Jennifer Lawrence ha conseguido, con solo 35 años, ser una de las figuras más respetadas de Hollywood. Lo ha hecho eligiendo cada película con una inteligencia que no muestran los intérpretes de su generación, obsesionados con la fama y el estrellato. Ella ha sabido medir y equilibrar títulos más autorales con comedias con las que se nota que lo pasa bien. Utilizó su popularidad con la saga de Los juegos del hambre para seguir apostando por papeles como los que precedieron a la franquicia. Se nota que ella se muestra más cómoda en retos como el de Winter’s bone, el personaje que la dio a conocer y por el que logró, con solo 21 años, su primera nominación al Oscar como Mejor actriz. Lo ganaría solo dos años después, con 23. Y luego vendrían otras dos candidaturas.

Con el tiempo lo que también ha entendido es que puede aportar ayudando a levantar proyectos en los que ella cree y quiere estar como intérprete. Sin duda ha sido su poder el que ha hecho que Lynne Ramsay consiga levantar un proyecto tan incómodo y complejo como el de Die, my love, adaptación de la novela Muere, mi amor de la argentina Ariana Harwicz. Una mirada salvaje a la depresión posparto, a la crisis de una pareja que pierde el deseo y la conexión tras el nacimiento de su primer hijo y que le permite a Lawrence —acompañada de Robert Pattinson— dar otra de esas interpretaciones descarnadas que tanto le gustan y que ya la colocan como una de las posibles nominadas para los próximos Oscar.

Lawrence, que rodó embarazada de su segundo hijo esta película, sentiría después varias de las emociones de su personaje al sufrir estrés posparto, una experiencia que ha contado de forma abierta múltiples veces. Destaca lo curioso de que en el rodaje “estaba agotada”, pero que al encontrarse en el segundo trimestre también fue mejor de lo esperado. “Experimenté esa liberación de hormonas que te hace sentir bien después de tres meses de estar enferma todos los días. Tenía más energía y lo pasé genial, pero en cuanto llegaba a casa me metía en la cama”, dice con su particular sentido del humor ante un reducido grupo de medios entre los que se encuentra elDiario.es.

Su maternidad también le ha cambiado como actriz. “Me abrió el corazón por completo. Nunca pensé que podría sentir tanto amor y tanto miedo. Ni vivir esas increíbles recompensas que conlleva ser padre o madre. Como actriz, que trabaja con las emociones, me ha dado muchísimo material con el que trabajar, es un pozo de emociones. Además, ser madre e interpretar a una madre así, y tener el contraste entre lo que yo haría y lo que ella haría, fue interesante y divertido”, añade.

Cree que “el arte desafía a la sociedad, desafía las normas, invita cuestionar las cosas”. Considera que “desafiar el statu quo es parte intrínseca de ser artista”. Ella lo hace sin prejuicios en esta película, que también desafía la forma en la que se representa el sexo, que en los últimos años ha sufrido un proceso de transformación respecto a la clásica mirada masculina. Para Lawrence no hay menos sexo en el cine, al revés, “ha habido una mayor relajación y libertad a la hora de representar el sexo en la pantalla”.

El arte desafía a la sociedad, desafía las normas, invita cuestionar las cosas. Desafiar el statu quo es parte intrínseca de ser artista

Jennifer Lawrence — Actriz

Parte de ese cambio ha venido por el 'Me too', que Lawrence tiene claro que “cambió el mundo”. “Durante mucho tiempo se normalizaron cosas que no eran normales, sobre todo respecto a la forma en la que esperábamos ser tratadas”, apunta, y confía en que “quedan muchos cambios necesarios por venir”. Entre ellos, espera que uno sea atacar “la brecha salarial entre hombres y mujeres”. De momento celebra que “el mundo se haya abierto” a que las mujeres cuenten sus historias, pero no es naif, sabe que “todavía queda mucho camino por recorrer”.

En su rueda de prensa en el Festival de San Sebastián, Lawrence habló, aunque con bastante reticencia, de Trump y del genocidio en Gaza, pero, igual que días antes expresara Angelina Jolie, subrayó el temor actual a opinar. “Es muy difícil. Da miedo hablar de cualquier cosa, no solo a nivel personal, sino porque alguien se va a molestar o se va a sentir herido. Pero, lo más importante es que eso distrae de lo que sucede en el mundo, de los problemas reales de la vida real. Se usa a las celebridades para hacer clickbait. Alguien crea un titular sobre algo que dijo un actor porque eso les va a dar más clics, cuando en realidad hay cosas más importantes que necesitan la atención del público. Desde ese punto de vista, da miedo. Llevo mucho tiempo en el ojo público. No me afectan mucho las cosas negativas que dicen de mí, pero lo que sí me preocupa es que se coja una frase que yo, o Angelina Jolie, dijimos, y eso sea en lo que todo el mundo hace clic, en lugar de hablar de, por ejemplo, las deportaciones ilegales”, zanja.

A través de su productora, Excellent Cadaver, se encuentra a la búsqueda de historias que le llamen, y ahora mismo se siente llamada por “temas históricos”, lo que vincula a “lo que están viviendo los estadounidenses ahora mismo”. “La única forma de ver el futuro cuando uno tiene miedo es mirar la historia. Después de dar a luz a mi segundo hijo, me absorbí por completo en la obra de Sam Adams y en un libro llamado El Revolucionario, de Stacy Schiff. Estoy desarrollando una película sobre el Motín del Té de Boston. Es fascinante y alentador recordar de qué estamos hechos realmente y lo que realmente nos unió”, opina.

También seguirá con su trabajo como actriz, y, de hecho, ella será una de las protagonistas de What Happens At Night, la nueva película de Martin Scorsese. “Me alegro muchísimo por Marty”, dice Lawrence de nuevo tirando de ironía para luego remarcar lo obvio, que “se queda corto decir que es un sueño hecho realidad”. “De hecho, cada vez que mi equipo me habla del proyecto, les digo: ‘No me lo creeré hasta que esté en el set recibiendo una nota de Martin Scorsese’. Entonces quizá me lo crea, pero es que todavía me parece irreal. Siento que en algún momento despertaré y me dirán: ‘¡Qué idiota! ¿Cómo pudiste pensar que eso iba a pasar? Solo fue un sueño. Despierta’”. Será una nueva muesca en su carrera, que con 35 años ya está llena de hitos que otras intérpretes no logran en décadas.

Jennifer Lawrence se hizo famosa para gran parte del público cuando protagonizó una de las sagas más populares entre adolescentes, ‘Los juegos del Hambre’, pero pudo haber sucedido con otra de las franquicias que triunfaron en entre la década de los 2000 y 2010 junto a Robert Pattinson, con el que ha conseguido trabajar finalmente en ‘Die My Love’.

Una película que la propia Jennifer Lawrence presentó en el pasado Festival de San Sebastián 2025, donde le entregaron el Premio Donostia, y que llegará a los cines españoles el próximo 14 de noviembre, en el que se retrata uno de los rincones incómodos de la maternidad de la mano de la directora Lynne Ramsay.

Jennifer Lawrence trabaja con Robert Pattinson tras ser rechazada en Crepúsculo

Robert Pattinson y Jennifer Lawrence protagonizan ‘Die My Love’ y se unen tras haber sido ambos actores que conocieron la fama con sagas de películas para público adolescente, pero hay algo más que los relaciona antes de haber trabajado juntos en esta película.

Y es que, como reconoció en una entrevista, Lawrence pudo haber interpretado a Bella Swan en vez de Kristen Stewart, pero la rechazaron “inmediatamente” tras hacer la audición, como contó en el podcast The Rewatchables: “Ni siquiera me volvieron a llamar”.

Tan solo unos pocos años después recibiría el papel de Katniss Everdeen en ‘Los Juegos del Hambre’ que le daría la fama que luego, además, conseguiría a nivel de prestigio al ganar su primer Oscar por ‘El lado bueno de las cosas’ con tan solo 22 años.

Ese rechazo para protagonizar ‘Crepúsculo’, sin embargo, quedó como una anécdota en su carrera y de la que ahora bromea al haber conseguido trabajar con Robert Pattinson, que participó en la afamada saga, y así declaró al medio Variety: “Es la venganza que tanto deseaba”, en el estreno de ‘Die My Love’ en Nueva York.

Jennifer Lawrence y Robert Pattinson: una pareja con química

Así, Jennifer Lawrence ha conseguido trabajar con Robert Pattinson, un actor con el que ha congeniado y del que ha declarado en el mencionado medio: “Lo que más me gustaba de trabajar con él era que podíamos estar en la misma habitación sin hablar durante mucho tiempo. Eso lo valoro mucho en un compañero de trabajo”.

Al mismo tiempo, Pattinson también ha valorado el haber coincidido directamente con la actriz con la que pudo haber coincidido en la famosa saga en la que interpretó a Edward Cullen, y a la que conoció con su interpretación en ‘Winter’s Bone’ en 2010: “Cuando se estrenó esa película, todo el mundo fue a verla y se preguntaba: '¿Quién es esta chica?' Tenía como un poder elemental, y se notaba que desde el primer momento de su carrera, era la estrella más grande del mundo”.

Jennifer Lawrence ha roto todos los récords posibles. Con 22 años ganó el Oscar a la Mejor actriz protagonista. Con 35 acaba de ser reconocida con el Premio Donostia. Es la más joven de la historia en lograrlo. José Luis Rebordinos decía que en la figura de Lawrence se juntaban muchos factores que hacían que no se hubiera dudado ni un minuto cuando surgió la posibilidad de que ella fuera uno de los dos premios honoríficos de esta edición. Con menos de 40 ya tiene una carrera que muchas actrices veteranas desearían, y gracias a sagas como Los juegos del hambre es un icono adolescente que acerca un cine diferente a nuevas generaciones.

A San Sebastián llegó no solo a recoger el Donostia, sino para presentar Die, my love, el filme dirigido por Lynne Ramsay basado en la novela de Ariana Harwicz sobre una madre que sufre un estrés posparto que la coloca en situaciones que normalmente el cine no muestra. La actriz atendió a la prensa en una multitudinaria rueda de prensa en la que se advirtió que las preguntas se centraran en la película o su carrera.

