Cuando pensamos en Japón, la imagen que suele venir a la cabeza es la del sushi. Sin embargo, la realidad cotidiana es bastante distinta. Si hay un plato que domina el día a día de millones de japoneses, ese es el ramen receta japonesa, un cuenco humeante de fideos, caldo y toppings que se consume a cualquier hora y en cualquier rincón del país.

El ramen no es solo una sopa, es casi una forma de entender la cocina: rápida, reconfortante y profundamente ligada a la tradición. Y aunque hoy lo asociamos directamente con Japón, su historia empieza bastante lejos de allí.

El plato que nació fuera de Japón

El origen del ramen receta japonesa está en China, donde ya existían preparaciones de fideos en caldo siglos antes. Fue a finales del siglo XIX y principios del XX cuando esta receta llegó a Japón, donde se adaptó a los ingredientes, técnicas y gustos locales hasta convertirse en lo que hoy conocemos.

Con el tiempo, el plato dejó de ser una influencia extranjera para convertirse en un símbolo nacional. Cada región desarrolló su propia versión, con variaciones en el tipo de caldo, los fideos o los acompañamientos. Así nacieron estilos como el tonkotsu, más intenso y elaborado con huesos de cerdo, o el shoyu, con base de salsa de soja.

Más que una sopa de fideos

Entender qué es el ramen implica ir más allá de la idea de “sopa”. En realidad, es un plato compuesto por varias elaboraciones que funcionan en conjunto, casi como un cocido.

Por un lado está el caldo, que es el alma del plato y puede requerir horas de cocción para conseguir profundidad de sabor. Por otro, los fideos, que deben tener la textura adecuada para absorber ese caldo sin perder consistencia. Y, por último, los toppings: carne, huevo marinado, algas, cebollino o setas, que aportan matices y complejidad. Esa combinación es la que ha convertido al ramen en uno de los platos más consumidos del país, muy por encima del sushi en el día a día.

La base de un buen caldo

Si algo define unos buenos ingredientes ramen, es el equilibrio entre sencillez y técnica. Para el caldo, se suelen utilizar huesos de pollo o cerdo, verduras como zanahoria, puerro o cebolla, ajo, jengibre y setas shiitake. Todo ello se cuece hasta obtener un fondo profundo y aromático.

La carne, normalmente panceta de cerdo, se marina con salsa de soja, azúcar y mirin, mientras que los huevos se cuecen y se sumergen en esa misma mezcla para absorber sabor. El resultado es uno de los elementos más reconocibles del plato: el huevo de yema cremosa con exterior ligeramente oscuro.

A partir de ahí, los fideos y los acompañamientos terminan de dar forma al conjunto, creando un plato que puede ser tan sencillo o tan elaborado como se quiera.

Preparar cómo hacer ramen casero no es complicado, pero sí requiere organización. Lo primero es elaborar el caldo, sellando la carne y cociéndola junto con las verduras y los huesos para concentrar el sabor. Una vez listo, se cuela y se reserva.

Después llega la marinada, donde se introducen tanto la panceta como los huevos cocidos, dejándolos reposar durante al menos un par de horas para que absorban todos los matices.

El último paso es el montaje: se cuecen los fideos, se colocan en un bol, se añade el caldo caliente y se incorporan los toppings. En ese momento, el plato cobra sentido.

Por qué el ramen supera al sushi

Dentro de los platos típicos de Japón, el ramen ocupa un lugar especial porque es accesible, económico y adaptable. Mientras que el sushi suele reservarse para ocasiones más concretas o restaurantes especializados, el ramen forma parte del día a día, desde pequeños locales de barrio hasta cadenas abiertas 24 horas.

Además, su capacidad de adaptación lo ha convertido en un fenómeno global. Cada país ha reinterpretado el plato, pero la esencia sigue siendo la misma: un caldo bien trabajado, unos fideos en su punto y una combinación de sabores que busca el equilibrio perfecto.

Porque, al final, el éxito del ramen no está en su complejidad, sino en algo mucho más sencillo: es un plato que reconforta, que llena y que, una vez lo entiendes, cuesta dejar de repetir.

“Lo mismo que antes, seguía la cigarra con su ruido reseco. No había brisa. Lo mismo que antes, el sordo aleteo de la mosca dando vueltas por su cara. El mundo de fuera no se diferenciaba en nada. Había muerto un hombre, pero nada había cambiado. Qué cosa más absurda… ¿Y a esto lo llaman martirio? ¿Por qué sigues en silencio?”.

En el siglo XVII, unos sacerdotes jesuitas portugueses se proponen ir a Japón con dos objetivos: ayudar a los cristianos japoneses, que están siendo perseguidos por su fe, en un momento en el que ya no quedan sacerdotes en el país; y averiguar qué ha sido del padre Ferreira, uno de los misioneros más importantes en el país nipón, pero del que llega la inquietante noticia de que habría apostatado. Esa es la premisa de Silencio, de Shûsaku Endô, una novela que nos lleva de Roma a Lisboa, pasando por Macao, con destino a Japón. Tuvo un gran éxito en este último país desde el momento de su publicación en 1966, hace 60 años: recibió el prestigioso premio Tanizaki, y vendió en unos cinco años unos dos millones de ejemplares.

La historia de Silencio aborda el problema que representa para los creyentes el silencio de Dios, la aparente indiferencia ante la matanza de centenares de inocentes. La novela se popularizó todavía más en todo el mundo en 2016, con el estreno de la película de Martin Scorsese, protagonizada por Andrew Garfield, Adam Driver y Liam Neeson. Una adaptación al cine del propio Scorsese y del guionista Jay Cocks, con el que el cineasta ya había trabajado antes en Gangs Of New York.

Scorsese oyó hablar por primera vez del libro de Endō en 1988, después de rodar La última tentación de Cristo, una película basada en la novela del escritor griego Nikos Kazantzakis, autor de otras obras también fantásticas como Zorba, el griego, Cristo de nuevo crucificado y de un poema épico que revisaba La Odisea, que siempre consideró su obra más importante. La adaptación al cine de La última tentación reflejaba la visión de un cineasta católico, sobre un guion escrito por un protestante (Paul Schrader) que adaptaba la novela de un cristiano ortodoxo. El resultado es una obra interesantísima (como el libro de Kazantakis), que levantó una gran indignación y polémica y sufrió hasta algún atentado por parte de grupos ultras en alguna de sus proyecciones.

Fue en un encuentro organizado tras una de las proyecciones de La última tentación de Cristo cuando el arzobispo episcopaliano de Nueva York le habló a Scorsese de Silencio, y le hizo llegar la novela. El cineasta leería el libro un año más tarde, mientras trabajaba, precisamente, en Japón. Desde 1989, quiso adaptarlo al cine, un viaje complejo que culminaría con el estreno de la película en 2016. Además, el estreno de Silencio permitió a Scorsese conocer al Papa, con el que entabló una relación muy especial. De hecho, Scorsese ha anunciado un documental sobre Francisco coincidiendo con el primer aniversario de su muerte. Y fue a este Papa, en mayo de 2023, al que le contó su intención de adaptar al cine otra novela de Endō, titulada Una vida de Jesús.

Shūsaku Endô (1923-1996) está considerado uno de los grandes escritores japoneses del siglo XX. Se convirtió al catolicismo de pequeño, por influencia familiar. Estudió Literatura francesa en Japón, en la universidad de Kio, y después continuó su formación en Lyon, becado por el gobierno de su país. Sin embargo, no pudo terminar allí sus estudios por problemas de salud. A lo largo de su vida estuvo bastante tiempo sin poder trabajar como consecuencia de la tuberculosis.

Escribió ensayos y relatos cortos, aunque sus libros más conocidos son novelas: además de Silencio, se suele destacar El samurái, otra historia ambientada en el siglo XVII, en la que cuatro samuráis viajan en barco con destino a México acompañados por un sacerdote español; o Escándalo, en la que explora los límites morales en las relaciones sexuales y en la que aborda también el recuerdo de las brutalidades cometidas por los soldados japoneses en China. Hombre blanco, Hombre amarillo o Mar y veneno son otros de sus títulos notables. La mayoría de su obra se centra en la experiencia de la minoría católica en su país y retrata los choques culturales causados por las relaciones de Japón con otras potencias occidentales.

Los sacerdotes protagonistas de Silencio son muy conscientes de que uno de sus posibles destinos es el martirio. Sin embargo, para lo que de verdad no están preparados es para ver morir a tantísimos cristianos japoneses. Los gobernantes nipones, que décadas antes habían sido muy abiertos con el cristianismo, lo empiezan a ver como un peligro para la estabilidad social. Después de años de persecuciones, no quieren matar a más misioneros y sacerdotes, porque saben que los fieles cristianos japoneses los convierten luego en mártires, lo que contribuye a que la religión se extienda. Por tanto, buscan que los padres apostaten, que se rindan, y para lograr quebrarlos se proponen matar a tantos campesinos cristianos como sea necesario. Para ellos, sus vidas no valen nada.

La novela no se ahorra detalles en las descripciones de los tormentos a los que someten a estos campesinos: por ejemplo, crucifixiones junto a la playa, para dejar que se ahoguen al cabo de unos días, con el golpe de las olas y la subida de las mareas, agotados de cansancio. O cómo les hacen una herida detrás de la oreja y los cuelgan boca abajo, de modo que se vayan desangrando con el paso de las horas. Silencio muestra también cómo la más brutal de las represiones, a veces, viene de gente que no es aparentemente cruel en sus formas, que mantiene hasta los modales, que es indiferente al dolor o que lo inflige en defensa del orden y del sentido común.

El protagonista, el padre Rodrigues, ve paralelismos entre su vida y la de Jesús de Nazaret. Él también es detenido, paseado entre burlas y juzgado, es cuestionado por las autoridades políticas y religiosas del lugar. Él también es traicionado por un Judas, llamado Kichijiro, que despierta en el padre desprecio por su cobardía, pero también compasión, pues no para de repetir que en tiempos de paz hubiera sido una buena persona y un gran cristiano.

Rodrigues quiere ser Jesús, pero le da miedo acabar convertido en un Pedro que lo niega tres veces antes de que amanezca. Está dispuesto a entregar su vida, pero le da miedo no poder superar una tortura que, en su caso, es psicológica: ver agonizar a sus compañeros, hombres y mujeres humildes que han tenido, hasta entonces, vidas miserables. Presenciar cómo se les hace sufrir de formas metódicas y desesperantes. ¿Hasta qué punto tiene derecho uno a decidir sobre el sufrimiento de los demás solo por mantenerse firme en sus creencias? Si no renuncia a su fe, ¿lo hace guiado por el orgullo? Si traiciona sus principios, ¿significa que ha ganado el amor o el miedo? ¿Será capaz de encontrarle otro propósito a su vida a partir de entonces?

Silencio está escrita con un estilo claro y sencillo, y se hace menos densa que la película (que, aun así, es maravillosa). Scorsese la adapta de forma muy fiel, ya que solo contiene una gran diferencia: el final. El del filme también es duro, pero conserva un punto de esperanza. La película recuerda en algunos aspectos a otra muy conocida protagonizada por sacerdotes jesuitas: La misión (1986), dirigida por Roland Joffé, en la que, curiosamente, también aparece Liam Neeson (además de Jeremy Irons y Robert De Niro, el actor con el que más veces ha trabajado Scorsese en su carrera), y que cuenta con una preciosa banda sonora de Ennio Morricone.

Las dos películas muestran, de formas diferentes, la resistencia que oponen los protagonistas frente al miedo causado por las persecuciones. Como pasaba también con La misión, es más fácil que empatices con los personajes de Silencio si tienes cierta mirada religiosa del mundo, pero están lo suficientemente bien construidas como para atraparte con la fuerza de sus historias y con la fascinación que despierta el periodo histórico y el lugar en el que se ambientan.

El interés por esa etapa de la historia de Japón entre el gran público está, además, más que comprobado, como demuestra el éxito que obtuvo recientemente la serie Shōgun, basada en la novela homónima de James Clavell, que se llevó varios premios Emmys. Shōgun, eso sí, se construye con tramas protagonizadas por un mayor número de personajes, con distintos puntos de vista. Esa característica, junto al hecho de que se centra en gran medida en describir luchas por el poder en un mundo de resonancias medievales, ha hecho que mucha gente compare a esta serie con Juego de tronos. Shōgun también tiene personajes católicos, algunos de ellos japoneses, que viven su fe en secreto, y ese aspecto tiene importancia en la historia, pero no es tan esencial como en la obra de Endō.

