El Teatro Romano de Mérida se ha convertido esta noche en un auténtico cortijo andaluz. Sus tablas, acostumbradas a vivir clásicos, han recibido una versión del mito de Electra y su “jonda” herida que ha empujado al espectador a vibrar con una energía propia de un tablao flamenco.

Al más puro estilo de ‘La Casa de Bernarda Alba’, el mito clásico ha sido trasladado a ‘Electra Jonda’ “como la desmesura que la hace trágica”, un grito desgarrador que resuena en la actualidad, donde los grandes personajes de la antigüedad se han despojado de sus túnicas para transformarse en seres de carne y hueso, devorados por una moral inflexible y pasiones indomables.

En mitad de este asfixiante escenario, Carolina Lapausa encarna a una Electra herida que vive consumida por el dolor de la repentina muerte de su padre y el rencor hacia su madre Clitemnestra, representada por Alejandra Torray. Su interpretación, cargada de una madurez trágica, nos descubre a una mujer rota en pleno duelo cuya única balsa de salvación es la justicia.

Frente al reproche de una madre que busca justificar su pasado, Clitemnestra le recalca que en vida de su padre “bastantes cosas” dejó estar y desde la angustia escupe un “¿es que yo no cuento?”. Ante la situación una Electra llena de odio, cae con el peso frío de una losa respondiendo: “él contaba más para mí, de sobra lo sabes”.

El público ha podido empatizar con los personajes en medio de una descarnada guerra de reproches, silencios y heridas mal cerradas gracias a la fusión de la palabra de sello lorquiano con los doce bailarines, dirigidos por el coreógrafo Manuel Segovia, bajo la responsabilidad de dar cuerpo, a través del taconeo y el duende, al implacable y latente destino de esta familia.

Del mito a personajes de carne y hueso

A través del texto original de Juan Guerrero Zamora —recuperado tras quedar guardado en un cajón durante años— y bajo la dirección artística de Manuel Canseco, la cantaora Teresa Hernández ha desgarrado los corazones del público con su cante y la guitarra de José Luis Montón ha dibujado con sus acordes el dolor de esta familia sobre el escenario.

En el latente ambiente de sospechas irrumpe Orestes, interpretado por Daniel Miguélañez, cuyo personaje se aleja por completo del brazo ejecutor de los dioses o del héroe trágico. Con su llegada, una Electra rabiosa le recalca que “fue de repente, pero no de enfermedad” lo que le llena de un profundo mar de dudas y cuestionamientos.

En el reverso de la obsesión destructiva de su hermana se alza la figura de Crisótemis, interpretada por Paula Colorado, que identifica una fortaleza distinta, cimentada exclusivamente en el amor familiar sin llegar a la vulnerabilidad, sino una mujer poderosa que emplea su energía para intentar mantener las cosas como están, buscando desesperadamente proteger a los suyos y evitar que la sangre vuelva a teñir las tierras del cortijo.

César Lucendo ha cargado de potencia a Egisto, el capataz de la finca sobre el que recaen todas las suspicacias tras el asesinato de Agamenón, asumiendo el imponente y realista reto de irrumpir en la escena del monumento romano montando a caballo.

El contrapeso de este torbellino de rencores lo ejerce María Garralón en la piel del Aya. Su figura funciona como espejo de la consciencia y la voz de la verdad de la manera más cruda en un entorno familiar hostil y devastado.

Incluso en la densidad del ambiente que evocan las obras de Lorca, la inocencia de “El Niño”, interpretado por Ainhoa Molina como hijo de Casandra y nieto del ciego, aparece estratégicamente como un bálsamo de energía positiva en un momento en el que “la verdad es una pedrada que ninguno queremos que nos de”.

El desgarro del cante y los secretos del cortijo

El misticismo y la profecía se construyen desde los límites entre el amor libre y la tradición. El veterano Juan Gea compone a El Ciego, un trovador que atesora un motivo secreto para guiar el desenlace fatal. A su lado, su hija Casandra, interpretada por Teresa Hernández, canaliza la clarividencia no correspondida ni aceptada, además del dolor de los acontecimientos a través de un cante flamenco en directo que eriza la piel y sentencia el porvenir de la obra.

El pilar invisible que sostiene la tensión en este cortijo ha sido, sin duda, su arquitectura musical y coreográfica. Los bailaores han ilustrado la tragedia convirtiéndose en el motor interno del drama.

Con una técnica impecable, el dominio de los tiempos y el control del espacio escénico han delineado con sus cuerpos la opresión y la agobiante atmósfera de la casa, logrando que el dolor no solo se recite, sino que llegue hasta el rincón más escondido del Teatro.

La propuesta musical demuestra un conocimiento profundo de las raíces más puras del arte flamenco con la sobriedad y la hondura de sus acordes para reflejar el relato trágico que la obra exige.

Cada falseta y cada rasgueo seco entablan un diálogo perfecto con el cante desgarrador de Hernández en el papel de Casandra, con una madurez vocal admirable ha canalizado el sufrimiento del linaje a través de un quejío contenido, manejando los silencios con una templanza propia de los grandes nombres del género.

Es esta perfecta comunión entre el taconeo rotundo del coro, la guitarra y el cante en directo lo que regala al festival un espectáculo total, donde el duende y la precisión técnica se alían para conmover profundamente al espectador contemporáneo.

Al apagarse el último eco de la guitarra, la obra culmina en el Teatro Romano logrando una ovación de pie, fruto del trabajo y la emoción de la historia.

La bailaora gaditana Sara Baras inaugurará la XXIV Bienal de Flamenco de Sevilla los próximos 11, 12 y 13 de septiembre con su nuevo espectáculo, Infinita, una obra dedicada a las mujeres y a Andalucía con la que ha descubierto que existen “puentes donde antes veía fronteras entre el folclore y el flamenco”. Sobre las tablas del Teatro de la Maestranza se podrá ver esos días a una artista más madura: “El flamenco me ha enseñado que el arte no es cuestión de lucirse, sino de entregarse”.

En una entrevista concedida a Europa Press, la artista ha confesado que recibir la noticia de que sería la encargada de inaugurar la Bienal le produjo una enorme emoción. La bailaora, que regresa al festival 14 años después de su última actuación, ha asegurado sentirse ilusionada porque abrirá la cita con un espectáculo dedicado a la tierra. “Estoy realmente feliz y espero que salga tan bonito como yo lo siento”, ha señalado.

Sobre Infinita, ha expuesto que la idea de rendir homenaje a Andalucía surgió de una necesidad personal, pues la artista ha explicado que ha realizado “creaciones a las emociones, al flamenco, a los maestros, a personajes históricos y a muchos momentos que han marcado mi carrera y mi crecimiento artístico, pero la tierra es el origen de todo. Me planteé cómo devolverle a mi tierra todo lo que me ha dado, porque soy quien soy gracias a ella”, ha desgranado. La bailaora ha reconocido además que “nunca pensé que lo haría así, pero coincide con la vigésima creación de la compañía y llega en un momento precioso”.

El recuerdo de Paco de Lucía

En este contexto, la artista ha recordado que su anterior montaje, Vuela, estuvo dedicado a Paco de Lucía por “la necesidad de agradecer al maestro”, al tiempo que ha rememorado que el previo a éste, titulado Alma, fue un homenaje a su padre. “Últimamente mis trabajos nacen de esa necesidad de dar las gracias. Mi baile se ha convertido en puro agradecimiento”, ha expresado.

Así, ha desvelado que ese tributo a Paco de Lucía nació tanto desde una vertiente profesional como personal. “Tuve la gran suerte de conocerle y no tengo palabras suficientes para agradecer haberle tenido tan cerca”. En este sentido, ha explicado que con Vuela ha podido agradecérselo.

Aunque la gira nacional de este espectáculo ya ha concluido, ha avanzado que ahora arranca el periplo internacional, que los llevará a China el próximo mes de noviembre. Por este motivo, ha subrayado que “la esencia de Vuela es como la de Infinita: ese homenaje al maestro nunca va a terminar, siempre formará parte de nuestra manera de bailar y de crear”. “Tras Alma y Vuela, la continuación natural era Infinita”, ha apostillado.

Con respecto a este nuevo espectáculo, Baras ha señalado que existen “muchas diferencias” en comparación con los anteriores, destacando que “al profundizar te das cuenta de que lo que creías sentir por tu tierra es aún mayor, y descubres la grandeza de Andalucía en todos los sentidos”, tras apuntar que este proceso le hace ver que “todavía queda mucho por aprender”.

“Puentes entre el folclore y el flamenco”

A través del flamenco, ha descubierto que donde antes veía fronteras, “ahora hay puentes”. “Antes veía diferencias entre el folclore y un palo del flamenco, y ahora entiendo que están unidos porque nacen de la identidad de un mismo lugar, puedes compartirlo con un lenguaje más ordinario o más exquisito, pero todo viene de la misma raíz. Esa es la gran diferencia de Infinita: ver desde otro punto de vista unas fronteras que toda la vida creí que existían y que realmente no están”, ha desgranado.

En este sentido, la artista ha aclarado que el espectáculo se centra en el baile femenino, aunque huye de simplificaciones geográficas. “Está dedicado al baile de mujeres, sólo hay baile de mujeres, pero no significa que cada bailaora represente a una provincia. De hecho, puede ocurrir que una provincia, vista desde el corazón de una mujer, esté interpretada únicamente por los músicos”, ha matizado.

“Son intérpretes con distintas personalidades que se unen para generar un mismo latido: el alma de Andalucía. Hay coreografías en las que somos siete sobre el escenario y otras en las que estoy yo sola; quizás yo represente a una provincia en solitario, sin necesidad de que se asocie de forma literal una mujer a cada territorio”, ha detallado.

Baras ha señalado que la inspiración para este montaje proviene de “todas las mujeres” y de la propia cultura popular. “La identidad de una provincia no sólo está en el flamenco, sino también en lo que se baila en la calle”, ha apuntado, poniendo como ejemplo que en Málaga se bailan los verdiales, pero “puedes interpretarlos de forma compleja o adaptarte a ese momento de compartirlo con el pueblo, y eso es algo muy bestia”. En este sentido, ha explicado que el reto ha sido “coger esa esencia y llevarla al escenario, combinar la naturalidad de la calle con la seriedad que exige levantar un telón, nos está haciendo crecer muchísimo”, ha confesado.

La “esencia” de cada provincia

De igual modo, ha apuntado que la labor de guion, coreografía y dirección ha sido muy intensa, pues “no se trata simplemente de enlazar palos del flamenco; es la esencia y la identidad de cada provincia pasada por un colador”.

Al hilo de lo anterior, la artista ha subrayado que de Andalucía le inspira “todo”. “El flamenco me ha enseñado que el arte no es cuestión de lucirse, sino de entregarse”, ha destacado, indicando que “no entiendo mi baile sin esa entrega, y ahí está la esencia de todo lo que te rodea”. “Esta tierra es tan rica que puedes inspirarte en un paisaje, en los colores, en un sabor, en un ritmo, en un palo del flamenco, en una forma de cantar o en una manera de recoger aceitunas. Hay un sinfín de cosas importantes que te inspiran”, ha manifestado.

Para la bailaora, Infinita representa a “Andalucía como una flor”. “Las cosas infinitas son maravillosas porque nosotros estamos de paso; esto venía de antes, nosotros lo dejamos y otra persona lo continuará”, ha manifestado, para aclarar que “las cosas verdaderas son infinitas”. “El arte no tiene fronteras porque va directo al corazón y, según quién lo haga, en qué momento y dónde, ejerce una atracción única”, ha explicado.

En defensa de las nuevas tendencias

Sobre sus proyectos de futuro, Baras ha confesado que le queda un sueño muy importante por cumplir: “Que la investigación del síndrome de Rett consiga algo para aliviar esta enfermedad”. En este contexto, ha explicado que es madrina de la asociación Mi Princesa Rett para asegurar que “los años que haga falta seguiré ahí, intentando poner mi granito de arena, porque eso sí que sería una meta grande”.

Respecto a la evolución del flamenco, Baras ha asegurado que “el flamenco vive un gran momento”, algo que atribuye al legado de sus grandes referentes, reafirmando que siente “una profunda admiración por mis maestros como Paco de Lucía, Carmen Amaya, Antonio Gades o Camarón”. “Ellos han hecho que hoy el flamenco sea respetado en todo el mundo; ellos empezaron la evolución y nosotros seguimos intentando mostrar nuestra forma de hacerlo desde el respeto a la tradición”, ha desgranado.

De igual modo, ha defendido las nuevas tendencias actuales, subrayando que “es muy importante que las cosas que se hacen hoy y las fusiones sumen, algo que ocurre siempre que uno tenga su identidad muy marcada”. “Son propuestas que unen y que atraen a otros públicos, a gente que a lo mejor piensa que el flamenco no le gusta y lo descubre a través de otros registros. Me parece muy interesante que la gente lo haga como lo está haciendo actualmente”, ha abundado.

