Vive Morente leo en un dibujo en una pared frente al bar Provincias donde entro a tomarme dos cañas furtivas y camino del siguiente bar veo el rostro de Lorca sonriente en la bolsa de tela colgada del hombro medio rojo por el sol de una turista que no sonríe y en el tren que me trae a la ciudad y al pasado, pues los trenes que nos llevan a las ciudades donde nacimos emprenden dos viajes, en ese tren veo la silueta de la Alhambra y arriba el Generalife apuntados bajo un sol tímido que estallará a media tarde como una supernova.

Granada ha temblado durante semanas, agitada como está por la muerte y los muertos que no descansan desde el lejano 1936, manchadas las tapias de sangre que nadie ha limpiado. Esa es la sangre que alimenta la ciudad, un río como de óxido debajo del río tapado por el asfalto. Esta es la ciudad de los muertos y el rey de esos espectros es Lorca, al que se va a conjurar esta noche en una ceremonia que otros llaman concierto en la que sobrevolarán fantasmas y presencias y espíritus, el de Leonard Cohen, el de Jesús Arias, el de Enrique Morente. Las canciones salían entonces, éramos niños casi, no éramos hombres, de un cd comprado con el dinero malahorrado de poner copas en el bar donde una noche conozco a Antonio Arias, dos, tres años después de lo que él llama el tsunami o quizá no usa esa palabra y mi memoria la sustituye por la que usó, el tsunami al que sobrevivió y yo lo llamé victoria pírrica y a él le gustó ese término.

Espera la noche en el Generalife donde se cierra la residencia de tres días de la gira aniversario de Omega en la que Kiki Morente toma el lugar de su padre y se pone al frente de una banda de cantaores palmeros guitarristas percusionistas y Lagartija Nick y al girarme para buscar el rostro de mis amigos Alonso y Alba con los que subo siento mi vieja camiseta de Slayer quedarse enganchada, treinta años antes, en un agujero que alguien ha hecho en la verja de Feria de Muestras de Armilla para que nos colemos al Espárrago Rock y nos colamos porque tampoco podríamos haber pagado las entradas y venimos a ver a Morente con los Lagartija que andan paseando el estrenado Omega y allí antes del concierto bebemos, bebíamos, calimocho malo calentorro y aprendimos que la muerte anda siempre cerca, olisqueando y cuando escuchamos a Enrique cantar tú vienes vendiendo flores, tú vienes vendiendo flores, las tuyas son amarillas, las mías de tos colores, alguien dijo aquella tarde de abril, recuerdo el miedo que me recorrió, alguien dijo que el amarillo era la muerte para Lorca. Omega nos enseñó a morir y esta noche y aquella tarde coexisten en el tiempo último con los ojos cerrados por la muerte futura.

Consigo una lata de Alhambra en los camerinos antes de que empiece todo, un abrazo rápido al guitarrista Juan Codorniú, elegante en su traje de rayas, un beso a Isa, siempre sonriente, entreveo al Popo, percusionista alto, pendientes de oro, colgantes, y allí está Estrella, más guapa que nunca y Kiki va imponente de negro y me gustan estos minutos previos, los nervios entre ellos del ratito antes, los abrazos, los golpes cariñosos, las confidencias, esa mezcla de timidez prudencia y amabilidad. Y salen al escenario, cercado por cipreses y nadie se le olvidará esta noche lo cerca que estamos del cementerio. El flamenco es una puerta que se abre desde dentro, decía Antonio, al que ahora no veo entre los demás, andará por ahí calentando, me acuerdo de algunas risas, claro, de la desconfianza, me acuerdo de que Omega es fruto de su empuje y sufrimiento y compromiso y la intuición de Enrique y Aurora, Enrique sonriente aquella otra tarde que es también esta tarde, en Armilla, con un punto guasón como siempre tenía, a la vez intenso y jondo y no se me olvida, cómo podría, que algunos, ellos saben quienes son, torcieron la cara ante el disco y los conciertos. Mirad debajo de las camas, os digo, o en el azogue de los espejos porque os espera algo escondido, fruto del impulso eléctrico que surgió de vuestro desprecio. Cada año crece y un día crece tanto que te devora las tripas y te ves desangrarte tú y tu desprecio de entonces.

Empieza la ceremonia en el Generalife y no sé si el tiempo transcurrido está delante o detrás, si me precede o me sigue, los recuerdos del futuro, adelantarse al pasado, Enrique Morente en Armilla hace treinta años, Kiki Morente aquí.

Salen los rockeros, las máscaras blancas casi mortuorias los protegen de las miradas, los flamencos aparecen a un lado y otro, enlutados elegantes serios concentrados, primero conquistaremos Manhattan, canta Kiki, sigue Antonio, después conquistaremos Berlín. Se verán en la pantalla tras ellos soles ardientes lunas oscuras evocaciones fantasmagóricas de Enrique como interrupciones e interferencias, la aurora de Nueva York gime, cantan Enrique y Kiki, por las inmensas escaleras y luego Antonio, que es flamenco porque canta flamenco, agua que no desemboca y aparece Israel Galván, medias altas y tacones cresta de claveles, en nombre de los heterodoxos y los raros y su baile me recuerda que esta fue la música de los raros y los heterodoxos y un poco de los desposeídos y Kiki toma el centro del escenario, por derecho, los focos rojos, y canta Enrique y canta Kiki, quién te escribirá canciones de amor, aprendimos a querer el flamenco, y sigue el Kyrie Eleison y un Martinete nos lleva a Omega (Poema para los muertos) Enrique hablando a su madre, Kiki hablando a su padre, todos evocando la muerte y todos cantamos, no lo podemos evitar lo de no duerme nadie, por el cielo nadie, Enrique y Kiki cantan a la vez en dos tiempos que son el mismo tiempo, se superponen, Antonio a un lado y otro de los dos y sigue el toque fino elegante de Juan Habichuela Nieto, se escucha el grito de asesinao por el cielo y el Aleluya que evoca a los amores perdidos como si fueran muertos esta vez con los teclados de Jota Jota que adquieren una textura misteriosa, se canta por el desamor como si fuera una derrota final, la tierra por ser la tierra, se comerá mi dolor, se evoca el Alegato contra las Armas de Enrique y Kiki termina cantando aquellos versos que cantaron Lole y Manuel, Señor de los espacios infinitos, tú que tienes la paz entre las manos, derrámala Señor te lo suplico, y enséñales a amar a mis hermanos y el Pequeño vals vienés adquiere una tonalidad melancólica casi dulce, un beso inesperado, los labios calientes que nos recuerdan que seguimos vivos y que podemos bailar.

Omega es un juramento, dice Antonio en el escenario antes de que se despidan, y veo a Popo jalear, alto y alegre en ese canto de vida y muerte, y aparece Aurora y se echa una pataíta y su belleza tiene algo frágil, de la misma fragilidad de esta noche y puedo ver en el rostro de Kiki el rastro de una emoción que le cuesta contener y en Armilla al mismo tiempo treinta años antes Antonio canta una letra de Val del Omar, eléctrico éxtasis, movimiento continuo en alta frecuencia, eternamente en vuelo, suenan las guitarras duras y Enrique entra por tangos, gitana si me quisieras te compraría en Graná la mejor cueva que hubiera, y a un lado está él y al otro, en el Generalife está Estrella que irrumpe en el bis de Manhattan como irrumpía su voz en aquel disco y no nos hemos recuperado aún de haber escuchado su voz y se cierran dos cortinas rojas enormes que llegan hasta el cielo en dos tiempos y veo a Rocío llorando sin parar y qué mejor que derramar lágrimas aquí en la Alhambra, donde tanto se perdió.

Veintiocho años atrás salimos en silencio por la puerta principal de la feria de muestras de Armilla, sin que nadie se percate de que nos hemos colado, el agujero en la camiseta de Slayer, las zapatillas viejas siempre rotas llenas de polvo, de regreso al barrio, los bolsillos sin un duro como siempre, con algo de hambre, con sueño, entendemos ahora mejor la ciudad en la que nacimos, la ciudad que nos espera para morir. Giro la cabeza, de vuelta al presente si es que existiera el presente, me protegen los bosques de la Alhambra y volvemos, después de un abrazo rápido con Kiki y un ole y otro con Antonio, que se quita el sombrero. Camino junto a Mafo y Berta, un rato en silencio, con una sonrisa triste. Agradecido a los muertos por vencer.

La ciudad de Toledo acogerá el próximo domingo 11 de octubre un cita flamenca con la actuación conjunta de Estrella Morente y Rafael Riqueni. El concierto tendrá lugar en el Palacio de Congresos El Greco, a las 20:00 horas.

El encuentro, organizado por SYS Producciones, reunirá sobre el escenario dos maneras de entender el flamenco desde la raíz y la personalidad artística. La voz de Estrella Morente, una de las intérpretes más reconocibles de su generación, se encontrará con la guitarra de Rafael Riqueni, uno de los grandes maestros contemporáneos del instrumento.

La propuesta plantea un concierto centrado en la esencia del cante y la guitarra, con la interpretación de ambos artistas como eje principal de una noche concebida para acercar al público un flamenco íntimo, profundo y cargado de emoción.

Estrella Morente ha construido una trayectoria marcada por su vinculación con la tradición flamenca y por una personalidad artística propia, en la que conviven la raíz, la sensibilidad y una amplia capacidad expresiva. Rafael Riqueni aportará, por su parte, una guitarra caracterizada por la delicadeza, la precisión y la profundidad musical.

Las localidades se distribuirán en tres zonas de platea, con precios de 50 euros en primera platea, 45 euros en segunda y 40 euros en tercera.

Las entradas pueden adquirirse en este enlace.

El productor, arreglista y compositor Ricardo Pachón (Sevilla, 1937), considerado el más influyente del 'nuevo flamenco' y responsable de discos como La leyenda del tiempo, de Camarón de la Isla, ha fallecido este miércoles, según han confirmado a EFE fuentes de la Junta de Andalucía.

Pachón trabajó en el área de Cultura de la Diputación de Sevilla y en la Junta de Andalucía y RTVE, sobre todo realizando documentales y programas relacionados con el flamenco. Fue también director el Instituto Andaluz del Flamenco.

A principios de los años 70 inició su carrera como productor, durante la que se encargó de varios de los discos más representativos del 'nuevo flamenco', el resultado de la fusión del flamenco tradicional con otros géneros populares. Fue también director del sello Flamenco vivo, dedicado a la producción fonográfica y audiovisual del flamenco.

Dirigió además el documental Triana pura y pura, que fue nominado para los premios Goya, y participó en la serie de tres capítulos 'Para Camarón, el tiempo se hizo leyenda'. Como productor trabajó, además de con Camarón de la Isla, con otros artistas como Lole y Manuel, Veneno, Pata Negra, Silvio y Tomatito. En 2021 recibió el premio Leyenda del Flamenco en San Fernando (Cádiz).

Cuando todavía no se había repuesto de la pérdida del maestro de la guitarra Pepe Habichuela, el flamenco vuelve a vestirse de luto, esta vez por la pérdida de un productor. Pero no de un productor cualquiera: Ricardo Pachón, nacido en Sevilla en 1937, ha fallecido a la edad de 89 años tras hacer Historia en un género que revolucionó de la mano de artistas únicos como Camarón de la Isla, Lole y Manuel, Veneno o Pata Negra, abriendo las puertas de la modernidad en una España ansiosa por inaugurar una nueva etapa tras la larga noche del franquismo.

