El productor, director y cofundador de Morena Films Álvaro Longoria participará el 10 de septiembre en una nueva sesión del ciclo 'Así se hace' en el Centro Botín, donde abordará que “detrás de cada película hay un proceso de creación lleno de decisiones, referencias, cambios y aprendizajes que pocas veces conoce el espectador”.

Longoria, quien cuenta con más de dos décadas dedicado al mundo audiovisual, compartirá su experiencia en proyectos muy diversos, desde películas como 'Campeones' (2018), 'Che, el argentino' (2008) o 'Habitación en Roma' (2010), de las que fue productor, hasta documentales como 'Hijos de las nubes, la última colonia', que dirigió y que obtuvo el Premio Goya a la Mejor Película Documental en 2013.

El cineasta santanderino ha explicado que a partir de esa experiencia, compartirá su manera de entender el séptimo arte y lo aprendido durante estos años de trabajo.

El público también tendrá la oportunidad de participar en la conversación y plantear sus preguntas, convirtiendo el encuentro en una ocasión para descubrir los entresijos de la creación audiovisual.

La sesión de Longoria precede al inicio de la X edición del Festival de Cine de Santander, que comenzará el 11 de septiembre y tendrá al Centro Botín como coorganizador junto a Morena Films y sede principal hasta el día 17.

Por otra parte, este viernes 4, a las 19.00 horas, será la última oportunidad para descubrir 'Yuko Mohri: Entrelazamientos' a través del movimiento. El bailarín cántabro de origen guineano Juan Manuel Rondo Epitie, conocido como Ronin, regresará al Centro Botín con 'Energía en movimiento', una visita experiencia que propone recorrer las instalaciones de la artista japonesa alejándose de la contemplación habitual para experimentar físicamente algunas de las conexiones y fenómenos que atraviesan su obra.

“Cinco cosas que no sabías sobre Trainspotting, ¡la cuarta te sorprenderá!”. Encontrarse un titular así es, ahora mismo, lo más habitual. También ver en muchos periódicos cómo el sexo, la sangre, lo rocambolesco y los sucesos escabrosos se venden a gran tamaño. El sensacionalismo llegó para quedarse y ahora no está solo instalado en los medios escritos. Ahora hay muchas ventanas nuevas para contar historias que quizá no sean verdad, pero venden. La pregunta es, como diría Mario Vargas Llosa en Conversación en la Catedral, ¿en qué momento se jodió el Perú?, o en este caso, en qué momento el periodismo inició una bajada a los infiernos en pos de vender más ejemplares y, posteriormente, lograr más clics.

Para responder a esa pregunta, el cineasta Danny Boyle, autor de títulos fundamentales del cine moderno como Trainspotting, adapta la obra de teatro Ink, de James Graham, en una película que ha inaugurado el Festival de Venecia y que sitúa el punto de inflexión en 1969, cuando Rupert Murdoch compra el periódico británico The Sun y le da su dirección al ambicioso Larry Lamb. A golpe de talonario fichó un plantel que llegaba de los tabloides de la competencia y que ya bordeaban el temido sensacionalismo. Así construye un periódico (y la primera piedra de un gran imperio) cuya misión, a priori imposible, era convertirse en el medio más vendido del mundo, superando al Daily Mirror.

Para ello deciden que eso de las cinco W está bien, pero que lo más importante es contarle a la gente normal, de la calle, las cosas que les interesan. En una de las mejores escenas de la versión de Boyle, el equipo cuenta qué hacen ellos en su tiempo libre: beber, follar, ver fútbol… pues eso es lo que le darán a los lectores. En vez de hacer que la gente se interese por lo que ellos deciden que es importante (la política internacional, el problema de la vivienda...), invertirán el orden para hacer que los hobbies se conviertan en historias. Escudados en un falso mantra de darle el poder a la gente convirtieron las noticias en un pozo donde cambiaron las reglas para siempre.

Lo hicieron a golpe de sexo —nunca antes se habían mostrado mujeres desnudas en un periódico—, horóscopo y mucho suceso. La sangre y la muerte venden. A cambio, también vendieron sus principios: acabaron con la unión sindical que protegía a los trabajadores de la imprenta y apoyaron un Gobierno de los conservadores que acabó con la victoria de Margaret Thatcher. Al final, The Sun fue un caballo de Troya que hizo que la clase obrera terminara respaldando a políticos que legislaban en contra de sus propios intereses.

Ink se había vendido como un biopic de Rupert Murdoch, y sin embargo Murdoch —al que da vida Guy Pearce— acaba siendo un secundario que cede el protagonismo, y hasta la culpa, a Larry Lamb —un excesivo Jack O’Connell—, el periodista con complejo de clase obsesionado con ganar y que cruzó todas las líneas rojas posibles, hasta dar información sensible del secuestro de la mujer de un compañero del periódico o mostrar un desnudo frontal —algo hasta entonces prohibido— y sacar a las esposas de los futbolistas para alentar el cotilleo.

El problema es que para denunciar el sensacionalismo, para criticar cómo todo se ha convertido en historias de consumo rápido, sin poso y que solo buscan el efecto inmediato, se ha elegido al director más efectista y, llevándolo al límite, sensacionalista posible. Danny Boyle tira de todo su arsenal de recursos: montaje frenético, banda sonora a todo trapo, fundidos, imágenes distorsionadas, cartelas… para contar lo que critica. Ink es una película contradictoria, que abusa de fuegos artificiales para contar algo que merecía más calma y más rigor.

Porque Graham —que escribe el guion adaptando su propia obra— y Boyle aciertan en el diagnóstico, pero fallan en las formas y en dejar escapar con vida a sus protagonistas, a los que otorgan coartadas morales todo el tiempo. Especialmente a ese Murdoch que acabó haciendo lo mismo en Fox, destrozando el panorama mediático mundial, y al que solo se le presenta como un empresario que no ve con buenos ojos lo que hace Lamb, pero que calla ante el aumento de periódicos vendidos.

Solo les sale el colmillo en una última escena en la que tiende un puente con el presente y donde vemos el eco de todo aquello: influencers, redes sociales, Elon Musk, Mark Zuckerberg, Donald Trump y un ecosistema donde la verdad ya no importa nada.

La película que nadie quería hacer

En la rueda de prensa del filme, Danny Boyle contó que nadie quería producir la película, y que fueron Canal + y StudioCanal quienes decidieron apostar por una historia que, “aunque esté ambientada en 1969, la intención era que se sintiera actual y tratara sobre el mundo moderno”. Además, agradecieron a Alberto Barbera que también se arriesgara a inaugurar el certamen con la película de Boyle.

El director subrayó algo que se ve en el filme, y es que no ha querido “convertir en monstruo” a Murdoch, e incluso reconoció que en aquel momento su llegada “representaba un soplo de aire fresco en una sociedad británica muy rígida”. “Todo comienza con algo divertido y diferente, algo que desafía un orden establecido... Por eso para nosotros era importante que el público se sintiera cómplice”, subrayó sobre su estilo visual que entronca con la montaña rusa que suponía leer The Sun. Pese a ello, defendió el periodismo como “uno de los grandes pilares de cualquier civilización”, y a los periodistas que dentro de la profesión “se enfrentan al poder y dicen la verdad, personas realmente importantes para la sociedad”, afirmó.

Por su parte, Jack O'Connell elevó la culpa de su personaje y dejó claro que él era solo una parte más de un engranaje y de una sociedad donde primaba “el consumismo y el capitalismo” y se daban “unas condiciones que Larry explota para su propio beneficio y su propio propósito”.

La cineasta estadounidense Maggie Gyllenhaal, presidenta este año del jurado del Festival de Venecia, reconoció este miércoles en una rueda de prensa que existe “un problema sistémico” en el mundo del cine que perjudica a las directoras.

“Diría que existe un problema sistémico. Evidentemente, creo que es mucho más difícil para las mujeres conseguir financiación para sus películas”, reflexionó la directora al ser preguntada por este tema en la rueda de prensa de apertura de la Mostra veneciana.

El festival, que arranca hoy su edición 83, ha recibido algunas críticas este año por la poca presencia de mujeres directoras en su competición por el León de Oro. De las 21 películas a concurso, solo dos llevan la firma de mujeres: 'Woman unknown', de la danesa May el-Toukhy, y 'Naza', de la israelí Rachel Szor y su compatriota Yuval Abraham.

Gyllenhall planteó la posibilidad de que “los temas sobre los que las mujeres quieren hacer películas, al haber tenido una experiencia diferente en el mundo, no siempre son vistos como 'alta cultura'”.

“¿Quién decide qué es bueno? ¿Quién decide qué es valioso?”, inquirió, reivindicando a las “muchas” mujeres que sí participarán en distintos jurados y secciones de la Mostra.

La cineasta también sopesó el hecho de que “ha pasado muy poco tiempo desde que las mujeres han tenido la oportunidad de hacer películas” y, por ello, “todavía queda camino por recorrer”.

“Llevará algún tiempo acostumbrarse al hecho de que, creo, muchas mujeres hacen películas de una manera bastante diferente a como las hacen los hombres”, zanjó.

Por otro lado, durante la rueda de prensa también salió a colación la gran cabida que el festival ha dado este año al cine político y a películas sobre guerras, crisis o tensiones sociales.

Su director, Alberto Barbera, aseguró que no existen “temas que se rechacen” a la hora de seleccionar las películas a concurso o los estrenos, ni tampoco vetos a directores o países. “El único requisito es la calidad, la complejidad de una obra”, agregó.

“Ahora tenemos muchas películas que hablan de actualidad, quizá porque la mayoría de directores tiene una sensibilidad especial y no quieren refugiarse en mundos de fantasía, prefiriendo afrontar cuestiones dramáticas en un momento particularmente difíciles”, sostuvo.

Gyllenhaal prometió hablar sobre esta cuestión durante la gala de apertura de esta noche pero lanzó una pregunta retórica a la prensa: “¿cómo es posible que estemos aquí hablando de cine ahora mismo, cuando el mundo se encuentra en estado de emergencia?”.

Para ella, la respuesta “tiene que ver con la empatía” porque, alegó, “el cine ofrece una oportunidad para encontrarla”, al asistir a historias rodadas y contadas por otras personas.