Por último, la artista ha definido Andalucía con el mismo nombre de su espectáculo, señalando que esta tierra es “infinita”. En este sentido, ha concluido que se identifica con palabras como “soñar, sentir, corazón, emoción y pasión”, conceptos que, a su juicio, hacen a esta región una tierra inagotable.

La iniciativa de la Diputación de Badajoz 'Pasión por el Flamenco Sin Frontera', para proyectar internacionalmente el talento flamenco de la provincia, ha llevado a Londres los espectáculos 'En tierra de hombres', de Esther Merino, y 'Luz de Guía', de Francisco Escudero 'El Perrete'. La cita con el flamenco extremeño se incluyó dentro del Flamenco Festival Londres.

La presidenta de la Diputación de Badajoz, Raquel del Puerto, asistió anoche al Sadler’s Wells Theatre de esta ciudad británica para presenciar los dos espectáculos incluidos en el proyecto, acompañada del diputado provincial de Identidad Cultural, Deportes y Juventud, Ricardo Cabezas.

La primera de las actuaciones fue ‘En tierra de hombres’, protagonizada por Esther Merino, una propuesta que reivindica la fuerza expresiva del flamenco desde la autenticidad, la raíz y la personalidad artística de una de las grandes voces de la provincia.

Al final del espectáculo la propia Esther Merino se mostraba sorprendida de la respuesta del público: “La reacción del público ha sido brutal”, según declaraciones difundidas por la Diputación.

Posteriormente, el escenario londinense recibió a Francisco Escudero ‘El Perrete’, con el espectáculo ‘Luz de Guía’, una muestra del cante flamenco más profundo y del legado que continúa transmitiéndose entre generaciones.

A juicio de la Diputación, con ello se demuestra que el flamenco en la provincia tiene “identidad propia, calidad artística y capacidad para emocionar más allá de nuestras fronteras”.

De esta forma, la Diputación de Badajoz ha expresado que mantiene su apuesta estratégica por este arte, no solo a través de la programación cultural, sino también desde la formación y la preservación del patrimonio flamenco.

A iniciativas como el Festival Porrina de Badajoz o Pasión por el Flamenco, se suma el impulso académico mediante el Conservatorio Profesional de Música ‘Juan Vázquez’, “pionero en Extremadura” al incorporar el cante y la guitarra flamenca como enseñanzas estables.

Por su parte, Raquel del Puerto ha destacado que esta presencia en Londres “es un orgullo porque supone llevar el nombre de la provincia de Badajoz y de Extremadura a un escenario internacional”.

La presidenta ha señalado que el objetivo de la institución provincial es “que se conozca el talento que tenemos en nuestra provincia, que es muchísimo”, y defendió que “el flamenco es parte de nuestra identidad y de nuestra cultura, y queremos que traspase fronteras”.

La presidenta ha dicho además que esta iniciativa representa una oportunidad para abrir nuevos caminos a los creadores extremeños. 

Son las doce de la mañana y la gente de Cádiz, que sabe la perla que tiene, forma una cola larguísima para ver la nueva creación de Rosa Romero. Con paciencia, los espectadores van llenando la sala de La Merced. Con todos ya sentados sale a escena un bicho rojo en traje de seda, un glóbulo sanguíneo que es todo cuerpo, gesto y presencia. Es la propia Romero transformada en un bicho que es, al mismo tiempo, pura destilación de la mujer gaditana e icono bufo de la performer moderna. Romero todavía no es conocida por el gran público, pero lleva tiempo avisando. Esta artista lo tiene todo: cabeza, presencia, guasa, cuerpo y, sobre todo, compás.

La pieza se llama El discurso y no está acabada. Tan solo mostró 30 minutos dentro del programa del Festival Cádiz en Danza. El estreno será en el Festival TNT de Terrasa en septiembre. Los espectadores del festival ya saben de la potencia de la artista que tienen en frente. Pero da igual: cualquiera, avezado o no en esto de la danza y las artes vivas, puede darse cuenta de la fuerza insólita de este bicho. De que pisa como nadie el escenario, de la extraña mezcla entre tradición y moderneo y de su dominio del tempo escénico.

Romero en Debut es capaz de mezclar el Macbeth de Shakespeare con un discurso feminista y hacerlo mofándose de sí misma y de toda la escena contemporánea al mismo tiempo. “En las tragedias griegas los personajes femeninos mueren justo después de discursar, alertando del peligro al que se expone una mujer al hablar”, explica Romero en conversación con elDiario.es. “De un modo similar, las contemporáneas estamos siempre dándolo todo en escena, hasta reventar, entregadas como la Liddell, venga a cortarnos las venas”, añade con ojos de pícara.

Romero siempre se agarra al humor y, sin romper ese código, poco a poco la guasa va cogiendo un sabor agridulce. Poco a poco, ese ser rojo va mostrando otro lado que recoge la esencia de esas mujeres andaluzas que arrastran por las calles sus vidas colgadas de bolsas, hijos y hombres inútiles. La pérdida, la vida como un calvario, todo un sentir jondo se va dejando entrever en esa supuesta puesta en escena tan moderna y contemporánea. Pero, ¿quién es esta gaditana que parece un Ignatius Farray reencarnado en una mujer que canta mientras fríe tortillitas de camarones? ¿Quién es Rosa Romero?

Cinco años de locura eremita

Rosa Romero tiene ojos de niña, pero ya peina los cuarenta. Comenzó joven, hace ya 20 años, con esa generación a la que hoy se conoce bajo el nombre de “Málaga power”. Allí estudió e hizo sus primeras obras junto a nombres como Alberto Cortés, la Chachi, Alessandra García, Violeta Niebla o Luz Prado. Años de experimentación y “háztelo tú mismo” que fueron desgastando a esta joven, que veía que aquello no daba para vivir: “Hacía títeres para cumpleaños infantiles o me vestía de conejo gigante, y acabé cansada de ganar 50 euros por función, así que decidí irme”.

Después de un paso efímero por Madrid, Rosa volvió a su San Fernando y decidió alquilarse un local antes que un piso donde vivir: “Me pasaba la vida allí, currando, tirada en un sofá”. Aquel encierro fue un volver en sí, a su origen: “Ya había recorrido mucho, conocido otras gentes y pude comenzar a valorar lo que había aprendido en casa, que tiene que ver con el compás y el flamenco. Comencé a investigar sobre cosas que eran mías, que me salían natural”. Romero recuerda que comenzó a bailar todos los días, como hacía de pequeña en su habitación. Pero se fue quedando sola: ninguno de sus compañeros podía seguirle el ritmo.

Romero no salía de aquel local donde estuvo encerrada cinco años; poco a poco fue pasando gente que la fue ayudando. Entre ellos, el propio Alberto Cortés —con quien montó varias piezas—, pero también la coreógrafa Patricia Caballero, que supo ver su esencia. “Un día Patricia, viéndome bailar, me dijo: 'Quieta, ahí, sigue con eso, sigue'”, rememora. Romero señala uno de los momentos de giro en su carrera en el que se dio cuenta de que aquellas improvisaciones podían tener un valor artístico, que eran la piedra sobre la que fundar su teatro. Empecé a descubrir la necesidad de poner el cuerpo en el centro, de trabajar con la voz y con el compás, descubrí cuál podía ser mi lenguaje“, resume la artista.

De esa vida de eremita salió con una pieza, Esta no es la vida privada de Rosa Romero, que estrenó en Sevilla, ciudad en la que decidió comenzar una nueva vida de la que surgiría una de las piezas fundamentales de su carrera: Debut. En ese trabajo nace su movimiento ya consolidado, un movimiento flamenco que reta, que expulsa algo del cuerpo y que Romero convierte en espasmo, en breve momento donde su cuerpo es poseído por un bicho que tiene más de gremlin macarra y juguetón que de pesadilla negra o afectación flamenca.

Siempre agarrada al humor, a lo no hecho, al fragmento roto, su baile es como la anagnórisis de un personaje que de repente se da cuenta de quién es realmente. Debut es una obra que sigue viva y que se podrá ver el 29 de junio en la sala Reina Victoria de Palma del Río. Quien quiera ver el nacimiento de una artista no tiene nada más que ir a verla. La pieza llegará también a Madrid, al espacio de Infinito Delicias, el 17 de octubre.

Tras aquella, realizó otra gran pieza, Soy un baile (2023), que creó con apoyo de más gente: la Aceitera de Rocío Molina (que la adora), la Caldera en Barcelona o el TNT de Terrasa. Llegaron los premios y el reconocimiento de la escena contemporánea en esta pieza en la que Romero hacía desaparecer un cuerpo que buscaba ser validado para hacer nacer otro bien distinto, libre. Eso sí, vestida en un pijama imposible, tan ridícula como punki.

La transformación y el círculo flamenco

Hablando con ella, poco a poco, va dejando mostrar de dónde surge todo. Romero es animal contemporáneo, se lo ha visto todo, algo que se nota en cómo cuida cada aspecto de sus trabajos. Los vestuarios con Gloria Trenado, la inserción de la música, el tratamiento del cuerpo en escena… Pero en sus piezas también hay guiños hacia lo flamenco que no son meros resabios andaluces, sino que tras ellos se esconde la fuerza medular de esta creadora.

Romero creció en el Barrio de las Callejuelas de San Fernando, el mismo que Camarón de la Isla. Su abuela vivía en un patio de vecinos donde todos compartían cocina y baño, y se crio con su madre y su tía, Lela Fontao, que regentó durante años la Venta de Vargas, templo del flamenco donde con ocho años Camarón cantó por primera vez. Romero creció en torno a la asociación de mujeres salineras del barrio, donde su madre y su tía, con otras mujeres, vendían tortillitas de camarón para pagar la factura de la luz de alguna asociada o solucionar los miles de problemas de aquellas mujeres que vivían en un barrio obrero y necesitado.

“Me acuerdo cuando Antonia estaba con la espumadera y se ponía a cantar. Se transformaba, parecía otra persona. O cuando pasaba el Nazareno, la procesión, que salían fuera y le cantaban, me cogían de la mano y las miraba mientras notaba cómo vibraban… Aquello, aunque lo viviera con normalidad, me impactaba mucho”, evoca Romero.

Eso mismo busca Rosa Romero en sus piezas, esa transformación, ese convertirse en otro en escena. Lo hace con mesura, casi sin que se note, con cierto decoro de mostrar sus raíces. Algo que, sin embargo, ha explotado en su colaboración con una de las flamencas con más power del panorama, María Moreno. En su última obra, Magnificat, que llegará al Albéniz de Madrid el 19 de julio dentro del festival Villanos del flamenco, Romero se suelta el pelo hasta el descoloque.

Esa infancia también le ha dado el otro vértice sobre el que estructura sus piezas: el corro, el círculo flamenco al que la empujaban de pequeña a bailar, donde se convocaba para que algo pasase. “Cada día me importa más el público, estar lúcida para darme cuenta de qué pasa en ese círculo y encontrar cómo retroalimentarnos para que algo pueda ocurrir”, explica Romero. “En esas ando ahora con la nueva pieza, veremos”, concluye.

La bailaora granadina Patricia Guerrero y el violagambista sevillano Fahmi Alqhai han trabajado juntos en numerosos proyectos, a veces en escenarios insólitos. Sin embargo, este lunes tienen una cita muy especial en la National Gallery de Londres, donde actuarán ante los cuadros de una gran exposición que el museo dedica a Zurbarán. Paraíso perdido es el título del espectáculo que brindarán en el marco del 21º  Festival Flamenco de la capital británica, un viaje sonoro y plástico inspirado en el Barroco a través de la Sevilla del siglo XVII.

“Hace unos años estuve en el British Museum. Ahora podremos decir que en Londres hemos ido a las joyas de la corona”, comenta el músico con buen humor, al tiempo que explica que esta vez fue el propio festival, junto con el Instituto Cervantes, quien los reclamó. Por su parte, Guerrero señala que “he estado con Fahmi en sitios muy particulares, como en el Museo del Prado, donde actuamos en la Sala de las Musas. Pero este proyecto en concreto encaja muy bien con los espacios museísticos”.

La granadina, actual directora del Ballet Flamenco de Andalucía, asegura que “bailarle a una obra de arte provoca una conexión inexplicable. En mi caso, la pintura es algo que me llena de inspiración, como la literatura, que me provee de recursos, de colores, vestuarios, movimientos... Además, sientes que todas las horas que el artista pasó delante del lienzo en cuestión están ahí”.

Un dúo singular    

Un ejercicio, el de bailarle a los cuadros, que en los últimos años va camino de convertirse en moda, habida cuenta de los numerosos creadores que lo practican. “Si está bien hecho, si hay un buen concepto detrás y los elementos son óptimos, me parece una idea interesante siempre”, dice Alqhai. “La música y la pintura son artes que suman, no se estorban entre ellas”.

Cabe recordar que Paraíso perdido se estrenó en la pasada Bienal de Flamenco de Sevilla y ha hecho un notable recorrido, aunque el violagambista asegura que “ha ido cambiando un poco con el tiempo. Aquí traemos otro formato, adaptado al espacio y las circunstancias”, explica. “Paraíso perdido habla de la tradición de la danza barroca española que afectó a toda Europa, se convirtió casi en un idioma común para ir poco a poco estilizándose. Nosotros queremos plasmar su origen y su evolución, y retomar el camino”.

