El Festival de Cine y Palabra (CIBRA) acaba de presentar la programación oficial de su XVIII edición que se celebrará a caballo entre Toledo y La Puebla de Montalbán, del 23 de octubre al 7 de noviembre de 2026.

El certamen combina preestrenos cinematográficos con presencia de sus equipos artísticos, presentaciones literarias, encuentros de industria y jornadas educativas centradas en la salud mental y la inclusión, dentro de un amplio programa para el que hemos preparado una guía.

Las sedes y la gran fiesta del cine

Las actividades del festival se reparten en múltiples espacios culturales emblemáticos. En Toledo, los pases y eventos tienen lugar en el Palacio de Congresos 'El Greco', el Teatro de Rojas, el Pabellón Polivalente del Hospital Nacional de Parapléjicos, el Círculo de Arte, la Biblioteca Regional de Castilla-La Mancha, el Museo Sefardí, la Sala Thalía, los MK2 Cinesur Luz del Tajo y el Auditorio Unicaja.

Además, La Puebla de Montalbán acoge citas destacadas en la Casa de la Cultura, el Museo La Celestina y el IES Juan de Lucena.

La programación cinematográfica estará encabezada por títulos de la Sección Oficial como ‘Cronos’, de Fernando González Molina; ‘Pioneras. Solo querían jugar’, de Marta Díaz de Lope Díaz; 'La bola negra’, de Javier Calvo y Javier Ambrossi; ‘Por qué no escribo nada’, de Isabel Fernández; ‘Ruega por nosotras’, de Daniel Monzón; o 'Fiesta pagana’, de Álvaro Brechner, muchos de ellos presentados por sus propios equipos artísticos.

Junto a la Sección Oficial, la sección Carlos Blanco volverá a servir de escaparate para algunos de los estrenos más esperados del cine español con producciones como ‘Nuda propiedad’, de Alberto Utrera; ‘Arriba Tutto’, de José Mota; ‘El ser querido’, de Rodrigo Sorogoyen; ‘El mal padre', de Roberto Bueso; ‘La luz', de Fernando Franco; Corredora, de Laura García Alonso; o '5 minutos más’, de Javier Ruiz Caldera.

Unas proyecciones que vendrán acompañadas de una importante presencia del elenco de cada uno de los títulos a proyectar. De esta manera, está ya confirmada la presencia de Ricardo Gómez, Daniel Monzón, Berto Romero, Jose Mota, entre otros.

Pero además de la proyección de películas, y para orientar la experiencia del espectador, CIBRA 2026 organiza sus actividades en diferentes secciones temáticas. Recorremos las principales.

Además, el festival vuelve a posicionarse como un espacio de reflexión social y aprendizaje audiovisual. Por ejemplo a través de las XIII Jornadas de Cine y Educación previstas para los días 23 y 24 de octubre en el Castillo de San Servando de Toledo bajo el lema 'Educar la mirada, cuidar la mente', y que abordan la salud emocional y la inclusión en el aula. Cuentan con mesas sobre las series Invisible (con la guionista Virginia Yagüe y el productor Juan Gordon) y Compañeros (con Manuel Valdivia, María Garralón y Virginia Rodríguez)

También se proyecta el filme italiano El chico de los pantalones rosas con coloquio a cargo de su guionista Roberto Proia.

Además, el público puede asistir a ponencias con figuras de la industria como el director de animación Enrique Gato ('Cómo se construye un personaje que el público siente suyo') y la guionista Eulalia Carrillo, además de seguir la muestra del maratón de cortometrajes.

Por otro lado, habrá encuentros literarios y actividades de CIBRA Off, que forman parte de la identidad de este festival que une cine y literatura. Rodrigo Cortés presenta su obra Hija del cielo en la Biblioteca Regional y el autor internacional John Connolly mantiene un encuentro sobre su trayectoria en el Museo Sefardí.

Se presentan también las obras De polo a polo de José María Fernández Atienza y Comerás flores de Lucía Solla

En la vertiente CIBRA Off, destacan el espectáculo de música y cine Inconsciencia Sonora y el conversatorio Palabras Mayores, que reúne en el Círculo de Arte de Toledo a Ariadna Gil, Michelle Jenner y Henar Álvarez, en un acto moderado por Luis Alegre.

¿Dónde comprar las entradas?

El broche de oro del festival llegará el sábado 7 de noviembre a las 20:00 horas en el Palacio de Congresos 'El Greco' de Toledo con la Gala Final de Entrega de Premios y Distinciones.

Los galardonados en esta edición en la que se cumple su mayoría de edad, el premio ‘Toledo de cine’ estará compartido entre Jim Sheridan, la serie ‘Sueños de libertad’ y Sergio Peris-Mencheta. Precisamente, Sheridan, natural de Irlanda, es uno de los grandes directores de la historia con películas como ‘En el nombre del padre’ o ‘Mi pie izquierdo’. Títulos que acumulan numerosos reconocimientos, entre los que se encuentran premios Oscars. Una presencia internacional que se refuerza en esta edición, además, con la presencia del escritor John Connolly, quien recibirá el galardón literario ‘El viento de la luna’.

Unos galardones a los que se suman los premios ‘Alice Guy’, que reconocen a las mujeres tanto del mundo del cine como, también, de otros ámbitos. Con ello, este reconocimiento recaerá en la actriz, Ariadna Gil; la cómica y guionista, Henar Álvarez; la extenista, Arantxa Sánchez Vicario; la escritora, Cristina Rota y la película ‘Pioneras. Solo quería jugar’, así como a las mujeres que inspiraron a este título cinematográfico.

En cuanto al premio ‘Orden de Toledo’, que viene a reconocer a aquel talento joven en el mundo del cine y de la televisión, se entregará a la actriz Michel Jenner. Y, por último, el premio de ‘Cine y Educación’, irá a parar a Teresa Manes, madre de Andrea Spezzacatena, cuya historia real inspiró la película ‘El chico de los pantalones rosas’. Reconocimientos que, en su mayoría, se entregarán durante la gala de clausura de este Festival el próximo sábado 7 de noviembre, en el Palacio de Congresos El Greco de Toledo.

Las entradas e invitaciones para las distintas proyecciones y actos se gestionan a través de la web oficial del festival (cibra.es) y de la plataforma giglon.com

El Festival de Huelva de Cine Iberoamericano, que celebrará su 52 edición del 13 al 21 de noviembre, entregará en la gala de inauguración el Premio Luz a la actriz Amaia Salamanca, una de las intérpretes españolas más reconocidas de su generación por su trayectoria en cine, televisión y teatro.

Con la concesión de este galardón, que cuenta con el apoyo del Colaborador Oficial del certamen, la Fundación Atlantic Copper, el Festival de Huelva reconoce el talento de profesionales del cine y la televisión con una trayectoria consolidada y una destacada proyección en la industria audiovisual.

Amaia Salamanca debutó como actriz en la serie juvenil 'SMS, sin miedo a soñar' y alcanzó una gran popularidad con su interpretación de Catalina en 'Sin tetas no hay paraíso', papel por el que obtuvo sendas nominaciones a Mejor Actriz Revelación en los Premios de la Unión de Actores y en los Fotogramas de Plata. Su primera película fue 'Fuga de cerebros', dirigida por Fernando González, en la que demostró su talento para la comedia, que continuó desarrollando en 'Tensión sexual no resuelta', de Miguel Ángel Lamata. Posteriormente, protagonizó producciones televisivas como 'Felipe y Letizia' y 'Gran Hotel', serie por la que recibió el Premio TP de Oro a Mejor Actriz y una nominación a Mejor Actriz en el Festival de Montecarlo. Su trayectoria en televisión continuó con títulos de éxito como 'Velvet' y 'Tiempos de guerra'.

En cine, ha participado en películas de diferentes géneros, como 'Atraco', de Eduard Cortés; 'Nuestros amantes', de Miguel Ángel Lamata; 'Manual de principiantes para ser presidente', dirigida por Salim Nayar; la producción argentina 'Perdida', de Alejandro Montiel; '¿Qué te juegas?', de Inés de León; la comedia familiar 'A pesar de todo', de Gabriela Tagliavini, y el éxito de taquilla 'Lo dejo cuando quiera', de Carlos Therón. Su trayectoria también incluye trabajos sobre los escenarios, como 'La marquesa de O', dirigida por Magüi Mira, y las obras 'La Orestiada' y 'Prometeo', representadas en el Teatro Clásico de Mérida bajo la dirección de José Carlos Plaza.

En los últimos años, Salamanca ha seguido alternando proyectos cinematográficos y televisivos. Entre ellos destaca la serie de Movistar Plus+ 'Todos mienten', por la que obtuvo el Premio Produ a Mejor Actriz de Reparto, además de la producción de Netflix 'Bienvenidos a Edén' y la película internacional 'The Man from Rome', dirigida por Sergio Dow y rodada íntegramente en inglés. En 2024 rodó a las órdenes de David Trueba 'Siempre es invierno', adaptación cinematográfica de su novela 'Blitz', que llegó a las salas en el año 2025. Ese mismo año estrenó la primera temporada de 'Muertos S.L.', la comedia de Movistar Plus+ nominada a Mejor Serie de Comedia en los Premios Feroz.

En 2026, la actriz ha estrenado la serie 'Pura sangre', que protagoniza junto a Ángela Molina, y la película de terror 'La ahorcada', dirigida por Miguel Ángel Lamata y también protagonizada por ella. Entre sus próximos proyectos figura 'Hechos probados', película y serie de Prime Video que protagoniza y cuyo estreno en cines está previsto para el 13 de noviembre. Asimismo, tiene pendiente de estreno para el verano de 2027 la comedia 'Menudas vacaciones', protagonizada por ella y dirigida por Mar Olid. En este mismo 2026, Amaia Salamanca ha finalizado la producción de su primer proyecto como directora, el cortometraje ‘Empatía’, del que también es guionista y que aborda el impacto del uso del móvil y las pantallas en la salud mental de niños y adolescentes. 

Con este reconocimiento, Amaia Salamanca se incorpora a la relación de profesionales del audiovisual distinguidos con el Premio Luz del Festival de Huelva, un galardón que pone en valor el talento y la proyección de intérpretes con una trayectoria destacada en la industria cinematográfica y televisiva.

El actor Antonio Resines recibirá el primer Premio 'José Luis Cuerda' de Abycine. Se trata de un reconocimiento que el Festival Internacional de Cine Independiente de Albacete incorpora este año a sus galardones para reivindicar el legado del cineasta albaceteño y su aportación a la comedia española.

El premio se entregará durante la gala de clausura de la 28ª edición del festival, que se celebrará del 20 al 29 de octubre.

Así lo ha anunciado esta mañana el director de Abycine, José Manuel Zamora, durante el acto de presentación de los contenidos de la nueva edición, celebrado en los Cines Odeón Productor de Albacete, que ahora se incorpora como sede del festival. Hoy se han dado a conocer las principales novedades, los protagonistas y las cifras de un festival que continúa consolidando su posición dentro del panorama cinematográfico nacional.

