El Teatro Bretón vuelve una semana más con una programación para todos los gustos en la que encontramos flamenco en la tarde del jueves, teatro el viernes y circo el sábado 18 de abril.

El artista Israel Galván llega al teatro municipal de Logroño el jueves 16 de abril, a las 20:00 horas, para poner sobre el escenario su espectáculo ‘La edad de oro’. “El bailaor de los bailaores” celebra el 20 aniversario de este clásico de su repertorio renovando el programa con la voz de María Marín y Rafael Rodríguez a la guitarra.

Galván es uno de los artistas más innovadores y reconocidos del flamenco contemporáneo. Hijo de bailaores, se hizo con el Premio Nacional de Danza en 2005 y desde entonces se ha mostrado vanguardista, reconstruyendo un baile flamenco moderno usando sólo los materiales que hasta hace muy poco eran herramientas exclusivas de los flamencos. El espectáculo se estima que dura en torno a una hora y el precio de las butacas varía entre los 12 y los 20 euros.

El viernes 17, a las 20:00 horas, el Teatro Bretón cambia de tercio y recibe en sus tablas ‘La Barraca’ una obra de Vicente Blasco Ibáñez adaptada por primera vez al teatro por Marta Torres y dirigida por Magüi Mira.

Se trata de una historia que conmociona por la actualidad de sus personajes y de sus conflictos y que está incluida en el Club de lectura ‘Crear Letras’. Cuenta el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y en unas tierras de la huerta valenciana de las que fue desahuciada por impago otra familia que vivió y trabajó en ellas durante varias generaciones. La obra dura en torno a 90 minutos y el precio de las entradas oscila entre los 9 y los 23 euros.

Y para conmemorar el Día Mundial del Circo, que se celebra el tercer sábado del mes de abril, llega el espectáculo circense Sustrai, de la compañía ZirKuSS. Será el 18 de abril a las 20:00 horas. SUSTRAI es un espectáculo de circo de vanguardia de gran formato. Cuenta la unión de muchas situaciones vividas, por los y las intérpretes de la obra, e hiladas a través de los encuentros con una artista plástica. Durante algo más de una hora, el espectador podrá disfrutar y emocionarse con la destreza, valentía y singularidad de sus acróbatas.

Las entradas de todos los eventos están disponibles para su compra en la taquilla, a través del teléfono habitual y en la web teatrobreton.org

Qui som? llegaba a España tras estrenarse en el sacrosanto festival de Avignon. Esta compañía de danza ha creado una obra que es un alegato, un acto de resistencia ante este presente donde convive el desastre ecológico con una clase política ciega y negacionista. La compañía se pregunta dónde queda el individuo entre esas dos realidades y para qué sirve el arte en este mundo donde la belleza puede incluso emerger del colapso. El resultado es una obra bella, desmedida, maniquea a veces, pero siempre entregada, con una pequeña llama de verdad y honestidad que el colectivo intenta salvaguardar y proteger con uñas y dientes. 

En Madrid agotaron entradas. El espíritu combativo y poético de la compañía consiguió conquistar a un público que se entregó sin fisuras a su nueva creación. Ahora, llegan dos días en Sevilla y diez en Barcelona en los que el público podrá acercarse al trabajo de esta troupe que reivindica, sin inocencia y con entrega, que el arte puede cambiar el mundo. Palabras mayores. Baro d’evel está dirigido por la francesa Camille Decourtye y por el catalán Blaï Mateu Trias. 

La obra mezcla con sabiduría, la compañía lleva en esto más de veinte años, el clown, la danza contemporánea, la música en vivo y la acrobacia. Su elenco se nutre no solo de artistas de diferentes disciplinas, sino también de orígenes diversos. Unos son músicos, como Alima Hamel de origen argelino; otros bailarines, como el español Guillemo Weickert; otros acróbatas, como la camboyana Voleak Ung. Pero todos hacen de todo: cantan, interpretan y bailan. Se instaura lo colectivo, un colectivo hecho de diversidades y donde, como en los antiguos circos y comediantes itinerantes en Europa, se habla una lengua hecha de retazos del inglés, el francés o el español, una especie de grammelot tras el cual se esconde un sueño de comunidad conquistada. 

La obra comienza con un número donde la compañía ya muestra sus señas de identidad. Camille canta el Cum Dederit, ese canto bello de la composición religiosa de Vivaldi Nisi Dominus. Los payasos también saben cantar las piezas de la alta cultura europea. Pero el número se trabaja desde el lenguaje circense y toda la compañía acaba arrastrada en un charco de barro. Entra la acrobacia y el clown, llega el humor hasta la sátira y la escena se carga de significado político. 

La alta cultura acaba embarrada. La sociedad se quiere chic y educada, pero está edificada sobre cimientos de barro, sobre un sistema que ya no se sostiene. Aunque uno gire el cuello, la devastación que ha hecho el hombre sobre la tierra nos llama y pide cuentas. Qui som? plantea una pregunta sobre la identidad, pero lo hace en plural. Y lo primero que afirma Baro d’evel es que para responder a esa gran pregunta no se puede obviar el “aquí”. El ser humano no es en el vacío, sino que es en relación a donde vive.

Pudiera alguien tildar a este espectáculo de catastrofista. A la compañía eso parece darle igual, no hay medias tintas y después de ese baile en la ciénaga se pasa a criticar a la clase política que bastardea el lenguaje y lo deforma hasta la náusea. El desastre hoy no solo es ecológico, sino también político. El espectador entrevé la figura del fascismo que se cierne sobre Europa. 

Ese es el paisaje, parece decir la compañía, que al individuo le ha tocado hoy transitar, ¿cómo podemos desde ahí construirnos y construir con los demás? Baro d’evel propone accionar sobre ese paisaje, no esconderse en paraísos artificiales, sino buscar ahí la belleza, la ternura y la comunicación con el otro. En ese espacio del desastre surgirán pequeñas danzas y cantos llenos de tristeza y poesía que irán percutiendo. Destaca una escena al final de la obra, con todo derruido, en el que dos seres atraviesan con un carro que parece robado a La Zaranda. Ahí surgirá un canto hermoso donde reinará el espíritu de la añorada Lhasa de Sela, esa india mexicana que también surgió del circo, alumbró el mundo con su voz y se fue demasiado pronto. 

Barro y verdad de vida

La gran metáfora de este espectáculo es esa masa informe, ese mamut móvil construido con tiras de tela que reina en el espacio durante toda la obra. A veces recuerda a un ser de Miyazaki o a esa oscuridad que se va adueñando del mundo en el libro de Michael Ende, La Historia Interminable. Como el Sin Cara de El viaje de Chihiro, ese mamut informe vomitará seres al escenario y se tragará a otros. Pero la metáfora va más allá del simbolismo ecológico. 

Ese ser amorfo está creado con material reciclado de una fábrica catalana de globos aerostáticos. Nailon y poliéster ligeros y resistentes al calor que el ser humano utilizó para elevarse, para volar, y que hoy son desechos. El sueño del ser humano convertido en pesadilla. El espectador no lo sabe, pero aun así es relevante. El espectáculo está fabricado con hallazgos, encuentros y maneras de hacer que han ido apareciendo en el proceso de creación largo y laborioso que duró más de dos años. 

El proceso da sentido a la obra. Como lo da la presencia del barro. Blaï Mateu lleva años trabajando el barro. El barro será la otra parte central de Qui som?. Simbólica y estéticamente. En el principio de la pieza el elenco se cubre las cabezas con macetas, pasan de ser intérpretes a seres surgidos de la propia pieza. El barro se convierte en símbolo de nuestra identidad, tan manipulable como cambiante, tan cercano como ajeno. Y al mismo tiempo dota al espectáculo de una identidad propia que recuerda a la estética mediterránea de Miquel Barceló. 

Al igual que pasaba en la pieza que el artista mallorquín creó para el festival de Avignon con el bailarín Josef Nadj, Paso Doble, el cuerpo en Qui som?, gracias al barro, se extraña, sale de sí mismo. El bailarín, a través de la máscara de barro, hecha de esa tierra a la que pertenecemos, pierde su identidad de intérprete, su movimiento cambia, se fragmenta en brazos que se alargan, en patas que se doblan. Surge otra danza, bella, extraña. Ahí, la bailarina francesa Noémie Bouissou y los españoles Guillermo Weickert y Lucia Bocanegra llenan el espacio de una danza hermosa, a la que se unen los cuerpos más acrobáticos pero capaces de una gran potencia delicada como el de la camboyana Voleak Ung o la portuguesa Rita Carmo. 

Una de las grandes potencias de esta pieza está en el trabajo con los materiales, con ese mamut reconvertido del vuelo a la destrucción y con ese barro telúrico que enraíza el espectáculo. Ahí, el trabajo de la compañía coge tierra, se asienta. Al final de la obra, la compañía enfrenta al público a una imagen: un niño atraviesa un mar de plástico. Las imágenes en teatro son complicadas. La reproducción en teatro de imágenes con las que el espectador está siendo bombardeado día a día a través de tabloides y pantallas es compleja. 

El texto es bello, pero explícito. El tono es enérgico, pero manipulador. Pero quizá es en eso mismo en lo que radica la fuerza de esta escena y de toda esta pieza

Paradójicamente, ya que en el teatro ese plástico suena, está ahí, presente, la imagen pierde fuerza, se vuelve inerte, por consabida y facilona. El teatro no es una cámara para reproducir la realidad, sino una cámara oscura donde a través del trampantojo y la transformación dejar ver lo que realidad esconde. Para más inri, la pieza acaba en meeting, con Camille en proscenio jaleando a la platea, declamando un texto político poético donde se insta al respetable a reaccionar, a hacer algo, a luchar por este mundo que nos ha tocado, ya que no va a haber otro. 

El texto es bello, pero explícito. El tono es enérgico, pero manipulador. Y cierto aire de maniqueísmo se cierne sobre la pieza. Pero quizá es en eso mismo en lo que radica la fuerza de esta escena y de toda esta pieza. En su anterior trabajo, Falaise, la compañía tendía más a la pirotecnia, a la escena bella pero espectacular que no llegaba a buen puerto porque quedaba un poco en el vacío. En esta ocasión, sin embargo, Baro d’evel se atreve con un registro que bordea el panfleto, pero que reclama un lugar, una verdad propia que se quiere compartir.

Los hallazgos siempre están en los bordes, en los intersticios. Hace cuánto tiempo no se nos espetaba así desde un escenario, desde este arte que se creó para la plaza pública y el encuentro. Sin ningún otro disfraz que la vida propia, sin ambages, sin lenguajes escénicos que medien, la compañía espeta a los espectadores, los reclama. Y para ello, pone en frente su verdad, sus vidas. Ternura, coraje, valor y resistencia. Aun sabiendo que se va a fracasar comenzar siempre otra vez. Ese es el salmo de esta compañía que ahora comienza nueva vida. 

Baro d’evel se ha mudado a un pequeño terreno cerca de Saint Michel de Vax, pueblo al norte de Tolousse. Ya lo han bautizado, La Baronne se llama. Lo primero que hicieron, antes de construir sus propias casas, fue construir un teatro. Comienzan una aventura como hace 24 años la compañía Mal Pelo creó lo que hoy es uno de los verdaderos centros de creación en España, L’animal a l’esquena. Hay otros modos de hacer, de sentir, de convivir y crear. Lucha hercúlea y colectiva en un mundo, el de las artes escénicas, donde las compañías sucumben ante el dominio de las reglas del mercado. Y eso es luz en estos tiempos oscuros. 

La Diputación de Álava ha confirmado este miércoles que la ciudad romana de Veleia, situada a una decena de kilómetros de la actual Vitoria, tenía circo. El hallazgo ya se dio a conocer en julio del año pasado, pero ahora se ha confirmado la existencia con seis sondeos que se han llevado a cabo a lo largo del último mes. “Iruña-Veleia siempre nos da alegrías”, se ha congratulado Ana del Val, diputada foral de Cultura y Deporte, en una entrevista concedida a la Cadena Ser. La confirmación de la existencia del circo, un recinto dedicado a la celebración de carreras de cuadrigas y otros espectáculos, situaría a Veleia como la quinta ciudad romana más importante del norte peninsular. “Tiene un valor enorme. Cada vez que abrimos, algo encontramos”, ha sintetizado.

La diputada foral, en cualquier caso, ha pedido poner “en cuarentena” la confirmación definitiva, porque aún se están estudiando las catas. En julio de 2024, la Diputación presentó un trabajo de la empresa Arkikus que estimaba que el recinto habría llegado a albergar a hasta 5.000 espectadores. Valiéndose de cartografía ya existente y de una técnica que usa pulsos de luz infrarroja para detectar elementos, atisbaron recintos, espacios y estructuras que no podían ser fruto de la casualidad. Se intuía un gran recinto rectangular desde el comienzo de sus labores y más adelante se completó el puzle con el semicírculo en el que las cuadrigas efectuaban el giro durante la carrera. “Las parcelas agrícolas se adaptaban a la morfología del circo”, añadían.

