“Nuestro expresidente y director ejecutivo, Tsutomu Shibayama, falleció el 6 de marzo de 2026 a causa de un cáncer de pulmón. Tenía 84 años”, ha compartido el estudio de animación japonés Ajia-do Animation Works. En el obituario, la compañía recordó uno de los mayores logros del director japonés: dirigir la saga Doraemon durante más de 20 años.

Aunque Shibayama anteriormente ya había trabajado como director de animación en series como Dokonjo Gaeru y Ganso Tensai Bakabon, fue su trabajo sobre el gato cósmico y sus amigos el que lo consolidó como un referente en el mundo del anime. Trabajó como director jefe de la serie desde 1984 hasta 2005 y dirigió 22 largometrajes basados en la franquicia.

Basada en el manga escrito e ilustrado por Fujiko F. Fujio, la serie de Doraemon se distribuyó fuera de Japón a partir de 1982, siendo Hong Kong, Taiwán e Italia los primeros países en emitirla. El anime también llegó a España, donde se ha retransmitido casi ininterrumpidamente en las televisiones autonómicas desde entonces, pasando por varios canales abiertos y de pago hasta llegar a Boing en 2011. 

Entre las obras más destacadas de Shibayama encontramos Doraemon: Odisea en el espacio, película de 1999 que sigue a Doraemon y sus amigos en una guerra interestelar en la que un ejército intenta apoderarse de la Tierra, o Doraemon y los dioses del viento (2003), en el que el grupo viaja al “Valle del Viento” para proteger a Fuuko, una pequeña y mágica dragona.

Una comedia romántica y un grupo de ninjas

Sin embargo, más allá de Doraemon, Tsutomu Shibayama dejó su sello en otras producciones audiovisuales un poco menos conocidas pero que también merece la pena tener en cuenta. Hoy recordamos dos de estas series clásicas que también marcaron la infancia de varias generaciones tanto dentro como fuera de Japón.

Ranma Saotome es un chico sufre una peculiar maldición desde que cayó en un estanque maldito durante un entrenamiento de artes marciales en China. Desde aquel día, cuando se moja con agua fría se convierte en una chica pelirroja y no es hasta que entra en contacto con agua caliente cuando vuelve a ser un chico. Esta es la sinopsis de Ranma 1/2, popular anime de comedia romántica en cuya primera temporada Shibayama trabajó como director.

El japonés también fue director de Nintama Rantaro, serie que sigue las aventuras de Rantaro, Kirimaru y Shinbei, tres jóvenes torpes y aprendices de una escuela de ninjas en Japón que se enfrentan a todo tipo de situaciones disparatadas. Emitido desde 1993 hasta la actualidad, el anime tiene más de 2500 episodios.

Pinturas, joyas, esculturas… Christie’s, una de las casas de subastas más prestigiosas y antiguas del mundo, está acostumbrada a vender todo este tipo de objetos de gran valor, pero el mundo está cambiando. Hoy salen a subasta incluso cartas de Pokémon; la última que alcanzó el récord consiguió venderse por 16.492.000 dólares (unos 14 millones de euros). 

Este mes, la casa originaria de Inglaterra saca a la venta una curiosa colección dedicada a obras de arte de anime, manga y tradición japonesa. La subasta, titulada ‘El anime empieza aquí: La subcultura japonesa imagina la tradición’, es la primera celebrada en Nueva York dedicada a este tipo de arte, y estará disponible a partir del 18 de marzo.

La subasta en línea “explora el diálogo visual entre el patrimonio artístico clásico de Japón y los movimientos subculturales que han dado forma a la cultura global contemporánea”, según explica Christie’s en la página web dedicada a la colección. La venta coincidirá con la celebración de la Semana del Arte Asiático en la ciudad estadounidense, que prevé otras exposiciones específicas.

Qué objetos se pondrán a la venta

La subasta presentará más de 40 lotes e incluirá todo tipo de productos asociados al arte popular japonés. Entre ellos, destacan pósteres originales de las películas Nausicaä del Valle del Viento (1984) y Mi vecino Totoro (1988), de Hayao Miyazaki y Studio Ghibli; o una lámina original de La gran ola de Hokusai, cuyo precio se espera que alcance los 60.000 dólares.

La subasta también incluye un póster vintage de Godzilla (1954), que podría venderse por hasta 30.000 dólares, y otro de Akira (1988), valorado entre 600 y 800 dólares. Asimismo, se venderán obras de Yoshitomo Nara, uno de los artistas japoneses más reconocidos de su generación. Uno de sus dibujos podría alcanzar cifras de entre 80.000 y 120.000 dólares. 

“Hoy en día, la gente ve el manga y el anime como arte serio, no solo entretenimiento. Incluso en Japón nunca fueron solo para niños. Desde el principio, estos reflejaron el estado de ánimo de la sociedad”, explicó Takaaki Murakami, especialista del departamento de arte asiático de Christie's, a Observer con motivo de la subasta en Nueva York.

En sus declaraciones con el medio estadounidense, Murakami apuntó que lo más probable es que, en esta ocasión, los pujadores sean más jóvenes que en otras subastas. “Crecieron con el manga y el anime y ahora están empezando a coleccionar más en serio”, señaló. Y añadió: “La reciente venta de la tarjeta ilustrada de Pikachu, por ejemplo, ayudó a visibilizar la categoría”.

Las grandes aventuras por entregas suelen ganar seguidores cuando logran mantener durante años un mundo enorme, personajes que evolucionan y un objetivo final que nunca se explica del todo. One Piece ocupa ese lugar dentro del manga mundial porque ha construido durante décadas un océano de historias de piratas, humor, batallas y viajes que millones de lectores siguen capítulo a capítulo.

El reconocimiento no se apoya solo en su extensión o en su popularidad, también en la forma en que la obra levanta preguntas que permanecen abiertas durante años. Entre todas ellas destaca una que mantiene el viaje de sus protagonistas desde el primer momento. Nadie sabe con certeza qué es realmente el tesoro llamado One Piece, y ese interrogante mantiene la historia en marcha.

Eiichiro Oda escribió la solución al enigma y la hundió en el fondo marino dentro de una cápsula sellada

Eiichiro Oda, el creador, escribió la respuesta definitiva a ese enigma y decidió guardarla en un lugar donde nadie pueda alcanzarla. El autor dejó parte del secreto dentro de un cofre que fue sellado en una esfera de vidrio preparada para resistir presión marina y que terminó en el fondo del océano. El objeto quedó a unos 651 metros bajo la superficie, donde permanecerá hasta que el relato llegue a su desenlace. Un video del proyecto explica que la verdad quedará allí hasta que toda la historia haya sido contada y afirma que “el tesoro One Piece sí existe”.

El propio proceso quedó documentado con bastante detalle. El 8 de febrero, en su estudio de trabajo, Oda escribió en una hoja el contenido del misterio y después rompió el papel en dos partes. Una de esas mitades se guardó dentro de un cofre pequeño, mientras que la otra se mantuvo fuera del recipiente.

Días después el cofre se colocó dentro de una esfera de vidrio diseñada para soportar presión, y la pieza fue transportada en barco mar adentro. Cuando la embarcación alcanzó el punto elegido, la esfera se dejó caer hasta que terminó reposando en el fondo del mar tras cerca de una hora y media de descenso.

Ese gesto se presentó dentro de un video publicado para celebrar la enorme difusión del manga. La grabación recuerda que la obra ha superado los 600 millones de copias en circulación en todo el mundo y también repite una afirmación que el propio Oda había hecho antes. El creador aseguró desde el principio que sabía exactamente qué sería el One Piece, incluso cuando la serie empezó a publicarse en 1997. El documento que quedó en el mar sería la primera vez que esa respuesta se ha escrito físicamente en un papel.

Varios aficionados analizaron las imágenes y situaron la caída en la Bahía de Suruga

El video generó otra consecuencia que, de alguna manera, se podía pronosticar. Algunos seguidores comenzaron a analizar cada detalle de las imágenes con la intención de averiguar el lugar donde cayó la cápsula.

Un usuario citado por unonumero_56 expuso que “no hay tierra visible desde el punto de caída al mirar hacia el suroeste”. Ese análisis añade que el fondo marino mostrado parece formado por sedimentos muy finos y planos, una característica asociada a zonas con corrientes débiles. Con esas pistas, varios aficionados concluyeron que el punto más probable estaría en la Bahía de Suruga, en Shizuoka, cerca de Tokio.

La hipótesis se apoya también en otros detalles observados en la grabación. El barco, la tripulación y el entorno marino sugieren para algunos seguidores que la operación se realizó en aguas japonesas. Además, la zona propuesta está relativamente cerca del lugar donde vive el autor. El mismo análisis añade que “es una ubicación que está cerca del hogar de Oda y se adapta a todas las pistas”. Incluso con esas conjeturas, nadie sabe si el metraje muestra la ubicación real o si algunos elementos han sido modificados.

La historia nació con la promesa de un gran botín lanzada por Gol D. Roger antes de morir

La pregunta sobre el tesoro no es un detalle secundario dentro del relato. En la historia, el rey de los piratas Gol D. Roger anunció antes de morir que había escondido el mayor botín del mundo. Esa declaración provocó una carrera entre piratas para encontrarlo.

Monkey D. Luffy y su tripulación, los Sombrero de Paja, navegan por la ruta conocida como Grand Line con la esperanza de descubrirlo algún día. Sin embargo, el viaje suele detenerse en conflictos políticos, guerras locales y búsquedas personales de redención que se cruzan en su camino.

Ese recorrido prolongado alimentó durante años varias teorías entre los seguidores. Algunos creían que el tesoro podría no existir o que la recompensa final sería solo un mensaje simbólico sobre la amistad entre los personajes. Por eso Oda decidió dejar la respuesta por escrito y enviarla al fondo del mar, como una forma de zanjar el debate. El vídeo remacha esa intención garantizando que el tesoro existe de verdad.

Mientras tanto, la obra continúa creciendo. El manga supera los 1.175 capítulos publicados y la adaptación animada ha emitido más de 1.155 episodios hasta comienzos de marzo. La historia también cuenta con una versión producida por Netflix con actores de carne y hueso. A pesar de esa enorme extensión, todavía no existe una fecha oficial para el final de la serie, lo que significa que el cofre con la respuesta seguirá descansando en el fondo del océano durante bastante tiempo.

