Willem Dafoe tiene uno de esos físicos capaces de transformarse según la película. Es como si su cuerpo mutara para cada papel. Un camaleón capaz de acercarse igual al mito vampírico en La sombra de un vampiro que al rostro de una leyenda de la pintura en el biopic de Van Gogh que dirigió Julian Schnabel. De ofrecer una interpretación tan empática como la de The Florida Project y tan desagradable como la que entrega en El anfitrión, el filme que le ha llevado al BCN Film Fest y donde es una de las grandes estrellas que pisará Barcelona estos días.

El anfitrión es una rara avis en la industria. Tiene un director español, Miguel Ángel Jiménez, un equipo técnico español y a intérpretes de aquí como Carlos Cuevas o Francesc Garrido. Sin embargo, en su centro se encuentra la presencia de un Willem Dafoe que con su carisma se lo come todo. Y tiene sentido, porque interpreta a un magnate griego en el año 75, recluido en una isla, haciendo negocios con la dictadura griega y la española, y manejando todo a su antojo porque se puede permitir comprar todo y a todos. ¿Les suena? Es normal, porque detrás de su personaje, de nombre Markos Timoleon, se encuentra la sombra de Aristóteles Onassis.

De él hay mucho más que los orígenes turcos y la vida en Grecia. Está el drama de un hijo muerto en un accidente de aviación y el poder que amasó gracias a sus negocios. Con ese trampantojo Jiménez crea una mirada dura al poder, a cómo el dinero corrompe y crea la ilusión de poder tenerlo todo. La fiesta de cumpleaños del título en inglés (The birthday party) es la de la hija del ricachón que él ha organizado y que tiene motivos secretos para celebrarse. Casi todos los personajes quieren más poder y más billetes; y los que no (el servicio) lo que quiere es huir de esa isla. 

Dafoe se presentó en Barcelona para presentar el filme, derrochó simpatía y cintura para esquivar las preguntas más incómodas, como ocurrió cuando se le preguntó si creía que hombres como al que interpreta son los que gobiernan el mundo actualmente. “Estoy de acuerdo, sí”, dijo y soltó una sonora carcajada sin profundizar para no dar ningún nombre ni opinar nada más. “Venga, hazme otra pregunta”, dijo de buen humor dejando claro que no iba a entrar donde él no quisiera. 

Ese mundo, el de la riqueza, aseguró que no suele pisarlo mucho. “No suelo tener la oportunidad de conocer a personas muy ricas. No me siento cómodo porque esa no es mi cultura. Pero ha habido ocasiones en las que he conocido a personas muy ricas, muy elegantes, muy cultas y muy interesantes. No puedo hablar de sus negocios, pero eran interesantes. Pero, en general, esos ricos que se hicieron a sí mismos, los llamados nuevos ricos… no me relaciono con ellos”, afirmó.

Matizó que no le gusta generalizar, pero sí que se atrevió a decir que “el dinero es un falso dios”. “No me gusta hablar sobre el significado o los temas de una película, pero algo que resulta bastante claro es que ciertas personas se autodestruyen, matan lo que aman por su propia arrogancia. Y eso es fascinante porque, como animales, uno pensaría que seríamos más sensatos. Se supone que somos más inteligentes que eso, pero no lo somos. Y mi personaje es un ejemplo perfecto de ello. Mata lo que ama”, puntualizó.

Nunca digo: eso no me interesa o eso no lo hago. Estoy abierto a todo tipo de cine, porque creo que eso es lo que te mantiene comprometido con el trabajo cinematográfico

Willem Dafoe — Actor

Tampoco se pronunció sobre cómo ve el momento actual de Hollywood, con una fusión entre dos grandes estudios que muchos consideran una amenaza a la pluralidad. “Todo está en crisis ahora mismo, por si no lo sabías”, dice y vuelve a reírse a carcajadas para luego reflexionar sobre la industria: “Mira, nunca he tenido una visión general muy clara debido a mi trabajo tan ecléctico. Y no vivo en Hollywood. No sé nada del negocio, pero algo bastante seguro y obvio es que la experiencia del cine, que tanto me gusta, está desapareciendo por motivos económicos y por los hábitos sociales de la gente”.

Para Dafoe ha habido muchos cambios, pero cree que hay un “elefante en la habitación” del que nadie habla: las nuevas tecnologías. “Hay toda una generación que se ha criado sin siquiera ver películas. Están más orientados a formatos cortos como TikTok. No quiero sonar como un viejo cascarrabias porque no pertenezco a esa generación, pero es así. Lo realmente importante ahora es que la experiencia colectiva es difícil de encontrar porque todos estamos aislados. Las tecnologías y las nuevas formas de vida aparentemente eficientes que se suponía que nos daban libertad, en realidad nos han atrapado, aislado y alienado”, subrayó.

Confía en que todo ello acabe provocando un cambio, y vuelva “la experiencia colectiva que ocurre en el teatro, las artes escénicas y el cine”. “Una de las peores cosas de que la experiencia en salas esté desapareciendo, es que eso crea vínculos, provoca empatía, ayuda a darnos cuenta de dónde estamos y hacia dónde vamos. Tal vez podamos recuperarlo de alguna manera, y creo que eso es particularmente importante porque empieza a reflejarse en la política y en cómo todos sobrevivimos”, zanjó.

Define su carrera, que alterna papeles en superproducciones como el primer Spider-Man con títulos de Abel Ferrara, como “una dieta equilibrada”. Las decisiones que ha tomado han estado “condicionadas por lo que había disponible y las preferencias en cada momento”, pero sí que asegura tener un lema, y es nunca decir “Eso no me interesa, eso no lo hago”. “Estoy abierto a todo tipo de cine, porque creo que eso es lo que te mantiene comprometido con el trabajo cinematográfico. Tienes que reinventar tu forma de hacer las cosas cada vez cuando haces diferentes tipos de producciones y eso realmente te ayuda a evitar cierta corrupción de hábitos”, opina.

Su ritmo de trabajo sigue siendo altísimo. Tiene proyectos y estrenos constantemente y no baja el ritmo. Pero no lo hace para no aburrirse: “Yo nunca me aburro. De joven sí, pero ahora nunca. Me gusta tener un objetivo. Me gusta la responsabilidad de saber que voy a por algo. Y cuando tengo tiempo libre… tal vez tenga demasiado tiempo libre. Creo que me siento un poco más saludable cuando trabajo”.

El vigésimo tercer Festival de Cine y Derechos Humanos de Donostia será inaugurado con 'Palestine 36', de Annemarie Jacir, el 23 de abril, y concluirá con la proyección de 'Rebuilding', de Max Walker-Silverman, el 30 de abril. Con el apoyo del Gobierno vasco y entidades como Zehar-Errefuxiatuekin, Unicef o Amnistía Internacional, entre otras, el festival proyectará 46 filmes. La viceconsejera de Derechos Humanos, Memoria y Convivencia, Arritxu Marañón, subraya la vigencia de este tipo de iniciativas “en estos tiempos de zozobra” y la importancia de incluir en el programa enfoque en generaciones más jóvenes.

La semana de Cine y Derechos Humanos se distribuye en secciones competitivas de largometrajes, cortometrajes internacionales y cortometrajes vascos. Junto a estas, se llevará a cabo el tercer ciclo de Cine y Victimología, con la proyección de 'La buena nueva', de Helena Taberna, y 'El consentimiento', de Vanessa Filho. También se presenta un ciclo de Cine y Memoria, que se proyectará únicamente en Tabakalera; una sesión a cargo de la Filmoteca Vasca, para presentar 'Urak aske', de Bego Zubia Gallastegi; y una sesión infantil gratuita, además de las sesiones escolares que se realizarán en diferentes institutos.

Las entradas del ciclo Cine y Memoria ya se encuentran a la venta por 4,50 euros en Tabakalera. A partir del viernes 17 de abril a las 11:30, Donostia Kultura pondrá a disposición el resto de entradas, a 5 euros, en las taquillas del Teatro Principal y del Victoria Eugenia, así como en su página web. Dentro de su programación, también ofrecen sesiones gratuitas, cuyas invitaciones se podrán recoger igualmente en taquillas y web.

El festival reconocerá este año la trayectoria, durante más de medio siglo, del cineasta vasco Imanol Uribe, autor de títulos como 'El proceso de Burgos' o 'La muerte de Mikel'. José Miguel Beltrán, responsable de la programación de cine de Donostia Kultura, señala que las obras de Uribe se caracterizan por “una mirada social, política e histórica”. Indica que reconocer su trabajo consolida un legado que conecta “memoria, compromiso y narrativa cinematográfica”.

Además de cine, Donostia Kultura presenta 'Babes tú', el juego en línea que realizan anualmente. Este consta de diez preguntas que “pondrá a prueba” la mirada crítica y la capacidad “para diferenciar bulos de datos contrastables” de cada jugador. Quienes participen entrarán automáticamente en el sorteo de cinco bonos para gastar en comercios de la red de consumo transformador de Donostia, Saretuz.

Itziar Zeberio, representante de Amnistía Internacional, presenta la mesa redonda que se celebrará este 22 de abril a las 19.00 horas en la sala Club del Victoria Eugenia: 'La era de Trump y sus consecuencias'. Explica Zeberio que consideran “fundamental abordar, desde una mirada plural y rigurosa, cómo determinadas decisiones políticas pueden afectar al respeto de los derechos humanos”. En la mesa participarán Eva Suárez-Llanos, directora adjunta de Amnistía Internacional España; Juan Antonio Gimeno Ullastres, fundador de Economistas sin Fronteras, y Mikel González-Eguino, profesor e investigador de Ikerbasque en el Basque Center for Climate Change. La entrada es gratuita.

Adicionalmente, el proyecto África Impredecible traerá a la ciudad a la humorista Asaari Bibang. Se podrá disfrutar de forma gratuita de su monólogo 'Humor negra' el miércoles 22 de abril a las 19.00 horas en el Teatro Principal. Mónica González Llamazares, de África Imprescindible, comparte a este medio que cree que el mensaje de Asaari es otra forma de “poder llegar a la ciudadanía de Donostia y luchar contra los discursos de odio”. Espera que el público disfrute del monólogo, caracterizado por la “empatía” y por “hacer un humor muy consciente”.

Castilla-La Mancha acogerá por primera vez el Festival Internacional de Cortometrajes 'Visualízame en tu Memoria', que este año celebra su sexta edición. Tendrá lugar en el Archivo Histórico Provincial de Guadalajara el jueves 11 de junio de 2026.

Este festival tiene como uno de sus objetivos preferentes promover la reflexión, a través del audiovisual, sobre la muerte y el proceso posterior de duelo, así como sobre la memoria personal y familiar, social, democrática e histórica.

Las inscripciones ya están abiertas y permanecerán abiertas hasta el 5 de abril de 2026. El Festival está organizado por la Fundación Inquietarte, que en esta sexta edición ha contado con la colaboración de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, a través de su Consejo Asesor de Memoria Democrática, de la Universidad de Alcalá, del Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, y del Archivo Histórico Provincial de Guadalajara.

Bases de participación y premios

Podrán participar productores/as y directores/as de cine con hasta un máximo de dos cortometrajes en las siguientes categorías: ficción, documental y/o animación. Estas películas estarán realizadas durante lo años 2025 y 2026, donde su duración no excederá los 20 minutos.

Se admiten cortometrajes cuyo idioma original no sea el español, sin embargo deberán incluir subtítulo en esta lengua.

Los audiovisuales admitidos a concurso quedarán en posesión de la Fundación Inquietarte y podrán ser utilizados por la misma en los medios de comunicación para promocionar la programación del Festival, así como en sus actividades educativas itinerantes. Por otro lado, estas actividades se podrán realizar de forma presencial u online. Los productores de los cortometrajes seleccionados autorizan el uso deun fragmento de las obras (máximo tres minutos) para su difusión como material informativo en cualquier medio, incluido internet.

De igual manera, los cortometrajes también podrán ser utilizados en actividades educativas y de difusión del festival organizadas por alguno de los patrocinadores, siempre en colaboración con la Fundación Inquietarte. La participación implica la aceptación plena de las presentes bases, así como la resolución de cualquier problema no incluido en las mismas por parte de la organización.

Los cortometrajistas cuyas obras resulten seleccionadas serán informados a través del cambio de estado de su película en la plataforma desde la que hayan realizado su inscripción en los siguientes sitios web: Click for festivals, Festhome y Movibeta.

El jurado del Festival decidirá qué películas de las seleccionadas serán las que resulten finalistas, siendo estas las que se proyectarán públicamente durante la celebración del Festival. La organización se reserva el derecho de realizar la proyección en modalidad online, a través del canal de Youtube de la Fundación Inquietarte, en un solo pase, tras publicar el calendario de proyecciones.

La lista de finalistas se dará a conocer en la página web de la Fundación Inquietarte, así como en el blog del Festival y en los correspondientes perfiles de Facebook, Instagram y Bluesky a partir del 1 de junio de 2026

El Festival convoca dos premios en esta sexta edición: Premio Fundación Inquietarte, al mejor cortometraje, valorado en 1.000€; y Premio al mejor cortometraje de Memoria Democrática sobre Castilla-La Mancha y/o producido en dicha Comunidad Autónoma, otorgado por la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, valorado en 1.000€.

La 29 edición del Festival de Málaga ha terminado en la noche de este sábado con su gala de clausura, celebrada en el Teatro Cervantes. Las películas 'Yo no moriré de amor', 'El jardín que soñamos' e 'Iván & Hadoum' han sido las grandes triunfadoras del certamen.

No ha faltado un recuerdo a la desaparecida Gemma Cuervo en el arranque de la gala de clausura. “Somos un festival que apuesta por el nuevo talento”, han subrayado la periodista Elena Sánchez y la actriz Masi Rodríguez, presentadoras de la gran noche del cine en Málaga.

“Estoy muy impresionada, había películas enormes”, ha subrayado Marta Matute, directora de 'Yo no moriré de amor', ganadora de la Biznaga de Oro a Mejor Película Española. La cineasta madrileña, rodeada de gran parte del equipo del largometraje, ha pedido “poner en relevancia la necesidad de un sistema de ayuda” y que haya “más residencias públicas”.

“Significa mucho para mí, por todos los años de estar enamorado de hacer cine”, ha dicho por su parte Joaquín del Paso, director de 'El jardín que soñamos', ganador de la Biznaga de Plata a Mejor Película Iberoamericana y a Mejor Dirección. Además, su película ha conseguido el galardón a la Mejor Fotografía

Ian de la Rosa, director de Iván & Hadoum' ha recogido el Premio al Mejor Guión y el Premio Especial del Jurado. “Me parece dificilísimo escribir”, ha reconocido el joven cineasta y guionista andaluz, que ha preguntado “cuándo va a existir una escuela de cine pública”. Y además, su largometraje también le ha valido una Mención Especial al actor Silver Chicón.

Premios a mejor interpretación

El actor Daniel Zárate ha ganado la Biznaga de Plata a Mejor Interpretación Masculina por 'Hangar rojo', que ha agradecido por video desde Chile. “Espero que esta película pueda despertar conciencias”, ha deseado el intérprete chileno.

Júlia Mascort, galardonada a Mejor Interpretación Femenina por 'Yo no moriré de amor', ha agradecido a sus padres y a toda su gente: “Esto es de todos”. Pero de forma muy especial a su directora, Marta Matute.

“Nos da mucha emoción que la película esté viajando”, ha compartido en vídeo el director de 'Hangar rojo', Juan Pablo Sallato, que no ha podido recoger el Premio de la Crítica.

El Premio del Público para la Sección Oficial ha ido para 'Hangar rojo', de Juan Pablo Sallato, y ha sido recogido por su distribuidora. La Biznaga de Plata establecida como Premio del Público por Votación en Sala ha sido para 'Pioneras. Solo querían jugar' y su directora, Marta Díaz De Lope Díaz, ha querido “agradecer al público de Málaga por tanto cariño”.

'Dos días', de Gonzaga Manso, se ha llevado el Premio del Público para la Sección Oficial Fuera de Concurso: “Uno de los momentos más bonitos que hemos vivido ha sido en la sala en este festival”, ha reconocido su director.

María Magdalena Sanizo, ganadora de la Biznaga de Plata a la Mejor Intérprete Femenina de Reparto por su papel en 'La hija cóndor', ha mostrado una gran emoción: “Para mí ha sido una sorpresa porque es la primera vez que he actuado, y es muy hermoso”. Lo ha agradecido con una corta canción en quechua.

La Biznaga de Plata al Mejor Intérprete Masculino de Reparto ha sido recibido por Tomás del Estal, gracias a su trabajo en 'Yo no moriré de amor': “Es la primera vez que vengo a Málaga y no podría estar más contento”.

Premios técnicos

Además, 'Hangar rojo', otra gran ganadora de la noche, también ha visto reconocido su trabajo de edición con el Premio del Mejor Montaje.

En el apartado de Mejor Música, el galardón lo ha recogido el director de 'La hija cóndor', en nombre de Cergio Prudencio y Marcelo Guerrero.

Y no han faltado momentos musicales en la clausura de la 29 edición del Festival de Málaga, con las actuaciones del grupo Viva Suecia, una de las bandas más destacadas del panorama indie español, que abrieron con rotundidad; la cantante malagueña Pasión Vega, que ha aportado uno de los momentos más emotivos de la noche; y la propuesta musical de Tony Grox y Lucycalys.

Hasta diez Goyas desfilarán por Rivas en otros tantos días. El Festival de Cine de Rivas celebra a lo grande su 25ª edición, desde este miércolas hasta el 21 de marzo, con una combinación del impulso al cortometraje y la creación ripense con grandes nombres que saben lo que es triunfar en la gran noche del cine español. A los ocho cabezones de Ferando León de Aranoa, que recibirá el I Premio Cine y Compromiso del certamen, hay que sumar el de la directora de arte de Sirat, Laia Ateca, invitada a impartir una clase magistral sobre su proceso en la película de Oliver Laxe. Completa el plantel Miriam Garlo, galardonada como mejor actriz revelación el pasado 28 de febrero por su papel en Sorda. La intérprete ha sido precisamente la gran protagonista de la presentación del certamen ante los medios.

