Estaba dispuesto a hacer una de las películas más impresionantes del momento. Para conseguirlo, dos años antes de comenzar el rodaje, James Cameron realizó hasta 12 inmersiones que le permitieron pasearse por los restos del Titanic, hundido a unos 600 km de la costa de Newfoundland, en Canadá. 

El cineasta investigó a fondo la historia de este barco que acabó en las profundidades del mar tras chocar con un iceberg en 1912, y todo lo que aprendió lo plasmó en un largometraje que llegó a cines en 1997. La superproducción de Cameron consiguió 11 premios Oscar de un total de 14 nominaciones, y convirtió a Leonardo Di Caprio y Kate Winslet en verdaderas estrellas.

Pero para los protagonistas del filme no todo fue alegría y diversión. Los 160 días que duró el rodaje de la película fueron agotadores, con una combinación de exigencias físicas y técnicas para los actores, que tuvieron que pasar largas horas filmando en el agua. El perfeccionismo de Cameron y la logística de filmar un barco a escala real con cientos de extras y efectos hicieron las jornadas realmente demandantes.

La experiencia de Kate Winslet

Winslet fue de las primeras que dejó entrever lo que había supuesto aquel rodaje. “Tiene un carácter insoportable. Tendrían que pagarme un dineral para que volviera a trabajar con Jim”, llegó a decir del director, que entonces se ganó la fama de perfeccionista intransigente. En una entrevista para el diario Los Angeles Times en mayo de 1997, la actriz compartió con detalle cómo fueron aquellos meses de trabajo. 

“El primer día las grabaciones comenzaron a las cinco de la madrugada, y se prolongaron hasta la una. No estaba preparada para algo así. Hubo muchos días así, en que las tomas duraban 20 horas”, apuntó. “Si parezco asustada, helada y agotada en la película durante las escenas de hundimiento es porque realmente estaba asustada, helada y agotada. Después de tres meses, me sentía físicamente hinchada, magullada y sola sin mi familia”.

En 2022, Cameron confirmó en cierta manera las sensaciones que Winslet había compartido en el momento en que la película sobre el hundimiento de este transatlántico llegó a los cines. “Kate salió de Titanic un poco traumatizada por la escala de la producción y por su responsabilidad dentro de ella”, declaró entonces a Radio Times.

Actriz y director estuvieron 25 años sin trabajar juntos, lo que alimentó las teorías sobre la existencia de una mala relación entre ambos. Sin embargo, las dudas se despejaron con Avatar: El Sentido del Agua, película en la que volvieron a colaborar. “Jim está mucho más tranquilo ahora”, compartió Winslet durante la promoción del filme en 2022.

La mayoría de los actores de Hollywood sueñan con dirigir una película algún día y algunos han conseguido hacer su sueño realidad. Es el caso de Bradley Cooper, por ejemplo, quien debutó como cineasta en 2019 con Ha nacido una estrella, película que dirigió y coprotagonizó junto a Lady Gaga después de llevar años actuando frente a la cámara. Nunca será el caso de Leonardo DiCaprio. Al menos, eso es lo que lleva defendiendo el ganador del Oscar desde hace varios años.

En una entrevista para Variety en la que el actor explicó el infierno que fue el rodaje de El Renacido, papel que le valió el Oscar, DiCaprio sentenció que no tenía ninguna intención de convertirse en director de cine. “He tenido tanta suerte de trabajar con algunos grandes cineastas que probablemente eso me condene a no llegar nunca a trabajar como director”, empezó explicando en 2016. “No creo que pudiera compararme con lo que he visto. Hay tantísimas cosas que entran en juego cuando se hace una película… De verdad, no sé cómo lo hacen”.

El actor, que ha destacado con sus interpretaciones en películas comoTitanic (1997), Origen (2010), Django desencadenado (2012) o El lobo de Wall Street (2013), ha trabajado con algunos de los directores más importantes de Hollywood. Desde James Cameron hasta Martin Scorsese, pasando por Christopher Nolan, Quentin Tarantino y Ridley Scott, entre muchos otros.

El actor no cambia de opinión diez años después

Casi diez años después de aquellas declaraciones, el estadounidense ha vuelto a poner sobre la mesa su negativa de dirigir. “Algunas personas me han preguntado si quiero dirigir”, señaló en un evento de Time celebrado hace unos días en Nueva York. “Yo les digo: Nunca querría dirigir. Nunca podría hacer nada parecido a lo que hace Martin Scorsese. ¿Por qué haría eso?”, confesó DiCaprio.

El actor, que fue reconocido como Artista del Año 2025 por la revista, compartió escenario después con el director de Shutter Island (2010), con el que mantuvo una conversación de unos 25 minutos. “He estado muy concentrado en lo que he estado haciendo como actor. Tomas decisiones, interpretas personajes, intentas adentrarte en lo más profundo de su alma tanto como puedas… Me hubiera encantado ser mucho más voyeur, observar lo que haces tras las cámaras”, le dijo a Scorsese. 

El dúo de actor y director se encuentra en preproducción de su séptima colaboración: una adaptación de la novela de fantasmas Lo que pasa de noche, del autor Peter Cameron, para Apple Original. La película también contará con Jennifer Lawrence como protagonista, que acaba de estrenar Die, My Love junto a Robert Pattinson, y podría ser el primer largometraje de terror dirigido por Scorsese.

La sinopsis del libro en el que se basará el filme dice así. Un matrimonio estadounidense viaja a una fría y remota ciudad europea para adoptar a un niño. Aunque su relación está muy deteriorada a causa de la grave enfermedad de ella, creen que un hijo les ayudará a recuperar la alegría. Mientras esperan noticias del orfanato en el decadente hotel donde se alojan, la pareja se verá envuelta en una serie de misteriosos sucesos.

Año 1823. Estados Unidos. Hugh Glass, un explorador del siglo XIX, es atacado por un oso y dado por muerto por sus compañeros. Gravemente herido y solo en un territorio salvaje y hostil, Glass lucha por sobrevivir, enfrentándose al frío y los animales salvajes. Su objetivo principal es vengarse de John Fitzgerald, compañero que lo abandonó a su suerte. Así podemos concluir la sinopsis de El renacido, una de las mejores películas protagonizadas por Leonardo DiCaprio. 

Pero este largometraje dirigido por Alejandro González Iñárritu tiene mucho más que comentar. Con su papel, DiCrapio se llevó el premio Oscar a mejor actor, el único que ha conseguido en toda su trayectoria en Hollywood. No es para menos. La impresionante actuación del estadounidense dio muchísimo que hablar a finales de 2015, cuando la película basada en la novela de Michael Punke llegó a los cines por primera vez.

El resultado en pantalla fue exquisito, pero lo más asombroso fue enterarse de los detalles del rodaje, donde el actor tuvo que enfrentarse a condiciones extremas. “Podría mencionar treinta o cuarenta secuencias que fueron de las cosas más difíciles que he tenido que hacer. Desde entrar y salir de ríos helados, dormir en cadáveres de animales o hasta lo que comía en el set. Estaba constantemente expuesto a un frío glacial y a la posibilidad de hipotermia”, señaló DiCaprio.

Meterse por completo en el papel

En las entrevistas para promocionar la película, el actor confesó que había mucha realidad detrás de las escenas que se pueden ver en pantalla. En una de las más míticas podemos ver a su personaje, Hugh Glass, comiendo hígado crudo. La escena fue real y no simulada. “Desde luego, no como hígado de bisonte crudo habitualmente. Cuando vean la película, verán mi reacción, porque Alejandro la dejó. Lo dice todo. Fue una reacción instintiva”, compartió entonces. 

González Iñárritu también explicó que hubo tomas únicas y complejas que duraron varios minutos y que a veces filmaron a temperaturas de 30 grados bajo cero. “Las condiciones estuvieron en nuestra contra todo el tiempo”, señaló el director. En este escenario, DiCaprio pasó horas con ropa mojada, tumbado sobre la nieve e incluso tuvo que meterse varias veces en ríos congelados.

Otra de las escenas míticas de El Renacido tiene lugar cuando el protagonista es atacado por un oso. El actor tampoco se libró de la acción en esta parte del rodaje. “No voy a dar detalles sobre cómo lo hicimos. Pero te diré que implicó cables, muchísimos ensayos y volé por el bosque. Fue bastante agotador”, señaló.

Leonardo DiCaprio no consiguió el Oscar a mejor actor con Titanic, El lobo de Wall Street ni Origen. Tampoco con El aviador, Django desencadenado, Atrápame si puedes ni Revolutionary Road. El premio llegó finalmente en la edición de 2016 gracias a esta película en la que comió hígado crudo y nadó en aguas congeladas para meterse por completo en el papel. 

Paul Thomas Anderson lleva muchos años soñando con adaptar uno de sus libros favoritos, el Vineland de Thomas Pynchon. Su anterior experiencia adaptando al escritor, Puro Vicio, acabó siendo un filme irregular y alucinado que fue el que peores críticas recibió de su filmografía. Quizás por ello, quizás por el propio material, hiperbólico, complejo y esos que llevan la etiqueta de inadaptable pegada, el cineasta se resistía a acometer el proyecto a pesar de que siempre decía que quería hacerlo.

35 años después de su publicación. 29 después de su debut. 11 desde su anterior adaptación de Pynchon, y cuatro desde su último estreno, Licorice Pizza, Paul Thomas Anderson ha acometido su película más ambiciosa —cifran su presupuesto en más de 100 millones— para cumplir finalmente su sueño. Lo hace entendiendo que la única forma de ser fiel a Pynchon era siendo, irónicamente, tremendamente infiel. De aquella novela, ambientada en la época de Reagan y que indagaba en qué quedaba de los grupos revolucionarios de los 60, Anderson se queda con ciertos mimbres temáticos, pero, sobre todo, con la esencia del libro para hacer la mejor adaptación posible y, sin duda, una de las mejores películas del año.

En uno de los principales cambios, y uno de los más lógicos, Anderson se trae la historia al presente para ver qué queda de los grupos revolucionarios ahora, en un momento en el que los migrantes están en jaulas, como enseña en su contundente primera escena. Ahora Reagan es Donald Trump y sus políticas se sienten en todos los costados de la sociedad, especialmente en aquellas comunidades donde los latinos son mayoría.

Aquí el grupo revolucionario, en el que milita un Leonardo DiCaprio como héroe fumeta que tiene mucho de El Nota de El Gran Lebowski, se deja el cuerpo para liberar a los migrantes hasta el momento en el que cogen a una de sus integrantes —esa Perfidia con nombre icónico—, también pareja del personaje de DiCaprio. Ahí entra en juego el villano desquiciado, exagerado y sobreactuado (voluntariamente) al que da vida Sean Penn, supremacista blanco tan pendiente de limpiar la raza blanca americana como de satisfacer su fetichismo por una mujer negra.

La película da un salto en el tiempo para crear un viaje febril y colocado, tanto como lo está el personaje de DiCaprio, a un presente en el que los movimientos revolucionarios han sido aniquilados, pero donde probablemente sean más necesarios que nunca. A través de una historia de venganza, Paul Thomas Anderson construye su película más eminentemente política. Una que nos dice claramente que la lucha activa debe, como el cariño, ser transmitida de generación en generación si queremos que haya algún futuro. Lo hace a través de esa transmisión generacional entre el personaje de DiCaprio —cuyo look está condenado a ser imitado en fiestas de disfraces y ser parte de la historia del cine— y su hija.

Aunque sea una película política hasta el último de sus fotogramas, Anderson lo hace desde el juego, desde la mezcla de tonos y géneros más heterogénea e iconoclasta posible. Una batalla tras otra es un thriller político, una película de acción tremendamente sexy, una comedia negrísima y hasta absurda y, en su corazón, una hermosísima historia sobre los vínculos paternofiliales y qué es lo que nos hace una familia, si la sangre o los valores que se transmiten en la educación.

Todo esto lo hace con un guion complejísimo, que en apariencia es desquiciado y que, sin embargo, nunca llega a desbordarse. Enlaza escenas, como pasaba en Licorice Pizza, que parecen disonantes entre sí, para ir componiendo un puzle que solo se atisba cuando han concluido esas dos horas y media de película que, por suerte, se pasan volando. Una película mutante, que se transforma constantemente y que, sin embargo, siempre es fiel a sí misma y a su espíritu.