El anime está de moda y el éxito de Chainsaw Man – La Película: El arco de Reze solo es la última muestra de ello. La película de animación ha superado las expectativas con su estreno en cines fuera de Japón, Corea del Sur y otros países de Asia. En Estados Unidos, el largometraje ha debutado en el número uno de la taquilla, alcanzando los 17,2 millones de dólares. 

La película de animación ocupa el primer puesto de las más vistas en los cines estadounidenses, superando así a títulos como A pesar de ti, el nuevo romance basado en el best-seller de Colleen Hoover; Black Phone 2, la nueva de terror sobrenatural; y Springsteen: Deliver Me From Nowhere, el biopic musical protagonizado por Jeremy Allen White. En total, la cinta ya supera los 108 millones de dólares a nivel mundial.

Chainsaw Man es un manga japonés creado por Tatsuki Fujimoto que destaca por la brutalidad de su narrativa, combinando la violencia explícita con el humor negro. En 2022, el manga se convirtió en anime con el estreno de una primera temporada basada en la historia de fantasía y terror creada por Fujimoto. Tres años más tarde, su historia se ha adaptado a la gran pantalla, aunque llegar hasta aquí no ha sido un camino de rosas.

Del anime a la película

Mappa fue el estudio de animación japonés que se encargó del desarrollo de los episodios de la primera temporada del anime. En un primer momento, pensaron que la apuesta era segura: el manga tenía millones de fans y la serie de animación podía ser un éxito rotundo. Así que el estudio decidió encargarse del 100% de la producción, el marketing y el merchandising de la serie. Sin embargo, los resultados no fueron los esperados. 

Manabu Otsuka, el CEO de Mappa, quedó decepcionado por la rentabilidad de la primera temporada porque apenas vendieron formatos físicos de la serie, una de las principales fuentes de ingresos para los estudios de animación. “En términos financieros, definitivamente podemos decir que ha sido un éxito rotundo. Sin embargo, cuando se trata de conseguir el mismo nivel de impacto que nuestro trabajo reciente con Jujutsu Kaisen, todavía no estamos satisfechos por completo”, señaló entonces.

Sin embargo, el arco de Reze, uno de los más populares del manga, lo ha cambiado todo. Su éxito en cines parece despejar las dudas sobre la continuación del anime, que probablemente seguirá desarrollándose en una segunda temporada. 

El manga de Chainsaw Man sigue la historia de Denji, un joven que trabaja como cazador de demonios para pagar las deudas que heredó de su padre. Su única compañía es Pochita, un pequeño demonio con forma de perro y una motosierra en la cabeza. Tras ser traicionado y asesinado, Denji se fusiona con Pochita y renace como Chainsaw Man, un híbrido humano-demonio. Por su parte, la película recién estrenada se centra en el personaje de Reze, una misteriosa chica que parece interesarse románticamente por Denji, pero que esconde un secreto relacionado con los demonios.

Amaia se pregunta en Yamaguchi (2022) si, como ella, las niñas de Japón también lloran a su primer amor. Les separan dos océanos y 16.000 kilómetros de distancia, pero la artista española canta a un vínculo entre la prefectura nipona y su Pamplona natal, que ha dado su nombre a un famoso parque en la ciudad. En realidad, la cultura japonesa lleva años arraigando en España y otros países europeos pese a las abismales diferencias lingüísticas o sociales. La apuesta por el anime en televisiones autonómicas como TV3, EITB, TVG o Canal Sur y el auge de las traducciones de mangas clásicos en los ochenta o noventa popularizaron el mundo otaku en buena parte de Europa. Y en los próximos días, Madrid volverá a acoger una de sus citas más esperadas del año.

Noelia, que no se pierde una Japan Weekend, este año irá como “reportera” y no como artista. Se trata de una de las mayores ferias en toda España dedicadas a la cultura japonesa, el manga y el anime o los videojuegos; así que atrae a un sinfín de aficionados que pasan el día entre puestos de ramen, cosplays, caracterizaciones o tiendas de camisetas con estampados de sus series favoritas. Como no superó el casting para tener estand propio, ha decidido darle una vuelta de tuerca a la situación: documentará el día de quienes sí lograron su expositor.

Ella es diseñadora gráfica e ilustradora; hace años que vende láminas o merchandising en eventos frikis por toda España. Conoce “la Japan” desde que se hacía en el Palacio de Cristal en Casa de Campo y entrar apenas costaba seis euros. Ahora, cada día son entre 20 y 40. “Nosotros somos minoristas, así que la subida de precios ha sido un duro golpe para muchos”, admite Noelia, que cree que “buena parte del dinero que pagas de diferencia se invertía antes en comprar cinco o seis prints [láminas] en la zona de artistas”. Pero el evento cada vez atrae a más gente.

En la última década, todo lo relacionado con el manga o el anime ha pasado de ser un asunto de nicho a estar en las televisiones o entre grandes plataformas como Netflix, que ya emiten clásicos como Naruto, Monster o Berserk. España es cada vez más otaku –amantes de la cultura japonesa– y eso sitúa a los festivales manga como la Japan Weeked en el punto de mira de muchos artesanos, que encuentran en ellas una oportunidad para exponer sus obras y vender stock con temática de anime.

La contrapartida de todo esto, no obstante, es que los artistas lo tienen más difícil que ayer para conseguir tener un expositor en el recinto. Desde hace años, la Japan Weekend de Madrid (el festival se reproduce en otras ciudades como Valencia o Bilbao) se celebra en Ifema, un espacio seleccionado con el boom nipón ya que permitía albergar a más personas. En la última edición de febrero se rozaron los 170.000 asistentes. Sin embargo, la demanda por un hueco en la mejor zona de venta no para de crecer.

“Se forma una Tercera Guerra Mundial solo para entrar lo más rápido posible”, confiesa Raquel, otra joven de Huelva que vive en Aluche y se gana la vida como artista en este u otros eventos. Para la próxima Japan Weekend ha conseguido tener un puesto en la zona de más visibilidad, por la que ha tenido que adelantar 375 euros, 100 de ellos en concepto de seguro por la tienda. Si todo va bien, esta última cantidad se reembolsa después del fin de semana. Para exponer en mesas grandes como ella y disponer de más espacio para tus productos hace falta pasar un filtro de calidad, cuyos requisitos decide la propia organización, a cargo de la empresa Jointos Enternainment S.L.

Como la Japan Weekend de Madrid es uno de los principales eventos del mundillo, Raquel calcula que en cada edición pueden aplicar entre 1.000 y 2.000 aspirantes. No todos acaban teniendo el mismo espacio: la mayoría solo pueden entrar si son los primeros en rellenar un formulario de Google que, un día y a una hora concreta, publica el festival en sus redes y página web. “Si tardas 60 segundos más, estás fuera”, sentencia esta ilustradora, que narra cómo muchos pierden la plaza si se les cae Internet en el momento justo o han salido de viaje para esas fechas.

Sara, otra de las artistas gráficas que han logrado plaza después de rellenar un formulario de acceso y presentar un porfolio con sus trabajos más destacados, también ultima estos días el material de venta. No es la primera vez que logra entrar ni la única feria manga a la que asiste como artesana, pero reconoce la ventaja de vivir en Madrid a la hora de ahorrar gastos de desplazamiento, manutención o alojamiento en una ciudada al alza como la capital. “Al final, la Japan Weekend de Madrid o el Salón Manga de Barcelona son los grandes eventos para muchos fans de esta cultura y es donde más asistencia prevés, por lo que la gente que traiga sus trabajos desde otras comunidades suma un gasto extra del que otros, por ahora, podemos prescindir”, detalla.

Cuando empezó a ir como visitante, siendo más pequeña, casi todo lo que se vendía eran fanzines y apenas había artistas al nivel que hay ahora. Ahora llegan desde Portugal, Alemania o Países Bajos solo para exponer en la Japan“, resalta Sara, que se dedica plenamente a su trabajo como ilustradora, recorriendo los recintos más conocidos entre aficionados al manga y el universo japonés. Sin embargo, hace poco que estos eventos empezaron a recrudecer sus filtros de acceso.

Para quienes montan un estand en Ifema existen dos categorías: el Artist Alley, donde presentan aquellos con un porfolio “más potente”; y el área No Comercial, en la que acceder solo es posible si se está entre los primeros candidatos en rellenar el formulario. Esto es algo que para Sara o Noelia genera contratiempos, más en los tiempos que corren. “Muchas veces se cuela alguno que notas que ha usado IA [Inteligencia Artificial] para generar sus dibujos. Eso es una movida, porque ocupa el lugar que debería estar usando un artesano con producción propia”, considera la primera de ellas.

En ese sentido, la mayoría de estas ferias han aumentado sus filtros para detectar cuándo un aspirante calca o está elaborando imágenes con Inteligencia Artificial para venderlas en un salón manga. “El nivel ha bajado y es cierto que intentan cuidar más quién entra y quién no, pero es complicado”, añade Noelia, que también sugiere una dosis de “amiguismo” en el proceso de selección final: “Enviamos muchas solicitides y la convocatoria se hace pública a través de X, así que todo es muy rápido. Los artistas tienen menos de un minuto para aplicar si quieren tener opciones de vender allí”.

Al final, poder vender en la Japan Weekend es algo al alcance de unos pocos y lograrlo llega a convertirse en unos auténticos “juegos del hambre” para quienes aplican. Los pequeños artesanos madrileños han visto en la fiebre por Japón un espacio de maniobras con los que lanzar su marca y aumentar ventas. La popularización de la cultura nipona en España y buena parte del mundo sorprende si se tienen en cuenta las diferencias sociales y geográficas que existen; sin embargo, incluso desde entidades especializadas asumen que el manga y el anime se han consagrado más allá del país del sol naciente.

“Es una de las principales motivaciones de los estudiantes jóvenes para iniciarse en el idioma japonés, aprender la cultura y viajar algún día a Japón”, exponen desde la Fundación Japón en Madrid, una institución con sede en la capital dedicada a promover el intercambio cultural internacional y el entendimiento mutuo entre Japón y otras zonas del mundo. “En los últimos años hemos visto un aumento del número de personas por la calle con camisetas relacionadas con el manga o el anime, más tiendas especializadas adquisición de colecciones completas en las bibliotecas públicas madrileñas”, añaden desde la fundación.

