La llamaban Pinito como a tantas niñas grancanarias, en honor a la patrona de la Isla. En los papeles oficiales, María Cristina del Pino Segura; en los carteles de las funciones del circo, Pinito del Oro. Y llegaron a ser funciones de cuarenta elefantes en la pista, veinte caballos, más de cincuenta bailarinas, vestuario de plumas y 16.000 personas en la grada. Aquel debut en el Madison Square Garden era el resultado de años de trabajo y penurias; desde una vida ambulante, tres caídas en la arena casi mortales y un circo familiar que no se lo puso nada fácil.

“No existe la gravedad para Pinito”, titulaba aquellos días la prensa extranjera. Y no solo la gravedad que atrae los cuerpos al suelo, sino la que marcó toda su vida con eventos traumáticos, atravesada por una infancia dura con 18 hermanos que la denostaron y un matrimonio apresurado para escapar de ese asfixiante contexto familiar en una vida de sacrificios por el circo y por la aprobación de quienes más amó.

Su vida es una leyenda, y también de película, como ha sabido ver la directora canaria Arima León, que ha escrito y dirigido Tal vez, un film sobre la vida de la trapecista, que se estrenará en España el próximo 10 de julio y que trae de nuevo al presente a una de las canarias más famosas de la historia.

El día que su padre se fue con los titiriteros

La decisión de José Segura, padre de Pinito del Oro, de irse con los titiriteros e ignorar los planes que su familia tenía para él, no solo marcaría su vida, sino la de toda su familia y la historia del circo mundial. Pero en ese momento él no lo sabía. Ni siquiera cuando fundó el Gran Circo Segura en Canarias, con el que viajó por toda España vendiendo ilusiones a un precio muy bajo a gente que no lo podía pagar.

Fue en ese circo, fundado con su mujer, Atilana, donde nació en 1936 María del Pino Segura, la más chica de la casa. “Mi madre me retuvo, no quería que yo fuera artista porque había sufrido mucho en el circo con las caídas de mis hermanos. Quería que fuera para ella, no para el circo”, contó la artista en una entrevista a Televisión Española en 1991. La profecía fue autocumplida: como su madre no quería que se dedicara al espectáculo como el resto de sus hijos, no practicó ninguno de los números del circo familiar y tampoco parecía que ninguno se le diera bien, circunstancia que sus hermanos le recordaban siempre que podían.

La muerte y el equilibrio

Pero, un día, decidió subirse a un alambre que había de palo a palo bajo la lona, y se mantuvo en pie, e incluso dio unos pasos. Su padre, sorprendido de que no se cayera, le puso el alambre todos los días y Cristina empezó a ensayar. “De esa manera me hice alambrista. Mala, pero como era una niña, era un número que pasaba”. El día de su debut, su madre estaba gravemente enferma y Pinito triunfó aquel día sin poder compartirlo con ella. Fue la primera vez que la muerte y los hitos de la carrera de la artista cruzaron sus caminos.

Entonces, Pinito tenía once años. Su padre quedó viudo, sus hermanos mayores casados y ella, una niña que ya entraba en la adolescencia. “Me vi perdida en este mundo extraño que es el circo, pero entonces me di cuenta de que estaba atada a él ya para siempre”.

En 1945 mueren en un accidente los dos puntales del Circo Segura, los hermanos de Pinito Salvador y Esther. El resto de sus hermanos llegó a desear que hubiera sido Pinito la que muriera aquel día, pero ella justificaría esas afirmaciones como fruto del dolor y la frustración, declinando con bastante elegancia entrar en polémica en entrevistas posteriores.

Un trapecio heredado

Estando en Canarias y en recuerdo a su hermana fallecida, Pinito cogió entre sus manos su trapecio, lo acarició, y su padre, que vio la escena le dijo: “Qué pena que un número tan bonito desaparezca”. Aquellas palabras fueron recibidas por Pinito más que como una invitación, como una última oportunidad de pertenecer a aquel mundo que era su familia y podía ser también su oficio, y al día siguiente probó en el trapecio y, no solamente se mantuvo sino que realizó un vuelo. Su padre le enseñó el vuelo hacia atrás y hacia adelante, que era el más peligroso -con el que Pinito sufrió las tres caídas-, ya que la trapecista añadió una variante que lo hacía más peligroso: en lugar de poner una mano delante y otra detrás, para tener siempre a mano una cuerda del trapecio, hacía sus acrobacias con las dos manos delante.

A partir de ahí, la carrera de Pinito fue en ascenso. Fue también su padre quien le eligió su nombre artístico. Dado que existía una famosa trapecista llamada “La Rita de Plata”, el padre de Cristina decidió llamarla “Pinito de Oro”. Fue ahí cuando reanudó una buena relación con su padre y comenzaron los ensayos de más de cuatro horas diarias.

Firmaba todos sus contratos, incluso añadía de su puño y letra la cláusula: “Es mi deseo, y mía toda la responsabilidad, trabajar sin red”

“Cuando estás toda la vida escuchando que no vales para nada y de pronto descubres que tienes un don que no todo el mundo posee, entiendo la necesidad que tenía de demostrar lo mucho que se equivocaban”, cuenta a este periódico Arima León, directora de Tal vez. “Se jugaba la vida noche tras noche para conseguirlo, hasta ese nivel de compromiso (o quizás de locura) llegaba su visión del circo”, explica.

“Sacrifiqué al hijo”

Pinito del Oro tenía 16 años cuando conoció a Juan de la Fuente, su marido durante dos décadas, el hombre que se ponía debajo de los 20 metros para coger a su esposa si se caía, llegando a romperse los brazos en esta hazaña. Casarse para Pinito fue emanciparse, fue viajar sola y poder aceptar la oferta del circo más famoso del mundo, el Ringling Bross, y fue también actuar en Nueva York y por todo el mundo.

“Es curioso porque, a pesar de sentir y vivir la vida desde una perspectiva ampliamente liberal, negada a vivir bajo el yugo impuesto de nadie, ni su padre, ni su marido, Pinito del Oro, artista y empresaria, siempre se consideró una mujer conservadora y de derechas”, explica a este periódico la cineasta Arima León. “Muy jovencita abortó porque quiso apostar por su carrera profesional y estuvo con quien ella quiso (o se permitió). Quizás porque en los momentos más duros del franquismo ella vivió grandes periodos en otros países. Es una de las contradicciones que más me han llamado la atención de ella”, cuenta la cineasta a Canarias Ahora.

De ese aborto voluntario hablaría Pinito con determinación en la Televisión Pública española de los años 90. “Sacrifiqué al hijo”. Después, más adelante, tendría dos, Juan José y María Isabel. Tras su presentación en Nueva York, se fijó en ella Cecil B. de Mille y la contrató para su película El mayor espectáculo del mundo. Pinito, la más pequeña de los Segura, había llegado a Hollywood.

Fama y franquismo

En 1956, Pinito del Oro regresa a España de Estados Unidos y se presenta en el circo Price de Madrid. “Es muy interesante el desarrollo profesional de Pinito durante la época del franquismo”, cuenta a este periódico Esaú Hernández, doctorando especialista en la Cultura Popular por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. “Aunque parezca contraproducente, muchas de las artistas femeninas de la época, sobre todo las cupletistas o de las folclóricas, eran herramientas que el propio régimen utilizaba para un blanqueamiento de cara”, explica. Pinito del Oro firmaba todos sus contratos, incluso añadía de su puño y letra la cláusula: “Es mi deseo, y mía toda la responsabilidad, trabajar sin red”, motivo por el que ninguna compañía circense la aseguró jamás.

La primera etapa artística de la trapecista terminó en 1960, pero volvió ocho años más tarde por diversos motivos, como que cuando se retiró en Tenerife le parecía que le faltaba algo y sintió un deber culminar su carrera en Madrid. También, con la crisis matrimonial, ella quiso demostrarse a sí misma que sin el apoyo de nadie, trabajando sola, continuaba siendo Pinito del Oro. Se retiró definitivamente en 1970. “Quise hacerlo en el apogeo de mi vida y creo que fue oportuno”.

Dejó su nombre en todo lo alto. Más alto que nadie sin red y en la estrecha relación que la muerte siempre tuvo con su carrera, su padre murió el día de su última actuación. La deuda estaba saldada.

Tal vez

Tras retirarse escribió varios libros: Cuentos de circo, Técnica del trapecio, La víspera, Nacida para el circo y El italiano, así como una obra inédita sobre mujeres que han logrado alcanzar el éxito pese a las adversidades estructurales.

Pinito del Oro recibió numerosos reconocimientos, entre ellos el Premio Nacional de Circo (1990), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998) y la Medalla de Oro de Canarias (2017), año en que falleció.

Cerca de donde nació, en el barrio grancanario de Guanarteme, de vez en cuando aparecen flores anónimas que recuerdan a la más internacional de sus vecinas, con una placa en una fachada descascarillada por el salitre que al mirarla crea la ilusión circense de los recursos austeros para contar grandes cosas.

Al preguntar a Arima León por qué escogió Tal vez para el nombre de la película que honra la vida de la trapecista, se remite a un verso de la escritora canaria Natalia Sosa Ayala, coprotagonista del film, “Tal vez no has existido”, que hizo reflexionar a la cineasta en la manera en que nos esforzamos por conservar la memoria colectiva. “Pinito del Oro no fue solo la mejor trapecista del mundo, también fue una mujer contradictoria, que vivió sin dejarse nada para los restos, o quizás sí, nunca lo sabremos. Ojalá conservar siempre la valentía de vivir la vida sin red, puede que esa sea la mayor de sus enseñanzas”, sentencia.

Unas mecedoras con altavoces instaladas en el Parque de Doña Casilda hacen que quien se siente viaje en el tiempo hasta su infancia a través de 2.700 nanas recopiladas en la última década. Se trata de Bercer le temps (o Acunar el tiempo) es una instalación sonora participativa del colectivo canadiense Berceurs du temps. Y una de las 54 obras teatrales y artísticas que inundarán las calles de Bilbao desde este lunes y hasta el próximo sábado 4 de julio en el festival Bilboko Kalealdia, que celebra este año su 27.ª edición. “Este festival nació con el objetivo de acercar la cultura a diferentes espacios de la villa y ofrecer un festival accesible para toda la ciudadanía”, ha explicado el alcalde de Bilbao, Juan Maria Aburto este lunes durante la presentación del evento, que ha contado con la presencia de Iñaki López de Aguileta, director de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao y Pedro Ormazabal, director del festival.

Por ello, más allá de meros espectadores, muchas de las actuaciones están creadas para que los propios ciudadanos participen y, al menos por un día, sepan lo que es calzar los zapatos de un artista. “Cada año ponemos nuestro esfuerzo en conseguir la participación de vecinos y vecinas. Queremos que no sean meros espectadores, sino que disfruten plenamente de los espectáculos que forman una completa y siempre interesante agenda con el teatro y artes de calle como protagonistas”, ha informado Iñaki López de Aguileta.

Además del Parque de Doña Casilda los escenarios callejeros estarán ubicados en los alrededores del Museo de Bellas Artes, cerca del Estanque de los Patos -donde habrá cinco zonas- y otro escenario en la Pérgola. Asimismo, los espectáculos de Bilboko Kalealdia estarán también en la Plaza Arriaga, en la Plaza Circular, en el Arenal, en la Plaza de la Convivencia (entre las torres Isozaki), en el Huerto Urbano de San Francisco (situado en la Plaza Corazón de María) y en el Bizkaia Aretoa de la Euskal Herriko Ubiertsitatea (EHU). “Se trata de un festival en el que tenemos muy presentes a nuestras compañías, tanto veteranas como las que comienzan, y también a las que invitamos a participar a compañías y solistas del Estado y de diferenes países. En la variedad está el gusto, dicen, y aquí se hace realidad para conseguir un BIilboko Kalealdia abierto y plural en formatos, temática y públicos”, ha insistido López de Aguileta.

En este sentido, por las calles de la ciudad actuarán nueve compañías extranjeras, como los canadienses Berceur du temps que han inaugurado este lunes por la tarde el festival y los franceses Ea Eo (Cie), Furinkaï (Compagnie) & L'entrouvert (Théâtre De), Keep Company, Le Polpesse y Retouramont; desde Iparralde llega Rouge Elea; de Irlanda Hippana Maleta y por último, de origen portugués la compañia Margarida Montenÿ. En cuanto a las compañías estatales se encuentran Insectotròpics, Los Galindos, Pere Hosta, Sol Picó y Txema Muñoz de Cataluña; Capicua Cía. y Sweet Chilli Circus Company desde Aragón; De Vacas desde Galicia; La Venidera proviene de Madrid; Factoría Norte y El Encuentro Teatro de Asturias y La Trapecionista, de Navarra. Y, por último, la compañía catalana Sol Picó será la encargada de cerrar la programación del Festival con el espectáculo 'Carrer 024'.

