La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, instituida en 1752 y con sede en Madrid, ha acordado el nombramiento como miembro de honor del músico y etnógrafo Joaquín Díaz, por una trayectoria de cerca de sesenta años dedicada al estudio y difusión de la cultura tradicional.

La edición de cerca de un centenar de discos, desde la publicación de 'Recital' (1968), dan cuenta de una vida dedicada a la investigación de la cultura tradicional no sólo a través de la música sino también desde otras perspectivas que ha plasmado en decenas de libros y artículos en periódicos y revistas especializadas.

Esta distinción ha sido acordada por la junta directiva de la Academia de San Fernando a propuesta del responsable de su sección de Música, el escritor, compositor y crítico musical Tomás Marco, quien a través de una mensaje difundido por la institución ha elogiado la figura y el legado de Joaquín Díaz.

“Es un verdadero honor contar con una persona de su relevancia y valía profesional como parte activa de la Academia. Sin duda, su incorporación a la comunidad de Académicos contribuirá a enriquecer este proyecto tan ilusionante y necesario”, ha afirmado.

Joaquín Díaz (Zamora, 1947) añade esta distinción a otras que a lo largo de su vida han reconocido su ingente aportación a la etnografía española e hispanoamericana como han son la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2002), el Premio 'A Toda una vida' (2008) de la Academia de la Música y varios doctorados y nombramientos en universidades e instituciones culturales de España y Estados Unidos.

Después de años de conciertos y conferencias por España, Francia, Italia, Alemania y Estados Unidos, en 1976 se bajó de los escenarios, dejó la dirección de una revista y sello discográfico dedicados a la música de raíz, y se dedicó a la investigación y difusión de la cultura tradicional a través de la Fundación Centro Etnográfico que lleva su nombre en Urueña (Valladolid).

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, creada en 1752 durante el reinado de Fernando VI, es la institución artística de mayor recorrido y vigencia cultural en España, y actualmente consta de 56 académicos de número, de reconocido prestigio en el ámbito de la arquitectura, pintura, escultura, música, cine, arte gráfico, fotografía, diseño e historia y teoría del arte.

Eugenio González Díaz supo callar durante décadas y ha sabido hablar y cantar otras tantas. Calló o habló “lo justo” con quien se podía cuando la Guardia Civil daba palizas en ese territorio transitado por los guerrilleros antifascistas; habló cuando pudo hacerlo y defendió sus ideas políticas ante los excesos de los poderosos; cantó hasta cuando a algunos no les gustaba que lo hiciera. Y, ahora, a los 93 años, canta y habla con aquel que tenga a bien escuchar con respeto. Hay una especie de filosofía natural en Eugenio y hay mucho saber acumulado en las nueve décadas que lleva agotadas.

“Yo lo que dispongo es de buena memoria. No tengo dinero y no lo necesito porque es que no lo quiero. Pero a mí lo que me importa es decir la verdad a tiempo antes de morir. Sé que me queda muy poco, pero ganas de hablar tengo, de decir la verdad. Un día moriré por razón de ser. Pero no le tengo miedo a la muerte”.

Nacido en noviembre de 1932 en Camijanes, en el Valle de Herrerías, Eugenio González Díaz —conocido popularmente como Genio, el de Camijanes— es además uno de los últimos grandes representantes vivos de la tonada montañesa, ese cante tradicional que condensa la memoria emocional, oral y sonora de Cantabria.

Hijo de Andresa —natural de Bielva, panderetera y amante del baile— y de Nazario —oriundo de Camijanes, que trabajó como carnicero, cantero y tratante de ganado—, Genio creció en una familia que encarnó las complejidades y la fortaleza de la posguerra rural. Su padre enviudó con ocho hijos e hijas a su cargo, y su madre, con dos hijas propias, se integró a esa gran casa común tras casarse con Nazario.

Aquel nuevo hogar, en el barrio El Collado, fue levantado entre ambos y llegó a acoger a 17 hijos e hijas, criados sin distinciones, “como si fuéramos todos de una madre”. De ese matrimonio nacieron siete, y Genio fue el tercero. El afecto y el respeto cimentaron esta convivencia, a pesar de las estrecheces y los trabajos tempranos que marcaron la infancia de Genio y de sus hermanas, quienes trabajaron en servicio doméstico en ciudades como Madrid, Valladolid o Bilbao. “No estudia quien no puede. Y quién sabe dónde está la inteligencia… puede estar en la cabeza de un pobre”, reflexiona Genio.

La economía familiar giraba en torno a la ganadería y al ingenio de sus progenitores. Su padre compraba y vendía ganado por toda la región, incluso cruzando clandestinamente a Asturias cuando la provincia estaba en estado de sitio. “Si le cogían, iba a la cárcel”, recuerda Genio, pero aquel riesgo era parte de la necesidad. Las vacas llegaban en tren hasta Pesués y desde allí las llevaban a casa, alimentando la cuadra y a los suyos.

Su madre, por su parte, sabía fabricar alpargatas con suelas de goma y cosía con lo que hubiera a mano; era, como él la describe, “una mujer muy fuerte y muy inteligente”.

Su infancia coincidió con los años de la Guerra de España y, aunque no conserva recuerdos precisos de los hechos, guarda el eco del miedo vivido: las carreras entre bombas, el paso de soldados de ambos bandos, las privaciones y los momentos de refugio en las cuevas cercanas, como Trascudia y Cabraliza. La posguerra —que “fue peor”— estuvo marcada por la dictadura, el canto del Cara al Sol, los fielatos, el estraperlo y el racionamiento en el Puente de El Arrudo, así como por el fin del trabajo paterno en la carnicería.

“Y estando en la guerra esos años, la gente joven fue y murió. Y aquí ya no había nadie: cuatro viejos y las mujeres que quedaron y sufrieron la tira… mucho sufrieron las mujeres. Yo a la mujer le doy un valor tremendo, porque fue terrible esa vida. Después te acostumbras, viene un día con un poco de sol y parece que te olvidas de lo otro. Algunos... Yo estoy aquí permanentemente con ello, llevo a cuestas esa mochila hasta que me marche”.

Genio comenzó a trabajar en casa desde los seis años, primero cuidando pollos, luego pastoreando corderos y después ovejas en Gesa. Más tarde sirvió “a cambio de comida” en el pueblo: sembrando tierras, segando, andando con una pareja de bueyes, etcétera.

A los 13 años comenzó a trabajar como pinche en la empresa Saltos del Nansa, donde pasó tres años junto a su padre —cantero y guarda de la dinamita— y sus hermanos, que trabajaban en la cantería del canal. Por entonces, con un sueldo de 10,50 pesetas al día, empezó cuidando a los hijos de los ingenieros, llevando agua y, poco a poco, entre recados y descansos de los obreros, aprendió el oficio de cantero.

En su rutina no faltaba acudir al Rosario en Bielva, a la capilla del Cristo, frente a la que vivía su familia materna. Allí cumplió los primeros sacramentos y ejerció de monaguillo. Bajaba tras recoger las ovejas, atraído por la devoción, pero sobre todo por la vida social del pueblo, donde “había muchísima juventud” y, según él, “las mujeres más guapas de todos los valles”.

Recuerda que tenía 16 años cuando llegó la luz eléctrica al pueblo, justo en la época en que comenzó a trabajar con su hermano Samuel y otros obreros en la cantería. Vivió su oficio con dureza y orgullo, consciente de que muchos esfuerzos los hizo antes de estar físicamente preparado: “Es como coger la fruta verde. No es conveniente, pero había que hacerlo por necesidad”. Hoy, reconoce las secuelas del duro trabajo en su salud.

Durante tres o cuatro años, entre marzo y diciembre, recorrió con sus herramientas y su pericia los montes de Cantabria, Navarra, Palencia y León. Y, a diferencia de muchos compañeros que emigraron al extranjero, este vecino de Camijanes eligió quedarse: “Me agarré aquí. Nunca quise ir a Alemania ni a Francia. Tuve la suerte de quedarme y aquí moriré”.

A Genio le “pesó no pisar la escuela” y lamenta no haber podido formarse desde niño —“me hubiera gustado ir; estoy seguro de que habría aprendido mucho”, confiesa—. Su conocimiento es profundo y vivencial, forjado entre montes, ferias ganaderas y memorias familiares. Aprendió a leer y escribir a los 22 años, durante el periodo de instrucción del servicio militar en Tetuán, Marruecos, que comenzó en marzo de 1954 bajo la tutela de sus alféreces. Aprendió tarde pero no ha dejado de leer desde entonces. De la mili recuerda cómo iba marcando los meses que pasaban con señales en el cinturón para contar los días y reencontrarse con su tierra y la novia que tenía desde los 20 años. 

Se casó con María Luisa Sánchez Sánchez, originaria de Prellezo, el 9 de julio de 1960, a los 28 años. “Boda de pobres”, dice, pero feliz: ella estaba embarazada de cuatro meses y él, “contentísimo”, porque la quería de verdad. “Cuando se quiere, no se hace pecado”. Después del matrimonio, siguió en la ganadería de sus padres, y juntos adquirieron algo de ganado y alquilaron una casa para comenzar su vida juntos. Construyeron su primera casa a cuatro pasos de donde él había nacido tras el nacimiento de su tercer hijo; en total tuvieron dos hijos y dos hijas. Hoy, su familia se ha extendido hasta seis nietos y cuatro bisnietos que les rodean con cariño.

Su segunda década de vida transcurrió trabajando por temporadas y durante seis años como peón en una serrería de Hórreo, en el País Vasco, para Pepe Abascal.

Cerca de cumplir los 30 años, y ya padre de su hija primogénita, Eugenio ingresó en el cuerpo de guarda fluvial tras superar una oposición con 29 plazas disponibles, en un cuerpo militarizado. Y a comienzos de los años sesenta comenzó a trabajar como vigilante fluvial en el río Nansa y sus afluentes próximos, dentro de una zona salmonera especialmente vigilada y con presencia constante de pesca furtiva. Si bien debía sancionar, también entendía la realidad que le rodeaba: “Había mucha necesidad. El que se jugaba la cárcel por un salmón no lo hacía por maldad”.

Tras varios años en Camijanes, fue trasladado a Galicia, concretamente a la provincia de Ourense, para cubrir el tramo del río Arnoia entre Allariz y Baños de Molgas, una zona fronteriza con Zamora. En este nuevo entorno, se enfrentó a un reto mayor: más de 70 kilómetros de río y numerosos molinos, focos potenciales de pesca ilegal. Pero las condiciones no eran sostenibles: su sueldo apenas cubría los 40 reales de pensión diaria, y su familia seguía en Cantabria. Tras solicitar sin éxito una vivienda para poder trasladarlos, decidió dejar el puesto. Solicitó una excedencia de cinco años y regresó a casa sin despedirse oficialmente.

De vuelta en el hogar, se dedicó a la ganadería, parte de lo que gestionaba su mujer, y además, con créditos “al 23 %” pudo comprar tierras “al patrón”, la casería de su padre —junto con su hermano—y maquinaria y suficiente ganado, unas 60 cabezas, para mantener a su familia. Vendían leche a Mantequería La Asturiana, Nestlé o La RAM, hasta que a los 60 años se jubiló como ganadero autónomo, debido a un problema de salud. Ya de casado vivió los tiempos del silencio y del miedo. “Se sufrió muchísimo porque no tenías defensa ninguna. Te pasan todas estas cosas y te empujan y te pisan... ¿Y dónde ibas? ¿Dónde te quejabas? ¿Venías a llorar donde tus padres? ¿A darle más de un susto? Tenías que pasarlo como pudieras... ¿Quién cree que ya están pagados todos esos atropellos?”, defiende.