Pese a ello, Lawrence no tuvo problemas en contestar sobre si cree que como artista se está sufriendo un ataque a la primera enmienda en EEUU tras lo sucedido en las últimas semanas con Jimmy Kimmel. “Sí. Nuestra libertad de expresión está siendo atacada y creo que el mundo del cine, y usar nuestra voz de forma artística nos permiten, en sitios como este, conectarnos y ser empáticos y libres”, opinó.

Sin embargo, cuando fue preguntada por su opinión sobre que el filme fuera distribuido por Mubi, una empresa participada por un fondo de inversión ligado al sector militar israelí, desde la organización se cortó la pregunta para recordar que las preguntas debían centrarse en la película y su carrera. Se volvió a intentar cuando otro compañero remarcó que le parecía inaceptable censurar una pregunta y le pidió que se posicionara ante lo que estaba ocurriendo en el mundo como madre que teme el futuro para sus hijos.

“Es terrible”, comenzó diciendo Jennifer Lawrence que esta vez sí contestó. “Lo que está sucediendo no es nada menos que un genocidio, y es inaceptable. Estoy aterrorizada por mis hijos, por todos nuestros hijos. Lo que me entristece es que esta falta de respeto y el discurso en la política estadounidense actual les parecerá normal a muchos jóvenes que les votan ahora mismo. Les parece totalmente normal que la política no tenga integridad. Los políticos mienten. No hay empatía. Y todos deben recordar que cuando ignoran lo que sucede en un lado del mundo, pronto les pasará lo mismo”, dijo de forma contundente.

Lo que está sucediendo no es nada menos que un genocidio, y es inaceptable. Estoy aterrorizada por mis hijos, por todos nuestros hijos

Jennifer Lawrence — Actriz

La actriz justificó su posición de intentar no contestar preguntas políticas a pesar de que la situación le “rompe el corazón”. “La realidad es que, al hablar demasiado o responder a tantas preguntas, tememos que nuestras palabras solo se usen para añadir más fuego y retórica a algo que está en manos de nuestros funcionarios electos. Solo quiero que la gente se concentre en quién es responsable, qué puede hacer y cuándo debe acudir a votar, y que no deje que los actores y artistas que intentan expresar su libertad artística, su libertad de expresión, carguen con las consecuencias de los verdaderos responsables”, zanjó.

La actriz también habló sobre los temas que aborda la película, como el estrés posparto, algo que contó que no tuvo con su primer bebé, pero sí con el segundo. “He sido muy afortunada porque tuve un buen posparto tras mi primer bebé, que fue cuando me leí el libro de Ariana, y quizás por eso, porque no estaba en un lugar tan bajo, pude mirar la historia de forma directa e ir a ese lugar. Tras el segundo sí que tuve estrés posparto y ha sido realmente raro ver la película en retrospectiva tras haber pasado por ello”, confesó.

Fue “un director nuevo y muy prometedor, Martin Scorsese” —dijo con humor—, quien le dijo que debía producir la adaptación del libro de Harwicz para protagonizarlo. Fue Lawrence quien pensó que Ramsay la dirigiera porque era muy fan de su trabajo. La cineasta aceptó, y el resultado ha sido una experiencia que describe como “perfecta”.

En la 73ª edición del Festival de San Sebastián, la actriz Jennifer Lawrence recibe a los 35 años el Premio Donostia este viernes 26 de septiembre por ser considerada “una de las intérpretes más influyentes de nuestro tiempo”, certamen al que llega a presentar su último proyecto ‘Die My Love’.

La actriz conocida por su participación en la saga cinematográfica de ‘Los Juegos del Hambre’ como Katniss Everdeen o por su papel de Mystique en la precuela de la franquicia X-Men, ha tenido una carrera desigual después de lograr el premio Oscar con tan solo 22 años.

‘El lado bueno de las cosas’ (2012)

La película dirigida por David O. Russell fue la que le valió el premio Oscar a mejor actriz en 2013 por su interpretación de Tiffany, una joven con problemas y mala reputación que aparece en la vida de Pat, interpretado por Bradley Cooper, que recién acaba de regresar de un centro de salud mental, para crear un vínculo que cambiará la situación de ambos.

‘No mires arriba’ (2021)

La que fue una de las películas de las que más se habló durante 2021, dirigida por Adam McKay y estrenada en Netflix, contó también con Jennifer Lawrence como una de sus protagonistas en el papel de Kate Dibiasky, una estudiante de astronomía que hace un descubrimiento junto a su profesor de un enorme cometa cuya trayectoria va directamente a la Tierra.

‘Winter’s Bone’ (2010)

Otro de los papeles más alabados de Jennifer Lawrence es que el que realizó con tan solo 20 años en la película ‘Winter’s Bone’, cuando dio vida a Ree Dolly, una joven que vive en una zona rural de Missouri que tiene que hacerse cargo de su familia en situación precaria y cuyo padre desaparece misteriosamente tras salir de la cárcel.

‘Joy’ (2015)

Otra cinta de David O. Russell es una de las películas fundamentales en la filmografía de Jennifer Lawrence y que le valió otra nominación al premio Oscar al dar vida a Joy Mangano, una trabajadora de Long Island que se convierte en inventora de productos para el hogar y siendo así uno de los personajes más famosos de la teletienda en Estados Unidos.

‘La gran estafa americana’ (2013)

Tan solo un año después del prestigio que le supuso su papel en ‘El lado bueno de las cosas’, Lawrence participó junto a Christian Bale y Amy Adams como protagonista en ‘La gran estafa americana’, que se ambientaba en el Nueva York de los años setenta, y donde volvió a coincidir con Bradley Cooper.

Hay en el cine una fina línea entre lo oscuro y la provocación deliberada. Entre querer incomodar y caer en la crueldad y en el regodeo. Cuando se supera, el problema es que no suele haber marcha atrás, esa película acaba cayendo de lleno en ese pozo de cinismo que el cine actual sufre con demasiada frecuencia. La que ha caído, por desgracia, en él es Lynne Ramsay, directora que suele jugar con lo retorcido y lo incómodo en sus películas (véase Tenemos que hablar de Kevin), pero que con su nueva y esperada propuesta, Die, my love, se ha pasado de frenada.

Sin duda su película era una de las más esperadas del Festival de Cannes. Ramsay es una autora consagrada, una mirada personal y atrevida, habitual del certamen, y que encima ahora traía a la alfombra roja a dos estrellas como Jennifer Lawrence y Robert Pattinson. Al servicio absoluto de la primera se encuentra esta adaptación de la novela del mismo nombre de la escritora argentina Ariana Harwicz. Esta mirada a la maternidad y a la depresión postparto parece hecha y diseñada como el clásico vehículo de exhibición de la intérprete, que regresa tras unos años de parón —precisamente por la maternidad— arriesgando con una cineasta independiente y lejos del Hollywood más acomodado.

El problema es que Ramsay no ha medido sus fuerzas. Está claro que en su propuesta hay una voluntad de ser molesta, de que el espectador mire a la maternidad como normalmente no se muestra, enseñar las partes oscuras y violentas de la depresión posparto. Pero lo hace cayendo en la provocación fácil, en la crueldad absoluta. No es solo que el espectador tenga difícil empatizar con ningún personaje, es que Ramsay —basándose en el texto de la escritora—muestra a su personaje en una deriva que por dura, llega hasta ser machacona. 

No hay un rayo de luz en la película, pero no es la oscuridad el problema, sino que parece que disfrute haciendo sufrir a su personaje. ¿Cuántas veces tenemos que ver a Jennifer Lawrence infligiéndose dolor para que sepamos lo que sufre?, ¿por qué se repite una y otra vez unas escenas que quieren remarcar el daño físico que también sufren los cuerpos de las mujeres? Hay en esa repetición un efecto que al final es contraproducente, porque al malestar inicial se une una anestesia ante lo que ocurre en la pantalla.

Quien disfruta de ese exceso es Jennifer Lawrence, que cae en el mismo error. La actriz realiza una actuación física y extrema, pero cae constantemente en mohines. Lawrence parece empeñada en dotar a su personaje de cierta comicidad incómoda, lo que hace que se la vea poniendo gestos, haciendo cuchufletas y otras decisiones que tensan más una cuerda que ya estaba más que a punto de romperse por la propuesta narrativa de Ramsay. A su lado Robert Pattinson está mejor cuanto más comedido y peor cuando entra en la tónica de desbarre del filme, a lo que se une un personaje bastante desdibujado. Por momentos Die, my love está tan arriba tonalmente que acaba siendo gritona y estridente. La sobriedad de Sissy Spacek y de la breve aparición de Nick Nolte terminan siendo lo mejor del filme.

Tampoco se entiende por qué en una película tan dura, visceral y excesiva, Ramsay apuesta por un esteticismo que choca con lo que ocurre en la pantalla. Los amaneceres, los planos de cielos con nubes a lo Terrence Malick, las escenas de ellos arrastrándose por el trigo como animales… todo con una fotografía que embellece unas imágenes que deberían ser sucias y crudas como lo que uno ve en pantalla. 

Es imposible, tras ver Die, my love, no pensar en una película como Salve María, que aborda la misma problemática, y lo hace también incluso recurriendo al género, y hasta a toques de body horror, sin caer nunca en el exceso grandilocuente del filme de Ramsay. No hacía falta en la película de Mar Coll subrayar todo, ni recurrir a interpretaciones efectistas ni a gestos subrayados. Había en Salve María una inteligencia que confiaba en el espectador, que conecta más con el gesto casi congelado de la excelente Laura Weissmahr que con el enésimo recurso de Jennifer Lawrence.

Tal como se anunció en la rueda de prensa del pasado 10 de abril, el Festival de Cannes tenía pendiente varias películas para completar las diferentes secciones de su Sección Oficial. Los rumores se han cumplido. Todo apuntaba a que entre ellas estaría Die, my love, la nueva película de la directora Lynne Ramsay (autora de Tenemos que hablar de Kevin) que protagonizan Robert Pattinson y Jennifer Lawrence. Se trata de una adaptación de la novela Mátate, amor, de la escritora argentina Ariana Harwicz. Con la inclusión de Ramsay el certamen llega a las siete directoras en competencia por la Palma de Oro, su cifra más alta en sus 78 ediciones.

