El Gobierno de La Rioja celebrará el sábado 6 de junio la Gala del Folclore de La Rioja, en la Sala Florida de Alfaro, en una nueva edición de este encuentro cultural itinerante que tiene como objetivo preservar, difundir y acercar el patrimonio cultural inmaterial riojano a diferentes municipios de la comunidad autónoma. Los detalles de esta cita cultural los han presentado hoy, 26 de mayo, en rueda de prensa el consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, y la alcaldesa de Alfaro, Yolanda Preciado.

Pérez Pastor ha destacado que “esta gala es una iniciativa que recuperamos a comienzos de esta legislatura y que permite compartir todo aquello que nos une en torno a nuestras raíces populares, especialmente en lo relativo a la música, la danza, los trajes regionales y las letras de la jota”.

El consejero ha subrayado el carácter itinerante del proyecto, que “tras celebrarse inicialmente en Riojaforum y posteriormente en Santo Domingo de la Calzada, este año queremos seguir alternando entre Rioja Alta y Rioja Baja, llevando la gala en esta ocasión a Alfaro, a la Sala Florida”. Asimismo, ha señalado que la iniciativa “se complementa con el Festival de Escuelas de Jota de La Rioja” y que ambos programas “cuentan con una gran aceptación y cariño del público, porque recogen el trabajo diario de asociaciones y agrupaciones que mantienen vivas nuestras tradiciones y contribuyen a la transmisión generacional de nuestro folclore”.

En este sentido, ha añadido que se trata de “un trabajo colectivo que ha permitido recuperar y consolidar unas expresiones culturales que tuvieron un importante retroceso con el éxodo rural de mediados del siglo XX, y que fueron posteriormente revitalizadas a partir de los años 70 y 80”.

Por su parte, la alcaldesa de Alfaro, Yolanda Preciado, ha destacado que “Alfaro está encantado de acoger este año la Gala del Folclore de La Rioja” y ha subrayado su vinculación personal con estas tradiciones, al señalar que se ha sentido siempre “muy unida al folclore”, he formado parte de grupos de danzas desde muy joven y entiende que “es fundamental valorar y defender nuestras costumbres, nuestras raíces y nuestra forma de vida heredada de nuestros antepasados”. En este sentido, ha abierto la puerta a que la Gala del Folclore pueda ser impulso para recuperar el Grupo de Danzas de Alfaro.

Preciado ha añadido que “la gala tiene un carácter solidario, con un precio simbólico de 2 euros cuya recaudación se destinará a la Asociación de Artrogriposis Múltiple Congénita”, una iniciativa que ha vinculado a la situación de una familia de la localidad. Las entradas pueden adquirirse a través de la página web del Ayuntamiento de Alfaro, www.alfaro.es, y de la plataforma alfarocultura.sacatuentrada.es. Además de la venta online, las entradas podrán retirarse físicamente en el tótem del Ayuntamiento de Alfaro o en taquilla media hora antes del inicio del espectáculo hasta completar aforo.

Asimismo, ha indicado que el espectáculo, que comenzará a las 19 horas y ofrecerá un aforo de 423 localidades, “estará conducido por el artista alfareño Carlos Pérez Pascual, lo que garantiza cercanía y éxito de público”.

Programación de la Gala del Folclore

El espectáculo reunirá sobre el escenario a agrupaciones y participantes de distintas localidades riojanas, combinando música tradicional, danza y jota riojana, con especial protagonismo para jóvenes intérpretes y colectivos escolares. El programa arrancará con la actuación de Río Oja, histórico grupo de folk riojano destacado en la década de los 80 y cuyos integrantes se han reunido de nuevo para recuperar y poner en valor melodías tradicionales riojanas como ‘Bailache’, ‘Los quintos’ o ‘El voto de San Bernabé’.

Posteriormente, los escolares participantes en el proyecto Cantaula, procedentes de centros educativos de Alfaro, Rincón de Soto y Cervera del Río Alhama, interpretarán canciones populares del repertorio tradicional riojano como ‘La panaderita’, ‘Jota’, ‘Ya se van los pastores’ y ‘Tarara riojana’.

Las danzas regionales tendrán también un papel destacado en la gala con la participación del grupo de danzas Coletores, de Calahorra, y del grupo Puente Moros, de Alcanadre, que este año celebra su 30 aniversario. Ambas agrupaciones ofrecerán distintas manifestaciones del folclore riojano con interpretaciones como ‘La Rioja Alta’, ‘Jota rinconera’, ‘Repela’ o ‘La jota de Alcanadre’.

La jota cantada protagonizará además uno de los momentos centrales de la velada con las voces de los joteros alfareños Guillermo Castellano y Naiara Ezquerro, junto a un integrante del grupo infantil, simbolizando así la transmisión generacional de una de las principales señas de identidad culturales de La Rioja.

Tras las ediciones celebradas en Riojaforum, en Logroño, en 2024, y en Santo Domingo de la Calzada en 2025, el Ejecutivo regional continúa consolidando esta gala como un espacio de encuentro intergeneracional y de divulgación del patrimonio cultural riojano mediante un formato itinerante.

Hay una sábana blanca colgada en vertical, como tendida, de la que prenden platos de cerámica típicos de las paredes encaladas de las casas manchegas. Hay un diván de cabaret. Hay castañuelas, flores y cintas de todos los colores del arco iris. Y hay un rumor de agua que comienza a escucharse conforme se perfila, tras la tela, una silueta femenina que se contonea y alza los brazos prometiendo también fuego, aire y tierra.

La sábana se abre y es ella: Karmento. Vestida de blanco, con encajes y polainas, su presencia desata la locura del público desde el altar del Círculo de Arte de Toledo, una antigua iglesia desacralizada reconvertida en sala de conciertos.

Es la primera vez que la artista albaceteña recala en Toledo con una gira. Lo hizo hace un año y medio en el evento por el décimo aniversario de elDiario.es Castilla-La Mancha, en el Teatro de Rojas de la ciudad.

Ya entonces soñaba (se lo dijo a este medio) con conquistar al público toledano, una plaza algo difícil. Y lo ha conseguido. Cerca de 300 personas de todas las edades la vitorean nada más aparecer en el escenario y ella responde durante hora y media. Lo haría igual si hubiera tan solo dos personas delante. Pero en esta ocasión, Karmento tiene lo que se merece tras diez años intentando hacerse un hueco: su tercer álbum, ‘La serrana’, la ha encumbrado entre las mejoras artistas manchegas del país con su inigualable fusión de folclore y ritmos contemporáneos.

Jotas, pasodobles, cuplés, rancheras, ritmos de valls y zarzuelas, acompañados de timbales, percusiones, teclados, castañuelas y efectos sonoros y de luces. Ritmos pegadizos, letras feministas, pegadas a la tierra, odas a la lucha y a los sentimientos universales.

Todos estos elementos, pero sobre todo su expresión corporal, su prodigiosa voz y su puesta en escena, han conseguido que Carmen Toledo, su nombre original, despegue desde su pueblo serrano natal, Bogarra, hasta la isla de Malta, donde entró en contacto hace 15 años con músicos internacionales que la ayudaron a crecer como artista, y ahora hasta el cielo de los festivales y las salas llenas.

Karmento no solo interpreta cada canción entre el pitorreo y la tristeza, también mira a los ojos a su público, detiene su expresión en cada persona para decirle “esto es para ti” y se entrega a una interpretación disfrutona acompañada del gran músico Emilio Abengoza; de la violinista Alvany Guédez; la guitarrista Mariel de Lamo Requena; y la baterista y percusionista Rosario Herreros.

En ‘La loca del pueblo’, bebe de una jarra de agua para entonar gritos femeninos de guerra y contarnos su sed de fuentes inagotables. Cuando llega ‘Fangos’, agarra las castañuelas y cuenta que esta canción refleja el “punto de vida” en el que se encuentra como “mujer sexuada”, y desde ‘Fuego encendido’, cambia sus polainas por una minifalda de paño con detalles manchegos, parecidos a las famosas cortinas que protegen del solano las puertas de las casas manchegas.

A la artista no le acompleja arrancarse por coplas, hacer ‘perreos’ manchegos, marcarse un divertido homenaje al ‘Tatuaje’ de Concha Piquer y disfruta haciendo constantes referencias a Castilla-La Mancha y a “lo que nos gusta comer”, mientras recita versos de Miguel Hernández en su ‘Elegía a Ramón Sijé’: “A las aladas almas de las rosas / de almendro de nata te requiero / que tenemos que hablar de muchas cosas / compañero del alma, compañero”.

La locura que abandera, esa “chicharra encendida”, se desata también entre el público cuando canta ‘La serrana’, ‘La manchega en la azotea’, ‘Cri cri’, y sobre todo, ‘Quiero y duelo’, la canción con la que compitió en el Benidorm Fest, donde no ganó, pero sí gano, porque permitió que la escucharan en toda España. En esta última canción Karmento se baja del escenario/altar, canta entre el público desde el principio hasta el final. No quiere cumbres, quiere tocar, acariciar y seguir mirando a los ojos.

Al final, la cantante y compositora decide cerrar su concierto con ‘Hay que soltar’, una bellísima balada con rumores de “ancestras” en la que narra la necesidad de dejar atrás lo que ya no aporta, lo que duele. Así despide a su público, mientras vuelve a sonar el agua del inicio y la gente pide más. Más Karmento. Y ella besa a su público prometiendo volver.

El empeño de una pareja recién casada ha hecho posible que en el municipio riojano de Treviana se vuelva a pedir el rebollo. Una tradición que con el paso del tiempo se ha perdido en un pueblo en el que en 1940 vivían 1.204 personas mientras que hoy el número de vecinos no llega a 150.

Aun así, los hay que no se resisten a que el silencio de la despoblación borre tradiciones como pedir el rebollo. En Treviana, “cuando alguna pareja se casaba o cuando volvía de su viaje de novios, sus amigos o alguna cuadrilla del pueblo iba a su casa a cantarles canciones o a dedicarles cantares”, recuerda un vecino de la localidad. Pero el obsequio no era unilateral. Y es que a cambio del repertorio musical y el alboroto, los desposados entregaban una cuantía económica o, directamente, viandas y vino para celebrar una merienda conjunta.

La tradición albergaba matices de picaresca y sana rivalidad. “Los mayores del lugar rememoran con nostalgia los ”piques“ entre las distintas cuadrillas del pueblo, que competían en secreto para descubrir antes que nadie el día exacto del regreso de los novios y ser así los primeros en apostarse en su puerta para cobrar el ansiado peaje”. Incluso esta era una práctica “obligada” en caso de que alguno de los miembros de la pareja no fuera de Treviana. “Lo importante era juntarse y pasar un buen rato con algo de música popular, canciones y cantares, sobre todo, acompañados de buena comida y bebida”.