Resines, 'Amanece que no es poco' y José Luis Cuerda

La creación del Premio 'José Luis Cuerda' supone un nuevo paso en el reconocimiento de la estrecha vinculación de Abycine con la historia cinematográfica de Albacete.

Este galardón nace con la voluntad de “reconocer la trayectoria , valores o especial trabajo de un/a profesional o iniciativa en el panorama cinematográfico español que concuerde con los valores de la obra 'cuerdiana' en alguna de estas facetas”, señala la organización del festival, que cita cuestiones como el impulso a la creatividad; la reivindicación histórica; y, sobre todo, su concordancia, herencia y relación con el original universo de José Luis Cuerda en el campo de la comedia.

La elección de Antonio Resines para inaugurar este reconocimiento tiene un significado especial por su relación profesional con José Luis Cuerda. El actor, aparte de participar en otras obras del director, fue uno de los protagonistas de Amanece, que no es poco, la película de culto rodada en diferentes localidades de la provincia de Albacete que se ha convertido en uno de los grandes referentes del humor cinematográfico español.

Con una extensa trayectoria en cine y televisión, Resines es uno de los intérpretes más populares y reconocidos del audiovisual español, con una filmografía que abarca varias décadas y en la que la comedia ocupa un lugar destacado.

Berto Romero, Greta Fernández, Antonio Dechent y Paco Roca, entre los protagonistas

La presentación también ha permitido conocer los nombres de numerosos profesionales del cine y la cultura que participarán en Abycine 2026, reforzando el atractivo de una programación que reunirá a intérpretes, cineastas y creadores de diferentes generaciones.

Entre ellos destaca Berto Romero, que llegará a Albacete junto al director Javier Ruiz Caldera con la película '5 minutos más', encargada de inaugurar oficialmente el festival el próximo 22 de octubre en el Teatro Circo.

La cinta, escrita y protagonizada por Romero, será uno de los grandes atractivos de esta edición, en una gala que estará conducida por el humorista albaceteño Joaquín Reyes, cuya participación ya fue anunciada durante la pasada Feria de Albacete.

También estarán presentes la actriz Greta Fernández, una de las intérpretes destacadas de su generación; el reconocido actor Antonio Dechent, con una extensa trayectoria cinematográfica; y José Luis Rebordinos, director del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y una de las figuras de referencia de la industria cinematográfica española, que recibirá un reconocimiento en la Gala de Inauguración y será jurado en la sección de proyectos WIP de Abycine Lanza.

A ellos se sumarán Paco Roca, uno de los autores de cómic y novela gráfica más reconocidos del panorama nacional, cuya obra mantiene una estrecha relación con el universo audiovisual, o Lorena Berdún, conocida por su trayectoria como comunicadora y actriz.

Este destacado conjunto de profesionales se completa con Victoria Luengo, que recibirá el Premio Trayectoria Joven de Abycine 2026, anunciado también el pasado mes de septiembre. El festival reconocerá así la carrera de una intérprete que ha logrado consolidarse como uno de los nombres destacados del cine y las series españolas.

La participación de estos profesionales refleja la diversidad de perfiles que confluyen en Abycine, un festival que mantiene su compromiso con el descubrimiento de nuevas voces cinematográficas y el encuentro entre creadores, industria y público.

121 producciones, 101 sesiones y seis estrenos mundiales

La 28ª edición de Abycine contará con 121 producciones y un total de 101 sesiones públicas, además de acoger seis estrenos mundiales, cifras que ponen de manifiesto el crecimiento del festival y su capacidad para atraer propuestas cinematográficas de diferentes procedencias.

La programación incluirá largometrajes, cortometrajes y actividades vinculadas a las diferentes secciones del certamen, con especial protagonismo de Abycine Indie, uno de sus principales escaparates para el cine independiente, que crece en número de títulos en esta edición y apuesta por ser una de las secciones más importantes del panorama de festivales con el objetivo de mostrar el talento de los cineastas españoles que van a dar qué hablar.

En este sentido, José Manuel Zamora se ha referido a Los Javis, que pasaron por Abycine hace algunos años, como ejemplo de artistas que pasan por este festival y llegan muy lejos.

Entre los títulos programados figuran 'Esta soledad', de Javier Giner; 'Dante', de Hugo Ruiz; 'La mala madre', de Alicia Albares; 'Sants', de Mikel Gurrea; y 'Lejos de los árboles', de Meritxell Colell, entre otras producciones que permitirán al público acercarse a algunas de las nuevas propuestas del panorama cinematográfico. También cabe destacar, en la sección Abycine Presenta, el documental 'La voz quebrada', dirigido por Manuel Menchón, que reconstruye la relación entre Federico García Lorca y el albaceteño Juan Ramírez de Lucas.

Abycine volverá a prestar una atención especial al talento de Castilla-La Mancha, con la participación de dos largometrajes en la sección Hecho en CLM, además de cortometrajes y tres proyectos vinculados a Abycine Lanza.

Precisamente, Abycine Lanza, el mercado del audiovisual independiente del festival, continuará desempeñando un papel fundamental en el impulso de nuevos proyectos y en la conexión entre creadores y profesionales de la industria. Este año cabe destacar la programación de una serie de charlas sobre Inteligencia Artificial y nuevas fórmulas de comunicación audiovisual, con la participación, entre otros, del influencer cinematográfico Javi Ponzo.

La organización prevé la participación de 400 profesionales acreditados, una cifra que se elevará a 500 al sumar el conjunto de acreditaciones del festival y Abycine Lanza.

Otro de los aspectos destacados es la implicación de más de 40 colectivos de Albacete y de otras provincias de Castilla-La Mancha, que participarán de diferentes maneras en las actividades del festival.

Asimismo, esta edición alcanzará un récord de utilización de salas cinematográficas, gracias a la colaboración de los diferentes espacios de exhibición, entre ellos los Cines Odeón, reforzando la presencia del festival en la ciudad y su apuesta por la experiencia colectiva de disfrutar del cine en pantalla grande.

Abycine consolida su reconocimiento nacional

Durante la presentación también se han destacado los reconocimientos que Abycine ha recibido en el último año y que avalan su creciente posicionamiento en el sector cinematográfico.

Entre ellos figura su inclusión en el séptimo puesto entre los festivales de cine de España considerados imprescindibles en el Observatorio de la Cultura 2025, elaborado por la Fundación Contemporánea. Abycine comparte con el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro la representación de Castilla-La Mancha en este ranking nacional.

En el ámbito de la industria, Abycine Lanza ha obtenido la séptima mejor puntuación del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) y la segunda mejor valoración en el apartado de industria, unos resultados que refuerzan su proyección como plataforma de desarrollo de proyectos audiovisuales.

A este reconocimiento se suma su repercusión económica y mediática, con un retorno mediático estimado en 1,4 millones de euros y un impacto económico de 1,5 millones de euros en Albacete, cifras que reflejan la importancia del festival como dinamizador cultural y económico de la ciudad.

Estos datos respaldan la evolución de Abycine durante sus 28 ediciones, consolidándolo como un acontecimiento cultural de referencia y contribuyendo a situar a Albacete como uno de los puntos de encuentro del cine español.

El acto de presentación ha contado con la participación de representantes de las administraciones públicas y de las entidades patrocinadoras y colaboradoras que hacen posible la celebración de Abycine.

De esta forma, Abycine cuenta con el respaldo de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, el Ayuntamiento de Albacete, la Diputación Provincial de Albacete y el Gobierno de España, a través del ICAA.

Entre los colaboradores se encuentran Castilla-La Mancha Media (CMM), Synergy, Peugeot-Provecar y Globalcaja, junto a la colaboración de RTVE, el Parque Científico y Tecnológico de Castilla-La Mancha y las entidades participantes en Desafío GastroExperience, entre otras.

La organización ha agradecido el compromiso de las instituciones, patrocinadores, profesionales del sector y colectivos participantes, cuyo apoyo resulta fundamental para continuar impulsando un festival que combina exhibición cinematográfica, promoción del talento y desarrollo de la industria audiovisual.

Las entradas para las diferentes sesiones de Abycine 2026 saldrán a la venta este miércoles 14 de octubre, a partir de las 13.00 horas.

El especialista de sonido Willie D. Burton, ganador en dos ocasiones del Óscar al mejor sonido o mezcla, recibirá el próximo 22 de octubre en Valladolid una Espiga de Honor durante la apertura de la 71ª Semana Internacional de Cine (Seminci) como reconocimiento a su trayectoria de medio siglo.

Más de un centenar de películas figuran en la trayectoria de Burton como especialista de sonido cinematográfico, cinco décadas en las que ha trabajado con directores como Clint Eastwood ('Los puentes de Madison'), Steven Spielberg ('El color púrpura' e 'Indiana Jones y la última cruzada'), David Fincher ('Seven') y Cristoper Nolan ('Tenet' y 'Oppenheimner).

En 1989 se convirtió en el primer afroamericano en ganar un Óscar de Hollywood por su participación en 'Bird', de Clint Eastwood. En 2007 recogió otra estatuilla por 'Dreamgirls', de Bill Condon, y su historial acumula otras ocho nominaciones.

Es una de las figuras más relevantes dentro de su especialidad y en Valladolid participará en una de las sesiones de 'Pensar el cine', un encuentro de profesionales en torno al sonido en el cine que ha programado la Seminci para resaltar el papel que desempeña como herramienta expresa y narrativa, han informado este martes fuentes del festival.

Exposición y libro

La Espiga de Honor de Willie D. Burton forma parte de esta especial atención que pondrá la 71ª Seminci sobre el sonido cinematográfico, también con una exposición, unas jornadas, un ciclo retrospectivo y un libro del que es autor Carlos F. Heredero.

El Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano acogerá durante la celebración del festival la exposición titulada 'Rugido humano, clamor de la tierra. Habitando el sonido', un itinerario sobre la evolución del sonido en la historia del cine, su capacidad de expresión y vínculos con la memoria y el poder, a partir de fondos de los artistas y cineastas José Val del Omar, Basilio Martín Patino y Tkashi Makino, entre otros.

El ciclo retrospectivo, titulado 'Una historia del sonido (en el cine)', incluye la proyección de películas claves para comprender la evolución del sonido cinematográfico. Comienza con 'M' (1931), de Fritz Lang, y culmina con 'Preemtive listening' (2014), de Aura Satz.

Por último, el festival ha editado y presnetará el libro 'La imagen-sonido. Caligrafías sonoras y epifanías de la escucha en la historia del cine', del que es autor el crítico e historiador Carlos F. Heredero. 

El Festival de Cine Comprometido de Guadalajara (FESCIGU) ha cerrado su 24ª edición con 'Una vocal', de Polo Menárguez, como ganadora del Primer Premio Picazo al Mejor Cortometraje.

