El amor es uno de los temas principales de la música pop y rock, y en él, el desamor destaca como un momento en el que la necesidad personal y la creatividad alcanzan su máxima expresión, como así demuestra la historia de la música, con varios ejemplos reconocibles, siendo el último de ellos el nuevo disco de Lily Allen.

La cantante londinense regresa con el álbum ‘West End Girl’ en el que el tema principal es su ruptura y divorcio con el actor David Harbour, conocido por su papel en Stranger Things, y siendo su primer lanzamiento desde ‘No Shame’.

La propia Lily Allen ha reconocido en varias entrevistas, como en The Times, que lo escribió en tan solo diez días como una manera de salir de un estado depresivo: “Pensaba que ya no me quedaban buenas canciones. Mi escritura había sido realmente mala y tuvo que pasar algo en mi vida, que todo explotara, para que pudiera decir: ‘Oh, aquí está’”. De esta forma sigue los pasos de muchos discos que se han basado en el divorcio o la ruptura, algunos de ellos recientes.

‘Las mujeres ya no lloran’ de Shakira

Una de las ‘venganzas’ o indirectas más claras al desamor en la música lo protagonizó recientemente Shakira, tras su divorcio con Gerard Piqué que propició algunos temas como ‘Te felicito’ y algunos de ellos quedaron compilados en el disco ‘Las mujeres ya no lloran’, que la artista prefirió definir como un trabajo de “transformar la vulnerabilidad a la resiliencia y el empoderamiento” basado en experiencias personales y su “proceso de reconstrucción”.

‘30’ de Adele

Otro de los sonados trabajos musicales sobre el divorcio fue el álbum ‘30’ de la cantante también británica Adele, que exploraba su ruptura con el padre de su hijo Simon Konecki en 2021 a través de un disco en el que hablaba del “dolor, ansiedad y reinvención personal” y que lo proyectó como “una carta” a su hijo Angelo, y que se pudo evidenciar en la canción ‘Easy on Me’.

‘Back to Black’ de Amy Winehouse

La fallecida Amy Winehouse también dejó en uno de sus mejores discos una muestra de su lucha personal después de la ruptura con Black Fielder-Civil, con quien luego volvería y se casaría al año siguiente del lanzamiento de ‘Back to Black’, en el que se podía ver el ejemplo de su “corazón roto y maltratado” combinado con el consumo de alcohol y drogas que dieron lugar a su triste final en julio de 2011.

‘Songs About Jane’ de Maroon 5

No solo artistas solistas femeninas son las únicas que se han basado en rupturas sentimentales para crear discos destacados, sino que también hay ejemplos recientes de grupos musicales como Maroon 5, que en su destacado ‘Songs About Jane’ el tema principal fue la ruptura de Adam Levine con su ex Jane Herman, algo que reconoció el propio vocalista al decir que ella había sido “su musa durante años, pero todo se desvaneció”.

‘Ghost Stories’ de Coldplay

Algo similar al caso de Maroon 5 fue ‘Ghost Stories’, donde el vocalista de Coldplay, Chris Martin, se inspiró para componer sobre su divorcio con la actriz Gwyneth Paltrow y al que definió como su trabajo “más personal” de toda su carrera, con un tono melancólico y profundo en el que se quería deshacer de sus fantasmas a través de la música.

Los peores diez segundos de sus vidas. Probablemente. El director ejecutivo de la empresa tecnológica Astronomer, que apareció en un video viral visto por millones de personas en el que se le ve abrazando a una compañera de trabajo, que no es su esposa, en un concierto de Coldplay, ha renunciado este sábado.

Andy Byron ha renunciado a su cargo como director ejecutivo de Astronomer Inc., empresa con sede en Cincinnati, según un comunicado publicado por la compañía este sábado: “Astronomer está comprometida con los valores y la cultura que nos han guiado desde nuestra fundación. Se espera que nuestros directivos marquen la pauta tanto en conducta como en responsabilidad, y recientemente, esa pauta no se ha cumplido”.

El incidente, que ha dominado las redes sociales en EEUU, es un ejemplo de la rapidez con la que las cosas se propagan en las redes sociales y también de la omnipresencia de las cámaras en todos los espacios.

El vídeo del miércoles fue publicado por una asistente al concierto con pocos seguidores en TikTok. Pero gracias al poder del algoritmo de la aplicación, ya tenía más de 77 millones de visualizaciones hasta la noche del viernes, afirma The New York Times. En muy poco tiempo, Byron y Cabot dominaron por completo la conversación en internet y se convirtieron en un meme instantáneo, al que muchos calificaron como Coldplaygate.

La decisión se produce un día después de que la compañía anunciara que Byron había sido suspendido y que la junta directiva de la empresa había iniciado una investigación formal sobre el incidente de la pantalla gigante, que se hizo viral. Quienes aparecían en el video eran Byron y la directora de personal de Astronomer, Kristin Cabot.

El breve video muestra a Byron y Cabot, captados por la pantalla gigante en el Estadio Gillette en Foxborough, Massachusetts, durante el concierto de Coldplay el miércoles. El cantante, Chris Martin, pidió a las cámaras que enfocaran al público para su Canción Jumbotron, en la que canta unas frases sobre las personas que la cámara enfoca.

“O tienen una aventura o simplemente son muy tímidos”, bromeó Martin tras ver la reacción de los dos.

Pete DeJoy, cofundador y director de producto de Astronomer, ha sido nombrado director ejecutivo interino mientras la empresa busca al sucesor de Byron.

“Es un poco inquietante la facilidad con la que nos identifican con la biometría, cómo se ven nuestros rostros online, cómo las redes sociales pueden rastrearnos y cómo internet ha pasado de ser un lugar de interacción a un gigantesco sistema de vigilancia”, afirma Mary Angela Bock, profesora asociada de la Facultad de Periodismo y Medios de Comunicación de la Universidad de Texas en Austin, en declaraciones a Associated Press: “Si lo piensas, estamos siendo vigilados por las redes sociales. Nos rastrean a cambio de entretenernos”.

Coldplay vuelve a los escenarios europeos. La banda británica ha anunciado este martes las ocho fechas que tienen preparadas para Europa durante el verano de 2025 y ninguna de ellas será en el continente. Apenas ocho conciertos que solo dejarán ver a la banda en el Reino Unido: la capital, Londres y la pequeña ciudad de Hull.

“Estas serán las únicas ciudades europeas y del Reino Unido en las que la banda actuará durante el próximo año”. Así anunciaban desde el grupo encabezado por Chris Martin los próximos shows que se desarrollarán en agosto en el Craven Park Stadium de Hull y el Wembley Stadium londinense. Dos fechas en Hull (18 y 19 de agosto) y seis en Londres (22, 23, 26, 27, 30 y 31) que han sido anunciadas apenas unas semanas antes del lanzamiento de su próximo disco Moon Music, que verá la luz el próximo 4 de octubre. 

La fecha fijada para el inicio de la venta general es el viernes 27 de septiembre a las 10:00 hora española, aunque tal y como han anunciado, hay entradas exclusivas para aquellos fans que reserven su próximo disco a través de la web oficial de la banda. 

El anuncio de la continuación europea de esta supergira Music of the Spheres no ha pasado desapercibido. La noticia más sorprendente y excéntrica ha sido las dos fechas que la banda ha destinado a Hull, una pequeña ciudad inglesa de renta baja y clase trabajadora, que no esperaba ver en su estadio con capacidad para 25.000 personas a una banda de tal magnitud. Según el medio británico The Telegraph, el grupo habría querido tocar en algún lugar más pequeño de lo habitual localizado por el norte de Inglaterra. A esto, según el citado medio, se sumaría la insistencia de la dirección del Craven Park Stadium, que finalmente ha conseguido que Coldplay pase dos noches por su recinto.

Para entender la magnitud de este acontecimiento, toda la población de Hull podría caber en los seis conciertos que la banda ha fechado en Wembley hasta en dos ocasiones. Un acontecimiento histórico que ha pillado por sorpresa a los habitantes de esta ciudad, que ha sido definida por The Telegraph como “la ciudad que acaba de dar el golpe de Estado del año en el rock and roll”.