Si Sean Penn se rinde al exceso, sorprende la forma de encontrar el equilibrio de Leonardo DiCaprio en una de sus mejores interpretaciones. Se le nota disfrutar, juega incluso al humor físico, pero midiendo cada gesto para nunca pasarse de la raya. Está lejos de lo que hizo Joaquin Phoenix en Puro vicio o lo que el mismo actor hizo recientemente en Eddington, película con la que Una batalla tras otra haría un buen programa doble.

Tanto Paul Thomas Anderson como Ari Aster se revelan como dos cineastas tremendamente preocupados por el presente de su país hasta el punto de realizar dos películas políticas en filmografías que no se habían caracterizado por ello. Pero mientras que Aster acaba fagocitado por su exceso, la maestría de Anderson es la que le eleva por encima de muchas propuestas recientes. No se deja llevar por la tentadora sátira, sino que consigue ser divertida tomándose en serio cada una de sus ideas. Una carcajada puede ir acompañada de un latigazo político de altura sin que nada chirríe. 

Consigue, además, una película visualmente fascinante con escenas para el recuerdo. Ese parkour a contraluz que termina en caída; todo lo que envuelve a ese sensei latino defensor de los migrantes que interpreta con calidez un sobresaliente Benicio del Toro y, sobre todo, una persecución final por las carreteras del desierto que es imposible borrar de la memoria.

Pero, sobre todo, lo que late en su interior es la reflexión pertinente sobre un presente que necesite que las revoluciones no acaben, que el inconformismo, la queja y la lucha estén en los más jóvenes. Paul Thomas Anderson lo escenifica de forma contundente con una escena final hermosa y emocionantísima, el abrazo de un padre a su hija que tiene mucho de transmisión de legado. 

Cada cierto tiempo regresa el debate de qué directores actuales están destinados a ser historia del cine. Paul Thomas Anderson lleva años reivindicando su lugar, pero con Una batalla tras otra deja claro que merece estar en esa lista, y puede que hasta merezca un Oscar que se le resiste desde Boogie Nights.

El actor Leonardo DiCaprio ha compartido con sus más de 60 millones de seguidores en Instagram una publicación en la que celebra que el lince ibérico se haya desprendido de la etiqueta “críticamente amenazado”. Junto a la imagen de un ejemplar de lince, la publicación del también productor estadounidense recoge la noticia con el estilo propio del teaser de una película: “Un gato salvaje europeo estaba casi extinguido; ahora está reapareciendo”.

De esta forma, DiCaprio –que se define a sí mismo en su biografía como “actor y ambientalista”– se hace eco de la noticia que se conoció el pasado 20 de junio: el lince ya no está en peligro de extinción, aunque mantiene la categoría de “vulnerable” en la Lista Roja de Especies Amenazadas que elabora la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN). La buena nueva es el resultado de dos largas décadas de esfuerzos para salvar a un animal único, que el propio DiCaprio reconoce en su post como “símbolo de la península ibérica”.

“Los conservacionistas se esforzaron por preservar el hábitat y las presas del lince ibérico, pero también consiguieron que los cazadores y agricultores locales se sumaran a bordo, incluso a través de campañas en periódicos y redes sociales. En pocos años, la población del lince ibérico aumentó”, explica la publicación del oscarizado actor, citando una información de la sección sobre el clima del Washington Post.

Actor y ambientalista

Además de protagonizar películas como Titanic o El Renacido, Leonardo DiCaprio es conocido por ser un comprometido activista ambiental, cuya defensa de la naturaleza lo ha llevado a luchar contra el cambio climático, el calentamiento global o la extinción de especies protegidas. Como le ha reconocido Naciones Unidas, de quien es Mensajero de la Paz, DiCpario creó a los 24 años la fundación que lleva su nombre con la misión de “proteger los últimos lugares silvestres de la Tierra y aplicar soluciones para forjar una relación más armoniosa entre la humanidad y la naturaleza”.

Desde entonces, se ha sumado a diferentes campañas de concienciación y ha producido varios documentales de esta temática (entre ellos, Before the Flood, 2016) con el objetivo de proteger la biodiversidad, la conservación de los bosques y los océanos, así como de concienciar a la sociedad sobre los problemas medioambientales que acechan al planeta. “Debemos colaborar como una sola voz para exigir que se tomen más medidas en la actualidad, nuestra supervivencia depende de ello”, alertó el propio DiCaprio.

Cada persona tiene sus propias ideas sobre qué es el amor. Está comprobado que se trata de un sentimiento químico: la dopamina actúa como neurotransmisora para hacernos sentir placer y atracción. Pero también se trata de un tipo de afecto abstracto, ya que está en la personalidad y experiencia de cada cual sentir y actuar de una manera u otra; sea con una pareja sentimental, con un amigo o con un familiar. 

Crecemos con las ideas románticas de que “un clavo saca a otro clavo” o de que “cuando estás enamorado no hay límites”. “El amor no tiene edad”, dicen, “no elegimos de quién nos enamoramos”. Y, entre los refranes más conocidos sobre este sentimiento, está el de “ni abril sin flores ni juventud sin amores”, haciendo alusión a que durante la adolescencia las personas suelen enamorarse más. Pero hay quienes se saltan el dicho y parecen llevar esa norma a la espalda durante toda su vida, enamorándose de personas mucho más jóvenes. Y, en algunos casos, repetidas veces. 

En numerosas ocasiones hemos visto cómo a la comunidad de Instagram, de X (antes Twitter) o de TikTok, le llama la atención este tipo de relaciones. Las que más virales se hacen al publicarse decenas de titulares o centenares de memes son en las que un hombre famoso empieza a salir con una chica llamativamente más joven que él. 

En la prensa del corazón española encontramos a Kiko Matamoros, de 66 años, quien se casó a principios del pasado verano con Marta López Álamo, modelo e influencer de 26; se sacan 40 años. Otra pareja cuya diferencia de edad fue ampliamente comentada es la que formaban la modelo Laura Escanes y el presentador Risto Mejide, quienes se conocieron cuando ella tenía 19 años y él 41. Este es un patrón que repite el actor y productor de cine Leonardo DiCaprio con sus novias, y no parece cansarse de él. Hace poco conocíamos que su nueva pareja es Vittoria Ceretti, una reconocida modelo italiana de 25 años. Ella ha roto con la 'norma' que ha seguido el estadounidense de dejar a sus novias cuando cumplen el cuarto de siglo por otra más joven, aunque él siga cumpliendo años. 

Desde mediados de los años 90 hasta la actualidad, DiCaprio ha tenido más de una decena de parejas sentimentales. En la adolescencia fue la modelo Bridget Hall quien le robó el corazón con 17 años, tres menos que él. Con 23, época de estreno y explosión de la exitosa película Titanic, el actor tuvo varias parejas (todas menores de 25 años) pero ninguna estable. En el año 2000 comenzó una relación con la supermodelo brasileña Gisele Bündchen, la cual no llegó a los cinco años de duración, justo cuando ella cumplía los 25. Tras esa ruptura conoció a Bar Refaeli, 10 años menor que él. Estuvieron juntos hasta 2009, cuando la actriz y presentadora israelí soplaba las velas de sus 25 años.

Tras varios romances pasajeros, DiCaprio empezó a salir con la modelo Camila Morrone, hasta que decidieron ponerle fin a una relación de cinco años; algo que ocurrió dos meses después de que ella cumpliese los 25. Su última pareja conocida antes de Ceretti fue la modelo estadounidense Megan Roche; ella tenía 22 años, 26 menos que él. No parecen necesarios más ejemplos para observar con claridad que el famoso actor lleva un patrón en sus relaciones condicionado por la edad de las mujeres con las que empieza a salir y, sobre todo, la edad que tienen cuando decide dejarlas por otra. 

En redes sociales su comportamiento ha sido ampliamente comentado, aparte de convertirse en material de primera para memes. “Titanic ha hecho 25 años, ya es más vieja que cualquiera de las novias de Leonardo DiCaprio”, comenta una usuaria. “Qué lindo DiCaprio preocupándose por el medioambiente, se nota que quiere un planeta mejor para sus próximas novias”, escribe otra siguiendo el juego.

Otros crean infografías con estadísticas que reflejan el anecdótico límite de edad de las parejas en cuestión, e incluso existen hilos con teorías sobre el tema: “DiCaprio no le termina a sus novias cuando cumplen 25, sino que ellas llegan por fin al nivel de madurez necesario para visualizar con más herramientas la relación que tienen con un tipo estancado emocionalmente que podría ser fácilmente su papá y se largan de ahí”, escribe una joven en X. 

Se normalizan las parejas con diferencia de edad, pero solo si ellos son mayores

Existen distintas investigaciones que concluyen que, en términos generales, a mayor diferencia de edad, menor posibilidad de que la pareja funcione. Sin embargo, seguimos encontrando el llamado 'complejo de Lolita', nombrado así a partir de la novela de Nabokov (hombres a los que les gustan las mujeres con aspecto aniñado), tanto en el mundo de los famosos como en nuestro día a día.

Para la socióloga especializada en diversidad e igualdad Raquel Jiménez Manzano, que se normalicen este tipo de relaciones entre dos personas con gran diferencia de edad tiene que ver “con algo tradicional”. “Que un hombre sea mucho mayor que una mujer en una relación siempre ha existido y se ha justificado con la diferencia en base a la diferencia del proceso madurativo. Es decir, siempre se ha señalado que, en general, los hombres maduran más tarde que las mujeres y, por tanto, la diferencia de edad estaría compensada por la madurez”, sostiene.

Si históricamente hemos normalizado que el hombre sea el mayor, también deberíamos hacerlo al revés y dejar de ridiculizarlas

Raquel Jiménez Manzano — socióloga especializada en igualdad y diversidad

Aunque entendamos que “los hombres se acercan a mujeres más jóvenes por intereses sexuales”, para la socióloga “cada vez hay menos diferencias entre los pensamientos y el físico a diferentes edades”, por lo que entiende la normalización de estas relaciones. Por contra, señala que esta normalización no existe cuando la mujer es la mayor sino que, por el contrario, se la juzga de manera pública.

“Los distintos juicios que se hacen en función del género de la persona mayor están relacionados con los estereotipos de género. Por ejemplo, en el caso de Nicholas Sarkozy y Carla Bruni, donde la diferencia de edad era de 13 años y, en el caso de Emmanuel Macron y su mujer Brigitte, donde la diferencia es de 24 años —ella mayor que él—, los comentarios hacia Briggitte fueron muy, muy desagradables. Sin embargo, cuando se da el caso contrario la gente lo ve como que la persona joven (una chica) está buscando estabilidad y experiencia. Si históricamente hemos normalizado que el hombre sea el mayor, también deberíamos hacerlo al revés y dejar de ridiculizarlas”, reflexiona Jiménez Manzano.

Aunque la experta lamenta que se hagan juicios de estas relaciones sentimentales, sea la persona mayor de un género u otro, cree que “no debemos caer en las ideas del amor romántico de que es una fuerza que lo puede todo”. “En este tipo de relaciones, llega un momento en el que la persona mayor deja de ser una persona adulta para convertirse en una que necesita cuidados cuando su pareja aún está en otra etapa vital de tener nuevas experiencias, algo que puede romper relaciones que se creían totalmente consolidadas”, dice.

No podemos saber qué hay exactamente tras el comportamiento de estas personas más mayores que sus parejas. Según Sergio García Soriano, psicólogo especializado en vínculos de pareja, sí pueden barajarse diferentes patrones. “La mente es compleja”, dice, “puede que sea simplemente un gusto personal hacia personas más jóvenes pero, en este caso [el de DiCaprio], acabar el análisis aquí se quedaría corto. Si existe una condición sine qua non de que sus parejas sean extremadamente jóvenes puede tener varias lecturas”.

El psicólogo plantea diferentes motivaciones que podrían responder a, desde el gusto de una persona madura por la inocencia infinita y un afán por enseñar su experiencia a diferentes personas, a un deseo de no bajar el ritmo ni la pasión sexual que se ha sentido desde los 20 años; hasta un complejo inconsciente de la eterna juventud si se observa esta conducta desde la mirada psicoanalítica. 