Licenciado en Derecho por la Universidad de Sevilla, Pachón trabajó en el Área de Cultura en la Diputación de Sevilla y en la Junta de Andalucía y RTVE, donde realizó programas memorables como los de la serie El Ángel: Musical flamenco. Fue también guitarrista durante un tiempo, llegando a acompañar a ídolos como Pastora Pavón, la Niña de los Peines. Sus comienzos en la producción vinieron ligados a grupos del llamado rock andaluz como Imán o Smash, pero su primer hito flamenco lo marcó con uno de los miembros de este grupo, Manuel Molina. Este guitarrista formó con su compañera, Lole Montoya, el dúo Lole y Manuel, que vino a pintar de colores la grisura del ecuador de la década del 70 con discos como Nuevo día, Pasaje del agua o Romero verde, cuando el dictador agonizaba en la cama.

Era solo el comienzo de una revolución que continuaría con Veneno, la síntesis del feeling gitano de los hermanos Amador y el atrevimiento de un joven Kiko Veneno, que tendría su continuidad en los 80 en la aventura insólita de los Pata Negra. Pero si Pachón hubiera de ser recordado por un solo artista, éste sería sin duda Camarón de la Isla, para quien produjo La leyenda del tiempo, un disco tan trascendental como incomprendido en su momento, así como Como el agua, Calle Real, Viviré, Flamenco Vivo o Soy gitano, entre otros álbumes memorables.

Carrera llena de estrellas

En la carrera de Pachón figuran también artistas tan singulares como el rockero sevillano Silvio, para quien realizó Al este del Edén y Fantasía occidental, los malagueños Tabletom o Rocío Jurado, para quien compuso la banda sonora de La Lola se va a los Puertos, de Josefina Molina, un campo en el que repetiría para la película Belmonte, de Juan Sebastián Bollaín.

Sin embargo, su terreno natural fue siempre el flamenco, en el que siguió trabajando con grandes creadores como Rafael Riqueni, Tomatito o Diego Carrasco, así como jóvenes valores como Maíta vende Ca o La Macanita. Durante 50 años estuvo a la cabeza del sello Flamenco Vivo, con un impresionante archivo que nadie, excepto él mismo, ha logrado ver en su totalidad, pero que atesora joyas fonográficas y audiovisuales de incalculable valor, incluyendo incontables fiestas privadas.

Otros hitos suyos fueron el documental Triana pura y pura, que narra la expulsión de los gitanos del barrio de Triana de Sevilla. Entre los galardones que jalonan su carrera destacan el premio Imagenera 2013, Festival de Sevilla Panorama Andaluz, el Beefeater In-Edit Film Festival Mejor Película y el Premio Leyenda del Flamenco de San Fernando.

Fue tentado para dirigir la Bienal de Sevilla -“Nunca ocurrió porque las personas responsables consideraban que yo era muy gitanero”, decía encogiéndose de hombros- y llegó a estar al frente del Instituto Andaluz de Flamenco, apenas por un año entre 2019 y 2020, cuando ya era octogenario. En cierto modo, este cargo, aunque fugaz, coronaba una trayectoria que ahora, con la marcha del sevillano, deja un caudal de música sencillamente impresionante.

En la década de los 90, Enrique Heredia, 'El Negri', paladeó las mieles del éxito al frente de su grupo. La Barbería del Sur fue uno de los abanderados del llamado Nuevo Flamenco, promiscua etiqueta que copó las listas de éxitos de ese decenio con nombres como Ketama, Navajita Plateá, José 'El Francés', El Barrio o Maita Vende Cá. Ahora, 25 años después, muchos de estos nombres siguen luchando por mantenerse en un mercado que ha vivido la convulsión de internet y una transformación profunda de la industria discográfica.

“La vida ha cambiado, también las formas de hacer y escuchar música, pero gracias a dios yo no he parado de hacer lo que me gusta, y las ganas de hacer cosas siguen siendo las mismas”, asegura 'El Negri'. “Aquello dejó un buen montón de discos y canciones, en la mente de todos están Alegría de vivir, No estamos locos o los temazos del Blues de la Frontera de Pata Negra, pero, sobre todo, quedó un concepto que mantiene su vigencia y que trasciende el flamenco. Ahora escucho a grupos internacionales que recuerdan a cosas que ya hacíamos nosotros”.

Una de esas canciones fue sin duda Ya no quiero tu querer, que coronó a un joven gitano de Montpellier llamado José Rodríguez Vázquez; para el mundo musical, José 'El Francés'. “Entré a grabar en un estudio por primera vez animado por Juan 'El Camborio' y por mi familia y mis amigos, sin más interés”, recuerda. Su primer disco, Las calles de San Blas (1992), contenía el citado tema, pero hubo de esperar a siete años después, cuando la ola del Nuevo Flamenco se hallaba en su apogeo, para relanzarlo.

El resultado superó las expectativas: 800.000 discos vendidos, número uno en Los 40 Principales… “Fue una locura. Recuerdo que en la primera edición del Gran Hermano el que sería el ganador se lavaba los dientes todos los días escuchando mi canción. De pronto me vi en los mejores escenarios, con Alejandro Sanz, con Rosario, con Laura Pausini, con Julio Iglesias… A veces me preguntaba: '¿Qué pinto yo aquí?'. Lo viví con mucha intensidad y no fui del todo consciente de lo que hacía. Creo que no supe disfrutarlo”.

Éxito y reticencias

Lo cierto es que bajo el paraguas de Nuevo Flamenco se acogieron propuestas musicales de lo más variadas, algunas muy alejadas de los fundamentos jondos, y apenas perfumadas por el compás de la rumba y la sonoridad de la guitarra española. Este hecho, sumado al éxito de la etiqueta, hizo que muchos viejos aficionados arremetieran contra ellos, considerándolos prácticamente la encarnación del demonio que venía a acabar con el flamenco de siempre. Ignoraban que muchos de ellos venían de familias de rancio pedigrí flamenco. “Ahora los artistas se saltan algunos cursos, pero yo empecé muy chico con el maestro Enrique Morente, hice con él los parvulitos y no paré de trabajar hasta llegar a la Champions League, pero ya sabemos que es muy difícil ser profeta en tu tierra”, subraya 'El Negri', mientras que 'El Francés' recuerda aquellas reticencias incluso en su casa: “Lo primero que grabé, se lo puse a mi padre, que es mi mejor crítico. Lo escuchó, se me quedó mirando y me dijo: ‘No me acaba de llenar’. Pero al día siguiente me llamó y añadió: 'He vuelto a escucharlo y, cuanto más lo hago, más me gusta, porque tienes personalidad'”.

Las mujeres no permanecieron al margen del fenómeno. Desde el dúo Azúcar Moreno, con su pop latino de aires aflamencados, hasta el jovencísimo trío Las Chuches, vendieron también miles y miles de discos. Sara, integrante de estas últimas, tenía 12 años cuando popularizaron su gran éxito, Cómo ronea. “Fue inolvidable, una oportunidad única para unas niñas locas que solo queríamos cantar”

Las Chuches fueron de las últimas en surfear aquella ola, pero recuerdan sus canciones como un producto natural de lo que las rodeaba. “El flamenco se vivía en nuestras casas, era parte de nuestro día a día. En nuestras familias, quien no sabía tocar la guitarra era percusionista o cantaba, pero la música no podía faltar. Cualquier cosa que hiciéramos, iba a sonar flamenco”.

Cursillos para cantantes

En San Fernando, la villa natal de esa inagotable fuente de inspiración para los nuevos flamencos que es Camarón de la Isla, surgió el grupo Maíta Vende Cá, capitaneado por el cantante Antonio 'El Caña'. Su primer disco alcanzó el platino, superando las 100.000 copias. “Es una alegría grande haber vivido todo eso y poder contarlo”, afirma. “Creo que, si seguimos aquí, es porque no hemos perdido el interés por seguir aprendiendo, armonías musicales, composición… Es la verdadera historia interminable”.

Cifras que hoy serían difíciles de igualar incluso para grandes estrellas del pop, constante presencia en medios, el Nuevo Flamenco empezó a declinar con el cambio de siglo. El balón se desinfló considerablemente por diversas razones, algunos se mantuvieron en el mercado como buenamente pudieron y no pocos se quedaron en la cuneta. Para 'El Negri', “pasaron muchas cosas en muy poco tiempo: la piratería golpeó muy duro, y creo que también hicieron daño los programas de televisión que distorsionaron lo que es un artista”. “La gente pensó que haciendo un cursillo te convertías en cantante”.

Sin embargo, todos ellos siguieron sacando discos cada dos o tres años, aunque el foco ya no recayera sobre ellos. Sara de Las Chuches recuerda aquel “parón” que nunca llegó a ser completo. “Nunca me desvinculé de los escenarios, seguí haciendo cositas sola pero en formatos más íntimos”, comenta.

La música no muere

En el caso de 'El Negri', aquel largo invierno le iba a permitir vivir experiencias inesperadas, como girar por un tiempo con Paco de Lucía o abrirse a nuevos públicos, como el mexicano, cantando boleros y otros géneros ajenos al flamenco. “Son cosas que no se buscan, pero fue una época muy interesante, me enriqueció mucho musicalmente y me sentí muy querido por gente como Gilberto Santa Rosa o Manzanero”.

Hasta qué punto su público de siempre sigue ahí, y si esta música puede decirle todavía algo a las generaciones más jóvenes, es algo que los artistas no dudan. 'El Negri', que actualmente también trabaja como productor, recomienda a su hijo artista, Heredia, “que vaya con calma y que disfrute el momento, porque sabemos que esta industria hoy te pone en lo más alto y mañana te tira a la basura y nadie habla de ti. Pero tus valores no debes perderlos bajo ningún concepto”.

“Gente como Omar Montes o Lola Índigo nos dicen que hemos sido un referente para ellos. Viene a vernos gente que nos escuchaba ‘cuando roneaban’ con sus hijos, y eso es maravilloso”, asevera Sara. Para José 'El Francés', “la música no muere cuando es bonita, y nosotros tuvimos la suerte de tener un público fiel y sabio que sigue divirtiéndose con nosotros”. Antonio 'El Caña', por último, no se resigna recordando los buenos tiempos y sonríe pensando que el tren del éxito puede volver a pasar: “En el arte, las oportunidades son infinitas”.

Era chequetito y poquita cosa, pero cuando subía al escenario se convertía en un gigante capaz de empequeñecer al más pintado. Se llamaba Pepe Habichuela y con su guitarra combinó vanguardia y tradición hasta llegar a los últimos rincones del flamenco. Para quien no sepa de lo que hablo, que escuche sus trabajos con Dave Holland o con The Bollywood Strings, un par de muestras de lo que Pepe era capaz de hacer llevando el flamenco a los territorios del jazz o de la música hindú sin perder las raíces, sin extraviar el origen ancestral de una música “demasiado bella para ser ignorada”, tal y como decía el productor Mario Pacheco para presentarla al mundo.

Dedicó su primer disco a Mandeli, su abuelo, Habichuela el Viejo, que se ganó el jallipén con la sonanta por el Sacromonte granadino. Mandeli sería el primero de una saga que, con el tiempo y el camino en cuesta, conquistaría el mundo desde la Granada de los sonidos negros; la misma que recorre el Albaicín y que encontró su voz en Morente; y en Pepe Habichuela su mejor compañía. Sé lo que me digo, pues tuve la suerte de frecuentar a Pepe Habichuela, hace años, cuando iba hasta su casa, en Campamento, a un tiro de piedra del Simago donde a veces entraba con Josemi, su hijo, a ver si ya tenían colocadas las casetes de Ketama en el principio de los principios, cuando todavía el mundo se resistía a escuchar a un grupo que mezclaba flamenco con música picada por la sal del Caribe. Llegábamos en el Peugeot de Pepe Luis, su primo, y ahora que voy y recuerdo estás cosas, veo a Pepe Habichuela con la sonrisa a punto y la sonanta siempre entre las manos, buscando nuevos caminos, acordes y falsetas donde nos enseñaba que el arte no consiste en otra cosa que en hacer fácil lo difícil.