Como él mismo reconoce: 'Sin música no podría haber mundo, es imposible; cantan hasta los pájaros'. Y lo dice con orgullo: 'Donde quiera que fui, canté'

Conocido desde niño como “el hijo de Nazario”, silbaba mientras cuidaba las ovejas y memorizaba los romances que los ciegos traían escritos en papeles finos, esos mismos que luego resonaban en los corros de taberna, en ferias y romerías como las de San Miguel o La Luz en Liébana. Su formación musical fue oral, instintiva y profundamente ligada al entorno rural. Como él mismo reconoce: “Sin música no podría haber mundo, es imposible; cantan hasta los pájaros”. Y lo dice con orgullo: “Donde quiera que fui, canté”. También recuerda muchas salidas “de la cuadra, al evento”, pues solían buscarlo en casa para que cantara.

Este “cante de chigre”, de raíz campesina, nació del uso cotidiano de la palabra cantada como forma de contar, resistir, celebrar y recordar. Genio es uno de los pocos cantadores que se acompañan de una gaita, ejecutada por su hijo o su nieto, miembros del grupo Sones del Nansa—. Comenzó cantando canciones asturianas, en referencia a sus orígenes maternos, luego adoptó la tonada montañesa y asegura que canta de todo, incluso flamenco o jotas navarras. “El cante es algo que se tiene dentro, un espíritu. No se puede comprar”.

Genio también ha expresado su deseo de dejar grabada su voz “antes de irse de este mundo”. Hasta ahora, ha registrado ocho temas, la última vez, a sus 78 años. Recuerda con especial cariño la visita de Jesús García Preciado, hace 25 años, cuando le grabó Callejuca, callejuca acompañado de su hijo Luis en la gaita. La música llevó a Genio a aparecer en medios de comunicación, a viajar por distintas ciudades de España y a compartir escenario y amistad con grandes figuras como El Malvís de Tanos, Aurelio Ruiz, Benito Díaz, Manolo Sañudo o los Hermanos Cosío. Gracias a su larga trayectoria, fue homenajeado en varios lugares emblemáticos como Unquera, Cabezón de la Sal y Polaciones. Hoy, desde su casa en Camijanes, Genio sigue cantando con la misma emoción con la que aprendió: apoyándose en la memoria, la garganta y el corazón.

A sus 93 años, declara que “no son los años de vida, es la calidad” y Genio se reconoce afortunado, pues gracias al apoyo de su hija continúa viviendo en su casa con su mujer y en compañía de sus hijos. Dedica su tiempo a la lectura, las amistades y a disfrutar de su familia, en especial, a ver tocar a los nietos. Y sobre todo, a disfrutar de lo sencillo: “Veo cómo crece un árbol, oigo ladrar a un perro…”.

Unir sus dos pasiones: deporte y folclore. Esa es la idea que transmite Matilde (La Alberca, 2002), una joven murciana que a través de sus redes sociales y con un toque de humor muestra la versatilidad del traje tradicional de huertana, que tiene más posibilidades de las que parece. Incluso permite practicar ejercicio físico, pese a su aparente incomodidad. Así lo demuestra ella, conocida en redes como ‘la huertana del crossfit’. “La idea de la huertana del crossfit nació de que yo entrenaba en un box todos los días y también estaba inmersa en las actividades como Dama de Reina de la Huerta”, explica. Durante esa etapa, acudía con frecuencia a entrenar con el peinado típico de huertana, lo que no pasaba desapercibido entre sus compañeros, relata.

De forma natural, empezó a plantearse unir sus dos pasiones: el crossfit y las tradiciones huertanas. Una combinación que, asegura, no ha generado ningún tipo de rechazo: “No he recibido ninguna crítica ni de la Federación de Peñas Huertanas ni de mi propia peña”.

Su vídeo entrenando con el traje de huertana se ha hecho viral, con más de 400.000 visualizaciones hasta el momento, y demuestra el interés que puede generar practicar ejercicio con una vestimenta distinta a la habitual. En el reel la podemos ver, al ritmo del remix techno de 'Berghain' de Rosalía & Conrad Taylor, haciendo saltos al cajón, dominadas o burpees con el zagalejo puesto.

Con 436 comentarios, se pueden apreciar tanto comentarios positivos agradeciendo la labor de divulgación de las tradiciones murcianas realizada por Matilde, como otros en los que los usuarios mencionan que “el traje es carísimo y no todo el mundo se lo puede permitir”.

Este fenómeno se enmarca en un resurgir del traje de huertana, que la joven también relaciona con tendencias actuales: “Cada vez hay más gente que está abrazando el traje gracias también a la moda de la ropa de época, como en Los Bridgerton”, opina.

No obstante, Matilde insiste en que este auge debe ir acompañado de conocimiento y respeto. “Me gustaría que fuera un resurgir con conciencia, que sepamos lo que estamos representando”, defiende. En este sentido, advierte sobre errores frecuentes en la vestimenta: “No podemos llevar volantes fucsia, al igual que tampoco existían los colores artificiales. Los zagalejos -faldas de huertana- son de telas lisas o de cuadros y en colores sobrios”. Aun así, reconoce que la tradición también puede adaptarse, siempre desde el respeto. “Se pueden hacer cambios, pero con criterio”, matiza.

En definitiva, los jóvenes comienzan a ver el traje de huertana desde una nueva perspectiva, más abierta y creativa. Sin embargo, este cambio no debería hacer perder de vista su valor cultural. Porque, como defiende Matilde, innovar no está reñido con respetar la tradición.

La democratización del traje

Hija de una familia de sastres y merceros, Lidia ha crecido entre bobinas de hilo, agujas, cintas y bordados. Al frente desde hace décadas de la mercería familiar en la pedanía murciana de Aljúcer, no puede esconder su pasión cuando habla de las tradiciones de la huerta murciana. Hace tres años que dejó de vender solo los trajes de huertana de sus proveedores a vender los que cose ella misma con sus manos.

“Después de la pandemia las faldas de huertana, los refajos, subieron mucho de precio”, relata, y al mismo tiempo se empezaron a poner de moda los zagalejos, las enaguas que se usaban en la época y que son más ligeras. La diferencia de precio entre un zagalejo, hechos con tela de algodón, y un refajo bordado, de paño o lana, es “abismal”. Hubo una democratización del traje, explica Lidia, quien destaca que intenta conjugar las nuevas corrientes con el respeto a la tradición. “Hay algunas pautas, como el número de volantes que lleva la falda o dónde los colocamos, porque hay veces que ves trajes que más de huertana parecen de sevillana”.

En referencia al vídeo viral de Matilde, señala Lidia, “lo que nos está queriendo decir es que puedes vestirte perfectamente y sin esfuerzo con el traje regional”. Dentro de la innovación, hay algunas pautas que hay que seguir para ir bien vestida.

Con las fiestas del Bando de la Huerta cada vez más cerca, el próximo martes 7 de abril, Lidia dedica en su negocio, Mercería Palazón, hasta ocho horas detrás de la máquina de coser al día. Detrás de cada traje hay mucha dedicación, ilusión y arte. “El mismo día del Bando abro, por si hay algo que mis clientas necesiten de última hora o para ayudarles a vestirse, sus trajes los he hecho con mis manos y me gusta que todo quede bien”.

Lidia celebra este resurgir de las tradiciones: “Siempre he sido de una peña, a mí me encanta vestirme de huertana, cuando era pequeña, como mi familia era muy humilde, los trajes me los hacían mis padres”, recuerda con cariño. “Salíamos también a otros sitios para enseñar nuestro folclore, hemos viajado hasta Portugal, Madeira o Polonia; ahora para muchos jóvenes la jota es algo aburrido, incluso hortera pero son nuestras tradiciones y no hay que perderlas”.

La intelectual y política Matilde de la Torre (Cabezón de la Sal, 14 de marzo de 1884 - Ciudad de México, 19 de marzo de 1946), una de las primeras diputadas en las Cortes de la República, se marchó al exilio en barco desde Francia. El dictador Rafael Trujillo les prohibió atracar en República Dominicana y fue México el país que le abrió los brazos. Hace unos días, sus cenizas, 80 años después de su muerte, regresaron a España en avión dentro de una maleta que custodió la presidenta de la Fundación cántabra que lleva su nombre.

La idea surgió hace un año, cuando la coral y el grupo de danzas que fundó en su pueblo, Cabezón de la Sal, para recuperar y reivindicar el folclore cántabro, celebraron su centenario. Coincidiendo con ello, el grupo de danzas Virgen del Campo decidió viajar a México y a modo de reconocimiento y homenaje bailar junto a la tumba donde hasta ahora han descansado los restos de Matilde de la Torre en el Pabellón Español del Cementerio Nacional de México. Allí, al otro lado del Atlántico, alguien les planteó “¿Por qué no os la lleváis de vuelta a casa?”.

Es lo que ella siempre había querido. Un deseo que manifestó en varias ocasiones y que dejó escrito. Por fin, hace unos días, las cenizas de Matilde de la Torre han regresado a España escoltada por diez miembros de la coral y el grupo de danzas que fundó hace un siglo, una representante del Ayuntamiento de Cabezón y una delegación de la Fundación Matilde de la Torre, vinculada al PSOE, partido en el que militó, con el secretario general de los socialistas cántabros, Pedro Casares, a la cabeza.

Después de tanto tiempo esperando la repatriación, a los tres días de aterrizar en la capital azteca se produjo el trágico suceso de El Bocal de Santander donde murieron seis jóvenes tras hundirse una pasarela de madera sobre un acantilado. Sorprendió a miles de kilómetros a Casares, también delegado del Gobierno, y Paz de la Cuesta, presidenta de la Fundación y concejala de Santander, generando una gran polémica política dado que decidieron no suspender el viaje y mantuvieron su agenda en México, lo que ha generado muchas críticas por la ausencia y las explicaciones posteriores.

Reencuentro con la historia

Han sido unos días de reencuentro con la historia del exilio y de manera especial con la huella cántabra. La delegación ha aprovechado para visitar el Ateneo Español de México —que fundaron los exiliados españoles— cuya biblioteca custodia manuscritos y libros de Matilde de la Torre, antes de la exhumación. Una ceremonia solemne en el Pabellón Español acompañada del folclore que tanto contribuyó a reivindicar.

Los trámites han durado un año. Coralistas y danzantes han estado tratando de obtener el dinero para el viaje de los doce miembros que han ido a México participado en el mercadillo navideño y en algunas otras iniciativas. La concejala se ha pagado el viaje de su bolsillo.

Todo remite al pasado, a su propia historia, cuando al Coro Campesino Voces Cántabras que fundó Matilde de la Torre en 1924 para recuperar cantos y danzas populares de Cantabria le invitaron a actuar en el Royal Albert Hall de Londres, en la fiesta anual de la Sociedad Inglesa de Danzas Folklóricas. A la emoción por esta oportunidad se unió un problema: cómo conseguir el dinero para hacer el viaje.

Las instituciones les negaron el dinero aunque acabaron por conceder una modesta cantidad insuficiente que se completó con las mil pesetas que donó el entonces propietario del Hotel Royalty. En 1932, el coro cántabro se subió al escenario del Royal Albert Hall de Londres ante 12.000 espectadores e interpretó 'La Baila de Ibio', que Matilde había rescatado y adaptado al son del bígaro y el tambor. Fue una actuación histórica. Los ingleses estaban fascinados con la calidad del espectáculo y no se creyeron que eran trabajadores del campo hasta que no les mostraron sus manos callosas.