'Homing', de Elizabeth Atherton y Hansel Rodrigues, recibe el Segundo Premio Picazo, mientras que 'In Memoriam' se lleva el Premio Picazo del Público y 'Donde el viaje termina', de Víctor Somoza y Nadia Mata, obtiene el Premio Picazo a la Conciencia Social, concedido por Cruz Roja. El palmarés se completa con 'Ya nos tocaba', de Ángela Conde, como ganador del Premio Picazo al Mejor Requetecorto.

Según informa la organización, 'Una vocal' queda preseleccionado para los Premios Goya 2027, gracias a la condición del Fescigu como festival colaborador con la Academia de Cine.

Homenaje a Miguel Lezcano

La gala de clausura, celebrada este sábado en Azuqueca de Henares, ha reservado uno de sus momentos más emotivos para Miguel Lezcano Quiles, fallecido este año a los 99 años. Escritor, poeta, dibujante y amante del cine, Lezcano formó parte del movimiento postista de la Guadalajara de los años cincuenta y, junto a Miguel Picazo, impulsó el Cineclub Estudio.

Con la clausura, el FESCIGU cierra nueve días de programación en los que ha desplegado cinco bloques de Sección Oficial con 30 cortometrajes y dos pases de cada uno, tres sesiones de Requetecortos, nueve secciones paralelas, la nueva MiniSala, el Hall Solidario, actuaciones, exposición y diferentes contenidos alrededor de las adicciones.

A ello se suman las sesiones educativas de Infancine y Juvencine, cuya campaña continuará posteriormente en el Centro San José de Guadalajara, y la presencia de numerosos cineastas que han acompañado sus obras durante toda la semana.

El Festival del Cine y la Palabra (CiBRA) ha presentado el cartel oficial de su decimoctava edición. Un cartel que es obra de la diseñadora castellanomanchega Ana Sira, en una cita especialmente significativa al alcanzar el festival su mayoría de edad.

CiBRA se celebrará en Toledo del viernes 23 de octubre al sábado 7 de noviembre, con una programación amplia, diversa y cargada de sorpresas que volverá a reunir cine, literatura, educación y cultura.

La edición arrancará el 23 de octubre con las Jornadas de Cine y Educación, uno de los pilares del festival, y concluirá el sábado 7 de noviembre con la gran gala final en el Palacio de Congresos 'El Greco' de Toledo.

Entre ambas fechas, según informa la organización, CiBRA desplegará una programación que incluirá películas de preestreno, encuentros, actividades educativas, homenajes y propuestas vinculadas a diferentes ámbitos de la creación audiovisual.

El cartel es obra de la diseñadora regional Ana Sira

El cartel de esta edición, diseñado por Ana Sira, juega precisamente con la idea de la mayoría de edad del festival. La creadora castellanomanchega ha construido una imagen en la que el DNI de CiBRA se convierte en el elemento protagonista, con Johnny 5 integrado en la atmósfera de una sala de cine y convertido en símbolo de esta nueva etapa.

“Poder participar un año más en CiBRA realizando su cartel oficial ha sido una enorme ilusión y, al mismo tiempo, un reto apasionante. Que el festival alcance su 18.ª edición hacía esta ocasión todavía más especial. La idea de simbolizar esa mayoría de edad creando desde cero el DNI del festival, con Johnny 5 como protagonista e integrado en la atmósfera de una sala de cine, me pareció una propuesta muy sugerente y divertida de desarrollar”, indica la autora.

“El resultado busca convertirse en una metáfora visual de esta nueva etapa de CiBRA y, al mismo tiempo, en una imagen llena de pequeños guiños para el espectador, conectada con ese juego, esa sorpresa y esa magia que forman parte de la esencia del cine”, ha explica Sira.

Cumple 18 años

Con 18 ediciones a sus espaldas, CiBRA “afronta este año una etapa de madurez sin perder su vocación de seguir creciendo y sorprendiendo”, según los organizadores que ya trabajan en una programación “especialmente ambiciosa”, con nuevas propuestas y nombres relevantes que se irán dando a conocer en las próximas semanas.

La mayoría de edad del festival se plantea así no solo como una celebración de su trayectoria, sino también como el punto de partida de una nueva edición que volverá a convertir Toledo en un lugar de encuentro entre el cine, la palabra y el público.

Una cita cultural que cuenta con el patrocinio de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, el Ayuntamiento de Toledo, la Diputación, así como con el impulso de otras empresas privadas y entidades publicas.

El Festival de Cine Comprometido de Guadalajara (FESCIGU) reunirá en su 24ª edición 103 trabajos de cortometraje y cine social, distribuidos en 13 secciones. Las propuestas están dirigidas a públicos muy diferentes y una programación en la que conviven las secciones competitivas con otros espacios que utilizan el audiovisual para abordar diferentes cuestiones sociales.

Junto a la programación abierta al público, Infancine y Juvencine volverán a acercar el cortometraje a los centros educativos mediante sesiones concertadas, mientras que PequeCine ofrece una programación infantil abierta al público para disfrutar del festival en familia.

La programación incluye también Dopamina en Vena, dedicada al tema central de esta edición y estructurada en cuatro bloques, además del resto de secciones que conforman la programación del FESCIGU 2026.

Un festival que se construye cada año

La presentación ha tenido lugar esta mañana en la cafetería del Espacio Joven Europeo en Azuqueca de Henares.

Luis Moreno, director de FESCIGU ha explicado que, tras varias semanas dando a conocer los contenidos de esta edición, ha preferido centrar su intervención en hacer balance de los 24 años de trayectoria del FESCIGU. Entre los principales logros del festival ha destacado su condición de preseleccionador de los Premios Goya desde 2015, haber acercado el cine a más de 100.000 estudiantes y haber programado durante estos años más de 2.000 cortometrajes procedentes de 42 países.

El director del FESCIGU ha recordado también la capacidad del festival para superar momentos especialmente difíciles, desde la pandemia hasta lo que ha calificado como un “exilio cultural” de Guadalajara, que obligó al certamen a trasladarse a Azuqueca de Henares. Moreno ha destacado además la producción de documentales propios y el papel que el FESCIGU ha desempeñado en los primeros pasos de numerosos cineastas que actualmente desarrollan sus carreras dentro de la industria audiovisual.

Moreno ha reivindicado especialmente que, a pesar de los cambios y dificultades atravesados durante estos 24 años, el FESCIGU ha conseguido mantener su independencia y su vocación social y reivindicativa, sin dejarse llevar “ni por presiones, ni por modas, ni por censura”.

El director ha agradecido el respaldo de las instituciones y del patrocinador oficial, recordando que su apoyo va mucho más allá de la aportación económica y se traduce en oportunidades para los cineastas y en la posibilidad de que el público acceda a un cine que difícilmente encuentra espacio en las salas comerciales. Al mismo tiempo, ha advertido de que haber llegado hasta aquí no garantiza la continuidad del festival, que cada año debe reinventarse, adaptarse a la realidad y superar nuevos obstáculos.

Finalmente, Moreno ha recordado que toda la programación se diseña pensando en el público, combinando calidad cinematográfica con obras capaces de provocar reflexión y, en ocasiones, resultar incómodas. “Cuando se abre la sala y entra el público, el festival deja de pertenecer a la organización y pasa a ser una herramienta para que el público disfrute y reflexione”, ha concluido

Las adicciones, mucho más allá de las sustancias

La codirectora del FESCIGU, Montse de la Cal, ha centrado su intervención en las nuevas formas de adicción y ha presentado los documentales propios ‘Yo controlo’ y ‘En modo scroll’, realizados con 44 escolares y estudiantes de Azuqueca. La codirectora ha destacado el interés de escuchar directamente a niños y adolescentes reflexionar sobre su relación con las pantallas, los videojuegos, la alimentación o la necesidad de aprobación, una mirada que se completa con la entrevista al psiquiatra Javier Quintero.

Esta temática tiene su principal reflejo cinematográfico en Dopamina en Vena, una sección distribuida en cuatro bloques que reúne cortometrajes que se aproximan desde diferentes perspectivas a las adicciones y a sus consecuencias personales y sociales.

El respaldo de las tres administraciones

El alcalde de Azuqueca de Henares, Miguel Óscar Aparicio, ha destacado que, tras tres ediciones en Azuqueca, el FESCIGU se ha integrado plenamente en la vida cultural del municipio y es ya una cita demandada por sus vecinos. El alcalde reafirmó la apuesta de Azuqueca por una cultura plural y aseguró que el festival seguirá encontrando en la ciudad un espacio en el que sentirse acogido.

Por su parte, el presidente de la Diputación de Guadalajara, José Luis Vega, ha defendido la cultura como una inversión y no como un gasto, especialmente por su capacidad para transmitir valores a los más jóvenes. El presidente de la Diputación ha reafirmado además el compromiso de la institución con el FESCIGU y con la extensión de la cultura a todos los municipios de la provincia, independientemente de su tamaño.

La delegada de la Junta de Castilla-La Mancha en Guadalajara, Rosa María García, ha puesto en valor que el FESCIGU aborde las adicciones escuchando directamente a los jóvenes, en lugar de limitarse a hablar sobre ellos. La delegada destacó la capacidad del cine para provocar preguntas y reflexión y defendió el festival como un espacio en el que confluyen cultura, educación, prevención y políticas sociales.

Desde el ámbito empresarial, Carlos Romero Camacho, director global de Personas y Asuntos Corporativos de Insudpharma, patrocinador oficial del FESCIGU, ha reiterado el respaldo de la compañía al festival y ha destacado la colaboración público-privada que ha permitido a Insudpharma acompañar al FESCIGU durante más de una década y valoró especialmente su evolución y el esfuerzo por mejorar cada edición. El representante del patrocinador oficial subrayó también la acogida que el festival ha encontrado en Azuqueca y su creciente integración en la ciudad.

Toda la programación, horarios, cortometrajes participantes y actividades paralelas pueden consultarse en la web oficial del festival.

El Festival de Huelva de Cine Iberoamericano y la Academia de Cine de Andalucía afianzan su relación mediante la renovación de su acuerdo anual de actividades conjuntas. Como preámbulo a la programación principal, la colaboración arrancará el 5 de octubre a las 19:00 horas en el Gran Teatro de Huelva con un pase especial del cortometraje ‘Iván & Hadoum’, dirigido por Ian de la Rosa, para conmemorar el Día del Cine Español. La proyección de esta obra, galardonada en festivales de la talla de Berlín y Málaga, incluirá una presentación y un coloquio posterior a cargo de su director.

Durante la semana oficial del certamen, que se desarrollará entre el 13 y el 21 de noviembre, destaca la exposición fotográfica ‘Cinco años de la Academia de Cine de Andalucía’. Esta muestra ofrecerá un repaso visual a las galas, profesionales premiados, homenajeadas e hitos de los Premios Carmen, recordando muy especialmente la edición de 2024 en Huelva, que coincidió con el año de celebración del 50.º aniversario del certamen. La inauguración tendrá lugar la mañana del viernes 13 de noviembre en el Espacio Santa Fe, donde permanecerá abierta al público durante todo el festival.

