Las películas que rompen moldes rara vez surgen de la nada. El impulso que transformó el cine independiente en un terreno fértil para nuevas voces tiene nombre y apellido: Robert Redford. Su decisión de crear en 1978 un festival destinado a respaldar a quienes filmaban con presupuestos pequeños cambió la manera en que Hollywood miraba a los debutantes.

El certamen de Sundance, bautizado como su personaje de Dos hombres y un destino, se convierte en un punto de partida para centenares de directores que hoy llenan las salas. Ese gesto visionario, más que cualquier premio o papel, genera una red de oportunidades que décadas después sigue dando frutos y, en última instancia, origina la historia que Quentin Tarantino contó al recibir un galardón.

Un festival independiente se convirtió en el punto de partida de una generación entera

El director de Pulp Fiction recordó con gratitud el apoyo que encontró en aquel entorno creado por Redford. En el festival internacional de Burbank, cuando aceptó el premio Vanguard, Tarantino subrayó la deuda que él y muchos otros mantienen con el Instituto Sundance. Afirmó que “ninguno de los cineastas independientes estaríamos donde estamos sin el Sundance Film Institute”. La frase resumía su reconocimiento hacia quien le ofreció una primera oportunidad real de rodar Reservoir Dogs, el proyecto que lo situó en el mapa del cine mundial.

Aquella oportunidad nació en 1991, en los laboratorios de dirección de Sundance. Tarantino llegó con la energía de un novato y con la sensación de entrar en un lugar donde los maestros no enseñaban desde un pedestal, sino desde la práctica y cercanía, algo que no esperaba y agradeció.

Allí coincidió con Terry Gilliam, Volker Schlöndorff y Stanley Donen, cineastas consagrados que se sentaron con él frente a la mesa de montaje. “Estaban en mi sala mientras editaba mi primera escena en videocinta”, recordó con asombro. Esa cercanía transformó su visión del oficio y consolidó un estilo que después sería inconfundible.

La experiencia en los talleres de Sundance marcó su forma de entender el oficio

El recuerdo más vívido de aquella estancia no fue técnico, sino humano. Tarantino evocó una recepción inicial en la que comprendió que una gran cantidad de profesionales dedicaban su tiempo y recursos para que jóvenes creadores pudieran experimentar. Contó que les dijeron: “Sois jóvenes, puede que seamos duros con vosotros, pero os vemos”.

Según sus palabras, descubrió un impulso artístico desinteresado que jamás habría imaginado por parte de cineastas de tanto nivel. Por eso cerró su discurso con un agradecimiento para el legendario actor: “Muchas gracias, señor Redford”.

El gesto resumía tres décadas de trayectoria que, en su caso, nacieron de un laboratorio entre montañas y se consolidaron en la gran industria. Esa línea invisible que une a un joven director con el autor consagrado que sube al escenario del festival de Burbank muestra la dimensión del legado de Redford en generaciones enteras de creadores.

De esta manera, en cada discurso de Tarantino hay todavía una sombra luminosa de aquel mentor al que considera decisivo. El agradecimiento, convertido ya en historia, sigue sonando con la misma fuerza con la que comenzó aquel viaje que cambió su vida y, de paso, el rumbo del cine independiente.

Al pensar en Paul Newman y Robert Redford pareciera que hubieran rodado juntos la mitad de sus extensísimas –y brillantes– filmografías; pero no. La realidad es que bastaron únicamente dos películas para que se convirtieran en una de las parejas más icónicas de la historia del cine, que este martes dice adiós a su segundo integrante. El director George Roy Hill fue el encargado de unir a las dos estrellas de Hollywood y conseguir que su carisma y talento individual se sumaran para generar una altísima cota de complicidad tanto dentro como fuera de la pantalla. Las dos cintas memorables que firmaron juntos fueron Dos hombres y un destino y El golpe, se hicieron amigos íntimos y se cuidaron en todo el éxito que seguiría llegándoles, por separado, después.