“Una pareja más joven siempre revitaliza la vida sexual de aquellas que llegan a los 50 años, y es algo que podemos ver habitualmente porque socialmente está bien visto. Muchos lo ven como un 'trofeo' porque para ellos significa algo prestigioso poder enamorar a chicas jóvenes. Sin embargo, en este caso debemos considerar la posible existencia de un complejo de Edipo”, sostiene García Soriano refiriéndose a los casos en los que la diferencia de edad podría corresponderse con la de un padre y una hija. “El incesto es algo que hemos superado a lo largo de los siglos, pero en ocasiones puede tener algo que ver en nuestros comportamientos diarios”.

En este tipo de relaciones, llega un momento en el que la persona mayor deja de ser una persona adulta para convertirse en una que necesita cuidados cuando su pareja aún está en otra etapa vital, algo que puede romper relaciones que se creían consolidadas

Raquel Jiménez Manzano — socióloga especializada en diversidad e igualdad

Según García Soriano, en la mayoría de los casos y sobre todo en las relaciones sentimentales, buscamos más el carpe diem que un enamoramiento sin fecha de caducidad. “La motivación de las chicas que salen con DiCaprio seguramente tenga que ver más con una fantasía erótica y con el vivir el día a día de un amor romántico que con la búsqueda de un proyecto de futuro. Ellas también pueden estar buscando una figura paterna en su pareja —nuevamente una característica del complejo de Edipo—, a sabiendas de que todo será a corto o medio plazo porque él aún actúa como si tuviese relaciones adolescentes”, opina García Soriano.

Otro rasgo atribuible a algunos de estos casos, según el psicólogo, es el del complejo de Peter Pan. Aplicado a este tipo de situaciones, este se explica por un cambio en la actitud de la persona más mayor que se empieza a comportar como alguien más joven con el fin de seducir al otro: cambios en la vestimenta, en los sitios frecuentados y hasta en la forma de hablar para acercarse los códigos generacionales que les son ajenos. “Una persona de 20 años se puede enamorar de una de 60, aunque en ocasiones esas parejas no duren por las diferencias en sus momentos vitales y necesidades”, concluye García Soriano. 

El cine construye relatos e imaginarios. El wéstern, el genero que dominó Hollywood durante años, inculcó una historia oficial que poco tenía que ver con la realidad. Para ellos, en el lejano Oeste los malos eran los indios. Salvajes, despiadados y crueles. Daba igual que les hubieran arrancado sus tierras y masacrado a su gente, para Hollywood eran los colonizadores los que tenían el derecho sobre el paisaje y sobre el relato. El resultado fue impecable. Los niños juegan a indios y vaqueros, pero son los segundos los buenos y los primeros los enemigos, a los que hay que matar. 

Mientras que el cine y la ficción han ido corrigiendo representaciones, especialmente en los últimos años, el ajuste de cuentas con la comunidad nativa americana no terminaba de darse. Las revisiones del wéstern se han hecho desde el género, o desde una mirada posmoderna, pero nunca atacando a esos principios fundacionales que establecieron esas películas. De alguna forma lo hacía Kelly Reichardt, mostrando en First Cow que en el inicio de todo solo estaba el capitalismo más desatado, pero no prestaba atención a la cantidad de reservas indias destrozadas y aniquiladas.

Ha tenido que llegar Martin Scorsese para clavar su bisturí a los cimientos de la historia de EEUU. El director decía en la previa de estreno del filme en el Festival de Cannes que esta era una película importante. Ese era el adjetivo que utilizaba. Y vaya si lo es. Killers of the flower moon es un acto de memoria histórica, de justicia y una petición de perdón. Y por empezar por el final lo hace con una última escena que, si bien conviene no revelar, es uno de los momentos más potentes que uno recuerde en la filmografía de un director que ha regalado decenas de ellos. En vez de acabar con las dichosas cartelas que cuentan lo que ocurrió después con las personas reales en las que se basan los personajes, Scorsese se saca de la manga un truco de absoluto genio para contar la historia de la comunidad Osage y para entonar un mea culpa que todavía no ha llegado desde la ficción. Es imposible no emocionarse con esa declaración sincera y honda entonada por el director. Puede que en su conjunto el filme no sean tan redondo e impecable como El irlandés, pero su honestidad cala hondo.

La adaptación del libro de David Grann se convierte en el primer wéstern de Scorsese, aunque pasado por su filtro se transforma en un wéstern de mafiosos. Podría ser perfectamente uno de los filmes de gánsters del director, solo que en los años 20. Los temas de Killers of the flower moon son los que siempre le han obsesionado: la corrupción y la avaricia como el comienzo de todo. La desaparición de los valores. Lo que aquí es diferente es que une todo ello al inicio de EEUU como país moderno. Un país que se construye sobre el genocidio, primero de las comunidades nativas, y luego de la comunidad negra. Un país que se basa en la corrupción y el racismo. En un supremacismo blanco que se materializa en cuanto aparece el dinero.

La película cuenta la historia real de la comunidad Osage, que desde 1920 y durante años se convirtió en la más rica del país. La tierra que les concedieron estaba llena de petróleo, lo que les transformó en nuevos ricos, algo que los blancos no iban a permitir. A través de la obligación de tener tutores legales establecieron una red de asesinatos que acabó con la vida un gran número de miembros de la comunidad. A través de la historia real de Molly Burkhart, Scorsese cuenta una página oscura de la historia de EEUU, pero una que sirve como resumen de otras muchas. Una que, por supuesto, no suele contarse en los colegios.

Hay que decir que a Killers of the flower moon le falta la hondura histórica que sí tiene el ensayo periodístico de Grann. Scorsese comienza dubitativo, con la imperiosa necesidad de contar muchas cosas en poco tiempo, y eso hace que no se explique en profundidad la historia de los nativos, su transformación en ricos y cómo poco a poco fueron privados de sus derechos. También prescinde de la parte que el libro dedica a la creación del FBI, a la aparición de investigadores privados que sustituyen a la obsoleta figura del sheriff en un país que busca imponer algo de orden en su salto a la modernidad. A cambio une la aniquilación de los Osage con la aparición del Ku Klux Klan y con los motines raciales de Tulsa en el Black Wall Street de 1921 que también (y tan bien) retrató la serie Watchmen.

Entre los cambios destaca la poca importancia que le da Scorsese en mostrar quiénes son ‘los malos’ desde casi el comienzo. No le interesa el suspense, sino mostrar el modus operandi que la comunidad blanca ideó para acabar con el resto. Para imponer un supremacismo racial que todavía hoy sigue. Calma su nervio cinematográfico, aunque sus largos y virtuosos planos siguen ahí. El montaje de Thelma Schoonmaker es una filigrana. Un ejercicio de estilo que logra que todo cuadre a pesar de la complejidad de la historia. Se ha hablado mucho de la duración del filme, que roza las tres horas y media, pero es imposible contarla en menos tiempo. Hasta falta. Uno podría estar dentro de Killers of the Flower moon durante horas y seguiría siendo apasionante. 

La capacidad de Scorsese de seguir creando escenas que se claven en la retina sigue siendo sorprendente. Desde el baile inicial de los Osage entre petróleo a cámara lenta; al terrorífico plano de toda la mafia (blanca) mirando al personaje de Leonardo DiCaprio. El actor se arriesga con una interpretación que comienza en la mueca y acaba convenciendo. Un personaje patético que se cree sus mentiras. Que ama el dinero por encima de todo. A su lado un Robert De Niro descomunal como el tío de DiCaprio. Un personaje escrito para él que le sienta como un guante. Suyas son las mejores escenas y los mejores diálogos que paladea como dardos envenenados. A su lado la sorpresa de Lily Gladstone, descubierta por Kelly Reichardt en Certain Woman y que estaba a punto de dejar la actuación cuando Scorsese le hizo este regalo como actriz y como descendiente de nativos americanos. Una película contundente, eléctrica y, aunque a muchos no les guste, necesaria. Un ajuste de cuentas con la historia a través de uno de los grandes maestros de la historia del cine.

Un acto de respeto

A la rueda de prensa más concurrida del festival de Cannes no solo acudieron Scorsese, DiCaprio, De Niro y Galdstone, sino que junto a ellos se encontraba el líder de la nación Osage, Geoffrey Standing Bear, que explicó la importancia para ellos de una película en la que se les ha escuchado en todo momento. “Se ha restaurado la confianza”, dijo sobre el valor de Killers of the flower moon. “Cuando me presentaron el guion entendí rápidamente que para acercarse a esta tribu había que hacerlo con mucho respeto”, añadió Scorsese.

Cuando me presentaron el guion entendí rápidamente que para acercarse a esta tribu había que hacerlo con mucho respeto

Martin Scorsese — Director de cine

Un proyecto que ha sido costoso, no solo por el dinero, sino por verse afectado por la pandemia y por el mimo con el que Scorsese se ha acercado a un tema tan espinoso.“¿Que por qué me arriesgo a mi edad? ¿Qué otra cosa voy a hacer? ¿Algo cómodo?”, decía el director sobre su filme. También señaló que gracias a este rodaje ha descubierto “valores sobre el amor, el respeto y la tierra” que le unen a la comunidad nativa. “No me refiero en este momento a una cuestión política, sino a entender realmente cómo vivir en este planeta. Y descubrí que esos valores eran muy importantes para mí. Hablar con ellos y todo el proceso de documentación me ha reorientado en cuanto a lo que estamos haciendo aquí en la tierra”.

Quienes si hablaron de política fueron Lily Gladstone y Robert De Niro. La primera subrayó una diferencia clave de esta adaptación, y es que estaba contada desde un punto de vista de ellos. “Lo que hicimos trasciende lo antropológico. ¿Por qué diablos el mundo no sabe todas estas cosas que pasaron? Nuestras comunidades siempre han estado ahí, necesitamos estos aliados”, dijo Lily Gladstone. 

Para de Niro, en los últimos años ha habido un resurgir que le ha hecho darse cuenta del “racismo sistémico que hay tras lo ocurrido con George Floyd”. “Lo que pasó con los Osage nunca lo supimos, nunca supimos del Black Wall Street. Es la banalidad del mal”, dijo y atizó al expresidente de EEUU: “Ya todos sabemos de quién voy a hablar, pero no voy a decir el nombre porque ese tío es estúpido. Bueno, sí, Trump. Es algo sistémico y esa es la parte que más asusta”, zanjó.

El momento emotivo lo puso DiCaprio cuando le preguntaron por qué creía que Scorsese era uno de los directores más importantes de la historia del cine. “Crecí viendo las películas. Ha influido todo lo que he hecho como actor, pero también en toda nuestra industria”, dijo y destacó “su deseo por contar la verdad en sus historias, por muy feas y sucias o raras o incómodas que sean, es lo que le ha convertido en un maestro y en uno de los grandes directores que no tiene comparación. Es el director más singular de nuestro tiempo y sigue haciendo películas increíbles que cuentan historias importantes, como ésta”.

Si la localidad cacereña de Trujillo ha brillado siempre por su monumentalidad, ahora lo hará por otra razón. Este viernes se instala la primera piedra de la fábrica de diamantes artificiales de la empresa estadounidense Diamond Foundry, con una inversión de 670 millones de euros, y cuyo mayor accionista es el actor Leonardo DiCaprio. La ministra de Política Territorial, Isabel Rodríguez, acompañada del presidente de la Junta de Extremadura, Guillermo Fernández Vara, y el alcalde de Trujillo, José Antonio Redondo, proceden este viernes a la colocación de la primera piedra, en un acto en el que también se enterrará una “cápsula del tiempo”, que como es habitual llevará en su interior periódicos del día, un pergamino escrito por el alcalde, y otros detalles que recuerden el día del inicio de las obras. Al acto no asistirá Leonardo DiCaprio, pero sí está confirmado que lo hará el presidente y fundador de Diamond Foundry, Martin Roscheisen.

La fábrica se ubica en el polígono industrial Arroyo Caballo, donde la empresa ya ha comprado una parcela de 84.000 metros cuadrados por 1,7 millones de euros, y donde ya se han iniciado los movimientos de tierra y los trabajos para el soterramiento de cables. Se espera que la fábrica, que llevará anexa una planta fotovoltaica de 120 megavatios para autoabastecerse de energía, suponga la creación de 300 puestos de trabajo directos y más de mil indirectos.

Con la fábrica de Trujillo, los diamantes, el carbono cristalizado, no saldrán de la explotación de personas ni de recursos naturales, sino de una tecnología que emulará la acción de la naturaleza, utilizando reactores de plasma para conseguirlo.

La empresa estadounidense estima que llegará a producir cada año alrededor de 1 millón de quilates de diamantes de calidad gema, es decir con una calidad igual al diamante natural.