“Es la primera vez que soy jurado en un festival y ha sido gracias a que la accesibilidad ha estado cubierta”, ha agradecido Garlo en una rueda de prensa donde le ha acompañado Santiago Tabernero, director de cine y televisión que también ha participado en las deliberaciones del concurso de cortos. También han intervenido la alcaldesa de Rivas-Vaciamadrid, Aída Castillejo, y la concejala de Cultura, Ángela Vijande.

Garlo ha “agradecido la oportuinidad” y ha valorado la disposición del Ayuntamiento para garantizar su participación, algo que ha querido normalizar y hacer extensible al conjunto de la sociedad: “No deberíamos ver estas medidas como algo ajeno. Se trata de un bien colectivo”, ha explicado en respuesta a las preguntas de Somos Rivas. Así, todas las películas del festival se proyectan con subtítulos y las galas o actividades contarán con intérpretes en lengua de signos. Para la actriz, estas acciones son de utilidad no solo para la comunidad sorda, sino para quienes tienen otro tipo de discapacidades, determinados trastornos permanentes o pasajeros y para muchas personas mayores. Sorda puede verse este mismo miércoles desde las 19.00 en los cines Yelmo H20 de Rivas, con coloquio posterior con la propia Miriam Garlo.

La protagonista de la premiada película de Eva Libertad ha reivindicado además la necesidad de “luchar por nuestros derechos, que no son un lujo y que nos pueden quitar”. En este sentido, Santiago Tabernero ha valorado el tradicional compromiso social del evento: “Estoy encantado de participar en un festival tan posicionado, que al igual que la película de Miriam nos permite conocer mejor a los demás. El propio jurado ha sido muy diverso, porque así es la vida. Ha sido materia de aprendizaje”. Adelanta que cada uno de los cortometrajes premiados “sintoniza con alguno de los problemas sociales que nos acechan”.

Castillejo ha compartido esta visión sobre “un cine que no es solo entretenimiento, ya que nos ayuda a compartir conversaciones necesarias”. Todo ello en una cita “arraigada que es ya toda una forma de hacer ciudad, nacida en un entorno que empezaba a construirse entendiendo la cultura como un derecho y un espacio de encuentro”.

Así, ha destacado que el cine está insertado en la “memoria” de muchos ripenses gracias a coloquios, proyecciones y a quienes han creado sus primeros cortos en el marco del festival. “Han demostrado edición tras edición que el cine se hace desde lo local, desde los barrios. Lo han sacado de la alfombra roja para llevarlo a colegios, centros culturales y esos lugares donde se construye comunidad”, ha expuesto la regidora sobre el papel de sus propios vecinos en estos 25 años.

Una programación variada que combina emoción y compromiso

Para la alcaldesa, el Festival de Cine de Rivas “reúne cine, pensamiento, creación y conversación”. Elementos que ve reflejados en la figura del cineasta Fernando León de Aranoa, primer agraciado con el Premio Cine y Compromiso, que a partir de esta edición tendrá continuidad en las venideras. Según Castillejo, el director de Los lunes al sol combina “la calidad con la capacidad de hablar de las desigualdades y de la dignidad de la gente común”. De ese modo, “su cine se atreve a mirar de frente”.

El festival proyecta su ópera prima, Familia (1996) el miércoles 18, con un coloquio posterior a las 19.00 en el sobre soledad no deseada en el auditorio del Edificio Atrio, en el número 36 de la avenida de José Hierro. Además, El buen patrón (2021) se exhibe el lunes 16 a las 19.00 (con entrada gratis), seguida de una charla posterior sobre trabajo y territorio. Será en el Centro de Educación y Recursos para Personas Adultas de Rivas, en calle Picos de Urbión, sin número. El propio Fernando León acudirá a la gala de clausura del festival.

Otro de los nombres propios de la edición es Laia Ateca, directora de arte de Sirat. Reciente triunfadora en los Goya, impartirá una clase magistral sobre este oficio (vital en el sector pero un gran desconocido para muchos espectadores) el jueves 19 a las 17.00. Será en la sala Marcos Ana del centro cultural Federico García Lorca, en el número 3 de la plaza de la Constitución. El precio es de 15 euros, con inscripciones en este enlace. Posteriormente, la película de Laxe se exhibirá a las 19.00 en los cines Yelmo H20 y habrá coloquio con Ateca.

El compromiso del festival estará presente también en su proyección internacional, la del largometraje La voz de Hind Rajab. La tunecina Kaouther Ben Hania dirige este duro acercamiento a la historia de una niña de seis años, atrapada en Gaza bajo los bombardeos del Gobierno de Benjamin Netanyahu. El audio pertenece a la llamada real de Hind Rajab, mientras que la acción de los voluntarios de la Media Luna Roja está reconstruída con actores. Merecedora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia y nominada al Oscar a mejor película internacional, donde compite con Sirat, puede verse este martes 12 a las 19.00 en los Yelmo H20.

En cuanto al alma del Festival de Cine de Rivas, el concurso nacional de cortometrajes, las proyecciones se dividen en tres jornadas y seis sesiones, todas ellas en los Yelmo: serán el viernes 13 a las 19.00 y las 21.00, así como el domingo 15 y el viernes 20, en los mismos horarios. Pueden adquirirse localidades en este enlace. Otra importante pata, la del concurso local de cortos, se desarrollará el martes 17 a las 19.00 en la Sala Covibar (avenida de Covibar, 8). Todos ellos están disponibles aquí. Estarán presentes los equipos de cada pieza seleccionada. También los participantes del concurso exprés, que habrán elaborado previamente sus creaciones durante el sábado 14.

Otra proyección marcada en el calendario da cuenta del peso que estos 25 años han tenido para la población ripense, sobre todo los más jóvenes. Así, el miércoles 18 a las 21.00 podrá verse en los Yelmo H20 el documental Érase una vez en Rivollywood. Su director, José Luis Rojas, desgrana la historia de un movimiento espontáneo y libérrimo de creación cinematográfica que sacudió el municipio en la primera década de este siglo. Los testimonios de sus propios protagonistas se combinan con escenas de sus creaciones, en las que hay espacio para persecuciones, héroes de acción, historias de terror y muchas dosis de imaginación. Como curiosidad, el fenómeno comenzó cuando un grupo de chavales se conocieron en ese mismo multisalas.

El Festival del Cine de Rivas despedirá sus bodas de plata con una gala de clausura y entrega de premios presentada por la humorista Ana Morgade y amenizada por la Banda Glass Glassy. Será el sábado 21 desde las 21.00 en el auditorio Pilar Bardem (calle de la Fundición, sin número). La solicitud de entradas para este fin de fiesta pueden solicitarse hasta el 19 de marzo escribiendo al correo cultura@rivasciudad.es. Una oportunidad para despedir por todo lo alto una de las semanas más importantes para la cultura ripense y madrileña.

Xavi Herrero va desembarcar a Eivissa en un moment crític per als cinèfils. Fa una mica més d’una dècada, les sales de cinema que existien a l’illa havien tancat, estaven tancant o feia anys que romanien tancades. El Serra –l’últim cinema que quedava al centre de la capital eivissenca: era centenari– es va convertir en runa per acabar sent un solar on després s’aixecaria un hotel de cinc estrelles. Les possibilitats d’un eivissenc per veure una pel·lícula independent o, fins i tot, una pel·lícula en versió original sense haver d’agafar un vaixell o un avió per viatjar a la península o a Mallorca eren remotes.

El projecte que aquest cineasta català –Terrassa, quinta del 67– tenia al cap es va convertir en una escletxa per on va entrar la llum. Deu edicions més tard, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa s’ha convertit en un dels certàmens més reconeguts d’Espanya. Qualifica per als Goya. L’Ibiza Cinefest –així l’anomenen– atrau autors consolidats i debutants i convida a pensar en la nostra relació amb la imatge. I, sobretot, no té catifa vermella.

El projecte que tenia al cap el cineasta Xavi Herrero es va convertir en una escletxa per on va entrar la llum. Deu edicions més tard, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa s'ha convertit en un dels certàmens més reconeguts d'Espanya

“Igual que mai no vaig tenir mentalitat de funcionari i per això vaig deixar de treballar a TV3, el brilli brilli tampoc m'interessa. No volia que hi hagués actors i actrius amb roba elegant fent-se fotos per vestir la imatge del festival. El que m'interessava és que els creadors poguessin venir a Eivissa a explicar sobre la seva feina, tant el procés creatiu com tot el que envolta aixecar una producció. I, sí, és cert que l'illa s'havia quedat pràcticament sense cinemes, però en arribar vaig al·lucinar amb la quantitat d'espais públics on es podia encaixar la nostra programació. Pràcticament, cada poble en tenia un… amb pantalla gran. Per allà ens hem colat”, explica Herrero.

No m'interessa el 'brilli brilli'. No volia que hi hagués actors i actrius amb roba elegant fent-se fotos per vestir la imatge del festival. El que m'interessava és que els creadors poguessin venir a Eivissa a explicar sobre la seva feina, tant el procés creatiu com tot el que envolta aixecar una producció

Xavi Herrero — Director de l'Ibiza Cinefest

El director del festival està sopant amb el seu equip en un bar de Sant Josep de sa Talaia. Al grup hi ha cinèfils veterans com Juan Marí Susierra o Juanjo Ribas –impulsors d’altres mostres i cicles que s’organitzen a l’illa– i sang nova. Toni Planells, per exemple, un realitzador que s’ha arromangat per encarregar-se de la producció del festival. “La idea és que si jo fes un pas al costat, l’Ibiza Cinefest continués existint”, comenta Herrero. Amb la satisfacció de qui acaba una feina maratoniana. Minuts abans havia acabat –en un teatre rehabilitat per l’ajuntament després de dècades en desús– la projecció del primer capítol de La ruta. Vol. 2: Ibiza.

La idea és que si jo fes un pas al costat, l'Ibiza Cinefest seguís sent existent

Xavi Herrero — Director de l'Ibiza Cinefest

Aquesta producció d’Atresmedia retrata –en paral·lel– l’escena de les discoteques eivissenques a mitjan anys noranta i l’especulació urbanística de principis dels setanta. El públic –segons l’edat– ha fet memòria o s’ha amarat dels colors, les substàncies i els sons que van vibrar a l’illa en dos períodes clau. Just quan les festes britàniques es van apoderar de la nit, just quan els constructors valencians i els promotors estrangers van fonamentar quilòmetres de platja verge. Connectats, tots dos moments permeten entendre l’Eivissa actual. Hi ha aplaudiments i preguntes per a Borja Soler i Blanca Javaloy, el director-guionista i la responsable de seleccionar el càsting de La ruta. El realisme ha arribat a tal punt que el públic perdona un detall important. Les localitzacions són mallorquines. Per un “tema logístic”, diuen els responsables de la sèrie, “va ser inviable rodar a Eivissa”.

Monedes digitals, barraques, migrants

Durant una setmana llarga –del 20 de febrer a l’1 de març–, l’Ibiza Cinefest ha ofert llargmetratges, curtmetratges, animació infantil, un espai específic per a cineastes balears i fins i tot algun assaig fílmic com Madrid Ext., de Juan Cavestany. La nova pel·lícula de l’autor de l’obra teatral Urtain o de la sèrie Vergüenza retrata les mutacions que ha provocat el pas del temps –i els fluxos financers– a la capital espanyola. Avingudes, carrers i places com a camp de batalla econòmic.

–Xavi, la programació se selecciona buscant ficcions o documentals que estiguin relacionats o tenguin afinitat amb el que passa a Eivissa?

–Bé… [el director de l’Ibiza Cinefest pensa uns segons]. No necessàriament. El que passa és que ens interessa molt la temàtica social i aquesta illa, encara que sembli petita, està carregada d’històries molt potents. Així que és normal que hi hagi temàtiques que ens resultin familiars, que ressonin en recordar-nos històries que també estan passant aquí.

Ens interessa molt la temàtica social i aquesta illa, encara que sembli petita, està carregada d'històries molt potents. Així que és normal que hi hagi temàtiques que ens resultin familiars, que ressonin en recordar-nos històries que estan succeint aquí també

Xavi Herrero — Director de l'Ibiza Cinefest

Les paraules d’Herrero cobren sentit després de veure algunes de les propostes del festival. És evident la relació que tenen amb Eivissa les trames de +10K o Ciudad sin sueño. La primera és un curt documental de Gala Hernández que reflecteix les ambicions d’un criptobro de vint-i-un anys que somia guanyar 10.000 dòlars al mes per viure com un pachá. La seva ambició: conduir un Lamborghini sota les palmeres de Miami. La segona segueix les aventures i desventures d’un nen gitano i del seu amic musulmà pels camps i rierols que envolten la Cañada Real. Tom Sawyer i Huckleberry Finn amb smartphones. En veure les mansions de Florida i les barraques de l’extraradi madrileny és impossible no pensar en el luxe i la misèria d’Eivissa.

“Vaig arribar a Eivissa i em vaig assabentar que aquí, i a Formentera, també hi és present el drama de la migració. Es parla molt del cas canari, on hi ha la ruta més consolidada, però hi ha altres realitats que no transcendeixen tan fora del lloc. Jo, de fet, em vaig assabentar del que estava passant al Bidasoa llegint la premsa local: a vint quilòmetres de casa meva hi havia un drama migratori”, diu Asier Urbieta.

La seua reflexió no és capriciosa. Aquest cineasta guipuscoà –d’Errenteria, quinta del 79– ha dirigit sèries com Altsasu –“També molt enganxada a la realitat”– i va inaugurar l’Ibiza Cinefest amb el seu primer llargmetratge. Rodada entre Irun i Hendaya, en euskera i francès, Faisaien Irla posa el dit a la nafra oberta sota el riu que separa Espanya i França. En els últims anys, nou persones han mort intentant creuar una frontera que han travessat “unes 50.000 persones en els últims cinc anys”, precisa Urbieta.

“Com l’Illa dels Faisans, és el condomini més petit del món i canvia de sobirania cada sis mesos. Si un mort apareix en el moment de la cerimònia en què s’abaixa una bandera i se n’hissa una altra, quin dels dos estats es farà càrrec del cadàver? A partir d’aquí vam desenvolupar l’argument. És súper important que hi hagi festivals de cinema així en un moment en què les sales estan força buides. Si no, una pel·lícula com la nostra ho tindria impossible per arribar al públic”, afegeix.

És súper important que hi hagi festivals de cinema així en un moment on les sales estàn bastant buides. Si no, una pel·lícula com 'La isla de los faisanes' ho tindria impossible per arribar al públic

Aitor Urbieta — Director de 'La isla de los faisanes'

Imatges que devoren imatges

Si Faisaien Irla col·loca l’espectador davant del mirall –es llançaria vostè a l’aigua si veiés un migrant ofegant-se a pocs metres de casa seva?–, Joan Fontcuberta va situar els centenars de cervells que escoltaven les seves reflexions davant les intel·ligències artificials.

La conferència del pensador català –Premi Nacional de Fotografia el 1998, Premi Nacional d’Assaig el 2011– va ser la cirereta de l’Ibiza Cinefest. Fontcuberta recorre en tot just una hora l’arc que separa els bisons dibuixats sobre la roca del Chat GPT. Passant per la polèmica entre pintors i heliògrafs (els primers fotògrafs); el desenvolupament de la fotografia documental; el poder evocador de les imatges; la transició de la càmera analògica a la digital; o els moderníssims drons de guerra que, mentre maten, graven. I, també, l’etern dilema d’establir els límits entre el fet i la mirada, la representació i el que es representa.

“Fa cinquanta anys que em dedico a la fotografia i he vist molts avenços tècnics. Cada un ens ha donat possibilitats que abans ni imaginàvem”, va explicar Fontcuberta. “Per això m’agrada jugar amb la IA. Ara bé, el que és important sempre serà què fem amb les imatges que creem: quin sentit els donem i quina visibilitat els concedim? Des de sempre, els éssers humans hem devorat imatges, però ara estem en l’època de la iconofàgia perfecta: les imatges es devoren entre elles per generar noves imatges. Als canvis, com dic, cal adaptar-s’hi… però on quedarà l’espai per pensar?”

Xavi Herrero desembarcó en Eivissa en un momento crítico para los cinéfilos. Hace algo más de una década las salas de cine que existían en la isla habían cerrado, estaban cerrando o permanecían cerradas desde hacía años. El Serra –el último cine que quedaba en el centro de la capital ibicenca: era centenario– se convirtió en escombros para convertirse en un solar donde se levantaría luego un hotel de cinco estrellas. Las posibilidades de que un ibicenco viera una película independiente o, incluso, una película en versión original sin tener que tomar un barco o un avión para viajar a la península o a Mallorca eran remotas.

El proyecto que tenía en la cabeza este cineasta catalán –Terrassa, quinta del 67– se convirtió en una grieta por donde entró la luz. Diez ediciones más tarde, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa se ha convertido en uno de los certámenes más reconocidos de España. Califica para los Goya. El Ibiza Cinefest –así lo llaman– atrae a autores consolidados y debutantes e invita a pensar en nuestra relación con la imagen. Y, sobre todo, no tiene alfombra roja.

El proyecto que tenía en la cabeza el cineasta Xavi Herrero se convirtió en una grieta por donde entró la luz. Diez ediciones más tarde, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa se ha convertido en uno de los certámenes más reconocidos de España

“Igual que nunca tuve mentalidad de funcionario y por eso dejé de trabajar en TV3, el brilli brilli tampoco me interesa. No quería que hubiera actores y actrices con ropa elegante haciéndose fotos para vestir la imagen del festival. Lo que me interesaba es que los creadores pudieran venir a Eivissa a explicar sobre su trabajo, tanto el proceso creativo como todo lo que rodea a levantar una producción. Y, sí, es cierto que la isla se había quedado prácticamente sin cines, pero al llegar aluciné con la cantidad de espacios públicos donde se podía encajar nuestra programación. Prácticamente, cada pueblo tenía uno… con pantalla grande. Por ahí nos hemos colado”, explica Herrero.