Para Guerrero, se trata de un montaje “diferente desde su origen, empezando porque se trata de un dúo de viola de gamba y baile flamenco. Pero llevamos tantos años haciendo cosas juntos, que ya había un lenguaje común creado. A esto va a sumarse ahora Zurbarán, que tiene esa profundidad y esa verdad que conecta con el barroco y con el flamenco”.

De corazón a corazón

Una pieza que viaja a la Sevilla del siglo XVII, las fiestas populares y los bailes —especialmente los de las comunidades negras en barrios como San Bartolomé— fascinaban y escandalizaban a las clases altas. “Danzas como las folías, los canarios, las chaconas y la zarabanda llegaron desde América y se pusieron de moda entre la élite”, informa el programa. “Sus ritmos de doce tiempos, que hoy pueden escucharse en las alegrías y las soleares, fueron refinados para adaptarse a los ambientes cortesanos. Estos bailes abrieron caminos paralelos entre la luz y la oscuridad, la inocencia y el vicio, conectando las culturas de opresores y oprimidos”.

La velada de la National Gallery comenzará con una conferencia de Alicia Navarro, que explorará cómo las danzas transatlánticas cautivaron y, al mismo tiempo, inquietaron a las élites de la época. A continuación, tendrá lugar el espectáculo propiamente dicho, que bebe directamente de estos contrastes barrocos mediante figuras como “las orgullosas marizápalos, las lujuriosas marionas, la envidiosa pasacalle y el iracundo fandango, que van apareciendo a lo largo del recorrido. Todo culmina en una codiciosa chacona, donde el flamenco se estiliza y Bach adquiere un carácter exuberante”.

La conexión entre ambos artistas es total. Para Alqhai, el encuentro con Guerrero “fue un flechazo desde que la conocí, de esos en los que alguien se cruza contigo y te cambia el camino. Es muy fácil y muy enriquecedor trabajar con ella, porque es una gran artista, y lo digo más allá de la danza y más allá del flamenco. Después de todos estos años, la siento como parte de mi familia, de mi carrera, y siempre que puedo vuelvo con ella, más en estos programas tan íntimos, tan de corazón a corazón”.

Salir y entrar del código

En similares términos se expresa la bailaora, quien sonríe al afirmar que “Fahmi ya es más flamenco que barroco, pero yo también me he vuelto un poco barroca a su lado, porque cuando investigas nuevos mundos, nuevos lenguajes, algo queda en ti. La música clásica me ha fascinado desde pequeña, hay piezas como las que traemos que tienen la sonoridad de un quejío, que conecta muy bien con lo jondo. Por otro lado, desprenderte de la pesada estructura del flamenco es muy liberador, mantienes la profundidad pero ahora es mucho más ligera. Ahora soy capaz de entrar y salir rápidamente de uno u otro código”.  

“El flamenco siempre ha sido parte de mi repertorio, desde que la vocación de la música se convirtió en una parte fundamental de mi vida”, afirma el músico, conocido por su trabajo en la formación Accademia del Piacere. “Aunque yo vengo del heavy metal, recuerdo cómo, sin llegar nunca a ser un gran estudioso, me encantaban los casetes de Camarón y Paco de Lucía, o los discos de grupos afines como Triana o Alameda. Vivir en Sevilla y no ser ajeno al flamenco es algo muy natural. Es por eso que he podido integrarlo a mi discurso, sin ponerme ninguna etiqueta, y apoyándome siempre en gente como Dani de Morón, Agustín Diassera, Rocío Márquez o la propia Patricia Guerrero, que me ponen las cosas mucho más fáciles”.

En cuanto a la recepción del público londinense, Guerrero destaca que “el director del Flamenco Festival, Miguel Marín, ha creado una afición que ya espera su cita con el flamenco todos los años, y se nota. El año pasado vine con el Ballet Flamenco de Andalucía con Pineda, y es emocionante ver un teatro con la calidad de un Sadler’s Wells lleno de gente que ha aprendido a decir ‘olé’”.

El municipio pacense de Castuera celebrará el próximo sábado la vigésimo cuarta edición del Festival Flamenco 'Porrina', una cita ya consolidada en el calendario cultural extremeño que volverá a reunir sobre el escenario a destacados nombres del cante, el toque y el baile flamenco.

El festival ha sido presentado este lunes por el vicepresidente primero de la Diputación de Badajoz, Juan María Delfa; la primera teniente de alcalde de Castuera, Piedad Roso; el coordinador del programa, Sergio García; y el bailaor Diego Andújar, uno de los artistas participantes.

El cartel de esta edición estará integrado por los cantaores Alicia Gil, Miguel de Tena y Jesús Méndez; el bailaor Diego Andújar; Cristina Tovar al cante para el baile; los guitarristas Manolín García, Vicente Santiago y Lito Espinosa; y Jorge Pérez y Dani Bonilla a las palmas.

Durante la presentación, Juan María Delfa destacó la apuesta de la Diputación de Badajoz por reforzar la presencia de Extremadura en el panorama flamenco nacional e internacional. En este sentido, señaló que iniciativas como el circuito Pasión por el Flamenco o festivales como el de Castuera contribuyen a proyectar el talento de la región y a consolidar una programación cultural de referencia.

Por su parte, Sergio García explicó que el cartel ha sido diseñado con el objetivo de reflejar la diversidad del flamenco, combinando artistas extremeños con otros procedentes de distintos territorios. Una propuesta que, según indicó, busca mostrar “lo nuestro” sin renunciar al intercambio artístico y cultural que enriquece este género.

La organización del festival cuenta con la colaboración de la Federación Provincial de Peñas Flamencas y de la peña flamenca de Castuera, una entidad que, según destacó Piedad Roso, reúne a más de 300 socios y socias y desempeña un importante papel en la dinamización cultural del municipio.

El bailaor Diego Andújar aprovechó su intervención para recordar cómo ha vivido el festival desde la infancia y para reivindicar el papel de los artistas extremeños dentro del flamenco actual. En este sentido, destacó el esfuerzo que muchos profesionales realizan al desarrollar parte de su carrera fuera de la región, aunque manteniendo siempre el vínculo con su tierra de origen.

Asimismo, defendió la autenticidad del flamenco extremeño, que definió como un arte “de verdad” capaz de conectar con públicos de distintos lugares. A su juicio, el respaldo institucional a través de programas culturales permite que exista relevo generacional y que continúe creciendo una cantera de artistas que mantiene viva la tradición flamenca en Extremadura.

El XXIV Festival Flamenco 'Porrina' se celebrará en el Centro Cultural de Castuera y volverá a convertir al municipio en uno de los principales puntos de encuentro para aficionados y profesionales del flamenco en la región.

En las letras flamencas abundan los locos. También asoman, de vez en cuando, los pintores y los bohemios. Lo que no había ocurrido hasta ahora es que unos artistas del género dedicaran un espectáculo al pintor loco por excelencia, Vincent Van Gogh. Eso es precisamente lo que tres de ellos van a estrenar este viernes en el marco del Festival Guirijondo de Palomares del Río (Sevilla).

El guitarrista holandés Tino Van der Sman, la bailaora californiana Cristina Hall y el cantaor jerezano David Lagos suman así talentos en A mí me llaman el loko, un montaje que se inspira en la obra y la mirada del autor de Los girasoles para moverse en la frontera entre la genialidad y el abismo. Según Van der Sman, la idea original fue sugerida por el director del festival Guirijondo, el crítico Manuel Bohórquez. “Empecé a trabajar con Cristina e incorporamos a un artista invitado, David Lagos. Sin embargo, a medida que avanzaban los ensayos, David se implicó tanto en la creación que decidimos eliminar lo de ‘artista invitado’, porque la obra también es suya. Es una creación de los tres”.

Aunque Van Gogh es el eje en torno al cual gira la obra, sus responsables han evitado contar su historia de forma literal. “Hemos tomado como referencia sus cuadros, su biografía y distintos aspectos de su vida: su trabajo en las minas, su profunda religiosidad, su complicada relación con las mujeres —tanto con su madre como con sus parejas—, la soledad y la sensación de no encajar. Esta última es una temática muy vinculada a los guirijondos, y algo que tanto Cristina como yo sentimos muy cercano: cómo encontrar nuestro lugar en el mundo”.

La fuerza de la escritura

“Es un espectáculo muy profundo y muy serio”, prosigue el guitarrista. “Lo hemos trabajado mucho, inspirándonos también en el cine, en las películas que se han hecho sobre Van Gogh. Hemos utilizado numerosos textos escritos por él, y quizá una de las grandes sorpresas ha sido descubrir no solo la fuerza de sus cuadros, sino también su enorme talento como escritor. Escribía extraordinariamente bien”.

La primera escena, por otro lado, en la que aparece Cristina Hall sola, “está inspirada en los dibujos a tiza de la época en la que Van Gogh aún vivía en Holanda y retrataba a la gente del campo. Toda esta primera parte está basada en el mundo rural y la religión. Él estudió para ser sacerdote y trabajó como predicador en las minas de Bélgica”, añade.

La segunda parte del espectáculo gira en torno al estudio, la imitación y la admiración. “Siempre me ha llamado mucho la atención, al leer sus cartas, la admiración que sentía por sus referentes. También abordamos aquí su relación con las mujeres. Hay una escena dedicada a la prostituta con la que mantuvo una relación en Holanda; de hecho, fue a una prostituta a quien entregó la oreja que se cortó. Y la tercera y última parte se centra en la locura y la muerte”.

Locura extrema

Todo esto se traduce musicalmente en el uso de palos como la petenera, “aunque en este caso se trata de una creación propia: tanto la melodía como la letra son nuevas. También interpretamos el polo, la caña y el taranto, este último vinculado claramente a la etapa de las minas en Bélgica, cuando aún no había decidido convertirse en pintor. He intentado reflejar musicalmente el impresionismo en una de las piezas, inspirándome en Debussy. El primer tema que interpreto tiene un carácter religioso, cercano a la Semana Santa, y evoca la iglesia. Hay también una bulería en la que busco una sonoridad muy tradicional, como reflejo de la etapa de aprendizaje y estudio. La caña fue quizá la pieza más difícil, porque en ella los tres buscábamos expresar la locura en su estado más extremo. Espero que esa búsqueda quede reflejada en escena”.

'A mí me llaman el loko' será el plato fuerte de una programación que hasta el sábado verá desfilar por Palomares del Río a flamencos tan singulares como la guitarrista china Lola Yang, su colega holandés Gaspar de Holanda o la bailaora igualmente holandesa María La Serrana, junto a artistas españoles de reconocido prestigio

En cuanto a la inspiración pictórica, cuadros como Los comedores de patatas están presentes desde inicio. “Fue su primera gran obra y, aunque hoy es considerada fundamental, fue muy rechazada en su momento. De hecho, un marchante de arte la desestimó por completo. También hemos trabajado a partir de La Berceuse, motivo por el que Cristina baila con una cuerda. En ese cuadro aparece una mujer sosteniendo una cuerda unida a una cuna que no se ve, y esa imagen nos sirvió como inspiración. Además, utilizamos su último cuadro, Campo de trigo con cuervos. Los cuervos tienen una presencia importante en la obra y, de hecho, el espectáculo concluye con una canción de Nina Simone, Blackbird, mientras hablamos de la muerte. Por último, también hemos tomado como referencia muchos de sus dibujos: las mujeres del campo, los trabajadores rurales y toda esa iconografía de sus primeros años”.

Flamencos del mundo

A mí me llaman el loko será el plato fuerte de una programación que hasta el sábado verá desfilar por Palomares del Río a flamencos tan singulares como la guitarrista china Lola Yang, su colega holandés Gaspar de Holanda o la bailaora igualmente holandesa María La Serrana, junto a artistas españoles de reconocido prestigio como el guitarrista Paco Peña (creador de la cátedra de guitarra de Rotterdam) o el cantaor El Pele. También estarán presentes divulgadores como el hispanista estadounidense Tyler Barbour o la periodista de Países Bajos Marlies Jansen.

Manuel Bohórquez, que creó el festival hace cuatro años, sigue creyendo que hay un flamenco más allá de las fronteras españolas que merece ser visto y escuchado con atención. “La idea de que cada año se dedique a un país va dirigida a que los aficionados conozcan bien cómo es el flamenco en el mundo, en este caso en los Países Bajos. El espíritu de Guirijondo es ese, dar una oportunidad a los artistas extranjeros y que Palomares tenga un sitio donde disfrutar y aprender”.        

La Diputación de Badajoz reforzó en 2025 su apuesta por una cultura cercana, diversa y accesible, consolidando un modelo que entiende la actividad cultural como motor de cohesión social, desarrollo territorial y democratización del acceso al conocimiento en la provincia más extensa de España. Así lo refleja el Informe de Seguimiento y Evaluación del I Plan Estratégico Provincial de Dinamización Cultural 2023‑2027, que evidencia el alcance de una programación diseñada para llegar a todos los rincones del territorio.