Asimismo, por segundo año consecutivo, se impulsará una iniciativa formativa en centros docentes de Huelva dentro de la sección Cine y Valores. A lo largo de la semana de celebración, se ofrecerá la proyección de los cortometrajes 'Inquilinos', de Adrián Ordóñez, y ‘Tiempo prestado’, de Paco Ortiz, participando posteriormente en encuentros y debates con los cineastas andaluces.

La bola negra continúa su recorrido por los festivales de cine más importantes del mundo. La película dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi, que se estrena en los cines españoles el próximo viernes 25 de septiembre, se alzó el pasado domingo con el Premio del Público (People’s Choice Award) del Festival Internacional de Cine de Toronto, uno de los galardones más relevantes del certamen canadiense.

El triunfo en Toronto supone un nuevo impulso para el largometraje español, además de marcar un hito en la historia de este festival. La bola negra es la primera película de habla no inglesa en ganar este premio desde 2011. Han tenido que pasar 15 años para que una cinta rodada en un idioma distinto del inglés vuelva a conquistar a los espectadores que acuden a este encuentro.

La última en hacerse con este galardón fue la libanesa ¿Y ahora, adónde vamos?, dirigida por la cineasta Nadine Labaki. La película cuenta la historia de un pequeño pueblo de Líbano habitado por musulmanes y cristianos y de las mujeres de la comunidad, que intentan evitar que las tensiones religiosas terminen provocando un enfrentamiento entre sus propios vecinos.

Para abordar las consecuencias de la división religiosa y el impacto de la guerra en la vida del pueblo, el largometraje combinó comedia, drama y música. Este se estrenó en 2011 en el Festival Internacional de Cine de Cannes, donde además fue nominado a mejor película en la sección Un Certain Regard, un premio que finalmente no se llevó. 

¿Y ahora, adónde vamos? también fue, como ha ocurrido con la cinta de los Javis, la seleccionada para representar a su país en los Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa. El filme finalmente no fue nominado, y la ganadora de esta categoría en la edición número 84 de los Premios de la Academia fue la obra iraní Nader y Simin, una separación, dirigida por Asghar Farhadi.

Otra española premiada en Toronto

Aunque Ambrossi y Calvo siguen haciendo historia con su bola negra, hay una película con sello español que se convirtió en pionera en Toronto. Hablamos de la única producción española que había conseguido hacerse con el premio del público en el festival canadiense antes que esta dupla de directores. Se trata de Mujeres al borde de un ataque de nervios, de Pedro Almodóvar, que ganó el galardón en 1988. 

La comedia dramática protagonizada por Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano, María Barranco y Rossy de Palma ganó cinco Premios Goya y fue asimismo candidata a los Oscar. Icono del cine español de finales de los 80, también contribuyó a convertir a Almodóvar en uno de los cineastas españoles con mayor proyección internacional.

Las historias de verano tienen a veces estos desenlaces: tres amigas se conocen en un pueblo de playa, el tiempo pasa y los cariños se consolidan, hasta que un buen día deciden embarcarse juntas en una aventura. Por ejemplo, la creación de un festival de cine. Esa sería, de forma muy resumida, la peripecia fundacional del Festival Internacional de Cortometrajes Conil de Cine, una cita que lleva ya dos ediciones en continuo crecimiento, y que celebrará la tercera del 24 al 27 de septiembre.

La actriz Raquel Guerrero, natural de Carabanchel, se alió así con las conileñas Isabel Sánchez y Noelia Muñoz para dar forma a lo que empezó siendo una ocurrencia más o menos extravagante, y que ha acabado convirtiéndose en una realidad. “Queríamos hacer algo juntas, y en concreto aquí. Conil es un municipio muy centrado en el turismo, y pensamos que podía posicionarse de otra manera, a través de la cultura”, explica Guerrero, en un espléndido momento de su carrera tras protagonizar la serie Machos alfa. “En el fondo, es una forma de cariño hacia un sitio que adoramos, aportar algo a un sitio que nos ha visto crecer”.

Eso aunque, como comenta la propia actriz, “es un jaleo, ya que ahora mismo estoy rodando en Tenerife, mis compañeras tienen también sus obligaciones... Pero nos organizamos entre las tres”. Algo que queda patente viendo la programación de este año, que reunirá este año a un buen número de profesionales y caras conocidas del séptimo arte y de la televisión como Ingrid García-Jonsson, Ana Wagener, Ruth Gabriel, Raúl Tejón, Emilio Buale, Antonio Pagudo, Norma Ruiz, Nacho Fresneda y Raquel Guerrero, entre otros.

Cine quinqui

Asimismo, la programación profesional contará con figuras como el director Joaquín Mazón, que impartirá la clase magistral El arte de dirigir comedias, y con profesionales de referencia de la industria como Rosa Estévez, Alejandro Gil (Lane Casting), Marichu Sanz, Isa Sánchez, Néstor López, Merche Herranz (La Zona) o Aitor Arenas Suso. “Una de las secciones a las que más cariño les tengo y que queremos mantener es la que dedicamos al cine quinqui, con referentes como Deprisa, deprisa o Los golfos”, añade Guerrero.

Toda la programación, sección oficial, horarios, actividades profesionales y proyecciones pueden consultarse en la web oficial de la cita, www.conildecine.com, donde el público puede reservar plaza para las masterclasses y encuentros y adquirir directamente sus entradas. Entre los títulos que se proyectarán en versión oficial, destacan títulos como No estás loca, de María Bestar; Ser un hombre, de Lucas Parra; María Rita, de Juan Barbazán; I walked through the Wall, de Pablo Larcuen; Pichu es así, de Carmen Córdoba; El ressó de la mirada y Loquita por ti, de Greta Díaz; Pobre Marciano, de Alex Rey; Cara de cona, de Guillermo de Oliveira; Polígono X, de Néstor López; Mi juego, de David Navarro; o La conversación que nunca tuvimos, de Cristina Urgel, entre otros.

Por su parte, la Sección Oficial internacional reunirá cintas como The first patrol, de Vojtech Jonecny (República Checa); Nun, de Ekaterina Kuznetsova (República Checa); Khazan (Treasure) de Basir Ahmed (Pakistán); o Dans l’isoloir (Inside the Booth), de Baptiste Martin-Bonnaire (Francia).

Patrimonio y tecnología

No obstante, la gran novedad de este año será la incorporación de un templo del siglo XVI como espacio de proyección del festival. La histórica iglesia de Santa Catalina se convertirá en un atractivo añadido para los asistentes a Conil de Cine, que vivirán una experiencia inmersiva. Según adelanta la organización, las películas se proyectarán sobre una gran pantalla instalada en el espacio, mientras que cada espectador dispondrá de auriculares individuales para escuchar directamente el sonido de la película. “Una forma de exhibición que busca modificar la relación habitual entre el público y la pantalla: escuchar cada diálogo con nitidez, percibir cada silencio y sumergirse en el universo sonoro de cada película mientras se comparte, al mismo tiempo, la emoción de una experiencia colectiva”, comentan.

Según las impulsoras del festival, los apoyos han ido sumándose año tras año: “El Ayuntamiento se implicó desde el primer momento, luego pudimos contar con la ayuda de la Diputación de Cádiz, y este año, además de Fundación La Caixa, hemos recibido también la ayuda de la Fundación Cajasol como patrocinador. Pero sobre todo se ha volcado el pueblo, que ha venido respaldando con su presencia el festival y nos proporciona muchos apoyos locales. En buena medida, porque los cines Moreno, que eran los últimos que quedaban en Conil, ya no existen, pero los espectadores siguen queriendo vivir la experiencia del cine en pantalla grande”.

Para Raquel Guerrero, Conil de Cine es el modo de conectar su profesión con este rincón de la costa gaditana, conocido por la industria conservera y el ocio estival, pero también de arraigarse ella misma, un poco más, al espacio en el que ha sido feliz desde muy niña. “Conocí el pueblo cuando estaba apenas arrancando, ¡no había ni bares! Todo ha cambiado mucho, pero sigue siendo mi segunda casa. Siempre lo digo: si me pierdo, buscadme en Conil”.

No es tiempo para la equidistancia. Lo dice la directora de GENERAMMA, Cristina Consuegra, que estrena “con ilusión y responsabilidad” su puesto al frente de este festival dedicado exclusivamente al cine realizado por mujeres. No es tiempo para la equidistancia. Con el machismo. Con la violencia de género. Con la violación de los derechos. Con la violación de los derechos de las mujeres. Y el cine puede y debe contarlo. Así lo creen en GENERAMMA, que con cinco ediciones a sus espaldas, grita a los cuatro vientos que, contra la dignidad de las personas (en general) y contra la dignidad de la mujer (en particular) no caben medias tintas.

Lo hace con el compromiso de sus socias, de sus fieles espectadoras (y espectadores) y, por supuesto, con una programación que viene hablando por sí sola, no solo dando un lugar de honor a las cineastas que ya recorrieron un importante camino profesional –como es el caso de Ángeles González-Sinde, que clausura el festival con Después de Kim– o que comienzan el suyo –como es el caso de Marta Matute y su ópera prima, Yo no moriré de amor–.

Ambas películas dan el tono de una programación que, a lo largo de cinco días, está reafirmando la memoria histórica de Andalucía, homenajea a algunas de sus grandes cineastas y profesionales –como la compositora Isabel Royán, la directora Josefina Molina o la fallecida cineasta Concha Barquero– o que, a través de sus películas, mira cara a cara los grandes retos de la sociedad actual, entre ellos todas las violencias que se siguen ejerciendo de manera sistemática, y en todo los ámbitos y rincones del planeta, sobre las mujeres.

El compromiso de GENERAMMA no es papel mojado. Al fin y al cabo, ostenta la singularidad de ser el único festival organizado por una asociación feminista de cineastas –AAMMA–, para la que la lucha contra el acoso y las violencias sexuales en el sector se traduce en numerosas medidas: un manual de prevención (¡Corten!, un completo manual coordinado por Blanca Rey), la creación de espacios seguros para las víctimas, la generación de protocolos y una investigación que arrojó un dato alarmante: el 80% de las profesionales participantes había presenciado o experimentado situaciones de acoso o violencia sexual.

Es así como la asociación ha establecido mecanismos para luchar contra dichas agresiones en el sector, sin importar que el agresor se siente en el despacho de dirección de un festival, dirija películas o sea el director general de una productora. La red de AAMMA trabaja, día a día, para proteger a las profesionales que han sido víctimas de estas agresiones.

En ese contexto, cobra todo el sentido del mundo que el equipo de GENERAMMA haya programado para este viernes una de las películas más significativas de los últimos años: el documental Silenced. La película australiana, dirigida por Selina Miles, se pregunta qué ocurrió tras el #MeToo y cómo las víctimas (mujeres, recordemos) se tuvieron que enfrentar a nuevas –y sutiles– formas de silenciamiento, como las leyes de difamación. El mensaje del establishment machista era demoledor: si denuncias, te perseguiremos, intimidaremos y arruinaremos tu vida.