Sus caminos se unieron en 1969, gracias a la insistencia de Newman –que para entonces ya había sido cuatro veces nominado al Oscar–, hacia el director del clásico western para que contratara a Redford, de once años menos que él, y que ya había destacado en papeles como La jauría humana y Descalzos por el parque. Fue su pareja, la actriz Joan Woodward, la que le recomendó que le contactara, después de haberle visto en Broadway. Previamente, habían estado sobre la mesa otros nombres como Dustin Hoffman, Warren Beatty y hasta Marlon Brando. Redford aceptó sin mirar el guion y Newman le ayudó a preparar las audiciones con las que logró convencer al cineasta.

Así, la insistencia del más veterano terminó siendo todo un acierto, también para ellos, ya que Redford terminaría reconociendo que trabajar junto a Newman había sido una de las experiencias más felices de su carrera. No en vano, supuso el inicio de cerca de cuatro décadas de estrecha amistad. Ambos derrocharon humor en las pieles de Butch Cassidy y Sundance Kid, como forajidos que se daban a la fuga después de asaltar a un tren. William Goldman, que posteriormente escribiría el libreto de Todos los hombres del presidente y La princesa prometida, se encargó del guion de la película que cosechó cuatro premios Oscar (guion, fotografía, canción y banda sonora).

De chatarra a escultura

Cuatro años después, repitieron como dupla infalible en El golpe, un filme que imprimieron de humor y que se vivió como un esperado reencuentro –pese a no haber pasado tanto tiempo–, en el que en cierto modo invirtieron el carácter de sus personajes. En ella se metieron en la piel de dos timadores unidos para vengar la muerte de un amigo.

Más allá de lo que dio de sí su buen hacer en pantalla, que cosechó siete estatuillas –incluidas Mejor película, director y guion–, terminó de culminar su camaradería, no exenta de bromas entre ellos. Fue una gamberrada de Redford en el 50 cumpleaños de Newman la que pareció iniciar un camino de bromas entre ellos. Su felicitación consistió en regalarle un Porche que apareció en el jardín de su casa, pero que por tener, no tenía ni motor. El intérprete de Camino a la perdición y La gata sobre el tejado de Zinc le respondió enviándole una escultura conformada con los restos de la chatarra del vehículo que su amigo le había entregado previamente.

Su amistad continuó hasta que Newman falleció de cáncer de pulmón a los 83 años en 2008. “Hay momentos en los que los sentimientos van mucho más que las palabras”, manifestó entonces un devastado Redford. Poco antes, le había invitado a participar en el largometraje que terminaría llamándose Grandes amigos, pero para entonces un enfermo Newman lamentó no poder hacerlo. No volvieron a compartir cartel ni títulos de crédito, pero aquello no impidió que los actores se apoyaran en sus carreras y vidas personales, dos vidas en las que seguramente para ambos, el verdadero gran 'golpe' fuera encontrarse.

“Nunca había mirado hacia atrás, pero un día te levantas y te das cuenta de que en tu retrovisor eres historia. Yo no quiero ser solo historia”, pronunció Robert Redford en el festival de Toronto en 2018 tras anunciar su retirada de la interpretación, firmando en The Old Man & The Gun el último papel de su brillante carrera. Una trayectoria en la que formó dupla inolvidable con Paul Newman en El golpe y Dos hombres y un destino, ambas a las órdenes de George Roy Hill.

El también realizador, fallecido este martes en Utah a los 89 años, dice adiós como una de las figuras más emblemáticas de Hollywood, con otros inolvidables filmes a sus espaldas como Memorias de África, Todos los hombres del presidente y Gente corriente, por la que ganó el Oscar a Mejor Director en 1981. Su legado incluye el impulso al cine independiente por el que creó el Festival de Sundance en 1980, además de un ferviente compromiso político con el medioambiente y en defensa del periodismo. Resumir su herencia en tan solo unas líneas es imposible; pero si reivindicar su talento y regalos para la posteridad en forma de películas.