“No creo que haya ningún tema ni ningún cineasta que no deba ser escuchado. Creo que podemos desafiarnos a nosotros mismos para escuchar historias sobre las personas más corruptas, más perversas, porque eso nos brinda la oportunidad de encontrar empatía hacia esas personas e incluso de observar las formas en las que nosotros mismos podemos llevar dentro un pequeño lado malo”, defendió.

Junto a Gyllenhaal, en el jurado de la competición oficial de Venecia están las directoras y guionistas Kaouther Ben Hania (Túnez) y Shahrbanoo Sadat (Afganistán); el compositor británico Daniel Blumberg; los realizadores Xavier Giannoli (Francia) y Johnnie To (Hong Kong) y el profesor italiano de cine Francesco Casetti.

La 83.ª edición del Festival de Venecia arrancó este miércoles y transcurrirá a lo largo de los próximos once días, hasta que el 12 de septiembre anuncie la película ganadora de su León de Oro.

Si hay una imagen que represente casi a la perfección lo que representa en Festival de Venecia es la de George Clooney llegando al lido en un vaporetto. Una estrella de Hollywood, llena de glamour, llega a través del canal a la isla. Con sus gafas de sol, su carisma inigualable, saludando a la gente… Eso es lo que la Mostra quiere, el equilibrio entre estrellas, Hollywood y cine de autor. Y Clooney ha logrado ejemplificar eso, y por ello siempre ha tenido en el Festival de Venecia el mejor escaparate.

Fue aquí donde presentó Buenas noches y buena suerte, el filme que demostró que no solo era un rostro magnético, sino también un gran director. Ganó el Mejor guion, y desde entonces este ha sido el sitio donde los filmes que ha dirigido se presentan en sociedad. También aquellas películas que protagoniza. Hasta un filme tan formulaico como Wolfs, protagonizado junto a su amigo Brad Pitt, se presentó aquí fuera de concurso, y el año pasado rozó el premio de interpretación por Jay Kelly, homenaje a su figura que le escribió Noah Baumbach.

Ahora es la propia Mostra quien le homenajea con su León de Oro honorífico por toda su carrera. Y tiene sentido. La relación ha sido beneficiosa para ambos, y pocos cineastas de Hollywood en estos momentos no tienen miedo a sentarse en una rueda de prensa llena de periodistas en un momento en el que el mundo se tambalea.

Si el año pasado dejó a todos con la miel en los labios, ya que tuvo que cancelar por un problema de estómago, esta vez no falló y mostró que él es de los que habla. En menos de una hora puso a todos a sus pies derrochando carisma, pero mojándose y hablando de Trump, de política, de la fusión de Paramount-Warner, de Mark Ruffalo.

Hasta de la inteligencia artificial habló, de la que bromeó y dejó una de sus perlas: “No me gustaría estar en un anuncio de tampones 20 años después de muerto. Los deep fakes son un problema. He visto vídeos míos que no son míos, pero donde hablo de películas y digo cosas que nunca dije y eso me hace replantearme qué pasa cuando un gobierno no demasiado listo ve un video falso diciendo que Putin ha lanzado su primer ataque nuclear”.

Por ello defendió la necesidad del buen periodismo, aunque ahora su estado de salud “esté en duda”. “Las personas más ricas del mundo en este momento son propietarias de The Washington Post, y Twitter. Eso es motivo de preocupación, pero todavía hay mucho espacio para un buen periodismo, y yo soy hijo de periodista. Mi esposa es hija de un periodista y no sentimos más que admiración y apoyo por el periodismo. De hecho, nuestra fundación se dedica a sacar de la cárcel a los periodistas que se han opuesto a los regímenes”, explicaba Clooney en la rueda de prensa.

Confesó que sigue siendo “optimista”, aunque no le den motivos para ello. “Es cierto que vivimos una situación poco afortunada, pero superaremos todo esto”, apuntó y se acordó de cómo EEUU vivió una época oscura tras el asesinato de Kennedy. Un tiempo que le recuerda al actual. Por eso definió su país en el momento actual como una “caquistocracia”, o lo que es lo mismo, un sistema donde “los menos capaces son los que gobiernan, hombres que han hecho de la crueldad un divertimento”. Y por si parecía que el dardo era solo para Trump, al que citó con nombres y apellidos fue al secretario de Estado de Guerra, Pete Hegseth. “Pero estoy convencido de que superaremos esto y emergeremos mejor”, zanjó y señaló la importancia de las midterms del año que viene.

Las personas más ricas del mundo en este momento son propietarias de The Washington Post, y Twitter. Eso es motivo de preocupación, pero todavía hay espacio para un buen periodismo

George Clooney — Actor

Otro de los asuntos candentes de la política de EEUU, y que afecta a Hollywood directamente es la fusión de Warner y Paramount, cuyo presidente ha acusado al actor Mark Ruffalo de antisemitismo por sus declaraciones criticando la operación económica y el genocidio en Gaza. Clooney defendió al actor diciendo que apoya su “capacidad de expresarse libremente”, y cuestionó la fusión. “Siempre me preocupa cuando las grandes empresas se fusionan, porque normalmente eso significa que mucha gente pierde sus puestos de trabajo. Esa es la verdad. Pero ya veremos. Estamos atravesando una revolución en nuestra industria”, puntualizó.

A sus 65 años empieza a notar que “todo lo que tiene que ver con la vejez lleva a la melancolía”. “Generalmente, nos fijamos en las cosas malas, pero la vida es bella y tenemos la obligación de festejar las cosas bellas que nos presenta la vida”, añadió volviendo a su optimismo contagioso y tras subrayar la importancia de Venecia en su vida profesional y personal.

Una vida profesional que, desde hace años se limita a la interpretación y ya no a la dirección, algo que también quiso explicar: “Tengo dos hijos, una mujer a la que amo y no me planteo ningún proyecto como director por la sencilla razón de que quiero pasar más tiempo con ellos. Puede tomarme unos meses como actor, pero dirigir ocupa un año entero como mínimo. Mi prioridad ahora mismo es otra”.

La actriz Naomi Watts recibirá un Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián, cuya edición se celebrará del 18 al 26 de septiembre. La también productora será homenajeada en una gala en el Kursaal el día 19 debido a su larga y exitosa trayectoria, donde se presentará el largometraje The Housewife (La esposa perfecta), debut en la dirección del canadiense Ben Shirinian que ella misma protagoniza. Watts se une así a Werner Herzog, quien también recibirá dicha distinción.

Reconocida como una de las actrices más talentosas de su generación, la carrera de Watts abarca desde el cine independiente hasta grandes superproducciones tanto en televisión como en la gran pantalla. De hecho, acumula dos nominaciones al Oscar por sus interpretaciones en 21 gramos (2003), de Alejandro González Iñárritu, y Lo imposible (2012), de Bayona.

Su salto a la fama llegó con Mulholland Drive (2001), bajo la dirección de David Lynch, con una actuación que ya es considerada un referente del cine moderno. Además, a lo largo de su trayectoria ha trabajado con realizadores de la talla de Peter Jackson, David Cronenberg, Clint Eastwood, Michael Haneke, Audrey Diwan y Noah Baumbach, además de Rodrigo García, con quien presentó Madres e hijas en la clausura fuera de competición del Festival de San Sebastián en 2009.

De origen británico y crianza australiana, Naomi Watts inició sus estudios de arte dramático en la adolescencia y debutó en la gran pantalla con Flirting, de John Duigan. Más tarde produjo y protagonizó el corto Ellie Parker, presentado en Sundance y convertido posteriormente en largometraje. En su extensa filmografía, donde también hubo lugar para las superproducciones, destacan títulos como King Kong (Peter Jackson), la saga The Ring (Gore Verbinski), Promesas del este (David Cronenberg) o Funny Games (Michael Haneke).

Aparte de su faceta actoral, Watts destaca como productora, empresaria y activista que ha transformado la conversación sobre la salud de las mujeres. En 2025 logró posicionar su libro Me atrevo a contarlo: Todo lo que me hubiera gustado saber sobre la menopausia en la lista de superventas del New York Times. En 2022 lanzó Stripes Beauty, una firma de cuidado personal fundamentada en la ciencia que busca romper estigmas sobre esta etapa vital mediante productos innovadores, educación y apoyo comunitario.

En el ámbito televisivo, cosechó su primera candidatura al Emmy tras encarnar a Babe Paley en Feud: Capote vs. The Swans, la segunda entrega de la serie antológica de Ryan Murphy para FX. Además, ha dejado una huella importante con roles protagonistas en Vigilante y Gypsy (donde también fue productora ejecutiva) en Netflix, la miniserie La voz más alta (Showtime) dando vida a Gretchen Carlson junto a Russell Crowe, Twin Peaks: The Return de David Lynch, e incluso una recordada colaboración en BoJack Horseman.

Su trabajo ha sido reconocido con galardones como el Premio Montecito (Festival de Santa Bárbara), el Desert Palm (Palm Springs), el trofeo a la Estrella Femenina del Mañana de ShoWest, el premio a la Mejor Interpretación Novel en Hollywood y un tributo a toda su carrera en el Festival de Cine Americano de Deauville.

El año pasado, el Festival de Venecia vio como el Lido se convertía en centro de las protestas en contra del genocidio en Gaza y en apoyo a Palestina. Desde Venice for Palestine se organizaron manifestaciones y se publicó una carta donde se pedía al certamen que condenara de manera pública el genocidio, algo que la Mostra no hizo. Ocurría en el pico más alto de las manifestaciones ciudadanas por la masacre cometida por el ejército de Israel, y en una edición en la que La voz de Hind era una de las películas más importantes.

Un año despues, Venice for Palestine ha publicado de nuevo una carta, aunque esta vez menos numerosa en sus firmas que el año anterior. Aun así, decenas de personalidades del cine e instituciones, entre los que destacan nombres como Isabel Coixet, Paul Laverty, Annie Ernaux, Celine Sciamma o Guy Pearce, han firmado la misiva que pide al certamen “medidas concretas”, así como la “suspensión de acuerdos con organizaciones e instituciones vinculadas al gobierno israelí, la introducción de salvaguardias para los profesionales que opten por desvincularse de dichos vínculos y que la bandera palestina ondee durante todo el Festival”, ya que habrá dos filmes palestinos entre sus secciones oficiales.