Los casos de Amber Heard, Brittany Higgins o Catalina Ruiz-Navarro sirven así de hilo conductor para denunciar las consecuencias personales y profesionales que supone denunciar que un ‘compañero’ del sector te ha violado, agredido o cometido algún otro tipo de abuso contra ti.

GENERAMMA se ha posicionado así como un espacio de encuentro, diálogo y denuncia, que queda maravillosamente representado a través del cartel de este año: una ilustración de la artista Ana Jarén, que en su detallista estilo, nos muestra a cuatro mujeres de diferentes edades y procedencias desayunando y charlando animadamente en la inconfundible Plaza Mayor de Chiclana.

Un tiempo de diálogo y compromiso. Sin equidistancias.

El Festival de Cine de Santander entregará este miércoles, 16 de septiembre, el Faro Talento Joven de su décima edición a la cineasta Gema Blasco, que debutó el año pasado como directora de ficción con la película 'La furia' que, en el Festival de Málaga obtuvo tres biznagas de la sección oficial, además de una mención especial en SXSW London y el premio a mejor ópera prima en el Festival de Nantes.

En esa misma gala, la directora argentina Dolores Fonzi recogerá el Faro Dos Orillas, que reconoce el trabajo de cineastas cuya trayectoria profesional haya contribuido a tender puentes entre España e Iberoamérica. Actriz de referencia del cine argentino contemporáneo, Fonzi ha participado en películas y producciones de gran relevancia artística y social, colaborando con cineastas que han marcado la evolución del cine iberoamericano.

En 2023 debutó como directora y guionista con 'Blondi', estrenada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y galardonada con los premios Cóndor de Plata 2024 a mejor ópera prima y mejor actriz de reparto. Su última producción, también como directora, guionista y actriz, es 'Belén', estrenada en 2025 y ganadora del Goya 2026 a Mejor Película Iberoamericana.

Además, continúan en el Centro Botín las proyecciones de la Sección Oficial Óperas Primas. A las 17.00 horas, Tamara Leschner presentará su trabajo 'Te amo, Antoño', una producción argentina de este año que cuenta la historia de Carla, que está triste porque su novio Antoño la dejó, así que Laura, su amiga, la pasa a buscar y le propone ir en bici a las afueras de la ciudad para despejarse. Tras la proyección, su directora participará en un coloquio moderado por Adela Mac Swiney.

A las 21.00 horas, dentro de esa misma sección, Lucas Koziarsky presentará su película 'Gente de la ruta'. Se trata también de una producción argentina de este mismo año, que cuenta la historia de una mujer que, huyendo de su marido, se refugia con sus hijos en el norte de Argentina, donde la vida es atravesada por la oscuridad del barrio, los controles policiales nocturnos y la desaparición de mujeres que trabajan en la ruta. Koziarsky participará en un coloquio tras la proyección.

Dentro de la Sección Oficial Cantabria Infinita, en la Filmoteca de Cantabria Mario Camus se proyectará, fuera de concurso, la producción Australiana 'The raftsmen', de Chadden Hunter que, cincuenta años después de la odisea en la que de doce aventureros de siete países cruzaron el océano más grande del mundo en tres balsas de madera, recupera la travesía de la mano de sus supervivientes utilizando las imágenes originales restauradas en 4K. Marina Alsar, Javier Cantera y Andrea Ballesteros presentarán este trabajo y participarán en un coloquio al finalizar la proyección.

A la Sección Oficial Cantabria Infinita pertenece 'Level', cuyo segundo pase dentro del festival se realizará a las 20.00 horas en los cines Embajadores con presentación y coloquio a cargo de sus directores, Carlos Mora y Anna Berkhoff.

Este miércoles termina la retrospectiva que el Festival está dedicando en esta décima edición a Juan Antonio Bayona. En la Filmoteca de Cantabria Mario Camus a las 20.30 horas se proyectará 'Jurassic world: el reino caído' y, media hora antes, se podrá ver en el cine Los Ángeles 'Un monstruo viene a verme'.

La localidad gaditana de Chiclana de la Frontera vuelve a convertirse esta semana en punto de encuentro para el cine realizado por mujeres con la celebración de la sexta edición de Generamma, el Festival de Cine Realizado por Mujeres organizado por la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (AAMMA). Del 15 al 19 de septiembre, el festival propone cinco jornadas de cine, reflexión y encuentro que amplían la mirada sobre las creadoras y sobre las historias que ocupan hoy el audiovisual.

La programación de Generamma 2026 se articula en torno a tres grandes ejes —cuerpo, territorio y futuro— que atraviesan tanto la selección cinematográfica como las actividades paralelas. Los cuidados, la memoria, la identidad, la sostenibilidad, la violencia de género, la diversidad y las condiciones de creación de las mujeres en la industria audiovisual aparecen así como temas que dialogan entre sí a lo largo de toda la programación.

La nueva edición abre el martes 15 de septiembre en el Teatro Moderno de Chiclana, con una gala conducida por la ilustradora y comunicadora andaluza Pedrita Parker, acompañada musicalmente por la artista Julia Martín. A continuacióna se proyectará Yo no moriré de amor, ópera prima de Marta Matute, una película protagonizada por Claudia, una joven de 18 años que debe enfrentarse a la enfermedad de su madre y a las responsabilidades de los cuidados mientras intenta preservar su propia juventud. La película, estrenada en 2026, llega a Generamma después de haber obtenido la Biznaga de Oro a la mejor película española en el Festival de Málaga, además del premio a mejor actriz para Júlia Mascort y el de mejor actor de reparto para Tomás del Estal.

Reunión de festivales

El miércoles 16 la programación pone el foco especialmente en la creación de nuevas audiencias y en el presente y futuro de la industria. La jornada comenzará con Pioneras. Solo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz, una película basada en la historia real de un grupo de jóvenes que, en la España de los años setenta, desafió los límites impuestos a las mujeres en el deporte. La sesión contará con la presencia de la primera portera de la selección española, Carmen Arce ‘Kubalita’, y forma parte de una iniciativa desarrollada junto al Observatorio de Igualdad de RTVE para acercar referentes femeninos al público joven.

Ese mismo día, el Centro de Interpretación del Vino y la Sal acogerá un encuentro con responsables de algunos de los principales festivales españoles, con la participación de Juan Antonio Vigar, director del Festival de Málaga; Manuel Cristóbal, director del Festival de Cine Europeo de Sevilla; Cristina Gómez, presidenta de la Federación Pantalla y directora de producción de Atlántida Mallorca Film Fest, y Margaret von Schiller, programadora con una amplia experiencia internacional. A continuación tendrá lugar el foro El futuro del audiovisual andaluz: Mujeres liderando la industria, que reunirá a representantes de AAMMA, Andalucía Film Commission, la Academia de Cine de Andalucía y ANCINE.

La dimensión profesional se completa con una nueva iniciativa de mentorías individuales, desarrollada junto a Andalucía Film Commission. Seis creadoras andaluzas recibirán asesoramiento personalizado de Cristina Gómez y Margaret von Schiller sobre proyectos que se encuentran en distintas fases, desde el desarrollo hasta la postproducción.

Homenaje a Concha Barquero

La competición de cortometrajes constituye otro de los grandes pilares del festival. Generamma ha seleccionado 19 trabajos para sus secciones oficiales estatal e internacional, además de una pieza fuera de competición y cinco trabajos incluidos en AAMMA Proyecta, la muestra dedicada a creadoras y productoras socias de la asociación. Más de 400 trabajos fueron recibidos durante el proceso de selección. Los cortometrajes competirán por los premios a Mejor Cortometraje Estatal de Ficción, Mejor Cortometraje Estatal de No Ficción, Mejor Cortometraje Internacional de Ficción y Mejor Cortometraje Internacional de No Ficción.

El jurado estará integrado por la periodista y activista mexicana Lydia Cacho, la directora de producción y ganadora de un Premio Goya Manuela Ocón y la periodista y productora audiovisual Inés Romero. La selección aborda cuestiones como la violencia ginecológica, las relaciones entre madres e hijas, los cambios tecnológicos, las crisis vitales o la ruptura de estereotipos vinculados a actividades tradicionalmente masculinizadas.

El jueves 17 llegará uno de los momentos de especial carga memorial del festival con el homenaje a la documentalista Concha Barquero, recientemente fallecida. El acto incluirá la proyección de Caja de resistencia, realizada junto a Alejandro Alvarado, y un coloquio en el que participarán el propio Alvarado y el director del Festival de Documentales Alcances, Javier Miranda. La jornada continuará con la competición estatal de cortometrajes de no ficción y con una nueva mirada a la historia del cine español a través de Pioneras, sección que este año rinde homenaje a Josefina Molina con la proyección de Función de noche, protagonizada por Lola Herrera y Daniel Dicenta. La jornada concluirá con Acuérdate de mí, de Remedios Malvárez, documental dedicado a la figura de la artista flamenca La Niña de La Puebla.

Ficción climática

El viernes 18 introduce de manera explícita el eje del territorio y el futuro. El taller Imaginar Chiclana, impartido por Mariola Olcina e Isidro Jiménez Gómez, propone utilizar la anticipación creativa y la ficción climática para imaginar escenarios futuros vinculados a los desafíos ambientales del municipio. Para los públicos jóvenes se proyectará Olivia y el terremoto invisible, de Irene Iborra Rizo, una película de animación que aborda el desahucio, la precariedad y la capacidad de la imaginación para transformar la realidad.

La jornada continuará con la sección internacional de cortometrajes y, en el Teatro Moderno, con el estreno en España de Silenced, documental de la australiana Selina Miles que analiza cómo las demandas por difamación pueden convertirse en una herramienta de silenciamiento contra mujeres que denuncian violencia sexual y abusos. La película incorpora los testimonios de mujeres y periodistas implicadas en algunos de los casos más relevantes de la era posterior al #MeToo. La noche se completará con la proyección de Llueve sobre Babel, de Gala del Sol, producción de Colombia, Estados Unidos y España.

El sábado 19 será la jornada de cierre, pero también una oportunidad para poner el foco en el futuro profesional del cortometraje andaluz. El programa incluye la charla Mujeres que cuentan en corto, a cargo de Ceres Machado; el taller Cómo desarrollar y presentar un proyecto de cortometraje, impartido por Delia Márquez, y una mesa redonda sobre El cortometraje andaluz y sus retos en el ecosistema audiovisual español, con Mónica Gallego, Olga Navalón, Bea Hohenleiter y Rocío Rodríguez, moderada por Rocío Sepúlveda.

La tarde estará dedicada a AAMMA Proyecta, que reunirá cinco trabajos de creadoras andaluzas: Centrífuga, de Elena De Aras, en estreno absoluto; La cuidadora, de Lucía Muñoz; Ghosting y otros fantasmas, de Élise Tandé; Press Banca, de Ceres Machado, y Que me alimente, de Olga Navalón y Bea Hohenleiter.