Silencio es, a pesar de su crudeza, una novela de una gran belleza. Y sigue teniendo plena vigencia, pues plantea preguntas que nos quedan, desgraciadamente, muy próximas. ¿Cómo se puede mantener la razón, la cordura, cómo se puede seguir hacia adelante, vivir como si nada, cuando sabes que se matan decenas, centenares, miles de personas inocentes cada día? De Gaza a Sudán, pasando por el Líbano, ¿qué hacer cuando buena parte del mundo parece indiferente al sufrimiento indescriptible de otros seres humanos? El salvajismo y la barbarie no son ajenas, por desgracia, a otras muchas etapas de la historia de la humanidad (hay quien dirá que incluso es la regla, que las etapas de paz son la excepción, y no faltará la razón). Pero lo que no habíamos tenido antes es la retransmisión directa de esas imágenes, en tiempo real, en dispositivos que llevamos todo el día con nosotros, y a los que nos asomamos de forma casi continua.

Los protagonistas de Silencio abogan con firmeza por la dignidad de las personas de una forma que se parece mucho a la búsqueda de unos derechos humanos universales. El camino de la no violencia es el único que aconsejan seguir con fervor y fiereza hasta el final, incluso si conduce al martirio. La única forma en la que creen que se puede acabar por romper a la larga el ciclo eterno de la persecución y la violencia.

En el libro, el padre Rodrigues está aterrado ante la posibilidad de que Dios no exista, pero le genera una inquietud parecida pensar en Dios como un padre que permanece indiferente ante el dolor de los más necesitados de entre sus hijos. Sabe que la crueldad viene de los hombres, pero se pregunta hasta cuándo, cuánta muerte de inocentes será suficiente, cuánta sangre derramada saciará a los verdugos. Una pregunta que podríamos hacernos todos cada noche, mientras, como Rodrigues, buscamos saber cómo actuar, cómo enfrentarnos frío e indiferente, cómo exigir que se respete a los más débiles sin caer en el desánimo.

La novela no ofrece una respuesta clara, pero sí anima a perder el miedo a que el contacto con el sufrimiento de los demás nos transforme, por muy devastador que resulte. Y nos anima también a recordar la belleza que sigue habiendo en un mundo en el que, sin embargo, suceden cosas terribles. Tenerlo presente anima a seguir adelante, a no perder la esperanza, pero sin silenciar las voces de quienes sufren un dolor tan hondo que no parece tener fin.

Porque la maldad es tan banal que se alimenta muchas veces de la indiferencia de gente decente. Y porque, como nos recuerda aquella cita de George Eliot recuperada por Terrence Malick en su película Vida oculta (2019), el bien del mundo “depende en parte de actos al margen de la historia”, se debe en parte “a quienes vivieron fielmente una vida oculta, y descansan en tumbas que nadie visita”. Y, a día de hoy, necesitamos de todos esos pequeños actos de la gente corriente que, quizá, no ocuparán páginas en los libros de historia, pero que harán del mundo un lugar más decente y vivible y, del futuro, una incógnita menos amenazadora.

El Gobierno japonés eliminó este martes las restricciones del país asiático a la exportación de material militar letal, abriendo la puerta a que las empresas de defensa niponas puedan vender armas al extranjero por primera vez desde la Segunda Guerra Mundial.

Estas son las claves de una decisión controvertida, que ha generado debate en Japón debido a lo que supondrá la venta de armamento para un país gobernado por una Constitución pacifista:

Venta de armamento letal

La venta de “todos los equipos de defensa” será posible a partir de ahora, dijo en la red social X la primera ministra, Sanae Takaichi, sobre una revisión que elimina las cinco categorías que limitaban la exportación de armas letales.

Hasta ahora, Japón únicamente podía exportar productos de defensa relacionados con los ámbitos del rescate, el transporte, el aviso, la vigilancia y el desminado. En adelante, el país asiático podrá vender cualquier producto militar, incluidos misiles o buques de guerra, previa aprobación del Gobierno japonés.

Con todo, los productos clasificados como “armamento” solo podrán exportarse a los 17 países con los que Japón mantiene tratados de cooperación en defensa, entre ellos EEUU o Reino Unido.

La nueva normativa incluye también una cláusula que deja la puerta abierta a exportar armamento a países en conflicto si las autoridades consideran que existen “circunstancias especiales”.

Cooperación estratégica

“Ningún país puede proteger su paz y seguridad por sí solo”, afirmó Takaichi en X, para subrayar que las exportaciones “contribuirán a mejorar las capacidades de defensa” de los aliados de Japón.

En su mensaje, Takaichi dijo que el archipiélago se enfrenta a un “entorno de seguridad cada vez más severo”, y confió en que la exportación de material militar japonés a países aliados ayudará a prevenir conflictos y a “garantizar la seguridad de Japón”.

Impulso para la industria

La decisión también busca impulsar la industria nacional de defensa, limitada hasta ahora a producir únicamente para las Fuerzas de Autodefensa (el Ejército japonés), y mejorar su capacidad de suministro.

El ministro de Defensa japonés, Shinjiro Koizumi, destacó en una rueda de prensa este martes, que “la exportación de equipamiento permite a las empresas mantener una mayor capacidad productiva en comparación con la producción exclusiva” para las Fuerzas de Autodefensa.

“Reconozco que esto no solo contribuye al fortalecimiento de la capacidad de disuasión y respuesta de nuestros aliados y países afines, sino que también conduce al mantenimiento y reforzamiento de nuestra propia base industrial y tecnológica de defensa”, explicó el responsable.

Lejos de las políticas pacifistas

Japón aprobó en 2022 una revisión de su estrategia de seguridad a largo plazo en la que trazó un giro sin precedentes desde la Segunda Guerra Mundial a sus políticas defensivas. Prometió reforzar sus capacidades de contraataque mediante un aumento del gasto militar y la adquisición de armamento como misiles de crucero e hipersónicos.

Pero estos planes no venían acompañados de medidas específicas para lograrlos, en parte por la oposición del entonces socio menor de la coalición de gobierno, el partido budista Komeito, según explicó recientemente a EFE Hirohito Ogi, exfuncionario del Ministerio de Defensa japonés y analista en el Instituto de Geoeconomía (IOG) de Tokio.

Según Ogi, la exportación de material militar es una de esas medidas, desbloqueada ahora por el acuerdo de coalición entre el gobernante Partido Liberal Democrático (PLD) de Takaichi y su nuevo socio, el Partido de la Innovación de Japón (Ishin).

Inquietud por un creciente militarismo

Más allá de sus posibles beneficios estratégicos e industriales, la decisión de permitir las exportaciones de armas ha generado debate en un país que ha hecho bandera del pacifismo desde su derrota en la Segunda Guerra Mundial.

En un sondeo publicado este lunes por el periódico japonés Asahi, un 67% de los encuestados se mostraba en contra de permitir la venta de armamento letal a otros países, mientras que Tokio viene registrando varias protestas multitudinarias en el último mes contra los planes de Takaichi de reformar la Constitución para proteger el rol de las Fuerzas de Autodefensa japonesas.

En paralelo, Pekín, que mantiene una disputa diplomática con Tokio desde finales del año pasado a cuenta de Taiwán, lleva meses alertando de lo que considera un creciente militarismo en el archipiélago.

En un editorial publicado este domingo, el medio estatal chino Global Times acusó a Japón de buscar una remilitarización acelerada para impulsar “una nueva fase de expansión militar a gran escala”.

Takaichi, por su parte, defendió este martes que el compromiso de Tokio de mantener su estatus de nación pacifista no ha cambiado, y dijo que su Gobierno limitará las exportaciones de armas a los países que se comprometan a respetar la Carta de las Naciones Unidas.

Un terremoto de magnitud 7,7 golpeó este lunes el centro de Japón, con una profundidad de 10 kilómetros y llevó a las autoridades niponas a activar la alerta por tsunami, aunque ya ha sido retirada.

La Agencia Meteorológica de Japón (JMA) había alertado de que podrían llegar a producirse olas de hasta tres metros de altura en la tarde del lunes en las prefecturas norteñas de Hokkaido, Iwate y Aomori, pero hasta el momento solo se registraron olas de 80 centímetros en el puerto de Kuji (Iwate). Así, el organismo decidió levantar la alerta y dejar un aviso desde Hokkaido hasta la prefectura de Fukushima, donde el agua puede alcanzar hasta una altura de un metro.

Al menos un hombre resultó herido y tuvo que ser trasladado al hospital tras caerse por las escaleras de su hogar en Hachinohe, en Aomori, reportó la agencia de noticias japonesa Kyodo. En este contexto, las autoridades urgieron la evacuación de 170.000 residentes en cinco prefecturas: Hokkaido, Aomori, Iwate, Miyagi y Fukushima, según recogió la cadena de televisión NHK.

Además, la JMA, que elevó de 7,4 a 7,7 la magnitud del seísmo ocurrido a las 16.53 (hora local, 7.53 GMT) con una profundidad de 20 kilómetros, emitió una alerta de potencial megaterremoto desde Hokkaido hasta Chiba (al este de Tokio). Durante la tarde, la primera ministra, Sanae Takaichi, informó en declaraciones a la prensa que su gabinete está “confirmando el alcance de los daños humanos y materiales”.

Los operadores nucleares no detectaron anomalías ni niveles inusuales de radioactividad en torno a las centrales nucleares, según recogió la cadena de televisión NHK. La compañía TEPCO indicó que “no se ha confirmado ningún impacto” en las instalaciones ni en la infraestructura de sus plantas nucleares, pero confirmó que había ordenado la evacuación de los trabajadores en Fukushima Daiichi y Fukushima Daini.

Debido a los cortes de electricidad y a la activación del sistema de prevención, el servicio de trenes, incluido el tren bala, se suspendió en varios puntos del país, como el trayecto entre Tokio y Shizuoka.

A principios de diciembre de 2025, un terremoto de 7,5 frente a las costas de la prefectura de Aomori dejó más de una treintena de heridos y provocó olas de hasta 710 centímetros, pero no se reportaron daños mayores.

Japón se asienta sobre el llamado Anillo de Fuego, una de las zonas sísmicas más activas del mundo, y sufre terremotos con relativa frecuencia, por lo que sus infraestructuras están especialmente diseñadas para aguantar los temblores.

Hay gestos que parecen universales hasta que sales de tu contexto. Dejar propina después de comer, por ejemplo, es casi automático en muchos países, una forma de reconocer el servicio y, en algunos casos, incluso una obligación moral. Sin embargo, si viajas a Japón, conviene que te olvides de ese hábito antes de sentarte a la mesa, porque lo que en otros lugares se entiende como cortesía allí puede resultar innecesario, incómodo o incluso fuera de lugar.

No es que el servicio sea peor —más bien todo lo contrario—, sino que la lógica cultural que hay detrás es completamente distinta.

Un servicio excelente… que ya está incluido

En Japón, la idea de hospitalidad tiene nombre propio: omotenashi, un concepto que va mucho más allá de atender bien al cliente. Implica anticiparse a sus necesidades, ofrecer un trato impecable y hacerlo sin esperar nada a cambio. En ese contexto, dejar propina rompe esa lógica, porque introduce un elemento económico adicional en algo que, culturalmente, ya se considera parte del trabajo bien hecho.

Por eso, en la mayoría de restaurantes, cafeterías o cadenas internacionales —desde pequeños locales familiares hasta gigantes como McDonald's— no solo no es necesario dejar propina, sino que directamente no se acepta. El sistema está pensado para que cada yen esté registrado, controlado y contabilizado, de modo que cualquier dinero extra genera más problemas que beneficios.

Más que ofensivo, es desconcertante

A diferencia de lo que muchos creen, dejar propina en Japón no se interpreta como una falta de respeto en sí misma, pero sí puede resultar desconcertante para quien la recibe. El trabajador no espera ese dinero, no sabe muy bien cómo gestionarlo y, en muchos casos, intentará devolvértelo con una sonrisa educada pero firme.