Yo era una sombra que buscaba ser iluminada y el ritmo flamenco me entregó su candil, ya digo, a un tiro de piedra del Simago, donde las casetes de los Ketama que apenas se veían mientras en los baretos de Campamento sonaban grupos que daban verdadera lache, que en caló quiere decir vergüenza. Pepe Habichuela contaba con cuarenta y pocos años; y cuarenta y pocos kilómetros eran los que había entre el Simago de Campamento y el aeropuerto de Barajas por la M-40 hacia la Autovía del Suroeste tirando en el Peugeot de Pepe Luis por el Paseo de Extremadura y desde allí a un avión que los dejaba en París, o en Berlín, o más arriba, cuando los Habichuela salían de gira con la bailaora suiza Nina Corti y yo me quedaba en tierra.

Siempre me dio canguelo volar. Prefería quedarme con los pies en el suelo, leyendo a Fernando del Paso que, por entonces, me tenía la cabeza volada, y con su ayuda y armado con el ritmo de los Habichuela, alcanzaría la orilla del desastre, desde donde ahora escribo estás líneas. Vuela alto, Maestro.

La expresión popular “irse por peteneras”, tan arraigada en el vocabulario cotidiano, posee un significado descriptivo y singular. Se utiliza como una frase hecha cuando un interlocutor desvía de forma abrupta el hilo de una conversación, evasiva que se emplea con la clara intención de eludir una respuesta o de evitar hablar sobre un tema incómodo o carente de interés personal. Según la Real Academia Española, la frase se traduce en hacer o decir algo fuera de propósito. En un sentido más amplio, implica dar una respuesta vaga para salir al paso de una pregunta. Este comportamiento suele resultar irritante, desairado o criticable para quien espera una respuesta sincera.

En la sociedad, esta expresión encuentra variadas aplicaciones que ilustran su función de escape. Un ejemplo común ocurre cuando alguien regresa de un lugar secreto y, al preguntarle, responde con un escueto “estuve por ahí”. También se observa cuando una persona es consultada sobre un asunto que desconoce pero, para no quedar mal, se desvía detallando lo poco que recuerda. Asimismo, es una conducta típica de quienes se comprometen a algo y terminan dando largas con excusas para aplazar su deber. En el terreno de la política, es un escenario idóneo para ver cómo hay gobernantes que eluden las preguntas difíciles con florituras que no responden al fondo de la cuestión.

La vinculación de la frase con el flamenco reside en una evolución semántica que añade un matiz al desvío. En el lenguaje de la calle, irse por peteneras significa cambiar de tema con el fin de introducir una historia lastimera para influir en la audiencia. Esta relación no es casual, pues la petenera es uno de los palos más tristes, melancólicos y enigmáticos del repertorio flamenco. Su cante, lento y sentimental, evoca un profundo dolor y una gran intensidad dramática. Al usar la expresión, se asocia esa evasión con la naturaleza melancólica y misteriosa de este género gaditano. Así, la lengua une la salida tangente con un cante rodeado de enigma y misterio.

Detrás de este enigmático cante se halla la mítica y legendaria figura de Dolores la Petenera. Y es que hay investigadores que coinciden en que este palo flamenco debe su nombre y origen a esta singular mujer nacida en el municipio gaditano de Paterna de Rivera. Según la tradición oral, Dolores era una joven de gran belleza y fortísima personalidad que se trasladó a Triana. En Paterna, Dolores habitaba en una choza de la Pasadilla de Jiménez antes de mudarse al Callejón de los Ahorcados, donde fraguó el cante que revolucionó la provincia.

La leyenda envuelve a Dolores y la dibuja como una auténtica “femme fatale” del siglo XIX, bella e impulsiva en el amor. Se decía que jugaba con los sentimientos masculinos, siendo cruel con sus amantes, varios de los cuales perdieron la vida de forma violenta, convirtiéndola en la perdición de los hombres. Esta trágica estela provocó que el cante por peteneras quedara maldito y asociado con la mala suerte. Muchos cantaores gitanos se negaban rotundamente a interpretar estas coplas e incluso a escucharlas para no caer en desgracia. Así, el misticismo y la superstición se entrelazaron para siempre con la figura de esta célebre cantaora paternera.

A pesar de la escasez de datos oficiales sobre su vida, existen valiosos registros históricos de su arte. El escritor Serafín Estébanez Calderón describió una fiesta en Triana donde una cantaora llamada Dolores interpretaba coplillas melancólicas denominadas perteneras. Asimismo, un anuncio del Diario de La Habana reveló que en 1844 ya se representaba en Cuba la pieza “La Petenera Gaditana”. Estas evidencias demuestran que eran canciones populares muy extendidas en los teatros de Cádiz antes de incorporarse al flamenco. La fuerza de Dolores y la maestría de la Niña de los Peines dieron al cante la imponente estructura dramática de hoy.

Una escultura y un teatro

El municipio de Paterna de Rivera, ubicado en la provincia de Cádiz y célebre por su ganadería brava, custodia con orgullo el legado de su cantaora. El pueblo se erige como la cuna de la petenera, un sello de identidad de su rica cultura musical. En 1982, la localidad inauguró un monumento en honor a Dolores, obra realizada por el escultor Jesús Cuesta Arana. Inicialmente situada en la Plaza de la Constitución, la escultura fue trasladada a la actual Plaza de la Petenera. Este emplazamiento se encuentra junto al Pozo de Medina, donde la leyenda cuenta que Dolores acudía a por agua, integrando el monumento de bronce con la memoria oral del lugar.

La huella de Dolores sigue viva en una Paterna de Rivera que conmemora sus raíces con eventos de gran trascendencia. Desde 1972, la localidad celebra el Concurso Nacional de Cante por Peteneras, certamen de enorme prestigio que en este 2026 cumple su cincuenta aniversario. Este certamen se ha consolidado como un gran referente que atrae a las mejores figuras del cante, toque y baile. Para saldar una antigua deuda cultural con los vecinos, el municipio inauguró el magnífico Teatro Municipal Dolores la Petenera. Construido gracias a la subvención de la Diputación de Cádiz, este moderno espacio rinde el tributo definitivo a la mujer que revolucionó el cante jondo.

El guitarrista flamenco José Antonio Carmona Carmona, más conocido como Pepe Habichuela, ha muerto este martes a los 82 años en Madrid a causa de una enfermedad pulmonar. Fue una de las figuras más influyentes de la guitarra flamenca contemporánea. El tanatorio Servisa de Carabanchel estará abierto durante la mañana del miércoles y después será trasladado a Granada para su entierro.

“En la calle La Alegría donde se pasea mi alma, unos cantan y otros bailan y yo hablo con mi guitarra, y el ritmo me llega/ Alegría que sale de mi, habla al corazón, huele a Yerbabuena”. Esta letra grabada hace 25 suena hoy a epitafio, a manifiesto sobre la manera de estar en el mundo del maestro Pepe Habichuela. La encontramos en Oriente, la rumba que abre Yerbabuena (Nuevos Medios 2001), su disco en colaboración con la orquesta india Bollywood Strings. Entre guitarras y violines, un coro de mujeres deja esta letanía de colores que lo impregna todo. Oriente suena actual y fresco un cuarto de siglo después y ejemplifica la carrera del músico granadino, musicalidad, flamencura y mestizaje con otras músicas.

La curiosidad y la valentía de Pepe Habichuela viene de mucho antes de Yerbabuena, viene de hace 50 años, cuando abandona el sueldo fijo de un tablao para sentarse junto a otro granadino, Enrique Morente, a pegarle tres vueltas al flamenco. Nervios, ilusión y ninguna certeza hacia el futuro ante un ambiente de lo jondo que rechazaba de pleno los caminos de la experimentación. “Me he partido los cuernos yendo todos los días a casa de Enrique a trabajar”, confesó el año pasado en una entrevista en Radio3.

El resultado de esos meses encerrados en el estudio mientras su mujer, Amparo Bengala, mantenía la casa con su sueldo de bailaora en Torres Bermejas, fueron dos discos que se publicaron en 1977, Homenaje a don Antonio Chacón y Despegando. Con ellos, y con los años que siguieron, Enrique Morente y Pepe Habichuela se convirtieron en una de las parejas más decisivas en la actualización y evolución del flamenco.

Pepe Habichuela nació José Antonio Carmona en Granada en 1944 en el seno de una dinastía de artistas. Desde que era un niño subía las cuestas del Sacromonte arrastrando su guitarra para ganarse unas perras en las zambras. El mayor de los hermanos, Juan, antes de embarcarse en una gira internacional le llamó desde Madrid para que ocupase su lugar en el tablao Torres Bermejas. Ahí, codeándose con los grandes artistas del momento, se labró el reconocimiento como profesional y el cariño como persona.

Dicen que cuando los Habichuelas tocaban juntos se producían desconchones en los techos encalados de las cuevas de Granada. Ese rasgueo poderoso y único que necesitaba para que la guitarra se dejase oír en las bullangueras zambras y en los tablaos fue el elemento diferencial de la guitarra de la mítica saga de tocaores. Pero había mucho más en esas guitarras granaínas. El Día de Andalucía de 1993 Morente presentó a sus acompañantes en el concierto del mítico colegio mayor San Juan Evangelista, Juan y Pepe Habichuela como “la orquesta sinfónica del Albaicín”.

Tras acompañar a Enrique en las primeras diabluras jondas, Pepe inició una carrera en solitario que se consagró con el primer disco flamenco del sello Nuevos Medios. Con A Mandeli, Pepe estrenaba la denominación Jóvenes Flamencos que tan de moda se puso posteriormente. En plena grabación del mismo el segundo de los hermanos Habichuela le comentó al jefe de Nuevos Medios, Mario Pacheco, hay unos chavales que están haciendo un flamenco fresco que merece la pena. Eran los Ketama y este golpe de nepotismo visionario hacia su hijo y sus sobrinos impulsó al grupo que puso a bailar a toda España en los años 90.

Gracias a su curiosidad y a la libertad creativa que le daba Nuevos Medios, Pepe Habichuela —con el apoyo incondicional y discreto de su hijo Josemi Carmona— pudo tejer una de las carreras más internacionales del flamenco. Además de la ya citada colaboración con la orquesta india Bollywood Strings, Pepe Habichuela grabó con el trompetista Don Cherry —que decía que su guitarra era “un árbol llorando”— o el bajista Jaco Pastorius. Especialmente fructífera fue su colaboración con el también bajista Dave Holand con quien giró varios años por los mejores festivales de jazz. Hace pocos meses Holland se dejó caer por la casa de los Habichuela en el barrio de Lucero de Madrid para despedirse de su amigo, que ya peleaba con la cruel enfermedad que se lo ha llevado. Los abrazos y las sonrisas sortearon una vez más las barreras de comunicación, aunque no vino mal la ayuda de algún nieto y de la fotógrafa alemana Anya Bartels Suermont, amiga de la casa.

Esta vez no ha hecho falta llegar al día de la despedida para dar vida a la leyenda de un artista. La leyenda y el reconocimiento a Pepe Habichuela no ha hecho nada más que empezar, pero arrancó hace ya algunos años, cuando los que tienen poder de decisión resolvieron que, por su bondad artística y humana, era necesario celebrarlo en vida. Todo empezó en el Circo Price, donde músicos de muy distintas disciplinas le rindieron homenaje en tres días consecutivos; el Festival Flamenco On Fire de Pamplona le nombró desde la primera edición su embajador perpetuo aunque él prefería llamarse “el emBadajoz del flamenconfair”.

