En el año 1991 el jurado del Premio Pritzker, el galardón más importante de la arquitectura, decidió hacerle entrega del premio al arquitecto Robert Venturi (Filadelfia, 1925-2018), ignorando que este desarrolló y firmó sus proyectos conjuntamente durante décadas con la también arquitecta Denise Scott Brown (Nkana, Zambia, 1931) que además era su mujer. A pesar de que durante el discurso en la entrega del Pritzker Venturi reconociera que el trabajo de Scott Brown suponía el 50% de sus proyectos, no reclamó compartir el galardón con ella. La arquitecta, a modo de protesta, se negó a acompañarle a la ceremonia. No fue hasta 22 años más tarde, en 2015 cuando un grupo de alumnos de Harvard de la arquitecta iniciaron una petición a través de Internet para solicitar la concesión del Pritzker de manera retroactiva para Scott Brown. El propio Venturi y otros arquitectos firmaron dicha petición, considerando que el pensamiento sobre “la importancia de lo ordinario” que marcan los trabajos y libros premiados solamente a Venturi son inspiración de la arquitecta. Sin embargo, el jurado, compuesto por arquitectos diferentes a 1991, pero prácticamente en su totalidad compuesto por hombres, denegó dicha petición alegando que un jurado posterior no puede interferir en las decisiones tomadas por uno anterior.

Solo seis mujeres han sido galardonadas con el prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura desde su creación en 1979: Zaha Hadid (2004), Kazuyo Sejima (2010), Carme Pigem (2017), Yvonne Farrell y Shelley McNamara (2020), y Anne Lacaton (2021). Tras la negativa del jurado a reevaluar la decisión de excluir a Scott Brown del premio de 1991, la arquitecta confesó que, en su opinión, el Pritzker “va a ser conocido como el premio de los tristes y viejos hombres blancos”. No se trata de la única vez que ocurría un caso similar en el Pritzker, ya que en 1986 se premió a Gottfried Böhm y no a su socia y esposa Elisabeth Haggenmüller, y en 2012 a Wang Shu y no a Lu Wenyu socia de Amateur Architecture Studio.

Poco después de aquella polémica, en el año 2016, Venturi y, en esta ocasión también Scott Brown, fueron premiados con la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos, un reconocimiento de un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura creado mucho antes que el Pritzker, en 1907. Así, Scott Brown se convirtió la segunda mujer en recibir el premio y la primera que ha conocido en vida reconocimiento del galardón , ya que la primera mujer que recibió esta medalla fue Julia Morgan en 2014 a título póstumo. Tras ellas otras tres mujeres han sido galardonadas, Angela Brooks, que recibió el premio conjuntamente con Lawrence Scarpa en 2022 y Carol Ross Barney, que fue galardonada en 2023 y, por último, Deborah Berke, que ganó la medalla el año pasado, en 2025.

El Pritzker va a ser conocido como el premio de los tristes y viejos hombres blancos

Denise Scott Brown — Arquitecta

Tras toda una vida de arquitectura y arte, a sus 94 años, el Museo Bellas Artes de Bilbao acoge la primera gran retrospectiva de Denise Scott Brown en España. Comisariada por los arquitectos Maria Pia Fontana y Miguel Mayorga y estructurada en tres apartados –ciudad, calle, casa–reúne por vez primera más de 120 obras originales, entre los que hay dibujos, fotografías, carteles y maquetas, con el objetivo de poner de manifiesto la gran contribución de sus proyectos a la cultura visual contemporánea. Además de sus obras, la exposición incluye una veintena de obras de arte y mobiliario de la colección privada de la arquitecta entre las que se encuentran obras de Ed Ruscha, Roy Lichenstein o Andy Warhol.

La ciudad, la calle y la casa como inspiración

El primer apartado de la muestra, 'Ciudad', recoge las obras y propuestas creadas por Scott Brown en el lugar en el que ella creó un hogar: Filadelfia. Se trasladó allí en el año 1958 para estudiar con Louis Kahn, tras formarse y trabajar en Londres y viajar por Europa. A pesar de que le acompañó su primer marido, Robert Scott Brown, este falleció justo un año más tarde en un accidente de coche. Ese mismo año conoció a Robert Venturi, con quien al inicio solo colabora académicamente, pero años después, en 1967, contrae matrimonio. Scott Brown decide mantener el apellido de su primer marido para así no perder la autoría del trabajo realizada hasta la fecha. Antes de casarse con su primer marido, su nombre era Denise Lakofski. Entre 1962 y 1964 Scott Brown y Venturi desarrollaron en la Universidad de Pensilvania dos propuestas determinantes: Venturi publicó 'Complexity and Contradiction in Architecture' y Denise impartió el curso Studio FFF (Form Function Forces), que define el sistema de análisis para las investigaciones sobre Las Vegas y Levittown. 

La relación con Filadelfia se da en más de cuatrocientos proyectos o estudios de Scott Brown. Por su reinterpretación del centro histórico se han seleccionado para la exposición, el complejo Franklin Court (1972-1976) y el centro de visitantes del Independence Mall (1996) por el tratamiento del campus como espacio articulado con la ciudad, el Perelman Quadrangle (2000) de la Universidad de Pensilvania y, por su análisis sobre la viabilidad de estos entornos urbanos singulares, los estudios Fairmount in the City (1983) y Penn’s Landing Planning Study (2003). “Estos proyectos y materiales seleccionados muestran una de las contribuciones capitales de Scott Brown al proyecto arquitectónico, la asunción del urbanismo en el diseño para ordenar el espacio público mediante elementos propios”, detallan desde el Museo Bellas Artes de Bilbao.

En el segundo apartado de la exposición, 'Calle', se muestra cómo una de las grandes aportaciones de Scott Brown es su interpretación de la calle -Strip (franja)- como lugar simbólico. Ejemplo de ello son los materiales de la investigación 'Learning from Las Vegas, or Form Analysis as Design Research' (1968), realizada con Robert Venturi, Steven Izenour y estudiantes de la Universidad de Yale. Sus resultados se publicaron en 1972 en uno de los libros más revolucionarios de la historia de la arquitectura. 

Por último, la tercera parte de la retrospectiva es la 'Casa'. El diseño y el estudio de lo doméstico configuran otra de las contribuciones más relevantes de Denise Scott Brown. En 1970 desarrolló la investigación 'Remedial Housing for Architects o Learning from Levittown' junto con Venturi y estudiantes de Yale. En ella analizó los suburbios denostados por los arquitectos, con Levittown como caso específico, un modelo basado en la cultura del automóvil que ya había conocido en 1958 gracias al sociólogo Herbert Gans. Así, Venturi y Scott Brown observaron las decoraciones exteriores e interiores de las casas, además de las expresiones individuales que aparecían en fachadas y jardines. Las conclusiones se mostraron en la exposición 'Signs of Life: Symbols in the American City' (Washington, 1976). Sus proyectos de viviendas unifamiliares –'Vanna Venturi House' (Filadelfia, 1960) y 'Trubek and Wislocki Houses' (Nantucket, 1970)–, auténticos manifiestos formales, son el resultado del estudio simbólico de la casa, del contexto, de los elementos naturales que la rodean y de las formas de vida de sus habitantes. Según narraba el propio Venturi, que falleció en 2018, son “casas complejas y contradictorias que anhelan el equilibrio entre lo ordinario y lo monumental, entre lo simbólico y lo cotidiano”.

La muestra finaliza con un documental grabado en el año 2024 en la casa de la propia arquitecta, en la que ha vivido durante más de 50 años junto a su marido. Se trata de una vivienda de estilo modernista que fue decorada por los arquitectos con numerosos objetos, obras de arte y mobiliario que trasladan los intereses, la historia y la memoria privada de una de las parejas más influyentes de la arquitectura contemporánea. El documental, realizado por Pablo García Canga y Manuel Asín, con música del pianista de jazz sudafricano Ibrahim Abdullah, interpretada y adaptada por Mikel Azpiroz, muestra la voz en off de la propia Scott Brown, que cuenta anécdotas cotidianas y significativas de su vida. Así, la película funciona como un doble retrato de la arquitecta y de su hogar, entendido como personaje protagonista de la obra. 

“Es la segunda ocasión en la que exponemos la obra de Denis Scott Brown en nuestro museo. Pero es la primera que un museo expone retrospectivamente su trabajo, su pensamiento y su mirada sobre la arquitectura y el urbanismo, sobre el individuo y la comunidad, detalla el conservador jefe de la muestra, Gilermo Zuaznabar, haciendo referencia a 1983 la exposición que acogió la pinacoteca bilbaína en el año 1983 'Correspondencias. 5 arquitectos, 5 escultores' que incluía la obra de Scott Brown. ”El núcleo de la exposición lo ocupan los materiales provenientes del estudio ‘Learning from Las Vegas’ (1972)“, explica Zuaznabar sobre una de las obras más influyentes de la arquitecta y artista, un ensayo crítico revolucionario elaborado junto con Venturi y Steven Izenour que incorpora la cultura popular americana y el automóvil al proyecto arquitectónico.

“Esta exposición nos hace reconocer que el diseño rara vez es el resultado del trabajo de una sola persona. Es un esfuerzo de equipo. Hay múltiples hilos que contribuyen a él, y hay que desentrañar cuidadosamente cada uno de ellos para llegar a comprender realmente lo que ocurre en el proceso. Lo más singular que Denise enseñó a la gente fue aprender y enseñar el estilo del diseño, que es un trabajo en equipo”, concluye la arquitecta y asistente de Denise Scott Brown desde 2014, Shilpa Mehta, en su visita al Museo Bellas Artes de Bilbao para la inauguración de la muestra, que estará disponible hasta el 31 de mayo.

El arquitecto y escritor chino Liu Jiakun ha merecido este año el mayor reconocimiento del mundo de la arquictura, el premio Pritzker, que el año pasado recayó en el japonés Riken Yamamoto.

“Entrelazando aparentes antípodas como la utopía versus la existencia cotidiana, la historia versus la modernidad y el colectivismo versus la individualidad, Liu ofrece una arquitectura afirmativa que celebra las vidas de los ciudadanos comunes”, ha comunicado la organización del premio en el anuncio. “Defiende el poder trascendente del entorno construido a través de la armonización de las dimensiones culturales, históricas, emocionales y sociales, utilizando la arquitectura para forjar la comunidad, inspirar compasión y elevar el espíritu humano”, añaden.

En unas palabras recogidas por la organización del premio, Liu Jiakun ha dado su definición de la arquitectura: “La arquitectura debe revelar algo: debe abstraer, destilar y hacer visibles las cualidades inherentes de la gente local. Tiene el poder de moldear el comportamiento humano y crear atmósferas, ofreciendo una sensación de serenidad y poesía, evocando compasión y misericordia, y cultivando un sentido de comunidad compartida”.

Liu ha creado áreas públicas en ciudades pobladas, forjando una relación positiva entre la densidad y el espacio abierto. Este arquitecto nació en Chengdu (República Popular de China) en 1956 y pasó gran parte de su infancia en el hospital donde trabajaba su madre. Desde muy pequeño mostró interés por las artes creativas. En 1978, ingresó en el Instituto de Arquitectura e Ingeniería de Chongqing. Después de graduarse, fue enviado a Nagqu, Tíbet, donde trabajó como arquitecto. Durante esos años, y los siguientes, fue arquitecto de día y escritor de noche.

En 1993, Liu asistió a una exposición de arquitectura que reavivó su pasión por la profesión y lo impulsó a dedicarse por completo a la arquitectura. En 1999, estableció Jiakun Architects en Chengdu. A lo largo de cuatro décadas, Liu y su equipo han construido más de treinta proyectos.

Además de su trabajo como arquitecto, Liu es profesor visitante en la Escuela de Arquitectura de la Academia Central de Bellas Artes en Beijing. Ha recibido numerosos premios por su trabajo, entre ellos, el premio de la UNESCO Asia-Pacific Awards for Cultural Heritage Conservation, New Design in the Heritage Contexts (2021).

Alejandro Aravena, presidente del jurado y ganador del premio Pritzker 2016, ha dicho sobre el galardonado: “Las ciudades tienden a segregar funciones, pero Liu Jiakun adopta el enfoque opuesto y mantiene un delicado equilibrio para integrar todas las dimensiones de la vida urbana. En un mundo que tiende a crear interminables periferias aburridas, él ha encontrado una manera de construir lugares que sean edificios, infraestructuras, paisajes y espacios públicos al mismo tiempo. Su trabajo puede ofrecer pistas impactantes sobre cómo enfrentar los desafíos de la urbanización, en una era de ciudades en rápido crecimiento”.

La concesión del premio Pritzker 2024 ensalza la larga, consistente y brillante trayectoria del arquitecto japonés de 78 años Riken Yamamoto, que ha realizado una obra de gran diversidad tipológica concentrada en su propio país, Japón, y en un entorno próximo que incluye China y Corea del Sur, con la lejana incorporación puntual de Suiza.

En esta ocasión, el premio ha reconocido un trabajo inspirado en valores sólidos, expresados en formas difícilmente identificables con un estilo propio. El aspecto de cada una de sus obras responde al proceso a partir del cual han sido desarrolladas, y solo comparten la intención de forjar comunidad integrando los espacios para la vida colectiva en el mismo edificio en el que se disponen las estancias privadas.

Consecuencia de esta voluntad de interacción comunal, es la persecución de la máxima permeabilidad visual, la capacidad para que la mirada enlace sin trabas los diferentes espacios de un mismo edificio. Para ello ha llevado a un alto nivel tanto la transparencia como la integración de ámbitos con distintas exigencias funcionales.

En arquitectura, cuanto más numerosas y complejas sean las funciones que integra un proyecto más interesante será atender a la integración y relación entre los espacios que las acogen dentro del edificio. Yamamoto presenta especial habilidad para transgredir los límites de cada uno de los ámbitos con usos específicos, e integrarlos en un conjunto dentro de la construcción, convirtiéndola en un pequeño barrio con territorios diferenciados, aunque bien relacionados entre sí.

A este desafío corresponden buena parte de las obras de Yamamoto seleccionadas por el jurado del Pritzker. A pesar de resultar destacables algunos edificios suyos, principalmente residenciales, como el gran despliegue de Jian Wai SOHO (2004) en Pekín, o el conjunto residencial Pangyo (2012) en Corea del Sur, la mayoría de los trabajos más valiosos corresponden a instituciones donde coinciden diferentes grupos sociales, funcionarios y ciudadanos, docentes y estudiantes, estableciendo lugares de encuentro con escalonados niveles de privacidad o de uso público.

Pertenecen a este último grupo los edificios levantados en Japón de la Escuela secundaria Iwadeyama (1996), la Universidad de la Prefectura de Saitama (1999), la Estación de bomberos Hiroshima Nishi (2000), la Universidad de Hakodate (2000), el Tribunal del Canal Shinonome CODAN (2003), el Museo de Arte de Yokosuka (2006), la Escuela Primaria Koyasu (2018), o la Universidad Nagoya Zokei, (2022). Fuera de Japón, además del gigantesco conjunto de Jian Wai SOHO en Pekín, ha concluido recientemente la Biblioteca de Tianjin (2012) en China y The Circle (2020) en el aeropuerto de Zúrich.

El arquitecto japonés de origen chino formó parte del grupo implicado en hacer frente a las consecuencias del tsunami de 2011 en Japón, uniéndose a Toyo Ito, Hiroshi Naito, Kengo Kuma y Kazuyo Sejima para diseñar propuestas de reconstrucción. Ese año estableció, junto a Toyo Ito y Kazuyo Sejima, una organización llamada Home for All, en la que se integraron jóvenes profesionales para producir construcciones colectivas capaces de alojar a quienes habían perdido su residencia como consecuencia del tsunami.