¿Qué se ha hecho desde entonces? Los sondeos que se han venido llevando a cabo en el último mes comienzan a arrojar “algunas certezas”. “Parece definitivamente corresponderse con un circo”, ha sostenido Javier Fernández Bordegarai, jefe del Servicio de Museos y Arqueología. La existencia de un circo no es baladí, pues denota estatus: si efectivamente hubo circo, Veleia habría gozado de “cierta categoría urbana”. “Supera las expectativas iniciales de Veleia. Hace diez años, nadie hablaba de un posible circo y hoy en día está confirmado”, ha añadido.

Las dimensiones del espacio, según ha señalado Fernández Bordegarai, serían de 270 metros de largo por 70 de ancho. “Es un edificio muy importante”, ha recalcado. “Los resultados son espectaculares. Históricamente colocamos a Veleia en otra división. Tener este tipo de instalaciones nos permite hablar de Iruña-Veleia como una gran sorpresa”, se ha alegrado. Veleia se asentaba en la calzada romana que conectaba las actuales ciudades de Astorga y Burdeos, en plena Iter XXXIV. Y el circo la elevaría a la categoría de núcleo relevante dentro de esa conexión.

“Es una gran noticia para Álava y para el yacimiento”, ha subrayado Del Val. “Iruña-Veleia no defrauda”, ha secundado Fernández Bordegarai. Todavía queda mucho por hacer, sin embargo, porque se ha trabajado sobre una pequeña porción de la superficie total y la información es, por lo tanto, “muy preliminar”. “No tenemos ni siquiera los informes preliminares de los arqueólogos que están trabajando en ello”, ha ilustrado.

¿Qué función desempeñaba el circo? Se celebraban allí carreras de dos y cuatro caballos, pero también había otro tipo de espectáculos y hasta ejecuciones, ha explicado Fernández Bordegarai. “Tenía una función social muy relevante, de foro público: en torno a ese edificio se podía congregar buena parte de la población de la ciudad. Los grupos sociales dominantes que pagaban las obras públicas tenían un lugar de exhibición público muy importante”, ha abundado.

Del Val ha explicado que, como siempre, se están buscando fórmulas para la preservación del yacimiento. De cara a la próxima cosecha, la Diputación ya le ha pedido a los agricultores dueños de las parcelas que no labren para evitar daños a los restos que asoman a la superficie. “Donde se han hecho las prospecciones, no se va a tocar”, ha resumido la diputada foral. Con este hallazgo, las expectativas que se tenían “se amplían”, ha dicho Fernández Bordegarai, lo que obligaría a repensar asuntos como la propiedad de los terrenos incumbidos. En cualquier caso, nada de lo que se ha detectado por ahora tendría mucha “monumentalidad”, y tampoco tendría sentido plantear una gran excavación en el lugar. “Hay otras zonas de Veleia que son mucho más espectaculares”, ha matizado, como, por ejemplo, la muralla. “Gestionar es elegir”, ha zanjado, y se trabajará en unas y no en otras. Hay labor, eso sí, para varias generaciones de arqueólogos, según ha dicho.

La Federación de Asociaciones de Vecinos de Albacete (FAVA) ha calificado de “lamentable y poco respetuoso” el anuncio realizado por la Asociación Nacional de Amigos de los Teatros Históricos de España (AMIThE) de abandonar la mesa de trabajo de la iniciativa para que el Teatro Circo de Albacete sea declarado Patrimonio Mundial de la Humanidad por la UNESCO. Sobre todo porque fue una propuesta que planteó la propia AMIThE, a la que reclaman reconsiderar su decisión.

En un comunicado difundido este sábado la federación asegura haber conocido la noticia a través de los medios de comunicación y dice “lamentar profundamente” su postura y también que el anuncio se haya producido “de manera unilateral, sin haber realizado ninguna propuesta finalista en la mesa de trabajo que ellos mismos presiden, ni haber explicado a sus integrantes, aquellas razones legítimas que puedan tener para abandonarla”.

El colectivo vecinal ha expresado su malestar también porque la decisión - y su opinión- haya sido trasladada “a quienes han considerado oportuno, y a los medios de comunicación, por supuesto no a la FAVA, y decidan abandonar este proyecto”.

La Federación de Asociaciones de de Vecinos de Albacete sostiene que “todas las partes eran conscientes, como así se puso de relieve en las diferentes mesas de trabajo, de la dificultad para lograr este objetivo, debido a la complejidad de este tipo de proyecto, y la necesidad de participar conjuntamente con otras entidades que aspiraban a conseguir este mismo fin”, en particular las instituciones públicas y señala que, a pesar de esta circunstancia, optaron por seguir adelante y por eso .

La FAVA esgrime que la ciudad de Albacete y su patrimonio “deben prevalecer sobre posibles diferencias puntuales” y se muestran convencidos de que las citadas diferencias “pueden ser subsanadas, con la buena voluntad de todas las partes”, antes de tomar una decisión definitiva y a pesar, reconocen, de que AMIThE tiene “derecho legítimo para hacerlo”.

Piden a la asociación que vuelva a integrarse en la mesa de trabajo y que sea en este foro donde ponga de relieve las discrepancias “de manera que, entre todos y todas, podamos ayudar a resolverlas”.

La Asociación Nacional de Amigos de los Teatros Históricos de España (AMIThE), promotora original de la iniciativa para que el Teatro Circo de Albacete sea declarado Patrimonio Mundial de la Humanidad por la UNESCO, ha decidido abandonar la mesa de trabajo constituida para tal fin.

Su decisión ha sido comunicada ya formalmente, mediante una carta dirigida tanto al alcalde de Albacete, Manuel Serrano, como al presidente del Consorcio Cultural Albacete, Santiago Cabañero, en la que AMIThE expone sus razones.

Entre esas razones habla de “falta de impulso institucional real de las administraciones públicas implicadas”, de “ausencia de ejecución de la estrategia definida por el asesor de la redacción del proyecto” y también de la “escasa voluntad para avanzar firmemente en los trámites necesarios ante el Gobierno de España”.

Todo un mazazo al proyecto que se presentó “con orgullo” allá por noviembre de 2023, para conseguir el reconocimiento mundial para este espacio teatral y circense que sigue funcionando y que es más antiguo del mundo desde su inauguración en 1887.

“No queremos ser protagonistas de un nuevo fracaso institucional de la ciudad”

AMIThE ha expresado su deseo de “no ser protagonista de un nuevo fracaso institucional de la ciudad”, apuntan, para referirse a otro poryecto fallido, el Museo Nacional de las Artes Circenses del que, recuerdan, iba a ubicarse en Albacete a coste cero para la ciudad y con una inversión estatal prevista de seis millones de euros en los Presupuestos Generales del Estado de 2013, pero que, añaden, “fue bloqueado desde el propio municipio de aquel tiempo, frustrando una oportunidad histórica para la ciudad”.

AMIThE lamenta que, en los dos años transcurridos desde la creación efectiva de la mesa y cuatro del Acuerdo del Pleno municipal, “el único avance visible haya sido la retirada de unas pancartas en la fachada del Teatro Circo”.

No hay, dicen, “ningún progreso sustancial en la elaboración del expediente técnico ni en la activación de los canales institucionales necesarios para impulsar la candidatura ante la UNESCO, más allá de buenas palabras o la presencia en actos”.

Según la asociación, “llegar a París a la UNESCO para defender una candidatura de este calado requiere un Fórmula 1, y realmente solo se ha conseguido poner en marcha un 600 que se paró a la salida de Albacete”.

Tras comunicar su decisión también ha agradecido públicamente el apoyo recibido por los medios de comunicación, la Federación de Asociaciones de Vecinos de Albacete, el Consejo Social de la ciudad, la Federación de Empresarios, que vio en la candidatura una oportunidad de inyección económica para Albacete, y la Universidad de Castilla-La Mancha, que respaldó la iniciativa desde el ámbito académico.

También expresa su agradecimiento a la concejala de Cultura, Elena Serrallé, “por los impulsos realizados para materializar el proyecto”, aunque lamenta que dichos esfuerzos “han resultado infructuosos ante la falta de una decisión política firme y sostenida”.

El Ayuntamiento de Albacete aprobó en marzo de 2021 una declaración institucional solicitando al Gobierno de España el inicio de los trámites para presentar la candidatura del Teatro Circo ante la UNESCO, reconociendo su valor universal y excepcional. En dicha declaración se subrayaba que el Teatro Circo de Albacete, inaugurado en 1887, es el único teatro circo operativo de España y el más antiguo del mundo en funcionamiento, con capacidad dual para teatro y circo, y con un diseño arquitectónico que mezcla influencias occidentales y neo árabes, convirtiéndolo en un símbolo de encuentro entre civilizaciones.

Además, el asesor de la mesa por la Candidatura, experto en redacción de proyectos ante UNESCO, señaló en su momento que la candidatura del Teatro Circo contaba con “cartas positivas para jugar una partida difícil pero muy posible”, destacando su singularidad y valor histórico único como elementos clave para su defensa ante los organismos internacionales.

También el entonces embajador de España ante la UNESCO, José Manuel Rodríguez Uribes, en su visita a Albacete, expresó su interés por el Teatro Circo, calificándolo como un “sitio singular con mucho interés para el patrimonio mundial”, no solo por ser el único teatro circo operativo de España, sino por su relevancia internacional como ejemplo vivo de arquitectura teatral circense y como espacio de encuentro cultural.

AMIThe será Fundación cultural nacional

AMIThE considera que su retirada de la mesa es “un acto de coherencia y responsabilidad ante la falta de un compromiso real de las administraciones” ante el reto. También dice reafirmar “su voluntad de seguir, con su próxima transformación en una Fundación cultural de ámbito nacional, defendiendo el valor patrimonial internacional del Teatro Circo desde esa sociedad civil que lideró en su día para recuperar este inmueble de su ruina”.

El jurado del Premio Nacional de Circo 2025 ha propuesto la concesión de este galardón –dotado con 30.000 euros, y concedido a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM)– a la compañía gallega Pistacatro Productora de Soños SL (Pistacatro) por “su destacada labor en la creación y difusión de propuestas circenses de una enorme presencia escénica, rigor y carisma, con importantes hitos en 2024 como la gira de Drop, un montaje sorprendente con un lenguaje propio, y la consolidación de su espectáculo Orquesta de malabares, en el que fusionan la música y el circo, un trabajo de gran formato con el que lograron una amplia proyección nacional e internacional”.

Además, el jurado añade que “como productores y prescriptores, han sido impulsores del nuevo circo gallego y descubridores de artistas emergentes durante los últimos 20 años, con trabajos que aúnan la innovación y la educación”. En su trayectoria cabe destacar, según el jurado, “su innegable contribución a la divulgación y la investigación del género en el marco de las Jornadas D10!, que impulsan desde hace una década”.

Pistacatro es una compañía fundada en 2006 y liderada por Aitor Garuz, Pablo Reboleiro, Belem Brandido y José Expósito. Es una de las productoras de circo más relevantes de las artes vivas en Galicia y distribuye sus propias creaciones, así como otras que nacen de la matriz creativa del proyecto Circonove o aquellas que consideran relevantes por su calidad e interés cultural.

Una acròbata mallorquina de 27 anys ha mort aquest cap de setmana en un accident registrat durant una actuació de circ a la ciutat alemanya de Bautzen, a l'estat de Saxònia.

La noia va caure des d'una altura d'uns cinc metres des del seu trapezi i va morir al mateix lloc dels fets, segons ha informat el portaveu de la policia local, Stefan Heiduck.

El succés es va produir dissabte a la tarda davant unes cent persones que presenciaven la funció, entre elles moltes famílies amb nens. “L'equip d'intervenció en crisi es va posar immediatament en marxa i va atendre els espectadors i la resta d'empleats del circ”, explica Heiduck.

Després de l'accident, moltes persones van abandonar la carpa del circ i se'n van anar a casa. El portaveu de la policia ha instat els testimonis a posar-se en contacte amb la línia d'atenció telefònica “perquè, sobretot en el cas dels nens, és important ajudar-los abans que es generi un trauma”.

Segons la policia, el circ havia donat la seva primera funció divendres i en tenia previstes d'altres per a dies posteriors. Tot i això, ara es dóna per fet que el circ desmuntarà la carpa, ha apuntat el portaveu policial.

Una acróbata mallorquina de 27 años falleció este fin de semana en un accidente registrado durante una actuación de circo en la ciudad alemana de Bautzen, en el estado de Sajonia.

La joven cayó desde una altura de unos cinco metros desde su trapecio y murió en el mismo lugar de los hechos, según ha informado el portavoz de la policía local, Stefan Heiduck.

El suceso se produjo el sábado por la tarde ante unas cien personas que presenciaban la función, entre ellas muchas familias con niños. “El equipo de intervención en crisis se puso inmediatamente en marcha y atendió a los espectadores y al resto de empleados del circo”, ha explicado Heiduck.

Tras el accidente, muchas personas abandonaron la carpa del circo y se fueron a casa. El portavoz de la policía ha instado a los testigos a ponerse en contacto con la línea de atención telefónica “porque, sobre todo en el caso de los niños, es importante ayudarlos antes de que se genere un trauma”.