Durante el pasado año, el Área de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional realizó un esfuerzo inversor de 20,2 millones de euros, de los cuales más de 10,7 millones se destinaron directamente a políticas culturales. Este modelo se sustenta en la colaboración con ayuntamientos, asociaciones y agentes culturales, que también han aportado sus valoraciones y experiencias al informe.

La programación cultural impulsada por la Diputación alcanzó el 100 % de los municipios, con una media de 13,3 actividades por localidad y un incremento del 9,73 % respecto al año anterior, superando las 2.200 actividades. El informe subraya la amplitud del concepto de cultura que guía la acción provincial: un espacio abierto, plural y participativo que integra todas las sensibilidades, edades y formas de expresión. La oferta abarca artes escénicas, música, cine, literatura, artes plásticas, patrimonio cultural, archivos históricos, investigación, lectura pública, ocio creativo y actividades científicas.

Esta diversidad se materializa en iniciativas como BadeCirco, Danzaria, Badakadabra, D’Rule, DiJazz, Pasión por el flamenco, el Festival Porrina de Badajoz, el Festival de Copla “Rosa Morena” o Músicos en Movimiento, además de los circuitos de bandas, corales y grupos folklóricos. A ello se suman proyectos de animación lectora como Nubeteca, las actividades del Museo de Bellas Artes de Badajoz y de la Sala Vaquero Poblador, la recuperación del patrimonio documental, los programas de promoción del extremeño como ASSINA, las actividades de los conservatorios provinciales y la programación de su sede cultural de referencia, El Hospital Centro Vivo. En total, 45 programas propios o coordinados con otros organismos.

A este despliegue se añaden 7 convocatorias periódicas de subvenciones dirigidas a entidades locales y al tejido asociativo: ayudas para asociaciones culturales, ayuntamientos, cooperación cultural, escuelas de música, proyectos cinematográficos y audiovisuales o universidades populares, entre otras. La Diputación organiza además dos premios literarios de referencia: el Premio Arturo Barea de Investigación Cultural y el Premio Dulce Chacón de Narrativa Española.

Una cultura construida entre todos

La Institución mantiene una estrecha colaboración con el tejido asociativo y las entidades locales para adaptar la programación a las necesidades de cada territorio. En 2025 se trabajó con 240 entidades sin ánimo de lucro y se celebraron 162 reuniones con agentes culturales y responsables municipales, consolidando una red de escucha activa y participación continua.

El modelo de gestión cultural se basa en esta gobernanza compartida: el 82 % de las actuaciones se desarrollan en colaboración con ayuntamientos, asociaciones y otros agentes, lo que permite ajustar la oferta a la singularidad de cada municipio y garantizar el acceso igualitario a servicios culturales de calidad, independientemente del lugar de residencia.

El informe también destaca el impacto social y económico de estas políticas. Más de 10.100 profesionales participaron en las actividades programadas, y la red cultural provincial continúa generando empleo, dinamización económica y fortalecimiento del tejido social en todo el territorio.

Con ello, la Diputación de Badajoz reafirma su compromiso con una cultura descentralizada, accesible y transformadora, capaz de conectar tradición y modernidad, preservar las señas de identidad de los pueblos y abrir nuevas oportunidades de creación, participación y encuentro para toda la ciudadanía.

La Diputación de Badajoz ha presentado hoy uno de sus proyectos más ambiciosos para este año y el cual culmina su empeño por reconocer el flamenco como un arte propio de Extremadura. Después de dinamizar la provincia con circuitos itinerantes, asegurar el relevo generacional gracias al calendario de oportunidades y dotar de formación académica y profesionalidad la dedicación flamenca con estudios oficiales en el Juan Vázquez, su programa Pasión por el Flamenco se consolida como internacional y da el salto al proyecto Sin Frontera.

La institución provincial financia y organiza la celebración de cuatro conciertos en las citas más reconocidas mundialmente: dos en el Flamenco Festival Londres y dos en el Festival de Arte Flamenco de Mont de Marsan. Pasión por el Flamenco Sin Frontera se concreta en dos participaciones diferenciadas, cada una con propuestas distintas y adaptadas a las características de cada ocasión.

Así lo ha dado a conocer el diputado de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional, Ricardo Cabezas, en una rueda de prensa en la que ha quedado demostrado que la Diputación es la única administración de la región que ha apostado por los artistas de la tierra. Lo han refrendado tanto la cantaora Esther Merino y la bailaora Fuensanta Blanco, como Domingo González, del comité organizador del festival francés e impulsor del festival inglés, y Sergio García, productor y coordinador del proyecto.

González ha aprovechado el momento para recordar que “hasta aquí se ha llegado gracias a la notoriedad que alcanzó el año pasado Badajoz: flamenco sin frontera en Mont de Marsan”. El organizador ha dejado claro que, gracias a la Diputación, “la prensa española se fijó, con buena acogida, en lo que hay en Extremadura y, más en concreto, en la provincia”. Como ha recordado, “no había habido antes extremeños como cabeza de cartel en el Festival de Arte Flamenco”.

Durante su intervención, el productor y coordinador ha sentenciado que “se ha abierto un camino que tiene por delante mucho recorrido”. El elenco que aglutina este proyecto entre los dos festivales, ha dicho García, “estará a la altura de lo que empezó con el interés de la Diputación por reconocer el trabajo en solitario de tantos y tantas artistas, de todos los palos”. A lo que ha añadido que “ya era hora de que el flamenco extremeño tuviera los mismos recursos que otras compañías que llevan años con apoyo de sus regiones”. “Vamos a devolver el amor que ha puesto la Diputación y el que nos da nuestra tierra”.

Las artistas participantes que hoy han representado al resto de sus compañeros se han mostrado verdaderamente emocionadas. Fuensanta Blanco se ha atrevido a definir esta noticia “no como una noticia cualquiera, sino como el momento en el que, por fin, una institución nos da el lugar que merecemos”. A lo largo de esta lucha por darse a conocer, Blanco ha compartido que “Extremadura siempre tenía pequeños huecos, que hemos aprovechado y a los cuales hemos llevado con orgullo lo que sabemos hacer, pero no son suficientes”. Su amplio conocimiento y su preparación —la de todos— quedará patente en Francia gracias a lo que ella misma ha definido como “dos momentos para demostrar lo que nos representa”.

Por su parte, Esther Merino, quien será una de las protagonistas tanto en Londres como en Mont de Marsan, ha resumido la intención más clara de todo el trabajo: “devolver el amor que ha puesto la Diputación y el que nos da nuestra tierra”. Una gran responsabilidad, ha continuado, “pero muy bonita, con la que esperamos que el público valore la calidad del flamenco con sello de Extremadura”.

En la presentación también han participado los cantaores Francisco Escudero 'El Perrete' y Vicky González.

Acervo artístico y flamenco genuino

La programación se concreta bajo varios títulos que reflejan sin paliativos las características de este flamenco del que quiere presumir la Diputación de Badajoz.

La primera parada se llamará 'En tierra de hombres', y será el espectáculo de Esther Merino, Manolín García, Daniel Suárez, Dani Bonilla y José Manuel Oruco. Será en el prestigioso Teatro Sadler’s Wells, cuna de la danza y sede del cante internacional, el día 20 de junio a las 18:00 horas.

Después, a las 20:30 horas, en el mismo enclave, cogerá el testigo Francisco Escudero 'El Perrete', quien representará a la provincia con 'Luz de Guía – Live Set', también junto a Manolín García, Cristobal y 'El Aspirina'.

En Mont de Marsan, cuyo festival este año quiere centrarse en “lo jondo”, Badajoz mostrará el flamenco más transversal, que mira hacia atrás y valora el acervo artístico por el que se le reconoce.

El 30 de junio y el 1 de julio, Esther Merino, Fuensanta Blanco, Miguel de Tena, Vicky González, Manolín García y Daniel Suárez compartirán un escenario abierto, gratuito y emblemático del festival, en el centro de la localidad. Con los títulos 'Tierra jonda' y 'Resonancia', mostrarán al mundo el arte que nació y se cultiva en la Plaza Alta, Los Colorines, El Gurugú y buena parte de la provincia.

Ni su remoquete artístico ni su peculiar indumentaria permitieron nunca a José Domínguez Muñoz, 'El Cabrero', pasar desapercibido en el concurrido mundillo del flamenco. Tampoco su cante, lleno de honestidad y compromiso, que lo convirtió en un nombre cotizado en la era dorada de los festivales, allá por los años 80; ni su peripecia vital, que incluyó una esperpéntica condena por blasfemia con pena de cárcel en plenos rigores franquistas.

Este miércoles, según ha informado su hijo El Crespo Zapata, también cantaor, a través de Facebook, el artista ha fallecido tras una larga enfermedad. “Con todo mi dolor tengo que comunicaros en nombre de mi familia el fallecimiento de mi padre, El Cabrero. La capilla ardiente se instalará en el Teatro Municipal de Aznalcóllar. Sabemos lo que supone esta pérdida para muchos de vosotros”, ha trasladado a través de esta red social.

Hijo y nieto de cabreros, nacido en la localidad sevillana de Aznalcóllar en 1944, el artista nunca dejó de ejercer el oficio de sus mayores, a pesar del reconocimiento obtenido en su faceta escénica. “Sigo con las cabras”, le confesó al periodista José María Velázquez-Gaztelu, “para no andar dando los buenos días y las buenas tardes y andar soplando corbatas”, aunque también aseguraba que le gustaba “dormir en el baldío antes que en el redil”. Se fogueó en los primeros 70 en la compañía teatral La Cuadra de Sevilla, nacida de la mítica taberna homónima regentada por Paco Lira y conocida por sus textos contestatarios, en sus primeras giras por Europa conoció a Elena Bermúdez, quien sería su compañera de vida y su cómplice para todo, desde la escritura de letras a la representación artística.

Una veintena de discos jalonan una obra que se caracterizó, amén de su natural rebeldía canalizada a través del flamenco, por una concepción amplia de este arte, que incluyó la defensa de palos considerados “menores” por una parte de la afición, sobre todo los fandangos de Huelva, que bordaba en sus recitales, pero también trillas, tonás, soleares, seguriyas y malagueñas, haciéndose acompañar siempre por grandes guitarristas: Paco del Gastor, Manuel de Palma, Eduardo de la Malena, Rafael Rodríguez El Cabeza, José Luis Postigo, Niño Elías, Manuel Herrera...  

Su peripecia vital y artística quedó reflejada en dos documentales, la producción francesa El Cabrero. El canto de la sierra (1988), nunca proyectado en España, y Mi patria es la libertad (2024), de Joaquín Mimbrero, estrenado coincidiendo con su 80 cumpleaños. En ellos se recogen episodios fundamentales de su vida, que a menudo daban testimonio de su innata rebeldía: desde el castigo en el polvorín del Cerro de San Cristóbal que cumplió mientras hacía el servicio militar, a su paso por la cárcel, primero por una riña con un guarda forestal y luego por la mencionada condena por blasfemia, de la que salió indultado tras 22 días de presidio gracias a la movilización de grandes nombres del flamenco, con el sumo pontífice Antonio Mairena a la cabeza. Al Cabrero se le atribuye también esta reflexión, fruto de la mencionada experiencia: “Cuando un tío está en la cárcel, y si no sale de la cárcel, por lo menos sale su voz. A la voz no hay quien la pare, ni rejas ni paredes”.

Lo cierto es que El Cabrero se batió el cobre en todos los frentes, el de las servidumbres de paso, el de los límites del flamenco y el de la libertad de expresión. “Mientras que haya un hambriento/ que no hablen de igualdad./ Ya se encarga el capital,/ la monarquía y el clero/ que 'haiga' desigualdad”, denunciaba en una de sus letras más conocidas. Y aunque fue objeto incluso de alguna campaña de descrédito, lo cierto es que su carisma y su figura nunca fueron doblegados por presión externa alguna. Su simpatía por causas como la de Marinaleda, el pueblo sevillano del alcalde y sindicalista Sánchez Gordillo, cuyo festival flamenco no se perdió en casi cuarenta años ininterrupidos, era igualmente indisimulable.  

Un ictus le retiró de los escenarios en 2020 tras medio siglo de carrera cantaora, condenándolo a oficiar ahora como “pastor de nubes”, aunque no le faltaron el respeto de sus compañeros y el cariño de sus seguidores. Este miércoles, temprano en la mañana, dejaba de respirar un artista único, la penúltima leyenda del flamenco de la Transición, que ya brilla en el firmamento de la memoria junto a sus compañeros Camarón, Lebrijano, Bernarda y Fernanda o Fosforito.       

El cantaor José Domínguez Muñoz, más conocido como 'El Cabrero', ha fallecido según ha informado su hijo El Crespo Zapata, también cantaor, a través de Facebook. “Con todo mi dolor tengo que comunicaros en nombre de mi familia el fallecimiento de mi padre, El Cabrero. La capilla ardiente se instalará en el Teatro Municipal de Aznalcóllar. Sabemos lo que supone esta pérdida para muchos de vosotros”, ha trasladado a través de esta red social.