Las ideas de Yamamoto ya estaban en circulación hace más de medio siglo, cuando el arquitecto terminó su formación y viajó por el Mediterráneo, Oriente Medio y Asia, interesándose en las construcciones vernáculas. Algunos edificios europeos y americanos de aquel tiempo fueron emblemas notables e influyentes de una actitud crítica hacia el Movimiento Moderno dominante, intentando aminorar su rigidez y mejorar su relación con el espacio urbano.

Uno de ellos fue The Economist (1964, Londres, Reino Unido) diseñado por Allison y Peter Smithson para la redacción del periódico, que integraba una plaza pública interior dentro de un programa ambicioso, y que hoy sigue estando próximo al espíritu que se premia en el arquitecto japonés, experto en configurar espacios comunitarios. Si de The Economist se dijo que fue “el edificio que mató el Movimiento Moderno”, un mismo espíritu contra el Movimiento Moderno alienta en la obra de Yamamoto y de su maestro y mentor, Hiroshi Hara.

El premio ha recaído en un arquitecto que se distingue por su oposición a la rigidez del Movimiento Moderno ortodoxo de los años 60 y 70 del siglo pasado. Pero también se aprecia la calidad de su evolución, en la que ha sabido ir incorporando a su rigor y claridad, a su sentido organizativo y racionalidad, un poderoso sentido de la ligereza estructural. Es la misma cualidad que caracteriza también el trabajo del estudio japonés SANAA, ganador del Pritzker en 2010, formado por Ryue Nishizawa y Kazuyo Sejima, esta última presente en el jurado que ha elegido a Yamamoto.

No es difícil asociar su obra con diversos clásicos de la modernidad que lograron el Pritzker con anterioridad. Se reconoce en Yamamoto la misma voluntad de hacer comunidad y discreción formal de Yvonne Farrell y Shelley McNamara, galardonadas en 2020, la ausencia de materialidad de Renzo Piano, laureado en 1988, y por supuesto, el magnífico y casi olvidado magisterio de Kevin Roche, otorgado en 1982, hace 42 años.

En aquel tiempo, muchas de las ideas que ahora se valoran al conceder el premio a Yamamoto, ya estaban en las intenciones del trabajo de muchos arquitectos en Europa, antes de que la presencia del posmodernismo y del star system desviaran la atención de los jurados del Pritzker hacia aspectos más formales que filosóficos.

La sólida trayectoria de Yamamoto merece el elogio y el galardón, sin duda. El premio lo concede la poderosa familia Pritzker, a través de la Fundación Hyatt con sede en Chicago, que parece haber buscado un distanciamiento de las colisiones y conflictos que asolan el mundo. Si en 2021 reconocieron la aportación de arquitectos comprometidos con los olvidados de las periferias de las grandes ciudades europeas, como era el caso de Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal, y en 2022 se decantaron por el brillante, generoso y comprensivo trabajo de Diébédo Francis Kéré con las extremadamente humildes comunidades africanas de su país natal, Burkina Faso, este año no se ha mantenido la misma línea.

La elección de 2024 supone un elegante repliegue tras las anteriores incursiones en los desafíos de la arquitectura en relación con el futuro de los más humildes y de la sostenibilidad del planeta. Las propuestas de no demoler, de reutilizar y de apoyo a la autoconstrucción, que se valoraban en ediciones anteriores, aparecen disueltas en conceptos menos comprometidos. Se centran ahora en obras exquisitas y costosas, aeropuertos, universidades exclusivas, centros de arte y edificios administrativos situados en el extremo oriental del continente asiático. Lejos de los escenarios de conflictos violentos donde el sentido de comunidad brilla por su ausencia. El Pritzker se repliega en 2024 al refugio seguro de la calidad profesional y la indiscutible continuidad con la modernidad matizada e inteligente presente en la larga trayectoria de Riken Yamamoto.  

El arquitecto japonés Riken Yamamoto ha ganado este martes el Premio Pritzker 2024 “por recordarnos que en arquitectura, como en democracia, los espacios deben ser creados por la voluntad del pueblo”, señala el jurado.

Nacido en China, aunque pronto se trasladó a Japón, donde ha ejercido su carrera, se le considera un gran defensor de los lazos comunitarios en el urbanismo. El jurado ha destacado que su obra es importante por “crear conciencia en la comunidad sobre lo que es responsabilidad de la demanda social, por cuestionar la disciplina de la arquitectura para calibrar cada respuesta arquitectónica individual, y sobre todo por recordarnos que en arquitectura, como en democracia, los espacios deben ser creados por la voluntad del pueblo”.

“Para mí, reconocer el espacio es reconocer a toda una comunidad”, ha definido Yamamoto mediante declaraciones a la organización del premio. “El enfoque arquitectónico actual enfatiza la privacidad, negando la necesidad de relaciones sociales. Sin embargo, aún podemos honrar la libertad de cada individuo mientras vivimos juntos en un espacio arquitectónico como una república, fomentando la armonía entre culturas y fases de la vida”.

Yamamoto nació en Beijing (República Popular China) en 1945 y se mudó a Yokohama (Japón), poco después del final de la Segunda Guerra Mundial. Vivió en una casa que fue modelada según una machiya tradicional japonesa, con la farmacia de su madre en el frente y su sala de estar en la parte trasera. Esta característica de diálogo entre lo público y lo privado que vivió en su infancia, marcara su carrera.

Su padre falleció cuando Yamamoto tenía cinco años. En cierto modo, buscó emular la carrera de su padre como ingeniero, pero en cambio forjó su propio camino hacia la arquitectura.

Su primera experiencia con la arquitectura tuvo lugar a los 17 años, según él mismo ha explicado. Sucedió cuando visitó el templo Kôfuku-ji, en Nara (Japón), y quedó cautivado por la Pagoda de cinco pisos que simboliza los cinco elementos budistas: tierra, agua, fuego, aire y espacio. Se graduó en 1968 y tras finalizar un máster, fundó su propio estudio, Riken Yamamoto & Field Shop en 1973.

Sorprende que el trabajo del arquitecto Balkrishna Doshi (1927-2023), ganador del premio Pritzker en 2018, no tuviese un lugar en las agendas museísticas hasta tres años antes de su muerte, la cual tuvo lugar el pasado mes de febrero a los 95 años. Resulta igualmente chocante que su obra ocupara un lugar tan escuálido en el círculo de las publicaciones arquitectónicas, por no hablar de su presencia en los tratados de historia de la arquitectura moderna. Se trata de un brete que, a pesar del olvido recurrente, instituciones como el Vitra Design Museum, la Wüstenrot Foundation, la Vastushilpa Foundation y ahora el Museo ICO, en Madrid, se esfuerzan por superar.

Diseñada y comisariada por Khushnu Panthaki Hoof, nieta del arquitecto y directora de la fundación Vastu Shilpa, la retrospectiva que el ICO acoge sobre la obra del arquitecto, sintetiza entre planos de colores vivos, instalaciones, películas, pinturas, collages de textos y fotografías el saber atávico del arquitecto indio. La muestra –tras su paso por Nueva Deli, Shanghái y, en última instancia por el museo de Frank O. Gehry en el campus de Vitra de Weil am Rhein (Alemania)― llega ahora al Museo ICO y se expone allí como una “celebración del habitar”, expresión que el mismo arquitecto eligió para definir su práctica.

Rompiendo con ese convencionalismo que quiere que un edificio esté siempre representado en un ambiente estéril, libre de cualquier contaminación orgánica, sus edificios, en la exhibición, se presentan habitados: asociados a cuerpos, a rostros que revelan su razón de ser y justifican el título de la exposición: Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos. Y es que su legado es el de una arquitectura que, en búsqueda de una identidad poscolonial, evitó los peligros gemelos de la tecnología desarraigada y la nostalgia folclórica. El de una arquitectura que se inscribe de Bombay a Jaipur en convergencia con el clima, la cultura y las tradiciones de una India ya independiente.

Cuando Doshi estudió arquitectura por primera vez en Bombay, a finales de la década de 1940, insatisfecho con su educación, viajó a Londres, se encerró con un amigo durante meses en la biblioteca del Royal Institute of British Architects y allí, al abrigo de los libros y en el transcurso de una conferencia, conoció a Le Corbusier, a quien se le había encargado diseñar la nueva ciudad de Chandigarh (India). Sin pensarlo, Doshi se mudó a París para trabajar en el número 35 de la rue de Sèvres, donde permaneció durante cuatro años. El pequeño atelier de Le Corbuiser se había convertido en una especie de laboratorio de ideas para la nueva tradición internacional, y los volúmenes de la oeuvre complète aseguraban gran cantidad de seguidores. Arquitectos tan distintos como Kenzō Tange en Japón y Paul Rudolph en Estados Unidos extrajeron enseñanzas de la expresión monumental y los ecos arcaicos de la arquitectura del maestro suizo.

Balkrishna Doshi –al igual que otros arquitectos indios de su generación como Charles Correa, Anant Raje y Raj Rewal–, no fue ninguna excepción; en la India recién independizada, el Movimiento Moderno fue tanto un proyecto político como arquitectónico. Las características distintivas del estilo de Le Corbusier: las estructuras de hormigón visto, el espíritu de la industralización y la monumentalidad anticipaban el futuro y Doshi quería formar parte de él. Cuando regresó a la India en 1954, fue a Ahmedabad, hogar de la burguesía textil de los Lalbhai, donde supervisó la construcción de los proyectos de Le Corbusier.

Bajo el mecenazgo de los Lalbhai montó su primera oficina y levantó otra efigie. En 1962, el científico y activista social Vikram Sarabhai fundó el Instituto Indio de Gestión en Ahmedabad y, por sugerencia de Doshi, invitó a otro tótem de la modernidad, el arquitecto estadounidense de origen estonio Louis I. Kahn, a diseñarlo conjuntamente. Su proyecto combinó dormitorios, salas de conferencias y una biblioteca en un denso barullo de espacios interiores y exteriores, hilvanados por medio de una audaz celosía de ladrillo visto (ahora bajo amenaza de demolición). 

Kahn inspiró a Doshi de la misma manera que lo había hecho Le Corbusier: con una arquitectura y una filosofía que aspiraban a valores atemporales sin dejar de ser auténticamente modernas. Sin embargo, a pesar de la inapelable belleza de las abstracciones escultóricas que erigió junto a Le Corbuiser y de los poemas de luz y hormigón que escribió con Kahn, ambas experiencias le reportaron a Doshi una satisfacción mixta. El sol implacable, los vientos cálidos y la furia del monzón daban cuenta de que sus diseños, para sobrevivir, debían propiciar un pacto con la naturaleza aún por descubrir.

Aunque la muestra exhibe una jerarquía expositiva manifiestamente legible en programas que discurren desde lo doméstico a lo dotacional, subraya en todo momento la imposibilidad de separar la obra de Doshi de aquello que él mismo señaló en 1954: “Parece que debería hacer un juramento y recordarlo durante toda mi vida: proporcionar a la clase más baja una vivienda adecuada”. Acaso su mejor destreza fue esa: en ese confluir de escalas, no olvidar nunca esa promesa.

Como atestiguan las paredes del Museo ICO, Doshi diseñó numerosos complejos de viviendas de bajo costo en Ahmedabad (1959): una urdimbre de unidades abovedadas con patios traseros que recalcan la ambivalencia entre la calle y la casa. Al enfrentarse a los barrios marginales resultantes de los éxodos migratorios del campo a la ciudad, ideó formas de aprender de su compleja organización social. Las viviendas de Aranya en Indore (1983) proporcionaron un núcleo de comodidades higiénicas básicas y permitieron la construcción de ampliaciones propias en una aglomeración en constante crecimiento. De una manera un tanto utópica, Doshi esperaba volver a vincular la sociedad moderna desarraigada con la armonía de la naturaleza.

Muchas décadas antes de que se pusiera de moda, Doshi abrazó la sostenibilidad, y estudió los ejemplos urbanos de la arquitectura vernácula india como la ciudad desértica de Jaisalmer (siglo XII) con su fusión de patios interiores y exteriores o las residencias haveli: un enjambre de casas adosadas con terrazas escalonadas, para luego aplicar esa sapiencia en Amdavad ni Gufa (1990), donde utilizaría bóvedas cerámicas forradas de trencadís para alumbrar un espacio que se asemeja a una cueva fantástica. Allí, el éxito residió en combinar los tejados de los templos jainistas con unas columnas arbóreas que recuerdan a las diseñadas por Gaudí en el Parc Güell.

Balkrishna Doshi heredó la creencia de Gandhi en el valor de una vida ligada a la naturaleza junto a la querencia de recuperar la arquitectura vernácula, pero dentro de los esquemas nacionales de socialismo, secularismo e industrialización por los que abogaba Jawaharlal Nehru, primer ministro de la India independiente.

Esta exposición es importante por la vigencia de las ideas de Balkrishna Doshi y la esperanza que suscitan sus propuestas; porque su arquitectura nos recuerda que el habitar es aquello que estamos dispuestos a compartir con el otro

Con todo, cuando los temas de ayer y de hoy son los mismos, con la salvedad de que ahora el mundo asiste ojiplático a propuestas urbanas faraónicas como la de NEOM The Line, ―donde a través de una estética futurista se propone una idea de 'modernidad' que araña los símbolos de la nacionalidad y luego los empaqueta en nociones sobre eficiencia energética, innovación, alta tecnología, sostenibilidad y greenwashing a partes iguales―, Balkrishna Doshi es todavía una figura por descubrir y reivindicar. Por todo ello, esta exposición es tan importante: por la vigencia de sus ideas y la esperanza que suscitan sus propuestas; porque su arquitectura nos recuerda que el habitar es aquello que estamos dispuestos a compartir con el otro.

Que la modernidad de Doshi es singular y que Doshi es uno entre cientos es inapelable, pero que su arquitectura es para cientos, para miles, para millones es un principio de certeza y eso es, como poco, ilusionante.

La arquitectura es una de las bellas artes, intensamente vinculada a la vida cotidiana de la gente, a sus problemas y al modo en que afrontan los desafíos colectivos en las ciudades. Su responsabilidad comprende actualmente desde la belleza e higiene de la vivienda individual hasta los aspectos relacionados con el futuro del planeta, atesorando una complejidad de temas y de matices difícil de abarcar.

Un buen modo de adentrarse en los debates que ocupan a los arquitectos más prestigiosos sería escuchar sus propias palabras, conocer sus inquietudes y las cuestiones que les preocupan. Y la mejor manera de hacerlo es adentrase en las páginas del libro Palabra de Pritzker que ha publicado Anagrama Crónicas, en el que se recogen las conversaciones del periodista y crítico Llàtzer Moix con 23 ganadores del premio Pritzker, el más prestigioso en el campo de la arquitectura. Aunque el libro se publicó antes de la concesión del premio 2023, el pasado mes de marzo, al británico David Chipperfield, en él aparecen 17 entrevistas con galardonados en el siglo XXI.

A partir de su primera convocatoria en el año 1979, el premio Pritzker viene reconociendo el talento extraordinario de los mejores arquitectos contemporáneos. Llàtzer Moix se propuso en 2018 entrevistar a todos los que fuera posible. Un tercio de los galardonados habían fallecido, otros habían alcanzado una edad demasiado avanzada y alguno rechazó o no respondió a la solicitud. Durante tres años, el autor ha reunido 23 conversaciones con ganadores del premio, en su mayoría presenciales, y el resultado es una de las obras escritas de mayor interés arquitectónico publicada en España en los últimos tiempos.