De hecho, el mismo DiCaprio, protagonista de la película Diamantes de Sangre, con la que se pretendía denunciar el tráfico ilegal de piedras preciosas para financiar las guerrillas en Sierra Leona y por la que optó a un Óscar, afirma, en la misma página web de Diamond Foundry que está muy orgulloso de invertir en este proyecto, que persigue cultivar diamantes “de forma sostenible, sin el coste humano y medioambiental de la minería”. El resultado, por lo tanto, serán diamantes iguales que los extraídos de minas naturales, pero con un modo de producción más ético.

La fábrica cumple con la hoja de ruta marcada

Rafael Benjumea, presidente de Powen, empresa que construirá la planta fotovoltaica y al que se le atribuye el éxito de que este proyecto de la fábrica de diamantes artificiales haya llegado a Trujillo, ciudad con la que está muy vinculado, ha manifestado a elDiario.es Extremadura, que está muy satisfecho con el inicio de las obras. “Ha sido un año y medio largo de intenso trabajo, en el que hemos conseguido cumplir más o menos con los plazos, se ha conseguido seguir la hoja de ruta marcada desde el comienzo”.

Haber llegado hasta aquí “es importantísimo para nosotros, lo que no quiere decir que esté todo hecho, queda mucho por hacer, se trata de una obra muy grande, donde ahora se ha empezado con el movimiento de tierras”. Una vez estén avanzadas las obras de la fábrica se iniciarán los trabajos de instalación de la planta fotovoltaica, de manera que su finalización coincida con el de la factoría de diamantes, que se espera esté en funcionamiento en el segundo trimestre del próximo año, ha señalado Benjumea.

El pasado 10 de febrero se conoció que la Junta de Extremadura concedería una ayuda de 81 millones de euros, a través de la línea de incentivos regionales, ayuda que se suma a los 120 millones de euros concedidos, el pasado año, por el Fondo de Apoyo a la Inversión Industrial del Ministerio de Industria, Comercio y Turismo. Con esta iniciativa empresarial, declarada por la Junta de Extremadura, al año pasado, “Proyecto de Interés Autonómico”, una figura clave para poder optar a ayudas para la contratación de personal y las actividades formativas, Trujillo estará a la vanguardia en la fabricación de diamantes artificiales que, no sólo servirán para formar parte de bellas joyas, sino también para producir semiconductores para la industria del automóvil eléctrico y de la telefonía 5G.

Un millón de quilates de diamantes al año

La empresa estadounidense estima que llegará a producir cada año alrededor de 1 millón de quilates de diamantes de calidad gema, es decir con una calidad igual al diamante natural. Serán diamantes asequibles, sin huella de carbono, sin mafias, ni traficantes a su alrededor, sin perjudicar a la naturaleza, y producidos en Trujillo, ciudad en la que, como prácticamente en toda Extremadura, hay muchas horas de sol, lo que ayudará a que este proyecto sea aún más sostenible.

La mina abre grandes expectativas para el empleo en Extremadura y, sobre todo, en la comarca de Trujillo. La Junta de Extremadura se ha comprometido a destinar un presupuesto importante para la formación de trabajadores en materias profesionales relacionadas con los procesos de producción de la fábrica.

También existe un compromiso, por parte de la empresa, de emplear a trabajadores locales siempre que sea posible, tanto para la construcción de la factoría como para el trabajo diario, una vez terminada. Este 3 de marzo, Trujillo está más cerca que nunca de un Desayuno con diamantes, con Leonardo DiCaprio como protagonista en vez de Audrey Hepburn.

A James Cameron no le vale con haber reventado la taquilla (otra vez) con Avatar: el sentido del agua, la secuela de su éxito que ha rescatado a los cines y ha llevado a las salas a cifras que no veían desde hace muchísimos años. Cameron es el único director que ha encadenado tres películas consecutivas, superando la apoteósica cantidad de los 2.000 millones de dólares en todo el mundo. Lo ha hecho con Avatar 2, que actualmente ya sobrepasa los 2.174 millones de dólares en todo el mundo, una cifra que no se veía desde… su antecesora, Avatar, que en 2009 se estrenaba y acababa su carrera en 2.743 millones. La que también superó esa cifra inalcanzable para la mayoría fue Titanic. 

En 1997 Cameron contaba una historia de amor a bordo del transatlántico más famoso de la historia y arrasaba. Superó los 2.194 millones de dólares y logró 11 Oscar, la cifra más alta de la historia (empatada con Ben-Hur y El retorno del rey). El romance trágico de Jack y Rose cumple 25 años (en España se estrenó en enero de 1998) y como Cameron no tiene límites, estrena una versión remasterizada y en tres dimensiones de su propio clásico. En un giro loco, Titanic y Avatar 2 coincidirán en salas. Dos mastodontes que son el ejemplo de la ambición de su director, y también de su forma de entender el cine como espectáculo hecho para maravillar a un público al que cada vez le cuesta más levantarse del sofá e ir a la sala. Cameron lo consigue, y ahora quiere que la gente pague por ver una película que ya conoce.

De lo que no hay duda es que James Cameron sabe lo que quieren sus fans, y a este reestreno se une la llegada de un documental de National Geographic que en EEUU se ha emitido en Hulu y que, bajo el nombre de Titanic: 25 Years Later, aborda la pregunta que se llevan haciendo los fans desde hace más de dos décadas: ¿cabía Jack en la tabla de madera donde se subió Rose? Desde su estreno, el final de la película ha sido comentado, parodiado y convertido en meme y en chiste. La puerta donde el personaje de Kate Winslet se sube mientras ve a su amado congelarse y ahogarse parece, a ojos del espectador, suficientemente grande para que ambos pudieran subir. 

Una respuesta que Cameron podría haber dado de manera concisa, pero que ha preferido explotar en forma de experimento científico. El director ha recreado la escena usando dos dobles que tienen el mismo peso y altura que la que tenían entonces sus dos protagonistas, Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. Realiza con ellos varias pruebas para ver si, en alguna de ellas, Jack podría haber vivido. En la primera de ellas, ambos se suben a la tabla, porque sí que cabían… pero se hunden, algo que Cameron llevaba aportando mucho tiempo atrás como excusa. Pero el experimento no se queda allí y prueban con otras posturas, como por ejemplo haciendo que solo suban la mitad del cuerpo, con lo que hubieran salvado sus órganos vitales. Una prueba en la que no tienen en cuenta el factor del cansancio de toda la peripecia anterior, por lo que les pide un tercer intento.

Primero pide a los dobles que realicen todo lo que habían hecho Jack y Rose para llegar tan cansados como ellos y le pide a ella que le dé su chaleco cuando ya ha subido a la tabla y está a salvo. Ahí es cuando James Cameron reconoce lo que los fans llevan tanto tiempo diciendo: podrían haber acabado juntos. “Él se estabiliza. Llegamos a una situación en la que, si lo hubiéramos hecho, Jack podría haber aguantado hasta que llegara el bote salvavidas”, reconoce. Lo que nadie tiene en cuenta es que narrativamente la película sería otra. Primero, porque el propio director vendió este filme al estudio como “Romeo y Julieta en el Titanic”. 

Nos enfrentamos a otra crisis llamada cambio climático y es como ese iceberg. Vamos a estrellarnos contra él y lo sufrirán los pobres, no las naciones ricas que lo causaron

James Cameron — Director de cine

Lo ha contado en una rueda de prensa con motivo del 25 aniversario donde ha analizado el fenómeno y ha rechazado que el éxito se debiera a una generación de jóvenes adolescentes enamoradas de Leonardo DiCaprio. Al revés, cree que fue el mensaje feminista y empoderador de la película lo que caló entre la gente. Un mensaje que ha sido reivindicado por directoras como Celine Sciamma, autora de Retrato de una mujer en llamas o Petite Maman, que siempre ha defendido lo revolucionario que fue ver una película de un gran estudio de Hollywood en donde la mujer no quedaba traumatizada por la muerte del amante, sino que se la veía realizada, habiendo conseguido hitos feministas en ese repaso en forma de fotos a la vida de Rose post Titanic. Sciamma también destacaba la escena de sexo en el coche en el que se ve a la mujer tomando la iniciativa y siendo ella la que disfruta, dando la vuelta a los estereotipos patriarcales de la industria.

“Acepto que 100 millones del total de la taquilla puede que fueran por el atractivo de Leonardo DiCaprio para las niñas de 14 años, pero lo que creo que realmente estaba sucediendo es que la película fue un catalizador para las mujeres jóvenes que se encuentran en un punto de su vida en el que la sociedad les dice que no sean quienes realmente son. Que no sean las personas increíbles e ilimitadas que realmente son, y se les dice que se sienten, se callen, y se pongan ese corsé, y hagan lo que espera una sociedad dominada por hombres. Esta es una película que habla de Rose y su realización como persona. Jack fue importante para ella, pero vemos esas fotos después donde se demuestra que tuvo una vida plena. Ella se dio cuenta de todo su potencial y creo que eso habla al lado femenino de la audiencia y a los hombres que se preocupan por esas cosas”, zanjó Cameron.

El director también desveló que Leonardo DiCaprio tardó en decidirse por el proyecto porque no consideraba que su papel fuera “lo suficientemente desafiante”. “Buscaba retos, acabar de hacer A quién ama Gilbert Grape e interpretado a un adicto a las drogas en Diario de un rebelde y quería que su personaje tuviera un problema, algo que lo enfureciese, pero eso no estaba en el guion. Tuve que convencerlo para que interpretara a alguien que no tiene un problema, que de hecho es el más maduro emocionalmente de los dos protagonistas y explicarle que la transferencia de energía y la historia de amor es de Jack hacia Rose. Le dije 'eso va a ser algo muy difícil de hacer'. Solo cuando le convencí de que había un desafío, le interesó la película”, cuenta.

Aunque hayan pasado 25 años, James Cameron cree que en Titanic hay un mensaje que va más allá de la historia de amor y lo hace universal e intergeneracional, y es que muestra cómo las tragedias siempre afectan a los más pobres: “Los que tienen dinero sobreviven, y los pobres mueren. Casi todos los hombres de tercera clase murieron, y la mitad de los niños y las mujeres también. Mientras que en primera clase solo murieron la mitad de los hombres y se salvaron casi todas las mujeres y niños. Hay una fuerte disparidad entre el destino de los pobres y de los ricos cuando hay una crisis. Ahora nos enfrentamos a otra crisis llamada cambio climático y es exactamente como ese maldito iceberg. Vamos a estrellarnos contra él y adivina quién sufrirá más. Los pobres, no las naciones ricas que lo causaron”.

Su papel protagonista en la película 'Diamantes de Sangre', en la que se metía en la piel de un contrabandista y mercenario sudafricano, le enseñó Leonardo DiCaprio el lado menos brillante de la extracción de diamantes. Quizá por eso el actor es el mayor accionista de la fábrica de diamantes artificiales de la compañía Diamond Foundry, que ocupará alrededor de 30.000 metros cuadrados en Extremadura. Lo primero que comenzará a construirse en Trujillo es la planta fotovoltaica de autoconsumo que abastecerá la futura factoría. La inversión prevista es de 670 millones de euros, creará 300 puestos de trabajo directos y más de mil indirectos.

En la web de la empresa promotora, DiCaprio afirma sentirse “orgulloso de invertir en Diamond Foundry, que cultiva diamantes de forma sostenible sin el coste humano y medioambiental de la minería”. El carbono cristalizado que constituye los diamantes ya no saldrá de la explotación de personas ni de recursos naturales, sino de una tecnología que emulará la acción de la naturaleza utilizando reactores de plasma para conseguirlo. El resultado, asegura la empresa, será la producción de diamantes iguales a los extraídos de minas naturales, pero con un modo de producción más ético.

La compañía encargada de construir la planta fotovoltaica será Powen España. Su responsable, Rafael Benjumea, ha manifestado a este diario que ya están muy avanzados todos los trámites administrativos y que esperan comenzar con los movimientos de tierra en breve.

El proyecto de la fábrica, cuyas obras se espera que se inicien a mediados del año que viene para estar en pleno funcionamiento en 2024, fue presentado en la Junta de Extremadura, en junio del año pasado, donde se anunció además la creación de una planta de producción de semiconductores eléctricos basados en diamantes sintéticos. Por lo tanto, los diamantes trujillanos servirán tanto formar parte de bellas joyas, como para producir semiconductores para la industria del automóvil eléctrico y de la telefonía 5G.