José Domínguez Muñoz nació en Aznalcóllar (Sevilla) en 1944. Su verdadera profesión siempre ha sido la de cabrero hasta que comenzó a trabajar con el grupo de teatro la Cuadra de Sevilla, dirigido por Salvador Távora. Allí forjó su figura de rebelde que llevó a los escenarios con letras reivindicativas en contra del régimen, algo que lo convirtió en un artista muy popular durante la Transición.

Sin embargo, además de esto, en 1980 participó en el IX Concurso Nacional de Arte Flamenco y gana por unanimidad el Premio “Mercé La Serneta”, Premio Nacional de Soleá, y por mayoría del jurado el Premio “Manuel Reyes El Canario” Premio Nacional de Malagueña.

Fiel a la tradición y defensor del cante sin artificios, autentico y sobrio, su fuerte fueron los fandangos de Huelva, que conoció hasta sus últimas consecuencias, y en su repertorio destacan las soleares, seguiriyas, malagueñas y tonás a las que les imprime su singular personalidad. También grabó discos de tangos argentinos y puso música por bulerías a canciones de Alberto Cortez.

Numerosas condolencias

Sobre el fallecimiento de El Cabrero se ha pronunciado el candidato de Adelante Andalucía a la Presidencia de la Junta de Andalucía, José Ignacio García, quien ha asegurado que el artista “nunca se irá del todo”. “La voz flamenca de la andalucía jornalera y revolucionaria. Gracias por tanto, camarada”, ha apostillado García en un mensaje en sus redes sociales.

De igual forma, el candidato de Por Andalucía, Antonio Maillo, ha asegurado también a través de sus redes sociales que Andalucía “pierde una voz irrepetible”. “Se nos va El Cabrero, cantaor de la dignidad, la tierra y la rebeldía. Su cante fue verdad y memoria para nuestro pueblo”, ha remarcado, a la misma vez que ha dedicado un abrazo a “su familia y a quienes hoy lo lloran”.

Por su parte, el Ayuntamiento de Aznalcóllar ha lamentado el fallecimiento de un “hijo ilustre” del municipio y “una de las figuras más importantes, auténticas y reconocidas del flamenco andaluz”. “Su pérdida supone un enorme dolor para Aznalcóllar, para el mundo de la cultura y para varias generaciones de aficionados que encontraron en su voz un símbolo de libertad, verdad y compromiso social”, ha apostillado a través de sus redes sociales.

Letras reivindicativas

“Reconocido por su defensa del flamenco más puro y por sus letras reivindicativas ligadas al mundo rural y a la justicia social, llevó el nombre de nuestro pueblo por toda España y numerosos escenarios internacionales, consolidándose como una referencia imprescindible del cante jondo”, ha querido destacar el alcalde de la localidad, Juan José Fernández Garrido (IU).

En este sentido, María Jesús Montero, candidata del PSOE de Andalucía a la Presidencia de la Junta de Andalucía este 17M, ha destacado que “se va uno de los artistas más comprometidos” con la región a través del cante flamenco. “El Cabrero hizo del arte jondo una herramienta para dar voz al campo andaluz, fundamentalmente, durante un periodo de nuestra historia como fue la Transición”, ha destacado, misma vez que ha mencionado que “su obra y su compromiso forman ya parte de nuestra memoria colectiva”.

En la misma línea, la candidata número uno del PP por Sevilla al Parlamento de Andalucía, Patricia del Pozo, ha lamentado el fallecimiento de esta “voz irrepetible del flamenco y símbolo de autenticidad”. “Andalucía despide a uno de sus artistas flamencos más queridos. Mis condolencias a su familia, amigos y seguidores”, ha indicado a través de su cuenta oficial de 'X'.

El Teatro Bretón de Logroño vive esta semana la última jornada del Ciclo Jueves Flamencos de esta edición, con ‘Muerta de amor’ y comienza el mes de mayo con el espectáculo ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’.

Tras cuatro meses sobre las tablas, el ciclo Jueves Flamencos pone punto y final a una edición en la que se reafirma la gran acogida por parte del público de este tipo de eventos. Para cerrar la temporada, este jueves 30 de abril, a las 20:00 horas, llega ‘Muerta de amor’, un espectáculo en el que una docena de artistas guían al espectador por un pasaje coreográfico, con carácter de copla, que apunta al deseo, la fantasía y la provocación. Lo hacen a través del cante de Juan de la María, acompañado por la artista invitada Mara Rey, y el baile coreografiado de Manuel Liñán (Premio Nacional de Danza 2017).

El espectáculo recibió en el Premio Talía 2025 varios galardones, en la categoría ‘Mejor labor de producción’ (Peineta Producciones) y en la mención ‘Mejor Intérprete masculino de danza’, entre otros premios.

El sábado 2 de mayo, a las 20:00 horas, se inaugura el mes con la obra ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’ de Henri Roorda, un alegato vitalista disfrazado de despedida. Se trata de texto sincero, divertido y conmovedor que celebra la belleza de vivir incluso en el umbral de la muerte. Con Mario Gas en escena y la dirección de Fernando Bernués, esta obra es una experiencia teatral que emociona y hace pensar sin perder de vista el humor.

El espectáculo tiene una duración de una hora aproximada y un precio único de 14 euros, ya que se trata de un espectáculo de aforo reducido. Las entradas están disponibles para su adquisición en la web del Teatro Bretón, la taquilla y a través del teléfono habitual.

La carrera de Miguel Poveda como cantante siempre ha estado atravesada por Federico García Lorca. A él le ha dedicado discos, canciones y actuaciones. El poeta de Granada, del que este 2026 se cumplen 90 años de su asesinato, le ha conformado como artista. Y, sin embargo, sentía que no conocía lo que había detrás de la máscara creativa. Pensaba en cómo era Lorca realmente. Con sus amigos, con su familia… Olvidarse del ídolo cultural y centrarse en la persona de a pie. 

Su obsesión por Lorca le ha llevado a seguir sus pasos y perseguirlo por aquellos lugares donde pisó. Aquellos que registró en las fotos que quedan de él. Un viaje que, si España hubiera hecho los deberes, terminaría en la tumba del poeta, esa que no tiene. Miguel Poveda lleva flores a la del padre de Lorca en un gesto que subraya una deuda con la Memoria Histórica. Como decía Leonard Cohen, los españoles deberíamos excavar la tierra con nuestras manos para encontrar a Lorca. Pero no se ha hecho.

Un viaje que ha registrado en Enlorquecido, el documental que ha dirigido y que estrena este 23 de abril. Coincide en el tiempo con el hallazgo que le ha unido para siempre a Lorca, el de unos versos inéditos atribuidos al dramaturgo y que se encontraban en el anverso de una obra adquirida por él.

Es inevitable comenzar con ese hallazgo, ¿cómo fue el momento del descubrimiento?

Fíjate que no reconocí que pudiera ser de él porque parece otra letra. Federico no escribía muy bien. Tenía una escritura que era difícil de entender muchas veces, de hecho su madre le reñía por eso. Tenía faltas de ortografía, incluso a veces no se le entendía. Cuando yo le di la vuelta entendí que eran unas notas del poeta Julio José Casal, que era un poeta uruguayo al que él le dedica Gacela de la raíz amarga, el manuscrito. Ya estaba muy emocionado, y me decían que tuviera mucho cuidado porque es una cuartilla de 1933, es un papel muy delicado, y no quise tocarlo mucho. Vino un amigo a casa y se lo enseñé, y le dimos la vuelta y le dije: “Vamos a preguntarle a Pepa Merlo, que es la experta y ha hecho una tesis”. Ella fue la que me dijo: “Esto es de Federico, es un hallazgo, esto ha estado escondido”.

¿Cambia algo respecto a lo que conocemos de él?

Más que cambiar, añade. Es como un Federico que sigue vivo, que sigue regalándonos cosas. Un hombre que fue asesinado y que ha estado tantos años silenciado, sus obras ocultas… Es que algunas de sus obras no salieron hasta bien entrada la democracia. Ya hace tiempo que empieza a normalizarse que Federico está entre nosotros, pero hubo un tiempo en que no, así que cualquier cosa nueva que aparezca es como si siguiera vivo. Como decía [el actor] Ángel Ruiz en El ministerio del tiempo: “Al final no ganaron ellos, gané yo”.

Como artista siempre ha estado atravesado por Lorca, pero en este documental quiere conocer al hombre, ¿nos ha pesado mucho el Lorca artista y hemos dejado de conocer al Lorca persona?

Exacto. Incluso a veces se ha banalizado un poco su figura o se ha usado como si fuese una postal o un souvenir. Otras veces solo se ha potenciado mucho la parte de Federico, el dramaturgo, el poeta. Pero, ¿quién era Federico?, ¿cómo vivía, cómo se sentía, cómo respiraba, cómo veía la vida? 

Hay mucho que hacer, hay mucho que construir y ojalá se encuentren sus restos, su voz... todo lo que aparezca de Federico será oro para esta sociedad

Miguel Poveda — Cantante

¿Qué le ha llamado la atención en este viaje?

Su implicación es lo que me ha llamado la atención. Era un hombre que podía ser muy alegre, que era capaz de toda la alegría del mundo y que llenaba el espacio porque todo el mundo hablaba de él. Cuando llegaba Federico ya era el foco de atención. Pero de repente era un Federico que desaparecía, que se ponía triste, que se ausentaba. Y era porque no podía sacar la verdad de sí mismo y necesitaba también ser él mismo en algún momento. De lo que más me llama es su sentido de la justicia, de la igualdad, de defender al desfavorecido, de querer llevar el teatro y la cultura a todos los sitios. Su activismo con el flamenco que era una música tan mal vista. Ese activismo cultural de él y ese amor por el desfavorecido, por la mujer, por el negro, por el gitano, me llama mucho la atención. Me gusta ese ser humano. Es lo que necesitamos ahora.

En el prólogo de La piedra oscura, la obra de Alberto Conejero, Ian Gibson dice que en otro país Lorca tendría decenas de biografías escritas. Es curioso lo poco que se ha abordado también desde la ficción una figura como la suya. 

Y, sin embargo, a veces dicen que “ya están otra vez con Lorca”. Es que “nunca es otra vez” con Lorca. Es que siempre es fundamental reivindicarlo. Y junto a él, que es el poeta o el artista más internacional, a todos los que le acompañaron. Aquellas mujeres que fueron invisibilizadas, asesinadas, torturadas, violadas y que luego, además, no podían firmar siquiera su poesía. Las exiliadas y exiliados. Fue la generación de la amistad, tenían una época dorada y Federico era el símbolo de toda esa generación, así que hay que reivindicarlo. Este país tiene que hacer los deberes y tiene que seguir reivindicando la figura. Ya no desde un lado político. Pero diremos que fue asesinado, siempre lo vamos a decir. No vamos a ponerle otro nombre porque no tiene otro nombre. Pero ya que eso ocurrió, vamos ahora a reconstruir todo aquello que os cargasteis y vamos a hacer que parezca menos daño el daño que ya se hizo.

Hay un momento en el documental en el que va a llevar flores a Federico y se las lleva a la tumba al padre de Federico, porque él sigue bajo tierra. Me acuerdo de Leonard Cohen, que decía que todos los españoles deberíamos cavar con nuestras manos hasta encontrarle…

Más ahora que se están haciendo exhumaciones en la zona y que muchas personas han recuperado los restos de sus familiares. Ahora que se está haciendo y todavía hay familia viva, ¿se podría seguir buscando, no? La única forma que te queda de llevarle flores es honrando a sus padres. Su padre financió sus dos primeros libros, fue muy generoso, ayudó a su hijo y encima acaba enterrado a miles de kilómetros de Granada. O ir a la escultura que hay en la Plaza Santa Ana de Madrid, donde todo el mundo le rinde culto. Porque la gente lo ama, y no solamente en España, en el mundo entero. Por eso reivindico siempre que le pongan una escultura en el centro de Granada, entre las dos aceras donde él vivió siete años, toda su adolescencia. De ahí salió siendo poeta. Entonces hay mucho que hacer, hay mucho que construir y ojalá se encuentren sus restos, su voz... Todo lo que aparezca de Federico será oro para esta sociedad.

Viendo esa escena tan conmovedora me preguntaba si ver eso, ver que no se le puede llevar flores a la gente porque sigue en una cuneta, no sería capaz de cambiar la opinión de aquellos que no lo entienden. 

Ojalá. Pero quien no lo entienda va a tener que ir al médico, porque hay cosas que no tienen ideología. Hay cosas que son de cajón. ¿Quién no quiere llevarle flores a un familiar?, ¿quién no quiere llevarle flores a un artista que ha dado tanto para el país, que nos ha transformado y que nos ha regalado belleza y pautas para caminar por la vida y por el arte? Ojalá que la gente entienda eso como algo normal y necesario.

¿Cómo le ha cambiado visitar todos estos lugares donde estuvo él?