Gala de clausura

La sexta edición de Generamma concluirá en el Teatro Moderno con una gala presentada por las actrices Montse Torrent y Andrea Ganfornina. Durante el acto se entregarán los premios de la competición oficial, el Premio del Público Diputación de Cádiz al Mejor Cortometraje Feminista y otros reconocimientos, entre ellos el Premio AAMMA a la Trayectoria, el Premio Valores de la Academia de Cine de Andalucía, el Premio RTVA Cineasta Andaluza 2026 y el Premio Más Chiclana.

Como cierre cinematográfico, Ángeles González-Sinde presentará Después de Kim, adaptación de su propia novela y protagonizada por Adriana Ozores y Darío Grandinetti. La película cuenta el reencuentro de una pareja divorciada que regresa a España tras la muerte de su hija y decide permanecer allí para encontrar a un nieto desaparecido. Su elección como clausura establece, además, un diálogo con Yo no moriré de amor: dos cineastas de generaciones diferentes que abordan desde perspectivas distintas una misma cuestión de fondo, los cuidados y el lugar que ocupan en nuestras vidas.

Para la directora de Generamma 2026, Cristina Consuegra, este año “las vibraciones y las expectativas están muy entrelazadas. Las expectativas que tenemos en torno a la que yo creo que es la programación con mayor músculo de la historia de Generamma nos lleva a un lugar de crecimiento lento, y el adjetivo es muy importante. Creemos que el crecimiento debe ser desde la raíz, pausado, consolidando el trabajo. Que cada edición eche raiz en el municipio y en la región. Queremos que se disfrute muchísimo, que la gente salga de las proyecciones con una mirada transformadora, pensando que existen otros mundos posibles que podemos habitar. Es el principal campo de batalla que nos hemos propuesto en esta edición”.

“Por último”, concluye Consuegra, “esperamos que Generamma se vea en Chiclana como el espacio del cine, ese espacio de convivencia y de encuentro a través del lenguaje cinematográfico. Eso nos lleva de manera irremediable a que ese estado de ánimo colectivo esté muy vinculado a la alegría y la ilusión en momentos muy difíciles para ambas emociones. Esto nos concede un impulso especial. Y queremos que esa ilusión se traslade al patio de butacas”.

Gipuzkoa se convierte cada septiembre en uno de los grandes focos cinematográficos gracias al Zinemaldia, pero antes de que las cámaras se enciendan en Donostia, Deba inaugura el mes con Animadeba. En su decimonovena edición, el festival vuelve a reunir al público, la industria y a referentes internacionales de la animación de autor, con la presencia de cineastas como la eslovena Špela Čadež y el chileno Hugo Covarrubias.

La programación incluye el Concurso Internacional de Cortometrajes, proyecciones de largometrajes, las jornadas profesionales Animadeba Lab y un programa paralelo de conciertos y eventos culturales, con actuaciones de Sara Zozaya y SUA y sesiones de DJ Siwanaba. A estas le acompañan una txosna, foodtrucks y un pequeño mercadillo de emprendimientos locales que terminan de crear un ambiente cultural en el municipio.

La historia de Animadeba comenzó en 2008 de la mano de su director, Aitor Oñederra, cuando tenía 23 años y acababa de terminar sus estudios de Bellas Artes. El técnico de Cultura del Ayuntamiento de Deba le propuso entonces realizar una retrospectiva de sus tres primeros trabajos, pero Oñederra vio la oportunidad de ir más allá y planteó crear un evento dirigido al público adulto. La intención de esta propuesta era, inicialmente, mostrar que “la animación no era solo para niños”. Con el respaldo de su profesora Bego Vicario —cineasta galardonada con un premio Goya y quien impartió la charla inaugural—, la iniciativa arrancó como una muestra no competitiva para dar a conocer producciones del género.

Tras diez años como muestra, el proyecto dio el salto y se convirtió en un festival internacional con concurso oficial, después de que la propuesta fuera aprobada en el pleno municipal. Desde entonces, Animadeba ha ido evolucionando y logrando más actividades y posibilidades, hasta también buscar el acercamiento a la animación a las nuevas generaciones mediante colaboraciones con los centros educativos Mendata y Luzaro de Deba.

Desde este año, el programa incluye Animatxiki, dirigido al alumnado de Educación Primaria, y Epaimahai Gaztea, un jurado formado por estudiantes de la ESO. Sobre esta vertiente pedagógica, Oñederra destaca que consideran “fundamental, pues educar la mirada de las nuevas generaciones para que conozcan otras técnicas, otras propuestas gráficas, temáticas, pues más allá de la animación 3D convencional”.

Una de las señas de identidad de Animadeba es su apuesta por la animación analógica, las técnicas directas registradas bajo cámara y la creación artesanal. Esta edición refuerza esa línea con la presencia de figuras del 'stop-motion' como Špela Čadež y Hugo Covarrubias, director nominado al Oscar por el cortometraje 'Bestia'. Las obras seleccionadas para la sección oficial siguen esta misma orientación y ponen el foco en procesos creativos que reivindican la materialidad, el trabajo manual y la libertad técnica.

Pero mirar hacia lo artesanal no significa dar la espalda a las nuevas herramientas. En una disciplina como lo es la animación, la inteligencia artificial ya forma parte del debate y Oñederra considera que debe entenderse como un recurso de apoyo: “a mí no me gusta que la IA cree por mí. Hay que utilizar como otra herramienta, como hemos utilizado las herramientas de filtros en Photoshop”.

En esa línea, Animadeba explora, por primera vez, estas posibilidades y proyecta un cortometraje realizado con IA por un grupo de investigación de la Universidad del País Vasco. Se trata de una versión actualizada del videoarte 'Semiotics of the Kitchen', de Martha Rosler, cuya elaboración requirió un año de trabajo para aprender a utilizar el algoritmo y depurar los errores del proceso.

Las nuevas posibilidades no se limitan a la inteligencia artificial. El sector experimenta también con materiales y técnicas nuevas, como la investigación con café iniciada por la realizadora María Manero, añade el director. Para Oñederra, el futuro pasa por la combinación de lenguajes digitales, 3D y procesos analógicos, mientras Animadeba proyectará esa evolución.

Desde Deba y a las puertas del Zinemaldia, Animadeba mantiene su apuesta por la animación de autor, abierto a nuevas tecnologías, y por reivindicar un espacio propio para un género que sigue ampliando sus límites. “Mi intención como director es hacer un pequeño mercado de industria independiente también aquí”, señala el director sobre su objetivo de facilitar encuentros entre productores, tomando como referencia certámenes como Annecy.

Cuando el director artístico del Festival de Venecia, Alberto Barbera, anunció las películas que competían en esta edición, sonaron muchas alarmas. Entre los 20 títulos anunciados solo uno estaba dirigido por una mujer. Finalmente, y tras la entrada a última hora de Naza, codirigida por Yuval Abraham y Rachel Szor, fueron dos. Aun así, una cifra terrorífica que mostraba la enorme brecha de género y el problema de desigualdad en la industria del cine. Parece que el jurado haya querido tirar de las orejas a Barbera y a la Mostra eligiendo con su León de Oro a Woman Unknown, de May el-Toukhy, la única película dirigida en solitario por una mujer de todas las que conformaban la Sección Oficial. Es la octava mujer en lograrlo.

El jurado, presidido por Maggie Gyllenhaal, sorprendió con su elección. La crítica daba por hecho que el mayor reconocimiento de la Mostra iría para Naza, el demoledor documental sobre el genocidio en Gaza o, en su defecto, a Possible Love, la película más redonda de la competición, un drama sobre la lucha de clases y el cine como vampiro del coreano Lee Chang-Dong. Al final el consenso se decantó por el drama histórico de El-Toukhy, que también estaba entre las favoritas.

Woman Unknown es un retrato incómodo, poderoso y a contracorriente de las mujeres que mantuvieron relaciones sentimentales y sexuales con los nazis en sus países invadidos. Igual que hiciera en Reina de Corazones, su anterior filme, la directora elige una protagonista que se equivoca, que pone en jaque las creencias del espectador y con el que hace repensar la mirada histórica sobre estas mujeres, que fueron vejadas en la vía pública y marcadas de por vida por actos que, en muchas ocasiones, eran de pura supervivencia. 

El-Toukhy no juzga a su personaje. No da coartadas morales al espectador. La protagonista es una de esas mujeres, una que intenta esconder lo que hizo para sobrevivir en la posguerra, cuando Dinamarca ha sido liberada. Con este León de Oro la directora se consagra en el panorama del cine de autor europeo y el jurado intenta reparar ese “problema sistémico”, como lo definió Maggie Gyllenhaal en la rueda de prensa del primer día. Un problema que, aseguró también como cineasta, hace que las mujeres tengan “mucho más difícil conseguir financiación para sus películas”. De hecho, la cineasta danesa le agradeció a Gyllenhaal esas palabras. Gracias por alzar la voz y visibilizar la falta de igualdad de oportunidades para las cineastas en nuestra industria. Es una posición muy solitaria desde la que hablar, y muchos te aplaudimos por hacerlo“, dijo con el León de Oro en la mano

Su reivindicación del filme danés fue contundente, ya que también premiaron con la Copa Volpi a la Mejor interpretación femenina a su protagonista, Mathilde Arcel, que ofrece una composición sobresaliente. Para que una película logre no solo el León de Oro, sino un premio de interpretación, debe haber un consenso unánime del jurado. Por ello no es normal que ocurra e indica que, sin duda, Woman Unknown ha sido la película favorita. 

Gaza en segundo plano

Irónicamente, Venecia ha vuelto a vivir lo ocurrido el año pasado, cuando La voz de Hind llegó al final como la gran favorita y acabó viendo cómo Jim Jarmusch lograba el premio por Father Mother Sister Brother. Esta vez se trataba de Naza, el demoledor documental sobre el genocidio en Gaza en el que 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí reconocen los crímenes cometidos, que dejó desolada a la crítica. Todo indicaba que este año Venecia miraría de frente a Palestina, pero el jurado presidido por Maggie Gyllenhaal pensó diferente que la crítica y acabó entregándole un premio menor, una condescendiente mención especial del jurado que sabe a poco por el trabajo austero sobre la banalidad del mal creado por Yuval Abraham y Rachel Szor, dos de los cineastas que ganaron el Oscar por No other land.

Toda la sala Grande del Lido se puso en pie al escuchar su nombre, dejando claro que Naza es la película que ha marcado este certamen. Abraham recordó que el genocidio sigue en marcha, que los crímenes siguen ocurriendo y dedicó su premio a los periodistas palestinos que han contado desde dentro lo que estaba pasando realmente.

“Sus voces fueron silenciadas y negadas. Negar un crimen es lo que permite que este persista. Por eso es realmente importante para nosotros que los israelíes vean esta película. Es nuestro país el que está cometiendo estos crímenes. Que la vean los europeos, especialmente aquí en Italia, porque su gobierno y el gobierno alemán están bloqueando la presión sobre Israel que podría poner fin a esto; y que la vean los estadounidenses, porque ese país está financiando gran parte de la matanza.