La vuelta a Treviana de la pedida del rebollo, el re-rebollo

Y esta tradición, compartida con localidades como Valgañón o Bañares, ha vuelto al presente gracias al empeño de una pareja joven y al consejo de un padre empeñado en que las raíces no se sequen. “Se propuso al grupo de la Asociación de Mayores Ildefonso San Millán que se animaran a elaborar una merienda con cantos. ”Al final son ellos los que mejor conocen nuestras tradiciones y estrofas de canciones típicas“. Este grupo de mayores accedió y corrió la voz entre el resto de vecinos. ”Más de 40 personas se juntaron y cantaron jotas, merendaron y hablaron de esta y de otras tradiciones“. Conversaciones que rescataron del pasado situaciones como cuando una pedida de un rebollo acabó con 14 personas cantando dentro de la habitación de la pareja recién casada o los piques de las cuadrillas del pueblo por enterarse de cuándo regresaba la pareja recién casada de viaje.

No ha sido una pedida del rebollo al uso. “En este caso ha sido la pareja quien ha invitado al resto del vecindario a merendar y cantar, pero este encuentro ha servido para rememorar una tradición y ojalá sea un punto de partida para que la próxima pareja que contraiga matrimonio tenga una cuadrilla en la puerta de su casa pidiendo el rebollo, cantando y pidiendo comer y beber”, desea este vecino para mantener la identidad rural.

Además de un éxito deportivo, el ascenso del Real Racing Club de Santander a la Primera División se ha convertido en un fenómeno social que atraviesa generaciones. En este contexto de euforia colectiva ha visto la luz 'Doce en el prao', una composición de Ettore Formicone que nace con el objetivo de sumarse al repertorio musical de El Sardinero.

La obra no es una canción de fútbol al uso, sino una pieza coral y épica que busca sus raíces en la identidad más profunda de Cantabria para celebrar que el equipo vuelve a la máxima categoría del fútbol nacional.

Ettore Formicone, músico, compositor y productor de origen italiano pero afincado en Santander desde hace 15 años, escribió este tema en diciembre del año pasado pero decidió esperar al mejor momento para presentarlo y, ese, no ha sido otro que el cumplimiento del sueño del ascenso.

Para Formicone, el Racing es mucho más que un club: “el Racing es Cantabria y Cantabria es el Racing”. El músico confiesa que, a título personal, acudir por primera vez a un partido en El Sardinero le permitió hace muchos años “comprender mucho mejor la idiosincrasia de la ciudad de Santander”.

Puente entre la tradición celta y el fútbol moderno

Lo que diferencia a 'Doce en el prao' de otras composiciones deportivas es su apuesta decidida por el folclore cántabro. El tema, con predominancia de voces femeninas, pretende convertirse en “una especie de grito de guerra de la afición”, utilizando como punto de partida el pasado celta, la cultura marinera y la tradición montañesa de la región. Para lograr esta atmósfera, Formicone ha integrado instrumentos típicos que conectan directamente con la memoria colectiva de Cantabria: el cuerno, el bígaro, la gaita y, como no, las panderetas.

La participación de las pandereteras, con su “canto hipnótico”, y el sonido de la gaita a cargo de Luis Ángel Jorrín Terán, aportan una dimensión mística y ancestral a la canción. El uso del bígaro y el cuerno tampoco es casual; funcionan como instrumentos de llamada, evocando la forma en que los antiguos cántabros se comunicaban entre montes o los pescadores saludaban al mar, trasladando ahora ese eco a las gradas de El Sardinero.

El carácter intergeneracional y multicultural de la actual afición del Racing ha querido reflejarse en la estructura coral de la canción. Así, el tema cuenta con una diversidad de voces que simbolizan “la heterogeneidad de la grada”. Entre las voces solistas destacan Raquel Cobo Gutiérrez, Yevdokiya Sverdlova, Lara Santos Rodríguez, Giulia Formicone Soto y el propio Ettore Formicone.

Además, el alma de la pieza reside en la potencia del Coro Joven de Santander, bajo la dirección de César Marañón. Su intervención eleva la canción a una dimensión más emotiva y grandiosa, reforzando la idea de que en el estadio no juegan solo once, sino que hay “doce en el prao”: los 11 futbolistas sobre el terreno de juego más la afición entregada. Como afirma el autor, “aquí sumamos todos, porque para restar ya están los adversarios”.

El himno de una nueva era

La letra del tema, que menciona sentimientos “verdes y poderosos como los montes” y olas “blancas e innombrables”, refuerza la conexión entre el paisaje de la región y los colores del club. “20.000 voces se unen en una que vibra, desde El Sardinero al mundo entero”, reza uno de los versos más potentes, subrayando la ambición de una afición que, tras 14 años de lucha, vuelve a lo más alto.

Para Formicone, ir a ver al Racing es casi una “liturgia”. El Sardinero no es solo un lugar físico, sino el hogar de una afición que ha demostrado su resiliencia en los momentos más difíciles. El deseo del compositor es que 'Doce en el prao' perdure en el tiempo y se convierta en el recuerdo de un gran momento para los niños y niñas que hoy visten la camiseta verdiblanca por primera vez.

Con el ascenso ya consumado, su objetivo es que sea el himno de una nueva era: un homenaje a la identidad cántabra y a ese “sentimiento verde y blanco” que, como el viento sur mencionado en la letra, sopla con fuerza para llevar al Racing de nuevo a lo más alto.

El grupo de danzas Aires de La Rioja ha creado el galardón, 'Raíces Riojanas, un nuevo reconocimiento con el que se pretende destacar la labor de quienes trabajan por la cultura riojana en colaboración con el Gobierno de La Rioja. Esta es la primera edición de este premio, que tendrá carácter anual, al que pueden optar personas, entidades, proyectos o asociaciones que contribuyan a preservar y enriquecer la cultura, las tradiciones y el patrimonio inmaterial de La Rioja.

Según explican desde el grupo de danza, este galardón “no establece restricciones por origen ni trayectoria: cualquier candidatura que refleje un compromiso genuino con la identidad cultural riojana puede ser optar a este reconocimiento porque 'Raíces Riojanas nace con la vocación de hacer visible el trabajo de quienes sostienen y proyectan la memoria y la identidad de nuestra tierra”. Y es que añaden que “este galardón entiende la cultura en un sentido amplio: la historia, la lengua, las artes, las tradiciones, la gastronomía, el patrimonio material e inmaterial…”. Así, y según las bases, podrán optar a este galardón personas, entidades, proyectos o asociaciones (con o sin personalidad jurídica) que desarrollen su actividad en La Rioja o estén significativamente vinculados a su cultura, independientemente de su lugar de origen.

El jurado estará formado por personas del ámbito cultural riojano y designadas por la organización, “serán quienes valoren las candidaturas y tomen la decisión por consenso”. La propuesta ganadora recibirá un trofeo conmemorativo que se entregará el 11 de junio, Día de San Bernabé, durante el Acto de Exaltación a las Raíces Riojanas que se celebrará a las 19:00 horas en el Paseo de El Espolón: “una celebración anual organizada por Aires de La Rioja en la que la danza, música e indumentaria tradicional riojana son protagonistas”.

Las personas interesadas pueden presentar sus candidaturas antes del 31 de mayo al correo electrónico airesdelarioja@hotmail.com. A través de este correo y del código QR de los carteles del evento se puede solicitar el documento de inscripción. Se han establecido tres modalidades de propuesta. Autocandidatura, la persona interesada o entidad presenta su candidatura: propuesta por terceros, cualquier persona, asociación o institución puede proponer a un candidato (con o sin conocimiento de este) y de oficio, la organización podrá proponer candidaturas que considere de especial relevancia.

La piel húmeda empezó a abrirse por la espalda como si no perteneciera ya a ese cuerpo que jadeaba sobre las rocas. La foca había salido del agua arrastrándose, dejando un rastro oscuro entre las algas, y su respiración cambió de golpe cuando el oleaje quedó atrás.

Bajo esa capa gruesa, comenzó a tensarse, primero en los hombros y luego en las manos que empujaban contra el suelo con una fuerza torpe. El pelaje cedió poco a poco y dejó ver una piel distinta, más clara, mientras la cabeza se alzaba con un gesto que ya no era animal. En cuestión de minutos, lo que había sido un cuerpo compacto y adaptado al mar terminó convertido en una figura humana encorvada, todavía cubierta por la piel que la retenía en tierra.

Las leyendas celtas presentan seres capaces de cambiar de aspecto

Las selkies forman parte del folclore celta y nórdico y aparecen descritas como seres capaces de alternar entre forma de foca y forma humana al desprenderse de su piel. Estas historias, recogidas en tradiciones de Escocia, Irlanda o Islandia, explican una relación estrecha entre las comunidades costeras y los animales que veían cada día en el mar.

Según recoge Patricia Monaghan en The Encyclopedia of Celtic Mythology and Folklore, esas focas no se entendían como simples animales, ya que muchas personas creían que tenían una naturaleza cercana a la humana. Esa percepción llevó a relatos donde las selkies intervenían en la vida de las personas, ya fuera como amantes, salvadoras o figuras ligadas a tragedias familiares.

El contacto con humanos ocupa buena parte de esas historias. Las selkies, sobre todo en su forma humana, se describen como figuras de gran atractivo, con una actitud cercana que llevaba a muchas personas a confiar en ellas.

En el caso de los hombres selkie, los relatos cuentan que buscaban a mujeres que sufrían o que estaban solas junto al mar, iniciando relaciones que terminaban de forma brusca cuando regresaban al agua. Esa desaparición repentina alimentó explicaciones sobre embarazos sin pareja o desapariciones en la costa.

El propio término selkie procede del escocés selch, que significa foca, en especial la foca gris que abunda en el Atlántico norte. En esas zonas, la presencia constante de estos animales, junto a sus ojos oscuros y su comportamiento cercano a la costa, llevó a interpretarlos como algo más que fauna marina. En algunas comunidades se evitaba comerlos porque se entendía como un acto cercano al canibalismo, y no era raro que pescadores hablaran con ellos como si pudieran entender.

Un pescador deja atrapada a una mujer lejos del océano

El relato más repetido gira en torno a una mujer selkie que pierde su piel. Un pescador la encuentra en la orilla, toma esa piel y la guarda, lo que deja a la mujer atrapada en tierra. Sin posibilidad de volver al mar, acepta vivir con él, forma una familia y lleva una vida aparentemente estable.

Años después, un descuido deja al descubierto la piel escondida en la casa, y la mujer la recupera en cuanto la ve. No duda, se despide de sus hijos y regresa al mar, dejando atrás la vida que había construido.

Algunas versiones de ese mismo relato endurecen aún más el desenlace. En ciertos casos, la mujer arrastra a sus hijos al agua, en otros los abandona para siempre, y en otros relatos el marido reacciona cazando focas en busca de venganza. También existen versiones donde la selkie regresa transformada en una figura que anuncia desgracias, vinculada a muertes en el mar que afectan a la misma comunidad que la retuvo.