Primero he podido reconstruir un poquito más a Federico. Pensar: “¡Hostia! Aquí lo he visto en fotos en blanco y negro. Él ha estado aquí, en este muro, en esta pared, en este suelo. Él ha existido de verdad”. Aquello me hizo humanizarlo más. Me ha cambiado en el aspecto de que cojo un poco su legado. Las ganas de querer transformar el mundo, de implicarme todavía más para hacer un país mejor, lleno de cultura. Él quería cambiar el país y llevar la educación y la cultura a todos los rincones.

La Bienal de Flamenco de Sevilla ha dado a conocer los detalles de ‘El mundo por montera’, el magno espectáculo de esta XXIV edición que acogerá la Plaza de Toros de la Real Maestranza de Caballería de Sevilla el próximo 10 de septiembre; una cita única e irrepetible concebida para este icónico emplazamiento en la que tomarán parte artistas consagrados y nuevos talentos para celebrar el centenario de un momento histórico para este arte: su proyección definitiva hacia el gran público.

Así, la gala presentará un destacado elenco artístico que pone de manifiesto la diversidad del flamenco contemporáneo. En el cante participarán figuras como José Mercé, José de la Tomasa, Martirio, Arcángel, La Tremendita, Ángeles Toledano, El Perrete y Manuel de la Tomasa; acompañados por las guitarras de Manolo Franco, Alfredo Lagos y David de Arahal. También estarán presentes los saxofonistas Juan Jiménez y Alfonso Padilla, junto a la percusión y palmas de El Oruco, Abel Harana, Daniel Suárez y El Chupete. El baile correrá a cargo del Ballet Flamenco de Andalucía, con Patricia Guerrero.

Un siglo después, todos ellos festejarán ese lanzamiento masivo que vivió el flamenco en 1926, cuando Pepe Marchena entraba en los circuitos de la llamada Ópera Flamenca, Manuel Vallejo recibía la II Llave de Oro al Cante tras el triunfo de Manuel Centeno en la Copa Pavón, y la industria discográfica daba un salto decisivo con la llegada de las grabaciones eléctricas. Fue entonces cuando el flamenco salpicaba teatros, cines y plazas de toros, convertido en espectáculo de masas pero sin perder su pulso íntimo.

En ese contexto convivían maestros como Antonio Chacón o Manuel Torre con figuras decisivas del siglo XX como La Niña de los Peines, Vallejo, Marchena, Pepe Pinto o Ramón Montoya. Mientras los grandes formatos llenaban recintos, las tonás seguían sonando en espacios íntimos, sosteniendo el corazón jondo del arte. Aquella década supuso una explosión de creatividad, popularidad y mestizaje escénico que marcaría para siempre la historia del flamenco.

En este sentido, la gala, que cuenta con la dirección artística de Andrés Marín y Luis Ybarra, se concibe como una gran celebración colectiva para rendir homenaje a aquellas figuras pioneras que hace un siglo llevaron el flamenco a una dimensión popular y masiva.

Como ha manifestado la delegada de Turismo y Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, Angie Moreno, “la ciudad de Sevilla no es un decorado ni un ‘souvenir’, sino una realidad viva construida desde la mezcla de vivencias, ritos y excelencia. Esa identidad es hoy uno de los principales motores de nuestra proyección cultural y económica”, refiriéndose a la Real Maestranza de Caballería de Sevilla “como un espacio cargado de significado, que representa ese lugar donde confluyen ética y estética, y donde el arte se expresa desde la verdad y el respeto. Por eso es el escenario idóneo para acoger una propuesta como ‘El mundo por montera’, que reivindica el flamenco como una de nuestras expresiones culturales más complejas y como una auténtica filosofía de vida”.

Igualmente, ha dicho, “esta gala establece además un diálogo histórico con la Maestranza, elevando la jerarquía del flamenco y reforzando su proyección internacional. Con ello, Sevilla demuestra su capacidad para unir tradición y modernidad, atraer un turismo cultural de calidad y consolidarse como una gran capital cultural a nivel mundial.”

El director de la Bienal y uno de los directores artísticos del espectáculo, Luis Ybarra, ha hecho hincapié en que “‘El mundo por montera’ no es un festival dentro de la plaza de toros, sino un espectáculo con un diseño y por un motivo concreto”. Y es que, “un siglo después del apogeo de la Ópera Flamenca, cuando lo jondo se instaura en los cosos durante los años 20 de la mano de la Niña de los Peines, Pepe Marchena, Manuel Vallejo y toda esa generación sublime, nuestra expresión artística vuelve a ocupar este lugar. Lo hace sin nostalgia, con figuras de hoy para revisitar un repertorio de una riqueza extraordinaria”. De esta manera, “celebramos el centenario desde que el flamenco comienza a desarrollarse como arte escénico ante las masas. Contamos con artistas de enorme popularidad, artistas genuinos, de carácter fronterizo, también nuevos valores. Cante, baile, guitarra, música instrumental, tradición, vanguardia… Una radiografía breve de lo de hoy para echar la vista atrás y proyectarnos. La gala de la próxima edición de la Bienal será, espero, un acontecimiento para la ciudad”.

Por su parte, Andrés Marín, ha definido esta propuesta escénica como una “experiencia irrepetible”: “‘El mundo por montera’ es un viaje y también una ensoñación. Un encuentro entre tiempos y sensibilidades distintas que solo va a suceder esa noche. Hemos concebido la gala como un acontecimiento extraordinario, irrepetible, donde un elenco intergeneracional —desde los artistas más jóvenes hasta los grandes maestros— se funde en el toque, el cante y el baile para rendir homenaje a aquellas figuras pioneras que, hace un siglo, llevaron el flamenco a una dimensión popular y masiva.”

Asimismo, ha insistido en que ‘El mundo por montera’ no busca la reconstrucción historicista puesto que “no queremos reproducir ni imitar lo que ocurrió en los años veinte. Aquello pertenece a su tiempo. Lo que nos interesa es recuperar esa herencia, esa energía expansiva, y revisitarla desde la mirada de hoy, desde la contemporaneidad y la vanguardia”, definiendo al espectáculo como “una comunión entre generaciones, una noche en la que pasado y presente se tensan hasta encontrar un centro común. Un homenaje vivo, no una vitrina. Flamenco en estado actual, dialogando con su propia historia”.

Respecto al cartel, con diseño de José Gil Galiano y dibujo de José Miguel Pereñíguez, este último ha señalado que “parte de la propuesta que nos hicieron Andrés (Marín) y Luis (Ybarra): retomar el imaginario y los conceptos gráficos que se usaban para anunciar los antiguos espectáculos de la Ópera Flamenca. Como en algunos de aquellos viejos carteles, hemos utilizado un elemento visual, un dibujo, para presentar al elenco”. Pereñíguez ha añadido que “era difícil ignorar el título del espectáculo y dónde va a tener lugar, así que una imagen de Chicuelo (el torero de la Alameda) tocado con su montera, nos ha servido como base. Sobre esta imagen, compusimos un collage de referencias y alusiones en torno a los artistas participantes: fragmentos de su fisonomía, indicadores de su procedencia o retazos de su mundo propio. Todos ellos están apilados en una especie de caos ordenado que convierte la lectura de esta imagen casi en un juego”.

En cuanto al diseño, ha manifestado, “se ha pretendido situar en un marco bien definido los datos esenciales que emplazan el espectáculo en su espacio, su tiempo y su origen. A partir de ahí, los nombres del elenco configuran una mancha orgánica que parece continuar y dar cuerpo a la cabeza del dibujo, o bien situarse por delante, como si estuvieran impresos sobre un imaginario burladero. La rotulación combina una tipografía de la familia serif egipcia -como las que, talladas en madera, se empleaban en la época de nuestro lejano modelo- con una letra de palo seco, netamente contemporánea”.

El Teatro Bretón vuelve una semana más con una programación para todos los gustos en la que encontramos flamenco en la tarde del jueves, teatro el viernes y circo el sábado 18 de abril.

El artista Israel Galván llega al teatro municipal de Logroño el jueves 16 de abril, a las 20:00 horas, para poner sobre el escenario su espectáculo ‘La edad de oro’. “El bailaor de los bailaores” celebra el 20 aniversario de este clásico de su repertorio renovando el programa con la voz de María Marín y Rafael Rodríguez a la guitarra.

Galván es uno de los artistas más innovadores y reconocidos del flamenco contemporáneo. Hijo de bailaores, se hizo con el Premio Nacional de Danza en 2005 y desde entonces se ha mostrado vanguardista, reconstruyendo un baile flamenco moderno usando sólo los materiales que hasta hace muy poco eran herramientas exclusivas de los flamencos. El espectáculo se estima que dura en torno a una hora y el precio de las butacas varía entre los 12 y los 20 euros.

El viernes 17, a las 20:00 horas, el Teatro Bretón cambia de tercio y recibe en sus tablas ‘La Barraca’ una obra de Vicente Blasco Ibáñez adaptada por primera vez al teatro por Marta Torres y dirigida por Magüi Mira.

Se trata de una historia que conmociona por la actualidad de sus personajes y de sus conflictos y que está incluida en el Club de lectura ‘Crear Letras’. Cuenta el rechazo al que se ve sometida la familia de Batiste Borrull al instalarse en una barraca y en unas tierras de la huerta valenciana de las que fue desahuciada por impago otra familia que vivió y trabajó en ellas durante varias generaciones. La obra dura en torno a 90 minutos y el precio de las entradas oscila entre los 9 y los 23 euros.

Y para conmemorar el Día Mundial del Circo, que se celebra el tercer sábado del mes de abril, llega el espectáculo circense Sustrai, de la compañía ZirKuSS. Será el 18 de abril a las 20:00 horas. SUSTRAI es un espectáculo de circo de vanguardia de gran formato. Cuenta la unión de muchas situaciones vividas, por los y las intérpretes de la obra, e hiladas a través de los encuentros con una artista plástica. Durante algo más de una hora, el espectador podrá disfrutar y emocionarse con la destreza, valentía y singularidad de sus acróbatas.

Las entradas de todos los eventos están disponibles para su compra en la taquilla, a través del teléfono habitual y en la web teatrobreton.org

Descubrir Castilla-La Mancha siempre es un acierto, desde conocer su naturaleza, perderte en sus ciudades y sus pueblos, degustar su característica gastronomía o incluso empaparte de su cultura y su gente. Vamos, lo que la generación Z llama un win win -ganar/ganar o donde todos salen ganando.

Por eso, para que conozcas un poco más nuestra región te proponemos un plan primaveral. ¡Ah, pero espera! ¿Qué me dirías si te cuento que hay una zona de Ciudad Real ubicada en tierras volcánicas? ¿Y que existe una laguna que aparece en otoño y desaparece en verano, en la que habitan flamencos?

¿Que no te lo crees? Bueno, pues coge la mochila y prepárate para llegar hasta Pozuelo de Calatrava, una localidad en el corazón de Ciudad Real a tan solo 18 minutos de la capital ciudadrealeña.

Una laguna volcánica

La Inesperada -también conocida como Laguna del Prado- es una reserva natural ubicada en este municipio ciudadrealeño, y que forma parte del Geoparque de Volcanes Campo de Calatrava, un ecosistema declarado por la UNESCO.

El curioso nombre que recibe la laguna, según Eugenio Martínez, coordinador del Centro de Interpretación de La Inesperada, “viene del acervo popular, ya que nadie se esperaba que allí hubiese una laguna en un momento dado. Está en un municipio enclavado por varios maares, en varios cráteres volcánicos hidromagmáticos, y La Inesperada se encuentra tras una pendiente que hace que todas las aguas que recoge el pueblo terminen allí, como una especie de sumidero natural”.

Se trata de una laguna estacionaria, con una profundidad media de entre 40 y 60 centímetros, que según Martínez a primeros de junio se suelen secar: “Su ciclo biológico se lo pide para que se mantenga todo el equilibrio natural. Después se queda como un paisaje lunar, porque es una laguna hipersalina, de tipo mesolina, como un cráter blanco”, explica. Eugenio matiza que se trata de una superficie de agua de salinidad moderada que varía en gran medida, en una dinámica asociada al hidroperiodo. Tras este periodo de sequía vuelve a llenarse con las primeras lluvias del otoño.

En el momento que una de estas áreas de servicio desaparece o está dañada estamos cambiando el ciclo migratorio de las aves y poniéndolas en peligro

Eugenio Martínez

El coordinador apunta que La Inesperada no recibe aportes de agua de la depuradora “aunque está localizada al lado, porque eso supondría alterar todas las químicas y la biótica del agua, su ciclo natural es recibirlas por escorrentía”.

Otra de sus acepciones es la Laguna del Prado, y en este caso lo recibe por el color que toma en algunos momentos, según Eugenio por “la Posidonia y la vegetación halófila que tiene, ligada al ambiente hipersalino”. Expone que “antaño sería un prado juncal, con salicornias -Sarcocorniacon, Suaeda vera y salsola soda- entre otras, recubriendo la cubeta en periodos secos y con rupia y otras en periodo temporal de inundación”. Esta vegetación se adapta a la salinidad de la laguna y en ella se pueden encontrar ejemplares de Suaedetum braun-blanquetii, aunque destaca la presencia de la Althenia orientalis, “una planta acuática sumergida catalogada como vulnerable en Castilla-La Mancha”.