'Dos hombres y un destino' (George Roy Hill,1969)

El director George Roy Hill reunió en 1969 a una de las parejas más icónicas de la historia del cine: Robert Redford y Paul Newman. Y lo hizo a través de este mítico western ganador de cuatro premios Oscar (guion, fotografía, canción y banda sonora) y un Globo de Oro.

En ella encarnaron al carismático galán Butch Cassidy y el callado y serio Sundance Kid, los líderes del grupo de pistoleros conocidos como la Banda del Agujero en la Pared, que tenían como norma no matar a sus víctimas. La banda, con la que se dedicaban a asaltar los bancos de Wyoming y el tren de la Union Pacific, un día se separa. A partir de ahí, la dupla se une a una maestra de Denver (Katharine Ross) formando un trío de románticos forajidos, que huyen hacia Bolivia.

'El golpe' (George Roy Hill, 1973)

El cineasta volvió a unir a las dos estrellas cuatro años después, esta vez para firmar El golpe, filme angular de todos los tops de películas sobre robos que se precien. Los actores se metieron en la piel de dos timadores que unen fuerzas para vengar la muerte de su amigo Luther (Robert Earl Jones), asesinado por orden del mafioso Doyle Lonnegan (Robert Shaw). El resultado fue un largometraje elegantísimo, ambientado en 1936, en pleno apogeo de la Gran Depresión; que se alzó con siete estatuillas, incluyendo la de Mejor película.

'Todos los hombres del presidente' (Alan J. Pakula, 1976)

Las películas ancladas en las redacciones pueden ser consideradas como un género en sí mismo, entre las que la filmada por Alan J. Pakula sobre el famoso caso Watergate sigue siendo uno de sus máximos exponentes. Ambientada en 1972, siguió a los dos jóvenes periodistas de The Washington Post, Bob Woodward (Robert Redford) y Carl Bernstein (Dustin Hoffman) desde que comenzaron a investigar lo que en un primer momento parecía un simple allanamiento del cuartel general del Partido Demócrata en Washington. Sus paulatinos descubrimientos, seguidos pista tras pista, acabarían derivando en la dimisión de Richard Nixon como presidente de Estados Unidos. Un thriller basado en hechos reales triunfal, ganador de otros cuatro premios Oscar.

'El candidato' (Michael Ritchie, 1972)

Redford encarnó en El candidato a un joven e idealista abogado de California que accede a presentarse a las elecciones y empieza a aprender la verdad sobre el mundo de la política. Ambientada en 1972, su rival en las urnas es nada más y nada menos que Richard Nixon. El largometraje, que se hizo con el Oscar a Mejor guion original, se estrenó en Estados Unidos precisamente tres días después de que estallara el escándalo del Watergate. El propio Redford fue quien había impulsado el largometraje, dispuesto a armar una historia sobre un hombre honesto que acababa vendiéndose al circo de la política. Para ello se puso en contacto con Michael Ritchie, que le había dirigido en su ópera prima El descenso de la muerte en 1969, y conocía el universo de cerca tras haber colaborado en la campaña del senador John V. Tunney en 1970. Tampoco fue baladí la elección del escritor Jeremy Larner como guionista, que había sido secretario de prensa del candidato presidencial Eugene McCarthy.

'Los tres días del cóndor' (Sidney Pollack, 1975)

Y de candidato al presidente a modesto funcionario de la CIA. La colaboración de Redford con Sidney Pollack brindó grandes títulos como Los tres días del cóndor, en el que se metió en la piel de un agente que se libra fruto del azar de ser asesinado junto al resto de sus compañeros. Su labor consiste en leer libros con el fin de detectar mensajes cifrados que permitan desvelar operaciones secretas susceptibles de perturbar la estabilidad del país. Sin embargo, tras el sonado crimen, tiene que huir y, en su fuga, se ve obligado a secuestrar una mujer (Faye Dunaway) que termina por convertirse en su compañera de aventuras. Max von Sydow interpreta al asesino que le persigue por toda la ciudad.