Las compañías vascas también tendrán un papel protagonista en el festival teatral con la presencia de Bitsa Konpainia, Deabru Beltzak, Hika Teatro & Oinkari Dantza Taldea, Hortzmuga Teatroa, Kankarro Cía., Koilara Teatro, Lasala, Leire Mesa, Trapu Zaharra y Zirkozaurre. Además, una de las figuras más relevantes de Bilbao y otros lugares de Euskadi, sobre todo en sus fiestas, la figura caricaturesca de un gigante enorme conocida como Gargantúa, se “comerá” a los niños cada tarde a partir de las 17.00 horas en el estanque de Doña Casilda, donde también habrá puestos de comida y bebida instalados para los visitantes.

Whitney Houston y Beyoncé en el Arriaga

Los espectáculos disponibles para el público, en su gran mayoría gratuitos salvo en dos casos, además del puro teatro, se componen de circo, danza, clown, danza virtual, títeres y música. Esta última, de la mano de la compañía 'De vacas' llevarán a la Plaza del Arriaga los grandes éxitos de divas del pop de los 90 como Whitney Houston, Céline Dion, Mónica Naranjo o Beyoncé a través de su obra 'Rebovina Divas Live' el próximo miércoles 1 de julio a las 22.00 horas. Los dos espectáculos que no son de libre acceso son 'La Conferencia de los Pájaros', de la compañía catalana Insectotròpics, y 'MDR – Muerte de risa', de la también compañía catalana Los Galindos, para las que será necesario reservar una invitación en la página web del festival. El primer espectáculo se desarrollará en el Bizkaia Aretoa (EHU) el viernes 3 de julio a las 22:30 horas, y el segundo, el viernes 3 y sábado 4 a las 19:00 horas en el Huerto Urbano de San Francisco.

Con el objetivo de facilitar la accesibilidad a la programación cultural a todos los públicos las personas sordas o con problemas auditivos podrán disfrutar de varios espectáculos, habrá espacios y asientos reservados para las personas con necesidades especiales hasta 15 minutos antes del comienzo de cada obra y se han elaborado programas de mano adaptados mediante pictogramas, letra de mayor tamaño, mapa con indicaciones de accesibilidad y ubicaciones para aquellos que lo necesiten.

El circo quiere seguir siendo el mayor espectáculo del mundo. En el caso vasco, tras la nominación a los premios Talía 2026, la productora donostiarra ZirkuSS, liderada por Lander Briones, presenta ahora una nueva propuesta. Mientras que su éxito previo, ‘Sustrai’, exploraba la degradación de la materia y la entropía a través de la danza y la escayola, ‘K.OS’ se sumerge en una narración histórica y poética basada en la obra cumbre de Pablo Picasso, el ‘Guernica’. A pesar de los riesgos económicos y la complejidad logística, Briones ha decidido repetir la fórmula de “gran formato” con nueve artistas en escena para mantener la espectacularidad que define su sello.

El espectáculo ha tenido un pase en la Itsas Etxea de Hondarribia. La pieza abre con una joven, interpretada por la bailarina Maialen Alberro, que descubre una caja de cartas que su abuelo, antiguamente cartero, no pudo entregar durante aquel fatídico 26 de abril de 1937, el día del bombardeo nazi de Gernika. Entre compases de un reloj y movimientos secos de Alberro, se viaja en el tiempo para adentrarse en el contenido de las misivas de hace 89 años.

La propuesta no busca una comprensión literal de los textos, sino utilizar esas historias de amor, pérdida y resistencia como “punto de partida”. Para Briones, según lo que le comenta a este medio, el mayor reto ha sido la traducción kinésica, sin recurrir a la palabra. “Es muy complicado realmente”, confiesa el director al explicar cómo un mortal o un giro podría estar evocando la caída de una bomba, el destrozo de una vida o el amor que no se llegó a expresar. Sin embargo, asegura que es lo que hará que el público sientan su mensaje y la belleza de la danza.

La dirección artística ha apostado por una estética monocromática, limitando la paleta a los blancos, negros y grises del ‘Guernica’ de Picasso como guiño a la desvirtuación de la vida debido a la guerra. La experiencia se vuelve aún más sensorial mientras los bailarines le dan vida a los símbolos del cuadro: la madre con el niño, el soldado caído, el toro o el caballo agónico. La técnica circense se despliega en disciplinas de cuerda, 'pole dance', bloques y cintas aéreas, donde cada movimiento desborda brutalidad o luto, pero siempre, espectáculo.

A los movimientos asombrosos les acompaña la música original de Borja Antón, que le da el toque que necesitan las acrobacias y la interpretación para conmover al público. Pero es el arreglo de ‘Baga Biga’ la que ha erizado la piel de los asistentes. Bailada con una intención clara, el cierre de 'K.OS' solo provoca unos aplausos que crecen en intensidad conforme las emociones afloran.

Esta producción es, en esencia, un acto de “resistencia poética” que busca entregar, aunque sea con décadas de retraso, aquellos mensajes que quedaron suspendidos, explica el director. El objetivo de Briones es que la pieza madure durante este año para realizar una gira conmemorativa en 2027, coincidiendo con el nonagésimo aniversario del bombardeo. No se trata “solo de mirar al pasado” de Euskadi o España, sino de “humanizar las tragedias actuales en lugares como Gaza o Ucrania”, recordando que “la violencia es una tragedia constante”.

'K.OS' consigue que las figuras de Picasso dejen de ser imágenes congeladas en el dolor. Los bailarines devuelven la humanidad a las víctimas y las retratan como personas con rutinas y esperanzas antes de la masacre. Al encenderse las luces tras la obra, el mensaje de Briones no puede sentirse más: “activación de la memoria para que el olvido no se convierta en la norma”.

La Diputación de Badajoz reforzó en 2025 su apuesta por una cultura cercana, diversa y accesible, consolidando un modelo que entiende la actividad cultural como motor de cohesión social, desarrollo territorial y democratización del acceso al conocimiento en la provincia más extensa de España. Así lo refleja el Informe de Seguimiento y Evaluación del I Plan Estratégico Provincial de Dinamización Cultural 2023‑2027, que evidencia el alcance de una programación diseñada para llegar a todos los rincones del territorio.

Durante el pasado año, el Área de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional realizó un esfuerzo inversor de 20,2 millones de euros, de los cuales más de 10,7 millones se destinaron directamente a políticas culturales. Este modelo se sustenta en la colaboración con ayuntamientos, asociaciones y agentes culturales, que también han aportado sus valoraciones y experiencias al informe.

La programación cultural impulsada por la Diputación alcanzó el 100 % de los municipios, con una media de 13,3 actividades por localidad y un incremento del 9,73 % respecto al año anterior, superando las 2.200 actividades. El informe subraya la amplitud del concepto de cultura que guía la acción provincial: un espacio abierto, plural y participativo que integra todas las sensibilidades, edades y formas de expresión. La oferta abarca artes escénicas, música, cine, literatura, artes plásticas, patrimonio cultural, archivos históricos, investigación, lectura pública, ocio creativo y actividades científicas.

Esta diversidad se materializa en iniciativas como BadeCirco, Danzaria, Badakadabra, D’Rule, DiJazz, Pasión por el flamenco, el Festival Porrina de Badajoz, el Festival de Copla “Rosa Morena” o Músicos en Movimiento, además de los circuitos de bandas, corales y grupos folklóricos. A ello se suman proyectos de animación lectora como Nubeteca, las actividades del Museo de Bellas Artes de Badajoz y de la Sala Vaquero Poblador, la recuperación del patrimonio documental, los programas de promoción del extremeño como ASSINA, las actividades de los conservatorios provinciales y la programación de su sede cultural de referencia, El Hospital Centro Vivo. En total, 45 programas propios o coordinados con otros organismos.

A este despliegue se añaden 7 convocatorias periódicas de subvenciones dirigidas a entidades locales y al tejido asociativo: ayudas para asociaciones culturales, ayuntamientos, cooperación cultural, escuelas de música, proyectos cinematográficos y audiovisuales o universidades populares, entre otras. La Diputación organiza además dos premios literarios de referencia: el Premio Arturo Barea de Investigación Cultural y el Premio Dulce Chacón de Narrativa Española.

Una cultura construida entre todos

La Institución mantiene una estrecha colaboración con el tejido asociativo y las entidades locales para adaptar la programación a las necesidades de cada territorio. En 2025 se trabajó con 240 entidades sin ánimo de lucro y se celebraron 162 reuniones con agentes culturales y responsables municipales, consolidando una red de escucha activa y participación continua.

El modelo de gestión cultural se basa en esta gobernanza compartida: el 82 % de las actuaciones se desarrollan en colaboración con ayuntamientos, asociaciones y otros agentes, lo que permite ajustar la oferta a la singularidad de cada municipio y garantizar el acceso igualitario a servicios culturales de calidad, independientemente del lugar de residencia.

El informe también destaca el impacto social y económico de estas políticas. Más de 10.100 profesionales participaron en las actividades programadas, y la red cultural provincial continúa generando empleo, dinamización económica y fortalecimiento del tejido social en todo el territorio.

Con ello, la Diputación de Badajoz reafirma su compromiso con una cultura descentralizada, accesible y transformadora, capaz de conectar tradición y modernidad, preservar las señas de identidad de los pueblos y abrir nuevas oportunidades de creación, participación y encuentro para toda la ciudadanía.

La Facultad de Humanidades de Albacete ha acogido esta tarde el acto de entrega de los V Premios de la Facultad de Humanidades de Albacete, que otorgó el Premio de Honor 2026 al destacado gestor y referente cultural, Ricardo Beléndez Gil, y el Premio 'Pedro Simón Abril' al profesor del IES Ramón y Cajal de Albacete, Javier Sánchez Gutiérrez.

Ricardo Beléndez reconoció haber recibido el premio “con honor”. En sus palabras, destacó especialmente el valor que tiene que una institución como la Facultad de Humanidades reconozca el trabajo en la gestión cultural, algo que considera “una satisfacción especial”, sobre todo al tratarse de un ámbito que no es estrictamente el de su profesión habitual.

Más allá del agradecimiento, Beléndez aprovechó su intervención para lanzar una reflexión crítica, defendiendo la necesidad de que las instituciones vuelvan a apostar por las humanidades en la gestión cultural.

Ricardo Beléndez cuenta con una amplia trayectoria en la gestión cultural. En la actualidad, es director gerente de Cultural Albacete y del Teatro Circo de Albacete.

A lo largo de su dilatada trayectoria ha ocupado distintos cargos donde la actividad cultural ha estado presente desde 1982 donde comienza como coordinador de animación sociocultural en la Universidad Popular, vinculada al Ayuntamiento de Albacete. Desde 1984 a 2003 ha sido director de la Universidad Popular de Albacete, puesto que retomaría más adelante desde 2011 a 2015. Desde 2003 a 2011 ha sido gerente de Cultural Albacete y director del Teatro Circo, puesto que viene ocupando de nuevo desde 2015.

Igualmente, el premiado es miembro de Junta Directiva de ARTEC (Asociación de Técnicos de Cultura de Castilla-La Mancha), miembro del Consejo Artístico de las Artes Escénicas y de la Música vinculado al Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Es el impulsor del Festival Internacional de Circo de Albacete y ha colaborado en la redacción del Plan General del Teatro.

La entrega de este galardón toma el testigo de los premiados en las cuatro ediciones anteriores: el periodista Alfonso González-Calero, la fotógrafa Cristina García Rodero, la escritora Ana Iris Simón y el filósofo José Antonio Marina.

Premio 'Pedro Simón Abril'

Por su parte, el profesor Javier Sáchez Gutiérrez expresó haber recibido este galardón “con mucha honra, emoción y alegría”. Según explicó, uno de los principales motivos de satisfacción es que el premio procede de la Facultad de Humanidades, una institución cuyo trabajo conoce de cerca y que, a su juicio, realiza una labor “encomiable”.

Asimismo, destacó el valor añadido de haber sido propuesto por su propio centro, el IES Ramón y Cajal, lo que, según señaló, convierte el reconocimiento en “un premio doble”.

Javier Sánchez es un docente y humanista con sólida formación en magisterio, geografía e historia y antropología, además de estar especializado en cultura y religión islámica. Su trayectoria se ha caracterizado por el compromiso con la educación integral y los valores humanísticos.

El premiado ha sido profesor de educación secundaria durante más de 36 años, 28 de ellos en el IES Ramón y Cajal, donde dejó “una profunda huella”. Destaca también su labor durante 23 años como profesor de Cultura de la Tolerancia en la Universidad de la Experiencia.