Se trata de una laguna “periurbana” que tiene “muy fácil acceso” y que puede visitarse libremente. “Cuando pensamos que vamos a una masa de agua continental de interior tendemos a pensar que hay que acceder por un camino agrícola sinuoso de varios kilómetros, pero esta está a pie de casco urbano”, expone Martínez.

La Inesperada, hogar del flamenco y otras aves migratorias

Esta laguna ciudadrealeña es la “estación de servicio” de muchas especies de aves migratorias. Eugenio Martínez explica que “aunque no es de las especies más interesantes”, el flamenco común está presente en La Inesperada, pero que al tratarse de una “especie ingeniera” complica la biodiversidad si existen muchos ejemplares: “El flamenco transforma el hábitat donde vive, mueven las patas y generan cráteres con el pisoteo, removiendo el agua o filtrándola con su lengua que es muy musculada, removiendo el fango. Eso hace que el agua se enturbie y se puedan llegar a producir problemas en la fotosíntesis de las especies de flora acuáticas”, expone.

Destaca que el flamenco no ha conseguido reproducirse en la laguna, no obstante, en 2025 “en las Tablas de Daimiel sí que lo intentaron, hubo como ocho o diez nidos, pero no proliferaron y llevan muchos años sin intentarlo aquí. Para ello bajan a Málaga”.

Otras especies “muy significativas” son los chorlitejos, “tanto el europeo común o el patinegro, de un tamaño más pequeño parecido al gorrión” o la avoceta común -Recurvirostra avosetta-, “que es la que le da el sentido de protección ambiental como zona Ramsar y de Red Natura”. Para Eugenio tener estas especies de fauna son indicadores “estupendos” de la calidad ambiental del espacio.

Asegura que a lo largo de los años han sido visitados y han nacido allí aves como el pato cuchara, el pato colorado, la cigüeñuela común “o algunos que no suelen ser habituales como malvasías o ejemplares del ganso del Nilo”, o también un “flamenco enano, que es igual que el flamenco rosa, pero en miniatura y que suponemos que se perdió del grupo, porque son animales gregarios”.

En 2026, a consecuencia del tren de borrascas, tuvieron la visita de un Paiño Europeo, que es una gaviota marina, “de los cuales existen pocos ejemplares en la península ibérica y solo se encuentran en aguas continentales”.

Por su parte, Eugenio quiere reivindicar el importante papel que juegan los humedales en nuestro ecosistema, ya que “son zonas de descanso, reproducción de las aves, igual que los seres humanos cuando vamos de viaje y paramos a descansar” y destaca que “en el momento que una de estas áreas de servicio desaparece o está dañada estamos cambiando el ciclo migratorio de las aves y poniéndolas en peligro”.

El auge del turismo natural: “Mejora la calidad de vida”

Eugenio Martínez expone que La Inesperada tiene tres grupos potenciales de turistas. En primer lugar, las visitas escolares, donde en 2025 llegaron hasta los 4.000 visitantes. “Es el más numeroso y vienen con carácter práctico para ver lo que han aprendido en el aula. Coincide con el calendario escolar de lunes a viernes”, indica.

Por otro lado, el turista familiar que busca “un entorno y una visita agradable, ya que está cerca, a 11 kilómetros de Ciudad Real capital y a la misma distancia de Almagro, que es uno de los focos del turismo histórico y patrimonial de la región, por su patrimonio y el Festival [Internacional de Teatro Clásico]”.

En este caso, el coordinador matiza que las familias no solo pueden disfrutar del entorno o de contemplar a las aves, sino que justo al lado existe un área recreativa con un parque infantil tematizado “dotado con bancos y merenderos”.

Además, gracias a la diversidad de fauna, Eugenio destaca que reciben muchos turistas interesados en la ornitología. “Es el que más éxito está teniendo ahora, tenemos visitas de carácter internacional, está muy extendido en países del norte de Europa por los paisajes, busca el disfrute de la naturaleza y viene preparado”, explica.

Para complementar la visita libre, el Centro de Interpretación de La Inesperada tiene entrada gratuita en el siguiente horario:

En horario de invierno de 10:30 a 14:00 horas por la mañana y de 15:30 a 18:00 horas por la tarde. En horario de primavera, de 11:00 a 14:00 horas por la mañana y de 16:00 a 19:00 horas por la tarde.

Para acceder al Centro de Interpretación es necesario reserva previa, a través del teléfono 926 840 341 (ext. 2004) o enviando un correo electrónico a ciavinesperada@pozuelodecalatrava.es

El turismo natural cada vez está tomando más fuerza: “Lo observamos a raíz de la COVID-19. La gente necesita salir un poco más y estar en un entorno libre y los hábitos de vida han cambiado. Pero es complementario con el cultural o el patrimonial. Muy cerca está el Museo Provincial de Ciudad Real, o el municipio de Almagro”. Eugenio también considera que simplemente observar la lámina de agua “y quedar un rato en silencio o escuchar el sonido de las aves te ayuda emocionalmente, sobre todo en este mundo lleno de ruido y de caos que tenemos por desgracia, con malas noticias”.

Por otro lado, destaca que se trata de un turismo muy accesible y que “mejora la calidad de vida de las personas”. Para visitar la laguna de La Inesperada y el propio Centro de Interpretación señala que existen rampas, escalones “de manera que pueden visitarlo personas con capacidades diferentes, desde gente en silla de ruedas hasta con otro tipo de movilidad reducida”.

El coordinador recomienda a todos los visitantes que acudan con calzado cómodo, ya que para acceder es un camino agrícola “pero que no tiene altura ni desniveles ni baches”, una gorra y un pequeño chubasquero en el caso de que haya previsión de lluvia: “Si tienes prismáticos genial, si no en el Centro de Interpretación lo pondremos a tu disposición. Además, también contamos con una guía intérprete que puede resolver cualquier duda”, explica Eugenio.

'Toledo en Concierto 2026' traerá a la capital castellanomanchega a artistas como Viva Suecia, Rosario Flores, Álex Ubago, Ana Torroja o El Arrebato durante el verano.

Este ciclo de conciertos comenzará el próximo 13 de junio con una fiesta de presentación junto a La Rock A, según ha indicado el director general de SYS Producciones, Marco Givica, y cuyo principal escenario será la Plaza de Toros.

El 20 de junio se producirá el concierto de Viva Suecia, seguido el 26 de junio de la mano de Rosario Flores. El 27 de junio tendrá lugar el festival de música La Sagra Suena, con las actuaciones de Ginebras, La Casa Azul, La Paloma, Les Castizos y Bita. Las entradas de este festival ya están a la venta y pueden adquirirse a través de esta web.

En el mes de julio la programación incluirá nombres como Álex Ubago (3 de julio), Ana Torroja (4 de julio), Lia Kali (10 de julio), El Arrebato (11 de julio) o Delaossa (17 de julio), además de D. Valentino y MVRK (18 de julio) y de una nueva edición de ‘Oro Viejo by DJ Nano’ (25 de julio), que celebra su quinto aniversario en Toledo.

En septiembre, el cartel se completará con artistas como Sergio Dalma(4 de septiembre), Vanesa Martín (5 de septiembre), Fernando Costa (11 de septiembre) o JC Reyes (26 de septiembre), junto a propuestas como el 41 aniversario de Luismi Family (12 de septiembre), el espectáculo de Aguilera y Meni (18 de septiembre) o el concierto de Celtas Cortos (26 de septiembre).

Givica ha destacado también el trabajo conjunto con el Ayuntamiento y los vecinos para mejorar la organización del evento y evitar molestias, “este año se realizará un único montaje en junio y un desmontaje al finalizar septiembre, reduciendo molestias. Además, se han establecido horarios sin música y las pruebas de sonido se realizarán únicamente por la mañana”.

Conciertos y espectáculos para todos los públicos

El concejal de Juventud y Festejos del Ayuntamiento de Toledo, José Vicente García-Toledano ha subrayado ue se trata de una programación “ambiciosa”, con la presencia de artistas “de primer nivel”. Igualmente, ha explicado la “consolidación” de la Plaza de Toros como “enclave cultural” para este tipo de conciertos: “Se va a volver a mejorar la Plaza de Toros, que ya el año pasado ofreció unas condiciones excelentes, con un césped que permitió disfrutar mucho de cada concierto y de cada evento”, ha señalado.

El edil ha destacado asimismo el carácter inclusivo de la programación, diseñada para todos los públicos: “Se ha trabajado en una propuesta pensada tanto para jóvenes como para mayores, incorporando además actividades vinculadas a la Semana de la Juventud, como los conciertos de JC Reyes, los monólogos de Aguilera y Meni o el espectáculo de techno flamenco, que está tan en auge actualmente”.

El concejal también ha avanzado nuevas medidas organizativas para mejorar la experiencia del público y la convivencia vecinal. Así, el Ayuntamiento difundirá infografías informativas sobre aparcamientos y accesos a través de sus canales oficiales, con el objetivo de evitar colapsos y facilitar la movilidad. “Hemos mantenido reuniones para garantizar una mejor convivencia con los residentes de la zona y asegurar que estos eventos puedan mantenerse durante mucho tiempo. Sin duda, será un año inolvidable”, ha afirmado García-Toledano.

Jerez de la Frontera se prepara para dar un paso definitivo en la consolidación de su patrimonio cultural con la expansión del legado de su artista más universal, Lola Flores. Y es que cada vez queda menos para la apertura del ambicioso proyecto del Centro Cultural Lola Flores II. Este nuevo equipamiento se suma a la red de espacios creativos municipales que buscan potenciar de forma decidida la promoción turística de la ciudad jerezana. El espacio se perfila como un complemento indispensable para el museo ya existente en la céntrica Plaza Belén, ampliando considerablemente su alcance cultural.

La iniciativa contribuirá activamente a la dinamización del centro histórico de la localidad durante los próximos años, un proyecto que pretende mantener viva no solo la memoria de “La Faraona”, sino de toda su talentosa estirpe familiar. El nuevo centro cultural estará dedicado íntegramente a la familia Flores, rindiendo un tributo necesario a figuras clave del arte nacional de las últimas décadas. La exposición permanente se centrará especialmente en las trayectorias de Antonio González 'El Pescaílla', así como en Lolita, Rosario y Antonio Flores. También habrá referencias destacadas a Carmen Flores dentro del recorrido museográfico diseñado para estas nuevas instalaciones de vanguardia en la ciudad. 

Según los responsables municipales, se busca dotar a este espacio del alma de una saga que es referente absoluto en la música y el cine. Los miembros de esta familia son considerados símbolos del arte de España y referentes mundiales en diversas disciplinas creativas. El centro permitirá mostrar la evolución artística de cada uno de ellos a través de diversos objetos cedidos para la ocasión. La intención es que los visitantes comprendan la magnitud del talento que ha emanado de este linaje irrepetible en el tiempo. Jerez se convertirá así en la gran casa de toda la familia Flores para el disfrute del público.

Ubicado estratégicamente en el entorno de la Plaza Belén, el nuevo edificio se sitúa concretamente a la altura de la Nave del Aceite. Esta localización permitirá crear un polo cultural dedicado íntegramente a la familia más universal que ha dado la ciudad a la historia. El éxito rotundo del primer centro dedicado a la artista, que ha recibido casi 32.000 visitantes desde su apertura, avala esta expansión. El proyecto refuerza la proyección de Jerez como un destino cultural de referencia a nivel nacional e internacional para el turismo de calidad. Este segundo espacio complementará la oferta del museo principal, ampliando significativamente su alcance cultural y su capacidad de atracción. 

La proximidad física entre ambos edificios facilitará un recorrido coherente y emocionante para los admiradores que visitan habitualmente la zona. La integración en el casco histórico es una prioridad para el Ayuntamiento de Jerez en su plan estratégico de desarrollo urbano. De esta forma, se potencia el atractivo de una zona que sigue creciendo gracias al flamenco y al arte. En cuanto a sus características técnicas, las nuevas instalaciones se levantan sobre una edificación de dos plantas y 166 metros cuadrados útiles. El diseño ha sido concebido para albergar tanto actividades culturales diversas como una exposición de carácter permanente de gran valor. La planta baja funcionará como un espacio polivalente que combinará áreas artísticas con una zona comercial destinada al visitante. Este nivel también contará con un tablao desmontable destinado a actuaciones musicales y eventos culturales en vivo de pequeño formato. 

Por su parte, la planta alta estará dedicada exclusivamente a la muestra museográfica que estará dividida en varias secciones temáticas. La exposición seguirá los mismos criterios estilísticos que el museo original para mantener una armonía visual y conceptual en todo el conjunto. Se estructurará mediante diversas 'capillas expositivas' que utilizarán contenidos interactivos para atraer al público más joven. El espacio ha sido diseñado para resaltar las piezas exhibidas y fomentar la interacción directa de los asistentes.