No se trata de orgullo ni de rechazo, sino de coherencia con una forma de entender el servicio en la que el precio ya incluye todo lo necesario. El cliente paga por un producto y una atención de calidad, y el trabajador cumple con ese estándar sin necesidad de incentivos externos.

Excepciones que confirman la regla

Como en casi todo, hay matices. En contextos muy concretos —restaurantes de alta gama, experiencias exclusivas o alojamientos tradicionales como los ryokan— puede existir una forma más sutil de “propina”, aunque no se percibe como tal en el sentido occidental.

En estos casos, lo habitual no es dejar dinero sobre la mesa, sino rechazar el cambio de forma educada o entregar una pequeña cantidad en un sobre, cuidando tanto la forma como el momento. Aun así, no es obligatorio ni esperado, y muchos locales seguirán rechazándolo con cortesía.

También ocurre en situaciones cotidianas como los taxis, donde algunos pasajeros redondean la cantidad y renuncian a las monedas pequeñas, más como un gesto práctico que como una recompensa al servicio.

Una cuestión cultural, no económica

Lo interesante de todo esto es que no responde a una cuestión de dinero, sino de valores. En Japón, el respeto, la profesionalidad y la atención al detalle forman parte del trabajo, no de un extra que deba recompensarse aparte.

Por eso, cuando viajes allí, lo mejor que puedes hacer es adaptarte a esa lógica y entender que, en este caso, el mayor agradecimiento no se deja sobre la mesa, sino en forma de respeto por las normas no escritas de una cultura que funciona de otra manera.

Y sí, puede costar al principio no sacar la cartera para dejar unas monedas, pero en Japón el gesto correcto, aunque suene extraño, es precisamente no hacerlo.

Pensar en una vida normal fuera de la Tierra obliga a resolver algo básico que no admite atajos. Mantener actividad diaria en la Luna implica disponer de energía estable, continua y suficiente para iluminación, sistemas de soporte y cualquier infraestructura, y ahí surge la necesidad de proyectos capaces de generar electricidad sin depender de ciclos terrestres.

La aspiración de vivir en la Luna y mantener un ritmo habitual ha empujado propuestas que buscan producir energía allí mismo, incluso con planteamientos que a primera vista parecen extremos. Entre esas iniciativas aparecen proyectos diseñados para captar luz solar sin interrupciones y enviar esa energía hacia otros puntos, lo que abre la puerta a una red energética que no se detiene cuando llega la noche.

Una empresa japonesa propone rodear el satélite con módulos fotovoltaicos

Japón plantea convertir la superficie lunar en una fuente continua de electricidad mediante el proyecto Luna Ring, presentado en el Twelfth SPS Symposium y vinculado a Shimizu Corporation. La propuesta describe un cinturón de paneles solares alrededor del ecuador de la Luna que permitiría generar energía sin interrupciones.

Según el planteamiento recogido en ese foro técnico, la producción no se detendría porque siempre habría una zona iluminada, y esa electricidad se enviaría hacia la Tierra para su uso. Tetsuji Yoshida, presidente del grupo de consultoría espacial de Shimizu, CSP Japan, explicó que “si toda la energía de este cinturón se enviase a la Tierra, desaparecería la necesidad de quemar combustibles fósiles”.

El envío de esa energía no se basa en cables que crucen el espacio, sino en sistemas que convierten la electricidad en radiación capaz de viajar grandes distancias. El proyecto contempla dos vías. Una utiliza microondas que llegan a la Tierra y se transforman en electricidad mediante antenas rectificadoras, conocidas como rectennas. La otra emplea láser, que permite concentrar más energía en un punto, aunque exige una precisión extrema para no perder el haz durante el recorrido. Ambas opciones requieren sistemas de control muy avanzados, ya que cualquier desviación o interferencia afecta al resultado final.

Las cifras ayudan a entender la escala del planteamiento. Para entregar unos 8,8 teravatios en la Tierra, los cálculos indican que haría falta generar cerca de 220 teravatios en la superficie lunar. Algunos escenarios elevan el potencial hasta los 13.000 teravatios, aunque no existe un plan financiero cerrado que respalde esa proyección. Esa diferencia entre lo que se produce y lo que llega refleja la complejidad del sistema y obliga a dimensionar la infraestructura a niveles que no tienen equivalente en proyectos energéticos actuales.

La estructura propuesta no es un conjunto aislado de paneles. El diseño incluye una franja de unos 400 kilómetros de ancho que rodearía por completo la Luna. La energía captada se trasladaría mediante cables hasta estaciones situadas en la cara visible, desde donde se realizaría la transmisión hacia la Tierra. Ese recorrido interno resulta necesario para concentrar la energía antes de enviarla, y convierte el conjunto en una red que conecta generación, transporte y emisión en un mismo sistema.

Resulta muy complicado llevarlo a la realidad

El entorno lunar introduce problemas que no aparecen en instalaciones terrestres. El polvo de la superficie, formado por partículas abrasivas, ya causó daños en equipos durante las misiones Apolo, y podría deteriorar paneles y mecanismos con el paso del tiempo.

Para evitar la exposición humana a la radiación, el proyecto plantea el uso intensivo de robots en la construcción y mantenimiento. Esa dependencia de sistemas automatizados añade otra capa de dificultad, ya que obliga a desarrollar máquinas capaces de operar durante largos periodos en condiciones extremas.

Las pérdidas energéticas representan otro límite importante. El rendimiento estimado del sistema basado en microondas se sitúa en torno al 5,82%, mientras que el uso de láser reduce esa cifra hasta aproximadamente el 2,20%. Esto implica que una parte muy grande de la energía generada se pierde durante la conversión y el envío. Esa relación entre producción y resultado final condiciona todo el diseño, porque obliga a producir mucho más de lo que se pretende aprovechar.

El coste económico aparece como el obstáculo que mantiene el proyecto en fase teórica. Estudios de la NASA indican que la transmisión de energía desde el espacio ha resultado inviable por el gasto asociado a desarrollo, lanzamiento, montaje y operación. La propuesta de Shimizu no cuenta con financiación ni calendario definido, y tampoco dispone del respaldo de agencias como la NASA o la JAXA.

Aun así, el interés internacional por este tipo de soluciones ha crecido, y ese movimiento mantiene abierta la posibilidad de que sistemas similares evolucionen con el tiempo. Aunque no será a corto plazo.

La historia de Momotaro (el ‘niño melocotón) es una de las leyendas populares más famosas y queridas de todo Japón. Una historia vinculada tradicionalmente a la prefectura de Okayama famosa en todo el país por la calidad de sus melocotones. Si llegas a la ciudad en tren una de las primeras cosas que tienes que hacer es caminar unos metros hacia el sur y visitar la estatua que rinde homenaje a este héroe que fue encontrado por una pareja de ancianos dentro de un melocotón gigante y que se convirtió en un héroe tras vencer a los ogros que secuestraban a los aldeanos del lugar. Esta no es la única sorpresa de esta pequeña ciudad situada en la costa al sur de Osaka (apenas a 40 minutos en tren bala Shinkasen -56 minutos hasta Kioto-).

Todo lo que hay que ver en Okayama se encuentra en un radio de 1.500 metros en torno a esta estación ferroviaria que comunica la ciudad con el resto de la costa uniéndola con poblaciones como Hiroshima que apenas dista 34 minutos en el Shinkasen. El eje que articula la ciudad histórica es el cauce del Río Asahi, que comunica el germen de la población con un mar que dista apenas ocho kilómetros. Las calles que dan al río concentran la inmensa mayoría de los rastros de la vieja Okayama: como Sakura no Baba o las pequeñas cuadras de casas de madera con patios preciosos que se encuentran justo después de la avenida Ujo Michi (barrio de Ishizeki).

En este pequeño universo de cultura tradicional japonesa nos encontramos con varios puntos de interés de entre los que destaca el Santuario de Okayama Jinja (2-33 Ishizekichō), un bonito templo sintoísta que está íntimamente ligado a la historia del Castillo y los señores feudales de la ciudad. El edificio que vemos hoy data de finales del siglo XVI aunque tuvo que ser reconstruido en profundidad tras la Segunda Guerra Mundial. Su puerta sí es original y data del Periodo Edo siendo una de las más antiguas de la costa sur de la isla de Honshū (siglo XVII).

Dos museos en el barrio.- En el entorno de Ishizeki podemos encontrar dos de los grandes museos de la ciudad. SI vas con tiempo y pasas la noche aquí puedes visitar alguno de ellos. El Museo de Bellas Artes (8-48, Tenjinchō) ocupa un vanguardista edificio que está dedicado a dar a conocer a artistas relacionados con la región. Por su parte, el Museo Oriental de Okayama (9-31, Tenjinchō), una verdadera rareza que exhibe colecciones arqueológicas de todo el continente desde el Imperio Persa a los orígenes de las civilizaciones locales. Es un museo muy interesante para ver pese a su eclecticismo.

El Museo Hayashibara (2-chōme-7-15 Marunouchi).- Este es el gran museo histórico de la ciudad. Este edificio formaba parte de las dependencias exteriores del castillo y funcionaba como casa de recepción de huéspedes del señor feudal. Hoy alberga una de las colecciones de armamento medieval japonés más grandes e interesantes del país junto a una buena cantidad de piezas artísticas .

El castillo del Cuervo (2-chōme-3-1 Marunouchi).- El gran Castillo Negro (o Castillo del Cuervo) es el gran monumento histórico de la ciudad y uno de los mejores castillos feudales de todo Japón (que ya es decir). Esta fortaleza está vinculada al clan Ukita, uno de los más poderosos del Periodo Senguku (siglos XV y XVI) en el que el país quedó fracturado en pequeños estados feudales que frecuentemente estaban en guerra entre sí. Esta era la casa del célebre Naoie Ukita, un poderoso damiyo (señor feudal) conocido por integrar el dudoso club de los ‘tres villanos de Japón’ (junto a Matsunaga Hisahide y Saitō Dōsan) por su crueldad y su forma de gobernar despótica y violenta.

Este Mizujiro (o castillo de agua por su situación junto a un río navegable con acceso al mar) es un ejemplo paradigmático de las estructuras defensivas de la época Senguku. Se alza sobre un enorme talud fortificado con gruesos muros de piedra (algunas de carácter ciclópeo) y un gran número de edificios y pabellones que incluyen viviendas, santuarios y salones ceremoniales. Y como colofón la increíble ‘Torre del Homenaje’, el Tenshu que servía de centro ceremonial, palacio del señor y, en caso de asedio, torre de mando y último foco de resistencia. Este castillo es totalmente visitable y cuenta con exposiciones y un curioso taller de cerámica tradicional en el que te enseñan a moldear un par de piezas.

El Jardín Okayama Korakuen (1-5 Kōrakuen).- Estamos ante el tercer jardín tradicional más grande de todo el país y uno de los más característicos del estilo paisajístico vinculados a los damiyo del periodo Edo. El diseño de este espacio ‘artificial’ lleno de colinas, lagos y pequeños bosques data de finales del siglo XVII y cuenta con uno de los En'yotei (un pequeño palacete que servía de residencia al señor) más bonitos de todo el país. Estos jardines eran espacio para la distracción y símbolo de poder de los señores feudales. Lo mejor de este jardín es que conserva buena parte de sus pabellones. En este tipo de jardines había salas de té, pequeños teatros y santuarios que completaban esa función residencial.

Los templos del Santuario Okayama-ken Gokoku (3-21 Okuichi).- A pocos kilómetros del centro de la ciudad nos encontramos con esta colina densamente arbolada (Monte Misao) que cuenta con un interesante complejo de templos, santuarios, pabellones y lugares de enterramiento. Este santuario es muy especial para los ciudadanos de Okayama porque aquí se rinde homenaje a las personas que han perdido la vida durante las guerras y crisis que se han producido desde la Restauración Meiji (1868). Este templo se erigió para rendir homenaje a los caídos durante la Guerra ‘Boshin’ (1868-1869), el conflicto civil que acabó con el feudalismo Edo. Pero en la actualidad rinde homenaje a las deidades ‘Eirei’, esto es, las relacionadas con los comportamientos heroicos. Es un lugar muy emotivo y muy bonito.