Reciben casi a diario nuevas solicitudes de centros, instituciones o particulares que buscan “colaborar” con ellos y organizar actividades culturales relacionadas con esta cultura. Haciendo un balance de los últimos años, desde el organismo entienden que la popularidad de eventos como la Japan Weekend o el Madrid Otaku, otra conocida feria manga, suponen ya un “reflejo del interés por el género, cada vez más cerca de considerarse un material público de interés cultural”.

El II Festival RiojaCómic volverá a reunir, del 3 al 5 de octubre, en nuestra región a reconocidos profesionales del mundo del cómic, el manga y la ilustración. A través de un intenso programa, amantes de todas las edades de este género podrán disfrutar de numerosos talleres, exposiciones, conferencias y de una novedosa feria del cómic, que permanecerá abierta en la sede del IRJ, entidad promotora del festival.

El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pérez Pastor, y el director del IRJ, Juan Diego Alcaide, han presentado hoy, día 2, las diferentes actividades que ofrecerá la segunda edición de un festival con la que el Gobierno de La Rioja, como ha destacado el consejero, “quiere fomentar la existencia de una cita anual en la región en torno al noveno arte, tanto a nivel de creadores como a nivel de lectores. Una iniciativa donde, a través de este medio de expresión, los jóvenes y no tan jóvenes pueden encontrar un punto de reunión transgeneracional muy importante”. El consejero ha continuado definiendo el cómic como “un medio de expresión maduro y con una gran potencia comunicativa, capaz de transmitir desde una historia ligera hasta las reflexiones más profundas de corte ensayístico, pasando por notables ejemplos memorialísticos o de indagación formal”.

Más de 20 citas concentradas en un intenso fin de semana componen un festival en el que riojanos y visitantes podrán adentrarse en el mundo del cómic, el manga y la ilustración de la mano de numerosos profesionales del género y desde diferentes puntos de vista. Así, a través de conferencias, talleres o charlas, el festival contará, entre otros, con la participación de Bea Lema y Max, Premios Nacionales de Cómic de 2024 y 2007. 

El festival se presenta en un formato, que como ha destacado Alcaide, “surge de la estrategia de movilidad que nos hemos marcado este año para facilitar el acceso a todas las personas que quieran acudir”. Por ello, la Biblioteca de La Rioja, la Esdir y el IRJ, como ha confirmado Alcaide, “serán los tres vértices” de un festival en el que habrá una destacada presencia de artistas riojanos como la narradora visual Antonia Santolaya, autora de la imagen de este año del festival; los ilustradores y guionistas, Pedro Espinosa y César Herce; o el dibujante Manuel Romero, Premio del Festival Internacional de Cómic de Barcelona por su novela gráfica sobre Francisco de Goya.

Mikoto, referente nacional del cosplay; o la empresa AK Interactive, se unirán al cartel con sello riojano que, por primera vez, ofrecerá una feria del cómic en la que, en la sede del IRJ (C/ Muro de la Mata, 8. Logroño), el viernes, de 17 a 20 horas; y el sábado y el domingo de 11 a 14 y de 17 a 20 horas, se reunirán diferentes editoriales, tiendas, revistas e ilustradores de la región, y a todas aquellas empresas o personas que estén interesadas en participar ya que la feria, como ha indicado Alcaide, “continua abierta a nuevos participantes”. Algunos de los participantes que ya han confirmado su asistencia son las editoriales riojanas Pepitas de Calabaza, Aloha y Fulgencio Pimentel, los artistas Jorge Ochagavía y Tris, la Asociación Aventum, la revista Fábula o la Trapería de Klaus.

Más de veinte citas con creadores del mundo del cómic y el videojuego

El festival comenzará el jueves 2 de octubre, a las 9:30 horas, con la primera convocatoria de talleres para escolares que ofrecerá Manuel Romero. En concreto, esta actividad está dirigida a los alumnos de 6º de primaria y para poder participar en alguno de los cuatro pases de 45 minutos que se proponen, con una capacidad de 25 alumnos por sesión. Como ha explicado Alcaide, los centros escolares interesados deberán reservar desde el 10 de septiembre el taller a través de la página web www.irj.es. Estos talleres también se desarrollarán el viernes 3 de octubre en el mismo lugar, la sede del IRJ.

El programa continuará ese mismo jueves, a las 10:30 horas, con la inauguración oficial de la exposición ‘Los tebeos de humor de mi juventud’, creada por el coleccionista e investigador Fernando Rodil, quien ha donado gran parte de su colección de más de 60.000 fascículos y 2.000 colecciones completas a la Biblioteca de La Rioja. Será en este espacio y a las 18 horas cuando Max, nombre artístico de Francesc Capdevila, sinónimo de revolución gráfica, libertad creativa y una voz crucial dentro del cómic español contemporáneo, ofrezca la charla ‘Los cómics de mi vida’, abierta al público que desee escuchar al autor de personajes tan memorables como Gustavo, Peter Pank o Bardín.

Otras de las destacadas presentaciones que ofrecerá esta segunda edición del festival tendrá lugar el viernes 3 de octubre, a las 19:30 horas, en el IRJ donde Espinosa y Herce presentarán una de sus últimas creaciones, un cómic que rinde homenaje al ilustre político riojano Sagasta y ha sido editado con la colaboración del Instituto de Estudios Riojanos (IER). Esa misma jornada de viernes el salón de actos de la Esdir acogerá las conferencias de Max, a las 10 horas, y de Marina González y Paula Fingerspit Ruiz, el talento creativo detrás de Deconstructeam, una oportunidad para conocer, a partir de las 12 horas, la creación y consolidación de esta empresa, una joya del desarrollo independiente de videojuegos.

Además, entre otras citas, el sábado 4 de octubre a las 12:30 horas, tendrá lugar en el IRJ la presentación de ‘Hotel Florida’ a cargo de Antonia Santolaya y Carlos G. Santa. También se podrá conocer, el domingo a las 13.30 horas, el proyecto Erveca, el tándem creativo formado por Samuel Noal e Isabel López para reinventar el modo de conectar a la juventud con el medio rural de los videojuegos.

A lo largo del sábado y el domingo, 4 y 5 de octubre, el IRJ acogerá diferentes talleres dirigidos por Max, Bea Lema, la empresa riojana AK Interactive, Deconstructeam o los talleres de viñetas riojanas que impartirá Pizarrín. Para participar en estos talleres ya está abierta la inscripción en la página web www.irj.es donde además se puede consultar con detalle toda la programación de II Festival RiojaCómic.

Un cigarrillo encendido permanecía olvidado en los labios de Eiichiro Oda mientras seguía dibujando sin descanso. La brasa avanzaba y el humo formaba una estela que se mezclaba con su respiración, hasta que de repente creyó estar viendo su aliento en pleno invierno

El desconcierto lo sacó de la concentración y lo obligó a comprobar la hora con la esperanza de que aún fuese de tarde. La realidad fue mucho más dura, porque descubrió que eran las seis de la mañana y había perdido por completo la noción del tiempo en mitad de una jornada extenuante de trabajo en One Piece.

El agotamiento lo llevó a cambiar su método de trabajo tras el éxito alcanzado con Marineford

El episodio se conoció gracias al usuario Sandman, especializado en la revista Shonen Jump, que relató cómo el mangaka sufrió aquel desajuste durante el arco de Skypiea. La confusión no se limitó al humo del tabaco, ya que también creyó que era buena hora para llamar a su editor, convencido de que estaba en la tarde y no en la madrugada.

Ese lapsus reflejaba hasta qué punto el agotamiento acumulado empezaba a impactar de forma directa en su día a día, incluso afectando a percepciones tan básicas como el paso del tiempo.

Ese tipo de situaciones fue lo que llevó a Oda a replantear su manera de trabajar años después, cuando el éxito de One Piece ya lo había convertido en una figura esencial dentro de la editorial. A partir de la conclusión del arco de Marineford, decidió establecer descansos regulares, que primero fueron más espaciados y acabaron por convertirse en pausas mensuales. La decisión buscaba reducir el desgaste físico y mental y permitirle mantenerse activo sin poner en riesgo su salud a largo plazo.

El propio Oda ha reconocido en diferentes momentos que su ritmo de trabajo le ha pasado factura. Según explicó el portal Vida Extra, llegó a vivir con jornadas que apenas le dejaban tres horas de sueño, dependiendo constantemente de bebidas con cafeína para poder continuar. Esa dinámica le generó problemas de salud que todavía hoy arrastra, entre ellos diabetes, gota e hipertensión, patologías que son controladas por especialistas que lo atienden de manera continuada.

La industria del manga semanal empuja a sus autores a un nivel de sacrificio extremo

En la comunidad de mangakas se considera que las condiciones laborales de quienes publican en revistas semanales son especialmente duras, con calendarios que exigen una dedicación absoluta. Oda, como autor de una serie tan extensa y exigente como One Piece, se convirtió en un ejemplo extremo de ese sacrificio.

Aun así, los seguidores valoran que muchas de las etapas gráficas más recordadas del manga surgieron precisamente en aquellos periodos de máxima dedicación, como en Skypiea.

Los años recientes muestran un cambio de hábitos que contrasta con las épocas más intensas. Los descansos en la publicación se han vuelto habituales, lo que indica un ajuste necesario en su dinámica de trabajo. Aunque la presión de la industria sigue siendo fuerte, los márgenes de recuperación que ahora se concede Oda le permiten continuar con su obra sin arriesgar tanto su bienestar.

Más de veinte años dedicados a un solo título muestran el sacrificio de Oda

Con más de dos décadas dedicadas a una sola serie, su figura ilustra tanto la grandeza de un proyecto editorial sin precedentes como los riesgos que implica una vida marcada por un calendario férreo. Cada capítulo que logra entregar tiene detrás un esfuerzo enorme, y esa constancia diaria, ahora algo más dosificada, sigue siendo la base sobre la que descansa One Piece.

El detalle curioso es que la anécdota del cigarrillo olvidado y el reloj equivocado no solo habla de cansancio, también de la intensidad con la que un autor puede sumergirse en su trabajo hasta perder contacto con lo más básico.

Si esperabas con alegría cada capítulo de Los Caballeros el Zodíaco o de Sailor Moon; si una de las series preferidas de dibujos animados de tu infancia tenía como protagonista a Chicho Terremoto, un chico muy canijo que competía con un perro parlante por el amor de Rosita; o si alucinabas con un joven piloto que controla el poderoso robot gigante Mazinger Z que defendía a la Tierra de las fuerzas malvadas del Dr. Infierno... sí, has sido un apasionado del manga, solo que entonces no lo sabías. 

