“Nos han pasado tantas cosas que daría para contar un cuento”, asegura una mujer, Beatriz, en los primeros minutos. Ejerce de limpiadora, junto a otras compañeras, dentro de las instalaciones de Matadero Madrid. Lleva décadas trabajando aquí, de modo que sus palabras entonan algo similar a un “érase una vez”. Una forma idónea de dar inicio a Vial Matadero, el nuevo documental de Juan Cavestany (Madrid, 1967). “En esta película no hay protagonistas porque es más bien coral, pero sí hay cinco o seis voces con las que recorremos el espacio y la de Beatriz es la más importante”, afirma.

Cavestany se topó con ella el primer día que acudió a Matadero, “para fotografiarlo y encontrarme con sus habitantes”. “Iba muy abierto a cualquier cosa, y cuando vas con esa actitud las cosas aparecen”, asegura. Venía, aun así, con ciertas instrucciones. “Luis E. Parés (director artístico de Cineteca Matadero) ya me conoce y me había dicho ‘no te vayas a fotografiar a frikis de los bares de alrededor’. Pero claro, el universo alrededor de Matadero es muy interesante. La plaza de Legazpi, la colonia del Pico del Pañuelo, los intercambiadores, los autobuses… es una zona de mucho movimiento y una suerte de frontera para Madrid, al lado del río y la glorieta de Cádiz, y Usera enfrente. Puedes ir abriendo todo tipo de círculos concéntricos alrededor”.

Así que su nuevo documental no se dedica únicamente al espacio que le presta título. Inspecciona los alrededores, con esa fruición por lo extraño que habría motivado la advertencia de Parés, y que tan asidua viene siendo a la filmografía de Cavestany, normalmente transmutada en comedia. “El humor para mí es fundamental”, reconoce el cineasta. “Me resulta imposible hacer nada sin una dosis de humor: es mi forma de expresar que no estoy muy seguro de lo que estoy diciendo. No quiero que parezca que le estoy dando una lección a alguien: es una forma de dar pie al ‘¿tú qué piensas?’ La idea de aparentar que estás sentando cátedra me da mucha vergüenza”.

Vergüenza se titulaba, justamente, uno de tantos proyectos de ficción —junto a Dispongo de barcos, Gente en sitios o El señor— que anteceden esta fase como documentalista en la que Cavestany lleva embarcado los últimos años. “Soy más documentalista de lo que yo pensaba”, reconoce. Y su gran objeto de estudio resulta ser Madrid. Con lo que tiene mucho sentido que Vial Matadero haya sido un encargo personal del citado Parés para la 23.ª edición de DocumentaMadrid.

La llamada de la realidad

DocumentaMadrid realiza sus proyecciones en la Cineteca de Matadero. Aun con secciones paralelas entre la Filmoteca, el Museo Reina Sofía o Casa Encendida, el epicentro del festival viene a ser entonces el Matadero que ha focalizado la atención de Cavestany, donde entre el 26 y el 31 de mayo han ido desfilando diversas obras documentales a competición. Así como “proyecciones especiales” entre las que destacan una retrospectiva del documentalista José Luis de Pablos, una pieza de Pier Paolo Pasolini sobre la huelga de barrenderos de Roma de 1970 reeditada bajo el título Revisitazione dello sciopero, o la propia Vial Matadero, que clausura el festival.

Esta edición de DocumentaMadrid se ha articulado según un lema, “Tomar el pulso”, aludiendo a la capacidad del documental para interpretar la realidad dentro de un presente frenético y confuso. “Es importante averiguar cómo relacionarnos con la realidad en un momento de tal explosión e hiperpresencia de contenido audiovisual”, asegura Cavestany. “El género documental es una forma de relación con lo real, una lectura urgente de la realidad que tiene mucho que ver con lo que yo hago. Lo más importante a la hora de hacer películas, incluso de buscar el sentido de un drama o una ficción, es mirar alrededor. Mirar a la persona que tienes sentada al lado en la terraza, mirar al tendero al que le compras pescado. Hay que mirarlo todo, registrarlo, pensarlo. Todo es un relato”.

“Y esto de acudir a lo urgente de las cosas me gusta, me gusta más la idea de ir a Matadero con esa premisa. Sin una idea preconcebida de lo que es Matadero o lo que quiero contar de él, sino simplemente ir a ver qué me encuentro”. Esta idea de Matadero como espacio dinámico y cambiante encaja bien con el título del documental: “Un vial es una vía, un eje, un conducto. Algo por donde pasa algo, que es lo que es Matadero. Al margen de que haya teatros, cines y tal, ante todo es un sitio de encuentro y de paso, una parte de Madrid. Un barrio de Madrid, incluso”.

“Yo no quería, y desde luego Documenta no me lo había pedido, un publirreportaje de Matadero. La película es divulgativa sobre Matadero y te cuenta lo que te puedes encontrar, pero no trata la programación ni los espacios que hay disponibles, ni es un llamamiento a ‘ven aquí, ya verás qué divertido’”, asegura Cavestany. Ocurre entonces, al margen de esta condición de encargo, que Vial Matadero encaja orgánicamente con lo que el director viene haciendo durante el último lustro. En particular con el díptico que integran Madrid, interior (2020) y Madrid, Ext. (2025). “Vial Matadero vendría a ser una pata, un epílogo u otro capítulo, de Madrid, Ext. Me he dado cuenta de que lo que quiero es rodar la ciudad, la gente y las calles. Y este encargo pues llega en el mejor momento”.

Lo más importante a la hora de hacer películas es mirar alrededor. A la persona que tienes sentada al lado en la terraza, al tendero al que le compras pescado. Todo es un relato

Juan Cavestany — Cineasta

El interior y el exterior de estos títulos previos vienen a entremezclarse en Vial Matadero. “Interior y exterior son conceptos relativos. Matadero es un sitio con el que a veces no sabes si estás fuera o dentro: estás dentro de Matadero y a la vez estás al aire libre. Y si yo voy al cine, por ejemplo, estoy en un interior, pero a la vez fuera de casa. Sales de casa a la aventura, y luego vuelves para reorganizar tu cabeza”, explica. “Cuando estrené Madrid, Ext. hablaba de mis ganas de salir a grabar la ciudad y reencontrarme con la gente y los espacios, pero en realidad secretamente el objetivo último era volver a casa con una especie de botín, un puzle que iba a reorganizar para jugar con él”.

Matadero como espejo de Madrid

No parece casual que estas ganas de Cavestany por explorar Madrid a través del documental surgieran en medio de la crisis del coronavirus. “Puede que tenga que ver con lo pandémico, sí. Salir a la calle tras la pandemia se sintió como un capítulo nuevo”, reconoce. “Yo ya antes había salido a fotografiar la ciudad, pero no de una forma tan sistemática. El covid-19 marca una intensificación”. No sólo en su actitud con respecto al paisaje urbano, sino a algo mucho más amplio que le trasciende como cineasta (y ciudadano madrileño). “Después de la pandemia las corrientes de globalización y turistificación de la ciudad se han exacerbado muchísimo así que tengo más ansia y más prisa por registrar y reflexionar acerca de todo lo que se está viniendo abajo”.

Los esfuerzos de Cavestany se desarrollan al compás de los cambios de Madrid. “Quiero retener esa imagen, esa fachada que se va perdiendo, y que a su vez ya era una capa que se puso en su momento sobre otra. Las capas siempre se superponen, pero este es un momento de gran transformación, y de ahí que haya un interés enorme, muy extendido, por mirar la ciudad y cuestionar lo que se está haciendo con ella”. Cavestany alude por ejemplo a Paco Graco, colectivo dedicado a la recuperación de rótulos y carteles de este Madrid que, en palabras de Cavestany, “se está deshaciendo”. El trabajo de Paco Graco ya había sido central, sin ir más lejos, en la propuesta de Madrid, Ext.

Estos esfuerzos dejarían entrever, por su parte, un acto de resistencia. “El paseo sin rumbo, la actitud flâneur, el habitar la ciudad rebelándose contra sus llamamientos al consumo”, prosigue Cavestany. “Hoy la ciudad parece cada vez más un parque temático del consumo y provoca una reacción de ‘no, yo no tengo por qué estar pagando por cada experiencia, por cada nueva oferta, por cada sitio que se reabre’. Queremos ir a los sitios a verlos, o queremos ir incluso a no-sitios, sitios de paso”.

¿Cómo se ubica entonces Matadero dentro de esta exploración estética? Pues, inevitablemente, como un símbolo suculento. “De forma intuitiva pienso que Matadero es un buen espejo de Madrid”. Como proyecto arquitectónico, Matadero cumplió 100 años el pasado 2024. Empezó ejerciendo de matadero proverbial y mercado de ganado, fue variando sus funciones entre la Guerra Civil y la dictadura franquista, y su cierre a mediados de los 90 precedió en una década la definitiva reconversión como espacio cultural. Esto sucedía, además, en el marco de unas reformas tan esenciales para la actual articulación de Madrid como el soterramiento de la M-30.

“En Matadero convive lo viejo y lo nuevo, la vanguardia y la posibilidad de una modernidad con todo lo que tiene de decrépito y contradictorio el pasado. Lo nuevo y lo viejo, lo noble y lo vulgar, todo eso está en Matadero”, asegura Cavestany con notoria pasión. “Y Matadero es aún en gran medida un espacio por hacer, algo que no está terminado. Se cerró en el 96, se reabrió en el 2006, y ahora supone una entidad potente pero aún sin consolidar. Te fuerza a pensar qué puede ser de él, adónde llegará”. Todo esto, además, definido por el espacio que ocupa.

Paseas por Madrid Río, y de un momento a otro te encuentras caminando por Matadero. “Está muy integrado a la propia ciudad”, apunta Cavestany. “Aunque en parte dé miedo por toda la especulación que trajo, el parque de Madrid Río y el soterramiento de la M-30 componen una de las historias de éxito del Madrid actual. Y Matadero se construyó porque ahí estaba el río, a fin de cuentas. Matadero y el río lo tienen todo que ver, y es una imagen muy bonita”. Una imagen que, en definitiva, enfatiza la fluidez que persigue el trabajo de Cavestany y particularmente Vial Matadero. La indeterminación, el cambio. “Es un espacio que nadie sabe definir. Siempre por descubrir”.

Después de presentar con éxito en Cannes y Sevilla su último filme, La vie après Siham, el cineasta Namir Abdel Messeeh, de 52 años, recala en el Festival de Cine Africano de Tarifa, donde se siente como en casa desde el primer minuto. “La luz es maravillosa, la gente es agradable, el festival es muy cálido, así que todo va bien”, celebra.

Su filme, un nuevo ejercicio de autoficción tras títulos como Toi, Waguih o La Vierge, les Coptes et moi, es una historia llena de ternura y desenfado que aborda el duelo tras la muerte de una madre, retratando las complejas dinámicas de la familia egipcia.

En La vie après Siham vuelve a poner la mirada sobre su familia, desde una óptica novedosa. ¿Es un tema inagotable?

He trabajado durante años sobre esa cuestión. Durante 20 años, casi todos mis filmes y cortometrajes han tenido como personajes principales miembros de mi familia: mi padre, mi madre, mis vecinos, mi familia en Egipto... Son mis personajes, los que grabé durante años. Es algo muy cercano, me gusta mucho porque los conozco muy bien y eso me lleva a querer grabarlos. Es un trabajo que conozco y que requiere una gimnasia un poco particular, porque no se trata simplemente de grabar a tu familia, sino también de contar una historia, de cómo transformar a quienes grabamos en personajes. La particularidad de este filme, que hizo el trabajo muy complicado y difícil, es que el personaje que quería grabar ya no estaba ahí, porque el filme comenzó después de la muerte de mi madre. Ahí se planteaba otro asunto complicado: cómo grabar a alguien que ya no está.

Esa idea, ¿estaba desde el principio?

Sí, el filme surgió como una especie de reacción a la muerte de mi madre, o de lucha, en realidad, contra la idea de la desaparición. Y así, con mis herramientas de cine, tenía el deseo de tratar de guardar a mi madre conmigo, de guardarla viva en un primer momento. Creo que eso fue el motor de este proyecto: una especie de reacción a la muerte y a la desaparición. Me di cuenta de que ella no estaba ahí, no podía grabarla. Así que, en un primer momento, intenté plasmarla a través de los testimonios de mi padre, de mi familia y de mis archivos. Poco a poco el filme se transformó y se dirigió más hacia cómo contar mi procedimiento; es decir, cómo contar el procedimiento de un hijo que intenta atravesar esta prueba que es la pérdida de una madre. Así que el tema evolucionó un poco. Quería grabar a Siham y después, en realidad, no quería grabar a Siham: quería grabar a Namir, quería grabar a Waguih, mi padre, quería grabar a mis hijos y a toda una familia que vive y sigue viviendo después de la pérdida y la desaparición de uno de los miembros de esta familia, uno tan importante como una madre.

El sentido del humor parece muy importante en el filme, ¿qué papel quería asignarle?

En realidad, no pienso en el humor. Cada uno tiene su forma de ser y su manera de relacionarse. Para mí, el humor es parte de mi manera de cambiar la realidad, de tomar distancia. Es también una manera de protegerme de momentos difíciles y todo eso. Y en el filme también fue así. Cuando hablo de crear personajes, el humor fue un medio para permitir al espectador entrar en una historia que no es suya, y que puede ser difícil. Tener ese alivio a través del humor permite encontrar una puerta para que el espectador pueda entrar en la historia. En el filme, mi padre dice algo que me gusta mucho. Cuenta que mi madre, al principio, tenía que casarse con otro hombre, pero a la hora de la verdad el compromiso fue anulado. De modo que mi padre le pidió matrimonio, y se casaron de un día para otro, con sacerdote y todo... Mi padre me cuenta esta historia y yo le digo: “Vaya, eso sería un buen tema de comedia”. Y mi padre me responde: “No, no es un tema de comedia, es un tema de tragedia”. Eso muestra realmente cómo hay una realidad y solo nuestra manera de verla hace que, para algunos, tenga un aspecto cómico y, para otros, un aspecto dramático. Y sin embargo, es la misma realidad.

Su madre le preguntaba cuándo iba a hacer “un verdadero filme”. ¿Qué era eso para ella?