El ministro de Cultura José Guirao le concedió la Medalla de Oro del Mérito a las Bellas Artes, algo que el Gobierno actual elevó recientemente a la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio, la más alta distinción de nuestra cultura. El tributo que el mundo del flamenco le brindó el verano pasado en las Noches del Botánico de Madrid, entre otros tantos gestos de agradecimiento por toda España, son la muestra del cariño que ha recibido merecidamente en los últimos años. El regalo más importante que nos deja Pepe Habichuela a todos los aficionados a la música es haberse ido con las botas puestas tocando hasta hace muy pocos meses, bien pasados los ochenta, en los mejores escenarios con la misma sonrisa y la misma flamencura de siempre.

El Teatro Romano de Mérida se ha convertido esta noche en un auténtico cortijo andaluz. Sus tablas, acostumbradas a vivir clásicos, han recibido una versión del mito de Electra y su “jonda” herida que ha empujado al espectador a vibrar con una energía propia de un tablao flamenco.

Al más puro estilo de ‘La Casa de Bernarda Alba’, el mito clásico ha sido trasladado a ‘Electra Jonda’ “como la desmesura que la hace trágica”, un grito desgarrador que resuena en la actualidad, donde los grandes personajes de la antigüedad se han despojado de sus túnicas para transformarse en seres de carne y hueso, devorados por una moral inflexible y pasiones indomables.

En mitad de este asfixiante escenario, Carolina Lapausa encarna a una Electra herida que vive consumida por el dolor de la repentina muerte de su padre y el rencor hacia su madre Clitemnestra, representada por Alejandra Torray. Su interpretación, cargada de una madurez trágica, nos descubre a una mujer rota en pleno duelo cuya única balsa de salvación es la justicia.

Frente al reproche de una madre que busca justificar su pasado, Clitemnestra le recalca que en vida de su padre “bastantes cosas” dejó estar y desde la angustia escupe un “¿es que yo no cuento?”. Ante la situación una Electra llena de odio, cae con el peso frío de una losa respondiendo: “él contaba más para mí, de sobra lo sabes”.

El público ha podido empatizar con los personajes en medio de una descarnada guerra de reproches, silencios y heridas mal cerradas gracias a la fusión de la palabra de sello lorquiano con los doce bailarines, dirigidos por el coreógrafo Manuel Segovia, bajo la responsabilidad de dar cuerpo, a través del taconeo y el duende, al implacable y latente destino de esta familia.

Del mito a personajes de carne y hueso

A través del texto original de Juan Guerrero Zamora —recuperado tras quedar guardado en un cajón durante años— y bajo la dirección artística de Manuel Canseco, la cantaora Teresa Hernández ha desgarrado los corazones del público con su cante y la guitarra de José Luis Montón ha dibujado con sus acordes el dolor de esta familia sobre el escenario.

En el latente ambiente de sospechas irrumpe Orestes, interpretado por Daniel Miguélañez, cuyo personaje se aleja por completo del brazo ejecutor de los dioses o del héroe trágico. Con su llegada, una Electra rabiosa le recalca que “fue de repente, pero no de enfermedad” lo que le llena de un profundo mar de dudas y cuestionamientos.

En el reverso de la obsesión destructiva de su hermana se alza la figura de Crisótemis, interpretada por Paula Colorado, que identifica una fortaleza distinta, cimentada exclusivamente en el amor familiar sin llegar a la vulnerabilidad, sino una mujer poderosa que emplea su energía para intentar mantener las cosas como están, buscando desesperadamente proteger a los suyos y evitar que la sangre vuelva a teñir las tierras del cortijo.

César Lucendo ha cargado de potencia a Egisto, el capataz de la finca sobre el que recaen todas las suspicacias tras el asesinato de Agamenón, asumiendo el imponente y realista reto de irrumpir en la escena del monumento romano montando a caballo.

El contrapeso de este torbellino de rencores lo ejerce María Garralón en la piel del Aya. Su figura funciona como espejo de la consciencia y la voz de la verdad de la manera más cruda en un entorno familiar hostil y devastado.

Incluso en la densidad del ambiente que evocan las obras de Lorca, la inocencia de “El Niño”, interpretado por Ainhoa Molina como hijo de Casandra y nieto del ciego, aparece estratégicamente como un bálsamo de energía positiva en un momento en el que “la verdad es una pedrada que ninguno queremos que nos de”.

El desgarro del cante y los secretos del cortijo

El misticismo y la profecía se construyen desde los límites entre el amor libre y la tradición. El veterano Juan Gea compone a El Ciego, un trovador que atesora un motivo secreto para guiar el desenlace fatal. A su lado, su hija Casandra, interpretada por Teresa Hernández, canaliza la clarividencia no correspondida ni aceptada, además del dolor de los acontecimientos a través de un cante flamenco en directo que eriza la piel y sentencia el porvenir de la obra.

El pilar invisible que sostiene la tensión en este cortijo ha sido, sin duda, su arquitectura musical y coreográfica. Los bailaores han ilustrado la tragedia convirtiéndose en el motor interno del drama.

Con una técnica impecable, el dominio de los tiempos y el control del espacio escénico han delineado con sus cuerpos la opresión y la agobiante atmósfera de la casa, logrando que el dolor no solo se recite, sino que llegue hasta el rincón más escondido del Teatro.

La propuesta musical demuestra un conocimiento profundo de las raíces más puras del arte flamenco con la sobriedad y la hondura de sus acordes para reflejar el relato trágico que la obra exige.

Cada falseta y cada rasgueo seco entablan un diálogo perfecto con el cante desgarrador de Hernández en el papel de Casandra, con una madurez vocal admirable ha canalizado el sufrimiento del linaje a través de un quejío contenido, manejando los silencios con una templanza propia de los grandes nombres del género.

Es esta perfecta comunión entre el taconeo rotundo del coro, la guitarra y el cante en directo lo que regala al festival un espectáculo total, donde el duende y la precisión técnica se alían para conmover profundamente al espectador contemporáneo.

Al apagarse el último eco de la guitarra, la obra culmina en el Teatro Romano logrando una ovación de pie, fruto del trabajo y la emoción de la historia.

La bailaora gaditana Sara Baras inaugurará la XXIV Bienal de Flamenco de Sevilla los próximos 11, 12 y 13 de septiembre con su nuevo espectáculo, Infinita, una obra dedicada a las mujeres y a Andalucía con la que ha descubierto que existen “puentes donde antes veía fronteras entre el folclore y el flamenco”. Sobre las tablas del Teatro de la Maestranza se podrá ver esos días a una artista más madura: “El flamenco me ha enseñado que el arte no es cuestión de lucirse, sino de entregarse”.

En una entrevista concedida a Europa Press, la artista ha confesado que recibir la noticia de que sería la encargada de inaugurar la Bienal le produjo una enorme emoción. La bailaora, que regresa al festival 14 años después de su última actuación, ha asegurado sentirse ilusionada porque abrirá la cita con un espectáculo dedicado a la tierra. “Estoy realmente feliz y espero que salga tan bonito como yo lo siento”, ha señalado.

Sobre Infinita, ha expuesto que la idea de rendir homenaje a Andalucía surgió de una necesidad personal, pues la artista ha explicado que ha realizado “creaciones a las emociones, al flamenco, a los maestros, a personajes históricos y a muchos momentos que han marcado mi carrera y mi crecimiento artístico, pero la tierra es el origen de todo. Me planteé cómo devolverle a mi tierra todo lo que me ha dado, porque soy quien soy gracias a ella”, ha desgranado. La bailaora ha reconocido además que “nunca pensé que lo haría así, pero coincide con la vigésima creación de la compañía y llega en un momento precioso”.

El recuerdo de Paco de Lucía

En este contexto, la artista ha recordado que su anterior montaje, Vuela, estuvo dedicado a Paco de Lucía por “la necesidad de agradecer al maestro”, al tiempo que ha rememorado que el previo a éste, titulado Alma, fue un homenaje a su padre. “Últimamente mis trabajos nacen de esa necesidad de dar las gracias. Mi baile se ha convertido en puro agradecimiento”, ha expresado.

Así, ha desvelado que ese tributo a Paco de Lucía nació tanto desde una vertiente profesional como personal. “Tuve la gran suerte de conocerle y no tengo palabras suficientes para agradecer haberle tenido tan cerca”. En este sentido, ha explicado que con Vuela ha podido agradecérselo.

Aunque la gira nacional de este espectáculo ya ha concluido, ha avanzado que ahora arranca el periplo internacional, que los llevará a China el próximo mes de noviembre. Por este motivo, ha subrayado que “la esencia de Vuela es como la de Infinita: ese homenaje al maestro nunca va a terminar, siempre formará parte de nuestra manera de bailar y de crear”. “Tras Alma y Vuela, la continuación natural era Infinita”, ha apostillado.

Con respecto a este nuevo espectáculo, Baras ha señalado que existen “muchas diferencias” en comparación con los anteriores, destacando que “al profundizar te das cuenta de que lo que creías sentir por tu tierra es aún mayor, y descubres la grandeza de Andalucía en todos los sentidos”, tras apuntar que este proceso le hace ver que “todavía queda mucho por aprender”.

“Puentes entre el folclore y el flamenco”

A través del flamenco, ha descubierto que donde antes veía fronteras, “ahora hay puentes”. “Antes veía diferencias entre el folclore y un palo del flamenco, y ahora entiendo que están unidos porque nacen de la identidad de un mismo lugar, puedes compartirlo con un lenguaje más ordinario o más exquisito, pero todo viene de la misma raíz. Esa es la gran diferencia de Infinita: ver desde otro punto de vista unas fronteras que toda la vida creí que existían y que realmente no están”, ha desgranado.

En este sentido, la artista ha aclarado que el espectáculo se centra en el baile femenino, aunque huye de simplificaciones geográficas. “Está dedicado al baile de mujeres, sólo hay baile de mujeres, pero no significa que cada bailaora represente a una provincia. De hecho, puede ocurrir que una provincia, vista desde el corazón de una mujer, esté interpretada únicamente por los músicos”, ha matizado.

“Son intérpretes con distintas personalidades que se unen para generar un mismo latido: el alma de Andalucía. Hay coreografías en las que somos siete sobre el escenario y otras en las que estoy yo sola; quizás yo represente a una provincia en solitario, sin necesidad de que se asocie de forma literal una mujer a cada territorio”, ha detallado.

Baras ha señalado que la inspiración para este montaje proviene de “todas las mujeres” y de la propia cultura popular. “La identidad de una provincia no sólo está en el flamenco, sino también en lo que se baila en la calle”, ha apuntado, poniendo como ejemplo que en Málaga se bailan los verdiales, pero “puedes interpretarlos de forma compleja o adaptarte a ese momento de compartirlo con el pueblo, y eso es algo muy bestia”. En este sentido, ha explicado que el reto ha sido “coger esa esencia y llevarla al escenario, combinar la naturalidad de la calle con la seriedad que exige levantar un telón, nos está haciendo crecer muchísimo”, ha confesado.

La “esencia” de cada provincia

De igual modo, ha apuntado que la labor de guion, coreografía y dirección ha sido muy intensa, pues “no se trata simplemente de enlazar palos del flamenco; es la esencia y la identidad de cada provincia pasada por un colador”.

Al hilo de lo anterior, la artista ha subrayado que de Andalucía le inspira “todo”. “El flamenco me ha enseñado que el arte no es cuestión de lucirse, sino de entregarse”, ha destacado, indicando que “no entiendo mi baile sin esa entrega, y ahí está la esencia de todo lo que te rodea”. “Esta tierra es tan rica que puedes inspirarte en un paisaje, en los colores, en un sabor, en un ritmo, en un palo del flamenco, en una forma de cantar o en una manera de recoger aceitunas. Hay un sinfín de cosas importantes que te inspiran”, ha manifestado.