'La jauría humana' (Arthur Penn, 1966)

Arthur Penn dirigió a Redford en interpretación de un hombre que se escapa de la cárcel –después de haber sido injustamente condenado– y que, al regresar a su pueblo, sus vecinos, personas absolutamente degradadas, deciden emprender contra él una auténtica cacería. El único que trata de evitar su linchamiento es el sheriff (Marlon Brando), un dirigente íntegro y cabal. La película explora la hipocresía y opresión de una pequeña comunidad rural extrapolable a cualquier otro núcleo ciudadano, armando una historia de perdedores una típica del Hollywood de la época, que contó en el elenco con otras figuras como Jane Fonda, James Fox y Robert Duvall.

'Un puente lejano' (Richard Attenborough, 1977)

Redford participó en una de las cintas bélicas con uno de los repartos más estelares de la historia del séptimo arte, que relata la Operación Market Garden, un conocido episodio de la II Guerra Mundial. En concreto, el plan que provocó más víctimas aliadas que el desembarco de Normandía, alzándose como el fracaso más trágico de la contienda. Ocurrió en 1944 y tenía como objetivo poner fin lo antes posible a la guerra, invadiendo Alemania y destruyendo la industria bélica de Hitler. Para ello debían conquistar varios puentes por los que pasarían las tropas, pero no salió demasiado bien. Sean Connery, Gene Hackman, Michael Caine, Anthony Hopkins y Laurence Olivier son otros de los grandes actores que acompañaron al actor en su reparto.

'Gente corriente' (Robert Redford, 1980)

El debut como director de Robert Redford fue todo un puñetazo encima de la mesa que le valió para hacerse con su primer Oscar, con el que se reconoció su labor como realizador. En él narró de la mano de Donald Sutherland, Mary Tyler Moore y Judd Hirsch, la historia de una familia deshecha por la tragedia tras la muerte del hijo mayor en un accidente en barco. A su vez, el hijo menor intenta suicidarse y trata de superar el sentimiento de culpa que le invade por el accidente en el que se ahogó su hermano.

'Memorias de África' (Sidney Pollack, 1985)

Robert Redford protagonizó junto a Meryl Streep uno de los romances más recordados de Hollywood –siete Oscars mediante, incluido Mejor película y Mejor director–, ambientado a principios del siglo XX. En su arranque, Karen contraía un matrimonio de conveniencia con el barón Blixen (Klaus Maria Brandauer), un mujeriego. La pareja se establece en Kenia para explotar una plantación de café. y ella acaba enamorada de la tierra y gentes del país. Pero aún más del cazador Denys Finch Hatton (Redford), que le devuelve la alegría de vivir, y de amar. El filme se inspiró libremente en la obra homónima de la danesa Isak Dinesen.

'The old man and the Gun' (David Lowery, 2018)

El legendario actor se retiró –a excepción de un par de apariciones posteriores, en Vengadores: Endgame y la serie Dark Winds– en la historia de un atracador de bancos atrapado definitivamente a los 78 años. Un filme sencillo, amable y que, más que un thriller de atracos, sirvió como homenaje tanto dentro como fuera de la pantalla.

Robert Redford, el mítico actor y director, ha fallecido este martes en su casa de Utah a los 89 años, según ha adelantado el periódico New York Times, que ha informado que el deceso se ha producido mientras dormía, sin especificar una causa concreta. La agencia de su representante, Cindi Benger, ha detallado en un comunicado remitido a varios medios de comunicación que Redford ha fallecido “en las montañas de Provo (Utah), el lugar que amaba, rodeado de sus seres queridos”. “Lo extrañaremos muchísimo”, ha añadido a la vez que solicitaba “privacidad” para la familia.

Redford era uno de los rostros más emblemáticos del cine de Hollywood de las últimas décadas. Uno de esos intérpretes cuya presencia hacía que la pantalla palpitara en cuanto aparecía como demostró en títulos fundamentales de la historia del cine como El golpe o Todos los hombres del presidente. Suya es una de esas escenas para el recuerdo, de las que se quedan grabadas en la retina, el momento en el que su personaje lava el cabello a Meryl Streep en Memorias de África (1985), donde fueron dirigidos por Sidney Pollack creando un momento único.