Que ver en Kurashiki, la pequeña Venecia de Japón.- Uno de los imprescindibles de cualquier parada en Okayama es aprovechar la cercanía de la pequeña ciudad de Kurashiki para ver su centro histórico atravesado por el Río que le da nombre a la población (apenas 20 minutos en tren). Aquí vamos a encontrar un conjunto pequeño pero continuo de casas tradicionales con paredes blancas y tejas grises en un paisaje marcado por el agua y los sauces llorones. Este lugar fue uno de los puertos fluviales más importantes del sur del Japón y eso se deja ver en la monumentalidad de sus templos y santuarios y en la riqueza de las casas. Esta riqueza se debió al control del puerto por el sogunato (periodo Edo) lo que salvó a la ciudad de las habituales destrucciones de las guerras feudales.

El canal del Río Kurashiki conforma la arteria principal del barrio de Bikán, centro histórico de la población. El propio canal y la calle Honmachi Dori forman el eje principal de la ciudad histórica donde se alternan viejos almacenes comerciales, casas tradicionales y algunos palacetes como la Casa Ohara (de principios del siglo XX) o la Casa de la familia Ohashi (del siglo XVII), Esta zona del río está plagada de museos, tiendas y alojamientos tradicionales (aquí se encuentra el hostal U-Rin-An que es famoso en todo el país y una especie de templo para mochileros que se mueven por el país).

Los dos grandes monumentos de la ciudad son el Templo budista de Honei (1-41 Honmachi) un precioso complejo de salones y pabellones con 800 años a cuestas; el Templo budista de Kanryu (2-chōme-25-22 Achi), otro edificio histórico notable que data del siglo XVI y, sobre todo, el Santuario de Achi (12 Honmachi), que es el templo sintoísta más importante de toda la ciudad. Este complejo de templos se construyó a principios del siglo XVI y está dedicado a las tres diosas Munakata, encargadas de proteger a los viajeros y peregrinos. El edificio es una pasada.

La mayor colección de arte occidental de Japón.- Una de las grandes sorpresas de Kurashiki es el Museo Ohara (1-chōme-1-15 Chūō), que cuenta con una colección centrada en el arte occidental contemporáneo que cuenta con obras de grandes maestros de los siglos XIX y XX como Monet, Picasso o Gauguin. También cuenta con algunos maestros menores del Renacimiento italiano y hasta un Greco. El museo tiene otro centro dedicado al pintor japonés Torajiro Kojima y un par de centros culturales con arte japonés antiguo.

Fotos bajo Licencia CC: Xiquinho Silva; Kanesue; Wei-Te Wong; inunami; othree; YU-JEN SHIH; lin padgham; amaknow; yoppy

En medio del tenso contexto internacional y las más que habituales reuniones tirantes entre líderes políticos, ver actualmente a dos mandatarios, ya sean extranjeros como nacionales, compartiendo un momento distendido y simpático es una auténtica anomalía. Pero, por suerte, aún suceden de vez en cuando. Y ha sido lo que ha pasado este miércoles en el Palacio de Akasaka en Tokio entre el presidente francés, Emmanuel Macron, y la primera ministra japonesa, Sanae Takaichi.

Ambos líderes han comparecido juntos antes los medios de comunicación. Al concluir sus discursos y tras responder a la prensa, Macron y Takaichi se han dado la mano y la primera ministra japonesa ha hecho el famoso gesto de combate Kamehameha que hacía Son Goku de la serie de dibujos Dragon Ball. Tras las risas iniciales del mandatario galo, se ha sumado al saludo dejando, sin duda, la imagen de la cumbre entre risas y aplausos de los presentes.

El gesto no ha sido fruto de la casualidad. Ambos países han acordado durante esta cumbre reforzar su cooperación bilateral en el ámbito cultural. En concreto, Macron abogó por impulsar la comercialización del manga en el país europeo, así como desarrollar programas conjuntos, como coproducciones audiovisuales o cinematográficas. “Francia es el segundo mercado de manga más grande. Ustedes son, sin duda, el país líder, pero nos apasiona el manga casi tanto como a ustedes. Nuestros jóvenes adoran estos libros, a sus héroes, a sus mitos, y queremos seguir desarrollándolos”, afirmó el presidente galo.

Japón y Francia también pactaron reforzar su cooperación bilateral en sectores como la energía nuclear o la inteligencia artificial además de comprometerse a buscar una “pronta desescalada” en la guerra en Oriente Medio y destacar la importancia de asegurar la navegación en el estrecho de Ormuz.

La imagen de Macron y Takaichi contrasta con la última imagen de la primera ministra japonesa con otro líder mundial. A mediados de marzo, la líder nipona se reunió con Donald Trump en la Casa Blanca. Y sus caras dieron la vuelta al mundo después de que el mandatario estadounidense bromease sobre Pearl Harbor: “¿Quién sabe más de sorpresas que Japón? Bien. ¿Por qué no me avisaron sobre Pearl Harbor?”.

Más allá del traspié en Washington, Takaichi es una habitual de dejar gestor distendidos en sus reuniones con otros líderes. Por ejemplo, el pasado enero terminó una cumbre con su homólogo de Corea del Sur tocando la batería a ritmo del k-pop de Golden y Dynamite después de que le contara el año pasado que era “un sueño muy querido” para él.

Este fin de semana llega la tercera carrera de la temporada 2026 de Fórmula 1, con el Gran Premio de Japón. En un año exigente con cambio de reglamento, los Mercedes son los monoplazas a los que mejor ha sentado la nueva dinámica, seguido de los Ferrari, ambas escuderías llegan, así como favoritas al circuito de Suzuka desde este viernes 27 al domingo 29 de marzo.

George Russell lega como líder del mundial con 51 puntos, seguido de su compañero de equipo Kimi Antonelli, con 47, último ganador de carrera. Charles Leclerc y Lewis Hamilton son tercero y cuarto en el campeonato mundial, con 34 y 33 puntos respectivamente.

Más les está costando a los pilotos españoles de la parrilla de F1 este año 2026, con un Fernando Alonso que acumula dos abandonos en carrera con un Aston Martin que está lejos de ser competitivo y Carlos Sainz Jr que sí que logró puntuar tan solo dos puntos en la pasada carrera en China. También está siendo difícil el cambio para el vigente campeón del mundo, Lando Norris, y para Max Verstappen, que no logró terminar en la pasada carrera tampoco.

El piloto asturiano llega tras estrenar paternidad, y tuvo un mensaje directo para Honda, que juega en casa en este fin de semana: “Es la carrera de casa para Honda también, en un momento difícil como el que estamos atravesando, hay que estar aquí, hay que apoyarles y ojalá acabar la carrera por primera vez este año, completar todas las vueltas es el objetivo”, declaró en la previa desde el circuito.

Cómo es el circuito de Suzuka del Gran Premio de Japón

El Gran Premio de Japón de Fórmula 1 2026 se disputa en el circuito de Suzuka, una pista legendaria que combina historia, velocidad y técnica y que es también uno de los más desafiantes del mundial. Con un diseño en forma de ocho, que no es habitual en automovilismo, permite que una parte de la pista cruce sobre otra, elevando su nivel técnico y el espectáculo para aficionados.

Se construyó en 1962 por Soichiro Honda, pensado como un trazado para pista de pruebas, pero que desde 1987 se convirtió como la sede del GP de Japón de F1. Tiene una longitud total de 5.807 kilómetros, al que se le dan 53 vueltas, con una distancia recorrida de 307.471 kilómetros, en 18 curvas y donde el récord lo tiene Lewis Hamilton, que marcó un 1:30.983 en 2019.

Horario y dónde ver por TV el GP Japón 2026

Al igual que ocurrió en Australia y China, el Gran Premio de Japón de F1 obliga a madrugar a los aficionados españoles, aunque lo hace antes de un mes de abril sin pruebas tras la cancelación de Bahréin y Arabia Saudí, con lo que dará una pequeña tregua.

Así, tras unos entrenamientos libres entre las 3:30 horas y 8 horas este viernes, el sábado llega primero con la última tanda de los libres, entre las 3:30 y las 4:30 horas de la madrugada en horario peninsular, y una clasificación que se disputará desde las 7 horas de la mañana. El domingo la carrera tendrá lugar a partir de las 7 horas de la mañana en España.

El Gran Premio de Japón de F1 se podrá ver en directo y diferido a través de la plataforma DAZN, que tiene los derechos de la competición, y donde se podrá ver el campeonato al completo.

El anime se encuentra en un gran momento. Si bien son las series las que gozan de mayor popularidad, hay películas que también triunfan entre los aficionados a este género. Este hecho lo ha confirmado el reestreno en cines de ‘Your Name’ por su décimo aniversario, que ha sido una de las películas más vistas del fin de semana, en cuarto lugar, con casi 400.000 euros recaudados.

‘Your Name’ sigue a dos chicos cuyas vidas se entrelazan cuando una mañana ambos se despiertan en el cuerpo del otro, a pesar de que su situación es muy diferente, pues mientras Taki es un chico de la capital, Tokio, y Mitsuha, vive en un entorno rural, en un pueblo. Todo ello debido a una tragedia sucedida, que se irá desvelando más adelante en la película.

El origen de la película ‘Your Name’

Dirigida por Makoto Shinkai, fue desarrollada a partir de varias ideas, basándose en la propia historia de Japón, pero también en un relato del Período Heian y que es un origen poco conocido de la película que se ha convertido en poco tiempo, diez años, en un clásico del cine anime.

Exactamente, Shinkai se basó en una de las historias que recoge el libro 'Torikaebaya Monogatari' del Período Heian, que va del 794 al 1185 respectivamente, de autor desconocido. En ella, se habla del intercambio de cuerpos y en su día causó rechazo porque lo consideraron algo desconcertante, pero ha ido influyendo obras posteriores, también siendo uno de los principales orígenes también de ‘Tenkousei’, un largometraje de 1982 en clave comedia en el que dos adolescentes intercambian sus cuerpos al caer por las escaleras.

Pero esta no fue la única influencia que usó Shinkai, que también se basó en la tragedia del terremoto de 2011, de 9 en la escala de Richter y que dejaría un total de 18.000 fallecidos al provocar también un tsunami posterior. El director puntualizó que le influyó también el hecho de que se dieran anteriores tragedias en el país, mencionadas desde textos antiguos.

Los protagonistas hacen un cameo en otra película

El final abierto y ligeramente feliz que deja ‘Your Name’ hizo pensar que se podría dar una continuación, y aunque no hay una secuela como tal, sí que tenemos otra película en la que aparecen los dos protagonistas. Se trata de otra del mismo director, ‘El tiempo contigo’, que se estrenó en 2019 y que también protagonizan dos jóvenes, Hodaka y Hina.

En ‘El tiempo contigo’, Mitsuha aparece como una dependienta, con aspecto similar a su versión adulta en el final de ‘Your Name’, y se confirma que es ella al mostrar su apellido en una tarjeta. Taki tiene un cameo mucho más complicado de detectar, pues aparece junto a su abuela, que es uno de los primeros clientes en la casa de los Tachibana.  

En la remota isla de Tongatapu, situada en el archipiélago de Tonga, una serie de científicos identificaron una estructura que desafía la lógica costera. Se trata de Maka Lahi, una piedra caliza de dimensiones extraordinarias que hoy yace a más de doscientos metros de la costa. Con un peso estimado de 1.200 toneladas, esta formación es considerada una de las rocas más grandes del mundo arrastradas por el mar. Su hallazgo ha abierto un nuevo capítulo en el estudio de la naturaleza en general y de los fenómenos naturales extremos que azotaron el Pacífico Sur en particular. Los investigadores quedaron atónitos al confirmar que un bloque de tal magnitud no pertenecía al entorno vegetal donde fue hallado. Esta roca, confundida a menudo con una colina, oculta tras de sí una historia de violencia oceánica que ocurrió hace milenios.

La ubicación de esta mole rocosa es lo que más inquieta a la comunidad científica, pues se encuentra sobre un acantilado de treinta metros. Habitualmente, estas alturas se consideran refugios seguros ante el embate de las olas, pero Maka Lahi demuestra lo contrario. El geocientífico Martin Köhler, de la Universidad de Queensland, lideró el equipo que documentó este extraño fenómeno tierra adentro. Lo que inicialmente parecía una colina natural resultó ser un intruso geológico arrancado violentamente de su lugar de origen. La vegetación que la rodea ha ocultado durante milenios el rastro de la catástrofe que la depositó en esa planicie. Este bloque de piedra caliza se erige hoy como un monumento natural a la potencia destructiva de los tsunamis antiguos.