No me interesa el 'brilli brilli'. No quería que hubiera actores y actrices con ropa elegante haciéndose fotos para vestir la imagen del festival. Lo que me interesaba es que los creadores pudieran venir a Eivissa a explicar sobre su trabajo, tanto el proceso creativo como todo lo que rodea a levantar una producción

Xavi Herrero — Director del Ibiza Cinefest

El director del festival está cenando con su equipo en un bar de Sant Josep de sa Talaia. En el grupo hay cinéfilos veteranos como Juan Marí Susierra o Juanjo Ribas –impulsores de otras muestras y ciclos que se organizan en la isla– y savia nueva. Toni Planells, por ejemplo, un realizador que se ha arremangado para encargarse de la producción del festival. “La idea es que si yo diera un paso al lado, el Ibiza Cinefest siguiera existiendo”, comenta Herrero. Con la satisfacción de quien remata un trabajo maratoniano. Minutos antes terminó –en un teatro rehabilitado por el ayuntamiento tras décadas en desuso– la proyección del primer capítulo de La ruta. Vol. 2: Ibiza. 

La idea es que si yo diera un paso al lado, el Ibiza Cinefest siguiera existiendo

Xavi Herrero — Director del Ibiza Cinefest

Esta producción de Atresmedia retrata –en paralelo– la escena de las discotecas ibicencas a mediados de los noventa y la especulación urbanística de principios de los setenta. El público –dependiendo de su edad– ha hecho memoria o se ha empapado de los colores, las sustancias, los sonidos que vibraron en la isla en dos períodos clave. Justo cuando las fiestas británicas se adueñaron de la noche, justo cuando los constructores valencianos y los promotores extranjeros cimentaron kilómetros de playa virgen. Conectados, ambos momentos permiten entender la Eivissa actual. Hay aplausos y preguntas para Borja Soler y Blanca Javaloy, el director-guionista y la encargada de seleccionar el casting de La ruta. El realismo ha alcanzado tal punto que la audiencia perdona un asunto importante. Las localizaciones son mallorquinas. Por un “tema logístico”, dicen los responsables de la serie, “fue inviable rodar en Eivissa”.

Criptomonedas, chabolas, migrantes

Durante una semana larga –del 20 de febrero al 1 de marzo–, el Ibiza Cinefest ha ofrecido largos, cortos, animación infantil, un hueco específico para cineastas baleares y hasta algún ensayo fílmico como Madrid Ext., de Juan Cavestany. La nueva película del autor de la obra teatral Urtain o la serie Vergüenza retrata las mutaciones que ha provocado el paso del tiempo –y los flujos financieros– en la capital española. Avenidas, calles y plazas como campo de batalla económico.

–Xavi, ¿la programación se selecciona buscando ficciones o documentales que estén relacionados o tengan afinidad con lo que ocurre en Eivissa?

–Bueno… [el director del Ibiza Cinefest piensa unos segundos]. No necesariamente. Lo que ocurre es que nos interesa mucho la temática social y esta isla, aunque parezca pequeña, está cargada de historias muy potentes. Así que es normal que haya temáticas que nos resulten familiares, que resuenen al recordarnos historias que están sucediendo aquí también.

Nos interesa mucho la temática social y esta isla, aunque parezca pequeña, está cargada de historias muy potentes. Así que es normal que haya temáticas que nos resulten familiares, que resuenen al recordarnos historias que están sucediendo aquí también

Xavi Herrero — Director del Ibiza Cinefest

Las palabras de Herrero cobran sentido tras ver algunas de las propuestas del festival. Es evidente la relación que guardan con Eivissa las tramas de +10K o Ciudad sin sueño. La primera es un corto documental de Gala Hernández que refleja las ambiciones de un criptobro de veintiún años que sueña con ganar 10.000 dólares al mes para vivir como un pachá. Su ambición, conducir un Laborghini bajo las palmeras de Miami. La segunda sigue las aventuras y desventuras de un niño gitano y de su amigo musulmán por los campos y riachuelos que rodean la Cañada Real. Tom Sawyer y Huckleberry Finn con smartphones. Al ver las mansiones de la Florida y las chabolas del extrarradio madrileño es imposible no pensar en el lujo y la miseria de Eivissa.

“Fue llegar a Ibiza y enterarme de que aquí, y en Formentera, también está presente el drama de la migración. Se habla mucho del caso canario, donde está la ruta más consolidada, pero hay otras realidades que no trascienden tanto fuera del lugar. Yo, de hecho, me enteré de lo que estaba sucediendo en el Bidasoa leyendo la prensa local: a veinte kilómetros de mi casa había un drama migratorio”, dice Asier Urbieta. 

Su reflexión no es caprichosa. Este cineasta guipuzcoano –de Errenteria, quinta del 79–, ha dirigido series como Altsasu –“También muy pegada a la realidad”– y abrió el Ibiza Cinefest con su primer largometraje. Rodada entre Irún y Hendaya, en euskera y francés, Faisaien Irla pone el dedo en la llaga abierta bajo el río que separa España y Francia. En los últimos años, nueve personas han muerto tratando de cruzar una frontera que han atravesado “unos 50.000 personas en los últimos cinco años”, precisa Urbieta.

“Como la Isla de los Faisanes, es el condominio más pequeño del mundo y cambia de soberanía cada seis meses. Si un muerto aparece en el momento de la ceremonia en la que se arría una bandera y se iza otra, ¿cuál de los dos estados va a hacerse cargo del cadáver? A partir de ahí desarrollamos el argumento. Es súper importante que haya festivales de cine así en un momento donde las salas están bastante vacías. Si no, una película como la nuestra lo tendría imposible para llegar al público”, añade.

Es súper importante que haya festivales de cine así en un momento donde las salas están bastante vacías. Si no, una película como 'La isla de los faisanes' lo tendría imposible para llegar al público

Aitor Urbieta — Director de 'La isla de los faisanes'

Imágenes que devoran imágenes

Si Faisalen Irla coloca al espectador frente al espejo –¿se lanzaría usted al agua si viera a un migrante ahogándose a pocos metros de su casa?–, Joan Fontcuberta situó a los cientos de cerebros que escucharon sus reflexiones ante las inteligencias artificiales. La conferencia del pensador catalán –Premio Nacional de fotografía en 1998, Premio Nacional de ensayo en 2011– fue la guinda del Ibiza Cinefest. Fontcuberta recorre en apenas una hora el arco que separa los bisontes dibujados sobre la roca del Chat GPT. Pasando por la polémica entre pintores y heliógrafos (los primeros fotógrafos); el desarrollo de la fotografía documental; el poder evocador de las imágenes; la transición de la cámara analógica a la digital; o los modernísimos drones de guerra que, mientras matan, graban. Y, también, el eterno dilema de establecer los límites entre el hecho y la mirada, la representación y lo representado. 

“Yo hace cincuenta años que me dedico a la fotografía y he visto muchos avances técnicos. Cada uno, nos ha dado posibilidades que antes ni imaginábamos”, explicó Fontcuberta. “Por eso, me gusta juguetear con la IA. Ahora bien, lo importante siempre será qué hacemos con las imágenes que creamos: ¿cuál es el sentido que le damos y qué visibilidad les concedemos? Desde siempre, los seres humanos hemos devorado imágenes, pero ahora estamos en la época de la iconofagia perfecta: las imágenes se devoran entre ellas para alumbrar nuevas imágnes. A los cambios, como digo, hay que adaptarse… ¿pero dónde quedará el espacio para pensar?”.

Aunque es más conocido en el ámbito del cine, como director, productor y responsable del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, Manuel H. Martín ya empieza a hacerse un hueco en las letras andaluzas. Tras su debut, Rojo sangre, vuelve a la novela con Podemos ser héroes, una historia ambientada en Sevilla.

Onubense de 1980, Martín cree que escribir para el cine es muy distinto que cultivar la narrativa convencional. “Hay herramientas que pueden ser similares, sin embargo la escritura es una forma de creación tan solitaria como libre”, comenta. “Otra cosa tremendamente diferente es que la novela tiene menos limitaciones presupuestarias, piensas en escribir con todo lo que sea necesario para los personajes y el relato sin pasarte a pensar en número de figurantes, en minutos de animación o en cualquier otro detalle que depende de un enorme equipo de personas. El cine es una creación más colectiva, donde el resultado final depende de muchas personas, mientras que la novela, aunque tenga edición y corrección de terceros, es el resultado del trabajo del escritor”.

Respecto a su primera obra, Rojo sangre, comenta que “quizás podrían pertenecer al mismo universo narrativo. Rojo sangre transcurre en Río Tinto, un pueblo casi imaginario con un matiz rural y fantástico que deseo explorar en futuras obras, mientras que Podemos ser héroes se desarrolla en Sevilla. Sin embargo, a pesar de estas diferencias de contexto -urbano frente a rural-, ambas historias se unen por un hilo conductor: el aprecio por la cultura pop y pulp. A mí me gusta leer de todo y puedo pasar de Stephen King a Miguel Delibes”.

Penitencia y máscaras

En el caso concreto de Podemos ser héroes, el autor cita como referentes “desde el retrato oscuro de la naturaleza humana de las novelas de Jim Thompson o Patricia Highsmith, en la soledad y la alienación descrita en la película Taxi Driver, en las enigmáticas ilustraciones de Gustave Doré, en los vigilantes torturados de Frank Miller, en mezclar géneros y estilos, incluso musicales, desde las marchas de Semana Santa, las composiciones de Max Richter, Thelonious Monk o la música David Bowie”.

La historia está protagonizada por Iván, un chaval de 16 años obsesionado con los superhéroes, y Juan, un taxista que vive para trabajar y lleva años reprimiendo su lado más oscuro. “Los destinos de ambos van a colisionar. Iván, que se ha hecho su propio disfraz para guardar su identidad, ataca a Juan, su padre. Sin embargo, el enfrentamiento no acaba como él pensaba. Tras esa noche, se abren nuevos caminos y personajes en sus vidas, obligando a Juan e Iván a enfrentarse a sus propios villanos y demonios, a sus impulsos y obsesiones”, adelanta Martín. “Es un drama de venganza, con toques de thriller psicológico y fantasmagoría. Es la historia de un padre y un hijo unidos por la violencia y el inmenso dolor que genera”.

Para el escritor, superhéroes y Semana Santa “son mundos con mitología y universo propios que movilizan a una gran cantidad de seguidores. Al margen de creencias, hay quienes viven con fervor la experiencia de la Semana Santa y quienes disfrutan de eventos como la Comic-Con. Personalmente, respeto ambos ámbitos que, en el caso de la novela, representan refugios a los que se aferran los protagonistas y sus obsesiones”, dice. “Aunque hay cómics que han trascendido y ya son consideradas como grandes obras culturales, más allá de los clásicos como Watchmen o El regreso del caballero oscuro, aún es común, al igual que sucede con la Semana Santa, encontrarte con críticos hacia todo lo que sean superhéroes desde una perspectiva simplista. En mi novela, me resultó esencial fusionar las temáticas del martirio y la penitencia con la violencia propia de los vigilantes enmascarados. Será el lector quien juzgue el acierto o no de esta mezcla”.

Manuel H. Martín recuerda de paso que su experiencia en la Semana Santa se limita haber salido de pequeño como penitente de la Esperanza en Huelva. “Después, en la adolescencia, adopté una pose más iconoclasta. Afortunadamente, con los años, he llegado a valorar la Semana Santa como una experiencia artística muy particular, sobre todo en Andalucía. Además, me gustaría mencionar la influencia de una película y un personaje concretos en la novela. Siempre recordaré la devoción del personaje interpretado por Antonio de la Torre en Grupo 7. Una muestra de que se pueden mezclar Sevilla, el género negro y la fe”.

Novelas visuales

En cuanto a Sevilla, cree que “la ciudad ha sido explorada desde ópticas diversas por numerosos creadores, como los cineastas Alberto Rodríguez y Rafael Cobos. A esta visión de una Sevilla alejada del tópico, se suma mi propia experiencia personal con la ciudad. Aunque me crié en un barrio obrero de Huelva, he pasado más de la mitad de mi vida en Sevilla, donde llegué a los dieciocho años para estudiar audiovisuales. Desde entonces, he residido en varias áreas, incluyendo Triana, Nervión, la Macarena, el centro e incluso la zona del Aljarafe. He vivido la ciudad, que ahora, quizás debido a mi edad o al impacto del turismo, percibo muy distinta a la que conocí”.

Pero, ¿es posible eludir la Sevilla de postal? Para el autor, sí: “La creatividad, ya sea en el cine, el teatro o la literatura, no tiene límites, y creo que aún quedan muchas historias por contar desde una perspectiva diferente, lejos de clichés, el humor fácil o el esperpento. La problemática de la postal va más allá de lo creativo. Como sociedad necesitamos buscar soluciones al impacto del turismo masivo, al acceso a la vivienda y el alejamiento de residentes y negocios de toda la vida del centro de la ciudad. Empecé a escribir la novela en 2021, mucho antes del auge turístico de los últimos años. Si la escribiera ahora, este tema cobraría mucha más relevancia”.

Por último, cuando se le pregunta si ve esta novela adaptada a la pantalla, reconoce que sus dos novelas “son muy visuales y, en cierto modo, se originaron en proyectos que inicialmente concebí para escribir y dirigir. Pero medida que he ido escribiendo, mi enfoque es más literario que cinematográfico. Claro que me encantaría verlas adaptadas al cine, pero considero más enriquecedor que la adaptación, aunque pueda ser producida por mi productora y pueda contar con mi implicación en la escritura, corra a cargo de otros creadores. Al fin y al cabo, con Rojo sangre y Podemos ser héroes las historias que deseaba contar ya están contadas en formato papel”.

Un año más el Museo Helga de Alvear ha sido el escenario donde se ha presentado una nueva edición del Festival de Cine Español de Cáceres. Se trata de la 33 edición en la que han compartido mesa el presidente de la Diputación Provincial de Cáceres, Miguel Ángel Morales, y el director de la revista de cine y cultura Versión Original y presidente de la Fundación Rebross, Paco Rebollo. Presencias a las que se han unido, a través de la pantalla, el subdirector del Área de Cine de RTVE, Gervasio Iglesias –entidad que ha colaborado con el Festival proporcionando las películas- y el embajador de Palestina en España, Husni Abdel Wahed. Y es que, esta edición, el jurado del Certamen de Carteles para jóvenes, donde se decide la imagen del festival, ha sido realizada por jóvenes diseñadores valencianos que han querido plasmar que la situación del Estado de Palestina necesita seguir recordándose; un compromiso que también adquieren la Fundación organizadora y la Diputación Provincial de Cáceres.

“La Diputación de Cáceres está comprometida plenamente con la cultura en general y con el Festival de Cine de Cáceres en particular que es un referente no solo en la provincia y en la región sino en España. Es una bandera fundamental para lograr grandes hitos que algunas administraciones estamos convencidos poder conseguir. El año 2031 va a ser una fecha muy importante, pero de aquí al 31 hay que hacer muchas cosas para poder llegar con éxito. Tenemos que entender que, eventos como el Festival de cine, es determinante y fundamental para proyectar la ciudad, y todas las administraciones tenemos que seguir invirtiendo en la cultura y apostar por proyectos tan importantes como el Festival de Cine, más cuando viene acompañado con la palabra Solidario”, ha señalado Miguel Ángel Morales.

En este sentido, Morales ha puesto a la Fundación Rebross como ejemplo de cómo “la cultura se convierte y se transforma en motor y acicate de solidaridad en un mundo tan injusto. Siempre me acuerdo, en cualquier acto, de Palestina y fue un orgullo cuando V.O dedicó su última revista a Palestina”, una revista en la que también estuvo presente la Diputación de Cáceres.

Finalmente, el presidente ha expresado su deseo para que los eventos, los nuevos y los que ya están consolidados, y centros de la relevancia del Museo Helga de Alvear, tengan el respaldo de todas las instituciones “porque invertir en cultura no es ningún despilfarro … y las administraciones tenemos que ser conscientes de que no solo se puede seguir adelante con buenas intenciones y con buenas palabras, es importante seguir invirtiendo y apostando por la cultura”

Por su parte Paco Rebollo, que ha hecho un recorrido por la programación de la 33 edición, ha subrayado “el papel de la cultura para poner el foco donde hay desigualdades” y ha explicado que el dinero recaudado en el festival será donado para el envío de medicinas a Gaza.

Programación

La mejor producción nacional cinematográfica se exhibe entre el 1 y el 14 de marzo en el 33º Festival de Cine Español de Cáceres, que organiza la Fundación Rebross. Junto a una selección de diez de las películas españolas más relevantes del pasado año, estrenos exclusivos de cortometrajes y proyecciones para niños y jóvenes, el festival galardonará con los Premios Versión Original a figuras de la interpretación, dirección y producción como Carmen Machi, Oliver Laxe, Daniel Guzmán y Ana Torrent, que recogerán sus galardones en la gala de clausura que tendrá lugar en el Gran Teatro el 14 de marzo.

El festival se ha asegurado su continuidad con la entrada de la Diputación de Cáceres como Patrocinador Oficial, cuya aportación económica asciende a 35.000 euros. Además, la Jornada de Turismo Gastronómico entregará a partir de esta edición el Premio Versión Original “Gastronomía” a personas, empresas o instituciones cuya labor ha sido relevante en la promoción de la gastrónomía en la provincia de Cáceres.