Coldplay, además, ha puesto en marcha mecanismos con los vendedores de entradas para garantizar que la mitad de las entradas de las dos fechas de Hull se entreguen a fans que tengan códigos postales en la zona, asegurando que los habitantes de la zona no se pierdan este acontecimiento histórico en su ciudad natal.

Para los shows de esta gira, la banda ha indicado que el 10% de las ganancias irán dirigidas a Music Venue Trust, una organización benéfica que vela por la protección de los lugares musicales con base en Reino Unido. Asimismo, los conciertos que se celebren en el Wembley Stadium serán producidos y alimentados a partir de energía solar, eólica y cinética en su totalidad. 

De momento, Coldplay no ha finalizado su gira de 2024. La banda aún tiene 11 fechas fijadas hasta el final del año, todas ellas en Australia y Nueva Zelanda. Melbourne, Sídney o Auckland serán las ciudades por las que la banda de éxitos como Viva la vida, Fix You o Clocks pasará en lo que queda de año. 

El anuncio de su gira europea para 2025 que llega meses después de sus recientes y exitosos lanzamientos feelslikeimfallinginlove y We Pray y apenas unos días antes del esperado nuevo álbum que se sumará a la extensa discografía de la banda británica. 

El primer big bang del universo multicolor de Coldplay se expandió en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona saliéndose varias veces del guion previsto. Lo que sí estaba cantado era la cifra de asistentes: 55.000 personas acudieron este miércoles a la primera de las cuatro citas y sucumbieron a la parafernalia que la banda despliega en la estratosférica gira Music of the Spheres.

Más allá de las filias y fobias que el grupo despierta, su capacidad para conmover y crear himnos inmediatos es indiscutible. Sus estribillos inflamables y su espectacular puesta en escena, con efectismos técnicos y emocionales, funcionan sin fisuras ante grandes audiencias en un tour que promocionan como el “más ecológico”. Coldplay lleva años refrendando su éxito masivo a golpe de hits y de números que quitan el hipo: vendieron en menos de 24 horas las 200.000 entradas de sus actuaciones en Barcelona. Y en Argentina, por citar un hito aún más astronómico, acamparon 10 días actuando en el campo del River Plate ante más de 600.000 personas.

Anoche el público también acudió a la llamada de “el evento al que hay que ir” y formó parte del espectáculo comunitario desde el momento que entró al estadio y se dejó colocar la pulsera lumínica que en el 2011 se inventó el cuarteto británico. El efecto de sus colores cambiantes al ritmo y al antojo de las canciones provocó que, muñecas al aire, la audiencia se sintiera parte del apabullante show. El concierto empezó con poderío con Higher power, una canción sobre la necesidad de “encontrar al astronauta que todos tenemos”. De empoderar a las personas para “hacer cosas increíbles”, ha explicado siempre Chris Martin en las entrevistas de promoción del álbum que bautiza el tour, el noveno de su discografía.

En su historia musical reciente todo parece una charla buenrollista sobre coaching vital. “Todo lo que quieres está a un sueño de distancia. Y somos leyendas, todos los días”, reza la letra que siguió a continuación (Adventure of a lifetime). Multitud de pelotas empezaron a rebotar entre la gente que estaba en la zona de pista, convertida en una auténtica pista de baile.

Tras la pegadiza Paradise, que Martin empezó cantando sentado en el suelo con las piernas cruzadas, llegó uno de los episodios más nostálgicos con Chris Martin al piano interpretando la balada The Scientist. Pieza que el vocalista compuso tras escuchar la canción All things must pass del añorado George Harrison. “Muchísimas gracias. ¡Bona nit! ¡Buenas noches! Gracias por el esfuerzo de estar aquí con todos los problemas de tráfico, las colas, los baños extraños…, todo. Vamos a tocar el mejor show de nuestras vidas”, prometió. E inmediatamente explicó, mirando al cielo, que quería dedicarle la actuación a la recién fallecida “the beautiful Tina Turner”.

El momento intimista dio paso al exorcismo guardiolista de Viva la vida. Y, claro, la audiencia se vino arriba sin remedio con este título inspirado en el cuadro de Frida Kahlo y su chocante letra sobre el último rey de Francia, Luis XVI.

Lengua de signos bilingüe a cargo de enCantados

Pues sí: llegados a este punto y contagiados por el optimismo coldplayero, ¡viva la vida! Y … ¡viva la inclusión! Como es habitual en este tour, Coldplay contactó con entidades locales de intérpretes de lengua de signos para hacer accesibles sus actuaciones para las personas sordas. Y, para la ocasión, la asociación seleccionada, ENCANTADAS (responsable del ciclo enCantados), propuso que la interpretación fuera bilingüe. El repertorio se interpretó en lengua de signos española y en lengua de signos catalana. Y un total de cuatro intérpretes/artistas: Eva García Codorniu, Òscar Argemí, Aitor Pérez Rello y Anna Armadà Aguirre, se repartieron unos temas que llevan semanas preparándose a conciencia. Signaron con la profesionalidad y el arte que les caracteriza: los cuatro están vinculados con la música o la danza. Y los asistentes de este colectivo pudieron seguir las letras gracias a ellos, emocionarse con la experiencia, y sentir también la música gracias a unos chalecos vibratorios.

De hecho, el propio Chris Martin, disfrazado de cabezudo marciano, se animó también a signar un tema. Eso sí, en vez de elegir Something just like this como en el resto de ciudades, signó Hymn for the weekend y chapurreando varias lenguas de signos.

“Grábame para tu mamá”

 Vía Instagram, según relató, contactó con ellos una joven para explicarle la relación que la canción Fly on tiene con su madre, enferma. Chris Martin le invitó a subir al escenario. “Grábame para tu mamá”, le pidió. Ella se sentó junto a él y, nerviosa, comprobó de repente que el móvil no le funcionaba. “Tranquila. Lo grabarán todos ellos por ti”, le calmó el cantante, señalando al público. Al final se pusieron incluso a cantar a dúo. “Esta estrofa es para ti. Te quiero, mamá”, logró verbalizar la muchacha.  

El reconocible e hipnótico punteo de guitarra de Jonny Buckland dio paso a Charlie Brown (sí, el título es por el personaje del cómic Peanuts). “Manos arriba, por favor. ¡Y saltad!”, exclamó Martin. Y vaya si lo hicieron. El repertorio prosiguió combinando temas technos y bailables con otros más pausados, como su primer gran éxito, Yellow, y su historia de amor no correspondido.

El turno fue después para Human Heart que interpretó con una corista (virtual) muy peculiar: una marioneta con alas de hada que ya salió en el videoclip de Biutyful (uno de los personajes surgidos del universo de criaturas del difunto Jim Henson, el creador de los Muppets). Y de nuevo, puso luego a bailar al personal: esta vez con People of the Pride y desplegando la bandera del arcoíris.

Con una camiseta con el mensaje “Everyone is an alien somewhere (Todo el mundo es un alien en algún lugar”), el cantante prosiguió con sus dos horas de actuación haciendo paradas en canciones tan empáticas como Clocks. Una letra sobre la necesidad de aprovechar el tiempo mientras estemos aquí, vivos y presentes. Chris Martin en esencia pura. Una filosofía y un tipo de vida que algunos critican y simplifican mencionando sus canciones de buena onda, su sonrisa eterna y hasta su estricta dieta intermitente (por cierto, aconsejado por Bruce Springsteen). En definitiva, gasolina para los haters que recuerdan que el cantante fue un nerd que se crio como cristiano evangélico.

 Ahora, lo mismo, pero sin móviles

 Enlazó My Universe con A sky full of stars. Y una vez acabada, de rodillas, aseguró: “Sois una audiencia increíble. Alucinante. Mágica. Perfecta. Pero quiero que os vengáis un poquito más arriba. Vamos a tocar esta canción otra vez, pero esta vez sin teléfonos, sin cámaras, sin cosas electrónicas”. La respuesta fue la esperada. Llegó el éxtasis. Los fuegos artificiales. Y un amago de despedida: “Adiós…!”