Su apoyo al cine independiente hecho con factura le hizo, también, defenderlo con la creación del Festival de Sundance en 1980. Nació como centro de enseñanza para jóvenes cineastas y acabó convirtiéndose en la meca del cine indie. Una sede donde comenzaron a despuntar directores como Paul Thomas Anderson o Quentin Tarantino. Un certamen que cogió su nombre de uno de sus personajes más míticos, el Sundance Kid de Dos hombres y un destino (1969), que protagonizó junto a su amigo Paul Newman.

Redford, que anunció su retiro de la profesión en 2018 tras protagonizar The old man and the gun, había vuelto de forma esporádica y casi especial en dos ocasiones. La primera, en Vengadores: Endgame (2019), y la segunda junto al escritor de Juego de tronos, George R.R. Martin, en la serie de televisión Dark Winds, que ambos producen y donde se le pudo ver este año.

No solo demostró su talento como actor, y rompió los prejuicios de aquellos que creían que era una estrella solo por su belleza. En 1980 debutó en la dirección con la estupenda Gente Corriente, y Hollywood le recibió con los brazos abiertos. La película ganaría meses después el Oscar al Mejor filme, al Mejor director para el propio Redford, al Mejor guion original y a Mejor actor de reparto para Timothy Hutton. Sería el primer premio de la Academia para él, y de alguna forma, el único por un trabajo concreto, ya que el otro llegaría en 2002 de forma honorífica.

Su trabajo como director le hizo mirar a las bambalinas del poder y a la corrupción, como mostraría en filmes como Quiz Show, el dilema (1994), Leones por corderos (2007), de nuevo con Meryl Streep, o El conspirador (2010). Pero nunca perdió de vista a la gente, por ello no se le cayeron los anillos en ser parte del universo cinematográfico Marvel como actor, o en realizar dramas románticos de estupenda factura como El hombre que susurraba a los caballos, que dirigió y protagonizó en 1998 y en la que descubrió a una jovencísima Scarlett Johansson.

Hollywood llora su pérdida

Robert Redford fue, además, una de esas brújulas morales de Hollywood. Uno de esos popes cuya opinión siempre se tiene en cuenta. Por eso fueron tan celebradas sus palabras contra Donald Trump tanto en 2015 —unas declaraciones que el propio Trump quiso manipular y apropiarse— como en 2019, cuando pidió a la gente no votar por el “tipo que parecía un dictador”. El presidente Barack Obama le otorgó a Redford la Medalla Presidencial de la Libertad en 2016, y en un discurso en la Casa Blanca dijo que los estadounidenses “admiran a Bob no solo por su notable actuación, sino por haber descubierto qué hacer a continuación”.

El actor fue un activista medioambiental e instó a los líderes internacionales a actuar de manera inmediata para alejar al mundo del uso de los combustibles fósiles. Redford alertó que los efectos serían irreversibles y que había que tomar acciones para proteger a las generaciones futuras, señalando la necesidad de revertir la emisión de gases que provocan el calentamiento global y de impedir que la temperatura del planeta aumente en más de 2 grados centígrados. “Esa diferencia es apenas perceptible para la piel humana, pero 2 grados es todo lo que se necesita para transformar a un campo prospero en un desierto y eliminar un tercio de toda el agua para 2100”, comentó al llevar a la ONU sus preocupaciones.

Donald Trump ha reaccionado a la muerte del actor y director de cine, según ha recogido la BBC. “Robert Redford tuvo una serie de años en los que nadie lo superaba. Hubo un periodo en el que era lo más. Pensé que él era genial”, ha contestado el presidente de Estados Unidos cuando los periodistas le han informado de su fallecimiento, sin detenerse en abordar las críticas que Redford le dedicó a lo largo de los años. Cuando le preguntaron por cuál película destacaría, contestó que “hay muchísimas”. “Sinceramente, diría que hizo siete u ocho películas geniales. Fueron realmente geniales”, alegó.