“Un verdadero filme” significa, para mucha gente, una ficción. Es decir, un filme con actores. Cuando la gente pregunta qué hago como trabajo y digo que hago filmes, me preguntan: “¿Y qué es eso?”. Y si digo documental, responden: “Ah, sí, eso no son filmes, son documentales”. Entonces existe realmente esta idea de que un documental no es un filme y que un verdadero filme es un filme con actores. Y es divertido usar la palabra “verdadero” para definir algo que es falso, porque las ficciones y las novelas son ficción. Pero, en cualquier caso, para ellos eso es lo que da legitimidad, lo que hace que sea reconocido.

¿Qué momento vive el cine egipcio, y el africano en general? ¿Vive la industria un auge?

Hay más filmes que antes, creo, porque los medios de producción y fabricación se han simplificado. Hoy podemos hacer filmes con un teléfono móvil. Entonces hay realmente una facilidad para hacer filmes. Pero hacer filmes es una cosa y difundirlos en salas de cine y lograr que el público vaya a verlos es otra. Y eso es una paradoja bastante compleja: cuanto más oferta hay, y más posibilidades existen de ver filmes, menos espacio parece haber para ver ciertos filmes. Tengo la impresión de que hoy hay más producciones que antes, pero al mismo tiempo son a menudo los mismos filmes. Hay algo que hace más difícil que existan películas un poco diferentes.

¿Siente que el suyo sea un cine africano, mediterráneo...? ¿A qué geografía pertenece su trabajo?

Es un cine que puede ser las dos cosas. Y este filme en particular me hizo muy feliz porque es mi primera obra estrenada en salas en Egipto. Me alegró mucho que el público, tanto en Francia como en Egipto, pudiera reconocerse en él. No es un filme colonial, no es un filme con una mirada francesa sobre el mundo árabe ni una mirada árabe sobre Francia. Creo que es un filme que intenta contar una historia humana integrando una doble cultura y una doble identidad. Es un largometraje que habla árabe y francés, que cuenta una trayectoria entre ambos mundos. Creo que mi lugar está en ese espacio entre los dos, un espacio que crea un puente entre el mundo árabe y Europa.

Una curiosidad: su padre, comunista encarcelado, fue liberado en 1964 y ese mismo año un escritor egipcio llamado Waguih Ghali publicó un libro llamado Cerveza en el club de snooker, que habla también de comunistas egipcios. ¿Tienen algo que ver?

Sí, conozco Cerveza en el club de snooker. Lo leí hace poco gracias al nombre del escritor. Es increíble: tiene el mismo nombre que mi padre, pero no somos familia. Él venía de un medio urbano, muy rico y muy burgués, mientras que mi padre venía de un medio muy modesto, del campo egipcio.

El comunismo, tal y como parece en su película, era una ideología muy fuerte en Egipto en los años 50, 60 y 70. ¿Los Hermanos Musulmanes llegaron después, o coexistían?

No, era la misma época. Mi padre, cuando estaba en prisión, compartía cárcel con los Hermanos Musulmanes. La prisión estaba dividida en dos: los comunistas de un lado y los Hermanos Musulmanes del otro. Todos los opositores a Nasser estaban encarcelados en los años 50. Los dos movimientos existían al mismo tiempo.

Ustedes son coptos. ¿Cómo era ser comunista y ateo en Egipto?

Creo que uno de los principales obstáculos para el comunismo en Egipto era precisamente el ateísmo. Egipto es un país culturalmente muy religioso. Sean cristianos o musulmanes, las personas tienen una gran relación con la tradición religiosa. Los comunistas no creían en Dios y eso creaba problemas. Cuando mi padre estaba en prisión, los Hermanos Musulmanes eran mejor tratados que los comunistas. Incluso siendo extremistas, para la policía y los militares seguían creyendo en Dios, mientras que los comunistas no. En Egipto hay que entender que la religión está escrita en el documento de identidad. Incluso hoy no existe realmente la categoría “ateo”. Eso era algo muy difícilmente compatible con la cultura egipcia. Necesitamos una religión registrada oficialmente.

Eurovisión, Cannes, las olas de calor… las señales de que el verano está a la vuelta de la esquina se multiplican. En el sur, sin duda, una de las más significativas para los amantes del cine es la celebración del Festival de Cine Africano (FCAT), que se celebra a caballo entre Tarifa y Tánger. Desde hace casi un cuarto de siglo el festival liderado hasta el año pasado por la brillante Mane Cisneros ha tendido puentes entre las dos orillas del Estrecho de Gibraltar, para satisfacer nuestros deseos cinematográficos más exigentes.

El FCAT ha arrancado este fin de semana apostando por esa vanguardia cinematográfica africana, que no se deja encorsetar por los géneros: la joya Memoria de la princesa Mumbi, un falso documental de ciencia ficción dirigido por el keniano Damian Hauser. A lo largo de una semana, más de medio centenar de películas de una veintena de países africanos conformarán una programación exquisitamente curada, en la que el 40% de las obras seleccionadas están dirigidas por mujeres.

Quien no solo quiera disfrutar del cine en pantalla grande, sino también aprender más sobre este arte centenario, tendrá la oportunidad de hacerlo con expertos en cine africano de la talla de Javier H. Estrada –codirector de la Seminci–, o de antirracismo audiovisual como Beatriz Mbula.

De Cádiz a Huelva, pasando por Granada y haciendo un alto en un pueblito de Jaén, en Sorihuela del Guadalimar, donde la emprendedora actriz Amada Santos y su socio Sitoh Ortega han sacado adelante un familiar festival de cine, que ha conseguido, por derecho propio, formar parte del circuito de festivales de cortometrajes adscritos a los Premios Fugaz. Este año van, entre el 8 y el 13 de junio a por la cuarta edición. A finales de julio celebraremos que Granada recupera un clasicazo: Cines del Sur, dirigido por el mítico productor andaluz José Sánchez Montes, que vuelve a abrirle una ventana europea al mejor cine de Asia, África y Latinoamérica.

Pero antes, el día 4 de julio viajamos hasta otro enclave privilegiado del litoral andaluz como Islantilla, la bella mancomunidad onubense mecida por las brisas del océano Atlántico. En manos del prolijo Esteban Magaz, un cinéfilo capaz de conformar una extraordinaria programación con un centenar de cortometrajes y una decena de documentales, tras visionar más de 1.000 obras procedentes de medio centenar de países.

El festival más largo del mundo

Superada la mayoría de edad (el festival, no Esteban…), el director del festival –y también de cine– ha logrado que Islantilla se convierta en un punto cinematográfico imprescindible de la temporada estival. A las agradables temperaturas de la costa onubense se suman la alta calidad de las obras seleccionadas, la acogedora familia que Magaz ha ido conformando a lo largo de estos años y una corte de grandes cineastas homenajeados como Antonia San Juan, Alberto Rodríguez o Roberto Álamo, Terele Pávez, Ana Torrent, Verónica Forqué o Chico Ibáñez Serrador, entre otros.

Y como anécdota: es, posiblemente, uno de los festivales más largos del mundo… ya que dura desde comienzos de julio hasta finales de agosto. Dos meses.

El relevo a Islantilla nos llega desde Cádiz. En concreto, desde Chiclana, donde se celebra Generamma, uno de los festivales más singulares de nuestro país, ya que es el único organizado exclusivamente por una asociación feminista: la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (Aamma), presidida por la productora Pilar Crespo.

Especializado en cine dirigido por mujeres (un valor inapelable del cine español que ha marcado algunos de los mayores éxitos de nuestra cinematografía a nivel internacional), Generamma atrae un ambiente alegre, festivo y relajado propiciado por sus propias socias y un equipo entregado y encantador.

De Chiclana a Conil

Entre el 15 y el 19 de septiembre de este año, el festival llega a su sexta edición estrenando nueva dirección: la de Cristina Consuegra, una experimentada periodista, comunicadora, programadora y gestora de eventos cinematográficos, que coordina la programación extendida del Festival de Málaga (MaF) y Forbes la eligió en 2023 una de las profesionales más creativas del mundo empresarial.

Sin salir del litoral gaditano, el colofón a este verano de cine lo pone Conil, que, con su tercera edición a finales de septiembre, se consolida como una de las citas estivales imprescindibles para los cinéfilos de nuestro país.

Al frente de Conil de Cine se encuentra un artístico triunvirato formado por la actriz Raquel Guerrero (hilarante en su papel de la exitosa serie Machos alfa), la también actriz y productora Noelia Muñoz y la gestora cultural Isabel Sánchez.

Conil ofrece así un fin de semana de cine a orillas del litoral gaditano, con una mezcla explosiva de cortometrajes internacionales, encuentros profesionales y amor por una de las joyas de la historia de la cinematografía española: el cine quinqui.

Etiquetar a Víctor Aparicio (Tui, 1958) resulta casi imposible. Aunque marcado para siempre con el nombre de la banda que le dio su primera fama, Los Coyotes, limitarlo al liderazgo de aquel combo que pasó del psychobilly a abrazar antes que nadie los ritmos latinos sería quedarse muy corto. Sobre todo porque Los Coyotes se disolvieron en 1992 y, desde entonces, Víctor no ha parado.

No sólo ha continuado su particular carrera musical sino que la ha compatibilízado con sus trabajos como dibujante, diseñador, cineasta o realizador de videoclips. No en vano, él mismo dice de sí mismo que tiene “más vista que oído”. Sus Traballos de película (Trabajos de película) reunidos en una particular exposición son uno de los platos principales de esta edición del Festival de Cans (O Porriño, Pontevedra), donde estrena un cortometraje inédito.

A continuación, con él como guía, repasamos algunos de los carteles, videoclips o storyboards que se pueden visitar hasta el 31 de mayo.

A verdadeira historia de Carmiña Vacaloura e Pepiño Grilo de Maestro Reverendo (Xabarín Club, 1995)

No muy conocida más allá del telón de grelos, Carmiña Vacaloura protagonizó los terrores de toda una generación de niños gallegos enganchados al Xabarín Club, donde descubrieron a Son Goku o Arale. La canción –“muy rara”– fue compuesta por el Maestro Reverendo, compinche durante años del Gran Wyoming, y el líder de Siniestro Total, Julián Hernández. “Había una parte, la pesadilla de Carmiña, un poco psicodélica, como una especie de hipnosis”, admite Coyote a quien muchos de aquellos pequeños –ahora adultos– le han confesado el miedo que les causó el clip. “Creo que es ese tipo de miedo que los niños necesitan de vez en cuando, ese que tiene el morbo de 'no quiero mirar pero miro'”, reflexiona mientras encuentra antecedentes oníricos en la escena de la borrachera de Dumbo, la de los elefantes rosas. “En el Xabarín lo anunciaban como el primer videoclip de animación hecho en Galicia y por gallegos”, recuerda sobre una producción que fue “agónica” porque los plazos de entrega eran “inminentes”.

Milonga del Marinero y el Capitán. Los Rodríguez (1995)

Los Rodríguez no sabían que apenas les quedaba un año juntos y estaban disfrutando de su mayor éxito cuando a Coyote le surgió la oportuindad de encargarse del clip de la Milonga, el tema que abría el disco Palabras más, palabras menos. La banda, que le ofrecía un “importante presupuesto” y la posibilidad de rodar en cine, “no quería un vídeo con un marinero, un capitán y una rubia loca”. Sin embargo, lo que el artista les ofreció fue justo eso: seguir casi al pie de la letra el argumento de la canción, pero pasándola por su filtro particular, en la que él mismo se encargó de diseñar el vestuario y el decorado. El resultado final dejó “una estética un poco esclava de El gabinete del doctor Caligari y el expresionismo alemán, pasado por el humor español –a veces tonto, a veces completamente absurdo– de La Codorniz”.

Cartel de Matías, juez de línea (La Cuadrilla 1996)

Coyote ya había aparecido con un pequeño papel en Justino, un asesino de la tercera edad, antes de encargarse del cartel de Matías. La Cuadrilla o, lo que es lo mismo, Santiago Aguilar y Luis Guridi, eligieron Lugo, “cerca de Viveiro”, para rodar el segundo film de su trilogía Café, copa y puro –el cierre llegaría dos años después con Atilano, presidente–. En el diseño, el artista podía haber optado de nuevo por las influencias de La Codorniz –muy evidentes en el humor negro de Justino– pero la “onda” de esta comedia invitaba a mirar más allá de las fronteras de la península. “Buscábamos un modelo de película un poco antigua, como las cintas inglesas de los años sesenta, pero que también tuviese algo que ver con lo que les gustaba a Santiago y Luis: el cine de Tati, un poco de Tintín...”.

Sábanas Blancas, Cama estrecha. Mastretta (1998)

“Es un videoclip un poco artie, porque Mastretta también es un músico un poco artie”. Coyote se toma un momento de reflexión y va un paso más allá para completar su definición: cool artie. Recuerda el proceso de creación como “bastante libre”, un trabajo en el que pudo combinar una animación de corte más tradicional con imagen real, aunque de nuevo tocaba rizar el rizo: tras grabar a las gimnastas, acabaron “animándolas frame a frame”. “Es un clip interesante y que creo que está muy adecuado a la música, que es de lo que se trata cuando te encargan algo así”. Que se lo digan a Los Rodríguez.

Cartel de Crimen ferpecto (Álex de la Iglesia, 2004)

Desde su estudio madrileño Pocateja, Coyote y su socio fueron derivando su trabajo de las discográficas hacia el mundo del cine, donde lo mismo se encargaban del diseño que del atrezzo. Crimen ferpecto transcurre casi íntegramente en un ficticio centro comercial, Yeyos. Pocateja tuvo que crear todo el grafismo de aquel espacio: “los anuncios de rebajas, los nombres de las secciones... hasta el logotipo de los grandes almacenes”. Finalmente, el director les propuso, también hacerse cargo del cartel de la película. “Álex ya tenía una idea bastante clara de lo que quería, porque es muy solvente en el aspecto gráfico, dibuja mucho, hace muchos stories...”. Todo eso se completó con la edición de un libreto, una revista para los medios y hasta una publicación destinada a la prensa internacional para la proyección en el extranjero.

Storyboard de la documovie Siñor Afranio (2008).

