) han expresado su rechazo y, además, han enviado un requerimiento al Ayuntamiento de la capital catalana, puesto que el Palau Sant Jordi, el recinto donde se celebran los cuatro shows, es municipal.

El comunicado señala a la cantante y a la promotora Live Nation por una práctica, la de impedir el trabajo de los fotoperiodistas, que no es exclusiva de Barcelona. Ya en conciertos como el de Madrid o el de Lisboa hubo quejas a una organización que solo apuesta por distribuir sus propias imágenes del evento, algo que es cada vez más habitual en estos grandes espectáculos, según denuncian las organizaciones de periodistas y fotógrafos. La prohibición afecta también a profesionales de los medios de comunicación audiovisuales. 

“Lejos de ser puntual, está práctica se reproduce con una frecuencia creciente en eventos culturales de gran formato”, señalan el Col·legi de Periodistes, el Sindicat de Periodistes y el Sindicat de la Imatge. “La limitación o exclusión de profesionales del fotoperiodismo y de la información audiovisual en favor de contenidos generados o controlados por las promotoras altera las condiciones de ejercicio de la profesión y condiciona el derecho de la ciudadanía a recibir una información plural e independiente”, afirman los colectivos periodísticos. 

Periodistas y fotógrafos catalanes defienden su cobertura como “parte esencial” del derecho a la información, que queda menoscabado si las únicas imágenes que la ciudadanía puede ver tras el espectáculo son las de carácter promocional. En este sentido, rechazan que existan argumentos de seguridad para impedir su trabajo, puesto que no se han justificado, y piden a los medios de comunicación que se nieguen a usar las fotos y vídeos que difunde la promotora como señal de protesta.  

En el caso barcelonés, la denuncia ha llegado también a los despachos del Ayuntamiento de Barcelona, ya que es el titular del recinto donde se celebran los cuatro conciertos: el Palau Sant Jordi. Los fotógrafos han enviado un requerimiento al consistorio para que actúen en su favor y pida garantizar su acceso. Alegan que les ampara el derecho a la información, y el “derecho fundamental al trabajo”.

Consultado por elDiario.es, el Ayuntamiento no ha valorado la reclamación de los fotógrafos. Tampoco Barcelona Serveis Municipals (B:SM), la empresa pública que gestiona este y otros equipamientos, se ha pronunciado al respecto.

El concurso de fotoperiodismo World Press Photo ha distinguido a tres fotógrafos españoles entre los 42 ganadores regionales y uno de ellos es el profesional originario de Ciudad Real Luis Tato, a los que se suman Brais Lorenzo y Diego Ibarra Sánchez.

Luis Tato ha sido el ganador en la categoría de Reportaje gráfico de la región de África, con 'Las protestas de la generación Z en Madagascar', sobre las protestas estudiantiles motivadas por la deficiencia de los servicios públicos, la corrupción y las dificultades económicas.

World Press Photo ha anunciado los 42 ganadores regionales de las seis regiones del mundo en sus tres categorías actuales --Fotografías Individuales, Reportajes gráficos y Proyectos a largo plazo--, y el próximo 23 de abril se dará a conocer el World Press Photo del Año, elegido entre los ganadores regionales.

“Ser fotoperiodista o periodista hoy es mucho más peligroso que hace diez o veinte años”, advierte en una entrevista con EFE. Nacido en Daimiel, vive en Nairobi, desde donde ha cubierto durante los últimos años África oriental, y ejerce actualmente como jefe de fotografía en la región para la agencia de noticias francesa Agence France Presse (AFP).

Siempre en movimiento, el fotógrafo atiende a EFE por teléfono desde la pequeña nación de Yibuti, a donde se ha desplazado para cubrir las elecciones presidenciales previstas este viernes.

Hay “un movimiento global que está convirtiendo a los periodistas en el enemigo para muchos gobiernos, instituciones y gente con poder y es un discurso que está penetrando en la población normal, que empieza a desconfiar” de los informadores, advierte Tato.