Son los puntos que destacan en la carta, que también apoyan Roger Waters, Matteo Garrone, Anna Foglietta, Fabrizio Gifuni, Greta Scarano, Jasmine Trinca, Luigi Lo Cascio, Nan Goldin, Paul Laverty, Teona Strugar Mitevska y Saleh Bakri, junto con “muchas otras figuras destacadas de la comunidad cinematográfica y cultural internacional”.

“Hace un año, miles de personas respondieron al llamado de Venice for Palestine para que Palestina ocupara un lugar central en el Festival de Cine y la resistencia del pueblo palestino se situara en el centro del debate público”, recuerdan en la carta remitida a los medios. Sin embargo, subrayan que “se ha instaurado una 'nueva normalidad', propiciada por un falso alto el fuego”. “Israel no solo no ha detenido sus atrocidades, sino que las ha continuado, extendiendo su poderío militar hacia Cisjordania, Siria, Líbano e Irán. Nada ha cambiado para el pueblo palestino, y las lágrimas que hemos derramado por una película no bastan para absolvernos; más bien, son prueba de que no estamos aprovechando nuestra capacidad de acción colectiva con la fuerza suficiente”, añaden.

Por ello, creen que es el momento de volver a las “acciones colectivas para lograr un impacto concreto en los mecanismos de complicidad y normalización” y hacen un “llamamiento a todas las personas y organizaciones de los sectores cinematográfico, mediático y cultural para que se unan y construyan un marco de apoyo que proteja a los trabajadores de los riesgos profesionales asociados a tomar una postura concreta contra el genocidio, rompiendo así la amenaza a su sustento que actualmente desalienta la disidencia”.

De forma simbólica piden al festival que, para honrar a las dos películas palestinas seleccionadas se “ice la bandera palestina junto a las que representan a todas las demás películas de la selección oficial durante el evento”. “Esto sigue la práctica habitual y se alinea con las comunicaciones oficiales del Festival”, explican.

Tras los anuncios de la sección oficial a competición, el Festival de San Sebastián ha seleccionado 16 largometrajes a concurso para el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián en su sección Perlak de este año, además de uno fuera de concurso que realizará la clausura, Juste une illusion, de Olivier Nakache y Eric Toledano. Un anuncio que se suma a la presencia de La bola negra, de Javier Ambrossi y Javier Calvo que ya había sido anunciada.

Once de los títulos han pasado por Cannes, entre ellos la Palma de Oro, los premios ex aequo a la mejor dirección y los galardones a la mejor interpretación femenina y masculina, mientras que otras películas proceden de festivales como Venecia, Berlín o Sundance. Entre los directores seleccionados están Olivia Wilde, Pawel Pawlikowski, Cristian Mungiu o Ira Sachs.

La selección cuenta con el título que se ha alzado con la Palma de Oro a mejor película en el Festival de Cannes, además del Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI de la competición. En Fjord, el cineasta rumano Cristian Mungiu (4 Months, 3 Weeks and 2 Days) cuenta la historia de una pareja rumano-noruega muy religiosa que se instala en un pueblo situado en un remoto fiordo.

Olivia Wilde dirige y protagoniza The Invite (La invitación), una cinta sobre las grietas y los conflictos que pueden surgir en distintos momentos de la vida en pareja. Tras mostrar el largometraje en Sundance, Wilde, acompañada en el reparto por Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton, regresa a San Sebastián, donde ya presentó su segundo filme como directora Don’t Worry Darling (No te preocupes querida) (Perlak, 2022).

El cineasta polaco Pawel Pawlikowski (Cold War, Ida) regresa a la Europa de la posguerra con Fatherland. Y el cineasta ruso Andrey Zvyagintsev (Novosibirsk, 1964) volverá para inaugurar la sección con Minotaur (Minotauro), ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes.

Tras su estreno en el Festival de Venecia, el director y actor italiano Nanni Moretti (Brunico, 1953) presentará Succederà questa notte / It Will Happen Tonight (Sucederá esta noche), que fue rodada parcialmente en San Sebastián el año pasado. La estadounidense Beth de Araújo (San Francisco, 1985) mostrará en San Sebastián su segundo largometraje, Josephine, después de alzarse con el Premio del Público y el Gran Premio del Jurado en Sundance, y participar en competición oficial en la Berlinale.

Tras años dedicado a la animación 3D en Pixar (WALL-E , Up) el animador francés Louis Clichy (Chartres, 1977) se estrena en solitario —codirigió con Alexandre Astier dos películas de animación de Astérix— con Le corset / Iron Boy, creado con animación tradicional y que le ha valido el Premio Especial del Jurado en la sección Un Certain Regard de Cannes, así como el Premio Especial del Jurado y el Premio del Público al mejor largometraje en el Festival de Annecy. La sección contará con otra película de animación, Tangles, el debut en el largometraje de la directora canadiense Leah Nelson, que se estrenó en Cannes como Proyección Especial.

El cineasta belga Lukas Dhont (Gante, 1991) proyectará su tercer filme en San Sebastián, Coward (Cobarde), donde dos soldados de la I Guerra Mundial que se enamoran. El escritor, productor y actor estadounidense Jordan Firstman (Nueva York, 1991) dirige y protagoniza su debut en el largometraje, Club Kid, en cuyo reparto está también Cara Delevingne. El japonés Ryusuke Hamaguchi (Kawasaki, 1978) firma Soudain / All of a Sudden (De repente), en el que sus actrices Virginie Efira y Tao Okamoto lograron en Cannes el premio ex aequo a la mejor interpretación femenina por sus papeles.

El surcoreano Na Hong-jin (Seúl, 1974) se estrenará en San Sebastián con Hope, un filme lleno de acción y humor con dos alienígenas a quienes dan vida Michael Fassbender y Alicia Vikander. John Malkovich, Sam Rockwell y Steve Buscemi componen el reparto de Wild Horse Nine, la última película del cineasta británico Martin McDonagh. Rami Malek encabeza el reparto de The Man I Love, una película con la que Ira Sachs ha participado en la competición oficial de Cannes y en la que un artista underground se enfrenta a un momento decisivo en la Nueva York de finales de los 80.

El Festival Internacional de Cine de Almagro (AIFF) ha premiado como Mejor Cortometraje Nacional a 'El fantasma de la quinta“', de James A. Castillo, alzándose 'Vultures' (Buitres), de Dyan Weis, con el galardón al Mejor Cortometraje Internacional.

El festival ha entregado la Mención Especial Nacional a 'El congelador', de Raúl de la Fuente y Amaia Remírez, y Mención Especial Internacional ha recaído en 'Di primo pelo' (Primer Bello), de Domenico Cicerone.

Este certamen ha celebrado su novena edición en el Teatro Adolfo Marsillach-Hospital de San Juan, una velada que reunió a profesionales y representantes del sector audiovisual y puso el broche a la competición oficial del certamen.

La gala, presentada por el humorista Fran Pati, contó con la presencia de las actrices Toni Acosta y Estefanía de los Santos, la productora Chelo Loureiro, galardonada con cinco Premios Goya, el productor y distribuidor Emilio Oliete y otros profesionales vinculados al mundo audiovisual.

La noche incluyó también una nueva edición de los Premios 'Audio-Visual' de Bandas Sonoras, en la que los siete artistas seleccionados interpretaron en directo sus composiciones mientras se proyectaban los cortometrajes asignados.

El Premio 'Audio-Visual' fue oara Mateo Falgas, mientras que el Premio del Público 'Audio-Visual' ha recaído en Iratxe Ibaibarriaga.

El Festival de Cine de Santander, que se celebrará entre el 11 y el 17 de septiembre, concederá el Faro Verde de su décima edición a la actriz Elena Anaya como reconocimiento a una trayectoria que trasciende el ámbito estrictamente artístico y refleja “un firme compromiso con la defensa del medioambiente y la sensibilización social”.

En un comunicado, la organización ha recordado que el galardón distingue cada año a personas, entidades o profesionales de la industria audiovisual que utilizan su influencia para promover la protección del entorno natural y fomentar una mayor conciencia sobre la sostenibilidad.

La directora del Festival de Cine de Santander, Julia Olmo, ha subrayado que este premio tiene un significado especial porque “representa la unión entre una brillante carrera cinematográfica y una implicación personal con causas vinculadas a la conservación de la naturaleza, especialmente de los océanos”.

En este sentido, ha destacado que la actriz ha prestado su voz y su imagen a iniciativas de sensibilización ambiental y ha colaborado con proyectos documentales que ponen el foco en la protección de los ecosistemas marinos, contribuyendo a acercar estas problemáticas al gran público.

“Su compromiso ha ido más allá de declaraciones puntuales, participando activamente en campañas de concienciación y apoyando el trabajo de organizaciones dedicadas a la defensa del planeta”, ha dicho.

Elena Anaya recibirá el Faro Verde de esta décima edición del Festival de Cine de Santander el sábado 12 de septiembre en el Centro Botín.

Además, ese mismo día, en el Teatro Casyc, se proyectará el documental 'Las estaciones' (Les saisons), una producción francesa dirigida por Jacques Perrin y Jacques Cluzaud que gira en torno a la naturaleza y la relación del ser humano con los animales desde la última Edad del Hielo y a la que la actriz ha puesto su voz en la versión en español de la narración.

Finalmente, el festival ha recordado que Anaya es ganadora del Premio Goya por 'La piel que habito', dirigida por Pedro Almodóvar, y protagonista de una filmografía que combina cine de autor y grandes producciones internacionales.

El Festival de Cine de Venecia contará con la coproducción española Búnker dentro de su sección oficial en competición por el preciado León de Oro. El filme, dirigido por Florian Zeller, es una coproducción entre Francia y España, a cargo de Mod Producciones, responsable de títulos como El Cautivo. Además, Búnker cuenta con el atractivo de ver juntos en un filme a Javier Bardem y Penélope Cruz en la que será la octava vez que trabajan juntos y la primera desde Todos lo saben, de Asghar Farhadi.

Búnker es un thriller psicológico donde ambos dan vida a un matrimonio. Él (Bardem) es un arquitecto que acepta un proyecto moralmente ambiguo —construir un búnker de supervivencia para un multimillonario tecnológico—, mientras que su esposa (Cruz) comienza a cuestionar su matrimonio tras 17 años juntos. Completan el reparto Stephen Graham, Patrick Schwarzenegger, Paul Dano y Mark Gatiss.