Entre quienes han reaccionado a la noticia se encuentra la actriz estadounidense Marlee Matlin, que ganó el premio Oscar a la Mejor actriz en 1986 por su papel en Hijos de un dios menor. Además, actuó en la reciente CODA (2021), que se alzó con el Oscar a la Mejor película. “Nuestra película, CODA, atrajo la atención de todos gracias a Sundance. Y Sundance se hizo realidad gracias a Robert Redford. Un genio se ha ido. Descanse en paz, Robert”. Por otro lado, el actor y director Colman Domingo ha asegurado en X que su impacto “perdurará generaciones”: “Con cariño y admiración. Gracias, Sr. Redford, por su impacto perdurable. Descanse en paz”.

Jane Fonda, que compartió pantalla con Redford en varias ocasiones, ha descrito a Redford como una “persona hermosa en todos los sentidos”. “Me impactó mucho esta mañana cuando leí que Bob se había ido. No puedo parar de llorar”, ha comentado, citada por la agencia de noticias AFP. “Defendió una América por la que debemos seguir luchando”, ha agregado. Asimismo, el escritor Stephen King también ha expresado su tristeza en un mensaje publicado en la aplicación X. “Robert Redford ha fallecido. Formó parte de un Hollywood nuevo y emocionante en los años 70 y 80”, ha afirmado el autor, que también ha confesado que “cuesta creer que tuviera 89 años”. El actor y cómico Noel Fielding, por su parte, ha escrito a través de Instagram que Robert Redford es “una gran estrella del cine”. “¡Qué guapo! Me duelen los ojos al verte”, ha añadido en acompañamiento de una fotografía junto a Redford.

La comediante y actriz Rosie O'Donnell ha publicado una imagen en Instagram de Redford y Barbra Streisand en la película romántica Tal como éramos (1973), añadiendo lo siguiente: “Nunca volveremos a ser los mismos. Buenas noches, Bob. ¡Qué legado!”. Su legado, que reúne hasta seis décadas de trayectoria, pasa por haber ganado dos premios Oscar, incluyendo un premio honorífico en 2002, y tres premios Globo de Oro, incluyendo el premio Cecil B. DeMille a la trayectoria en 1994. Más tarde, el intérprete y actor recibiría un León de Oro honorífico a su carrera en el Festival de Cine de Venecia de 2017, así como un premio César honorífico en 2019.

- Película: Old man and the gun (2018)

- Director: David Lowery

- Reparto: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter, Elisabeth Moss, Keith Carradine, Tom Waits, Isiah Whitlock Jr., Robert Longstreet

Decir adiós a algo que te apasiona debe ser muy complicado. Debe ser una decisión difícil de tomar en cualquier situación, pero, si encima millones de personas van a ver tu despedida profesional, la carga es mucho más grande.

No ha debido de ser fácil para Robert Redford, icono del mejor cine que se ha hecho en EEUU (no solo como actor, sino como director y referente del cine independiente con su festival de Sundance), elegir su último trabajo en la gran pantalla.

Para ello, se ha decidido por una película a su medida: la historia real de un atracador de bancos que ha estado más tiempo en la cárcel que fuera de ella y de la que se ha fugado la histórica cantidad de 16 veces. Eso sí, un ladrón que todos, (hombres y mujeres) describen como agradable, correcto, educado y siempre sonriente… Feliz. Un personaje a la medida del gran Redford.

Pero no es solo su presencia en el filme. La elección de los actores secundarios ha sido perfecta. Por un lado, la maravillosa Sissy Spacek, en una relación ya madura, sin histrionismo ni grandes escenas, donde las miradas de ambos y los silencios marcan un ritmo perfecto a la relación.

Por el otro, Casey Affleck, que ya trabajó con el director de la cinta, David Lowery, en En un lugar sin ley. Affleck es el contrapunto a Redford; es su media naranja en el papel de policía entrañable que, para colmo, está dentro de uno de los bancos que estaba robando y ni se había enterado. La relación entre ambos y el encuentro en los baños de una cafetería son geniales.