Homenaje en Cabezón

Ahora, décadas después, también ha sido difícil disponer de fondos y el viaje del grupo ha sido muy modesto, pero el objetivo está conseguido. El sábado 21 de marzo los restos de Matilde de la Torre volverán a la tierra. A la suya, a Cabezón de la Sal. Allí, en el cementerio del pueblo enterrarán sus restos bajo un monolito de marmol negro de más de metro y medio de altura con su nombre y el de su hermano Carlos, cuyos restos descansaban juntos en México y también han regresado juntos a su tierra natal. “Aquí se la tiene un cariño muy especial”, dice María Jesús García Hoyos, concejala de Cultura del Ayuntamiento de Cabezón de la Sal.

La ceremonia no será religiosa. A las doce y media de la mañana los restos serán recibidos por el sonido del bígaro, el instrumento de viento –una caracola martina de grandes dimensiones– que ella recuperó para representar la tradicional danza de Ibio.

En paralelo, la Casa de Cultura acogerá una muestra fotográfica. José Ramón Gómez García ha recuperado el material gráfico de familiares, publicaciones y el Archivo General de Cataluña donde ha podido recuperar algunos originales “que permiten apreciar con mayor nitidez y detalle los rostros y el vestuario de los miembros del coro”, apunta.

La mayor parte de las fotografías de gran formato son de actuaciones de la Coral en Londres, Valladolid y algunos otros escenarios. “Hay muy pocas imágenes de su intensa vida política”, lamenta, pero, en cambio, ha conseguido recuperar imágenes de la casa de Matilde en Cabezón que pasó a ser propiedad de La Falange, posteriormente se utilizó como colegio y se acabó derribando. En su lugar ahora hay un instituto público y un campo de fútbol.

La exposición se podrá ver entre el 16 y el 23 de abril y las imágenes se cederán al grupo de danzas. La Fundación Matilde de la Torre de Cantabria también se sumará a los actos con un ciclo de seis conferencias programadas entre marzo y junio que recorren todas las facetas de la escritora: la música y el folclore, la política y la defensa de los derechos de las mujeres, la experiencia del exilio o su trayectoria literaria e intelectual.

El Gobierno de La Rioja, en colaboración con el Ayuntamiento de Haro, celebrará el sábado 21 de marzo, a las 18:30 horas, en el Teatro Bretón de la localidad jarrera, el VI Festival de Escuelas de Jota de La Rioja, un encuentro que reunirá a más de 100 intérpretes procedentes de distintas escuelas de la comunidad y que contará con acceso libre mediante invitación. El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, junto a la alcaldesa de Haro, Guadalupe Fernández, y los alumnos Jairo Blanco y Jorge Collado, han presentado esta nueva edición.

Tras la recuperación del festival el pasado año en Rincón de Soto, una década después de su última convocatoria, la iniciativa continúa su itinerancia con parada en Haro, consolidando así un proyecto que refuerza la difusión y transmisión de la jota como una de las principales señas de identidad cultural de La Rioja. 

En este sentido, Pérez Pastor ha destacado que “la jota es la voz del pueblo o una de las formas que tiene el pueblo de expresarse culturalmente en La Rioja”. Asimismo, ha subrayado que el festival, recuperado el pasado año tras casi una década sin celebrarse, continúa su recorrido por distintos municipios de la comunidad porque “la jota la tiene que disfrutar todo el mundo y por eso este festival va itinerando por La Rioja”. El consejero ha recordado también el valor patrimonial de esta manifestación cultural al señalar que “la jota está considerada Bien de Interés Cultural de carácter inmaterial en La Rioja”, con el máximo nivel de protección cultural.

Por su parte, Guadalupe Fernández ha afirmado que “para Haro es un auténtico orgullo que este festival llegue a nuestra ciudad, porque vuelve a convertirla en punto de encuentro de la cultura, la tradición y el folclore riojano”. La alcaldesa ha querido reconocer además el trabajo que realizan las escuelas participantes y ha destacado que “detrás de cada actuación hay muchas horas de ensayo, aprendizaje y pasión por mantener viva una tradición que forma parte de lo que somos los riojanos”. En este sentido, ha valorado especialmente el esfuerzo realizado en municipios de La Rioja Baja para mantener vivas estas escuelas y ha animado a que iniciativas similares puedan impulsarse también en La Rioja Alta para seguir fortaleciendo esta manifestación cultural.

Durante la presentación, el alumno de la Escuela de Jotas del Gobierno de La Rioja, Jorge Collado, ha agradecido la oportunidad de participar en este encuentro y ha animado al público a asistir al festival, señalando que “para nosotros es una oportunidad increíble poder mostrar el trabajo que realizamos durante todo el año y compartir con el público una tarde que seguro será estupenda”.

Las escuelas participantes serán la Escuela de Jotas Antonio García, de Rincón de Soto, dirigida por Ainara Martínez; Amigos de la Jota, de Alfaro; Joteras y Joteros de Calahorra; y la Escuela de Jotas del Gobierno de La Rioja, integrada en el taller de Música Tradicional Bonifacio Gil y dirigida por Diego Urmeneta.

Cada formación interpretará cuatro jotas en distintos formatos —solista, dúo, grupo y pasacalles—, ofreciendo una muestra representativa de la riqueza y diversidad de este género tradicional. El acto concluirá con la interpretación conjunta de “Riojano de pura cepa” por parte de todos los participantes. La duración prevista del festival es de aproximadamente 90 minutos.

Las invitaciones pueden recogerse en el Centro Municipal de Cultura de Haro (calle San Martín, 1) y a través de la web municipal https://culturaydeporte.haro.org/

Durante el desarrollo del festival se rendirá homenaje al compositor riojano José Ignacio Galilea Antón ‘El Albeldeño’, un jotero y destacado defensor de la jota riojana que ha desarrollado una intensa actividad como intérprete y letrista. Así, Pérez Pastor ha destacado que “es una de las personas que más luchó para que la jota riojana no quedara solapada por otras variantes de la jota del Ebro y para que se conservara con sus propias características”. Galilea fue impulsor de la Agrupación Unidos por la Música y del Festival de Jotas ‘Valle del Iregua’, celebrado en su Albelda natal, además de participar activamente en el proceso que llevó a la declaración de la Jota Riojana como Bien de Interés Cultural Inmaterial en 2017. Ha grabado jotas en disco y casete, entre ellas el álbum ‘Ignacio el Albeldeño. Canta a La Rioja’, y llegó a componer más de mil letras de jota.

En otras convocatorias esta distinción ha reconocido la trayectoria de referentes como el jotero Antonio García o el grupo Los Amuri, el compositor Ángel Sáez Benito, la folclorista Isidra Santos, Jesús Leorza, los miembros de la Peña Rondalosa como impulsores del tradicional festival mateo, así como la Asociación de Joteros Antonio García de Rincón de Soto.

La cultura tradicional a través de la música, ha merecido para el histórico grupo de música folk Nuevo Mester de Juglaría el Premio Castilla y León de las Artes 2025, convocado por la administración autonómica y fallado este martes en Valladolid.

Tres meses después del fallecimiento del músico Luis Martín (bandurria), uno de los fundadores en 1969 de Nuevo Mester de Juglaría, este grupo segoviano ha sido reconocido con el máximo galardón en su género a escala autonómica.

Memoria colectiva

El jurado ha destacado en su fallo el “papel esencial en la preservación, a través de la música, de la cultura y las tradiciones castellanas y leonesas”, así como su labor durante cerca de sesenta años “como transmisor de la memoria y la identidad colectivas” dentro de la comunidad autónoma.

A través de una treintena de discos, algunos tan emblemáticos como el doble directo grabado en Aranda de Duero (Burgos) y Los Comuneros (1976), adaptación del libro del mismo nombre de Luis López Álvarez, Nuevo Mester de Juglaría ha contribuido “a la conservación del rico patrimonio inmaterial” de Castilla y León, según el fallo.

Desde 1969

Antes de su denominación actual, el grupo inicialmente formado por Luis Martín, Fernando Ortiz, Milagros Olmos, Rafael San Frutos y Marián Nieto se llamó Clan 5 cuando los cinco ganaron en Madrid el Festival de Nuevos Valores de música folk con la interpretación del Romance del Conde Lara.

Fue en la Cadena Cope, ese mismo año, cuando el director del programa 'Hombres dos mil', Juan Pedro Aguilar, les sugirió el cambio de nombre por el que después han llevado siempre y con el que, en 1970, protagonizaron el 4 de enero su primera actuación en la fiesta de año nuevo del Círculo Logroñés, donde compartieron escenario con Julio Iglesias, este como triunfador en Benidorm.

Con piezas recogidas por su paisano el folclorista, guitarrista, dulzainero y musicólogo Agapito Marazuela, grabaron en 1984 'El día de la función', una más de la treintena de grabaciones que abrieron en 1971, en directo, con 'Romances y canciones populares'.

Etnomusicología

Jotas, romances, coplas, seguidillas, cantos de oficios, nupciales y de alborada, monográficos sobre el vino, el río Duero y los títeres, entre otros, representan un libro abierto sobre la etnografía y cultura tradicionales de Castilla y León, de tradición oral, que han proyectado en más de un millar de conciertos por España, América y países de otros continentes.

Su último disco, que data de 2017, es el de 'Gabarrerías' y está dedicado a este oficio ya extinguido en la Sierra de Guadarrama y especialmente en El Espinar (Segovia).

De su trayectoria y magisterio, asesorados en sus inicios por Joaquín Díaz, dan cuenta al menos dos discos recopilatorios. En 2019, con motivo de sus cincuenta años de trayectoria, el Ayuntamiento le nombró hijos predilectos de la capital, “como alma y memoria sentimental de Segovia y Castilla”.

Del jurado del Premio Castilla y León de las Artes han formado parte, entre otros, Gregoria Cavero, catedrática de Historia Medieval de la Universidad de León; Sonia Frías, coordinadora del Área de Innovación, Ciencia y Formación del Círculo de Bellas Artes, e Ignacio sanz, escritor, ceramista e investigador de la cultura tradicional.

Historial del premio

El primer ganador de esta modalidad, en 1984, fue el pintor Juan Manuel Díaz Caneja, y en sucesivas ediciones han resultado distinguidos formaciones y músicos como los compositores Cristóbal Halffter (1986) y Claudio Prieto (1994), la comunidad benedictina de Santo Domingo de Silos/Coro de Canto Gregoriano (1993), el intérprete Amancio Prada (2005) y el director de orquesta Jesús López Cobos.

El de las Artes es una de las siete modalidades de los Premios Castilla y León que serán entregados en una fecha próxima al 23 de abril dentro de los acto institucionales del Día de Castilla y León, en una fecha y lugar aún por determinar.

Además de esta modalidad de los Premios Castilla y León 2025 ha sido fallada la de Ciencias Sociales y Humanidades (Germán Vega) y Letras (Tomás Sánchez Santiago). En próximas fechas se conocerá el ganador en las cuatro restantes categorías: Investigación Científica y Técnica e Innovación; Deporte; Valores Humanos y Sociales; y Tauromaquia.

El próximo 1 de febrero la Casa de Cultura ‘Rafael Zárate Molero’ acogerá la gala de entrega del galardón nacional de folclore ‘Juan Cañí’, que otorga la Agrupación de Música y Danza ‘Manuel de Falla’.

En su quinta edición, que ha sido pospuesta por problemas de agenda, la asociación manzanareña concederá este reconocimiento a Karmento, artista albaceteña natural de Bogarra que fusiona en su música folclore y vanguardia.

En 2023 fue Rozalén; en 2024, Tanxugueiras. Ahora, la Agrupación de Música y Danza ‘Manuel de Falla’ ha escogido a la artista Karmento para su V Galardón Nacional de Folclore ‘Juan Cañí’. Así lo ha dado a conocer la asociación manzanareña en una rueda de prensa, en la que el concejal de Cultura, Jesús Romero, ha recordado que este premio reconoce a quienes trabajar por “divulgar, mantener y fomentar nuestro folclore”.