Según la policía, el circo había dado su primera función el viernes y tenía previstas otras para días posteriores. Sin embargo, ahora se da por hecho que el circo desmontará la carpa, ha apuntado el portavoz policial.

Hay un “más difícil todavía” para la exquisita oferta cultural, histórica y monumental que tiene la ciudad de Ávila: el atractivo que ofrece su Festival Internacional de Circo de Castilla y León, que alcanza su decimotercera edición este fin de semana. La ciudad castellana y leonesa, Patrimonio de la Humanidad desde 1985, se convierte en una impresionante carpa de circo, con magníficas propuestas y espectáculos en los rincones más increíbles de su casco histórico. Hasta el próximo domingo, 31 de agosto, se han programado un total de 216 actuaciones protagonizadas por 21 compañías y artistas de renombre. Esta cifra subraya el compromiso del festival con la diversidad y la calidad artística, garantizando una oferta rica y variada para todos los amantes del circo.

Además de las actividades centrales en la capital, el festival extiende su alcance con 7 actuaciones adicionales en la provincia de Ávila. Esta iniciativa busca llevar la alegría y el arte circense a más rincones del territorio, permitiendo que un público más amplio disfrute de este evento cultural. El Festival Internacional de Circo de Castilla y León, de nombre Cir&Co, no es solo un escaparate de talentos, sino también un punto de encuentro crucial para artistas nacionales e internacionales. La ciudad acogerá exposiciones y encuentros entre escuelas de circo, fomentando el intercambio de conocimientos y la creación de nuevas propuestas artísticas en el ámbito circense.

El carácter distintivo de ‘Cir&Co’ radica en su aprovechamiento del patrimonio histórico-artístico de Ávila. Los majestuosos palacios renacentistas y el impresionante entorno de la muralla medieval y la catedral se transforman en escenarios vibrantes. Así, el Episcopio acogerá a la compañía ítalo-francesa ‘Circo in Rotta’ y a la andaluza ‘Truca Circus’; el Palacio de Bracamonte recibirá al circo y la música de los franceses ‘CIE.I.SI’ y el clown de ‘Las Pituister’; el Palacio de Superunda Caprotti se llenará con el clown de ‘CÍA. La Belle École’, y el claustro de San Francisco será el espacio para el teatro de objetos de la navarra ‘Estefanía de Paz Asín’.

Además de los espacios palaciegos, las plazas más céntricas de Ávila serán protagonistas de espectáculos de acceso libre. La Plaza del Mercado Chico, la Plaza de Adolfo Suárez y la Plaza de la Catedral se llenarán de propuestas circenses. Destacan las actuaciones de la compañía belga y brasileña ‘Iara Gueller’, que estrenará un espectáculo en España en la Plaza de Adolfo Suárez, donde también se presentará ‘Fisgoneo’ de ‘De tal palo’. La Plaza del Mercado Chico acogerá a ‘CIA Nostraxladamus’ con ‘Rumbo Latòti’, y desde la Plaza de la Catedral partirá el espectáculo itinerante ‘Big Fish’ de la francesa ‘Cirque au Carré’. Con la belleza de la muralla de Ávila al anochecer como telón de fondo, el Atrio de San Isidro ofrecerá nuevamente circo de carpa con ‘Le cabaret renversé’ de la compañía francesa ‘Le Faux Renversé’.

Presencia internacional

El festival ha diseñado un espacio dedicado especialmente a las familias en el Parque de San Antonio, que en horario de 12:00 a 14:00 horas y de 17:30 a 20:00 horas albergará múltiples actividades de circo y teatro al aire libre para todas las edades. Aquí se podrá disfrutar de la mezcla de circo, teatro y humor de ‘Cía Pakipaya’ y su ‘Toca Toc’, la instalación ‘Ingenii Machina’ de ‘Alauda Teatro’ que revela los secretos de la mecánica clásica, o el ‘Titiriscopio’ de ‘Arawake Theatre’. Además, la compañía francesa ‘Lo Ludens’ presentará sus juegos clásicos e insólitos ‘Jeux’, y ‘Le carrousel marin’ de ‘Cie. Ça Tourne’ sorprenderá con sus bestiarios marinos tallados a mano. La participación internacional se extiende a siete nacionalidades diferentes, y a nivel nacional, el festival contará con la presencia de compañías de seis comunidades autónomas españolas, incluyendo cinco compañías de la anfitriona Castilla y León.

Uno de los mayores atractivos de ‘Cir&Co 2025’ es la presentación de cuatro estrenos absolutos en España y seis estrenos en Castilla y León. Entre los estrenos nacionales, se encuentran ‘Le dernier concert’ de ‘CIE.i.Si’ en el Palacio de Bracamonte, ‘Le Cabaret Renversé’ de ‘La Faux Populaire’ en la carpa del Atrio de San Isidro, ‘99 cm’ de ‘Iara Gueller’ en la Plaza de Adolfo Suárez, y ‘Con alma de mujer’ del castellanoleonés Suso González en el Auditorio Municipal de San Francisco.

En cuanto a los estrenos en Castilla y León, el público podrá deleitarse con ‘Tienimi che ti tengo’ de ‘Circo in Rotta’ en el Episcopio, ‘Big Fish’ de ‘Cirque au Carré’ en la Plaza de la Catedral, ‘El Círculo’ de ‘Truca Circus’ también en el Episcopio, ‘RumboLatòti’ de ‘Nostraxladamus’ en la Plaza del Mercado Chico, ‘Caricatos’ de ‘La Belle École’ en el Palacio Superunda Caprotti y ‘Fisgoneo’ de ‘De tal palo’ en la Plaza de Adolfo Suárez.

Para la adquisición de entradas, los interesados podrán dirigirse a la taquilla física ubicada en el Palacio de Los Verdugo, que estará abierta hasta el próximo domingo en horario de 10:30 a 13:30 horas y de 17:00 a 19:30 horas. Asimismo, se ofrecerá la comodidad de adquirir entradas online, facilitando el acceso a todos los espectáculos. Para obtener información detallada sobre la programación completa y planificar su visita, se recomienda consultar la página web oficial del festival. Para cualquier otra consulta turística general sobre Ávila, el Centro de Recepción de Visitantes (situado en el número 39 de la Avenida de Madrid) puede proporcionar todo tipo de información o asistencia, con horarios, en verano, de 9:00h a 20:00h.

Uno de los principales escenarios del verano chamberilero vuelve a llenar de cultura el Parque del Tercer Depósito, más conocido como Parque de Santander. Este recinto, ligado al Canal de Isabel II y gestionado por la Comunidad de Madrid, es desde el año pasado sede de la iniciativa Veranos en el Parque. Actividades gratuitas que convierten el espacio en epicentro de la vida social del distrito con teatro, títeres, circo, cine, sesiones de yoga al atardecer o una curiosa exposición que reinventa una de las tradiciones más características del país.

El cine de verano tiene lugar los miércoles, a las 22.00 durante el mes de julio y a las 21.30 en agosto. Un entorno incomporable, que permite ver las películas gratuitamente desde el césped y en una buena pantalla. Componen la programación películas de éxito estrenadas los últimos dos años: El chico y la garza, Emilia Pérez, Siempre nos quedará mañana, Flow, Priscilla y La infiltrada.

Las artes escénicos toman el parque los sábados de julio y agosto a partir de las 20.00. Lo hacen con obras como Dis_order (sábado 26), divertida mirada a la burocratización de la vida con el estilo clown de Pere Hosta. En Welcome & Sorry, del proyecto teatral Ganso & Cía, dos amantes del teatro representan Hamlet con total fidelidad al original: asumen el trabajo de una docena de artistas y técnicos y representan en la lengua de Shakespeare “sin talento ni habilidades”. Quienes busquen una obra de plena actualidad tendrán Home, donde la autora Cris Clown propone una comedia hilarante con dejes dramáticos sobre una pareja que vive su penosa rutina en una casa miserable.

La Bleda es el nombre artístico con el que Helena Escobar se monta Las vacaciones de Madame Roulotte. Esta payasa con gran experiencia en el teatro familiar y el clown infantil difunde en sus espectáculos un mensaje pedagógico y social a través del humor o el juego teatral. Por su parte, Con la cabeza en las nubes es un espectáculo donde Eugenia Manzanera hace que mayores y pequeños dejen volar su imaginación y sus sonrisas. Un espectáculo de palabras, historias, títeres y objetos. La oferta escénica se completa con El sueño de un gorrión. La compañía de circo Jordi Panareda - Circ Pànic celebra su 25º aniversario con un universo en el que lo absurdo y la astucia se fusionan con la poesía y la estética del cine mudo. Una travesía cargada de humor y fantasía que invita al público a ser cómplice del protagonista.

En cuanto a las sesiones de yoga al atardecer, uno de los atractivos más curiosos de los Veranos en el Parque, se celebran los martes y jueves de julio y agosto de 20.30 a 21.45. La actividad está dirigida por monitores especializados de la empresa Zentro Urban Yoga. Para garantizar las mejores condiciones, se celebra en la zona cubierta del Parque de Santander, junto a la entrada principal de Avenida de Filipinas esquina Pablo Iglesias. La única exigencia es llevar esterilla y ropa cómoda, aunque la gorra, la botella de agua o la crema solar también son recomendables.

Como último proyecto dentro del parque, una exposición de la adyacente Sala Canal de Isabel II se expande al exterior. Grafitis y falleras (2016-2025), del fotógrafo Ricardo Cases, es una sugerente propuesta que forma parte del Festival PHotoEspaña 2025. Unas estructuras invernadero parecen brotar entre la vegetación con curiosas imágenes que dan un giro al folclore, presentando a varias falleras entre lo tradicional y lo subversivo. La muestra toma el Parque de Santander hasta el 28 de septiembre.

Es uno de esos barrios que, cuando no hay partido del FC Barcelona, podría pasar desapercibido para más de un turista que pase pocas horas en la capital catalana. Pero tiene un encanto particular todo el año y durante este fin de semana se verá enriquecido de la magia del circo.

Es el barrio de Les Corts y su festival Circots, una cita que toma la calle Benavent y la plaza de las Ceràmiques Vicens para hacer las delicias de pequeños y no tan pequeños con malabares, acrobacias o payasos, esas figuras imprescindibles en todo espectáculo circense que se precie.

Durante estos tres días, la zona mencionada del barrio se transformará en pistas de circo con tres escenarios (Bosquet, Guingueta y Gran), un espacio para talleres de circo y una zona de restauración con 'foodtrucks'. Además de afluencia de público, los organizadores de Circorts esperan que cada año se trate de un evento reivindicativo.

Una enorme oferta y gratuita

Y es que Circots busca promover artistas emergentes y ofrecer espectáculos de circo, gratuitos y de gran calidad. El resultado es una enorme oferta de propuestas que logran llenar las calles de vida, sonrisas y arte circense.

El carismático Ernest Corderoure será el encargado de presentar cada espectáculo de esta inminente edición de Circots, cuya programación al completo se puede consultar en la web del propio festival Circots.

Duelo de la compañía Jean Philippe Kikolas, Cateura, de Alas Circo, Anónima, de Vaivén Circo, K’Mon Tour, de PerNassos, Does, de Los Barlou, Sublunar, de BotProject, Gota, de Txema Muñoz, Mary Jones Grandiosa, de Maria Cavagnero, Àngela, de Sílvia Capell, Woof, de Pere Hosta, La vida toroidal, de RosArai, Forat, de Dudu Arnalot, Borderline, de Cirque Entre Nous o Mute, de Orain-Bi, forman parte del cartel del presente cartel de una cita que cumple su 26ª edición.

Además de las actuaciones circenses propiamente dichas, todo aquel que se acerque a esta zona de la capital catalana podrá disfrutar de exhibiciones de documentales inéditos, exposiciones de fotografías, poesía, música o talleres.

En un aula suspendida entre cuerdas, trapecios y telas aéreas, hay algo que se mueve más allá del cuerpo: la confianza, la empatía y el trabajo en equipo. La Escuela de Circo Social de Zaragoza nace como refugio, taller de vínculos y plataforma para descubrir que hay otras formas de ser, estar y vivir el tiempo libre. “Llegué a la Escuela de Circo Social justo después de la pandemia. Como yo dejé de hacer deporte, busqué alguno nuevo y este me llamó la atención porque era diferente. Empecé a probar y aquí estoy, desde entonces”, cuenta Bera Martínez Alonso, zaragozana de 18 años.

Bera se inició con clases abiertas, atraída por lo distinto. Sin embargo, lo que le ha hecho quedarse ha sido que “más allá de la técnica, el circo te saca de la zona de confort y te enseña en actitud y saber estar”.

Hoy trabaja con cuerda aérea, pero ha pasado por acrobacias, telas y trapecios. Lo que empezó como una curiosidad física se transformó en un lugar de pertenencia. “Aquí he aprendido mucho más que técnica. He aprendido a confiar en mí, a trabajar en grupo, a estar para los demás”, apunta.