Qué nos queda, pues una película agradable, bien hecha, que se deja ver sin ningún problema y que, aunque te puedes imaginar cómo va a terminar, disfrutas de cada momento de la proyección. Aunque eso sí, la última parte, con tantos fundidos en negro para ir atando los cabos sueltos que va dejando la película, se hace un poco pesada y puede que sea hasta innecesaria.

En definitiva, se trata de una película a la mejor gloria de este gran personaje del cine americano que ha elegido para su despedida interpretar a un encantador puretilla de más de setenta años, que solo es feliz robando bancos y desafiando al destino… ¿Le pasará lo mismo a Redford y no será esta su última película? El tiempo lo dirá.

Forrest Tucker tenía 78 años y una lista de achaques severos propios de su edad cuando se retiró. Lo hizo durante la primavera de 1999, cuando condujo ochenta kilómetros hasta una sucursal del Republic Security Bank medianamente alejada de su hogar. Entró allí con una Colt 45, una practicada sonrisa y un perfecto traje blanco. Atracó el banco y se fue.

Conducía un Grand Am rojo que no pasaba desapercibido. Tras correr como la pólvora la orden de búsqueda del automóvil, decenas de coches patrulla se pusieron a buscarle. Uno de ellos se cruzó con Tucker y decidió pegarse a su tubo de escape. La virulencia de la persecución fue tal que el coche del atracador terminó chocando contra una palmera, quedando su conductor atrapado con el airbag. Cuando le arrestaron, Tucker sonreía.

“He pasado media vida en la cárcel. Salvo cuando me fugaba”, le decía el propio Tucker al escritor y periodista de The New Yorker David Grann. “Nací en 1920 y a los quince años pisé la primera celda. Ahora tengo ochenta y uno y sigo estando preso, pero me he fugado dieciocho veces con éxito y doce sin él. Hice planes para escaparme otras muchas veces, pero no tiene sentido que le hable de ello”.

Grann le entrevistó en 2002 y escribió un genial relato de no-ficción llamado El viejo y la pistola. Ahora, el realizador estadounidense David Lowery adapta el texto con Robert Redford en el papel de Tucker. Protagonista absoluto de una película bella, elegante y tranquila sobre un hombre incapaz de dejar su trabajo. Último papel de un actor incapaz de alejarse del cine.

De inadaptados y romances singulares

David Lowery siempre ha sido un romántico a su manera. Y sin traicionarse, ha sabido hacer convivir y dialogar distintos géneros con su cine. Se dio a conocer en 2013, cuando su largometraje En un lugar sin ley se convirtió en uno de los fenómenos independientes del año, con alabanzas en Sundance y en Cannes. Se trataba de un western que recordaba al cine de Terrence Malick pero también al melodrama contemporáneo de la escuela de Richard Linklater. En aquella película narraba un romance intenso entre Rooney Mara y Casey Affleck en el Texas profundo de los setenta, tocado de la tensión latente de una historia de forajidos. Él, un fugitivo perseguido en varios estados, hacía lo posible por reunirse con ella y conocer a su hija.

En 2016 aceptó el encargo de Disney para realizar el remake de Peter y el dragón y, aunque el resultado distaba de ser una película infantil tan inspirada como pretendía, seguía siendo extrañamente consecuente con su mirada: el drama familiar cuajaba bien con la fantasía. Era la historia de un chaval que vive en el bosque y que aprende a relacionarse con la sociedad al tiempo que convive con un dragón gigante.

Al poco estrenó la que es, a día de hoy, su obra maestra: A Ghost Story. Narraba la relación de una pareja -de nuevo Mara y Affleck-, destruída tras una repentina muerte. Él volvía en forma de fantasma, incapaz de comunicarse con ella, y veía como reconstruía su vida. Un maravilloso acercamiento al cine fantasmagórico desde un lirismo y una sensibilidad desarmantes, pero también un melodrama romántico en toda regla. Disertación sobre el sentimiento de pérdida y el olvido -involuntario o no-.