Héctor Cisneros Mené es el nombre de pila que hay detrás del seudónimo 'Kaise', con el que el joven aragonés ha firmado su obra prima 'Happy Egg', considerado como el primer manga íntegramente aragonés. A los catorce años y por casualidad descubrió a Naruto, y sus historias le conmovieron tanto que decidió seguir profundizando en el arte nipón. Antes de convertirse en Kaise, Cisneros estudió japonés, idioma que domina hasta el punto de ser profesor y ganarse la vida impartiendo clases, también ha sido alumno en el ciclo de cómic en la Escuela de Artes de Zaragoza y, después, continuó formándose en la academia Blackfolio, con destacados artistas como: David Daza y David Cobos.

Con 24 años, su obra llega como candidata a la I edición del Concurso Impulso Manga, una iniciativa que nace de la editorial aragonesa GP Ediciones, especializada en cómics, con la colaboración del Ayuntamiento de Zaragoza. ‘Happy Egg’ resulta ser la obra ganadora y a partir de ahí, la vida profesional y personal de Héctor Cisneros da un giro. Durante 14 meses, este aragonés se dedicó a trabajar en su cómic: “Al menos ocho meses estuve dibujando entre 10 y 12 horas seguidas al día”, explica. Una etapa que vivió con ilusión, pero que reconoce que fue “muy dura”, hasta el punto de tener que dejar de impartir clases de japonés y de dibujo: “Mi vida consistía en dibujar y dibujar”. 

Tanto es así que Héctor Cisneros se convirtió en autor completo en su obra prima al ser, además de dibujante, el guionista de una trama basada en un mundo distópico en el que cada personaje tiene asignada una tarea que realiza de manera repetitiva a lo largo de toda su vida. Un punto de partida aparentemente simple e inocente que va evolucionando hasta convertirse en una historia que obliga al lector a mirar de frente a una realidad en la que el propio autor vuelca sus conflictos existenciales: “Se ve mucho de quién soy a través de estas páginas. Es un riesgo, pero, por otra parte, ayuda a conectar con el lector, muchas personas me han confesado que sienten como si, a través de mis personajes, hubiera contado lo que ellos mismos sienten y piensan”. 

El resultado de todo ese trabajo y derroche de talento y valentía personal y poética ha tenido como resultado que Aragón cuente con el primer manga autoconclusivo cien por cien hecho en España; desde su formato, pensado para ser leído como una obra japonesa, con lectura de izquierda a derecha, hasta su trama, que nace del conflicto humano del propio autor y que invita al lector a la introspección. 

Un manga tiene el poder de conectar tan profundamente con quien lo lee que puede hacerles llorar

Un cómic americano o europeo es el formato homólogo de lo que en Japón se conoce como manga, aunque la variedad de géneros que este último abarca es enorme, en comparación con las temáticas que han abordado tradicionalmente los cómics. “En los cómics europeos o americanos hablan de historias o de fantasía, pero el manga, pese a que parece que todos los dibujos son iguales no es así, y abarca temas impensables desde sociales, románticos o históricos, hasta las andanzas de un crítico gastronómico sin más”, explica Daniel Viñuales, de GP Ediciones, que asegura que le han abierto un mundo que desconocía y por el que ahora se siente atraído y en el que encuentra includo inspiración para sus proyectos editoriales.

‘Happy Egg’, aunque nacido a orillas del Ebro, es una muestra de la pureza del manga en toda su esencia: “Quería que tuviera esas diferencias tan marcadas de los mangas japoneses: todo en blanco y negro, con los bocadillos en vertical o redondos”, apunta Héctor Cisneros. El objetivo es que la obra aragonesa se pudiera llegar a confundir con un cómic íntegramente hecho en Japón. La razón: el lector más purista busca la esencia japonesa, y me quería abrir camino en ese sentido“, explica Kaise, que no ha elegido ese nombre por casualidad. Consciente de que Héctor Cisneros no es un nombre que suene a nipón, este aragonés ha decidido firmar sus obras bajo el seudónimo Kaise, precisamente dentro de su estrategia de hacerse un hueco entre las obras niponas. Y lo ha conseguido.  

A la hora de llevar a papel la idea que tenía en su cabeza, Cisneros comenta que no ha tenido ningún problema porque: “Estoy muy acostumbrado a consumir manga”. En el caso de la imprenta, sí que ha sido un reto imprimir una obra en el formato japonés, con la portada y la contraportada a la inversa del sistema de lectura occidental, al igual que el resto de páginas. Pero el resultado ha sido bueno y: “La verdad es que han sido muy amables, y más allá de las pruebas iniciales, todo ha ido muy bien”, agradece el autor. 

Hasta la fecha, ‘Happy Egg’ ha ganado varios premios: además de la I edición del concurso Impulso Manga, se ha alzado con el premio Torre de Babel en categoría de Artes plásticas, ilustración y cómic, y ha sido el mejor dibujo de cómic aragonés en el Salón del Cómic de Zaragoza 2024.

Concurso Impulso Manga: “Era necesario en Aragón para visibilizar una realidad que va en aumento”

La pandemia ha sido una de las aliadas del crecimiento de los seguidores del manga en España, y en Aragón en particular. El público aragonés ha sido tradicionalmente lector de cómic americano, pero con la pandemia las cifras han cambiado, y si antes los que optaban por los mangas eran el 15%, ahora son cuatro de cada diez lectores, según datos de los comercios especializados.

Las editoriales se han dado cuenta de este cambio y cada vez son más las obras niponas que se pueden encontrar en los catálogos de las librerías generalistas. En el caso de Aragón, no solo el número de lectores sigue la tendencia nacional al alza; también la cantera de artistas crece. GP Ediciones, nació en 2009 con la premisa de visibilizar el talento aragonés joven o amateur en el cómic. Hace ahora cuatro años, Daniel Viñuales pensó que era necesario poner en marcha una iniciativa para impulsar en exclusiva a jóvenes ilustradores aragoneses de Manga a través de la publicación de sus obras. 

La idea tuvo como resultado el concurso Impulso Manga que, como parte del premio, además de entregar al ganador 3.000 euros en metálico; de los que 2.000 pone el Ayuntamiento de Zaragoza y 1.000 la editorial, la obra ganadora se publica y se distribuye. “En Aragón tenemos mucha suerte de que exista Impulso Manga porque, con una obra publicada en la mano, en cualquier evento sientes que escalas un nivel y que puedes hablar de tú a tú con otros autores, y hacer contactos”, explica Héctor Cisneros. 

Cada edición del concurso, y ya van tres: “Contamos con las escuelas de artes de Zaragoza, Huesca y Teruel, y siempre tenemos 10 o 12 trabajos, y de ellos tres o cuatro son muy buenos”, apunta Viñuales. Otras editoriales, como Planeta, tienen una iniciativa similar. La diferencia es que Impulso Manga está dirigida únicamente a artistas menores de 35 años aragoneses o que residan en Aragón: “Queremos dar ese empujón a los jóvenes de la tierra y visibilizarlos frente a los concursos en los que participan artistas de toda España”, añade Viñuales.  

Desde la editorial aseguran que la salud del arte aragonés en esta disciplina es buena, y que se ve la evolución positiva de los artistas: “Hay algunos que se han presentado a varias ediciones del concurso y que dices, 'este algún día se lo llevará', porque ves cómo van creciendo y ganando desde el punto de vista artístico”. 

Talento a raudales, sí, pero falta decirles cómo salir a un mundo laboral donde tiene que vender su trabajo ellos mismos

Durante el proceso creativo de su obra prima, ‘Happy Egg’, Héctor Cisneros descubrió algo sobre sí mismo y sobre su profesión a futuro: “Descubrí que me gustaba mucho más guionizar que dibujar”, de hecho, su idea de trabajo perfecto sería: “pensar y hacer los guiones, crear bocetos de los personajes, y contar con otros dibujantes que se encarguen de desarrollarlos”. 

Este es el aprendizaje de un joven con los pies en la tierra que, aunque ya cuenta con una obra publicada, es consciente de que: “Vivir del Manga en España es muy complicado”, lamenta Kaise, que actualmente se encuentra preparando su portfolio como ilustrador: “Hay más trabajo en la ilustración comercial, recibes más dinero en menos tiempo”, aunque reconoce que seguirá creando porque “lo lleva en la sangre”. 

A sus 26 años sigue viviendo en el núcleo familiar: “En este momento no gano suficiente dinero para ser autónomo, y tampoco para independizarme”, lamenta. Cisneros está satisfecho con la formación recibida en la Escuela de Artes, pero reconoce que: “No nos forman para afrontar lo que viene después, prácticamente nuestro camino profesional en muchas ocasiones se basa en ir recibiendo encargos, en presentar tus servicios como autónomo, y no salimos preparados para saber cómo hacerlo, a qué puertas llamar, de qué manera enfocar la carrera artística en una realidad laboral que es muy particular en el mundo del arte”. 

En el caso de los ilustradores de Manga, la mayor parte de los nacionales trabajan para Francia, Estados Unidos o incluso para Japón, porque en España prácticamente no hay industria. Aunque algunos, han conseguido llegar a la meca del Manga: “En Japón hay una editora que ha abierto camino a los españoles después de contratar a Juan Albarrán que fue el pionero, de hecho, ahora vive allí”, explica Cisneros. Sin embargo, aunque Kaise reconoce que este mundo es difícil, también asegura que “hay más gente viviendo de esto de lo que creemos” y que el objetivo a largo plazo, con la calidad del trabajo de los españoles y si surgen más obras como 'Happy Egg' que apuestan por el purismo nipón, es que los artistas puedan terminar trabajando en España y para España. 

Toledo acoge los próximos días 5 y 6 de abril una nueva edición de la feria especializada en cultura japonesa Toledo Matsuri. Por tercer año consecutivo tendrá lugar este evento cultural que aglutina tradición, modernidad y mucha diversión. Se ubicará en las instalaciones deportivas del Salto del Caballo.

Una carpa de 350 metros cuadrados albergará su ya clásica zona de juegos de mesa con las editoriales “más punteras y las últimas novedades”, según detallan desde la organización del evento. La zona de talleres, con cinco zonas repletas de actividad. La zona de videojuegos, con 12 estudios independientes, algunos como el castellanomanchego Infinite Thread Games, con su título “Hidalgo”, el toledano Dos Estrellas, con una propuesta de videojuego interesantísima, o los exitosos Altered Alma (2Awesome Studio) y Among Ashes (Rat Cliff Games).