Para la AMYD ‘Manuel de Falla’, el galardón ‘Juan Cañí’ se ha logrado consolidar en el tiempo como un acto de reconocimiento y “una oportunidad para continuar promocionando nuestra cultura y tradiciones”. En este sentido, desde la agrupación destacan el trabajo de Karmento, quien, a través de la “fusión de folclore y vanguardia”, logra acercar la música popular a todo el público.

Carmen Toledo Sánchez ‘Karmento’, que recibirá este premio el próximo 1 de febrero a las 12:30 horas es la protagonista del cartel anunciador de este año. La obra, creada por el alumnado de arte del CADI Manzanares, está alineada con la identidad artística de Karmento, logrando un equilibrio entre modernidad y raíz, para retratar a una voz que nace de lo popular y se proyecta hacia el futuro. La monitora del taller, Virginia Caro, ha asegurado que este proyecto ha sido “muy enriquecedor” para los usuarios y usuarias que, desde el primer momento han sabido plasmar la esencia de la artista en este cartel.

Desde la Agrupación de Música y Danza ‘Manuel de Falla’ y el Ayuntamiento invitan a todo el público de Manzanares a acompañarles en la ceremonia de entrega del V Galardón Nacional de Folclore ‘Juan Cañí’. Las invitaciones se pueden recoger el viernes 23 y lunes 26 de enero en la sede de la asociación, de 19 a 21 horas.

Karmento inicia gira internacional

Precisamente este año Karmento inicia una gira internacional como broche a su trabajo 'La Serrana' entre los meses de enero y octubre. La gira presenta una nueva propuesta escénica “muy emocional” y convierte el escenario en un espacio de encuentro entre tradición y contemporaneidad.

La artista ya ha recorrido España, Latinoamérica y el norte de África en más de un centenar de conciertos. Ahora, para despedir uno de sus discos más especiales y fructíferos, la artista manchega anuncia una gira internacional en la que durante 2026 presentará una última vez La Serrana cerrando así una etapa “profundamente ligada a la memoria, la raíz y la identidad”.

En algunas fechas, contará además con la colaboración de las bandas municipales de cada ciudad con la intención de generar “un espectáculo único y específico para cada territorio, donde el folclore dialoga con lo contemporáneo desde una mirada colectiva, en un proyecto con identidad y arraigo, profundamente conectado con el público”

La gira tendrá su pistoletazo de salida en Murcia el 29 de enero, dentro del marco del Folkfest y continuará por fechas como Málaga, Madrid, Valladolid o Guadalajara, entre otras muchas más fechas nacionales. El tour también pasará más adelante por Latinoamérica, con fechas aún por anunciar.

La Serrana ha sido galardonado por la Academia de la Música a Mejor Álbum Folclórico. Es un trabajo inspirado en las mujeres de su pueblo y en la propia biografía de Karmento, “un homenaje a lo cotidiano, a la herencia oral y a las formas de resistencia íntima que atraviesan lo femenino”. Con esta gira, la artista se despide del universo de La Serrana para dar paso a una nueva etapa creativa y sonora de la que todavía no se han dado detalles.

Las corridas de toros, encierros, festivales taurinos y similares se celebran durante todo el año a lo largo y ancho de los pueblos españoles, casi siempre con motivo de alguna festividad. Es una tradición que procede de la Edad Media y que durante las últimas décadas ha ido perdiendo fuerza conforme la ganaba la sensibilidad social contra el maltrato animal.

Las corridas de toros, en las que el animal es brutalmente estocado y/o apuntillado hasta su muerte, han perdido acólitos en España. Ya no se celebran en territorios como Catalunya. El Govern autonómico las prohibió en 2010, y aunque el Tribunal Constitucional anuló esa decisión, nunca se han vuelto a celebrar ni a reactivar. La situación es similar en Balears y en Canarias, donde apenas se celebran, aunque sean legales.

La contestación y protesta arraigada en la sociedad civil del siglo XXI ha ido tomando fuerza y se cuentan por cientos los colectivos antitaurinos que se manifiestan en ciudades y pueblos contra cualquier práctica relacionada con la tauromaquia.

No protestan solo contra las corridas de toros, también contra los encierros, becerradas y similares, donde el maltrato a los animales y su sufrimiento es más que evidente.

Sí son muchos más populares estos festejos locales y ferias taurinas que las corridas de toros, sobre todo en comunidades autónomas como Castilla-La Mancha. El Gobierno de esta comunidad autónoma siempre se ha manifestado como un ferviente defensor de la tauromaquia, tanto bajo mandato del PSOE, ahora con Emiliano García-Page, como en los cuatro años que gobernó el PP, con María Dolores de Cospedal.

Page fue uno de los impulsores, junto con otras regiones gobernadas por el PP y la Fundación del Toro de Lidia, del nuevo Premio Nacional de Tauromaquia, cuando el Gobierno de Pedro Sánchez anuló el galardón de carácter institucional, por iniciativa del ministro de Cultura, Ernest Urtasun (Sumar).  

Dos pueblos que recrean vaquillas y toros

Pero precisamente es en esta región donde pueden encontrarse un par de ejemplos muy significativos de cómo la imaginación colectiva puede evitar esta tradición tan arraigada en el tiempo como brutal, sin restarle ni un ápice de diversión y disfrute de sus vecinos y vecinas.

En la provincia de Toledo, la localidad de San Pablo de los Montes, de unos 1.600 habitantes, celebra los días 24 y 25 de enero la Fiesta de la Vaca, de Interés Turístico Regional. Este festejo comienza días antes con la “reseña”, el anuncio de la proximidad de la fiesta, saliendo los quintos (jóvenes que cumplen la mayoría de edad) a “correr” por las calles del municipio por la noche haciendo sonar los cencerros.

Días después se celebra la “luminaria”, noche anterior al Día de Vaca. Se trata de una gran hoguera que encienden los quintos con leña que han recogido durante el día para que se calienten los asistentes. Esta velada se ameniza con chocolate y posterior baile. 

También se preparan tostones -garbanzos tostados- y limonada para todos aquellos participantes que recorran el pasillo formado por los espectadores, desde la plaza hasta el Ayuntamiento, perseguidos por “la vaca”, que no es tal animal, sino un palo al que se unen un par de cuernos, adornado con cintas y flores. Es decir, se simula una suerte de encierro.

Este es su festejo más querido y no se celebra ningún otro encierro, festejo ni evento en el municipio que tenga que ver con la tauromaquia o donde se maltrate y mate a estos animales.

A casi 170 kilómetros al sur, ya en la provincia de Ciudad Real, se encuentra otro ejemplo de encierro simulado. Resulta relevante porque esta provincia, con la llegada del PP y Vox a muchos pueblos, incluida la capital, y a la Diputación provincial, el toreo y derivados ha experimentado cierto auge.

Pero en la localidad de Chillón, dentro del Valle de Alcudia y con una población muy similar a la del pueblo toledano, se celebra el festejo que lleva su nombre: 'La Vaquilla de Chillón'.

El origen de la fiesta está en la peste que asoló el municipio entre 1582 y 1583. La leyenda afirma que trayendo una imagen de San Roque desde la ciudad de Toledo cesó la enfermedad. Por ello se le toma por patrón y se constituye la Hermandad.

El folclore que incluye la recreación de una vaquilla como armazón de madera

Se trata de la fiesta más famosa del folclore chillonero, también es de Interés Turístico Regional y se celebra los días 13 y 14 de agosto. Todos los “hermanos” (participantes generalmente de la Hermandad de San Roque) van ataviados a la vieja usanza de siglos pasados.

Sus trajes son de colores variopintos, con chaquetilla y calzón cortos, calzas blancas y zapatillas bordadas con oro de canutillo y como remate un sombrero de paño, adornado con una ancha cinta de seda en color.

Pero no hay vaquilla de verdad. Es un armazón de madera que simula el cuerpo y cabeza de una vaca, con su cornamenta. Va cubierto con cuero o ‘skay’, con la cara del animal pintada en la parte frontal. El “hermano” que la lleva se la coloca sobre su cabeza y trata de imitar los movimientos de la vaca. 

Aquí el simbolismo es muy importante, ya que esta “vaquilla” de mentira simboliza la peste. El recorrido que hace por las calles del pueblo en la noche del día 13 de agosto no es sino una clara alusión a cómo esta enfermedad afectó al pueblo.

De hecho, el acto que se celebra en la mañana del día 14 con la muerte fulminante de la vaquilla a manos del “Capitán” recuerda el cese instantáneo de la peste ante la aparición de la imagen del San Roque traída de la ciudad de Toledo, y finalmente, el baile de la bandera es “expresión y símbolo de júbilo popular por la milagrosa curación”, según apunta el Ayuntamiento.

Uno de los momentos más espectaculares es la salida de “La Vaquilla” de la Iglesia Parroquial el día 13 de agosto por la noche. Niños, jóvenes y personas mayores al grito de “¡Erra, Erra!” perseguidos por la bestia. En Chillón tampoco se celebra ningún otro encierro ni suelta de vaquillas o toros con animales reales.

Con el inicio de este año 2026 regresa al calendario cultural tradicional una cita clave en el municipio de Murcia, con la Fiesta de las Cuadrillas de Patiño. Esta pedanía celebra de nuevo este evento en el que vecinos y visitantes podrán disfrutar de una amplia programación, desde el viernes día 9 y hasta el domingo 11 de enero, convirtiendo a Patiño en uno de los grandes escenarios del folclore y la música de raíz.

La edición de 2026 vuelve a reunir en Patiño a cuadrillas procedentes de distintos municipios de la Región de Murcia y de otras comunidades autónomas como Castilla-La Mancha y Andalucía, reforzando el carácter abierto y de intercambio cultural de este encuentro. En concreto, participarán la Cuadrilla de Patiño como anfitriona; la Cuadrilla de Aledo; de El Esparragal de Puerto Lumbreras; de Fuente Álamo; la Cuadrilla Ronda Los Llanos de Albacete y la Cuadrilla de Pulpí, de Almería.

Un evento imprescindible para la conservación del patrimonio cultural inmaterial, el fortalecimiento de la identidad de las pedanías, y la transmisión de las tradiciones murcianas a las nuevas generaciones gracias a esta programación donde se combina un año más de las Cuadrillas.

Fin de semana repleto de actividades para todas las edades

La programación comenzará el viernes 9 de enero en la carpa del Centro Cultural de Patiño con el concierto de Antonio Micol, seguido del tradicional reparto de pelotas con caldo. El sábado 10 se celebrará una velada de trovo internacional, con participación de troveros de Murcia, Canarias, Cuba y Colombia, que culminará con reparto de pasteles de carne y cerveza.

El domingo 11 de enero tendrá lugar el día grande de la fiesta, con la recepción y desayuno popular, la misa cantada por todas las cuadrillas, el encuentro de agrupaciones, el reparto de pelotas con caldo y, por la tarde, el baile suelto y las cuadrillas en la calle, llevando la música tradicional a cada rincón de la pedanía.

La Fundación para la Promoción de los Valores y la Identidad de Castilla y León ha convocado los premios de la Música Folk y Tradicional, dotados con 3.000 euros cada uno, según se ha publicado este lunes en el Boletín Oficial de Castilla y León. El objetivo de estos premios es reconocer públicamente la labor de personas físicas o jurídicas, públicas o privadas, así como de colectivos artísticos, asociaciones y entidades de toda índole que hayan destacado por su aportación a la preservación, revitalización, estudio, interpretación o divulgación de la música folk y tradicional de Castilla y León en cualquiera de sus expresiones, tales como la música, el canto, la danza, los instrumentos musicales y las costumbres populares.