Los Premios Versión Original, que destacan cada año los trabajos más sobresalientes de la producción española y reconocen trayectorias de alcance, entregarán a la actriz Carmen Machi el Premio de Honor de la 33ª edición. “Machi es una de nuestras grandes intérpretes, que ha demostrado una versatilidad fuera de lo común en papeles cómicos y dramáticos, tanto en el cine, la televisión y el teatro. Baste enumerar algunas de las obras en las que ha intervenido para atestiguar sobre la brillantez y el alcance de su voz y su gesto: la televisiva Aida, la teatral La tortuga de Darwin, la cinematográfica La mujer sin cabeza, Los abrazos rotos y la exitosa Ocho apellidos vascos” ha apuntado Rebollo.

Otros nombres de primera fila del cine español figuran en el palmarés del festival cacereño, como Oliver Laxe, cuya Sirat, uno de los grandes títulos mundiales reconocidos por la crítica internacional en 2025, ha sido reconocida como Mejor Película; Daniel Guzmán, que recogerá el Premio Mejor Actor de Cine, como protagonista de su propia película, La deuda, una dramática exploración en el acuciante problema de la vivienda, y Nora Navas, que se ha hecho acreedora del denominado, desde la pasada edición, Premio “Marisa Paredes” a la Mejor Actriz Cine por Mi amiga Eva, un filme sobre las segundas oportunidades.

En el apartado de series, el festival destaca los trabajos actorales de Manolo Solo interpretando al general Gutiérrez Mellado en Anatomía de un instante, basada en el libro homónimo del escritor extremeño Javier Cercas en torno al golpe de Estado del 23F, y de Ana Torrent en Furia, un crudo relato sobre la violación femenina y sus dramáticas consecuencias.

El palmarés lo completan Eva Libertad, Premio Mejor Dirección por Sorda, una indagación sobre las consecuencias de la sordera en una mujer; Blanca Soroa, Premio Revelación por su debut como actriz en Los domingos; el compositor español ganador de dos Goyas Lucas Vidal, Premio Mejor Música por 8, y la productora y presidenta de la Academia de Cine de Extremadura Pilar Díaz Pardo, Premio Reyes Abades.

Savia cacereña

Dentro de su programación cinematográfica, la 33 edición del Festival estrenará el 1 de marzo en exclusiva en Multicines Cáceres dos cortometrajes. Dos actores de Cáceres, Marian Redondo y Alberto Lucero producen y dirigen Los pequeños momentos. Además, el propio Lucero, autor del guión, protagoniza esta historia junto a la actriz Paula Motoso.

También estreno en Cáceres es el del cortometraje Kipuka, que firman el actor, guionista y director Javi Armas y la realizadora y documentalista Paula C. Ventura, un tándem creativo vinculado al cine canario contemporáneo y que cuenta como productora de la obra a la periodista cacereña Elena Olmos. Kipuka cuenta la historia de una mujer que se enfrenta al pasado cuando su hijo regresa al hogar familiar, ubicado en una zona volcánica.

Para los menores, el Festival enfoca su sección Ver Cine Español Ayuda a unos 5.000 alumnos de centros educativos de la provincia de Cáceres y cuyo propósito es aunar cine y educación. El musical Voy a pasármelo mejor se exhibirá en la Sección Juvenil (Multicines Cáceres, 2 y 3 de marzo). Es el debut como directora de la madrileña Ana de Alva, y secuela de Voy a pasármelo bien, que dirigió David Serrano. El filme reúne famosas canciones del año 1991 de Antonio Vega, Duncan Dhu, Miguel Bosé, Seguridad Social o Chimo Bayo, interpretadas por un grupo de jóvenes durante un verano de viaje a México.

Adría García, uno de los talentos de la animación española, lleva a la pantalla de Multicines Cáceres, del 4 al 6 de marzo, El tesoro de Barracuda, en la Sección Infantil. Basada en una novela de Llanos Campos, el director cuenta una historia de piratas llena de humor y emoción.

Sección oficial

La Sección Oficial del Festival proyectará en los Multicines Cáceres diez de las peliculas españolas más relevantes del pasado año, que reflejan el momento de euforia que se vive en el cine nacional. Como seña del festival, la selección de los filmes se ha hecho aplicando la paridad, de manera que la mitad de los títulos los dirigen mujeres. La primera semana de proyecciones estará justamente ocupada por ellas. Abrirá la directora catalana Judith Colell (Elisa K) con Frontera, un thriller que nos retrotrae a la posguerra española, cuando un grupo de personas ayuda a los judíos a huir de la Francia ocupada por los nazis guiándoles por los límites entre el país galo y España. Bruna Cusí, Miki Esparbé y Asier Etxeandia protagonizan una película que recupera la memoria histórica del país.

Ana Asensio firma la sensible La niña de la cabra, una mirada a la década de los años 80 a través de una menor y su amistad con otra chica que tiene una cabra. La debutante Sara Fantova es la directora de Jone, a veces, donde captura momentos decisivos de su personaje femenino (una relación amorosa, su vínculo con su padre enfermo) durante la celebración de la Semana Grande de Bilbao.

Belén Funes dirige ese crudo retrato de una familia andaluza, bajo el peso de la inmigración a la ciudad que es Los tortuga, una inmersión en el cine rural que reivindica lo local, la España real que no se muestra habitualmente en imágenes.

Y para cerrar la primera semana de proyecciones, otro debut al frente de la dirección, el de la manchega Gala Gracia, que en Lo que queda de ti narra el viaje de retorno a su pueblo desde Nueva York de una joven pianista joven. Incluida en la selección oficial del Festival de Málaga, la película, como otras del reciente cine español, aborda el contraste de mentalidades entre el mundo urbano y el rural.

Una historia emotiva

La ópera prima de Gerard Oms, Muy lejos, abrirá las proyecciones de la segunda semana del Festival. Protagonizada por Mario Casas, el filme se inspira en la propia experiencia de Oms como inmigrante en Países Bajos a causa de la crisis económica de 2008. Su personaje es un hombre que se reconstruye mientras desempeña trabajos de subistencia en el país neerlandés.

El alabado documental Ciudad sin sueño, que Guillermo Galoe filmó en uno de los enclaves humanos más degradados de España, el poblado de Cañada Real, a pocos kilómetros de Madrid, sigue la peripecia de un chico gitano de 15 años cuya familia lleva varias generaciones asentada en este lugar.

El actor y director Daniel Guzmán pone su mirada en uno de los problemas más acuciantes de la sociedad española, el de la vivienda, en La deuda. En su tercer largometraje, protagonizado por el propio Guzmán, el cineasta aborda la gentrificación de las ciudades, el cuidado de los ancianos y la crisis.

La necesidad de una mujer de volver a sentir el amor después de décadas de matrimonio es el motor de Mi amiga Eva, la más reciente película de Cesc Gay, ese retratista de los sentimientos, sobre nuevas oportunidades y una vida que no está cerrada.

Cierra la nómina de filmes del año en el Festival la emotiva historia de Maspalomas, que han filmado la pareja de cineastas José Mari Goenaga y Aitor Arregi, autores de títulos tan celebrados como La trinchera infinita y Marco. El relato de un gay de 76 años que al sufrir un accidente se ve obligado a regresar a San Sebastián y entra en una residencia donde tiene que ocultar su sexualidad, ahonda en el conocimiento de uno mismo y cómo afrontar la soledad.

El público que asista a estas proyecciones tiene, además de la principal recompensa de disfrutar con el mejor cine español del momento, el beneficio de participar en un sorteo para comer en los restaurantes Atrio o Miga, o disfrutar de un viaje de fin de semana a Salamanca.

La Berlinale ha sido, históricamente, un festival tremendamente político. Uno donde siempre se ha hablado de los temas que ocurrían en el mundo y donde llegaban las propuestas más radicales en ese sentido. El certamen fue uno de los primeros en entregar un premio al mejor filme LGTB y fue pionero en eliminar las categorías de género en los galardones de interpretación. Sin embargo, desde hace años, hay un tema que se les atraviesa, y es el genocidio en Gaza. Las dos pasadas ediciones fueron realmente conflictivas en ese sentido. El certamen no quiso condenar la masacre cometida por Israel, y evitó cualquier comentario en ese sentido.

Hace dos ediciones, el documental No other land, que terminaría ganando el Oscar, vencía en Berlín y sus directores daban un discurso contra la limpieza étnica cometida por Israel en los asentamientos palestinos. El alcalde de la ciudad calificó aquella ceremonia de “antisemita” y sus realizadores denunciaron ataques de la derecha. El año pasado muchos directores escribieron una carta condenando la pasividad del certamen, y la policía llegó a investigar al director Jun Li, por decir “Desde el río hasta el mar, Palestina será libre”.

A pesar de que la situación no se encuentra en su momento más álgido, en la 76 edición tampoco parece que se vaya a condenar el genocidio. Durante la rueda de prensa del jurado, el cineasta alemán Wim Wenders evitó posicionarse cuando un periodista cuestionó por qué el certamen sí había mostrado su solidaridad con Irán o Ucrania, pero no con Palestina, y preguntó a los miembros del jurado si apoyaban “este trato selectivo de los derechos humanos”.

Sorprendió que un director normalmente tan abierto en cuestiones políticas como Wenders decidiera defender justo lo contrario, que el cine se mantenga “al margen de la política, en calidad de contrapeso”, y subrayó que las películas pueden cambiar el mundo, pero no en el sentido político. “No podemos entrar realmente en el ámbito de la política. Tenemos que mantenernos al margen de la política porque, si hiciéramos películas dedicadas a la política, entraríamos en ese ámbito de la política. Pero nosotros somos el contrapeso de la política. Somos lo contrario de la política. Tenemos que hacer el trabajo de la gente y no el trabajo de los políticos”, afirmó.

En este sentido, se mostró convencido de que “las películas pueden cambiar el mundo, pero no en el sentido político” y aseguró que “ninguna película ha cambiado realmente la opinión de ningún político”. También opinó que el cine puede cambiar la idea que tiene la gente de cómo debería vivir. “Hay una gran discrepancia en este planeta entre las personas que quieren vivir sus vidas y los gobiernos que tienen otras ideas. Creo que las películas entran en esas discrepancias, eso espero”, dijo.

Recibió el apoyo de su compañera de jurado, la productora Ewa Puszczynska, que consideró que hacerles “esa pregunta es un poco injusto”. “Por supuesto intentamos hablar con la gente, con cada uno de los espectadores y hacerles pensar. Pero no podemos responsabilizarnos de cuál será su decisión, si será la decisión de apoyar a Israel o la decisión de apoyar a Palestina”, contestó y agregó que “hay muchas otras guerras en las que se comete genocidio y no hablamos de eso”.

El Festival Internacional de Cine de Comedia de Cuenca (FICCUE) celebrará su cuarta edición los días 11 y 16 de mayo.

Entre las principales novedades anunciadas figura la creación del Premio DAMA al Mejor Guion FICCUE 2026, patrocinado por la homónima entidad española de gestión de derechos de autor de creadores audiovisuales, reforzando el reconocimiento a la autoría y al trabajo de guonistas.

La delegada de la Junta de Castilla-La Mancha en Cuenca, Marian López, ha asistido este jueves en Madrid a la presentación oficial de la cuarta edición del festival, celebrada en la Oficina de Turismo de Castilla-La Mancha. El acto ha sido presentado por el director de FICCUE, Javier Muga, junto a la actriz Belinda Washington, que vuelve a ejercer como madrina del festival y será de nuevo la presentadora de la gala.

Por otro lado, la edición 2026 “refuerza también su apuesta por la inclusión, que será protagonista en la dimensión social del festival”, explican desde el Gobierno regional. FICCUE contará con la participación de personas de AMIAB, entidad en favor de las personas con discapacidad, que además concederá el Premio a la Inclusión.

Ana Morgade u Óscar Reyes, algunos de los que integrarán el jurado

Durante el acto se ha presentado el cartel y la composición del jurado, tanto de la sección oficial como de la nueva sección paralela. Así, el jurado de la sección oficial estará integrado por Ana Morgade, cómica y actriz; Óscar Reyes, actor y director; Helher Escribano, directora de cine y directa de IBICINE; Yolanda García Serrano, guionista, directora y escritora; y Ana Ortiz Wienken, compositora de bandas sonoras y directora.

Por su parte, el jurado de la sección paralela estará formado por Irene Rojo, actriz; Andrea Casaseca, directora de cine; Daniel Chamorro, actor; y Diego Ferro, actor y productor.

Otras actividades paralelas ligadas a FICCUE 2026

Además de las proyecciones y de la gala de clausura, prevista para el 16 de mayo, FICCUE 2026 desarrollará durante toda la semana una programación paralela con “actividades de networking, charlas, coloquios, encuentros profesionales, visitas guiadas y estrenos en primicia, con el objetivo de facilitar contactos dentro de la industria y reforzar la presencia de profesionales en la ciudad”. El festival impulsará también que cineastas y productoras conozcan Cuenca como posible escenario de rodajes y futuras localizaciones.

Asimismo, se ha avanzado la celebración en abril de un acto en la sede de DAMA, con la presentación de la mención de honor y la lectura de nominados.

Durante su intervención, Marian López ha subrayado que “FICCUE es un ejemplo de cómo un proyecto cultural nacido en Cuenca ha sabido crecer edición tras edición hasta ganar presencia y proyección nacional, atrayendo a profesionales de primer nivel y generando oportunidades para la ciudad”.

La delegada provincial ha añadido que “el Gobierno regional seguirá apoyando este festival, por su aportación cultural y también por su dimensión social”, y ha mostrado el respaldo del Ejecutivo autonómico a FICCUE en su objetivo de convertirse en certamen calificador de los Premios Goya.

Por su parte, el director del festival, Javier Muga, ha anunciado que este mismo viernes se han puesto a la venta las acreditaciones y se ha abierto el plazo de inscripción de los proyectos audiovisuales participantes a través de la web Festhome, habiéndose recibido ya más de un centenar de propuestas.

Cintas protagonizadas por estrellas como Amy Adams ('At the Sea') o Juliette Binoche ('Queen At Sea'), una cinta de delicada animación japonesa ('A New Dawn') o un biopic sobre el músico Bill Evans, formarán parte de la competición oficial de la Berlinale. La directora del festival, Tricia Tuttle, presentó este martes las 22 películas que competirán por el Oso de Oro, entre las que está el último trabajo del húngaro Kórnel Mundruczo, el filme protagonizado por Adams.

Es la historia de una mujer que regresa a su casa tras pasar por rehabillitación y tiene que enfrentarse a los daños que provocó anteriormente. La actriz está “absolutamente fascinante” en este papel, según destacó Tuttle de la nueva película de Mundruczo, conocido por 'Pieces of a Woman' ('Fragmentos de una mujer', 2020).

Otro título destacado de esta edición es 'Queen at Sea', protagonizado por Juliette Binoche y Tom Courtenay, de Lance Hammer ('Ballast', 2008), una “tierna historia” sobre la demencia y los dilemas éticos del envejecimiento. Mientras que 'Rose', del australiano Markus Schleinzer, es un drama transgénero ambientado en el siglo XVII, en blanco y negro, protagonizado por la alemana Sandra Hüller, que estuvo nominada al óscar por 'Anatomía de una caída' (2023).

En la competición habrá un título de animación, la cinta japonesa 'A New Dawn', de Yoshitoshi Shinomiya, el primer trabajo en solitario de este realizador que participó en títulos como 'Your Name' (2016) o 'La pelíicula Pokémon: Los secretos de la selva' (2020). Un filme que “captura maravillosamente los colores de la campiña japonesa” en una historia sobre un grupo de jóvenes que se enfrentan a los problemas del cambio climático.

También destaca la presencia de la cineasta Angela Schanelec, directora radical que ya sabe lo que es ganar premio y que presentó aquí su anterior película, Music. Fue en Berlín donde sorprendió Ilker Çatak con Sala de profesores, e intentará hacer lo mismo con Yellow letters, su nuevo filme.

La figura del legendario pianista de jazz Bill Evans centra la película 'Everybody Digs Bill Evans', de Grant Gee, en la que el músico está interpretado por Anders Danielsen y que cuenta en su reparto con Laurie Metcalf y Bill Pullman. Y en 'Nightborn', de la directora finlandesa Hanna Bergholm, se podrá ver a Rupert Grint, el recordado Ron Weasley de la saga 'Harry Potter', como un hombre que se muda con su pareja a la casa de su infancia en un bosque finlandés.

Una competición compuesta por 22 títulos, en la que hay tres películas latinoamericanas -'Moscas', del mexicano Fernando Eimbcke; 'Rosebush Pruning', del brasileño Karim Aïnouz, con un reparto lleno de estrellas y donde también se encuentra Elena Anaya y 'Josephine', de la brasileño-estadounidense Beth de Araújo.

El cine español se conformará esta vez con estar en las secciones paralelas. La serie Ravalear, de Pol Rodríguez, codirigida con Isaki Lacuesta, se verá fuera de concurso. Y en la sección paralela Panorama competirá el debut de Iván & Hadoum, que tras sorprender en el mundo del corto debuta con presencia en un festival internacional.

La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) tendrá una dirección compartida y transitoria para la próxima edición (del 23 al 31 de octubre), con los dos principales colaboradores de José Luis Cienfuegos, el anterior director, fallecido el pasado 2 de diciembre.

La nueva dirección colegiada estará formada por Javier H. Estrada, hasta la fecha responsable de Programación, y Mariona Viader, coordinadora general del festival, quienes llegaron a Valladolid con Cienfuegos cuando éste fue designado máximo responsable en 2023 y firmó las tres últimas ediciones hasta su repentino fallecimiento.

Dirección transitoria

Esta decisión, adoptada este martes por el Consejo Rector de la Fundación Municipal de Cultural (FMC), sólo se aplicará para la presente edición mientras se convoca y resuelve el preceptivo concurso para la designación del nuevo director o directora que tomará las riendas del festival desde finales o comienzos de 2027.

“Va a ser una edición de continuidad con un equipo de experiencia y compromiso: el festival seguirá con solidez, ambición y excelencia, con estabilidad y confianza. Como decía José Luis (Cienfuegos) los festivales no son solo las películas, sino lugares de encuentro, conversación, de disfrute y comunidad”, ha afirmado Mariona Viader.