Para la bailaora, Infinita representa a “Andalucía como una flor”. “Las cosas infinitas son maravillosas porque nosotros estamos de paso; esto venía de antes, nosotros lo dejamos y otra persona lo continuará”, ha manifestado, para aclarar que “las cosas verdaderas son infinitas”. “El arte no tiene fronteras porque va directo al corazón y, según quién lo haga, en qué momento y dónde, ejerce una atracción única”, ha explicado.

En defensa de las nuevas tendencias

Sobre sus proyectos de futuro, Baras ha confesado que le queda un sueño muy importante por cumplir: “Que la investigación del síndrome de Rett consiga algo para aliviar esta enfermedad”. En este contexto, ha explicado que es madrina de la asociación Mi Princesa Rett para asegurar que “los años que haga falta seguiré ahí, intentando poner mi granito de arena, porque eso sí que sería una meta grande”.

Respecto a la evolución del flamenco, Baras ha asegurado que “el flamenco vive un gran momento”, algo que atribuye al legado de sus grandes referentes, reafirmando que siente “una profunda admiración por mis maestros como Paco de Lucía, Carmen Amaya, Antonio Gades o Camarón”. “Ellos han hecho que hoy el flamenco sea respetado en todo el mundo; ellos empezaron la evolución y nosotros seguimos intentando mostrar nuestra forma de hacerlo desde el respeto a la tradición”, ha desgranado.

De igual modo, ha defendido las nuevas tendencias actuales, subrayando que “es muy importante que las cosas que se hacen hoy y las fusiones sumen, algo que ocurre siempre que uno tenga su identidad muy marcada”. “Son propuestas que unen y que atraen a otros públicos, a gente que a lo mejor piensa que el flamenco no le gusta y lo descubre a través de otros registros. Me parece muy interesante que la gente lo haga como lo está haciendo actualmente”, ha abundado.

Por último, la artista ha definido Andalucía con el mismo nombre de su espectáculo, señalando que esta tierra es “infinita”. En este sentido, ha concluido que se identifica con palabras como “soñar, sentir, corazón, emoción y pasión”, conceptos que, a su juicio, hacen a esta región una tierra inagotable.

La iniciativa de la Diputación de Badajoz 'Pasión por el Flamenco Sin Frontera', para proyectar internacionalmente el talento flamenco de la provincia, ha llevado a Londres los espectáculos 'En tierra de hombres', de Esther Merino, y 'Luz de Guía', de Francisco Escudero 'El Perrete'. La cita con el flamenco extremeño se incluyó dentro del Flamenco Festival Londres.

La presidenta de la Diputación de Badajoz, Raquel del Puerto, asistió anoche al Sadler’s Wells Theatre de esta ciudad británica para presenciar los dos espectáculos incluidos en el proyecto, acompañada del diputado provincial de Identidad Cultural, Deportes y Juventud, Ricardo Cabezas.

La primera de las actuaciones fue ‘En tierra de hombres’, protagonizada por Esther Merino, una propuesta que reivindica la fuerza expresiva del flamenco desde la autenticidad, la raíz y la personalidad artística de una de las grandes voces de la provincia.

Al final del espectáculo la propia Esther Merino se mostraba sorprendida de la respuesta del público: “La reacción del público ha sido brutal”, según declaraciones difundidas por la Diputación.

Posteriormente, el escenario londinense recibió a Francisco Escudero ‘El Perrete’, con el espectáculo ‘Luz de Guía’, una muestra del cante flamenco más profundo y del legado que continúa transmitiéndose entre generaciones.

A juicio de la Diputación, con ello se demuestra que el flamenco en la provincia tiene “identidad propia, calidad artística y capacidad para emocionar más allá de nuestras fronteras”.

De esta forma, la Diputación de Badajoz ha expresado que mantiene su apuesta estratégica por este arte, no solo a través de la programación cultural, sino también desde la formación y la preservación del patrimonio flamenco.

A iniciativas como el Festival Porrina de Badajoz o Pasión por el Flamenco, se suma el impulso académico mediante el Conservatorio Profesional de Música ‘Juan Vázquez’, “pionero en Extremadura” al incorporar el cante y la guitarra flamenca como enseñanzas estables.

Por su parte, Raquel del Puerto ha destacado que esta presencia en Londres “es un orgullo porque supone llevar el nombre de la provincia de Badajoz y de Extremadura a un escenario internacional”.

La presidenta ha señalado que el objetivo de la institución provincial es “que se conozca el talento que tenemos en nuestra provincia, que es muchísimo”, y defendió que “el flamenco es parte de nuestra identidad y de nuestra cultura, y queremos que traspase fronteras”.

La presidenta ha dicho además que esta iniciativa representa una oportunidad para abrir nuevos caminos a los creadores extremeños. 

Son las doce de la mañana y la gente de Cádiz, que sabe la perla que tiene, forma una cola larguísima para ver la nueva creación de Rosa Romero. Con paciencia, los espectadores van llenando la sala de La Merced. Con todos ya sentados sale a escena un bicho rojo en traje de seda, un glóbulo sanguíneo que es todo cuerpo, gesto y presencia. Es la propia Romero transformada en un bicho que es, al mismo tiempo, pura destilación de la mujer gaditana e icono bufo de la performer moderna. Romero todavía no es conocida por el gran público, pero lleva tiempo avisando. Esta artista lo tiene todo: cabeza, presencia, guasa, cuerpo y, sobre todo, compás.

La pieza se llama El discurso y no está acabada. Tan solo mostró 30 minutos dentro del programa del Festival Cádiz en Danza. El estreno será en el Festival TNT de Terrasa en septiembre. Los espectadores del festival ya saben de la potencia de la artista que tienen en frente. Pero da igual: cualquiera, avezado o no en esto de la danza y las artes vivas, puede darse cuenta de la fuerza insólita de este bicho. De que pisa como nadie el escenario, de la extraña mezcla entre tradición y moderneo y de su dominio del tempo escénico.

Romero en Debut es capaz de mezclar el Macbeth de Shakespeare con un discurso feminista y hacerlo mofándose de sí misma y de toda la escena contemporánea al mismo tiempo. “En las tragedias griegas los personajes femeninos mueren justo después de discursar, alertando del peligro al que se expone una mujer al hablar”, explica Romero en conversación con elDiario.es. “De un modo similar, las contemporáneas estamos siempre dándolo todo en escena, hasta reventar, entregadas como la Liddell, venga a cortarnos las venas”, añade con ojos de pícara.

Romero siempre se agarra al humor y, sin romper ese código, poco a poco la guasa va cogiendo un sabor agridulce. Poco a poco, ese ser rojo va mostrando otro lado que recoge la esencia de esas mujeres andaluzas que arrastran por las calles sus vidas colgadas de bolsas, hijos y hombres inútiles. La pérdida, la vida como un calvario, todo un sentir jondo se va dejando entrever en esa supuesta puesta en escena tan moderna y contemporánea. Pero, ¿quién es esta gaditana que parece un Ignatius Farray reencarnado en una mujer que canta mientras fríe tortillitas de camarones? ¿Quién es Rosa Romero?

Cinco años de locura eremita

Rosa Romero tiene ojos de niña, pero ya peina los cuarenta. Comenzó joven, hace ya 20 años, con esa generación a la que hoy se conoce bajo el nombre de “Málaga power”. Allí estudió e hizo sus primeras obras junto a nombres como Alberto Cortés, la Chachi, Alessandra García, Violeta Niebla o Luz Prado. Años de experimentación y “háztelo tú mismo” que fueron desgastando a esta joven, que veía que aquello no daba para vivir: “Hacía títeres para cumpleaños infantiles o me vestía de conejo gigante, y acabé cansada de ganar 50 euros por función, así que decidí irme”.

Después de un paso efímero por Madrid, Rosa volvió a su San Fernando y decidió alquilarse un local antes que un piso donde vivir: “Me pasaba la vida allí, currando, tirada en un sofá”. Aquel encierro fue un volver en sí, a su origen: “Ya había recorrido mucho, conocido otras gentes y pude comenzar a valorar lo que había aprendido en casa, que tiene que ver con el compás y el flamenco. Comencé a investigar sobre cosas que eran mías, que me salían natural”. Romero recuerda que comenzó a bailar todos los días, como hacía de pequeña en su habitación. Pero se fue quedando sola: ninguno de sus compañeros podía seguirle el ritmo.

Romero no salía de aquel local donde estuvo encerrada cinco años; poco a poco fue pasando gente que la fue ayudando. Entre ellos, el propio Alberto Cortés —con quien montó varias piezas—, pero también la coreógrafa Patricia Caballero, que supo ver su esencia. “Un día Patricia, viéndome bailar, me dijo: 'Quieta, ahí, sigue con eso, sigue'”, rememora. Romero señala uno de los momentos de giro en su carrera en el que se dio cuenta de que aquellas improvisaciones podían tener un valor artístico, que eran la piedra sobre la que fundar su teatro. Empecé a descubrir la necesidad de poner el cuerpo en el centro, de trabajar con la voz y con el compás, descubrí cuál podía ser mi lenguaje“, resume la artista.

De esa vida de eremita salió con una pieza, Esta no es la vida privada de Rosa Romero, que estrenó en Sevilla, ciudad en la que decidió comenzar una nueva vida de la que surgiría una de las piezas fundamentales de su carrera: Debut. En ese trabajo nace su movimiento ya consolidado, un movimiento flamenco que reta, que expulsa algo del cuerpo y que Romero convierte en espasmo, en breve momento donde su cuerpo es poseído por un bicho que tiene más de gremlin macarra y juguetón que de pesadilla negra o afectación flamenca.

Siempre agarrada al humor, a lo no hecho, al fragmento roto, su baile es como la anagnórisis de un personaje que de repente se da cuenta de quién es realmente. Debut es una obra que sigue viva y que se podrá ver el 29 de junio en la sala Reina Victoria de Palma del Río. Quien quiera ver el nacimiento de una artista no tiene nada más que ir a verla. La pieza llegará también a Madrid, al espacio de Infinito Delicias, el 17 de octubre.

Tras aquella, realizó otra gran pieza, Soy un baile (2023), que creó con apoyo de más gente: la Aceitera de Rocío Molina (que la adora), la Caldera en Barcelona o el TNT de Terrasa. Llegaron los premios y el reconocimiento de la escena contemporánea en esta pieza en la que Romero hacía desaparecer un cuerpo que buscaba ser validado para hacer nacer otro bien distinto, libre. Eso sí, vestida en un pijama imposible, tan ridícula como punki.

La transformación y el círculo flamenco

Hablando con ella, poco a poco, va dejando mostrar de dónde surge todo. Romero es animal contemporáneo, se lo ha visto todo, algo que se nota en cómo cuida cada aspecto de sus trabajos. Los vestuarios con Gloria Trenado, la inserción de la música, el tratamiento del cuerpo en escena… Pero en sus piezas también hay guiños hacia lo flamenco que no son meros resabios andaluces, sino que tras ellos se esconde la fuerza medular de esta creadora.

Romero creció en el Barrio de las Callejuelas de San Fernando, el mismo que Camarón de la Isla. Su abuela vivía en un patio de vecinos donde todos compartían cocina y baño, y se crio con su madre y su tía, Lela Fontao, que regentó durante años la Venta de Vargas, templo del flamenco donde con ocho años Camarón cantó por primera vez. Romero creció en torno a la asociación de mujeres salineras del barrio, donde su madre y su tía, con otras mujeres, vendían tortillitas de camarón para pagar la factura de la luz de alguna asociada o solucionar los miles de problemas de aquellas mujeres que vivían en un barrio obrero y necesitado.