Estas historias giran siempre en torno a un elemento común: la piel. Sin esa piel, la selkie no puede volver al mar, y con ella recupera su identidad completa. Esa dependencia convierte la piel en un objeto que define su libertad, pero también su vulnerabilidad frente a los humanos.

Varias teorías relacionan estas historias con hechos observados durante siglos

Al margen de la tradición oral, existen explicaciones que intentan conectar estos relatos con hechos reales. Una de ellas apunta a personas con sindactilia, una condición en la que los dedos aparecen unidos por membranas. En épocas donde no existían explicaciones médicas, esa característica pudo asociarse a un origen distinto.

Otra posibilidad se centra en pueblos como los sami o los inuit, que usaban prendas y embarcaciones de piel de foca y que, al secarlas en la costa, podían ser confundidos con figuras que cambiaban de forma.

El comportamiento de las focas, su cercanía a la costa y su apariencia contribuyeron a consolidar estas historias durante generaciones. Esa mirada tierna y su forma de moverse entre dos entornos distintos alimentaron una idea que todavía persiste en muchas zonas del norte de Europa.

Unas 15.000 personas han participado este domingo en la Romería de San Marcos Evangelista en el municipio tinerfeño de Tegueste, que se ha desarrollado sin incidentes, tal y como ha informado el Ayuntamiento.

La jornada comenzó a las 11:30 horas con la celebración de una eucaristía, tras la cual tuvo lugar la procesión de la imagen del santo, acompañada por autoridades locales e insulares, así como por la comitiva romera.

En esta edición, la número 58, participaron 26 carretas, cinco carros y cuatro barcos, además de agrupaciones folclóricas, ganado y la tradicional danza de las flores, que recorrieron las principales calles del municipio.

La romería contó con un dispositivo de seguridad integrado por más de 200 efectivos, entre Policía Local, Guardia Civil, Policía Canaria, Protección Civil y servicios sanitarios, que permitió el desarrollo normalizado de la celebración.

Durante el recorrido, los servicios de emergencia realizaron labores de prevención y control sin que se registraran incidencias relevantes, añade.

El Ayuntamiento ha destacado el carácter multitudinario de la convocatoria y la normalidad en su desarrollo, en una de las principales citas del calendario festivo local.

Vítor Belho no se lleva a engaño. “Queremos vivir de nuestro trabajo, y vivir lo mejor posible, pero Nordesía no nació para ganar mucha pasta. Pretendíamos ser un activo para la mejora de la comunidad musical, desde la convergencia entre tradición y modernidad”, asegura. Una empresa cultural, fundada hace ahora 30 años por Paco de Pin y el mismo Belho, que entiende que su función va más allá de lo mercantil, añade. “Las grandes cifras económicas ocultan la realidad diversa de la música popular, que a veces tiene dificultades para emerger”, sostiene, “nosotros seguimos creyendo en los artistas que se expresan desde la propia creatividad”. Nordesía, compañía clave en el despegar del folk gallego en los 90 y en la apertura a las músicas globales de raíz, celebra este sábado su cumpleaños con un concierto en la Sala Capitol de Santiago de Compostela.

El discurso de Belho sobre el estado de la cuestión musical en Galicia (y en el Estado) es crítico. Pese a ser uno de los empresarios culturales gallegos de mayor impacto, desconfía de lugares comunes. “Soy una persona observadora y reflexiono. Ahora mismo estoy más en el paradigma de los derechos culturales que en el de la industria cultural”, afirma. Es su respuesta a la pregunta por las decepciones que, al frente de Nordesía, vivió en estos 30 años. “Quizás la mayor frustración es ver que el dilema entre la dimensión económica y la dimensión social de la música, de la cultura, se inclina hacia lo económico como indicador principal”, dice. Los grandes números -cachés, públicos, conciertos- imponen una lógica perversa, uniformizadora. “Y acaban por arrastrarnos a todos, porque también se imponen en la contratación pública. Si no eres relevante en esos términos, no tienes espacio”, aduce.

Belho cita las investigaciones del periodista catalán Nando Cruz, colaborador de elDiario.es, como reveladoras. Sintetizadas en dos libros, Macrofestivales. El agujero negro de la música (Península, 2023) y Microfestivales y otros festivales posibles (Sílex, 2025), abogan por una reformulación del mapa de la música en directo y una valorización de experiencias al margen o más allá de las citas mastodónticas, insostenibles, con carteles intercambiables y sin ninguna coherencia. “El macrofestival es una tiranía, la explotación del usuario”, considera Belho, “determinado por el efecto FOMO [miedo a perderse algo]”. Contrapone los modelos que Nordesía ha promovido -ImaxinaSons, Sons da Diversidade, Festival dos Abrazos, Cantos na Maré- o promueve, como el Maré. “Buscamos insertarlo en el marco de una ciudad [Santiago de Compostela], que haya una programación diversa, implicada con otros agentes sociales”, defiende. Por los escenarios de su última edición pasaron músicos palestinos o brasileños, mexicanos o andaluces, gallegos o suizos.

“Hay una carrera por el crecimiento constante, una apuesta por la cantidad, que no compartimos. Hay que poner perspectiva, porque sino”, se extiende, “acabaremos con los lugares donde nace la música. Que son los templos de la cultura, alimentados por el poder en sentido amplio, sino los barrios, los pueblos. La música es más que un negocio”.

Talento potencial, déficit de contexto

Y en absoluto estas tres décadas de historia se reducen a una mirada pesimista. Nordesía tiene sus orígenes remotos en el Festival Folk Cidade Vella de Santiago de Compostela, que Belho dirigió entre 1987 y 1995. Fue cuando conoció a Paco de Pin, experto en las áreas técnicas del espectáculo. El último año actuaron Salif Keita, La Vieja Trova Santiaguera, Berrogüetto o Sharon Shannon. “Ya tenía cierta envergadura pero acabó abruptamente”, dice sin ahondar en los motivos. “Pero Paco y yo detectábamos un potencial de talento brutal en la música gallega y un déficit de contexto y capacitación”, señala, “queríamos abrir las músicas de raíz y explorar, desde ellas, una mirada al mundo”. Constituyeron Nordesía.

Los objetivos iniciales no estaban claros. Su “manifiesto poético ideológico” citaba la vanguardia histórica del poeta Manuel Antonio y el Laboratorio de Formas, núcleo teórico del Sargadelos de Díaz Pardo y Luís Seoane. Las intersecciones entre industria, cultura y política. El nombre lo recogieron de una exposición de Antón Reixa, otro poeta y, al frente de Os Resentidos, pionero del rock avanzado en gallego. El proyecto fue adquiriendo forma sobre la marcha. Además de “la proyección al mundo del talento gallego”, la profesionalización del sector fue otra de sus batallas.

“Cuando empezamos, se pagaba en sobres, no había altas y bajas en la Seguridad Social, ni seguros de ningún tipo”, recuerda, “nosotros impulsamos el convenio autonómico de servicios y productoras culturales, creamos la Asociación Galega de Empresas Culturales, fuimos consejeros en la creación de la Axencia Galega das Industrias Culturais (Agadic) durante el gobierno bipartito”. La participación en foros, ferias y encuentros “en los cinco continentes” o la organización de tres ediciones del Womex -uno de los principales mercados de las llamadas músicas del mundo- en Galicia son algunos de los hitos que destaca el propio Belho.

Proliferación espontánea de foliadas

El mundo ha cambiado. Y el mundo de la música, de manera singular en estos 30 años. Belho cita la metamorfosis de los soportes musicales -casetes, vinilos, cedés, Internet- y lo que describe como crecimiento exponencial del tejido creativo y empresarial. “Soy reticente a hablar de industria cultural para el caso gallego, prefiero hablar de tejido cultural”, puntúa, “pero hoy en día hay aspectos de la música popular que están normalizados y creo que es un triunfo”. Se refiere, por ejemplo, a la proliferación espontánea de foliadas y seráns, “algo que sucede de forma natural y orgánica, no siempre sobre un escenario”. La música gallega actual en la que más se fijan en Nordesía bebe, precisamente, de esas fuentes.

Belho no es, sin embargo, adanista. Le entusiasma el éxito de audiencia de propuestas como Tanxugueiras -cantareiras seducidas por los llamados ritmos urbanos- o The Rapants -indie dance cantado en gallego- pero recuerda que ya a finales de los 90, artistas como Carlos Núñez, Berroguetto o Luar Na Lubre -estos aún activos- “llenaban A Quintana [emblemática plaza de la zona vieja de Santiago de Compostela] con entrada de pago”. “Aquellos artistas constituían un verdadero movimiento que trabajaba la riqueza musical, tímbrica y sonora del país”, considera. ¿La diferencia? La mayor visibilidad mediática, el fenómeno de las redes sociales y una comunidad que actúa, contesta. Y aunque alerta de las alarmantes estadísticas que indican cierto retroceso de la lengua gallega, concluye: “Hoy en día la sociedad es más permeable a estímulos culturales propios”.

Por el palco de la Sala Capitol de este sábado, 24 de abril, donde Nordesía celebrará sus 30 años, desfilarán raperos -Lumedoloop-, jazzeros y renovadoras de la canción de raíz popular -A Pedreira & Alejandro Vargas, una de las responsables de la redignificación de la pandereta -Felisa Segade, de Leilía-, gaiteiros escorados al pop -Budiño-, una cantante referente de la recuperación del folclore gallego -Uxía- e incluso habrá presencia africana, mozambiqueña más concretamente -Cheny Wa Gune.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, instituida en 1752 y con sede en Madrid, ha acordado el nombramiento como miembro de honor del músico y etnógrafo Joaquín Díaz, por una trayectoria de cerca de sesenta años dedicada al estudio y difusión de la cultura tradicional.

La edición de cerca de un centenar de discos, desde la publicación de 'Recital' (1968), dan cuenta de una vida dedicada a la investigación de la cultura tradicional no sólo a través de la música sino también desde otras perspectivas que ha plasmado en decenas de libros y artículos en periódicos y revistas especializadas.

Esta distinción ha sido acordada por la junta directiva de la Academia de San Fernando a propuesta del responsable de su sección de Música, el escritor, compositor y crítico musical Tomás Marco, quien a través de una mensaje difundido por la institución ha elogiado la figura y el legado de Joaquín Díaz.

“Es un verdadero honor contar con una persona de su relevancia y valía profesional como parte activa de la Academia. Sin duda, su incorporación a la comunidad de Académicos contribuirá a enriquecer este proyecto tan ilusionante y necesario”, ha afirmado.

Joaquín Díaz (Zamora, 1947) añade esta distinción a otras que a lo largo de su vida han reconocido su ingente aportación a la etnografía española e hispanoamericana como han son la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2002), el Premio 'A Toda una vida' (2008) de la Academia de la Música y varios doctorados y nombramientos en universidades e instituciones culturales de España y Estados Unidos.