Un circo sin carpa, pero con raíces profundas

San Pablo, La Magdalena, Oliver, El Gancho, Vadorrey, Tenerías o San José han visto cómo la acrobacia, el clown o los malabares transforman solares, patios escolares o plazas públicas en espacios de encuentro y expresión.

Detrás de esta presencia en los barrios, esta escuela lleva 14 años luchando por ser una red tan real como transformadora en la que las personas, sobre todo jóvenes, puedan encontrar una alternativa cultural y de ocio.

“Se trabaja el compañerismo, la empatía, el trabajo en equipo, la confianza en una misma… Yo lo que había visto era el circo de Valdespartera en el Pilar y, aunque se parece, es mucho más en grupo y se tiene más en cuenta a los demás. Aquí vamos todos a una”, reconoce Martínez.

Esta escuela, tal y como detalla Javier Gracia Crespo, coordinador y profesor, nació a raíz de que artistas del circo, también educadores y trabajadores sociales, “nos uniéramos para dar salida a la inquietud que teníamos de utilizar el circo como una herramienta de transformación social”.

Por un lado, el objetivo estaba en entender ese poder del circo como fuerza transformadora y, por otro, en entender la necesidad de ofrecer un ocio distinto para los jóvenes, que “se sienten muy abandonados y a veces no encuentran su camino”.

“El circo da la oportunidad de hacer un ejercicio físico creativo, que no es competitivo y que tiene muchos valores detrás”, indica. De este modo, explica que, además de la técnica y de la importancia de la confianza en el otro, también se lleva a cabo un trabajo individual de enfrentarse a la frustración ante el fallo. “No hay trucos detrás, sino que es el ensayo, el trabajo y la constancia lo que te hace avanzar”, afirma.

A su vez, “otra de las cosas más importantes que se aprende es aceptarte a ti misma, encontrar tu lugar y defender lo diverso y lo accesible para todas las personas”.

“Todas son necesarias y se complementan. El circo es muy vivencial porque se trabaja la confianza desde un punto de vista real. Es decir, vas a hacer una acrobacia y un salto mortal, te tengo que coger y tú tienes que confiar en mí para no hacerte daño. O te fías o no lo haces y, aunque no pasaría nada, cuando depositas tu confianza en algo así se crea un lazo muy fuerte”, específica.

Frente a los estereotipos del circo tradicional, Bera reivindica su diversidad: “Creo que la gente, en la calle, piensa que el circo es algo mucho más técnico y se suelen cerrar en que hay payasos, trapecistas o malabaristas, pero, cuando vas conociendo, ves que hay un mundo mucho más grande y que con cualquier cosa puedes hacer circo. Desde un paraguas, una silla, una pelota o una maleta”.

A esto, Gracia añade que, a pesar de que la gente sigue creyendo que es circo con animales y que vamos solo con la carpa, ahora mismo el circo se entrelaza con el teatro, la danza y el clown para llegar a todos los rincones e integrar cualquier deseo y reivindicación de las alumnas.

Aparte de lo físico, está lo emocional

“Venir aquí me ha ayudado a nivel personal, en momentos complicados. Cuando tenemos un problema, dedicamos un rato de la clase a hablar sobre cómo estamos interiormente y nos ayudamos entre todos”, explica Bera, quien agrega que “no es una clase de venir, hacer cosas e irte”.

En este sentido, Gracia asegura que este punto vertebrador se extiende a todos los barrios y situaciones, ya que, gracias a su intervención en barrios como El Gancho, “los chavales que eran vistos como bandarras, ahora son aplaudidos por esos vecinos que los juzgaban”. 

Lo que está claro es que todas las inquietudes emocionales de los alumnos y las alumnas se traducen en un espectáculo final, en el que “se adapta lo que se quiere contar a la disciplina artística”. “Surge a raíz de sus opiniones y pensamientos, que van cambiando dependiendo de la edad”, valora Javier.

Con ello, Bera señala que la transformación es colectiva, ya que ella llegó nueva sin conocer a nadie y, poco a poco, fue descubriendo a personas con las que “luego te encuentras fuera de la escuela y te llevas bien”. “Se hace grupo y se conecta”, valora.

No obstante, remarca que, sobre todo, es un espacio abierto: “Aquí hay hueco para todo el mundo, se puede adaptar todo. Tanto las personas, como los elementos o la forma de verlo. Es una forma de abrirse a un mundo mucho más grande”.

Lo mismo sucede con colectivos de diversidad funcional, que “son personas a las que les están diciendo todo el día que no pueden y de repente se suben a una bola o a un trapecio y consiguen eso que pensaron que sería imposible”.

“Los límites nos los ponemos a nosotras mismas o la propia sociedad, no es algo que venga escrito. Desde la escuela, intentamos romper con eso y que lo vean como un juego, un reto o una forma de expresión”, sostiene Gracia.

Empezar por abrir la mente

Lo que tiene claro tanto Bera Martínez como Javier Crespo es que la persona que quiera iniciarse debe empezar por “abrir su mente y saber que se va a encontrar con muchas cosas diferentes”, dice ella. Al mismo tiempo, añade que “debe saber que se va a caer muchas veces, que va a probar a hacer muchas cosas que no le saldrán a la primera y que, si sigue intentándolo, lo conseguirá”.

Durante ese proceso, Javier asegura que estará un equipo humano y artístico de siete personas que lucha por mantenerse y seguir apostando por esta disciplina, a la que ya se han sumado entre 200 y 250 alumnos y alumnas.

Muchas de ellas llegan después de las sesiones de circo en familia, que “son de las más divertidas porque el reto no es que jueguen los niños sino los adultos”. “Acaban conectando adultos y niños desde el juego y el contacto. Entran en ese mundo más creativo a través de retos. Se complementa la creatividad del peque con la lógica adulta”, detalla.

Asimismo, comparte que en la escuela han tejido redes nacionales e internacionales, apostando por convivencias en la que “ven que hay muchas personas como ellas, con gustos e intereses parecidos”.

Más continuidad y apoyo institucional

“Un tiempo pensé en dedicarme a esto de manera profesional, pero vi lo complicado que era en España y aposté por estudiar Trabajo social. Lo tengo como extraescolar y si puedo sigo viniendo. Es muy difícil vivir de circo, pero también de todo lo que tiene que ver con las artes”, explica la alumna.

Para Gracia, “no es que sea complicado, sino que existe una falta de continuidad tanto en Zaragoza como en España”. “La opción existe, pero no aquí. Tiene que ser en países como Francia, que allí hay una mayor apuesta”, indica.

Además de luchar contra esta idea de que el circo no puede ser una alternativa profesional y de hacer que las alumnas formen parte de la comunidad, desde la Escuela de Circo Social solicitan un “apoyo más continuado en el tiempo” por parte de las instituciones.

Aunque el público sí acude a los espectáculos y ahora ha aprendido que “el circo no es algo rígido”, señala que “no hay actuaciones suficientes para generar referentes ni facilidad a la hora de pensar a largo plazo”.

“Nuestra prioridad no es ser una escuela preparatoria para lo profesional, pero sí queremos dar continuidad a aquellas personas que se interesan por esta disciplina. Siempre estamos pendientes de subvenciones y nos limita. Necesitamos un apoyo claro que dé tranquilidad”, subraya.

Del mismo modo, lamenta esta situación que imposibilita dar continuidad a “esos colectivos que van a la suya y que, cuando consigues que se interesen y acudan de manera regular, se les acaba”.

Aun así, mientras la ciudad decide si el circo social merece un espacio estable, la escuela ya lo ha demostrado en la práctica: allí donde alguien se sube por primera vez a un trapecio y otra persona extiende las manos para sujetarla, nace un modo diferente de entender el ocio, la cultura y la vida en común.

Sandro Roque encara dona les gràcies per haver nascut per Nadal. Aquella era l'única època en què el seu pare instal·lava el circ a Porto per a tota la temporada. “Si no, hauria nascut literalment sota la carpa”, afirma. Des de llavors, no recorda haver passat dos mesos en el mateix lloc. Amb el primer somriure que va esbossar li va arribar directa l'herència còmica del seu besavi, pallasso circense. “Amb mi va començar la quarta generació d'artistes en la família. La meva infància va transcórrer de poble en poble entre caravanes i trapezis”, recorda.

La seva darrera casa rodant és la del circ Raluy. Fa dies que la seva immensa carpa blanca s'ha instal·lat a Palma i ocupa un dels pocs solars buits del Nou Llevant. La cirereta al skyline d'un barri on conviuen les promocions d'habitatge social dels 70 amb els blocs sorgits del boom de la construcció de luxe. Davant dels carros circenses també estan aparcats alguns dels caravanistes a qui ha estat la crisi immobiliària la que els ha empès a una vida nòmada. Igual d'inestable que la dels titellaires, però amb pocs o cap viatge.

La història del Raluy ve de llarg. La va iniciar un rebesavi. El de Kimberley. A principis del segle XX, Francisco Raluy, natural de Fonz, Osca, va començar a recórrer llogarets amb un ós, una cabra i els malabars que havia après a fer. Els mesos d'hivern, ell i la seva dona els passaven “allà on el fred” els “sorprenia”. Quan va néixer el seu fill Luis -a qui van anomenar a Barcelona El Tigre de Sant Adrià- es va convertir en creador d'un número únic: va construir el seu propi canó d'aire comprimit i va ser un dels primers homes bala d'Europa. Una actuació que va sumar a les acrobàcies i amb què va actuar a les millors pistes del continent en ple període d'entreguerres.

Amb la tercera generació es van multiplicar els fills –quatre- i les boques per alimentar. “Els quatre germans feien un xou que no donava per mantenir tota la família i, a més, a mesura que aquesta creixia, buscaven també més estabilitat. Va ser llavors quan van passar de ser artistes per a altres circs a muntar el seu propi”, explica William Garibaldi, actual codirector. Era el 1972. El mateix any que va néixer la que avui és la seva dona, partenaire a la direcció i hereva de la saga: Rosa Raluy.

Una vida sobre rodes

Van sumar la música en directe, la dansa. Es van multiplicar les acrobàcies, les cabrioles sense xarxa, els equilibris. Es van complicar els malabars: amb els peus, amb les mans, amb el cap. Arribaren la carpa blanca i els constants viatges. I la família Raluy va créixer de la mà d'artistes arribats de mitja Europa. La majoria, membres d'altres sagues que acumulen dècades i generacions dedicades a l'espectacle, per a qui la vida nòmada ha estat l'única coneguda.

“Estem tot l'any de gira, viatgem molt i tenim amics per tot el món. És el que sempre hem fet. No tenim rutina, però també renunciem a tenir la mateixa gent i canviem d'amistats contínuament”, diu Kimberley Garibaldi. En un any poden superar les 300 actuacions. I a casa seva, la de Torroella de Montgrí, reconeix que passa poc més d'un mes a l'any. La seva llar real és la caravana on el seu gos, Milo, l'espera després de cada funció. Aquest moment en què el públic desapareix i és ell qui recorre la pista entre els membres de la companyia.

Estem tot l'any de gira, viatgem molt i tenim amics per tot el món. És el que sempre hem fet. No tenim rutina, però també renunciem a tenir la mateixa gent i canviem d'amistats contínuament

Kimberley Garibaldi — Acròbata

“Ara és més senzill viure així. En realitat són com miniapartaments amb rodes que tenen tot el necessari”, assegura. La seva, a més, és una de les peces úniques que atresora el Raluy: una antiga caravana circense anglesa dels anys 30. Amb la seva restauració va transformar la vella xemeneia de llenya que tenia en una cuina moderna. “El meu avi era un gran col·leccionista d'antiguitats. Es passava el dia buscant carruatges per internet i després viatjava per anar-los a comprar”, relata. Per això, quan desembarquen en una ciutat, també ho fa el seu “museu ambulant”. Des d'una antiga furgoneta de Correus fins a la cafeteria rodant del 1925 on recreen el London Bar de Barcelona -que va ser seu i refugi d'artistes espanyols- i que van portar circulant des d'Alemanya el 2016. Joies històriques amb un valor que va dels 60.000 als 200.000 euros. Quan el Ministeri de Cultura els va concedir el Premi Nacional de Circ el 1996 no només va elogiar i reconèixer la qualitat artística dels seus espectacles, sinó també el seu esforç per la conservació del patrimoni circense.

Per als qui com Kimberley van néixer a prop d'una carpa, l'adaptació a aquesta vida errant va ser més senzilla. De fet, ni tan sols n'hi va haver. Per a William, el seu pare, la cosa va ser diferent. Tot i que forma part de la tercera generació en una saga d'artistes, al seu moment, reconeix, va tenir dubtes. “La meva mare era totalment aliena a aquest món fins que va conèixer el meu pare, així que tota aquesta branca de la família no era nòmada i tenia una vida estable i familiar que m'agradava”, recorda. Durant un temps va estar decidit a seguir els estudis i ser una altra cosa. Qualsevol altra cosa. Però a l'any sabàtic que es va prendre per triar quin seria el seu camí, va començar a practicar l'acrobàcia i el seu destí va quedar marcat fins avui.