No ha sido la única película nueva que competirá por el galardón más prestigioso del cine de autor, sino que el iraní Saeed Roustaee estrenará su nuevo filme, Mother and child. Será el segundo cineasta de Irán en la selección de este año junto a Jafar Panahi.

También habrá algo de presencia española, ya que Albert Serra es uno de los coproductores del biopic de Magallanes que ha dirigido el cineasta filipino Lav Diaz y que protagoniza Gael García Bernal. Un filme que se verá fuera de concurso, en la sección no competitiva de Cannes Premiere donde también se han añadido otros dos filmes: Renai Saiban, del japonés Koji Fukada, y Astin sem eftir er, de Hlynur Pálmason.

Entre los nombres que más destacan del resto de anuncios está el debut en la dirección de Kristen Stewart, The chronology of water; que estará en Una cierta mirada, la segunda sección en importancia; y el filme de Ethan Coen en solitario Honey, don't, que se verá en una proyección de medianoche.

Todos ellos se unen a los nombres ya anunciados en una edición importante para el cine español, que tendrá dos películas en competición por la Palma de Oro, Romería, de Carla Simón; y Sirat, de Oliver Laxe. Un suceso que no ocurría desde 2009. Además, Ciudad sin sueño, de Guillermo Galoe, se verá en la Semana de la Crítica.

Parece extraño que una actriz que despierta tanta simpatía como Jennifer Lawrence no hubiera protagonizado una comedia pura hasta ahora. La hemos visto caerse en los Oscar, alucinar cuando Jack Nicholson le declara su admiración y reaccionar siempre de la forma más espontánea en decenas de entrevistas. Había coqueteado con la comedia con El lado bueno de las cosas, el título de David O’Russell que le valió su Oscar a la Mejor actriz protagonista; y fue parte del reparto coral de la sátira No mires arriba; pero nunca, como ella misma ha confesado en numerosas ocasiones, había sido el centro gravitacional de una comedia (o al menos de una comedia que llegara a las salas de cine).

Ha tenido que ser uno de sus mejores amigos, Gene Stupnitsky, guionista forjado en The Office, el que la convenciera para ser la absoluta protagonista de Sin malos rollos, que se estrena este viernes en cines. Stupnitsky sorprendió en 2019 con su debut en la dirección, Chicos malos, una comedia irreverente protagonizada por niños. Intenta hacer lo mismo ahora, lanzar chistes con el sexo en el centro y a través de ellos intentar dar la vuelta a los clichés de la comedia. En esta ocasión contando la historia de Maddie, una joven conductora de Uber con deudas cuyo coche ha sido embargado. Ante la imposibilidad de pagar las facturas y el riesgo de ser desahuciada, Maddie responde a un misterioso anuncio que ofrece un coche a cambio de tener una cita con el hijo de una familia rica.

Un argumento con ecos del cine de adolescentes de los 80 y 90 con John Hughes como gran referencia y una Jennifer Lawrence desatada en su labor de intentar seducir a un chaval que representa a una nueva masculinidad y al que interpreta Andrew Barth Feldman, toda una revelación. La novedad es que hay, de fondo, una reflexión sobre el cambio generacional, con unos jóvenes más preocupados por el bullying y menos ‘salidos’ que en el cine de hace décadas y, sobre todo, una crítica a la gentrificación y el precio de la vivienda. 

“La disparidad de sueldos y la diferencia entre el precio de la vivienda que sube y el sueldo mínimo y la mayoría de los sueldos es un tema importantísimo en Estados Unidos. Los guionistas escriben sobre los problemas reales de la sociedad, y este es un problema real para los jóvenes allí. Los jóvenes acceden al mundo laboral con unas deudas gigantes desde la universidad, con una promesa de un trabajo y un sueldo con el que podrán pagarlas y eso se ha visto que no era verdad”, dice sobre el tema de fondo del filme la actriz en un encuentro con periodistas en la presentación del filme en Madrid.

La película se ríe también del choque generacional de ambos, y también de los pijazos que han gentrificado las zonas obreras y están echándoles de sus pisos. Para Andrew Barth Feldman la clave está en que nos gusta reírnos de estos temas “porque son verdad”. “Hay unas diferencias enormes entre estas dos generaciones. Sin embargo, Jennifer y yo conectamos de una forma inmediata, y aunque sí que hay un choque generacional, es verdad que yo creo que esta especie de sensibilidad aumentada ha sido positiva. Tenemos mucho más cuidado con cómo decimos las cosas y tratamos de cuidar más de los grupos que están más marginados y creo que eso ha sido un cambio para bien”, apunta.

He aprendido que el mundo es muchísimo más diverso de lo que yo pensaba. Y como millennial ha sido duro

Jennifer Lawrence — Actriz

Lawrence también considera que el cambio ha sido positivo. “Yo, como milenial, he aprendido muchísimas perspectivas nuevas que no conocía antes de este cambio cultural enorme que nos ha traído más respeto por el otro y la lucha por la igualdad. He aprendido que el mundo es muchísimo más diverso de lo que yo pensaba. Y como milenial ha sido duro, es como un músculo que estoy ejercitando constantemente, pero estoy contenta de hacerlo. No hay nada más importante que aprender a respetar, querer y reconocer a tu vecino”, añade la actriz.

Ahora también productora

Desde hace un año Jennifer Lawrence también ha entrado como productora en sus proyectos. Debutó con Causeway, que se estrenó en Apple TV+, y ahora también en esta película en la que, reconoce, no ha tenido tanto trabajo. “En Causeway tuve más poder de decisión que en esta. Aquí recibí un guion increíble de un director increíble y mi trabajo fue, principalmente, proteger la integridad creativa de la película”. Lawrence subraya cuánto confía en la visión del director, que es uno de sus mejores amigos con quien llevaba tiempo buscando trabajar. Fue el guion de Sin malos rollos lo que la hizo regresar de una corta baja de maternidad y lanzarse a uno de sus primeros trabajos humorísticos.

Ambos actores coinciden en que uno de los retos fue no reírse todo el día en el rodaje. “La verdad es que no reírnos fue difícil, sin duda, porque Gene tiene una cabeza impresionante y nos mandaba frases nuevas cada día. Entonces, aunque habíamos leído el guion, como teníamos frases nuevas, era muy difícil no reírnos cuando rodábamos”, recuerda Jennifer Lawrence, que intenta dejar hueco siempre para que su compañero de reparto se involucre en la entrevista y demuestre la frescura que también desprende en la película.

Aunque la película tenga como referencia clara el cine de John Hughes, ambos intérpretes confiesan que la película que el director les hizo ver fue El graduado, aunque para Andrew Barth Feldman otra de las influencias claras es Risky Business. En ese homenaje al cine ochenteno de hormonas desatadas también encaja que al padre del chaval protagonista lo encarne Matthew Broderick, protagonista de una de las cumbres del cine de Hughes en aquella década Todo en un día (Ferris Bueller's Day Off).

Las dos anteriores películas de Jennifer Lawrence (No mires arriba y Casueway) se estrenaron directamente en plataformas, y será Sin malos rollos con la que vuelva a las salas, algo que le alegra, porque cree que sería “una injusticia lanzar esta película en una plataforma y no dar al público la oportunidad de reírse todos juntos”.

- Título: X-Men: Fénix Oscura (X-Men: Dark Phoenix), 2019

- Dirección: Simon Kinberg

- Guión: Simon Kinberg (basado en una historia de Chris Claremont, John Byrne y Dave Cockrum y en los personajes de Stan Lee y Jack Kirby)

- Reparto: Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jessica Chastain, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult

La saga de los mutantes, la que fuera una de las pioneras del cine de superhéroes de esta nueva generación, siempre se caracterizó por su experimentación narrativa… y por los escándalos que ocurrían en sus estudios y rodajes.

Tras la intriga de los escenarios de la segunda parte, o de la curiosidad que despertaba la nueva etapa con Primera Generación (Matthew Vaughn, 2011) y alcanzando su máximo interés con Días del futuro pasado (Bryan Singer, 2014), la audiencia optó por un cine más ácido y éticamente ambiguo, menos inocente.

Por ello, la continuidad de esa línea ingenua de valores en la diversidad ha quedado ya obsoleta, porque estos mutantes han perdido mucha capacidad de representación. Y lo poco identificable que se puede extraer es tan básico que resulta insultante y estúpido. Sucedió con X-Men: Apocalipsis y explota como nunca en esta última entrega.

Lleno de incoherencias e inexactitudes, el guión es simple y no da juego para más que un episodio televisivo. La apuesta queda clara: concentrar la atención de la acción en ese foco de éxito que está resultando ser Sophie Turner por su relevante papel en Juego de Tronos. La apuesta, sin embargo, no podía haber salido peor.

Los personajes están completamente desaprovechados en relación a un casting, como es habitual en la saga, completamente envidiable. Fassbender, McAvoy, Lawrence, la misma Turner e incluso Jessica Chastain conforman una serie de elementos cuyas interacciones son de lo más absurdo.

Está claro el abandono de la esperanza en la Patrulla X, paradójicamente en contra del mensaje de este último capítulo y a favor de otras franquicias que puedan continuar el monkey business que tanto gusta.

La actriz de la trilogía Los Juegos del Hambre, Jennifer Lawrence, ha denunciado este martes la corrupción política de su país y la ausencia de sistema democrático en EEUU. “El Gobierno ya no representa a su pueblo”, ha asegurado.

La intérprete ha explicado en el foro Concordia, que se celebra este lunes y martes en Nueva York, que el estricto bipartidismo, la manipulación de los distritos electorales y unas leyes corruptas de financiación de candidatos han llevado a que la democracia que prácticamente anulada.

“Varios estudios señalan que las preferencias de los estadounidenses tienen prácticamente cero impacto en las políticas públicas”, ha aseverado Lawrence en un acto en representación de la organización sin ánimo de lucro Represent.Us.