“Yo no tengo formación audiovisual, pero siempre trabajé en el comic”. Para Víctor Coyote, la única diferencia entre el arte secuencial y el cine es que en éste último “hay más fotogramas”. Por eso, él siempre tiró de storyboards para sus vídeos o sus documentales (Traballadores de contrabando, Só concertinas), antes incluso de que esa práctica estuviese extendida. En Siñor Afranio dio un paso más. La historia del político republicano Antonio Alonso Ríos, que sobrevivió a la Guerra Civil haciéndose pasar durante tres años por un mendigo portugués, incluía escenas de ficción, en las que el líder agrarista era interpretado por Luís Tosar. Esa recreación, “bastante espectacular”, exigió “subir el nivel técnico”. “Es uno de los stories más currado de todos los que hice y fue muy importante para el rodaje”, concluye.

Joven de cuello vuelto. Víctor Coyote (2014)

Este videoclip, para un tema propio, necesitaba ir “muy pegado a la línea de la canción” y, por eso, para su autor la “clave” era conseguir a personajes muy adecuados a los protagonistas. Encontró a un “auténtico” joven de cuello vuelto, “uno que había sido mod y había pasado de eso a convertirse en poeta o fan de la poesía”. Lo mismo le sucedió con la actriz Arantxa de Juan, a quien reclutó para el papel de “la mujer madura”. Por el medio, de la trama jugó con los ambientes porque “los clips no pueden ir remarcando demasiado la lectura de la letra” (¿En qué quedamos, Víctor...?).

Cabecera de la serie Poquita Fe (Pepón Montero y Juan Maidagán, 2023)

“Es uno de los trabajos más recientes y de los más satisfactorios a nivel artístico de los últimos años”. Coyote llegó como compositor a una comedia sin música incidental. “Un tema central y punto” para una cabecera de “quince o veinte segundos” que buscaba “ser diferente en cada capítulo y que la gente no se la saltase”. Acabó encargandose él mismo de la animación. “No querían que fuese una alusión directa a la serie –que presentase a los actores o adelantase lo que iba a pasar– sino al ambiente, al mundo de la serie”. Que Poquita fe se convirtiese después en un gran éxito sólo fue la guinda del pastel. “Una maravilla, por la libertad artística, por ponerle a los dibujos la banda sonora que una mismo compuso...”. Una banda sonora que, al igual que la cabecera, también varía. “En la primera temporada, dividida en los meses del año, adecuábamos el ritmo a la época: en agosto, calypso; en otoño, más pausados y melancólicos...”. Para la segunda, que transcurría en cuestión de días, jugaron con la melodía y los ambientes. El músico reivindica además el “costumbrismo” que impregna la serie: “Woody Allen es puro costumbrismo judío neoyorkino. Cuando los americanos ven a un detective en Minnesotta ven al típico... tío de Minnesota”. Por un momento, pareció que iba a mencionar al típico español, pero no era necesario: a ése ya le cantaron Los Coyotes cuando los 80 estaban a punto de despedirse.

A Rubén, la relación a través de internet construida con Merche durante meses le lleva a cometer la locura viajar cientos de kilómetros para presentarse en un remoto pueblo costero andaluz, donde arrastrado por el viento del levante, va en busca de su amada pero solo se encuentra con un paisaje hostil: puertas cerradas, miradas esquivas… y una única ventana abierta. Detrás de esa ventana se encuentra Vera, la hija adolescente de Merche. Cuanto más habla con ella, más resquebrajado aparece el mundo que la mujer con la que chateaba creyendo que lo suyo era amor verdadero le había construido. Entonces, Rubén empieza a sospechar que lo más desconcertante no es la ausencia de Merche… sino todo lo que él creía saber sobre ella.

Así comienza la historia de 'La ventana abierta', el debut cinematográfico de Ana Graciani, que adapta una obra teatral escrita por la propia directora, inspirada a su vez en una novela del escritor británico Hector Hugh Munro, conocido como Saki, que lleva el mismo título. “Es una película de suspense psicológico en la que no hay brujas aunque quizás sí que hay algún monstruo. Porque no sé a vosotros, pero a mí los monstruos que más miedo me dan se encuentran escondidos, agazapados en las personas que nos podemos encontrar por la calle”, sostiene Graciani durante el que ha sido el estreno mundial de la película en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao (FANT).

El largometraje está protagonizado por el actor gasteiztarra Unax Ugalde, como Ruben, la jovencísima Adriana Camarena, que con tan solo 12 años ha interpretado al personaje de Vera, Mara Guil como Merche y Alberto López. Según reconoce, el objetivo de la directora con la película es que el espectador no adivine el final de la historia. “Me gustaría que la película sorprendiera, que el giro final que tiene la película no se adivine. Hoy día que tenemos tanto cine todos en la cabeza que eso es algo que cuesta muchísimo, tanto a espectadores como a profesionales. Yo como guionista estoy harta de ver y adivinar. Me gustaría que la película funcione y luego que cause inquietud. Es una película en la que se está hablando de la maldad, quiero que la gente piense y que se quede con la idea, con la pregunta, con que la maldad puede estar en cualquier sitio caminando por la calle”, sostiene.

Otro de los personajes principales de la obra ha sido el viento de la costa gaditana, que durante el rodaje cobró un papel importante y hasta obligó a evacuar al set. “Cuando comenté a los compañeros que iba a rodar mi primera película me dijeron que iba a sufrir. Y yo, la verdad es que he disfrutado todos y cada uno de los momentos del proceso, incluso los más difíciles, que de verdad que los tuvimos. La meteorología era muy importante en la película y quiso participar incluso cuando no estaba invitada. Porque una cosa es hacer el viento nosotros y tenerlo controlado y otra cosa son los temporales que tuvimos. Un día nos tuvo que evacuar la Guardia Civil durante el rodaje, salimos en las noticias y todo y eso supuso miles de cambios del plan de rodaje sobre la marcha”, confiesa la directora.

Entre las dificultades que reconoce el elenco también estuvo el hecho de rodar una película con una actriz menor de edad, algo que ha sido más sencillo de lo esperado debido a la profesionalidad de Adriana Camarena. “Rodar con menores tiene una dificultad añadida y es la falta de experiencia y más en este caso en el que también hay escenas violentas y gritos. A Adriana la buscamos mucho, tanto la directora de casting como yo nos vimos a todas las niñas de Andalucía, porque teníamos claro que debía tener un acento real y ser una niña andaluza. Y después de mucho trabajo, la encontramos. En cuanto a su trabajo, cada escena ha sido pactada y trabajada de manera que hemos conseguido que se transmitan al público las emociones que sean necesarias en cada momento. Ha sido el resultado del esfuerzo, trabajo y mucha práctica”, sostiene la directora.

Pese a que en un primer momento el plan de Graciani era que los actores no conocieran el final de la historia para poder llegar “vírgenes” a rodar las últimas escenas de la película, según confiesa es algo que no se ha podido lograr. “Tuve la ocurrencia de no pasarles el final de la película a algunos actores para que pudieran rodar vírgenes y que no supieran realmente a dónde iba el final de sus personajes. No se pudo hacer debido al orden de rodaje de las escenas”, lamenta.

Tras la proyección, y después de haber visto todas las películas del festival, los espectadores del Festival de Cine Fantástico de Bilbao (FANT), organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, han seleccionado como Premio del Público al Mejor Largometraje de Sección Oficial a 'La ventana abierta', de Ana Graciani. Por su parte, el Jurado del Festival, formado en su Sección Oficial por Ángel Agudo, Alicia Albares y Álex Mendíbil, han concedido el Premio al Mejor Largometraje de esta 32 edición a 'Buzzheart', de Dennis Iliadis “por descomponer las relaciones humanas en un contexto familiar y encontrar el terror en los juegos de la psicología conductivista”.

El palmarés principal se proyectará el domingo, día 17, en la Sala BBK: a las 17:00 horas las películas ganadoras en la Sección Panorama Fantástico, y a las 19:30 horas las de la Sección Oficial.

Las localidades toledanas de Illescas y Yuncos vuelven a acoger el Toledo Action Fest (TACFEST) y Expo 2026, un festival internacional dedicado al cine de acción, las artes marciales y el trabajo de especialistas del mundo cinematográfico.

El Toledo Action Fest tendrá su sede principal en la Casa de la Cultura de Illescas y allí se desarrollarán proyecciones, conferencias, talleres, seminarios, exhibiciones, entrevistas y encuentros con profesionales entre el 13 y el 15 de mayo.

Un festival con grandes estrellas internacionales

La edición 2026 de este festival cuenta con una alta participación internacional, donde las principales producciones de los participantes serán: City of Honor, dirigida por José Luis Torres II (Estados Unidos), Super Courier, de Olzhas Ibrayev (Kazajistán), Red Bird, de Alexandre Laugier, Thomas Habibes y Houssam Adili (Francia), Luger, de Bruno Martín (España), Nak Muay, de Tinge Krishnan (Reino Unido / Tailandia), Sheathed, de Nan Xu (China), RAGE, de Joh Kobayashi (Japón), Ruins Ignite, de Tomas Pollen Stavik (Noruega), Midnight Punch: Payday, de Simon Schärmeli y Patric Rada (Suiza) y The Janitor. End of a Time of Peace, de Steve Pérez (Uruguay).

La programación incluirá largometrajes, cortometrajes, reels de especialistas y proyectos independientes centrados en la acción física, las coreografías de combate, el stunt y el cine de género contemporáneo.

Entre las “grandes estrellas internacionales del cine de acción” que participarán en las actividades formativas y los encuentros estarán: Robert Samuels, conocido por su trabajo en producciones como Transporter y John Wick, además de haber trabajado junto a leyendas como Jackie Chan y Samo Hung; Silvio Simac, rostro habitual del cine de combate internacional, con participaciones en títulos como Danny the Dog (Unleashed) y Undisputed, compartiendo proyectos con figuras como Jet Li, Jason Statham o Scott Adkins. Y por otro lado, José Manuel, participante en producciones como The Man of Kathmandu y El Puño del Cóndor, y una de las figuras más reconocidas del cine marcial independiente latinoamericano.

Los tres artistas recibirán este año el Quxiote Adward de Honor, “como reconocimiento a sus trayectorias y a toda una vida dedicada al cine de acción, las artes marciales y el trabajo físico dentro de la industria audiovisual internacional”, según detallan desde la organización.

Seminarios, talleres y actividades para todos los públicos

Además de las proyecciones cinematográficas, el TACFEST y EXPO ofrecerá una amplia programación de seminarios y talleres especializados impartidos por profesionales del sector y artistas marciales de renombre.

El público podrá disfrutar de actividades formativas junto a Robert Samuels, Silvio Simac y José Manuel, además de seminarios impartidos por: Alberto Hidalgo, actor y especialista vinculado a títulos como El Amuleto y Balas y Katanas; Antonio Rioja, especialista en Esgrima Antigua; y Juan Hombre, auténtica leyenda de las artes marciales y maestro de ninjutsu cuya vida será llevada al cine el próximo año.

Conferencias y encuentros profesionales

El festival también contará con un importante espacio dedicado a la reflexión y al análisis de la industria del cine de acción independiente.

El miércoles 13 de mayo se celebrará una conferencia centrada en el desarrollo del cine de acción independiente desde diferentes perspectivas internacionales, con la participación de: Brayan Thompson, desde el punto de vista estadounidense; Mario Dávila, representando la visión mexicana; y José Manuel, aportando la perspectiva puertorriqueña y latinoamericana.

El jueves 14 será el turno de Sara Ruiz Sardón, actriz, influencer y autora del libro La princesa que nunca fui, que ofrecerá una charla centrada en el papel de la mujer dentro del cine de acción actual y la evolución de los personajes femeninos dentro del género.

El viernes 15 el público podrá asistir a entrevistas y encuentros con las estrellas invitadas de honor, en una jornada dedicada a conocer de cerca la experiencia y trayectoria de algunas de las figuras más destacadas del cine de acción internacional.

Expo en Yuncos el sábado 16 de mayo

La TAC-EXPO, ubicada en el Colegio Guillermo Plaza en Yuncos (Toledo) será un punto de encuentro para aficionados al cine de acción, artistas marciales, especialistas, coleccionistas y seguidores de la cultura pop vinculada al género. Allí se podrá disfrutar de diferentes stands, así como tatamis de artes marciales para el público infantil, y un night show.

Las entradas pueden adquirirse a través de la web oficial del festival.

El cantante y músico estadounidense Bruce Springsteen recibirá un premio por su activismo en favor de la justicia social en el festival de cine de Tribeca en Nueva York el próximo 13 de junio, en un evento especial que contará con Bono, Patti Smith y Robert de Niro.

El festival de Tribeca anunció este martes en un comunicado que 'The Boss' recibirá el premio Harry Belafonte para las Voces por la justicia social, que distingue a artistas que “usan su plataforma activamente para promover la igualdad, dignidad y derechos humanos”.

“La noche juntará a un extraordinario círculo de artistas y activistas, destacando una conversación entre Springsteen y su gran amigo y compañero activista Bono”, el cantante de la banda U2, detalla la nota.

De Niro, uno de los cofundadores del certamen, y la cantante Patti Smith “también se unirán para rendir tributo a un legado definido no solo por el arte, sino por la acción”, agrega.

Tribeca también anunció este martes varios eventos para conmemorar aniversarios de películas a los que asistirán algunos protagonistas, entre ellas 'Taxi Driver', que cumple 50 años; 'El diario de Bridget Jones', que celebra 25, y 'Electroma', del grupo Daft Punk, que cumple 20.

Asimismo, se siguen añadiendo filmes al cartel y una novedad será el estreno mundial del documental sobre la gira de Katy Perry, 'The Lifetimes Tour', grabado en directo en París y que mezcla actuaciones y momentos entre bambalinas con la estrella.

Entre los nuevos cortos anunciados, destacan dos de tipo documental con historias “en la intersección de los deportes y la comunidad latina”, impulsados por el actor y productor John Leguizamo.

El festival acogerá además una serie de conversaciones en directo entre figuras del entretenimiento, como el actor Sean Penn y la periodista Kaitlan Collins, que tratarán sobre activismo e impacto global.

El Festival de Cine de San Sebastián ha encontrado sucesor para José Luis Rebordinos. Se trata de Maialen Beloki, que se convertirá en la primera mujer al frente del Zinemaldia, el festival más importante en España. Beloki (San Sebastián, 1983) dirigirá desde enero de 2027 el Festival de San Sebastián tras haber sido designada para el cargo por el Consejo de Administración de la entidad, compuesto por el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación Foral de Gipuzkoa, el Gobierno Vasco y el Ministerio de Cultura del Gobierno de España.