La empresa estadounidense estima que llegará a producir cada año alrededor de un millón de quilates de diamantes de calidad gema, es decir con una calidad igual al diamante natural. Según el fabricante, serán diamantes asequibles, sin huella de carbono, sin mafias, ni traficantes a su alrededor, sin perjudicar a la naturaleza, y producidos en Trujillo, ciudad en la que, como prácticamente en toda Extremadura, hay muchas horas de sol, lo que ayudará a que este proyecto sea aún más sostenible.

Las piedras preciosas trujillanas se pueden considerar diamantes de sol, ya que en su proceso de producción tendrá mucho que ver la planta fotovoltaica de la que se abastecerá de energía la fábrica de Diamond Foundry, que lleva más de una década produciendo diamantes artificiales. Esta instalación de autoconsumo solar tendrá una potencia de 120 MW y tendrá un sistema de baterías de hasta 60 MW.

Expectativas para el empleo

La mina abre grandes expectativas para el empleo en Extremadura y, sobre todo, en la comarca, por lo que también hay un compromiso por parte del gobierno extremeño de destinar un presupuesto “importante” para la formación de trabajadores en materias profesionales relacionadas con los procesos de producción de la fábrica. Por su parte, la empresa ha expresado su intención de contratar a trabajadores locales tanto para la construcción de la factoría como para el trabajo diario, una vez terminada.

Hoy, precisamente se ha celebrado una reunión en el Ayuntamiento de Trujillo, entre el presidente del Ejecutivo extremeño, Guillermo Fernández Vara; el alcalde de la localidad, José Antonio Redondo, y los promotores del proyecto, entre ellos, Benjumea, para la firma de dos convenios, uno de ellos para acordar las condiciones urbanísticas de la fábrica, en relación con los accesos, abastecimientos y suministros, y otro con la empresa pública Extremadura Avante para la reserva del terreno en el polígono de más de ocho hectáreas.

También hoy se ha publicado en el DOE que estará a exposición pública durante 30 días hábiles para la presentación de alegaciones, la solicitud de autorización ambiental presentada por las empresas promotoras del proyecto.

El próximo mes, según ha avanzado Fernández Vara, se firmará la financiación pública de la iniciativa y en noviembre podrá comenzar con el movimiento de tierras en la parcela del polígono Arroyo Caballo, que durará unos tres meses.

Con la modificación urbanística de los terrenos donde irá la fábrica de diamantes, aprobada por el pleno del Ayuntamiento de Trujillo, por unanimidad, el pasado mes de agosto, y los dos convenios firmados hoy, se dan grandes paso adelante para que los diamantes dejen de ser, como se decía antiguamente, el mejor amigo de una mujer, para se el mejor amigo de todos los extremeños y, en especial, de los trujillanos.

Ahora queda pendiente conocer con qué financiación pública y privada contará este proyecto, que está pendiente de subvenciones de la Junta de Extremadura, con cargo a los nuevos Fondos FEDER, y del Ministerio de Industria, a través del Fondo de Apoyo a la Inversión Industrial Productiva (FAIIP), así como de la Unión Europea.

Lo que sí es seguro, que si todo sale como está previsto, en 2024 los trujillanos podrán estar desayunando con diamantes, con Leonardo DiCaprio como protagonista en vez de Audrey Hepburn.

En 1945, la bodega de Burdeos Château Mouton Rothschild comenzó a encargar a prestigiosos pintores que personalizaran el diseño de la etiqueta de su vino. Apuesta artística, desde luego, pero que también funcionó como reclamo: Picasso, Braque, Miró, Warhol, Cocteau, Dalí, Balthus o Haring firman algunas de sus añadas. Quizá fuera una de las primeras ocasiones en las que se vinculó de manera directa en el mundo del vino la promoción a través de celebridades artísticas, una relación que a lo largo de las últimas décadas se ha mantenido con mayor o menor fortuna.

Algunos de los últimos ejemplos han sido los de Lady Gaga o Lenny Kravitz, que han firmado recientemente ediciones especiales de Dom Pérignon. Pero hay personajes célebres que no se limitan a poner su cara, diseñar una etiqueta o participar en la promoción de un vino, sino que se meten de lleno en su producción: uno de los proyectos más serios y duraderos, sobre todo por su apuesta por el territorio, es el del cineasta Francis Ford Coppola, que comenzó a adquirir viñedo en 1975 —al año siguiente de estrenar El Padrino II— hasta que en 2006 se hizo con Chateau Souverain en Sonoma, California. No solo elabora vinus: el enoturismo (restaurante incluido) es una parte fundamental de su empresa. Varios de sus vinos fueron servidos en el almuerzo de nominados a los Premios Oscar el pasado 7 de marzo, junto al champagne rosado que Brad Pitt elabora en colaboración con las familias Perrin y Péters.

Pitt y su expareja Angelina Jolie forman parte de la lista de las personalidades del mundo del cine que han seguido los pasos de Coppola, demostrando también cierto compromiso por la calidad de su vino, más allá de considerarlo una inversión. Ellos fijaron su interés en Côtes de Provence y encargaron la elaboración de su rosado Château Miraval a Marc Perrin, miembro de una conocida familia de elaboradores del Ródano. Para sacar adelante su champagne, Pitt (ahora en solitario) se ha asociado también con la familia Péters, de Le Mesnil-sur-Oger Otra de las estrellas más rutilantes del universo Hollywood, Leonardo DiCaprio, también se ha implicado en la producción de un vino y cómo no, ha sido con una bodega de marcado compromiso medioambiental, Champagne Telmont, de la que el ganador de un Oscar por El renacido se ha convertido en accionista. Antes que ellos, el músico Sting y su pareja, la actriz Trudie Styler, apostaron por elaborar su propio vino en la Toscana. 

Sanclodio, en Ribeiro, fue el proyecto con el que el director de cine José Luis Cuerda volcó su amor por Galicia tras haber rodado allí La lengua de las mariposas, y después de haber triunfado como productor de Los otros, de Alejandro Amenábar. El vino del cineasta es un blanco con variedades autóctonas de la zona: Treixadura, Loureira, Godello y Albariño. Ahora una de sus hijas, Elena, continúa al frente de la bodega en el Valle del Avia. El diseñador de moda Roberto Verino eligió Monterrei para hacer su Gargalo, un vino con el que reivindica la tradición vinícola de su familia y la esencia de la viticultura gallega. 

La implicación en el territorio es también el motor del proyecto vinícola de Lluis Llach en Porrera, uno de los nueve pueblos que componen la D.O.Q. Priorat. Vall Llach, creado por el músico y Enric Costa en los años 90, va más allá de los vinos: elabora también aceite y reinvierte parte de sus beneficios en mejorar el pueblo y en el bienestar de sus vecinos: uno de sus proyectos destina parte del dinero de sus ventas a financiar actividades de ocio para los mayores de Porrera. El más reciente de estos ejemplos es el del futbolista canario David Silva. Con interés por el mundo del vino desde hace algunos años —ya era inversor de la bodega Soto Manrique en Gredos—, se ha asociado con el productor Jonatan García (Suertes del Marqués) para hacer Tamerán, que sale al mercado con seis referencias y que tiene como objetivo ofrecer un vino representativo de la isla de Gran Canaria, elaborado con variedades autóctonas y criterios ecológicos. Silva no es el primer futbolista que invierte en vino, pero quizá es quien más ha apostado por vinos guiados por objetivos de calidad y sostenibilidad en el territorio, claves que están marcando los criterios de muchos elaboradores en al actualidad. 

También hay quienes han decidido implicarse en el negocio vinícola, aunque no de una manera directa, sino a través de lazos de parentesco: la diseñadora lermeña Amaya Arzuaga (Premio Nacional de Diseño de Moda 2013) se dedica ahora a la gestión enoturística del Hotel y Spa de Bodegas Arzuaga y dirige el restaurante Taller Arzuaga (1 estrella Michelin), en Quintanilla de Onésimo, en plena Ribera del Duero vallisoletana. O el jugador de la selección Andrés Iniesta, que pone su nombre a la bodega familiar en Fuentealbilla, su pueblo de Albacete. 

Un nombre conocido no basta para vender un vino

Ni el reclamo de que Miguel Bosé, Michel o Butragueño fueran parte de una veintena de famosos inversores salvó la Bodega Casalobos, inaugurada a bombo y platillo en 2008 y que entró en concurso de acreedores en 2012. Desarrollado en la provincia de Ciudad Real en pleno boom del sector de la construcción, fue un proyecto que no llegó a despegar, a pesar de la repercusión mediática de sus socios, la mayoría sin relación previa con el mundo del vino. Tampoco fue suficiente para la viabilidad de Perinet, en Montsant, la presencia de Joan Manuel Serrat entre los socios. Ni duró mucho la incursión vinícola en la Ribera del Duero de Antonio Banderas, que en 2009 se hizo con el 50% de Anta. Su nombre no fue suficiente para salvar la bodega, que entró en concurso de acreedores pocos años después y que ahora está en manos del grupo riojano CVNE. Figuren como meros inversores o se declaren apasionados del sector, lo cierto es que el nombre de un famoso no concede a un vino el pasaporte al éxito.

No mires arriba podría haberse titulado “no mires los datos de Sanidad” o “no mires las fotos de la borrasca Filomena”. Desde que llegó a Netflix el 24 de diciembre, la cinta de Adam McKay se ha convertido en la película de las navidades. La política de privacidad de la plataforma impide saber el número exacto de espectadores en todo el mundo –que probablemente competirá con el de Spiderman en las salas–, pero ya ostenta el récord en cuanto a conversación en las redes sociales.

Durante cuatro días consecutivos No mires arriba, Don't Look Up (su título original), Leonardo DiCaprio o Meryl Streep han sido trending topic. Pero también otros como Ayuso y Trump, que son los que explican que el fenómeno exceda de lo meramente cinematográfico. Como natural de Denver, Colorado, el director de la cinta tomó las referencias principales de Estados Unidos, pero cada país ha encontrado las suyas.

Aunque la trama se centre en un meteorito que está a punto de impactar contra la Tierra, los personajes que ha escrito McKay para señalar a los que lo ponen en duda, lo explotan en la política y en los medios, e incluso en el cine y la música, son transferibles a la pandemia de COVID-19 y a la crisis climática. Sobre todo ahora, que ante la explosión de contagios en España los ciudadanos han aprovechado para hacer visionado y análisis.

Jennifer Lawrence interpreta a Kate Dibiasky, una doctoranda en Astronomía de la Universidad de Michigan que descubre que un cometa de nueve kilómetros de diámetro se dirige a la superficie terrestre, concretamente hacia la costa de Chile. Su magnitud y velocidad van a causar una explosión mucho mayor de la que extinguió a los dinosaurios en la era Cretácica. Ella y su jefe de departamento, Randall Mindy (Leonardo DiCaprio), deciden dar la voz de alarma a la Casa Blanca acompañados por un directivo de la NASA.

En ese momento, el mundo se dividirá entre los que luchan por concienciar a la población del peligro que corren y quienes, como en el título de la película, les piden que miren hacia abajo. La cabecilla de los últimos es la presidenta de los Estados Unidos, una estupenda Meryl Streep a medio camino entre Donald Trump y Sarah Palin –y según algunos también de la presidenta madrileña, Isabel Díaz Ayuso–. Le acompaña su hijo Jason y jefe de gabinete con un enfermizo complejo de Edipo, interpretado por Jonah Hill.

“¿Sabéis cuántas reuniones del fin del mundo hemos tenido en estos años? Hundimiento económico, misiles sueltos, gases que se cargan la atmósfera, IA rebelde, hambrunas, sequías, plagas, invasión alienígena, superpoblación y agujeros de ozono”, responden a los científicos, que observan atónitos cómo los políticos solo se interesan por el coste económico y electoral. Aunque no han querido dar nombres, Streep y Hill han dejado suficientes pruebas durante la promoción de que intentaron imitar la relación entre Donald Trump y su hija Ivanka, que también fue consejera del expresidente de EEUU.

Los siguientes párrafos incluyen spoilers.

Ante la inacción política, Dibiasky y Mindy acuerdan vender la exclusiva al periódico New York Herald. Este les exige pasar primero por el programa en prime time de una cadena del mismo conglomerado, que presentan Brie (Cate Blanchett) y Jack (Tyler Perry). Una dupla que cumple con lo que el público demanda: pedidas de mano en directo entre los dos artistas juveniles del momento, escándalos sexuales y poco dramatismo, ni siquiera frente una inminente catástrofe natural.