'La meva mare era totalment aliena a aquest món fins que va conèixer el meu pare, així que tota aquesta branca de la família no era nòmada i tenia una vida estable i familiar que m'agradava', recorda Kimberley

El cas d'Alina és encara més excepcional: no només és la primera de la seva família a entrar a l'espectacle, sinó que, com la seva companya Anastasia, ha trobat al circ un refugi a la situació i a la guerra que es viu a la seva Ucraïna natal. Al camerino, entre perruques de rínxols i barrets amb pompó, recorden com van viure el canvi. “La meva família em va dir que si aconseguia una feina era bona que me n'anés. Ara fa tres anys que no els veig, però és que tampoc resulta senzill per tota la paperassa i els controls”, lamenta. “Jo sí que he anat diverses vegades a veure els meus, però és molt dur tornar perquè està tot destruït”, afegeix Anastasia.

Entre el bullying i l'educació a distància

“No he odiat mai aquest món, de fet tinc la sort de cobrar pel que m'agrada fer. Però els nens de circ som una mica esclaus d'això. Als vuit anys comences a assajar amb la resta i als quinze és normal que tinguis ja la teva pròpia actuació. La meva filla té només quatre anys i ja veig que li agrada”, explica Sandro. Kimberley coincideix: “A la meva família sempre hem tingut l'opció de no seguir amb el circ, però és difícil que un nen que creixi aquí vulgui fer una altra cosa”.

Per a la majoria, aquesta infància ambulant va ser el moment més dur. Entre altres coses perquè aquell anar i venir no només els feia gairebé impossible fer amics, sinó perquè durant dècades va condicionar la seva educació. “En total et diria que vaig ser a classe uns quatre anys i canviava de col·legi constantment en funció de la gira. Hi ha hagut alguns als quals he anat un únic dia. Però parlo set idiomes, cant, toco instruments”, confessa Sandro.

Els nens de circ som una mica esclaus. Als vuit anys comences a assajar amb la resta i als quinze és normal que tinguis ja la teva pròpia actuació. Vaig ser a classe uns quatre anys i canviava de col·legi constantment en funció de la gira. Hi ha hagut alguns als quals he anat un únic dia. Però parlo set idiomes, cant, toco instruments

Sandro — Còmic i mestre de cerimònies

Els qui eren a l'altra banda, en aquella escola de poble o ciutat on, de sobte, arribaven els nens del circ, tampoc no entenien gaire bé la seva vida. Encara més, sovint els convertien en objecte de burla. “Malgrat la tradició que té a Espanya, seguim estant mal vistos a molts pobles”, assegura Sandro. “Una vegada em van taral·lejar la cançó del circ”, recorda també Kimberley. Es refereix a la peça 'Vjazd gladiátorov', 'Entrada dels gladiadors' del txec Julius Fučík. Ningú reconeix el títol, però si l'escolta reconeixerà la seva música. “A mi me la van posar un dia pels altaveus del col·legi. I després hi ha els que diuen 'jo amb el del circ, no'”, afegeix Walter Marton, de 18 anys. Passaven de ser els “rars” als “cool” quan arribava l'adolescència i els demanaven que fessin equilibris o malabars. “Però imagina't si deies que actuaves com a pallasso: et demanaven tota l'estona que ho fessis per ridiculitzar-te”, sospira Sandro.

A Walter aquella experiència adolescent el va portar a deixar els estudis i centrar-se en la vida circense, que era on s'havia criat. Fill de pares italians, havia recorregut Espanya sota la carpa blava del Circ Marton fins que l'enèsima crisi la va fer desaparèixer fa una mica més d'una dècada. No és estrany. Aquest és un dels sectors culturals que més dificultats han hagut de superar. El mateix Ministeri de Cultura reconeixia al seu Pla General del Circ que els anys 70 i 80 van marcar “l'inici del declivi”. El desmantellament de l'emblemàtic Circo Prize va ser el primer d'una llarga llista de tancaments.

Segons un reportatge de Radiotelevisió Espanyola, a la primera dècada del segle XXI havien desaparegut ja un 25% dels circs de carpa de tot el país. Per al 2021 en quedaven tot just 40. Molt lluny, apunta Sandro, dels gairebé 300 amb què compten països com Itàlia o Alemanya. “Tots juguen en diferents divisions, perquè hi ha molts regionals que no surten de la seva zona, però és cert que avui hi ha moltíssims més artistes que circs. De fet, algunes de les que es consideraven clàssiques actuacions circenses ara es programen també a altres espais”, assenyala William Garibaldi.

Amb cadascuna d'aquestes crisis, el circ es va veure obligat a reinventar-se. “Abans era un cercle molt familiar i tradicional, però la incorporació d'altres artistes ha aportat aire fresc i la influència de Cirque du Soleil també s´ha notat”, assegura William. Un dels canvis més importants va arribar el 2024 amb la Llei de Protecció Animal que va prohibir la presència d'animals salvatges als espectacles. El Raluy els va eliminar fa 15 anys. Ara sota les carpes es poden veure des d'artistes actuant dins d'immenses bombolles fins a transformers passant per llançadors de ganivets o escurabutxaques.

A més de la creació el 1990 de les ajudes al sector circense i del Premi Nacional del Circ, un altre dels sistemes que ha ajudat el sector ha estat l'aparició del CIDEAD (Centre per a la Innovació i Desenvolupament de l'Educació a Distància). Una fórmula pensada per a aquells que, per diferents raons, no poden seguir una educació presencial -els esportistes d'alt rendiment també es troben entre els seus alumnes- i que, més enllà de les aules itinerants d'alguns circs, ha permès que els fills dels artistes es puguin formar sense passar per aquests trasbalsos de canviar de centre cada setmana.

Als seus quinze anys, Gioia, germana petita de Walter, és una de les seves alumnes. Després de la clausura del Circ Marton, la seva família va passar a treballar per a altres companyies, actuant en teatres i en dinner shows fins que fa dos anys es van integrar en el Raluy. “Canviava de col·legi cada dues setmanes, en un vaig arribar a estar només quatre dies. Amb tot l'embolic de matrícules noves que això suposa. Però també amb el problema que el nivell moltes vegades no coincidia i, sobretot, que era complicat fer amics perquè amb cada canvi deixaves a la majoria enrere”, compte.

Estudiar en línia li ha permès no només mantenir l'estabilitat en la seva educació, sinó també conèixer altres menors en la mateixa situació. “Som els joves i els nens dels circs els que més ens coneixem i mantenim el contacte gràcies a les xarxes socials. Fins i tot assagem per videotrucada i, quan coincidim a la mateixa zona, també ens visitem”, explica Gioia. Ella forma part d'una nova generació que vol continuar estudiant -si escau Psicologia- “per poder tenir una altra vida”. “Per si em canso. Potser per quan sigui gran”, va filant. “Per més que ho vulguis evitar, has nascut en un circ i el més normal és seguir aquí”, reconeix.

Sandro Roque aún da las gracias por haber nacido en Navidad. Aquella era la única época en que su padre echaba el ancla e instalaba el circo en Oporto para toda la temporada. “Si no, habría nacido literalmente debajo de la carpa”, afirma. Desde entonces, no recuerda haber pasado dos meses en el mismo sitio. Con la primera sonrisa que esbozó le llegó directa la herencia cómica de su bisabuelo, payaso circense. “Conmigo empezó la cuarta generación de artistas en la familia. Mi infancia transcurrió de pueblo en pueblo entre caravanas y trapecios”, recuerda.

Su última casa rodante es la del circo Raluy. Hace días que su inmensa carpa blanca se ha instalado en Palma y ocupa uno de los pocos solares vacíos del Nou Llevant. La guinda en el skyline de un barrio en el que conviven las promociones de vivienda social de los 70 con los bloques surgidos del boom de la construcción de lujo. Frente a los carromatos circenses también están aparcados algunos de los caravanistas a los que ha sido la crisis inmobiliaria la que les ha empujado a una vida nómada. Igual de inestable que la de los titiriteros, pero con pocos o ningún viaje.

La historia del Raluy viene de largo. La inició un tatarabuelo. El de Kimberley. A principios del siglo XX, Francisco Raluy, natural de Fonz, Huesca, empezó a recorrer aldeas con un oso, una cabra y los malabares que había aprendido a hacer. Los meses de invierno, él y su mujer los pasaban “allí donde el frío” les “sorprendía”. Cuando nació su hijo Luis -al que en Barcelona apodaron El Tigre de Sant Adrià- se convirtió en creador de un número único: construyó su propio cañón de aire comprimido y fue uno de los primeros hombres bala de Europa. Una actuación que sumó a las acrobacias y con la que actuó en las mejores pistas del continente en pleno periodo de entreguerras.

Con la tercera generación se multiplicaron los hijos –cuatro- y las bocas que alimentar. “Los cuatro hermanos hacían un show que no daba para mantener a toda la familia y, además, a medida que ésta crecía, buscaban también mayor estabilidad. Fue entonces cuando pasaron de ser artistas para otros circos a montar el suyo propio”, explica William Garibaldi, actual codirector. Era 1972. El mismo año en que nació la que hoy es su mujer, partenaire en la dirección y heredera de la saga: Rosa Raluy. 

Una vida sobre ruedas

Sumaron la música en directo, la danza. Se multiplicaron las acrobacias, las piruetas sin red, los equilibrios. Se complicaron los malabares: con los pies, con las manos, con la cabeza. Llegaron la carpa blanca y los constantes viajes. Y la familia Raluy creció de la mano de artistas llegados de media Europa. La mayoría, miembros de otras sagas que acumulan décadas y generaciones dedicadas al espectáculo, para quienes la vida nómada ha sido la única conocida.  

“Estamos todo el año de gira, viajamos mucho y tenemos amigos por todo el mundo. Es lo que siempre hemos hecho. No tenemos rutina, pero también renunciamos a tener la misma gente y cambiamos de amistades continuamente”, dice Kimberley Garibaldi. En un año pueden superar las 300 actuaciones. Y en su casa, la de Torroella de Montgrí, reconoce pasar poco más de un mes al año. Su hogar real es la caravana en la que su perro, Milo, la espera después de cada función. Ese momento en que el público desaparece y es él quien recorre la pista entre los miembros de la compañía.

Estamos todo el año de gira, viajamos mucho y tenemos amigos por todo el mundo. Es lo que siempre hemos hecho. No tenemos rutina, pero también renunciamos a tener la misma gente y cambiamos de amistades continuamente

Kimberley Garibaldi — Acróbata

“Ahora es más sencillo vivir así. En realidad son como miniapartamentos con ruedas que tienen todo lo necesario”, asegura. La suya, además, es una de las piezas únicas que atesora el Raluy: una antigua caravana circense inglesa de los años 30. Con su restauración transformó la vieja chimenea de leña que tenía en una moderna cocina. “Mi abuelo era un gran coleccionista de antigüedades. Se pasaba el día buscando carruajes por internet y luego viajaba para irlos a comprar”, relata. Por eso, cuando desembarcan en una ciudad, lo hace también su “museo ambulante”. Desde una antigua furgoneta de Correos hasta la cafetería rodante de 1925 en la que recrean el London Bar de Barcelona -que fue sede y refugio de artistas españoles- y que trajeron circulando desde Alemania en 2016. Joyas históricas cuyo valor va de los 60.000 a los 200.000 euros. Cuando el Ministerio de Cultura les concedió el Premio Nacional de Circo en 1996 no sólo elogió y reconoció la calidad artística de sus espectáculos, sino también su esfuerzo por la conservación del patrimonio circense.  

Para quienes como Kimberley nacieron cerca de una carpa, la adaptación a esta vida errante fue más sencilla. De hecho, ni siquiera la hubo. Para William, su padre, la cosa fue distinta. Pese a que forma parte de la tercera generación en una saga de artistas, en su momento, reconoce, tuvo dudas. “Mi madre era totalmente ajena a este mundo hasta que conoció a mi padre, así que toda esa rama de la familia no era nómada y tenía una vida estable y familiar que me gustaba”, recuerda. Durante un tiempo estuvo decidido a seguir los estudios y ser otra cosa. Cualquier otra cosa. Pero en el año sabático que se tomó para elegir cuál sería su camino, comenzó a practicar la acrobacia y su destino quedó marcado hasta hoy.  

'Mi madre era totalmente ajena a este mundo hasta que conoció a mi padre, así que toda esa rama de la familia no era nómada y tenía una vida estable y familiar que me gustaba', recuerda William

El caso de Alina es aún más excepcional: no sólo es la primera de su familia en entrar en el espectáculo, sino que, como su compañera Anastasia, ha encontrado en el circo un refugio a la situación y a la guerra que se vive en su Ucrania natal. En el camerino, entre pelucas de rizos y sombreros con pompón, recuerdan cómo vivieron el cambio. “Mi familia me dijo que si conseguía un trabajo era bueno que me fuera. Ahora hace tres años que no les veo, pero es que tampoco resulta sencillo por todo el papeleo y los controles”, lamenta. “Yo sí que he ido varias veces a ver a los míos, pero es muy duro volver porque está todo destruido”, añade Anastasia. 