También opta al León de Oro y también con producción española lo nuevo de Nanni Moretti, que cuenta con la participación de las españolas Bteam Prods e Irusoin. Sucederá esta noche es el regreso del cineasta, que ganó la Palma de Oro por La habitación del hijo y que en esta ocasión cuenta con Louis Garrel y Jasmine Trinca como protagonistas. Desde finales de los 80 Mortetti no visitaba el Lido, debido a su habitual presencia en Cannes.

Será uno de los platos fuertes de una Mostra llena de estrellas. Empezando por sus dos leones de Oro honoríficos, que se entregarán a George Clooney y a Ellen Burstin, pero siguiendo por su sección oficial, que un año más parece diseñada para actuar como plataforma de lanzamiento para aquellos títulos que quieran optar a algo en la temporada de premios que culminará en los Oscar.

Entre ellas destaca el nuevo trabajo de Martin McDonagh, habitual de Venecia, y de los premios. Aquí presentó Tres anuncios en las afueras y Almas en pena de Inisherin. Por ambas se llevó el premio al Mejor guion y ambas acabaron nominadas a los premios de la Academia de Hollywood. Ahora estrenará Wild Horse Nine, una de las apuestas fuertes del cine anglosajón y que cuenta con John Malkovich, San Rockwell y Steve Buscemi al frente de una historia ambientada poco antes del golpe de Estado chileno de 1973, cuando unos agentes de la CIA son enviados desde Santiago a la Isla de Pascua por su jefe de oficina.

Robbert Pattinson será otra de las estrellas más esperadas gracias a Primetime, de Lance Oppenheim, producida por él junto a A24; igual que las hermanas Rooney y Kate Mara, que dan vida a dos hermanas en el regreso de Werner Herzog con Bucking Fastard. A las cinco películas italianas se una la fuerte presencia del cine francés y el siempre dominio del cine anglosajón. Pero también habrá hueco para autores como Lee Chang Dong, que presentará una de las películas más esperadas por los cinéfilos, Possible Love. O para Koreeda, que adapta un manga en Look Back.

De las 20 películas de Sección Oficial, solo una está dirigida por una mujer, demostrando el poco cuidado del equipo de Alberto Barbera en la paridad. Se trata de Kvinde Ukendt, de May el-Toukhy.

Además de estos 20 títulos, Venecia ha anunciado muchísimas obras que irán en sus secciones fuera de concurso, como lo nuevo de Paul Schrader, además de documentales que pondrán su mirada en los asuntos políticos más candentes. En ese sentido, se espera con ganas el filme sobre Elon Musk que ha dirigido Alex Gibney, así como el que ha realizado Laura Poitras sobre los asesinatos del ICE.

Alauda Ruiz de Azúa recibirá el Faro de Honor Carlos Saura en la décima edición del Festival de Cine de Santander, que se celebrará entre el 11 y el 17 de septiembre.

La organización ha recordado en un comunicado que su última película, 'Los domingos', obtuvo la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, así como cinco premios Goya, entre ellos, a mejor película, mejor dirección y mejor guion original.

Ruiz de Azúa participará además el sábado, 12 de septiembre, en una sesión de los 'Diálogos entre cineastas' en el Centro Botín, donde conversará con la productora cántabra Marisa Fernández Armenteros.

Se trata de una actividad paralela al festival que se puso en marcha en la edición pasada con la intención de acercar al público el trabajo de los cineastas y permitir que se conozca de primera mano los detalles sobre el proceso creativo y el trabajo de sus protagonistas.

La directora del festival, Júlia Olmo, ha destacado que la cineasta es “una de las voces más relevantes y personales del cine español contemporáneo”, y que después del éxito obtenido con 'Cinco lobitos' y con la buena acogida, tanto de crítica como de público, que ha tenido 'Los domingos', estrenada en 2025, “ha demostrado una extraordinaria capacidad para abordar conflictos íntimos y universales con una mirada honesta, sensible y profundamente cinematográfica.

El Faro de Honor Carlos Saura del Festival de Cine de Santander es un galardón que reconoce tanto la trayectoria cinematográfica consolidada como la influencia sobre las nuevas generaciones de creadores.

“En un certamen como el nuestro, que apuesta por apoyar a los nuevos talentos, este Faro de Honor viene a tender puentes entre el cine emergente y las grandes figuras del panorama cinematográfico”, afirma Júlia Olmo.

En las últimas ediciones, el Festival de Cine de Santander ha reconocido con este galardón la carrera de cineastas como Icíar Bollaín, Isaki Lacuesta o Isa Campo.

El Festival Internacional de Cine de Almagro (AIFF) ya tiene fechas definitivas para su novena edición, que se celebrará del 31 de julio al 9 de agosto. El certamen ha presentado además el cartel oficial de este año y ha abierto la venta online de entradas para las diferentes actividades del festival.

Bajo el lema 'Cruza el Umbral', el cartel de esta edición invita a descubrir el cine desde una nueva perspectiva. La imagen refleja el espíritu de un festival que apuesta por acercar al público no solo las películas, sino también todo lo que sucede alrededor de ellas: la creación, el intercambio de ideas y la innovación audiovisual.

Durante nueve días, Almagro volverá a convertirse en un punto de encuentro para espectadores, cineastas y profesionales de la industria audiovisual.

La programación incluirá la proyección inaugural del largometraje Dos días, la Sección Oficial de cortometrajes nacionales e internacionales, el concurso de bandas sonoras Audio-Visual, la primera edición de los Vertical Awards, las jornadas profesionales Mancha Quality y actividades dirigidas a todos los públicos.

Las entradas ya están disponibles a través de Global Entradas y toda la información sobre el festival y el calendario de actividades también puede consultarse en la página web oficial del AIFF.

El festival internacional de cine de Almagro cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura a través del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, Diputación de Ciudad Real y Ayuntamiento de Almagro, además del patrocinicio de distintas empresas privadas.

“Nos han pasado tantas cosas que daría para contar un cuento”, asegura una mujer, Beatriz, en los primeros minutos. Ejerce de limpiadora, junto a otras compañeras, dentro de las instalaciones de Matadero Madrid. Lleva décadas trabajando aquí, de modo que sus palabras entonan algo similar a un “érase una vez”. Una forma idónea de dar inicio a Vial Matadero, el nuevo documental de Juan Cavestany (Madrid, 1967). “En esta película no hay protagonistas porque es más bien coral, pero sí hay cinco o seis voces con las que recorremos el espacio y la de Beatriz es la más importante”, afirma.

Cavestany se topó con ella el primer día que acudió a Matadero, “para fotografiarlo y encontrarme con sus habitantes”. “Iba muy abierto a cualquier cosa, y cuando vas con esa actitud las cosas aparecen”, asegura. Venía, aun así, con ciertas instrucciones. “Luis E. Parés (director artístico de Cineteca Matadero) ya me conoce y me había dicho ‘no te vayas a fotografiar a frikis de los bares de alrededor’. Pero claro, el universo alrededor de Matadero es muy interesante. La plaza de Legazpi, la colonia del Pico del Pañuelo, los intercambiadores, los autobuses… es una zona de mucho movimiento y una suerte de frontera para Madrid, al lado del río y la glorieta de Cádiz, y Usera enfrente. Puedes ir abriendo todo tipo de círculos concéntricos alrededor”.

Así que su nuevo documental no se dedica únicamente al espacio que le presta título. Inspecciona los alrededores, con esa fruición por lo extraño que habría motivado la advertencia de Parés, y que tan asidua viene siendo a la filmografía de Cavestany, normalmente transmutada en comedia. “El humor para mí es fundamental”, reconoce el cineasta. “Me resulta imposible hacer nada sin una dosis de humor: es mi forma de expresar que no estoy muy seguro de lo que estoy diciendo. No quiero que parezca que le estoy dando una lección a alguien: es una forma de dar pie al ‘¿tú qué piensas?’ La idea de aparentar que estás sentando cátedra me da mucha vergüenza”.

Vergüenza se titulaba, justamente, uno de tantos proyectos de ficción —junto a Dispongo de barcos, Gente en sitios o El señor— que anteceden esta fase como documentalista en la que Cavestany lleva embarcado los últimos años. “Soy más documentalista de lo que yo pensaba”, reconoce. Y su gran objeto de estudio resulta ser Madrid. Con lo que tiene mucho sentido que Vial Matadero haya sido un encargo personal del citado Parés para la 23.ª edición de DocumentaMadrid.

La llamada de la realidad

DocumentaMadrid realiza sus proyecciones en la Cineteca de Matadero. Aun con secciones paralelas entre la Filmoteca, el Museo Reina Sofía o Casa Encendida, el epicentro del festival viene a ser entonces el Matadero que ha focalizado la atención de Cavestany, donde entre el 26 y el 31 de mayo han ido desfilando diversas obras documentales a competición. Así como “proyecciones especiales” entre las que destacan una retrospectiva del documentalista José Luis de Pablos, una pieza de Pier Paolo Pasolini sobre la huelga de barrenderos de Roma de 1970 reeditada bajo el título Revisitazione dello sciopero, o la propia Vial Matadero, que clausura el festival.

Esta edición de DocumentaMadrid se ha articulado según un lema, “Tomar el pulso”, aludiendo a la capacidad del documental para interpretar la realidad dentro de un presente frenético y confuso. “Es importante averiguar cómo relacionarnos con la realidad en un momento de tal explosión e hiperpresencia de contenido audiovisual”, asegura Cavestany. “El género documental es una forma de relación con lo real, una lectura urgente de la realidad que tiene mucho que ver con lo que yo hago. Lo más importante a la hora de hacer películas, incluso de buscar el sentido de un drama o una ficción, es mirar alrededor. Mirar a la persona que tienes sentada al lado en la terraza, mirar al tendero al que le compras pescado. Hay que mirarlo todo, registrarlo, pensarlo. Todo es un relato”.