La decisión ha sido adoptada esta tarde por unanimidad en una reunión extraordinaria del Consejo celebrada en San Sebastián y es el resultado del concurso público convocado el 4 de marzo para nombrar a la persona que sucederá a José Luis Rebordinos, que ostenta el puesto de director del Festival desde 2011 y abandonará esa responsabilidad el 31 de diciembre de 2026. Beloki es una de las dos subdirectoras del Festival desde el año 2016.

José Luis Rebordinos había avisado con tiempo de que este sería su último año. También de que consideraba oportuno que este último curso él acompañara y guiara a la persona elegida para sucederle y poder darle el testigo en las mejores condiciones. Finalmente ha sido Beloki, persona de su confianza y junto a la que ha trabajado desde hace diez años.

Maialen Beloki ha sido, desde su incorporación en 2016, tal como dice el Zinemaldia en su comunicado de prensa, “una de las figuras clave en la evolución reciente del certamen, contribuyendo tanto a su posicionamiento internacional como a la ampliación de su actividad a lo largo de todo el año”. “En este contexto, ha impulsado el modelo Z365/Festival de todo el año, una iniciativa estratégica centrada en el desarrollo de nuevos talentos, la formación cinematográfica y la generación de pensamiento en torno al cine”, describe la nota de prensa.

Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra y Doctora Cum Laude en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), cuenta con una trayectoria que combina gestión cultural, docencia e investigación. Forma parte de la Dirección Académica de Elías Querejeta Zine Eskola, donde también es docente, y ha colaborado como profesora en Mondragon Unibertsitatea. A lo largo de su carrera ha participado en proyectos estratégicos como Donostia/San Sebastián Capital Europea de la Cultura 2016 y ha desarrollado una destacada actividad como conferenciante y autora en el ámbito cinematográfico.

En la 74.ª edición del Festival de San Sebastián que se celebrará del 18 al 26 de septiembre, además de los estrenos de las películas y proyectos cinematográficos, se presentará de forma oficial Zinemaren Akademia, una nueva institución formada por 150 profesionales del mundo del cine de Euskadi, Navarra e Iparralde. Se trata de la primera academia del cine creada en Euskadi y, como sus creadores han manifestado a través de su primer comunicado, busca ser “un espacio inclusivo, plural y representativo, al servicio de las y los profesionales del cine y del audiovisual”. “La primera semilla de un proyecto colectivo que aspira a representar, fortalecer y visibilizar el sector audiovisual del territorio”, han asegurado.

El proyecto ha surgido tras varias reuniones, la última de ellas en Bilbao, en la que se ha puesto la guinda a Zinemaren Akademia. Se ha tratado de “un encuentro cerrado y exclusivamente profesional”, en el que han pedido a los medios de comunicación que respeten el proceso, puesto que quieren evitar que “dinámicas externas” condicionen el desarrollo de la iniciativa. Para ello, han participado representantes de otras academias cinematográficas autonómicas, como Laia Aubia (Catalunya), Miguel Mariño (Galicia) e Irene Belert (Comunitat Valenciana), quienes han compartido sus experiencias y han servido de guía para lo que se quiere desarrollar en Euskadi.

Tras las intervenciones se ha celebrado un espacio de debate abierto en el que los asistentes han podido compartir sus “reflexiones e inquietudes en torno a los pilares que definirán la futura academia: su identidad, su modelo de participación, sus funciones y su forma de organización”, han adelantado.

Con esta última reunión se llevará a cabo la formalización legal de la entidad. “Asimismo, se ha establecido que la junta fundacional tendrá carácter transitorio hasta la celebración de las primeras elecciones de la futura junta de gobierno, momento en el que se definirá de manera democrática su estructura definitiva”, han reconocido desde la nueva organización.

Por el momento todo está en el aire, aunque existe una “voluntad compartida” de que el proyecto tenga éxito. De hecho, Zinemaren Akademia, podría tratarse incluso de un nombre provisional, y queda por determinar qué requisitos serán necesarios para formar parte, su ámbito geográfico, su sede, sus fuentes de financiación o el nombre de los 'Goya' vascos, que sí que buscan crear una vez la nueva institución de sus primeros pasos en el mundo del cine.

Willem Dafoe tiene uno de esos físicos capaces de transformarse según la película. Es como si su cuerpo mutara para cada papel. Un camaleón capaz de acercarse igual al mito vampírico en La sombra de un vampiro que al rostro de una leyenda de la pintura en el biopic de Van Gogh que dirigió Julian Schnabel. De ofrecer una interpretación tan empática como la de The Florida Project y tan desagradable como la que entrega en El anfitrión, el filme que le ha llevado al BCN Film Fest y donde es una de las grandes estrellas que pisará Barcelona estos días.

El anfitrión es una rara avis en la industria. Tiene un director español, Miguel Ángel Jiménez, un equipo técnico español y a intérpretes de aquí como Carlos Cuevas o Francesc Garrido. Sin embargo, en su centro se encuentra la presencia de un Willem Dafoe que con su carisma se lo come todo. Y tiene sentido, porque interpreta a un magnate griego en el año 75, recluido en una isla, haciendo negocios con la dictadura griega y la española, y manejando todo a su antojo porque se puede permitir comprar todo y a todos. ¿Les suena? Es normal, porque detrás de su personaje, de nombre Markos Timoleon, se encuentra la sombra de Aristóteles Onassis.

De él hay mucho más que los orígenes turcos y la vida en Grecia. Está el drama de un hijo muerto en un accidente de aviación y el poder que amasó gracias a sus negocios. Con ese trampantojo Jiménez crea una mirada dura al poder, a cómo el dinero corrompe y crea la ilusión de poder tenerlo todo. La fiesta de cumpleaños del título en inglés (The birthday party) es la de la hija del ricachón que él ha organizado y que tiene motivos secretos para celebrarse. Casi todos los personajes quieren más poder y más billetes; y los que no (el servicio) lo que quiere es huir de esa isla. 

Dafoe se presentó en Barcelona para presentar el filme, derrochó simpatía y cintura para esquivar las preguntas más incómodas, como ocurrió cuando se le preguntó si creía que hombres como al que interpreta son los que gobiernan el mundo actualmente. “Estoy de acuerdo, sí”, dijo y soltó una sonora carcajada sin profundizar para no dar ningún nombre ni opinar nada más. “Venga, hazme otra pregunta”, dijo de buen humor dejando claro que no iba a entrar donde él no quisiera. 

Ese mundo, el de la riqueza, aseguró que no suele pisarlo mucho. “No suelo tener la oportunidad de conocer a personas muy ricas. No me siento cómodo porque esa no es mi cultura. Pero ha habido ocasiones en las que he conocido a personas muy ricas, muy elegantes, muy cultas y muy interesantes. No puedo hablar de sus negocios, pero eran interesantes. Pero, en general, esos ricos que se hicieron a sí mismos, los llamados nuevos ricos… no me relaciono con ellos”, afirmó.

Matizó que no le gusta generalizar, pero sí que se atrevió a decir que “el dinero es un falso dios”. “No me gusta hablar sobre el significado o los temas de una película, pero algo que resulta bastante claro es que ciertas personas se autodestruyen, matan lo que aman por su propia arrogancia. Y eso es fascinante porque, como animales, uno pensaría que seríamos más sensatos. Se supone que somos más inteligentes que eso, pero no lo somos. Y mi personaje es un ejemplo perfecto de ello. Mata lo que ama”, puntualizó.

Nunca digo: eso no me interesa o eso no lo hago. Estoy abierto a todo tipo de cine, porque creo que eso es lo que te mantiene comprometido con el trabajo cinematográfico

Willem Dafoe — Actor

Tampoco se pronunció sobre cómo ve el momento actual de Hollywood, con una fusión entre dos grandes estudios que muchos consideran una amenaza a la pluralidad. “Todo está en crisis ahora mismo, por si no lo sabías”, dice y vuelve a reírse a carcajadas para luego reflexionar sobre la industria: “Mira, nunca he tenido una visión general muy clara debido a mi trabajo tan ecléctico. Y no vivo en Hollywood. No sé nada del negocio, pero algo bastante seguro y obvio es que la experiencia del cine, que tanto me gusta, está desapareciendo por motivos económicos y por los hábitos sociales de la gente”.

Para Dafoe ha habido muchos cambios, pero cree que hay un “elefante en la habitación” del que nadie habla: las nuevas tecnologías. “Hay toda una generación que se ha criado sin siquiera ver películas. Están más orientados a formatos cortos como TikTok. No quiero sonar como un viejo cascarrabias porque no pertenezco a esa generación, pero es así. Lo realmente importante ahora es que la experiencia colectiva es difícil de encontrar porque todos estamos aislados. Las tecnologías y las nuevas formas de vida aparentemente eficientes que se suponía que nos daban libertad, en realidad nos han atrapado, aislado y alienado”, subrayó.

Confía en que todo ello acabe provocando un cambio, y vuelva “la experiencia colectiva que ocurre en el teatro, las artes escénicas y el cine”. “Una de las peores cosas de que la experiencia en salas esté desapareciendo, es que eso crea vínculos, provoca empatía, ayuda a darnos cuenta de dónde estamos y hacia dónde vamos. Tal vez podamos recuperarlo de alguna manera, y creo que eso es particularmente importante porque empieza a reflejarse en la política y en cómo todos sobrevivimos”, zanjó.

Define su carrera, que alterna papeles en superproducciones como el primer Spider-Man con títulos de Abel Ferrara, como “una dieta equilibrada”. Las decisiones que ha tomado han estado “condicionadas por lo que había disponible y las preferencias en cada momento”, pero sí que asegura tener un lema, y es nunca decir “Eso no me interesa, eso no lo hago”. “Estoy abierto a todo tipo de cine, porque creo que eso es lo que te mantiene comprometido con el trabajo cinematográfico. Tienes que reinventar tu forma de hacer las cosas cada vez cuando haces diferentes tipos de producciones y eso realmente te ayuda a evitar cierta corrupción de hábitos”, opina.

Su ritmo de trabajo sigue siendo altísimo. Tiene proyectos y estrenos constantemente y no baja el ritmo. Pero no lo hace para no aburrirse: “Yo nunca me aburro. De joven sí, pero ahora nunca. Me gusta tener un objetivo. Me gusta la responsabilidad de saber que voy a por algo. Y cuando tengo tiempo libre… tal vez tenga demasiado tiempo libre. Creo que me siento un poco más saludable cuando trabajo”.

El vigésimo tercer Festival de Cine y Derechos Humanos de Donostia será inaugurado con 'Palestine 36', de Annemarie Jacir, el 23 de abril, y concluirá con la proyección de 'Rebuilding', de Max Walker-Silverman, el 30 de abril. Con el apoyo del Gobierno vasco y entidades como Zehar-Errefuxiatuekin, Unicef o Amnistía Internacional, entre otras, el festival proyectará 46 filmes. La viceconsejera de Derechos Humanos, Memoria y Convivencia, Arritxu Marañón, subraya la vigencia de este tipo de iniciativas “en estos tiempos de zozobra” y la importancia de incluir en el programa enfoque en generaciones más jóvenes.

La semana de Cine y Derechos Humanos se distribuye en secciones competitivas de largometrajes, cortometrajes internacionales y cortometrajes vascos. Junto a estas, se llevará a cabo el tercer ciclo de Cine y Victimología, con la proyección de 'La buena nueva', de Helena Taberna, y 'El consentimiento', de Vanessa Filho. También se presenta un ciclo de Cine y Memoria, que se proyectará únicamente en Tabakalera; una sesión a cargo de la Filmoteca Vasca, para presentar 'Urak aske', de Bego Zubia Gallastegi; y una sesión infantil gratuita, además de las sesiones escolares que se realizarán en diferentes institutos.

Las entradas del ciclo Cine y Memoria ya se encuentran a la venta por 4,50 euros en Tabakalera. A partir del viernes 17 de abril a las 11:30, Donostia Kultura pondrá a disposición el resto de entradas, a 5 euros, en las taquillas del Teatro Principal y del Victoria Eugenia, así como en su página web. Dentro de su programación, también ofrecen sesiones gratuitas, cuyas invitaciones se podrán recoger igualmente en taquillas y web.

El festival reconocerá este año la trayectoria, durante más de medio siglo, del cineasta vasco Imanol Uribe, autor de títulos como 'El proceso de Burgos' o 'La muerte de Mikel'. José Miguel Beltrán, responsable de la programación de cine de Donostia Kultura, señala que las obras de Uribe se caracterizan por “una mirada social, política e histórica”. Indica que reconocer su trabajo consolida un legado que conecta “memoria, compromiso y narrativa cinematográfica”.

Además de cine, Donostia Kultura presenta 'Babes tú', el juego en línea que realizan anualmente. Este consta de diez preguntas que “pondrá a prueba” la mirada crítica y la capacidad “para diferenciar bulos de datos contrastables” de cada jugador. Quienes participen entrarán automáticamente en el sorteo de cinco bonos para gastar en comercios de la red de consumo transformador de Donostia, Saretuz.

Itziar Zeberio, representante de Amnistía Internacional, presenta la mesa redonda que se celebrará este 22 de abril a las 19.00 horas en la sala Club del Victoria Eugenia: 'La era de Trump y sus consecuencias'. Explica Zeberio que consideran “fundamental abordar, desde una mirada plural y rigurosa, cómo determinadas decisiones políticas pueden afectar al respeto de los derechos humanos”. En la mesa participarán Eva Suárez-Llanos, directora adjunta de Amnistía Internacional España; Juan Antonio Gimeno Ullastres, fundador de Economistas sin Fronteras, y Mikel González-Eguino, profesor e investigador de Ikerbasque en el Basque Center for Climate Change. La entrada es gratuita.

Adicionalmente, el proyecto África Impredecible traerá a la ciudad a la humorista Asaari Bibang. Se podrá disfrutar de forma gratuita de su monólogo 'Humor negra' el miércoles 22 de abril a las 19.00 horas en el Teatro Principal. Mónica González Llamazares, de África Imprescindible, comparte a este medio que cree que el mensaje de Asaari es otra forma de “poder llegar a la ciudadanía de Donostia y luchar contra los discursos de odio”. Espera que el público disfrute del monólogo, caracterizado por la “empatía” y por “hacer un humor muy consciente”.