Las dimensiones físicas de la roca son comparables a las de una casa de dos pisos, con 14 metros de largo por 12 de ancho. Su altura alcanza los 6,7 metros, lo que la convierte en el peñasco de cima de acantilado más grande conocido hasta la fecha. Está compuesta íntegramente por piedra caliza, un material que coincide con la composición del borde del acantilado cercano. Los análisis mediante modelos tridimensionales permitieron a los expertos reconstruir la trayectoria que siguió este gigante durante su transporte. Resulta difícil imaginar la energía necesaria para desplazar un objeto tan masivo a través de una distancia tan considerable. Maka Lahi no es solo una roca, sino una pieza de evidencia física de un evento oceánico sin precedentes.

El descubrimiento de Maka Lahi no ocurrió por azar, sino gracias a las valiosas indicaciones de los agricultores locales de Tongatapu. Mientras el equipo de Köhler buscaba evidencias de tsunamis en la costa, los lugareños les señalaron la existencia de la “Gran Roca”. Al llegar al lugar, los investigadores se toparon con un bloque que estaba fuera de su zona de trabajo inicial. Este aviso inesperado permitió identificar una pieza clave para entender la vulnerabilidad de las regiones costeras frente al océano. La mitología de Tonga ya mencionaba la presencia de esta roca, pero la ciencia finalmente ha podido explicar su origen. El equipo se mostró sorprendido por encontrar un objeto tan inmenso oculto entre cultivos de yuca y plátano.

Para explicar el movimiento de 1.200 toneladas, los modelos numéricos indican que se requirió un megatsunami con olas de cincuenta metros. Estas paredes de agua debieron mantener su fuerza durante al menos noventa segundos para lograr arrancar y desplazar el bloque. Tales magnitudes superan con creces las registradas en desastres modernos como los tsunamis del océano Índico o de Japón. La fuerza hidráulica necesaria para elevar tal peso hasta la cima de un acantilado es simplemente asombrosa para los geólogos. Los científicos creen que solo un evento de energía extrema pudo haber generado un impacto de tales características. Esta simulación matemática ha sido fundamental para validar que la roca fue realmente movida por el agua.

A diferencia de los tsunamis comunes provocados por terremotos, este evento probablemente fue causado por un deslizamiento de tierra submarino. La doctora Annie Lau señala que el colapso del flanco de un volcán pudo ser el detonante de estas olas gigantescas. Tonga es una zona tectónicamente activa, situada cerca de la fosa de Tonga y de la dorsal submarina de Tofua. Este contexto geológico favorece la ocurrencia de erupciones y desplazamientos masivos de material bajo el nivel del mar. La investigación sugiere que el origen del tsunami fue local, lo que intensificó el poder destructivo de la masa de agua. Estos megatsunamis por deslizamiento son menos frecuentes pero mucho más devastadores en las costas cercanas.

Antes de la ocupación humana

La datación de este evento sitúa la llegada de la roca a su posición actual hace aproximadamente 7.000 años, durante el Holoceno. Los investigadores analizaron la caliza secundaria formada por la lluvia para determinar con precisión la antigüedad del desplazamiento. Este hallazgo revela que el evento ocurrió mucho antes de que se produjera la ocupación humana estable de la isla. El análisis de la erosión sufrida por la piedra confirma que su estancia tierra adentro ha sido prolongada y constante. Estos datos ayudan a los geólogos a construir un historial de eventos climáticos y geológicos extremos en la región. Comprender el pasado remoto permite a los científicos proyectar escenarios de riesgo para las generaciones actuales.

Comprender lo que sucedió con Maka Lahi es fundamental para la evaluación de riesgos costeros en la actualidad y en el futuro. El tsunami de 2022 en Tonga, provocado por el volcán Hunga, recordó la peligrosidad latente de estas islas del Pacífico. El estudio de rocas gigantes permite mejorar los modelos de predicción y preparación ante posibles desastres naturales inminentes. Maka Lahi no es solo un misterio resuelto, sino una advertencia silenciosa sobre la fuerza imparable que posee el mar, aunque la ciencia continúa investigando el fondo marino para identificar el foco exacto que dio origen a este gigante.

En cocina solemos repetir una idea casi como un mantra: lo importante es la materia prima. Y sí, es verdad, pero en Japón esa frase se queda corta. Allí el producto no se entiende sin la técnica, y dentro de esa técnica hay un elemento clave que muchas veces pasamos por alto: el cuchillo.

Porque no todos los cuchillos cortan igual. Y en el caso de los cuchillos japoneses, esa diferencia no es un matiz, es el centro de todo. De hecho, en platos como el sashimi, el corte no es un paso más del proceso, sino el momento decisivo que determina cómo vas a percibir el alimento.

Aquí es donde entra en juego el cuchillo Sakimaru, una de las piezas más refinadas y precisas de la cuchillería japonesa.

El cuchillo Sakimaru: precisión, estética y herencia de la katana

El cuchillo Sakimaru es un cuchillo tradicional japonés cuyo nombre significa “punta redonda”, aunque lo que realmente lo define no es solo su forma, sino su filosofía. Su hoja alargada y estilizada recuerda claramente a una katana, y no es una casualidad: ambos comparten esa obsesión por la precisión y el gesto limpio.

Dentro del universo de los cuchillos japoneses, el Sakimaru surge como una evolución de dos herramientas clásicas: el Yanagiba y el Takohiki. Ambos estaban diseñados para el corte fino de pescado, pero el Sakimaru combina sus características y las lleva un paso más allá, tanto en funcionalidad como en estética.

Tradicionalmente, este tipo de cuchillo para sushi presenta un solo bisel, lo que permite cortes extremadamente limpios con un único movimiento. No hay serrado, no hay presión innecesaria. Solo un gesto fluido que respeta al máximo la estructura del alimento.

Por qué el corte del sashimi cambia completamente el plato

Puede parecer exagerado decir que el corte cambia el sabor, pero en realidad es exactamente así. El corte del sashimiinfluye directamente en cómo se percibe el pescado en boca, en su textura e incluso en la liberación de sus jugos.

Cuando se corta mal, las fibras del pescado se rompen, se aplastan y pierden parte de su calidad. En cambio, cuando se utiliza un cuchillo Sakimaru, el corte es limpio, preciso y continuo, lo que permite mantener intacta la estructura del producto.

Este detalle es fundamental dentro de los cuchillos japoneses, donde cada herramienta está diseñada para una función concreta. No se trata solo de cortar, sino de hacerlo de la forma más respetuosa posible con el ingrediente.

Por eso, en una barra de sushi, el cuchillo no es un accesorio más: es casi tan importante como el propio pescado.

Tipos de cuchillos japoneses dentro del estilo Sakimaru

Dentro de los tipos de cuchillos japoneses, el Sakimaru no es una única pieza, sino una familia con distintas variantes que se adaptan a diferentes usos. Esta evolución demuestra cómo la tradición japonesa no es rígida, sino que se adapta sin perder su esencia.

El Sakimaru Takohiki, por ejemplo, es más fino y ligero, ideal para cortes delicados como el pulpo. Su diseño permite trabajar con precisión milimétrica sin dañar la textura del producto.

El Sakimaru Yanagiba, en cambio, presenta una hoja más ancha y se utiliza principalmente para el corte del sashimi, siendo uno de los más habituales en la alta cocina japonesa.

Por último, el Sakimaru Sujihiki representa una adaptación más moderna. Con doble bisel, se acerca más a los estándares occidentales y permite trabajar tanto pescado como carne, ampliando así el uso del cuchillo para sushi más allá de su contexto tradicional.

Más que una herramienta: una forma de entender la cocina

Hablar del cuchillo Sakimaru es hablar de una filosofía culinaria donde cada gesto cuenta. En Occidente, muchas veces simplificamos el proceso: cortar es un paso previo a cocinar o servir. En Japón, en cambio, cortar es ya parte del resultado final.

Dentro de los tipos de cuchillos japoneses, cada diseño responde a una necesidad concreta, y el Sakimaru representa ese punto donde técnica, estética y respeto por el producto se encuentran. No se trata solo de precisión, sino de intención.

Al final, lo que diferencia un plato correcto de uno memorable puede estar en algo tan aparentemente simple como el corte. Y ahí es donde el cuchillo Sakimaru demuestra que, en cocina, los detalles no son pequeños.

Son absolutamente decisivos.

La Universidad de Sevilla ha recibido esta semana a un invitado de honor. El físico japonés Takaaki Kajita, distinguido con el Premio Nobel de Física en 2015, visita por primera vez la capital andaluza con motivo de su investidura como Doctor Honoris Causa por la Hispalense este miércoles.

El profesor Takaaki Kajita (Saitama, Japón, 1959) es un referente mundial en física de partículas y astrofísica. Se trata de una de las figuras más influyentes en la investigación de los neutrinos —partículas casi invisibles que atraviesan la materia sin interactuar—, cuyo estudio ha abierto nuevas vías para comprender el universo desde su origen.

Horas antes de recibir la máxima distinción honorífica que concede la Universidad de Sevilla, Kajita participó en un encuentro con medios de comunicación junto a su padrino, el profesor Juan Antonio Caballero. Durante la conversación, repasó el impacto de sus descubrimientos, avanzó las líneas de investigación en las que trabaja actualmente y, sobre todo, compartió su entusiasmo por la física, que lo ha impulsado durante toda su carrera como científico.

Lejos de cualquier solemnidad, el Nobel respondió con humildad y toques de humor a las preguntas planteadas por los periodistas, que no son precisamente físicos expertos. Ante cuestiones sobre la aplicabilidad futura de sus investigaciones o el impacto real de sus hallazgos, sonrió y admitió sin rodeos: “No idea”. Con esa sencillez en la respuesta, demostró que la grandeza científica no siempre se mide por certezas inmediatas, sino por la curiosidad, la paciencia y el afán genuino de entender lo desconocido.

Más cerca de entender el universo

El trabajo de Takaaki Kajita ha sido clave para resolver uno de los grandes enigmas de la física de partículas. A finales de los años noventa, a partir de los experimentos en el detector Super-Kamiokande, su equipo logró demostrar que los neutrinos —partículas extremadamente difíciles de detectar— cambian de tipo (la palabra técnica es sabor) mientras viajan. Este fenómeno, conocido como oscilación de neutrinos, implicaba algo fundamental: que estas partículas tienen masa.

El hallazgo, confirmado en 1998 y reconocido con el Premio Nobel en 2015 como “un descubrimiento histórico en la física de partículas”, supuso un punto de inflexión en la ciencia porque revolucionó el llamado 'modelo estándar', el marco teórico que durante décadas ha explicado el mundo subatómico. La existencia de neutrinos con masa y oscilaciones que evidenció Kajita supuso expandir los límites del modelo estándar. Y obligó a “ir más allá”, como señala el propio físico japonés, quien apunta a que este hallazgo abre la puerta a un campo aún por explorar.

Esa puerta podría conducir al fondo de cuestiones esenciales, como los secretos que entraña el universo. El estudio de los neutrinos podría ayudar a entender su estructura y comportamiento. “Es solo el comienzo para responder a una pregunta fundamental: el origen de la materia en el universo”, avanza el físico, que aspira a resolver por qué el mundo que hoy conocemos está compuesto principalmente de materia y no de antimateria.

Hacia el Hyper-Kamiokande

Para ello, su investigación se centra en analizar si neutrinos (materia) y antineutrinos (antimateria) se comportan de manera idéntica –como se esperaba antes– o si –como indican los primeros resultados– existen pequeñas diferencias entre ambos. En esta dirección trabaja ya la nueva generación de detector de neutrinos, bautiazada como Hyper-Kamiokande.

Estos experimentos “esperan poner de manifiesto la asimetría que existe entre la materia y la antimateria”. El objetivo es generar haces de neutrinos y antineutrinos en las instalaciones situadas en la costa este de Japón y analizar su comportamiento a lo largo de los 300 kilómetros que recorrerán hasta el otro detector, colocado en el extremo opuesto de la costa.