Pocas veces un texto resulta tan rico, didáctico, culto, ameno y abierto como estas Palabras de Pritzker que invitan a ser leídas con optimismo y esperanza. En cada uno de los entrevistados encontramos la pasión por lo nuevo, lo útil, lo bello y por la obra bien hecha. 48 páginas de ilustraciones ayudan a poner imagen a alguno de los edificios mencionados en el libro, vinculando las ideas que se exponen con las formas en que se expresan.

Llàtzer Moix ha logrado compendiar una breve historia de la trayectoria del certamen, seguida de 23 capítulos dedicados a otros tantos premiados, en los que incluye una resumida biografía y una conversación en torno a su vocación, su inspiración e ideario, a sus obras destacadas y al estado de la disciplina, solicitando algún consejo para los estudiantes. El libro finaliza con un epílogo en el que resume las tendencias que agrupan las carreras de los galardonados y las líneas que marcarán el futuro de una profesión profundamente implicada en los cambios del planeta.

La lectura es un placer que abarca desde el elegante cotilleo a los asuntos técnicos, llegando en ocasiones al elevado territorio de la poesía y la mística. Gehry cuenta en el libro que Niemeyer le dijo que tenía el estudio lleno de fotos de mujeres porque se inspiraba en sus curvas. Por Siza sabemos que Henry Kissinger pensó en invadir Portugal tras la revolución del 25 de abril. Tadao Ando, que fue boxeador amateur, confiesa que, cuando no contaba con medios para pagar la universidad, compró un billete del Transiberiano con objeto de viajar de Japón a París con el propósito de conocer a Le Corbusier. El único místico entre los entrevistados parece ser el longevo indio Balkrishna Doshi, recientemente fallecido a la edad de 95 años, que menciona como gurús de su desarrollo espiritual a su abuelo, a Le Corbusier, a Rabindranath Tagore y Mahatma Gandhi.

Pueden sorprender los orígenes insólitos de alguno de los premiados, la infancia de pionero de Glenn Murcutt, viviendo cerca de los caníbales kukukuku en Papúa-Nueva Guinea, o el nacimiento de Kéré en una aldea remota y humildísima de Burkina Faso, que hacían improbable su presencia futura en la arquitectura de élite. Aunque a todos les cambió tanto la vida tras recibir el premio que Eduardo Souto de Moura reconoce: “Ya no soy Souto, sino el Pritzker 2011”, y explica que se siente “un poco en un parque zoológico, con el elefante, el hipopótamo, el león…”.

En todos ellos destaca una atracción universal por el conocimiento, una curiosidad inagotable, una gran capacidad de lucha, determinación para realizar sus ideas y una conciencia de la trascendencia de sus edificios en la vida de la gente. Acaso lo más interesante de la lectura del libro sea detectar el sentido profundo de la arquitectura en cada entrevistado. Unos la ven como una lucha por vivir con la naturaleza. Paulo Mendes dice que “la naturaleza, por sí misma, es un infierno. Nuestro trabajo consiste en hacerla habitable” y observa que todos nacemos arquitectos, porque “sin arquitectura no se sobrevive. No se puede garantizar la continuidad de la especie”, por eso manifiesta que el objetivo de su profesión “ha sido amparar a sus usuarios de la imprevisibilidad de la vida”.

Otros se centran más en aspectos sensoriales y estéticos. Jean Nouvel afirma que “los sueños son importantes para iniciar un proyecto, también lo es la imaginación” y que “no hay arte sin emoción y sin misterio”. Peter Zumthor cree que “el arquitecto es un creador de atmósferas” y le gusta que los edificios “estimulen los sentidos de sus ocupantes” generando “variedad de sensaciones”. Toyo Ito reconoce “que es extremadamente importante para la arquitectura contemporánea crear un espacio en el que las personas recuperen sus sentidos primitivos”. Souto de Moura lo encuentra más sencillo: “La buena arquitectura es aquella donde la gente es feliz”. Balkrishna Doshi es de la misma opinión: “la arquitectura debe dar esperanza y felicidad”, y también “debe ser alegre” según Lacaton & Vassal.

Muchos profesionales muestran clara conciencia de los desafíos sociales relacionados con la vivienda, que, para Renzo Piano, “no es nunca solo un techo, es también el símbolo de una familia”. Alejandro Aravena piensa que “el problema número uno es la inequidad”, y es consciente de que “en el mundo, cada semana, un millón de personas procedentes del campo se instalan en las ciudades” y recuerda que “hay que darles vivienda”. Lacaton&Vassal creen que “la vivienda debería ser el auténtico icono de la arquitectura actual” porque “en una democracia, todas las personas, independientemente de sus recursos económicos, tienen derecho a una vivienda digna”. Kéré razona que “el primer objetivo es satisfacer las necesidades de la gente” y que en un planeta globalizado “hay que pensar globalmente. Debemos avanzar juntos”. Por ese motivo “la solidaridad no es una opción, sino una necesidad, una solución”, y advierte que “si dejas a alguien atrás tendrás que volver a por él en algún momento”.

En cuanto al papel del arquitecto en la sociedad, Paulo Mendes da Rocha denuncia el escenario en que a menudo se ven obligados a trabajar los arquitectos, puesto que “sabemos que la especulación inmobiliaria es una estupidez”. El dúo Grafton Architects lamenta el mal uso que la comunidad hace de los profesionales, recordando que “los arquitectos estamos formados para pensar en distintos niveles, unos creativos, otros prácticos. Muchos más arquitectos deberían ser invitados a proponer soluciones para problemas complejos”, y consideran que “los arquitectos son miembros muy útiles de la sociedad. Y, a menudo, están infravalorados”.

A través de las palabras de los premiados, aflora la preocupación por la ecología y la sostenibilidad. Aravena advierte que “la crisis climática va a estar en el origen de todas las guerras que vienen”. Grafton Architects defienden que hay que luchar por el planeta y, en cada proyecto, imaginar “la Tierra como cliente”. Renzo Piano nos recuerda que “construir ha sido siempre un gesto de paz. Demoler es lo contrario”. La bandera contra el despilfarro la enarbolan Lacaton &Vassal, defendiendo la idea de que “no hay que demoler jamás” y opinan que “en arquitectura siempre hay una fórmula para obtener el máximo rendimiento con recursos limitados”. Kéré piensa que “no porque seas rico puedes permitirte despilfarrar materiales. Y no porque seas pobre debes renunciar a crear obras de calidad”. Por su parte, Shigeru Ban, especializado en alojamientos destinados a damnificados por catástrofes naturales, cree que “malgastar no nos hace mejores”, odia desperdiciar el material y observa “que la ecología se ha convertido también en un invento muy comercial, se ha banalizado”.

Si algo comparten los premiados es la importancia del inconformismo y la autoexigencia, que expresa bien Glenn Murcutt al declararse partidario de “ir siempre más allá de lo que se espera de nosotros”, o Shigeru Ban cuando manifiesta que “ante cualquier disyuntiva que se me ha presentado en la vida, siempre he escogido el camino más difícil”. Todos han sido exigentes con la formación personal. Para Jean Nouvel, “si un arquitecto … no se construye como persona cultivada difícilmente será un buen arquitecto. Somos lo que sabemos”. Souto de Moura se extiende al respecto: “No hay buena arquitectura si el arquitecto no es culto. Quiero decir que el arquitecto tiene que entender el mundo, los elementos, los materiales, las técnicas. Todo es cultura. Y la cultura no es moda, es Ilustración”.

De la idea de Foster de que “la única constante es el cambio” se deduce la importancia de mantener una permanente afición por el conocimiento. No es extraño que Renzo Piano se vea a sí mismo como un estudiante y mencione que “mi aprendizaje dura ya casi setenta años”. La vasta cultura de Rafael Moneo sigue creciendo: “Siempre me ha gustado reflexionar sobre la situación actual”. Paulo Mendes da Rocha opina que “lo mejor es que los arquitectos se interesen por el mundo y por el saber: que lean sobre lingüística, que lean filosofía, que lean sobre economía”, un deseo que extiende al conjunto de la humanidad identificando su principal desafío, “el mayor problema global es la ignorancia” deduciendo que “la gran transformación de nuestra sociedad solo puede llegar mediante una mejor educación”.

Cuando Llàtzer Moix pide a los pritzker consejos dirigidos a los estudiantes, unos, como Glenn Murcutt, les invitan a “que sean optimistas. Que no pierdan nunca la inquietud y la curiosidad. Y que consideren la ansiedad como algo normal e integrado en su trabajo”, y otros, como Toyo Ito, a que piensen “la arquitectura como lo hace la persona que vivirá en su espacio, y no solo como un arquitecto”. Balkrishna Doshi dice “sed libres, tened sueños y hallad la vía para materializarlos, sin importaros lo complicada o difícil que sea la situación” y les invita a correr riesgos “debemos luchar por nuestros sueños”: “Tienes que ser como un acróbata … si no aceptas romperte los huesos en alguna caída, no serás un arquitecto”. Según Nouvel es fundamental tener “pasión, pasión y pasión por su trabajo”. Souto de Moura señala que “hay que trabajar mucho. Y si se tiene un poco de dinero, hay que viajar para ver cosas. Trabajar y viajar. No hay más recetas que éstas”. Shigeru Ban es un entusiasta del viaje, lo primero es “que viajen por todo el mundo. Y luego que sigan viajando. También es importante que no sean esclavos de las nuevas tecnologías. … La tecnología ayuda, pero no hace mejor a un arquitecto”.

En el prólogo, Llàtzer Moix expone brevemente la historia del nacimiento del premio, las circunstancias en que se fraguó la iniciativa en relación con la poderosa familia Hyatt, y en el epílogo afirma su confianza en la arquitectura y supone que el mundo sería mejor “si los criterios de excelencia profesional se impusieran sobre la avidez de ciertos agentes económicos … que han propiciado la mayoritaria mediocridad arquitectónica y la destrucción del entorno”. El texto termina con una reflexión respecto al camino que debe seguir el certamen. Reconociendo que “el premio Pritzker ha incrementado exponencialmente su responsabilidad social” invita a sus responsables a liderar una arquitectura ética.

El libro es tan rico en opiniones y reflexiones que cada lector encontrará argumentos sólidos respecto a los temas que le interesen, desde los más disciplinares a los artísticos o comprometidos. Merecen especial atención los premiados recientes, desde el momento en que el jurado del premio Pritzker decidió que, tras la crisis de 2008, debía reconocer a quienes venían defendiendo valores sociales o medioambientales, de moderación y sostenibilidad, entre otros Shigeru Ban, Alejandro Aravena, Lacaton & Vassal y Diébédo Francis Kéré. Tras la lectura de las conversaciones con 23 ganadores del principal premio de arquitectura, quizá muchos compartan lo que dijo Glenn Murcutt: “He aprendido que nada es obvio. Y que tienes que buscar la verdad. O más que eso, como decía Thoreau, tienes que buscar el corazón de la verdad”.

El británico David Chipperfield (Londres, 1953) ha sido elegido Premio Pritzker de Arquitectura 2023, y alcanza el número 52 en la lista de laureados con el galardón más codiciado en su campo profesional. Era el único que le quedaba por ganar, puesto que su sólido talento ya fue reconocido anteriormente con la Medalla Heinrich Tessenow (Alemania, 1999), la Royal Gold Medal de RIBA (Reino Unido, 2011), el Premio Mies van der Rohe (España, 2011) y el Praemium Imperiale for Architecture de la Japan Art Association (2013), entre otras distinciones. Su residencia se encuentra en Londres, donde tiene la sede central de un estudio con oficinas en Berlín, Milán, Shanghái y Santiago de Compostela.

En España ha construido la Ciudad de la Justicia de Barcelona (2008) con b720 Fermín Vázquez Arquitectos y las 176 viviendas sociales en Villaverde (Madrid, 2004) con José María Fernández-Isla, aunque su edificio más conocido es Veles e Vents (Valencia, 2006), realizado para la Copa América. Posee también una casa en Corrubedo (A Coruña) y cuenta con una oficina de su estudio en Santiago de Compostela, desarrollando una fuerte vinculación con Galicia, a la que el jurado del premio describe como “una de las regiones más pobres de España que paradójicamente prospera con una alta calidad de vida”. Allí ha establecido una asociación filantrópica, la Fundación RIA, con objeto de mejorar “la calidad de vida de la comunidad local”.

Se trata de un arquitecto extraordinariamente sólido, experimentado, sabio y aparentemente silencioso, que va ganando prestigio paso a paso, obra a obra, sin llamar la atención, avanzando siempre, indiscutido, defendiendo valores profundos y ajeno a las modas. El suyo ha sido un éxito a contracorriente, pero incontenible. Atravesando estilos efímeros y tendencias prescindibles, defendiendo siempre la independencia de cada proyecto, la adecuación al lugar y la racionalidad de las soluciones, que debían incluir la relación con las culturas locales y los materiales adecuados.

Autor de más de un centenar de edificios a lo largo de casi cuatro décadas, su trayectoria abarca todo tipo de tipologías, residenciales, museísticas, académicas y urbanísticas, en lugares muy distantes de Europa, Asia y América del Norte. Sin embargo, no es posible identificar sus construcciones por algún rasgo de estilo personal, no hay chipperfields como hay calatravas o zahahadides. Cada obra tiene su propia idea, sentido y desarrollo hasta que encuentra un modo de ser adecuado al lugar que ocupa. Y eso, por infrecuente, resulta ser un mérito del más alto valor en arquitectura.

Su trayectoria ha sido siempre ascendente. Graduado en la Escuela de Arte de Kingston en 1976 y en la Escuela de Arquitectura de la Asociación Arquitectónica de Londres en 1980, había trabajado con Douglas Stephen, Norman Foster y Richard Rogers cuando fundó David Chipperfield Architects en Londres en 1985. Tras realizar una tienda para el diseñador de moda japonés Issey Miyake en la capital británica y levantar un primer museo en Reino Unido, recibe el encargo de la reconstrucción y reinvención del Neues Museum (Berlín, 1993–2009), en la isla de los museos, donde también ha terminado recientemente la James-Simon-Galerie (1999–2018). Se trataba de un encargo de suma complejidad en el corazón de la ciudad, una obra de gran responsabilidad que afrontó con determinación y resolvió con astucia y acierto, reordenando el conjunto edificado, respetando el edificio original y las huellas de la historia en el mismo, al tiempo que muestra un profundo entendimiento del desafío arquitectónico y aporta soluciones resueltas con un lenguaje moderno y minimalista especialmente brillante.

La misma inteligencia para encontrar el tipo de obra adecuado a cada lugar se manifiesta en todas sus intervenciones, ya sea en Shanghái o en Venecia, en Villaverde o en Seúl. Los edificios son al mismo tiempo discretos y elocuentes, respetuosos y valientes, pero nunca ostentosos o innecesariamente llamativos. El jurado reconoce que su “capacidad de destilar y realizar operaciones meditadas de diseño es una dimensión de la sostenibilidad que no ha sido evidente en los últimos años: la sostenibilidad como pertinencia”.

Su catálogo de obras invita a ser leído de la misma manera que un menú degustación, interpretando cada edificio en función de su lugar, de su entorno, de su programa, de sus soluciones estructurales y espaciales y de sus materiales. Todas diferentes en los desafíos que afrontan y en su desarrollo. Y eso no es solo fruto del proceso de ideación, también surge como consecuencia del conocimiento de las culturas arquitectónicas y del medio físico e histórico en que se asientan. Quizá haya pasado desapercibida la relación entre el edificio valenciano Veles e Vents, creado para contemplar desde su altura las regatas de la Copa América, con el Panch Mahal de Fatehpur Sikri construido en la India del siglo XVI con objeto de que las mujeres del harén de Akbar contemplasen desde sus balcones los juegos en el patio del palacio al que no tenían acceso.