Igualmente es relevante su participación en proyectos de alfabetización en Nicaragua y el desempeño de funciones de gestión educativa, como jefe de estudios en la Escuela Taller de Alcaraz. Además, coordinó actividades extraescolares durante trece años, impulsando revistas escolares y promoviendo diversas iniciativas culturales y solidarias.

El acto, celebrado en el salón de actos del edificio Polivalente del Campus de Albacete, con la participación de la Agrupación Musical Granados, ha estado conducido con el director académico de Política Científica, Juan Gregorio Fernández, acompañado por el decano de la Facultad de Humanidades de Albacete, Fernando González; y los premiados.

El Teatro Bretón vuelve una semana más con una programación para todos los gustos en la que encontramos flamenco en la tarde del jueves, teatro el viernes y circo el sábado 18 de abril.

El artista Israel Galván llega al teatro municipal de Logroño el jueves 16 de abril, a las 20:00 horas, para poner sobre el escenario su espectáculo ‘La edad de oro’. “El bailaor de los bailaores” celebra el 20 aniversario de este clásico de su repertorio renovando el programa con la voz de María Marín y Rafael Rodríguez a la guitarra.

Galván es uno de los artistas más innovadores y reconocidos del flamenco contemporáneo. Hijo de bailaores, se hizo con el Premio Nacional de Danza en 2005 y desde entonces se ha mostrado vanguardista, reconstruyendo un baile flamenco moderno usando sólo los materiales que hasta hace muy poco eran herramientas exclusivas de los flamencos. El espectáculo se estima que dura en torno a una hora y el precio de las butacas varía entre los 12 y los 20 euros.

El viernes 17, a las 20:00 horas, el Teatro Bretón cambia de tercio y recibe en sus tablas ‘La Barraca’ una obra de Vicente Blasco Ibáñez adaptada por primera vez al teatro por Marta Torres y dirigida por Magüi Mira.

Se trata de una historia que conmociona por la actualidad de sus personajes y de sus conflictos y que está incluida en el Club de lectura ‘Crear Letras’. Cuenta el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y en unas tierras de la huerta valenciana de las que fue desahuciada por impago otra familia que vivió y trabajó en ellas durante varias generaciones. La obra dura en torno a 90 minutos y el precio de las entradas oscila entre los 9 y los 23 euros.

Y para conmemorar el Día Mundial del Circo, que se celebra el tercer sábado del mes de abril, llega el espectáculo circense Sustrai, de la compañía ZirKuSS. Será el 18 de abril a las 20:00 horas. SUSTRAI es un espectáculo de circo de vanguardia de gran formato. Cuenta la unión de muchas situaciones vividas, por los y las intérpretes de la obra, e hiladas a través de los encuentros con una artista plástica. Durante algo más de una hora, el espectador podrá disfrutar y emocionarse con la destreza, valentía y singularidad de sus acróbatas.

Las entradas de todos los eventos están disponibles para su compra en la taquilla, a través del teléfono habitual y en la web teatrobreton.org

Qui som? llegaba a España tras estrenarse en el sacrosanto festival de Avignon. Esta compañía de danza ha creado una obra que es un alegato, un acto de resistencia ante este presente donde convive el desastre ecológico con una clase política ciega y negacionista. La compañía se pregunta dónde queda el individuo entre esas dos realidades y para qué sirve el arte en este mundo donde la belleza puede incluso emerger del colapso. El resultado es una obra bella, desmedida, maniquea a veces, pero siempre entregada, con una pequeña llama de verdad y honestidad que el colectivo intenta salvaguardar y proteger con uñas y dientes. 

En Madrid agotaron entradas. El espíritu combativo y poético de la compañía consiguió conquistar a un público que se entregó sin fisuras a su nueva creación. Ahora, llegan dos días en Sevilla y diez en Barcelona en los que el público podrá acercarse al trabajo de esta troupe que reivindica, sin inocencia y con entrega, que el arte puede cambiar el mundo. Palabras mayores. Baro d’evel está dirigido por la francesa Camille Decourtye y por el catalán Blaï Mateu Trias. 

La obra mezcla con sabiduría, la compañía lleva en esto más de veinte años, el clown, la danza contemporánea, la música en vivo y la acrobacia. Su elenco se nutre no solo de artistas de diferentes disciplinas, sino también de orígenes diversos. Unos son músicos, como Alima Hamel de origen argelino; otros bailarines, como el español Guillemo Weickert; otros acróbatas, como la camboyana Voleak Ung. Pero todos hacen de todo: cantan, interpretan y bailan. Se instaura lo colectivo, un colectivo hecho de diversidades y donde, como en los antiguos circos y comediantes itinerantes en Europa, se habla una lengua hecha de retazos del inglés, el francés o el español, una especie de grammelot tras el cual se esconde un sueño de comunidad conquistada. 

La obra comienza con un número donde la compañía ya muestra sus señas de identidad. Camille canta el Cum Dederit, ese canto bello de la composición religiosa de Vivaldi Nisi Dominus. Los payasos también saben cantar las piezas de la alta cultura europea. Pero el número se trabaja desde el lenguaje circense y toda la compañía acaba arrastrada en un charco de barro. Entra la acrobacia y el clown, llega el humor hasta la sátira y la escena se carga de significado político. 

La alta cultura acaba embarrada. La sociedad se quiere chic y educada, pero está edificada sobre cimientos de barro, sobre un sistema que ya no se sostiene. Aunque uno gire el cuello, la devastación que ha hecho el hombre sobre la tierra nos llama y pide cuentas. Qui som? plantea una pregunta sobre la identidad, pero lo hace en plural. Y lo primero que afirma Baro d’evel es que para responder a esa gran pregunta no se puede obviar el “aquí”. El ser humano no es en el vacío, sino que es en relación a donde vive.

Pudiera alguien tildar a este espectáculo de catastrofista. A la compañía eso parece darle igual, no hay medias tintas y después de ese baile en la ciénaga se pasa a criticar a la clase política que bastardea el lenguaje y lo deforma hasta la náusea. El desastre hoy no solo es ecológico, sino también político. El espectador entrevé la figura del fascismo que se cierne sobre Europa. 

Ese es el paisaje, parece decir la compañía, que al individuo le ha tocado hoy transitar, ¿cómo podemos desde ahí construirnos y construir con los demás? Baro d’evel propone accionar sobre ese paisaje, no esconderse en paraísos artificiales, sino buscar ahí la belleza, la ternura y la comunicación con el otro. En ese espacio del desastre surgirán pequeñas danzas y cantos llenos de tristeza y poesía que irán percutiendo. Destaca una escena al final de la obra, con todo derruido, en el que dos seres atraviesan con un carro que parece robado a La Zaranda. Ahí surgirá un canto hermoso donde reinará el espíritu de la añorada Lhasa de Sela, esa india mexicana que también surgió del circo, alumbró el mundo con su voz y se fue demasiado pronto. 

Barro y verdad de vida

La gran metáfora de este espectáculo es esa masa informe, ese mamut móvil construido con tiras de tela que reina en el espacio durante toda la obra. A veces recuerda a un ser de Miyazaki o a esa oscuridad que se va adueñando del mundo en el libro de Michael Ende, La Historia Interminable. Como el Sin Cara de El viaje de Chihiro, ese mamut informe vomitará seres al escenario y se tragará a otros. Pero la metáfora va más allá del simbolismo ecológico. 

Ese ser amorfo está creado con material reciclado de una fábrica catalana de globos aerostáticos. Nailon y poliéster ligeros y resistentes al calor que el ser humano utilizó para elevarse, para volar, y que hoy son desechos. El sueño del ser humano convertido en pesadilla. El espectador no lo sabe, pero aun así es relevante. El espectáculo está fabricado con hallazgos, encuentros y maneras de hacer que han ido apareciendo en el proceso de creación largo y laborioso que duró más de dos años. 

El proceso da sentido a la obra. Como lo da la presencia del barro. Blaï Mateu lleva años trabajando el barro. El barro será la otra parte central de Qui som?. Simbólica y estéticamente. En el principio de la pieza el elenco se cubre las cabezas con macetas, pasan de ser intérpretes a seres surgidos de la propia pieza. El barro se convierte en símbolo de nuestra identidad, tan manipulable como cambiante, tan cercano como ajeno. Y al mismo tiempo dota al espectáculo de una identidad propia que recuerda a la estética mediterránea de Miquel Barceló. 

Al igual que pasaba en la pieza que el artista mallorquín creó para el festival de Avignon con el bailarín Josef Nadj, Paso Doble, el cuerpo en Qui som?, gracias al barro, se extraña, sale de sí mismo. El bailarín, a través de la máscara de barro, hecha de esa tierra a la que pertenecemos, pierde su identidad de intérprete, su movimiento cambia, se fragmenta en brazos que se alargan, en patas que se doblan. Surge otra danza, bella, extraña. Ahí, la bailarina francesa Noémie Bouissou y los españoles Guillermo Weickert y Lucia Bocanegra llenan el espacio de una danza hermosa, a la que se unen los cuerpos más acrobáticos pero capaces de una gran potencia delicada como el de la camboyana Voleak Ung o la portuguesa Rita Carmo. 

Una de las grandes potencias de esta pieza está en el trabajo con los materiales, con ese mamut reconvertido del vuelo a la destrucción y con ese barro telúrico que enraíza el espectáculo. Ahí, el trabajo de la compañía coge tierra, se asienta. Al final de la obra, la compañía enfrenta al público a una imagen: un niño atraviesa un mar de plástico. Las imágenes en teatro son complicadas. La reproducción en teatro de imágenes con las que el espectador está siendo bombardeado día a día a través de tabloides y pantallas es compleja. 

El texto es bello, pero explícito. El tono es enérgico, pero manipulador. Pero quizá es en eso mismo en lo que radica la fuerza de esta escena y de toda esta pieza

Paradójicamente, ya que en el teatro ese plástico suena, está ahí, presente, la imagen pierde fuerza, se vuelve inerte, por consabida y facilona. El teatro no es una cámara para reproducir la realidad, sino una cámara oscura donde a través del trampantojo y la transformación dejar ver lo que realidad esconde. Para más inri, la pieza acaba en meeting, con Camille en proscenio jaleando a la platea, declamando un texto político poético donde se insta al respetable a reaccionar, a hacer algo, a luchar por este mundo que nos ha tocado, ya que no va a haber otro. 

El texto es bello, pero explícito. El tono es enérgico, pero manipulador. Y cierto aire de maniqueísmo se cierne sobre la pieza. Pero quizá es en eso mismo en lo que radica la fuerza de esta escena y de toda esta pieza. En su anterior trabajo, Falaise, la compañía tendía más a la pirotecnia, a la escena bella pero espectacular que no llegaba a buen puerto porque quedaba un poco en el vacío. En esta ocasión, sin embargo, Baro d’evel se atreve con un registro que bordea el panfleto, pero que reclama un lugar, una verdad propia que se quiere compartir.

Los hallazgos siempre están en los bordes, en los intersticios. Hace cuánto tiempo no se nos espetaba así desde un escenario, desde este arte que se creó para la plaza pública y el encuentro. Sin ningún otro disfraz que la vida propia, sin ambages, sin lenguajes escénicos que medien, la compañía espeta a los espectadores, los reclama. Y para ello, pone en frente su verdad, sus vidas. Ternura, coraje, valor y resistencia. Aun sabiendo que se va a fracasar comenzar siempre otra vez. Ese es el salmo de esta compañía que ahora comienza nueva vida. 

Baro d’evel se ha mudado a un pequeño terreno cerca de Saint Michel de Vax, pueblo al norte de Tolousse. Ya lo han bautizado, La Baronne se llama. Lo primero que hicieron, antes de construir sus propias casas, fue construir un teatro. Comienzan una aventura como hace 24 años la compañía Mal Pelo creó lo que hoy es uno de los verdaderos centros de creación en España, L’animal a l’esquena. Hay otros modos de hacer, de sentir, de convivir y crear. Lucha hercúlea y colectiva en un mundo, el de las artes escénicas, donde las compañías sucumben ante el dominio de las reglas del mercado. Y eso es luz en estos tiempos oscuros. 

La Diputación de Álava ha confirmado este miércoles que la ciudad romana de Veleia, situada a una decena de kilómetros de la actual Vitoria, tenía circo. El hallazgo ya se dio a conocer en julio del año pasado, pero ahora se ha confirmado la existencia con seis sondeos que se han llevado a cabo a lo largo del último mes. “Iruña-Veleia siempre nos da alegrías”, se ha congratulado Ana del Val, diputada foral de Cultura y Deporte, en una entrevista concedida a la Cadena Ser. La confirmación de la existencia del circo, un recinto dedicado a la celebración de carreras de cuadrigas y otros espectáculos, situaría a Veleia como la quinta ciudad romana más importante del norte peninsular. “Tiene un valor enorme. Cada vez que abrimos, algo encontramos”, ha sintetizado.