Lawrence ha apuntado que un 86% de las elecciones que se celebran en EEUU ya están decididas antes de que tengan lugar debido al denominado “gerrymandering”, una técnica que permite a los Estados trazar los distritos electorales de manera que favorezcan la victoria de un legislador de un partido determinado.

Además, el cofundador de Represent.Us Josh Silver ha asegurado que los presidentes de Estados Unidos pasan un 70% de su tiempo captando fondos para las próximas elecciones, por lo que invierten pocos esfuerzos en promover cambios reales. “Todo esto se une para formar (...) un sistema completamente corrupto donde el pueblo tiene casi cero impacto en el sistema”, ha señalado Silver.

Para solucionar la situación y volver a un sistema democrático real, la intérprete ha aseverado que hay que aprobar legislación anticorrupción a nivel estatal, ya que un estudio demuestra que son este tipo de normas las que luego llevan a que el Congreso nacional adopte también estos cambios: “Aprobar leyes estatales lleva a una victoria nacional. (...) No podemos descansar hasta que la democracia sea restaurada en Estados Unidos”.

La actriz, que el pasado febrero anunció su retirada temporal del cine para dedicarse al activismo, no quiso identificarse con un movimiento político y aseguró estar únicamente interesada en los problemas de corrupción del gobierno y la democracia de su país, razón por la que ha decidido colaborar con Represent.Us. “Nunca me ha interesado formar parte de una organización que represente un solo lado, izquierda o derecha. (...) Me importa un gobierno justo”, ha apuntado.

Según Lawrence, los estadounidenses deberían “intentar construir un gobierno del que estar orgullosos” ya ha instado a los ciudadanos a votar en las próximas elecciones legislativas, que se celebrarán el próximo noviembre. “Es más importante que nunca salir ahora a la calle. Hay que votar”, ha zanjado Lawrence.

‘Madre! (Mother!)’, como casi todo lo de Darren Aronofsky, lleva al espectador a removerse incómodo en la butaca. De entrada, hay que decir que es un filme que amas u odias. Aquí el espacio para el relativismo es poco. La película inquieta, estremece, repugna, conmueve, invita a la controversia, al escándalo, al sentimentalismo e incluso, puede llevar al tedio. La atmósfera en la que nos sumerge el neoyorquino es tan confusa que obliga a buscar entre alegorías el mensaje de una suerte de anarquía apocalíptica que se aproxima más al terror que al drama psicológico (o socioambiental si se adopta la postura del director). Las interpretaciones pueden ser tan variadas como los espectadores.

Aronofsky escribe en cinco días el primer borrador del guion y deja en él, según sus propias declaraciones, la ira que siente cuando piensa en lo que está pasando con el planeta y en la indiferencia de los seres humanos para con esta situación. De hecho, se inspira en la composición de ‘El Ángel Exterminador’ de Luis Buñuel para mostrar la complejidad de la trama social que plantea. Los seres humanos destruimos la Tierra, Dios es un ególatra que reinventa una y otra vez aquello que está abocado a la destrucción y vivimos en una especie de esquizofrenia colectiva.

En ‘Madre!’ vemos la historia de una pareja que vive en una mansión en el campo. Él (Javier Bardem) es un escritor que está intentando encontrar inspiración para su siguiente libro. Ella (Jennifer Lawrence) dedica sus días a atender a su retraído esposo al tiempo que se encarga de la reconstrucción de la casa que fue consumida por un incendio. De repente llega un inesperado visitante (Ed Harris) con el que Él teje una extraña amistad. Luego llega la esposa del visitante (Michelle Pfeiffer,), sus hijos y posteriormente, atraída por el éxito de Él, una marea de fanáticos. Tras una serie de sucesos inverosímiles (si nos aferramos a la historia y no a la metáfora desvelada por el director), Ella, que intenta hacer entrar en razón a su esposo y sacar de su casa a la turba de “entusiastas”, empieza a experimentar episodios de conexión con fuerzas misteriosas de la mansión.

Con una puesta en escena que lleva del sosiego al horror (uno de los grandes logros del filme), Aronofsky busca esbozar la complejidad de las pasiones humanas. Eso sí, como si se le hubiese quedado algo pendiente tras ‘Noé’ (2014), lo hace a manera de recorrido bíblico (fíjese en la costilla del padre y en el asesinato de uno de los hermanos a manos del otro). Sin embargo, el espíritu anárquico que se descubre y la extraña relación de Ella (ninguno de los personajes tiene nombre) con la mansión, hacen que la reflexión se difumine llevando al espectador a la risa, al hastío o al extremo de su capacidad neuronal. ‘Madre!’ podría recordar a rarezas como ‘Antichrist’ (2009), de Lars Von Trier, o a la filmografía de Buñuel, pero no llega a dejar esa impronta cinematográfica como para ser referencia por su planteamiento u originalidad.

Ahora bien, todo hay que decirlo. La película juega con dos bazas además de la reputación de su guionista y director, director de las magníficas ‘Cisne negro’ y ‘Réquiem por un sueño’: un elenco que no tiene desperdicio y una potencia visual que nos mete de lleno en un mundo de angustia y desenfreno, de amor, locura, entrega y narcisismo. Para Jennifer Lawrence una gran enhorabuena. Ha demostrado nuevamente lo gran actriz que puede ser y no sólo por soportar una de las genialidades de la cinta: la cámara “incrustada” en sus hombros durante todo el metraje.

- Título: Madre! (Mother!) (2017)

- Dirección: Darren Aronofsky

- Guión: Darren Aronofsky

- Reparto: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, Domhnall Gleeson

El aclamado director de auténticos referentes cinematográficos en los últimos veinte años como Réquiem por un sueño o Cisne negro, Darren Aronofsky, ha estrenado su muy esperado proyecto Madre! La expectativa era seria, dado el batacazo cualitativo que ya se dio hace tres años con su recreación de la historia del diluvio universal (Noé, 2014).

Madre! es de las apuestas más inseguras de este año a la hora de ir al cine. Los espectadores que simplemente quieran ceñirse a los acontecimientos narrados se encontrarán con una historia repleta de innecesario morbo y violencia. Pretende ser una cinta de terror y acaba siendo un ejercicio del asco más profundo que puede provocar la humanidad.

El caso de aquellos que intenten entender de un modo racional o cultural la trama es aún peor, pues encontrarán una épica metáfora propia de la deriva patética de su realizador. Un monumental y pretencioso despropósito, que no viene a cuento ni aquí ni ahora.

En el primer caso, el espectador asistirá a una cadena de sucesos ininteligibles en su forma y contenido, exasperantes en cuanto a la reacción de la protagonista -muy buena interpretación de Jennifer Lawrence, alejada de la continua locura de clase media de sus últimas películas y de paso del resto de actores, eso sí, todos ellos en papeles desafortunados-.

En el segundo, una interpretación que llega a dar vergüenza ajena incluso para aquellos a los que se acaba mostrando previsible -la clave es entender a qué nos recuerda la historia-.

Echamos de menos al Aronofsky preocupado por los males humanos y terrenales, por el límite del día a día. No por la extravagancia de querer ir partir del más allá e intentar acercar lo divino a nuestra realidad. En su cine, el orden de los factores sí que altera el producto y para muestra la penosa decisión que fue, precisamente, rodar Noé.

Lo peor de la película es que toda su intención es una gran mentira. No lo decimos por el origen de su historia, un debate que ya deberíamos haber superado hace mucho tiempo, sino por la falsa importancia de la mujer en la trama, quien en el fondo queda relegada al rol de esposa, ama de casa y madre. Debate descomunalmente peligroso, obsoleto e ignorante. Otra decepción más firmada por Darren Aronofsky.

Es fácil imaginarse a Darren Aronofsky disfrutando de la controversia de su último filme y riéndose de la zafiedad de los que pitaron y abuchearon el pase en Venecia. El neoyorquino responde en todas las entrevistas con cierta socarronería y fingida sorpresa, porque él sabía perfectamente que Madre! iba a dividir a su público en canal. “Perdonadme por lo que estoy a punto de haceros”, advirtió en Toronto, muy consciente de que este “misil” no es apto para cualquier estómago. 

Si Aronofsky insistió tanto en que la audiencia (por lo menos la estadounidense) llegase virgen al primer visionado de su obra, no fue por un capricho. El director escondió la verdadera trama de la película con el objetivo de que Madre! fuese una experiencia única para cada espectador.

Algunos salieron de la sala con la cabeza como un concierto de maracas, sin saber si debían contener la risa o si era Aronofsky el que se había reído en sus caras. Otros presumieron de haber cazado al vuelo su poderoso simbolismo. Pero siempre hay un mensaje más de aquellos que creemos ver. 

Es mejor enfrentarse a este juego pensando que se trata de otro de sus experimentos paranoides o una película de terror doméstico. Siendo así, se puede vivir la ansiedad y el desconcierto en escala ascendente, ver cómo una casa de brujas se convierte en una alegoría del Edén, y encontrar sus guiños al maltrato machista y a la destrucción masiva de nuestro planeta.

La película de Aronofsky se puede dividir en tres tercios bien diferenciados. Todos ellos se desarrollan en una hermosa casa octogonal, rodeada de un bosque frondoso y sin una vía de entrada o salida que conecte la mansión con el mundo exterior. Ahí dentro solo viven dos personas, una pareja con una diferencia de edad notable. Ella, interpretada por Jennifer Lawrence, existe para complacer a su marido, Javier Bardem, un poeta desdichado que una vez publicó un bombazo y ahora padece de una crisis creativa. 

Si bien conocemos la profesión y el propósito de él en los primeros cinco minutos, el presente de la mujer se desdibuja entre infinitas muestras de servilismo. Se pasa el día reconstruyendo la casa -que ardió en algún momento inexacto del pasado-, fregando platos, eligiendo entre tonos de ocre para pintar las paredes y cocinando.

Lawrence representa de tal forma al ángel del hogar victoriano, que incluso sus hobbies están orientados al placer masculino: le gustan la arquitectura y el bricolaje solo porque sirven para transformar su hogar en un “paraíso” para su esposo. Aún así, nada es suficiente para que él abandone su mundo interior y le preste un poco de atención. Tampoco para que se dé cuenta de la extraña fuerza que está apoderando de su propia casa y destruyendo a su propia mujer.