Entre el bullying y la educación a distancia

“Nunca he odiado este mundo, de hecho tengo la suerte de cobrar por lo que me gusta hacer. Pero los niños de circo somos un poco esclavos de esto. A los ocho años empiezas a ensayar con el resto y a los quince es normal que tengas ya tu propio número. Mi hija tiene sólo cuatro años y ya veo que le gusta”, explica Sandro. Kimberley coincide: “En mi familia siempre hemos tenido la opción de no seguir con el circo, pero es difícil que un niño que crezca aquí quiera hacer otra cosa”.

Para la mayoría, esa infancia ambulante fue el momento más duro. Entre otras cosas porque ese ir y venir no sólo les hacía casi imposible hacer amigos, sino porque durante décadas condicionó su educación. “En total te diría que fui a clase unos cuatro años y cambiaba de colegio constantemente en función de la gira. Ha habido algunos a los que he ido un único día. Pero hablo siete idiomas, canto, toco instrumentos”, confiesa Sandro. 

Los niños de circo somos un poco esclavos. A los ocho años empiezas a ensayar con el resto y a los quince es normal que tengas ya tu propio número. Fui a clase unos cuatro años y cambiaba de colegio constantemente en función de la gira. Ha habido algunos a los que he ido un único día. Pero hablo siete idiomas, canto, toco instrumentos

Sandro — Cómico y maestro de ceremonias

Quienes estaban al otro lado, en esa escuela de pueblo o ciudad a la que, de repente, llegaban los niños del circo, tampoco entendían muy bien su vida titiritera. Es más, a menudo los convertían en objeto de burla. “Pese a la tradición que tiene en España, seguimos estando mal vistos en muchos pueblos”, asegura Sandro. “Una vez me tararearon la canción del circo”, recuerda también Kimberley. Se refiere a la pieza ‘Vjezd gladiátorů’, ‘Entrada de los gladiadores’ del checo Julius Fučík. Nadie reconoce el título, pero, si la escucha, reconocerá su música. “A mí me la pusieron un día por los altavoces del colegio. Y luego están los que dicen ‘yo con el del circo no”, añade Walter Marton, de 18 años. Pasaban de ser los “raros” a los “cool” cuando llegaba la adolescencia y les pedían que hicieran equilibrios o malabares. “Pero imagínate si decías que actuabas como payaso: te pedían todo el rato que lo hicieras para ridiculizarte”, suspira Sandro.

A Walter aquella experiencia adolescente le llevó a dejar los estudios y centrarse en la vida circense, que era en la que se había criado. Hijo de padres italianos, había recorrido España bajo la carpa azul del Circo Marton hasta que la enésima crisis la hizo desaparecer hace algo más de una década. No es extraño. Éste es uno de los sectores culturales que más dificultades ha tenido que superar. El propio Ministerio de Cultura reconocía en su Plan General del Circo que los años 70 y 80 marcaron “el inicio del declive”. El desmantelamiento del emblemático Circo Prize fue el primero de una larga lista de cierres. 

Según un reportaje de Radiotelevisión Española, en la primera década del siglo XXI habían desaparecido ya un 25% de los circos de carpa de todo el país. Para 2021 quedaban apenas 40. Muy lejos, apunta Sandro, de los casi 300 con los que cuentan países como Italia o Alemania. “Todos juegan en distintas divisiones, porque hay muchos regionales que no salen de su zona, pero es cierto que hoy hay muchísimos más artistas que circos. De hecho, algunas de las que se consideraban clásicas actuaciones circenses ahora se programan también en otros espacios”, señala William Garibaldi. 

Con cada una de esas crisis el circo se vio obligado a reinventarse. “Antes era un círculo muy familiar y tradicional, pero la incorporación de otros artistas ha aportado aire fresco y la influencia de Cirque du Soleil también se ha notado”, asegura William. Uno de los cambios más importantes llegó en 2024 con la Ley de Protección Animal que prohibió la presencia de animales salvajes en los espectáculos. El Raluy los eliminó hace 15 años. Ahora bajo las carpas pueden verse desde artistas actuando dentro de inmensas burbujas hasta transformers pasando por lanzadores de cuchillos o tragafuegos. 

Además de la creación en 1990 de las ayudas al sector circense y del Premio Nacional del Circo, otro de los sistemas que ha ayudado al sector ha sido la aparición del CIDEAD (Centro para la Innovación y Desarrollo de la Educación a Distancia). Una fórmula pensada para aquellos que, por diferentes razones, no pueden seguir una educación presencial -los deportistas de alto rendimiento también se encuentran entre sus alumnos- y que, más allá de las aulas itinerantes de algunos circos, ha permitido que los hijos de los artistas puedan formarse sin pasar por esos trasiegos de cambiar de centro cada semana. 

A sus quince años, Gioia, hermana pequeña de Walter, es una de sus alumnas. Tras la clausura del Circo Marton, su familia pasó a trabajar para otras compañías, actuando en teatros y en dinner shows hasta que hace dos años se integraron en el Raluy. “Cambiaba de cole cada dos semanas, en uno llegué a estar sólo cuatro días. Con todo el lío de matrículas nuevas que eso supone. Pero también con el problema de que el nivel muchas veces no coincidía y, sobre todo, con lo complicado que era hacer amigos porque con cada cambio dejabas a la mayoría atrás”, cuenta.

Estudiar online le ha permitido no sólo mantener la estabilidad en su educación, sino también conocer a otros menores en su misma situación. “Somos los jóvenes y los niños de los circos los que más nos conocemos y mantenemos el contacto gracias a las redes sociales. Incluso ensayamos por videollamada y, cuando coincidimos en la misma zona, también nos visitamos”, cuenta Gioia. Ella forma parte de una nueva generación que quiere seguir estudiando -en su caso Psicología- “para poder tener otra vida”. “Por si me canso. Quizá para cuando sea mayor”, va hilando. “Por mucho que quieras evitarlo, has nacido en un circo y lo más normal es seguir aquí”, reconoce. 

Durante décadas, Benposta fue un símbolo de autogobierno juvenil y arte bajo la carpa; hoy, solo quedan ruinas

Llega el fin efectivo a los circos con animales salvajes: “Se ha ido aceptando el cambio”

En plena España franquista, cuando la censura y el autoritarismo marcaban el pulso del país, surgió en Ourense una utopía que desafiaba las normas establecidas. O, al menos, eso pretendieron hacernos creer.

Corría el año 1956 cuando carismático jesuita Padre Jesús Silva creó la Ciudad de los Muchachos de Benposta. Un hombre afable -a ojos de las cámaras y el público-, con un propósito noble: un proyecto que combinaba la acogida de jóvenes desfavorecidos y su formación a través del arte y el trabajo colectivo. Todo una tapadera.

El eje de todo: El Circo de los Muchachos, una compañía internacional formada por chicos que vivían en aquella comunidad del Padre Jesús Silva y que acabaron actuando en escenarios tan icónicos como el Madison Square Garden o el Grand Palais de París.

Lo que empezó siendo un pequeño refugio para niños sin recursos, se convirtió en un fenómeno social, educativo y artístico que alcanzó fama mundial.

Los chicos no solo aprendían acrobacias, malabares o equilibrios: se formaban en oficios, debatían sobre política en asambleas y compartían una vida en comunidad donde todos tenían voz y voto, independientemente de su edad.

Un circo que dio la vuelta al mundo

El Circo de los Muchachos fue la cara más visible del proyecto de Benposta. Una troupe de jóvenes artistas, muchos de ellos de orígenes humildes, que viajaban por el mundo como embajadores de su comunidad.

De la Isla de Pascua al Cristo del Corcovado, de Machu Picchu a París, estos chicos se presentaban con sus pirámides humanas y sus números de circo ante presidentes, diplomáticos y públicos de todos los continentes.

Además, el propio Padre Silva, obsesionado con el registro visual, acumuló más de 2.000 horas de material audiovisual, incluyendo películas inéditas de sus giras, que hoy se consideran un tesoro documental.

En su visión, el circo era tanto espectáculo como herramienta educativa, política y espiritual. Las imágenes de los arlequines encaramados unos sobre otros se convirtieron en metáfora de una sociedad donde los fuertes sostenían a los más débiles.

El principio del fin: decadencia, enfrentamientos y abandono

Con la llegada de la democracia y la transformación de las estructuras de protección social, Benposta fue perdiendo relevancia. Los mecanismos públicos empezaron a suplir el papel que antes desempeñaban estos espacios alternativos, y el proyecto no logró adaptarse al nuevo contexto.

Tampoco ayudaron los conflictos internos: muchos de los “muchachos” formados en el espíritu crítico acabaron enfrentándose al sistema cerrado que mantenía el padre Silva, sin vías claras para su emancipación dentro de la comunidad.

La tensión con Fraga, entonces presidente de la Xunta, por unos terrenos en disputa y la negativa del cura a permitir su urbanización, marcó también el declive institucional del proyecto. Todo ello, sumado a una gestión muy personalista, desembocó en una guerra interna y en el progresivo abandono de la ciudad.

Hoy, los terrenos de Benposta están casi en ruinas, habitados únicamente por una treintena de antiguos residentes.

La Asociación Padre Silva intenta mantener viva la memoria del lugar, mientras en países como Colombia o Leganés, herederos del proyecto continúan activos, adaptados a los tiempos y convertidos en centros de acogida para jóvenes en situación de vulnerabilidad.

La última utopía de la España del siglo XX

El documental El Circo de los Muchachos, disponible en plataformas como Amazon Prime Video, recupera esta historia olvidada: una ciudad sin policías ni jueces donde los niños decidían su propio destino, una carpa que brilló en los mejores escenarios internacionales, y un cura visionario que, con contradicciones y excesos, imaginó un mundo más justo desde el corazón de Galicia.

Benposta fue una rareza luminosa en una época oscura. Y aunque su final se tiñera de silencio, su legado sigue siendo un recordatorio de que incluso en los márgenes de la historia puede brotar una revolución

En julio de 2024, con el anuncio del descubrimiento de las huellas de un circo romano en el yacimiento de Iruña-Veleia, a unos pocos kilómetros de Vitoria, la Diputación de Álava se abrió a “redescubrir” el “potencial arqueológico e histórico inmenso” que tiene. Se consideraba que el valor de la que fue una importante ciudad romana, con su muralla, sus 'domus' y su ingeniería civil, había quedado oscurecido por un “velo negro” que se había cernido sobre todos los restos por la estafa con la falsificación de varias piezas que, según los luego condenados por la Justicia, estaban llamadas a cambiar la historia del euskera y hasta del cristianismo. Ahora, en el marco de ese redescubrimiento de la que fue una importante ciudad romana allá por el siglo I, una exposición con paneles explicativos desplegados en la céntrica plaza de la Provincia, en Vitoria, invita a la ciudadanía a sumergirse en la historia del lugar y a recorrer su calzada romana, su gran mercado público y su recinto amurallado, sus mosaicos y cisternas, sus muros e incluso un posible templo.

Hay constancia de asentamientos en lo que ahora se conoce como Iruña-Veleia desde hace tres milenios. El máximo esplendor, sin embargo, se alcanzó entre los siglos I y III, cuando algunos indicios arqueológicos apuntan a que llegó a alcanzar una extensión de “al menos 126 hectáreas”. Si el Imperio romano llegó a “unos niveles de comercio y desarrollo hasta entonces nunca alcanzados”, fue en gran parte por un “complejo” sistema de carreteras “estatales” por las que viajaban, además de tropas y mercancías, “gentes, ideas y cultura romana”, se explica en la exposición, que se titula 'Iruña-Veleia, 3.000 años de historia' y que se puede visitar en la plaza de la Provincia hasta el 4 de abril. Junto a Veleia transcurría una calzada romana, la Iter XXXIV, que conectaba Astorga con Burdeos y que transitaba también por otros lugares de la provincia como Mariturri, Suestatium (en Arkaia), Tullonium (en Alegría-Dulantzi) y Alba (en Albéniz). “Esta carretera se convirtió en un eje articulador del territorio y contribuyó al gran desarrollo de la ciudad”, se abunda.

Pese a ser el yacimiento romano más importante de Euskadi y aunque se encuentra a apenas un cuarto de hora de viaje en coche desde el centro de la capital alavesa, Iruña-Velaia apenas recibe cuatro millares de visitantes al año. Ello ha llevado a las instituciones a querer redescubrirlo y a animar a la ciudadanía a que lo conozca. ¿Qué es lo que ofrece Iruña-Veleia? La exposición destaca muchos elementos del núcleo de población. Como el más característico, se apunta a la muralla, que habría cubierto un trazado de más de un kilómetros (hasta 1.200 metros) para encerrar un área de once hectáreas. La muralla, que se construyó a partir de la reutilización de materiales sacados de edificios desmantelados de la zona, rodeaba un 'oppidum', una ciudad que, cuando se erigió la muralla en el siglo IV, ya no hacía sombra a lo que había sido en el I y en el II. “Por el momento solo conocemos diecisiete de los torreones con los que contaba la muralla. Los situados al sur, en el entorno de la puerta principal, están parcialmente realizados con bloques de sillería y son semicirculares. El resto tienen planta rectangular y están cosntruidos con mampostería. Además de la puerta principal al sur, hay una puerta menor o poterna al oeste. Al este existiría otra entrada principal, hoy no visible”, se detalla. Esta puerta occidental, de apenas 1,14 metros de anchura, brindaba fácil acceso al río Zadorra, lo que la habría dotado de un “incesante tráfico” de viandantes. “Las huellas de desgaste sobre la roca indican que este paso no estaba pavimentado”, se deduce.