La diputada foral, en cualquier caso, ha pedido poner “en cuarentena” la confirmación definitiva, porque aún se están estudiando las catas. En julio de 2024, la Diputación presentó un trabajo de la empresa Arkikus que estimaba que el recinto habría llegado a albergar a hasta 5.000 espectadores. Valiéndose de cartografía ya existente y de una técnica que usa pulsos de luz infrarroja para detectar elementos, atisbaron recintos, espacios y estructuras que no podían ser fruto de la casualidad. Se intuía un gran recinto rectangular desde el comienzo de sus labores y más adelante se completó el puzle con el semicírculo en el que las cuadrigas efectuaban el giro durante la carrera. “Las parcelas agrícolas se adaptaban a la morfología del circo”, añadían.

¿Qué se ha hecho desde entonces? Los sondeos que se han venido llevando a cabo en el último mes comienzan a arrojar “algunas certezas”. “Parece definitivamente corresponderse con un circo”, ha sostenido Javier Fernández Bordegarai, jefe del Servicio de Museos y Arqueología. La existencia de un circo no es baladí, pues denota estatus: si efectivamente hubo circo, Veleia habría gozado de “cierta categoría urbana”. “Supera las expectativas iniciales de Veleia. Hace diez años, nadie hablaba de un posible circo y hoy en día está confirmado”, ha añadido.

Las dimensiones del espacio, según ha señalado Fernández Bordegarai, serían de 270 metros de largo por 70 de ancho. “Es un edificio muy importante”, ha recalcado. “Los resultados son espectaculares. Históricamente colocamos a Veleia en otra división. Tener este tipo de instalaciones nos permite hablar de Iruña-Veleia como una gran sorpresa”, se ha alegrado. Veleia se asentaba en la calzada romana que conectaba las actuales ciudades de Astorga y Burdeos, en plena Iter XXXIV. Y el circo la elevaría a la categoría de núcleo relevante dentro de esa conexión.

“Es una gran noticia para Álava y para el yacimiento”, ha subrayado Del Val. “Iruña-Veleia no defrauda”, ha secundado Fernández Bordegarai. Todavía queda mucho por hacer, sin embargo, porque se ha trabajado sobre una pequeña porción de la superficie total y la información es, por lo tanto, “muy preliminar”. “No tenemos ni siquiera los informes preliminares de los arqueólogos que están trabajando en ello”, ha ilustrado.

¿Qué función desempeñaba el circo? Se celebraban allí carreras de dos y cuatro caballos, pero también había otro tipo de espectáculos y hasta ejecuciones, ha explicado Fernández Bordegarai. “Tenía una función social muy relevante, de foro público: en torno a ese edificio se podía congregar buena parte de la población de la ciudad. Los grupos sociales dominantes que pagaban las obras públicas tenían un lugar de exhibición público muy importante”, ha abundado.

Del Val ha explicado que, como siempre, se están buscando fórmulas para la preservación del yacimiento. De cara a la próxima cosecha, la Diputación ya le ha pedido a los agricultores dueños de las parcelas que no labren para evitar daños a los restos que asoman a la superficie. “Donde se han hecho las prospecciones, no se va a tocar”, ha resumido la diputada foral. Con este hallazgo, las expectativas que se tenían “se amplían”, ha dicho Fernández Bordegarai, lo que obligaría a repensar asuntos como la propiedad de los terrenos incumbidos. En cualquier caso, nada de lo que se ha detectado por ahora tendría mucha “monumentalidad”, y tampoco tendría sentido plantear una gran excavación en el lugar. “Hay otras zonas de Veleia que son mucho más espectaculares”, ha matizado, como, por ejemplo, la muralla. “Gestionar es elegir”, ha zanjado, y se trabajará en unas y no en otras. Hay labor, eso sí, para varias generaciones de arqueólogos, según ha dicho.

La Federación de Asociaciones de Vecinos de Albacete (FAVA) ha calificado de “lamentable y poco respetuoso” el anuncio realizado por la Asociación Nacional de Amigos de los Teatros Históricos de España (AMIThE) de abandonar la mesa de trabajo de la iniciativa para que el Teatro Circo de Albacete sea declarado Patrimonio Mundial de la Humanidad por la UNESCO. Sobre todo porque fue una propuesta que planteó la propia AMIThE, a la que reclaman reconsiderar su decisión.

En un comunicado difundido este sábado la federación asegura haber conocido la noticia a través de los medios de comunicación y dice “lamentar profundamente” su postura y también que el anuncio se haya producido “de manera unilateral, sin haber realizado ninguna propuesta finalista en la mesa de trabajo que ellos mismos presiden, ni haber explicado a sus integrantes, aquellas razones legítimas que puedan tener para abandonarla”.

El colectivo vecinal ha expresado su malestar también porque la decisión - y su opinión- haya sido trasladada “a quienes han considerado oportuno, y a los medios de comunicación, por supuesto no a la FAVA, y decidan abandonar este proyecto”.

La Federación de Asociaciones de de Vecinos de Albacete sostiene que “todas las partes eran conscientes, como así se puso de relieve en las diferentes mesas de trabajo, de la dificultad para lograr este objetivo, debido a la complejidad de este tipo de proyecto, y la necesidad de participar conjuntamente con otras entidades que aspiraban a conseguir este mismo fin”, en particular las instituciones públicas y señala que, a pesar de esta circunstancia, optaron por seguir adelante y por eso .

La FAVA esgrime que la ciudad de Albacete y su patrimonio “deben prevalecer sobre posibles diferencias puntuales” y se muestran convencidos de que las citadas diferencias “pueden ser subsanadas, con la buena voluntad de todas las partes”, antes de tomar una decisión definitiva y a pesar, reconocen, de que AMIThE tiene “derecho legítimo para hacerlo”.

Piden a la asociación que vuelva a integrarse en la mesa de trabajo y que sea en este foro donde ponga de relieve las discrepancias “de manera que, entre todos y todas, podamos ayudar a resolverlas”.

La Asociación Nacional de Amigos de los Teatros Históricos de España (AMIThE), promotora original de la iniciativa para que el Teatro Circo de Albacete sea declarado Patrimonio Mundial de la Humanidad por la UNESCO, ha decidido abandonar la mesa de trabajo constituida para tal fin.

Su decisión ha sido comunicada ya formalmente, mediante una carta dirigida tanto al alcalde de Albacete, Manuel Serrano, como al presidente del Consorcio Cultural Albacete, Santiago Cabañero, en la que AMIThE expone sus razones.

Entre esas razones habla de “falta de impulso institucional real de las administraciones públicas implicadas”, de “ausencia de ejecución de la estrategia definida por el asesor de la redacción del proyecto” y también de la “escasa voluntad para avanzar firmemente en los trámites necesarios ante el Gobierno de España”.

Todo un mazazo al proyecto que se presentó “con orgullo” allá por noviembre de 2023, para conseguir el reconocimiento mundial para este espacio teatral y circense que sigue funcionando y que es más antiguo del mundo desde su inauguración en 1887.

“No queremos ser protagonistas de un nuevo fracaso institucional de la ciudad”

AMIThE ha expresado su deseo de “no ser protagonista de un nuevo fracaso institucional de la ciudad”, apuntan, para referirse a otro poryecto fallido, el Museo Nacional de las Artes Circenses del que, recuerdan, iba a ubicarse en Albacete a coste cero para la ciudad y con una inversión estatal prevista de seis millones de euros en los Presupuestos Generales del Estado de 2013, pero que, añaden, “fue bloqueado desde el propio municipio de aquel tiempo, frustrando una oportunidad histórica para la ciudad”.

AMIThE lamenta que, en los dos años transcurridos desde la creación efectiva de la mesa y cuatro del Acuerdo del Pleno municipal, “el único avance visible haya sido la retirada de unas pancartas en la fachada del Teatro Circo”.

No hay, dicen, “ningún progreso sustancial en la elaboración del expediente técnico ni en la activación de los canales institucionales necesarios para impulsar la candidatura ante la UNESCO, más allá de buenas palabras o la presencia en actos”.

Según la asociación, “llegar a París a la UNESCO para defender una candidatura de este calado requiere un Fórmula 1, y realmente solo se ha conseguido poner en marcha un 600 que se paró a la salida de Albacete”.

Tras comunicar su decisión también ha agradecido públicamente el apoyo recibido por los medios de comunicación, la Federación de Asociaciones de Vecinos de Albacete, el Consejo Social de la ciudad, la Federación de Empresarios, que vio en la candidatura una oportunidad de inyección económica para Albacete, y la Universidad de Castilla-La Mancha, que respaldó la iniciativa desde el ámbito académico.

También expresa su agradecimiento a la concejala de Cultura, Elena Serrallé, “por los impulsos realizados para materializar el proyecto”, aunque lamenta que dichos esfuerzos “han resultado infructuosos ante la falta de una decisión política firme y sostenida”.

El Ayuntamiento de Albacete aprobó en marzo de 2021 una declaración institucional solicitando al Gobierno de España el inicio de los trámites para presentar la candidatura del Teatro Circo ante la UNESCO, reconociendo su valor universal y excepcional. En dicha declaración se subrayaba que el Teatro Circo de Albacete, inaugurado en 1887, es el único teatro circo operativo de España y el más antiguo del mundo en funcionamiento, con capacidad dual para teatro y circo, y con un diseño arquitectónico que mezcla influencias occidentales y neo árabes, convirtiéndolo en un símbolo de encuentro entre civilizaciones.

Además, el asesor de la mesa por la Candidatura, experto en redacción de proyectos ante UNESCO, señaló en su momento que la candidatura del Teatro Circo contaba con “cartas positivas para jugar una partida difícil pero muy posible”, destacando su singularidad y valor histórico único como elementos clave para su defensa ante los organismos internacionales.

También el entonces embajador de España ante la UNESCO, José Manuel Rodríguez Uribes, en su visita a Albacete, expresó su interés por el Teatro Circo, calificándolo como un “sitio singular con mucho interés para el patrimonio mundial”, no solo por ser el único teatro circo operativo de España, sino por su relevancia internacional como ejemplo vivo de arquitectura teatral circense y como espacio de encuentro cultural.

AMIThe será Fundación cultural nacional

AMIThE considera que su retirada de la mesa es “un acto de coherencia y responsabilidad ante la falta de un compromiso real de las administraciones” ante el reto. También dice reafirmar “su voluntad de seguir, con su próxima transformación en una Fundación cultural de ámbito nacional, defendiendo el valor patrimonial internacional del Teatro Circo desde esa sociedad civil que lideró en su día para recuperar este inmueble de su ruina”.

El jurado del Premio Nacional de Circo 2025 ha propuesto la concesión de este galardón –dotado con 30.000 euros, y concedido a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM)– a la compañía gallega Pistacatro Productora de Soños SL (Pistacatro) por “su destacada labor en la creación y difusión de propuestas circenses de una enorme presencia escénica, rigor y carisma, con importantes hitos en 2024 como la gira de Drop, un montaje sorprendente con un lenguaje propio, y la consolidación de su espectáculo Orquesta de malabares, en el que fusionan la música y el circo, un trabajo de gran formato con el que lograron una amplia proyección nacional e internacional”.

Además, el jurado añade que “como productores y prescriptores, han sido impulsores del nuevo circo gallego y descubridores de artistas emergentes durante los últimos 20 años, con trabajos que aúnan la innovación y la educación”. En su trayectoria cabe destacar, según el jurado, “su innegable contribución a la divulgación y la investigación del género en el marco de las Jornadas D10!, que impulsan desde hace una década”.

Pistacatro es una compañía fundada en 2006 y liderada por Aitor Garuz, Pablo Reboleiro, Belem Brandido y José Expósito. Es una de las productoras de circo más relevantes de las artes vivas en Galicia y distribuye sus propias creaciones, así como otras que nacen de la matriz creativa del proyecto Circonove o aquellas que consideran relevantes por su calidad e interés cultural.

Una acròbata mallorquina de 27 anys ha mort aquest cap de setmana en un accident registrat durant una actuació de circ a la ciutat alemanya de Bautzen, a l'estat de Saxònia.

La noia va caure des d'una altura d'uns cinc metres des del seu trapezi i va morir al mateix lloc dels fets, segons ha informat el portaveu de la policia local, Stefan Heiduck.