La convocatoria contempla tres categorías: un premio individual en la música folk y tradicional y sus expresiones, un premio al mejor grupo o agrupación de música o danza tradicional y un premio a la mejor iniciativa de recuperación, investigación o divulgación del folclore y la música tradicional en cualquiera de sus expresiones. Además, se hará entrega de un símbolo distintivo y acreditativo del premio.

El plazo para presentar las candidaturas termina el 10 de febrero a las 12 horas.

Podrán presentar su propuesta o propuestas de candidaturas a los premios las asociaciones y entidades culturales, grupos folclóricos, instituciones locales y provinciales, instituciones educativas, centros de estudios, asociaciones y/o agrupaciones de castellanos y leoneses en el exterior, personalidades de prestigio relacionadas con el objeto de los Premios, así como otras personalidades, entidades públicas o privadas vinculadas con la música folk y la cultura popular y, en especial, con el folclore y las tradiciones musicales y de la danza de Castilla y León. Además, los miembros del jurado también podrán proponer candidaturas durante el periodo de presentación de solicitudes. Sin embargo, se excluirán las autocandidaturas, aquellas presentadas por quienes soliciten los premios para sí mismos o para los grupos o entidades en las que ostenten su representación legal.

Jurado

El Jurado estará integrado por un presidente, cinco vocales y un secretario; este último será un técnico de la plantilla de la Fundación, quien actuará con voz pero sin voto. El director general de la Fundación (ahora Rafa Monje) ostentará la Presidencia del jurado.

Los vocales serán personas de prestigio y acreditada trayectoria en los ámbitos del folclore, la etnografía, la música tradicional, la gestión cultural y la divulgación de la cultura popular, entre otras cualidades. La decisión del Jurado se adoptará por mayoría de votos de sus componentes, decidiendo, en caso de empate, el voto de calidad de la persona que ejerce la presidencia del mismo.

Los criterios de valoración de estos premios incluirán la preservación y revitalización del folclore, la investigación e innovación musical, la versatilidad instrumental, la difusión y promoción de la cultura musical, el fomento de la identidad cultural y transmisión intergeneracional, el impacto en el medio rural, la trayectoria artística, la divulgación en nuevas tecnologías y la coherencia global.

Los premios se entregarán en un acto institucional y en el contexto de la celebración del Día de la Comunidad de Castilla y León. El pago de los premios se efectuará en el plazo máximo de un mes desde la concesión de los mismos

Así nació Mijina de Extremadura, y con ella una agenda concebida para cualquiera —sea de aquí, de Extremadura, o no— que quiera descubrir la región de manera diferente. El planteamiento es claro: huir de lo folclórico como postal lejana y acercarse a lo cotidiano, lo vivido, lo que se reconoce en los pueblos, en el habla, en las rutas y en las celebraciones que marcan el calendario extremeño.

La Agenda Extremeña 2026, elaborada íntegramente en la comunidad autónoma de Extremadura, organiza cada mes alrededor de un tema central. Tradiciones, naturaleza, expresiones populares, historia o gastronomía se convierten en la estructura que permite que el proyecto crezca año tras año. No es solo un planificador: es un recorrido que incorpora juegos, palabras típicas, curiosidades y rutas adaptadas, de manera que la organización diaria funciona también como una forma de recorrer la región.

La intención del equipo es que esta arquitectura mensual evolucione en futuras ediciones, ampliando los contenidos y sumando nuevas miradas, siempre desde un enfoque joven, cuidadoso y cercano. El objetivo no cambia: poner en valor Extremadura desde dentro, contada por quienes la viven.

Una acogida que confirma la intuición

Desde su lanzamiento, la respuesta ha sido sorprendente. La agenda llegó a agotar existencias, un gesto que confirma que la idea inicial conectaba con una necesidad real: disponer de un objeto que reúniera identidad regional, diseño actual y contenido cultural en un formato accesible. Ese respaldo del público les permitió abrir nueva etapa y ampliar el proyecto sin perder la raíz.

Y a partir de la buena acogida, comenzaron a surgir otros productos ilustrados: láminas, tazas, tote bags y piezas que continúan la misma línea estética y conceptual. “Todo se produce aquí, manteniendo la coherencia entre mensaje y origen”, asegura Blanca. La identidad visual de Mijina se ha convertido en una manera de narrar lo local sin caer en la nostalgia, apostando por una Extremadura contemporánea, luminosa y reconocible.

La reciente apertura de su web oficial consolida este camino, ordena el catálogo y articula un espacio donde el proyecto puede seguir creciendo con nuevas propuestas.

Un proyecto que amplía el imaginario extremeño

Mijina demuestra con esta iniciativa que el territorio puede narrarse desde un enfoque creativo y actual, sin renunciar a la profundidad ni a la memoria. El proyecto recoge aquello que forma parte de la vida cotidiana —las palabras propias, los sabores, las fiestas, las rutas, los paisajes— y lo presenta con la delicadeza de quien conoce y respeta lo que cuenta.

En una región que ha reclamado durante décadas mayor presencia en los relatos culturales, iniciativas como esta amplían el imaginario compartido y ofrecen nuevas formas de habitar la identidad. Una agenda que empezó siendo un gesto familiar y hoy se ha convertido en una pieza cultural que acompaña, conecta y nombra el territorio extremeño con una mirada propia y contemporánea.

El peso del cuerpo del animal obligó a inclinarse hacia delante al dar el primer impulso. La joven se subió a lomos del oso blanco mientras notaba el pelaje rígido bajo las manos y el movimiento firme de las patas al arrancar. El trayecto avanzó sin titubeos entre árboles y nieve compactada, con el balanceo constante marcando el ritmo del viaje. Por eso aquel desplazamiento selló la separación definitiva de la casa paterna y abrió una etapa marcada por el encierro y el silencio nocturno.

La relación con el oso ocultó una identidad reservada a la oscuridad

El cuento Kvitebjørn Kong Valemon relata la búsqueda de una princesa para romper el hechizo que mantenía a su esposo transformado en oso blanco y sometido a una bruja, un eje narrativo que articula toda la tradición recogida en Noruega. En ese punto se concentra la acción principal del relato, con un encantamiento condicionado por la obediencia y una ruptura provocada por la curiosidad. Así se establece el conflicto que empuja a la protagonista a abandonar la seguridad inicial y recorrer territorios desconocidos. De ese modo el relato organiza una secuencia clara de pérdida, búsqueda y restitución.

Un rey tuvo tres hijas y la menor aceptó marcharse con un oso a cambio de prosperidad, tras el fracaso de sus hermanas mayores. En el castillo, el animal mantuvo su forma durante el día y recuperó la humana por la noche, siempre en la oscuridad. La princesa dio a luz a dos hijos y recibió permiso para visitar a su familia con la advertencia de no mirar bajo la cama.

Sin embargo desobedeció, descubrió a una bruja que renovaba el hechizo y provocó la huida del príncipe hacia un castillo lejano. Por eso la joven inició una búsqueda asistida por tres niñas que le entregaron objetos mágicos y herramientas de hierro. Finalmente logró reencontrarse con su esposo, eliminar a la bruja mediante una trampa y regresar con sus hijas, rompiendo el encantamiento.

La tradición fijó una estructura común con variantes locales

El relato se clasifica como tipo 425A en el índice Aarne-Thompson-Uther, correspondiente al motivo del esposo animal. Dentro de la tradición noruega comparte rasgos con East of the Sun and West of the Moon y con otros cuentos europeos centrados en matrimonios encantados. En todos ellos aparece una prohibición inicial, una transgresión y un viaje reparador. Así se configura una estructura reconocible que permite comparar variantes sin perder el núcleo común del argumento.

Kvitebjørn Kong Valemon fue publicado como el número 90 en la colección Norske Folke-Eventyr. Ny Samling de 1871, recopilada por Peter Christen Asbjørnsen y Jørgen Moe. La obra forma parte del esfuerzo decimonónico por fijar por escrito el folclore oral noruego. Con ello el cuento pasó del ámbito local a una circulación editorial más amplia.

La versión más conocida procede de Setesdal y fue recogida en 1870 por el artista August Schneider. Jørgen Moe documentó otra variante en Bygland que apareció resumida en la edición de 1852. Además George Webbe Dasent tradujo el cuento al inglés en Tales from the Fjeld, ampliando su difusión fuera de Escandinavia. De ese modo se consolidó un corpus con diferencias locales pero con una trama estable.

El simbolismo del oso blanco remite a la dualidad entre lo humano y lo animal presente en el folclore nórdico. El viaje de la princesa funciona como un proceso de prueba basado en la perseverancia y la acción continuada. Motivos como los regalos mágicos y la caída de la bruja en un abismo aparecen también en cuentos europeos afines. En conjunto el relato mantiene su vigencia como ejemplo de narrativa tradicional centrada en la transformación y la restitución final.

La música y el baile tradicionales gallegos han sido declarados bien de interés cultural (BIC) por la Xunta en la categoría de patrimonio inmaterial. El anuncio lo hizo el conselleiro de Presidencia, Digo Calvo, quien sustituyó este lunes al frente del Consello al presidente gallego, Alfonso Rueda, que estaba en Madrid en una reunión del PP.

El proceso para dar protección a través de la figura del BIC a estas expresiones culturales gallegas sale adelante al segundo intento. En 2018 la Xunta inició los trámites para declarar BIC el baile gallego, pero terminó paralizándolo ante las alegaciones que pedían mejorar y complementar el expediente. Los trámites volvieron a empezarse en noviembre de 2024 para incluir tanto el baile como la música, con el argumento de que el uno precisa de la otra. Calvo recalcó que se reconoce el peso de las mujeres en la transmisión y conservación tanto del baile como de la música tradicional.

El expediente destaca también el trabajo de transmisión y difusión que hacen las asociaciones folclóricas, las escuelas de enseñanza reglada y no reglada, las agrupaciones o las foliadas. Con la declaración BIC la Xunta anuncia varias medidas de salvaguarda, que tienen tres ejes: la investigación, la enseñanza y transmisión y la conservación.

Calvo indicó que se pedirá al sistema universitario gallego que contribuya a la investigación científica y académica sobre el baile y la música tradicional. También se promoverá la creación de un archivo audiovisual público en internet y se elaborarán materiales didácticos para la enseñanza formal. Cuando se hayan cumplido nueve años de la declaración, que está pendiente de ser publicada en el Diario Oficial de Galicia (DOG), se hará una actualización para evaluar el estado del bien de interés cultural y del impacto que han tenido las medidas de protección.

El 6 de diciembre es festivo en España por ser el Día de la Constitución Española, pero en algunas zonas de Europa también lo es, aunque por una razón bien distinta y que tiene mayor relación con la Navidad. Y es que es el 6 de diciembre cuando se festeja San Nicolás, que trae regalos en la víspera, a los niños que se han portado bien.

Los Krampus: el antagonista de San Nicolás

San Nicolás no viene solo ese día, sino que lo hace acompañado de unas figuras diabólicas, cuyos desfiles en diferentes zonas de Europa, sobre todo Austria, Alemania o Hungría, ha despertado debate y polémica en redes sociales, que lo han llegado a comparar con un ritual satánico.

No lo son, por mucho que lo parezca, sino que son una tradición navideña con siglos de historia, en el que una criatura con aspecto de elfo más parecido a un monstruo forma parte del folclore, llamada Krampus, y que se encarga de la lista de los niños que no se han portado bien.

Así, esta figura desfila junto a San Nicolás en el llamado Krampuslauf, una cabalgata en la que aparecen personas disfrazadas de este personaje que recuerda a los atributos clásicos del demonio, como cuernos, aspecto aterrador, con cuerpo que es mitad cabra, y que generan una imagen de lo más aterradora que pocas veces relacionamos con la Navidad.