La entrevista a los astrónomos termina de las dos únicas maneras posibles. Uno, endiosado por seguirle el rollo a los presentadores y la otra, ridiculizada después de haber estallado contra el tono frívolo del programa. El doctor Mindy pasa entonces a convertirse en una estrella que posa en portadas de revistas, liga con desconocidas y se acuesta con atractivas periodistas, e incluso hace un cameo en los Teleñecos. Aunque no lo parezca, mientras tanto vigila que los esfuerzos diplomáticos se centren en desviar el cometa de la órbita terrestre. La científica, al contrario, abandona sus estudios, vuelve a casa de sus padres, encuentra trabajo de cajera y se da a la marihuana.

Por último, y más importante, está el personaje de Peter Isherwell (Mark Rylance), un magnate tecnológico con signos de asperger que podría ser una mezcla entre Steve Jobs y Elon Musk. Él es quien verdaderamente maneja el asunto y el único capaz de financiar la operación de rescate o de cancelarla según sus intereses, como acaba haciendo.

Su empresa Bash descubre valiosos materiales en la superficie del cometa y decide no desviarlo, sino dinamitarlo para extraerlos. Como sujeta los hilos de la Casa Blanca, consigue que la nueva estrategia presidencial sea la de pedir a la población que ignore y hasta niegue la existencia del proyectil celeste.

“Es real y se está acercando. Si alguien os dice lo contrario, miente”, piden los científicos por redes sociales mientras tanto. Al más puro estilo electoralista estadounidense, la disputa entre los que miran hacia arriba y hacia abajo se convierte en un circo dividido en dos. Un rally político con conciertos, mítines, estrategias en redes y participación de medios de comunicación y artistas. Fin de los spoilers.

“¿Sabéis por qué quieren que miréis para arriba? Porque os quieren con miedo”, grita la presidenta en uno de sus sermones. Una proclama que suena familiar, y que ha conseguido rememorar las posturas más bochornosas en la gestión de la pandemia. En EEUU y fuera de sus fronteras.

Un fenómeno a la española

No mires arriba anunció su rodaje en febrero de 2020, cuando la pandemia aún no llegaba a atisbarse ni era posible que influyese en ningún guion de cine. Sin embargo, la lucha contra el cambio climático estaba reciente y Donald Trump acababa de retirarse del Acuerdo de París. La crisis sanitaria solo le ha dado un segundo significado y la acerca más a la realidad de otros países como España, que aún se baten contra un virus mediante acciones políticas contradictorias y algunas veces en contra del criterio científico.

La falsa dicotomía entre economía y salud que enarbola la presidenta Díaz Ayuso han hecho que algunos vean similitudes con el personaje de Meryl Streep. “Nos reímos de la situación surrealista que plantea No mires arriba, pero la lógica no es muy diferente a la que aplica Ayuso con la sanidad y la atención primaria”, ponía en Twitter Jorge Moruno, diputado de Mas Madrid.

“No mires arriba es en cine como los retratos de Goya a los borbones: mala leche y realismo a raudales. Elon Musk, Trump y su familia (o Ayuso y la suya), Ana Torroja, negacionistas, desprecio a la ciencia, Pablo Motos, Vallés y Ana Rosa, militares cortesanos. Susto y risa tonta”, ha comentado a su vez Juan Carlos Monedero.

Pero hay quien también ha querido ver referencias contra la izquierda en ella –encontrando a Pedro Sánchez en Meryl Streep– e incluso un discurso anticiencia. Esto último es totalmente falso, según las declaraciones del propio director: “Tenemos ciencia para resolver el cambio climático”, ha proclamado en sus redes sociales.

“Votantes de Vox y antivacunas en general entusiasmados con una peli que ridiculiza a los negacionistas y a la extrema derecha. ¡No se debe subestimar la capacidad de ver solo lo que uno quiere ver!”, ha expresado por su parte el exletrado del Tribunal Constitucional, Joaquín Urías.

Borja Semper, exmiembro del PP vasco, cree que “va de todos”: “Se refuerza viendo que muchos creen que no les caricaturiza a ‘ellos’, sino a los ‘otros’”. El exdiputado de Ciudadanos, Juan Carlos Girauta, la ha definido como una “comedia apocalíptica donde todo el mundo es idiota. Y los más idiotas, las élites”.

En lo que parece haber más consenso es en la comparación entre Susanna Griso y Cate Blanchett. Tanto, que Netflix ha usado el parecido para lanzar su broma de los Santos Inocentes del día 28 de diciembre. Otros han sido más ácidos y han criticado a Griso por el tono sensacionalista de su programa y el trato que en ocasiones le ha dado a la pandemia, como hace el show Wednesday Rip con el meteorito en la película.

Y ¿merece la pena?

No mires arriba demuestra que Adam McKay es un gran director coral. Sabe equilibrar en tiempo y relevancia a enormes repartos que podrían quedar eclipsados por el astro rey (reina, en este caso: Meryl Streep). Por contra, la dicotomía que plantea entre los neoliberales y los científicos, y que termina como vaticinaban los segundos, se alarga demasiado. No hay giros de guion que justifiquen las dos horas y media de metraje.

La película tiene gags divertidos, como el del director de cine equidistante, el jefe de seguridad de la Casa Blanca cobrándoles por los snacks gratis o cualquiera de Jonnah Hill. Pero encadena tantos –unos graciosos y otros absurdos– que el ridículo eclipsa hasta los momentos más pretendidamente sesudos.

Si los negacionistas y la alt-right se han apropiado de la cinta es porque los “buenos” tampoco se libran del colmillo de McKay, aunque se lo clave de forma involuntaria. Cuesta empatizar con DiCaprio y Lawrence después de haber sido sometidos a un circo grotesco, aunque quizá eso sí que sea voluntario. Al final, toda sátira se basa en la burla, y de esta no ha salido títere con cabeza.

No mires arriba merece un visionado para formarse una opinión y ponerse frente al espejo, pues no solo salen escaldados políticos, periodistas y magnates, también la ciudadanía. No tiene la rapidez de La gran apuesta (2015) ni la profundidad de Vice (2019), pero es una buena película para cerrar un año como 2021 y pensar en la importancia de la gestión política en la supervivencia, aunque sea mientras nos echamos unas risas.

Primero fue FaceApp y ahora es ZAO, una app china que se ha colocado rápidamente a la cabeza en número de descargas para iPhone en el país asiático. La premisa es sencilla: que el usuario, utilizando tan solo la imagen de su cara, protagonice los videoclips de sus artistas favoritos o las escenas memorables de las películas con las que cuenta la app. De esta forma, cualquiera puede verse como Leonardo DiCaprio en Titanic, cantando el Gangnam Style en la piel de Hyuna o encarnando al mismísimo Jon Nieve de Juego de Tronos.

ZAO crea lo que popularmente se conocen como deepfakes. Estos montajes deben su nombre a un usuario del foro Reddit que en diciembre del 2017 se dedicó a intercambiar las caras de mujeres en vídeos porno por las de actrices de Hollywood. Aunque los administradores de la web terminaron por eliminar su cuenta, deepfakes (así se llamaba en Reddit) liberó el código en Internet y lo puso a disposición de todo el mundo.

El funcionamiento de la app china es similar al ya visto en otras como FaceApp: el usuario sube una foto y el programa la escanea, la almacena y la usa para convertir a esa persona en la protagonista de los videoclips o las películas que desee. El resultado es bastante bueno, ya que no interfiere en la calidad del vídeo ni modifica la imagen más allá del cambio obvio del rostro del actor o de la actriz original por el del usuario.

La app cuenta con una pequeña muestra de videoclips y películas precargadas, así como teasers de videojuegos. En CGI (imágenes generadas por ordenador) el resultado es incluso mejor y la cara del usuario está bien incorporada al resto del dibujo. La desarrolladora Allan Xia, que fue una de las primeras en explicar cómo funcionaba ZAO, asegura que es “la mejor app de estilo deepfake para intercambiar caras que he visto nunca”.

Tu cara en una serie o tu privacidad

Aunque ZAO solo está disponible en la tienda de Apple para el público chino, algunos como el investigador en ciberseguridad francés Baptiste Robert (@fs0c131y en Twitter) han conseguido crearse una cuenta y experimentar con la app. “De momento, Zao no está subiendo tu carrete a sus servidores. Sí, suben la foto que usas para crear el deepfake a sus servidores (lo que tiene sentido)”, explica en Twitter.

En los términos de privacidad de la app, los desarrolladores explican que no necesitarán la autorización del usuario para compartir la fotografía con el gobierno chino en caso de que este lo requiera. Igualmente, la información personal del usuario puede ser transferida al ejecutivo del país asiático en el marco de una investigación de “interés nacional”, que afecte “a la salud pública” o si se trata de una “investigación criminal”. Aunque los términos de privacidad están en chino, pueden leerse aquí traduciéndolos con Google.

Robert también lamenta que los vídeos creados pos los usuarios pueden encontrarse fácilmente a través de la URL que generan cuando son creados. “No se requiere autenticación para acceder a ellos”, dice. De manera similar, las fotos utilizadas para crear el deepfake también se encuentran en la web de la compañía y tampoco están protegidas.

ZAO, además, es capaz de enviar datos a una tercera empresa relativos al terminal en el que se está ejecutando. Esta compañía es GrowingIO, también china, que almacena la información del dispositivo del usuario. Entre esos datos están el modelo de teléfono, el tipo de conectividad que usa, el sistema operativo o el número IMEI del teléfono, entre otros. “Vale la pena decir que todas las peticiones que hace ZAO con su backend immomo.com usan HTTPS y a veces van cifradas”, se consuela Robert. Pero lo más importante es que ninguna de las bases de datos que usan ambos servicios (ZAO y el programa de rastreo) están cifradas, por eso la seguridad que ofrece la app a los usuarios es tirando a escasa.

Haz un deepfake y tu fotografía les pertenecerá

deepfakeAunque ZAO solo tiene unos pocos días de vida, las dudas acerca de si protege o no de manera adecuada la privacidad de los usuarios no se han hecho esperar. Por ello, los propios desarrolladores han tenido que salir al paso en Weibo, el Facebook chino. “Entendemos totalmente vuestras dudas sobre el tema de la privacidad. Vuestras preguntas han sido recibidas y corregiremos las áreas que no consideramos antes. Llevará algún tiempo”, explican desde Momo, los creadores de la app que hace poco también publicaron Tantan, una especie de Tinder dirigido al público asiático.

Cuando la app fue lanzada el viernes, Momo incluyó una cláusula en los términos de privacidad por la que se reservaba el derecho a utilizar, gratuitamente, la pieza creada con ZAO allá donde le pareciese conveniente. Dicho con otras palabras: se garantizaron la autoría de cualquier deepfake creado con el programa y la difusión del mismo a coste cero. Los usuarios protestaron y los desarrolladores, al día siguiente, añadieron otra cláusula en la que especificaron que antes de usar cualquier deepfake pedirían permiso al creador.

Momo también se vio obligada a añadir otro punto más: cuando un usuario borre su cuenta, también se borrarán todos los deepfakes que creó, algo que no estaba contemplado en la primera versión de los términos de privacidad de la app. Sin embargo, el ciberinvestigador francés ha demostrado que a pesar de haber borrado su cuenta de ZAO, el deepfake que creó con su cara haciéndose pasar por Sheldon Cooper (The Big Ban Theory) aún sigue disponible en Internet. En los términos de uso, la compañía especifica que “si [usted] decide borrar sus datos o su cuenta, ZAO seguirá los procedimientos legales correctos para asegurar la eliminación de los datos relevantes”.

Por cosas como esta y las crecientes dudas que planean sobre la privacidad de los usuarios al usar la app, la red social china WeChat (el WhatsApp asiático) ha decidido bloquear en su plataforma los vídeos de ZAO.

El Amazon Forest Fund ha prometido destinar 5 millones de dólares para comunidades indígenas y otros socios locales que participan en la lucha contra los incendios

Se han registrado más de 72.000 incendios en lo que va de año, lo que supone una cifra récord que se atribuye a los métodos de deforestación

Los líderes del G7 acuerdan crear un fondo de 20 millones de dólares para combatir los incendios del Amazonas

Tras una ráfaga de incendios que han devastado la Amazonia, la organización medioambiental Earth Alliance, fundada por el actor Leonardo DiCaprio, ha creado un fondo de cinco millones de dólares para ayudar a proteger la selva tropical sudamericana.