Volverán a celebrarse las finales para las paradas de Circuito Tormenta en Toledo para los videojuegos Valorant y League of Legends. La zona de tatami contará con la presencia un año más del luchador MMA Colombo, recién llegado de su combate estelar en la velada de Ilia Topuria en Madrid. En la zona de artistas participarán más de ochenta representantes elegidos entre más de quinientas solicitudes. La zona de comercios, zona de restauración y zona familiar y de descanso, refuerzan sus contenidos para cerrar esta oferta dedicada al manga y al anime. 

Muchos nombres de importante calado profesional, como actores de voz, destacan en la edición de este año: Iván Priego Posada, voz reconocida de Lucas de Stranger Things; Rafael de Azcárraga, voz actual del personaje Kratos de God of War en español o del Emperador Palpatine de Star Wars; Ana de Castro, con trabajos referentes en Marvel o videojuegos y, en la ficción sonora, dentro del podcast ficcionado ganador con un Ondas 2023 Titania. Entrando en el terreno anime, Alicia Bueno y Joel Gómez, responsables de poner voz a algunos de los protagonistas más destacados del anime actual y Claudio Serrano, que ha prestado su voz a Batman en la trilogía del Caballero Oscuro, Lego Batman, o la saga de videojuegos Arkham. 

Además, dentro del ámbito cosplayer, Toledo Matsuri contará con Luzbel, Nekroquantum, Mina e Ittara, presentadora del escenario principal; en el ámbito de artistas contarán con la presencia del japonés Mitsuru Nagata, Jennifer Giner y Daniel Azconegui, responsable del cartel oficial de Toledo Matsuri 2025, en el ámbito de la creación de contenidos en videojuegos, los creadores de contenidos Noni Gamer, Mr.keroro y Protocolo Ralux.

Por último, en el escenario de videojuegos, se realizará la Primera Gala del Videojuego Toledo Matsuri, repasando algunos de los estrenos más importante del panorama nacional y conoceremos a 4 de los nombres más destacados del videojuego actual como son David Canela, Game Designer de Rime, Gylt y Game Director del videojuego Son of Nunu, Maikel Ortega, Game Designer de Blasphemous 1 y 2 y Game Director de Stone of Madness y los creadores del videojuego Neon Blood, Alex Chipelo y Daniel Pérez.

Toledo Matsuri, un festival distinto y singular, con una oferta de ocio diversa y sugerente para que todo el mundo encuentre su mejor momento para el esparcimiento y el disfrute.

Para la gestión de venta de entradas y más información en https://toledomatsuri.com/

El primer fin de semana de diciembre, los personajes de series y videojuegos más populares del momento saltan de la pantalla y se cuelan en los metros de Barcelona, convertidos en personas de carne y hueso. Centenares de fans de la cultura japonesa se caracterizan como sus ídolos, imitando la vestimenta y los accesorios, y se lucen en el Saló del Manga, una convención insignia de la cultura del cómic y el anime, que cumple 30 años.

Pero no son simples disfraces. A esta práctica se la conoce como cosplay y es una moda en auge entre las generaciones más jóvenes, que se vuelve especialmente visible durante los tres días que dura esta cita. El evento, además de ser una oportunidad para hacerse con las últimas novedades del mercado, también es un punto de encuentro entre aficionados y acoge, entre otras muchas actividades, competiciones, charlas y actuaciones dedicadas al cosplay.

En el Saló del Manga, los pasillos quedan recurrentemente bloqueados por grupos de cosplayers a quienes les piden fotos y que, orgullosos de su trabajo, posan para la camera. “No me daba tiempo a acabarlo y he dormido 4 horas”, explicaba Sara, de 22 años, luciendo su traje hecho a mano de la protagonista de la serie Akatsuki no Yona.

Algunos han decidido tomar este arte como algo profesional, como es el caso de Ayuru, cosplayer e ilustradora. Esta artista con más de 28.000 seguidores en las redes sociales lleva más de una década confeccionando y vistiendo trajes. “Es un homenaje a las cosas que te han gustado y te han hecho ser como eres”, afirma la joven.

Ayuru fue, juntamente con su compañero Galefic, representante española de la competición internacional Clara Cow's Cosplay Cup en 2018. Además de competiciones, recibe invitaciones a eventos que la han llevado a lugares como México, Suecia o Kazajistán, y patrocinios con marcas que le permiten generar ingresos. “He colaborado con Bernina, que es una marca de máquinas de coser, además de RIOT, la empresa del videojuego League of Legends, así como con tiendas de cosplay y pelucas”, cuenta.  

Una vuelta de tuerca a la costura tradicional

Este hobbie en auge, que muchas veces se hace de forma amateur, puede llegar a consumir muchas de horas de trabajo y materiales.Tanto que estos jóvenes están dando una bocanada de aire fresco a sectores en crisis como las mercerías o tiendas de costura. Lo sabe bien Dani P., responsable de la sastería La Pimpinela en Barcelona. Después de casi cuatro décadas sirviendo principalmente a producciones teatrales, su local empezó a recibir las primeras peticiones de cosplay hará diez años.

Los precios de estos encargos pueden oscilar desde los 50 euros para las piezas más simples a los 1.500 o 2.000 para las vestimentas más complejas. “Buscan la calidad, el trato con la persona que lo confecciona, que sea lo más fiable posible y que se valore su personalidad”, explica la sastra.

La responsable de La Pimpinela, que inicialmente se formó en escenografía y vestuario de ópera, añade que los cosplayers suelen ser bastante jóvenes, entre los 20 y los 30 años. Explica que invierten sus primeros ahorros en trajes complejos e incluso llegan a pedirlos pieza a pieza a medida que pueden, para poder completarlos. “Los clientes nos han abierto las puertas de un mercado nuevo y hay que aceptar su evolución”, afirma.

En su tienda no solo han recibido peticiones para eventos o convenciones como el Saló del Manga: también han adaptado vestidos de boda a los personajes ficticios favoritos de la pareja. Dani recuerda especialmente el caso de un novio que decidió casarse con un traje inspirado en el personaje de Squall Leonhart del videojuego Final Fantasy VIII. “Te abren una pequeña mirada a su personalidad -asegura- y esa relación es algo que en el negocio echábamos mucho de menos”.

Un hobbie que crea comunidad

Mientras que algunos cosplayers optan por comprar o encargar sus trajes, sobre todo al inicio, tanto la comunidad como las competiciones valoran más los trajes hechos a mano, lo que anima a muchos a probar la costura por primera vez. Es el caso de Bea Muñoz, de 23 años, más conocida en redes y entre sus amigos como Trixxi.

Ella empezó comprando sus cosplays pero, después de varias competiciones y conociendo a otros cosplayers, se animó a intentar su primer traje, para lo que recibió ayuda de otros miembros de la comunidad para aprender a personalizar su peluca y accesorios. “Si los conoces, los cosplayers son bastante amistosos. Son de tu mundo y te comprenden”, afirma Muñoz.

Como ella, muchos cosplayers encuentran en la comunidad un lugar de refugio, donde poder representar un personaje sin juicios. Hay practicantes que incluso deciden vestirse del género opuesto simplemente porque se sienten interpelados por el personaje que representan. Los cosplayers aseguran que no hay requerimientos a la hora de optar por un personaje y que todos los cuerpos y géneros son bienvenidos.

“En el cosplay se trata de adaptar el personaje original al cuerpo de la persona que lo quiere llevar”, afirma Virgine Verrier, escultora y modista de 53 años que regenta el taller Muchafibra en el centro de Barcelona. En su coworking y escuela hace ya 8 años que recibe a cosplayers que quieren adquirir habilidades para confeccionar sus trajes. “Vienen con una referencia del personaje y les enseñamos a hacer el patrón a su medida, luego el prototipo y después la prenda final. Los acompañamos en todo el trayecto”, explica Verrier.

Según apunta la modista, notó el inicio de esta tendencia con la llegada de las grandes sagas de superhéroes de Marvel y luego, a medida que el anime y el manga fueron popularizándose más, también aparecieron personajes de la ficción nipona. Pero el gran boom vino después de la pandemia. “No había mucha ropa para comprar, no llegaban productos de fuera y las tiendas no estaban abiertas, así que la gente empezó a hacerse su ropa a mano”, cuenta la regente de Muchafibra.

Verrier afirma que la costura “engancha” y que cosplayers que inican su trayecto en el patronaje y confección para representar un personaje pueden acabar descubriendo una nueva pasión. Ese fue el caso de Prune Colin, de 21 años, una estudiante de Muchafibra que dedicó un año a aprender a hacer trajes de cosplay.

Después de desarrollar trajes de animes como One Piece o Kimetsu no Yaiba, tanto para ella como para sus amigos y familiares, decidió agrandar sus horizontes. Estudió cursos de marroquinería, origami textil y patronajes varios y ahora quiere iniciar un emprendimiento en el mundo textil en su tierra natal, Francia.  

Aunque hay muchos hombres cosplayers, la mayoría son mujeres. Verrier asegura que la costura pertenece al “linaje femenino” y que muchas mujeres buscan esa conexión con sus abuelas y madres en la confección de ropa. “Vienen a buscar ese momento de transmisión e intercambio”, afirma.

Esta relación también se da en el cosplay, donde muchos principiantes empiezan pidiendo ayuda a sus seres queridos, sobretodo a abuelas. “Enganché a mi yaya a que me hiciera mi primer traje de Kagome de Inuyahsa cuando tenia 10 años”, explica Marina, más conocida como Azania. “A partir de los 15 le pedí si me podía enseñar”.

Ahora esta joven ya lleva más de 18 años haciendo sus propios cosplays a mano. Pero todo este tiempo después y tras haber ganado habilidades y conocimientos, sigue reutilizando un traje de Katara, de la serie Avatar el último maestro del aire, que hizo junto a su abuela. 

30 años del Saló del Manga

Hace ya años que el Saló del Manga acumula éxitos en venta de entradas, con existencias agotadas casi cada día del certamen. La participación de la comunidad aficionada al anime y el manga es tanta que incluso los servicios de tren de la Generalitat de Catalunya han reforzado este año durante los días del evento su servicio en las líneas Llobregat-Anoia, que llevan al recinto de Fira Gran vía donde se celebra.