El extenso conocimiento de la historia de la arquitectura ha servido a David Chipperfield para resolver con clarividencia intervenciones tan comprometidas como la Capilla y Centro de Visitantes del Cementerio de Inagawa (Hyogo, Japón, 2017), la restauración y reinvención de la Procuratie Vecchie (Venecia, 2022), la restauración y adición de Morland Mixité Capitale (París, 2022), todas ellas en lugares con profundo significado para los habitantes y la historia.

Su aportación a la nómina internacional de museos debe incluir también su primera obra británica, el Museo River and Rowing (Henley-on-Thames, 1997), el Turner Contemporary (Margate, 2011) en Reino Unido, el Museo de Arte Campus Saint Louis (Missouri, 2013) en Estados Unidos, el mexicano Museo Jumex (Ciudad de México, 2013), la restauración de la Neue Nationalgalerie (Berlín, 2021), y el Museo de Arte West Bund (Shanghái, 2019), destacando en todos los casos su incorporación al espacio público de las ciudades, procurando imbricar el museo en la vida cotidiana del lugar.

Chipperfield se muestra camaleónico en un sentido amplio, sin hipocresía, siendo capaz de incorporar en su trabajo los aspectos culturales a los contextuales, de manera que su arquitectura concuerda con su carácter, no con un estilo. Es discreta y auténtica, no llama la atención, pero al reparar en ella emerge con autoridad, segura, fascinante, con una sensibilidad trascendente del lugar y de la construcción. La misma discreción y brillantez manifiesta el autor británico en obras menos contextuales como la sede de la BBC Escocia (Glasgow, 2007), el Campus Joachimstraße (Berlín, 2013), One Pancras Square (Londres, 2013), la sede de Amore Pacific (Seúl, 2017) o Hoxton Press (Londres, 2018).

La elección de David Chipperfield es un acierto del jurado del premio Pritzker 2023. Después de un tiempo en que se premiaba a los arquitectos estrella que realizaban los disparates de la arquitectura espectáculo, y de una etapa en que cambiaron de rumbo para apoyar propuestas sostenibles, más centradas en el cambio ideológico que implicaban que en la amplitud de la carrera del autor premiado, en esta ocasión han centrado su elección reconociendo la carrera de un profesional con valores profundos de reflexión, respeto, capacidad de aunar tradición e innovación, con fuertes convicciones en cuanto al valor del trabajo del arquitecto para consolidar, crear, cambiar y mejorar la vida de los habitantes de los lugares.

Ene se sentido, la valoración que el jurado hace del premiado aporta juicios referentes a la manera en que hace su trabajo con inteligencia y modestia, eligiendo las herramientas fundamentales para el proyecto en lugar de aquellas que solo celebran al arquitecto como artista, o apreciando que se caracteriza por su elegancia, moderación y “sentido de la permanencia”, destacando finalmente un aspecto del mayor interés, la idea de que relacionar lo sostenible con lo pertinente, aquella arquitectura que sea capaz de “perdurar física y culturalmente”. El perfil de David Chipperfield tiene las mejores cualidades de un clásico. No sigue la moda, pero probablemente nunca pasará de moda.

El arquitecto británico David Chipperfield (nacido en Londres, en 1953) ha merecido este año el máximo galardón del mundo de la arquitectura, que se otorga anualmente a un arquitecto vivo. El año pasado lo mereció Francis Keré.

Chipperfield ha firmado en sus cuatro décadas de trayectoria más de cien proyectos, entre los que destacan intervenciones en edificios públicos como el Neues Museum de Berlín, la Royal Academy of Arts o las Procuradurias de Venecia (Procuratie Vechie). “Una arquitectura de presencia cívica sobria pero transformadora y la definición de lo público”, ha dicho el jurado del premio, señalando que esas características aparecen también en los encargos privados. Destacan su “austeridad, evitando movimientos innecesarios y alejándose de tendencias y modas”.

“La carrera de David Chipperfield está marcada por un largo plazo, rigor y consistencia en un cuerpo de trabajo que ha integrado y equilibrado a la perfección ambos términos de esa ecuación”, ha dicho el jurado del premio. “Las respuestas cuidadosas, bien trabajadas, precisas y serenas que ha ofrecido a los fines a los que aspiran sus edificios solo pueden originarse en un conocimiento profundo y sostenido de la disciplina. Sin embargo, esas respuestas nunca son egocéntricas, ni sirven de ninguna manera como arte por el arte: más bien, siempre se mantuvieron enfocadas en el propósito superior del compromiso y en la búsqueda del bien cívico y público”.

El arquitecto japonés Shigeru Ban (Tokio, 1957) ha sido galardonado con el Premio Princesa de Asturias de la Concordia 2022. La prensa especializada le ha considerado “el gran activista de la arquitectura” y ha alcanzado prestigio internacional por ser capaz de dar respuestas rápidas y eficaces en forma de refugios y viviendas temporales a situaciones extremas y devastadoras provocadas en su mayoría por catástrofes naturales.

Dichas respuestas se materializan en diseños de alta calidad, concebidos a base de materiales no convencionales y reutilizables, y en construcciones en las que la privacidad y la estética son factores importantes pues, en opinión de Ban, contribuyen a mejorar el estado psicológico de sus habitantes.

Pionero en los años ochenta de la conciencia ecologista y la sostenibilidad, se preocupó también por ampliar el papel del arquitecto, cooperando con gobiernos, comunidades afectadas por algún tipo de desastre, organismos públicos y filántropos. En 1995 fue nombrado asesor del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados y fundó Voluntary Architect’s Network (VAN), una ONG para transformar el concepto de vivienda temporal para situaciones de emergencia.

El plástico, la madera, la tela, el papel y, sobre todo, el cartón son sus aliados a la hora de proyectar sus arquitecturas de emergencia, en las que lo prioritario es el máximo respeto por los futuros habitantes de esos espacios y por su dignidad. Con cartón, Ban idea cilindros que, tras recibir un tratamiento con poliuretano, se convierten en una sólida base para levantar estructuras con un mínimo coste.

El diseño de una exposición de Alvar Aalto para el MoMA (Nueva York) en 1986 le sirvió para experimentar con esos tubos de papel. Mas tarde, los utilizó en prototipos de casas temporales para acoger refugiados en Ruanda –tras el genocidio de 1994– o en Kobe (Japón) –después del terremoto de 1995–. Este sistema ha sido utilizado también para la construcción de espacios de privacidad para los refugiados ucranianos en la frontera con Polonia durante la crisis provocada por la invasión rusa. En la actualidad, estudia la posibilidad de sustituir las estructuras de acero por la ligereza y resistencia de la de fibra de carbono, que facilitarían el transporte, almacenamiento y montaje.

Premio Pritzker en 2014 y doctor honoris causa por la Universidad Técnica de Múnich (Alemania, 2009) y la New School (EEUU, 2011), Shigeru Ban ha recibido la Medalla de Oro de la Academia de Arquitectura de Francia (2004) y los premios de Arquitectura Arnold W. Brunner Memorial de la Academia Estadounidense de Artes y Letras (2005) y AIJ (2009), concedido por el Instituto de Arquitectura Japonés, entre otros reconocimientos.

El jurado de este Premio estuvo presidido por Adrián Barbón Rodríguez, presidente del Principado de Asturias, e integrado por Fernando de Almansa Moreno-Barreda, vizconde del Castillo de Almansa, Ernesto Antolin Arribas, José Antonio Caicoya Cores, Manuel Contreras Caro, Sol Daurella Comadrán, Ignacio Eyriès García de Vinuesa, Isidro Fainé Casas, José Antonio Fernández Rivero, Luis Fernández-Vega Sanz, Ana González Rodríguez, Alicia Koplowitz Romero de Juséu, Laureano Lourido Artime, Marcelino Marcos Líndez, Adolfo Menéndez Menéndez, Enrique Moreno González, Carlos Navalpotro Fuster, María del Pino Calvo-Sotelo, Marc Puig Guasch, Gregorio Rabanal Martínez, Helena Revoredo de Gut, Matías Rodríguez Inciarte, Juan Sánchez-Calero Guilarte, Gonzalo Sánchez Martínez, Antonio Suárez Gutiérrez, Gonzalo Urquijo y Fernández de Araoz, Manuel Villa-Cellino Torre, Maarten Wetselaar, Ignacio Ybarra Aznar y Pedro de Silva Cienfuegos-Jovellanos (secretario).

El premio Pritzker se vuelve a hacer un favor a sí mismo al escoger para su galardón 2022 a Francis Kéré, alguien cuyo prestigio ha crecido en dirección contraria a la arquitectura que el jurado de estos galardones escogía cuando él empezaba su trabajo. Su primera obra, la Escuela Primaria de Gando, se comenzó en 1999. Ese año ganaba el premio Pritzker Norman Foster, autor del HSBC de Hong Kong, que fue el edificio más costoso de la historia cuando se concluyó en 1986. Eran tiempos de esplendor para la arquitectura espectáculo y los arquitectos estrella. Mientras se construía la modesta escuela de Kéré en su pueblo natal, hecha con tierra y ladrillos bajo una estructura separada de la cubierta que sirve como sombrilla, sin sistemas mecánicos de ningún tipo y levantada por los vecinos, ganaban el premio Pritzker Rem Koolhaas (2000) y Herzog & de Meuron (2001). Y en años siguientes lo recibirían Zaha Hadid (2004), Thom Mayne (2005), Richard Rogers (2007) y Jean Nouvel (2008), coincidiendo con la Crisis Financiera Global de 2008, de causas específicamente inmobiliarias.

A partir de entonces, los aparatosos despilfarros arquitectónicos han perdido reputación. Es cierto que permanecen en lugares vinculados al negocio de las fuentes de energías fósiles, pero el reproche implícito a este tipo de proyectos ha logrado que el entorno cultural de la arquitectura haya cambiado de paradigma. Los nuevos héroes trabajan con tierra y palos, en lugares de extrema pobreza, y hacen obras con presupuestos microscópicos, pero mantienen puentes con Europa y Norteamérica, y dan visibilidad a un trabajo riguroso y exigente, volando a menudo entre el Primer Mundo en el que tienen sus estudios, y el Tercer mundo en el que realizan las obras. La huella de carbono menos dañina es la que dejan ellos, estableciendo vasos comunicantes entre los lugares más distantes del planeta en renta per cápita y calidad de vida.

Francis Kéré tiene una vida de éxito contra todo pronóstico, porque nació en 1961 en la aldea de Gando, en Burkina Faso, en África Occidental, formada por un pequeño grupo de cabañas con tejado de cubierta vegetal, en un lugar que carecía de agua corriente, de electricidad y donde no había escuela. Su padre, el jefe local, le mandó a estudiar al pueblo vecino, y luego a la capital del país, Uagadugú, para que fuera el primero de su comunidad en leer y escribir, y él aprovechó la oportunidad sin olvidar su origen.

Cuando tenía veinte años, una beca de formación profesional le llevó a estudiar carpintería a Berlín. Mucho más tarde entró, también con beca, en la Technische Universität Berlin, y se tituló arquitecto poco antes de cumplir los 40. Pero seguía pensando en su comunidad de origen, y logró financiación altruista en Alemania para construir la Escuela Primaria en Gando, para que otros niños pudieran tener acceso a la educación sin salir del pueblo. Esa obra mereció el premio Aga Khan 2004, otorgado a trabajos arquitectónicos del entorno del mundo musulmán, que ha venido demostrado una temprana sensibilidad hacia la arquitectura sostenible. Y ese mismo año Kéré abrió su estudio en Berlín.

El reconocimiento de su obra no se otorgó exclusivamente al mérito de la empresa lograda, también a la calidad de sus conceptos arquitectónicos, a la sofisticada inteligencia que conectaba lo necesario con lo bello y lo útil. También con lo posible, ya que incorporaba técnicas de construcción y materiales accesibles, que los propios usuarios y constructores fueran capaces de manejar. Así continuó con los proyectos para las viviendas para maestros en 2004, la ampliación de la escuela en 2008, la biblioteca en 2010. La Escuela Secundaria y el Centro de Mujeres vinieron después, y la obra de Kéré pareció responder a un programa de desarrollo humano, realizado desde el estudio de un arquitecto capaz de dotar de un sentido profundo y necesario a cada obra.

De manera imparable, Burkina Faso y otros territorios africanos sintieron que habían encontrado un apóstol capaz de liderar su proyección hacia el futuro. Recibió otros encargos en su tierra, en Dano y en Laongo, y en Mali realizó el Centro de Arquitectura de Tierra en Mopti (2010) y las instalaciones para el Parque Nacional de Mali en Bamako (2010). La mayor parte de los trabajos llegaban de países pobres de su entorno: Mali, Mozambique, Kenia, Togo o Sudán, que reconocían su talento y esfuerzo.

El orgullo y la confianza que ha sido capaz de transmitir a sus compatriotas se concretó con el encargo del proyecto del nuevo Parlamento de Burkina Faso, resuelto con una simbólica pirámide de superficie habitable, cubierta de jardines, huertos y gradas, pendiente de construirse. La Asamblea Nacional de Benín, en Porto Novo, se encuentra actualmente en construcción, demostrando que el arquitecto burkinés ha logrado convertirse en un símbolo del renacimiento africano y de la esperanza con la que mira al futuro todo el continente.

La habilidad técnica y los presupuestos ajustados no han sido capaces de contener su notable capacidad creativa, que está presente en obras utilitarias como la escuela secundaria Liceo Schorge (2016) en Koudougou, y en numerosos pabellones con propósitos artísticos diseñados para Alemania, Dinamarca, Italia, Estados Unidos, Reino Unido y Suiza. En Estados Unidos ha construido Xylem (2019), un pabellón al aire libre para el Tippet Rise Art Center, en Montana, que evoca la estructura viva de un árbol, un hermoso lugar para reunirse o meditar. Su obra más conocida es el brillante pabellón realizado en 2017 para la Serpentine Gallery en Londres, en el que juega con dos elementos autónomos, una cubierta y un muro curvo, para crear un juego espacial que alude al gran árbol solitario bajo el que celebraban reuniones comunitarias en su aldea.

También trasladó la idea de Londres a la instalación de su exposición en el Museo ICO de Madrid en 2018, realizada por él mismo, que es su única obra en España hasta el momento. La exposición era un muestrario del tipo de materiales y formas que utiliza, muros de barro, telones textiles, masas con troncos de madera, elementos ligeros metálicos, recogidos por el comisario, Luis Fernández-Galiano, en un espléndido catálogo.

Nutrida por raíces en dos continentes, la savia del árbol arquitectónico de Kéré bebe de lo mejor de ambos mundos, logrando una síntesis personal y universal al mismo tiempo, que confiere a sus obras un carácter clásico, arquetípico e intemporal. Se trata de un arquitecto formidable, sensible, comprometido, inteligente, astuto y visionario, que descubrió el camino para hacer realidad una revolución con ejemplos palpables. Lo que imaginó, aquella escuela rural para su pueblo en Burkina Faso, se hizo realidad. Encontró la manera de financiarla y realizarla, y el modelo sirvió para nuevos edificios a su alrededor, y para otros lugares que vieron que ese tipo de actuación era posible.