El succés es va produir dissabte a la tarda davant unes cent persones que presenciaven la funció, entre elles moltes famílies amb nens. “L'equip d'intervenció en crisi es va posar immediatament en marxa i va atendre els espectadors i la resta d'empleats del circ”, explica Heiduck.

Després de l'accident, moltes persones van abandonar la carpa del circ i se'n van anar a casa. El portaveu de la policia ha instat els testimonis a posar-se en contacte amb la línia d'atenció telefònica “perquè, sobretot en el cas dels nens, és important ajudar-los abans que es generi un trauma”.

Segons la policia, el circ havia donat la seva primera funció divendres i en tenia previstes d'altres per a dies posteriors. Tot i això, ara es dóna per fet que el circ desmuntarà la carpa, ha apuntat el portaveu policial.

Una acróbata mallorquina de 27 años falleció este fin de semana en un accidente registrado durante una actuación de circo en la ciudad alemana de Bautzen, en el estado de Sajonia.

La joven cayó desde una altura de unos cinco metros desde su trapecio y murió en el mismo lugar de los hechos, según ha informado el portavoz de la policía local, Stefan Heiduck.

El suceso se produjo el sábado por la tarde ante unas cien personas que presenciaban la función, entre ellas muchas familias con niños. “El equipo de intervención en crisis se puso inmediatamente en marcha y atendió a los espectadores y al resto de empleados del circo”, ha explicado Heiduck.

Tras el accidente, muchas personas abandonaron la carpa del circo y se fueron a casa. El portavoz de la policía ha instado a los testigos a ponerse en contacto con la línea de atención telefónica “porque, sobre todo en el caso de los niños, es importante ayudarlos antes de que se genere un trauma”.

Según la policía, el circo había dado su primera función el viernes y tenía previstas otras para días posteriores. Sin embargo, ahora se da por hecho que el circo desmontará la carpa, ha apuntado el portavoz policial.

Hay un “más difícil todavía” para la exquisita oferta cultural, histórica y monumental que tiene la ciudad de Ávila: el atractivo que ofrece su Festival Internacional de Circo de Castilla y León, que alcanza su decimotercera edición este fin de semana. La ciudad castellana y leonesa, Patrimonio de la Humanidad desde 1985, se convierte en una impresionante carpa de circo, con magníficas propuestas y espectáculos en los rincones más increíbles de su casco histórico. Hasta el próximo domingo, 31 de agosto, se han programado un total de 216 actuaciones protagonizadas por 21 compañías y artistas de renombre. Esta cifra subraya el compromiso del festival con la diversidad y la calidad artística, garantizando una oferta rica y variada para todos los amantes del circo.

Además de las actividades centrales en la capital, el festival extiende su alcance con 7 actuaciones adicionales en la provincia de Ávila. Esta iniciativa busca llevar la alegría y el arte circense a más rincones del territorio, permitiendo que un público más amplio disfrute de este evento cultural. El Festival Internacional de Circo de Castilla y León, de nombre Cir&Co, no es solo un escaparate de talentos, sino también un punto de encuentro crucial para artistas nacionales e internacionales. La ciudad acogerá exposiciones y encuentros entre escuelas de circo, fomentando el intercambio de conocimientos y la creación de nuevas propuestas artísticas en el ámbito circense.

El carácter distintivo de ‘Cir&Co’ radica en su aprovechamiento del patrimonio histórico-artístico de Ávila. Los majestuosos palacios renacentistas y el impresionante entorno de la muralla medieval y la catedral se transforman en escenarios vibrantes. Así, el Episcopio acogerá a la compañía ítalo-francesa ‘Circo in Rotta’ y a la andaluza ‘Truca Circus’; el Palacio de Bracamonte recibirá al circo y la música de los franceses ‘CIE.I.SI’ y el clown de ‘Las Pituister’; el Palacio de Superunda Caprotti se llenará con el clown de ‘CÍA. La Belle École’, y el claustro de San Francisco será el espacio para el teatro de objetos de la navarra ‘Estefanía de Paz Asín’.

Además de los espacios palaciegos, las plazas más céntricas de Ávila serán protagonistas de espectáculos de acceso libre. La Plaza del Mercado Chico, la Plaza de Adolfo Suárez y la Plaza de la Catedral se llenarán de propuestas circenses. Destacan las actuaciones de la compañía belga y brasileña ‘Iara Gueller’, que estrenará un espectáculo en España en la Plaza de Adolfo Suárez, donde también se presentará ‘Fisgoneo’ de ‘De tal palo’. La Plaza del Mercado Chico acogerá a ‘CIA Nostraxladamus’ con ‘Rumbo Latòti’, y desde la Plaza de la Catedral partirá el espectáculo itinerante ‘Big Fish’ de la francesa ‘Cirque au Carré’. Con la belleza de la muralla de Ávila al anochecer como telón de fondo, el Atrio de San Isidro ofrecerá nuevamente circo de carpa con ‘Le cabaret renversé’ de la compañía francesa ‘Le Faux Renversé’.

Presencia internacional

El festival ha diseñado un espacio dedicado especialmente a las familias en el Parque de San Antonio, que en horario de 12:00 a 14:00 horas y de 17:30 a 20:00 horas albergará múltiples actividades de circo y teatro al aire libre para todas las edades. Aquí se podrá disfrutar de la mezcla de circo, teatro y humor de ‘Cía Pakipaya’ y su ‘Toca Toc’, la instalación ‘Ingenii Machina’ de ‘Alauda Teatro’ que revela los secretos de la mecánica clásica, o el ‘Titiriscopio’ de ‘Arawake Theatre’. Además, la compañía francesa ‘Lo Ludens’ presentará sus juegos clásicos e insólitos ‘Jeux’, y ‘Le carrousel marin’ de ‘Cie. Ça Tourne’ sorprenderá con sus bestiarios marinos tallados a mano. La participación internacional se extiende a siete nacionalidades diferentes, y a nivel nacional, el festival contará con la presencia de compañías de seis comunidades autónomas españolas, incluyendo cinco compañías de la anfitriona Castilla y León.

Uno de los mayores atractivos de ‘Cir&Co 2025’ es la presentación de cuatro estrenos absolutos en España y seis estrenos en Castilla y León. Entre los estrenos nacionales, se encuentran ‘Le dernier concert’ de ‘CIE.i.Si’ en el Palacio de Bracamonte, ‘Le Cabaret Renversé’ de ‘La Faux Populaire’ en la carpa del Atrio de San Isidro, ‘99 cm’ de ‘Iara Gueller’ en la Plaza de Adolfo Suárez, y ‘Con alma de mujer’ del castellanoleonés Suso González en el Auditorio Municipal de San Francisco.

En cuanto a los estrenos en Castilla y León, el público podrá deleitarse con ‘Tienimi che ti tengo’ de ‘Circo in Rotta’ en el Episcopio, ‘Big Fish’ de ‘Cirque au Carré’ en la Plaza de la Catedral, ‘El Círculo’ de ‘Truca Circus’ también en el Episcopio, ‘RumboLatòti’ de ‘Nostraxladamus’ en la Plaza del Mercado Chico, ‘Caricatos’ de ‘La Belle École’ en el Palacio Superunda Caprotti y ‘Fisgoneo’ de ‘De tal palo’ en la Plaza de Adolfo Suárez.

Para la adquisición de entradas, los interesados podrán dirigirse a la taquilla física ubicada en el Palacio de Los Verdugo, que estará abierta hasta el próximo domingo en horario de 10:30 a 13:30 horas y de 17:00 a 19:30 horas. Asimismo, se ofrecerá la comodidad de adquirir entradas online, facilitando el acceso a todos los espectáculos. Para obtener información detallada sobre la programación completa y planificar su visita, se recomienda consultar la página web oficial del festival. Para cualquier otra consulta turística general sobre Ávila, el Centro de Recepción de Visitantes (situado en el número 39 de la Avenida de Madrid) puede proporcionar todo tipo de información o asistencia, con horarios, en verano, de 9:00h a 20:00h.

Uno de los principales escenarios del verano chamberilero vuelve a llenar de cultura el Parque del Tercer Depósito, más conocido como Parque de Santander. Este recinto, ligado al Canal de Isabel II y gestionado por la Comunidad de Madrid, es desde el año pasado sede de la iniciativa Veranos en el Parque. Actividades gratuitas que convierten el espacio en epicentro de la vida social del distrito con teatro, títeres, circo, cine, sesiones de yoga al atardecer o una curiosa exposición que reinventa una de las tradiciones más características del país.

El cine de verano tiene lugar los miércoles, a las 22.00 durante el mes de julio y a las 21.30 en agosto. Un entorno incomporable, que permite ver las películas gratuitamente desde el césped y en una buena pantalla. Componen la programación películas de éxito estrenadas los últimos dos años: El chico y la garza, Emilia Pérez, Siempre nos quedará mañana, Flow, Priscilla y La infiltrada.

Las artes escénicos toman el parque los sábados de julio y agosto a partir de las 20.00. Lo hacen con obras como Dis_order (sábado 26), divertida mirada a la burocratización de la vida con el estilo clown de Pere Hosta. En Welcome & Sorry, del proyecto teatral Ganso & Cía, dos amantes del teatro representan Hamlet con total fidelidad al original: asumen el trabajo de una docena de artistas y técnicos y representan en la lengua de Shakespeare “sin talento ni habilidades”. Quienes busquen una obra de plena actualidad tendrán Home, donde la autora Cris Clown propone una comedia hilarante con dejes dramáticos sobre una pareja que vive su penosa rutina en una casa miserable.

La Bleda es el nombre artístico con el que Helena Escobar se monta Las vacaciones de Madame Roulotte. Esta payasa con gran experiencia en el teatro familiar y el clown infantil difunde en sus espectáculos un mensaje pedagógico y social a través del humor o el juego teatral. Por su parte, Con la cabeza en las nubes es un espectáculo donde Eugenia Manzanera hace que mayores y pequeños dejen volar su imaginación y sus sonrisas. Un espectáculo de palabras, historias, títeres y objetos. La oferta escénica se completa con El sueño de un gorrión. La compañía de circo Jordi Panareda - Circ Pànic celebra su 25º aniversario con un universo en el que lo absurdo y la astucia se fusionan con la poesía y la estética del cine mudo. Una travesía cargada de humor y fantasía que invita al público a ser cómplice del protagonista.

En cuanto a las sesiones de yoga al atardecer, uno de los atractivos más curiosos de los Veranos en el Parque, se celebran los martes y jueves de julio y agosto de 20.30 a 21.45. La actividad está dirigida por monitores especializados de la empresa Zentro Urban Yoga. Para garantizar las mejores condiciones, se celebra en la zona cubierta del Parque de Santander, junto a la entrada principal de Avenida de Filipinas esquina Pablo Iglesias. La única exigencia es llevar esterilla y ropa cómoda, aunque la gorra, la botella de agua o la crema solar también son recomendables.

Como último proyecto dentro del parque, una exposición de la adyacente Sala Canal de Isabel II se expande al exterior. Grafitis y falleras (2016-2025), del fotógrafo Ricardo Cases, es una sugerente propuesta que forma parte del Festival PHotoEspaña 2025. Unas estructuras invernadero parecen brotar entre la vegetación con curiosas imágenes que dan un giro al folclore, presentando a varias falleras entre lo tradicional y lo subversivo. La muestra toma el Parque de Santander hasta el 28 de septiembre.

Es uno de esos barrios que, cuando no hay partido del FC Barcelona, podría pasar desapercibido para más de un turista que pase pocas horas en la capital catalana. Pero tiene un encanto particular todo el año y durante este fin de semana se verá enriquecido de la magia del circo.

Es el barrio de Les Corts y su festival Circots, una cita que toma la calle Benavent y la plaza de las Ceràmiques Vicens para hacer las delicias de pequeños y no tan pequeños con malabares, acrobacias o payasos, esas figuras imprescindibles en todo espectáculo circense que se precie.

Durante estos tres días, la zona mencionada del barrio se transformará en pistas de circo con tres escenarios (Bosquet, Guingueta y Gran), un espacio para talleres de circo y una zona de restauración con 'foodtrucks'. Además de afluencia de público, los organizadores de Circorts esperan que cada año se trate de un evento reivindicativo.

Una enorme oferta y gratuita

Y es que Circots busca promover artistas emergentes y ofrecer espectáculos de circo, gratuitos y de gran calidad. El resultado es una enorme oferta de propuestas que logran llenar las calles de vida, sonrisas y arte circense.

El carismático Ernest Corderoure será el encargado de presentar cada espectáculo de esta inminente edición de Circots, cuya programación al completo se puede consultar en la web del propio festival Circots.