Hay un movimiento global que está convirtiendo a los periodistas en el enemigo para muchos gobiernos, instituciones y gente con poder y es un discurso que está penetrando en la población normal, que empieza a desconfiar

Esto hace que el mundo se esté convirtiendo “en un lugar muy hostil” para cualquier persona que ejerce el periodismo a día de hoy, lamenta, mientras “las redes sociales y la inteligencia artificial están difuminando mucho” la labor periodística.

Pese a este complicado contexto, Tato se siente “agradecido” por haber sido “observador” incansable en los últimos años de momentos cruciales para los africanos, como las protestas en Madagascar, por cuya cobertura ha sido galardonado por tercera vez en el certamen más prestigioso del fotoperiodismo mundial.

Testigo de la transformación en África

“Cuando llegué, vi un país literalmente en transformación. Lo sentía en las calles, percibía que algo estaba ocurriendo, algo se estaba cocinando. Más allá de las protestas, había un espíritu de cambio generalizado”, relata sobre su trabajo en este país insular africano situado en el océano Índico.

Todo empezó el pasado mes de septiembre, cuando jóvenes de la generación Z se lanzaron a las calles para exigir acceso al agua y a la electricidad, así como la reducción de la inflación, en unas manifestaciones cuya represión por las fuerzas de seguridad dejó al menos 22 muertos, según las Naciones Unidas.

Las masivas movilizaciones evolucionaron rápidamente hacia un movimiento antigubernamental que reclamaba la dimisión del entonces presidente malgache, Andry Rajoelina, acusado de corrupción, nepotismo y malversación de fondos públicos.

Rajoelina se resistía a abandonar el poder pese a la presión popular, pero todo cambió cuando los manifestantes recibieron el apoyo de la poderosa unidad de élite militar Cuerpo de Administración de Personal y Servicios del Ejército de Tierra (CAPSAT), que acabó derrocando al mandatario el 14 de octubre.

“Al margen de la brutal respuesta de la Policía y la Gendarmería, fue un proceso bonito, porque la gente estaba expectante”, recuerda Tato, si bien el resultado final, con el establecimiento de un Gobierno militar, dejó un sabor “agridulce” entre la población.

En largas jornadas de barricadas, gases lacrimógenos y balas de goma los jóvenes malgaches tomaron como símbolo la bandera pirata de la popular serie manga 'One Piece', vista también en movilizaciones en Indonesia, Nepal, Perú, Filipinas o Francia.

En el caso de la isla africana, sin embargo, los manifestantes cambiaron el habitual sombrero de paja de la calavera sonriente de la bandera por un satro-bory (sombrero tradicional malgache), tal como captan las imágenes premiadas.

“Me gustaría que las fotos sirviesen para que la gente abra su mundo. Yo siempre pienso en el fotoperiodismo como una ventana a realidades que pueden parecer lejanas o ajenas, pero que al final también hablan de nosotros, de quiénes somos o de realidades que vivimos en nuestros propios países”, afirma Tato.

Me gustaría que las fotos sirviesen para que la gente abra su mundo. Yo siempre pienso en el fotoperiodismo como una ventana a realidades que pueden parecer lejanas o ajenas, pero que al final también hablan de nosotros

A pesar de los numerosos premios acumulados, el fotógrafo confiesa que sigue “sorprendiéndose” porque su trabajo sea reconocido una vez más por este galardón que lo transporta de nuevo “a la ilusión del chaval que empezó a hacer fotos y soñaba con ser fotoperiodista”.

El World Press Photo, que recibió en esta convocatoria más de 57.000 fotografías de 141 países, distingue a 42 proyectos que configuran, según el jurado, “un retrato urgente del mundo actual”.