Después de años de conciertos y conferencias por España, Francia, Italia, Alemania y Estados Unidos, en 1976 se bajó de los escenarios, dejó la dirección de una revista y sello discográfico dedicados a la música de raíz, y se dedicó a la investigación y difusión de la cultura tradicional a través de la Fundación Centro Etnográfico que lleva su nombre en Urueña (Valladolid).

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, creada en 1752 durante el reinado de Fernando VI, es la institución artística de mayor recorrido y vigencia cultural en España, y actualmente consta de 56 académicos de número, de reconocido prestigio en el ámbito de la arquitectura, pintura, escultura, música, cine, arte gráfico, fotografía, diseño e historia y teoría del arte.

Eugenio González Díaz supo callar durante décadas y ha sabido hablar y cantar otras tantas. Calló o habló “lo justo” con quien se podía cuando la Guardia Civil daba palizas en ese territorio transitado por los guerrilleros antifascistas; habló cuando pudo hacerlo y defendió sus ideas políticas ante los excesos de los poderosos; cantó hasta cuando a algunos no les gustaba que lo hiciera. Y, ahora, a los 93 años, canta y habla con aquel que tenga a bien escuchar con respeto. Hay una especie de filosofía natural en Eugenio y hay mucho saber acumulado en las nueve décadas que lleva agotadas.

“Yo lo que dispongo es de buena memoria. No tengo dinero y no lo necesito porque es que no lo quiero. Pero a mí lo que me importa es decir la verdad a tiempo antes de morir. Sé que me queda muy poco, pero ganas de hablar tengo, de decir la verdad. Un día moriré por razón de ser. Pero no le tengo miedo a la muerte”.

Nacido en noviembre de 1932 en Camijanes, en el Valle de Herrerías, Eugenio González Díaz —conocido popularmente como Genio, el de Camijanes— es además uno de los últimos grandes representantes vivos de la tonada montañesa, ese cante tradicional que condensa la memoria emocional, oral y sonora de Cantabria.

Hijo de Andresa —natural de Bielva, panderetera y amante del baile— y de Nazario —oriundo de Camijanes, que trabajó como carnicero, cantero y tratante de ganado—, Genio creció en una familia que encarnó las complejidades y la fortaleza de la posguerra rural. Su padre enviudó con ocho hijos e hijas a su cargo, y su madre, con dos hijas propias, se integró a esa gran casa común tras casarse con Nazario.

Aquel nuevo hogar, en el barrio El Collado, fue levantado entre ambos y llegó a acoger a 17 hijos e hijas, criados sin distinciones, “como si fuéramos todos de una madre”. De ese matrimonio nacieron siete, y Genio fue el tercero. El afecto y el respeto cimentaron esta convivencia, a pesar de las estrecheces y los trabajos tempranos que marcaron la infancia de Genio y de sus hermanas, quienes trabajaron en servicio doméstico en ciudades como Madrid, Valladolid o Bilbao. “No estudia quien no puede. Y quién sabe dónde está la inteligencia… puede estar en la cabeza de un pobre”, reflexiona Genio.

La economía familiar giraba en torno a la ganadería y al ingenio de sus progenitores. Su padre compraba y vendía ganado por toda la región, incluso cruzando clandestinamente a Asturias cuando la provincia estaba en estado de sitio. “Si le cogían, iba a la cárcel”, recuerda Genio, pero aquel riesgo era parte de la necesidad. Las vacas llegaban en tren hasta Pesués y desde allí las llevaban a casa, alimentando la cuadra y a los suyos.

Su madre, por su parte, sabía fabricar alpargatas con suelas de goma y cosía con lo que hubiera a mano; era, como él la describe, “una mujer muy fuerte y muy inteligente”.

Su infancia coincidió con los años de la Guerra de España y, aunque no conserva recuerdos precisos de los hechos, guarda el eco del miedo vivido: las carreras entre bombas, el paso de soldados de ambos bandos, las privaciones y los momentos de refugio en las cuevas cercanas, como Trascudia y Cabraliza. La posguerra —que “fue peor”— estuvo marcada por la dictadura, el canto del Cara al Sol, los fielatos, el estraperlo y el racionamiento en el Puente de El Arrudo, así como por el fin del trabajo paterno en la carnicería.

“Y estando en la guerra esos años, la gente joven fue y murió. Y aquí ya no había nadie: cuatro viejos y las mujeres que quedaron y sufrieron la tira… mucho sufrieron las mujeres. Yo a la mujer le doy un valor tremendo, porque fue terrible esa vida. Después te acostumbras, viene un día con un poco de sol y parece que te olvidas de lo otro. Algunos... Yo estoy aquí permanentemente con ello, llevo a cuestas esa mochila hasta que me marche”.

Genio comenzó a trabajar en casa desde los seis años, primero cuidando pollos, luego pastoreando corderos y después ovejas en Gesa. Más tarde sirvió “a cambio de comida” en el pueblo: sembrando tierras, segando, andando con una pareja de bueyes, etcétera.

A los 13 años comenzó a trabajar como pinche en la empresa Saltos del Nansa, donde pasó tres años junto a su padre —cantero y guarda de la dinamita— y sus hermanos, que trabajaban en la cantería del canal. Por entonces, con un sueldo de 10,50 pesetas al día, empezó cuidando a los hijos de los ingenieros, llevando agua y, poco a poco, entre recados y descansos de los obreros, aprendió el oficio de cantero.

En su rutina no faltaba acudir al Rosario en Bielva, a la capilla del Cristo, frente a la que vivía su familia materna. Allí cumplió los primeros sacramentos y ejerció de monaguillo. Bajaba tras recoger las ovejas, atraído por la devoción, pero sobre todo por la vida social del pueblo, donde “había muchísima juventud” y, según él, “las mujeres más guapas de todos los valles”.

Recuerda que tenía 16 años cuando llegó la luz eléctrica al pueblo, justo en la época en que comenzó a trabajar con su hermano Samuel y otros obreros en la cantería. Vivió su oficio con dureza y orgullo, consciente de que muchos esfuerzos los hizo antes de estar físicamente preparado: “Es como coger la fruta verde. No es conveniente, pero había que hacerlo por necesidad”. Hoy, reconoce las secuelas del duro trabajo en su salud.

Durante tres o cuatro años, entre marzo y diciembre, recorrió con sus herramientas y su pericia los montes de Cantabria, Navarra, Palencia y León. Y, a diferencia de muchos compañeros que emigraron al extranjero, este vecino de Camijanes eligió quedarse: “Me agarré aquí. Nunca quise ir a Alemania ni a Francia. Tuve la suerte de quedarme y aquí moriré”.

A Genio le “pesó no pisar la escuela” y lamenta no haber podido formarse desde niño —“me hubiera gustado ir; estoy seguro de que habría aprendido mucho”, confiesa—. Su conocimiento es profundo y vivencial, forjado entre montes, ferias ganaderas y memorias familiares. Aprendió a leer y escribir a los 22 años, durante el periodo de instrucción del servicio militar en Tetuán, Marruecos, que comenzó en marzo de 1954 bajo la tutela de sus alféreces. Aprendió tarde pero no ha dejado de leer desde entonces. De la mili recuerda cómo iba marcando los meses que pasaban con señales en el cinturón para contar los días y reencontrarse con su tierra y la novia que tenía desde los 20 años. 

Se casó con María Luisa Sánchez Sánchez, originaria de Prellezo, el 9 de julio de 1960, a los 28 años. “Boda de pobres”, dice, pero feliz: ella estaba embarazada de cuatro meses y él, “contentísimo”, porque la quería de verdad. “Cuando se quiere, no se hace pecado”. Después del matrimonio, siguió en la ganadería de sus padres, y juntos adquirieron algo de ganado y alquilaron una casa para comenzar su vida juntos. Construyeron su primera casa a cuatro pasos de donde él había nacido tras el nacimiento de su tercer hijo; en total tuvieron dos hijos y dos hijas. Hoy, su familia se ha extendido hasta seis nietos y cuatro bisnietos que les rodean con cariño.

Su segunda década de vida transcurrió trabajando por temporadas y durante seis años como peón en una serrería de Hórreo, en el País Vasco, para Pepe Abascal.

Cerca de cumplir los 30 años, y ya padre de su hija primogénita, Eugenio ingresó en el cuerpo de guarda fluvial tras superar una oposición con 29 plazas disponibles, en un cuerpo militarizado. Y a comienzos de los años sesenta comenzó a trabajar como vigilante fluvial en el río Nansa y sus afluentes próximos, dentro de una zona salmonera especialmente vigilada y con presencia constante de pesca furtiva. Si bien debía sancionar, también entendía la realidad que le rodeaba: “Había mucha necesidad. El que se jugaba la cárcel por un salmón no lo hacía por maldad”.

Tras varios años en Camijanes, fue trasladado a Galicia, concretamente a la provincia de Ourense, para cubrir el tramo del río Arnoia entre Allariz y Baños de Molgas, una zona fronteriza con Zamora. En este nuevo entorno, se enfrentó a un reto mayor: más de 70 kilómetros de río y numerosos molinos, focos potenciales de pesca ilegal. Pero las condiciones no eran sostenibles: su sueldo apenas cubría los 40 reales de pensión diaria, y su familia seguía en Cantabria. Tras solicitar sin éxito una vivienda para poder trasladarlos, decidió dejar el puesto. Solicitó una excedencia de cinco años y regresó a casa sin despedirse oficialmente.

De vuelta en el hogar, se dedicó a la ganadería, parte de lo que gestionaba su mujer, y además, con créditos “al 23 %” pudo comprar tierras “al patrón”, la casería de su padre —junto con su hermano—y maquinaria y suficiente ganado, unas 60 cabezas, para mantener a su familia. Vendían leche a Mantequería La Asturiana, Nestlé o La RAM, hasta que a los 60 años se jubiló como ganadero autónomo, debido a un problema de salud. Ya de casado vivió los tiempos del silencio y del miedo. “Se sufrió muchísimo porque no tenías defensa ninguna. Te pasan todas estas cosas y te empujan y te pisan... ¿Y dónde ibas? ¿Dónde te quejabas? ¿Venías a llorar donde tus padres? ¿A darle más de un susto? Tenías que pasarlo como pudieras... ¿Quién cree que ya están pagados todos esos atropellos?”, defiende.

Como él mismo reconoce: 'Sin música no podría haber mundo, es imposible; cantan hasta los pájaros'. Y lo dice con orgullo: 'Donde quiera que fui, canté'

Conocido desde niño como “el hijo de Nazario”, silbaba mientras cuidaba las ovejas y memorizaba los romances que los ciegos traían escritos en papeles finos, esos mismos que luego resonaban en los corros de taberna, en ferias y romerías como las de San Miguel o La Luz en Liébana. Su formación musical fue oral, instintiva y profundamente ligada al entorno rural. Como él mismo reconoce: “Sin música no podría haber mundo, es imposible; cantan hasta los pájaros”. Y lo dice con orgullo: “Donde quiera que fui, canté”. También recuerda muchas salidas “de la cuadra, al evento”, pues solían buscarlo en casa para que cantara.