La empresa Reinadecorazones es la entidad encargada de llevar a cabo los complejos trabajos de musealización de este segundo espacio cultural. Esta firma es ampliamente reconocida por desarrollar múltiples proyectos museográficos de gran importancia en todo el territorio nacional español. Cuenta con un equipo multidisciplinar que incluye a creativos, artistas digitales, programadores y gestores culturales de amplia experiencia. Su director, Óscar López, y el director creativo, César Cintas, están coordinando personalmente todas las fases técnicas del proyecto. Los trabajos se centran en integrar el museo en el territorio, utilizando siempre recursos locales para potenciar la economía social. La intervención actual se está realizando principalmente en los talleres externos de la empresa adjudicataria del contrato. Será a finales del próximo mes de mayo cuando se empiece a intervenir directamente en el inmueble de la calle Barranco. El resultado final promete ser un espacio atractivo que combine la historia familiar con las nuevas tecnologías digitales.

La esencia de los homenajeados

Las previsiones técnicas oficiales apuntan a una finalización en fechas muy próximas. Se espera que todos los trabajos de musealización y terminación del edificio estén listos a lo largo del próximo verano. Algunas fuentes municipales también han señalado que el centro cultural podría abrir sus puertas definitivamente antes de que finalice el año. El desarrollo del proyecto avanzará de forma progresiva durante los meses venideros según lo estipulado en el contrato técnico. El ayuntamiento mantiene un contacto constante con la familia Flores para organizar el futuro y multitudinario acto de inauguración. La coordinación es vital para decidir cómo se irán dotando las diferentes salas con los objetos personales que han sido cedidos. La implicación directa de los herederos asegura que el museo cuente con una autenticidad difícilmente replicable en otros lugares. Este proceso garantiza que cada rincón del nuevo centro respire la esencia verdadera de los artistas homenajeados.

El impacto esperado de este centro va más allá de lo puramente artístico, afectando positivamente al tejido del turismo local. Jerez consolida así un polo cultural de gran relevancia que atraerá a miles de admiradores y curiosos cada año. La ciudad apuesta por el flamenco y la cultura andaluza como ejes estratégicos esenciales de su desarrollo futuro. Este nuevo espacio se sumará a la oferta museística local, que ya incluye centros como el Museo Arqueológico y el Alcázar. El legado de los Flores se convierte de este modo en un símbolo del arte español en todas sus posibles disciplinas. La ciudad, que también celebra este año ser Capital Gastronómica, refuerza su innegable atractivo para los visitantes nacionales. En definitiva, Jerez se reafirma como el epicentro del arte y la memoria viva de la inolvidable familia Flores.

El Ayuntamiento de Sevilla, a través del Área de Turismo y Cultura, ha informado de la adhesión del Teatro de la Maestranza “al compás” de la XXIV Bienal de Flamenco, con una programación, conformada por propuestas de “gran formato”, que combina cante, toque y baile en dos estrenos y “una serie de noches irrepetibles”, comenzando por la puesta de largo del nuevo espectáculo de Sara Baras, que regresa 14 años después para presentar Infinita.

Se trata de un estreno creado exclusivamente para esta cita, que marcará, además, la inauguración de esta edición y el inicio de la temporada escénica de la ciudad. Junto a esta esperada creación, el teatro acogerá también el estreno del nuevo espectáculo de Israel Galván, así como una serie de actuaciones enmarcadas bajo el concepto de noches únicas: “piezas concebidas como acontecimientos exclusivos, con encuentros singulares entre artistas, espacios y repertorios que nacen con vocación de excepcionalidad y para suceder una sola vez”, señala el Consistorio en un comunicado.

En este sentido, la delegada de Turismo y Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, Angie Moreno, ha destacado que “la presencia del Teatro de la Maestranza en la Bienal reafirma el papel de Sevilla como capital indiscutible de lo jondo a nivel internacional, con una programación que combina excelencia artística, grandes formatos y propuestas únicas pensadas para emocionar al público”.

“Gran escaparate mundial del flamenco”

Al respecto, Moreno ha subrayado que “hablamos de un escenario de primer nivel que acoge estrenos absolutos y encuentros irrepetibles entre artistas, consolidando a la Bienal como el gran escaparate mundial del flamenco”. Asimismo, la edil ha señalado que desde el Ayuntamiento se sigue apostando por “una cultura diversa, accesible y de máxima calidad, que conecta la tradición con la creación contemporánea y que sitúa a nuestros artistas en el centro”.

Por su parte, para el director de la Bienal, Luis Ybarra, “el Maestranza es un coliseo de la cultura en la ciudad, y el flamenco, a través de la Bienal, ha tomado por costumbre llenarlo durante el mes de septiembre cada dos años; de esta forma, la cultura jonda se muestra ante cerca de 20.000 personas”.

“Celebraremos lo gitano con Marina Heredia, José Mercé y el espectáculo A canela y clavo. Nos abrazaremos a lo clásico con el maestro Cañizares junto a la ROSS [la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla] y nos deleitaremos ante lo nuevo de Israel Galván, Farruquito y Manuel Liñán, quien ha creado un espectáculo para mostrar sus credenciales en Sevilla”, ha añadido Ybarra.

Triple cita de 'Infinita'

El regreso de Sara Baras a la Bienal abrirá la programación en el Teatro de la Maestranza con una triple cita. Infinita, que podrá verse los días 11, 12 y 13 de septiembre, se asienta sobre la identidad, la herencia y la fuerza simbólica de Andalucía. “El espectáculo propone un viaje escénico a través de ocho miradas femeninas que encarnan el latido flamenco de las ocho provincias andaluzas”. “Una creación que, según la artista, nace de una tierra que nos da y nos enseña, de un palpitar que no se detiene”.

También estrenará espectáculo en la Bienal y sobre las tablas del Teatro de la Maestranza el bailaor Israel Galván. El 26 de septiembre mostrará al público sevillano y visitante su Bolero de blanco y negro, en el que rendirá homenaje a Maurice Ravel interpretando Boleros y otras piezas, además de boleros de los cantantes Ramón Calabuch Batista (Moncho) y Juan José Amador Amador, dos referentes de este género musical.

Como apunta el propio Galván, “vamos a quitarle al bolero el color, la pastelería, el merengue, los candelabros. Vamos a dejarlo en un cuarto austero haciendo que susurre al oído suavemente y, al mismo tiempo, que continúe una maquinaria rítmica que no para nunca”.

Espectáculos de grandes figuras

La programación de la Bienal en este espacio se completa con un variado rosario de noches únicas que tendrán como protagonistas a grandes figuras del arte flamenco. El toque de Juan Manuel Cañizares, reconocido en 2023 con el Premio Nacional de Música en la modalidad de Interpretación, abrirá el 19 de septiembre las noches únicas en el Maestranza con Cañizares Sinfónico, un recital de gran formato en el que el guitarrista y compositor estará acompañado por la ROSS e interpretará dos de sus obras más significativas para guitarra y orquesta: el Concierto Al-Andalus, a la memoria de Paco de Lucía; y el Concierto Mediterráneo, dedicado a Joaquín Rodrigo.

La noche siguiente, el 20 de septiembre, el cantaor jerezano José Mercé presentará Toquen a rebato, haciendo alusión al título de una seguirilla del cantaor jerezano Juanito Mojama (Aunque toquen a rebato); expresión que indica dar una señal de alarma urgente, tradicionalmente mediante campanas.

El 22 de septiembre será el turno del bailaor y coreógrafo granadino Manuel Liñán, que, en su reencuentro con el público sevillano, presentará Bailaor@, un recital de baile con varios artistas invitados en el que el artista celebra quién es.

La profunda huella dejada por la comunidad gitana en el flamenco llegará al Teatro de la Maestranza en forma de homenaje la noche del 24 de septiembre. Los cantaores Esperanza Fernández, Duquende y José Valencia, y los bailaores Pepe Torres y Nazaret Reyes pondrán en escena A canela y clavo, un espectáculo dirigido por Pedro María Peña que celebra un encuentro con las raíces del flamenco que, lejos de quedarse anclado en la nostalgia, se proyecta hacia el presente y el futuro transformando el legado en algo vivo y renovado.

Farruquito, Marina Heredia y Carmen Linares

Por su parte, el bailaor Farruquito presentará el 28 de septiembre Serás Farruquito, espectáculo basado en la producción cinematográfica del mismo título. En esta propuesta escénica, Juan Manuel Montoya repasa su vida y su carrera, estrechamente vinculada a su familia, una de las dinastías señeras del flamenco, encabezada por su abuelo Farruco, uno de los grandes innovadores del baile, hasta llegar a su hijo, la joven promesa Juan El Moreno.

Para inaugurar octubre, en la noche del día 1, Marina Heredia también se hará acompañar de la ROSS en ¡En libertad! El camino de los gitanos. Coincidiendo con la celebración del sexto centenario de la llegada documentada del pueblo gitano a la península ibérica, la cantaora granadina, habitual en grandes escenarios de la música y en festivales de prestigio nacionales e internacionales, ha creado una obra en consonancia con esta fecha tan significativa.

El Teatro de la Maestranza será también escenario de la clausura de la Bienal la noche del 3 de octubre. Carmen Linares festejará el 30 aniversario de la publicación de su disco Antología de la mujer en el cante con el espectáculo Perlas a Millares, en el que se acompañará de otras grandes voces de lo jondo como Marina Heredia y María Terremoto, y el baile de Rafaela Carrasco.

El Festival AzuQUÉflamenca que organiza el Ayuntamiento de Azuqueca de Henares (Guadalajara) y que este año cumple su sexta edición traerá a la Casa de la Cultura tres actuaciones en abril protagonizadas por Josemi Carmona, Carlos de Jacoba y el bailaor El Yiyo.

La programación comenzará el 11 de abril con la actuación de Carlos de Jacoba a la guitarra y el cante, con el espectáculo “Panpedí”. El día 18, Josemi Carmona -integrante de Ketama y colaborador de artistas de la talla de Paco de Lucía, Niña Pastori o Alejandro Sanz- presenta “Mi vida, mi música”, un espectáculo que mezcla el flamenco, el rock, el pop y el jazz. Y la última de las actuaciones de este AzuQUéflamenca será la de el bailaor El Yiyo con el espectáculo “A mi aire”.

Las entradas se mantienen al precio de 5 euros para titulares de la Tarjeta Ciudadana y de 8 para el resto de espectadores. Se pueden adquirir a través de esta página web y en los cajeros ciudadanos. Las sobrantes se podrán adquirir en taquilla una hora y media antes del inicio de los espectáculos. Todas las actuaciones comenzarán a las 20 horas.

Este martes, el alcalde azudense, Miguel Óscar Aparicio, ha presentado el festival acompañado de los concejales Susana Santiago y David Pinillos y ha reiterado el peso que tiene la cultura en el municipio. “Para nosotros, la cultura es un modelo de ciudad en el que tiene cabida todo el mundo, toda nuestra historia; un modelo para conocer de dónde venimos y hacia dónde vamos”. El regidor ha recordado las grandes citas culturales de Azuqueca que impulsa el Ayuntamiento como el Mes del Jazz, la muestra de teatro Espiga de Oro, la Espiguita de Oro o este festival de música flamenca.

La concejala de Cultura, Susana Santiago, ha destacado la colaboración de dos vecinos de Azuqueca, José Luis y Javier, en la organización del Festival desde sus orígenes. “Este es un festival ya consolidado y demostramos hace muchos años que Azuqueca también era flamenca”, ha dicho la edil, que ha explicado que en la selección de los espectáculos se busca “diversidad de estilos”. También ha señalado que el presupuesto municipal para esta cita es de 20.000 euros.

Otras propuestas

Coincidiendo con el mes de abril y de manera paralela al festival, el ciclo de cine que organiza el ayuntamiento se dedicará al flamenco. El viernes 10 de abril se podrá ver en El EJE la película “Flamenco, flamenco”; el día 17, “Camarón: flamenco y revolución” y el 24, “Duende y misterio del flamenco”.

Además, la concejala de Cultura ha agradecido la colaboración de la Asociación Flamenca de Azuqueca, que inició sus actividades en 2010 y ahora se ha constituido como asociación y organiza una gala el 12 de abril en la Casa de la Cultura con motivo del Día Internacional de la Danza. También este colectivo va a ofrecer una exposición de fotos y otros objetos relacionados con la danza, entre los días 10 y 25 de abril, en la Casa de la Cultura.

El auditorio

El alcalde ha informado durante la presentación del festival de flamenco de Azuqueca que “en uno o dos meses” Ayuntamiento, Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha y Diputación provincial de Guadalajara firmarán el convenio para la construcción del futuro auditorio cultural de Azuqueca. Este equipamiento se levantará en la parcela municipal frente al Centro de Ocio Río Henares, en la que se instala la pista de hielo durante las navidades. “Queremos cultura, hacer cultura y que la cultura esté en Azuqueca”, ha insistido Aparicio, que ha añadido que cuando el auditorio entre en funcionamiento Azuqueca seguirá contando con la Casa de la Cultura. “Tendremos dos espacios culturales”, ha finalizado.