Castilla-La Mancha acogerá por primera vez el Festival Internacional de Cortometrajes 'Visualízame en tu Memoria', que este año celebra su sexta edición. Tendrá lugar en el Archivo Histórico Provincial de Guadalajara el jueves 11 de junio de 2026.

Este festival tiene como uno de sus objetivos preferentes promover la reflexión, a través del audiovisual, sobre la muerte y el proceso posterior de duelo, así como sobre la memoria personal y familiar, social, democrática e histórica.

Las inscripciones ya están abiertas y permanecerán abiertas hasta el 5 de abril de 2026. El Festival está organizado por la Fundación Inquietarte, que en esta sexta edición ha contado con la colaboración de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, a través de su Consejo Asesor de Memoria Democrática, de la Universidad de Alcalá, del Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, y del Archivo Histórico Provincial de Guadalajara.

Bases de participación y premios

Podrán participar productores/as y directores/as de cine con hasta un máximo de dos cortometrajes en las siguientes categorías: ficción, documental y/o animación. Estas películas estarán realizadas durante lo años 2025 y 2026, donde su duración no excederá los 20 minutos.

Se admiten cortometrajes cuyo idioma original no sea el español, sin embargo deberán incluir subtítulo en esta lengua.

Los audiovisuales admitidos a concurso quedarán en posesión de la Fundación Inquietarte y podrán ser utilizados por la misma en los medios de comunicación para promocionar la programación del Festival, así como en sus actividades educativas itinerantes. Por otro lado, estas actividades se podrán realizar de forma presencial u online. Los productores de los cortometrajes seleccionados autorizan el uso deun fragmento de las obras (máximo tres minutos) para su difusión como material informativo en cualquier medio, incluido internet.

De igual manera, los cortometrajes también podrán ser utilizados en actividades educativas y de difusión del festival organizadas por alguno de los patrocinadores, siempre en colaboración con la Fundación Inquietarte. La participación implica la aceptación plena de las presentes bases, así como la resolución de cualquier problema no incluido en las mismas por parte de la organización.

Los cortometrajistas cuyas obras resulten seleccionadas serán informados a través del cambio de estado de su película en la plataforma desde la que hayan realizado su inscripción en los siguientes sitios web: Click for festivals, Festhome y Movibeta.

El jurado del Festival decidirá qué películas de las seleccionadas serán las que resulten finalistas, siendo estas las que se proyectarán públicamente durante la celebración del Festival. La organización se reserva el derecho de realizar la proyección en modalidad online, a través del canal de Youtube de la Fundación Inquietarte, en un solo pase, tras publicar el calendario de proyecciones.

La lista de finalistas se dará a conocer en la página web de la Fundación Inquietarte, así como en el blog del Festival y en los correspondientes perfiles de Facebook, Instagram y Bluesky a partir del 1 de junio de 2026

El Festival convoca dos premios en esta sexta edición: Premio Fundación Inquietarte, al mejor cortometraje, valorado en 1.000€; y Premio al mejor cortometraje de Memoria Democrática sobre Castilla-La Mancha y/o producido en dicha Comunidad Autónoma, otorgado por la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, valorado en 1.000€.

La 29 edición del Festival de Málaga ha terminado en la noche de este sábado con su gala de clausura, celebrada en el Teatro Cervantes. Las películas 'Yo no moriré de amor', 'El jardín que soñamos' e 'Iván & Hadoum' han sido las grandes triunfadoras del certamen.

No ha faltado un recuerdo a la desaparecida Gemma Cuervo en el arranque de la gala de clausura. “Somos un festival que apuesta por el nuevo talento”, han subrayado la periodista Elena Sánchez y la actriz Masi Rodríguez, presentadoras de la gran noche del cine en Málaga.

“Estoy muy impresionada, había películas enormes”, ha subrayado Marta Matute, directora de 'Yo no moriré de amor', ganadora de la Biznaga de Oro a Mejor Película Española. La cineasta madrileña, rodeada de gran parte del equipo del largometraje, ha pedido “poner en relevancia la necesidad de un sistema de ayuda” y que haya “más residencias públicas”.

“Significa mucho para mí, por todos los años de estar enamorado de hacer cine”, ha dicho por su parte Joaquín del Paso, director de 'El jardín que soñamos', ganador de la Biznaga de Plata a Mejor Película Iberoamericana y a Mejor Dirección. Además, su película ha conseguido el galardón a la Mejor Fotografía

Ian de la Rosa, director de Iván & Hadoum' ha recogido el Premio al Mejor Guión y el Premio Especial del Jurado. “Me parece dificilísimo escribir”, ha reconocido el joven cineasta y guionista andaluz, que ha preguntado “cuándo va a existir una escuela de cine pública”. Y además, su largometraje también le ha valido una Mención Especial al actor Silver Chicón.

Premios a mejor interpretación

El actor Daniel Zárate ha ganado la Biznaga de Plata a Mejor Interpretación Masculina por 'Hangar rojo', que ha agradecido por video desde Chile. “Espero que esta película pueda despertar conciencias”, ha deseado el intérprete chileno.

Júlia Mascort, galardonada a Mejor Interpretación Femenina por 'Yo no moriré de amor', ha agradecido a sus padres y a toda su gente: “Esto es de todos”. Pero de forma muy especial a su directora, Marta Matute.

“Nos da mucha emoción que la película esté viajando”, ha compartido en vídeo el director de 'Hangar rojo', Juan Pablo Sallato, que no ha podido recoger el Premio de la Crítica.

El Premio del Público para la Sección Oficial ha ido para 'Hangar rojo', de Juan Pablo Sallato, y ha sido recogido por su distribuidora. La Biznaga de Plata establecida como Premio del Público por Votación en Sala ha sido para 'Pioneras. Solo querían jugar' y su directora, Marta Díaz De Lope Díaz, ha querido “agradecer al público de Málaga por tanto cariño”.

'Dos días', de Gonzaga Manso, se ha llevado el Premio del Público para la Sección Oficial Fuera de Concurso: “Uno de los momentos más bonitos que hemos vivido ha sido en la sala en este festival”, ha reconocido su director.

María Magdalena Sanizo, ganadora de la Biznaga de Plata a la Mejor Intérprete Femenina de Reparto por su papel en 'La hija cóndor', ha mostrado una gran emoción: “Para mí ha sido una sorpresa porque es la primera vez que he actuado, y es muy hermoso”. Lo ha agradecido con una corta canción en quechua.

La Biznaga de Plata al Mejor Intérprete Masculino de Reparto ha sido recibido por Tomás del Estal, gracias a su trabajo en 'Yo no moriré de amor': “Es la primera vez que vengo a Málaga y no podría estar más contento”.

Premios técnicos

Además, 'Hangar rojo', otra gran ganadora de la noche, también ha visto reconocido su trabajo de edición con el Premio del Mejor Montaje.

En el apartado de Mejor Música, el galardón lo ha recogido el director de 'La hija cóndor', en nombre de Cergio Prudencio y Marcelo Guerrero.

Y no han faltado momentos musicales en la clausura de la 29 edición del Festival de Málaga, con las actuaciones del grupo Viva Suecia, una de las bandas más destacadas del panorama indie español, que abrieron con rotundidad; la cantante malagueña Pasión Vega, que ha aportado uno de los momentos más emotivos de la noche; y la propuesta musical de Tony Grox y Lucycalys.

Hasta diez Goyas desfilarán por Rivas en otros tantos días. El Festival de Cine de Rivas celebra a lo grande su 25ª edición, desde este miércolas hasta el 21 de marzo, con una combinación del impulso al cortometraje y la creación ripense con grandes nombres que saben lo que es triunfar en la gran noche del cine español. A los ocho cabezones de Ferando León de Aranoa, que recibirá el I Premio Cine y Compromiso del certamen, hay que sumar el de la directora de arte de Sirat, Laia Ateca, invitada a impartir una clase magistral sobre su proceso en la película de Oliver Laxe. Completa el plantel Miriam Garlo, galardonada como mejor actriz revelación el pasado 28 de febrero por su papel en Sorda. La intérprete ha sido precisamente la gran protagonista de la presentación del certamen ante los medios.

“Es la primera vez que soy jurado en un festival y ha sido gracias a que la accesibilidad ha estado cubierta”, ha agradecido Garlo en una rueda de prensa donde le ha acompañado Santiago Tabernero, director de cine y televisión que también ha participado en las deliberaciones del concurso de cortos. También han intervenido la alcaldesa de Rivas-Vaciamadrid, Aída Castillejo, y la concejala de Cultura, Ángela Vijande.

Garlo ha “agradecido la oportuinidad” y ha valorado la disposición del Ayuntamiento para garantizar su participación, algo que ha querido normalizar y hacer extensible al conjunto de la sociedad: “No deberíamos ver estas medidas como algo ajeno. Se trata de un bien colectivo”, ha explicado en respuesta a las preguntas de Somos Rivas. Así, todas las películas del festival se proyectan con subtítulos y las galas o actividades contarán con intérpretes en lengua de signos. Para la actriz, estas acciones son de utilidad no solo para la comunidad sorda, sino para quienes tienen otro tipo de discapacidades, determinados trastornos permanentes o pasajeros y para muchas personas mayores. Sorda puede verse este mismo miércoles desde las 19.00 en los cines Yelmo H20 de Rivas, con coloquio posterior con la propia Miriam Garlo.

La protagonista de la premiada película de Eva Libertad ha reivindicado además la necesidad de “luchar por nuestros derechos, que no son un lujo y que nos pueden quitar”. En este sentido, Santiago Tabernero ha valorado el tradicional compromiso social del evento: “Estoy encantado de participar en un festival tan posicionado, que al igual que la película de Miriam nos permite conocer mejor a los demás. El propio jurado ha sido muy diverso, porque así es la vida. Ha sido materia de aprendizaje”. Adelanta que cada uno de los cortometrajes premiados “sintoniza con alguno de los problemas sociales que nos acechan”.

Castillejo ha compartido esta visión sobre “un cine que no es solo entretenimiento, ya que nos ayuda a compartir conversaciones necesarias”. Todo ello en una cita “arraigada que es ya toda una forma de hacer ciudad, nacida en un entorno que empezaba a construirse entendiendo la cultura como un derecho y un espacio de encuentro”.

Así, ha destacado que el cine está insertado en la “memoria” de muchos ripenses gracias a coloquios, proyecciones y a quienes han creado sus primeros cortos en el marco del festival. “Han demostrado edición tras edición que el cine se hace desde lo local, desde los barrios. Lo han sacado de la alfombra roja para llevarlo a colegios, centros culturales y esos lugares donde se construye comunidad”, ha expuesto la regidora sobre el papel de sus propios vecinos en estos 25 años.

Una programación variada que combina emoción y compromiso

Para la alcaldesa, el Festival de Cine de Rivas “reúne cine, pensamiento, creación y conversación”. Elementos que ve reflejados en la figura del cineasta Fernando León de Aranoa, primer agraciado con el Premio Cine y Compromiso, que a partir de esta edición tendrá continuidad en las venideras. Según Castillejo, el director de Los lunes al sol combina “la calidad con la capacidad de hablar de las desigualdades y de la dignidad de la gente común”. De ese modo, “su cine se atreve a mirar de frente”.

El festival proyecta su ópera prima, Familia (1996) el miércoles 18, con un coloquio posterior a las 19.00 en el sobre soledad no deseada en el auditorio del Edificio Atrio, en el número 36 de la avenida de José Hierro. Además, El buen patrón (2021) se exhibe el lunes 16 a las 19.00 (con entrada gratis), seguida de una charla posterior sobre trabajo y territorio. Será en el Centro de Educación y Recursos para Personas Adultas de Rivas, en calle Picos de Urbión, sin número. El propio Fernando León acudirá a la gala de clausura del festival.

Otro de los nombres propios de la edición es Laia Ateca, directora de arte de Sirat. Reciente triunfadora en los Goya, impartirá una clase magistral sobre este oficio (vital en el sector pero un gran desconocido para muchos espectadores) el jueves 19 a las 17.00. Será en la sala Marcos Ana del centro cultural Federico García Lorca, en el número 3 de la plaza de la Constitución. El precio es de 15 euros, con inscripciones en este enlace. Posteriormente, la película de Laxe se exhibirá a las 19.00 en los cines Yelmo H20 y habrá coloquio con Ateca.

El compromiso del festival estará presente también en su proyección internacional, la del largometraje La voz de Hind Rajab. La tunecina Kaouther Ben Hania dirige este duro acercamiento a la historia de una niña de seis años, atrapada en Gaza bajo los bombardeos del Gobierno de Benjamin Netanyahu. El audio pertenece a la llamada real de Hind Rajab, mientras que la acción de los voluntarios de la Media Luna Roja está reconstruída con actores. Merecedora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia y nominada al Oscar a mejor película internacional, donde compite con Sirat, puede verse este martes 12 a las 19.00 en los Yelmo H20.

En cuanto al alma del Festival de Cine de Rivas, el concurso nacional de cortometrajes, las proyecciones se dividen en tres jornadas y seis sesiones, todas ellas en los Yelmo: serán el viernes 13 a las 19.00 y las 21.00, así como el domingo 15 y el viernes 20, en los mismos horarios. Pueden adquirirse localidades en este enlace. Otra importante pata, la del concurso local de cortos, se desarrollará el martes 17 a las 19.00 en la Sala Covibar (avenida de Covibar, 8). Todos ellos están disponibles aquí. Estarán presentes los equipos de cada pieza seleccionada. También los participantes del concurso exprés, que habrán elaborado previamente sus creaciones durante el sábado 14.

Otra proyección marcada en el calendario da cuenta del peso que estos 25 años han tenido para la población ripense, sobre todo los más jóvenes. Así, el miércoles 18 a las 21.00 podrá verse en los Yelmo H20 el documental Érase una vez en Rivollywood. Su director, José Luis Rojas, desgrana la historia de un movimiento espontáneo y libérrimo de creación cinematográfica que sacudió el municipio en la primera década de este siglo. Los testimonios de sus propios protagonistas se combinan con escenas de sus creaciones, en las que hay espacio para persecuciones, héroes de acción, historias de terror y muchas dosis de imaginación. Como curiosidad, el fenómeno comenzó cuando un grupo de chavales se conocieron en ese mismo multisalas.