“Me acuerdo cuando Antonia estaba con la espumadera y se ponía a cantar. Se transformaba, parecía otra persona. O cuando pasaba el Nazareno, la procesión, que salían fuera y le cantaban, me cogían de la mano y las miraba mientras notaba cómo vibraban… Aquello, aunque lo viviera con normalidad, me impactaba mucho”, evoca Romero.

Eso mismo busca Rosa Romero en sus piezas, esa transformación, ese convertirse en otro en escena. Lo hace con mesura, casi sin que se note, con cierto decoro de mostrar sus raíces. Algo que, sin embargo, ha explotado en su colaboración con una de las flamencas con más power del panorama, María Moreno. En su última obra, Magnificat, que llegará al Albéniz de Madrid el 19 de julio dentro del festival Villanos del flamenco, Romero se suelta el pelo hasta el descoloque.

Esa infancia también le ha dado el otro vértice sobre el que estructura sus piezas: el corro, el círculo flamenco al que la empujaban de pequeña a bailar, donde se convocaba para que algo pasase. “Cada día me importa más el público, estar lúcida para darme cuenta de qué pasa en ese círculo y encontrar cómo retroalimentarnos para que algo pueda ocurrir”, explica Romero. “En esas ando ahora con la nueva pieza, veremos”, concluye.

La bailaora granadina Patricia Guerrero y el violagambista sevillano Fahmi Alqhai han trabajado juntos en numerosos proyectos, a veces en escenarios insólitos. Sin embargo, este lunes tienen una cita muy especial en la National Gallery de Londres, donde actuarán ante los cuadros de una gran exposición que el museo dedica a Zurbarán. Paraíso perdido es el título del espectáculo que brindarán en el marco del 21º  Festival Flamenco de la capital británica, un viaje sonoro y plástico inspirado en el Barroco a través de la Sevilla del siglo XVII.

“Hace unos años estuve en el British Museum. Ahora podremos decir que en Londres hemos ido a las joyas de la corona”, comenta el músico con buen humor, al tiempo que explica que esta vez fue el propio festival, junto con el Instituto Cervantes, quien los reclamó. Por su parte, Guerrero señala que “he estado con Fahmi en sitios muy particulares, como en el Museo del Prado, donde actuamos en la Sala de las Musas. Pero este proyecto en concreto encaja muy bien con los espacios museísticos”.

La granadina, actual directora del Ballet Flamenco de Andalucía, asegura que “bailarle a una obra de arte provoca una conexión inexplicable. En mi caso, la pintura es algo que me llena de inspiración, como la literatura, que me provee de recursos, de colores, vestuarios, movimientos... Además, sientes que todas las horas que el artista pasó delante del lienzo en cuestión están ahí”.

Un dúo singular    

Un ejercicio, el de bailarle a los cuadros, que en los últimos años va camino de convertirse en moda, habida cuenta de los numerosos creadores que lo practican. “Si está bien hecho, si hay un buen concepto detrás y los elementos son óptimos, me parece una idea interesante siempre”, dice Alqhai. “La música y la pintura son artes que suman, no se estorban entre ellas”.

Cabe recordar que Paraíso perdido se estrenó en la pasada Bienal de Flamenco de Sevilla y ha hecho un notable recorrido, aunque el violagambista asegura que “ha ido cambiando un poco con el tiempo. Aquí traemos otro formato, adaptado al espacio y las circunstancias”, explica. “Paraíso perdido habla de la tradición de la danza barroca española que afectó a toda Europa, se convirtió casi en un idioma común para ir poco a poco estilizándose. Nosotros queremos plasmar su origen y su evolución, y retomar el camino”.

Para Guerrero, se trata de un montaje “diferente desde su origen, empezando porque se trata de un dúo de viola de gamba y baile flamenco. Pero llevamos tantos años haciendo cosas juntos, que ya había un lenguaje común creado. A esto va a sumarse ahora Zurbarán, que tiene esa profundidad y esa verdad que conecta con el barroco y con el flamenco”.

De corazón a corazón

Una pieza que viaja a la Sevilla del siglo XVII, las fiestas populares y los bailes —especialmente los de las comunidades negras en barrios como San Bartolomé— fascinaban y escandalizaban a las clases altas. “Danzas como las folías, los canarios, las chaconas y la zarabanda llegaron desde América y se pusieron de moda entre la élite”, informa el programa. “Sus ritmos de doce tiempos, que hoy pueden escucharse en las alegrías y las soleares, fueron refinados para adaptarse a los ambientes cortesanos. Estos bailes abrieron caminos paralelos entre la luz y la oscuridad, la inocencia y el vicio, conectando las culturas de opresores y oprimidos”.

La velada de la National Gallery comenzará con una conferencia de Alicia Navarro, que explorará cómo las danzas transatlánticas cautivaron y, al mismo tiempo, inquietaron a las élites de la época. A continuación, tendrá lugar el espectáculo propiamente dicho, que bebe directamente de estos contrastes barrocos mediante figuras como “las orgullosas marizápalos, las lujuriosas marionas, la envidiosa pasacalle y el iracundo fandango, que van apareciendo a lo largo del recorrido. Todo culmina en una codiciosa chacona, donde el flamenco se estiliza y Bach adquiere un carácter exuberante”.

La conexión entre ambos artistas es total. Para Alqhai, el encuentro con Guerrero “fue un flechazo desde que la conocí, de esos en los que alguien se cruza contigo y te cambia el camino. Es muy fácil y muy enriquecedor trabajar con ella, porque es una gran artista, y lo digo más allá de la danza y más allá del flamenco. Después de todos estos años, la siento como parte de mi familia, de mi carrera, y siempre que puedo vuelvo con ella, más en estos programas tan íntimos, tan de corazón a corazón”.

Salir y entrar del código

En similares términos se expresa la bailaora, quien sonríe al afirmar que “Fahmi ya es más flamenco que barroco, pero yo también me he vuelto un poco barroca a su lado, porque cuando investigas nuevos mundos, nuevos lenguajes, algo queda en ti. La música clásica me ha fascinado desde pequeña, hay piezas como las que traemos que tienen la sonoridad de un quejío, que conecta muy bien con lo jondo. Por otro lado, desprenderte de la pesada estructura del flamenco es muy liberador, mantienes la profundidad pero ahora es mucho más ligera. Ahora soy capaz de entrar y salir rápidamente de uno u otro código”.  

“El flamenco siempre ha sido parte de mi repertorio, desde que la vocación de la música se convirtió en una parte fundamental de mi vida”, afirma el músico, conocido por su trabajo en la formación Accademia del Piacere. “Aunque yo vengo del heavy metal, recuerdo cómo, sin llegar nunca a ser un gran estudioso, me encantaban los casetes de Camarón y Paco de Lucía, o los discos de grupos afines como Triana o Alameda. Vivir en Sevilla y no ser ajeno al flamenco es algo muy natural. Es por eso que he podido integrarlo a mi discurso, sin ponerme ninguna etiqueta, y apoyándome siempre en gente como Dani de Morón, Agustín Diassera, Rocío Márquez o la propia Patricia Guerrero, que me ponen las cosas mucho más fáciles”.

En cuanto a la recepción del público londinense, Guerrero destaca que “el director del Flamenco Festival, Miguel Marín, ha creado una afición que ya espera su cita con el flamenco todos los años, y se nota. El año pasado vine con el Ballet Flamenco de Andalucía con Pineda, y es emocionante ver un teatro con la calidad de un Sadler’s Wells lleno de gente que ha aprendido a decir ‘olé’”.

El municipio pacense de Castuera celebrará el próximo sábado la vigésimo cuarta edición del Festival Flamenco 'Porrina', una cita ya consolidada en el calendario cultural extremeño que volverá a reunir sobre el escenario a destacados nombres del cante, el toque y el baile flamenco.

El festival ha sido presentado este lunes por el vicepresidente primero de la Diputación de Badajoz, Juan María Delfa; la primera teniente de alcalde de Castuera, Piedad Roso; el coordinador del programa, Sergio García; y el bailaor Diego Andújar, uno de los artistas participantes.

El cartel de esta edición estará integrado por los cantaores Alicia Gil, Miguel de Tena y Jesús Méndez; el bailaor Diego Andújar; Cristina Tovar al cante para el baile; los guitarristas Manolín García, Vicente Santiago y Lito Espinosa; y Jorge Pérez y Dani Bonilla a las palmas.

Durante la presentación, Juan María Delfa destacó la apuesta de la Diputación de Badajoz por reforzar la presencia de Extremadura en el panorama flamenco nacional e internacional. En este sentido, señaló que iniciativas como el circuito Pasión por el Flamenco o festivales como el de Castuera contribuyen a proyectar el talento de la región y a consolidar una programación cultural de referencia.

Por su parte, Sergio García explicó que el cartel ha sido diseñado con el objetivo de reflejar la diversidad del flamenco, combinando artistas extremeños con otros procedentes de distintos territorios. Una propuesta que, según indicó, busca mostrar “lo nuestro” sin renunciar al intercambio artístico y cultural que enriquece este género.

La organización del festival cuenta con la colaboración de la Federación Provincial de Peñas Flamencas y de la peña flamenca de Castuera, una entidad que, según destacó Piedad Roso, reúne a más de 300 socios y socias y desempeña un importante papel en la dinamización cultural del municipio.

El bailaor Diego Andújar aprovechó su intervención para recordar cómo ha vivido el festival desde la infancia y para reivindicar el papel de los artistas extremeños dentro del flamenco actual. En este sentido, destacó el esfuerzo que muchos profesionales realizan al desarrollar parte de su carrera fuera de la región, aunque manteniendo siempre el vínculo con su tierra de origen.

Asimismo, defendió la autenticidad del flamenco extremeño, que definió como un arte “de verdad” capaz de conectar con públicos de distintos lugares. A su juicio, el respaldo institucional a través de programas culturales permite que exista relevo generacional y que continúe creciendo una cantera de artistas que mantiene viva la tradición flamenca en Extremadura.

El XXIV Festival Flamenco 'Porrina' se celebrará en el Centro Cultural de Castuera y volverá a convertir al municipio en uno de los principales puntos de encuentro para aficionados y profesionales del flamenco en la región.

En las letras flamencas abundan los locos. También asoman, de vez en cuando, los pintores y los bohemios. Lo que no había ocurrido hasta ahora es que unos artistas del género dedicaran un espectáculo al pintor loco por excelencia, Vincent Van Gogh. Eso es precisamente lo que tres de ellos van a estrenar este viernes en el marco del Festival Guirijondo de Palomares del Río (Sevilla).

El guitarrista holandés Tino Van der Sman, la bailaora californiana Cristina Hall y el cantaor jerezano David Lagos suman así talentos en A mí me llaman el loko, un montaje que se inspira en la obra y la mirada del autor de Los girasoles para moverse en la frontera entre la genialidad y el abismo. Según Van der Sman, la idea original fue sugerida por el director del festival Guirijondo, el crítico Manuel Bohórquez. “Empecé a trabajar con Cristina e incorporamos a un artista invitado, David Lagos. Sin embargo, a medida que avanzaban los ensayos, David se implicó tanto en la creación que decidimos eliminar lo de ‘artista invitado’, porque la obra también es suya. Es una creación de los tres”.

Aunque Van Gogh es el eje en torno al cual gira la obra, sus responsables han evitado contar su historia de forma literal. “Hemos tomado como referencia sus cuadros, su biografía y distintos aspectos de su vida: su trabajo en las minas, su profunda religiosidad, su complicada relación con las mujeres —tanto con su madre como con sus parejas—, la soledad y la sensación de no encajar. Esta última es una temática muy vinculada a los guirijondos, y algo que tanto Cristina como yo sentimos muy cercano: cómo encontrar nuestro lugar en el mundo”.