Pero no, aún quedaba más por disfrutar. El grupo regresó con Sunrise y el speech de Louis Armstrong. La introducción hablada del considerado uno de los padres del jazz en su famoso tema What a wonderful world. “¿Por qué dices que el mundo es maravilloso? ¿Qué hay de todas esas guerras por todas partes? ¿Y el hambre y la contaminación? […], Eso tampoco es maravilloso […] Me parece que el mundo no es el malo, pero lo que le estamos haciendo sí lo es. Yo todo lo que digo es: Miren qué maravilloso mundo sería si tan solo le diéramos la oportunidad. El amor, cariño, el amor. Ese es el secreto”. 

Y lo que pasó a continuación fue una sorpresa total. Introdujo a unos invitados que nadie esperaba, los Gipsy King, y tras enviar “amor y respeto a Tina Turner”, se pusieron todos juntos a improvisar Proud Mary (también conocida como Rolling on the River), la canción de John Fogerty que popularizó la inmensa Tina Turner. Los dos miembros de los Gipsy King presentes, Nicolás Reyes y Tonino Baliardo, hicieron a continuación un alarde de sus dotes rumbero-guitarrísticas, y se atrevieron también a cantar Bambolero y Volare, mano a mano con Coldplay. La mezcla no pegaba ni con cola.

La despedida (ahora sí) llegó con dos hits: Fix you, que el vocalista culminó arrodillado al final de la larga pasarela rodeado de fans, y Biutyful, con la marioneta alada de nuevo en la pantalla y fuegos artificiales aún más espectaculares. Anoche, una vez más, la conexión con sus feligreses fue incontestable. Chris Martin y el resto de la banda que montó en tiempos universitarios: Jonny Buckland, Guy Berryman y Will Champion, supieron potenciar los mensajes de Coldplay con pirotecnia, pelotas gigantes y confetis reciclables, haciendo que su dialéctica fuera la columna vertebral del show.

Un concierto de Coldplay es más que música. Es una sacudida tecnicolor a nuestra herencia emocional.

Coldplay ha desatado la locura en Barcelona. Por la alta demanda en los primeros días de venta, el grupo británico ha decidido poner otra fecha en Barcelona para su gira Music Of The Spheres World Tour en España en 2023, cuyos tickets se pusieron oficialmente a la venta el 25 de agosto de 2022. Por tanto, además de los días 24, 25 y 27 de mayo de 2023, se abre también una nueva fecha para la noche del 28 de mayo, también en el Estadi Olímpic Lluís Companys. Las entradas para todos ellos salieron a la venta el jueves 25 de agosto a las 10:00.

¿Cuáles son los puntos de venta?

Solo hay dos únicos puntos de venta oficiales: livenation.es y ticketmaster.es.

¿Qué tipos de entrada hay?

Hay diez tipos de entrada diferentes, con precios distintos, mayor o menor distancia del escenario y extras. De menor a mayor precio, estos son los tipos de entrada:

PL5: 50 euros + 6,50 gastos

PL4: 75 euros + 10 gastos

PL3 PISTA: 95 euros + 12,50 gastos

PL3: 95 euros + 12,50 gastos

PL2: 125 euros + 16,50 gastos

PL1: 150 euros + 20 gastos

Biutyful Hot Ticket: 205 euros + 27,50 gastos

Coloratura Hot Ticket: 300 euros + 40 gastos

Higher Power Early Entry: 225 euros + 30 gastos

My Universe Lounge: 485 euros + 64,50 gastos

¿Qué entrada tienes que comprar para ver a Coldplay lo más cerca posible?

Una entrada “High Power” por 255 euros. Es una entrada de pista general pero con acceso antes que el resto del público para poder situarte más cerca del escenario e incluye también una “pulsera oficial Coldplay eco friendly”, un “regalo sostenible de Coldplay diseñado especialmente para la ocasión” y que te atienda staff VIP al entrar por una puerta exclusiva diferente al del resto del público.

¿Qué te dan por una entrada que cuesta 549,50 euros?

Es una entrada en un asiento numerado “de primera categoría”. Incluye el acceso a una fiesta antes del concierto con catering y barra libre de bebidas. La misma pulsera y regalo que el resto de las entradas VIP y, además, la oportunidad de compra de merchandise antes del concierto y de posar en el “Photocall My Universe”.

¿Cuál es la entrada 'normal' para ver a Coldplay de pie, desde la pista?

La PL5, que tiene un precio de 107,5. So las entradas que se acaban más rápido.

La banda inglesa Coldplay ha anunciado este lunes a través de las redes sociales que los días 24 y 25 de mayo de 2023 ofrecerá sendos conciertos en el Estadio Olímpico de Barcelona, su única actuación en España, siete años después de su última actuación en la capital catalana.

En el marco de la gira “Music Of The Spheres World Tour 2023”, el grupo liderado por Chris Martin también estará en Portugal, Reino Unido, Italia, Suiza, Dinamarca, Suecia y Países Bajos.

Las entradas para los dos conciertos en Barcelona, su única parada en España, se pondrán a la venta a partir del próximo jueves, 25 de agosto, a las 10:00 horas.

El último concierto de Coldplay en la Ciudad Condal tuvo lugar en mayo de 2016, con unas 55.000 personas en el Estadio Olímpico de Montjuïc, con pulseras iluminadas en sus muñecas.

En aquella ocasión, Chris Martin también visitó a una joven de 17 años llamada Carlota enferma e ingresada en el Hospital Sant Joan de Déu, con quien cantó y la invitó a su concierto.

El famoso grupo de rock Coldplay ha hecho un llamamiento en Twitter a varios líderes mundiales, entre los que se encuentra Pedro Sánchez, para pedirles apoyo y compromiso con los objetivos climáticos de cara a la próxima Cumbre del Clima (COP26), que tendrá lugar en noviembre en Glasgow (Reino Unido).

“Las economías más pequeñas son las más afectadas por el #cambioclimático. Pero la financiación de la #adaptaciónalclima por parte de las grandes economías es demasiado baja. Por favor, lidera el camino en la #COP26”, han escrito en el tuit en el que mencionan a Sánchez.

Desde el fin de semana el grupo se ha dirigido también a otros mandatarios como los de Indonesia, Noruega, Francia, Estados Unidos... En todos los tuits los artistas expresan la necesidad urgente de hacer frente al cambio climático por parte de las autoridades políticas. “Su liderazgo es clave para avanzar de cara a la #COP26 y su presidencia de la #UE”, escribían el sábado citando al presidente francés Emmanuel Macron.

“Podéis ayudar a hacer historia este mes asegurando una legislación importante para los objetivos de cambio climático de Estados Unidos. Necesitamos vuestro liderazgo”, comentaban a la presidenta de la Cámara de Representantes en EEUU, Nancy Pelosi, y al líder de la mayoría del Senado, el senador Chuck Schumer.

Más dinero de los países ricos

En este sentido se pronunciaron también la ONU y el Gobierno británico este lunes durante una reunión previa a la COP26, al exigir a los países ricos que hiciesen un esfuerzo económico mayor en la lucha contra el cambio climático. “Los países desarrollados tienen que asumir el liderazgo”, señaló entonces el secretario general de Naciones Unidas, António Guterres, tras reunirse en privado con unos 40 líderes de todo el mundo para advertirles que existe “un alto riesgo de fracaso” en la cumbre climática de Glasgow.

El primer ministro británico, Boris Johnson, también apeló a las naciones más ricas, insistiendo especialmente en la necesidad de que cumplan con el compromiso de facilitar 100.000 millones de dólares anuales para financiar acciones climáticas en los países en vías de desarrollo.

Ese dinero, prometido en el Acuerdo de París de 2015, no se ha hecho por ahora realidad, pero tanto Guterres como Johnson confiaron en que pueda materializarse durante la COP26. “Todavía no estamos ahí, pero ha habido declaraciones esperanzadoras al respecto. Así que es un área donde espero que podamos tener progresos serios en Glasgow”, dijo el diplomático portugués tras reunirse con los líderes.

El líder de la banda británica Coldplay, Chris Martin, ha anunciado en la mañana de este jueves que en esta ocasión no harán gira de promoción de su nuevo álbum por el impacto medioambiental que pueda causar. Así lo ha expresado en el programa BBC Breakfast con motivo de la presentación de este nuevo álbum de estudio, Everyday Life, que sale a la luz este viernes.