“Estamos profundamente preocupados por la crisis actual en la Amazonia, que destaca el delicado equilibrio entre el clima, la biodiversidad y el bienestar de los pueblos indígenas” ha señalado DiCaprio por Instagram.

El objetivo del fondo es dar los “recursos críticos a las comunidades indígenas y otros socios locales” que ya resguardan la selva tropical. Según su sitio de web, entre estos socios locales se encuentran el Instituto Associção Floresta Protegida, la Coordenação das Organizações Indígenas da Amazônia Brasileira, Instituto Kabu, Instituto Raoni, y el Instituto Socioambiental.

El Instituto Nacional de Pesquisas Espaciais (INPE) brasileño ha registrado más de 72.000 incendios forestales en lo que va del año, un aumento del 83% con respecto al mismo período del año pasado. Los grupos ambientalistas atribuyen esta cifra récord a los métodos de deforestación utilizados por los hacendados, alentados por el presidente Jair Bolsonaro, a quien acusan de expandir la explotación de la región amazónica. El mandatario brasileño ha sugerido que los incendios son culpa de las ONG ambientalistas que operan en la selva, aunque ha reconocido que no hay investigación en curso que respalde esta afirmación.

El jueves pasado, el Ministerio Público de Brasil abrió una investigación sobre la reducción de las inspecciones ambientales en la región amazónica, además de la publicación de un anuncio en un diario local del estado de Pará que promovía un “día de fuego” en la selva tropical, según informa un medio brasileño.

Una imagen posterior publicada por el actor describe el trabajo “heroíco” que realizan los bomberos que combaten los incendios en la Amazonia, cuyos esfuerzos DiCaprio también apoyó en 2017. “A menudo trabajan con nada más que machetes, sopladores de hojas y pequeños tanques de supresores de fuego”, ha afirmado el actor. DiCaprio ha destacado el trabajo de los bomberos de la tribu Guajajara “que habían dedicado sus vidas a proteger lo que quedaba de sus bosques ancestrales —la mayoría ya habían sido talados y quemados. Algunos de ellos habían sido asesinados por intentarlo–”.

El documental de Leonardo DiCaprio, 'Before The Flood', es inapelable. Nadie con empatía hacia el planeta acabará de verlo con el mismo estado de ánimo con el que lo empezó

La producción pone nombres y apellidos a las empresas que sustentan el lobby negacionista para aumentar su riqueza a costa de la salud del planeta

Todos los que trabajamos en temas de divulgación ambiental y seguimos con interés e inquietud la evolución del calentamiento global, sus evidencias y los pronósticos de los científicos al respecto, debemos reconocer la importante aportación que supuso el documental de Al Gore An Inconvenient Truth para promover la concienciación ciudadana sobre el grave problema del cambio climático.

Una contribución a la que viene a sumarse ahora la del inapelable documental de Leonardo DiCaprio, producido por Martin Scorsese para National Geographic, Before The Flood. Y digo inapelable porque nadie con un mínimo de empatía hacia el planeta y siquiera un pellizco de conciencia de especie acabará de verlo con el mismo estado de ánimo con el que lo empezó.

“Intenta hablar con alguien sobre el cambio climático: verás cómo lo evita”. Así empieza el documental. Y es cierto. A nadie le apetece hablar de algo que, aunque le afecte de manera directa, escapa a su control. Y ese es uno de los problemas que plantea mantener un debate sosegado y proactivo sobre una cuestión tan importante como el cambio climático: el más trascendente de los retos al que se enfrenta la humanidad.

Before the Flood está realizado desde la valentía y el compromiso personal con el que este gran actor y tenaz medioambientalista (así se presenta en su perfil de twitter @LeoDiCaprio) intenta hallar respuestas a lo que nos está pasando. “No hay combustibles fósiles limpios” asegura DiCaprio mientras nos muestra unas aterradoras imágenes de pozos de petróleo ardiendo, minas de carbón, explotaciones de gas natural, grifos y lagos en llamas por culpa del fracking o ponzoñosos campos de arenas petrolíferas donde antes había bosques.

Incluso pone nombres y apellidos a los principales responsables, las empresas que dirigen y sustentan el lobby negacionista para aumentar su riqueza a costa de la salud del planeta: Exxon, Chevron, BP, Shell, Industrias Koch y los think tanks que utilizan como voceros, como Americans for Prosperity, The Heartland Institute o The Heritage Foundation, de cuyos complots para mantener el statu quo fósil les venimos alertando en este rincón de eldiario.es.

Y también a los científicos y políticos vendidos a los intereses de las grandes compañías energéticas para negar el cambio climático: desde el temible senador James Inhofe, Presidente del Comité de Medio Ambiente (y máximo receptor de dinero de la industria petrolera), hasta Ted Cruz, Paul Ryan y el peor de todos ellos: Donald Trump.

Las imágenes del Ártico deshaciéndose bajo los pies de un DiCaprio cariacontecido o de las ciudades chinas desdibujadas por la contaminación ante su atónita mirada. Su gesto de espanto al sobrevolar miles de hectáreas de bosques primarios ardiendo para cultivar palma o su incredulidad al escuchar al presidente de Kiribati diciéndole que están comprando terrenos en Fiji para irse allí antes de que el mar acabe de tragarse su país son… conmovedoras.

Como lo son las frases que las acompañan, unos mensajes que entran en la conciencia como cuchillo en mantequilla: “Estamos destruyendo los ecosistemas que nos ayudan a estabilizar el clima”, “Pensábamos que la solución era cambiar la bombilla: pero los acontecimientos nos están superando”.

Me atrevo a asegurar que este documental es una auténtica arma de sensibilización masiva. Por eso les ruego encarecidamente que lo vean, y si es en compañía de sus hijos todavía mejor. Es un vídeo demoledor. Pero al final deja abierta una puerta a la esperanza.

Todavía estamos a tiempo de evitar que el mundo avance hacia las últimas y escalofriantes escenas de El Jardín de las Delicias, la obra maestra de El Bosco que narra el paso de la humanidad desde el edén virginal hasta el infierno y que sirve como hilo conductor a DiCaprio para narrar su historia, que es la nuestra. Las entrevistas con John Kerry y Barack Obama sobre la importancia de los objetivos fijados en el Acuerdo de París son un agarradero al que asirse para no caer en ese infierno.

La mala noticia es que ambos abandonarán la Casa Blanca próximamente. La buena es que el Acuerdo de París acaba de entrar en vigor. Y aunque muchos piensen que es solo un pequeño paso cuando deberíamos estar avanzando a zancadas, por lo menos es un paso en la dirección correcta.

Pueden ver Before The Flood con traducción al castellano y en abierto en YouTube.

Lo anticipábais. Y así ha sido: Leonardo DiCaprio ha ganado el Oscar al Mejor Actor por su papel en El Renacido. Hasta el pasado sábado, casi un 80% de los lectores de eldiario.es daba como vencedor al actor estadounidense. Y las buenas predicciones se han seguido cumpliendo ya que el 60% de los participantes alzó al director Alejandro González Iñárritu como flamante ganador del Oscar a la Mejor Dirección. Y así ha sido.

Los lectores de eldiario.es son sabios. Aunque establecimos el nivel medio de nuestra porra (12 categorías) como modelo para comparar los resultados, lo cierto es que no tenemos ninguna duda de que si hubiéramos situado el listón un poco más alto, en el nivel experto, también habríais acertado la mayoría. La estatuilla a la Mejor Actriz ha recaído sobre Brie Larson. 4 de cada 10 lectores acertaron que el Oscar iría a la protagonista de La habitación. Además, el 35% de los participantes supo que Alicia Vikander ganaría en la categoría de Mejor Actriz Secundaria.

La mayoría de lectores acertó 7 de 12 categorías, lo que es todo un éxito. Más de la mitad de los lectores cayó en el error de situar a la película de Iñárritu, El renacido, como la mejor. Pero hubo sorpresa: Spotlight, la película sobre periodistas que relata los abusos de curas a menores en una localidad estadounidense cercana a Boston, ganó. 3 de cada 10 participantes también encumbraron a Silvester Stallone como mejor actor secundario, que finalmente perdió en detrimento de Mark Rylance, por El puente de los espías.

En el resto de categorías no hubo dudas: la estatuilla al Mejor Guión Original fue para Spotlight, algo que más de la mitad de los lectores acertaron; justo lo contrario que al Mejor Guión Adaptado, en la que tan solo uno de cada cuatro lectores (26%) dieron con la tecla situando a La gran apuesta como ganadora. Como mejor película no inglesa triunfó El hijo de Saúl: 6 de cada 10 participantes la dieron como favorita. Aplastante fue el porcentaje de lectores que apostó por Inside Out como ganadora del Oscar a la Mejor Película de Animación, que fue del 85%. Un 56% acertó que la banda sonora sería la de Los odiosos ocho y un 35% que la canción de Sam Smith para la película Spectre, vencería.

Los Oscar han hecho historia en la edición más polémica de los últimos años. Las redes se llenarán de imágenes de Leonardo DiCaprio alzando su estatuilla y los medios se harán eco del tardío reconocimiento al príncipe de Hollywood. Sin embargo, queda en el cuerpo una ligera sensación de desconcierto. Después de la adrenalina es evidente que la Academia ha saldado en pequeñas dosis sus cuentas pendientes. Todas las formas de discriminación han recibido su espacio –algunas sobradamente– sobre el escenario del Dolby Theatre. Pero no es suficiente para anunciar su redención.

“¿Por qué nos quejamos ahora? Porque antes teníamos cosas más importantes por las que protestar”. Así ha empezado una gala que no ha necesitado fuegos de artificio para convertir la polémica en su columna vertebral. El presentador Chris Rock ha sido el encargado de elevar la crítica racista de las calles a la cima de la industria. O la forma en la que la Academia deja su responsabilidad en manos de un discurso irreverente sin vaselina.

“Antes nos violaban, nos linchaban. Era difícil preocuparse por los nominados cuando tu abuela colgaba de un árbol”, las palabras golpeaban más fuerte que los Doce años de esclavitud de Steve McQueen. Pero han sido solo eso, palabras. Y solo en los sketches de Chris Rock.

La presidenta de la Academia ha intentado aplacar los golpes con unas líneas insulsas sobre la pluralidad del mundo y una autocrítica velada. Y ante esta falta de respuesta inmediata, los premios han querido repartir una justicia tardía.

Los primeros han encumbrado el buen periodismo de investigación, ese que corta cabezas y es inclemente con el poder. “Gracias a los periodistas por alzar la voz y que esa voz se convierta en un coro que llegue al Vaticano. Papa Francisco, ha llegado el momento de proteger a nuestros niños”, así dedicaba su director, Tom McCarthy, el premio a mejor película por Spotlight. Los entresijos de este hito de la prensa se han plasmado en un guión sobrio que también ha recibido su medalla. En su categoría hermana, La gran Apuesta alzaba la voz frente a un mercado fraudulento que destrozó vidas. “Si no queréis que el dinero controle al Gobierno, no votéis a candidatos que están a cargo de compañías petrolíferas”.

El acoso sexual acapara el foco

El racismo había quedado de lado ante el resto de males que adolecen a Hollywood. Que no son pocos. El acoso sexual ha protagonizado la gran denuncia de la gala más allá de Spotlight. El documental The Hunting Ground, que muestra las violaciones cometidas en los campus universitarios de EEUU, ha contado con dos embajadores de alto nivel. El vicepresidente Joe Biden ha tomado primero el atril para concienciar a la élite política mediante su campaña It's on us. “Todos tenemos un papel que desempeñar en la detención de los asaltos sexuales. Asume el compromiso”.

Tras la ovación, Lady Gaga ha interpretado el tema Til it happens to you con la única puesta en escena de la noche que ha conseguido arrancar lágrimas. Decenas de víctimas de violaciones rodeaban a la artista con lemas desgarradores escritos en los brazos como Not your fault (no es tu culpa) o Survivor (superviviente).