De esta forma, se podrán tomar “medidas muy fiables” y comparar las oscilaciones que experimentan los neutrinos frente a los antineutrinos durante el trayecto. “Si encontramos diferencias en su comportamiento, sería una señal clara de que la simetría entre materia [neutrinos] y antimateria [antineutrinos] no es exacta” argumenta el profesor. Esa posible ruptura, aunque sea mínima, podría explicar el origen de todo: “En algún momento de los primeros instantes de evolución del universo, se rompió la simetría de la materia y la antimateria, y eso hizo que el cosmos evolucionara a lo que es hoy”, imponiéndose la materia.

La aplicación, una incógnita

Kajita recuerda que estos estudios pertenecen a la investigación básica (y no a la aplicada), por lo que su aplicabilidad en la vida cotidiana todavía es incierta. “La historia de la ciencia muestra que los avances de la investigación fundamental pueden mejorar la vida de las personas con el tiempo de forma inesperada”, reflexiona.

Ante la pregunta de si imagina alguna aplicación derivada del descubrimiento de que los neutrinos tienen masa, Kajita sonrió y reconoció no tener ni ideas. “Nothing at all”. Nada en absoluto. Su padrino, el catedrático de Física Juan Antonio Caballero sí se permitió soñar por un momento: “Siempre he pensado que si tenemos cierto control sobre los neutrinos, por ejemplo, podríamos tener telescopios de neutrinos en vez de telescopios ópticos, que nos permitirían obtener información sobre fenómenos que ocurren en el universo antes que con la luz convencional, porque los neutrinos casi no interactúan con la materia”.

La universidad como motor de la investigación

Ser investido Doctor Honoris Causa por una institución con más de 500 años de historia supone para Kajita “un honor muy fuerte”. La distinción consolida además la colaboración entre el físico japonés y la Universidad de Sevilla, que participa desde hace años en los experimentos de Kamiokande y que formará parte de Hyper-Kamiokande a partir de 2028.

Tras mostrar su agradecimiento, el Nobel de Física puso en valor el papel que juegan las universidades en el avance de los descubrimientos científicos: “La universidad es un centro de formación, pero debe estar caracterizado también por la investigación y la transmisión de ese conocimiento”. Al hilo, Caballero apuntó que la mayor parte de la investigación que se realiza en España nace de las universidades. “Son el motor generador de la investigación puntera en cualquier campo”, afirmó el catedrático sevillano.

Kajita, que es también profesor universitario especial en la Universidad de Tokio, aprovechó su visita a la Hispalense para transmitir su entusiasmo a los jóvenes investigadores. Esa es, según dijo, la mejor forma de convencer a los estudiantes de que la física básica también puede ser emocionante: “Mostrar mi propio interés por el trabajo que realizo y la emoción que me despierta este tipo de descubrimientos”. Y así animó a los futuros universitarios a no solo interesarse por la aplicabilidad inmediata, sino por contribuir al conocimiento, “que es lo que hace avanzar a la sociedad”.

Una pequeña estación de tren en Hokkaido, la más septentrional de las islas principales de Japón, se volvió viral hace unos años por la historia que la rodeaba. Hablamos de Kyu-Shirataki, una pequeña parada que durante un tiempo fue utilizada por una única persona: la estudiante de secundaria Kana Harada, que cogía el tren cada mañana para poder ir al instituto. 

“Solo hay un tren que sale de la ciudad principal de Asahikawa hacia la escuela secundaria Engaru cada día, por lo que los padres de Kana hacen el viaje de cinco minutos hasta la estación a tiempo para que ella tome el tren de las 7:16h todas las mañanas, donde es la única pasajera habitual”, explicaba el medio SoraNews24, con sede en Tokio, en el año 2015. 

Una vez en el tren, Kana se encontraba con otros estudiantes que habían subido a los vagones en paradas anteriores. Para ella, este medio de transporte público se convirtió en la forma más rápida de desplazarse hasta la escuela: sin esta estación, la joven tendría que haber caminado más de 70 minutos para llegar.

La decisión que lo cambió todo

Kyu-Shirataki fue inaugurada en 1947 y operada por JR Hokkaido, pero con el paso del tiempo cada vez menos gente fue haciendo uso de la parada. Esta se ubicaba en una zona rural con cada vez menos población, lo que hizo que en 2015 la compañía se planteara seriamente el cierre de la estación. Sin embargo, la historia de Kana llegó hasta los directivos.

Después de conocer que la estudiante dependía del tren para llegar a clase, JR Hokkaido tomó una decisión: la estación se mantedría abierta hasta la graduación de Kana, que se celebraría a principios de 2016. Cuando la joven terminó oficialmente el instituto, la estación cerró sus puertas para siempre.

Para la despedida, los vecinos de la localidad decoraron una pancarta en la que podía leerse “Estación Kyu-Shirataki, 69 años, gracias”, colocaron un ramo de flores en el único banco de la estación, y vieron parar por última vez al tren con destino a Asahikawa que, durante años, Kana utilizó para ir al instituto y volver cada día a casa. 

La historia de Kyu-Shirataki también sirvió para exponer un fenómeno cada vez más extendido en el país nipón: el descenso de la natalidad y la despoblación de ciertas áreas rurales. En 2016, JR Hokkaido anunció que tenía dificultades para mantener la mitad de su red ferroviaria debido a la poca cantidad de pasajeros diarios que utilizan ciertas estaciones de tren. 

Cuando pensamos en arte oriental en España, lo habitual es mirar hacia grandes ciudades como Madrid o Barcelona. Sin embargo, una de las colecciones más importantes del país se encuentra lejos de los grandes focos culturales, en una ciudad castellana que pocos asociarían con China o Japón.

En Valladolid, concretamente en el Paseo Filipinos, se encuentra el Museo Oriental de Valladolid, considerado por muchos especialistas como la mejor colección oriental de España. Sus salas reúnen objetos procedentes de Asia que abarcan desde el siglo II antes de Cristo hasta el siglo XIX.

Lo curioso es que todo este patrimonio asiático se encuentra dentro de un edificio histórico español: el Monasterio de los Agustinos Filipinos, un enclave que guarda siglos de historia y que hoy funciona como uno de los espacios culturales más singulares del país.

El origen del Museo Oriental de Valladolid

El actual Museo Oriental de Valladolid fue inaugurado oficialmente el 12 de octubre de 1980 por los Reyes de España, aunque la historia de su colección comenzó mucho antes.

Durante más de un siglo, los padres agustinos que vivían en el Monasterio de los Agustinos Filipinos reunieron objetos procedentes de Asia. Muchos de ellos habían sido recopilados por misioneros que trabajaban en distintos puntos del sudeste asiático.

Gracias a ese contacto directo con países como China o Filipinas, fueron llegando al monasterio esculturas, porcelanas, armas, pinturas y objetos cotidianos que hoy forman parte de la mayor colección oriental de España.

Con el tiempo, aquella acumulación de piezas se organizó en salas expositivas hasta convertirse en lo que hoy es uno de los principales espacios dedicados al arte oriental en España.

Por qué es el museo asiático más importante de España

El Museo Oriental de Valladolid destaca no solo por el número de piezas que conserva, sino también por su variedad y antigüedad. Las obras que se exponen abarcan casi dos mil años de historia del arte asiático.

Entre las piezas más llamativas destacan las porcelanas chinas, algunas de ellas finamente decoradas, así como esculturas de bronce y pinturas tradicionales. También hay armas, adornos y piezas de marfil procedentes de Filipinas, que reflejan la riqueza cultural del sudeste asiático.

Esta diversidad convierte al museo en un referente del arte oriental en España, ya que permite observar cómo evolucionaron las técnicas artísticas y las tradiciones culturales de distintas regiones de Asia.

Además, el hecho de que todo este patrimonio se conserve dentro del Monasterio de los Agustinos Filipinos añade una dimensión histórica única al conjunto.

Un viaje por Asia sin salir de Valladolid

Recorrer el Museo Oriental de Valladolid es, en cierto modo, hacer un pequeño viaje por Asia sin salir de Castilla. Las salas permiten pasar de la delicadeza de la porcelana china a la riqueza decorativa de piezas japonesas o filipinas.

Este museo asiático en España se ha convertido en un punto de referencia para investigadores, historiadores del arte y viajeros curiosos que buscan descubrir una cara menos conocida del patrimonio cultural español.

Porque, aunque parezca sorprendente, en una ciudad del interior de la península se guarda una de las mayores colecciones de Asia que existen en Europa.

El Museo Oriental de Valladolid demuestra que el diálogo entre culturas lleva siglos produciéndose. Y que, a veces, las mayores sorpresas culturales aparecen en los lugares donde menos lo esperas.

Las grandes aventuras por entregas suelen ganar seguidores cuando logran mantener durante años un mundo enorme, personajes que evolucionan y un objetivo final que nunca se explica del todo. One Piece ocupa ese lugar dentro del manga mundial porque ha construido durante décadas un océano de historias de piratas, humor, batallas y viajes que millones de lectores siguen capítulo a capítulo.

El reconocimiento no se apoya solo en su extensión o en su popularidad, también en la forma en que la obra levanta preguntas que permanecen abiertas durante años. Entre todas ellas destaca una que mantiene el viaje de sus protagonistas desde el primer momento. Nadie sabe con certeza qué es realmente el tesoro llamado One Piece, y ese interrogante mantiene la historia en marcha.

Eiichiro Oda escribió la solución al enigma y la hundió en el fondo marino dentro de una cápsula sellada

Eiichiro Oda, el creador, escribió la respuesta definitiva a ese enigma y decidió guardarla en un lugar donde nadie pueda alcanzarla. El autor dejó parte del secreto dentro de un cofre que fue sellado en una esfera de vidrio preparada para resistir presión marina y que terminó en el fondo del océano. El objeto quedó a unos 651 metros bajo la superficie, donde permanecerá hasta que el relato llegue a su desenlace. Un video del proyecto explica que la verdad quedará allí hasta que toda la historia haya sido contada y afirma que “el tesoro One Piece sí existe”.

El propio proceso quedó documentado con bastante detalle. El 8 de febrero, en su estudio de trabajo, Oda escribió en una hoja el contenido del misterio y después rompió el papel en dos partes. Una de esas mitades se guardó dentro de un cofre pequeño, mientras que la otra se mantuvo fuera del recipiente.

Días después el cofre se colocó dentro de una esfera de vidrio diseñada para soportar presión, y la pieza fue transportada en barco mar adentro. Cuando la embarcación alcanzó el punto elegido, la esfera se dejó caer hasta que terminó reposando en el fondo del mar tras cerca de una hora y media de descenso.

Ese gesto se presentó dentro de un video publicado para celebrar la enorme difusión del manga. La grabación recuerda que la obra ha superado los 600 millones de copias en circulación en todo el mundo y también repite una afirmación que el propio Oda había hecho antes. El creador aseguró desde el principio que sabía exactamente qué sería el One Piece, incluso cuando la serie empezó a publicarse en 1997. El documento que quedó en el mar sería la primera vez que esa respuesta se ha escrito físicamente en un papel.

Varios aficionados analizaron las imágenes y situaron la caída en la Bahía de Suruga

El video generó otra consecuencia que, de alguna manera, se podía pronosticar. Algunos seguidores comenzaron a analizar cada detalle de las imágenes con la intención de averiguar el lugar donde cayó la cápsula.

Un usuario citado por unonumero_56 expuso que “no hay tierra visible desde el punto de caída al mirar hacia el suroeste”. Ese análisis añade que el fondo marino mostrado parece formado por sedimentos muy finos y planos, una característica asociada a zonas con corrientes débiles. Con esas pistas, varios aficionados concluyeron que el punto más probable estaría en la Bahía de Suruga, en Shizuoka, cerca de Tokio.

La hipótesis se apoya también en otros detalles observados en la grabación. El barco, la tripulación y el entorno marino sugieren para algunos seguidores que la operación se realizó en aguas japonesas. Además, la zona propuesta está relativamente cerca del lugar donde vive el autor. El mismo análisis añade que “es una ubicación que está cerca del hogar de Oda y se adapta a todas las pistas”. Incluso con esas conjeturas, nadie sabe si el metraje muestra la ubicación real o si algunos elementos han sido modificados.