Y es que la festividad navideña no fue siempre luz y color, sino que siempre ha tenido también una cara oscura, que en zonas de Alemania, Austria y Hungría se refleja en los Kramps, que se encargan de recordar a los niños que las malas acciones tienen consecuencias, pero no solo van a por los que se han portado mal, sino también con los que tienen poco espíritu de Navidad.

Los desfiles de Krampus: tradición, artesanía y cultura

Los Krampus son así los protagonistas de los desfiles, en los que también se cuela el Glühwein o las castañas asadas, y que ofrecen un punto más amable que el de la apariencia aterradora de estos personajes y del ruido ensordecedor que hacen los cencerros gigantes que portan en sus cinturas.

La tradición de los desfiles de Krampus no solo tiene la misión de que los niños aprendan la lección, sino también el de ahuyentar los malos espíritus, en un ejemplo también de folclore local que se ha convertido en una especie de obra de teatro en la calle del que el público forma parte.

Además, muchos de los trajes son elaborados de forma artesanal, que se aprecia sobre todo en las máscaras que reciben el nombre de Larve, todo con un nivel de detalle profesional y a medida, en el que sobresalen también los vestidos a base de piel de oveja o cabra. Para ser Krampus, y evitar nivel de violencia descontrolada, se necesita una especie de carné o permiso especial.

Si se quiere disfrutar de un desfile de Krampus se recomiendan los pueblos del Tirol o Salzburgo y sus alrededores, donde la experiencia es más auténtica e impacta visualmente, sobre todo si se presencia por primera vez.

Centros educativos, alumnado, bandas de música y grupos folclóricos de la región serán los protagonistas de un “gran musical” en Castilla-La Mancha en el curso 2026/2027 para mostrar la experiencia formativa de los centros en cuanto a la cultura musical y de folclore de esta comunidad autónoma.

Así lo ha avanzado el consejero de Educación, Cultura y Deportes, Amador Pastor, en la firma del convenio con la Federación Regional de Folclore y con la Federación Regional de Bandas de Música, añadiendo que el lugar está por determinar y la fecha que se baraja para este musical es la primavera de 2027.

Este musical reflejará el trabajo realizado en la segunda edición de la línea de formación 'De Raíz', que busca formar al profesorado para que dentro de las aulas se pueda desarrollar y trabajar la cultura popular desde los centros educativos.

“Esto nos ayuda a que el alumnado conozca y valore nuestro patrimonio cultural, sus manifestaciones tradicionales, el desarrollo de habilidades artísticas”, apoyando la investigación y la documentación sobre el origen y el significado de estas tradiciones.

La segunda edición de 'De Raíz' se celebrará a principios del mes de febrero del 2026 y tiene una previsión de formación de 130 docentes, una cifra similar a la de la edición anterior. La formación culminará con un certamen final en el que se mostrarán los proyectos elaborados que han hecho los centros educativos y que están relacionados con la música, las danzas, los bailes tradicionales, las canciones o los juegos populares, ha afirmado Pastor.

Por otro lado, Pastor ha avanzado que las obras del Centro Regional del Folclore en Ciudad Real están a punto de finalizar, por lo que comenzará su andadura a lo largo de 2026, tras una inversión de 2,8 millones de euros.

Asimismo, ha desvelado que está preparado para publicarse el tercero de los tomos de la enciclopedia audiovisual del folclore de Castilla-La Mancha. Ya están editados los dos primeros tomos con una inversión de unos 54.000 euros y el tercero verá la luz a principios del año 2026.

Aportación económica

En el marco del convenio, la Consejería de Educación, Cultura y Deportes proporciona 40.000 euros a cada una de las federaciones, ha indicado Pastor, que ha explicado que hasta la fecha recibían aportaciones económicas para acciones puntuales y esta inversión de mayor relevancia sirve para afianzar su estabilidad.

Desde la Federación Regional de Bandas de Música, su presidente, Jorge Bustamante, ha señalado que de las 300 bandas en la región, 140 pertenecen a la federación. Aunque ha señalado que este sector vive un momento “muy bueno” de salud, ha reclamado mayor apoyo institucional para unas agrupaciones que son núcleo de cohesión de los pueblos, sobre todos en los núcleos más pequeños.

De su lado, el presidente de la Federación regional de folclore, Raúl Muela, también ha valorado el buen estado en el que se encuentran estos grupos -72 en la región-, con un crecimiento de participación de gente joven, lo que ha considerado “vital” para su supervivencia, pues de no haber esta afición entre los más jóvenes, la vida de los grupos se acorta en las pequeñas poblaciones.

Es curioso que en España conozcamos criaturas como el Grinch o el Krampus. Sabemos de las Brujas de Salem, mientras desconocemos las leyendas y el folclore de distintas partes del país. El cine de EEUU ha impuesto también un imaginario en el que sus leyendas colonizan las del resto de lugares. Por eso, figuras como la de Paul Urkijo son necesarias en un cine que siempre se rinde al más fuerte. El cineasta vasco demostró con Errementari que se puede hacer cine fantástico en España, algo que continuó con Irati, donde apostó por el género de espada y brujería y que ahora confirma con Gaua, donde las leyendas del País Vasco se materializan en un filme de brujas, mitos, criaturas fantásticas y aquelarres con un potente mensaje feminista de fondo.

Urkijo cada vez hila más fino, y la factura de sus filmes son deslumbrantes. Un cine que bebe de las historias que le contaban sus abuelos y que él convierte en películas. Lo hace, además, en la lengua en la que las aprendió, el euskera, que sirve de hilo conductor en estos filmes que son, por desgracia, una rareza en la industria del cine español.

¿Siente que hace un cine a contracorriente?

No sé si es a contracorriente. Yo hago lo que me gusta y lo que quiero. Y seguiré haciendo género fantástico mientras me dejen.

Es curioso que con la tradición oral y el folclore que hay, no solo en Euskadi, sino en toda España, no haya más ficción usándolo.

Siempre se ha considerado material para niños. Siempre será un poco denostado el género fantástico. La fantasía parece algo infantil, pero creo que en los últimos tiempos, ya no solo en España, sino en el resto del mundo, también se está considerando como un verdadero material con potencial antropológico. Lo que tienen las leyendas y los mitos de poderoso es que se actualizan cada vez que un orador las transmite a través del prisma de su tiempo. Los elementos que tienen esas leyendas son tan potentes que hacen que se mantengan en el tiempo. Es algo que estamos viendo a nivel internacional: se están tratando las leyendas como algo serio y haciendo adaptaciones más aterrizadas, más serias, que vibran más con los temas de la actualidad.

De alguna manera también nos tenemos que quitar un poquito el complejo de que parece que nosotros no podemos hacerlo y que lo nuestro no vale igual que lo que hacen los anglosajones. Yo pienso que tenemos películas sobre las brujas de Salem a patadas y de Nueva Inglaterra. Y los aquelarres se inventaron aquí. Tenemos la imaginería de los aquelarres. Tenemos a Goya. Tenemos referentes muy nuestros y muy poderosos que se imitan fuera. Nos tenemos que quitar ese complejo porque aquí hay un pozo muy poderoso y un imaginario muy rico, legendario.

¿De dónde nace su interés por estas leyendas y tradiciones?

Desde niño me ha gustado lo fantástico, me han gustado los monstruos, y luego sí que es verdad que me contaban historias cuando íbamos al monte. Nos contaban las leyendas de que en este bosque vive Basajaun, en los ríos estaban las lamias, y cuando nos quedábamos a dormir los colegas, para nosotros estaba Gaueko susurrando que la noche solo es para los de la noche. Nosotros siempre hemos vivido un poco en ese contexto y a mí siempre me ha fascinado. Luego, poco a poco, he ido investigando. Hemos tenido suerte de tener antropólogos que han registrado esas leyendas. Y, desde el punto en el que yo soy narrador y quiero contar mis inquietudes, pues eso es algo que quiero transmitir y compartir.

Ha mencionado que cada leyenda se actualiza cuando alguien la cuenta desde el presente. En su película, las brujas, que es una palabra que se sigue usando, son mujeres que sufren el machismo. 

La figura de la bruja, desde mediados del siglo XX, se ha resignificado como un personaje femenino empoderado. Ya no es un monstruo terrorífico sin más, sino que es malvado precisamente porque se enfrenta al statu quo, al poder. Es un personaje que representa la otredad. Y entonces, si estamos hablando de todo ese universo, también de los aquelarres, de las mentiras que contaron los inquisidores de todo ese imaginario muy poderoso que tenemos en nuestro bagaje cultural, inevitablemente vas a terminar hablando sobre quienes sufrieron en esa época. Y en general fueron las mujeres. Trayéndolo a la actualidad puedes encontrar rimas perfectamente, es algo que sale de manera natural. Soy una persona de la actualidad, inevitablemente esas leyendas las veo a través del filtro de la actualidad. Entonces, para mí, resuenan con temas de hoy en día y me sale de manera inconsciente.

Esas brujas mayores son tres actrices vascas, dos de ellas quizás las más populares en toda España, como Elena Irureta y Ane Gabarain. Eso era un riesgo por lo vinculadas a otros proyectos que las tenemos. ¿Cómo tomó la decisión?

Para mí han sido las míticas actrices que veía en la tele. Me apetecía y creía que iban a tener buena química. De hecho no les hice casting, las junté para ver qué tal funcionaban a nivel de tono y de química y fue superdivertido. Le da un puntito más de cuento, un puntito de exageración el hecho de juntar a esas míticas, como si fueran ya las tres hermanas del Destino, las Moiras. Le da un puntito gran guiñolesco que le va muy bien a la película porque compensa la oscuridad que luego tiene.

La película, como sus anteriores obras, es en euskera. La propia historia lo pide, pero muchas veces no se rueda en euskera porque los productores ven que la explotación comercial puede ser más complicada, ¿hay una declaración de intenciones en ello?

Cuando hablamos de lenguas minoritarias siempre hay que estar luchando y hay que pelear por que se mantengan. Sí que hay una declaración de intenciones, desde luego, por defender la cultura del euskera. En mi caso, como las propias leyendas, van vinculadas tanto a la poética como a la sonoridad del euskera. Hacerlo de otra manera sería perder mucho. Está tan lleno todo de frases, de rimas… que yo no lo veía de otra manera. A mí me han llegado esas leyendas a través del euskera y, para mí, lo normal es hacerlo en euskera.

¿El éxito de Irati ha hecho más fácil levantar esta película?

Sí que vas consiguiendo cierta notoriedad y defiendes más fácilmente los proyectos, porque ven que eres capaz de hacer lo que les cuentas. Al principio todo el mundo pensaba que yo estaba loco por hacer una película de demonios que se van el infierno. Decían que eso no se puede hacer aquí. Luego fue una peli de espada y brujería en los Pirineos y ya era como, 'a ver qué locura nueva va a hacer'. Levantar Errementari fueron ocho años. Irati fueron seis y Gaua han sido tres. Así que voy acortando distancias.

¿Cierra una trilogía o la idea es seguir por esta línea del fantástico, pero logrando más presupuesto?

Yo soy ambicioso. A mí me gusta. Me gusta que la gente se maraville en el cine. Me gusta generar imágenes que sean poderosas, que sean épicas, y eso requiere de presupuesto, requiere que el género vaya comiendo un poquito más de terreno y que nos dejen hacer películas más grandes. Eso depende de que el público lo vea y que demande ese género. Hay que seguir peleando.

El músico, investigador y productor cultural Luis Martín Díez, uno de los fundadores del Nuevo Mester de Juglaría y figura decisiva en la creación y proyección del festival Folk Segovia, ha fallecido según ha confirmado el Ayuntamiento de Segovia en un comunicado. Hijo Predilecto de Segovia, Luis Martín fue un referente en la evolución del folclore castellano durante las últimas cinco décadas.