“Y esto de acudir a lo urgente de las cosas me gusta, me gusta más la idea de ir a Matadero con esa premisa. Sin una idea preconcebida de lo que es Matadero o lo que quiero contar de él, sino simplemente ir a ver qué me encuentro”. Esta idea de Matadero como espacio dinámico y cambiante encaja bien con el título del documental: “Un vial es una vía, un eje, un conducto. Algo por donde pasa algo, que es lo que es Matadero. Al margen de que haya teatros, cines y tal, ante todo es un sitio de encuentro y de paso, una parte de Madrid. Un barrio de Madrid, incluso”.

“Yo no quería, y desde luego Documenta no me lo había pedido, un publirreportaje de Matadero. La película es divulgativa sobre Matadero y te cuenta lo que te puedes encontrar, pero no trata la programación ni los espacios que hay disponibles, ni es un llamamiento a ‘ven aquí, ya verás qué divertido’”, asegura Cavestany. Ocurre entonces, al margen de esta condición de encargo, que Vial Matadero encaja orgánicamente con lo que el director viene haciendo durante el último lustro. En particular con el díptico que integran Madrid, interior (2020) y Madrid, Ext. (2025). “Vial Matadero vendría a ser una pata, un epílogo u otro capítulo, de Madrid, Ext. Me he dado cuenta de que lo que quiero es rodar la ciudad, la gente y las calles. Y este encargo pues llega en el mejor momento”.

Lo más importante a la hora de hacer películas es mirar alrededor. A la persona que tienes sentada al lado en la terraza, al tendero al que le compras pescado. Todo es un relato

Juan Cavestany — Cineasta

El interior y el exterior de estos títulos previos vienen a entremezclarse en Vial Matadero. “Interior y exterior son conceptos relativos. Matadero es un sitio con el que a veces no sabes si estás fuera o dentro: estás dentro de Matadero y a la vez estás al aire libre. Y si yo voy al cine, por ejemplo, estoy en un interior, pero a la vez fuera de casa. Sales de casa a la aventura, y luego vuelves para reorganizar tu cabeza”, explica. “Cuando estrené Madrid, Ext. hablaba de mis ganas de salir a grabar la ciudad y reencontrarme con la gente y los espacios, pero en realidad secretamente el objetivo último era volver a casa con una especie de botín, un puzle que iba a reorganizar para jugar con él”.

Matadero como espejo de Madrid

No parece casual que estas ganas de Cavestany por explorar Madrid a través del documental surgieran en medio de la crisis del coronavirus. “Puede que tenga que ver con lo pandémico, sí. Salir a la calle tras la pandemia se sintió como un capítulo nuevo”, reconoce. “Yo ya antes había salido a fotografiar la ciudad, pero no de una forma tan sistemática. El covid-19 marca una intensificación”. No sólo en su actitud con respecto al paisaje urbano, sino a algo mucho más amplio que le trasciende como cineasta (y ciudadano madrileño). “Después de la pandemia las corrientes de globalización y turistificación de la ciudad se han exacerbado muchísimo así que tengo más ansia y más prisa por registrar y reflexionar acerca de todo lo que se está viniendo abajo”.

Los esfuerzos de Cavestany se desarrollan al compás de los cambios de Madrid. “Quiero retener esa imagen, esa fachada que se va perdiendo, y que a su vez ya era una capa que se puso en su momento sobre otra. Las capas siempre se superponen, pero este es un momento de gran transformación, y de ahí que haya un interés enorme, muy extendido, por mirar la ciudad y cuestionar lo que se está haciendo con ella”. Cavestany alude por ejemplo a Paco Graco, colectivo dedicado a la recuperación de rótulos y carteles de este Madrid que, en palabras de Cavestany, “se está deshaciendo”. El trabajo de Paco Graco ya había sido central, sin ir más lejos, en la propuesta de Madrid, Ext.

Estos esfuerzos dejarían entrever, por su parte, un acto de resistencia. “El paseo sin rumbo, la actitud flâneur, el habitar la ciudad rebelándose contra sus llamamientos al consumo”, prosigue Cavestany. “Hoy la ciudad parece cada vez más un parque temático del consumo y provoca una reacción de ‘no, yo no tengo por qué estar pagando por cada experiencia, por cada nueva oferta, por cada sitio que se reabre’. Queremos ir a los sitios a verlos, o queremos ir incluso a no-sitios, sitios de paso”.

¿Cómo se ubica entonces Matadero dentro de esta exploración estética? Pues, inevitablemente, como un símbolo suculento. “De forma intuitiva pienso que Matadero es un buen espejo de Madrid”. Como proyecto arquitectónico, Matadero cumplió 100 años el pasado 2024. Empezó ejerciendo de matadero proverbial y mercado de ganado, fue variando sus funciones entre la Guerra Civil y la dictadura franquista, y su cierre a mediados de los 90 precedió en una década la definitiva reconversión como espacio cultural. Esto sucedía, además, en el marco de unas reformas tan esenciales para la actual articulación de Madrid como el soterramiento de la M-30.

“En Matadero convive lo viejo y lo nuevo, la vanguardia y la posibilidad de una modernidad con todo lo que tiene de decrépito y contradictorio el pasado. Lo nuevo y lo viejo, lo noble y lo vulgar, todo eso está en Matadero”, asegura Cavestany con notoria pasión. “Y Matadero es aún en gran medida un espacio por hacer, algo que no está terminado. Se cerró en el 96, se reabrió en el 2006, y ahora supone una entidad potente pero aún sin consolidar. Te fuerza a pensar qué puede ser de él, adónde llegará”. Todo esto, además, definido por el espacio que ocupa.

Paseas por Madrid Río, y de un momento a otro te encuentras caminando por Matadero. “Está muy integrado a la propia ciudad”, apunta Cavestany. “Aunque en parte dé miedo por toda la especulación que trajo, el parque de Madrid Río y el soterramiento de la M-30 componen una de las historias de éxito del Madrid actual. Y Matadero se construyó porque ahí estaba el río, a fin de cuentas. Matadero y el río lo tienen todo que ver, y es una imagen muy bonita”. Una imagen que, en definitiva, enfatiza la fluidez que persigue el trabajo de Cavestany y particularmente Vial Matadero. La indeterminación, el cambio. “Es un espacio que nadie sabe definir. Siempre por descubrir”.

Después de presentar con éxito en Cannes y Sevilla su último filme, La vie après Siham, el cineasta Namir Abdel Messeeh, de 52 años, recala en el Festival de Cine Africano de Tarifa, donde se siente como en casa desde el primer minuto. “La luz es maravillosa, la gente es agradable, el festival es muy cálido, así que todo va bien”, celebra.

Su filme, un nuevo ejercicio de autoficción tras títulos como Toi, Waguih o La Vierge, les Coptes et moi, es una historia llena de ternura y desenfado que aborda el duelo tras la muerte de una madre, retratando las complejas dinámicas de la familia egipcia.

En La vie après Siham vuelve a poner la mirada sobre su familia, desde una óptica novedosa. ¿Es un tema inagotable?

He trabajado durante años sobre esa cuestión. Durante 20 años, casi todos mis filmes y cortometrajes han tenido como personajes principales miembros de mi familia: mi padre, mi madre, mis vecinos, mi familia en Egipto... Son mis personajes, los que grabé durante años. Es algo muy cercano, me gusta mucho porque los conozco muy bien y eso me lleva a querer grabarlos. Es un trabajo que conozco y que requiere una gimnasia un poco particular, porque no se trata simplemente de grabar a tu familia, sino también de contar una historia, de cómo transformar a quienes grabamos en personajes. La particularidad de este filme, que hizo el trabajo muy complicado y difícil, es que el personaje que quería grabar ya no estaba ahí, porque el filme comenzó después de la muerte de mi madre. Ahí se planteaba otro asunto complicado: cómo grabar a alguien que ya no está.

Esa idea, ¿estaba desde el principio?

Sí, el filme surgió como una especie de reacción a la muerte de mi madre, o de lucha, en realidad, contra la idea de la desaparición. Y así, con mis herramientas de cine, tenía el deseo de tratar de guardar a mi madre conmigo, de guardarla viva en un primer momento. Creo que eso fue el motor de este proyecto: una especie de reacción a la muerte y a la desaparición. Me di cuenta de que ella no estaba ahí, no podía grabarla. Así que, en un primer momento, intenté plasmarla a través de los testimonios de mi padre, de mi familia y de mis archivos. Poco a poco el filme se transformó y se dirigió más hacia cómo contar mi procedimiento; es decir, cómo contar el procedimiento de un hijo que intenta atravesar esta prueba que es la pérdida de una madre. Así que el tema evolucionó un poco. Quería grabar a Siham y después, en realidad, no quería grabar a Siham: quería grabar a Namir, quería grabar a Waguih, mi padre, quería grabar a mis hijos y a toda una familia que vive y sigue viviendo después de la pérdida y la desaparición de uno de los miembros de esta familia, uno tan importante como una madre.

El sentido del humor parece muy importante en el filme, ¿qué papel quería asignarle?

En realidad, no pienso en el humor. Cada uno tiene su forma de ser y su manera de relacionarse. Para mí, el humor es parte de mi manera de cambiar la realidad, de tomar distancia. Es también una manera de protegerme de momentos difíciles y todo eso. Y en el filme también fue así. Cuando hablo de crear personajes, el humor fue un medio para permitir al espectador entrar en una historia que no es suya, y que puede ser difícil. Tener ese alivio a través del humor permite encontrar una puerta para que el espectador pueda entrar en la historia. En el filme, mi padre dice algo que me gusta mucho. Cuenta que mi madre, al principio, tenía que casarse con otro hombre, pero a la hora de la verdad el compromiso fue anulado. De modo que mi padre le pidió matrimonio, y se casaron de un día para otro, con sacerdote y todo... Mi padre me cuenta esta historia y yo le digo: “Vaya, eso sería un buen tema de comedia”. Y mi padre me responde: “No, no es un tema de comedia, es un tema de tragedia”. Eso muestra realmente cómo hay una realidad y solo nuestra manera de verla hace que, para algunos, tenga un aspecto cómico y, para otros, un aspecto dramático. Y sin embargo, es la misma realidad.

Su madre le preguntaba cuándo iba a hacer “un verdadero filme”. ¿Qué era eso para ella?