La historia nació con la promesa de un gran botín lanzada por Gol D. Roger antes de morir

La pregunta sobre el tesoro no es un detalle secundario dentro del relato. En la historia, el rey de los piratas Gol D. Roger anunció antes de morir que había escondido el mayor botín del mundo. Esa declaración provocó una carrera entre piratas para encontrarlo.

Monkey D. Luffy y su tripulación, los Sombrero de Paja, navegan por la ruta conocida como Grand Line con la esperanza de descubrirlo algún día. Sin embargo, el viaje suele detenerse en conflictos políticos, guerras locales y búsquedas personales de redención que se cruzan en su camino.

Ese recorrido prolongado alimentó durante años varias teorías entre los seguidores. Algunos creían que el tesoro podría no existir o que la recompensa final sería solo un mensaje simbólico sobre la amistad entre los personajes. Por eso Oda decidió dejar la respuesta por escrito y enviarla al fondo del mar, como una forma de zanjar el debate. El vídeo remacha esa intención garantizando que el tesoro existe de verdad.

Mientras tanto, la obra continúa creciendo. El manga supera los 1.175 capítulos publicados y la adaptación animada ha emitido más de 1.155 episodios hasta comienzos de marzo. La historia también cuenta con una versión producida por Netflix con actores de carne y hueso. A pesar de esa enorme extensión, todavía no existe una fecha oficial para el final de la serie, lo que significa que el cofre con la respuesta seguirá descansando en el fondo del océano durante bastante tiempo.

En España, tenemos a Canelo. Este perro gaditano esperó 12 años en la puerta del Hospital Universitario Puerta del Mar (Cádiz), donde su dueño había sido ingresado por una enfermedad renal, hasta que murió atropellado. El animal, que durante todo ese tiempo vivió en la calle gracias a la ayuda de los vecinos, murió sin volver a ver al hombre que lo había cuidado.

Canelo consiguió su placa y Cádiz le puso su nombre a una calle para no olvidarlo, paralela al hospital en el que pasó sus últimos días esperando. Los amantes de estos animales domésticos seguro que rápidamente pueden relacionar esta historia con la de Hachiko, el perro más famoso de todo Japón. 

Este japonés de raza akita acabó en las manos de Hidesaburō Ueno, profesor de la Universidad de Tokio, y la relación entre animal y humano empezó a popularizarse en Japón en 1987, con la película Hachikō Monogatari dirigida por Seijiro Koyama. La historia del perro llegó al resto del mundo en 2009, con el estreno de la adaptación estadounidense Siempre a tu lado, Hachiko, protagonizada por el actor Richard Gere.

¿Qué le pasó a Hachiko?

Hachikō nació en una granja cerca de la ciudad de Ōdate, en torno al 1923. Un año más tarde, el profesor Hidesaburō Ueno decidió adoptarlo. Pronto empezaron a entablar una entrañable relación: cada día, el perro acompañaba al dueño a la estación de tren de Shibuya para despedirse cuando este iba al trabajo y, al final de la jornada, volvía a la estación para recibirlo.

Esto se convirtió en rutina para ambos hasta que el 21 de mayo de 1925, el profesor Ueno sufrió una hemorragia cerebral mientras daba clase en la universidad y falleció de forma repentina. Hachiko demostró la fidelidad de los perros, pues continuó yendo a la estación todos los días durante casi 10 años, esperando el regreso de su dueño.

Los vecinos de Shibuya conocían perfectamente al animal de verlo merodeando por la estación, esperando sin descanso volver a reencontrarse con su dueño. Tanta fue la admiración de la ciudad, que el ayuntamiento decidió poner una estatua de bronce con la forma de Hachiko cerca de la estación. 

Esta se inauguró en abril de 1934, cuando el perro todavía estaba vivo. Hachiko falleció el 8 de marzo del año siguiente, y hoy su estatua sigue atrayendo a miles de turistas que hacen largas colas para hacerse una foto frente al homenaje a uno de los perros más famosos del mundo. 

La semana pasada se celebró en Madrid la Japan Weekend, una cita anual que habla de la buena salud de la influencia de la cultura del país asiático en España. La feria de anime y manga se une a otras parecidas que salpican el calendario, a una nómina cada vez mayor de tiendas especializadas y a la popularización de los antaño escasos viajes turísticos al país. Japón no es una moda, sino un interés asentado en un sector no desdeñable de la población. Hablamos hoy de cuando algo parecido sucedió en nuestro país y en Madrid cuando, durante el siglo XIX y las primeras décadas del, XX la cultura japonesa fue también objeto de curiosidad. Anidó en los gustos de las élites madrileñas, permeó en sus nacientes instituciones culturales y se derramó al comercio y el ocio popular.

El interés por el Asia Oriental en nuestro país se remonta al siglo XVIII, con manifestaciones vinculadas a la decoración de los palacios reales, como el Salón de Porcelana del Palacio Real o la Sala China del Palacio de Aranjuez. Se ha llamado la chinoiserie a una visión fantástica y poco realista de oriente, algo parecido a lo que Edward Said llamaría después, centrándose más en la visión del mundo árabe, orientalismo.

Pero lo que se ha denominado propiamente japonismo –primero corriente artística y luego más general– entra en España por donde lo hacían la mayoría de las modas internacionales: a través de París y, por su cercanía a Europa, por Barcelona. Es en esta ciudad donde se produce en 1888 una exposición universal cuyo pabellón japonés, el único de un país asiático, fue uno de los más exitosos; auténtica puerta de entrada para manufacturas y piezas artísticas procedentes de Japón (especial atención mereció la casa tradicional japonesa hecha en madera de ciprés hinoki trasportada allí desde Yokohama). En Madrid ya se había producido la Exposición de Objetos de China y Japón de 1871, patrocinada por el Ministerio de Ultramar.

Abanicos, biombos, cojines de seda o grabados en madera (Ukiyo-e) fueron algunos de los elementos más apreciados de lo japonés en nuestro país. La fascinación por el Ukiyo-e, en concreto, se extiende hasta nuestros días y tiene su exponente más claro en la conversión pop de la famosa ola de Hokusai.

La alta sociedad acogió, como antes había sucedido en otras grandes ciudades europeas, el gusto japonés, creándose espacios suntuarios como el Salón Oriental del palacio de Santoña (1876) o el gabinete japonés de Cánovas del Castillo. Pero la decoración “a la japonesa” llegó también a lugares abiertos al público, como el restaurante L'Hardy o el salón japonés del Teatro Alcázar, donde los artistas salían a saludar al público vestidos con kimonos, según contaba Ramón Gómez de la Serna.

El arte japonés encontraría acomodo en los estudios de algunos de los artistas más relevantes de la sociedad madrileña de la época, como el del cordobés Julio Romero de Torres, que pintaría su Geishas en Kimono en 1898 por encargo del Casino Militar de la Gran Vía. O Joaquín Sorolla, en cuya casa-museo aún se custodia una máscara de teatro Noo que fue propiedad del artista. En el capítulo de los literatos cabe mencionar que, probablemente, lo japonés tendría presencia en las tertulias que se producían el salón de Emilia Pardo Bazán, gran aficionada al tema. Sin embargo, la influencia más directa fue seguramente la de Enrique Gómez Carrillo, que publicó en 1912 El Japón heroico y galante.

El furor por lo asiático, en general, y por la cultura japonesa en concreto, vestía mucho y pronto llegaron también las primeras piezas al Museo Arqueológico, recientemente creado, como una armadura de samurái completa– que costó 1.000 pesetas–, cajas barnizadas con laca urushi, porcelana de Satsuma y una larga nómina de objetos, a menudo donados por cónsules españoles en Japón y viajeros de posibles.

Cada vez era más frecuente encontrar objetos artísticos y decorativos japoneses en nuestra ciudad. Se abrieron tiendas especializadas o que, al menos, trabajaban el género, como La japonesa, Sobrinos de Martínez-Moreno, Sucesores de Pallares Aza y Artículos de Japón. Tiendas donde encontraban acomodo las japonerías (objetos estéticos) como la tienda de Arnaiz en la calle de Postas, descrita por Benito Pérez Galdós en Fortunata y Jacinta, donde se vendían pañuelos bordados y marfiles labrados. El quitasol japonés se convirtió también, a finales del XIX y principios del XX, en un accesorio para las clases altas en sus visitas a los balnearios y las playas. Decaería unas décadas después, cuando se puso de moda ponerse moreno en vez de conservar la palidez.

Lo japonés también colonizaría la cultura de masas y sus manifestaciones más frívolas. En la calle de Alcalá estuvo a principios del XX el Salón Teatro Japonés, donde reinaban el music-hall y el cuplé entre motivos decorativos de inspiración japonesa. El 20 de noviembre de 1907 se presentó en el Teatro Real de Madrid la ópera Madama Butterfly de Giacomo Puccini, de tema japonés, dando idea de cómo este universo estético había calado ya en capas significativas de la sociedad.

El ciclo se cerraría antes de la guerra con la primera gran exposición de estampas japonesas en España, celebrada en el Museo Nacional de Arte Moderno en 1936, con 338 piezas que abarcaban desde el siglo XVII hasta el XX. El Museo del Prado adquirió a su finalización 20 estampas representativas que son la piedra fundacional de su colección de arte japonés.

Las relaciones internacionales jugaron un papel tan importante como los intercambios comerciales a la hora de entender el acercamiento de la cultura japonesa y la española. En 1868 se había firmado en Kanagawa el Tratado de Amistad, Comercio y Navegación entre ambos países. En Japón se iniciaba la Revolución Meiji, que buscaba modernizar el país y abrirlo al exterior tras años de aislamiento, mientras que España estaba inmersa en la Revolución Gloriosa –Isabel II había sido depuesta del trono solo dos meses antes de la firma–. De vuelta a la realidad monárquica, las relaciones diplomáticas continuarían: Alfonso XII recibió en el Palacio de Madrid al cónsul Kagenori Ueno y en 1883 el príncipe Taruhito Arisugawanomiya visitaría Madrid.

La fascinación por lo japonés abandonó el mundo de lo meramente estético con la victoria militar en la guerra ruso-japonesa (1904-1905). El catalizador del creciente interés entre los militares españoles fue la publicación de la obra de Nitobe Inazo, Bushido: El alma de Japón. Nitobe, un académico que escribió originalmente en inglés para explicar su cultura a Occidente, presentaba el Bushido –un código ético samurái– no como una reliquia histórica, sino como el sistema moral que permitía a Japón modernizarse sin perder su identidad nacional. No fueron pocos los que, agarrados al sentido del honor, asimilaron al samurái con la figura hispana del caballero, y encontraron en el texto una vía tradicional a la modernidad y el naionalismo.

La atracción espiritual noventayochista encontró eco en el debate entre Miguel de Unamuno y Ramiro de Maeztu. Mientras que el primero lo desdeñó, Maeztu quedó prendado por el bushido, llegando a afirmar que cada soldado japonés era una mezcla mística de San Francisco de Asís y Hernán Cortés. Es así como la imagen especular y deformada de la tradición japonesa se incorporaba al debate sobre la identidad española después de 1898. Este itinerario sería recogido por José Millán Astray, que trataría de mezclar en el espíritu de la Legión Española, los viejos Tercios de Flandes, la Legión Extranjera francesa y el Bushido.

La política internacional seguiría marcando la relación de la sociedad española con la imagen de lo japonés en las siguientes décadas. En los años treinta la izquierda lo vincularía, tras la invasión de la Manchuria, con el imperialismo, mientras que el país atraía a los sectores conservadores y, más tarde, a los franquistas, que verían en Japón un baluarte del anticomunismo. Aunque no es objeto de este artículo, diremos que la imagen de Japón caería en desgracia después de la matanza de Manila en 1945. El Franquismo utilizó los crímenes cometidos contra la colonia española y el asalto al consulado español para intentar alejarse de sus antiguos aliados del Eje y capear los nuevos vientos de la política internacional después de la Segunda Guerra Mundial. La nueva narrativa azuzó el espantajo racista del peligro amarillo y lo oriental pasó a ocupar un lugar distante en la cultura española hasta que, muchos años después, las manifestaciones más contemporáneas de Japón llegaran de nuevo en un envoltorio globalizado, ¿para quedarse?