Pero la Academia no ha canalizado el mensaje a través del hombre de oro más deseado. Con el público todavía conmocionado por la barbarie, Sam Smith recogía su Oscar a mejor canción por el tema principal de Spectre. Aunque James Bond es el prototipo de blockbuster machito que cautiva a la industria, el joven cantante ha invertido su minuto de gloria en la comunidad LGTB. “Como hombre gay y orgulloso de serlo, espero que algún día se nos considere como iguales”, dijo Smith en favor de un colectivo también vapuleado por la cúpula de Los Angeles.

La noche avanzaba y la industria seguía cerrando a medias los frentes abiertos. La brecha salarial y la desigualdad de las mujeres fueron la bandera del año pasado y ha seguido ondeando este año, aunque no tengamos a una Patricia Arquette que lo reivindique en el escenario. En su lugar, Margaret Sixel se hacía con el Oscar a mejor montaje por Mad Max, en un recordatorio de que la confección de una buena película de acción no recae únicamente en las manos de un hombre.

La cinta de George Miller ha arrasado en las categorías de producción, alzándose con seis estatuillas de las diez a las que optaba. Su continua presencia en el escenario ha servido para recordar que “podría ser más que una profecía apocalíptica si no somos más amables entre nosotros y cuidamos del medio ambiente”.

Muchos piensan que la creación de protagonistas carismáticas en Hollywood es eventual y no instaura un verdadero cambio de tendencia. Pero las categorías femeninas han premiado a dos excepciones poderosas que confirman la regla. Alicia Vikander por su papel de novia doliente de La chica danesa, una de las primeras en someterse a una operación de cambio de sexo. Y Brie Larson, como madre abnegada que cría a su hijo en la soledad de La habitación.

Iñárritu y DiCaprio hacen historia de la mano

Pero no todo fueron momentos trascendentales en la meca de los premios del cine. El humor ácido del presentador consiguió que no echásemos de menos a Ellen DeGeneres, al menos durante las primeras dos horas. Momentos antes de la clausura, el actor de Saturday Night Live había agotado el cartucho de dardos mordaces y las galletitas de sus girls scouts fueron el colmo de males. La gente esperaba y desesperaba para juzgar el veredicto de las categorías principales y resolver el enigma final. Y no nos referimos al de mejor película, no. Ni al de mejor director, que era fácil de intuir que iba para Alejandro G. Iñárritu por El renacido. Un galardón que bebe en gran parte de su espectacular fotografía -también premiada- y de un personaje principal hecho a medida para Leonardo DiCaprio.

Los dos han firmado la historia más épica de las últimas ediciones de los Oscar. El primero por alzarse con dos estatuillas consecutivas a su dirección, después de Birdman. Y el segundo por hacer las delicias del cine, de sus seguidores y de su paciencia con un discurso mil veces ensayado ante el espejo del baño. Esta vez no era el bote de champú, era un deseo bañado en oro que rompe la maldición del eterno nominado. “Por todas esas sociedades que han sido víctimas de la codicia del progreso. No pensemos que este planeta es solo nuestro”. El discurso de DiCaprio dejaba patente su conocida vis ecológica y rescataba la moraleja colonialista de El Renacido. “Que el color de nuestra piel sea un factor tan irrelevante como el largo de nuestro pelo”, fue la gran frase del mexicano dirigida a la comunidad latina.

Aunque mucho se habla -y más se hablará- de la rendición de cuentas con el actor, no podemos olvidar al verdadero olvidado de la Academia. Ennio Morricone subía henchido de humildad al escenario para recoger el primer reconocimiento a su trayectoria musical en 87 años. Al César lo que es del César, y este galardón pertenecía al italiano desde mucho antes que Los odiosos ocho de Tarantino.

Así, la industria de la ficción repartía con equidad sus disculpas entre unas minorías -y mayorías- que no se sienten parte del mecanismo más influyente del cine. Es el momento de encontrar la fórmula mágica que transforme la frivolidad en inclusión, pero sin dejar de hacernos soñar. Como nos recuerdan los artífices de la oscarizada Inside Out: “¡Producid películas, dibujad y escribid para hacer que el mundo cambie!”.

Lo ha conseguido. Parecía una quimera, pero Leonardo Dicaprio ya tiene un Oscar. Sólo ha fallado un detalle: no le ha llegado de la mano de Martin Scorsese, “quien le ha enseñado tanto”. Ha sido junto a Alejandro González Iñárritu, el hombre que entra en el palmarés de oro de los premios después de ganar dos Oscar consecutivos; se pone así a la altura de John Ford y Joseph L. Mankiewicz.

El mundo entero hablaba de ello. El mundo entero menos él, que en las últimas semanas se había dedicado a retuitear paisajes en un intento por fingir (¿o tal vez su calma era real?) que todo esto no iba con él. Su papel en El Renacido, sin embargo, estaba hecho para la gloria. Y Leonardo lo sabía mejor que nadie.

Parecía que llevaba toda una vida de frustración, pero a sus 42 años era la quinta vez que se colaba entre los nominados. Para la primera ocasión tenemos que remontarnos a 1994 y su ¿A quién ama Grilpert Grape? Aquella vez, el Oscar fue para Tommy Lee Jones por El fugitivo. Tardó más de diez años en volver a ser candidato. Fue en 2005 con El Aviador de su protector Scorsese. Jamie Foxx se lo arrebató por Ray. Dos años después, Diamante de Sangre. Pero la estatuilla fue para Forest Whitaker por El último rey de Escocia.

El Oscar le llega gracias a un famoso oso, pero el fenómeno se fue de madre por un lobo. Desde entonces (2014) los memes bromeando sobre la “maldición” de Leonardo Dicaprio en los Oscar habían sido constantes. La situación tenía jugo, ya que ese año se lo quitaba un Mathew McConaghey en estado de gracia que compartía con él en El lobo de Wall Street una memorable escena.

Con su premio, Internet deberá renovarse. Porque lo que nos faltaban eran gifs de victoria.

El discurso más esperado de la historia reciente del cine se ha hecho realidad. Dicaprio, otrora un ídolo juvenil y hoy uno de los mejores actores de su generación, no ha olvidado hacer alusión en él su gran obsesión, muy por encima del Oscar: la defensa del medio ambiente.

Los Oscar de 2016 tienen protagonista antes de ser celebrados. El mundo -o Internet- entero lo está esperando. Aún frescos los memes que ilustraron la decepción que supuso El Lobo de Wall Street, los Bafta, los Globos de Oro, el Sindicato de Actores y hasta el equilibrio cósmico anuncian que, cinco intentonas después, este es el año en el que en el Dolby Theatre retumbará el nombre de Leonardo Dicaprio.

La tabla que le hundió con el Titanic (recordemos: en 1998 fue prácticamente el único de todo el equipo que no obtuvo ni siquiera una nominación) es la misma que le salva en una película, The Revenant, que bien podría llamarse Cosas que está dispuesto a hacer Dicaprio por un Oscar. El jolgorio se ha suspendido (al menos oficialmente) de manera preventiva víctima de la Ley Mordaza, pero en Madrid había más de 12.000 personas dispuestas a festejar el momento en la Plaza de Colón como si de una final de Champions se tratase.

En cualquier caso. Si una nueva e improbable decepción llega (¿Fassbender mediante?), siempre nos quedarán los gifs.

El duelo por el combo

La situación tiene un punto de romanticismo. Retomando las referencias a la tragedia del iceberg, también es probable que veamos a Rose y Jack, o mejor dicho, a Kate (Winslet, como secundaria por Steve Jobs) y Leonardo recoger juntos la estatuilla más preciada. Otra estructura circular, otro sueño americano cumplido que, cuidado, puede enmarañar Alicia Vikander (La chica danesa). Para Mejor Actriz Principal las casas de apuestas echan humo por Brie Larson (Room). Como Mejor Actor Secundario tampoco parece haber duda. La ovación será para un Sylvester Stallone (Creed) que, aunque no es novato en esto de las candidaturas, difícilmente se había visto a sí mismo en una así.

Lo que no está tan claro es quién se llevará el triunfo absoluto, el premio a la Mejor Película. O mejor todavía, el combo de película y director. En el ambiente de Twitter planea otra duda: ¿está el universo preparado para acoger el ego de un Iñárritu que lograra dos Oscar seguidos? Porque la cosa no se queda ahí. Con esa hazaña, el realizador mexicano se pondría a la altura de John Ford y Joseph L. Mankiewicz , los dos únicos directores que han sido premiados en ese campo dos veces consecutivas. Y si The Revenant fuese elegida como Mejor Película, el cineasta que peor cae a las redes se convertiría en el primero de la historia en colocar su cinta en esa posición en dos ocasiones seguidas.

Porque para la Academia de Hollywood, sin descartar posibles sorpresas, parece haber dos senderos abiertos. Coronar a The Revenant, un filme de guion simple pero factura impecable de principio a fin que sin duda habrá hecho las delicias por esos lares; o erigir como triunfadora a Spotlight, una historia real, impactante y comprometida de esas a las que, por otra parte, los académicos también suelen hacer ojitos.

Según los Globos de Oro (que a efectos prácticos cada vez ejercen menos de 'antesala'), el duelo lo gana The Revenant. Si hacemos caso a Rotten Tomatoes y a los Critic Choice, Spotlight. El sindicato de directores ha premiado a la primera; el de guionistas, a la segunda. Quizá se opte, aunque no sea lo más usual, por un reparto equitativo entre categorías: reconocer el indiscutible talento para la dirección del mexicano, y a su vez la trama periodística que desveló un caso de pederastia magistralmente contada por Tom McCarthy, otorgándole guion y película. Veremos.

El black power de la noche

black power Lo único claro es que los Oscar, como sí es habitual, serán por y para los hombres blancos. El boicot de la comunidad negra que han liderado Will Smith y Jada Pinket ha provocado cambios estructurales entre unos académicos hasta ahora demasiado blindados. El objetivo de un proceso que anunciaron tras desatarse la polémica, y que pasa por eliminar el derecho a voto vitalicio, es que en 2020 se haya duplicado el número de mujeres y de representantes de minorías entre sus miembros.

Porque la edición de 2016 ha sido la de la reivindicación antirracista, pero en la anterior Patricia Arquette aprovechó el discurso con (probablemente) más audiencia de su vida para hacer un alegato por la igualdad salarial entre géneros. Confiamos en que también este 28 de febrero alguien haga llegar el feminismo a las entrañas de la industria de los sueños y del dinero.

En medio de tanto preparativo, el presentador Chris Rock ya ha desvelado uno de los outfits más esperados: el traje de astronauta que dice que lucirá sobre la alfombra roja. En una noche que ya es costumbre que protagonicen los selfies y las caídas de Jennifer Lawrence, ¿será este el año en el que la atención generalizada sobre las estrellas femeninas se centre en algo más que en sus vestidos? Permitiéndonos la duda, un brindis por lo bonito que sería que el amanecer de Los Ángeles nos pillase en Colón.

No es un secreto que Leonardo DiCaprio lleva más de media vida persiguiendo el Oscar, hasta el punto de que en su última película, El Renacido, parece gritarlo entre dientes a cada plano, como queriendo meter un mensaje subliminal en la cabeza del espectador para que al abandonar la sala piense ‘la peli está bien, pero DiCaprio… ¡maravilloso!’

Y el caso es que más allá de que se lo merezca o no, algo que siempre es discutible, lo cierto es que cuenta con toda una legión de fans a sus espaldas tratando de presionar para que este sea su año, para que por fin se haga justicia en el universo y DiCaprio pueda volver a su mansión con una estatuilla dorada bajo el brazo y la sonrisa del que ha cumplido su misión en la vida. De hecho me lo imagino esa noche en la cama completamente desnudo, abrazado al Oscar, acariciando su brillante calva dorada y susurrándole al oído ‘por fin eres mío, mííííío’.

Pero a lo que vamos, si tú también quieres ayudar al bueno de Leo a cumplir su sueño ahora puedes hacerlo con Leo´s Red Carpet Rampage, un videojuego de estilo 8 bits en el que tendremos que superar una serie de retos para hacernos con el Oscar. Retos como ganar a en una carrera a Bryan Cranston y Michael Fassbender mientras esquivamos fotógrafos y saltamos sobre una Lady Gaga que no dejará de entorpecer nuestro avance, o mejor aún, fases bonus en las que buscar al nominado de color al Oscar en la edición de este año.

Se trata de un juego de navegador gratuito, así que ya sabéis, no existe excusa alguna para que no podáis echar una mano a nuestro querido Leo para que esta vez sí, de una vez por todas, se haga con un Oscar.

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