La otra gran favorita, Possible Love, que llegaba junto a Naza como las dos grandes películas del certamen, se quedó con el Gran Premio del Jurado (el León de Plata). Una finísima radiografía de la lucha de clases y la vampirización del cine que supone el primer trabajo de su director, Lee Chang-Dong, en ocho años. El otro León de Plata, el que reconoce la mejor dirección fue para Ilya Khrzhanovsky, por la descomunal, por tamaño y ambición, Dau. El cineasta ruso revienta las convenciones del biopic para contar, en un trabajo realizado durante años, el trabajo del científico Lev Landáu para terminar ofreciendo un retrato del totalitarismo que resuena en nuestros días.

El cineasta francés Stephan Brizé se hizo con el galardón al Mejor guion (escrito junto a Coralie Amédéo y Olivier Gorce) por Un Bon petit soldad, una divertida mirada a una directora de recursos humanos que tiene que lidiar con una conducta de acoso laboral en un departamento. Brizé, experto en cine político y social, apunta esta vez a la mala leche y la ironía para retratar esos ambientes de una compañía que quiere ser moderna pero sigue perpetuando las mismas conductas de acoso laboral. “La historia nos enseña que la carrera por el beneficio genera sufrimiento y que, cuando la economía produce sufrimiento, el fascismo siempre surge como un buitre, presentándose como la ilusión de una reparación. Las mismas causas siempre producen los mismos efectos; lo que ocurrió ayer se repite hoy, pero hoy ya no se puede decir que no se sabía”, lanzó Brizé desde el escenario en un discurso que entronca con su filme.

En el palmarés (en el que estaban todas las películas que lo merecían) se confirmó, también, que el Festival de Venecia no necesita de Hollywood para lograr una edición más que notable en cuanto a calidad. Los mejores títulos llegaron del cine de autor, y solo uno, Wilde Horse Nine, contaba entre las favoritas al palmarés. La sátira de Martín McDonagh sobre dos de los agentes de la CIA que preparan el golpe de Estado contra Allende en Chile conquistó a todos, pero estaba claro que si había algún premio que merecía era el de mejor actor para un John Malkovich descomunal. Así fue, y Malkovich se llevó una Copa Volpi que solidifica sus opciones de cara a los próximos Oscar, donde suena como uno de los favoritos. El actor, que no pudo volver a Venecia a recogerlo, mandó un vídeo agradeciendo al festival la acogida a la película.

Fue la única mención para el cine de EEUU, que ha decidido reforzar festivales más amables como Telluride o Toronto en detrimento de Venecia, que aunque vio cómo la cantidad de estrellas disminuía en cantidad, la calidad de sus filmes aumentaba apostando por autores en vez de por rostros famosos.

Elon Musk ha reaccionado al documental sobre él dirigido por Alex Gibney que se proyectó ayer en el Festival de Venecia. Pese a que la crítica ha acogido de forma positiva esta película sobre la persona más rica del planeta, en la que se muestra cómo el millonario usa su poder en pos de sus intereses económicos e ideológicos, Musk se ha mostrado descontento al respecto a través de su plataforma X. “La mierda de perro merece más respeto que Gibney”, es alguno de los mensajes que ha escrito horas después del estreno del documental.

El empresario ha acudido a tuits que desacreditan el filme de Gibney para insultarlo. Aunque el cineasta ha pasado años trabajando en la cinta con el propósito de “reinterpretar la historia de Elon Musk”, que normalmente “se había contado solo de una manera”, Elon Musk lo ha comparado con “mierda de perro” en respuesta a un tuit que señalaba que Gibeney no había entrevistado al millonario y que había construido “una obra moral de 4 horas usando el 'fin justifica los medios' como trama”.

Asimismo, Elon Musk también ha querido restar mérito al documental escudándose en las personas que han participado en el mismo. “Gibney simplemente elaboró una lista negra de personas que o bien tienen cuentas pendientes conmigo o ni siquiera me conocen (pero aun así tienen cuentas pendientes)”, ha apuntado el empresario. “No tiene ninguna integridad. Es una persona horrible”, ha añadido. Además, ha respondido con un “exactamente” al siguiente tuit: “[El filme] no puede ser ”definitivo“ si las personas que estuvieron presentes no participaron. Esta película ficticia es un ataque personal de un director de Hollywood egocéntrico”.

Por otro lado, Elon Musk ha cargado contra su expareja Ashley St. Clair, periodista de derechas que cuenta cómo él quiso que firmara un acuerdo de confidencialidad para no decir que él era el padre de su hijo y no hablara de él. Le ofreció 40 millones de dólares (35 millones de euros). Esta se negó, y además cuenta que Musk ha ido dejando hijos (legítimos e ilegítimos) por todo el mundo para crear una “legión” con los genes adecuados.

La propia St. Clair acudió a la rueda de prensa, dejando algunas de las declaraciones más escalofriantes: “Elon Musk me envió un mensaje de texto diciendo que necesitamos tener una legión de niños antes de la guerra civil”. En respuesta a un tuit que dice que “The Guardian informó sin aliento, sin pruebas, que Elon Musk le dijo a su exnovia que necesitaba 'una legión de hijos antes de la guerra civil'” sobre un artículo del periódico británico en relación al documental, el millonario escribe que “la cordura no es su fuerte” y que “ella es malvada”.

Esta no es la primera vez que Musk acude a su red social para alentar el linchamiento hacia un cineasta. A pesar de su buena recepción por parte de taquilla y prensa, el empresario ha sido uno de los más críticos con La Odisea de Christopher Nolan. Elon Musk comenzó su ataque a Nolan nada más saberse el casting y, desde entonces, le ha llamado “gusano” o “racista anti-blancos”. “Chris Nolan profanó a Homero y se arrastró de rodillas solo para cumplir con las reglas woke exigidas para ganar un Oscar”, fue alguno de los mensajes que le dedicó al director.

La hija de Musk carga contra su padre

Vivian Wilson, la hija mayor de Elon Musk, es la protagonista de una campaña contra la inteligencia artificial de la firma de moda Desigual. El anuncio, dirigido por Yukihiro 'Sho' Shoda, Pau López y Gerardo del Hierro, muestra a la modelo trans y activista enfrentándose a la IA. En uno de los vídeos, de hecho, Wilson pasea a un robot con correa como si fuera un perro mientras le enseña a decir “Desigual”. El robot, sin embargo, no deja de averiarse, por lo que la modelo llega a la conclusión de que “hay cosas que no están hechas para arreglarse”.

Elon Musk ha llegado a decir que su hija está “muerta” y que Vivian fue “infectada por el virus mental woke”, por lo que el anuncio de Vivian Wilson adquiere un significado todavía más profundo en su crítica a la tecnología que promueve el famoso empresario. Nacida en 2004, Vivian inició su transición de género a los 16 años con el consentimiento de sus padres, Musk y Justine Wilson. Más tarde, Musk llegaría a afirmar que le habían “engañado para que firmara unos documentos”, aunque Justine Wilson siempre ha aclarado que su exmarido estaba al tanto.

Además, según The hollywood reporter, el equipo legal de Musk podría demandar al filme de Alex Gibney. El medio especializado en cine ha desvelado que, poco antes de su estreno el pasado martes, el abogado Alex Spiro dirigió una carta a uno de los productores acusando a Gibney de no verificar los hechos de la película, aunque Gibney dijo en la rueda de prensa que sí que habían intentado entrevistarle para el filme.

“Este proyecto no comenzó como una investigación. Comenzó con una conclusión”. Dado que se han negado a proyectar la película, se han negado a verificar los hechos con nosotros y han rechazado a los testigos que acudieron a ustedes, tenemos todas las razones para suponer que contiene más afirmaciones sobre el Sr. Musk que saben que son falsas, o cuya falsedad han decidido deliberadamente no investigar“, dice la carta remitida al productor, que señala directamente la escena en la que se insinúa, en boca de su ex pareja Ashley St. Clair, que Musk sabía de la victoria de Trump en las pasadas elecciones antes de que se conociera el resultado oficial.

Durante años ha circulado el rumor de que el comediante y actor canadiense Nathan Fielder (Nathan for You, The Rehearsal) había estado entrevistando a la fundadora de Theranos, Elizabeth Holmes, incluso visitándola en prisión, para un documental ultrasecreto. Ese documental ultrasecreto existe, se titula You Can See Everything, pertenece a la productora A24 y este domingo se ha proyectado por sorpresa en el Festival de Cine de Telluride antes de un estreno internacional este mismo otoño.

Theranos fue una empresa estadounidense de tecnología sanitaria que prometía revolucionar los análisis de sangre con una sola gota, pero que colapsó tras revelarse que su tecnología era un fraude masivo. Como consecuencia, Elizabeth Holmes ingresó en prisión, pues había engañado a los inversores de la empresa, utilizando en secreto aparatos de laboratorio tradicionales para hacer la mayoría de las pruebas de los pacientes.

Ahora, bajo la dirección de Fielder y también de Lance Oppenheim, quien es conocido por Una clase de cielo (2020) y que acaba de pasar por el Festival de Venecia con su filme Primetime, los espectadores tendrán la oportunidad de sumergirse dentro de la protagonista de este caso. “34 días antes de ser enviada a prisión, la infame fundadora de Silicon Valley, Elizabeth Holmes, invita a un escéptico equipo de filmación a documentar cada uno de sus movimientos”, reza la sinopsis de la película.

“Lo que comienza como un retrato íntimo de una enigmática delincuente se convierte en un viaje alucinante de tres años hacia el abismo”, anticipa la productora A24, que ya ha aprovechado para lanzar el primer tráiler. Holmes dice lo siguiente en este avance: “No soy esa persona. Se lo puedo prometer. No tengo nada sobre lo que engañarles, por supuesto que no les engaño. Me relaciono con ustedes como un ser humano. ¿Por qué les engañaría? No tengo ninguna razón para hacerlo. Siempre soy sincera”.

Esta no es la primera vez que Hollywood intenta recrear la historia de Elizabeth Holmes. En un momento dado, Jennifer Lawrence iba a interpretarla en una película dirigida por Adam McKay, pero ese proyecto se canceló cuando se estrenó la miniserie de Hulu de Liz Meriwether, The Dropout (2022), protagonizada por Amanda Seyfried. Asimismo, Alex Gibney realizó en 2019 el documental The Inventor: Out for Blood in Silicon Valley, donde sigue la increíble capacidad para el engaño de Holmes.

Holmes ingresó en prisión en mayo de 2023 y cumple una condena de más de 11 años. Aunque fue absuelta del cargo de estafar a pacientes, fue declarada culpable de estafar a inversores en su juicio federal junto con el exdirector de operaciones de Theranos y exnovio de Holmes, Ramesh “Sunny” Balwani. A inicios de año se reveló que la empresaria había pedido una liberación anticipada de la cárcel, según una solicitud presentada en 2025 ante el Departamento de Justicia.