El arquitecto suele decir, en relación con los africanos más jóvenes, que hay que advertirles de que en Europa no van a encontrar su futuro, que hay que retenerlos en sus países financiando proyectos como los suyos, para mantenerlos radicados en sus pueblos. Sus palabras y su trabajo reflejan su personalidad, la empatía por sus semejantes, una sencilla alegría que procede de la utilidad de su trabajo, de su capacidad para contribuir a la armonía y a la felicidad, con la firme voluntad de servir de ejemplo a los más jóvenes, mostrando una sincera falta de protagonismo que no ha sido capaz de ocultar su enorme valor.

En el mundo de los arquitectos de éxito, Kéré representa valores auténticos y su obra está llena de verdad y de amor por sus semejantes. Una obra que no habla de sí mismo. Habla de la necesidad de quienes la reciben, y del respeto con el que deben ser tratados, aunque sean los clientes más pobres del mundo, porque su trabajo se dirige a los compatriotas de un país como Burkina Faso, uno de los de menor renta per cápita incluso dentro de África.

Este premio a Francis Kéré supone una continuidad en el cambio de mirada sobre el panorama arquitectónico que el jurado del Pritzker viene manteniendo en los últimos años, en los que ha galardonado actitudes sostenibles y solidarias en el trabajo de Shigeru Ban (2014), de Alejandro Aravena (2016), del indio Balkrishna Doshi (2018), y del equipo Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal el pasado año. En palabras de la organización: “El trabajo de Francis Kéré también nos recuerda la lucha necesaria para cambiar los patrones insostenibles de producción y consumo, mientras nos esforzamos por proporcionar edificios e infraestructura adecuados para miles de millones de personas necesitadas”. Esto ni siquiera supone que la brecha de la desigualdad se haya estrechado, ni que la práctica de la arquitectura se distancie de los intereses del mercado inmobiliario, pero marca un camino que debe ser recorrido para que la arquitectura llegue a los más necesitados y que las prácticas constructivas sean compatibles con el futuro del planeta.

El burkinés Francis Kéré es el ganador del Premio Pritzker 2022 por “empoderar y transformar las comunidades a través de la arquitectura”, por su compromiso social y por el “uso inteligente de materiales locales” para conectar con la naturaleza.

Kéré trabaja en países trabaja en países marginados llenos de limitaciones, “donde la arquitectura y la infraestructura están ausentes”, y ha construido desde escuelas a edificios cívicos o instalaciones de salud, destaca el fallo del jurado, dado a conocer en Chicago, sede de la Fundación Hyatt.

Francis Kéré fue el primero que aprendió a leer en su tribu de Burkina Faso y ahora, después de formarse en Europa, es el arquitecto más famoso de África. Su meta es crear infraestructuras que ayuden al hombre y protejan el medioambiente: “Para mí la arquitectura es servicio a la Humanidad”, dijo en 2018, en la inaguración de la exposición Francis Kéré. Elementos primarios en el madrileño Museo ICO.

Con el fallecimiento de Richard Rogers desaparece uno de los gigantes de la arquitectura del último medio siglo. Un destino extraordinario le llevó a ser responsable de transformaciones arquitectónicas drásticas, que se han aplicado a edificios y ciudades en todo el planeta.

A lo largo de una extensa carrera, ha compartido pensamiento y acción con dos talentos formidables como los de Norman Foster y Renzo Piano, ganadores del premio Pritzker antes que Rogers, pero los tres partieron desde la misma línea de salida, un radical replanteamiento de qué, y cómo, debía ser un edificio.

El nuevo pensamiento incluía ideas de sostenibilidad, de ligereza, de transparencia y de expresión estructural, que modificaban los parámetros tradicionales de la arquitectura. Aunque no eran conceptos de su creación, supo leer en las construcciones industriales de acero y cristal, y fue continuador de los trabajos de Pierre Chareau, de Jean Prouvé, de Alison y Peter Smithson, y de las utopías de Archigram. Durante sus estudios en Yale, en Estados Unidos, no solo conoció a otro futuro genio de la arquitectura, Norman Foster, también se acercó a creadores visionarios que trabajaban en América, el filósofo e ingeniero Buckminster Fuller, Richard Neutra, los Eames, y estudió las innovadoras Case Study Houses de la costa oeste.

De vuelta en el Reino Unido, tuvo su primer estudio junto a su esposa, Su Brumwell, y más tarde, se unieron a Norman Foster y Wendy Cheeseman en el Team 4. Sus proyectos innovadores para construir con materiales industriales y con estructuras ligeras encontraron buena acogida en el ambiente de avanzada tecnología británico, y despegaron con el encargo de la factoría Reliance Controls (1969) en Swindon, de una elegante sencillez y ligereza, tan económica en su esencialidad como innovadora en sus espacios fluidos y compartidos, sin trabas físicas al movimiento ni a las conexiones visuales.

Rogers, que había nacido en Florencia en 1933, regresó con su familia a Gran Bretaña cuando solo contaba cinco años. En 1968 construyó una sencilla casa para sus padres en Wimbledon, inspirada en los modelos americanos que había conocido en California. Dispuso una composición elemental, de distribución flexible, realizada con tecnología innovadora, logrando fachadas completamente acristaladas y empleando colores vivos en los paramentos interiores. Un trabajo avanzado que no pasó desapercibido.

Conociendo las ideas de Richard Rogers respecto a una nueva manera de hacer arquitectura, fue la prestigiosa empresa de ingeniería de estructuras Ove Arup quien tuvo la iniciativa de invitarle a unirse a otro arquitecto nacido en Italia, Renzo Piano, para participar en el concurso del Centro Nacional del Arte y la Cultura Georges Pompidou en París. Su propuesta resultó tan radicalmente distinta al entorno de ciudad burguesa en la que debía insertarse, que parecía más una provocación, o un manifiesto utópico, que un diseño capaz de ser construido de manera institucional.

Contra todo pronóstico, los dos jóvenes arquitectos, apenas treintañeros y con poca experiencia, ganaron el concurso gracias al apoyo de dos miembros notables del jurado, el ingeniero francés Jean Prouvé y el arquitecto estadounidense Philip Johnson. La yuxtaposición entre el edificio de Piano+Rogers y su entorno urbano, el París decimonónico, causó casi tanto rechazo cuando se inauguró como la construcción de la torre Eiffel en 1889.

El proyecto del Centro Pompidou carecía de elementos formales o compositivos convencionales. Era un puzle de espacios finalistas, salas, auditorios, oficinas, engarzados en otros de conexión y movimiento. Los elementos sustentantes debían soportar la macla de piezas sin interferir en sus características. En cierto modo, se había prescindido de muchas cualidades arquitectónicas, potenciando otras. Esquivó la representatividad, la solidez o la decoración, y se centró en las necesidades de luz y movimiento del ser humano, en la flexibilidad de la organización interna, y en la expresión de la estructura como protagonista de la imagen.

El edificio, terminado en 1977, no oculta nada. Su aspecto exterior se compone de una gran variedad de barras y tubos pintados de azul, verde y amarillo, correspondientes a climatización, fontanería y electricidad, además de las mangas acristaladas de las escaleras mecánicas y las torres de los ascensores que muestran la circulación de los visitantes. La estructura metálica externa otorga al descomunal armatoste la imagen de una nave espacial procedente del futuro que hubiera aterrizado en el centro de París. Una metáfora profética.

La incomodidad que produjo la vecindad del Pompidou con la ciudad tradicional hacía pensar que se trataba de un edificio antimonumental, pero resultó ser el apóstol de una nueva monumentalidad. De hecho, se trata de la única obra de su tiempo que compite en prestigio con las del pasado, y se ha incorporado a todas las historias de la arquitectura del siglo XX.

Inmediatamente se convirtió en el icono de un nuevo estilo al que se llamó high tech, de alta tecnología, cuyo desarrollo acaparó los proyectos más ambiciosos y costosos del último cuarto del siglo pasado. Las nuevas formas exigían una industria sofisticada y solo podían afrontarla los países más avanzados, Reino Unido, Francia, Alemania, Japón o Estados Unidos, que encontraron nuevos mercados en los países orientales con poderosas economías emergentes.

En 1986, Richard Rogers logró otra obra maestra de reputación mundial. El edificio Lloyd’s de Londres, supondría su consagración como emblema de una nueva manera de concebir la arquitectura. La estructura se realizó en hormigón, pero las fachadas se revistieron de acero inoxidable para lograr una hermética y fragmentada imagen exterior que contrastaba con la espaciosa sala de operaciones interior, inundada de luz natural.

La paradoja de que el mayor mercado asegurador del mundo, Lloyd’s, en plena city de la capital británica, se ubicara en un edificio de vanguardia abrió la puerta a que las instituciones financieras del resto del planeta adoptaran el costoso y exclusivo high tech como emblema de su poder económico, marcando el camino que llevaría a la apoteosis del estilo.

La obra de plenitud de Rogers se manifestó en los grandes temas arquitectónicos de finales del siglo XX, los centros culturales, las sedes de instituciones financieras y los aeropuertos. A este último grupo pertenece la Terminal 5 (1989-2008) del aeropuerto londinense de Heathrow, un laboratorio en el que desarrolló conceptos como la cubierta continua flotante sobre un espacio unitario, las circulaciones claras entre el lado tierra y el lado aire, la conexión visual con el exterior y el empleo de largos vacíos verticales para hacer llegar la luz natural hasta las profundidades del edificio.

Los mismos principios serían aplicados también en el proyecto con el que se levantó la Terminal 4 del aeropuerto Madrid-Barajas (2005), la mayor obra europea en el momento de su construcción, que compartió con el estudio español de Antonio y Carlos Lamela. El sistema modular combina elementos de hormigón armado que soportan los forjados y sirven de base a los oblicuos puntales metálicos que se elevan sustentando una cubierta de suave ondulación, que parece flotar como una alfombra voladora sobre el espacio continuo, revestida en su interior con una celosía de bambú, la madera más sustentable, para que aporte confort y calidad acústica.

El prestigio de las grandes obras le abre las puertas a construir en todo el mundo. En Tokio levanta la Torre Kabuki-cho (1993), en Londres la sede del canal de televisión Channel 4 (1994), en Estrasburgo el Tribunal Europeo de Derechos Humanos (1995), el Palacio de Justicia en Burdeos (1998), y la Cúpula del Milenio en Londres (2000). Más tarde, cuando firma obras tan notables como la oblicua torre de 50 plantas de The Leadenhall Building (2011), en Londres, el estudio había crecido considerablemente, incluso había cambiado el esquema de propiedad, para convertirse en una gran oficina de arquitectura con numerosos trabajos en varios continentes, cuyas cualidades se encuentran más a menudo en el terreno de la calidad que en el de la excelencia.

En nuestro país, Richard Rogers ha dejado su nombre en varios proyectos. Además de la obra magna de la Terminal 4 madrileña, en Barcelona construyó el hotel Hesperia Tower (2006), con Alonso-Balaguer y Asociados, coronado con una capsula-restaurante de perfil flashgordoniano, aunque menos afortunada puede considerarse la transformación de la plaza de toros barcelonesa de Las Arenas en centro comercial (2011). Mayor interés atesora el sevillano Campus de Palmas Altas (2009), desarrollado con Vidal y Asociados, definiendo un modelo de oficinas de alto rendimiento energético en una obra condicionada por el clima. Otra intervención de interés la realizó en las nuevas instalaciones para las Bodegas Protos en Peñafiel, Valladolid, situadas al pie del formidable castillo.

Frente a la fuerza icónica del Pompidou, del Lloyd’s, de las terminales 5 de Heathrow y 4 de Madrid-Barajas, o de la Cúpula del Milenio, el trabajo de Richard Rogers en el campo del urbanismo resulta menos espectacular, pero no menos relevante. Sus poderosas ideas presentadas en el año 1994 para la urbanización del distrito de Lujiazui, en Shanghái, resultaron muy influyentes tras la competición de consultores planteada por la ciudad antes de proceder al desarrollo de la zona del nuevo centro de negocios a orillas del río Huangpu.

Defensor de un modelo de ciudad más compacto y sostenible, ha firmado el Masterplan de Barangaroo, en Sídney y, en España, el Masterplan de Valladolid Alta Velocidad que ganó el concurso fallado en 2005. Ha sido consejero en temas de arquitectura de la alcaldía de Barcelona con Pascual Maragall, y asesoró también a la de Londres, para la que desarrolló el Canary Wharf Riverside South, y recomendó el cobro de una tasa a los vehículos privados que accedieran al centro urbano.

El alto nivel de calidad industrial empleado en sus principales obras siempre ha tenido como referencia un profundo humanismo colectivo, un intento de que la gente disfrutara de la luminosidad, el espacio y el orden en sus edificios. Por esta razón rechazaba el término high tech, porque representaba el medio, pero no la finalidad de su trabajo, que era lograr mejores edificios y ciudades para la vida de la gente. Siempre luchó contra la arquitectura opresiva, los espacios jerarquizados o discriminatorios, buscando la transparencia, la luz natural, la accesibilidad, las referencias visuales para la orientación, la máxima relación con el entorno natural y el empleo de la tecnología para mejorar la sostenibilidad y reducir los consumos de energía.

Sus obras más valiosas siguen respirando alegría, vitalidad e inconformismo. Claude Pompidou, la viuda del promotor del revolucionario centro cultural parisino, identificó “pasión, audacia y libertad” como las tres fuerzas desplegadas por su marido para crear el centro que lleva su nombre. Richard Rogers empleó los mismos ingredientes para hacer realidad la obra revolucionaria que creó junto a Renzo Piano en París, que parece haber atrapado en su arquitectura el mismo espíritu rebelde, lúdico, juvenil y optimista de Mayo del 68.

En la exposición Espacio libre, transformación ‘habiter’, se despliega la claridad, la racionalidad y la empatía de los arquitectos Lacaton y Vassal, merecedores del Premio Pritzker de Arquitectura 2021. Se trata de una secuencia que se inicia con la detallada relación de sus trabajos a través de planos y fotografías en la planta baja del Museo ICO de Madrid, hasta la espacialidad de la planta alta, donde la penumbra se anima con la luz de las pantallas en que se proyectan videos realizados desde el interior de sus obras, como ventanas abiertas al horizonte y al cielo.

El premio Pritzker ha dado visibilidad a su labor de tres décadas, que transmite un mensaje de esperanza para las vidas y ciudades actuales, donde los problemas de la vivienda social y de la calidad del alojamiento afectan a la mayoría de las personas. Su arquitectura es terapéutica, protectora y generadora de mejores condiciones de habitabilidad para los vecinos de los inmuebles en los que intervienen.

Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal fundamentan su trabajo en una idea central: “nunca demoler, eliminar o sustituir, siempre añadir, transformar y reutilizar”. Mediante estos conceptos, aplicados a la vivienda en bloques de las periferias urbanas, han logrado intervenciones modélicas sobre edificios que se consideraban obsoletos y esperaban ser demolidos. Tras su actuación, los inmuebles han renacido como crisálidas, logrando una metamorfosis en la que han ganado espacio, calidad de vida y una mejor relación con la naturaleza y la sostenibilidad.

La validez de las ideas de Lacaton & Vassal se ha verificado a través de la economía. Edificios que iban a ser abatidos y reconstruidos, han logrado, con presupuestos considerablemente menores, recuperar su integridad física, la funcionalidad de sus servicios, y aumentar la superficie de las viviendas con ampliaciones hacia el exterior. De este modo han conseguido que las casas cuenten con mayor calidad y variedad de espacios, incorporando terrazas, jardines de invierno y miradores que las enriquecen significativamente.