Cuando el presentador del programa, Colin Paterson, le ha preguntado por el comienzo de una gira muy esperada, Martin, ha contestado que se tomarán “uno o dos años para averiguar no solo cómo ser sostenibles para el medio ambiente sino cómo ser realmente beneficiosos”. 

En sus giras internacionales, Coldplay llena las plazas más grandes de las ciudades, lo que conlleva un impacto medioambiental (aunque no sea sencillo medir la huella ecológica de los eventos). Por eso, Chris Martin ha explicado que “no se trata solo de la contaminación que supone volar”. Coldplay quiere ser realmente sostenible: “Nuestro sueño es realizar un show en el que no haya plásticos de un solo uso”, ha asegurado el cantante. Pero van un paso más allá: “Queremos trabajar solo con energía solar, es una cuestión de aceptar que tenemos que dar lo mejor de nosotros mismos”. 

Por último, el líder de la banda cree que una gira de estas características puede ayudar a concienciar a muchos seguidores alrededor de todo el mundo. “Todos pueden sumarse a esta causa si descubren que es fácil hacerlo bien”.

“Les insultarán, les acusarán pero aquí están de nuevo, Riot Propaganda, diciendo lo que casi nadie se atreve a decir”. Así tuiteaba este viernes Pablo Iglesias Le llaman Paz, una de las canciones del último disco de la banda, Agenda Oculta.

“Pelear, no claudicar, hasta que todo se equilibre; me llaman loco por decir verdades; siervos de la banca; la libertad de prensa es la voluntad del dueño de la imprenta...” Son algunas estrofas de la canción del grupo fruto de la colaboración entre Los Chikos del Maíz y Habeas Corpus.

“Estamos en el medio de una transición que ya ha tenido efectos políticos concretos y que ahora tenemos que empujar para que pueda tener efectos sociales y culturales importantes”, explicaba Pablo Iglesias en eldiario.es: “Por eso muchas veces el debate interno sobre Podemos es un debate cultural. El debate sobre Coldplay o Bruce Springsteen se puede simplificar entre duros y blandos. Pero es un debate cultural. El Nega [integrante del grupo de rap Los Chikos del Maíz], escribía un artículo en El Español, y es un provocador nato y por eso lo hace en El Español, hablando de Beyoncé. Y está señalando la clave fundamental: queremos apostar por una cultura alternativa o asumimos una cultura de masas más o menos progre. Y allí estaba poniendo el dedo en la llaga y esos debates van a ser determinantes para el futuro de la cultura en nuestro país. Y ahí es donde entra toda la dinámica de los símbolos, la relación con otros actores, con la memoria histórica, cómo se recombina y cómo se redefine”. 

Y continuaba: “Lo que a mí me apasiona, a pesar de que lo sufro como secretario general de Podemos, es que los debates son culturales. Cuando nosotros debatimos de estética, estamos debatiendo de cultura, de todos esos elementos ideológicos que tienen que ver con cómo nos presentamos ante la sociedad. Es un hecho cultural que el tipo que sirvió para lanzar un instrumento electoral tuviera una coleta y pendientes. Es una cosa rarísima en nuestro país”.

El Nega sintetizó así el debate en Podemos:

Con chaqueta o sin chaqueta; con el puño o la V de victoria, con la piedra o la tijera; Bruce Springsteen o Coldplay; los hípsters o los Chikos del Maíz; con hilo rojo o sin hilo rojo; de Vallecas o Pozuelo...

Iglesias y El Nega comparten complicidades desde hace años. “Nos conocemos cuando él hace maquetas y una alumna me pasa un tema, me gusta mucho la letra, lo empiezo a escuchar y lo invito para un curso de cine”, explica Iglesias: “Y a partir de ahí nos conocemos, yo hacía cosas de teatro político. En el primer La Tuerka que hacemos le invitamos, inspirándonos en una cosa que hacía Chojín en La 2, y empieza a funcionar  La Tuerka Rap. En los ambientes underground vamos creciendo juntos y la cosa se lanza hacia fuera con Podemos. Hay un cierto paralelismo entre el éxito de Podemos y el de Los Chikos del Maíz, que nadie podía imaginar. Podemos lo montan los macarras de La Tuerka y quien tiene éxito musicalmente son Los Chikos del Maíz. ¿Y vosotros dónde estáis, hipsters? Vosotros os subís a esto, porque no habéis sido capaces de ser hegemónicos en nada. Y yo creo que eso revela una serie de cambios en la sociedad española. Es como la izquierda realmente existente que después quiso rebasarnos por la izquierda y que en toda nuestra adolescencia y juventud nos veían como radicales. Todos los sectores que después apretaban filas siempre nos habían visto con miedo porque íbamos mucho más allá. Y en el caso de Los Chikos del Maíz, también: políticamente incorrectos, vanguardistas, provocadores. De ahí surge de alguna manera el cambio. Claro, no es lo mismo hacer hip-hop y seguir tocando para gente muy joven”.

¿Coldplay o Bruce Springsteen? Lo que escucha Pablo Iglesias es Riot Propaganda.

Una de las escenas más míticas de la primera parte de la saga de Regreso al Futuro grabó en la retina de toda una generación a Marty McFly tocando Johnny B. Goode de Chuck Berry hasta enloquecer. Algo parecido a lo que debieron sentir los espectadores del concierto de Coldplay en el MetLife Stadium de East Rutherford cuando de repente Michael J. Fox apareció en el escenario para tocar un par de temas con la banda.

En mitad de un concierto más de la gira promocional de su último disco A head full of Dreams, que la banda publicó a finales del año pasado, Michael J. Fox salía de un lado del escenario, guitarra en mano, para tocar Earth Angel de los The Penguins y también la mítica Johnny B. Goode. Dos canciones rock que pertenecían a la banda sonora de la película original.

No es la primera vez que Fox y Coldplay comparten escenario. La formación liderada por Chris Martin participó en un recital para recaudar dinero en beneficio de la The Michael J. Fox Foundation for Parkinson's Research, que ayuda a la investigación de esta enfermedad degenerativa. Al actor de Regreso al Futuro le diagnosticaron el párkinson en 1991 y desde entonces se ha convertido en uno de los más importantes activistas por su digno tratamiento en todo el mundo.

Breña Alta dará la bienvenida a la primavera el próximo día 9 de abril, en el parque de Los Álamos, con una gran fiesta tributo a la banda británica ‘Coldplay’ que estará a cargo de la formación catalana ‘Coldday’, y que se prolongará de doce del mediodía a doce de la noche, según se informa en una nota de prensa. 

Coldday repasa en su espectáculo todos los grandes éxitos de Coldplay y logra en los directos gran fuerza y calidad musical. Actuará en el parque de Los Álamos a partir de las 14.00 horas. 

El alcalde de Breña Alta, Jonathan Felipe, ha explicado que el Ayuntamiento pretende organizar “una fiesta de primavera de relevancia que no coincida temporalmente con ningún otro evento de la Isla”. Dijo que este espectáculo, denominado Primavera Fest 2016, se enmarca dentro de la dinamización cultural del municipio y supone “una apuesta clara por las fiestas de día”. 

Este concierto está organizado por Play Events y cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Breña Alta, Coca Cola, Canarifly, Dorada, CIT Tedote, Puerto Indias y Oasis San Antonio. 

Por su parte, la concejal de Cultura, Patricia Ayut, se ha mostrado satisfecha de “poder ofrecerle a los vecinos ocio diurno y de carácter familiar en el inicio de la primavera, estación en la que celebramos la llegada de la luz y la alegría”. 

Parte de la recaudación del concierto, cuyas entradas se pondrán a la venta el próximo 29 de marzo al precio de 8 euros, se destinará “a fines sociales”,  según ha asegurado el concejal de Bienestar Social y Centros Especiales, Raúl Ramos. 

En el parque de Los Álamos se habilitará una zona para los menores en la que se podrá disfrutar de talleres, hinchables o actividades de ‘pintacaras’. 

Los puntos de venta de entradas se localizan en el Ayuntamiento de Breña Alta, CIT Tedote, CIT Los Cancajos, CIT El Paso, CIT Santa Cruz de La Palma, Spar El Puente, Spar Los Sauces, Eurospar San Pedro y Eurospar Mederos. 