El productor, director y cofundador de Morena Films Álvaro Longoria participará el 10 de septiembre en una nueva sesión del ciclo 'Así se hace' en el Centro Botín, donde abordará que “detrás de cada película hay un proceso de creación lleno de decisiones, referencias, cambios y aprendizajes que pocas veces conoce el espectador”.

Longoria, quien cuenta con más de dos décadas dedicado al mundo audiovisual, compartirá su experiencia en proyectos muy diversos, desde películas como 'Campeones' (2018), 'Che, el argentino' (2008) o 'Habitación en Roma' (2010), de las que fue productor, hasta documentales como 'Hijos de las nubes, la última colonia', que dirigió y que obtuvo el Premio Goya a la Mejor Película Documental en 2013.

El cineasta santanderino ha explicado que a partir de esa experiencia, compartirá su manera de entender el séptimo arte y lo aprendido durante estos años de trabajo.

El público también tendrá la oportunidad de participar en la conversación y plantear sus preguntas, convirtiendo el encuentro en una ocasión para descubrir los entresijos de la creación audiovisual.

La sesión de Longoria precede al inicio de la X edición del Festival de Cine de Santander, que comenzará el 11 de septiembre y tendrá al Centro Botín como coorganizador junto a Morena Films y sede principal hasta el día 17.

Por otra parte, este viernes 4, a las 19.00 horas, será la última oportunidad para descubrir 'Yuko Mohri: Entrelazamientos' a través del movimiento. El bailarín cántabro de origen guineano Juan Manuel Rondo Epitie, conocido como Ronin, regresará al Centro Botín con 'Energía en movimiento', una visita experiencia que propone recorrer las instalaciones de la artista japonesa alejándose de la contemplación habitual para experimentar físicamente algunas de las conexiones y fenómenos que atraviesan su obra.

“Cinco cosas que no sabías sobre Trainspotting, ¡la cuarta te sorprenderá!”. Encontrarse un titular así es, ahora mismo, lo más habitual. También ver en muchos periódicos cómo el sexo, la sangre, lo rocambolesco y los sucesos escabrosos se venden a gran tamaño. El sensacionalismo llegó para quedarse y ahora no está solo instalado en los medios escritos. Ahora hay muchas ventanas nuevas para contar historias que quizá no sean verdad, pero venden. La pregunta es, como diría Mario Vargas Llosa en Conversación en la Catedral, ¿en qué momento se jodió el Perú?, o en este caso, en qué momento el periodismo inició una bajada a los infiernos en pos de vender más ejemplares y, posteriormente, lograr más clics.

Para responder a esa pregunta, el cineasta Danny Boyle, autor de títulos fundamentales del cine moderno como Trainspotting, adapta la obra de teatro Ink, de James Graham, en una película que ha inaugurado el Festival de Venecia y que sitúa el punto de inflexión en 1969, cuando Rupert Murdoch compra el periódico británico The Sun y le da su dirección al ambicioso Larry Lamb. A golpe de talonario fichó un plantel que llegaba de los tabloides de la competencia y que ya bordeaban el temido sensacionalismo. Así construye un periódico (y la primera piedra de un gran imperio) cuya misión, a priori imposible, era convertirse en el medio más vendido del mundo, superando al Daily Mirror.

Para ello deciden que eso de las cinco W está bien, pero que lo más importante es contarle a la gente normal, de la calle, las cosas que les interesan. En una de las mejores escenas de la versión de Boyle, el equipo cuenta qué hacen ellos en su tiempo libre: beber, follar, ver fútbol… pues eso es lo que le darán a los lectores. En vez de hacer que la gente se interese por lo que ellos deciden que es importante (la política internacional, el problema de la vivienda...), invertirán el orden para hacer que los hobbies se conviertan en historias. Escudados en un falso mantra de darle el poder a la gente convirtieron las noticias en un pozo donde cambiaron las reglas para siempre.

Lo hicieron a golpe de sexo —nunca antes se habían mostrado mujeres desnudas en un periódico—, horóscopo y mucho suceso. La sangre y la muerte venden. A cambio, también vendieron sus principios: acabaron con la unión sindical que protegía a los trabajadores de la imprenta y apoyaron un Gobierno de los conservadores que acabó con la victoria de Margaret Thatcher. Al final, The Sun fue un caballo de Troya que hizo que la clase obrera terminara respaldando a políticos que legislaban en contra de sus propios intereses.

Ink se había vendido como un biopic de Rupert Murdoch, y sin embargo Murdoch —al que da vida Guy Pearce— acaba siendo un secundario que cede el protagonismo, y hasta la culpa, a Larry Lamb —un excesivo Jack O’Connell—, el periodista con complejo de clase obsesionado con ganar y que cruzó todas las líneas rojas posibles, hasta dar información sensible del secuestro de la mujer de un compañero del periódico o mostrar un desnudo frontal —algo hasta entonces prohibido— y sacar a las esposas de los futbolistas para alentar el cotilleo.

El problema es que para denunciar el sensacionalismo, para criticar cómo todo se ha convertido en historias de consumo rápido, sin poso y que solo buscan el efecto inmediato, se ha elegido al director más efectista y, llevándolo al límite, sensacionalista posible. Danny Boyle tira de todo su arsenal de recursos: montaje frenético, banda sonora a todo trapo, fundidos, imágenes distorsionadas, cartelas… para contar lo que critica. Ink es una película contradictoria, que abusa de fuegos artificiales para contar algo que merecía más calma y más rigor.

Porque Graham —que escribe el guion adaptando su propia obra— y Boyle aciertan en el diagnóstico, pero fallan en las formas y en dejar escapar con vida a sus protagonistas, a los que otorgan coartadas morales todo el tiempo. Especialmente a ese Murdoch que acabó haciendo lo mismo en Fox, destrozando el panorama mediático mundial, y al que solo se le presenta como un empresario que no ve con buenos ojos lo que hace Lamb, pero que calla ante el aumento de periódicos vendidos.

Solo les sale el colmillo en una última escena en la que tiende un puente con el presente y donde vemos el eco de todo aquello: influencers, redes sociales, Elon Musk, Mark Zuckerberg, Donald Trump y un ecosistema donde la verdad ya no importa nada.

La película que nadie quería hacer

En la rueda de prensa del filme, Danny Boyle contó que nadie quería producir la película, y que fueron Canal + y StudioCanal quienes decidieron apostar por una historia que, “aunque esté ambientada en 1969, la intención era que se sintiera actual y tratara sobre el mundo moderno”. Además, agradecieron a Alberto Barbera que también se arriesgara a inaugurar el certamen con la película de Boyle.

El director subrayó algo que se ve en el filme, y es que no ha querido “convertir en monstruo” a Murdoch, e incluso reconoció que en aquel momento su llegada “representaba un soplo de aire fresco en una sociedad británica muy rígida”. “Todo comienza con algo divertido y diferente, algo que desafía un orden establecido... Por eso para nosotros era importante que el público se sintiera cómplice”, subrayó sobre su estilo visual que entronca con la montaña rusa que suponía leer The Sun. Pese a ello, defendió el periodismo como “uno de los grandes pilares de cualquier civilización”, y a los periodistas que dentro de la profesión “se enfrentan al poder y dicen la verdad, personas realmente importantes para la sociedad”, afirmó.

Por su parte, Jack O'Connell elevó la culpa de su personaje y dejó claro que él era solo una parte más de un engranaje y de una sociedad donde primaba “el consumismo y el capitalismo” y se daban “unas condiciones que Larry explota para su propio beneficio y su propio propósito”.

La cineasta estadounidense Maggie Gyllenhaal, presidenta este año del jurado del Festival de Venecia, reconoció este miércoles en una rueda de prensa que existe “un problema sistémico” en el mundo del cine que perjudica a las directoras.

“Diría que existe un problema sistémico. Evidentemente, creo que es mucho más difícil para las mujeres conseguir financiación para sus películas”, reflexionó la directora al ser preguntada por este tema en la rueda de prensa de apertura de la Mostra veneciana.

El festival, que arranca hoy su edición 83, ha recibido algunas críticas este año por la poca presencia de mujeres directoras en su competición por el León de Oro. De las 21 películas a concurso, solo dos llevan la firma de mujeres: 'Woman unknown', de la danesa May el-Toukhy, y 'Naza', de la israelí Rachel Szor y su compatriota Yuval Abraham.

Gyllenhall planteó la posibilidad de que “los temas sobre los que las mujeres quieren hacer películas, al haber tenido una experiencia diferente en el mundo, no siempre son vistos como 'alta cultura'”.

“¿Quién decide qué es bueno? ¿Quién decide qué es valioso?”, inquirió, reivindicando a las “muchas” mujeres que sí participarán en distintos jurados y secciones de la Mostra.

La cineasta también sopesó el hecho de que “ha pasado muy poco tiempo desde que las mujeres han tenido la oportunidad de hacer películas” y, por ello, “todavía queda camino por recorrer”.

“Llevará algún tiempo acostumbrarse al hecho de que, creo, muchas mujeres hacen películas de una manera bastante diferente a como las hacen los hombres”, zanjó.

Por otro lado, durante la rueda de prensa también salió a colación la gran cabida que el festival ha dado este año al cine político y a películas sobre guerras, crisis o tensiones sociales.

Su director, Alberto Barbera, aseguró que no existen “temas que se rechacen” a la hora de seleccionar las películas a concurso o los estrenos, ni tampoco vetos a directores o países. “El único requisito es la calidad, la complejidad de una obra”, agregó.

“Ahora tenemos muchas películas que hablan de actualidad, quizá porque la mayoría de directores tiene una sensibilidad especial y no quieren refugiarse en mundos de fantasía, prefiriendo afrontar cuestiones dramáticas en un momento particularmente difíciles”, sostuvo.

Gyllenhaal prometió hablar sobre esta cuestión durante la gala de apertura de esta noche pero lanzó una pregunta retórica a la prensa: “¿cómo es posible que estemos aquí hablando de cine ahora mismo, cuando el mundo se encuentra en estado de emergencia?”.

Para ella, la respuesta “tiene que ver con la empatía” porque, alegó, “el cine ofrece una oportunidad para encontrarla”, al asistir a historias rodadas y contadas por otras personas.

“No creo que haya ningún tema ni ningún cineasta que no deba ser escuchado. Creo que podemos desafiarnos a nosotros mismos para escuchar historias sobre las personas más corruptas, más perversas, porque eso nos brinda la oportunidad de encontrar empatía hacia esas personas e incluso de observar las formas en las que nosotros mismos podemos llevar dentro un pequeño lado malo”, defendió.

Junto a Gyllenhaal, en el jurado de la competición oficial de Venecia están las directoras y guionistas Kaouther Ben Hania (Túnez) y Shahrbanoo Sadat (Afganistán); el compositor británico Daniel Blumberg; los realizadores Xavier Giannoli (Francia) y Johnnie To (Hong Kong) y el profesor italiano de cine Francesco Casetti.

La 83.ª edición del Festival de Venecia arrancó este miércoles y transcurrirá a lo largo de los próximos once días, hasta que el 12 de septiembre anuncie la película ganadora de su León de Oro.