El World Press Photo 2026 ha contado con la participación de 3.747 fotógrafos de 141 países y 57.376 fotografías, y de los 42 ganadores regionales, 31 son locales de la región donde captaron sus relatos.

Los trabajadores ganadores de esta edición se centran en desafíos del mundo actual como la política, las cuestiones de género, la migración, los conflictos globales y la crisis climática.

La exposición World Press Photo 2026, organizada por la Fundación Phgotographic Social Vision, volverá a tener el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) como una de sus sedes, del 6 de noviembre al 13 de diciembre, una muestra que el año pasado batió su récord de público con más de 67.500 espectadores.

“Un hombre lucha contra un incendio equipado apenas con una rama. Cuando los recursos escasean, los habitantes del lugar usan cualquier cosa que tengan a mano para extinguir las llamas, incluidas ramas, aperos de labranza o mangueras domésticas”. Este es el resumen con el que World Press Photo, una organización independiente con sede en Amsterdam desde 1955 que organiza el prestigioso premio de fotografía, destaca el trabajo de Brais Lorenzo (Ourense, 1986) que le ha valido uno de los galardones de este año. Tierra quemada se titula el reportaje distinguido, que el fotógrafo gallego realizó durante los grandes incendios del pasado verano en la provincia ourensana.

Colaborador de elDiario.es y de otros medios como la agencia EFE o El País, Lorenzo lleva unos 15 años fotografiando el fuego. El pasado agosto, las llamas arrasaron unas 120.000 hectáreas -datos de la Xunta de Galicia. La introducción a Tierra quemada en la página web de World Press Photo explica que la cada vez mayor severidad de los incendios en Galicia se debe al cambio climático, a la despoblación rural y a deficientes políticas forestales, por ejemplo la plantación extensiva de especies no nativas y altamente inflamables. Humaredas densas y un tono anaranjado, apocalíptico, dominan las fotos de Lorenzo sobre la materia, algunas de las cuales las publicó en elDiario.es.

El mundo rural gallego, sus trabajos y sus días, su transformación y, de alguna manera, su tendencia a la desaparición conforman la quizás preocupación central del trabajo fotográfico de Lorenzo. Además de sus imágenes de los incendios forestales, el fotoperiodista ha captado los entroidos ancestrales que todavía hoy celebran en Galicia el final del invierno y la intuición de la primavera y ha dedicado una exitosa exposición, Habitar o baleiro [Habitar el vacío], a documentar “una forma de vivir que agoniza”, la de las aldeas gallegas. Su cámara también se ha ocupado del trabajo al límite del mar de los percebeiros, de la soledad de los mayores en la pandemia de coronavirus o de las huellas de la catástrofe ambiental de Prestige.

Más allá del World Press Photo 2026 -que Tierra quemada comparte con otros 41 proyectos en diferentes categorías, seleccionados entre 57.000 de 141 países-, Brais Lorenzo ha recolectado otros importantes premios a lo largo de su carrera, entre ellos el Ortega y Gasset, el Galicia en Foco o el Jesús Moreno de Albacete.

La Fundación del World Press Photo ha premiado este jueves, en categorías regionales, trabajos que reflejan el drama humanitario en Gaza, la guerra en Ucrania, la política migratoria en Estados Unidos, los efectos del cambio climático y la lucha de comunidades marginadas por su supervivencia y sus derechos.

Entre los galardonados se encuentra el fotógrafo español Brais Lorenzo, de Ourense, que documentó para varios medios, entre ellos elDiario.es y EFE, la peor temporada de incendios forestales en Galicia en tres décadas.

También se ha premiado al fotógorafo Diego Ibarra Sánchez con su proyecto a largo plazo La educación secuestrada, que documenta el impacto de guerras y extremismo sobre el derecho a la educación en nueve países. Asimismo, el fotoperiodista español Luis Tato ganó con un reportaje para AFP sobre las protestas de la Generación Z en Madagascar.