Aumentar la superficie de cada vivienda permite que los espacios sean mayores, pero también que puedan ser usados de manera diferente, más personal y libre, logrando más metros cúbicos y mayor capacidad de adaptarlos a gustos y necesidades personales. Esta versatilidad ha sido especialmente demandada durante el confinamiento de la pandemia, cuando las casas han necesitado adaptarse a nuevos esquemas vitales que exigían capacidad de cambio, algo imposible en los mínimos espacios domésticos de las periferias urbanas. La idea de “espacio libre” del título de la exposición se hace realidad en sus intervenciones, en las que procuran eliminar muros y ventanas para dar continuidad a los espacios interiores, abriéndolos al exterior y a la luz natural.

El segundo epígrafe de la muestra habla de transformación. Y no es un eslogan. Basta revisar la treintena de obras construidas por la pareja de arquitectos para comprobar su capacidad de transmutar edificios obsoletos, incluso desahuciados, y darles nueva vida. Es el caso del Palais de Tokyo, en París, una gran estructura museística abandonada que decidieron tratar como un soporte espacial sin definidores de uso. Tomando como modelo la aparentemente caótica plaza de Yamaa el Fna de Marrakech, habilitaron los elementos de conexión y cerramiento, ampliaron la superficie útil y dispusieron los recursos técnicos con criterio más económico, evitando condicionar, con la distribución, todo aquello que coartara la libertad para organizar el espacio con configuraciones diversas. La radical lógica de la intervención recibió una mezcla de incredulidad y admiración, y consagró un método de tratar los problemas de una estructura compleja con intervenciones puntuales.

Si los conceptos de espacio libre y transformación son arquitectónicos, el habiter, en francés en el título de la exposición, va mucho más allá. Habitar es uno de los actos más profundos del ser humano, la manera de acomodar su espacio íntimo, que no solo implica las condiciones mínimas de superficie, higiene y ventilación, exige también un esquema propio de ordenar las necesidades, las relaciones con el exterior, con el paisaje y la naturaleza, con el cielo, y también el delicado equilibrio entre intimidad y socialización. Habitar debe incluir la noción de libertad en arquitectura que, para Anne Lacaton, “proviene del movimiento, es un poco como la idea de la villa, a todo el mundo le gustaría vivir en una villa, entrar y salir al aire libre dentro de nuestra vivienda, jugar entre el interior y el jardín, es un modo de habitar que intentamos reproducir en cualquier parte”, explica a elDiario.es.

Este aspecto no solo es central en el pensamiento de Lacaton & Vassal, también han encontrado la fórmula para llevarlo a la práctica. No se trata de inventar soluciones, es mucho mejor buscarlas en colaboración con los usuarios de los edificios en los que intervienen. Según Anne Lacaton, primero hay que ir, entrar, hablar con los vecinos y empezar a generar en conjunto, “no desde el reproche o la queja, no desde la exigencia de reparación”. “Intentamos llevar el diálogo a una posición de incluir los sueños, las aspiraciones. Hay que decir a la gente que eso es posible, hay que hacerles considerar que son posibles esas transformaciones, y que no será una carga para ellos, que podrán permanecer en su casa durante las obras… Y así empezar la discusión desde bases optimistas y positivas. Hay que incitar al sueño de lo que podría ser”, desarrolla Lacaton. Así logran que el optimismo y el sentido positivo sea el motor del cambio. Y entonces lo hacen realidad.

La arquitectura de Lacaton & Vassal parece acoger a las personas con un sentido profundo, comprensivo y firme al mismo tiempo, les ofrece espacio para crear su propia forma de vivir, y no les obliga, solo propone y permite. No hay una idea en su trabajo que no parezca simple y lógica. La necesidad de su obra ya existía antes de que ellos llegaran, pero alguien tenía que definirla y construirla. Parece un milagro que lo hayan logrado, y que haya sido con sutileza, intensidad y personalidad. Pero es mejor que un milagro, porque contiene la semilla, el método, para que el concepto prenda, y crezca una arquitectura más humana, libre y sostenible. Ellos han demostrado que es posible.

¿Porqué no hay más intervenciones semejantes? A menudo, las estrictas normativas urbanísticas y la propiedad del suelo impiden que los edificios ocupen mayor superficie para crecer en su perímetro, uno de los recursos que Lacaton & Vassal han aplicado en algunas de sus obras más valiosas. Para ello han contado con la iniciativa de diversos responsables de la vivienda social en las ciudades en que han intervenido en Francia o Suiza, incluso de algunos propietarios de edificios en alquiler que confiaron en actuaciones menos costosas que la demolición y reconstrucción. Los principales beneficiados fueron los inquilinos.

Política es la palabra que sobrevuela todos los temas de vivienda social, en especial la que permitiría acortar la distancia entre lo imaginable y lo posible. La política de cambio debería ser la herramienta para escapar a la cárcel normativa que impone reglas, pero también a menudo impide mejoras. Como explica Anne Lacaton, “la normativa puede ser modificada, incluso, en ocasiones, es la normativa la que cambia prohibiendo lo que estaba permitido anteriormente”. Un cambio normativo imprevisto anuló la previsión de crecimiento ya proyectado del edificio parisino del Bois du Prêtre. Ellos siguieron luchando y lograron que la ley hiciera una excepción con su obra, de manera que la arquitecta comenta con humor que “a veces la arquitectura puede hacer cambiar la normativa”.

Jean-Philippe Vassal explica otro aspecto de su obra, su trabajo “sobre la intensificación de la ciudad, tanto sobre la situación construida como sobre la no construida, sobre el edificio y el espacio público”, y también sobre la proximidad, “que es muy complicada. Si hay poca distancia no hay privacidad, y si hay mucha no hay contacto social. Esto hay que tratarlo desde la arquitectura, y creo que el urbanismo no lo hace porque es muy generalista”.

La limpia luminosidad de los espacios creados por Lacaton & Vassal contiene una carga de profundidad respecto a la arquitectura posible y necesaria. Otorgan el protagonismo a las personas que utilizan las viviendas, y contradicen las rutinas especulativas y antieconómicas del mercado inmobiliario. Proponen mayores cantidades de espacio para cada residencia, entendiendo que llevar la palabra habitar a su más amplio sentido exige una cantidad de espacio que permita organizarlo de manera personal, sin atenerse a un esquema rígido de usos y funciones. También proponen y desarrollan tecnologías más ligeras y sostenibles, abaratando los procesos constructivos, trabajando con los oficios y no con los intermediarios.

Cuando amplían los edificios hacia el exterior, la superficie que ocupan de suelo urbano la multiplican, creando en cada planta jardines de invierno y galerías capaces de generar efecto invernadero y capturar energía en su interior durante el día, reduciendo el gasto energético. Con 60.000 euros, el presupuesto de una vivienda de 80 m², fueron capaces de hacer una casa de 180. Han demostrado que pueden lograr el espacio más asequible para todos, construyendo el doble al mismo precio que un alojamiento estándar. Si el verdadero lujo es el espacio, se les puede acusar de producir lujo a bajo precio, un lujo redefinido en términos de “generosidad, libertad, placer, facilidad, más aire, más luz y más espacio”.

Estudiando su obra con detenimiento se comprueba que todos los procesos de pensamiento y producción de arquitectura han sido reinterpretados por el equipo francés desde el optimismo y el acuerdo, desde la capacidad para imaginar cambios en la vida de las comunidades. “A menudo, los promotores tienen en mente un proyecto estándar y un cliente, y nosotros procuramos lograr una forma de libertad en el espacio, donde los habitantes puedan amarlo, cambiarlo y apropiarse de él”, dice Vassal. Frente a la rutina de hacer arquitectura de vivienda colectiva para el mercado, para promotores, sin conocer al usuario específico y sus necesidades, Lacaton & Vassal han encontrado la alegría de trabajar para las personas que viven en el edificio, conocerlas y ayudarlas a mejorar sus vidas y sus viviendas.

Su influencia en la realidad construida hasta el momento ha sido modesta, pero el valor de sus aportaciones, la claridad y utilidad de su pensamiento, no ha pasado desapercibida. Por eso hablan a menudo de sus ideas en las escuelas de arquitectura y detectan “un increíble movimiento de estudiantes, en muchos países, interesados en trabajar con las comunidades de manera directa, ayudando en la mejora de las zonas más deterioradas, desde la periferia de las grandes ciudades a las áreas rurales de los países menos desarrollados”. En uno de ellos, en Níger, iniciaron su trayectoria profesional. Sin duda ha sido su coherencia y ejemplaridad la que ha impulsado al jurado del premio Pritzker 2021.

La arquitectura de Lacaton & Vassal opera principalmente sobre situaciones urbanas complejas y edificios industriales abandonados, pero siempre edificios modernos, ya sean de los años 30 como el Palais Tokyo, o bloques de viviendas de los años 70 y 80 del pasado siglo, como las 530 viviendas transformadas en la Citè du Grand Parc de Burdeos.

Conocen y admiran a los maestros y pioneros del Movimiento Moderno, parten de un entendimiento profundo del sistema de la Casa Dom-ino de Le Corbusier, de la casa Farnsworth de Mies van der Rohe y de sus apartamentos Lake Shore Drive de Chicago, de las Case Study Houses californianas y de otros modelos de estricta modernidad que combinaban rigor y economía junto a nuevos conceptos de ligereza y transparencia. “El Movimiento Moderno, que no ha sido perfecto, especialmente en la parte urbana, se ha desnaturalizado en la posmodernidad, en el deconstructivismo” dice Vassal. Es inevitable la sensación de que su trabajo establece una continuidad de nuevo cuño respecto a los orígenes y las esencias de la modernidad y, sin ser uno de sus objetivos, logran una precisa definición formal de silenciosa armonía y contenida elegancia, acaso involuntaria.

No deja de ser noticia que el premio Pritzker haya girado 180 grados en sus elecciones, pasando de premiar a los sofisticados Fórmula 1 de la arquitectura a galardonar a los mejores vehículos utilitarios. Donde hace unos años triunfaban autores de alguno de los proyectos más costosos e irracionales de la historia, hoy se celebra el trabajo de profesionales modestos, tacaños y razonables, antiguos perdedores en la competición por el reconocimiento público, por los grandes clientes y la visibilidad.

En este capítulo se puede incluir la trayectoria de Lacaton y Vassal, ganadores del Pritzker 2021 y responsables de una arquitectura con profundos valores sociales. Adecuación, conservación, mejora, sostenibilidad, economía, respeto, integración, son cualidades sencillas, claras, lógicas, que aluden a la verdadera utilidad del arquitecto dentro del cuerpo social. Con ellas como emblema, el equipo francés ha logrado el éxito a contracorriente, trabajando para clientes austeros, haciendo una obra sobria, no deslumbrante, asequible y terapéutica. Utilitaria.

Todos estos aspectos suponen valores que no aporta la arquitectura a la comunidad, más bien los recoge de ella y los aplica a su propia disciplina. Cualquier ciudadano particular conoce, comprende y aplica las ventajas de la conservación, la reparación y la mejora, pero la sociedad no premia ni potencia ese modelo fuera del ámbito privado. Son virtudes privadas. Por el contrario, hemos vivido en la esfera pública tiempos recientes de ominoso despilfarro y de prácticas incompatibles con la sostenibilidad, de arquitectura espectáculo y de apoyo mediático a faraónicas operaciones especulativas sustentadas en la fascinación de la imagen, mientras se permitía el deterioro del patrimonio común y el abandono de los sectores de menor rentabilidad económica. Son vicios públicos.

Nadie ignora hoy que es imprescindible un cambio de paradigma. El calentamiento global nos amenaza como un intenso invierno, valga la paradoja, ante el que hay que protegerse y economizar para soportarlo y sobrevivirlo. Quienes quieren mantener el modo de producción económico y arquitectónico del pasado reciente van contra la historia. El futuro será sostenible o no será. Por eso son necesarios a largo plazo emblemas de esa actitud responsable, reparadora e inteligente que representan modos de intervención semejantes a los que proponen Lacaton y Vassal.

En su trabajo se percibe una naturalidad y una ligereza que recuerda los proyectos domésticos de los Eames, la brillante sencillez conceptual y material de Buckminster Fuller o de Jean Prouvé, y una aceptación del deterioro y del paso del tiempo cargada de humanidad, y de la dulce belleza de una sanación adecuada. Son aspectos que se perciben en diferentes intervenciones. En tres modestos edificios de viviendas de alquiler público en el Grand Parc de Burdeos en 2017, en la actuación mínima sobre la plaza Leon Acoc de la misma ciudad, y en el Palais de Tokio, que han aceptado en el estado en que lo encontraron, insuflándole vida sin necesidad de estirarle la piel. Hay que reconocer en Lacaton y Vassal la lucidez para viajar desde la idea al paradigma, la capacidad de realizar actuaciones y convertirlas en modelos útiles, en ejemplos construidos. En el imaginario de su espacio profesional han logrado conectar las primeras experiencias laborales, las que realizaron en la dramática pobreza de Níger, con la penuria suburbana de las ciudades europeas, de las problemáticas banlieues repletas de viviendas sociales en Francia, con la idea central de que todo es aprovechable cuando hay necesidad.

Esa clara y específica percepción de la realidad, aplicada a su trabajo cotidiano, no ha pasado desapercibida. Lacaton y Vassal son valorados en todo el planeta por la eficacia de su acción, y acumulan numerosos galardones internacionales, incluyendo el prestigioso reconocimiento del Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea –Mies van der Rohe, bianual, concedido en 2019 por la transformación de 530 viviendas en el Grand Parc de Burdeos. Ahora reciben el Pritzker 2021, que, sin duda, contribuirá a que su obra tenga una repercusión didáctica en diferentes campos.

En las escuelas de arquitectura, que siguen favoreciendo más la creatividad formal que la utilitaria. En el círculo de los promotores y constructores, donde quizá invite a encontrar la manera de modificar su modelo de negocio. Y en la sociedad, que debe exigir este tipo de intervenciones puntuales de los poderes públicos para mejorar las condiciones de vida en los barrios menos favorecidos, en los que el mantenimiento y las reformas del patrimonio residencial son tan necesarias. Conservar aquello que sirve no es cuestión de pobreza, es cuestión de inteligencia y sostenibilidad. Y si lo reconoce el Pritzker, mejor.

El mayor galardón en arquitectura ha reconocido por primera vez la labor de un equipo formado íntegramente por mujeres, la del irlandés Grafton Architects que dirigen Yvonne Farrell y Shelley McNamara. El jurado del premio ha destacado al estudio por “pionero” en un sector dominado por hombres, con una obra marcada por la integridad, que respeta el lugar y la comunidad en la que es construida, según el fallo.

Hace tres años, en la edición de 2017, el nombre de una catalana destacaba entre el de sus compañeros varones. La arquitecta Carme Pigem, sin embargo, era minoría en el proyecto colaborativo ganador, donde dos de los tres dueños del estudio RCR de Olot (Girona) son hombres. Antes que ella, la arquitecta de origen iraní Zaha Hadid lo ganó en solitario en 2004 y, en 2010, se alzó con él el despacho japonés Sanaa, que cuenta con una mujer en su plantilla.

Por eso es importante que, en los 41 años del 'Nobel' de la arquitectura, sus nombres no queden diluidos por primera vez en equipos cargados de testosterona. McNamara y Farrell son dos veteranas en el sector y este no es el primer premio que reciben por sus cuatro décadas de profesión, tan solo el más prestigioso.

En la primera etapa del estudio, fundado en 1978 y bautizado en honor a una de las calles más céntricas de Dublín, se especializaron en edificios públicos y residenciales como escuelas y universidades. El Departamento de Ingeniería Mecánica del Trinity College de Dublín (2002), donde destaca el uso de diferentes piedras, o el Solstice Arts Centre (2006) y el Departamento de Finanzas de Dublín (2007) les procuraron fama y prestigio a nivel mundial.