También este aumento se puede apreciar en las ventas de mangas, que según un informe de FNAC aumentaron un 184% entre los años 2020 y 2021 y que ahora se han unido a la llegada de los manhwa y manhua (cómics de origen coreano y chino). Según datos publicados por el especialista Marc Bernabé, solo durante el año 2023 llegaron al mercado español un total de 1698 nuevos títulos contando traducciones en castellano, catalán y euskera.

Facua ha presentado una denuncia ante la Dirección General de Consumo y Mercados de Abastos del Ayuntamiento de Sevilla contra Best Way Group SL, promotora del Mangafest Sevilla 2024, por supuestamente incumplir el plazo legal para devolver el dinero de las entradas tras la cancelación del evento. La cancelación se produjo debido a la explosión de un transformador eléctrico ubicado en el sótano del pabellón dos del Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla.

El pasado 22 de junio, poco antes de las 14:30 horas, los asistentes al Mangafest Sevilla 2024 fueron evacuados tras la explosión del transformador. Aunque no hubo heridos graves, el festival fue cancelado por completo. Sin embargo, la empresa organizadora aún no ha devuelto el dinero de las entradas a los asistentes.

Cuatro días para la devolución de entradas

Facua ha señalado que el Decreto 10/2003, referente a la admisión de personas en establecimientos de espectáculos públicos y actividades recreativas, estipula que “la devolución del importe se iniciará desde el momento de anunciarse la suspensión, aplazamiento o modificación y finalizará cuatro días después del fijado para la celebración del espectáculo”. Este plazo se prorrogará automáticamente si, al finalizar el mismo, hay espectadores o asistentes en espera de devolución.

Nueve días después de la cancelación del evento, Best Way Group SL aún no ha iniciado la devolución del dinero de las entradas. El Ayuntamiento de Sevilla ha anunciado que a partir del 2 de julio la organizadora comenzará a contactar con los afectados para indicar cómo proceder con el reembolso o cambio de las entradas, aunque esto no garantiza una devolución inmediata.

Críticas al Ayuntamiento de Sevilla

Facua critica al Ayuntamiento de Sevilla, gobernado por José Luis Sanz (PP), por permitir “a la organizadora saltarse la ley sin ningún tipo de consecuencia”. Por ello, la asociación ha denunciado el caso ante la Dirección General de Consumo y Mercados de Abastos del Ayuntamiento.

Pelucas de todos los colores, trajes extravagantes, espadas, artes marciales, té bobba y ramen. La cultura japonesa inundó el pabellón Javier Lozano durante este fin de semana con la segunda edición de Toledo Matsuri, la feria especializada que ha atraído a miles de personas en los dos días de su celebración para compartir charlas, talleres, bailes al ritmo del k-pop y deportes en un tatami.

El público era principalmente jóvenes entusiastas del anime y el manga, que tuvieron la posibilidad de visitar las decenas de puestos de creadores y artesanos que llenaron el evento con sus creaciones, muchas de ellas en impresión 3D, ropa, joyas, y láminas que abarcaban todo tipo de imágenes de la cultura pop.

Juanjo López era uno de los artistas gráficos, que instaló en su puesto varias tabletas gráficas de dibujo, en colaboración con la marca XP Pen. “Han venido más personas interesadas en aprender a trabajar con la tableta que a comprar”, bromeaba en la tarde del sábado. 

El evento ofrecía todo tipo de actividades para todo el público y fueron muchas las familias que acudieron a disfrutar de las charlas relacionadas con e-sports, ilustración, origami o kokedamas. Varios creadores de contenido, como El Quinto Emperador o Djoseppe10, fueron parte de la variada programación que inundó los dos días de actividades.

No faltaron los guiños a una cultura más tradicional, como un bastidor en el que se podían dejar los deseos. Muchas personas escribieron mensajes referentes a la visibilización de la salud mental, con reivindicaciones como #AutismAwareness.

Tampoco faltaron los bailes al ritmo de las bandas sonoras más animadas de las series japonesas del momento o del k-pop, que causa furor entre los simpatizantes de la cultura. En el escenario principal tampoco faltaron personas con las banderas LGTBI o bisexual, marcando el elemento de diversidad tan propio de este tipo de eventos. 

Desde la Junta de Comunidades han destacado a Toledo Matsuri como un “ejemplo de colaboración” entre instituciones, así como de inclusividad, ya que ha contado con voluntarios intérpretes de lengua de signos. 

En la sala Pepe Rubio del centro cultural de Beniel se celebró el jueves la inauguración de la exposición 'Manga Evolution'. La colección reúne más de 60 láminas realizadas por el alumnado del artista santomerano José Miguel Muñoz, donde se muestra la evolución en el aprendizaje de este estilo de dibujo japonés. 

La alcaldesa de Beniel, Mari Carmen Morales, señaló durante el acto de inauguración que “el manga nos une a diferentes generaciones a través de los dibujos animados, con series como Candy Candy, Mazinger Z, Dragon Ball o Ataque a los Titanes”. La regidora agradeció a José Miguel Muñoz “que haya elegido Beniel para exponer estos trabajos”. El centro cultural no había acogido hasta ahora una exposición de este tipo. 

Por su parte, el artista santomerano destacó que “es la primera exposición de manga que lleva a cabo su alumnado, con un resultado muy profesional y con estilo propio”. Con este acto el Ayuntamiento de Beniel da inicio a la programación organizada para celebrar la Semana Cultural, que este año cuenta con más de 15 actividades pensadas para todo tipo de públicos.

Nombres como One Piece, Sailor Moon, Naruto o Dragon Ball resuenan con fuerza en nuestra cultura popular, pero, ¿cómo fueron sus orígenes y cómo se ha tejido la historia del manga? La exposición que acaba de aterrizar en la capital lo explica. The Art of Manga, recién inaugurada en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM), explora a través de más de 200 piezas y diez salas la historia de este género originario de Japón. 

Esta muestra única, vertebrada por sugerentes escenografías, ofrece a los visitantes la oportunidad de adentrarse en la rica historia del manga y el anime, y permite conocer su entrada en España y su influencia a nivel mundial, una perspectiva que nunca se había abordado. La exposición incluye obras de gran valor provenientes de colecciones privadas que van desde libros y pergaminos ilustrados o xilografías japonesas de los siglos XVIII y XIX, a pinturas y manuscritos de manga, carteles originales, fotogramas, revistas y cómics raros, así como esculturas de edición limitada. 

A través de este recorrido, repartido en 10 ámbitos temáticos, The Art of Manga explora los diversos aspectos y etapas en el desarrollo de este arte. Curiosidades como los primeros pergaminos ilustrados Choju-jinbutsu-giga del siglo XII, que muchos expertos consideran como el primer manga, así como los legendarios e influyentes libros Hokusai Manga, del siglo XIX.

Los pioneros del género también cuentan con un espacio reservado en la muestra. Osamu Tezuka, conocido como “el Dios del Manga” por su enorme aportación a la viñeta japonesa, cuenta con una sala específica en la exposición que celebra su legado e influencia global y de quien se exhibe un inmenso mural con una colección que incluye 400 de sus obras, creadas entre 1947 y 1982, entre las que se encuentra un autorretrato inédito. Junto a él, también se reconoce el trabajo de otros artistas esenciales como Katsushika Hokusai, Shigeru Mizuki y Kitagawa Utamaro.

En The Art of Manga también hay lugar para conocer la influencia y la popularidad del manga y el anime en el panorama cultural de nuestro país. Una pasión que abarca ya tres generaciones de otakus españoles. Desde la publicación y emisión en TVE, en las televisiones autonómicas y en las privadas de series de animación como Heidi, Marco, Mazinger Z, Dragon Ball, Sailor Moon u Oliver y Benji, hasta la explosión de títulos más modernos como One Piece o Naruto. También se puede ver el primer manga publicado en España, en 1968, en la revista infantil Cavall Fort, así como la primera portada manga a nivel estatal, en la revista El Víbora, en 1980.  

Además, la muestra está vertebrada por una serie de sugerentes escenografías, entre las que se incluyen la reproducción de un Torii (puerta tradicional) y de un templo japonés, un deslumbrante pasillo de linternas y hasta un jardín zen. También habrá lugar para proyecciones como Ana de las tejas verdes, Vicky el Vikingo o D'Artacán y los tres mosqueperros, entre muchas otras.

Diez piezas imprescindibles 

Entre las más de 200 obras expuestas, hay diez que resultan imprescindibles durante la visita por su valor histórico y artístico. Este es el caso de los primeros pergaminos ilustrados Choju-jinbutsu-giga, al que muchos expertos los consideran como el primer manga. Cada una de las dos piezas expuestas en la exposición tiene más de 11 metros de longitud y se tratan de reproducciones exactas, ya que los originales están considerados Tesoros Nacionales de Japón.

Lo mismo ocurre con los Libros Hokusai Manga del siglo XIX, considerados las raíces del manga actual. La monumental colección abarca quince volúmenes y ofrece cerca de 4.000 bocetos. Estos dibujos captan vívidamente una amplia gama de motivos, desde personas y animales hasta plantas y paisajes, pasando por edificios y objetos cotidianos. El archivo de periódicos con cómics occidentales traducidos al japonés de los años 20 como Happy Hooligan de Frederick Burr Opper también son de especial importante, ya que ilustran el intercambio mundial de este arte.

También son piezas destacadas los pergaminos ilustrados de la Asociación Manga de Tokio y el manga Norakuro, de Suihō Tagawa. Aunque, sin duda, la obra más especial es la de Osamu Tezuka, un tributo a su aportación a la viñeta japonesa que cuenta con una sala específica para el artista en la que se encuentran tesoros como un manuscrito de Dororo o un autorretrato.

El primer manga de la historia en España, publicado en 1968 en la revista infantil catalana Cavall Fort, es otro imprescindible, al igual que la cómica de 1928 creada por Rakuten Kitazawa, considerado el primer mangaka profesional de Japón o el primer manga en castellano, titulado La vida de Mao Tse Tung, un manga firmado por el dueto Fujiko Fujio, los creadores del popular Doraemon. Y por último, una pieza histórica como es la primera portada manga de una revista en España, El Víbora. Un recorrido repartido en diez ámbitos temáticos para explorar los diversos aspectos y etapas en el desarrollo de este arte excepcional

Ya seas de la generación de Heidi y Mazinger, de la de Kaneda y Son Goku, de la de Luffy y Usagi o de la de Tanjiro y Yona, esta exposición pretende convertirse en todo un referente para el público otaku. La muestra se podrá visitar hasta el próximo 21 de julio en el COAM. Las entradas tienen un precio de 14,90 euros. Puedes acceder a la compra a través de este enlace. 