Junto a Estrada, que seguirá al frente de la programación, ambos afrontan este reto “con rigor y profesionalidad, conscientes de la responsabilidad: Queremos seguir con el trabajo, la visión y el entusiasmo de José Luis Cienfuegos”, ha añadido Viader durante una rueda de prensa al término de la reunión del Consejo Rector.

En la senda marcada por él durante las tres ediciones que gestó (2023/2024/2025) en Seminci, después de su paso por el Festival de Cine Europeo de Sevilla (2012-2022), Estrada ha garantizado el mantenimiento de sus principales claves: un certamen “de autor, de corte humanista, con una mirada cálida y sensible”.

“El objetivo es crear una Seminci ambiciosa, abierta en lo geográfico y perspectivas cinematográficas, pero también un festival cálido y cercano, sólido e imprevisible, dar lugar a la sorpresa del público, que se sienta transformado”, ha añadido durante su intervención.

Concurso público

El Ayuntamiento de Valladolid, titular del festival, convocará en breve el preceptivo concurso público para cubrir la vacante, un procedimiento administrativo “que puede durar meses”, de ahí la necesidad de adoptar una solución anunciada poco más de un mes de la muerte del anterior director y cuando restan nueve para la próxima edición.

La resolución del concurso, en caso de producirse como es previsible, nunca será anunciada antes de la 71ª Seminci, ha precisado la concejala de Cultura, Blanca Jiménez: “Queremos empezar 2027 con el procedimiento resuelto y el nuevo equipo anunciado, nunca antes”, ha apostillado.

El sello de Cienfuegos

En la decisión de esta dirección transitoria e interina, la concejala ha informado de que han sido consultados anteriores directores del certamen como Fernando Lara y Javier Angulo, así como el presidente de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España, Fernando Méndez-Leite.

“Han sido casi dos meses muy complicados pero esta decisión está basada en el equipo que dejó Cienfuegos y, después del duelo, nos encontramos mejor porque es una forma de sentir su legado, que las cosas que imaginó van a seguir siendo reales con ellos: es muy complejo pero a la vez representa una oportunidad”, ha analizado.

Ante una situación “inédita y dolorosa”, según sus palabras, “hemos dado una respuesta responsable porque los dos (Estrada y Viader) llevan el sello de José Luis y el trabajo inconfundible de estos tres años”, el de una persona “indomable pero generosa, de fuerte personalidad pero con una gran energía y sensibilidad”.

Ha vibrado con Indiana Jones, con el replicante de Blade Runner corriendo por las azoteas. Se ha emocionado con John Wayne mirando al azul infinito mientras lava su caballo, con Matthew McConaughey en Interstellar. Las referencias cinematográficas y literarias surgen a cada paso en la conversación con Christian Franco (Langreo, 1979), director desde hace dos años de la Filmoteca de Cantabria Mario Camus, cuando habla del libro 'Historia del cine en España' que ha escrito junto a Juan Carlos de la Madrid. El primer volumen de lo que aspira a ser una trilogía de la historia social del cine narrada desde el punto de vista de los espectadores, no de las películas. No es la primera incursión editorial de este asturiano doctor en Historia del Arte que ha firmado títulos como 'La liga de los teclistas barbudos' y 'El presunto emperador de Manchuria'. Rendido admirador del cine del falangista Neville y enemigo declarado de la elitista Ley Miró “orientada a rascar premios en festivales” porque “también hay un cine popular que funciona en taquilla y que lleva gente a las salas”, considera que el cine español ha logrado reconectar con el público de una manera muy fuerte. Como su precedesor, ha renunciado a que la Filmoteca exhiba películas comerciales actuales para competir con salas privadas. El papel que tiene que jugar una Filmoteca es otro -subraya- “no es estrenar Superlópez y poner nueve pases para reventar la taquilla”. En paralelo reconoce que no se puede construir una industria únicamente alrededor de las películas que van a Berlín o que van a los Goya o a los Oscar.

Su faceta de historiador y cinéfilo confluyen en su obra literaria. Presenta estos días un estudio sobre la historia del cine en España hasta 1931. No sobre la historia del cine español, precisa. ¿Por qué? ¿Que enfoque tiene?

Juan Carlos de la Madrid y yo somos de la misma escuela, muy atenta a todo lo que tiene que ver con historia del cine y con historia del arte, a toda la repercusión, a todo el contexto en el que se origina y se viven las películas. Es fruto de este enfoque que hemos venido desarrollando en nuestra trayectoria como investigadores y que nos inculcaron nuestros maestros. De manera natural nosotros nos diferenciamos de otras historias del cine, no hacemos una historia de las películas sino que tratamos de hacer una historia sobre todo el conjunto de cuestiones que rodean al cine. Cómo era la naturaleza el espectáculo, cómo se difundió el cinematógrafo en los primeros tiempos, cuánto costaban las entradas, la legislación vinculada al cine, los cambios tecnológicos, la recepción que tienene esas películas. No nos importan tanto las películas en sí mismas, no es una historia del estilo cinematográfico, sino que es una historia del cine en España. Esa es la diferencia y el cambio que damos al enfoque. Es una historia social del cine en España. Centramos mucho la mirada en el espectador y no solo en las películas como se hace tradicionalmente. Otros investigadores han hecho cosas pero hasta ahora no había una historia global del cine en España que es lo que nosotros estamos haciendo. Este libro es el primer hito de un proyecto que se va a extender durante varios años. En principio nuestro proyecto es que abarque un total de tres libros que nos permita recorrer toda la historia del cine en España hasta la llegada del streaming que cambia un poco el paradigma.

En otro de sus libros reivindica la figura de Edgar Neville a quien considera uno de los directores más relevantes en el cine español. ¿Qué le atrae de su cine?

Yo llegué a Neville como cinéfilo a finales de los 90, con el centenario. Me atraía mucho. Cuando planteé el tema de mi tesis mi director Vidal de la Madrid y yo vimos que era una figura importante que estaba por estudiar, faltaba un analisis crítico sobre su biografía. Estuve diez años trabajando sobre Neville, tuve que viajar a Estados Unidos para ver archivos. Fueron muchos años dedicándole muchas horas de mi vida. Neville es un cineasta extraordinario, mayúsculo. Todavía a día de hoy a veces ponemos alguna película suya en la Filmoteca y la gente reacciona con sorpresa viendo lo que este hombre hacía en los años 40 en España. A principios de noviembre en un encuentro de Filmotecas que hubo en San Sebastián presenté 'La torre de los siete jorobados'. A la gente le resultó fascinante enfrentarse a esa película, te mezclaba jorobados que falsificaban moneda en el subsuelo de Madrid, un humor castizo y la ironía que rodea a su cine. Es una película del año 1944 que te rompe los esquemas sobre lo que esperas del cine del franquismo. Eso es lo que hace tan atractivo el cine de Neville. Me lo pasé muy bien haciendo su tesis, por sus películas y por su obra como escritor. Es un miembro de la otra Generación del 27, la generación de los humoristas, que es la auténtica generación. Porque en la Generación del 27 como tal no hay tanto vínculo generacional, pero la otra generación entre los humoristas es un grupo mucho más homogéneo, son todos de una generación parecida: Jardiel Poncela, Miguel Mihura... Han resistido muy bien el paso del tiempo y siguen siendo muy divertidos a día de hoy.

En términos cinematográficos, ¿cualquier tiempo pasado fue mejor? 

No diría tanto, pero si es verdad que en la evolución del cine se producen dientes de sierra. A nivel de narrativa cinematográfica las cumbres que alcanzamos el pasado siglo en algunos aspectos no las hemos superado. Antes del cine sonoro el lenguaje cinematográfico se había desarrollado de una manera extraordinaria y muy estimulante, con las vanguardias cinematográficas. A nivel de lenguaje cinematográfico quizá podemos decir que no hemos vuelto a llegar al nivel de perfección de las cotas que se alcanzaron en los útimos años del mudo. Pero cada época tiene su cine y la nostalgia es muy mala consejera. Hay mucho cinéfilo pata negra que desprecia todo lo que no sea lo que él vivió en su juventud. Lo que mamas en tu juventud cuando construyes tu identidad te marca de una manera muy fuerte y te parece que lo que viene después es filfa. Pero no creo en eso. Creo que cada época tiene su cine y que hay cineastas actuales que me resultan muy estimulantes y que me gusta mucho lo que hacen. No debemos despreciar los que hacen las nuevas generaciones porque no es justo. Como historiador trato de ver las cosas con cierta perspectiva, no me gusta hacer juicios de valor muy tajantes sobre el último cine porque nos falta la perspectiva del tiempo. Muchos criticos encuentran dos o tres obras cumbres cada año que al cabo de cuatro o cinco años no se acuerda nadie de ellas, y en cambio otras películas que a lo mejor pasan bajo el radar resulta que luego tienen más influencia.

No hemos vuelto a llegar al nivel de perfección de las cotas que se alcanzaron en los últimos años del cine mudo

Usted mantiene en paralelo una labor de investigación y divulgación. Hace poco dio usted una conferencia sobre el Fantaterror, un género cinematográfico de los años 60 y 70 en España. ¿Qué género o qué tipo de cine define a la sociedad española actual?

Es dificil de decir por qué ¿de qué hablamos? ¿qué es lo que nos define como sociedad? Una vez entrevisté a Juan Gómez Jurado y venia a decir que el thriller era el gran género de la novela española. A mí el cine que me resulta más estimulante de los últimos años es el cine policiaco español. Me parece que define muy bien lo que es la sociedad. Pero ocurre que la sociedad es muy diversa. Habrá quien diga que lo que nos define es el cine de Carla Simón, de Alauda Ruiz de Azúa. Habrá quien hable de que determinadas comedias como por ejemplo La cena es lo que nos define. No lo sé. Somos una sociedad demasiado diversa como para encontrar un único cine que nos defina. Sí que creo que estamos en un momento en el que, en estos quince o veinte últimos años, el cine español ha logrado reconectar con el público de una manera muy fuerte, que era una conexión que se había perdido a raiz de la irrupción de la Ley Miró. A mi juicio, la gran culpable de la desafección que sienten dos o tres generaciones de españoles en relación al cine español. Porque la Ley Miró se cargó el cine de género por completo. Ese cine fantaterrorífico, ese cine policiaco, ese cine de humor que llevaba gente a las salas y que podía potenciar la construcción de una industria cinematográfica, se la cargó en favor de un cine presuntamente de calidad que tenía que servir como promoción del cine español en festivales. Pero, al final, cuando la cuota de pantalla del cine español baja un 37% en seis años, que es lo que provocó la Ley Miró, pues evidentemente es una ley fallida que provocó una desafección muy grande del espectador español respecto a su cine. Yo creo que eso lo hemos superado. De hecho, las cifras de este último otoño indican precisamente eso, que el cine español está tirando del carro en taquilla. Y eso es muy importante.

Pero no se puede vincular el éxito en taquilla con el éxito del cine. El número de espectadores no siempre es proporcional a la calidad de la película. ¿Cómo se puede vertebrar esta relación?

Es que necesitamos todo. Necesitamos éxito y necesitamos calidad. Ese fue el gran error de la Ley Miró. Si quieres tener una industria cinematográfica no puedes construirla únicamente alrededor de las películas que van a Berlín o que van a los Goya o a los Oscar. También hay un cine popular que funciona en taquilla y que lleva gente a las salas. Si tienes un cine que logra millones de euros en taquilla, va a tirar de la industria.

En Asturias hay mucho debate ahora sobre la identidad del cine asturiano, hay una corriente muy fuerte que apuesta por un cine asturiano ya no rodado en asturiano, políticamente implicado... para mí eso es un error. La sociedad es diversa y el cine tiene que recoger esa diversidad. No me vale una industria que subsiste porque se ponen sus películas en cuatro casas de cultura y van a un festival. No, no. La industria tiene que conectar con el público porque sino estás abocado a desaparecer. Cuando se hizo aquella apuesta netamente política tan marcada del cine español en los años 80 muy orientada a hacer proselitismo o a rascar premios en festivales hizo que la gente le diera la espalda porque también tiene que dar ese punto de evasión, también tienes que ir a ver a Manolo Summers al cine no solo a Pilar Miró.

Si queremos tener una industria tenemos que tener de todo y necesitamos A todo Tren, Padre no hay más que uno 4 y Torrente 8. Y también Los domingos

Si queremos tener una industria tenemos que tener de todo y necesitamos A todo Tren, Padre no hay más que uno 4 y Torrente 8. Y también Los domingos. Necesitamos todo, que haya diversidad y que haya películas con una mirada netamente comercial que tiren del carro porque sin esas películas que tiran el carro lo que hacemos es construir un cine destinado a vivir de subvenciones y no un cine que genere riqueza industrial que es lo que necesitamos.

El cine cántabro necesita poder hacer cine en Cantabria y para eso tenemos que tener un respaldo empresarial no únicamente incrementar las ayudas, tenemos que construir una industria. La gente tiene que poder vivir aquí sin desplazarse a Madrid o Barcelona para poder hacer cine. Eso se está conseguiendo muy poco a poco con mucha paciencia, con un sector muy vivo y muy directo que está sabiendo encontrar manera, que está dispuesto a dar la batalla. El cine español tiene que tratar crear una industria, ese tejido industrial es lo que va a dar valor a nuestro cine.

En Francia hay industria y se hacen comedias que van a reventar la taquilla y otras cosas. Nosotros, si queremos eso, tenemos que tener de todo. Aunque Santiago Segura nos pueda parecer casposo esas películas son necesarias porque además del dinero de taquilla necesitamos que la gente quiera ir al cine, que eso se está perdiendo.

Ahora mismo aún no sabemos las cifras a falta de cerrar el año, pero apunta a que vamos a tener una pérdida de espectadores respecto al pasado de dos o tres milllones. Tranquilamente podemos estar en esas cifras. Vamos a perder espectadores. No nosotros en la Filmoteca -que vamos a crecer- sino el conjunto del sector. Hay demasiada competencia, demasiadas pantallas y nuestra industria necesita de esos pelotazos.

¿Por qué al mundo del cine se le identifica más con la izquierda? ¿es algo que solo asoma en las galas de los Goya a través de algunas reivindicaciones o existe un cine comprometido?

Es una cuestión generacional que se deriva de una reacción hacia lo que fue el franquismo, sin más. Es verdad que, durante años, determinadas sensibilidades políticas no supieron ver lo que era el cine español y se vertieron algunas críticas injustas hablando de cine subvencionado y ciertas cosas. Fue un error de nuestra clase política. Viene un poco de ahí. Una ceguera que hubo años atrás unida al factor generacional. Aquel gobierno de Aznar se equivocó y fue un error. No creo que ahora mismo los partidos políticos piensen en esos términos. Creo que todo el mundo valora el potencial de nuestra industria del cine. Pero ese tipo de cosas al final calan mucho.

Creo que hay una generación muy marcada de cineastas de izquierdas que sucedió al franquismo pero ya no hay tanto peso político dentro de nuestro cine

¿Es el cineasta español de izquierdas? Se han cometido algunas injusticias. El otro día hablábamos de la figura de Nieves Conde porque pusimos El inquilino en la Filmoteca. Un autor fundamental, falangista. Camisa vieja. De hecho, tenía una posición marcadamente opuesta a lo que era el régimen de Franco desde el Hedillismo. Cuando llega la democracia a Nieves Conde se le veta completamente, no puede volver a dirigir. Un tipo que aún tenía recorrido. Se queda sin ventana: nadie le producía una película, nadía exhibía sus películas, había un completo rechazo a su cine. Y estamos hablando de un cineasta fundamental. Se han cometido injusticias por todos los lados. El contexto sociopolítico marca mucho.

¿Si hay sector de izquierdas en el cine? Creo que hay veces que se ha podido ver así por circunstancias coyunturales. No diría que ahora mismo hay un sector más de izquierdas o más de derechas. Creo que hay una generación muy marcada de cineastas de izquierdas que sucedió al franquismo y que era signo de los tiempos pero ya no hay tanto peso político dentro de nuestro cine. A los directores jóvenes no les veo un posicionamiento político tan marcado como el que pudo tener en su momento la generación de los Saura y toda esa generación que vivió el franquismo. La propia efervescencia de los tiempos marcaba cierto posicionamiento político.

Al hilo de la memoria histórica, ¿cree usted que el cine español ha sabido narrar suficientemente su historia reciente de la Guerra Civil, la dictadura o la transición? ¿se han visto reflejadas con acierto en la historia reciente de nuestro cine?

Un poco lo mismo. Ha habido una reacción a todo lo que supuso durante la dictadura el cine de cruzadas, la visión de aquellos años. Por reacción o por contraste el cine que se ha hecho en democracia sobre la Guerra Civil tiene una mirada marcadamente a favor de la República. Hay estudios especificos sobre el cine de Guerra Civil y se ve claramente cómo cambia la posición de los cineastas antes y después de la muerte de Franco. Ahí sí que hay una posición muy marcada. Ahora se va a estrenar Frontera, una película con un planteamiento muy interesante. Habla sobre un fenómeno particular: la llegada de judíos a través de la frontera francesa y cómo determinadas autoridades franquistas colaboradoras con los nazis tratan de impedirlo a la vez que otras autoridades hacen lo contrario. Al final, nuestra mirada sobre aquellos años de la Guerra Civil y la Dictadura también está marcada por el momento desde el que miramos.

Yo estudié aquellos años y a una persona como fue Neville que en su momento desertó del bando republicano, se unió al bando insurgente e incluso hizo labores propagandísticas. Pero cuando entras al detalle te das cuenta de que tuvo que hacerlo porque estaba metido en un proceso de depuración muy duro, porque incluso a su pareja de entonces la detuvieron al cruzar la frontera. Hubo gente que trató de sobrevivir como buenamente pudo y que trató de sobrevivir adaptándose a los tiempos. No todos los que fueron al exilio eran buenos y los que se quedaron eran malos, ni mucho menos. Hay que valorar cada circunstancia particular en función de su contexto y hay que ponderar mucho los juicios de valor sobre la época.