Este “cante de chigre”, de raíz campesina, nació del uso cotidiano de la palabra cantada como forma de contar, resistir, celebrar y recordar. Genio es uno de los pocos cantadores que se acompañan de una gaita, ejecutada por su hijo o su nieto, miembros del grupo Sones del Nansa—. Comenzó cantando canciones asturianas, en referencia a sus orígenes maternos, luego adoptó la tonada montañesa y asegura que canta de todo, incluso flamenco o jotas navarras. “El cante es algo que se tiene dentro, un espíritu. No se puede comprar”.

Genio también ha expresado su deseo de dejar grabada su voz “antes de irse de este mundo”. Hasta ahora, ha registrado ocho temas, la última vez, a sus 78 años. Recuerda con especial cariño la visita de Jesús García Preciado, hace 25 años, cuando le grabó Callejuca, callejuca acompañado de su hijo Luis en la gaita. La música llevó a Genio a aparecer en medios de comunicación, a viajar por distintas ciudades de España y a compartir escenario y amistad con grandes figuras como El Malvís de Tanos, Aurelio Ruiz, Benito Díaz, Manolo Sañudo o los Hermanos Cosío. Gracias a su larga trayectoria, fue homenajeado en varios lugares emblemáticos como Unquera, Cabezón de la Sal y Polaciones. Hoy, desde su casa en Camijanes, Genio sigue cantando con la misma emoción con la que aprendió: apoyándose en la memoria, la garganta y el corazón.

A sus 93 años, declara que “no son los años de vida, es la calidad” y Genio se reconoce afortunado, pues gracias al apoyo de su hija continúa viviendo en su casa con su mujer y en compañía de sus hijos. Dedica su tiempo a la lectura, las amistades y a disfrutar de su familia, en especial, a ver tocar a los nietos. Y sobre todo, a disfrutar de lo sencillo: “Veo cómo crece un árbol, oigo ladrar a un perro…”.

Unir sus dos pasiones: deporte y folclore. Esa es la idea que transmite Matilde (La Alberca, 2002), una joven murciana que a través de sus redes sociales y con un toque de humor muestra la versatilidad del traje tradicional de huertana, que tiene más posibilidades de las que parece. Incluso permite practicar ejercicio físico, pese a su aparente incomodidad. Así lo demuestra ella, conocida en redes como ‘la huertana del crossfit’. “La idea de la huertana del crossfit nació de que yo entrenaba en un box todos los días y también estaba inmersa en las actividades como Dama de Reina de la Huerta”, explica. Durante esa etapa, acudía con frecuencia a entrenar con el peinado típico de huertana, lo que no pasaba desapercibido entre sus compañeros, relata.

De forma natural, empezó a plantearse unir sus dos pasiones: el crossfit y las tradiciones huertanas. Una combinación que, asegura, no ha generado ningún tipo de rechazo: “No he recibido ninguna crítica ni de la Federación de Peñas Huertanas ni de mi propia peña”.

Su vídeo entrenando con el traje de huertana se ha hecho viral, con más de 400.000 visualizaciones hasta el momento, y demuestra el interés que puede generar practicar ejercicio con una vestimenta distinta a la habitual. En el reel la podemos ver, al ritmo del remix techno de 'Berghain' de Rosalía & Conrad Taylor, haciendo saltos al cajón, dominadas o burpees con el zagalejo puesto.

Con 436 comentarios, se pueden apreciar tanto comentarios positivos agradeciendo la labor de divulgación de las tradiciones murcianas realizada por Matilde, como otros en los que los usuarios mencionan que “el traje es carísimo y no todo el mundo se lo puede permitir”.

Este fenómeno se enmarca en un resurgir del traje de huertana, que la joven también relaciona con tendencias actuales: “Cada vez hay más gente que está abrazando el traje gracias también a la moda de la ropa de época, como en Los Bridgerton”, opina.

No obstante, Matilde insiste en que este auge debe ir acompañado de conocimiento y respeto. “Me gustaría que fuera un resurgir con conciencia, que sepamos lo que estamos representando”, defiende. En este sentido, advierte sobre errores frecuentes en la vestimenta: “No podemos llevar volantes fucsia, al igual que tampoco existían los colores artificiales. Los zagalejos -faldas de huertana- son de telas lisas o de cuadros y en colores sobrios”. Aun así, reconoce que la tradición también puede adaptarse, siempre desde el respeto. “Se pueden hacer cambios, pero con criterio”, matiza.

En definitiva, los jóvenes comienzan a ver el traje de huertana desde una nueva perspectiva, más abierta y creativa. Sin embargo, este cambio no debería hacer perder de vista su valor cultural. Porque, como defiende Matilde, innovar no está reñido con respetar la tradición.

La democratización del traje

Hija de una familia de sastres y merceros, Lidia ha crecido entre bobinas de hilo, agujas, cintas y bordados. Al frente desde hace décadas de la mercería familiar en la pedanía murciana de Aljúcer, no puede esconder su pasión cuando habla de las tradiciones de la huerta murciana. Hace tres años que dejó de vender solo los trajes de huertana de sus proveedores a vender los que cose ella misma con sus manos.

“Después de la pandemia las faldas de huertana, los refajos, subieron mucho de precio”, relata, y al mismo tiempo se empezaron a poner de moda los zagalejos, las enaguas que se usaban en la época y que son más ligeras. La diferencia de precio entre un zagalejo, hechos con tela de algodón, y un refajo bordado, de paño o lana, es “abismal”. Hubo una democratización del traje, explica Lidia, quien destaca que intenta conjugar las nuevas corrientes con el respeto a la tradición. “Hay algunas pautas, como el número de volantes que lleva la falda o dónde los colocamos, porque hay veces que ves trajes que más de huertana parecen de sevillana”.

En referencia al vídeo viral de Matilde, señala Lidia, “lo que nos está queriendo decir es que puedes vestirte perfectamente y sin esfuerzo con el traje regional”. Dentro de la innovación, hay algunas pautas que hay que seguir para ir bien vestida.

Con las fiestas del Bando de la Huerta cada vez más cerca, el próximo martes 7 de abril, Lidia dedica en su negocio, Mercería Palazón, hasta ocho horas detrás de la máquina de coser al día. Detrás de cada traje hay mucha dedicación, ilusión y arte. “El mismo día del Bando abro, por si hay algo que mis clientas necesiten de última hora o para ayudarles a vestirse, sus trajes los he hecho con mis manos y me gusta que todo quede bien”.

Lidia celebra este resurgir de las tradiciones: “Siempre he sido de una peña, a mí me encanta vestirme de huertana, cuando era pequeña, como mi familia era muy humilde, los trajes me los hacían mis padres”, recuerda con cariño. “Salíamos también a otros sitios para enseñar nuestro folclore, hemos viajado hasta Portugal, Madeira o Polonia; ahora para muchos jóvenes la jota es algo aburrido, incluso hortera pero son nuestras tradiciones y no hay que perderlas”.

La intelectual y política Matilde de la Torre (Cabezón de la Sal, 14 de marzo de 1884 - Ciudad de México, 19 de marzo de 1946), una de las primeras diputadas en las Cortes de la República, se marchó al exilio en barco desde Francia. El dictador Rafael Trujillo les prohibió atracar en República Dominicana y fue México el país que le abrió los brazos. Hace unos días, sus cenizas, 80 años después de su muerte, regresaron a España en avión dentro de una maleta que custodió la presidenta de la Fundación cántabra que lleva su nombre.

La idea surgió hace un año, cuando la coral y el grupo de danzas que fundó en su pueblo, Cabezón de la Sal, para recuperar y reivindicar el folclore cántabro, celebraron su centenario. Coincidiendo con ello, el grupo de danzas Virgen del Campo decidió viajar a México y a modo de reconocimiento y homenaje bailar junto a la tumba donde hasta ahora han descansado los restos de Matilde de la Torre en el Pabellón Español del Cementerio Nacional de México. Allí, al otro lado del Atlántico, alguien les planteó “¿Por qué no os la lleváis de vuelta a casa?”.

Es lo que ella siempre había querido. Un deseo que manifestó en varias ocasiones y que dejó escrito. Por fin, hace unos días, las cenizas de Matilde de la Torre han regresado a España escoltada por diez miembros de la coral y el grupo de danzas que fundó hace un siglo, una representante del Ayuntamiento de Cabezón y una delegación de la Fundación Matilde de la Torre, vinculada al PSOE, partido en el que militó, con el secretario general de los socialistas cántabros, Pedro Casares, a la cabeza.

Después de tanto tiempo esperando la repatriación, a los tres días de aterrizar en la capital azteca se produjo el trágico suceso de El Bocal de Santander donde murieron seis jóvenes tras hundirse una pasarela de madera sobre un acantilado. Sorprendió a miles de kilómetros a Casares, también delegado del Gobierno, y Paz de la Cuesta, presidenta de la Fundación y concejala de Santander, generando una gran polémica política dado que decidieron no suspender el viaje y mantuvieron su agenda en México, lo que ha generado muchas críticas por la ausencia y las explicaciones posteriores.

Reencuentro con la historia

Han sido unos días de reencuentro con la historia del exilio y de manera especial con la huella cántabra. La delegación ha aprovechado para visitar el Ateneo Español de México —que fundaron los exiliados españoles— cuya biblioteca custodia manuscritos y libros de Matilde de la Torre, antes de la exhumación. Una ceremonia solemne en el Pabellón Español acompañada del folclore que tanto contribuyó a reivindicar.

Los trámites han durado un año. Coralistas y danzantes han estado tratando de obtener el dinero para el viaje de los doce miembros que han ido a México participado en el mercadillo navideño y en algunas otras iniciativas. La concejala se ha pagado el viaje de su bolsillo.

Todo remite al pasado, a su propia historia, cuando al Coro Campesino Voces Cántabras que fundó Matilde de la Torre en 1924 para recuperar cantos y danzas populares de Cantabria le invitaron a actuar en el Royal Albert Hall de Londres, en la fiesta anual de la Sociedad Inglesa de Danzas Folklóricas. A la emoción por esta oportunidad se unió un problema: cómo conseguir el dinero para hacer el viaje.

Las instituciones les negaron el dinero aunque acabaron por conceder una modesta cantidad insuficiente que se completó con las mil pesetas que donó el entonces propietario del Hotel Royalty. En 1932, el coro cántabro se subió al escenario del Royal Albert Hall de Londres ante 12.000 espectadores e interpretó 'La Baila de Ibio', que Matilde había rescatado y adaptado al son del bígaro y el tambor. Fue una actuación histórica. Los ingleses estaban fascinados con la calidad del espectáculo y no se creyeron que eran trabajadores del campo hasta que no les mostraron sus manos callosas.