La concepción del entorno y la empatía con el resto de construcciones provoca que sus edificios sean “buenos vecinos”, como ha destacado el Pritzker: “Quieren aportar algo más allá de los límites de lo construido y contribuyen a hacer de la ciudad un lugar mejor equilibrando fuerza y delicadeza. Sus obras son modernas e impactantes y nunca repiten ni imitan; son la expresión de su propia voz arquitectónica”.

A partir de 2008, Garfton Achitects alcanzó una concepción más internacional con el diseño de la Universidad Bocconi de Milán, con el que consiguieron el premio World Building of the Year en festival mundial de arquitectura de Barcelona. Más tarde, en Perú, proyectaron una nueva sede de la universidad UTEC que se incluye por placas estructurales entre la flora del frondoso barrio de Barranco.

Esta imagen se inserta en el contexto general de Lima, una ciudad caracterizada por grandes escolleras que “establecen la unión entre la ciudad y el mar, verdes valles transformados en su interior, del mar a la ciudad”. Con él, ganaron en 2016 el RIBA, una de las medallas en arquitectura más importantes de Reino Unido.

Entre los concursos internacionales que ha ganado el estudio de las dos arquitectas cabe destacar la Escuela de Economía de la Universidad de Tolosa (2009), la Kingston University Town House en Londres (2013) y el Institut Mines Telecom en París (2013). También han representado a Irlanda en la Bienal de Venecia 2002 y se alzaron con el León de Plata diez años después con el edificio peruano anteriormente mencionado.

Sin embargo, si de algo se enorgullecen McNamara y Farrell es de su vis didáctica, ya sea en la universidad de la UCD, donde ambas dieron clase durante 30 años, como en cátedras invitadas de Harvard, Yale, la École Polytechnique Féderale de Laussane y la Academia di Architettura di Mendrisio.

“Enseñar ha sido para nosotras siempre una realidad paralela. Y es una manera de destilar nuestra experiencia y ofrecerla a las nuevas generaciones de forma que jueguen un papel en el crecimiento de la cultura. Lo comprendemos como algo que funciona en dos direcciones: aprendemos de los estudiantes y deseamos que los estudiantes aprendan de nosotras”, destacan las últimas galardonadas, mucho más que un ajuste de cuentas del premio Pritzker.

Carme Pigem nació en Olot hace 57 años y desde esta pequeña localidad de la provincia de Girona, junto a sus colegas de estudios Ramon Vilalta y Rafael Aranda, ha proyectado al mundo entero una forma de hacer arquitectura. Tras más de treinta años de trayectoria profesional, los tres integrantes del estudio RCR recibieron en 2017 el Premio Pritzker, el llamado 'Nobel de la arquitectura'.

Con una prolífica obra que tiene en el diálogo con el paisaje un común denominador, para Pigem y sus dos compañeros esta ha sido la década de la plenitud profesional. Unos años que han coincidido también con algunas transformaciones que afectan de alguna forma su sector, como las consecuencias de la crisis del ladrillo, de la emergencia climática o de la eclosión de las redes sociales.

Esta ha sido para ustedes la década del reconocimiento a toda una trayectoria. ¿En qué le cambia la vida a un arquitecto recibir el Premio Pritzker?

Tú no cambias, pero sí la forma como el entorno te mira y te valora. Pasas de ser una persona anónima que hace su trabajo a un personaje un poco público. Aunque nosotros, como arquitectos, no estamos abocados a esto último. Hay artistas que lo buscan, los políticos evidentemente, pero para nosotros es diferente.

Me refería sobre todo al trabajo. ¿Tienen más y mejores encargos?

Mucha más gente se te acerca, sí, pero también es cierto que si quieres seguir haciendo obra pública tienes que hacer concurso. En cuanto al privado, sí hay gente que se interesa por ti y que quizás antes no lo hubiese hecho. El abanico de encargos se abre.

¿Tienen sobre la mesa alguno que quizás no les hubiese llegado sin el premio?

Ha venido una universidad de Taiwán para que hagamos un centro para sus estudiantes, tanto para el deporte como para la actividad social. El lugar de vida del campus. Es evidente que no hubiesen venido a buscarnos si no fuéramos Pritzker. Por no mencionar el alud de conferencias, fórums, propuestas para ser miembros de jurado… Es imposible decir que sí a todo, lo que intentamos al menos es contestar [ríe].

Su trayectoria profesional con Vilalta y Aranda tiene un momento inicial curioso, cuando en 1988 ganan el concurso para hacer un faro en Gran Canaria con una propuesta de edificación horizontal. Se dice que ese episodio cuenta mucho sobre su forma de ver la arquitectura. ¿Es así?

Que fuese un faro horizontal y no vertical explica bastante de nuestra manera de afrontar la arquitectura. La ruptura que supuso la propuesta hizo que, en la misma exposición de los 49 faros que se plantearon en la costa española, este se convirtiese en el proyecto estrella. Tuvo un impacto importante y nos llevó a una exposición en París, una invitación a Japón… Fue nuestro primer paso que nos empezó a dar a conocer y abrir caminos.

Sobre sus inicios, parece remarcable que ninguno de los tres integrantes de RCR pertenece a familias adineradas, cuando esto era habitual, sin ir más lejos, en los 80 con apellidos como Bohigas, Bofill, Tusquets… ¿Eso explica su trayectoria?

Seguramente. Nosotros acabamos los estudios y en vez de hacer prácticas en despachos volvimos a casa [Olot] para trabajar. No tener ascendencia nos ha permitido hacer las cosas de forma más genuina, y esto no es malo. Todo tiene sus cosas. Cuando llegas muy arropado y protegido por determinadas estructuras puedes tener más facilidades, pero también pueden constreñirte o aprisionarte. Nosotros hemos hecho lo que creíamos como lo sentíamos.

Volvieron a casa en un momento de un ‘boom’ urbanístico en Barcelona: los años previos a los Juegos Olímpicos. ¿Qué les decían sus colegas?

Había algunos profesores que nos decían que si volvíamos al pueblo estaríamos acabados. Pero en la vida es importante hacer lo que crees. Para ser como otro siempre serás una mala copia. Repetir modelos y estándares no nos ha interesado nunca.

Su obra tiene una fuerte interacción con el paisaje que la rodea, con especial fijación por la naturaleza. ¿Qué elementos suelen tener más en cuenta?

Nos interesa todo. Puedes aprender de todo. Depende de lo que estés preguntando. Cuando estás en el bosque y desde ahí ves un campo o un espacio abierto, te está dando una experiencia espacial que quizás es la que quieres hacer con la arquitectura. Preparar espacios y vivencias que hagan de esta experiencia algo único. De la riqueza y emoción que se siente en la natura se pueden destilar conceptos para aplicarlos en los espacios que creas.

Ustedes defienden siempre que sus obras transmiten sensaciones y experiencias. A menudo serenidad, equilibrio. ¿Es esa la función de la arquitectura?

Nuestra disciplina es muy compleja. A nosotros nos gusta enfocarla de forma global. El enfoque solo funcional no nos interesa. Es evidente que ha de funcionar, no se cuestiona, pero no es su finalidad. Ha de ser bonito, transmitir, producir emoción. Cuando pintas puedes hacer lo que quieras, pero hay pinturas que transmiten. Intentamos que las personas no se queden indiferentes, que sientan algo y que eso les acompañe.

A unos arquitectos que aprecian tanto el entorno natural de sus obras, ¿les preocupa la emergencia climática que amenaza las salud del planeta?

Nos preocupa, claro. Cuando hablamos de sostenibilidad, de amor a la tierra, es importante situar bien los edificios en los lugares. No los vas a destrozar paisajísticamente. Intentamos trabajar en armonía. Pensamos en la sostenibilidad y hablamos de ecología de una forma holística, no sólo es una cuestión de materiales, energía, adaptación al lugar…

¿Y cuando ven grandes urbanizaciones colonizando el litoral, como ha ocurrido sin ir más lejos en la costa catalana durante años, qué piensan? ¿Les duele?

Sí, duele. Se ha hecho mucho y a veces demasiado. A la sociedad actual la mueve el dinero y el dinero se mueve según prioridades que no son las nuestras.

A través de su obra y sus declaraciones se ve que son también grandes defensores de lo local en un mundo cada vez más globalizado. ¿Por qué?

Reivindicamos las raíces bien entendidas, las identificaciones en un lugar. Pero no para encerrarnos ahí, sino porque te ayuda a entender el mundo. Profundizar para comprender un lugar te acaba ayudando a entender otros lugares. Cuando llegas a la esencia, el lenguaje se vuelve común y la comprensión es más global.

Se lo preguntaba porque algunos usan la exaltación de la identidad como una forma de protección, a menudo reaccionaria, frente al otro.

Al contrario. Para nosotros se trata de conocerse a uno bien para conocer a los demás. Las culturas y religiones, si vas a su esencia, es muy parecida. Luego serán dispares y enfrentadas, pero si te olvidas y vas a la raíz, todo es muy común.

Su estilo no es parecido al de arquitectos muy mediáticos de las últimas décadas, como Foster o Gehry. ¿Qué nombres son para ustedes referentes o les inspiran?

No tenemos un referente muy claro. Al salir de la escuela nos gustaba mucho la arquitectura catalana, fuimos a visitar obras maestras –por ejemplo de Mies van der Rohe y de Kahn– y nos interesó el mundo de las artes, que trabaja los mismos temas que nosotros pero sin la parte normativa y presupuestaria. Nos atrajo también la arquitectura islámica, que trabaja mucho los sentidos. Y la arquitectura popular de la Garrotxa. De todo hemos ido aprendiendo.

El tiempo parece ralentizarse cuando uno está dentro de sus espacios. ¿Ustedes tienen redes sociales?

No. Ni Facebook ni nada.

¿Por qué?

Porque pide mucho tiempo.

¿Vivimos muy acelerados?

Más que acelerados, todo es muy superficial. De consumo rápido. En un día puedes acabar viendo cientos de imágenes. La sociedad está sobreestimulada, se ve mucho con los niños. Es algo que me asusta. Consumes 500 imágenes –o las que sean– al día a medio segundo por imagen. ¿Qué te aporta? Has visto mucho, alguna cosa igual te llevará a relacionar algunos conceptos, pero me parece algo excesivo.

Esta década ha sido para ustedes la del reconocimiento profesional, pero también la de una grave crisis económica, asociada a un modelo fallido del ‘boom’ del ladrillo. ¿Lo sufrieron ustedes por igual?

Tuvimos suerte de que no hemos vivido mucho del ‘boom’ del ladrillo. No hemos participado de ello ni para lo bueno ni para lo malo. Se dio la circunstancia además de que ganamos el concurso para hacer el museo Soulages en Francia cuando empezaba la crisis. Pasamos el momento más fuerte de la crisis teniendo trabajo fuera, pero fue circunstancial.

¿Fue el sector de la arquitectura corresponsable de ese despilfarro?

Si te encargan un aeropuerto en el que no aterrizará ningún avión y consideras que hay que decir que no quieres hacer el proyecto, entonces sí. Si no, hemos sido utilizados. Se usa el arquitecto para invertir en el mundo del ladrillo para ganar mucho dinero. Si no somos corresponsables, sí tenemos una parte de responsabilidad y el dinero tira mucho. Pero nosotros, como le decía, no hemos entrado mucho en todo esto.

En España se da la paradoja de que un joven ya ha de destinar más del 100% de su salario para pagar solo un alquiler. ¿Qué le parece?un joven ya ha de destinar más del 100% de su salario para pagar solo un alquiler

A nivel social hay un empobrecimiento general de la población. Cada vez el dinero está en menos manos y el grueso de población pierde poder adquisitivo. Esto es muy duro. Y no lo digo como arquitecta ni como Pritzker, sino como persona.

Han llevado su estudio a la cima de la arquitectura siendo tres profesionales en la dirección. ¿Cómo se lleva esa suerte de dirección colegiada?

Cada uno dice la suya y llegamos a consensos. No es una cuestión de votar. Alguna vez nos han comparado con un trío de jazz y nos gusta porque es bonito. ¿Qué es más importante, la trompeta o el saxo? Pues el conjunto.

¿Discuten más o menos que hace treinta años?

Al principio destinábamos más tiempo a hablar, ahora nos entendemos más rápido. Hemos desarrollado incluso un argot propio. Es como una pareja que lleva toda la vida junta, cuya complicidad va más allá de las palabras.

¿No les han llamado de grandes empresas y bancos para contar los secretos del éxito de este tipo de dirección?

[Ríe] No... Pero a veces decimos que tendría que haber tres presidentes... En el colegio de mi hija hay dos directores, uno más académico y el otro más de gestión. Las cosas compartidas se llevan mejor, son más equilibradas, y te equivocas menos.

Esta semana se ha otorgado el premio más prestigioso de arquitectura, el Pritzker, el que popularmente se conoce como el 'Premio Nóbel de arquitectura', y se ha concedido a los arquitectos del despacho Aranda, Pigem y Vilalta (RCR Arquitectes) de Olot (Girona). En este estudio tradicionalmente ha habido una torre de Babel de trabajadores, hay o han pasado catalanes, vascos, portugueses, franceses, madrileños, japoneses, andaluces, argentinos, belgas, estadounidenses, gallegos, húngaros... y valencianos. Ahora hay una, Noèlia Baldayo.

La arquitecta, de Sagunt, de 38 años, llegó en 2006 a RCR con una beca Arquia, la que se otorga a los mejores estudiantes de arquitectura de España para que elijan el estudio de Europa donde quieren trabajar y coger experiencia de prestigio durante 6 meses. Noèlia eligió a Aranda, Pigem y Vilalta, y aquí está todavía. Aunque ha tenido dos etapas diferentes (con un paréntesis de poco más de tres años en el que regresó a València por motivos personales), Noèlia Baldayo fue contratada tras su etapa de becaria y ahora trabaja desarrollando y contagiando la arquitectura y filosofía RCR.

Entre los proyectos de su primera etapa destacó su papel como coordinadora de equipo del complejo 'The Edge', un megaproyecto de 215.000 metros cuadrados en Dubai -que finalmente no se ejecutó-. Tras estos primeros años volvió a València “pero cuando RCR te contagia su pasión por la arquitectura, ya es difícil verla de otra forma”.

En la segunda etapa vuelve como docente del 'workshop' anual del estudio, taller interdisciplinar en el que se divulga la manera de entender la arquitectura de RCR y donde imparten conferencias arquitectos de renombre como Souto de Moura (también premio Pritzker).

A partir de aquí se reengancha al estudio con trabajos que se proyectan en Burdeos: la mayoría de ellos de programa residencial, con extensiones que rondan los 25.000 m2. Los más destacables son 'La Buttinière' y 'L'ilot plaza'. En este último es donde concentra sus esfuerzos en la actualidad, se trata de una manzana urbana de un centenar de viviendas y zona comercial.

Su papel es representar a RCR dentro del equipo que desarrolla el proceso constructivo del proyecto. Esto le supone viajes periódicos a la ciudad francesa para reunirse con los socios y colaboradores de Aranda, Pigem y Vilalta.

Noèlia afirma que con el Pritzker se les ha abalanzado una ola de felicitaciones, y también de periodistas. Ella destaca la información que publicó el The New York Times sobre el premio al trío de arquitectos catalanes, no por el prestigio del medio en si, sino porque en su inicio afirmaba que “esta podría ser la señal más clara de que la era del arquitecto estrella que trabaja en solitario ya no existe”. Así Noèlia destaca que la dinámica interna del estudio se rige por esto mismo, el trabajo en equipo entre iguales, una arquitectura colaborativa.