El Festival del Cine de Rivas despedirá sus bodas de plata con una gala de clausura y entrega de premios presentada por la humorista Ana Morgade y amenizada por la Banda Glass Glassy. Será el sábado 21 desde las 21.00 en el auditorio Pilar Bardem (calle de la Fundición, sin número). La solicitud de entradas para este fin de fiesta pueden solicitarse hasta el 19 de marzo escribiendo al correo cultura@rivasciudad.es. Una oportunidad para despedir por todo lo alto una de las semanas más importantes para la cultura ripense y madrileña.

Xavi Herrero va desembarcar a Eivissa en un moment crític per als cinèfils. Fa una mica més d’una dècada, les sales de cinema que existien a l’illa havien tancat, estaven tancant o feia anys que romanien tancades. El Serra –l’últim cinema que quedava al centre de la capital eivissenca: era centenari– es va convertir en runa per acabar sent un solar on després s’aixecaria un hotel de cinc estrelles. Les possibilitats d’un eivissenc per veure una pel·lícula independent o, fins i tot, una pel·lícula en versió original sense haver d’agafar un vaixell o un avió per viatjar a la península o a Mallorca eren remotes.

El projecte que aquest cineasta català –Terrassa, quinta del 67– tenia al cap es va convertir en una escletxa per on va entrar la llum. Deu edicions més tard, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa s’ha convertit en un dels certàmens més reconeguts d’Espanya. Qualifica per als Goya. L’Ibiza Cinefest –així l’anomenen– atrau autors consolidats i debutants i convida a pensar en la nostra relació amb la imatge. I, sobretot, no té catifa vermella.

El projecte que tenia al cap el cineasta Xavi Herrero es va convertir en una escletxa per on va entrar la llum. Deu edicions més tard, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa s'ha convertit en un dels certàmens més reconeguts d'Espanya

“Igual que mai no vaig tenir mentalitat de funcionari i per això vaig deixar de treballar a TV3, el brilli brilli tampoc m'interessa. No volia que hi hagués actors i actrius amb roba elegant fent-se fotos per vestir la imatge del festival. El que m'interessava és que els creadors poguessin venir a Eivissa a explicar sobre la seva feina, tant el procés creatiu com tot el que envolta aixecar una producció. I, sí, és cert que l'illa s'havia quedat pràcticament sense cinemes, però en arribar vaig al·lucinar amb la quantitat d'espais públics on es podia encaixar la nostra programació. Pràcticament, cada poble en tenia un… amb pantalla gran. Per allà ens hem colat”, explica Herrero.

No m'interessa el 'brilli brilli'. No volia que hi hagués actors i actrius amb roba elegant fent-se fotos per vestir la imatge del festival. El que m'interessava és que els creadors poguessin venir a Eivissa a explicar sobre la seva feina, tant el procés creatiu com tot el que envolta aixecar una producció

Xavi Herrero — Director de l'Ibiza Cinefest

El director del festival està sopant amb el seu equip en un bar de Sant Josep de sa Talaia. Al grup hi ha cinèfils veterans com Juan Marí Susierra o Juanjo Ribas –impulsors d’altres mostres i cicles que s’organitzen a l’illa– i sang nova. Toni Planells, per exemple, un realitzador que s’ha arromangat per encarregar-se de la producció del festival. “La idea és que si jo fes un pas al costat, l’Ibiza Cinefest continués existint”, comenta Herrero. Amb la satisfacció de qui acaba una feina maratoniana. Minuts abans havia acabat –en un teatre rehabilitat per l’ajuntament després de dècades en desús– la projecció del primer capítol de La ruta. Vol. 2: Ibiza.

La idea és que si jo fes un pas al costat, l'Ibiza Cinefest seguís sent existent

Xavi Herrero — Director de l'Ibiza Cinefest

Aquesta producció d’Atresmedia retrata –en paral·lel– l’escena de les discoteques eivissenques a mitjan anys noranta i l’especulació urbanística de principis dels setanta. El públic –segons l’edat– ha fet memòria o s’ha amarat dels colors, les substàncies i els sons que van vibrar a l’illa en dos períodes clau. Just quan les festes britàniques es van apoderar de la nit, just quan els constructors valencians i els promotors estrangers van fonamentar quilòmetres de platja verge. Connectats, tots dos moments permeten entendre l’Eivissa actual. Hi ha aplaudiments i preguntes per a Borja Soler i Blanca Javaloy, el director-guionista i la responsable de seleccionar el càsting de La ruta. El realisme ha arribat a tal punt que el públic perdona un detall important. Les localitzacions són mallorquines. Per un “tema logístic”, diuen els responsables de la sèrie, “va ser inviable rodar a Eivissa”.

Monedes digitals, barraques, migrants

Durant una setmana llarga –del 20 de febrer a l’1 de març–, l’Ibiza Cinefest ha ofert llargmetratges, curtmetratges, animació infantil, un espai específic per a cineastes balears i fins i tot algun assaig fílmic com Madrid Ext., de Juan Cavestany. La nova pel·lícula de l’autor de l’obra teatral Urtain o de la sèrie Vergüenza retrata les mutacions que ha provocat el pas del temps –i els fluxos financers– a la capital espanyola. Avingudes, carrers i places com a camp de batalla econòmic.

–Xavi, la programació se selecciona buscant ficcions o documentals que estiguin relacionats o tenguin afinitat amb el que passa a Eivissa?

–Bé… [el director de l’Ibiza Cinefest pensa uns segons]. No necessàriament. El que passa és que ens interessa molt la temàtica social i aquesta illa, encara que sembli petita, està carregada d’històries molt potents. Així que és normal que hi hagi temàtiques que ens resultin familiars, que ressonin en recordar-nos històries que també estan passant aquí.

Ens interessa molt la temàtica social i aquesta illa, encara que sembli petita, està carregada d'històries molt potents. Així que és normal que hi hagi temàtiques que ens resultin familiars, que ressonin en recordar-nos històries que estan succeint aquí també

Xavi Herrero — Director de l'Ibiza Cinefest

Les paraules d’Herrero cobren sentit després de veure algunes de les propostes del festival. És evident la relació que tenen amb Eivissa les trames de +10K o Ciudad sin sueño. La primera és un curt documental de Gala Hernández que reflecteix les ambicions d’un criptobro de vint-i-un anys que somia guanyar 10.000 dòlars al mes per viure com un pachá. La seva ambició: conduir un Lamborghini sota les palmeres de Miami. La segona segueix les aventures i desventures d’un nen gitano i del seu amic musulmà pels camps i rierols que envolten la Cañada Real. Tom Sawyer i Huckleberry Finn amb smartphones. En veure les mansions de Florida i les barraques de l’extraradi madrileny és impossible no pensar en el luxe i la misèria d’Eivissa.

“Vaig arribar a Eivissa i em vaig assabentar que aquí, i a Formentera, també hi és present el drama de la migració. Es parla molt del cas canari, on hi ha la ruta més consolidada, però hi ha altres realitats que no transcendeixen tan fora del lloc. Jo, de fet, em vaig assabentar del que estava passant al Bidasoa llegint la premsa local: a vint quilòmetres de casa meva hi havia un drama migratori”, diu Asier Urbieta.

La seua reflexió no és capriciosa. Aquest cineasta guipuscoà –d’Errenteria, quinta del 79– ha dirigit sèries com Altsasu –“També molt enganxada a la realitat”– i va inaugurar l’Ibiza Cinefest amb el seu primer llargmetratge. Rodada entre Irun i Hendaya, en euskera i francès, Faisaien Irla posa el dit a la nafra oberta sota el riu que separa Espanya i França. En els últims anys, nou persones han mort intentant creuar una frontera que han travessat “unes 50.000 persones en els últims cinc anys”, precisa Urbieta.

“Com l’Illa dels Faisans, és el condomini més petit del món i canvia de sobirania cada sis mesos. Si un mort apareix en el moment de la cerimònia en què s’abaixa una bandera i se n’hissa una altra, quin dels dos estats es farà càrrec del cadàver? A partir d’aquí vam desenvolupar l’argument. És súper important que hi hagi festivals de cinema així en un moment en què les sales estan força buides. Si no, una pel·lícula com la nostra ho tindria impossible per arribar al públic”, afegeix.

És súper important que hi hagi festivals de cinema així en un moment on les sales estàn bastant buides. Si no, una pel·lícula com 'La isla de los faisanes' ho tindria impossible per arribar al públic

Aitor Urbieta — Director de 'La isla de los faisanes'

Imatges que devoren imatges

Si Faisaien Irla col·loca l’espectador davant del mirall –es llançaria vostè a l’aigua si veiés un migrant ofegant-se a pocs metres de casa seva?–, Joan Fontcuberta va situar els centenars de cervells que escoltaven les seves reflexions davant les intel·ligències artificials.

La conferència del pensador català –Premi Nacional de Fotografia el 1998, Premi Nacional d’Assaig el 2011– va ser la cirereta de l’Ibiza Cinefest. Fontcuberta recorre en tot just una hora l’arc que separa els bisons dibuixats sobre la roca del Chat GPT. Passant per la polèmica entre pintors i heliògrafs (els primers fotògrafs); el desenvolupament de la fotografia documental; el poder evocador de les imatges; la transició de la càmera analògica a la digital; o els moderníssims drons de guerra que, mentre maten, graven. I, també, l’etern dilema d’establir els límits entre el fet i la mirada, la representació i el que es representa.

“Fa cinquanta anys que em dedico a la fotografia i he vist molts avenços tècnics. Cada un ens ha donat possibilitats que abans ni imaginàvem”, va explicar Fontcuberta. “Per això m’agrada jugar amb la IA. Ara bé, el que és important sempre serà què fem amb les imatges que creem: quin sentit els donem i quina visibilitat els concedim? Des de sempre, els éssers humans hem devorat imatges, però ara estem en l’època de la iconofàgia perfecta: les imatges es devoren entre elles per generar noves imatges. Als canvis, com dic, cal adaptar-s’hi… però on quedarà l’espai per pensar?”

Xavi Herrero desembarcó en Eivissa en un momento crítico para los cinéfilos. Hace algo más de una década las salas de cine que existían en la isla habían cerrado, estaban cerrando o permanecían cerradas desde hacía años. El Serra –el último cine que quedaba en el centro de la capital ibicenca: era centenario– se convirtió en escombros para convertirse en un solar donde se levantaría luego un hotel de cinco estrellas. Las posibilidades de que un ibicenco viera una película independiente o, incluso, una película en versión original sin tener que tomar un barco o un avión para viajar a la península o a Mallorca eran remotas.

El proyecto que tenía en la cabeza este cineasta catalán –Terrassa, quinta del 67– se convirtió en una grieta por donde entró la luz. Diez ediciones más tarde, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa se ha convertido en uno de los certámenes más reconocidos de España. Califica para los Goya. El Ibiza Cinefest –así lo llaman– atrae a autores consolidados y debutantes e invita a pensar en nuestra relación con la imagen. Y, sobre todo, no tiene alfombra roja.

El proyecto que tenía en la cabeza el cineasta Xavi Herrero se convirtió en una grieta por donde entró la luz. Diez ediciones más tarde, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa se ha convertido en uno de los certámenes más reconocidos de España

“Igual que nunca tuve mentalidad de funcionario y por eso dejé de trabajar en TV3, el brilli brilli tampoco me interesa. No quería que hubiera actores y actrices con ropa elegante haciéndose fotos para vestir la imagen del festival. Lo que me interesaba es que los creadores pudieran venir a Eivissa a explicar sobre su trabajo, tanto el proceso creativo como todo lo que rodea a levantar una producción. Y, sí, es cierto que la isla se había quedado prácticamente sin cines, pero al llegar aluciné con la cantidad de espacios públicos donde se podía encajar nuestra programación. Prácticamente, cada pueblo tenía uno… con pantalla grande. Por ahí nos hemos colado”, explica Herrero.

No me interesa el 'brilli brilli'. No quería que hubiera actores y actrices con ropa elegante haciéndose fotos para vestir la imagen del festival. Lo que me interesaba es que los creadores pudieran venir a Eivissa a explicar sobre su trabajo, tanto el proceso creativo como todo lo que rodea a levantar una producción

Xavi Herrero — Director del Ibiza Cinefest

El director del festival está cenando con su equipo en un bar de Sant Josep de sa Talaia. En el grupo hay cinéfilos veteranos como Juan Marí Susierra o Juanjo Ribas –impulsores de otras muestras y ciclos que se organizan en la isla– y savia nueva. Toni Planells, por ejemplo, un realizador que se ha arremangado para encargarse de la producción del festival. “La idea es que si yo diera un paso al lado, el Ibiza Cinefest siguiera existiendo”, comenta Herrero. Con la satisfacción de quien remata un trabajo maratoniano. Minutos antes terminó –en un teatro rehabilitado por el ayuntamiento tras décadas en desuso– la proyección del primer capítulo de La ruta. Vol. 2: Ibiza. 

La idea es que si yo diera un paso al lado, el Ibiza Cinefest siguiera existiendo

Xavi Herrero — Director del Ibiza Cinefest

Esta producción de Atresmedia retrata –en paralelo– la escena de las discotecas ibicencas a mediados de los noventa y la especulación urbanística de principios de los setenta. El público –dependiendo de su edad– ha hecho memoria o se ha empapado de los colores, las sustancias, los sonidos que vibraron en la isla en dos períodos clave. Justo cuando las fiestas británicas se adueñaron de la noche, justo cuando los constructores valencianos y los promotores extranjeros cimentaron kilómetros de playa virgen. Conectados, ambos momentos permiten entender la Eivissa actual. Hay aplausos y preguntas para Borja Soler y Blanca Javaloy, el director-guionista y la encargada de seleccionar el casting de La ruta. El realismo ha alcanzado tal punto que la audiencia perdona un asunto importante. Las localizaciones son mallorquinas. Por un “tema logístico”, dicen los responsables de la serie, “fue inviable rodar en Eivissa”.

Criptomonedas, chabolas, migrantes

Durante una semana larga –del 20 de febrero al 1 de marzo–, el Ibiza Cinefest ha ofrecido largos, cortos, animación infantil, un hueco específico para cineastas baleares y hasta algún ensayo fílmico como Madrid Ext., de Juan Cavestany. La nueva película del autor de la obra teatral Urtain o la serie Vergüenza retrata las mutaciones que ha provocado el paso del tiempo –y los flujos financieros– en la capital española. Avenidas, calles y plazas como campo de batalla económico.

–Xavi, ¿la programación se selecciona buscando ficciones o documentales que estén relacionados o tengan afinidad con lo que ocurre en Eivissa?