Homenaje en Cabezón

Ahora, décadas después, también ha sido difícil disponer de fondos y el viaje del grupo ha sido muy modesto, pero el objetivo está conseguido. El sábado 21 de marzo los restos de Matilde de la Torre volverán a la tierra. A la suya, a Cabezón de la Sal. Allí, en el cementerio del pueblo enterrarán sus restos bajo un monolito de marmol negro de más de metro y medio de altura con su nombre y el de su hermano Carlos, cuyos restos descansaban juntos en México y también han regresado juntos a su tierra natal. “Aquí se la tiene un cariño muy especial”, dice María Jesús García Hoyos, concejala de Cultura del Ayuntamiento de Cabezón de la Sal.

La ceremonia no será religiosa. A las doce y media de la mañana los restos serán recibidos por el sonido del bígaro, el instrumento de viento –una caracola martina de grandes dimensiones– que ella recuperó para representar la tradicional danza de Ibio.

En paralelo, la Casa de Cultura acogerá una muestra fotográfica. José Ramón Gómez García ha recuperado el material gráfico de familiares, publicaciones y el Archivo General de Cataluña donde ha podido recuperar algunos originales “que permiten apreciar con mayor nitidez y detalle los rostros y el vestuario de los miembros del coro”, apunta.

La mayor parte de las fotografías de gran formato son de actuaciones de la Coral en Londres, Valladolid y algunos otros escenarios. “Hay muy pocas imágenes de su intensa vida política”, lamenta, pero, en cambio, ha conseguido recuperar imágenes de la casa de Matilde en Cabezón que pasó a ser propiedad de La Falange, posteriormente se utilizó como colegio y se acabó derribando. En su lugar ahora hay un instituto público y un campo de fútbol.

La exposición se podrá ver entre el 16 y el 23 de abril y las imágenes se cederán al grupo de danzas. La Fundación Matilde de la Torre de Cantabria también se sumará a los actos con un ciclo de seis conferencias programadas entre marzo y junio que recorren todas las facetas de la escritora: la música y el folclore, la política y la defensa de los derechos de las mujeres, la experiencia del exilio o su trayectoria literaria e intelectual.

El Gobierno de La Rioja, en colaboración con el Ayuntamiento de Haro, celebrará el sábado 21 de marzo, a las 18:30 horas, en el Teatro Bretón de la localidad jarrera, el VI Festival de Escuelas de Jota de La Rioja, un encuentro que reunirá a más de 100 intérpretes procedentes de distintas escuelas de la comunidad y que contará con acceso libre mediante invitación. El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, junto a la alcaldesa de Haro, Guadalupe Fernández, y los alumnos Jairo Blanco y Jorge Collado, han presentado esta nueva edición.

Tras la recuperación del festival el pasado año en Rincón de Soto, una década después de su última convocatoria, la iniciativa continúa su itinerancia con parada en Haro, consolidando así un proyecto que refuerza la difusión y transmisión de la jota como una de las principales señas de identidad cultural de La Rioja. 

En este sentido, Pérez Pastor ha destacado que “la jota es la voz del pueblo o una de las formas que tiene el pueblo de expresarse culturalmente en La Rioja”. Asimismo, ha subrayado que el festival, recuperado el pasado año tras casi una década sin celebrarse, continúa su recorrido por distintos municipios de la comunidad porque “la jota la tiene que disfrutar todo el mundo y por eso este festival va itinerando por La Rioja”. El consejero ha recordado también el valor patrimonial de esta manifestación cultural al señalar que “la jota está considerada Bien de Interés Cultural de carácter inmaterial en La Rioja”, con el máximo nivel de protección cultural.

Por su parte, Guadalupe Fernández ha afirmado que “para Haro es un auténtico orgullo que este festival llegue a nuestra ciudad, porque vuelve a convertirla en punto de encuentro de la cultura, la tradición y el folclore riojano”. La alcaldesa ha querido reconocer además el trabajo que realizan las escuelas participantes y ha destacado que “detrás de cada actuación hay muchas horas de ensayo, aprendizaje y pasión por mantener viva una tradición que forma parte de lo que somos los riojanos”. En este sentido, ha valorado especialmente el esfuerzo realizado en municipios de La Rioja Baja para mantener vivas estas escuelas y ha animado a que iniciativas similares puedan impulsarse también en La Rioja Alta para seguir fortaleciendo esta manifestación cultural.

Durante la presentación, el alumno de la Escuela de Jotas del Gobierno de La Rioja, Jorge Collado, ha agradecido la oportunidad de participar en este encuentro y ha animado al público a asistir al festival, señalando que “para nosotros es una oportunidad increíble poder mostrar el trabajo que realizamos durante todo el año y compartir con el público una tarde que seguro será estupenda”.

Las escuelas participantes serán la Escuela de Jotas Antonio García, de Rincón de Soto, dirigida por Ainara Martínez; Amigos de la Jota, de Alfaro; Joteras y Joteros de Calahorra; y la Escuela de Jotas del Gobierno de La Rioja, integrada en el taller de Música Tradicional Bonifacio Gil y dirigida por Diego Urmeneta.

Cada formación interpretará cuatro jotas en distintos formatos —solista, dúo, grupo y pasacalles—, ofreciendo una muestra representativa de la riqueza y diversidad de este género tradicional. El acto concluirá con la interpretación conjunta de “Riojano de pura cepa” por parte de todos los participantes. La duración prevista del festival es de aproximadamente 90 minutos.

Las invitaciones pueden recogerse en el Centro Municipal de Cultura de Haro (calle San Martín, 1) y a través de la web municipal https://culturaydeporte.haro.org/

Durante el desarrollo del festival se rendirá homenaje al compositor riojano José Ignacio Galilea Antón ‘El Albeldeño’, un jotero y destacado defensor de la jota riojana que ha desarrollado una intensa actividad como intérprete y letrista. Así, Pérez Pastor ha destacado que “es una de las personas que más luchó para que la jota riojana no quedara solapada por otras variantes de la jota del Ebro y para que se conservara con sus propias características”. Galilea fue impulsor de la Agrupación Unidos por la Música y del Festival de Jotas ‘Valle del Iregua’, celebrado en su Albelda natal, además de participar activamente en el proceso que llevó a la declaración de la Jota Riojana como Bien de Interés Cultural Inmaterial en 2017. Ha grabado jotas en disco y casete, entre ellas el álbum ‘Ignacio el Albeldeño. Canta a La Rioja’, y llegó a componer más de mil letras de jota.

En otras convocatorias esta distinción ha reconocido la trayectoria de referentes como el jotero Antonio García o el grupo Los Amuri, el compositor Ángel Sáez Benito, la folclorista Isidra Santos, Jesús Leorza, los miembros de la Peña Rondalosa como impulsores del tradicional festival mateo, así como la Asociación de Joteros Antonio García de Rincón de Soto.

La cultura tradicional a través de la música, ha merecido para el histórico grupo de música folk Nuevo Mester de Juglaría el Premio Castilla y León de las Artes 2025, convocado por la administración autonómica y fallado este martes en Valladolid.

Tres meses después del fallecimiento del músico Luis Martín (bandurria), uno de los fundadores en 1969 de Nuevo Mester de Juglaría, este grupo segoviano ha sido reconocido con el máximo galardón en su género a escala autonómica.

Memoria colectiva

El jurado ha destacado en su fallo el “papel esencial en la preservación, a través de la música, de la cultura y las tradiciones castellanas y leonesas”, así como su labor durante cerca de sesenta años “como transmisor de la memoria y la identidad colectivas” dentro de la comunidad autónoma.

A través de una treintena de discos, algunos tan emblemáticos como el doble directo grabado en Aranda de Duero (Burgos) y Los Comuneros (1976), adaptación del libro del mismo nombre de Luis López Álvarez, Nuevo Mester de Juglaría ha contribuido “a la conservación del rico patrimonio inmaterial” de Castilla y León, según el fallo.

Desde 1969

Antes de su denominación actual, el grupo inicialmente formado por Luis Martín, Fernando Ortiz, Milagros Olmos, Rafael San Frutos y Marián Nieto se llamó Clan 5 cuando los cinco ganaron en Madrid el Festival de Nuevos Valores de música folk con la interpretación del Romance del Conde Lara.

Fue en la Cadena Cope, ese mismo año, cuando el director del programa 'Hombres dos mil', Juan Pedro Aguilar, les sugirió el cambio de nombre por el que después han llevado siempre y con el que, en 1970, protagonizaron el 4 de enero su primera actuación en la fiesta de año nuevo del Círculo Logroñés, donde compartieron escenario con Julio Iglesias, este como triunfador en Benidorm.

Con piezas recogidas por su paisano el folclorista, guitarrista, dulzainero y musicólogo Agapito Marazuela, grabaron en 1984 'El día de la función', una más de la treintena de grabaciones que abrieron en 1971, en directo, con 'Romances y canciones populares'.

Etnomusicología

Jotas, romances, coplas, seguidillas, cantos de oficios, nupciales y de alborada, monográficos sobre el vino, el río Duero y los títeres, entre otros, representan un libro abierto sobre la etnografía y cultura tradicionales de Castilla y León, de tradición oral, que han proyectado en más de un millar de conciertos por España, América y países de otros continentes.

Su último disco, que data de 2017, es el de 'Gabarrerías' y está dedicado a este oficio ya extinguido en la Sierra de Guadarrama y especialmente en El Espinar (Segovia).

De su trayectoria y magisterio, asesorados en sus inicios por Joaquín Díaz, dan cuenta al menos dos discos recopilatorios. En 2019, con motivo de sus cincuenta años de trayectoria, el Ayuntamiento le nombró hijos predilectos de la capital, “como alma y memoria sentimental de Segovia y Castilla”.

Del jurado del Premio Castilla y León de las Artes han formado parte, entre otros, Gregoria Cavero, catedrática de Historia Medieval de la Universidad de León; Sonia Frías, coordinadora del Área de Innovación, Ciencia y Formación del Círculo de Bellas Artes, e Ignacio sanz, escritor, ceramista e investigador de la cultura tradicional.

Historial del premio

El primer ganador de esta modalidad, en 1984, fue el pintor Juan Manuel Díaz Caneja, y en sucesivas ediciones han resultado distinguidos formaciones y músicos como los compositores Cristóbal Halffter (1986) y Claudio Prieto (1994), la comunidad benedictina de Santo Domingo de Silos/Coro de Canto Gregoriano (1993), el intérprete Amancio Prada (2005) y el director de orquesta Jesús López Cobos.

El de las Artes es una de las siete modalidades de los Premios Castilla y León que serán entregados en una fecha próxima al 23 de abril dentro de los acto institucionales del Día de Castilla y León, en una fecha y lugar aún por determinar.