El colapso de la naturaleza

El ambiente en esa gran mansión victoriana está enrarecido. Es casi paranormal. Ella es capaz de conectar con una presencia en forma de corazón enorme y bombeante, pero no llegamos a entenderla hasta el segundo acto, cuando aparecen en escena Ed Harris y Michelle Pfeiffer. El primero se cuela en la casa diciendo que es un médico confundido, pero pronto se verá que no ha llegado hasta allí por casualidad. Al día siguiente aparece su mujer.

Ambos se confiesan seguidores incondicionales de la poesía del anfitrión. Son una pareja enamorada, pasional y sin ningún reparo en meterse mano delante de Lawrence y Bardem. En un incómodo momento sale a relucir el tema de los hijos porque ellos tienen dos. “¿No quieres niños? Ah, no puedes”, le dice una viperina Pfeiffer a la joven esposa. De repente, de la nada, aparecen también los dos vástagos de la pareja invitada: llegan a gritos y peleándose entre ellos. Al final, el mayor asesina al pequeño y queda marcado de por vida en la frente. ¿Nos suena? He aquí la representación del Nuevo y el Viejo Testamento según Aronofsky.

El corazón bombeante deja de ser un recurso de terror, perteneciente a algo maligno y acechante, para convertirse en la fuerza que dota de vida al Edén. Así, Bardem sería un Dios seco de ideas hasta que llegan sus dos adoradores, Pfeiffer y Harris, que serían Adán y Eva. Sus violentos hijos representan a Caín y Abel. La alegoría más sutil recae en los hombros de Lawrence: ella sería la madre tierra, según ese imaginario que conecta el medio ambiente con la femineidad. 

Desde el mito griego de Gaia, la diosa Durga del hinduismo o Wicca de los celtas, las representaciones de la naturaleza se encuentran a expensas de la destrucción del hombre. Los productores se basaron en el fantástico ensayo filosófico La mujer y la naturaleza: el rugir dentro de ella, de Susan Griffins, para representar el sufrimiento de Jennifer Lawrence como todas estas madres. “El libro trazaba un paralelismo entre cómo los hombres a veces tratan a las mujeres y cómo las personas tratan el planeta”, dijeron.

En cuanto Adán y Eva entran en su hogar perfecto y lo llenan de personas, estas actúan como si su comida, su estructura, incluso la elección de los colores fuesen suyas. Lo destruyen todo como una mala plaga. “Marchaos. Es mi casa”, repite ella desesperada. “¿Tuya?”, le dicen los okupas mientras se ríen a carcajadas. “Vaya zorra estirada”.

La musa: concepto misógino y maltratado

El tercer y último acto nos presenta a una Jennifer Lawrence embarazada y descalza. Su marido ha vuelto a escribir, pero esta vez ha creado la pieza de arte más perfecta de toda su carrera editorial. Mientras que ella prepara una velada romántica para celebrar el nuevo éxito, su casa se empieza a llenar otra vez de extraños que vienen a felicitar al poeta del momento. A alabarlo como a un mesías. No tiene nada que ver con el guateque de Adán y Eva; es una auténtica horda de acólitos que representa lo peor de la humanidad. 

Un escenario de desigualdad, pobreza, brutalidad policial, conflictos sociales y fanatismo religioso, donde Jennifer Lawrence es atacada y vejada sin poder escapar de esas ocho paredes. Cuando consigue dar a luz, a su bebé no le espera un destino mucho mejor. Todo por culpa del ego insaciable de un hombre que descuida e ignora a su propia familia a cambio de un puñado de fans.

Aranofsky, dentro de toda esta simbología religiosa y ecologista, ha querido dejar un resquicio de la trama a la parte más oscura del proceso creativo. Y aunque el peso de la interpretación lo lleva Lawrence, Bardem encaja a la perfección en esa dualidad del creador supremo y el artista iracundo que no es capaz de ver más allá de su genio.

La conclusión es una caótica mezcla de estas dos líneas argumentales: Lawrence prende fuego a su Edén destruyendo todo y a todos, y cansada de ser solo la musa de su marido sobre el papel. “Te lo he dado todo y lo has regalado todo. No me queda nada más”, le dice su cadáver calcinado. Aronofsky vio una clara relación entre esas dos madres que ofrecen sin esperar un pago y la ingratitud que en ocasiones reciben a cambio. Ahora bien, ¿lo verá el público tan claro como él?

Madre! es violenta y desconcertante, y solo por eso está monopolizando el debate cinematográfico. También representa un acto de fe de Paramount, ya que pocas veces los grandes estudios ofrecen 30 millones a un proyecto tan extraño, por mucho que lo firme el director de Cisne Negro y Requiem por un sueño. Sin embargo, en Estados Unidos la audiencia ha emitido su veredicto y no es demasiado amable: una F, la peor nota del portal Cinemascore. 

Darren Aronofsky quería ofrecer algo distinto, y lo ha logrado, pero no consigue hacer calar su ambicioso mensaje. Todas las buenas intenciones se diluyen en escenas donde despedazan a bebés y reina un gore sofocante, sobre todo en el último tercio de la película. Nadie saldrá de las salas más comprometido con la violencia machista o dispuesto a plantar un árbol y a dejar de comer carne. Si acaso con un buen mareo. Exactamente lo que el director pretendía: sacudir a los espectadores con la misma violencia con la que la humanidad destruye el planeta y con la que los creadores ególatras humillan a sus musas.

- Título: Passengers (2016)

- Dirección: Morten Tyldum

- Guión: Jon Spaihts

- Reparto: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne

Perdonen que hoy quiera escapar de introducciones y adornos con los que contextualizar el que es uno de los mayores estrenos de estas navidades y quizá un gran blockbuster de lo que será 2017. Lo cierto es que el título de esta crítica no hace referencia a la verosimilitud de la cinta con la realidad cósmica que pretende tratar -nula- sino más bien a que Passengers, o Pasajeros, si lo prefieren, es una de las películas más tramposas de las rodadas durante el ya pasado año.

Es una cinta nada recomendable, hasta el punto de estar ante una de las merecedoras de un buen par de nominaciones a los Razzies de este año. Pero sí, de alguna manera es igual que el mismo espacio exterior: completamente llena de vacío por todas partes.

Con el resurgir de las aventuras espaciales encabezado ya en 2008 por Danny Boyle y su Sunshine, tendencia que más tarde nos traería cintas magníficas como Interstellar (Christopher Nolan, 2011) o Gravity (Alfonso Cuarón, 2013), era de esperar que Morten Tyldum, el que fuera director de la genial Headhunters, liderase una historia interesante, atrevida, de cierta calidad. Y no me malinterpreten, la dirección de Passengers no es mala per se, dejándonos momentos de cierta belleza visual -la mayoría de ellos con algún matiz erótico, incluso.

Sin embargo, es obvio que el director noruego no puede obrar milagros con un guión tan blando, que resulta ser construido a partir de obvias referencias a esas mismas películas que antes nombraba, entre otras, simplemente por seguir la estela de lo que ha funcionado ya anteriormente. Escrito que firma Jon Spaihts, quien fuera también uno de los guionistas de Prometheus, Doctor Strange o La momia (Alex Kurtzman, 2017), aún por llegar. Con Passengers nuestra expectativa de aventura espacial se convierte, como si de una pesadilla se tratase, en un absurdo romance galáctico inundado de clichés del más rancio establishment hollywoodiense.

El argumento no puede ser más simple: una tripulación viaja criogenizada con destino a un remoto planeta. De entre todos los pasajeros, los interpretados por Chris Pratt y Jennifer Lawrence se despiertan casi 90 años antes de la llegada.

No hay más. O sí, pero es entonces cuando empiezan los despropósitos. Moralismo católico muy poco inteligente, los mensajes incoherentes destilados del comportamiento de los personajes y el continuo recurso a la estrategia narrativa del deus ex machina, que nos hacen preguntarnos si esta es la misma película que nos vendían en el tráiler, ya de por sí bastante descafeinado.

Pratt, a quien todas las productoras intentan vender como el próximo Harrison Ford, ha acabado por caer en el encasillamiento del papel de macho alfa aventurero, algo que siempre se explota hasta la extenuación y que parece borrarnos la memoria respecto a precedentes idénticos del star system norteamericano. La interpretación es plana y apesta a catolicismo barato del que tanto parece gustar en la industria estadounidense.

Frente a tal esperpento, una sobreactuada Jennifer Lawrence, cuyo personaje es falsamente puesto al mismo nivel de consideración que el de su compañero masculino pero que en realidad solo parece tener relevancia cuando la actriz -oh, casualidad- es utilizada como un mero reclamo estético y sexual para los espectadores. Mientras, el personaje de Martin Sheenes un elemento totalmente desaprovechado y ya el encarnado por Laurence Fishburne, un objeto de simple relleno.

De esta manera, una historia completamente inocentona -o una inocentada de aventura, ya el espectador valorará-, que bien podría haberse resumido en un cortometraje de no más de diez minutos, es vendida como un cuento de amor y supervivencia espacial en el cual lo único que sobresale es la dirección y la fotografía del mexicano Rodrigo Prieto (Silencio, Argo, El lobo de Wall Street, por citar algunos de sus más importantes trabajos).

Que esos dos aspectos sean lo único reseñable de esta producción es una clara prueba de que lo que primaba en la construcción de este filme era solo y ante todo el envoltorio. Y una señal aún peor es que parece que esta tónica comienza a repetirse mucho en muy poco tiempo.

Hace casi veinte años, la web satírica The Onion publicó un artículo con el título siguiente: “Sus actos propios de una comedia romántica provocan que un hombre sea arrestado en la vida real”. Trataba de las falsas vivencias de Denny Marzano, un hombre que acosaba a una mujer, se disfrazaba y maquinaba elaboradas tramas para ganarse a su sujeto de deseo gracias a su “increíble persistencia”. La noticia suponía una burla de algunas convenciones del cine romántico, como la tendencia a contemplar de manera amable las dinámicas de obsesión, asedio y engaño.