–Bueno… [el director del Ibiza Cinefest piensa unos segundos]. No necesariamente. Lo que ocurre es que nos interesa mucho la temática social y esta isla, aunque parezca pequeña, está cargada de historias muy potentes. Así que es normal que haya temáticas que nos resulten familiares, que resuenen al recordarnos historias que están sucediendo aquí también.

Nos interesa mucho la temática social y esta isla, aunque parezca pequeña, está cargada de historias muy potentes. Así que es normal que haya temáticas que nos resulten familiares, que resuenen al recordarnos historias que están sucediendo aquí también

Xavi Herrero — Director del Ibiza Cinefest

Las palabras de Herrero cobran sentido tras ver algunas de las propuestas del festival. Es evidente la relación que guardan con Eivissa las tramas de +10K o Ciudad sin sueño. La primera es un corto documental de Gala Hernández que refleja las ambiciones de un criptobro de veintiún años que sueña con ganar 10.000 dólares al mes para vivir como un pachá. Su ambición, conducir un Laborghini bajo las palmeras de Miami. La segunda sigue las aventuras y desventuras de un niño gitano y de su amigo musulmán por los campos y riachuelos que rodean la Cañada Real. Tom Sawyer y Huckleberry Finn con smartphones. Al ver las mansiones de la Florida y las chabolas del extrarradio madrileño es imposible no pensar en el lujo y la miseria de Eivissa.

“Fue llegar a Ibiza y enterarme de que aquí, y en Formentera, también está presente el drama de la migración. Se habla mucho del caso canario, donde está la ruta más consolidada, pero hay otras realidades que no trascienden tanto fuera del lugar. Yo, de hecho, me enteré de lo que estaba sucediendo en el Bidasoa leyendo la prensa local: a veinte kilómetros de mi casa había un drama migratorio”, dice Asier Urbieta. 

Su reflexión no es caprichosa. Este cineasta guipuzcoano –de Errenteria, quinta del 79–, ha dirigido series como Altsasu –“También muy pegada a la realidad”– y abrió el Ibiza Cinefest con su primer largometraje. Rodada entre Irún y Hendaya, en euskera y francés, Faisaien Irla pone el dedo en la llaga abierta bajo el río que separa España y Francia. En los últimos años, nueve personas han muerto tratando de cruzar una frontera que han atravesado “unos 50.000 personas en los últimos cinco años”, precisa Urbieta.

“Como la Isla de los Faisanes, es el condominio más pequeño del mundo y cambia de soberanía cada seis meses. Si un muerto aparece en el momento de la ceremonia en la que se arría una bandera y se iza otra, ¿cuál de los dos estados va a hacerse cargo del cadáver? A partir de ahí desarrollamos el argumento. Es súper importante que haya festivales de cine así en un momento donde las salas están bastante vacías. Si no, una película como la nuestra lo tendría imposible para llegar al público”, añade.

Es súper importante que haya festivales de cine así en un momento donde las salas están bastante vacías. Si no, una película como 'La isla de los faisanes' lo tendría imposible para llegar al público

Aitor Urbieta — Director de 'La isla de los faisanes'

Imágenes que devoran imágenes

Si Faisalen Irla coloca al espectador frente al espejo –¿se lanzaría usted al agua si viera a un migrante ahogándose a pocos metros de su casa?–, Joan Fontcuberta situó a los cientos de cerebros que escucharon sus reflexiones ante las inteligencias artificiales. La conferencia del pensador catalán –Premio Nacional de fotografía en 1998, Premio Nacional de ensayo en 2011– fue la guinda del Ibiza Cinefest. Fontcuberta recorre en apenas una hora el arco que separa los bisontes dibujados sobre la roca del Chat GPT. Pasando por la polémica entre pintores y heliógrafos (los primeros fotógrafos); el desarrollo de la fotografía documental; el poder evocador de las imágenes; la transición de la cámara analógica a la digital; o los modernísimos drones de guerra que, mientras matan, graban. Y, también, el eterno dilema de establecer los límites entre el hecho y la mirada, la representación y lo representado. 

“Yo hace cincuenta años que me dedico a la fotografía y he visto muchos avances técnicos. Cada uno, nos ha dado posibilidades que antes ni imaginábamos”, explicó Fontcuberta. “Por eso, me gusta juguetear con la IA. Ahora bien, lo importante siempre será qué hacemos con las imágenes que creamos: ¿cuál es el sentido que le damos y qué visibilidad les concedemos? Desde siempre, los seres humanos hemos devorado imágenes, pero ahora estamos en la época de la iconofagia perfecta: las imágenes se devoran entre ellas para alumbrar nuevas imágnes. A los cambios, como digo, hay que adaptarse… ¿pero dónde quedará el espacio para pensar?”.

Aunque es más conocido en el ámbito del cine, como director, productor y responsable del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, Manuel H. Martín ya empieza a hacerse un hueco en las letras andaluzas. Tras su debut, Rojo sangre, vuelve a la novela con Podemos ser héroes, una historia ambientada en Sevilla.

Onubense de 1980, Martín cree que escribir para el cine es muy distinto que cultivar la narrativa convencional. “Hay herramientas que pueden ser similares, sin embargo la escritura es una forma de creación tan solitaria como libre”, comenta. “Otra cosa tremendamente diferente es que la novela tiene menos limitaciones presupuestarias, piensas en escribir con todo lo que sea necesario para los personajes y el relato sin pasarte a pensar en número de figurantes, en minutos de animación o en cualquier otro detalle que depende de un enorme equipo de personas. El cine es una creación más colectiva, donde el resultado final depende de muchas personas, mientras que la novela, aunque tenga edición y corrección de terceros, es el resultado del trabajo del escritor”.

Respecto a su primera obra, Rojo sangre, comenta que “quizás podrían pertenecer al mismo universo narrativo. Rojo sangre transcurre en Río Tinto, un pueblo casi imaginario con un matiz rural y fantástico que deseo explorar en futuras obras, mientras que Podemos ser héroes se desarrolla en Sevilla. Sin embargo, a pesar de estas diferencias de contexto -urbano frente a rural-, ambas historias se unen por un hilo conductor: el aprecio por la cultura pop y pulp. A mí me gusta leer de todo y puedo pasar de Stephen King a Miguel Delibes”.

Penitencia y máscaras

En el caso concreto de Podemos ser héroes, el autor cita como referentes “desde el retrato oscuro de la naturaleza humana de las novelas de Jim Thompson o Patricia Highsmith, en la soledad y la alienación descrita en la película Taxi Driver, en las enigmáticas ilustraciones de Gustave Doré, en los vigilantes torturados de Frank Miller, en mezclar géneros y estilos, incluso musicales, desde las marchas de Semana Santa, las composiciones de Max Richter, Thelonious Monk o la música David Bowie”.

La historia está protagonizada por Iván, un chaval de 16 años obsesionado con los superhéroes, y Juan, un taxista que vive para trabajar y lleva años reprimiendo su lado más oscuro. “Los destinos de ambos van a colisionar. Iván, que se ha hecho su propio disfraz para guardar su identidad, ataca a Juan, su padre. Sin embargo, el enfrentamiento no acaba como él pensaba. Tras esa noche, se abren nuevos caminos y personajes en sus vidas, obligando a Juan e Iván a enfrentarse a sus propios villanos y demonios, a sus impulsos y obsesiones”, adelanta Martín. “Es un drama de venganza, con toques de thriller psicológico y fantasmagoría. Es la historia de un padre y un hijo unidos por la violencia y el inmenso dolor que genera”.

Para el escritor, superhéroes y Semana Santa “son mundos con mitología y universo propios que movilizan a una gran cantidad de seguidores. Al margen de creencias, hay quienes viven con fervor la experiencia de la Semana Santa y quienes disfrutan de eventos como la Comic-Con. Personalmente, respeto ambos ámbitos que, en el caso de la novela, representan refugios a los que se aferran los protagonistas y sus obsesiones”, dice. “Aunque hay cómics que han trascendido y ya son consideradas como grandes obras culturales, más allá de los clásicos como Watchmen o El regreso del caballero oscuro, aún es común, al igual que sucede con la Semana Santa, encontrarte con críticos hacia todo lo que sean superhéroes desde una perspectiva simplista. En mi novela, me resultó esencial fusionar las temáticas del martirio y la penitencia con la violencia propia de los vigilantes enmascarados. Será el lector quien juzgue el acierto o no de esta mezcla”.

Manuel H. Martín recuerda de paso que su experiencia en la Semana Santa se limita haber salido de pequeño como penitente de la Esperanza en Huelva. “Después, en la adolescencia, adopté una pose más iconoclasta. Afortunadamente, con los años, he llegado a valorar la Semana Santa como una experiencia artística muy particular, sobre todo en Andalucía. Además, me gustaría mencionar la influencia de una película y un personaje concretos en la novela. Siempre recordaré la devoción del personaje interpretado por Antonio de la Torre en Grupo 7. Una muestra de que se pueden mezclar Sevilla, el género negro y la fe”.

Novelas visuales

En cuanto a Sevilla, cree que “la ciudad ha sido explorada desde ópticas diversas por numerosos creadores, como los cineastas Alberto Rodríguez y Rafael Cobos. A esta visión de una Sevilla alejada del tópico, se suma mi propia experiencia personal con la ciudad. Aunque me crié en un barrio obrero de Huelva, he pasado más de la mitad de mi vida en Sevilla, donde llegué a los dieciocho años para estudiar audiovisuales. Desde entonces, he residido en varias áreas, incluyendo Triana, Nervión, la Macarena, el centro e incluso la zona del Aljarafe. He vivido la ciudad, que ahora, quizás debido a mi edad o al impacto del turismo, percibo muy distinta a la que conocí”.

Pero, ¿es posible eludir la Sevilla de postal? Para el autor, sí: “La creatividad, ya sea en el cine, el teatro o la literatura, no tiene límites, y creo que aún quedan muchas historias por contar desde una perspectiva diferente, lejos de clichés, el humor fácil o el esperpento. La problemática de la postal va más allá de lo creativo. Como sociedad necesitamos buscar soluciones al impacto del turismo masivo, al acceso a la vivienda y el alejamiento de residentes y negocios de toda la vida del centro de la ciudad. Empecé a escribir la novela en 2021, mucho antes del auge turístico de los últimos años. Si la escribiera ahora, este tema cobraría mucha más relevancia”.

Por último, cuando se le pregunta si ve esta novela adaptada a la pantalla, reconoce que sus dos novelas “son muy visuales y, en cierto modo, se originaron en proyectos que inicialmente concebí para escribir y dirigir. Pero medida que he ido escribiendo, mi enfoque es más literario que cinematográfico. Claro que me encantaría verlas adaptadas al cine, pero considero más enriquecedor que la adaptación, aunque pueda ser producida por mi productora y pueda contar con mi implicación en la escritura, corra a cargo de otros creadores. Al fin y al cabo, con Rojo sangre y Podemos ser héroes las historias que deseaba contar ya están contadas en formato papel”.

Un año más el Museo Helga de Alvear ha sido el escenario donde se ha presentado una nueva edición del Festival de Cine Español de Cáceres. Se trata de la 33 edición en la que han compartido mesa el presidente de la Diputación Provincial de Cáceres, Miguel Ángel Morales, y el director de la revista de cine y cultura Versión Original y presidente de la Fundación Rebross, Paco Rebollo. Presencias a las que se han unido, a través de la pantalla, el subdirector del Área de Cine de RTVE, Gervasio Iglesias –entidad que ha colaborado con el Festival proporcionando las películas- y el embajador de Palestina en España, Husni Abdel Wahed. Y es que, esta edición, el jurado del Certamen de Carteles para jóvenes, donde se decide la imagen del festival, ha sido realizada por jóvenes diseñadores valencianos que han querido plasmar que la situación del Estado de Palestina necesita seguir recordándose; un compromiso que también adquieren la Fundación organizadora y la Diputación Provincial de Cáceres.

“La Diputación de Cáceres está comprometida plenamente con la cultura en general y con el Festival de Cine de Cáceres en particular que es un referente no solo en la provincia y en la región sino en España. Es una bandera fundamental para lograr grandes hitos que algunas administraciones estamos convencidos poder conseguir. El año 2031 va a ser una fecha muy importante, pero de aquí al 31 hay que hacer muchas cosas para poder llegar con éxito. Tenemos que entender que, eventos como el Festival de cine, es determinante y fundamental para proyectar la ciudad, y todas las administraciones tenemos que seguir invirtiendo en la cultura y apostar por proyectos tan importantes como el Festival de Cine, más cuando viene acompañado con la palabra Solidario”, ha señalado Miguel Ángel Morales.

En este sentido, Morales ha puesto a la Fundación Rebross como ejemplo de cómo “la cultura se convierte y se transforma en motor y acicate de solidaridad en un mundo tan injusto. Siempre me acuerdo, en cualquier acto, de Palestina y fue un orgullo cuando V.O dedicó su última revista a Palestina”, una revista en la que también estuvo presente la Diputación de Cáceres.

Finalmente, el presidente ha expresado su deseo para que los eventos, los nuevos y los que ya están consolidados, y centros de la relevancia del Museo Helga de Alvear, tengan el respaldo de todas las instituciones “porque invertir en cultura no es ningún despilfarro … y las administraciones tenemos que ser conscientes de que no solo se puede seguir adelante con buenas intenciones y con buenas palabras, es importante seguir invirtiendo y apostando por la cultura”

Por su parte Paco Rebollo, que ha hecho un recorrido por la programación de la 33 edición, ha subrayado “el papel de la cultura para poner el foco donde hay desigualdades” y ha explicado que el dinero recaudado en el festival será donado para el envío de medicinas a Gaza.

Programación

La mejor producción nacional cinematográfica se exhibe entre el 1 y el 14 de marzo en el 33º Festival de Cine Español de Cáceres, que organiza la Fundación Rebross. Junto a una selección de diez de las películas españolas más relevantes del pasado año, estrenos exclusivos de cortometrajes y proyecciones para niños y jóvenes, el festival galardonará con los Premios Versión Original a figuras de la interpretación, dirección y producción como Carmen Machi, Oliver Laxe, Daniel Guzmán y Ana Torrent, que recogerán sus galardones en la gala de clausura que tendrá lugar en el Gran Teatro el 14 de marzo.