El recorrido que se propone en la exposición concede gran importancia a una serie de edificios. Uno de ellos es el conocido como 'domus' del mosaico de los rosetones, elemento que adorna el patio central y que se intuye pese a los estragos causados por el tiempo. Erigida en el siglo I sobre una vivienda ya existente anteriormente, el mosaico se colocó en la casa dos siglos más tarde. Hizo también las veces de taller y quedó abandonada allá por el siglo V. Otra 'domus' relevante, aunque en ocasiones se ha sugerido que podría ser un conjunto de varias en vez de una sola, es la de Pompeia Valentina, que da una idea de cómo era la configuración de los inmuebles en los que vivían las familias de posibles. “La entrada principal ('fauces') se sitúa al sur y a sus lados había varias tiendas ('tabernae') que daban a la calle. Tenía un atrio de techo abierto ('compluvium') y suelo decorado con mosaico. Bajo ésta existe todavía una cisterna abovedada usada para acumular el agua de la lluvia. Alrededor del atrio se articulaban las diferentes estancias: habitaciones ('cubicula'), comedor ('triclinium'), cocina ('culina'), etc.”, se detalla.

Todo apunta a que Veleia alcanzó grandes dimensiones y a que habría tenido una “importante” población entre los siglos I y II. La gestión del agua, a orillas del río Zadorra, debió de ser algo fundamental, y quedan restos de sótanos y cisternas. “Por ahora no se han hallado restos de ningún acueducto o infraestructura hidráulica de gran envergadura. Sí tenemos constancia de numerosas cisternas y tramos de caños y desagües, a lo que hay que sumar la proximidad del río y la existencia de manantiales cercanos”, se explica. Se pueden ver entre lo que queda de Veleia los restos de una cisterna que habría sido construida en el siglo III y que, según los cálculos, habría podido llegar a contener hasta 20.000 litros de agua. Se preservan todavía dos columnas sobre las que se apoyaba la cubierta de la estructura.

La exposición, compuesta de una veintena de paneles ilustrados con fotografías y recreaciones, ha sido inaugurada esta semana por Inmaculada Sánchez, directora de Cultura, y Javier Fernández Bordegarai, jefe del Servicio de Museos y Arqueología. “No solo se pretende divulgar, sino que también se busca concienciar sobre la enorme transcendencia histórica y patrimonial de este impresionante yacimiento. Y es que es labor de todas y todos preservar estas páginas de nuestra historia”, explicaba Sánchez. “Tenemos un tesoro en nuestro territorio que merece la pena visitar y revisitar”, animaba.

Si el lunes se inauguró la exposición en la plaza de la Provincia, apenas dos días después, el miércoles, se supo que dos viejas cerámicas pertenecientes a otro yacimiento de la provincia, el de Las Ermitas en Espejo, están ya siendo investigadas por especialistas de la Ertzaintza al presentar claros indicios de que están manipuladas. En una se lee “Cesar” y en otra “Neron”. “Para detectar algunas cosas se requiere cierto nivel. Pero esto es muy burdo. Basta con haber leído Astérix y Obélix para saber que es falso”, resumían desde la Diputación, titular de los yacimientos y codenunciante de las irregularidades junto con el Gobierno vasco. Se da la circunstancia de que los trabajos arqueológicos los llevó a cabo en la zona la empresa Lurmen, la de Idoia Filloy y Eliseo Gil, que también almacenó las piezas. Ahora han aflorado en una revisión de los grafitos procedentes de los yacimientos alaveses que están acometiendo el Gobierno vasco y el museo Bibat para catalogarlos y fotografiarlos.

Gil fue responsable de las excavaciones que se llevaron a cabo en el yacimiento. La Justicia probó que, de la mano de su colaborador Óscar Escribano, dañó el patrimonio y falsificó piezas clásicas originales y de gran valor para simular hallazgos “excepcionales” que estaban llamados a cambiar la historia del euskera y del cristianismo. Se encontraban entre ellas el supuesto calvario más antiguo del mundo y hasta jeroglíficos egipcios con menciones a Ramsés y Nefertiti. Más de una década después de que la Diputación llevase el caso a los tribunales, la estafa se saldó con una condena penal mínima por falsedad documental del patrimonio histórico-cultural y estafa de 2 años y 3 meses para Gil. Al igual que a Rubén Cerdán, otro de los condenados, se le impuso el abono de 12.500 euros por la creación 'ad hoc' de unos informes cuyo objetivo era dar legitimidad a los hallazgos “excepcionales”. La Justicia estipuló también una indemnización de 72 euros, apenas dos euros por el daño infligido a cada una de las 36 piezas arqueológicas falsas. Todo esto, se ha admitido en más de una ocasión desde la Diputación, ha echado sobre el yacimiento un “velo negro”.

El circo, prueba de la “relevancia”

El hallazgo más reciente, presentado al público en 2024, es el de un circo romano que podría haber llegado a albergar en sus gradas a 5.000 espectadores. De 80 metros de longitud y 72 de anchura, la construcción podría obligar a repensar algunas concepciones sobre el asentamiento, pues hasta la fecha solo se tiene constancia de otros dos circos permanentes en el norte peninsular y ambos estaban enmarcados en ciudades romanas relevantes, como Tarraco y Calagurris. Los orígenes del hallazgo, que se remontan hasta el año 2020, se encuentran en un estudio preliminar confeccionado por los hermanos Javier e Iker Ordoño, de la empresa Arkukus, que aporta pruebas de la presencia de centenares de infraestructuras romanas en el subsuelo de la zona de Iruña-Veleia. Se dio a conocer en julio de 2024.

Si el área vallada de Iruña-Veleia comprende 11 hectáreas, los hermanos habían revisado entonces hasta 251. ¿Cómo? Emplearon, por un lado, la cartografía ya elaborada por las instituciones, así como la técnica LiDAR, que se vale de pulsos de luz infrarroja para detectar elementos. Entre el material empleado se contaban también ortofotografías tomadas en la primera mitad del siglo XX, desde las del aviador Julio Ruiz de Alda y las reunidas por vuelos estadounidenses sobre el terreno. Son muchas y variadas las pistas para detectar estas estructuras antiguas, desde detalles como una orientación diferente a la de las parcelas que las circundan ahora y que las circundaban en otros periodos históricos. “Vemos una serie de recintos imbricados, vemos espacios absidales, vemos estructuras reticuladas, zonas porticadas con columnas... Todo esto no es casualidad”, explicaron en la presentación.

Si bien son muchas las estructuras que se intuyen y que tanto las instituciones como los hermanos quieren estudiar con mayor profundidad en el futuro, el posible circo romano ha suscitado mucho interés. En la exposición que en estos días de 2025 se puede visitar en la plaza de la Provincia, se aventura que, de haber existido realmente tal infraestructura, “demostraría la relevancia que alcanzó la ciudad”. Ya desde el comienzo de las labores de los Ordoño se intuía un gran recinto rectangular, pero para completar el puzle faltaba el círculo en el que las cuadrigas hacían el giro durante la carrera. Y se puede apreciar en las imágenes. Los expertos explicaron en julio de 2024 que los cultivos que crecen sobre arranques de muro tienen menos nutrientes, lo que provoca que en determinadas épocas del año crezcan menos y permitan adivinar estructuras como esta. “Las parcelas agrícolas se adaptaban a la morfología del circo, según se ven en las imágenes tomadas por un vuelo estadounidense en la década de 1940”, abundaban los hermanos.

Pero todavía queda mucho por descubrir con unos estudios que han de ir, según ha subrayado la Diputación en más de una ocasión, “a fuego lento”, siempre guiados por la cautela y la prudencia. “Iruña-Veleia siempre nos da alegrías”, se congratulaba en 2024 Ana del Val, diputada de Cultura y Deporte, que se refería al lugar como una “joya” y aseguraba que tiene “un potencial arqueológico e histórico inmenso”. En la exposición actual, se hace hincapié en la importancia del dinamismo en la investigación y se ilustra con el ejemplo de lo que podría ser un templo. “Las excavaciones de principios del siglo XX sacaron a la luz varias estructuras que fueron interpretadas como un 'castellum acquae' o depósito de distribución de aguas. Investigaciones posteriores consideraron que podría tratarse de un templo, un edificio con una gran cimentación, inscripciones monumentales y capiteles y pilastras de orden corintio. Fuese cual fuese su función, con el tiempo se perdería y pasaría a formar parte de uno de los torreones de la muralla”, se explica. En la zona apareció un capitel corintio y en su momento, aunque luego desapareciesen, habría habido también inscripciones monumentales documentadas durante las excavaciones primigenias. “Estudiar la historia de un lugar a través de sus restos es un proceso laborioso en el que se plantean varias hipótesis y donde cada pequeño o gran hallazgo puede cambiar el rumbo de la investigación”, se remacha.

La propia exposición, como ya vienen haciendo las instituciones, hace un llamamiento a la ciudadanía para que se implique en la difusión de las virtudes del yacimiento. Y quiere que participe de su memoria. En uno de sus paneles, se muestran fotografías en blanco y negro con visitas al yacimiento de las que han transcurrido ya décadas. “Antes de ser considerado uno de los principales yacimientos de nuestro territorio, muchas personas ya conocían y visitaban sus ruinas”, se asegura. Quieren “desenterrar la memoria popular” y para ello han habilitado la dirección de correo electrónico museoarqueologia@araba.eus y el número de teléfono 945 20 37 00 para que la gente aporte “fotografías, recuerdos y vivencias del pasado, incluso objetos procedentes de Iruña-Veleia”, que conserve. En octubre de 2024, se anunció también que se dedicarán 550.000 euros a la creación de un nuevo centro de visitantes para el yacimiento.

Los sueños tienen la capacidad de transportarnos a mundos desconocidos, de desafiar la lógica y de convertir lo imposible en realidad. Y pocas artes como el circo saben materializar ese viaje entre lo tangible y lo onírico con la misma destreza. En R.E.M., la última propuesta de La Trócola Circ, el escenario del Teatro de Rojas se transformó en un espacio donde la imaginación y el riesgo se entrelazaron para crear un espectáculo de una potencia visual y emocional inolvidable. Bajo la dirección artística de Lucas Escobedo, esta obra híbrida entre circo contemporáneo, teatro físico y danza, no solo deslumbró al público con su virtuosismo técnico, sino que consolidó la escena como un espacio de formación y descubrimiento, especialmente para las nuevas generaciones.

Desde el primer instante, el espectador comprendió que no estaba ante una función convencional. Cuatro camas ocupaban el escenario, objetos cotidianos que pronto se transformaron en plataformas de vuelo, refugios, barreras a superar y trampolines hacia el vacío. De esta escenografía mínima nació un universo simbólico en el que las emociones se narraban a través del movimiento y donde la corporalidad de los artistas hablaba con una elocuencia que superaba cualquier palabra.

El espectáculo exploró con maestría el lenguaje del circo contemporáneo: malabares en alturas, portes acrobáticos, equilibrios imposibles y una sincronización precisa entre los cuerpos en movimiento. Sin embargo, más allá de la proeza técnica, R.E.M. supo imprimir a cada gesto una carga dramática innegable. La obra abordó con sensibilidad cuestiones universales como la autoexigencia, el miedo al fracaso y la necesidad de lanzarse al vacío para alcanzar los propios sueños. Sin recurrir a diálogos ni narraciones explícitas, logró transmitir una historia íntima y a la vez colectiva, en la que cada espectador pudo reconocerse.

Pero R.E.M. no solo fascinó por su calidad artística. En su esencia late un propósito fundamental: acercar el teatro y las artes escénicas al público infantil y familiar, convirtiendo la escena en un espacio de aprendizaje y reflexión. La obra se erige como un puente entre la infancia y el lenguaje escénico contemporáneo, ofreciendo una forma de narrar alejada de los convencionalismos y abriendo la puerta a nuevas formas de expresión.

Desde las primeras piruetas hasta los momentos de mayor tensión, los niños y niñas del público vivieron la función con una intensidad única. Sus expresiones de asombro, sus risas espontáneas y la manera en que sus cuerpos se inclinaban hacia adelante, pendientes de cada movimiento, revelaban una entrega absoluta a la experiencia. Para ellos, cada salto era un descubrimiento, cada caída, un misterio, cada reencuentro en el aire, una celebración del equilibrio perfecto entre confianza y riesgo.

La iluminación y la música, compuesta por Raquel Molano, jugaron un papel crucial en la construcción del relato sensorial. Con cambios sutiles pero efectivos, la luz guiaba la emoción, delineando la fragilidad del sueño o la intensidad del desafío. La banda sonora, por su parte, potenció la atmósfera onírica, oscilando entre la ternura y la inquietud, envolviendo a los espectadores en un estado de contemplación activa.