Passengers evidencia que las cosas no han cambiado demasiado. Estamos ante una superproducción que ha costado más de 100 millones de dólares y ha pasado por las manos de multitud de profesionales durante casi 10 años de desarrollo. El resultado parece destinado a avergonzar a aquellos que han participado en ella. Es el caso de la actriz Jennifer Lawrence (Los juegos del hambre, Joy), que ha criticado el machismo salarial de Hollywood pero protagoniza una obra que está siendo señalada precisamente por su evidente sexismo.

La película mezcla géneros partiendo de un material resbaladizo en cuestiones de género y de valores: los cuentos de hadas. No se juega a la transgresión ni a la vuelta de tuerca siniestra, como en aquella Freeway que convertía La caperucita roja en una malsana road movie contemporánea. El resultado se queda en una extraña tierra de nadie debido a su enfoque adulto pero insensato, almibarado e inquietante a la vez. Nos proponen una versión sci-fi de La bella durmiente, situada en el futuro y localizada en una nave espacial. El protagonista es un mecánico. Y la bella durmiente es una escritora que quiere vivir en dos planetas y en varias épocas, dado que su viaje debía implicar 120 años de hibernación. Pero los accidentes también ocurren en los vuelos interestelares de alto standing.

Cuento perverso recubierto de gominola

Jon Spaihts, guionista de Prometheus, ideó una extraña mezcla de aventura espacial y comedia romántica con una relación fundamentada en el engaño. En realidad, la misma trama podría haber tomado la forma de un psycho thriller como Captivity, pero se apuesta por un romanticismo enrarecido. A través de un inicio en la línea de Soy leyenda o Marte, con estrellas del cine ejerciendo de robinsones algo transtornados, los autores sientan las bases de un cuento moral sobre la soledad.

En su desesperación, el personaje interpretado por Chris Pratt (Jurassic World) se siente legitimado para disponer de la compañía de una mujer como si de un recurso natural se tratase. La necesidad y el deseo se visten con las galas de un enamoramiento voyeur, individualista y terrible.

A diferencia de lo sucedido en otros filmes, los responsables son conscientes de las tétricas connotaciones del relato. Se da espacio a los dilemas éticos del protagonista, quizá porque el conjunto sería muy relamido sin ellos. Con ellos, en cambio, el cuento resulta demasiado perverso como para poder recubrirlo con contrapuntos humorísticos, con gominolas de citas perfectas y regalos.

La situación pide un enfoque maduro, complejo, pero se opta por el escapismo mediante un tramo de comedia romántica diseñado para complacer a la audiencia (como diría Kent Brockman, el periodista de Los Simpson: “llegar al corazón para nublar la mente”). Posteriormente, se deja en suspenso el conflicto dramático a través de la acción, de la lucha por la supervivencia en el espacio.

Por el camino, el personaje de Lawrence juega un papel ambivalente: es inteligente, atlética, despierta, y está dispuesta a tomar la iniciativa. También siente ira y sed de venganza cuando descubre que ha sido traicionada. Pero no deja de ser un complemento, puesto que la película asume el punto de vista y las preocupaciones de él, sus autojustificaciones, su tristeza al ser descubierto (¿alguien ha pensando en la palabra androcentrismo?). Y ella parece condenada a actuar bajo las normas de la comedia romántica más perturbadora, donde las relaciones se fundamentan en variaciones del síndrome de Estocolmo, en laberintos de sacrificio, dependencia... y sí, reparto sexista de roles.

Treinta años atrás, Un mar de líos trataba un secuestro en forma de comedia familiar, sin las provocaciones de obras como Átame, e incorporaba un (matrimonial) final feliz. Ahora, Passengers también nos regala un happy end que genera estupefacción, rubor o pura indignación. Sin ánimo de entrar en spoilers concretos, el individualismo extremo tiene premio y el síndrome de Estocolmo es el medio para alcanzar una vida plena.

Un seductor manipulador rescata a la protagonista de una vida independiente (hasta extremos algo sociopáticos, dada su decisión de hibernar durante un siglo por un proyecto periodístico). De alguna manera, el grotesco desenlace invita a cuestionarse profundamente la visión del amor planteada en el cine romántico.

Joy Mangano podría ser Erin Brockovich. David O. Russell podría ser Steven Soderbergh. Ambas mujeres son iconos femeninos, luchadoras y humildes, perseverantes y brillantes. Ambos directores empezaron sus carreras como unos auténticos outsiders de Hollywood. Pero hay un abismo que les diferencia. Mangano inventó una fregona y montó un imperio de productos caseros gracias a la teletienda, y Erin Brockovich ganó una denuncia colectiva contra la compañía Pacific Gas & Electric por contaminar el agua del pueblo de Hinkley.

Con Brockovich, Soderberg realizó un docudrama bastante realista y complejo en el que una premiada Julia Roberts intentaba desenmarañar el caso. Con Mangano, a Russell le ha salido un telefilme (a ratos surrealista) que tiene voz en off y una Jennifer Lawrence impecable a pesar de que en este caso su personaje le quede viejo. La Joy Mangano que triunfó con su milagrosa fregona le saca diez años a la actriz que la interpreta.

Joy comienza con una brillante secuencia medio onírica, medio lynchiana, que corresponde a una telenovela sobre mujeres asediadas por hombres canallas y sin escrúpulos. Después Russell pasa a su protagonista, la historia -contada por Diane Ladd, su abuela- de una jovencita con talento que inventa cosas, que quiere cambiar el mundo, al menos el suyo, pero que cuando crece se convierte en una esclavizada cabeza de familia, madre soltera, trabajadora y ama de casa. Con una madre enferma inyectándose horas y horas de telenovelas, un padre obsesionado con su vida sentimental y un exmarido que es un Frank Sinatra fracasado, un perdedor con bondad y un poco de carisma. Y todos viven bajo el mismo techo.  

La vida de Joy cambia cuando un día en el yate de la nueva novia de su padre se hace daño fregando los restos de una copa de vino rota. Decide crear una fregona a la que llamará la fregona milagrosa. El milagro de esta fregona, que por ejemplo en España ha pasado completamente desapercibida, no es su funcionalidad revolucionaria o su limpieza o su comodidad; el milagro viene cuando a partir de este producto, Joy consigue ser una de las caras más reconocidas de la teletienda estadounidense y de paso, montar un imperio de productos del hogar.

Las escenas surrealistas se suceden durante el metraje con un asedio constante de referencias a los telefilmes y las telenovelas. Fragmentos que se van intercalando como gotas de humor negro entre el drama de esta luchadora. Y aunque no siempre encajan en el metraje que pretende ser realista, sí funcionan como recordatorio de las pretensiones de su director. Russell solo quiere hacer un telefilme brillante, profundo y sofisticado.

No hay nada malo en utilizar el formato del telefilme, con los clímax marcados para las pausas de publicidad, sus personajes de vagos arcos sentimentales y la exagerada manera de ficcionalizar los hechos reales. No, y si verdaderamente este es su propósito estamos ante el único hallazgo de un director demasiado egocéntrico y apresurado, que lleva años buscando una mirada propia y un estilo que lo diferencie. Él quiere ser Soderbergh, Pedro Almodovar e incluso George Cukor, pero aún le queda mucho.

Las mismas familias disfuncionales

Cuatro películas en cuatro años. David O. Russell tiene prisa. Y por eso utiliza el mismo esquema para construir a todos sus personajes. Ya en su mejor película hasta la fecha, The Fighter, el director se recreaba en la familia disfuncional de esos dos hermanos boxeadores y desde entonces ha seguido el mismo cuadro compuesto por padres y madres maniáticos, extraños y con la empatía mermada. A los padres los suele interpretar Robert De Niro: el actor está en El lado bueno de las cosas y en Joy. También coloca a un hijo completamente desquiciado por las circunstancias y la falta de cariño de sus progenitores. Siempre obtienen una redención. Jennifer Lawrence hizo este papel en El lado bueno de las cosas y lo vuelve a repetir en Joy.

Todas estas familias que construye Russell, hasta esa familia postiza que protagoniza La gran estafa americana, viven para lograr el gran sueño americano. Y lo logran aunque Bradley Cooper siempre pierda, como en La gran estafa americana y en Joy.

Russell no se arriesga ni con los personajes ni con los actores. Su juego, donde se atreve, es en los géneros. En The Fighter intercala el cine de boxeo con el melodrama o el cine social, las drogas y el humor negro. Con El lado bueno de las cosas intenta una comedia romántica que no le sale ni tan graciosa, ni tan romántica, como si no se atreviera. El resultado es elegante y perturbador. Con La gran estafa americana quiere hacerse un Scorsese y le sale algo demasiado excéntrico y también demasiado vacío. Y en Joy va directo al telefilme.

A todas las mujeres valientes (e irreales)

Joy está dedicada a todas las mujeres valientes. La frase aparece al comienzo de la película. Russell se basa libremente en Joy Mangano para construir la historia de su propia heroína, por eso da igual que sea Lawrence la que interprete a una mujer de 35 años (la actriz tiene 25). Ambas, la Joy de verdad y la Joy de Russell solo tienen en común la mopa milagrosa.

Cuando la fregona comenzó a salir en la teletienda sus números de venta eran muy modestos. Un día le permitieron a la propia Mangano salir con su producto y en menos de media hora vendió 18.000. Esto ocurrió porque era una ama de casa real, una mujer de carne y hueso que hablaba cara a cara a todos los telespectadores sin pretender ser quien no era. Gracias a la verdad que transmitía, se convirtió en la matriarca de un imperio millonario.

Por algún motivo inexplicable, Russell ha querido alejarse de la historia real y hacer su propia versión. El resultado es la historia de una mujer muy valiente, sí, pero completamente irreal. La odisea empresarial que pasa la Mangano de Lawrence es de una épica innecesaria, contraproducente en la historia y completamente vacía. Da la sensación de que Russell se ha pasado de la raya ficcionalizando la realidad. El telefilme se le ha quedado grande.