La fuerza de la escritura

“Es un espectáculo muy profundo y muy serio”, prosigue el guitarrista. “Lo hemos trabajado mucho, inspirándonos también en el cine, en las películas que se han hecho sobre Van Gogh. Hemos utilizado numerosos textos escritos por él, y quizá una de las grandes sorpresas ha sido descubrir no solo la fuerza de sus cuadros, sino también su enorme talento como escritor. Escribía extraordinariamente bien”.

La primera escena, por otro lado, en la que aparece Cristina Hall sola, “está inspirada en los dibujos a tiza de la época en la que Van Gogh aún vivía en Holanda y retrataba a la gente del campo. Toda esta primera parte está basada en el mundo rural y la religión. Él estudió para ser sacerdote y trabajó como predicador en las minas de Bélgica”, añade.

La segunda parte del espectáculo gira en torno al estudio, la imitación y la admiración. “Siempre me ha llamado mucho la atención, al leer sus cartas, la admiración que sentía por sus referentes. También abordamos aquí su relación con las mujeres. Hay una escena dedicada a la prostituta con la que mantuvo una relación en Holanda; de hecho, fue a una prostituta a quien entregó la oreja que se cortó. Y la tercera y última parte se centra en la locura y la muerte”.

Locura extrema

Todo esto se traduce musicalmente en el uso de palos como la petenera, “aunque en este caso se trata de una creación propia: tanto la melodía como la letra son nuevas. También interpretamos el polo, la caña y el taranto, este último vinculado claramente a la etapa de las minas en Bélgica, cuando aún no había decidido convertirse en pintor. He intentado reflejar musicalmente el impresionismo en una de las piezas, inspirándome en Debussy. El primer tema que interpreto tiene un carácter religioso, cercano a la Semana Santa, y evoca la iglesia. Hay también una bulería en la que busco una sonoridad muy tradicional, como reflejo de la etapa de aprendizaje y estudio. La caña fue quizá la pieza más difícil, porque en ella los tres buscábamos expresar la locura en su estado más extremo. Espero que esa búsqueda quede reflejada en escena”.

'A mí me llaman el loko' será el plato fuerte de una programación que hasta el sábado verá desfilar por Palomares del Río a flamencos tan singulares como la guitarrista china Lola Yang, su colega holandés Gaspar de Holanda o la bailaora igualmente holandesa María La Serrana, junto a artistas españoles de reconocido prestigio

En cuanto a la inspiración pictórica, cuadros como Los comedores de patatas están presentes desde inicio. “Fue su primera gran obra y, aunque hoy es considerada fundamental, fue muy rechazada en su momento. De hecho, un marchante de arte la desestimó por completo. También hemos trabajado a partir de La Berceuse, motivo por el que Cristina baila con una cuerda. En ese cuadro aparece una mujer sosteniendo una cuerda unida a una cuna que no se ve, y esa imagen nos sirvió como inspiración. Además, utilizamos su último cuadro, Campo de trigo con cuervos. Los cuervos tienen una presencia importante en la obra y, de hecho, el espectáculo concluye con una canción de Nina Simone, Blackbird, mientras hablamos de la muerte. Por último, también hemos tomado como referencia muchos de sus dibujos: las mujeres del campo, los trabajadores rurales y toda esa iconografía de sus primeros años”.

Flamencos del mundo

A mí me llaman el loko será el plato fuerte de una programación que hasta el sábado verá desfilar por Palomares del Río a flamencos tan singulares como la guitarrista china Lola Yang, su colega holandés Gaspar de Holanda o la bailaora igualmente holandesa María La Serrana, junto a artistas españoles de reconocido prestigio como el guitarrista Paco Peña (creador de la cátedra de guitarra de Rotterdam) o el cantaor El Pele. También estarán presentes divulgadores como el hispanista estadounidense Tyler Barbour o la periodista de Países Bajos Marlies Jansen.

Manuel Bohórquez, que creó el festival hace cuatro años, sigue creyendo que hay un flamenco más allá de las fronteras españolas que merece ser visto y escuchado con atención. “La idea de que cada año se dedique a un país va dirigida a que los aficionados conozcan bien cómo es el flamenco en el mundo, en este caso en los Países Bajos. El espíritu de Guirijondo es ese, dar una oportunidad a los artistas extranjeros y que Palomares tenga un sitio donde disfrutar y aprender”.        

La Diputación de Badajoz reforzó en 2025 su apuesta por una cultura cercana, diversa y accesible, consolidando un modelo que entiende la actividad cultural como motor de cohesión social, desarrollo territorial y democratización del acceso al conocimiento en la provincia más extensa de España. Así lo refleja el Informe de Seguimiento y Evaluación del I Plan Estratégico Provincial de Dinamización Cultural 2023‑2027, que evidencia el alcance de una programación diseñada para llegar a todos los rincones del territorio.

Durante el pasado año, el Área de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional realizó un esfuerzo inversor de 20,2 millones de euros, de los cuales más de 10,7 millones se destinaron directamente a políticas culturales. Este modelo se sustenta en la colaboración con ayuntamientos, asociaciones y agentes culturales, que también han aportado sus valoraciones y experiencias al informe.

La programación cultural impulsada por la Diputación alcanzó el 100 % de los municipios, con una media de 13,3 actividades por localidad y un incremento del 9,73 % respecto al año anterior, superando las 2.200 actividades. El informe subraya la amplitud del concepto de cultura que guía la acción provincial: un espacio abierto, plural y participativo que integra todas las sensibilidades, edades y formas de expresión. La oferta abarca artes escénicas, música, cine, literatura, artes plásticas, patrimonio cultural, archivos históricos, investigación, lectura pública, ocio creativo y actividades científicas.

Esta diversidad se materializa en iniciativas como BadeCirco, Danzaria, Badakadabra, D’Rule, DiJazz, Pasión por el flamenco, el Festival Porrina de Badajoz, el Festival de Copla “Rosa Morena” o Músicos en Movimiento, además de los circuitos de bandas, corales y grupos folklóricos. A ello se suman proyectos de animación lectora como Nubeteca, las actividades del Museo de Bellas Artes de Badajoz y de la Sala Vaquero Poblador, la recuperación del patrimonio documental, los programas de promoción del extremeño como ASSINA, las actividades de los conservatorios provinciales y la programación de su sede cultural de referencia, El Hospital Centro Vivo. En total, 45 programas propios o coordinados con otros organismos.

A este despliegue se añaden 7 convocatorias periódicas de subvenciones dirigidas a entidades locales y al tejido asociativo: ayudas para asociaciones culturales, ayuntamientos, cooperación cultural, escuelas de música, proyectos cinematográficos y audiovisuales o universidades populares, entre otras. La Diputación organiza además dos premios literarios de referencia: el Premio Arturo Barea de Investigación Cultural y el Premio Dulce Chacón de Narrativa Española.

Una cultura construida entre todos

La Institución mantiene una estrecha colaboración con el tejido asociativo y las entidades locales para adaptar la programación a las necesidades de cada territorio. En 2025 se trabajó con 240 entidades sin ánimo de lucro y se celebraron 162 reuniones con agentes culturales y responsables municipales, consolidando una red de escucha activa y participación continua.

El modelo de gestión cultural se basa en esta gobernanza compartida: el 82 % de las actuaciones se desarrollan en colaboración con ayuntamientos, asociaciones y otros agentes, lo que permite ajustar la oferta a la singularidad de cada municipio y garantizar el acceso igualitario a servicios culturales de calidad, independientemente del lugar de residencia.

El informe también destaca el impacto social y económico de estas políticas. Más de 10.100 profesionales participaron en las actividades programadas, y la red cultural provincial continúa generando empleo, dinamización económica y fortalecimiento del tejido social en todo el territorio.

Con ello, la Diputación de Badajoz reafirma su compromiso con una cultura descentralizada, accesible y transformadora, capaz de conectar tradición y modernidad, preservar las señas de identidad de los pueblos y abrir nuevas oportunidades de creación, participación y encuentro para toda la ciudadanía.

La Diputación de Badajoz ha presentado hoy uno de sus proyectos más ambiciosos para este año y el cual culmina su empeño por reconocer el flamenco como un arte propio de Extremadura. Después de dinamizar la provincia con circuitos itinerantes, asegurar el relevo generacional gracias al calendario de oportunidades y dotar de formación académica y profesionalidad la dedicación flamenca con estudios oficiales en el Juan Vázquez, su programa Pasión por el Flamenco se consolida como internacional y da el salto al proyecto Sin Frontera.

La institución provincial financia y organiza la celebración de cuatro conciertos en las citas más reconocidas mundialmente: dos en el Flamenco Festival Londres y dos en el Festival de Arte Flamenco de Mont de Marsan. Pasión por el Flamenco Sin Frontera se concreta en dos participaciones diferenciadas, cada una con propuestas distintas y adaptadas a las características de cada ocasión.

Así lo ha dado a conocer el diputado de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional, Ricardo Cabezas, en una rueda de prensa en la que ha quedado demostrado que la Diputación es la única administración de la región que ha apostado por los artistas de la tierra. Lo han refrendado tanto la cantaora Esther Merino y la bailaora Fuensanta Blanco, como Domingo González, del comité organizador del festival francés e impulsor del festival inglés, y Sergio García, productor y coordinador del proyecto.

González ha aprovechado el momento para recordar que “hasta aquí se ha llegado gracias a la notoriedad que alcanzó el año pasado Badajoz: flamenco sin frontera en Mont de Marsan”. El organizador ha dejado claro que, gracias a la Diputación, “la prensa española se fijó, con buena acogida, en lo que hay en Extremadura y, más en concreto, en la provincia”. Como ha recordado, “no había habido antes extremeños como cabeza de cartel en el Festival de Arte Flamenco”.

Durante su intervención, el productor y coordinador ha sentenciado que “se ha abierto un camino que tiene por delante mucho recorrido”. El elenco que aglutina este proyecto entre los dos festivales, ha dicho García, “estará a la altura de lo que empezó con el interés de la Diputación por reconocer el trabajo en solitario de tantos y tantas artistas, de todos los palos”. A lo que ha añadido que “ya era hora de que el flamenco extremeño tuviera los mismos recursos que otras compañías que llevan años con apoyo de sus regiones”. “Vamos a devolver el amor que ha puesto la Diputación y el que nos da nuestra tierra”.

Las artistas participantes que hoy han representado al resto de sus compañeros se han mostrado verdaderamente emocionadas. Fuensanta Blanco se ha atrevido a definir esta noticia “no como una noticia cualquiera, sino como el momento en el que, por fin, una institución nos da el lugar que merecemos”. A lo largo de esta lucha por darse a conocer, Blanco ha compartido que “Extremadura siempre tenía pequeños huecos, que hemos aprovechado y a los cuales hemos llevado con orgullo lo que sabemos hacer, pero no son suficientes”. Su amplio conocimiento y su preparación —la de todos— quedará patente en Francia gracias a lo que ella misma ha definido como “dos momentos para demostrar lo que nos representa”.

Por su parte, Esther Merino, quien será una de las protagonistas tanto en Londres como en Mont de Marsan, ha resumido la intención más clara de todo el trabajo: “devolver el amor que ha puesto la Diputación y el que nos da nuestra tierra”. Una gran responsabilidad, ha continuado, “pero muy bonita, con la que esperamos que el público valore la calidad del flamenco con sello de Extremadura”.

En la presentación también han participado los cantaores Francisco Escudero 'El Perrete' y Vicky González.