“Un verdadero filme” significa, para mucha gente, una ficción. Es decir, un filme con actores. Cuando la gente pregunta qué hago como trabajo y digo que hago filmes, me preguntan: “¿Y qué es eso?”. Y si digo documental, responden: “Ah, sí, eso no son filmes, son documentales”. Entonces existe realmente esta idea de que un documental no es un filme y que un verdadero filme es un filme con actores. Y es divertido usar la palabra “verdadero” para definir algo que es falso, porque las ficciones y las novelas son ficción. Pero, en cualquier caso, para ellos eso es lo que da legitimidad, lo que hace que sea reconocido.

¿Qué momento vive el cine egipcio, y el africano en general? ¿Vive la industria un auge?

Hay más filmes que antes, creo, porque los medios de producción y fabricación se han simplificado. Hoy podemos hacer filmes con un teléfono móvil. Entonces hay realmente una facilidad para hacer filmes. Pero hacer filmes es una cosa y difundirlos en salas de cine y lograr que el público vaya a verlos es otra. Y eso es una paradoja bastante compleja: cuanto más oferta hay, y más posibilidades existen de ver filmes, menos espacio parece haber para ver ciertos filmes. Tengo la impresión de que hoy hay más producciones que antes, pero al mismo tiempo son a menudo los mismos filmes. Hay algo que hace más difícil que existan películas un poco diferentes.

¿Siente que el suyo sea un cine africano, mediterráneo...? ¿A qué geografía pertenece su trabajo?

Es un cine que puede ser las dos cosas. Y este filme en particular me hizo muy feliz porque es mi primera obra estrenada en salas en Egipto. Me alegró mucho que el público, tanto en Francia como en Egipto, pudiera reconocerse en él. No es un filme colonial, no es un filme con una mirada francesa sobre el mundo árabe ni una mirada árabe sobre Francia. Creo que es un filme que intenta contar una historia humana integrando una doble cultura y una doble identidad. Es un largometraje que habla árabe y francés, que cuenta una trayectoria entre ambos mundos. Creo que mi lugar está en ese espacio entre los dos, un espacio que crea un puente entre el mundo árabe y Europa.

Una curiosidad: su padre, comunista encarcelado, fue liberado en 1964 y ese mismo año un escritor egipcio llamado Waguih Ghali publicó un libro llamado Cerveza en el club de snooker, que habla también de comunistas egipcios. ¿Tienen algo que ver?

Sí, conozco Cerveza en el club de snooker. Lo leí hace poco gracias al nombre del escritor. Es increíble: tiene el mismo nombre que mi padre, pero no somos familia. Él venía de un medio urbano, muy rico y muy burgués, mientras que mi padre venía de un medio muy modesto, del campo egipcio.

El comunismo, tal y como parece en su película, era una ideología muy fuerte en Egipto en los años 50, 60 y 70. ¿Los Hermanos Musulmanes llegaron después, o coexistían?

No, era la misma época. Mi padre, cuando estaba en prisión, compartía cárcel con los Hermanos Musulmanes. La prisión estaba dividida en dos: los comunistas de un lado y los Hermanos Musulmanes del otro. Todos los opositores a Nasser estaban encarcelados en los años 50. Los dos movimientos existían al mismo tiempo.

Ustedes son coptos. ¿Cómo era ser comunista y ateo en Egipto?

Creo que uno de los principales obstáculos para el comunismo en Egipto era precisamente el ateísmo. Egipto es un país culturalmente muy religioso. Sean cristianos o musulmanes, las personas tienen una gran relación con la tradición religiosa. Los comunistas no creían en Dios y eso creaba problemas. Cuando mi padre estaba en prisión, los Hermanos Musulmanes eran mejor tratados que los comunistas. Incluso siendo extremistas, para la policía y los militares seguían creyendo en Dios, mientras que los comunistas no. En Egipto hay que entender que la religión está escrita en el documento de identidad. Incluso hoy no existe realmente la categoría “ateo”. Eso era algo muy difícilmente compatible con la cultura egipcia. Necesitamos una religión registrada oficialmente.

Eurovisión, Cannes, las olas de calor… las señales de que el verano está a la vuelta de la esquina se multiplican. En el sur, sin duda, una de las más significativas para los amantes del cine es la celebración del Festival de Cine Africano (FCAT), que se celebra a caballo entre Tarifa y Tánger. Desde hace casi un cuarto de siglo el festival liderado hasta el año pasado por la brillante Mane Cisneros ha tendido puentes entre las dos orillas del Estrecho de Gibraltar, para satisfacer nuestros deseos cinematográficos más exigentes.

El FCAT ha arrancado este fin de semana apostando por esa vanguardia cinematográfica africana, que no se deja encorsetar por los géneros: la joya Memoria de la princesa Mumbi, un falso documental de ciencia ficción dirigido por el keniano Damian Hauser. A lo largo de una semana, más de medio centenar de películas de una veintena de países africanos conformarán una programación exquisitamente curada, en la que el 40% de las obras seleccionadas están dirigidas por mujeres.

Quien no solo quiera disfrutar del cine en pantalla grande, sino también aprender más sobre este arte centenario, tendrá la oportunidad de hacerlo con expertos en cine africano de la talla de Javier H. Estrada –codirector de la Seminci–, o de antirracismo audiovisual como Beatriz Mbula.

De Cádiz a Huelva, pasando por Granada y haciendo un alto en un pueblito de Jaén, en Sorihuela del Guadalimar, donde la emprendedora actriz Amada Santos y su socio Sitoh Ortega han sacado adelante un familiar festival de cine, que ha conseguido, por derecho propio, formar parte del circuito de festivales de cortometrajes adscritos a los Premios Fugaz. Este año van, entre el 8 y el 13 de junio a por la cuarta edición. A finales de julio celebraremos que Granada recupera un clasicazo: Cines del Sur, dirigido por el mítico productor andaluz José Sánchez Montes, que vuelve a abrirle una ventana europea al mejor cine de Asia, África y Latinoamérica.

Pero antes, el día 4 de julio viajamos hasta otro enclave privilegiado del litoral andaluz como Islantilla, la bella mancomunidad onubense mecida por las brisas del océano Atlántico. En manos del prolijo Esteban Magaz, un cinéfilo capaz de conformar una extraordinaria programación con un centenar de cortometrajes y una decena de documentales, tras visionar más de 1.000 obras procedentes de medio centenar de países.

El festival más largo del mundo

Superada la mayoría de edad (el festival, no Esteban…), el director del festival –y también de cine– ha logrado que Islantilla se convierta en un punto cinematográfico imprescindible de la temporada estival. A las agradables temperaturas de la costa onubense se suman la alta calidad de las obras seleccionadas, la acogedora familia que Magaz ha ido conformando a lo largo de estos años y una corte de grandes cineastas homenajeados como Antonia San Juan, Alberto Rodríguez o Roberto Álamo, Terele Pávez, Ana Torrent, Verónica Forqué o Chico Ibáñez Serrador, entre otros.

Y como anécdota: es, posiblemente, uno de los festivales más largos del mundo… ya que dura desde comienzos de julio hasta finales de agosto. Dos meses.

El relevo a Islantilla nos llega desde Cádiz. En concreto, desde Chiclana, donde se celebra Generamma, uno de los festivales más singulares de nuestro país, ya que es el único organizado exclusivamente por una asociación feminista: la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (Aamma), presidida por la productora Pilar Crespo.

Especializado en cine dirigido por mujeres (un valor inapelable del cine español que ha marcado algunos de los mayores éxitos de nuestra cinematografía a nivel internacional), Generamma atrae un ambiente alegre, festivo y relajado propiciado por sus propias socias y un equipo entregado y encantador.

De Chiclana a Conil

Entre el 15 y el 19 de septiembre de este año, el festival llega a su sexta edición estrenando nueva dirección: la de Cristina Consuegra, una experimentada periodista, comunicadora, programadora y gestora de eventos cinematográficos, que coordina la programación extendida del Festival de Málaga (MaF) y Forbes la eligió en 2023 una de las profesionales más creativas del mundo empresarial.

Sin salir del litoral gaditano, el colofón a este verano de cine lo pone Conil, que, con su tercera edición a finales de septiembre, se consolida como una de las citas estivales imprescindibles para los cinéfilos de nuestro país.

Al frente de Conil de Cine se encuentra un artístico triunvirato formado por la actriz Raquel Guerrero (hilarante en su papel de la exitosa serie Machos alfa), la también actriz y productora Noelia Muñoz y la gestora cultural Isabel Sánchez.

Conil ofrece así un fin de semana de cine a orillas del litoral gaditano, con una mezcla explosiva de cortometrajes internacionales, encuentros profesionales y amor por una de las joyas de la historia de la cinematografía española: el cine quinqui.

Etiquetar a Víctor Aparicio (Tui, 1958) resulta casi imposible. Aunque marcado para siempre con el nombre de la banda que le dio su primera fama, Los Coyotes, limitarlo al liderazgo de aquel combo que pasó del psychobilly a abrazar antes que nadie los ritmos latinos sería quedarse muy corto. Sobre todo porque Los Coyotes se disolvieron en 1992 y, desde entonces, Víctor no ha parado.

No sólo ha continuado su particular carrera musical sino que la ha compatibilízado con sus trabajos como dibujante, diseñador, cineasta o realizador de videoclips. No en vano, él mismo dice de sí mismo que tiene “más vista que oído”. Sus Traballos de película (Trabajos de película) reunidos en una particular exposición son uno de los platos principales de esta edición del Festival de Cans (O Porriño, Pontevedra), donde estrena un cortometraje inédito.

A continuación, con él como guía, repasamos algunos de los carteles, videoclips o storyboards que se pueden visitar hasta el 31 de mayo.

A verdadeira historia de Carmiña Vacaloura e Pepiño Grilo de Maestro Reverendo (Xabarín Club, 1995)

No muy conocida más allá del telón de grelos, Carmiña Vacaloura protagonizó los terrores de toda una generación de niños gallegos enganchados al Xabarín Club, donde descubrieron a Son Goku o Arale. La canción –“muy rara”– fue compuesta por el Maestro Reverendo, compinche durante años del Gran Wyoming, y el líder de Siniestro Total, Julián Hernández. “Había una parte, la pesadilla de Carmiña, un poco psicodélica, como una especie de hipnosis”, admite Coyote a quien muchos de aquellos pequeños –ahora adultos– le han confesado el miedo que les causó el clip. “Creo que es ese tipo de miedo que los niños necesitan de vez en cuando, ese que tiene el morbo de 'no quiero mirar pero miro'”, reflexiona mientras encuentra antecedentes oníricos en la escena de la borrachera de Dumbo, la de los elefantes rosas. “En el Xabarín lo anunciaban como el primer videoclip de animación hecho en Galicia y por gallegos”, recuerda sobre una producción que fue “agónica” porque los plazos de entrega eran “inminentes”.