Hubo gente que trató de sobrevivir como buenamente pudo y que trató de sobrevivir adaptándose a los tiempos. No todos los que fueron al exilio eran buenos y los que se quedaron eran malos

A la Filmoteca Mario Camus de Cantabria, que usted dirige, en ocasiones se le ha reprochado que proyecte cine contemporáneo. ¿Qué papel considera que juega la Filmoteca?

Establecer un diálogo continuo entre el cine del pasado y del presente. Se reprochó en el pasado que pusieron mucho cine contemporáneo y yo estaba de acuerdo. Lo que se hizo en aquella etapa no estuvo bien. No estuvo bien la manera en la que se construía esa programación, no estaba bien el tipo de cine que se ponía, no estaba bien tratar de hacer la competencia a las salas comerciales jugando con la ventaja de hacerlo desde una sala pública. Y por eso tanto mi predecesor Antonio Navarro como yo hemos adoptado otras líneas de programación. Yo estaba de acuerdo con ese reproche y creo que la programación que hemos construido ya no ha tenido ese componente. No estábamos de acuerdo con lo que se había hecho antes de 2019. De hecho, se produce ese cambio de gestión además porque hubo un problema muy grave sobre control de cuentas, sobre gente que se estaba llevando dinero de la entidad. Hubo un juicio, hubo una condena y hubo despidos por ello. Al final todo va vinculado. Si haces ese tipo de programación, con esa orientación... creo que no estaba bien. Con mis actos estoy demostrando que el papel que tiene que jugar una Filmoteca es otro. No es estrenar Superlópez y poner nueve pases para reventar la taquilla. En una filmoteca no jugamos a eso.

Una de las iniciativas que se puso en marcha fue recopilar grabaciones personales que pudieran resultar de interés ¿han recibido algunas donaciones?

El programa de recuperación de cine famliar y amateur sigue activo. Tenemos más de 900 película y todos los meses nos llega alguna película de 8 o super 8 las digitalizamos y nos quedamos con una copia para el archivo. Queremos introducir nuevos formatos de video que son muy frágiles, es uno de los ejes de la parte de archico cinematográfico que hacemos.

¿Cómo valora la aportación de la tecnología y la IA el cine?

Es un debate abierto, sobre todo el de la Inteligencia Artificial. Tecnología siempre ha habido como una manera de tratar de hacer más reales determinadas escenas y a la vez abaratar costes. Desde los trucajes de los años 20, 30 y 40 ya teníamos esos efectos especiales, esos usos más o menos ingeniosos de la tecnología. Es verdad que con el digital se ha acelerado todo pero esas películas envejecen peor. Si ves hoy las primeras películas de Harry Potter los efectos digitales cantan La Traviata, se nota mucho que es un dibujo animado montando una serpiente o una escoba jugando al quidditch. El ojo lo ve muy rápido, y al final hay otros afectos artesanales que han envejecido mucho mejor. Parque Juráisico, de 1993, ahora mismo ya no te parecen tan reales los dinosaurios, ya les ves las grietas. Pero como sigue siendo una película maravillosa te da igual. O el King Kong de 1933 original, un muñeco de trapo que se movía. Ya, pero la película es estupenda y te da igual.

Algunas tecnologías más artesanales están envejeciendo mejor que ciertos trucos digitales

Pero da la sensación de que algunas tecnologías más artesanales están envejeciendo mejor que ciertos trucos digitales. La IA me preocupa bastante. El otro día me mandaron por Instagram un reel de Schwarzenegger cantando una canción de George Michael con el pelo del cantante. Eso se hace en dos minutos. Me da mucho miedo. Pero no solo por el impacto que pueda tener en el cine que, al final, hay contratos, cláusulas, las productoras miran mucho el por dinero, los actores ya se están movilizando, los guionistas ya lo han hecho... se acabarán llegando a acuerdos y se acabará racionalizando todo ese uso. Me preocupa más el uso en nuestro día a día, el uso que puedan hacer nuestros hijos o sobre nuestros hijos con esas herramientas. En el cine es una herramienta que se acabará normalizando e integrando, reglando.

Las plataformas ofrecen de manera casi inmediata algunos estrenos y se ha incrementado de manera notable el consumo doméstico de películas ¿Cómo es nuestra relación actual con el cine? ¿qué tipo de espectador se acerca a las salas?

Tenemos una relación desigual con las plataformas porque no se ha regulado bien. El circuito comercial no puede poner una película de estreno en el año siguiente a su estreno, pero ya la puedes ver en Netflix a los dos meses o al día siguiente si ellos quieren. La nueva Ley del cine, que ha dado muchas vueltas, tiene que romper esas barreras, tiene que afinar mucho. Esperemos que se apruebe algún día y nos de soluciones adecuadas. El visionado de cine en salas es un bien patrimonial que tenemos que conservar. Poder ver una película con desconocidos, en una sala, compartir la experiencia con ellos. No comparto ese pesimismo que hay sobre las nuevas generaciones. Aquí en la Filmoteca tenemos gente de todas las edades y la gente viene a ver lo que le da la gana. Es el poder del público: ven lo que quieren no lo que tú le pones. Hemos tenido películas de los 90 o los 2000 que han funcionado muy bien, pero también L'Atalante. una película de Jean Vigo de 1934 con más de setenta personas en la sala y gente muy joven.

La industria no quiere hacer política cultural, quiere hacer dinero y se está tratando de amoldarse a ese cambio que se está produciendo en la naturaleza del público

Lo que sí que vemos que está cambiando es el género. Hay estudios que lo apoyan muy firmemente. Si hace años el cinéfilo tipo era un hombre de equis edad y de cierto nivel cultural, lo que vemos ahora es que quienas más van al cine mayoritariamente en todos los rangos de edad son las mujeres. Y en el rango de los 24 años por cada hombre que entra a una sala de cine entran dos mujeres. Es un fenómeno muy interesante porque también cambia los géneros populares. Si entran más mujeres ¿qué va a funcionar mejor? ¿una película de acción de Bruce Willis u otro tipo de película? ¿Por qué ahora está volviendo el musical? ¿Por qué Marvel está llegando a un ocaso y lo están intentando paliar metiendo mucha smás superheroínas? Los generos cinematográficos que funcionan en este momento. Ha cambiado el género de la cinefilia y los géneros cinematográficos que funcionan son distintos a los que funcionaban hace diez años precisamente porque está cambiando el público. La industria no quiere hacer política cultural, quiere hacer dinero y se está tratando de amoldarse a ese cambio que se está produciendo en la naturaleza del público. Soy moderadamente optimista: estamos en la batalla y aún podemos dar la batalla, sabemos que el enemigo es muy fuerte, que es muy cómodo ver una película en tu casa pero tenemos alguna opción de resistir. Quizá la generación de mis hijos cuando lleguen a adultos ya no vayan al cine nunca. Los adultos tenemos que hacer una labora de tutela de enseñarles el valor de las salas de cine, del ocio compartido.

¿Por qué funcionan mejor las series? ¿qué relación tiene con ellas?

Siempre han funcionado bien, lo que ha cambiado es el consumo. Ahora hay un consumo compulsivo de las series, hay más accesibilidad porque a las plataformas les interesa acumular horas de visionado. Pero las series siempre han funcionado. Como los seriales del cine mudo o las colecciones de cómic. La narración serial tiene mucha tradición y siempre ha conectado bien con el público. No es tan nuevo. Cuando era chaval veía 'Luz de luna', me chupé las diez temporadas de Friends semana a semana viendo los capítulos. SIempre ha habido mucha producción de series pero ahora se les da más foco. Con el último capítulo de 'Farmacia de Guardia' casi se paró el país. O que suponía Curro Jiménez. 

Pero ahora cineastas de pantalla grande hacen series.

Lo que ha cambiado es el momento. El piloto de Colombo lo firmó Steven Spilberg. Antiguamente las series se tomaban como una especie de preparación para pasar al cine y hau muchos cinestas que hacían series y luego pasaban al cine. Era una escuela. Ahora se están produciendo dos fenómenos: sigue habiendo cineastas que se firman en las series. Cary Joji Fukunaga dirigió 'True Detective' y luego le ficharon para James Bond. Pero también hay mucho cineasta de prestigio que dice: pues quiero probar este tipo de narración en serie. Son vasos comunicantes. Sí es cierto que a las series se les ha dado esa pátina de prestigio que no tenían en los años 80 pero ni siquiera se si la conexión con el público es mayor ahora que entonces. Estoy volviendo a ver 'Corrupción en Miami', que era un fenómeno social y dudo mucho que ninguna serie actual tenga las audiencias que tenía. Ni siquiera 'Strangers things'. Habçia menos oferta, pero el impacto social que tenían esas series era brutal y ya se hacían cosas de calidad. Yo soy 'sherloquiano' y para mí el gran Sherlock Holmes que hemos visto en pantalla es Jeremy Brett de las series que hizo la productora Granada Televisión en los años 80 y 90.

Si tuviese que elegir un personaje cinematográfico ¿por cual apostaría?

El replicante de Blade Runner, por ejemplo, me resulta un personaje fascinante. Rick Dekcard corriendo por las azoteas. Y los heroes de la infancia como Indiana Jones y compañía.

Quédese con una escena que le siga deslumbrando.

¡Hay tantas! El ascenso de Kerensky de Einsenstein me llama mucho la atención. Es uno de mis directores favoritos, Einsenstein fue casi mi primer amor. Y otra escena fantástica de Centauros del desierto. Van persiguiendo a los indios y después de una emboscada ven que los indios se van. Se dan cuenta de que los han atraido muy lejos para poder atacarlos con tranquilidad. Toda la cuadrilla se lanza a una galopada salvaje e irreflexiva para tratar de llegar a los ranchos. John Wayne se para y empieza a lavar al caballo. Les dice: no vais a llegar a tiempo y vais a matar a los caballos. Ford plantea un plano bastante particular desde el lomo del caballo y tiene detrás al actor. John Wayne se queda un momento con la mirada perdida dándose cuenta de que les van a matar los indios y no puede hacer nada. En ese plano está toda la película. Una de mis mejores películas favoritas de los últimos años es Interstellar (2014), que no deja de ser una versión espacial de Centauros del desierto. Pasa lo mismo. En el momento en que vuelven del primer planeta y Cupper, el personaje que interpreta Matthew McConaughey, empieza a ver las grabaciones de sus hijos y se da cuenta de cómo se le ha ido la vida, cómo ha perdido a sus hijos y a su familia y empieza a llorar. Es la misma idea rodada por John Ford y por Christopher Nolan. Creo que son dos de las películas de mi vida que conectan de manera muy poderosa.

Los festivales de cine se parecen a la persona que tienen detrás dirigiéndolos. Se nota en Cannes, donde la verborrea incontenida de Thierry Frémaux marca el tono desde hace años. O en San Sebastián, donde la honestidad de José Luis Rebordinos afecta a cómo se enfrenta de forma frontal cada vez que hay una polémica. Eso se ha notado siempre por cualquier certamen que dirigiera José Luis Cienfuegos, el director de Seminci que fallecía este martes por un aneurisma. Gijón, Sevilla, y ahora Valladolid, habían quedado marcados por el ‘sello Cienfuegos’. 

Un sello que muchos quisieron imitar sin éxito. Era su marca. Un estilo propio que hizo que revolucionara cualquier festival que tocaba con su varita desde hace casi tres décadas. Primero fue Gijón. Cienfuegos convirtió aquel pequeño festival de la ciudad asturiana en un sitio al que había que ir. Donde se descubrían nuevos cineastas. Donde se apostaba por nuevas miradas y que era un lugar de encuentro entre directores, prensa, espectadores y cinéfilos. Fueron 16 años que colocaron al FICX en referencia.

Su marcha a Sevilla fue un chute de energía para la ciudad andaluza, que de repente se encontró con un certamen moderno, divertido, fresco y donde, de nuevo, todos querían ir. Allí estuvo otros 11 años, sacando adelante una programación donde se dejaba la piel y donde no siempre tuvo todo a favor. La huella de Cienfuegos en Sevilla se notó más que nunca cuando en 2022 anunció su marcha. El terremoto provocado todavía se nota en aquel festival.

Ese sello se lo llevó a Seminci, uno de los festivales más importantes de España que desde hacía años vivía en el estancamiento. Costaba que fueran los cineastas, que la prensa pusiera el ojo, y Cienfuegos volvió a demostrar que festival donde ponía su saber hacer, festival que vivía una revolución. Lo hizo, además, en el peor contexto político posible, con la llegada de Vox a la cartera de Cultura, y el polémico cambio por el que Seminci pasó a depender de Turismo para evitar el choque. Aun así, logró esquivar la tormenta política.

Cienfuegos creía en el poder revolucionario del cine, y creía que un festival podía transformar la ciudad. Que no era una cuestión de ir a las salas una semana al año, sino que hubiera una simbiosis constante, que el certamen fuera parte de la identidad de la ciudad. En Seminci se encontró un público que eso siempre ha tenido el festival presente, y simplemente les dio lo que les faltaba: modernizó su imagen, incluso el mítico logo de los labios que con su llegada se convirtieron en unos modernos, de líneas finas.

La clave de su éxito era que entendía el ADN de cada festival, y mantenía su esencia. No los traicionaba, pero traía un aire nuevo. Los festivales se convertían con él en lugares amables, divertidos, donde los semanistas, esos que homenajeó en su última inauguración de Seminci; donde las señoras de la sesión Vermut del Calderón, convivían con un público joven que él lograba atraer a las salas. En sus festivales había películas, pero también había fiesta, música y diversión. La charla cinéfila se alargaba hasta por la noche. Era una fiesta democrática, sin élites. La gente de la ciudad podía acudir a los locales donde sabía que podía encontrarse con los responsables de las películas que acababan de ver. 

Y él siempre presente. Con su sonrisa y su risa contagiosa. Sus ganas de hablar a pesar de las prisas. Los polos de Fred Perry, seña de vestuario tan característica de un director que, por encima de todo, era un cinéfilo empedernido. Porque no era una cuestión simplemente de hacerse el moderno. De nada valía eso si en la base de todo no había una apuesta por el cine. Un cine que ensanchaba los límites, que era político y poético. Artístico, arriesgado, pero contándolo desde la diversión, desde el disfrute, nunca desde una atalaya de superioridad moral. Solo hay que ver las últimas ediciones que programó de Seminci, donde cabía Lav Díaz y el estreno de Hamnet. Donde el cine español más radical dejó de estar condenado a las secciones paralelas para entrar a competir por los premios más importantes. 

Era él quien lograba que todos quisieran acompañarle en cada aventura que emprendía. Su trato cercano, el cómo cuidaba cada título y a cada director hizo que los productores y los exhibidores quisieran ir a los festivales que el dirigía. Daba igual que fuera el Giraldillo de Oro que la Espiga de Oro, la idea era ir al festival de Cienfuegos. Igual que la prensa sabía que allí donde estuviera él la programación iba a estar cuidada con mimo.

La revolución que le metió a Seminci se notó en esta última edición. La 70. Una edición que homenajeaba al pasado mirando al futuro. Que era consciente de sus señas identitarias, pero que no se resignaba a poder ser moderna. Así era cómo él veía los festivales y ese es el legado que ha dejado en Valladolid y en todos los certámenes que le tuvieron detrás. Muchos intentarán imitar el sello de Cienfuegos, y ojalá esa alma que él instauraba se mantenga en forma de legado que honre al hombre que revolucionó el panorama de los festivales de cine en España.

El director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, José Luis Cienfuegos, ha fallecido este martes a los 60 años, después de más de tres décadas dedicadas a la dirección y renovación de algunos de los festivales cinematográficos más relevantes del país, según ha informado el propio festival en redes sociales.

Cienfuegos inició su trayectoria en el departamento de prensa del Festival de Gijón, certamen que acabaría dirigiendo desde 1995. Durante los 16 años que estuvo al frente, transformó la cita asturiana en una plataforma imprescindible para cineastas arriesgados y nuevas voces del panorama internacional, sin descuidar la reivindicación del legado fílmico. Su labor convirtió a Gijón en un centro neurálgico para el cine independiente y las nuevas tendencias globales.

En 2012 asumió la dirección del Festival de Sevilla, donde reforzó los vínculos con la industria española y europea y consolidó el certamen como referencia del cine contemporáneo de autor. Su mirada poliédrica y su sensibilidad hacia distribuidores, productores, críticos y medios redefinieron la manera de concebir los festivales en España.

Su llegada a Valladolid en 2023 supuso el mayor desafío de su carrera. Al frente de tres ediciones, Cienfuegos imprimió un sello propio, equilibrando el respeto a la historia de Seminci con una necesaria renovación. La 70 edición, celebrada este año, se considera una de las más exitosas del certamen y reflejó su idea de los festivales como espacios de diálogo, conocimiento a través de una programación ambiciosa y heterodoxa, además, de fomentar una conexión entre creadores, público e industria.

Subió la apuesta por el documental, convencido de que las nuevas tendencias de este género debían de tener cabida en la programación, al igual que un diálogo temporal entre obras del pasado que se proyectaban hacia el futuro con rompedoras propuestas, por las que siempre apostó.

Con la 70 edición recién clausurada, Cienfuegos se mostró orgulloso de haber recuperado espectadores de forma significativa en las últimas ediciones, marcadas por acuerdos para favorecer la difusión y promoción del festival como lugar de encuentro de críticos y de los fanáticos 'seminceros

Cienfuegos fue ingresado el lunes por la noche en un hospital de Madrid pero ha sido este martes cuando no ha logrado superar esta dolencia, según han explicado a EFE fuentes municipales y del festival. Está previsto que sea la ciudad de Oviedo, donde reside su familia, la que acoja el funeral por Cienfuegos, aunque la Seminci organizará un homenaje para recordar la figura de su último director.