Pero también añade que “aquí la cultura del esfuerzo es muy importante, se requiere mucho trabajo, te autoexiges tú también, estás en 'la Champions' de la arquitectura”. Todo ello no obstante “te proporciona una gran satisfacción profesional, sobre todo porque trabajas en algo en lo que crees”.

En el estudio de RCR hay un predominio de mujeres en el quipo, circunstancia que quiere destacar por la dificultad que han tenido las mujeres para abrirse paso en el mundo de la arquitectura, tradicionalmente de dominio exclusivo de hombres.

Es más, Noèlia Baldayo subraya un dato que se ha reflejado poco en la información sobre el premio a RCR: Carme Pigem es la tercera mujer en obtener el premio Pritzker -después de Zaha Hadid y de Kazuyo Sejima-, pero es la primera en serlo habiendo sido madre. Un hecho con el que se siente identificada, Noèlia también ha sido madre trabajando en RCR (su hijo Aleix tiene 13 meses).

Ella lanza la pregunta “¿es necesario prescindir de algo tan fuerte como la maternidad para poder avanzar en la vida? Lo ideal sería que fuera una elección y no un sacrificio”.

Hasta la localidad gerundense de Olot, llegan desde hace años jóvenes estudiantes de todas partes del mundo para conocer de cerca la obra y el peculiar modo de hacer de tres arquitectos catalanes, Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramón Vilalta, fundadores del estudio RCR. Al recibir el pasado miércoles el premio Pritzker, el más importante del mundo en el terreno de la arquitectura, se veían desbordados también con las repentinas visitas y llamadas de la prensa internacional.

No es la primera vez que este galardón se concede a un arquitecto español. Rafael Moneo lo había obtenido el año 1996. Sin embargo nunca antes el premio Pritzker había sido otorgado al trabajo conjunto de tres arquitectos. En el caso del estudio RCR se debe al mérito de haber construido un diálogo de una riqueza polifónica ininterrumpida desde hace casi tres décadas. Una labor cuyo resultado mantiene, no obstante, una “personalidad” que trasciende a la de cada uno de sus integrantes.

Resumir los valores de este peculiar estudio catalán no permite dejar de lado tres aspectos clave para entender su singularidad: el lugar, la materia y el tiempo. O dicho con mayor precisión: su relación con Olot, el acero y la lentitud.

La arquitectura de RCR mantiene un vínculo tan poderoso con la vieja y volcánica región de la Garrocha como la de un árbol con la tierra en la que clava sus raíces. Desde allí han demostrado que la arquitectura que comprende un lugar puede comprenderlos todos. Comenzaron su carrera profesional realizando obras de pequeña escala, una memorable y hermosísima alberca y casas para el herrero y la peluquera de su pueblo. Pero han sabido ir depurando su forma de trabajo, ganando en intensidad y controlando la escala de sus intervenciones hasta salir de su terruño y construir en Francia, Bélgica y Dubai. Y lo han hecho con éxito gracias a entender que cada lugar, en realidad, era Olot mismo.

En la arquitectura de RCR, el paisaje y la construcción se entretejen con una naturalidad semejante a la que tienen los líquenes que aparecen sobre el tocón de un árbol cortado o la humedad que se condensa al amanecer sobre una piedra. El Estadio deportivo de Tossols-Basil parece haber estado siempre rodeado de las hojas secas del robledal donde se implanta. Operar en mitad de un bosque o de un caserío y que el resultado no haga histriónicas concesiones formales a la propia naturaleza o a los edificios cercanos no es nada fácil. Obras como el espacio del Teatro de la Lira, en Ripoll, son un ejemplo de la capacidad de su arquitectura para ofrecer un valor añadido al lugar donde se implantan.

A la vez sus obras se esfuerzan por exprimir todo lo que los materiales son capaces de ofrecer. Incluso cuando todo se supedita a una sola materia, ésta se explota al máximo de su capacidad. En las Bodegas Bell-lloc o en el restaurante Les Cols, el acero se pliega o se cuelga como la ropa en un tendal aprovechando su elasticidad. En otras ocasiones el acero se muestra rugoso y áspero o se exhibe como material en bruto, como si tuviese la misma riqueza plástica que un cuadro abstracto. RCR disfrutan dejando que esta materia muestre el paso del tiempo a través de la aparición del óxido y sus manchas imperfectas como el mejor acabado posible.

La arquitectura de Aranda, Pigem y Vilalta parece producirse en un instante que no es el de la pura actualidad. El tiempo transcurre a un ritmo diferente en sus obras y lo hace gracias a considerar la lentitud como algo que enriquece la arquitectura y al propio ser humano. Como si desde la inauguración de cada obra asumieran como inevitable que terminen creciendo malas hierbas entre sus muros o que la vegetación acabe invadiéndola. Porque saben que toda obra es conjunción de pasado y futura destrucción. El estudio donde trabajan, una vieja fundición transformada desde la ruina y donde los muros originales conviven con lo nuevo, es un ejemplo de lo dicho.

La arquitectura del estudio RCR parece crecer lentamente en los sitios y dialoga con ellos con naturalidad, pero con una naturalidad extraordinariamente sofisticada, compleja y exigente. Hay en sus obras un esfuerzo disimulado, que las acerca a algunas arquitecturas del pasado vinculadas a una sencillez, concentración e intensidad sorprendentemente próximas a las de la arquitectura tradicional japonesa.

Seguramente por eso mismo es difícil imaginar mejor lugar para que estos arquitectos reciban el premio que Tokio. Allí, el próximo 20 de mayo, será entregada la medalla conmemorativa que atestigua la obtención de este singular galardón a este trío de catalanes universales.

Santiago de Molina es profesor de Proyectos en la universidad San Pablo CEU de Madrid. 

De Olot, al mundo. El Premio Pritzker, el mayor galardón en la arquitectura, ha reconocido este año el trabajo de tres arquitectos españoles. Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramón Vilalta, dueños del estudio RCR, en Olot (Girona), han sido premiados por el valor de su arquitectura localista, la transformación de estas obras en algo universal y por cómo logran integrar sus trabajos en entornos naturales.

Un día después de conocer que se hacían con el 'Nobel' de la arquitectura, eldiario.es habla con Carme Pigem (Olot, 1963) sobre el trabajo que llevan a cabo y la situación de este arte en España, donde recae por segunda vez el premio después de que Rafael Moneo lo recibiera en 1996.

El galardón se ha concedido de forma conjunta a los tres arquitectos por su trabajo colaborativo. Pigem asegura que entienden sus funciones en el estudio como si fueran un “trío de jazz”, una metáfora que les gusta utilizar para plasmar la creatividad compartida e ilustrar la manera en la que desarrollan su profesión a seis manos.

Glenn Murcutt, arquitecto australiano miembro del jurado, resaltaba que su obra ayuda a ver “de la forma más poética y bella posible” que la arquitectura puede ser universal independientemente de donde esté construida.

Para Pigem, esta afirmación es muy “especial”, porque “pone en valor que no hay que perder tus raíces, tu localización” y a la vez es decir que estás “abierto al mundo”. “Desde mis raíces, desde mi propio sentir, hago una manera de ver la arquitectura que se pueda entender de una forma universal”, añade.

El estudio abrió sus puertas en Olot en 1988. Lo que en un principio podría considerarse como un handicap para un negocio arquitectónico se convirtió en una seña de identidad clave en sus creaciones que han dejado huella en otras localidades de la región.

“Aquí [en Olot] hemos montado nuestra base general y es fácil estar conectado con el mundo. Antes quizá era importante estar en las ciudades, pero ahora con las comunicaciones que hay, Olot nos ofrece una calidad de vida que en otros sitios desaparece”, explica la arquitecta.

Entre los proyectos que tienen sobre la mesa, Pigem destaca en restauración el Espacio Enigma en Barcelona, que acaban de terminar para los hermanos Adrià, la próxima inauguración de una mediateca en Gante y la próxima construcción de las Bodegas de Perelada. Además, han recibido el encargo de un “proyecto cultural en París”, explica la socia del estudio que también ha abordado grandes obras fuera de Cataluña.

Desde su particular ubicación, sus obras más aplaudidas son aquellas que han logrado un hermanamiento con el paisaje y la naturaleza, que abraza a los edificios nuevos o rehabilitados. El presidente de la institución que otorga el galardón, Tom Pritzker, destacó el “compromiso inflexible” de los arquitectos con el lugar en el que trabajan, lo que da como resultado “espacios que están en relación con sus respectivos contextos”.

“Para nosotros el paisaje es fundamental”, explica Pigem, que añade que cuando hacen un proyecto o remodelan un edificio, es importante que tengan un “vínculo muy potente” con el entorno.

“Cuando se hace una intervención, el paisaje que existía, o el edificio que existía, se convierte en dos cosas que están allí conjuntamente y ya no puedes disociarlas, no se pueden separar, son como una sola unidad. Es paisaje y arquitectura nueva, esto le da un carácter muy especial y es algo muy único. Se da en un lugar con unas circunstancias, no es algo transportable ni extensible”, cuenta la arquitecta sobre esta capacidad de imbricar la construcción con el entorno.

El acta del jurado destaca algunos ejemplos en los que “la ubicación de los edificios, la elección de los materiales y las geometrías utilizadas siempre tienen por objeto resaltar las condiciones naturales para llevarlas al edificio”.

Una de estas construcciones es la Bodega Bell-Lloc (2007), ubicada en Palamós (Girona), “donde el uso del acero reciclado fusiona el edificio con la tierra y las aberturas entre los listones de acero permiten el ingreso indirecto de la luz”.

Cristales, plásticos, acero... son parte de los materiales que priman en sus obras. Pigem destaca que para ellos “lo importante es que cada obra encuentre su propia expresión material”. La arquitecta añade que en ese sentido, menos es más, ya que intentan usar en cada obra la mínima variedad posible. Entienden que de esta manera “el espacio y la atmósfera que se crean son más relevantes”.

Uno de los materiales que destaca en muchas de sus obras es el acero corten, con una oxidación particular. Pigem cuenta que este material “funciona muy bien en el paisaje” precisamente por los colores que toma. “No es como una pintura, no es un color plano, sino que es un color con muchos matices, por lo que lo hemos utilizado mucho cuando hemos trabajado en la naturaleza”.

Una asignatura pendiente

Aunque el Pritzker es el máximo galardón a nivel mundial y han recibido multitud de premios internacionales, pocos fuera de los círculos especializados han oído hablar del estudio RCR. “Se ha hecho muy buena arquitectura en España y es una lástima realmente que la sociedad española esté al margen”, lamenta Pigem.

Es consciente de que aunque su trabajo sí que está reconocido en el sector -la prestigiosa revista El Croquis ya le ha dedicado varios monográficos- falta concienciar a la sociedad de la importancia de esta disciplina.

En ese sentido, en 2013 el estudio creó “una fundación para ayudar a valorar la arquitectura dentro de la sociedad, porque creemos que es una asignatura pendiente”.

Sobre la falta de protección institucional del patrimonio arquitectónico, que ha llevado a casos como el derribo del chalet de Alejandro de la Sota, la arquitecta asegura no tener muy claro cómo abordar estas cuestiones desde un punto legal, aunque defiende que el patrimonio moderno debería poderse conservar.

Pone como ejemplo el Espacio Público Teatro La Lira, en Ripoll, que es un antiguo teatro y una plaza al mismo tiempo donde se unen las dos orillas del río Ter con una pasarela metálica cubierta en acero.

“Se intentó que se pudiese declarar patrimonio, pero tienen que pasar como diez años. Quizá se podrían acortar los plazos para preservar obras más contemporáneas”, plantea Pigem.

Pigem insiste en que lo primero que “hay que resolver entre todos es la falta la de conciencia sobre la importancia de la arquitectura y su conservación”.

“Todo es arquitectura, aunque nadie sea consciente de ello: dónde trabaja, por dónde va al trabajo, dónde vive, cuando va al teatro o hace deporte...”, afirma Pigem, que reclama que “la sociedad debe tomar conciencia del valor de la arquitectura, porque le interesa saber que cuanta más calidad tengan sus espacios, mejor será su vida”.

Los arquitectos españoles Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramón Vilalta del estudio RCR (Girona) han sido galardonados con el Premio Pritzker 2017, el más prestigioso de la disciplina, “por su compromiso inflexible con el lugar” en el que trabajan para la creación de “espacios que están en relación con sus respectivos contextos”.

Aranda, Pigem y Vilalta crearon en 1988 el estudio RCR en Olot, su ciudad natal, y en su trabajo “buscan conexiones entre el exterior y el interior, lo que da como resultado una arquitectura emocional y experiencial”, según el fallo del jurado de la 39 edición del Pritzker recogido por la agencia EFE.

El anuncio se hizo público en Chicago (EEUU) por el presidente de la Fundación Hyatt, Tom Pritzker, que ha destacado el hecho de que el jurado haya elegido, por primera vez, a tres arquitectos como receptores del premio.

“Aranda, Pigem y Vilalta han tenido un impacto en la disciplina más allá de su área inmediata. Sus trabajos abarcan tanto espacios públicos como privados, centros culturales o instituciones educativas y su habilidad para relacionar de forma intensa el medioambiente específico de cada lugar es un testimonio de su proceso y su profunda integridad”, señaló Pritzker.

“Su forma de trabajar en colaboración, donde el proceso creativo, el compromiso con una visión y todas las responsabilidades son compartidas por igual, llevaron a la decisión de seleccionar a tres individuos como ganadores de este año”, agregó el presidente de la fundación que otorga anualmente el Pritzker, considerado el Nobel de arquitectura.

El primer español en ganarlo, Rafael Moneo

Es la segunda vez que el premio va a España, tras Rafael Moneo, que fue galardonado con el Pritzker en 1996.

“Es una gran alegría y responsabilidad. Estamos emocionados por que este año tres profesionales, que trabajamos juntos y estrechamente en todo lo que hacemos, seamos los reconocidos”, señaló Pigem en una breve declaración recogida por la fundación.

El comunicado resalta que los tres arquitectos trabajan de forma local pero que a la vez evocan una identidad universal a través del uso creativo de materiales modernos incluyendo acero reciclado y plástico.

“Han demostrado que la unidad de un material puede proporcionar una fuerza increíble y una gran simplicidad a un edificio”, ha resaltado el presidente del jurado, el arquitecto británico Glenn Murcutt, Premio Pritzker 2002.

El fallo del jurado también señala que vivimos “en un mundo globalizado en el que debemos confiar en las influencias internacionales”, pero cada vez más y más gente tiene miedo de que debido a esa influencia internacional “estamos perdiendo nuestros valores locales, nuestro arte y costumbres locales”.

Agrega que Aranda, Cigem y Vilalta “nos demuestran que es posible combinar ambas perspectivas”.

“Nos ayudan a ver, de la forma más poética y bella, que la respuesta a la cuestión no es una u otra y que podemos, al menos en arquitectura, aspirar a tener ambas. Nuestras raíces firmemente asentadas y nuestras ramas extendidas hacia el resto del mundo”, dice el comunicado.

Entre sus proyectos mas destacados están el centro de arte La Cuisine, en Nègrepelisse (Francia); el museo Soulages, en Rodez (Francia) -en colaboración con G. Trégouët, el restaurante Les Cols, en Olot; la Bodega Bell-Lloc, en Palamós (Gerona, España) o la Biblioteca Sant Antoni-Joan Oliver, en Barcelona.