Suzanne Collins cuenta en una entrevista cómo se le ocurrió la historia de Katniss: “Una noche estaba acostada en mi cama mirando la TV y haciendo zapping y vi en un canal un reality show y en otro una cobertura sobre la guerra. En un canal hay tres jóvenes compitiendo entre sí por no se qué cosa. En el otro hay jóvenes combatiendo en una guerra de verdad. Yo estaba muy cansada, por lo que de repente las líneas que separaban esas dos cosas comenzaron a difuminarse de manera inquietante”.  

Así nació la saga de Los Juegos del hambre, entre programas de telerrealidad y guerras retransmitidas en directo. Esta saga adolescente, en sus libros y en sus películas, está repleta de mensajes políticos. Puede que sus planteamientos no tengan mucho de originales; sin embargo, sí hay en alguno de sus enfoques cierto grado de sofisticación.

El tercer y último libro de la saga se dividió en dos películas y ahora se estrena Sinsajo II, donde se desvelará si esta heroína convertida en símbolo de la revolución acaba por fin con el gobierno de la miseria. Todo comenzó con la protagonista ofreciéndose como voluntaria para luchar en Los Juegos del Hambre, un despiadado ritual televisado donde niños de entre 12 y 18 años, pertenecientes a los doce distritos en los que se divide una versión distópica de Estados Unidos llamada Panem, luchan a muerte. En un acto de sacrificio y valor Katniss gana los juegos desafiando de manera involuntaria al Capitolio, el gobierno despótico y salvaje que mantiene en el umbral de la pobreza a la mayoría de los habitantes.

Mujeres fuertes, hombres tranquilos

En una sociedad donde el Estado impone el hambre como un instrumento de dominación, donde los productores de alimentos no son los dueños de lo que producen y por tanto no pueden vivir de ellos, donde hasta la naturaleza está manipulada por el llamado Capitolio aparece Katniss Everdeen, una joven del distrito 12, el más pobre, donde los hombres trabajan en la mina y las mujeres mantienen los hogares. Sin embargo, Katniss adopta conductas que suelen atribuirse a la masculinidad, ella sale a cazar para alimentar a su familia, maneja perfectamente las armas, sobre todo el arco, es inteligente, valiente, audaz y demuestra una total destreza. En el New York Times Manohla Dargis definió a este personaje como una figura femenina que seguía el linaje de “arquetipos de la literatura y el cine del Oeste americano”, como los interpretados por John Wayne o Clint Eastwood.

Katniss tiene tantos rasgos femeninos como masculinos, igual que su enamorado Peeta, que aunque la supera en fuerza física, confía más en la no violencia y demuestra mucha más sensibilidad y empatía que ella. Katnis rompe con los estereotipos y se aleja de los códigos de género anticuados; es el reflejo de la teniente Ripley, de Sarah Connor o de Lara Croft. En la primera parte de Sinsajo aparece otra figura femenina de gran importancia para la historia, la presidenta Alma Coin, una fría y terriblemente carismática Julianne Moore, la líder de la rebelión que necesita usar al Sinsajo para alentar a las tropas. Ambas tienen un enemigo común, el actual regente de Panem, el presidente Snow. Y en esta última parte la tensión entre ambas crecerá de forma exponencial, como suele ocurrir entre líderes políticos e iconos revolucionarios. ¿No pasó algo así entre Fidel Castro y el Che?

¿Una revolución marxista o capitalista?

Donald Sutherland es el actor que interpreta a Snow y su visión política de la historia es interesante: “Quiero que Los juegos del Hambre inciten una revolución. Espero que se llegue a la acción para cambiar de forma drástica este país”. Sutherland se refiere a EE UU y a los ataques con drones, a las evasiones de impuestos, al racismo, a los cupones de alimentos…  

El director de las tres últimas películas, Francis Lawrence, dice sentirse “cómodo con el trasfondo político marxista”, sin embargo Suzanne Collins nunca aclara en sus libros el lado político de los opresores. Cuando los protagonistas visitan el Capitolio hay un claro ambiente de capitalismo decadente, en las fiestas la gente vomita para poder volver a comer mientras que en el resto del país se mueren de hambre. Sin embargo, en el distrito 12, el de Katniss, la gente va a trabajar a las minas. ¿Y de quién son las minas? Pueden ser de una empresa privada o pueden ser del Estado. ¿Quién manda en las corporaciones? Se puede acusar a la autora de un ejercicio simplista, pero es justo por eso por lo que Los juegos del hambre tienen un valor universal. La izquierda puede reclamar la película con el mismo rigor que la extrema derecha. Katniss y la revolución luchan contra un autoritarismo abstracto.

El fin de la revolución

Los Juegos del Hambre y En llamas, las dos primeras partes de la saga, se centraban en la brutalidad de una lucha a muerte por la supervivencia retransmitida por televisión. Una clara referencia al pan y circo de la Antigua Roma. Igual que la obra maestra de Stanley Kubrick, Espartaco, está dividida en dos partes muy claras, la de los gladiadores y sus sangrientas batallas y la del profundo retrato de la revolución contra el imperio, Sinsajo I y II profundizan en la revolución y sus sacrificios.  

Es una incógnita cómo acabará todo. ¿Qué lugar ocuparán los revolucionarios si logran vencer al Capitolio? Los filmes no esquivan la incómoda idea de lo volubles que pueden ser las revoluciones políticas. El maravilloso personaje de Plutarch, interpretado por el fallecido Philip Seymour Hoffman, es el encargado de dirigir la propaganda de la revolución, escribe los discursos de la presidenta y de su boca sale esta frase: “Ahora estamos en un periodo dulce donde todo el mundo está de acuerdo en que nuestros horrores recientes no deben repetirse. Pero el pensamiento colectivo suele ser de corta duración. Somos seres volubles, estúpidos y con una gran capacidad de autodestrucción”.

Los juegos del hambre no han inventado nada, pero su labor de extrapolar el mito de Teseo y el Minotauro, recoger la herencia de ficciones japonesas como Battle Royale y modernizar el género de ciencia ficción para adolescentes para hacer, con todo esto, una potente fábula política, merece un cierre de la saga a la altura. Y Sinsajo II lo es, un final que además deja abiertas diversas líneas ideológicas y de debates político-sociales.

Tú no lo sabes, pero probablemente todas las fotos y vídeos que has hecho con tu móvil iPhone, Android o Windows vagan por diferentes servidores de Internet.

Muchas de las fotos que hayas borrado nada más hacerlas puede que hayan tenido tiempo suficiente para subirse a tus carpetas de Dropbox, Google Drive o OneDrive. Peor aún, puede que tus fotos estén en servidores que desconoces, de empresas con las que no tienes contacto pero que lidian con la tremenda cantidad de información que viaja por Internet en tan poquísimo tiempo. Por servidores de IBM, Cisco, etc., también viajan nuestras fotos y vídeos.

Es un hecho que, con los servicios de copia de seguridad en la nube que ofrecen los fabricantes de móviles y otros como Dropbox, borrar una foto o un vídeo de un móvil no conlleva a su destrucción inmediata, sino que nos obliga a borrarla también de esa nube que tenemos activada y que funciona sin que nos demos cuenta.

Incluso haciendo esto la foto o el vídeo no termina de borrarse completamente, puesto que muchos de estos servicios en la nube ofrecen opciones para recuperar archivos que hemos borrado, es decir, que mantienen nuestros archivos en otro espacio de su servidor, a la espera de que se los pidamos de nuevo porque los hemos borrado sin querer, sin que eso merme nuestro codiciado espacio ocupado. Dropbox, por ejemplo, nos lo guarda todo 30 días o, si pagamos, hasta un año.

Famosos en la nube

La publicación en Internet de fotos privadas de diversas celebrities abre una y otra vez el debate de la seguridad en los dispositivos electrónicos y la nube. La última víctima ha sido Jennifer Lawrence (entre otras) que ha visto publicado un vídeo privado en 4chan. Todavía no se conoce la manera en que se robó dicho material, pero todo apunta a que accedieron a la parte privada de la nube de Jennifer Lawrence y de ahí sacaron el material. Una de las afectadas, Mary Elizabeth Winstead, confirmaba en Twitter que esas fotos las había borrado de su teléfono “hace bastante tiempo”:

En esta ocasión todas las iras las ha sufrido el servicio en la nube de Apple, iCloud, responsable de la copia de seguridad de tu iPhone y tu iPad. Lógico, la mayoría de los famosos usa un iPhone. Apple se ha puesto manos a la obra por su cuenta e investigado los datos de acceso a las cuentas en la nube de estas personas y, como resultado de esa investigación, afirma que las fotos no se robaron de su servicio iCloud.

Consejos para controlar qué fotos y vídeos están en la nube

1. Verifica si se está realizando una copia automática y de qué en iCloud si tienes un iPhone/iPad, en Google si usas un Android o en Microsoft si tienes un Windows Phone.

2. Comprueba qué aplicaciones de servicios en la nube tienes instalados y qué automatismos tienes activados.

3. Decide ahora qué quieres tener en la nube y en qué nube. ¿De verdad necesitas hacer una copia de seguridad en la nube de todas las fotos y vídeos que mandas y te mandan en Whatsapp?

Si no te fías de las aplicaciones propias de Apple o Google, prueba con otras que se conectan con tus servicios en la nube y te ofrecen más control. Un ejemplo de esto para Android es “Gallery Drive Sync”, una app gratuita que te permite elegir qué carpetas en Drive sincronizas y, una vez hecho esto, reduce el tamaño de las fotos en el móvil para así liberarte espacio y mantener las originales en Drive. Esto combinado con los 100 gigas por 1,99 dólares al mes puede que te resuelva muchos problemas; además, te mantiene lejos de Google+, que es donde van las fotos y vídeos en Android con la opción “Auto-Backup” de Google, no pudiéndolas gestionar como ficheros en Drive.

Comparativa entre servicios

Probablemente no seas un famoso al que van a robar sus fotos más íntimas, pero si no quieres plantarte con un serio problema de privacidad y, sobre todo, de dispersión de material privado en sitios que desconoces, aprovecha y pon orden en tu nube.

Además de los consejos anteriormente citados, te conviene descubrir en cuántas nubes tienes cuenta y qué documentos tienes allí alojados a fin de descartar aquellos que no uses y borrar las cuentas por completo.