El festival se ha asegurado su continuidad con la entrada de la Diputación de Cáceres como Patrocinador Oficial, cuya aportación económica asciende a 35.000 euros. Además, la Jornada de Turismo Gastronómico entregará a partir de esta edición el Premio Versión Original “Gastronomía” a personas, empresas o instituciones cuya labor ha sido relevante en la promoción de la gastrónomía en la provincia de Cáceres.

Los Premios Versión Original, que destacan cada año los trabajos más sobresalientes de la producción española y reconocen trayectorias de alcance, entregarán a la actriz Carmen Machi el Premio de Honor de la 33ª edición. “Machi es una de nuestras grandes intérpretes, que ha demostrado una versatilidad fuera de lo común en papeles cómicos y dramáticos, tanto en el cine, la televisión y el teatro. Baste enumerar algunas de las obras en las que ha intervenido para atestiguar sobre la brillantez y el alcance de su voz y su gesto: la televisiva Aida, la teatral La tortuga de Darwin, la cinematográfica La mujer sin cabeza, Los abrazos rotos y la exitosa Ocho apellidos vascos” ha apuntado Rebollo.

Otros nombres de primera fila del cine español figuran en el palmarés del festival cacereño, como Oliver Laxe, cuya Sirat, uno de los grandes títulos mundiales reconocidos por la crítica internacional en 2025, ha sido reconocida como Mejor Película; Daniel Guzmán, que recogerá el Premio Mejor Actor de Cine, como protagonista de su propia película, La deuda, una dramática exploración en el acuciante problema de la vivienda, y Nora Navas, que se ha hecho acreedora del denominado, desde la pasada edición, Premio “Marisa Paredes” a la Mejor Actriz Cine por Mi amiga Eva, un filme sobre las segundas oportunidades.

En el apartado de series, el festival destaca los trabajos actorales de Manolo Solo interpretando al general Gutiérrez Mellado en Anatomía de un instante, basada en el libro homónimo del escritor extremeño Javier Cercas en torno al golpe de Estado del 23F, y de Ana Torrent en Furia, un crudo relato sobre la violación femenina y sus dramáticas consecuencias.

El palmarés lo completan Eva Libertad, Premio Mejor Dirección por Sorda, una indagación sobre las consecuencias de la sordera en una mujer; Blanca Soroa, Premio Revelación por su debut como actriz en Los domingos; el compositor español ganador de dos Goyas Lucas Vidal, Premio Mejor Música por 8, y la productora y presidenta de la Academia de Cine de Extremadura Pilar Díaz Pardo, Premio Reyes Abades.

Savia cacereña

Dentro de su programación cinematográfica, la 33 edición del Festival estrenará el 1 de marzo en exclusiva en Multicines Cáceres dos cortometrajes. Dos actores de Cáceres, Marian Redondo y Alberto Lucero producen y dirigen Los pequeños momentos. Además, el propio Lucero, autor del guión, protagoniza esta historia junto a la actriz Paula Motoso.

También estreno en Cáceres es el del cortometraje Kipuka, que firman el actor, guionista y director Javi Armas y la realizadora y documentalista Paula C. Ventura, un tándem creativo vinculado al cine canario contemporáneo y que cuenta como productora de la obra a la periodista cacereña Elena Olmos. Kipuka cuenta la historia de una mujer que se enfrenta al pasado cuando su hijo regresa al hogar familiar, ubicado en una zona volcánica.

Para los menores, el Festival enfoca su sección Ver Cine Español Ayuda a unos 5.000 alumnos de centros educativos de la provincia de Cáceres y cuyo propósito es aunar cine y educación. El musical Voy a pasármelo mejor se exhibirá en la Sección Juvenil (Multicines Cáceres, 2 y 3 de marzo). Es el debut como directora de la madrileña Ana de Alva, y secuela de Voy a pasármelo bien, que dirigió David Serrano. El filme reúne famosas canciones del año 1991 de Antonio Vega, Duncan Dhu, Miguel Bosé, Seguridad Social o Chimo Bayo, interpretadas por un grupo de jóvenes durante un verano de viaje a México.

Adría García, uno de los talentos de la animación española, lleva a la pantalla de Multicines Cáceres, del 4 al 6 de marzo, El tesoro de Barracuda, en la Sección Infantil. Basada en una novela de Llanos Campos, el director cuenta una historia de piratas llena de humor y emoción.

Sección oficial

La Sección Oficial del Festival proyectará en los Multicines Cáceres diez de las peliculas españolas más relevantes del pasado año, que reflejan el momento de euforia que se vive en el cine nacional. Como seña del festival, la selección de los filmes se ha hecho aplicando la paridad, de manera que la mitad de los títulos los dirigen mujeres. La primera semana de proyecciones estará justamente ocupada por ellas. Abrirá la directora catalana Judith Colell (Elisa K) con Frontera, un thriller que nos retrotrae a la posguerra española, cuando un grupo de personas ayuda a los judíos a huir de la Francia ocupada por los nazis guiándoles por los límites entre el país galo y España. Bruna Cusí, Miki Esparbé y Asier Etxeandia protagonizan una película que recupera la memoria histórica del país.

Ana Asensio firma la sensible La niña de la cabra, una mirada a la década de los años 80 a través de una menor y su amistad con otra chica que tiene una cabra. La debutante Sara Fantova es la directora de Jone, a veces, donde captura momentos decisivos de su personaje femenino (una relación amorosa, su vínculo con su padre enfermo) durante la celebración de la Semana Grande de Bilbao.

Belén Funes dirige ese crudo retrato de una familia andaluza, bajo el peso de la inmigración a la ciudad que es Los tortuga, una inmersión en el cine rural que reivindica lo local, la España real que no se muestra habitualmente en imágenes.

Y para cerrar la primera semana de proyecciones, otro debut al frente de la dirección, el de la manchega Gala Gracia, que en Lo que queda de ti narra el viaje de retorno a su pueblo desde Nueva York de una joven pianista joven. Incluida en la selección oficial del Festival de Málaga, la película, como otras del reciente cine español, aborda el contraste de mentalidades entre el mundo urbano y el rural.

Una historia emotiva

La ópera prima de Gerard Oms, Muy lejos, abrirá las proyecciones de la segunda semana del Festival. Protagonizada por Mario Casas, el filme se inspira en la propia experiencia de Oms como inmigrante en Países Bajos a causa de la crisis económica de 2008. Su personaje es un hombre que se reconstruye mientras desempeña trabajos de subistencia en el país neerlandés.

El alabado documental Ciudad sin sueño, que Guillermo Galoe filmó en uno de los enclaves humanos más degradados de España, el poblado de Cañada Real, a pocos kilómetros de Madrid, sigue la peripecia de un chico gitano de 15 años cuya familia lleva varias generaciones asentada en este lugar.

El actor y director Daniel Guzmán pone su mirada en uno de los problemas más acuciantes de la sociedad española, el de la vivienda, en La deuda. En su tercer largometraje, protagonizado por el propio Guzmán, el cineasta aborda la gentrificación de las ciudades, el cuidado de los ancianos y la crisis.

La necesidad de una mujer de volver a sentir el amor después de décadas de matrimonio es el motor de Mi amiga Eva, la más reciente película de Cesc Gay, ese retratista de los sentimientos, sobre nuevas oportunidades y una vida que no está cerrada.

Cierra la nómina de filmes del año en el Festival la emotiva historia de Maspalomas, que han filmado la pareja de cineastas José Mari Goenaga y Aitor Arregi, autores de títulos tan celebrados como La trinchera infinita y Marco. El relato de un gay de 76 años que al sufrir un accidente se ve obligado a regresar a San Sebastián y entra en una residencia donde tiene que ocultar su sexualidad, ahonda en el conocimiento de uno mismo y cómo afrontar la soledad.

El público que asista a estas proyecciones tiene, además de la principal recompensa de disfrutar con el mejor cine español del momento, el beneficio de participar en un sorteo para comer en los restaurantes Atrio o Miga, o disfrutar de un viaje de fin de semana a Salamanca.

La Berlinale ha sido, históricamente, un festival tremendamente político. Uno donde siempre se ha hablado de los temas que ocurrían en el mundo y donde llegaban las propuestas más radicales en ese sentido. El certamen fue uno de los primeros en entregar un premio al mejor filme LGTB y fue pionero en eliminar las categorías de género en los galardones de interpretación. Sin embargo, desde hace años, hay un tema que se les atraviesa, y es el genocidio en Gaza. Las dos pasadas ediciones fueron realmente conflictivas en ese sentido. El certamen no quiso condenar la masacre cometida por Israel, y evitó cualquier comentario en ese sentido.

Hace dos ediciones, el documental No other land, que terminaría ganando el Oscar, vencía en Berlín y sus directores daban un discurso contra la limpieza étnica cometida por Israel en los asentamientos palestinos. El alcalde de la ciudad calificó aquella ceremonia de “antisemita” y sus realizadores denunciaron ataques de la derecha. El año pasado muchos directores escribieron una carta condenando la pasividad del certamen, y la policía llegó a investigar al director Jun Li, por decir “Desde el río hasta el mar, Palestina será libre”.

A pesar de que la situación no se encuentra en su momento más álgido, en la 76 edición tampoco parece que se vaya a condenar el genocidio. Durante la rueda de prensa del jurado, el cineasta alemán Wim Wenders evitó posicionarse cuando un periodista cuestionó por qué el certamen sí había mostrado su solidaridad con Irán o Ucrania, pero no con Palestina, y preguntó a los miembros del jurado si apoyaban “este trato selectivo de los derechos humanos”.

Sorprendió que un director normalmente tan abierto en cuestiones políticas como Wenders decidiera defender justo lo contrario, que el cine se mantenga “al margen de la política, en calidad de contrapeso”, y subrayó que las películas pueden cambiar el mundo, pero no en el sentido político. “No podemos entrar realmente en el ámbito de la política. Tenemos que mantenernos al margen de la política porque, si hiciéramos películas dedicadas a la política, entraríamos en ese ámbito de la política. Pero nosotros somos el contrapeso de la política. Somos lo contrario de la política. Tenemos que hacer el trabajo de la gente y no el trabajo de los políticos”, afirmó.

En este sentido, se mostró convencido de que “las películas pueden cambiar el mundo, pero no en el sentido político” y aseguró que “ninguna película ha cambiado realmente la opinión de ningún político”. También opinó que el cine puede cambiar la idea que tiene la gente de cómo debería vivir. “Hay una gran discrepancia en este planeta entre las personas que quieren vivir sus vidas y los gobiernos que tienen otras ideas. Creo que las películas entran en esas discrepancias, eso espero”, dijo.

Recibió el apoyo de su compañera de jurado, la productora Ewa Puszczynska, que consideró que hacerles “esa pregunta es un poco injusto”. “Por supuesto intentamos hablar con la gente, con cada uno de los espectadores y hacerles pensar. Pero no podemos responsabilizarnos de cuál será su decisión, si será la decisión de apoyar a Israel o la decisión de apoyar a Palestina”, contestó y agregó que “hay muchas otras guerras en las que se comete genocidio y no hablamos de eso”.

El Festival Internacional de Cine de Comedia de Cuenca (FICCUE) celebrará su cuarta edición los días 11 y 16 de mayo.

Entre las principales novedades anunciadas figura la creación del Premio DAMA al Mejor Guion FICCUE 2026, patrocinado por la homónima entidad española de gestión de derechos de autor de creadores audiovisuales, reforzando el reconocimiento a la autoría y al trabajo de guonistas.

La delegada de la Junta de Castilla-La Mancha en Cuenca, Marian López, ha asistido este jueves en Madrid a la presentación oficial de la cuarta edición del festival, celebrada en la Oficina de Turismo de Castilla-La Mancha. El acto ha sido presentado por el director de FICCUE, Javier Muga, junto a la actriz Belinda Washington, que vuelve a ejercer como madrina del festival y será de nuevo la presentadora de la gala.

Por otro lado, la edición 2026 “refuerza también su apuesta por la inclusión, que será protagonista en la dimensión social del festival”, explican desde el Gobierno regional. FICCUE contará con la participación de personas de AMIAB, entidad en favor de las personas con discapacidad, que además concederá el Premio a la Inclusión.

Ana Morgade u Óscar Reyes, algunos de los que integrarán el jurado

Durante el acto se ha presentado el cartel y la composición del jurado, tanto de la sección oficial como de la nueva sección paralela. Así, el jurado de la sección oficial estará integrado por Ana Morgade, cómica y actriz; Óscar Reyes, actor y director; Helher Escribano, directora de cine y directa de IBICINE; Yolanda García Serrano, guionista, directora y escritora; y Ana Ortiz Wienken, compositora de bandas sonoras y directora.

Por su parte, el jurado de la sección paralela estará formado por Irene Rojo, actriz; Andrea Casaseca, directora de cine; Daniel Chamorro, actor; y Diego Ferro, actor y productor.

Otras actividades paralelas ligadas a FICCUE 2026

Además de las proyecciones y de la gala de clausura, prevista para el 16 de mayo, FICCUE 2026 desarrollará durante toda la semana una programación paralela con “actividades de networking, charlas, coloquios, encuentros profesionales, visitas guiadas y estrenos en primicia, con el objetivo de facilitar contactos dentro de la industria y reforzar la presencia de profesionales en la ciudad”. El festival impulsará también que cineastas y productoras conozcan Cuenca como posible escenario de rodajes y futuras localizaciones.

Asimismo, se ha avanzado la celebración en abril de un acto en la sede de DAMA, con la presentación de la mención de honor y la lectura de nominados.

Durante su intervención, Marian López ha subrayado que “FICCUE es un ejemplo de cómo un proyecto cultural nacido en Cuenca ha sabido crecer edición tras edición hasta ganar presencia y proyección nacional, atrayendo a profesionales de primer nivel y generando oportunidades para la ciudad”.

La delegada provincial ha añadido que “el Gobierno regional seguirá apoyando este festival, por su aportación cultural y también por su dimensión social”, y ha mostrado el respaldo del Ejecutivo autonómico a FICCUE en su objetivo de convertirse en certamen calificador de los Premios Goya.

Por su parte, el director del festival, Javier Muga, ha anunciado que este mismo viernes se han puesto a la venta las acreditaciones y se ha abierto el plazo de inscripción de los proyectos audiovisuales participantes a través de la web Festhome, habiéndose recibido ya más de un centenar de propuestas.