El acto de presentación de la Primavera Fest 2016 tuvo lugar en el Ayuntamiento de Breña Alta con la presencia del alcalde, Jonathan Felipe, los concejales Patricia Ayunt y Raúl Ramos, y la directora de Play Publicidad, Dahiva Hernández.

La fiesta hindú Holi fue un bombazo el último año por toda la geografía española. Un festival que tiñe todo un evento de polvos de colores, y que tradicionalmente se celebra en India o Nepal para dar la bienvenida a la primavera.

Es también el telón de fondo del último videoclip de Coldplay, que cuenta con la colaboración de una Beyoncé caracterizada como una actriz bollywoodiense. Hymn For The Weekend se ha rodado en Bombay, está dirigido por el indio Ben Mor, y también hay un cameo de la actriz Soman Kapoor. Pero muchos indios acusan a la banda británica y a la diva estadounidense de apropiación cultural y perpetuación de estereotipos.

Vayamos a la raíz de la polémica. La apropiación cultural se entiende como la asimilación de otras culturas diferentes a la occidental, en ocasiones desde un punto de vista imperialista que desconoce el origen de las tradiciones que representa. La principal crítica a este fenómeno es que alimenta clichés y prejuicios sobre culturas y sociedades enteras. Como explican en el blog Órbita Diversa, pasó algo parecido en 2014 con Avril Lavigne. En el videoclip de Hello Kitty, la cantante canadiense se rodeaba de un grupo de japonesas idénticas a ella e intentaba imitar el acento japonés de un modo caricaturesco.

En The Wire, Nishita Jha se pregunta cómo Chris Martin pudo recurrir en el vídeo a clichés tan perezosos habiéndose reunido con miembros de Oxfam India o con el primer ministro Modi, además de haber estado en bares, escuchado a Raghu Dixit, o visitado los barrios pobres de Kalyanpuri y a los recolectores de basura en Madanpur Khadar. “¿Por qué no aparece ninguna de estas personas en su cabeza llena de sueños?”, se pregunta el periodista, citando jocosamente el disco de la banda, A head full of dreams.

Una de las voces más críticas en Twitter con el vídeo de Coldplay ha sido la del indio Ahmed Ali Akbar, redactor de Buzzfeed. Dice estar “aburrido” de la representación occidental de la India, y “ofendido” por la comercialización de la pobreza.

Slumdog Millionaire: pornografía de la pobreza

Slumdog MillionaireLa fundadora de la Asociación Española de Estudios Interdisciplinarios de la India, Antonia Navarro no reconoce este aspecto negativo en el vídeo. “No veo que se apropie de otra cultura sino que más bien se inspira en ella, en Bollywood, en la iconografía. A partir de ella crea un arte, que es la música popular anglosajona. Son Coldplay y Beyoncé y no podemos exigirle otra cosa”, explica. “No me ha parecido ofensivo ni sensacionalista”, insiste.

“Cada vez que desde España o desde Occidente creamos algo sobre la India, tenemos que hacerlo de puntillas, porque es fácil caer en prejuicios, en exoticismo, eurocentrismo o paternalismo”, apunta. Sí que ve la connotación negativa en otras producciones, como la británica Slumdog Millionaire, que califica de “pornografía de la pobreza”, llena de estereotipos, “vendida como película bollywoodiense sin serlo”.

“No es que una sea una mala y la otra buena. En el videoclip de Coldplay también hay orientalismo, es una producción artística de occidente sobre oriente. Pero la diferencia es: ¿es ofensiva? En Slumdog sí, se ve. Se estereotipa y sólo se habla de una parte, del consumo de la pobreza. El videoclip es orientalista, exótico, pero no hay ofensa”, continúa esta profesora de la Universidad de Córdoba.

“Las culturas cambian, evolucionan y se mezclan. No debemos olvidar que todo este colorido de Bollywood también bebe mucho de los británicos. Veo muy esencialista decir que sólo los indios pueden hablar por los indios, y sólo los americanos por los americanos”, añade.

El blanqueamiento de piel: un negocio comercial y publicitario

A Navarro, la imagen de Beyoncé le recuerda a la de la actriz india Aishwarya Rai, que dio el salto de Bollywood a Hollywood. “Aishwarya se ha hecho muy famosa, ha triunfado en Estados Unidos con su tono de piel claro y sus ojos verdosos. Como Beyoncé, que no es el estereotipo de mujer afroamericana: pelo rubio, liso, piel clara. Más que hablar de apropiación, tendríamos que hablar de otra muestra de la cosificación de la mujer hacia un canon eurocentrista”, apunta.

Coincide con ella Alejandra Val, especialista en estudios sobre la India y doctora en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense de Madrid. “Quizá lo de menos (aunque también) no sea el uso o desuso de ciertos estereotipos sobre cómo nos imaginamos la India (fiesta de color Diwali, el Ganges, los ascetas indios y a los propios indios). Sino el uso de la imagen de la mujer, que me da igual que vaya de india, africana o de lo que sea: primer plano, escote, mucho maquillaje, muestra todos sus atributos sexuales sin que venga a cuento de la historia... Y bueno: rubia y blanquita (pese a que sea afroamericana)”.

En un país, apunta Val, “donde el color de la piel es distintivo de clase social y de rechazo y muchas mujeres se blanquean la piel por la dichosa publicidad y presión social”. Y así es: el blanqueamiento de la piel en India es un negocio multimillonario.

“En la India el color de piel es distintivo de clase –generalmente los miembros de las castas más pobres tiene un color de piel más oscura- y en los anuncios de proposiciones matrimoniales es muy frecuente que se señale el color de piel. El aprecio de la piel blanca ha convertido a las cremas blanqueadoras en los productos estrella”, dice esta estudiosa en uno de sus artículos sobre asimilación cultural.

“La gente se preocupa por parecer más clara porque eso es lo que la sociedad demanda en la India”, explicaba en un artículo a Efe Raunak Khandelwal, director de B'Desir Cosmetics. Según informan, esa industria movió en 2013 30.000 millones de rupias (casi 500 millones de dólares), y es el segmento de la cosmética que más rápidamente crece en India.

No es la primera vez que alguien acusa a Beyoncé de “blanquearse”. Ya protagonizó una polémica por la portada de su álbum 4, en la que su piel estaba totalmente aclarada. “Esto pasa en todos los países que han sido colonizados por europeos. En India o en Pakistán no vas a conseguir marido digno ni vas a conocer a nadie como no seas clara de piel, y de eso deberíamos estar hablando. Pero eso atañe tanto a India como a EEUU, y no gusta. Es mejor atacarse a unos y otros y no ver el problema real de este videoclip que comparten ambos”, concluye Navarro.

La lista de colaboraciones de David Bowie con otros artistas es interminable: Lou Reed, John Lennon, Queen, Iggy Pop... Subió con muchos al escenario, pero también hizo cobras que pueden elevarse al estatus de antológicas. Esta semana, la revista musical NME publica una entrevista con el baterista de Coldplay, Will Champion, en la que el músico desvela que Bowie rechazó colaborar con su banda. “No es muy buena canción, ¿no?”, dijo al conocer la propuesta.

Coldplay no ha sido la primera banda, ni tampoco la última, en recibir un 'no' por respuesta. Unos cuantos ejemplos que demuestran que nadie, ni siquiera la mismísima Britney Spears, está libre de pecado.

Amy y la “puta broma” de cantar con Robbie Williams

Amy Winehouse siempre hizo lo que quiso y cuando quiso. La diva más joven del 'soul' de los últimos años se atrevió incluso con el amor propio de Robbie Williams, que probablemente se desinfló (solo un poco) cuando tiró a la basura la idea de colaborar con él en un tema.

Así al menos lo contó el padre de la artista en el programa televisivo 'Mitch Winehouse’s Showbiz Rant'. “Estoy un tanto preocupado por Robbie Williams. Dice que quiere hacer un disco junto a Amy. Es absurdo. De hecho, cuando se lo conté, mi hija contestó que si ”era una puta broma“.

Adele y Beyoncé, el dúo imposible

La guerra de divas no ha hecho más que comenzar. Se han dejado ver juntas en varias fiestas y galas, pero la realidad es que, en el terreno profesional, Adele pasa olímpicamente de Beyoncé. Según han publicado varios medios, la cantante estadounidense se reunió con la británica a finales de 2014 en busca de una colaboración. Pero no fue posible.