Duelo de la compañía Jean Philippe Kikolas, Cateura, de Alas Circo, Anónima, de Vaivén Circo, K’Mon Tour, de PerNassos, Does, de Los Barlou, Sublunar, de BotProject, Gota, de Txema Muñoz, Mary Jones Grandiosa, de Maria Cavagnero, Àngela, de Sílvia Capell, Woof, de Pere Hosta, La vida toroidal, de RosArai, Forat, de Dudu Arnalot, Borderline, de Cirque Entre Nous o Mute, de Orain-Bi, forman parte del cartel del presente cartel de una cita que cumple su 26ª edición.

Además de las actuaciones circenses propiamente dichas, todo aquel que se acerque a esta zona de la capital catalana podrá disfrutar de exhibiciones de documentales inéditos, exposiciones de fotografías, poesía, música o talleres.

En un aula suspendida entre cuerdas, trapecios y telas aéreas, hay algo que se mueve más allá del cuerpo: la confianza, la empatía y el trabajo en equipo. La Escuela de Circo Social de Zaragoza nace como refugio, taller de vínculos y plataforma para descubrir que hay otras formas de ser, estar y vivir el tiempo libre. “Llegué a la Escuela de Circo Social justo después de la pandemia. Como yo dejé de hacer deporte, busqué alguno nuevo y este me llamó la atención porque era diferente. Empecé a probar y aquí estoy, desde entonces”, cuenta Bera Martínez Alonso, zaragozana de 18 años.

Bera se inició con clases abiertas, atraída por lo distinto. Sin embargo, lo que le ha hecho quedarse ha sido que “más allá de la técnica, el circo te saca de la zona de confort y te enseña en actitud y saber estar”.

Hoy trabaja con cuerda aérea, pero ha pasado por acrobacias, telas y trapecios. Lo que empezó como una curiosidad física se transformó en un lugar de pertenencia. “Aquí he aprendido mucho más que técnica. He aprendido a confiar en mí, a trabajar en grupo, a estar para los demás”, apunta.

Un circo sin carpa, pero con raíces profundas

San Pablo, La Magdalena, Oliver, El Gancho, Vadorrey, Tenerías o San José han visto cómo la acrobacia, el clown o los malabares transforman solares, patios escolares o plazas públicas en espacios de encuentro y expresión.

Detrás de esta presencia en los barrios, esta escuela lleva 14 años luchando por ser una red tan real como transformadora en la que las personas, sobre todo jóvenes, puedan encontrar una alternativa cultural y de ocio.

“Se trabaja el compañerismo, la empatía, el trabajo en equipo, la confianza en una misma… Yo lo que había visto era el circo de Valdespartera en el Pilar y, aunque se parece, es mucho más en grupo y se tiene más en cuenta a los demás. Aquí vamos todos a una”, reconoce Martínez.

Esta escuela, tal y como detalla Javier Gracia Crespo, coordinador y profesor, nació a raíz de que artistas del circo, también educadores y trabajadores sociales, “nos uniéramos para dar salida a la inquietud que teníamos de utilizar el circo como una herramienta de transformación social”.

Por un lado, el objetivo estaba en entender ese poder del circo como fuerza transformadora y, por otro, en entender la necesidad de ofrecer un ocio distinto para los jóvenes, que “se sienten muy abandonados y a veces no encuentran su camino”.

“El circo da la oportunidad de hacer un ejercicio físico creativo, que no es competitivo y que tiene muchos valores detrás”, indica. De este modo, explica que, además de la técnica y de la importancia de la confianza en el otro, también se lleva a cabo un trabajo individual de enfrentarse a la frustración ante el fallo. “No hay trucos detrás, sino que es el ensayo, el trabajo y la constancia lo que te hace avanzar”, afirma.

A su vez, “otra de las cosas más importantes que se aprende es aceptarte a ti misma, encontrar tu lugar y defender lo diverso y lo accesible para todas las personas”.

“Todas son necesarias y se complementan. El circo es muy vivencial porque se trabaja la confianza desde un punto de vista real. Es decir, vas a hacer una acrobacia y un salto mortal, te tengo que coger y tú tienes que confiar en mí para no hacerte daño. O te fías o no lo haces y, aunque no pasaría nada, cuando depositas tu confianza en algo así se crea un lazo muy fuerte”, específica.

Frente a los estereotipos del circo tradicional, Bera reivindica su diversidad: “Creo que la gente, en la calle, piensa que el circo es algo mucho más técnico y se suelen cerrar en que hay payasos, trapecistas o malabaristas, pero, cuando vas conociendo, ves que hay un mundo mucho más grande y que con cualquier cosa puedes hacer circo. Desde un paraguas, una silla, una pelota o una maleta”.

A esto, Gracia añade que, a pesar de que la gente sigue creyendo que es circo con animales y que vamos solo con la carpa, ahora mismo el circo se entrelaza con el teatro, la danza y el clown para llegar a todos los rincones e integrar cualquier deseo y reivindicación de las alumnas.

Aparte de lo físico, está lo emocional

“Venir aquí me ha ayudado a nivel personal, en momentos complicados. Cuando tenemos un problema, dedicamos un rato de la clase a hablar sobre cómo estamos interiormente y nos ayudamos entre todos”, explica Bera, quien agrega que “no es una clase de venir, hacer cosas e irte”.

En este sentido, Gracia asegura que este punto vertebrador se extiende a todos los barrios y situaciones, ya que, gracias a su intervención en barrios como El Gancho, “los chavales que eran vistos como bandarras, ahora son aplaudidos por esos vecinos que los juzgaban”. 

Lo que está claro es que todas las inquietudes emocionales de los alumnos y las alumnas se traducen en un espectáculo final, en el que “se adapta lo que se quiere contar a la disciplina artística”. “Surge a raíz de sus opiniones y pensamientos, que van cambiando dependiendo de la edad”, valora Javier.

Con ello, Bera señala que la transformación es colectiva, ya que ella llegó nueva sin conocer a nadie y, poco a poco, fue descubriendo a personas con las que “luego te encuentras fuera de la escuela y te llevas bien”. “Se hace grupo y se conecta”, valora.

No obstante, remarca que, sobre todo, es un espacio abierto: “Aquí hay hueco para todo el mundo, se puede adaptar todo. Tanto las personas, como los elementos o la forma de verlo. Es una forma de abrirse a un mundo mucho más grande”.

Lo mismo sucede con colectivos de diversidad funcional, que “son personas a las que les están diciendo todo el día que no pueden y de repente se suben a una bola o a un trapecio y consiguen eso que pensaron que sería imposible”.

“Los límites nos los ponemos a nosotras mismas o la propia sociedad, no es algo que venga escrito. Desde la escuela, intentamos romper con eso y que lo vean como un juego, un reto o una forma de expresión”, sostiene Gracia.

Empezar por abrir la mente

Lo que tiene claro tanto Bera Martínez como Javier Crespo es que la persona que quiera iniciarse debe empezar por “abrir su mente y saber que se va a encontrar con muchas cosas diferentes”, dice ella. Al mismo tiempo, añade que “debe saber que se va a caer muchas veces, que va a probar a hacer muchas cosas que no le saldrán a la primera y que, si sigue intentándolo, lo conseguirá”.

Durante ese proceso, Javier asegura que estará un equipo humano y artístico de siete personas que lucha por mantenerse y seguir apostando por esta disciplina, a la que ya se han sumado entre 200 y 250 alumnos y alumnas.

Muchas de ellas llegan después de las sesiones de circo en familia, que “son de las más divertidas porque el reto no es que jueguen los niños sino los adultos”. “Acaban conectando adultos y niños desde el juego y el contacto. Entran en ese mundo más creativo a través de retos. Se complementa la creatividad del peque con la lógica adulta”, detalla.

Asimismo, comparte que en la escuela han tejido redes nacionales e internacionales, apostando por convivencias en la que “ven que hay muchas personas como ellas, con gustos e intereses parecidos”.

Más continuidad y apoyo institucional

“Un tiempo pensé en dedicarme a esto de manera profesional, pero vi lo complicado que era en España y aposté por estudiar Trabajo social. Lo tengo como extraescolar y si puedo sigo viniendo. Es muy difícil vivir de circo, pero también de todo lo que tiene que ver con las artes”, explica la alumna.

Para Gracia, “no es que sea complicado, sino que existe una falta de continuidad tanto en Zaragoza como en España”. “La opción existe, pero no aquí. Tiene que ser en países como Francia, que allí hay una mayor apuesta”, indica.

Además de luchar contra esta idea de que el circo no puede ser una alternativa profesional y de hacer que las alumnas formen parte de la comunidad, desde la Escuela de Circo Social solicitan un “apoyo más continuado en el tiempo” por parte de las instituciones.

Aunque el público sí acude a los espectáculos y ahora ha aprendido que “el circo no es algo rígido”, señala que “no hay actuaciones suficientes para generar referentes ni facilidad a la hora de pensar a largo plazo”.

“Nuestra prioridad no es ser una escuela preparatoria para lo profesional, pero sí queremos dar continuidad a aquellas personas que se interesan por esta disciplina. Siempre estamos pendientes de subvenciones y nos limita. Necesitamos un apoyo claro que dé tranquilidad”, subraya.

Del mismo modo, lamenta esta situación que imposibilita dar continuidad a “esos colectivos que van a la suya y que, cuando consigues que se interesen y acudan de manera regular, se les acaba”.

Aun así, mientras la ciudad decide si el circo social merece un espacio estable, la escuela ya lo ha demostrado en la práctica: allí donde alguien se sube por primera vez a un trapecio y otra persona extiende las manos para sujetarla, nace un modo diferente de entender el ocio, la cultura y la vida en común.

Sandro Roque encara dona les gràcies per haver nascut per Nadal. Aquella era l'única època en què el seu pare instal·lava el circ a Porto per a tota la temporada. “Si no, hauria nascut literalment sota la carpa”, afirma. Des de llavors, no recorda haver passat dos mesos en el mateix lloc. Amb el primer somriure que va esbossar li va arribar directa l'herència còmica del seu besavi, pallasso circense. “Amb mi va començar la quarta generació d'artistes en la família. La meva infància va transcórrer de poble en poble entre caravanes i trapezis”, recorda.

La seva darrera casa rodant és la del circ Raluy. Fa dies que la seva immensa carpa blanca s'ha instal·lat a Palma i ocupa un dels pocs solars buits del Nou Llevant. La cirereta al skyline d'un barri on conviuen les promocions d'habitatge social dels 70 amb els blocs sorgits del boom de la construcció de luxe. Davant dels carros circenses també estan aparcats alguns dels caravanistes a qui ha estat la crisi immobiliària la que els ha empès a una vida nòmada. Igual d'inestable que la dels titellaires, però amb pocs o cap viatge.

La història del Raluy ve de llarg. La va iniciar un rebesavi. El de Kimberley. A principis del segle XX, Francisco Raluy, natural de Fonz, Osca, va començar a recórrer llogarets amb un ós, una cabra i els malabars que havia après a fer. Els mesos d'hivern, ell i la seva dona els passaven “allà on el fred” els “sorprenia”. Quan va néixer el seu fill Luis -a qui van anomenar a Barcelona El Tigre de Sant Adrià- es va convertir en creador d'un número únic: va construir el seu propi canó d'aire comprimit i va ser un dels primers homes bala d'Europa. Una actuació que va sumar a les acrobàcies i amb què va actuar a les millors pistes del continent en ple període d'entreguerres.

Amb la tercera generació es van multiplicar els fills –quatre- i les boques per alimentar. “Els quatre germans feien un xou que no donava per mantenir tota la família i, a més, a mesura que aquesta creixia, buscaven també més estabilitat. Va ser llavors quan van passar de ser artistes per a altres circs a muntar el seu propi”, explica William Garibaldi, actual codirector. Era el 1972. El mateix any que va néixer la que avui és la seva dona, partenaire a la direcció i hereva de la saga: Rosa Raluy.

Una vida sobre rodes

Van sumar la música en directe, la dansa. Es van multiplicar les acrobàcies, les cabrioles sense xarxa, els equilibris. Es van complicar els malabars: amb els peus, amb les mans, amb el cap. Arribaren la carpa blanca i els constants viatges. I la família Raluy va créixer de la mà d'artistes arribats de mitja Europa. La majoria, membres d'altres sagues que acumulen dècades i generacions dedicades a l'espectacle, per a qui la vida nòmada ha estat l'única coneguda.

“Estem tot l'any de gira, viatgem molt i tenim amics per tot el món. És el que sempre hem fet. No tenim rutina, però també renunciem a tenir la mateixa gent i canviem d'amistats contínuament”, diu Kimberley Garibaldi. En un any poden superar les 300 actuacions. I a casa seva, la de Torroella de Montgrí, reconeix que passa poc més d'un mes a l'any. La seva llar real és la caravana on el seu gos, Milo, l'espera després de cada funció. Aquest moment en què el públic desapareix i és ell qui recorre la pista entre els membres de la companyia.