Además de esta modalidad de los Premios Castilla y León 2025 ha sido fallada la de Ciencias Sociales y Humanidades (Germán Vega) y Letras (Tomás Sánchez Santiago). En próximas fechas se conocerá el ganador en las cuatro restantes categorías: Investigación Científica y Técnica e Innovación; Deporte; Valores Humanos y Sociales; y Tauromaquia.

El próximo 1 de febrero la Casa de Cultura ‘Rafael Zárate Molero’ acogerá la gala de entrega del galardón nacional de folclore ‘Juan Cañí’, que otorga la Agrupación de Música y Danza ‘Manuel de Falla’.

En su quinta edición, que ha sido pospuesta por problemas de agenda, la asociación manzanareña concederá este reconocimiento a Karmento, artista albaceteña natural de Bogarra que fusiona en su música folclore y vanguardia.

En 2023 fue Rozalén; en 2024, Tanxugueiras. Ahora, la Agrupación de Música y Danza ‘Manuel de Falla’ ha escogido a la artista Karmento para su V Galardón Nacional de Folclore ‘Juan Cañí’. Así lo ha dado a conocer la asociación manzanareña en una rueda de prensa, en la que el concejal de Cultura, Jesús Romero, ha recordado que este premio reconoce a quienes trabajar por “divulgar, mantener y fomentar nuestro folclore”.

Para la AMYD ‘Manuel de Falla’, el galardón ‘Juan Cañí’ se ha logrado consolidar en el tiempo como un acto de reconocimiento y “una oportunidad para continuar promocionando nuestra cultura y tradiciones”. En este sentido, desde la agrupación destacan el trabajo de Karmento, quien, a través de la “fusión de folclore y vanguardia”, logra acercar la música popular a todo el público.

Carmen Toledo Sánchez ‘Karmento’, que recibirá este premio el próximo 1 de febrero a las 12:30 horas es la protagonista del cartel anunciador de este año. La obra, creada por el alumnado de arte del CADI Manzanares, está alineada con la identidad artística de Karmento, logrando un equilibrio entre modernidad y raíz, para retratar a una voz que nace de lo popular y se proyecta hacia el futuro. La monitora del taller, Virginia Caro, ha asegurado que este proyecto ha sido “muy enriquecedor” para los usuarios y usuarias que, desde el primer momento han sabido plasmar la esencia de la artista en este cartel.

Desde la Agrupación de Música y Danza ‘Manuel de Falla’ y el Ayuntamiento invitan a todo el público de Manzanares a acompañarles en la ceremonia de entrega del V Galardón Nacional de Folclore ‘Juan Cañí’. Las invitaciones se pueden recoger el viernes 23 y lunes 26 de enero en la sede de la asociación, de 19 a 21 horas.

Karmento inicia gira internacional

Precisamente este año Karmento inicia una gira internacional como broche a su trabajo 'La Serrana' entre los meses de enero y octubre. La gira presenta una nueva propuesta escénica “muy emocional” y convierte el escenario en un espacio de encuentro entre tradición y contemporaneidad.

La artista ya ha recorrido España, Latinoamérica y el norte de África en más de un centenar de conciertos. Ahora, para despedir uno de sus discos más especiales y fructíferos, la artista manchega anuncia una gira internacional en la que durante 2026 presentará una última vez La Serrana cerrando así una etapa “profundamente ligada a la memoria, la raíz y la identidad”.

En algunas fechas, contará además con la colaboración de las bandas municipales de cada ciudad con la intención de generar “un espectáculo único y específico para cada territorio, donde el folclore dialoga con lo contemporáneo desde una mirada colectiva, en un proyecto con identidad y arraigo, profundamente conectado con el público”

La gira tendrá su pistoletazo de salida en Murcia el 29 de enero, dentro del marco del Folkfest y continuará por fechas como Málaga, Madrid, Valladolid o Guadalajara, entre otras muchas más fechas nacionales. El tour también pasará más adelante por Latinoamérica, con fechas aún por anunciar.

La Serrana ha sido galardonado por la Academia de la Música a Mejor Álbum Folclórico. Es un trabajo inspirado en las mujeres de su pueblo y en la propia biografía de Karmento, “un homenaje a lo cotidiano, a la herencia oral y a las formas de resistencia íntima que atraviesan lo femenino”. Con esta gira, la artista se despide del universo de La Serrana para dar paso a una nueva etapa creativa y sonora de la que todavía no se han dado detalles.

Las corridas de toros, encierros, festivales taurinos y similares se celebran durante todo el año a lo largo y ancho de los pueblos españoles, casi siempre con motivo de alguna festividad. Es una tradición que procede de la Edad Media y que durante las últimas décadas ha ido perdiendo fuerza conforme la ganaba la sensibilidad social contra el maltrato animal.

Las corridas de toros, en las que el animal es brutalmente estocado y/o apuntillado hasta su muerte, han perdido acólitos en España. Ya no se celebran en territorios como Catalunya. El Govern autonómico las prohibió en 2010, y aunque el Tribunal Constitucional anuló esa decisión, nunca se han vuelto a celebrar ni a reactivar. La situación es similar en Balears y en Canarias, donde apenas se celebran, aunque sean legales.

La contestación y protesta arraigada en la sociedad civil del siglo XXI ha ido tomando fuerza y se cuentan por cientos los colectivos antitaurinos que se manifiestan en ciudades y pueblos contra cualquier práctica relacionada con la tauromaquia.

No protestan solo contra las corridas de toros, también contra los encierros, becerradas y similares, donde el maltrato a los animales y su sufrimiento es más que evidente.

Sí son muchos más populares estos festejos locales y ferias taurinas que las corridas de toros, sobre todo en comunidades autónomas como Castilla-La Mancha. El Gobierno de esta comunidad autónoma siempre se ha manifestado como un ferviente defensor de la tauromaquia, tanto bajo mandato del PSOE, ahora con Emiliano García-Page, como en los cuatro años que gobernó el PP, con María Dolores de Cospedal.

Page fue uno de los impulsores, junto con otras regiones gobernadas por el PP y la Fundación del Toro de Lidia, del nuevo Premio Nacional de Tauromaquia, cuando el Gobierno de Pedro Sánchez anuló el galardón de carácter institucional, por iniciativa del ministro de Cultura, Ernest Urtasun (Sumar).  

Dos pueblos que recrean vaquillas y toros

Pero precisamente es en esta región donde pueden encontrarse un par de ejemplos muy significativos de cómo la imaginación colectiva puede evitar esta tradición tan arraigada en el tiempo como brutal, sin restarle ni un ápice de diversión y disfrute de sus vecinos y vecinas.

En la provincia de Toledo, la localidad de San Pablo de los Montes, de unos 1.600 habitantes, celebra los días 24 y 25 de enero la Fiesta de la Vaca, de Interés Turístico Regional. Este festejo comienza días antes con la “reseña”, el anuncio de la proximidad de la fiesta, saliendo los quintos (jóvenes que cumplen la mayoría de edad) a “correr” por las calles del municipio por la noche haciendo sonar los cencerros.

Días después se celebra la “luminaria”, noche anterior al Día de Vaca. Se trata de una gran hoguera que encienden los quintos con leña que han recogido durante el día para que se calienten los asistentes. Esta velada se ameniza con chocolate y posterior baile. 

También se preparan tostones -garbanzos tostados- y limonada para todos aquellos participantes que recorran el pasillo formado por los espectadores, desde la plaza hasta el Ayuntamiento, perseguidos por “la vaca”, que no es tal animal, sino un palo al que se unen un par de cuernos, adornado con cintas y flores. Es decir, se simula una suerte de encierro.

Este es su festejo más querido y no se celebra ningún otro encierro, festejo ni evento en el municipio que tenga que ver con la tauromaquia o donde se maltrate y mate a estos animales.

A casi 170 kilómetros al sur, ya en la provincia de Ciudad Real, se encuentra otro ejemplo de encierro simulado. Resulta relevante porque esta provincia, con la llegada del PP y Vox a muchos pueblos, incluida la capital, y a la Diputación provincial, el toreo y derivados ha experimentado cierto auge.

Pero en la localidad de Chillón, dentro del Valle de Alcudia y con una población muy similar a la del pueblo toledano, se celebra el festejo que lleva su nombre: 'La Vaquilla de Chillón'.

El origen de la fiesta está en la peste que asoló el municipio entre 1582 y 1583. La leyenda afirma que trayendo una imagen de San Roque desde la ciudad de Toledo cesó la enfermedad. Por ello se le toma por patrón y se constituye la Hermandad.

El folclore que incluye la recreación de una vaquilla como armazón de madera

Se trata de la fiesta más famosa del folclore chillonero, también es de Interés Turístico Regional y se celebra los días 13 y 14 de agosto. Todos los “hermanos” (participantes generalmente de la Hermandad de San Roque) van ataviados a la vieja usanza de siglos pasados.

Sus trajes son de colores variopintos, con chaquetilla y calzón cortos, calzas blancas y zapatillas bordadas con oro de canutillo y como remate un sombrero de paño, adornado con una ancha cinta de seda en color.

Pero no hay vaquilla de verdad. Es un armazón de madera que simula el cuerpo y cabeza de una vaca, con su cornamenta. Va cubierto con cuero o ‘skay’, con la cara del animal pintada en la parte frontal. El “hermano” que la lleva se la coloca sobre su cabeza y trata de imitar los movimientos de la vaca. 

Aquí el simbolismo es muy importante, ya que esta “vaquilla” de mentira simboliza la peste. El recorrido que hace por las calles del pueblo en la noche del día 13 de agosto no es sino una clara alusión a cómo esta enfermedad afectó al pueblo.

De hecho, el acto que se celebra en la mañana del día 14 con la muerte fulminante de la vaquilla a manos del “Capitán” recuerda el cese instantáneo de la peste ante la aparición de la imagen del San Roque traída de la ciudad de Toledo, y finalmente, el baile de la bandera es “expresión y símbolo de júbilo popular por la milagrosa curación”, según apunta el Ayuntamiento.

Uno de los momentos más espectaculares es la salida de “La Vaquilla” de la Iglesia Parroquial el día 13 de agosto por la noche. Niños, jóvenes y personas mayores al grito de “¡Erra, Erra!” perseguidos por la bestia. En Chillón tampoco se celebra ningún otro encierro ni suelta de vaquillas o toros con animales reales.

Con el inicio de este año 2026 regresa al calendario cultural tradicional una cita clave en el municipio de Murcia, con la Fiesta de las Cuadrillas de Patiño. Esta pedanía celebra de nuevo este evento en el que vecinos y visitantes podrán disfrutar de una amplia programación, desde el viernes día 9 y hasta el domingo 11 de enero, convirtiendo a Patiño en uno de los grandes escenarios del folclore y la música de raíz.