Bola de Dragón es un manga y anime que impactó fuertemente en varias generaciones. Si alguien solo ha leído o visto o un manga o un anime en su vida, probablemente sea este, en alguna de sus múltiples sagas, el más legendario del fallecido Akira Toriyama.

Sus fans recuerdan hoy los momentos (peleas, encuentros, revelaciones…) que no olvidarán jamás. Algunos de ellos han definido esta saga como “una religión”.

La última escena de Dragon Ball GT

Al final del último capítulo de Dragon Ball GT, el 64, titulado ¡Adiós Goku! Hasta que nos volvamos a encontrar, hay una escena que recapitula la historia de Goku vista desde cien años después. En ella se dice la frase: “La historia de Dragon Ball llega a su fin”. Se emitió en Japón en 1997.

Toyotarō y Toriyama

Esto es algo que acaba de suceder, el manga número 102 de Dragon Ball Super, ilustrado por el fiel discípulo de Akira Toriyama, Toyotarō, y supervisado por el primero. En él hay una esperada pelea entre Gohan y Goku.

Goku mata a Majin Buu

En el capítulo 286 de Dragon Ball Z, Goku derrota a Majin Buu en una batalla. Fue emitido en 1997.

El reencuentro de Goku con su abuelo

Goku se reencuentra con su abuelo muerto, Gohan, en Dragon Ball (y en el manga número 108) Uno de los momentos más lacrimógenos y recordados de la saga.

Cuando Goku da la vida por la Tierra

En Dragon Ball Z, Goku se sacrifica usando la teletransportación en el Torneo de Cell.

Esta pelea sin personajes principales

La pelea entre Piccolo y Androide 17 en el episodio 73 de Dragon Ball z kai

El día que Goku se transformó en Super Saiyajin

En el episodio 95 asistimos a la primera transformación de Goku en Super Saiyajin. Ocurrió el 24 de diciembre del año 762 de la cronología Dragon Ball, u

La pelea entre Goku Supersaiyano 3 y Kid Buu

El Supersaiyano 3 es la forma más fuerte y musculosa de Goku. Esta pelea sucede en Dragon Ball Z, durante la saga de Majin Buu.

Cuando Bulma y Goku se conocen

La científica Bulma es el personaje femenino más importante de la serie. Aparece en el primer capítulo y ahí conoce a Goku.

Akira Toriyama ha fallecido a los 68 años, víctima de un derrame cerebral, según ha anunciado la página web oficial de Dragon Ball, en un comunicado que lamenta que el dibujante fallezca antes de ver concluidos sus actuales proyectos creativos, y agradece a los fans de todo el mundo por su apoyo a su obra durante su más de 45 años.

Akira Toriyama nació en 1955 en la ciudad de Nagoya, y desde pequeño se sintió inclinado hacia el dibujo. Forma parte de una generación fuertemente influida por Osamu Tezuka, autor que sentó las bases narrativas del manga y cuyo trabajo Toriyama conoció desde niño. Tras unos años presentándose a diversos concursos, su debut profesional llegó en 1978, con Wonder Island, en la revista donde publicaría sus obras más importantes, la Weekly Shonen Jump. El éxito le llegaría con Dr. Slump (1980-1984) y, sobre todo, con Dragon Ball (1984-1995) y sus diversas secuelas.

Toriyama fue la punta de lanza de un conjunto de autores que modernizaron sustancialmente el shonen —manga dirigido a chicos jóvenes— con un dibujo preciso y atractivo, y un sentido de la acción que se combinaba con un humor referencial, pero profundamente original. Inspirado muy libremente en la novela china del siglo XVI Viaje al oeste, Dragon Ball es la historia de un niño experto en artes marciales, Son Goku, en busca de las bolas de dragón, unos objetos mágicos que convocan a un dragón que cumple los deseos de su poseedor.

La imaginación desbordante de Toriyama mezcló de manera revolucionaria cuentos populares, ciencia ficción, mitos del terror y el mundo de las artes marciales, y creó personajes tan carismáticos como el Duende Tortuga, Bulma, Yamcha, Krilín o Vegeta. Con un sentido del ritmo narrativo impecable y un gran dominio del gag, Toriyama actualizó el lenguaje del manga clásico para la generación de los videojuegos y las películas de acción ochenteras, y se convirtió en uno de los mangakas más influyentes e imitados.

Con decenas de millones de ejemplares vendidos, Dragon Ball no ha sido únicamente un éxito en Japón, sino que fue una de las principales causas de la expansión del manga fuera de sus fronteras durante los años 80 y 90. En España, la serie se popularizó gracias a su adaptación al anime que realizó la productora Toei Animation a partir de 1986, y que pudo verse primero en 1990, en la catalana TV3, donde se tituló Bola de Drac, y, después, en el resto de las cadenas autonómicas del Estado. Su emisión desató una auténtica gokumanía entre los jóvenes, y pronto empezaron a circular fotocopias del manga por mercadillos y colegios. Hasta que, en 1992, Bola de Dragón llegó a los quioscos, de la mano de Planeta de Agostini, e inauguró el primer bum del manga en España, un país en el que, hasta entonces, el cómic japonés había tenido una presencia puramente anecdótica.

Dragon Ball se convirtió en una lucrativa marca, explotada en las sucesivas secuelas, como Dragon Ball Z, sus adaptaciones al anime, sus OVAs —películas de animación con historias originales, no adaptadas del manga—, decenas de videojuegos y todo tipo de merchandising. Mientras, Toriyama trabajó en otras obras de corta duración, como Cowa! (1997-1998) o Sand Land (2000), realizó diseños para videojuegos como Chrono Trigger y Dragon Quest. Pero sobre todo, supervisó todo lo relacionado con su creación estrella, y, a partir de 2015, trabajó en los argumentos y tramas de Dragon Ball Super, una nueva serie dibujada por Toyotaru, mimetizando el estilo de su creador y recuperando todo el sabor de la serie original.

El legado de la obra de Akira Toriyama puede rastrearse en muchos shonen manga posteriores, desde Rurouni Kenshin de Nobuhiro Watsuki a Naruto de Masashi Kishimoto, pero también reside en su impacto decisivo en la internacionalización del manga, hasta convertirse en el fenómeno global que es hoy.

Tras una ceremonia celebrada en la estricta intimidad familiar, el anuncio oficial de su muerte ha provocado una oleada de homenajes por parte de seguidores de todo el mundo, y se espera que en breve se anuncien actos oficiales para despedir a uno de los creadores japoneses más importantes de las últimas décadas.

El manga español atraviesa un excelente momento. Los días en los que aficionados y especialistas debatían si era correcto utilizar el término “manga” para referirse a cómics hechos fuera de Japón parecen haber quedado atrás. El fenómeno del manga es global y, por ello, el Ministerio de Asuntos Exteriores nipón otorga desde 2007 los Japan International Manga Awards, que premian obras realizadas fuera de sus fronteras, pero que asumen los códigos estéticos y narrativos del manga.

Este año, están copados principalmente por autores y autoras procedentes de Asia: Bangladesh, China, Hong Kong o Vietnam, entre otros. La obra ganadora del primer premio ha sido Wind Chaser. Under the Blue Sky, del dibujante taiwanés Chien Jason. Pero entre las obras destacadas también se encuentran las de dos autoras españolas, las únicas europeas presentes en el palmarés de este año: Ana Oncina (Valencia, 1989) y Ana Cristina Sánchez (Murcia, 1990), que han obtenido un segundo y tercer premio repectivamente.

No es la primera vez que el manga español —algunos críticos han popularizado el término “iberomanga”— es reconocido en estos premios, que buscan difundir el manga y la cultura japonesa, como parte de la política diplomática del país: autores como Oriol Hernández, Jordi Lafebre, Josep Busquet y otros han conseguido diversas menciones. Pero sí es la primera vez que coinciden dos autoras en el mismo palmarés, con sendas obras publicadas en la misma editorial, Planeta Cómic, que en los últimos años ha apostado por el manga de autores españoles. Su revista Planeta Manga, iniciada en 2019, ha sido criticada por las bajas tarifas que ofrece a sus dibujantes, aunque ha servido de plataforma de prepublicación de historias que, posteriormente, se han recopilado en tomo.

La obra premiada de Ana Oncina, Just Friends (2021), es lo que se conoce como un one-shot: una historia autoconclusiva publicada en un solo tomo. Limbo (2023), de Ana C. Sánchez, es una serie, de la que está a punto de aparecer su segundo volumen. Ambas autoras están de acuerdo en la importancia del premio recibido. “Los International Manga Awards son importantes porque implican un reconocimiento a tu trabajo que traspasa fronteras y que surge de la misma cuna del manga, ya que son autores y editores de la industria japonesa quienes componen el jurado”, explica Ana C. Sáchez.

Gracias, Bola de Dragón

Para entender el arraigo del manga en España y la aparición de cada vez más autoras interesadas en expresarse a través de su lenguaje hay que remontarse a los años 90, en los que tuvo lugar un primer bum, protagonizado principalmente por Bola de Dragón, de Akira Toriyama. Desde aquellos momentos, la sinergia entre manga y anime, emitido por televisión, fue fundamental. Fueron muchas las niñas y adolescentes que encontraron entonces un tipo de historias y una estética que las engancharon.

“Cuando era una niña, notaba poca presencia femenina y pocos cómics que me llamasen la atención –comenta Oncina–, y eso no pasaba con el manga, donde había géneros muy distintos y muchas autoras”, continúa la responsable de Planeta, quien destaca como influencias tempranas a las japonesas Rumiko Takahashi y Wataru Yoshizumi.

Ana Cristina Sánchez, por su parte, subraya “el atractivo del estilo visual y un ritmo narrativo que ensalza las emociones”. Su generación, que se encuentra ya en la treintena, ha crecido leyendo manga y viendo animación japonesa, por lo que se han asimilado sus códigos: “Es algo que a muchos ya nos sale solo cuando se nos despierta el gusanillo de querer aprender a dibujar y crear nuestras obras”.