Milonga del Marinero y el Capitán. Los Rodríguez (1995)

Los Rodríguez no sabían que apenas les quedaba un año juntos y estaban disfrutando de su mayor éxito cuando a Coyote le surgió la oportuindad de encargarse del clip de la Milonga, el tema que abría el disco Palabras más, palabras menos. La banda, que le ofrecía un “importante presupuesto” y la posibilidad de rodar en cine, “no quería un vídeo con un marinero, un capitán y una rubia loca”. Sin embargo, lo que el artista les ofreció fue justo eso: seguir casi al pie de la letra el argumento de la canción, pero pasándola por su filtro particular, en la que él mismo se encargó de diseñar el vestuario y el decorado. El resultado final dejó “una estética un poco esclava de El gabinete del doctor Caligari y el expresionismo alemán, pasado por el humor español –a veces tonto, a veces completamente absurdo– de La Codorniz”.

Cartel de Matías, juez de línea (La Cuadrilla 1996)

Coyote ya había aparecido con un pequeño papel en Justino, un asesino de la tercera edad, antes de encargarse del cartel de Matías. La Cuadrilla o, lo que es lo mismo, Santiago Aguilar y Luis Guridi, eligieron Lugo, “cerca de Viveiro”, para rodar el segundo film de su trilogía Café, copa y puro –el cierre llegaría dos años después con Atilano, presidente–. En el diseño, el artista podía haber optado de nuevo por las influencias de La Codorniz –muy evidentes en el humor negro de Justino– pero la “onda” de esta comedia invitaba a mirar más allá de las fronteras de la península. “Buscábamos un modelo de película un poco antigua, como las cintas inglesas de los años sesenta, pero que también tuviese algo que ver con lo que les gustaba a Santiago y Luis: el cine de Tati, un poco de Tintín...”.

Sábanas Blancas, Cama estrecha. Mastretta (1998)

“Es un videoclip un poco artie, porque Mastretta también es un músico un poco artie”. Coyote se toma un momento de reflexión y va un paso más allá para completar su definición: cool artie. Recuerda el proceso de creación como “bastante libre”, un trabajo en el que pudo combinar una animación de corte más tradicional con imagen real, aunque de nuevo tocaba rizar el rizo: tras grabar a las gimnastas, acabaron “animándolas frame a frame”. “Es un clip interesante y que creo que está muy adecuado a la música, que es de lo que se trata cuando te encargan algo así”. Que se lo digan a Los Rodríguez.

Cartel de Crimen ferpecto (Álex de la Iglesia, 2004)

Desde su estudio madrileño Pocateja, Coyote y su socio fueron derivando su trabajo de las discográficas hacia el mundo del cine, donde lo mismo se encargaban del diseño que del atrezzo. Crimen ferpecto transcurre casi íntegramente en un ficticio centro comercial, Yeyos. Pocateja tuvo que crear todo el grafismo de aquel espacio: “los anuncios de rebajas, los nombres de las secciones... hasta el logotipo de los grandes almacenes”. Finalmente, el director les propuso, también hacerse cargo del cartel de la película. “Álex ya tenía una idea bastante clara de lo que quería, porque es muy solvente en el aspecto gráfico, dibuja mucho, hace muchos stories...”. Todo eso se completó con la edición de un libreto, una revista para los medios y hasta una publicación destinada a la prensa internacional para la proyección en el extranjero.

Storyboard de la documovie Siñor Afranio (2008).

“Yo no tengo formación audiovisual, pero siempre trabajé en el comic”. Para Víctor Coyote, la única diferencia entre el arte secuencial y el cine es que en éste último “hay más fotogramas”. Por eso, él siempre tiró de storyboards para sus vídeos o sus documentales (Traballadores de contrabando, Só concertinas), antes incluso de que esa práctica estuviese extendida. En Siñor Afranio dio un paso más. La historia del político republicano Antonio Alonso Ríos, que sobrevivió a la Guerra Civil haciéndose pasar durante tres años por un mendigo portugués, incluía escenas de ficción, en las que el líder agrarista era interpretado por Luís Tosar. Esa recreación, “bastante espectacular”, exigió “subir el nivel técnico”. “Es uno de los stories más currado de todos los que hice y fue muy importante para el rodaje”, concluye.

Joven de cuello vuelto. Víctor Coyote (2014)

Este videoclip, para un tema propio, necesitaba ir “muy pegado a la línea de la canción” y, por eso, para su autor la “clave” era conseguir a personajes muy adecuados a los protagonistas. Encontró a un “auténtico” joven de cuello vuelto, “uno que había sido mod y había pasado de eso a convertirse en poeta o fan de la poesía”. Lo mismo le sucedió con la actriz Arantxa de Juan, a quien reclutó para el papel de “la mujer madura”. Por el medio, de la trama jugó con los ambientes porque “los clips no pueden ir remarcando demasiado la lectura de la letra” (¿En qué quedamos, Víctor...?).

Cabecera de la serie Poquita Fe (Pepón Montero y Juan Maidagán, 2023)

“Es uno de los trabajos más recientes y de los más satisfactorios a nivel artístico de los últimos años”. Coyote llegó como compositor a una comedia sin música incidental. “Un tema central y punto” para una cabecera de “quince o veinte segundos” que buscaba “ser diferente en cada capítulo y que la gente no se la saltase”. Acabó encargandose él mismo de la animación. “No querían que fuese una alusión directa a la serie –que presentase a los actores o adelantase lo que iba a pasar– sino al ambiente, al mundo de la serie”. Que Poquita fe se convirtiese después en un gran éxito sólo fue la guinda del pastel. “Una maravilla, por la libertad artística, por ponerle a los dibujos la banda sonora que una mismo compuso...”. Una banda sonora que, al igual que la cabecera, también varía. “En la primera temporada, dividida en los meses del año, adecuábamos el ritmo a la época: en agosto, calypso; en otoño, más pausados y melancólicos...”. Para la segunda, que transcurría en cuestión de días, jugaron con la melodía y los ambientes. El músico reivindica además el “costumbrismo” que impregna la serie: “Woody Allen es puro costumbrismo judío neoyorkino. Cuando los americanos ven a un detective en Minnesotta ven al típico... tío de Minnesota”. Por un momento, pareció que iba a mencionar al típico español, pero no era necesario: a ése ya le cantaron Los Coyotes cuando los 80 estaban a punto de despedirse.

A Rubén, la relación a través de internet construida con Merche durante meses le lleva a cometer la locura viajar cientos de kilómetros para presentarse en un remoto pueblo costero andaluz, donde arrastrado por el viento del levante, va en busca de su amada pero solo se encuentra con un paisaje hostil: puertas cerradas, miradas esquivas… y una única ventana abierta. Detrás de esa ventana se encuentra Vera, la hija adolescente de Merche. Cuanto más habla con ella, más resquebrajado aparece el mundo que la mujer con la que chateaba creyendo que lo suyo era amor verdadero le había construido. Entonces, Rubén empieza a sospechar que lo más desconcertante no es la ausencia de Merche… sino todo lo que él creía saber sobre ella.

Así comienza la historia de 'La ventana abierta', el debut cinematográfico de Ana Graciani, que adapta una obra teatral escrita por la propia directora, inspirada a su vez en una novela del escritor británico Hector Hugh Munro, conocido como Saki, que lleva el mismo título. “Es una película de suspense psicológico en la que no hay brujas aunque quizás sí que hay algún monstruo. Porque no sé a vosotros, pero a mí los monstruos que más miedo me dan se encuentran escondidos, agazapados en las personas que nos podemos encontrar por la calle”, sostiene Graciani durante el que ha sido el estreno mundial de la película en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao (FANT).

El largometraje está protagonizado por el actor gasteiztarra Unax Ugalde, como Ruben, la jovencísima Adriana Camarena, que con tan solo 12 años ha interpretado al personaje de Vera, Mara Guil como Merche y Alberto López. Según reconoce, el objetivo de la directora con la película es que el espectador no adivine el final de la historia. “Me gustaría que la película sorprendiera, que el giro final que tiene la película no se adivine. Hoy día que tenemos tanto cine todos en la cabeza que eso es algo que cuesta muchísimo, tanto a espectadores como a profesionales. Yo como guionista estoy harta de ver y adivinar. Me gustaría que la película funcione y luego que cause inquietud. Es una película en la que se está hablando de la maldad, quiero que la gente piense y que se quede con la idea, con la pregunta, con que la maldad puede estar en cualquier sitio caminando por la calle”, sostiene.

Otro de los personajes principales de la obra ha sido el viento de la costa gaditana, que durante el rodaje cobró un papel importante y hasta obligó a evacuar al set. “Cuando comenté a los compañeros que iba a rodar mi primera película me dijeron que iba a sufrir. Y yo, la verdad es que he disfrutado todos y cada uno de los momentos del proceso, incluso los más difíciles, que de verdad que los tuvimos. La meteorología era muy importante en la película y quiso participar incluso cuando no estaba invitada. Porque una cosa es hacer el viento nosotros y tenerlo controlado y otra cosa son los temporales que tuvimos. Un día nos tuvo que evacuar la Guardia Civil durante el rodaje, salimos en las noticias y todo y eso supuso miles de cambios del plan de rodaje sobre la marcha”, confiesa la directora.

Entre las dificultades que reconoce el elenco también estuvo el hecho de rodar una película con una actriz menor de edad, algo que ha sido más sencillo de lo esperado debido a la profesionalidad de Adriana Camarena. “Rodar con menores tiene una dificultad añadida y es la falta de experiencia y más en este caso en el que también hay escenas violentas y gritos. A Adriana la buscamos mucho, tanto la directora de casting como yo nos vimos a todas las niñas de Andalucía, porque teníamos claro que debía tener un acento real y ser una niña andaluza. Y después de mucho trabajo, la encontramos. En cuanto a su trabajo, cada escena ha sido pactada y trabajada de manera que hemos conseguido que se transmitan al público las emociones que sean necesarias en cada momento. Ha sido el resultado del esfuerzo, trabajo y mucha práctica”, sostiene la directora.