Adele, en su defensa, sigue diciendo que solo se trata de un rumor. En una entrevista que recoge Vanity Fair, asegura que nunca recibió una invitación y que, si así fuera, sería un sacrilegio rechazarla.

Britney Spears pudo ser la reina con 'Umbrella'

Puede que a día de hoy, la efímera reina del pop todavía se arrepienta de haber rechazado ser la voz de 'Umbrella', el single que catapultó a la fama a Rihanna con millones de copias vendidas en todo el mundo desde su lanzamiento en 2007. El compositor y cantante Taio Cruz se puso en contacto con los asesores de la cantante, que decidieron declinar la oferta.

“Me la devolvieron diciendo que no funcionaba para ella”, afirmó Cruz en declaraciones al diario 'Daily Telegraph'. Ese mismo año, Spears publicó su quinto álbum, 'Blackout' (2007). Fue el principio de su decadencia.

El nuevo disco de Coldplay contará con la participación del presidente de Estados Unidos, Barack Obama, ya que el álbum incluirá la versión que este hizo el pasado verano de la canción Amazing Grace. El pequeño fragmento con la voz de Obama se utilizará como interludio en el séptimo disco de la formación, titulado A Head Full Of Dreams y que sale a la venta el 4 de diciembre, según informó el diario The Sun.

Los británicos han decidido hacer uso de la interpretación que el presidente estadounidense hizo de este clásico de góspel en el funeral del senador demócrata estatal Clementa Pinckney. El político fue asesinado en junio de este año junto con otras ocho personas en un tiroteo en una iglesia metodista de Charleston (Carolina del Sur), un lugar históricamente utilizado por la comunidad negra de la ciudad.

En palabras del líder de la banda, Chris Martin, el hecho de que Obama cantara ese tema tras los asesinatos es de tal “importancia histórica” que optaron por añadir un fragmento de ese momento en su nuevo álbum. La agrupación ha conseguido el permiso de la Casa Blanca para incluir la voz del presidente, quien ya confesó años atrás ser fan de Coldplay.

Un álbum lleno de colaboraciones

A Head Full Of Dreams se publicará solo un año después de que el grupo pusiera a la venta el álbum Ghost Stories, el cual decidió no presentar en directo. La banda ya ha puesto a disposición del público el primer sencillo del álbum, Adventure Of A Lifetime, y ha remarcado que sus nuevos temas tendrán más energía y color que las canciones intimistas que conformaron Ghost Stories.

Barack Obama no es el único invitado en lo nuevo de Coldplay ya que Beyoncé, Noel Gallagher, Tove Lo y Merry Clayton también colaboran en A Head Full Of Dreams.

“Tengo una tendencia a la melancolía. Puedo pasar meses sin ver a nadie. Y me tomo en serio el proverbio chino que recomienda no contarle los males a los amigos, que les divierta su puta madre”. Eso decía Joaquín Sabina, que también admitía que en esos momentos de retiro surgía la verdadera inspiración. Los 19 días y 500 noches evocadores del de Úbeda podrían ser una constante en carreras artísticas de todos los rincones del globo y de cualquier época histórica. A menudo la mejor técnica de rehabilitación consiste en sublimar la pena y convertirla en un álbum de éxito. Así han visto la luz algunos de los hitos musicales de nuestro tiempo.

Donde ayer hablamos de los idilios con las musas ajenas, hoy lo haremos del desamor que solo se puede tener una vez en la vida con la musa negra. Ese momento traumático que deriva en una compilación de enormes y tristísimos temas de los que emanan muerte, enfermedad, soledad y odio.

El último en sumarse a esta terapia sonora ha sido Jeff Tweedy, mítico líder de Wilco, en el primer disco en solitario de su carrera, Sukierae. Con su vástago a la batería, la familia Tweedy dedica 20 nuevos temas a la batalla contra el linfoma que libra su esposa y madre, Susan. Es un disco valiente y, en contraposición a sus compañeros de lista, cargado de optimismo.

“Creo que el arte es un consuelo, independientemente de su contenido. Tiene el poder de remover y hacerte sentir como en realidad no lo haces”. Wilco no esconde las dificultades que vive su familia bajo unas melodías impostadas; ya el primer single I'll sing it es una pequeña muestra del estallido sombrío que caracteriza el álbum. Sus versos están plagados de códigos inescrutables y referencias a la enfermedad entre sonidos de garage de Chicago. Así nace el imponente tema de Boyhood, Summer Noon, y la melodiosa Wait for love.

El artista ha firmado astutamente una emancipación doble de la banda y del folk más endémico sin que hordas de detractores se atrevan a vender su cabeza al mejor postor. El homenaje conmueve y vende, pero sobre todo se traduce en un grito de esperanza para el verdadero remitente de este disco: su querida Sukierae. “No quería que el disco sonara como un panegírico prematuro”.

Pero hay otros que enarbolan su tristeza como un momento de lícita inspiración y condicionante de discos realmente excepcionales. Aquí recopilamos algunos infiernos que se bifurcaron en la pena de artistas como Freddie Mercury, Nick Cave o Billie Holiday y en la producción de algunos de los mejores álbumes de sus carreras.

808s & Heartbreak. Kanye West

808s & HeartbreakEn 2008, el rapero de las vanidades se vio sacudido por una broma macabra del destino cuando su madre, su apoyo desde los tres años, falleció a causa de unas complicaciones en una cirugía estética. Si todos los discos de Kanye West son sobre la experiencia de ser Kanye West, 808s & Heartbreak nació en un contexto de pérdida y reinvención. Estábamos acostumbrados a un hip-hop de excesos y en su lugar tuvimos pop de dormitorio, reflexiones tranquilas de madrugada y un giro vocal débil sin rimas consonantes.

En la bella Say you Will, los sonidos eléctricos se entremezclan con una sola voz tuneada que alarga su agonía hasta el infinito, un truco que se repite en Bad News. Casi todos los temas son cavernosos y se caracterizan por un elemento que monopoliza el sonido: las cuerdas de RoboCop, los sonidos chirriantes de la metrópoli en Streets Lights, las palmas en Love Lockdown o el sintetizador en Coldest Winter. Es cierto que, pese a no ser uno de los más elocuentes ni poéticos, algunos temas extrapolan de buena forma el dolor dejando de lado la expresividad sonora, como Pinocchio Story y Welcome to Heartbreak. Fue uno de los discos más aplaudidos de su carrera y todo un éxito de ventas, un lapsus en el camino mientras cocinaba otro de sus grandes hits de verano.

Innuendo. Queen

Innuendo“Como consecuencia de las grandes conjeturas aparecidas en la prensa en las dos últimas semanas, es mi deseo confirmar que me he hecho las pruebas de VIH y tengo sida”. Freedy Mercury reconoció en un comunicado que había contraído la enfermedad que pocos años después acabaría con su vida. Meses antes levantó su pierna en la mesa de un bar donde conversaba con el resto de los miembros de Queen. Lo que sus colegas de tantos años vieron les dejó helados: una pierna con una herida supurando, incapaz de cerrarse. Los cuatro asumieron en silencio lo que venía y ese mutismo común sobre el tema quedó reflejado en Innuendo.

Las composiciones de Mercury eran el grito que el cantante llevaba por dentro. Su vida de excesos llegaba a su fin y con esa sombra detrás de su espalda le pedía incandescente a Brian May que siguiera componiendo canciones para él, no podía dejar de cantar.

Innuendo es, con diferencia, el disco más oscuro de Queen. La muerte rodea el álbum en cada canción y en cada melodía. Headlong, pese a los martillazos de la batería y a una melodía que quiere ser divertida, no puede desprenderse de ciertos giros de tristeza en los puentes. Don’t try so hard es, quizá, una rendición. Las cuestiones que aborda se deslizan entre la voz de Mercury durante las estrofas para acabar pidiendo en el estribillo y en caída libre: “Don’t try so hard/no lo intentes demasiado”.