El certamen, que recibió más de 57.000 fotografías de 141 países, distingue en sus categorías regionales 42 proyectos que configuran, según el jurado, “un retrato urgente del mundo actual”.

La política migratoria de la Administración de Donald Trump aparece documentada por Carol Guzy con las detenciones del ICE en los juzgados de Nueva York: agentes enmascarados arrestan migrantes tras las vistas, niñas aferradas a su padre detenido, y una mujer esposada conducida por un edificio federal.

“Este es un momento crítico para la democracia, para la verdad”, señaló la presidenta del jurado, Kira Pollack, que agregó que “los fotógrafos reconocidos han cumplido su parte, han dejado constancia, y ahora nos toca mirar a nosotros”.

Dos trabajos documentan desde dentro las consecuencias de los ataques militares israelíes en la Franja de Gaza, algo que una comisión independiente de la ONU ha concluido que constituye un “genocidio”, extremo que Israel rechaza.

El fotógrafo Mohammed Saber Nuraldin, nacido en Gaza y documentalista de la vida en la Franja desde 1997, capturó para EPA a palestinos trepando camiones de ayuda humanitaria que entraron en Gaza durante una suspensión táctica israelí de los bombardeos.

La fotografía resume el colapso humanitario de un enclave donde, según la ONU, entre mayo y julio de 2025 fueron asesinadas al menos 1.373 personas mientras buscaban alimento en puntos de distribución de ayuda.

El reportaje de Saher Alghorra para The New York Times completa este tema con imágenes del derrumbe de edificios bajo los bombardeos, familias rompiendo el ayuno del Ramadán entre escombros y presos palestinos liberados tras un alto el fuego.

Alghorra, también palestino, describe su trabajo con una frase que el jurado destaca: “Aunque todo a mi alrededor me decía que parara, no podía: el silencio significaría rendirse”.

Más del 75% de la población de Gaza sigue afrontando hambre y malnutrición pese al alto el fuego.

Ucrania

Ucrania también ocupa un lugar central en el concurso, cuatro años después del inicio de la agresión rusa.

Evgeniy Maloletka, de Associated Press, ganó en la categoría de fotografía individual de Europa con una imagen tomada el 24 de abril de 2025 en Kiev, el mismo día en que Rusia lanzó uno de sus ataques más mortíferos sobre la capital, después de que fracasaran las negociaciones de paz.

La fotografía muestra a Valeria Syniuk, de 65 años, sentada junto a su vivienda destruida.

Por su parte, David Guttenfelder elaboró para The New York Times un reportaje sobre la guerra de drones que está reconfigurando el conflicto.

Sus imágenes recorren países como Afganistán, Iraq, Ucrania, Colombia, Pakistán, Siria y Líbano: niñas en escuelas informales al aire libre bajo la prohibición talibán, libros quemados por el grupo terrorista Estado Islámico, y un soldado ucraniano mirando por la ventana de un jardín de infancia reconvertido en posición militar.

La ONU estima que 85 millones de niños en edad escolar afectados por conflictos no tienen ningún acceso a la educación.

Incendios y catástrofes

Los incendios de Los Ángeles de enero de 2025 -14 incendios simultáneos, más de 18.000 edificios destruidos, 200.000 desplazados y hasta 440 muertos según estudios de salud pública- fueron documentados por Ethan Swope para Associated Press.

En Afganistán, Elise Blanchard documentó el cierre de 422 centros de salud a consecuencia de los recortes de ayuda estadounidense, dejando a mujeres embarazadas sin acceso a comadronas en uno de los países con mayor mortalidad materna del mundo, bajo un régimen talibán.

Sus imágenes muestran las manifestaciones estudiantiles contra la corrupción, los choques con la gendarmería que causaron al menos 22 muertos, y la defección de la unidad militar para unirse a los manifestantes, así como la posterior toma de poder del Ejército, que excluyó a los jóvenes de la transición política que ellos mismos habían forzado.