Su papel resultó clave tanto en el desarrollo del Nuevo Mester de Juglaría como en la consolidación de Folk Segovia, certamen que dirigió durante más de treinta años y que situó a la ciudad en el mapa internacional del folk desde 1984.

Junto a Fernando Ortiz, Rafael San Frutos, Llanos Monreal y Paco García, Luis Martín formó parte del núcleo fundador del Nuevo Mester de Juglaría que dio forma a una de las formaciones más influyentes de la música tradicional española. Con discos como ‘Los Comuneros’ o ‘Romance del Pernales’, el grupo amplió repertorios, recuperó romances y llevó su estilo a escenarios de toda España y Europa.

Desde el Ayuntamiento se ha subrayado que Luis Martín fue “un referente imprescindible en la investigación, difusión y preservación del folclore tradicional”, así como un embajador cultural de la ciudad. Su labor al frente de Folk Segovia reforzó la presencia internacional del festival, que se convirtió en un espacio de encuentro para músicos y tradiciones de distintos países.

El Consistorio ha trasladado su gratitud por la “extensa labor artística y cultural” de Luis Martín, “cuya huella permanecerá en la historia musical y sentimental de Segovia”.

“Es imposible resumir en unas líneas la sensación que sentimos, y, desde luego, nunca podremos olvidarle”, han notificado desde el Facebook de Nuevo Mester de Juglaría.

La organización de Folk Segovia ha lamentado la muerte de Martín Díez. “Qué difícil va a ser continuar. Será una sensación muy extraña cuando este verano vuelva Folk Segovia y no estés presente, viendo los conciertos, paseándote por La Alhóndiga, dándonos consejos o disfrutando en una terraza mientras suenan los grupos de pasacalles”, ha señalado Folk Segovia a través de X.

“...el que quiere ser libre, nunca podrá estar callado”, cantaba Miguel Luna en su disco Que arriba, que abajo (1978), un trabajo casi iniciático que abría una nueva manera de visitar la tradición musical manchega. Casi cincuenta años después, Vicente Navarro retoma esa tarea titánica de reivindicar esta tierra de paso.

Estos días, Vicente Navarro presenta su tercer trabajo, Cantares de llanura y monte, un EP que reúne seis temas que condensan la esencia musical de Castilla-La Mancha. En su universo caben el folclore oral y el pop kitsch, las jotas campesinas y el 'twist del autobús', la austeridad del campo y la ironía de los ochenta. “Siempre pensamos la música tradicional como algo de los cincuenta para atrás”, añade, “y a lo mejor hay que entender que también avanza, que puede incluir los sesenta, los setenta o incluso los ochenta”.

Vicente Navarro huye de la comodidad del cliché y del camino demasiado transitado. Sosiega canciones como A la Mancha, manchega para que la melodía respire de otra manera. “Con las jotas y los mayos quería que no se pasara por encima de la letra”, explica. “Decidimos que no fuera una jota al uso: quitamos la guitarra española, trabajamos con eléctrica, con sintetizadores, bajamos los BPM y dejamos que la canción fluyera de otra manera”. Con esta bajada de velocidad, la palabra vuelve a respirar y devuelve el protagonismo al relato de raíces profundas.

El punto de partida fue una residencia artística en el Centro Conde Duque de Madrid, donde participó con el proyecto Lo que no he llegado a cantar, en el que las canciones populares comenzaron a mutar sin perder alma. Navarro se propuso mirar hacia su tierra, Fontanarejo, un pueblo de los Montes de Toledo del que proviene su madre. Desde allí, desde ese paisaje, llega la pulsación subterránea de este proyecto. Cantares de llanura y monte busca retomar la conversación con la tradición en su sentido más amplio. “Había personas como Paco Clavel, Sara Montiel o Almodóvar que, sin tener canciones manchegas, me parecían fundamentales dentro de la cultura de Castilla-La Mancha. Por eso están tan presentes en este trabajo”.

Estira las notas, quiebra los compases, hace respirar los silencios y amplía la idea de lo manchego. Versos campesinos que suenan renovados entre guitarras eléctricas y sintetizadores. “Con las canciones quería que me tocaran las temáticas y las letras, no que fueran más o menos conocidas. Si al leerlas sentía que podía llevarlas al escenario, entraban en el disco”. Ese “filtro emocional” guía un repertorio que viaja de las jotas a los mayos, de los romances a los cantos de trabajo, con una mirada más cercana a la experimentación que al museo etnográfico.

Un criterio atraviesa la versión de A la Mancha, manchega, un clásico para el que Vicente Navarro propone una mirada introspectiva y grave. “Quité el toque de humor porque quería hablar de otras cosas”, cuenta. Esa decisión, la de retirar la broma para dejar aflorar la hondura del mensaje, define el tono del disco: un respeto no complaciente con la tradición.

Navarro es un artista escénico con amplia formación teatral. “En escena hay un toma y daca con el público; me gusta que el espectáculo cambie según la energía que recibo”. Este trabajo anticipa su nuevo espectáculo, en el que amplía el repertorio hasta casi una decena y media de clásicos, donde la puesta en escena es clave. “No quería hacer algo que pudiera sostenerse con una guitarra y ya está, porque estas canciones piden más”, explica. De ahí la incorporación de bajo, sintetizadores y guitarras eléctricas que dialogan con la voz de raíz.

Cantares de llanura y monte reúne seis piezas en lo que podríamos definir como un cancionero abierto, una estructura viva que puede crecer con el tiempo. Además de las ya citadas, encontramos El twist del autobús, versión desacelerada del tema de Paco Clavel, que convierte el frenesí pop en una balada de piano y voz. En Romance de El Pernales, rescata la figura del bandolero como símbolo del fin de un tiempo.

Entre los temas que no forman parte del EP, pero que sí estarán en el directo, Vicente Navarro destaca La Violetera, con la que reivindica la castellaneidad de Madrid. También forman parte del repertorio en directo canciones como Canción del tren, Canción de Quintos o Los Gancheros, junto a una fuerte presencia de Don Quijote como mito universal, en varios interludios que transitan entre lo ancestral y lo contemporáneo. “Más que rescatar canciones, se trata de mirar desde el presente lo que hemos sido y entender que lo tradicional también habla del ahora”, explica. “Este repertorio es un viaje por la memoria y por cómo esas canciones siguen resonando en quienes somos hoy”.

“Para mí la música siempre ha sido un lugar de encuentro entre lo que somos y lo que recordamos”, dice. Algo que se refleja en toda su trayectoria, desde Casi tierra (2019), su primer álbum en solitario, hasta Las manos (2022), en el que exploraba la pérdida y el duelo. En Cantares..., el territorio se vuelve clave para entender su estar en el mundo. Las canciones dejan de ser únicamente evocaciones del campo y se transforman en cartografías afectivas, mapas de vida en plenitud. “Me interesa mucho cómo lo tradicional puede convivir con lo contemporáneo, cómo un cante viejo puede sonar de otra forma sin perder su raíz”, explica.

En tiempos de algoritmos machacones, su gesto tiene algo de contrafáctico, bajar el volumen para escuchar mejor. Una actitud poética ante la vida que revela su reciente afición a escribir poesía. “Llevaba tiempo queriendo escribir poesía —explica— y me planteaba hasta qué punto la raíz tenía que estar también ahí, porque forma parte de mí”. Durante las tardes, cuando el cuerpo se le llena de nervios, escribe. “En vez de meterme en la cama, lo que siento lo vuelco en un papel. Lo que he encontrado es un lenguaje más directo, más limpio y aparentemente menos poético, porque me di cuenta de que si sobreactuamos, sólo hacemos que alejar la poesía de la gente”.

Una visión que conecta con el mismo principio que guía su música: la necesidad de bajar el arte a la tierra, de devolverlo al cuerpo común. Eliminar las distancias entre la palabra, la voz y el territorio. Caminar despacio para respetar la senda, porque el polvo del camino está lleno de memoria y de respeto. Quizá sea una manera de reconciliar la memoria de los hijos e hijas de quienes tuvieron que emigrar con sus orígenes.

Casapalma se ha consolidado en pocos años como uno de los proyectos más singulares y emocionantes del panorama musical cántabro. Recuperando la canción montañesa y reivindicando el folclore de esta tierra con una mirada contemporánea, el dúo formado por Irene Atienza y Yoel Molina se mueve con naturalidad entre el pasado y el futuro, tejiendo un puente entre la tradición y la experimentación sonora. Tras su álbum de debut, 'Montañesas', publicado en 2024, llega 'Jotas', su segundo trabajo, un proyecto concebido como “un laboratorio” en el que la raíz se encuentra con la modernidad y el baile tradicional se reinventa desde el respeto.

La fiesta de presentación tendrá lugar este jueves 16 de octubre a las 19.00 horas en La Fábrica de Creación (Centro Cívico Tabacalera de Santander), en un encuentro abierto al público en el que se escuchará el disco en primicia antes de su lanzamiento en plataformas. Habrá firma de vinilos, merchandising y una sesión de DJ Uve para cerrar la noche. “Es una manera bonita de celebrarlo todos juntos”, aseguran en esta entrevista con elDiario.es, en la que hacen un repaso por su nuevo trabajo, concebido desde lo rural en el Valle de Cabuérniga, así como por el panorama musical cántabro. “La gente necesita irse fuera a que se ponga en valor lo que hace”, lamentan.

Si miran atrás desde los inicios de Casapalma, ¿qué ha cambiado más en ustedes como músicos y como personas?

Yoel: Yo he tenido que aprender muchas cosas en el proceso de este proyecto, porque ahora me toca ser productor, técnico, etcétera. Por eso en mi caso ha habido mucho cambio en ello. Y, en general, ahora tenemos entre manos la gestión de un proyecto al que dedicamos prácticamente 20 horas al día, más o menos [ríe].

Irene: Sí, y otra cosa que creo que ha cambiado desde el principio es que estamos profundizando mucho en el mundo de la tradición, cada vez más. Cuando entras en él vas a más con el tiempo, especialmente en este nuevo disco.

¿Cómo se consigue el equilibrio entre respeto por la música tradicional del folclore y la ruptura creativa?

Yoel: Yo creo que escuchando más de lo que haces. Diría que el equilibrio cuando te metes en algo así es escuchar un noventa por ciento y aportar un diez. Nosotros antes escuchábamos un poco con nuestro criterio y entendíamos lo que podíamos, pero ahora tenemos la suerte de tener asesores, sobre todo a Aurelio Vélez, que lo tenemos en el equipo, que nos guían en esa escucha para hacerla con más criterio. Pero la clave está en escuchar mucha música y tratar de entender los códigos y los lenguajes de la música moderna de baile o de la música urbana para que todo al final tenga sentido. En definitiva, escuchar con mucha atención.

¿Qué les ha enseñado el público en estos años? ¿Qué respuesta les ha sorprendido más en los conciertos?

Irene: Primero, que a la gente las canciones de toda la vida le mueven cosas por dentro, se sigue emocionando. Tanto los mayores, porque se acuerdan de esas canciones o les recuerdan a otras o a momentos puntuales, como también a los jóvenes. Una cosa muy bonita que nos ha pasado con Casapalma es que hay gente joven que no conocía para nada el folclore de aquí, de Cantabria, era totalmente ajeno a él, y de repente escuchando nuestra música han sentido que les pertenece también porque forman parte del territorio. Y nos escriben mensajes súper agradecidos porque ahora se sienten identificados con esta música.

Volviendo un poco al principio, ¿cómo y cuándo surge Casapalma? ¿Cuál es la chispa inicial o la idea original?