Ride The Wild Wind, con una cadencia muy diferente, evoca una persecución que bien pudiera estar protagonizada por Mercury, huyendo de las pesadas zancadas de la dama negra. Los ritmos son angustiosos y los efectos sonoros llegan a tener un punto tétrico, los vientos salvajes erizan la piel. Finalmente, These are the days of our lives simboliza una conclusión, una despedida. “Aquellos días se fueron/pero lo que vivimos fue de verdad”.

For Emma, Forever Ago. Bon Iver

For Emma, Forever AgoTodos los trabajos en solitario de Justin Vernon tienen ese olor a melancolía y tranquilidad que parecen cocinados en una cabaña perdida en los bosques de Wisconsin. Pero el único álbum que compuso por completo en un retiro eremita fue For Emma, Forever Ago en 2007. Después de alcanzar la fama con su grupo DeYarmond Edison, los miembros de la banda descubrieron intereses musicales divergentes que culminaron con su disolución y con un Vernon abandonado en la cuneta de Carolina del Norte. Aquejado por la mononucleosis y olvidado por su novia y por sus camaradas, Justin se recluyó en medio de la tundra nevada y salió cuatro meses después como Bon Iver, con uno de los mejores discos debut que ha alumbrado el folk yanki.

En medio de la vida ascética, Bon Iver intentó encontrar el punto medio entre el rumio interno, los conceptos farragosos y la expresión melódica y clara. Sin embargo, como veterano de la industria discográfica, nuestro ermitaño circunstancial fue consciente de que no sólo de sonidos naturalistas vive un cantante. Su instinto le llevo a aderezar temas como Flume con flautas y tambores, For Emma con la intensidad del cuerno y Los lobos con el falsete más exagerado del álbum y una estrepitosa percusión para evocar la catarsis final.

Pero también hay baladas que parecen recién salidas de la estufa de su refugio como Creature Fear, que se ve sometida a una única sílaba que se repite sin parar, o Lump Sum, que se apoya en la guitarra de Vernon y en una voz que parece interpretada en el fondo de una gruta. Con o sin añadidos, la capacidad evocadora y la atmósfera melancólica del disco fueron rápidamente descritas como “irresistibles”.

Funeral. Arcade Fire

Funeral

El título del álbum debut de Arcade Fire está justificado. Se lanzó en 2004 pero la grabación estuvo salpicada de panegíricos y visitas al cementerio. Primero fue la abuela del frontman Win Butler en junio de 2003, un año más tarde falleció su abuelo y escasos meses después la tía de otro de los miembros de la banda, Richard Parry.

Funeral es un réquiem de diez canciones, un lienzo en blanco pensado en su inicio para ser una obra alegre y optimista sobre el paso de los años. No obstante, las sucesivas desapariciones de seres queridos de los canadienses impusieron el brochazo negro.

El resultado es un disco de claroscuros, con cuatro odas a un barrio indefinido (Neighborhood), donde Arcade Fire recorre la importancia de los vínculos y los lazos familiares en tiempos oscuros. Los ritmos urbanos acaban en cuatro canciones para diluirse en The crown of love que mezcla los delirios y la nostalgia del amor adolescente. Los momentos de luz los arroja Rebellion (Lies). Tanto en la letra como en la música se posiciona como una power ballad enérgica sobre la superación de la muerte.

Lady sings the blues. Billie Holiday

Lady sings the blues“Yo he vivido historias como la que os voy a cantar”, decía Lady Day, y el público se estremecía porque conocían el pasado oscuro de la dama del jazz. Una historia que se resumía, sólo en parte, en el poema de Lewis Allen Strange Fruit. Prostitución, drogas, abusos machistas, racismo blanco y racismo negro por tener la piel del color del café con leche, cárcel y corruptelas discográficas tiñen Lady sings the blues: disco, libro y película. Sin duda una vida digna de todo soporte hasta sus últimos días, cuando murió bajo arresto policial, con 0,75 dólares en el banco, habiéndoselo bebido, fumado e inyectado todo, amando hasta el desgarro pero cantando a la dulzura y a la sofisticación.

El disco surgió en un par de sesiones grabadas en los cincuenta, respaldadas por el saxofonista Paul Quinichette, los trompetistas Charlie Shavers y Harry Edison, el pianista Wynton Kelly, y los guitarristas Kenny Burrell y Barney Kessel. En este álbum se produjeron versiones de temas antiguos como No Good Man, Some Other Spring y Lady sings the blues, pero interpretados por una Holiday mucho más oscura e intensa que la infantil y vital voz de los años 30, cuando fue descubierta en un garito de los fondos de Nueva York.

From her to eternity. Nick Cave and The Bad Seeds

From her to eternityLas drogas han corrido siempre por las venas de la industria musical. Desde que Nueva Orleans se llenara de jazz y destruyera la vida de Chet Baker, entre otros, son incontables las historias de cantantes que han sucumbido ante la tentación de los excesos. JJ Cale escribió Cocaine para Clapton en un intento de liberarle de aquel fantasma de polvo blanco que acechaba su nariz, Lou Reed compuso Heroine y Nick Cave llevó la droga de los 80 por excelencia hasta la eternidad.

En el tema homónimo, From her to eternity, es difícil distinguir si el encuentro con una chica en la habitación 29 de un hotel habla en realidad de una mujer o de la aguja ardiente que penetra su brazo. La escena se desarrolla entre ritmos punzantes y pianos estridentes, mientras la voz de Cave llena los posos de oscuridad que dejan los acordes disonantes. El álbum tiene siete canciones, la mayoría demasiado largas como Wings of flies y Avalanche, que se sumergen en la adicción a la heroína que atravesaron él y sus malas semillas en sus inicios (y en el resto de carrera su musical).

A Rush of Blood to the Head. Coldplay

A Rush of Blood to the HeadCuando Coldplay estaba a punto de meterse en el estudio para grabar su segundo álbum, el que iba a confirmarles como una de las bandas del nuevo siglo, dos aviones cruzaron el cielo y se estrellaron en las torres más emblemáticas de Wall Street. Las cenizas llegaron hasta los micrófonos de aquel estudio de grabación y el disco cambió de rumbo. Sólo ha habido una canción de corte político en toda la discografía de los británicos, homónima de su segundo disco –no, no es Politik-, y sin duda vino motivada por el efecto emocional que tuvo en los de Chris Martin aquel atentado.

A Rush of blood to the head está impregnado en casi todos sus temas de la tragedia que conmocionó el mundo el 11 de septiembre de 2001. Salió publicado al año siguiente y muchos críticos lo han calificado como un disco redondo, un paso más allá en la consolidación como grupo que habían iniciado con Parachutes. A partir de Yellow, los incursores de la reconversión del brit-pop enlazaron una suerte de secuela llamada The Scientist que no en vano termina con un volvamos a las estrellas. Esas mismas estrellas amarillas de las que habla la balada eléctrica de su primer disco.

A Coldplay siempre le ha gustado jugar con los círculos, en lo visual y en lo metafísico. El propio videoclip de The Scientist es una historia que comienza en su final, al título del disco Viva la vida le sigue el apéndice And death and all his friends y, en general, A Rush of Blood to the Head es un trabajo circular. Politik, su primera canción habla de amor, el homónimo del disco del que ya hemos hablado tiene la guerra como escenario -es la referencia más clara hacia el 11-S- y Amsterdam cierra el álbum con una reflexión sobre la muerte, cruda pero cálida a la vez.

Parece mentira pero, entre el cierre de Blur, la consolidación de Gorillaz como algo más que una diversión y los proyectos colectivos con otros músicos, desde los supergrupos The Good, The Bad and The Queen y Rocketjuice & the Moon a sus aproximaciones más exóticas con Mali Music, Damon Albarn apenas se había centrado en su carrera en solitario. El británico parecía sentirse cómodo en una posición de perfil bajo, si no invisible, al menos mucho más modesta, dirigiendo sus proyectos desde la última fila y dejándose arropar por el trabajo de los demás. No deja de tener su punto que se haya decidido a hacerlo ahora, cuando se cumplen 20 años de la oleada brit-pop y la prensa musical dirige toda su artillería hacia el revival.