El mundo del cine lamenta la pérdida de Cienfuegos

El mundo del la cultura y el cine ha trasladado el pésame por la muerte de Cienfuegos. El Ministerio de Cultura ha lamentado el fallecimiento de Cienfuegos. “Con su adiós, nos deja un legado de 30 años dedicados a impulsar algunos de los grandes festivales de cine españoles. Descanse en paz”.

La Academia de Cine se ha hecho eco del fallecimiento del directo de la Seminci. Desde otros festivales también se han sumado al duelo. El Festival de San Sebastián ha mostrado su tristeza por la noticia, al igual que el Festival de Cans. El Festival de Málaga ha comunicado su “profunda tristeza” por el fallecimiento de una “figura imprescindible y colega admirado por toda la profesión”.

Los premios Feroz también han lamentado la muerte de Cienfuegos. “Lamentamos el fallecimiento de José Luis Cienfuegos, un apasionado del cine y que realizó un gran trabajo en todos los festivales que dirigió. Nuestro pésame para sus familiares, amigos y colegas. Descanse en paz”, han compartido en la red social X.

Profesionales del sector, como el productor Enrique Lavigne también se han sumado al duelo. “No doy crédito …estoy destrozado. Mi más sentido pésame a sus familiares y amigos cercanos. Un profesional increíble”, ha asegurado. El cofundador y director editorial de Filmin, Jaume Ripoll ha asegurado que fue “el mejor director de festivales de nuestro país de los últimos 25 años”.

“Todos aprendimos con él, reímos con él, descubrimos cine por él y fuimos mejores por él. Gijón, Sevilla, Valladolid y el cine español estamos hoy de luto. Qué pronto, qué rápido, qué mal. Te echaremos tanto, tanto de menos, queridísimo José Luis”, ha remachado Ripoll.

Desde el periodismo han lamentado la pérdida de Cienfuegos. El presentado del programa de TVE Secuencias en 24H, Moisés Rodríguez ha trasladado sus condolencias. “Me entero que ha fallecido de forma repentina José Luis Cienfuegos, el director de Seminci. No me lo puedo creer”, ha expresado.

Por su parte, la Asociación de distribuidores independientes cinematográficos (ADICINE) ha remarcado que su labor al frente de los festivales de Gijón, Sevilla y Valladolid “fue ejemplar, siempre colmada de ilusión”. En sentido similar, la Asociación Andaluza de Productoras de Cine (Ancine) ha lamentado la “enorme pérdida” de este profesional.

Condolencias del Ayuntamiento de Valladolid

El alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, ha trasladado el pésame por el fallecimiento de Cienfuegos. “La muerte, como muchas veces acontece de manera sorpresiva, nos acaba de arrebatar a José Luis Cienfuegos, quien es nuestro director de la Seminci. Antes lo fue del Festival de Cine de Gijón y del Festival de Cine de Sevilla”, ha apuntado.

Carnero ha detacado su capacidad para fortalecer la identidad del festival vallisoletano: “En las tres ediciones que ha dirigido nuestra querida Seminci, ha demostrado su capacidad para que la misma adquiriera cada vez más peso ser el gran festival de cine de autor”.

El regidor también ha señalado su carácter cercano y apasionado: “Un amante del arte, del cine, del cine de autor, pero sobre todo un amante de la vida, de las personas, un entusiasta lleno de ilusión, amigo de sus amigos”. Carnero ha concluido señalando que “la Seminci y la ciudad de Valladolid siempre recordarán a José Luis Cienfuegos. Descanse en paz”.

El ministro de Transportes y el que fuera alcalde de Valladolid a la llegada de Cienfuegos, Óscar Puente, ha indicado que aunque pudieron trabajar juntos, “la noticia de su muerte me ha conmocionado”. Muy joven y con muchas cosas por hacer. Una pena enorme“, ha lamentado.

El presidente de la Junta de Castilla y León, Alfonso Fernández Mañueco, ha expresado que lamenta “profundamente” el fallecimiento de Cienfuegos (Avilés, Asturias, 1964), que define como “una gran pérdida para Valladolid, para la cultura de Castilla y León y para la Seminci, referente internacional del cine”.

Ben Rivers és un dels noms essencials del cinema experimental contemporani. Les seves poderoses imatges, exhibides en museus i festivals, són un gest purament artístic que reivindica la pròpia naturalesa de l'ésser humà. Fa justament deu anys va presentar The Sky Trembles and the Earth Is Afraid and the Two Eyes Llauri Not Brothers, una pel·lícula que traça un viatge dins d'un altre: comença dins del rodatge al Marroc de la pel·lícula ‘Mimosas’, d'Oliver Laxe, amic de Rivers, fins a dissoldre's lentament en el seu context real.

Una dècada després, Rivers recupera aquesta cinta amb una vigència sorprenent amb motiu de la seva projecció al festival MajorDocs com a convidat d'honor. Després del seu pas pel Festival Internacional de Cinema de Gijón, on ha presentat la seva última película The Mare’s Nest, guanyadora del Premi Especial del Jurat en el Festival Internacional de Cinema de Locarno, el creador arriba a Mallorca a la setena edició del festival, on ahir va impartir una masterclass sobre la necessitat de la incertesa i el risc en els processos creatius.

L'autor, habitual de festivals com Rotterdam, Viennale o FIDMarseille —on ha rebut múltiples premis al llarg de la seva carrera—, defensa un cinema personal, artesanal, allunyat de la fartanera audiovisual quotidiana i, sobretot, de tota pretensió per mostrar la realitat. Les seves pel·lícules, contemplatives i honestes, mostren a un artista que narra ficcions conscient que, en realitat, no pot mostrar una altra cosa.

L'autor, habitual de festivals com Rotterdam, Viennale o FIDMarseille —on ha rebut múltiples premis al llarg de la seva carrera—, defensa un cinema personal, artesanal, allunyat de la fartanera audiovisual quotidiana i, sobretot, de tota pretensió per mostrar la realitat

MajorDocs es va inaugurar amb la projecció de The Sky Trembles, una pel·lícula filmada fa deu anys i en diàleg amb el rodatge de ‘Mimosas’, d'Oliver Laxe. El festival la presenta precisament vinculada a ell, més reconegut a Espanya després de rebre el Premi del Jurat a Cannes per la seva pel·lícula ‘Sirat’. Què li va portar a recuperar aquesta pel·lícula per a obrir el festival? Té algun significat especial recuperar-la avui?

La pel·lícula sempre ha estat especial per a mi. Estava molt content quan la vaig fer i continuo sentint-me orgullós d'ella. Crec que parla molt de la meva manera de treballar: interrogar la imatge documental, la seva veritat, la seva fragilitat i la seva flexibilitat. Quan ens van convidar a proposar quina pel·lícula podria inaugurar el festival, vaig pensar que aquesta funcionaria bé, en part perquè Oliver apareix en ella i la gent el coneix. Existeix aquesta associació natural. Però no vaig pensar massa en la seva figura; és un vell amic, i el seu èxit no canvia res de la nostra relació. Per a mi és simplement una altra pel·lícula. Una de les coses que més em va alegrar en proposar-li el projecte a Oliver Laxe va ser la seva generositat. Li vaig demanar entrar en el seu rodatge de ficció al Marroc —que implica un gran desplegament tècnic— per a filmar “a la meva manera”, gairebé de manera parasitària, registrant el que volgués. I en un cert moment ell deixa el seu propi rodatge i es converteix en la meva marioneta. Aquesta inversió de rols és també un dels temes de la pel·lícula: com s'inverteixen els poders dins de les estructures cinematogràfiques.

Una altra figura important en The Sky Trembles és Paul Bowles, molt vinculat al Marroc. Quin paper juga el seu imaginari literari, musical i vital en la seva aproximació al paisatge i a les ficcions que l'habiten?

M'encanta la seva escriptura, sobretot els relats. Però també soc conscient del problemàtic: un estatunidenc blanc vivint al Marroc, apropiant-se d'unes certes històries i reimaginant-les. Aquesta ambivalència m'interessa; no la defuig. Molts dels seus relats tenen alguna cosa de malson, derivada en part de la seva por a l'altre. La història en el cor de The Sky Trembles és A Distant Episode: un lingüista al nord d'Àfrica, arrogant i segur de poder anar a qualsevol part, pren el camí equivocat i ho perd tot: la identitat, el cos i el jo. Jo vaig traslladar aquest relat al cos d'un cineasta europeu; podia ser Oliver, però també podia ser jo.

Oliver Laxe és el meu doble. Tots dos tenim l'impuls de filmar fora de casa. Aquest impuls és una arma de doble tall: és necessari que existeixin mirades forasteres —si tot fos autobiogràfic seria terrible—, però al mateix temps has de ser conscient de com filmes a altres persones i altres paisatges. La pel·lícula intenta, a través de Bowles i d'Oliver, reflexionar sobre aquest desig de crear realitats en un lloc aliè i preguntar-se què pot sortir malament. Bowles parla d'aquesta pèrdua, d'aquesta ment que quan torna a reconèixer-se embogeix i corre cap al desert. I també volia plantejar al públic quin nivell de realitat veu a cada moment: què és construcció i què és real.

Oliver Laxe és el meu doble. Tots dos tenim l'impuls de filmar fora de casa. Aquest impuls és una arma de doble tall: és necessari que existeixin mirades forasteres —si tot fos autobiogràfic seria terrible—, però al mateix temps has de ser conscient de com filmes a altres persones i altres paisatges

Ben Rivers — Cineasta

Passats els deu anys d'aquest rodatge, com afrontar avui el debat sobre la descolonització de filmar en terres alienes? A Krabi, pel·lícula rodada a Tailàndia, va codirigir el projecte amb la directora tailandesa Anocha Suwichakornpong, i fins i tot a The Mare’s Nest, rodada en gran part a Menorca, va comptar amb la participació d'alguns nens i nenes de l'illa.

Intent que a les pel·lícules hi hagi un reconeixement explícit de la meva posició. A The Sky Trembles, Oliver actua com el meu doble: jo també soc aquest personatge. Té a veure amb l'enfocament: no pretendre conèixer un lloc ni explicar-lo. Aquest és l'error d'alguns cineastes. Jo mai afirmaria que mostro una realitat objectiva; és impossible. Quan filmo a altres llocs, procuro deixar clar que és una mirada forastera i ser autocrític. A Krabi va ser distint: em van convidar a fer una pel·lícula a Tailàndia i vaig dir que no podia simplement anar allà i filmar.

Hi havia raons per a rodar The Sky Trembles al Marroc, però no volia repetir aquest gest d’“anar i treure una pel·lícula”. Per això vaig convidar a codirigir a una cineasta tailandesa brillant. Desenvolupem junts la història, i la pel·lícula reconeix constantment el dispositiu cinematogràfic: es veuen rodatges, una sala de cinema i senyals per a recordar que és una construcció feta per persones en un lloc. No pretén ser “autèntica”; és ficció. Per això m'agrada barrejar documental i ficció: no crec en la veritat objectiva ni en un documental que la garanteixi. Tot cineasta decideix què mostrar i què deixar fora, i el muntatge —una eina molt manipuladora— ho canvia tot.

Podria considerar-se que porta el documental cap a la ficció per a intentar ser més honest.

Sí, espero que sí. Busco una veritat obertament subjectiva i dir “aquesta és la meva visió del món; no és el món mateix”.

Passem a la seva última pel·lícula, The Mare’s Nest, premi Marró Verd al Festival de Cinema de Locarno. Com va arribar a imaginar aquest món postapocalíptic a Menorca?

Va ser curiós. Una amiga, la comissària Garbiñe Ortega, em va cridar des d'una pedrera dient-me: “Estic a un lloc que té el teu nom; hauries de venir a filmar aquí”. Vaig venir a veure la pedrera i vaig conèixer al cineasta local Pep Salvador, qui em va ensenyar l'illa: coves, un complex militar abandonat, cales, estructures antigues… Fins i tot la cultura talayótica. Aquells llocs em van impressionar. Jo havia escrit Mare’s Nest pensant a rodar-la al Regne Unit, però després de veure Menorca vaig pensar: “Vull filmar aquí; aquests paisatges són increïbles”. Vaig imaginar un escenari de canvi climàtic. El Regne Unit s'escalfa: de fet, ja es conrea vi blanc al sud; i potser en cent anys el paisatge anglès se sembla més al de Menorca. Vaig jugar amb aquesta idea. A la pel·lícula no saps realment on estàs: se sent anglès i català; el viatge de la protagonista és ambigu. Però per a mi l'illa és un personatge essencial.

Jo havia escrit Mare’s Nest pensant a rodar-la al Regne Unit, però després de veure Menorca vaig pensar: 'Vull filmar aquí; aquests paisatges són increïbles'

Ben Rivers — Cineasta

A la seva masterclass com a convidat d'honor del festival va parlar sobre el procés creatiu com a territori incert i obert. Com gestiona el dubte durant el rodatge i el muntatge? Com influeixen les desviacions inesperades?

És difícil resumir vint anys. Però per a mi es tracta de mantenir un equilibri: començo amb idees i imatges clares, però el cinema no hauria de consistir només en executar un pla. Vull que sigui una aventura; necessito sorprendre'm. Treball amb baix pressupost i equips petits, el que em permet comprar temps: detenir-me, observar, descobrir. Tinc un ull a l’idea original i un altre en tot el inesperat, que sovint és el millor. El muntatge funciona igual: no treballo amb guions lineals, així que puc canviar l'ordre i transformar la pel·lícula. El so també és crucial: obre la imatge i la porta a una altra direcció. Sempre intento fer alguna cosa que només pugui existir al cinema, no a un reportatge.

I buscant l'aventura es pot fallar, un verb que no agrada.

Per descomptat.

Diria que, en aquest sentit, el seu és un treball a contra corrent?

Sí, sens dubte. A ningú li agrada fallar, però si no arrisques vas a allò segur, i tot el que es segur et porta a fórmules repetides. Hi ha moltes pel·lícules de tres actes que funcionen, sí, però a vegades resulten planes. No tenim per què cenyir-nos a aquestes regles. Les persones que filmo solen haver triat vides fora del statu quo: viuen a la naturalesa, fora del capitalisme. No són necessàriament anarquistes, només han triat una altra vida. I crec que m'atreuen perquè jo també vull fer cinema fora de la forma industrial dictada pel mercat.

A ningú li agrada fallar, però si no arrisques vas a allò segur, i el que es segur et porta a fórmules repetides. Hi ha moltes pel·lícules de tres actes que funcionen, sí, però a vegades resulten planes. No tenim per què cenyir-nos a aquestes regles

Ben Rivers — Cineasta

Un cinema literalment humà.

Sí, això és.

Per acabar. La intimitat i la mirada lenta del seu cinema s'enfronta, d'algun mode, a un món saturat per la cerca de l'atenció de tots. Creu que detenir-se a observar i escoltar pot ser un gest polític?

Sí, crec que pot ser polític. Demanar a la gent que adopti una atenció més lenta —detenir-se, mirar— és una manera de resistir la urgència capitalista del consum constant. Hi ha molts exemples a les meves pel·lícules. A Mare’s Nest, sovint col·loco la cambra i observo als nens: els deixo jugar i portar l'escena. No els dicto què fer. Ho deixo ocórrer i observo amb el públic: “Això és increïble. Aquests nens són increïbles. Observem-los, un minut”. Això és la vida: bella, real, inspiradora, i no té res a veure amb comprar coses. Això és tot.

Ben Rivers es uno de los nombres esenciales del cine experimental contemporáneo. Sus poderosas imágenes, exhibidas en museos y festivales, son un gesto puramente artístico que reivindica la propia naturaleza del ser humano. Hace justamente diez años presentó The Sky Trembles and the Earth Is Afraid and the Two Eyes Are Not Brothers, una película que traza un viaje dentro de otro: comienza dentro del rodaje en Marruecos de la película Mimosas, de Oliver Laxe, amigo de Rivers, hasta disolverse lentamente en su contexto real.

Una década después, Rivers recupera esta cinta con una vigencia sorprendente con motivo de su proyección en el festival MajorDocs como invitado de honor. Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Gijón, donde ha presentado su última películaThe Mare’s Nest, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Locarno, el creador llega a Mallorca en la séptima edición del festival, donde ayer impartió una masterclass sobre la necesidad de la incertidumbre y el riesgo en los procesos creativos.

El autor, habitual de festivales como Rotterdam, Viennale o FIDMarseille —donde ha recibido múltiples premios a lo largo de su carrera—, defiende un cine personal, artesanal, alejado del atracón audiovisual cotidiano y, sobre todo, de toda pretensión por mostrar la realidad. Sus películas, contemplativas y honestas, muestran a un artista que narra ficciones consciente de que, en realidad, no puede mostrar otra cosa.

El autor, habitual de festivales como Rotterdam, Viennale o FIDMarseille —donde ha recibido múltiples premios a lo largo de su carrera—, defiende un cine personal, artesanal, alejado del atracón audiovisual cotidiano y, sobre todo, de toda pretensión por mostrar la realidad

MajorDocs se inauguró con la proyección de The Sky Trembles, una película filmada hace diez años y en diálogo con el rodaje de Mimosas, de Oliver Laxe. El festival la presenta precisamente vinculada a él, más reconocido en España tras recibir el Premio del Jurado en Cannes por su película Sirat. ¿Qué le llevó a recuperar esta película para abrir el festival? ¿Tiene algún significado especial recuperarla hoy?

La película siempre ha sido especial para mí. Estaba muy contento cuando la hice y sigo sintiéndome orgulloso de ella. Creo que habla mucho de mi manera de trabajar: interrogar la imagen documental, su verdad, su fragilidad y su flexibilidad. Cuando nos invitaron a proponer qué película podría inaugurar el festival, pensé que esta funcionaría bien, en parte porque Oliver aparece en ella y la gente lo conoce. Existe esa asociación natural. Pero no pensé demasiado en su figura; es un viejo amigo, y su éxito no cambia nada en nuestra relación. Para mí es simplemente otra película. Una de las cosas que más me alegró al proponerle el proyecto a Oliver Laxe fue su generosidad. Le pedí entrar en su rodaje de ficción en Marruecos —que implica un gran despliegue técnico— para filmar “a mi manera”, casi de forma parasitaria, registrando lo que quisiera. Y en cierto momento él deja su propio rodaje y se convierte en mi marioneta. Esa inversión de roles es también uno de los temas de la película: cómo se invierten los poderes dentro de las estructuras cinematográficas.