Yoel: Viene de una inquietud que teníamos los dos por separado de reconectarnos con lo que de alguna manera nos es propio. Irene tenía más contacto con su raíz de manera orgánica porque aquí se canta y en su familia se ha cantado siempre. En mi caso estaba un poco huérfano de identidad. Creo que teníamos esa inquietud los dos y cuando nos juntamos se puso a funcionar muy rápido el proyecto porque partía de una necesidad que ya estaba ahí.

Respecto al disco actual, ¿qué significa exactamente 'Jotas' en la evolución de Casapalma?

Irene: 'Jotas' es nuestro segundo disco, el primero era 'Montañesas', que era un conjunto de canciones que básicamente yo ya cantaba desde siempre, y 'Jotas' es como un reto, una especie de experimento. Yoel lo considera como un laboratorio porque ha surgido a raíz de que nosotros queríamos hacer jotas que respetasen las formas del baile, es decir, que la gente que baila jota tradicional escuchara una jota nuestra y reconociera todas las partes. Que pudiera bailarlas y que se entendiera. Por eso ahora nos hemos metido de lleno en el baile con asesores y con gente que sabe bailar que nos ha aconsejado.

Yoel: Es un experimento y un laboratorio muy complejo porque el problema de la forma de los bailes tradicionales es que son irregulares. Entonces hacer cuadrar la música de baile moderna con la música de baile tradicional y sus códigos más flexibles ha sido un reto que nos ha hecho sudar mucho [ríe].

Irene: Sí, hubiera sido mucho más fácil no respetarlo y hacerlo de una manera como que encajase naturalmente. Pero le hemos dado una vuelta de tuerca y hemos querido que sea lo más fiel al baile posible, y para eso ha habido que hacer mucho encaje de bolillos.

Yoel: Y este disco tiene también un pequeño apartado que es una mesa en la que hemos sentado a conversar, por un lado, a proyectos de Cantabria que hacen música hoy, que nos interesan mucho, como son Repion y Pablo Solo, con canciones tradicionales de esta zona. Y, por otro lado, a gente que está haciendo investigaciones diferentes e interpretaciones distintas de sus folclores a conversar con el folclore de Cantabria y a hacer canciones tradicionales de aquí. Y tiene cuatro colaboraciones -que van apareciendo entre las jotas- con Repion, Pablo Solo, Cristina Len y Ruiseñora.

A nivel de producción, ¿qué papel tiene el territorio, el paisaje de Cabuérniga? ¿Hay alguna influencia de la vida en el mundo rural?

Yoel: Yo creo que sí, que al final es imposible despegarte del contexto. Hacer un trabajo como este y un proyecto así en un contexto como este le da un sentido que no tendría si lo estuviéramos haciendo desde otro sitio. No te puedo decir algo específico, pero creo que se impregna y se empapa todo de una autenticidad que no tendría en otro contexto.

¿Por qué han decidido escuchar el disco en primicia con el público antes del lanzamiento? ¿Por qué esa escucha colectiva?

Irene: Es una práctica que ya hemos vivido en otros contextos. Nos apetecía mucho hacerlo y compartirlo con el público en Santander. Además, cuando se lo comentamos a La Fábrica de Creación, en el Centro Cívico Tabacalera, nos abrieron las puertas, y ya teniendo el espacio nos ha parecido una manera guay de acercarlo y compartirlo con todo el mundo, y de que la gente pueda preguntarnos cosas justo antes de que salga el disco en las plataformas. Es una manera bonita de celebrar todos juntos.

Yoel: Nosotros estamos haciendo este proyecto desde el mundo rural y cuando hemos lanzado la idea de hacer una fiesta de presentación, tenemos amigos productores -queseros o con una bodega- y nos han cedido productos. La Lleldiría nos va a poner un catering e Isabel nos trajo de Liébana un montón de vino que nos ha regalado para la fiesta. Y eso es algo que he sentido como muy potente: que la gente que está haciendo cosas en el rural se sienta identificada y apelada en una presentación así, que lo sientan como algo suyo. Ahí he sentido que estamos haciendo algo bien a la hora de tejer red y siento que se ha entendido bien esta respuesta, y me hace mucha ilusión.

Tenemos que cambiar la actitud, quitarnos los complejos de encima y apoyar, fomentar y dar visibilidad a lo de aquí cuando es bueno

¿Cómo perciben el panorama musical en Cantabria actualmente?

Irene: Hay bastantes propuestas muy interesantes en Cantabria. Cantabria a nivel cultural es complejo.

¿En qué sentido?

Yoel: Una cosa que creo que retrata la situación de la música de Cantabria es que los dos grupos con los que hemos hecho 'colabos', que son dos de los grupos más potentes ahora mismo de la escena de la música de Cantabria, son grupos afincados en Madrid. Creo que eso es una pena porque ambos tienen intención de venirse aquí, pero desde aquí es muy difícil conectarse con la escena. Nosotros estamos haciendo esta apuesta de hacerlo desde Cantabria y desde el mundo rural como algo político. O sea, nosotros queremos demostrar que se puede y ese es el reto, pero es difícil. Y dice mucho el hecho de que se hayan tenido que ir. Pero no le echaría la culpa a las instituciones, creo que hay todo un entramado que no pone en valor lo que se hace aquí. Por eso la gente necesita irse fuera a que se ponga en valor lo que hace. Y eso me parece que nos pone un poco por debajo, por ejemplo, de nuestros vecinos asturianos o gallegos. Tenemos muchos amigos trabajando en nuestras escenas y allí tienen un mimo mucho más bonito por lo propio.

¿Qué hace falta aquí para que lo pongamos en valor?

Yoel: No hace falta mucho más que tener la intención de ponerlo en valor. Que cuando un programador recibe una propuesta de aquí no la vea como algo menor por el hecho de que viene de aquí. Ya te digo que estos dos proyectos con los que hemos tenido mucha relación, con los que hemos hecho las colaboraciones, llevan teniendo esa sensación mucho tiempo, y ahora que empiezan a romper esa barrera de estar a nivel nacional empiezan a ser vistos aquí como algo con un valor. Pero han tenido que romper esa barrera fuera de aquí. En Galicia, por ejemplo, se hacen las cosas muy bien. Si eres de allí es un plus.

Irene: Te dan más valor que a otros grupos.

Yoel: Exacto, pero aquí es al revés. Creo que tenemos que cambiar la actitud, quitarnos los complejos de encima y apoyar, fomentar y dar visibilidad a lo de aquí cuando es bueno. Se trata de decir 'vamos a ponerlo en el foco en vez de intentar ponerlo detrás de la otra cosa de fuera que sí que le ponemos el foco'.

¿Consideran necesario o importante que los artistas se posicionen en temas sociales y que reivindiquen los asuntos de actualidad en materia social?

Yoel: Absolutamente. Creo que una parte imprescindible de nuestra función es entender que tenemos un altavoz porque la gente nos está escuchando y que usar ese altavoz de una manera adecuada es importante.

¿Qué papel ocupa hoy la música tradicional, el folclore o la música de raíz en un panorama tan diverso y digitalizado, con tantos géneros y tanto acceso a la música? ¿Tiene hueco?

Yoel: Yo creo que ahora ha habido un boom muy interesante, que yo pondría como inicio en Rosalía con 'El mal querer'. Y ha habido un desarrollo de proyectos muy potentes e interesantes en muchos sitios en estos últimos años.

Irene: Alrededor de la tradición.

Yoel: Sí, alrededor de la tradición y de los folclores. Con interpretaciones muy diferentes. Ahora vivimos un momento en el que se ha sentido esa necesidad, se ha puesto encima de la mesa y eso va a pasar a la historia como un movimiento importante a nivel nacional. Se hablará de esto en algún momento.

Irene: Es un momento en el que casi cada comunidad autónoma tiene sus artistas que han mirado hacia la música de raíz y la han reinterpretado de varias formas. Es un momento muy bonito justo para la música tradicional.

Y para terminar, ¿dónde les gustaría que sonara 'Jotas'? ¿En qué contexto les haría ilusión que alguien lo escuchara?

Yoel: Creo que lo bueno de 'Jotas' es que como estilísticamente se mete en tantos sitios se puede escuchar en muchas situaciones.

Irene: En muchos contextos.

Yoel: Sí, y a mí me gustaría, sobre todo, que saliera lo más posible fuera del contexto de la música tradicional, porque ya se conoce. Y esto que estamos haciendo permite que se acerque a un festival de indie o más mainstream, creo que tiene cabida y esa es nuestra apuesta. Por eso lo estamos intentando difundir lo máximo posible.

Con cuatro años, los Reyes Magos le trajeron unos zancos de Anguiano y desde entonces empezó a calzárselos sin saber que haría historia. Este domingo, Adriana Rueda Castro se convirtió, entre vítores y aplausos de todo el pueblo, en la primera mujer danzadora de Anguiano y danzó esta tradición que se mantiene desde, al menos, 1603 y es Fiesta de Interés Turístico Nacional desde 1970.

A pesar de la importancia del momento, muy pocos sabían lo que iba a ocurrir este domingo en la cuesta de los danzadores hasta que vieron a Adriana, con el emblemático chaleco de colores, calzarse los zancos de madera de 50 centímetros. “Para que no hubiera presión y evitar estar nerviosa”, ha contado la propia danzadora esta mañana en una entrevista en Onda Cero, donde ha agradecido el cariño de la gente. Un mensaje, el de que no escuchara a la gente para alejar los nervios, que también le repitió su padre mientras le ataba los zancos.

Aun así, la emoción era grande antes de subir la cuesta y antes de la danza ya se oyó un gran aplauso, y eso “no lo suelen hacer nunca antes de la danza”, ha contado agradecida Adriana. Con mucha naturalidad, ha lamentado “no poder haberlo hecho cómo quería” y es que a los inevitables nervios y presión, se unieron unas inoportunas gotas de lluvia. Pero con todo, Adriana Rueda bajó por primera vez las escaleras y la Cuesta de los Danzadores subida a sus zancos, rompiendo una barrera para las mujeres en una de las tradiciones folclóricas más antiguas de España.

A Adriana, con 14 años recién cumplidos, le acompañaron y arroparon otros siete danzadores, la tradición marca que sean ocho personas, y para dos de ellos, Ibai y César, también fue el estreno, la primera vez que bajan unas escaleras con los zancos y la Cuesta de los Danzadores, ya que hasta su debut solo pueden practicar en eras y cuestas empedradas de Anguiano y otros pueblos. La danza la completaron Asier, Raúl y Pablo, que se estrenaron hace 10 años y los todavía novatos, Juan y Mateo.

Uno de los profesores de la Escuela de Danzadores, David Neila, ha contado a Rioja2 que fue “muy bonito”. Él lo vivió con “emoción y orgullo por la valentía de Adriana de dar el paso y de la naturalidad con lo que se ha recibido”. “Es algo que no había pasado antes porque no se habían dado las circunstancias, pero todos queríamos que llegara y sabíamos que iba a pasar”, ha explicado al destacar “la opinión y el apoyo unánime de todo el pueblo” a la joven danzadora que se vio reflejado en los aplausos y gritos de ánimo y de su nombre de todo el público.

David Neila ha visto evolucionar a Adriana desde hace años en la Escuela y reconoce que “desde el principio se veía que podría ser ella la primera”. No obstante, siempre quisieron quitarle la presión porque, recalca, “siguen siendo niños”. Así, se consiguió que ayer por la tarde “nadie viera raro que ayer ella bailara” y fuera “un día histórico pero sin estridencias”. Con la naturalidad no siempre tan sencilla de querer seguir la tradición de su pueblo y poder hacerlo, Adriana Rueda hizo historia ayer en Anguiano encima de sus zancos.