En la década de los 90, Nuria Peris se convirtió en la gran pionera. La siguiente generación estuvo protagonizada por autoras como Aurora García Tejado y Diana Fernández Dévora, integrantes de Studio Kôshen, o Irene Roga, entre otras.

'Otakus' puristas

Ya en los 2000, iniciativas como la línea Gaijin de la extinta editorial Glénat dieron un espacio a los jóvenes creadores con influencia del manga, abocados a la autoedición o a buscar oportunidades en otros mercados. La competencia con la producción japonesa, que vive un auténtico bum en nuestro país, no pone las cosas fáciles, como tampoco lo hace el consabido purismo de muchos otakus.

“Todavía hay una gran parte de los lectores que son reacios a consumir obras nacionales, u occidentales, en general, por no considerarlas auténtico manga”, afirma Ana C. Sánchez. Sin embargo, Oncina es optimista y considera que estamos en un buen momento para el manga español: “Creo que cada vez hay gente más potente que explora este género y las editoriales están más receptivas a este tipo de proyectos”.

Más allá de las posibilidades comerciales o económicas, el manga español supone un caso interesante de hibridación cultural. La política cultural de Japón ha buscado activamente que el manga y el anime sean sus mejores embajadores, porque, tal y como explica Simon May en su ensayo El poder de lo cuqui (Alpha Decay, 2019), contribuye a generar una imagen de potencia cool, inofensiva y moderna a la vez.

Varias generaciones han asimilado los códigos de la ficción japonesa hasta hacerlos propios e integrarlos en su lenguaje y visión del mundo, aunque Sánchez considera que lo interesante reside, precisamente, en contrastar eso con los valores propios. “Aunque los códigos narrativos y estéticos sean los mismos, a mí en particular me gusta que los personajes se sientan más cercanos, más parecidos a nosotros en cuanto a la manera de pensar y de relacionarse con otras personas. Me parece muy interesante saber aprovechar esas características sociales y culturales que nos identifican y encontrar un equilibrio”.

Oncina, que no se considera a sí misma tanto una autora de manga como una autora influida por el manga, destaca el hecho de que muchas de las lectoras que se iniciaron con la narrativa japonesa hoy son autoras que reflejan esas influencias, junto a otras que llegaron después.

Japón impenetrable

El mercado del manga en Japón es una industria millonaria pero tremendamente exigente con sus autores, obligados a mantener un ritmo de publicación de más de 10 páginas por semana. No resulta sencillo profesionalizarse allí, y mucho menos si se es un dibujante extranjero: los editores japoneses siempre han sido reacios a contratarlos, o incluso a publicar obras previamente aparecidas en Occidente. Aunque algunos autores españoles han logrado dar el salto, como es el caso de Juan Albarrán o Kenny Ruiz, sigue siendo muy complicado.

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Existe un caso excepcional, por la juventud de su autora: Andrea Konata, autora de Kohva (2023), está preparando un proyecto para Japón con tan solo 21 años. Sin embargo, Ana Oncina y Ana C. Sánchez lo ven muy lejano. “Nunca he intentado mover mi trabajo por allí –confiesa la primera– aunque cada vez hay más ofertas de editoriales japonesas. Creo que si tu meta es que tus obras se publiquen en Japón, hay que ser realista: es difícil, pero no imposible”.

Ana C. Sánchez también piensa que es difícil pero no imposible, viendo el reciente interés de Japón en Europa y el crecimiento de este estilo no solo en España, sino también en Francia e Italia. “La industria del manga en Japón es bastante hermética, así que creo que es necesario destacar mucho para tener una oportunidad”, concluye.

La cola a las 10.30 de la mañana del sábado fue un augurio del éxito que tuvo la feria 'Toledo Matsuri'. Ya a primera hora se veía la afluencia de público, que llegaba en despliegue total de 'cosplayers' para visitar el completo programa de actividades que preparó la organización. Almudena Undarivia explica que según las entradas vendidas se calcula que acudieron, por lo menos, 9.000 visitantes y que las reacciones sólo han sido positivas.

“Agradecemos enormemente el cariño que hemos recibido, porque todo fue hecho con mucho cariño y emoción”, asegura Undarivia. El pabellón del Salto del Caballo se convirtió en un punto de encuentro para profesionales, artesanos y entusiastas de todos los puntos de España. Los autobuses entre Madrid y Toledo venían llenos de 'cosplayers' ya desde primera hora de la mañana.

Entre ellos, se encontraban Javi y Mayara, artesanos que llegaron directamente desde Las Palmas de Gran Canaria para participar en el pionero evento, en el que también hubo un espacio importante dedicado a la accesibilidad, con el apoyo de los estudiantes de Mediación Comunicativa del IES María de Pacheco que acudieron para ayudar a personas con problemas de comunicación, y que también impartieron un curso.

“Nos encontramos con el evento por el alcance que ha tenido las redes sociales, y hemos venido también para aprovechar y hacer turismo”, explican Javi y Mayara, que vendían láminas y pegatinas. Eran decenas los stand de artesanos que llegaron, y la afluencia de público fue tal que hubo que escalonar la entrada.

Pablo Domínguez fue uno de los invitados. Es el actor de doblaje encargado de dar voz y vida actualmente al mítico personaje de Son Goku en Dragon Ball. “El animé te coloca en un punto diferente del doblaje; requiere mucha tenacidad. Es tu alma y tu interpretación como actor que hace que el dibujo cobre vida”, señalaba el andaluz. Domínguez también afirmó que Goku es el personaje que “más le ha dado y aportado”. “Ha sido increíble por la sincronía y la seguridad. Ningún personaje me ha dado algo así”, resaltaba.

El evento también tuvo espacios para la solidaridad, especialmente para las protectoras de gatos, como es el caso de CER Toledo, que aprovecharon la ocasión para impartir talleres solidarios. También la ONCE impartió el taller 'Cómo actuar ante un perro guía'.

El hijo de Noelia no suelta el manga que se ha comprado. Vienen de un pueblo blo de la provincia de Toledo, porque a él le gusta. “Creo que estos eventos ayudan a potenciar la creatividad de los niños”, asegura. En el escenario principal del evento hubo bailes k-pop, exhibición de la música que hace furor y conciertos. Decenas de chicas bailaban de manera totalmente coordinada, mientras en el otro lado del pabellón varias personas jugaban a distintos juegos de mesa, o aprendían a hacer origami. O, incluso, a luchar con espadas láser.

El Ayuntamiento de Alcalá de Guadaíra, a través de la Delegación de Juventud, vuelve a poner en marcha una nueva edición del Japan Tour. La delegada de juventud, Rosa Carro, ha explicado que el evento cumple ya seis años desde sus inicios y que “desde que se puso en marcha lo planteamos como una propuesta de ocio alternativo para los jóvenes”.

Carro ha indicado que “no se trata solo de un evento para los más fieles a la cultura asiática, sino que también es un espacio fantástico para pasarlo en grande en familia”.

Por su parte, David Herrera, gerente de la empresa organizadora, ha explicado también que “este año ponemos a disposición de curiosos y visitantes actividades para todas las edades”, incluidos los más pequeños de la casa, “como talleres para que aprendan todo sobre la cultura japonesa a la vez que se divierten”.

Japan Tour vuelve a Alcalá de Guadaíra con su sexta edición los días 24, 25 y 26 de marzo. Un fin de semana completo en el que los alcalareños y alcalareñas podrán descubrir y disfrutar, de forma completamente gratuita, lo mejor de los videojuegos y el manga.

Una gran apuesta por los videojuegos

Los asistentes al VI Encuentro de Videojuegos y Manga encontrarán una importante zona dedicada a videojuegos, con zona de juego libre y torneos.

Quienes busquen medir su habilidad con el control, podrán participar en torneos de diferentes títulos como Super Smash Bros. Ultimate, Tekken 7, FIFA 23, Dragon Ball FighterZ, Fortnite, el siempre divertido Just Dance o el frenético Beat Saber.

Por su parte, en la zona de juego libre se dispondrán multitud de videoconsolas y juegos. Una buena oportunidad de disfrutar de la PlayStation 5 y Xbox Series y la Realidad Virtual durante las dos jornadas del evento.

K-Pop, Cosplay y actividades para toda la familia

Japan Tour cuenta con una programación en la que no faltarán variados talleres de manualidades, como el taller de mariposas origami, el taller de carpas Koinobori, el taller de Papercraft o el de fósiles, entre otros, así como un escenario con actividades constantes.

Asimismo, el festival contará con la presencia del cosplayer profesional Fernando Toribio y del grupo de K-Pop Oniric, que ofrecerán tanto una Masterclass como una movida actuación en Japan Tour.

Este febrero la capital volverá a acoger una nueva entrega de la mayor feria ambulante de manga, anime y cultura japonesa de nuestro país. Otakus de todas las partes de España desfilarán por Ifema caracterizados de sus personajes de ficción favoritos, listos para disfrutar de un sinfín de actividades relacionadas con la cultura nipona durante todo un fin de semana.  

La Japan Weekend retorna a Madrid después del éxito conseguido a su paso por Granada, Bilbao, A Coruña, Barcelona y Valencia. En esta edición contará con los típicos concursos de cosplay en sus diferentes modalidades: baile, pasarela, actuaciones y un talent show para encontrar la mejor performance e imitación nacional de un grupo de KPOP, JPOP o MPOP. 

Además, habrá conciertos, talleres, karaoke, stands de productos artesanos, merchandising, juegos de mesa, videojuegos y hasta una Zona Pokémon, un espacio específico para que los entrenadores y entrenadoras disfruten de varios campeonatos oficiales de Pokémon.

Un año más, el gran atractivo del evento serán los sorprendentes disfraces de los asistentes con los que muchos intentaŕan alzarse ganadores de los concursos de cosplay. Meses confeccionando los trajes, horas de maquillaje, lentillas y pelucas imposibles hacen esta convención del “frikismo” única.

Entre los invitados de esta edición se encuentran ilustradores e ilustradoras, cosplayers profesionales, cantantes y youtubers, entre los que destacan el chef y tiktoker Masterchenf, el grupo de música Blanck Paper y la tatuadora Liya/Mochipanko. Es innegable el alcance del fenómeno otaku, que consigue reunir a decenas de miles de personas en cada una de las ediciones de la Japan Weekend y la de este fin de semana no se quedará atrás.