Estem tot l'any de gira, viatgem molt i tenim amics per tot el món. És el que sempre hem fet. No tenim rutina, però també renunciem a tenir la mateixa gent i canviem d'amistats contínuament

Kimberley Garibaldi — Acròbata

“Ara és més senzill viure així. En realitat són com miniapartaments amb rodes que tenen tot el necessari”, assegura. La seva, a més, és una de les peces úniques que atresora el Raluy: una antiga caravana circense anglesa dels anys 30. Amb la seva restauració va transformar la vella xemeneia de llenya que tenia en una cuina moderna. “El meu avi era un gran col·leccionista d'antiguitats. Es passava el dia buscant carruatges per internet i després viatjava per anar-los a comprar”, relata. Per això, quan desembarquen en una ciutat, també ho fa el seu “museu ambulant”. Des d'una antiga furgoneta de Correus fins a la cafeteria rodant del 1925 on recreen el London Bar de Barcelona -que va ser seu i refugi d'artistes espanyols- i que van portar circulant des d'Alemanya el 2016. Joies històriques amb un valor que va dels 60.000 als 200.000 euros. Quan el Ministeri de Cultura els va concedir el Premi Nacional de Circ el 1996 no només va elogiar i reconèixer la qualitat artística dels seus espectacles, sinó també el seu esforç per la conservació del patrimoni circense.

Per als qui com Kimberley van néixer a prop d'una carpa, l'adaptació a aquesta vida errant va ser més senzilla. De fet, ni tan sols n'hi va haver. Per a William, el seu pare, la cosa va ser diferent. Tot i que forma part de la tercera generació en una saga d'artistes, al seu moment, reconeix, va tenir dubtes. “La meva mare era totalment aliena a aquest món fins que va conèixer el meu pare, així que tota aquesta branca de la família no era nòmada i tenia una vida estable i familiar que m'agradava”, recorda. Durant un temps va estar decidit a seguir els estudis i ser una altra cosa. Qualsevol altra cosa. Però a l'any sabàtic que es va prendre per triar quin seria el seu camí, va començar a practicar l'acrobàcia i el seu destí va quedar marcat fins avui.

'La meva mare era totalment aliena a aquest món fins que va conèixer el meu pare, així que tota aquesta branca de la família no era nòmada i tenia una vida estable i familiar que m'agradava', recorda Kimberley

El cas d'Alina és encara més excepcional: no només és la primera de la seva família a entrar a l'espectacle, sinó que, com la seva companya Anastasia, ha trobat al circ un refugi a la situació i a la guerra que es viu a la seva Ucraïna natal. Al camerino, entre perruques de rínxols i barrets amb pompó, recorden com van viure el canvi. “La meva família em va dir que si aconseguia una feina era bona que me n'anés. Ara fa tres anys que no els veig, però és que tampoc resulta senzill per tota la paperassa i els controls”, lamenta. “Jo sí que he anat diverses vegades a veure els meus, però és molt dur tornar perquè està tot destruït”, afegeix Anastasia.

Entre el bullying i l'educació a distància

“No he odiat mai aquest món, de fet tinc la sort de cobrar pel que m'agrada fer. Però els nens de circ som una mica esclaus d'això. Als vuit anys comences a assajar amb la resta i als quinze és normal que tinguis ja la teva pròpia actuació. La meva filla té només quatre anys i ja veig que li agrada”, explica Sandro. Kimberley coincideix: “A la meva família sempre hem tingut l'opció de no seguir amb el circ, però és difícil que un nen que creixi aquí vulgui fer una altra cosa”.

Per a la majoria, aquesta infància ambulant va ser el moment més dur. Entre altres coses perquè aquell anar i venir no només els feia gairebé impossible fer amics, sinó perquè durant dècades va condicionar la seva educació. “En total et diria que vaig ser a classe uns quatre anys i canviava de col·legi constantment en funció de la gira. Hi ha hagut alguns als quals he anat un únic dia. Però parlo set idiomes, cant, toco instruments”, confessa Sandro.

Els nens de circ som una mica esclaus. Als vuit anys comences a assajar amb la resta i als quinze és normal que tinguis ja la teva pròpia actuació. Vaig ser a classe uns quatre anys i canviava de col·legi constantment en funció de la gira. Hi ha hagut alguns als quals he anat un únic dia. Però parlo set idiomes, cant, toco instruments

Sandro — Còmic i mestre de cerimònies

Els qui eren a l'altra banda, en aquella escola de poble o ciutat on, de sobte, arribaven els nens del circ, tampoc no entenien gaire bé la seva vida. Encara més, sovint els convertien en objecte de burla. “Malgrat la tradició que té a Espanya, seguim estant mal vistos a molts pobles”, assegura Sandro. “Una vegada em van taral·lejar la cançó del circ”, recorda també Kimberley. Es refereix a la peça 'Vjazd gladiátorov', 'Entrada dels gladiadors' del txec Julius Fučík. Ningú reconeix el títol, però si l'escolta reconeixerà la seva música. “A mi me la van posar un dia pels altaveus del col·legi. I després hi ha els que diuen 'jo amb el del circ, no'”, afegeix Walter Marton, de 18 anys. Passaven de ser els “rars” als “cool” quan arribava l'adolescència i els demanaven que fessin equilibris o malabars. “Però imagina't si deies que actuaves com a pallasso: et demanaven tota l'estona que ho fessis per ridiculitzar-te”, sospira Sandro.

A Walter aquella experiència adolescent el va portar a deixar els estudis i centrar-se en la vida circense, que era on s'havia criat. Fill de pares italians, havia recorregut Espanya sota la carpa blava del Circ Marton fins que l'enèsima crisi la va fer desaparèixer fa una mica més d'una dècada. No és estrany. Aquest és un dels sectors culturals que més dificultats han hagut de superar. El mateix Ministeri de Cultura reconeixia al seu Pla General del Circ que els anys 70 i 80 van marcar “l'inici del declivi”. El desmantellament de l'emblemàtic Circo Prize va ser el primer d'una llarga llista de tancaments.

Segons un reportatge de Radiotelevisió Espanyola, a la primera dècada del segle XXI havien desaparegut ja un 25% dels circs de carpa de tot el país. Per al 2021 en quedaven tot just 40. Molt lluny, apunta Sandro, dels gairebé 300 amb què compten països com Itàlia o Alemanya. “Tots juguen en diferents divisions, perquè hi ha molts regionals que no surten de la seva zona, però és cert que avui hi ha moltíssims més artistes que circs. De fet, algunes de les que es consideraven clàssiques actuacions circenses ara es programen també a altres espais”, assenyala William Garibaldi.

Amb cadascuna d'aquestes crisis, el circ es va veure obligat a reinventar-se. “Abans era un cercle molt familiar i tradicional, però la incorporació d'altres artistes ha aportat aire fresc i la influència de Cirque du Soleil també s´ha notat”, assegura William. Un dels canvis més importants va arribar el 2024 amb la Llei de Protecció Animal que va prohibir la presència d'animals salvatges als espectacles. El Raluy els va eliminar fa 15 anys. Ara sota les carpes es poden veure des d'artistes actuant dins d'immenses bombolles fins a transformers passant per llançadors de ganivets o escurabutxaques.

A més de la creació el 1990 de les ajudes al sector circense i del Premi Nacional del Circ, un altre dels sistemes que ha ajudat el sector ha estat l'aparició del CIDEAD (Centre per a la Innovació i Desenvolupament de l'Educació a Distància). Una fórmula pensada per a aquells que, per diferents raons, no poden seguir una educació presencial -els esportistes d'alt rendiment també es troben entre els seus alumnes- i que, més enllà de les aules itinerants d'alguns circs, ha permès que els fills dels artistes es puguin formar sense passar per aquests trasbalsos de canviar de centre cada setmana.

Als seus quinze anys, Gioia, germana petita de Walter, és una de les seves alumnes. Després de la clausura del Circ Marton, la seva família va passar a treballar per a altres companyies, actuant en teatres i en dinner shows fins que fa dos anys es van integrar en el Raluy. “Canviava de col·legi cada dues setmanes, en un vaig arribar a estar només quatre dies. Amb tot l'embolic de matrícules noves que això suposa. Però també amb el problema que el nivell moltes vegades no coincidia i, sobretot, que era complicat fer amics perquè amb cada canvi deixaves a la majoria enrere”, compte.

Estudiar en línia li ha permès no només mantenir l'estabilitat en la seva educació, sinó també conèixer altres menors en la mateixa situació. “Som els joves i els nens dels circs els que més ens coneixem i mantenim el contacte gràcies a les xarxes socials. Fins i tot assagem per videotrucada i, quan coincidim a la mateixa zona, també ens visitem”, explica Gioia. Ella forma part d'una nova generació que vol continuar estudiant -si escau Psicologia- “per poder tenir una altra vida”. “Per si em canso. Potser per quan sigui gran”, va filant. “Per més que ho vulguis evitar, has nascut en un circ i el més normal és seguir aquí”, reconeix.

Sandro Roque aún da las gracias por haber nacido en Navidad. Aquella era la única época en que su padre echaba el ancla e instalaba el circo en Oporto para toda la temporada. “Si no, habría nacido literalmente debajo de la carpa”, afirma. Desde entonces, no recuerda haber pasado dos meses en el mismo sitio. Con la primera sonrisa que esbozó le llegó directa la herencia cómica de su bisabuelo, payaso circense. “Conmigo empezó la cuarta generación de artistas en la familia. Mi infancia transcurrió de pueblo en pueblo entre caravanas y trapecios”, recuerda.

Su última casa rodante es la del circo Raluy. Hace días que su inmensa carpa blanca se ha instalado en Palma y ocupa uno de los pocos solares vacíos del Nou Llevant. La guinda en el skyline de un barrio en el que conviven las promociones de vivienda social de los 70 con los bloques surgidos del boom de la construcción de lujo. Frente a los carromatos circenses también están aparcados algunos de los caravanistas a los que ha sido la crisis inmobiliaria la que les ha empujado a una vida nómada. Igual de inestable que la de los titiriteros, pero con pocos o ningún viaje.

La historia del Raluy viene de largo. La inició un tatarabuelo. El de Kimberley. A principios del siglo XX, Francisco Raluy, natural de Fonz, Huesca, empezó a recorrer aldeas con un oso, una cabra y los malabares que había aprendido a hacer. Los meses de invierno, él y su mujer los pasaban “allí donde el frío” les “sorprendía”. Cuando nació su hijo Luis -al que en Barcelona apodaron El Tigre de Sant Adrià- se convirtió en creador de un número único: construyó su propio cañón de aire comprimido y fue uno de los primeros hombres bala de Europa. Una actuación que sumó a las acrobacias y con la que actuó en las mejores pistas del continente en pleno periodo de entreguerras.

Con la tercera generación se multiplicaron los hijos –cuatro- y las bocas que alimentar. “Los cuatro hermanos hacían un show que no daba para mantener a toda la familia y, además, a medida que ésta crecía, buscaban también mayor estabilidad. Fue entonces cuando pasaron de ser artistas para otros circos a montar el suyo propio”, explica William Garibaldi, actual codirector. Era 1972. El mismo año en que nació la que hoy es su mujer, partenaire en la dirección y heredera de la saga: Rosa Raluy. 

Una vida sobre ruedas

Sumaron la música en directo, la danza. Se multiplicaron las acrobacias, las piruetas sin red, los equilibrios. Se complicaron los malabares: con los pies, con las manos, con la cabeza. Llegaron la carpa blanca y los constantes viajes. Y la familia Raluy creció de la mano de artistas llegados de media Europa. La mayoría, miembros de otras sagas que acumulan décadas y generaciones dedicadas al espectáculo, para quienes la vida nómada ha sido la única conocida.  

“Estamos todo el año de gira, viajamos mucho y tenemos amigos por todo el mundo. Es lo que siempre hemos hecho. No tenemos rutina, pero también renunciamos a tener la misma gente y cambiamos de amistades continuamente”, dice Kimberley Garibaldi. En un año pueden superar las 300 actuaciones. Y en su casa, la de Torroella de Montgrí, reconoce pasar poco más de un mes al año. Su hogar real es la caravana en la que su perro, Milo, la espera después de cada función. Ese momento en que el público desaparece y es él quien recorre la pista entre los miembros de la compañía.