Pese a que en un primer momento el plan de Graciani era que los actores no conocieran el final de la historia para poder llegar “vírgenes” a rodar las últimas escenas de la película, según confiesa es algo que no se ha podido lograr. “Tuve la ocurrencia de no pasarles el final de la película a algunos actores para que pudieran rodar vírgenes y que no supieran realmente a dónde iba el final de sus personajes. No se pudo hacer debido al orden de rodaje de las escenas”, lamenta.

Tras la proyección, y después de haber visto todas las películas del festival, los espectadores del Festival de Cine Fantástico de Bilbao (FANT), organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, han seleccionado como Premio del Público al Mejor Largometraje de Sección Oficial a 'La ventana abierta', de Ana Graciani. Por su parte, el Jurado del Festival, formado en su Sección Oficial por Ángel Agudo, Alicia Albares y Álex Mendíbil, han concedido el Premio al Mejor Largometraje de esta 32 edición a 'Buzzheart', de Dennis Iliadis “por descomponer las relaciones humanas en un contexto familiar y encontrar el terror en los juegos de la psicología conductivista”.

El palmarés principal se proyectará el domingo, día 17, en la Sala BBK: a las 17:00 horas las películas ganadoras en la Sección Panorama Fantástico, y a las 19:30 horas las de la Sección Oficial.

Las localidades toledanas de Illescas y Yuncos vuelven a acoger el Toledo Action Fest (TACFEST) y Expo 2026, un festival internacional dedicado al cine de acción, las artes marciales y el trabajo de especialistas del mundo cinematográfico.

El Toledo Action Fest tendrá su sede principal en la Casa de la Cultura de Illescas y allí se desarrollarán proyecciones, conferencias, talleres, seminarios, exhibiciones, entrevistas y encuentros con profesionales entre el 13 y el 15 de mayo.

Un festival con grandes estrellas internacionales

La edición 2026 de este festival cuenta con una alta participación internacional, donde las principales producciones de los participantes serán: City of Honor, dirigida por José Luis Torres II (Estados Unidos), Super Courier, de Olzhas Ibrayev (Kazajistán), Red Bird, de Alexandre Laugier, Thomas Habibes y Houssam Adili (Francia), Luger, de Bruno Martín (España), Nak Muay, de Tinge Krishnan (Reino Unido / Tailandia), Sheathed, de Nan Xu (China), RAGE, de Joh Kobayashi (Japón), Ruins Ignite, de Tomas Pollen Stavik (Noruega), Midnight Punch: Payday, de Simon Schärmeli y Patric Rada (Suiza) y The Janitor. End of a Time of Peace, de Steve Pérez (Uruguay).

La programación incluirá largometrajes, cortometrajes, reels de especialistas y proyectos independientes centrados en la acción física, las coreografías de combate, el stunt y el cine de género contemporáneo.

Entre las “grandes estrellas internacionales del cine de acción” que participarán en las actividades formativas y los encuentros estarán: Robert Samuels, conocido por su trabajo en producciones como Transporter y John Wick, además de haber trabajado junto a leyendas como Jackie Chan y Samo Hung; Silvio Simac, rostro habitual del cine de combate internacional, con participaciones en títulos como Danny the Dog (Unleashed) y Undisputed, compartiendo proyectos con figuras como Jet Li, Jason Statham o Scott Adkins. Y por otro lado, José Manuel, participante en producciones como The Man of Kathmandu y El Puño del Cóndor, y una de las figuras más reconocidas del cine marcial independiente latinoamericano.

Los tres artistas recibirán este año el Quxiote Adward de Honor, “como reconocimiento a sus trayectorias y a toda una vida dedicada al cine de acción, las artes marciales y el trabajo físico dentro de la industria audiovisual internacional”, según detallan desde la organización.

Seminarios, talleres y actividades para todos los públicos

Además de las proyecciones cinematográficas, el TACFEST y EXPO ofrecerá una amplia programación de seminarios y talleres especializados impartidos por profesionales del sector y artistas marciales de renombre.

El público podrá disfrutar de actividades formativas junto a Robert Samuels, Silvio Simac y José Manuel, además de seminarios impartidos por: Alberto Hidalgo, actor y especialista vinculado a títulos como El Amuleto y Balas y Katanas; Antonio Rioja, especialista en Esgrima Antigua; y Juan Hombre, auténtica leyenda de las artes marciales y maestro de ninjutsu cuya vida será llevada al cine el próximo año.

Conferencias y encuentros profesionales

El festival también contará con un importante espacio dedicado a la reflexión y al análisis de la industria del cine de acción independiente.

El miércoles 13 de mayo se celebrará una conferencia centrada en el desarrollo del cine de acción independiente desde diferentes perspectivas internacionales, con la participación de: Brayan Thompson, desde el punto de vista estadounidense; Mario Dávila, representando la visión mexicana; y José Manuel, aportando la perspectiva puertorriqueña y latinoamericana.

El jueves 14 será el turno de Sara Ruiz Sardón, actriz, influencer y autora del libro La princesa que nunca fui, que ofrecerá una charla centrada en el papel de la mujer dentro del cine de acción actual y la evolución de los personajes femeninos dentro del género.

El viernes 15 el público podrá asistir a entrevistas y encuentros con las estrellas invitadas de honor, en una jornada dedicada a conocer de cerca la experiencia y trayectoria de algunas de las figuras más destacadas del cine de acción internacional.

Expo en Yuncos el sábado 16 de mayo

La TAC-EXPO, ubicada en el Colegio Guillermo Plaza en Yuncos (Toledo) será un punto de encuentro para aficionados al cine de acción, artistas marciales, especialistas, coleccionistas y seguidores de la cultura pop vinculada al género. Allí se podrá disfrutar de diferentes stands, así como tatamis de artes marciales para el público infantil, y un night show.

Las entradas pueden adquirirse a través de la web oficial del festival.

El cantante y músico estadounidense Bruce Springsteen recibirá un premio por su activismo en favor de la justicia social en el festival de cine de Tribeca en Nueva York el próximo 13 de junio, en un evento especial que contará con Bono, Patti Smith y Robert de Niro.

El festival de Tribeca anunció este martes en un comunicado que 'The Boss' recibirá el premio Harry Belafonte para las Voces por la justicia social, que distingue a artistas que “usan su plataforma activamente para promover la igualdad, dignidad y derechos humanos”.

“La noche juntará a un extraordinario círculo de artistas y activistas, destacando una conversación entre Springsteen y su gran amigo y compañero activista Bono”, el cantante de la banda U2, detalla la nota.

De Niro, uno de los cofundadores del certamen, y la cantante Patti Smith “también se unirán para rendir tributo a un legado definido no solo por el arte, sino por la acción”, agrega.

Tribeca también anunció este martes varios eventos para conmemorar aniversarios de películas a los que asistirán algunos protagonistas, entre ellas 'Taxi Driver', que cumple 50 años; 'El diario de Bridget Jones', que celebra 25, y 'Electroma', del grupo Daft Punk, que cumple 20.

Asimismo, se siguen añadiendo filmes al cartel y una novedad será el estreno mundial del documental sobre la gira de Katy Perry, 'The Lifetimes Tour', grabado en directo en París y que mezcla actuaciones y momentos entre bambalinas con la estrella.

Entre los nuevos cortos anunciados, destacan dos de tipo documental con historias “en la intersección de los deportes y la comunidad latina”, impulsados por el actor y productor John Leguizamo.

El festival acogerá además una serie de conversaciones en directo entre figuras del entretenimiento, como el actor Sean Penn y la periodista Kaitlan Collins, que tratarán sobre activismo e impacto global.

El Festival de Cine de San Sebastián ha encontrado sucesor para José Luis Rebordinos. Se trata de Maialen Beloki, que se convertirá en la primera mujer al frente del Zinemaldia, el festival más importante en España. Beloki (San Sebastián, 1983) dirigirá desde enero de 2027 el Festival de San Sebastián tras haber sido designada para el cargo por el Consejo de Administración de la entidad, compuesto por el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación Foral de Gipuzkoa, el Gobierno Vasco y el Ministerio de Cultura del Gobierno de España.

La decisión ha sido adoptada esta tarde por unanimidad en una reunión extraordinaria del Consejo celebrada en San Sebastián y es el resultado del concurso público convocado el 4 de marzo para nombrar a la persona que sucederá a José Luis Rebordinos, que ostenta el puesto de director del Festival desde 2011 y abandonará esa responsabilidad el 31 de diciembre de 2026. Beloki es una de las dos subdirectoras del Festival desde el año 2016.

José Luis Rebordinos había avisado con tiempo de que este sería su último año. También de que consideraba oportuno que este último curso él acompañara y guiara a la persona elegida para sucederle y poder darle el testigo en las mejores condiciones. Finalmente ha sido Beloki, persona de su confianza y junto a la que ha trabajado desde hace diez años.

Maialen Beloki ha sido, desde su incorporación en 2016, tal como dice el Zinemaldia en su comunicado de prensa, “una de las figuras clave en la evolución reciente del certamen, contribuyendo tanto a su posicionamiento internacional como a la ampliación de su actividad a lo largo de todo el año”. “En este contexto, ha impulsado el modelo Z365/Festival de todo el año, una iniciativa estratégica centrada en el desarrollo de nuevos talentos, la formación cinematográfica y la generación de pensamiento en torno al cine”, describe la nota de prensa.

Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra y Doctora Cum Laude en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), cuenta con una trayectoria que combina gestión cultural, docencia e investigación. Forma parte de la Dirección Académica de Elías Querejeta Zine Eskola, donde también es docente, y ha colaborado como profesora en Mondragon Unibertsitatea. A lo largo de su carrera ha participado en proyectos estratégicos como Donostia/San Sebastián Capital Europea de la Cultura 2016 y ha desarrollado una destacada actividad como conferenciante y autora en el ámbito cinematográfico.