El valor pedagógico de “R.E.M.” radica precisamente en esta capacidad de transmitir y de enseñar. La obra permite que niños y adultos experimenten el teatro no como un simple entretenimiento, sino como una invitación a la reflexión, al descubrimiento del lenguaje corporal y a la apreciación de la disciplina y el arte que requiere cada movimiento. En una época donde la inmediatez y la sobreestimulación visual predominan en la infancia, propuestas como esta reivindican la necesidad del teatro como espacio de atención, de asombro y de aprendizaje sensorial.

En medio de esta travesía onírica, la fuerza del histórico mensaje de Martin Luther King resonó con especial significado. “I have a dream”—yo tengo un sueño—no es solo una frase icónica, sino una invitación eterna a creer en la posibilidad de un mundo mejor. En tiempos donde la incertidumbre y la tensión global parecen ganar terreno, recordar que los sueños pueden ser el motor de la transformación y la paz resulta más pertinente que nunca. Y así lo demostró R.E.M., al convertir cada salto en un acto de compromiso y cada acrobacia en una metáfora del esfuerzo colectivo por alcanzar un horizonte más justo y armonioso.

Cuando el último aplauso se diluyó en la sala y la luz del teatro regresó a su estado cotidiano, quedó una certeza flotando en el aire: el arte escénico sigue siendo un territorio fértil para el asombro, el pensamiento y la emoción. “R.E.M.” no solo nos recordó la importancia de soñar despiertos, sino también el poder transformador del teatro como herramienta de crecimiento, tanto artístico como humano. Una experiencia que, sin duda, sembró en el público infantil la semilla de la curiosidad y el amor por la escena, asegurando que, en algún rincón de sus mentes, esta función permanecerá como el primer destello de un futuro espectador apasionado, o quizá, de un futuro artista.

La nueva temporada cultural del auditorio Pilar Bardem de Rivas-Vaciamadrid llega cargada de sorpresas. El Ayuntamiento del municipio ha dado a conocer este jueves toda la programación para el primer semestre de 2025 con propuestas que van desde el teatro y la danza hasta el circo y los espectáculos familiares.

El programa cultural incluye ocho espectáculos de abono (seis de teatro y dos de danza) y siete espectáculos del ciclo de programación familiar (dos de circo, uno de teatro, uno de danza y dos de títeres). 

La programación de abono del Pilar Bardem incrementa su apuesta por la danza con dos espectáculos: Txlaparta y Romance Sonámbulo. Además, apuesta un año más por lo mejor de las artes escénicas con obras como Conquistadores de Perigallo Teatro o Marcela de la compañía Sociedad Cervantina.

La ciudadanía de Rivas continúa apostando por la cultura de calidad y ha renovado los 500 abonos puestos a la venta en el auditorio, aunque todavía es posible conseguir entradas para la mayoría de los espectáculos programados pinchando en este enlace. La mayoría oscilan entre los tres y los siete euros. Puedes consultar a continuación todas las propuestas que incluye el abono:

También hay hueco para los más pequeños. En el ciclo de programación familiar, que continúa con su apuesta de llevar la cultura a los barrios, el auditorio Pilar Bardem, la sala Covibar o la carpa de circo contarán en este primer semestre del año con los siguientes espectáculos: 

Programación especial Carnaval 2025

Por otro lado, el Ayuntamiento de Rivas continúa preparando el Carnaval 2025. Este jueves se han dado a conocer las actuaciones musicales con que contarán las distintas actividades programadas por la Concejalía de Cultura. 

En ese sentido, la fiesta posterior al desfile de comparsas y el concurso de disfraces, que tendrá lugar el sábado 1 de marzo, contará con la actuación de ‘Los cracks del 29’. Durante el desfile, la música correrá a cargo de la batucada ripense Batuseira. Para el domingo 2 de marzo queda el espectáculo familiar ‘Hansel y Gretel’. 

Para la noche del viernes 28 de febrero quedará el Encuentro Carnavalesco en el auditorio Pilar Bardem, con la actuación de siete chirigotas. Como novedad, el domingo 2 de marzo tendrá lugar el Aperitivo chirigotero con sardina, con chirigotas callejeras que amenizarán el aperitivo de los y las ripenses durante el mediodía del domingo. El público asistente podrá disfrutar de una tapa elaborada con sardinas en los locales de cada barrio adheridos a la propuesta. 

Michael Ferreri (Sevilla, 1996) ha crecido bajo la carpa de un circo. Al pertenecer a una familia de amplia tradición circense (es la quinta generación por parte de su madre alemana y la quinta por su padre español), con 11 años empezó a ensayar diferentes disciplinas hasta que encontró su “vocación”: los malabares. Tres años después, uno de los circos de mayor renombre internacional –el Cirkus Merano de Noruega– incorporó el número de malabares de Ferreri en su gira de 2010. Y, “a partir de ahí, fue un no parar”, recuerda ahora quien acaba de ser reconocido con el Premio Nacional de Circo 2024.

A sus 28 años, este malabarista sevillano ha recibido con gran “orgullo” el que considera “el premio más importante que se pueda otorgar a un artista”. Aunque Ferreri está acostumbrado a recibir reconocimientos, confiesa que el que le ha otorgado el Ministerio de Cultura por “su sobresaliente actividad como malabarista, que incluye la obtención de cuatro récord Guinness durante el año 2023” es “muy, muy especial” porque “cada vez que lo vea pensaré en todo el sacrificio y trabajo duro que he tenido que realizar para llegar hasta aquí”.

Y también porque, asegura, ha sido “totalmente inesperado”, pues lo habitual es que este galardón se le conceda a personas con una trayectoria de “muchísimos años”. Pese a su juventud, Ferreri ya forma parte de la historia del malabarismo por haber sido el primero en lograr realizar malabares con 11 bolas frente a una audiencia en directo y con registro audiovisual de ese hito, entre otros tantos que figuran en el Libro Guinness de los récords y que lo consagran como el malabarista más rápido del mundo. Además, su trayectoria está avalada por numerosos títulos y reconocimientos internacionales, destacando el Payaso de Bronce del Festival de Circo de Montecarlo, equivalente al Oscar del mundo del circo.

Su padre, su referente y su memoria

Todavía con la emoción en la garganta, el sevillano agradece al jurado del Premio Nacional de Circo que haya reconocido “su versatilidad y su capacidad para la innovación desde la excelencia técnica”, así como “su carácter ecléctico y su capacidad de adaptación e integración a distintos espacios de exhibición, tanto tradicionales como contemporáneos, cautivando audiencias con su originalidad y su audacia en las técnicas malabares”, según consta en el fallo.

“Que con 28 años hayan decidido que me merezco este reconocimiento es increíble”, expresa quien lleva dedicándose profesionalmente a los malabares desde los 14 años. En este punto, no puede evitar mencionar a su padre, Miguel Jiménez Santos, conocido artísticamente como Miguel Ferreri, un referente mundial del alambre: “Por desgracia ya no está con nosotros, pero si no hubiera sido por él no habría logrado todo lo que he logrado”, afirma su hijo desde Finlandia, donde se encuentra en estos momentos de gira.

Junto a “todo lo que me enseñó”, agradece que su padre le diese “vía libre” para dedicarse a lo que realmente le apasionaba: “Yo ensayé también los equilibrios, las pulsadas, pero no me entusiasmaban y cuando mi padre vio que lo que realmente me llamaba la atención era el malabarismo, me dijo que ensayara e hiciera lo que más me gustara”. Por eso, además de lanzar un beso al cielo al terminar cada función, Ferreri dedica este reconocimiento a su padre porque sabe “que este premio le hubiese hecho muchísima ilusión porque es el más grande que te pueden aportar en España a nivel circense”.

Disfrutar del camino y no solo de la cima

Michael, quien representa a la primera generción de malabaristas de la familia Ferreri, se ha convertido en Premio Nacional de Circo después de actuar en los escenarios más prestigiosos de Europa y Estados Unidos. También ha competido en los festivales más importantes del mundo, “siempre representando a España y siempre quedando entre los primeros tres puestos del podio”. En 2014, por ejemplo, actuó en el Festival Mondial du Cirque de Demain en París, donde se convirtió, con 17 años, en el artista más joven en competir en este evento, del que se marchó con la medalla de bronce y el premio especial Moulin Rouge.

Todo esos logros son fruto del sacrificio y del “amor que le tengo a este trabajo”, asevera. “No es fácil porque requiere mucho esfuerzo y ensayar muchas horas, pero al final cuando te gusta lo que haces, pues disfrutas”, explica Ferreri transmitiendo un profundo respeto por su trabajo. Ahora que ha llegado a la cima de su carrera, se compromete a “seguir adelante dando el máximo posible” en cada actuación.

Este joven que se enamoró del arte de los malabares a los 11 años continúa disfrutando “a diario” de su profesión, tanto durante los ensayos como cuando percibe desde el escenario el asombro en el rostro del público ante sus números imposibles. Entre sus logros más recientes, se encuentran haber conseguido la mayor cantidad de capturas (un total de 925) en 3 minutos con 6 bolas o haber dado un mayor número de giros consecutivos de 360° mientras hacía malabarismos con 5 bolas por encima de la cabeza (con un total de 7 giros). “Es muy bonito presentar algo que uno ha ensayado tanto tiempo delante del público y ver que sale algo que es una complicación, que hay muy poca gente en el mundo que pueda lograr”, reconoce.

Trabajar más allá de los sueños

Por todo ello, el Ministerio de Cultura ha reconocido que su trayectoria, “un ejemplo de perseverancia y evolución constante”, ha sido capaz de “inspirar a nuevas generaciones”, convirtiéndolo en “un modelo a seguir en el mundo circense, que destaca tanto por su rigor en la técnica como por su labor de difusión de las artes del circo”.

A pesar de llevar media vida dedicada a los malabares, cada vez que Ferreri sube a un escenario afloran “esos nervios y esas ganas de intentar dar lo mejor de uno mismo”. Por eso, aunque reconoce que “los sueños que tenía ya los he cumplido”, mantiene intacta la ilusión de “seguir actuando e invirtiendo en mi trabajo” para ofrecer al público el mejor espectáculo posible con “nuevos vestuario y puestas en escena”.

De nuevo recordando a su padre, dice que “lo difícil no es llegar, sino mantenerse”. De ahí que el Premio Nacional de Circo 2024 garantice que va a continuar “trabajando” tanto como hasta ahora para “demostrar que no ha llegado mi fin” y que Michael Ferreri aún tiene mucho que ofrecer en los escenarios de todo el mundo.

El jurado del Premio Nacional de Circo 2024 ha propuesto la concesión de este galardón a Michael Ferrari, al que se ha reconocido por “su sobresaliente actividad como malabarista, que incluye la obtención de cuatro récord Guinness durante el año 2023. Su versatilidad y su capacidad para la innovación desde la excelencia técnica le han permitido adaptarse a contextos circenses, tanto tradicionales como contemporáneos, cautivando audiencias con su originalidad y su audacia en las técnicas malabares”.

El jurado ha destacado, además, “su carácter ecléctico y su capacidad de adaptación e integración a distintos espacios de exhibición y a los procesos creativos de otros artistas”. “Su trayectoria, un ejemplo de perseverancia y evolución constante capaz de inspirar a nuevas generaciones, lo ha convertido en un modelo a seguir en el mundo circense, que destaca tanto por su rigor en la técnica como por su labor de difusión de las artes del circo”, concluye el fallo.

El Ministerio de Cultura concede anualmente este galardón, dotado con 30.000 euros, a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) para reconocer la actividad de entidades y profesionales españoles del circo tanto en España como en el extranjero.

Michael Ferreri (Sevilla, 1996) es un malabarista autodidacta que pertenece a una familia de amplia tradición circense (cuatro generaciones) y que ha conseguido labrar, pese a su juventud, una sólida trayectoria internacional avalada por numerosos títulos y reconocimientos en diferentes países. Cuenta con casi medio centenar de récords Guinness y entre sus logros más recientes destacan haber dado un mayor número de giros consecutivos de 360° mientras hacía malabarismos con 5 bolas por encima de la cabeza (con un total de 7 giros) o haber conseguido la mayor cantidad de capturas (un total de 925) en 3 minutos con 6 bolas, entre otros. Además, Ferreri forma ya parte de la historia del malabarismo al ser el primero que consiguió realizar malabares con 11 bolas frente a una audiencia en directo y con registro audiovisual de ese hito.

Artista precoz, comenzó a hacer malabares con 11 años y a los 13 ya hizo su debut en el reconocido circo noruego Cirkus Merano. Su carrera dio un salto en 2011, cuando se unió al Circus Vargas en los Estados Unidos, donde permaneció durante dos años. En 2014 volvió a Europa para actuar en el prestigioso Festival Mondial Du Cirque De Demain en París, donde se convirtió, con 17 años, en el artista más joven en competir en este evento en el que obtuvo la medalla de bronce y el premio especial Moulin Rouge.