La edición de 2026 vuelve a reunir en Patiño a cuadrillas procedentes de distintos municipios de la Región de Murcia y de otras comunidades autónomas como Castilla-La Mancha y Andalucía, reforzando el carácter abierto y de intercambio cultural de este encuentro. En concreto, participarán la Cuadrilla de Patiño como anfitriona; la Cuadrilla de Aledo; de El Esparragal de Puerto Lumbreras; de Fuente Álamo; la Cuadrilla Ronda Los Llanos de Albacete y la Cuadrilla de Pulpí, de Almería.

Un evento imprescindible para la conservación del patrimonio cultural inmaterial, el fortalecimiento de la identidad de las pedanías, y la transmisión de las tradiciones murcianas a las nuevas generaciones gracias a esta programación donde se combina un año más de las Cuadrillas.

Fin de semana repleto de actividades para todas las edades

La programación comenzará el viernes 9 de enero en la carpa del Centro Cultural de Patiño con el concierto de Antonio Micol, seguido del tradicional reparto de pelotas con caldo. El sábado 10 se celebrará una velada de trovo internacional, con participación de troveros de Murcia, Canarias, Cuba y Colombia, que culminará con reparto de pasteles de carne y cerveza.

El domingo 11 de enero tendrá lugar el día grande de la fiesta, con la recepción y desayuno popular, la misa cantada por todas las cuadrillas, el encuentro de agrupaciones, el reparto de pelotas con caldo y, por la tarde, el baile suelto y las cuadrillas en la calle, llevando la música tradicional a cada rincón de la pedanía.

La Fundación para la Promoción de los Valores y la Identidad de Castilla y León ha convocado los premios de la Música Folk y Tradicional, dotados con 3.000 euros cada uno, según se ha publicado este lunes en el Boletín Oficial de Castilla y León. El objetivo de estos premios es reconocer públicamente la labor de personas físicas o jurídicas, públicas o privadas, así como de colectivos artísticos, asociaciones y entidades de toda índole que hayan destacado por su aportación a la preservación, revitalización, estudio, interpretación o divulgación de la música folk y tradicional de Castilla y León en cualquiera de sus expresiones, tales como la música, el canto, la danza, los instrumentos musicales y las costumbres populares.

La convocatoria contempla tres categorías: un premio individual en la música folk y tradicional y sus expresiones, un premio al mejor grupo o agrupación de música o danza tradicional y un premio a la mejor iniciativa de recuperación, investigación o divulgación del folclore y la música tradicional en cualquiera de sus expresiones. Además, se hará entrega de un símbolo distintivo y acreditativo del premio.

El plazo para presentar las candidaturas termina el 10 de febrero a las 12 horas.

Podrán presentar su propuesta o propuestas de candidaturas a los premios las asociaciones y entidades culturales, grupos folclóricos, instituciones locales y provinciales, instituciones educativas, centros de estudios, asociaciones y/o agrupaciones de castellanos y leoneses en el exterior, personalidades de prestigio relacionadas con el objeto de los Premios, así como otras personalidades, entidades públicas o privadas vinculadas con la música folk y la cultura popular y, en especial, con el folclore y las tradiciones musicales y de la danza de Castilla y León. Además, los miembros del jurado también podrán proponer candidaturas durante el periodo de presentación de solicitudes. Sin embargo, se excluirán las autocandidaturas, aquellas presentadas por quienes soliciten los premios para sí mismos o para los grupos o entidades en las que ostenten su representación legal.

Jurado

El Jurado estará integrado por un presidente, cinco vocales y un secretario; este último será un técnico de la plantilla de la Fundación, quien actuará con voz pero sin voto. El director general de la Fundación (ahora Rafa Monje) ostentará la Presidencia del jurado.

Los vocales serán personas de prestigio y acreditada trayectoria en los ámbitos del folclore, la etnografía, la música tradicional, la gestión cultural y la divulgación de la cultura popular, entre otras cualidades. La decisión del Jurado se adoptará por mayoría de votos de sus componentes, decidiendo, en caso de empate, el voto de calidad de la persona que ejerce la presidencia del mismo.

Los criterios de valoración de estos premios incluirán la preservación y revitalización del folclore, la investigación e innovación musical, la versatilidad instrumental, la difusión y promoción de la cultura musical, el fomento de la identidad cultural y transmisión intergeneracional, el impacto en el medio rural, la trayectoria artística, la divulgación en nuevas tecnologías y la coherencia global.

Los premios se entregarán en un acto institucional y en el contexto de la celebración del Día de la Comunidad de Castilla y León. El pago de los premios se efectuará en el plazo máximo de un mes desde la concesión de los mismos

Así nació Mijina de Extremadura, y con ella una agenda concebida para cualquiera —sea de aquí, de Extremadura, o no— que quiera descubrir la región de manera diferente. El planteamiento es claro: huir de lo folclórico como postal lejana y acercarse a lo cotidiano, lo vivido, lo que se reconoce en los pueblos, en el habla, en las rutas y en las celebraciones que marcan el calendario extremeño.

La Agenda Extremeña 2026, elaborada íntegramente en la comunidad autónoma de Extremadura, organiza cada mes alrededor de un tema central. Tradiciones, naturaleza, expresiones populares, historia o gastronomía se convierten en la estructura que permite que el proyecto crezca año tras año. No es solo un planificador: es un recorrido que incorpora juegos, palabras típicas, curiosidades y rutas adaptadas, de manera que la organización diaria funciona también como una forma de recorrer la región.

La intención del equipo es que esta arquitectura mensual evolucione en futuras ediciones, ampliando los contenidos y sumando nuevas miradas, siempre desde un enfoque joven, cuidadoso y cercano. El objetivo no cambia: poner en valor Extremadura desde dentro, contada por quienes la viven.

Una acogida que confirma la intuición

Desde su lanzamiento, la respuesta ha sido sorprendente. La agenda llegó a agotar existencias, un gesto que confirma que la idea inicial conectaba con una necesidad real: disponer de un objeto que reúniera identidad regional, diseño actual y contenido cultural en un formato accesible. Ese respaldo del público les permitió abrir nueva etapa y ampliar el proyecto sin perder la raíz.

Y a partir de la buena acogida, comenzaron a surgir otros productos ilustrados: láminas, tazas, tote bags y piezas que continúan la misma línea estética y conceptual. “Todo se produce aquí, manteniendo la coherencia entre mensaje y origen”, asegura Blanca. La identidad visual de Mijina se ha convertido en una manera de narrar lo local sin caer en la nostalgia, apostando por una Extremadura contemporánea, luminosa y reconocible.

La reciente apertura de su web oficial consolida este camino, ordena el catálogo y articula un espacio donde el proyecto puede seguir creciendo con nuevas propuestas.

Un proyecto que amplía el imaginario extremeño

Mijina demuestra con esta iniciativa que el territorio puede narrarse desde un enfoque creativo y actual, sin renunciar a la profundidad ni a la memoria. El proyecto recoge aquello que forma parte de la vida cotidiana —las palabras propias, los sabores, las fiestas, las rutas, los paisajes— y lo presenta con la delicadeza de quien conoce y respeta lo que cuenta.

En una región que ha reclamado durante décadas mayor presencia en los relatos culturales, iniciativas como esta amplían el imaginario compartido y ofrecen nuevas formas de habitar la identidad. Una agenda que empezó siendo un gesto familiar y hoy se ha convertido en una pieza cultural que acompaña, conecta y nombra el territorio extremeño con una mirada propia y contemporánea.

El peso del cuerpo del animal obligó a inclinarse hacia delante al dar el primer impulso. La joven se subió a lomos del oso blanco mientras notaba el pelaje rígido bajo las manos y el movimiento firme de las patas al arrancar. El trayecto avanzó sin titubeos entre árboles y nieve compactada, con el balanceo constante marcando el ritmo del viaje. Por eso aquel desplazamiento selló la separación definitiva de la casa paterna y abrió una etapa marcada por el encierro y el silencio nocturno.

La relación con el oso ocultó una identidad reservada a la oscuridad

El cuento Kvitebjørn Kong Valemon relata la búsqueda de una princesa para romper el hechizo que mantenía a su esposo transformado en oso blanco y sometido a una bruja, un eje narrativo que articula toda la tradición recogida en Noruega. En ese punto se concentra la acción principal del relato, con un encantamiento condicionado por la obediencia y una ruptura provocada por la curiosidad. Así se establece el conflicto que empuja a la protagonista a abandonar la seguridad inicial y recorrer territorios desconocidos. De ese modo el relato organiza una secuencia clara de pérdida, búsqueda y restitución.

Un rey tuvo tres hijas y la menor aceptó marcharse con un oso a cambio de prosperidad, tras el fracaso de sus hermanas mayores. En el castillo, el animal mantuvo su forma durante el día y recuperó la humana por la noche, siempre en la oscuridad. La princesa dio a luz a dos hijos y recibió permiso para visitar a su familia con la advertencia de no mirar bajo la cama.

Sin embargo desobedeció, descubrió a una bruja que renovaba el hechizo y provocó la huida del príncipe hacia un castillo lejano. Por eso la joven inició una búsqueda asistida por tres niñas que le entregaron objetos mágicos y herramientas de hierro. Finalmente logró reencontrarse con su esposo, eliminar a la bruja mediante una trampa y regresar con sus hijas, rompiendo el encantamiento.

La tradición fijó una estructura común con variantes locales

El relato se clasifica como tipo 425A en el índice Aarne-Thompson-Uther, correspondiente al motivo del esposo animal. Dentro de la tradición noruega comparte rasgos con East of the Sun and West of the Moon y con otros cuentos europeos centrados en matrimonios encantados. En todos ellos aparece una prohibición inicial, una transgresión y un viaje reparador. Así se configura una estructura reconocible que permite comparar variantes sin perder el núcleo común del argumento.

Kvitebjørn Kong Valemon fue publicado como el número 90 en la colección Norske Folke-Eventyr. Ny Samling de 1871, recopilada por Peter Christen Asbjørnsen y Jørgen Moe. La obra forma parte del esfuerzo decimonónico por fijar por escrito el folclore oral noruego. Con ello el cuento pasó del ámbito local a una circulación editorial más amplia.

La versión más conocida procede de Setesdal y fue recogida en 1870 por el artista August Schneider. Jørgen Moe documentó otra variante en Bygland que apareció resumida en la edición de 1852. Además George Webbe Dasent tradujo el cuento al inglés en Tales from the Fjeld, ampliando su difusión fuera de Escandinavia. De ese modo se consolidó un corpus con diferencias locales pero con una trama estable.

El simbolismo del oso blanco remite a la dualidad entre lo humano y lo animal presente en el folclore nórdico. El viaje de la princesa funciona como un proceso de prueba basado en la perseverancia y la acción continuada. Motivos como los regalos mágicos y la caída de la bruja en un abismo aparecen también en cuentos europeos afines. En conjunto el relato mantiene su vigencia como ejemplo de narrativa tradicional centrada en la transformación y la restitución final.