El Albarn de 2014 es un señor madurito (46 años, padre de una chica de 14), algunos de cuyos últimos proyectos han estado vinculados a la ópera. Esto no es ni bueno ni malo, aunque estaba por ver si el músico iba a tomar un camino parecido al de Dr. Dree (2012), la versión grabada de su proyecto escénico con el director teatral Rufus Norris, donde exhibía necesariamente una coartada conceptual. Nada que ver: Everyday Robots supone su vuelta al pop, si es que alguna vez lo dejó. Es su primer disco en solitario, aunque lo hace acompañado de Brian Eno y Natasha Khan de Bat for Lashes y con Richard Russell, jefazo del sello XL Recordings, a la producción.

Como indica su título, Everyday Robots habla sobre la tecnología diaria y cómo interfiere en lo que nos hace humanos. En su tono melancólico hay mucho de un Albarn que se ve a sí mismo envejecer en un ambiente dominado por las pantallas táctiles, los botones y los besos fríos. “We are everyday robots on our phones, in the process of getting home. Looking like standing stones, out there on our own”, canta en la canción que da título al álbum.

El mundo que describe el músico tiene algo de futuro inmediato, de pasado mañana, y en su reflexión sobre el lugar que ocupan nuestras máquinas como sustitutos de cierta humanidad hay también algo de Her (Spike Jonze): son canciones donde la vida se muestra atrapada en capturas de iPad, favorable a los sentimientos automáticos (“If you're lonely press play”) y, en general, preocupadas por el silencio en la era de las comunicaciones: “It’s hard to be a lover when the TV’s on and there’s nothing in your eyes”, canta en The Selfish Giant.

Cara y cruz de la tercera revolución industrial

Albarn no es un ludita, pero como reconocía en una entrevista con The Quietus, se siente a la vez dentro y fuera de este mundo online y tecnológico en el que son cifras y porcentajes los que “determinan nuestra popularidad o nuestro valor, lo cual es muy raro”. Para Albarn, “las redes sociales son un droga”. ¿Algo más? “Está la idea de que Internet es un gran democratizador de todo, pero hoy en día es más bien como un Gran Hermano que funciona las 24 horas del día y que nos divide en subculturas y nichos. Estamos aislados”.

En estas canciones también hay experiencias personales de Albarn y recuerdos de cómo su entorno más cercano ha ido cambiando durante las últimas décadas, como en The History Of A Cheating Heart o en Hollow Ponds, que funciona como uno de esos montajes en los que una figura central permanece quieta mientras las calles, los edificios, los coches y las personas se mueven a cámara rápida y van cambiando, desde los años setenta hasta ahora. También se refiere de manera más o menos explícita a su periodo como adicto a la heroína en You & Me.

La aproximación a la música en Everyday Robots también se esfuerza en que lo sintético y orgánico convivan sin rechazarse mutuamente, lo que puede verse como una cierta thomyorkización de Albarn, que en más de un momento también recuerda a Bowie. Esto es más evidente en la parte central del disco, donde discurren de forma líquida The Selfish Giant, You&Me y Hollow Ponds (junto a dos instrumentales, Parakeeet y Seven High), canciones que se ajustan al canon Radiohead: coros celestiales y voces filtradas, electrónica que aparece sacada de una cajita de música y chasquidos digitales, pianos, guitarras y algunos arreglos de cuerda, todo ejecutado con una lentitud reflexiva y tristona. Lo que no quita para que a veces le salga el ramalazo Gorillaz, como en la estupenda Mr. Tembo. Quién nos lo iba a decir hacer veinte años, eh.

Everyday Robots sale a la venta el lunes. Mientras tanto, se puede escuchar en iTunes.

CANCIÓN DE LA SEMANAColdplay: Oceans

CANCIÓN DE LA SEMANAColdplay: Oceans

OceansSe agradece que, después de los excesos de rock de estadio a los que se entregó el grupo en Mylo Xyloto (2011), Coldplay hayan rebajado el grado de pirotecnia y confetti musical y hayan preparado un disco “menos pomposo” en Ghost Stories (a la venta a mediados de mayo). ¿Más experimental? Por desgracia, su colaboración con el genial Jon Hopkins se ha limitado a una sola canción (esa Midnight en la que muchos han visto a Bon Iver y que ya ha sido remezclada por Moroder), aunque cada nuevo single sacado por la banda ahonda en esa producción cristalina, con las texturas gélidas propias de la electrónica y sin tanta épica (Magic).

Oceans ha sido estrenado por el grupo en la BBC, se deja mecer por suaves arreglos de cuerda y coloca en primer plano la guitarra acústica, lo que lo acerca su sonido al de los dos primeros trabajos de Coldplay, especialmente al ya lejano Parachutes (2000).

CLÁSICO DE LA SEMANALoop: Heaven’s End (1987)

CLÁSICO DE LA SEMANALoop: Heaven’s End (1987)

Heaven’s EndEl apabullante cartel del Austin Psych Festival, que se celebra del 2 al 4 de mayo en la localidad texana, da un idea de cuán amplio es actualmente el concepto de psicodelia, un recipiente donde cabe pop, rock, folk y electrónica, drone, sonidos del espacio, ruido y oscuridades varias. Su cartel también está lleno de joyas ocultas que buscan ser rescatadas. La vuelta de Loop tras un casi cuarto de siglo es un milagro. El grupo británico ya dio el pasado otoño sus primeros pasos hacia la vuelta a los escenarios, se dejó ver por el festival All Tomorrow’s Parties y reeditó parte de su discografía.

Loop partían de la psicodelia de los años sesenta pero en el entorno del rock alternativo de finales de los ochenta, el de la distorsión sonora de Ride y My Bloody Valentine, pero también el de los viajes espaciales de grupos al otro lado de océano, especialmente Spacemen 3 o incluso los primeros Mercury Rev. Publicado en 1987 en su propio sello, Heaven’s End fue el debut de Loop y ya hacía de la repetición y del trance la marca registrada de su sonido. Diferenciar aquí entre canciones no tiene demasiado sentido: la aparente monotonía conseguida con la repetición de unos pocos acordes esconde en realidad un trabajo imaginativo y un tratamiento complejo del sonido en el que no es difícil ver a algunos grupos de la actual hornada psicodélica británica como Hookworms y The Oscillation.

Hay en Heaven’s End también mucho de homenaje a sus predecesores, y más teniendo en cuenta que el grupo no había hecho más que dar sus primeros pasos y aún tenía por delante dos discos más: hay psicodelia y noise, rock crudo, hay mantras según la escuela del krautrock y Rocket USA es puro Suicide, por ejemplo. Como decía en una entrevista reciente Robert Hampson, cantante y guitarrista de Loop, “cualquier cosa que puedas pensar en términos musicales ya ha sido hecha antes por alguien, en algún lugar. Da igual que esté basado en la experimentación o el arte o que sea rock’n’roll sin más: ya se ha hecho antes. Lo que hace a una banda sonar diferente en es la forma en que consigue articular esas influencias. Puedes utilizarlas, pero siempre para crear algo nuevo a partir de ellas. No puedes obsesionarte con tus influencias o acabarás convertido en un pastiche”.

VÍDEO DE LA SEMANAReal Estate: Crimes

VÍDEO DE LA SEMANAReal Estate: Crimes

CrimesLos chicos de Real Estate ya nos habían enseñado en un video anterior cómo tocar Crimes a través de un karaoke para guitarras, y ahora dan un paso más en este videoclip dirigido por el gamberro Tom Scharpling y protagonizado por Andy Daly. Como dice su creativo, desesperado por vender su idea y con algunos apuros económicos, el vídeo lo tiene todo: skaters zombis y vampiros, estatuas de cerámica, cameos de famosos, protestantes enfurecidos y mucho product placement.

CONCIERTO DE LA SEMANA Femi Kuti en Madrid

CONCIERTO DE LA SEMANA Femi Kuti en Madrid

Femi Kuti ha iniciado esta semana en Zaragoza la gira de presentación por España de No Place for My Dream (Naïve 2013), su séptimo disco, en el que ha pretendido volver a la esencia del afrobeat. El nigeriano pasó ayer por Barcelona y hoy hará parada en Madrid acompañado de Positive Force, una banda numerosa que le aporta guitarra, teclado, bajo, baterías, percusión, trompetas, saxos y baile. El recital es en la sala BUT y se pueden comprar las entradas aquí.