Acervo artístico y flamenco genuino

La programación se concreta bajo varios títulos que reflejan sin paliativos las características de este flamenco del que quiere presumir la Diputación de Badajoz.

La primera parada se llamará 'En tierra de hombres', y será el espectáculo de Esther Merino, Manolín García, Daniel Suárez, Dani Bonilla y José Manuel Oruco. Será en el prestigioso Teatro Sadler’s Wells, cuna de la danza y sede del cante internacional, el día 20 de junio a las 18:00 horas.

Después, a las 20:30 horas, en el mismo enclave, cogerá el testigo Francisco Escudero 'El Perrete', quien representará a la provincia con 'Luz de Guía – Live Set', también junto a Manolín García, Cristobal y 'El Aspirina'.

En Mont de Marsan, cuyo festival este año quiere centrarse en “lo jondo”, Badajoz mostrará el flamenco más transversal, que mira hacia atrás y valora el acervo artístico por el que se le reconoce.

El 30 de junio y el 1 de julio, Esther Merino, Fuensanta Blanco, Miguel de Tena, Vicky González, Manolín García y Daniel Suárez compartirán un escenario abierto, gratuito y emblemático del festival, en el centro de la localidad. Con los títulos 'Tierra jonda' y 'Resonancia', mostrarán al mundo el arte que nació y se cultiva en la Plaza Alta, Los Colorines, El Gurugú y buena parte de la provincia.

Ni su remoquete artístico ni su peculiar indumentaria permitieron nunca a José Domínguez Muñoz, 'El Cabrero', pasar desapercibido en el concurrido mundillo del flamenco. Tampoco su cante, lleno de honestidad y compromiso, que lo convirtió en un nombre cotizado en la era dorada de los festivales, allá por los años 80; ni su peripecia vital, que incluyó una esperpéntica condena por blasfemia con pena de cárcel en plenos rigores franquistas.

Este miércoles, según ha informado su hijo El Crespo Zapata, también cantaor, a través de Facebook, el artista ha fallecido tras una larga enfermedad. “Con todo mi dolor tengo que comunicaros en nombre de mi familia el fallecimiento de mi padre, El Cabrero. La capilla ardiente se instalará en el Teatro Municipal de Aznalcóllar. Sabemos lo que supone esta pérdida para muchos de vosotros”, ha trasladado a través de esta red social.

Hijo y nieto de cabreros, nacido en la localidad sevillana de Aznalcóllar en 1944, el artista nunca dejó de ejercer el oficio de sus mayores, a pesar del reconocimiento obtenido en su faceta escénica. “Sigo con las cabras”, le confesó al periodista José María Velázquez-Gaztelu, “para no andar dando los buenos días y las buenas tardes y andar soplando corbatas”, aunque también aseguraba que le gustaba “dormir en el baldío antes que en el redil”. Se fogueó en los primeros 70 en la compañía teatral La Cuadra de Sevilla, nacida de la mítica taberna homónima regentada por Paco Lira y conocida por sus textos contestatarios, en sus primeras giras por Europa conoció a Elena Bermúdez, quien sería su compañera de vida y su cómplice para todo, desde la escritura de letras a la representación artística.

Una veintena de discos jalonan una obra que se caracterizó, amén de su natural rebeldía canalizada a través del flamenco, por una concepción amplia de este arte, que incluyó la defensa de palos considerados “menores” por una parte de la afición, sobre todo los fandangos de Huelva, que bordaba en sus recitales, pero también trillas, tonás, soleares, seguriyas y malagueñas, haciéndose acompañar siempre por grandes guitarristas: Paco del Gastor, Manuel de Palma, Eduardo de la Malena, Rafael Rodríguez El Cabeza, José Luis Postigo, Niño Elías, Manuel Herrera...  

Su peripecia vital y artística quedó reflejada en dos documentales, la producción francesa El Cabrero. El canto de la sierra (1988), nunca proyectado en España, y Mi patria es la libertad (2024), de Joaquín Mimbrero, estrenado coincidiendo con su 80 cumpleaños. En ellos se recogen episodios fundamentales de su vida, que a menudo daban testimonio de su innata rebeldía: desde el castigo en el polvorín del Cerro de San Cristóbal que cumplió mientras hacía el servicio militar, a su paso por la cárcel, primero por una riña con un guarda forestal y luego por la mencionada condena por blasfemia, de la que salió indultado tras 22 días de presidio gracias a la movilización de grandes nombres del flamenco, con el sumo pontífice Antonio Mairena a la cabeza. Al Cabrero se le atribuye también esta reflexión, fruto de la mencionada experiencia: “Cuando un tío está en la cárcel, y si no sale de la cárcel, por lo menos sale su voz. A la voz no hay quien la pare, ni rejas ni paredes”.

Lo cierto es que El Cabrero se batió el cobre en todos los frentes, el de las servidumbres de paso, el de los límites del flamenco y el de la libertad de expresión. “Mientras que haya un hambriento/ que no hablen de igualdad./ Ya se encarga el capital,/ la monarquía y el clero/ que 'haiga' desigualdad”, denunciaba en una de sus letras más conocidas. Y aunque fue objeto incluso de alguna campaña de descrédito, lo cierto es que su carisma y su figura nunca fueron doblegados por presión externa alguna. Su simpatía por causas como la de Marinaleda, el pueblo sevillano del alcalde y sindicalista Sánchez Gordillo, cuyo festival flamenco no se perdió en casi cuarenta años ininterrupidos, era igualmente indisimulable.  

Un ictus le retiró de los escenarios en 2020 tras medio siglo de carrera cantaora, condenándolo a oficiar ahora como “pastor de nubes”, aunque no le faltaron el respeto de sus compañeros y el cariño de sus seguidores. Este miércoles, temprano en la mañana, dejaba de respirar un artista único, la penúltima leyenda del flamenco de la Transición, que ya brilla en el firmamento de la memoria junto a sus compañeros Camarón, Lebrijano, Bernarda y Fernanda o Fosforito.       

El cantaor José Domínguez Muñoz, más conocido como 'El Cabrero', ha fallecido según ha informado su hijo El Crespo Zapata, también cantaor, a través de Facebook. “Con todo mi dolor tengo que comunicaros en nombre de mi familia el fallecimiento de mi padre, El Cabrero. La capilla ardiente se instalará en el Teatro Municipal de Aznalcóllar. Sabemos lo que supone esta pérdida para muchos de vosotros”, ha trasladado a través de esta red social.

José Domínguez Muñoz nació en Aznalcóllar (Sevilla) en 1944. Su verdadera profesión siempre ha sido la de cabrero hasta que comenzó a trabajar con el grupo de teatro la Cuadra de Sevilla, dirigido por Salvador Távora. Allí forjó su figura de rebelde que llevó a los escenarios con letras reivindicativas en contra del régimen, algo que lo convirtió en un artista muy popular durante la Transición.

Sin embargo, además de esto, en 1980 participó en el IX Concurso Nacional de Arte Flamenco y gana por unanimidad el Premio “Mercé La Serneta”, Premio Nacional de Soleá, y por mayoría del jurado el Premio “Manuel Reyes El Canario” Premio Nacional de Malagueña.

Fiel a la tradición y defensor del cante sin artificios, autentico y sobrio, su fuerte fueron los fandangos de Huelva, que conoció hasta sus últimas consecuencias, y en su repertorio destacan las soleares, seguiriyas, malagueñas y tonás a las que les imprime su singular personalidad. También grabó discos de tangos argentinos y puso música por bulerías a canciones de Alberto Cortez.

Numerosas condolencias

Sobre el fallecimiento de El Cabrero se ha pronunciado el candidato de Adelante Andalucía a la Presidencia de la Junta de Andalucía, José Ignacio García, quien ha asegurado que el artista “nunca se irá del todo”. “La voz flamenca de la andalucía jornalera y revolucionaria. Gracias por tanto, camarada”, ha apostillado García en un mensaje en sus redes sociales.

De igual forma, el candidato de Por Andalucía, Antonio Maillo, ha asegurado también a través de sus redes sociales que Andalucía “pierde una voz irrepetible”. “Se nos va El Cabrero, cantaor de la dignidad, la tierra y la rebeldía. Su cante fue verdad y memoria para nuestro pueblo”, ha remarcado, a la misma vez que ha dedicado un abrazo a “su familia y a quienes hoy lo lloran”.

Por su parte, el Ayuntamiento de Aznalcóllar ha lamentado el fallecimiento de un “hijo ilustre” del municipio y “una de las figuras más importantes, auténticas y reconocidas del flamenco andaluz”. “Su pérdida supone un enorme dolor para Aznalcóllar, para el mundo de la cultura y para varias generaciones de aficionados que encontraron en su voz un símbolo de libertad, verdad y compromiso social”, ha apostillado a través de sus redes sociales.

Letras reivindicativas

“Reconocido por su defensa del flamenco más puro y por sus letras reivindicativas ligadas al mundo rural y a la justicia social, llevó el nombre de nuestro pueblo por toda España y numerosos escenarios internacionales, consolidándose como una referencia imprescindible del cante jondo”, ha querido destacar el alcalde de la localidad, Juan José Fernández Garrido (IU).

En este sentido, María Jesús Montero, candidata del PSOE de Andalucía a la Presidencia de la Junta de Andalucía este 17M, ha destacado que “se va uno de los artistas más comprometidos” con la región a través del cante flamenco. “El Cabrero hizo del arte jondo una herramienta para dar voz al campo andaluz, fundamentalmente, durante un periodo de nuestra historia como fue la Transición”, ha destacado, misma vez que ha mencionado que “su obra y su compromiso forman ya parte de nuestra memoria colectiva”.

En la misma línea, la candidata número uno del PP por Sevilla al Parlamento de Andalucía, Patricia del Pozo, ha lamentado el fallecimiento de esta “voz irrepetible del flamenco y símbolo de autenticidad”. “Andalucía despide a uno de sus artistas flamencos más queridos. Mis condolencias a su familia, amigos y seguidores”, ha indicado a través de su cuenta oficial de 'X'.

El Teatro Bretón de Logroño vive esta semana la última jornada del Ciclo Jueves Flamencos de esta edición, con ‘Muerta de amor’ y comienza el mes de mayo con el espectáculo ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’.

Tras cuatro meses sobre las tablas, el ciclo Jueves Flamencos pone punto y final a una edición en la que se reafirma la gran acogida por parte del público de este tipo de eventos. Para cerrar la temporada, este jueves 30 de abril, a las 20:00 horas, llega ‘Muerta de amor’, un espectáculo en el que una docena de artistas guían al espectador por un pasaje coreográfico, con carácter de copla, que apunta al deseo, la fantasía y la provocación. Lo hacen a través del cante de Juan de la María, acompañado por la artista invitada Mara Rey, y el baile coreografiado de Manuel Liñán (Premio Nacional de Danza 2017).

El espectáculo recibió en el Premio Talía 2025 varios galardones, en la categoría ‘Mejor labor de producción’ (Peineta Producciones) y en la mención ‘Mejor Intérprete masculino de danza’, entre otros premios.

El sábado 2 de mayo, a las 20:00 horas, se inaugura el mes con la obra ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’ de Henri Roorda, un alegato vitalista disfrazado de despedida. Se trata de texto sincero, divertido y conmovedor que celebra la belleza de vivir incluso en el umbral de la muerte. Con Mario Gas en escena y la dirección de Fernando Bernués, esta obra es una experiencia teatral que emociona y hace pensar sin perder de vista el humor.

El espectáculo tiene una duración de una hora aproximada y un precio único de 14 euros, ya que se trata de un espectáculo de aforo reducido. Las entradas están disponibles para su adquisición en la web del Teatro Bretón, la taquilla y a través del teléfono habitual.