Estamos todo el año de gira, viajamos mucho y tenemos amigos por todo el mundo. Es lo que siempre hemos hecho. No tenemos rutina, pero también renunciamos a tener la misma gente y cambiamos de amistades continuamente

Kimberley Garibaldi — Acróbata

“Ahora es más sencillo vivir así. En realidad son como miniapartamentos con ruedas que tienen todo lo necesario”, asegura. La suya, además, es una de las piezas únicas que atesora el Raluy: una antigua caravana circense inglesa de los años 30. Con su restauración transformó la vieja chimenea de leña que tenía en una moderna cocina. “Mi abuelo era un gran coleccionista de antigüedades. Se pasaba el día buscando carruajes por internet y luego viajaba para irlos a comprar”, relata. Por eso, cuando desembarcan en una ciudad, lo hace también su “museo ambulante”. Desde una antigua furgoneta de Correos hasta la cafetería rodante de 1925 en la que recrean el London Bar de Barcelona -que fue sede y refugio de artistas españoles- y que trajeron circulando desde Alemania en 2016. Joyas históricas cuyo valor va de los 60.000 a los 200.000 euros. Cuando el Ministerio de Cultura les concedió el Premio Nacional de Circo en 1996 no sólo elogió y reconoció la calidad artística de sus espectáculos, sino también su esfuerzo por la conservación del patrimonio circense.  

Para quienes como Kimberley nacieron cerca de una carpa, la adaptación a esta vida errante fue más sencilla. De hecho, ni siquiera la hubo. Para William, su padre, la cosa fue distinta. Pese a que forma parte de la tercera generación en una saga de artistas, en su momento, reconoce, tuvo dudas. “Mi madre era totalmente ajena a este mundo hasta que conoció a mi padre, así que toda esa rama de la familia no era nómada y tenía una vida estable y familiar que me gustaba”, recuerda. Durante un tiempo estuvo decidido a seguir los estudios y ser otra cosa. Cualquier otra cosa. Pero en el año sabático que se tomó para elegir cuál sería su camino, comenzó a practicar la acrobacia y su destino quedó marcado hasta hoy.  

'Mi madre era totalmente ajena a este mundo hasta que conoció a mi padre, así que toda esa rama de la familia no era nómada y tenía una vida estable y familiar que me gustaba', recuerda William

El caso de Alina es aún más excepcional: no sólo es la primera de su familia en entrar en el espectáculo, sino que, como su compañera Anastasia, ha encontrado en el circo un refugio a la situación y a la guerra que se vive en su Ucrania natal. En el camerino, entre pelucas de rizos y sombreros con pompón, recuerdan cómo vivieron el cambio. “Mi familia me dijo que si conseguía un trabajo era bueno que me fuera. Ahora hace tres años que no les veo, pero es que tampoco resulta sencillo por todo el papeleo y los controles”, lamenta. “Yo sí que he ido varias veces a ver a los míos, pero es muy duro volver porque está todo destruido”, añade Anastasia. 

Entre el bullying y la educación a distancia

“Nunca he odiado este mundo, de hecho tengo la suerte de cobrar por lo que me gusta hacer. Pero los niños de circo somos un poco esclavos de esto. A los ocho años empiezas a ensayar con el resto y a los quince es normal que tengas ya tu propio número. Mi hija tiene sólo cuatro años y ya veo que le gusta”, explica Sandro. Kimberley coincide: “En mi familia siempre hemos tenido la opción de no seguir con el circo, pero es difícil que un niño que crezca aquí quiera hacer otra cosa”.

Para la mayoría, esa infancia ambulante fue el momento más duro. Entre otras cosas porque ese ir y venir no sólo les hacía casi imposible hacer amigos, sino porque durante décadas condicionó su educación. “En total te diría que fui a clase unos cuatro años y cambiaba de colegio constantemente en función de la gira. Ha habido algunos a los que he ido un único día. Pero hablo siete idiomas, canto, toco instrumentos”, confiesa Sandro. 

Los niños de circo somos un poco esclavos. A los ocho años empiezas a ensayar con el resto y a los quince es normal que tengas ya tu propio número. Fui a clase unos cuatro años y cambiaba de colegio constantemente en función de la gira. Ha habido algunos a los que he ido un único día. Pero hablo siete idiomas, canto, toco instrumentos

Sandro — Cómico y maestro de ceremonias

Quienes estaban al otro lado, en esa escuela de pueblo o ciudad a la que, de repente, llegaban los niños del circo, tampoco entendían muy bien su vida titiritera. Es más, a menudo los convertían en objeto de burla. “Pese a la tradición que tiene en España, seguimos estando mal vistos en muchos pueblos”, asegura Sandro. “Una vez me tararearon la canción del circo”, recuerda también Kimberley. Se refiere a la pieza ‘Vjezd gladiátorů’, ‘Entrada de los gladiadores’ del checo Julius Fučík. Nadie reconoce el título, pero, si la escucha, reconocerá su música. “A mí me la pusieron un día por los altavoces del colegio. Y luego están los que dicen ‘yo con el del circo no”, añade Walter Marton, de 18 años. Pasaban de ser los “raros” a los “cool” cuando llegaba la adolescencia y les pedían que hicieran equilibrios o malabares. “Pero imagínate si decías que actuabas como payaso: te pedían todo el rato que lo hicieras para ridiculizarte”, suspira Sandro.

A Walter aquella experiencia adolescente le llevó a dejar los estudios y centrarse en la vida circense, que era en la que se había criado. Hijo de padres italianos, había recorrido España bajo la carpa azul del Circo Marton hasta que la enésima crisis la hizo desaparecer hace algo más de una década. No es extraño. Éste es uno de los sectores culturales que más dificultades ha tenido que superar. El propio Ministerio de Cultura reconocía en su Plan General del Circo que los años 70 y 80 marcaron “el inicio del declive”. El desmantelamiento del emblemático Circo Prize fue el primero de una larga lista de cierres. 

Según un reportaje de Radiotelevisión Española, en la primera década del siglo XXI habían desaparecido ya un 25% de los circos de carpa de todo el país. Para 2021 quedaban apenas 40. Muy lejos, apunta Sandro, de los casi 300 con los que cuentan países como Italia o Alemania. “Todos juegan en distintas divisiones, porque hay muchos regionales que no salen de su zona, pero es cierto que hoy hay muchísimos más artistas que circos. De hecho, algunas de las que se consideraban clásicas actuaciones circenses ahora se programan también en otros espacios”, señala William Garibaldi. 

Con cada una de esas crisis el circo se vio obligado a reinventarse. “Antes era un círculo muy familiar y tradicional, pero la incorporación de otros artistas ha aportado aire fresco y la influencia de Cirque du Soleil también se ha notado”, asegura William. Uno de los cambios más importantes llegó en 2024 con la Ley de Protección Animal que prohibió la presencia de animales salvajes en los espectáculos. El Raluy los eliminó hace 15 años. Ahora bajo las carpas pueden verse desde artistas actuando dentro de inmensas burbujas hasta transformers pasando por lanzadores de cuchillos o tragafuegos. 

Además de la creación en 1990 de las ayudas al sector circense y del Premio Nacional del Circo, otro de los sistemas que ha ayudado al sector ha sido la aparición del CIDEAD (Centro para la Innovación y Desarrollo de la Educación a Distancia). Una fórmula pensada para aquellos que, por diferentes razones, no pueden seguir una educación presencial -los deportistas de alto rendimiento también se encuentran entre sus alumnos- y que, más allá de las aulas itinerantes de algunos circos, ha permitido que los hijos de los artistas puedan formarse sin pasar por esos trasiegos de cambiar de centro cada semana. 

A sus quince años, Gioia, hermana pequeña de Walter, es una de sus alumnas. Tras la clausura del Circo Marton, su familia pasó a trabajar para otras compañías, actuando en teatros y en dinner shows hasta que hace dos años se integraron en el Raluy. “Cambiaba de cole cada dos semanas, en uno llegué a estar sólo cuatro días. Con todo el lío de matrículas nuevas que eso supone. Pero también con el problema de que el nivel muchas veces no coincidía y, sobre todo, con lo complicado que era hacer amigos porque con cada cambio dejabas a la mayoría atrás”, cuenta.

Estudiar online le ha permitido no sólo mantener la estabilidad en su educación, sino también conocer a otros menores en su misma situación. “Somos los jóvenes y los niños de los circos los que más nos conocemos y mantenemos el contacto gracias a las redes sociales. Incluso ensayamos por videollamada y, cuando coincidimos en la misma zona, también nos visitamos”, cuenta Gioia. Ella forma parte de una nueva generación que quiere seguir estudiando -en su caso Psicología- “para poder tener otra vida”. “Por si me canso. Quizá para cuando sea mayor”, va hilando. “Por mucho que quieras evitarlo, has nacido en un circo y lo más normal es seguir aquí”, reconoce. 

Durante décadas, Benposta fue un símbolo de autogobierno juvenil y arte bajo la carpa; hoy, solo quedan ruinas

Llega el fin efectivo a los circos con animales salvajes: “Se ha ido aceptando el cambio”

En plena España franquista, cuando la censura y el autoritarismo marcaban el pulso del país, surgió en Ourense una utopía que desafiaba las normas establecidas. O, al menos, eso pretendieron hacernos creer.

Corría el año 1956 cuando carismático jesuita Padre Jesús Silva creó la Ciudad de los Muchachos de Benposta. Un hombre afable -a ojos de las cámaras y el público-, con un propósito noble: un proyecto que combinaba la acogida de jóvenes desfavorecidos y su formación a través del arte y el trabajo colectivo. Todo una tapadera.

El eje de todo: El Circo de los Muchachos, una compañía internacional formada por chicos que vivían en aquella comunidad del Padre Jesús Silva y que acabaron actuando en escenarios tan icónicos como el Madison Square Garden o el Grand Palais de París.

Lo que empezó siendo un pequeño refugio para niños sin recursos, se convirtió en un fenómeno social, educativo y artístico que alcanzó fama mundial.

Los chicos no solo aprendían acrobacias, malabares o equilibrios: se formaban en oficios, debatían sobre política en asambleas y compartían una vida en comunidad donde todos tenían voz y voto, independientemente de su edad.

Un circo que dio la vuelta al mundo

El Circo de los Muchachos fue la cara más visible del proyecto de Benposta. Una troupe de jóvenes artistas, muchos de ellos de orígenes humildes, que viajaban por el mundo como embajadores de su comunidad.

De la Isla de Pascua al Cristo del Corcovado, de Machu Picchu a París, estos chicos se presentaban con sus pirámides humanas y sus números de circo ante presidentes, diplomáticos y públicos de todos los continentes.

Además, el propio Padre Silva, obsesionado con el registro visual, acumuló más de 2.000 horas de material audiovisual, incluyendo películas inéditas de sus giras, que hoy se consideran un tesoro documental.

En su visión, el circo era tanto espectáculo como herramienta educativa, política y espiritual. Las imágenes de los arlequines encaramados unos sobre otros se convirtieron en metáfora de una sociedad donde los fuertes sostenían a los más débiles.

El principio del fin: decadencia, enfrentamientos y abandono

Con la llegada de la democracia y la transformación de las estructuras de protección social, Benposta fue perdiendo relevancia. Los mecanismos públicos empezaron a suplir el papel que antes desempeñaban estos espacios alternativos, y el proyecto no logró adaptarse al nuevo contexto.

Tampoco ayudaron los conflictos internos: muchos de los “muchachos” formados en el espíritu crítico acabaron enfrentándose al sistema cerrado que mantenía el padre Silva, sin vías claras para su emancipación dentro de la comunidad.

La tensión con Fraga, entonces presidente de la Xunta, por unos terrenos en disputa y la negativa del cura a permitir su urbanización, marcó también el declive institucional del proyecto. Todo ello, sumado a una gestión muy personalista, desembocó en una guerra interna y en el progresivo abandono de la ciudad.

Hoy, los terrenos de Benposta están casi en ruinas, habitados únicamente por una treintena de antiguos residentes.

La Asociación Padre Silva intenta mantener viva la memoria del lugar, mientras en países como Colombia o Leganés, herederos del proyecto continúan activos, adaptados a los tiempos y convertidos en centros de acogida para jóvenes en situación de vulnerabilidad.

La última utopía de la España del siglo XX

El documental El Circo de los Muchachos, disponible en plataformas como Amazon Prime Video, recupera esta historia olvidada: una ciudad sin policías ni jueces donde los niños decidían su propio destino, una carpa que brilló en los mejores escenarios internacionales, y un cura visionario que, con contradicciones y excesos, imaginó un mundo más justo desde el corazón de Galicia.

Benposta fue una rareza luminosa en una época oscura. Y aunque su final se tiñera de silencio, su legado sigue siendo un recordatorio de que incluso en los márgenes de la historia puede brotar una revolución