Del periodo Edo al auge global del sushi: la historia de un ingrediente que pasó del mar a la alta gastronomía

Día Mundial de los Pastos Marinos: estas son las algas que jamás podrías ingerir por tóxicas

Cada 1 de marzo se celebra el Día Mundial de los Pastos Marinos, una fecha que invita a mirar bajo la superficie del mar. Entre las especies vegetales que han marcado la historia alimentaria de varias culturas, pocas han tenido un recorrido tan internacional como la alga nori japonesa. Hoy la asociamos automáticamente al sushi, pero su presencia en la dieta asiática es mucho más antigua.

La alga nori japonesa no es una moda contemporánea. Es un ingrediente con siglos de tradición que, sin hacer ruido, ha pasado de los estuarios japoneses a las cartas de restaurantes de medio mundo. Entender su expansión implica detenerse en el origen del alga nori y en cómo se transformó en esas láminas finas y oscuras que envuelven arroz y pescado.

Origen del alga nori: del mar a las hojas prensadas

El consumo de algas en Japón se remonta a más de 1.500 años. Sin embargo, la historia del alga nori da un giro importante durante el periodo Edo (1603-1868). Fue entonces cuando se perfeccionó una técnica inspirada en la fabricación de papel: las algas se trituraban, se prensaban y se secaban en finas hojas rectangulares.

Ese proceso marcó el origen del alga nori tal y como la conocemos hoy. Antes, el alga se consumía fresca o en preparaciones menos refinadas. Con la estandarización en hojas secas, el producto ganó versatilidad, facilidad de transporte y capacidad de conservación.

A lo largo de los siglos, la historia del alga nori ha ido ligada al desarrollo urbano japonés. En la bahía de Tokio, por ejemplo, el cultivo de nori se convirtió en una actividad económica relevante. Con el auge del sushi en el siglo XX, la alga nori japonesa dio el salto internacional.

Más allá del sushi: usos y calidad

Aunque el sushi popularizó la alga nori japonesa fuera de Asia, su uso no se limita a los maki clásicos. Se emplea en onigiri, temaki o como envoltura para pequeñas preparaciones individuales. También se corta en tiras finas para aportar textura y sabor umami a sopas y arroces.

No todas las hojas son iguales. La calidad se distingue por el color —negro intenso y brillante en las gamas más altas—, la textura crujiente y la facilidad con la que se funde en la boca. En la cocina japonesa tradicional, elegir una buena lámina forma parte del ritual.

El Día Mundial de los Pastos Marinos es una buena excusa para recordar que la historia del alga nori no es solo gastronómica, sino también ecológica. Las algas marinas forman parte de ecosistemas costeros esenciales para la biodiversidad y el equilibrio marino.

Beneficios del alga nori: mucho más que sabor umami

Además de su papel culinario, los beneficios del alga nori explican su permanencia en la dieta asiática. Es rica en yodo, necesario para el funcionamiento de la tiroides, y aporta proteínas vegetales con aminoácidos esenciales. También contiene vitaminas del grupo B, entre ellas la B12, además de calcio y magnesio.

Su bajo aporte calórico y su densidad nutricional convierten a la alga nori japonesa en un ingrediente interesante dentro de una alimentación equilibrada. Los beneficios del alga nori incluyen, además, propiedades antioxidantes y un contenido notable en minerales.

Entender el origen del alga nori y su evolución permite verla más allá de su papel decorativo en el plato. No es solo la lámina que sostiene el arroz; es un producto cultivado, transformado y transmitido a lo largo de generaciones.

En el contexto del Día Mundial de los Pastos Marinos, recordar la trayectoria de la alga nori japonesa es también reconocer el valor de los ecosistemas costeros que la hacen posible. Porque cada vez que enrollamos un maki, hay siglos de tradición marina detrás.

Abres el teléfono, entras en cualquier red social y no falla: una imagen o un nuevo vídeo de Punch. Punch despioja a su peluche. Punch corre con un palo. Punch es “agredido” por otros monos. “Soy yo cuando me hablan feo”, “daría mi vida por Punch”, son algunos de los comentarios que se pueden leer. Una vez más, una cría de animal que nos produce ternura se ha hecho viral. Esta vez se trata de un macaco que, tras ser abandonado por su madre, ha encontrado un sustituto: un orangután de peluche que arrastra por el recinto y al que se aferra cuando tiene miedo o quiere dormir. Es normal que nos dé pena, pero los expertos piden no dejarse llevar por la emocionalidad de las imágenes: lo más triste de su historia no es lo obvio.

Las actualizaciones de su estado funcionan como una perfecta campaña para el zoo Ichikawa de Japón, en el que vive junto a otros primates. También para la empresa que ha fabricado el peluche que arrastra desde hace semanas. Su madre lo rechazó y sus cuidadores decidieron introducir una figura que pudiese suplir su necesidad de apego. Primero fueron toallas enrolladas, luego optaron por su ya conocido amigo inanimado, que no suelta. Al principio, Punch estaba apartado y no se acercaba mucho a otros monos, pero poco a poco ha comenzado a interactuar más con el grupo. Su historia es triste, pero no es única en el mundo animal.

Sí, es monísimo —valga la redundancia—, pero los expertos piden no caer en lo que el algoritmo premia: la espectacularización y la humanización de animales salvajes. “Históricamente hemos visto a los primates como caricaturas nuestras y despiertan una gran empatía por el parecido a nosotros”, explica Laia Dotras, directora adjunta del Instituto Jane Goodall España, por lo que es normal que la historia de Punch nos enternezca.

Sin embargo, el abandono o rechazo de las madres no es raro en la fauna salvaje. “Más allá de la anécdota, este caso se ha explicado muy mal”, critica Miquel Llorente, primatólogo. Para el experto, no se ha tenido en cuenta que este tipo de rechazos o incluso agresiones por parte de la madre o el grupo “es un comportamiento natural en los macacos”, especialmente en los japoneses, con sociedades muy jerarquizadas. “Tenemos todo el derecho a que nos parezca algo muy triste pero esto sucede. Forma parte de la naturaleza”.

Si bien, es cierto que hay que tener en cuenta que este mono y su grupo están en cautividad y otros factores pueden influir en su comportamiento: “El estrés, una temperatura no adecuada para esa especie, que la hembra no haya podido observar a otras madres y no haya tenido un aprendizaje social para cuidar a un bebé”, entre otros, enumera la investigadora Laia Dotras. Aunque, eso sí, lo más importante es el entorno social: “Hay que validar hasta qué punto el grupo funciona de una manera natural y los roles están bien desarrollados”, apunta Llorente.

Aunque hay otros aspectos muy importantes como las condiciones del zoo (falta de vegetación, el tipo de recinto en el que están, el tipo de suelo que no es apropiado para su especie, etc.), lo fundamental cuando se habla de primates es la socialización. Y el problema viene cuando en cautiverio esa socialización cambia debido a las condiciones por la falta de migraciones a otros grupos o los cambios en las dinámicas por el acceso a alimentos, por ejemplo. Todo esto puede influir en cómo se desarrollan la crianza de un nuevo mono: “En vida silvestre lo que suele ocurrir es que otra hembra proporcione cuidado a esa cría y así puede establecerse en el grupo y sobrevivir”, explica Víctor Beltrán, experto en macacos.

Aunque ver cómo Punch es arrastrado por otro mono por el recinto y después corre despavorido hacia su peluche pueda darnos pena, desde luego no es “bullying”, como se ha dicho en redes sociales. Y este es uno de los principales problemas que no solo se ve en este caso, también en otros como el caso de la pequeña cría de hipopótamo Moo Deng: el de la humanización de los animales exacerbada por las redes. Para que un grupo acepte a un macaco se requiere tiempo, explica Laia Dotras: “Es un proceso gradual y se observan conductas que pueden ser totalmente normales. Incluso puede que otras hembras defiendan a sus pequeños” ante un individuo que todavía no está integrado.

También se ha llegado a sugerir que este primate podría tener algún tipo de trastorno o “depresión”. “No es nada patológico lo que está sucediendo”, afirma Miquel Llorente. Aunque en cautiverio no es extraño que los primates muestren otro tipo de comportamientos que sí lo son como “automutilarse o acicalarse en exceso”, precisa Beltrán. “Compartimos muchas cosas con los primates, pero eso no quiere decir que las explicaciones de su comportamiento las demos como si fuera un pequeño humano con pelo, eso sería incorrecto”.

Resulta inevitable hacer una comparativa con otras imágenes que hemos visto en otras ocasiones: cuando una cría de primate muere y su madre lo arrastra durante semanas en un proceso de duelo. Pero ¿por qué Punch no se separa de su peluche, aunque sea un objeto inanimado?

La importancia del apego para la supervivencia tanto de los primates pero también de los humanos se viene estudiando desde hace años. Ya en la década de 1950 el investigador Harry Harlow lo demostró en un estudio, que ha sido criticado por falta de ética al separar a crías de mono separadas de sus madres a las que se les daba dos opciones como figura de apego: una de ellas era un aparato que proporcionaba alimento. Otra, un aparato que, sin proporcionar este alimento, estaba recubierto de felpa y simulaba un mono. Las crías preferían pasar más tiempo con el que estaba cubierto de felpa, aunque no pudiesen comer de él: “El apego es muy importante, en macacos hay muchos estudios que demuestran que el hecho de que un individuo se críe con otro de su misma especie cambia totalmente sus condiciones comportamentales y sus capacidades”, explica Víctor Beltrán.

Es decir, el peluche de Punch no es un simple peluche. Cumple una función muy importante al aportarle ese contacto físico que le falta de su madre.

Los tres expertos coinciden en que ahora, el siguiente paso realmente importante es conseguir que el resto del grupo lo acepte y ese peluche que cumple esa necesidad pueda ser sustituido por otro individuo porque una madre no solo proporciona calor y alimento, también brinda conocimiento, fundamental para que la cría pueda desarrollarse plenamente.

La conexión con su madre, al igual que ocurre con los humanos, es un básico. Tanto que incluso, explica Laia Dotras, cuando las crías de primate son arrancadas de sus progenitoras para venderlos en el mercado ilegal, las madres en muchas ocasiones son quemadas y sus crías acaban llegando a los centros de rescate con esas quemaduras: “Se tiran al cuerpo quemado para estar con su madre”.

Y ese es precisamente el problema mayor que subyace de la historia de Punch. Los tres especialistas confirman que la evidencia científica indica que si tiene una consecuencia la viralización de este tipo de historias ese es el aumento de la caza furtiva. “Hay mucha gente que ve a una cría de primate con esos rasgos tan infantiles como los de un niño y dice 'yo me lo llevaría a mi casa, a un bebé así yo lo podría cuidar'. Eso puede generar mucho daño a las poblaciones de primates, es nefasto para ellos”, critica Laia Dotras, que recuerda que el proceso por el que alguien puede tener a un mono en su casa es porque ese mono ha sido separado de su madre, a la que suelen matar. “Estas crías los primeros meses pueden ser manipulables pero luego son inmanejables, tienen una dentición bestial y pasan la vida condenados”, añade.

Hay tanto consenso entre la comunidad científica sobre esto que ya incluso las propias investigadoras que trabajan en centros con primates tienen interiorizado el no subir selfies con ellos a las redes sociales, precisamente para que no se genere esta falsa idea de que pueden ser inofensivos, explica Víctor Beltrán. Diferentes asociaciones trabajan en campañas para concienciar sobre esto, como la Asia for Animals Coalition.

"El tráfico ilegal es devastador para muchas especies de primates y los condena a la extinción. Los esfuerzos se tienen que poner en conservar los hábitats naturales de estos animales y en no cazarlos. El foco tiene que estar ahí"

Laia Dotras — Directora Adjunta del Instituto Jane Goodall España

Aunque todo parece indicar que finalmente Punch será aceptado por su grupo (ya hay imágenes de él siendo desparasitado por otros monos, una buena señal), su caso no solo habla de que vincularnos con otros no es solo propio de nuestra especie. También debe servir para reflexionar sobre cómo la humanización de estos animales que puede parecer inofensiva, en realidad hace muchísimo daño. Y así lo piden los expertos: “Que su historia sirva para visibilizar a los primates que viven en libertad y a cuidar sus hábitats naturales”.