Otra figura importante en The Sky Trembles es Paul Bowles, muy vinculado a Marruecos. ¿Qué papel juega su imaginario literario, musical y vital en su aproximación al paisaje y a las ficciones que lo habitan?

Me encanta su escritura, sobre todo los relatos. Pero también soy consciente de lo problemático: un estadounidense blanco viviendo en Marruecos, apropiándose de ciertas historias y reimaginándolas. Esa ambivalencia me interesa; no la rehúyo. Muchos de sus relatos tienen algo pesadillesco, derivado en parte de su miedo al otro. La historia en el corazón de The Sky Trembles es A Distant Episode: un lingüista en el norte de África, arrogante y seguro de poder ir a cualquier parte, toma el camino equivocado y lo pierde todo: identidad, cuerpo y el yo. Yo trasladé ese relato al cuerpo de un cineasta europeo; podía ser Oliver, pero también podía ser yo.

Oliver Laxe es mi doble. Ambos tenemos el impulso de filmar fuera de casa. Ese impulso es un arma de doble filo: es necesario que existan miradas forasteras —si todo fuera autobiográfico sería terrible—, pero al mismo tiempo debes ser consciente de cómo filmas a otras personas y otros paisajes. La película intenta, a través de Bowles y de Oliver, reflexionar sobre ese deseo de crear realidades en un lugar ajeno y preguntarse qué puede salir mal. Bowles habla de esa pérdida, de esa mente que cuando vuelve a reconocerse enloquece y corre hacia el desierto. Y también quería plantear al público qué nivel de realidad ve en cada momento: qué es construcción y qué es real.

Oliver Laxe es mi doble. Ambos tenemos el impulso de filmar fuera de casa. Ese impulso es un arma de doble filo: es necesario que existan miradas forasteras —si todo fuera autobiográfico sería terrible—, pero al mismo tiempo debes ser consciente de cómo filmas a otras personas y otros paisajes

Ben Rivers — Cineasta

Pasados los diez años de ese rodaje, ¿cómo afrontar hoy el debate sobre la descolonización al filmar en tierras ajenas? En Krabi, película rodada en Tailandia, codirigió el proyecto con la directora tailandesa Anocha Suwichakornpong, e incluso en The Mare’s Nest, rodada en gran parte en Menorca, contó con la participación de algunos niños y niñas de la isla.

Intento que en las películas haya un reconocimiento explícito de mi posición. En The Sky Trembles, Oliver actúa como mi doble: yo también soy ese personaje. Tiene que ver con el enfoque: no pretender conocer un lugar ni explicarlo. Ese es el error de algunos cineastas. Yo nunca afirmaría que muestro una realidad objetiva; es imposible. Cuando filmo en otros lugares, procuro dejar claro que es una mirada forastera y ser autocrítico. En Krabi fue distinto: me invitaron a hacer una película en Tailandia y dije que no podía simplemente ir allí y filmar.

Había razones para rodar The Sky Trembles en Marruecos, pero no quería repetir ese gesto de “ir y sacar una película”. Por eso invité a codirigir a una cineasta tailandesa brillante. Desarrollamos juntos la historia, y la película reconoce constantemente el dispositivo cinematográfico: se ven rodajes, una sala de cine y señales para recordar que es una construcción hecha por personas en un lugar. No pretende ser “auténtica”; es ficción. Por eso me gusta mezclar documental y ficción: no creo en la verdad objetiva ni en un documental que la garantice. Todo cineasta decide qué mostrar y qué dejar fuera, y el montaje —una herramienta muy manipuladora— lo cambia todo.

Podría considerarse que lleva el documental hacia la ficción para intentar ser más honesto.

Sí, espero que sí. Busco una verdad abiertamente subjetiva y decir “esta es mi visión del mundo; no es el mundo”.

Pasemos a su última película, The Mare’s Nest, premio Pardo Verde en el Festival de Cine de Locarno. ¿Cómo llegó a imaginar ese mundo postapocalíptico en Menorca?

Fue curioso. Una amiga, la comisaria Garbiñe Ortega, me llamó desde una cantera diciéndome: “Estoy en un lugar que tiene tu nombre; deberías venir a filmar aquí”. Vine a ver la cantera y conocí al cineasta local Pep Salvador, que me enseñó la isla: cuevas, un complejo militar abandonado, calas, estructuras antiguas… Incluso la cultura talayótica. Aquellos lugares me impresionaron. Yo había escrito Mare’s Nest pensando en rodarla en Reino Unido, pero después de ver Menorca pensé: “Quiero filmar aquí; estos paisajes son increíbles”. Imaginé un escenario de cambio climático. El Reino Unido se calienta: de hecho, ya se cultiva vino blanco en el sur; y quizá en cien años el paisaje inglés se parezca más al de Menorca. Jugué con esa idea. En la película no sabes realmente dónde estás: se oye inglés y catalán; el viaje de la protagonista es ambiguo. Pero para mí la isla es un personaje esencial.

Yo había escrito Mare’s Nest pensando en rodarla en Reino Unido, pero después de ver Menorca pensé: 'Quiero filmar aquí; estos paisajes son increíbles'

Ben Rivers — Cineasta

En su masterclass como invitado de honor en el festival habló sobre el proceso creativo como territorio incierto y abierto. ¿Cómo gestiona la duda durante el rodaje y el montaje? ¿Cómo influyen las desviaciones inesperadas?

Es difícil resumir veinte años. Pero para mí se trata de mantener un equilibrio: empiezo con ideas e imágenes claras, pero el cine no debería consistir solo en ejecutar un plan. Quiero que sea una aventura; necesito sorprenderme. Trabajo con bajo presupuesto y equipos pequeños, lo que me permite comprar tiempo: detenerme, observar, descubrir. Tengo un ojo en la idea original y otro en lo inesperado, que a menudo es lo mejor. El montaje funciona igual: no trabajo con guiones lineales, así que puedo cambiar el orden y transformar la película. El sonido también es crucial: abre la imagen y la lleva a otra dirección. Siempre intento hacer algo que solo pueda existir en el cine, no en un reportaje.

Y al buscar la aventura se puede fallar, un verbo que no gusta.

Por supuesto.

¿Diría que, en ese sentido, el suyo es un trabajo a contracorriente?

Sí, sin duda. A nadie le gusta fallar, pero si no arriesgas vas a lo seguro, y lo seguro te lleva a fórmulas repetidas. Hay muchas películas de tres actos que funcionan, sí, pero a veces resultan planas. No tenemos por qué ceñirnos a esas reglas. Las personas que filmo suelen haber elegido vidas fuera del statu quo: viven en la naturaleza, fuera del capitalismo. No son necesariamente anarquistas, solo han elegido otra vida. Y creo que me atraen porque yo también quiero hacer cine fuera de la forma industrial dictada por el mercado.

A nadie le gusta fallar, pero si no arriesgas vas a lo seguro, y lo seguro te lleva a fórmulas repetidas. Hay muchas películas de tres actos que funcionan, sí, pero a veces resultan planas. No tenemos por qué ceñirnos a esas reglas

Ben Rivers — Cineasta

Un cine literalmente humano.

Sí, eso es.

Por terminar. La intimidad y la mirada lenta de su cine se enfrenta, de algún modo, a un mundo saturado por la búsqueda de la atención de todos. ¿Cree que detenerse a observar y escuchar puede ser un gesto político?

Sí, creo que puede ser político. Pedir a la gente que adopte una atención más lenta —detenerse, mirar— es una forma de resistir la urgencia capitalista del consumo constante. Hay muchos ejemplos en mis películas. En Mare’s Nest, a menudo coloco la cámara y observo a los niños: les dejo jugar y llevar la escena. No les dicto qué hacer. Lo dejo ocurrir y observo con el público: “Esto es increíble. Estos niños son increíbles. Observémoslos, un minuto”. Eso es la vida: bella, real, inspiradora, y no tiene nada que ver con comprar cosas. Eso es todo.

La película La mejor madre del mundo (Brasil, 2025), de Anna Muylaert, se ha alzado con el Colón de Oro a la Mejor Película de la 51 edición del Festival de Huelva de Cine Iberoamericano. El jurado ha decidido que se lleve el premio porque “nos ha transportado a un mundo lejano y cercano al mismo tiempo y nos ha hecho soñar por su capacidad para elevarse por encima de una realidad y de un lugar muy específicos, comunicando así la universalidad de la fuerza, de la responsabilidad y de la capacidad de amor”.

El jurado de esta edición ha estado integrado por la directora del Festival de Cine Español de Nantes, Pilar Martínez-Vasseur, el actor dominicano Jean Cruz y la directora del London Spanish Film Festival, Joana Granero. Es la segunda vez se ha dado a conocer la vencedora en la gala de clausura, que tuvo lugar en la noche de este sábdo.

Además, la actriz protagonista de esta cinta, Shirley Cruz, ha conseguido el premio al Colón de Plata a la Mejor Interpretación, por “su versatilidad y su fuerza en un sorprendente arco interpretativo que va desde la resistencia y determinación a la combatividad, al amor tierno y a la sensualidad creando ilusión y esperanza”.

Colón de Plata y Mejor Dirección

Asimismo, el jurado ha otorgado el Colón de Plata Premio Especial del Jurado a la película Aún es de noche en Caracas (Venezuela-México, 2025), de Mariana Rondón y Marité Ugás. El jurado ha señalado “su capacidad de contextualizarnos a través de episodios importantes de la historia de un país, vistos y vividos desde una historia personal que resuena con la realidad política y social actual, corrompida por las diferentes luchas de poder”.

El Colón de Plata a la Mejor Dirección ha sido para Mayra Hermosillo por Vainilla (México, 2025). El jurado se ha decantado por la directora mexicana por “la capacidad de construir un universo poético, de recrear un sentido de comunidad en tiempos difíciles, de dar cabida a los espacios convirtiéndolo en personajes de relato, también por la formidable dirección de un amplio y variado reparto que da autonomía y voz propia, consiguiendo hacernos conectar con una historia que nos seduce por su magia y su sensibilidad”.

Además de distinguir a Shirley Cruz, el jurado ha concedido también el Colón de Plata a la Mejor Interpretación al actor Pedro Fontaine por su personaje en Los renacidos (Argentina-España-Chile, 2025), de Santiago Esteves. El jurado ha señalado “su capacidad de reflejar de forma delicada emociones reprimidas que van desde el miedo al resentimiento o la ternura en un contexto de extraordinaria violencia y terror, y sostener con esa variedad de registros en su interpretación un thriller trepidante”.

Nómina de galardonados

El tercer Colón de Plata a la Mejor Interpretación, el de Reparto, ha sido para el elenco completo de Vainilla, de Mayra Hermosillo, por “la hermosa y armoniosa coralidad, no exenta de un sutil sentido del humor, que consigue transmitir emociones de sororidad resiliente y de complicidad entre diferentes generaciones”.

Asimismo, los espectadores del Festival de Huelva han decidido que el Premio del Público sea para Un mundo para mí (México, 2024), de Alejandro Zuno.

Además, el público ha decidido que Antonio, el bailarín de España, de Paco Ortiz es la merecedora del Premio Juan Ramón Jiménez de la Sección Talento Andaluz. Por otro lado, el premio de la sección Premio Acento a la Mejor Dirección Española, otorgado también por los espectadores, ha sido para Los Tigres, de Alberto Rodríguez.

Gala de clausura

El Festival de Huelva de Cine Iberoamericano ha clausurado este sábado su edición número 51, un acto que arrancó con la intervención del presentador de la misma, el periodista Adolfo Zarandieta, que señaló que el festival “ha vuelto a demostrarnos que el cine no solo se ve, se vive y se hace nuestro”. En este sentido, apuntó que “en los tiempos que corren, en los que a veces cuesta tanto entendernos y ponernos de acuerdo, el cine nos ha enseñado el camino más corto, el del mirar con atención, escuchar sin prisas y abrirnos sin miedo a lo desconocido”.

A continuación, se proyectó un vídeo resumen de la edición, donde se ofreció una pequeña muestra de lo que han sido estos días de proyecciones y multitud de actividades paralelas con 111 títulos programados, además de la entrega de los Premios Luz a los actores Yon González y Milena Smit y los Premios Ciudad de Huelva a los actores Pilar Castro y Fernando Tejero. Además, el cantante Carlos Baute amenizó musicalmente la noche, ya que interpretó algunos de sus temas más clásicos con los sones de la Banda Sinfónica Municipal de Huelva.

Asimismo, la gala contó con un unánime respaldo institucional, con la asistencia de representantes de los organismos que conforman el Patronato de la Fundación: la presidenta de la Fundación Cultural Festival de Cine Iberoamericano de Huelva y alcaldesa de la ciudad, Pilar Miranda; el director del certamen, Manuel H. Martín; Víctor M. González, viceconsejero de Turismo y Andalucía Exterior de la Junta de Andalucía; la delegada de Cultura y Deporte de la Junta en Huelva, Teresa Herrera; y el presidente de la Diputación, David Toscano, entre otras autoridades.

Antes de finalizar la Gala, Adolfo Zarandieta anunció las fechas de la próxima 52 edición del Festival de Huelva de Cine Iberoamericano, que se celebrará entre el 13 y el 21 de noviembre de 2025.

Premios paralelos

El XXXI Premio Manuel Barba al Mejor Guión, otorgado por la Asociación de la Prensa de Huelva, recayó en Un mundo para mí, de Alejandro Zuno (México). El Premio Radio Exterior de España fue para Aún es de noche en Caracas, de Mariana Rondón y Marité Ugás.

El Premio de la Prensa Iberoamericana, otorgado por los asociados de Periodistas Iberoamericanos de Cine (PIC), distinguió a la película Un futuro brillante (2025), de la uruguaya Lucía Garibaldi. De forma excepcional, el jurado otorgó además una Mención Especial a la colombiana Noviembre, de Tomás Corredor.

El Premio Corazón Roto que entrega la Asociación Cardíaca Nuevo Camino Para el Corazón Onubense (Ancco) distinguió a Doce Lunas, de Victoria Franco. La Escuela de Arte y Superior de Diseño León Ortega otorgó su Premio a la Mejor Fotografía de Largometraje también a esta misma cinta. En la categoría de Mejor Fotografía en Cortometraje, el mismo centro premió Sexo en los 70.

El jurado del IES Pablo Neruda concedió su Premio al Mejor Largometraje a Aún es de noche en Caracas. En lo que respecta al Mejor Cortometraje Nacional, este centro educativo ha premiado a Estela, de Manuel Sicilia.

El premio paralelo que otorga la Casa de Iberoamérica reconoció a Noviembre. Finalmente, el Premio Queer Camilo 2025, otorgado por EL FOC Cultura con Orgullo y fallado por Lorena Martín, Luis Ortiz-Abreu y Nacho Rivera, distinguió a Un mundo para mí (México), de Alejandro Zuno.

La directora belga Cecilia Verheyden ha presentado este martes en la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Xixón/ Gijón (FICX) su segundo largometraje, ‘Skiff’, una película “casi autobiográfica” que rompe con los estereotipos de género y profundiza en las identidades sexuales.

El filme, basado en los recuerdos de familia de la directora, hace referencia desde el título a la actividad deportiva del remo que practica Malou, interpretada por Femke Vanhove, una andrógina adolescente de 15 años que se enamora de la novia de uno de sus hermanos.

Una adolescente acosada

La protagonista, de identidad sexual difusa, sufre el acoso de sus compañeros del club de remo donde se entrena mientras su madre está ausente buscando pareja, y solo le queda la comprensión de su hermano mayor hasta que se enamora de su novia.

En una rueda de prensa celebrada este martes antes del estreno para España en el festival asturiano, en el que compite en la sección oficial a los premios del apartado Retueyos y Rambal, la directora ha dicho haberse inspirado en los recuerdos de las reuniones de su familia con sus tres hermanos varones que influyeron en su etapa adolescente.

La inspiración

“La película surge de la relación que mantenía con mis hermanos varones y de hacerme la pregunta de qué hubiera pasado si me hubiera enamorado de la novia de alguno de ellos, así que en algún sentido es casi autobiográfica”, ha dicho Verheyden.

El filme está estructurado en base a tres ejes fundamentales que son la búsqueda de respuestas sobre “quiénes somos, cómo nos aceptamos y cómo quieres que nos vean los demás”, ha explicado la cineasta.

El segundo largometraje

'Skiff' es el segundo largometraje de Verheyden (Bélgica, 1985) después de 'Ferry' (2021) y de la serie de televisión 'Diamantes turbios' (2023), y plantea la ambigüedad de las difusas fronteras entre lo femenino, lo masculino, lo andrógino y las identidades sexuales.

La directora ha dicho haberse planteado el rodaje como un “juego” entre los géneros masculino y femenino, a partir de una actividad deportiva, como el remo, donde los roles están “muy definidos”.

Las exigencias del guion

La actriz principal, Femke Vanhove, que ha acompañado a la directora en la rueda de prensa, entrenó durante dos años y medio en un club de remo antes del rodaje, obligada por las exigencias del guion.

Vanhove ha explicado que esa actividad deportiva que nunca había practicado fue “una experiencia interesante” que le cambió la vida porque empezó a sentirse “mejor anímica y físicamente”.

Los colores elegidos

La película, una coproducción entre Bélgica, Países Bajos y Suecia, tiene una fotografía cálida con los colores amarillo y azul preponderantes.

Verheyden ha explicado que la elección de esa paleta de colores fue deliberada porque quería destacar dos elementos prioritarios, la cabellera rubia de la protagonista, la tonalidad de las palas de remo y la luminosidad del agua.