Como la mayoría de nosotros, tendrás varias cuentas, Dropbox, Google Drive, etc. Puede resultar un gran embrollo poner orden en tantas nubes sin que salte algún relámpago. Una opción recomendable es “Drive” de Jolicloud, que pone en un mismo espacio web todas nuestras nubes y, en la opción de pago (5 euros al mes), transferir archivos de una nube a otra sin obligarnos a descargar los ficheros y subirlos posteriormente, una opción que puede convertirse en una tortura si te conectas a Internet por ADSL.

Además, el constante crecimiento en el espacio disponible a un precio más que razonable hará que muy pronto tengas más espacio en la nube que en tu ordenador, con lo que va a resultar necesaria una buena app que sincronice con tu ordenador algunos de los archivos de tu nube y no todos como pasa hasta ahora con la mayoría de ellos.

Esquire se está ganando a pulso ser el adalid de la descortesía con la mujer. En el blog del Huffington Post dedicado a temas sexistas, la revista para hombres interesantes se ha convertido en protagonista en más de una ocasión por algunos de sus titulares más bochornosos. Como este reportaje titulado Ladies: You're Not as Good as You Think, que denuncia la sexóloga Logan Levkoff por “empezar como un artículo autocrítico para después arremeter contra las partes femeninas por ser 'poco entusiastas, incómodas y poco comunicativas' en el acto sexual”.

A veces no se limitan a lanzar análisis generalistas y deciden poner cara a sus víctimas, como en este perfil de Megan Fox con motivo del estreno de Transformers. El periodista Stephen Marche -como denuncia la editora del Huffington, Emma Gray- laurea las virtudes físicas de la actriz desacreditando a otras artistas como Adele, Lena Dunham o Lady Gaga. “Lo realmente genial es que el redactor se lamenta de que a Fox se le considere únicamente un icono sexual, cuando él la trata así en la práctica totalidad del artículo”, acusa Gray. “Basta con mirar la cantidad de espacio que Marche dedica a la discusión de diversas partes del cuerpo de Fox”.

Hace un par de meses, Esquire volvió a la carga con lo que el Huffington llama “su ancestral tradición”, en una entrevista a la promesa del cine Jennifer Lawrence. En ella, el escritor Ned Hepburn centró las preguntas en los supuestos hábitos con el alcohol de la actriz, añadiendo un tono inadecuadamente paternalista y condescendiente. Se refiere a Lawrence en varias ocasiones como “Jenny” o “nena”, suscribiendo lo que ya criticó la periodista de The Guardian, Jessica Valenti: “Cuando me llaman 'Jessie' [en el entorno laboral] es para recordarme que da igual cuantos libros haya escrito, artículos publicado o discursos pronunciado, sigo siendo sólo una chica”. Unas líneas que nos recordarán al episodio de los Desayunos de TVE en 2012 con la periodista Ana Pastor y el presidente de Ecuador, Rafael Correa.

Aunque lo realmente grave son las frases bastante poco paternalistas que también incluye el artículo sobre Jenniffer Lawrence: “Tienes suerte de ser una zorra fría como la piedra con una cara de un millón de dólares y un par de estanterías mejores que las de un maestro carpintero”.

Dietas y peleas de gatas como micromachismos

Comprobamos que la falta de respeto en las entrevistas puede ser bidireccional -entrevistado o entrevistador- y ahora ha colmado el vaso de la paciencia de Hollywood. Algunas de las actrices más famosas de la Meca del cine estadounidense se han plantado ante el sexismo de la alfombra roja. Denuncian los planos de cuerpo entero para mostrar los detalles de sus trajes de firma y los interrogatorios sobre sus dietas, frente a las preguntas de los retos interpretativos o la implicación política para sus homólogos masculinos.

Ahora, ellas demuestran que no tienen pelos en la lengua y que son perfectamente capaces de sacar los colores a su entrevistador. El precedente de todas estas femme fatale lo sentó en 1975 Helen Mirren cuando, sin ningún tipo de decoro, Michael Parkinson se refirió a ella como “una actriz seria, entre comillas”. Por si fuera poco, el periodista británico prosiguió diciendo: “¿Crees que tu equipamiento (por sus pechos) te ha ayudado en ese propósito?”. La treintañera -por aquel entonces- manejó la situación con elegancia y dejó plantado al que fuese uno de los estandartes de la comunicación en el Reino Unido.

Su testigo fue tomado décadas después. Mientras el cámara le hacía un repaso vertical de 1,70m de largo a Cate Blanchett en la alfombra roja, la australiana le interrumpió preguntándole si también era frecuente hacer esa radiografía a los hombres. Una respuesta del estilo fue la que sostuvo la actriz Eva Mendes ante la pregunta de si hubo “pelea de guapas en el rodaje de The Spirit” con Paz Vega y Scarlett Johansson. “Sé que a la gente le encanta leer esas cosas, pero es una forma muy sexista de pensar. Nunca nadie pregunta eso cuando son hombres los que forman el elenco”, instó la de Miami.

Los trucos de belleza y las dietas están a la orden del día en las entrevistas ¡cinematográficas! Incluso hay veces que los pormenores de la producción o las labores interpretativas quedan eclipsadas por preguntas tan frívolas y personales como los kilos de más o de menos o los planes de una futura maternidad. Estos dos últimos casos los representaron la ganadora de dos Oscar, Anne Hathaway, y una de las reinas modernas de la comedia, Zoey Deschannel. “¿Acaso quieres perder peso?” y “Es una pregunta demasiado personal, ¿se la harías también a George Clooney?”, fueron las respectivas contestaciones de las dos intérpretes.

“Soy actriz, no una it girl”

it girlPero esta discriminación resulta más evidente cuando las entrevistas son compartidas y mixtas. Durante el estreno de Amazing Spiderman, Emma Stone y su compañero de reparto, Andrew Garfield, ofrecieron una entrevista en la que se alternaban las preguntas. Las de ella estaban orientadas hacia su fondo de armario y el color de pelo y las de él se rendían en felicitaciones por consolidar su carrera y sobre su futuro profesional. En esa ocasión, la actriz no dudó un momento en acusarles de sexistas. Con más humor, pero mismo trasfondo, se lo tomó Scarlett Johansson en la presentación de Los Vengadores, cuando le ocurrió lo propio junto a Robert Downey Jr. “¿Por qué a ti te plantean las preguntas interesantes y a mí las tonterías sobre la comida?”, le preguntó a su colega en la rueda de prensa.

Las actrices se enfrentan a una cruzada difícil, pues a veces un click vale más que mil palabras. Mientras los medios vendan los detalles menos profesionales de las artistas, la gente los reclame y la prensa caiga ante la presión, las demandas de estas mujeres corren el riesgo de perderse en esa espiral sin fin.

1. Lupita Superstar

No hay discusión: ha nacido una estrella. Pero no es sólo eso. Si la entrega y la humildad genuinas aún tienen algún valor en Hollywood, Lupita Nyong'o no se merecía un Oscar sino siete. “No se me escapa ni por un momento que tanto de la felicidad que hay en mi vida existe gracias a un gran dolor en la vida de otro”. Y ese momento que hasta los más veteranos malgastan recitando listas de compromiso, mientras los espectadores rezan para que se les olvide alguien principal, como el marido, el coprotagonista o el director, conjuró algo que ya no abunda en la fábrica de sueños: un momento de emoción verdadera.

Imposible escuchar su pequeño discurso sin compartir parte de esa alegría y de esa pena; las únicas caras secas de la sala parecían embalsamadas en botox. Y aún más imposible no reír al verla bailar más tarde delante de Pharrell Williams.

2. Reincidente J-Law

Las malas lenguas de Twitter han acusado a Jennifer Lawrence de tropezarse a propósito cuando estaba en la alfombra roja, con la oportunista intención de revivir el momento más mediático de su corta y alegre existencia: cuando se derramó como un cisne ebrio por la escalinata del Dolby mientras corría a recoger su primer Oscar.

Basta ver el vídeo para darse cuenta de que las malas lenguas salivaban de envidia. De haberlo ensayado a conciencia, la última novia de América se habría limitado sincopar de manera elegante, en lugar de echarle el garfio a la pobre muchacha que caminaba delante suyo, y a la que por poco arranca el cogote mientras perdía en batalla desigual contra los tacones, la falda de tubo y la ley de la gravedad.

3. Brad Pitt: soy pizzero

Ayer Brad no era estrella sino el productor de la película favorita de la noche y es probablemente por eso que se puso morado a comer los trozos de pizza que Ellen Degeneres repartió entre los invitados. Y tan es la magia del cine que eran tres pizzas para toda la sala y aún sobró. Por magia y por precaución, porque ningúna de las invitadas sentadas entre la primera y la decimoséptima fila hubiera sido capaz capaz de ingerir una alcaparra sin lesionar a un vecino.

Brad, que iba de smoking, comió a sus anchas y hasta ayudó repartir platos de plástico entre sus colegas. La cara de Angelina Jolie, aún la más bella de las mortales, cuando la besa en su cabello fragante con los morros todavía chorreando queso constituye la secuela perfecta a Mr & Mrs. Smith. No puedo esperar a ver lo que dicen las dos arpías de Go Fug Yourself.

4. Cumberback contra U2

El feo más atractivo del cine lo tiene todo: elegancia, talento, papeles de villano sociópata y sobre todo mucho saber estar. Como por ejemplo cuando estaba detrás de los U2, que posaban con sus respectivas señoras y decidió aliñar la instantánea con un salto de orangután.

Como explicó un televidente más tarde, el actor no estaba saltando sino cayendo del tejado. Hay trece teorías acerca de cómo sobrevivió...

5. Leo DiCaprio, el buen perdedor

Cinco veces nominado, cero veces premiado, lo de Leonardo DiCaprio empieza a parecer la maldición del Titanic, con perdón. Si quedó decepcionado, se lo guardó en el fondo del alma antes de levantarse a besar a su compañero de reparto Matthew McConaughey en El Lobo de Wall Street. Aunque, siendo tan buen actor, es muy probable que la procesión vaya por dentro...