Todas estas películas conviven en The Old Man & The Gun: la historia de Forrest Tucker, un hombre que se ha pasado la vida huyendo de la ley hasta que, un día, conoce a una mujer -interpretada por Sissy Spacek- que le hace pensar en qué pasaría si apretase el freno. Si llevase una vida normal y corriente, acorde con la legalidad vigente.Western crepuscular cuyas raíces podrían recordar a determinado cine de Clint Eastwood. Pero a la vez, una delicada historia de amor entre dos personas mayores, conscientes de que ya no les quedan muchas otras oportunidades para ser felices.

The Old Man & The Gun es, por momentos, un delicado retrato de la vejez y el amor. Sencillo en su exposición de los conflictos que atraviesan sus personajes, tranquilo en su desarrollo del drama. Es una película pacífica que transmite cariño y sentimiento sin pisar el pantanoso terreno de lo cursi. La razón tiene nombre propio: Robert Redford.

Objeto de cinefilia crepuscular

Robert Redford se retiró en agosto de 2018, aunque ya llevaba tiempo dándole vueltas al asunto, tal y como confesaba en una entrevista de Entertainment Weekly. Afirmaba que llevaba poniéndose delante de las cámaras desde que tenía veinte años y -igual que el propio Forrest Tucker- estaba ya cansado. Quería dejar de dar la cara.

Aunque eso no significa necesariamente que vaya a dejar el cine: el actor cuenta con una larga carrera como director desde que en 1980 estrenase la interesantísima Gente corriente. Nueve largometrajes van desde entonces y no parece que esté dispuesto a soltar la batuta. Nunca ha afirmado que dejará de dirigir.

En la piel de Tucker, el actor parece estar interpretando a un ladrón octogenario y lo cierto es que el rol le va como anillo al dedo. Pero su personaje, realmente, ofrece mucho más que lo que la historia plantea: se trata de una reinterpretación de su propia trayectoria, una mirada hacia atrás que evalúa lo que el galán de Hollywood ha significado y cómo ha llegado a ser quien es. Y eso convierte The Old Man & the Gun en algo más que una película de atracos y amores. Es un homenaje a un actor y a una forma de entender el cine.

Lowery se encarga de que captemos bien su mensaje. Más allá de que su film sostenga un discurso sobre un hombre mayor ante la incertidumbre de si será capaz de dejar de dedicarse a robar y abrazar una vida tranquila, sostiene textualmente una nostalgia -ciertamente sana en este caso-, que nos transporta a los setenta.

Un flashback, de hecho, juega una carta arriesgada pero inteligente: utiliza metraje de películas de Redford para retratar todas las veces que Forrest Tucker se ha escurrido entre las manos de la policía. Vemos y recordamos, así, el Brubaker de Stuart Rosenberg, El valle del fugitivo de Abraham Polonsky, Propiedad condenada, Tal como éramos y El jinete eléctrico de Sydney Pollack... Tal es la fuerza de este guiño para ablandar el corazón del cinéfilo que bien podría entenderse The Old Man & the Gun como una secuela apócrifa de Dos hombres y un destino.

Son tan explícitas sus intenciones, mostradas siempre de forma sincera y sensible, que hasta lleva a sus personajes al cine a ver una película en un momento clave de del film. Se trata de una película del 71 llamada Carretera asfaltada en dos direcciones. Una road movie surgida tras el fenómeno de Easy Rider, hoy convertida en película de culto. Café para los muy cafeteros.

En esta escena, que podría pasar desapercibida, también se podría encontrar el núcleo vital de la película. En el fondo, The Old Man & The Gun es David Lowery recordando todas las veces que se sentó en un cine a ver películas de Robert Redford. Y a su vez, es un elegante adiós de un actor que no volveremos a ver en una gran pantalla.

Te metes en el cine a ver The Old Man and the Gun, y todavía está fresca la decisión-duda de Robert Redford de retirarse definitivamente de la actuación. “Que ya no quiere más”, dijo, “que eso no quiso decir”, se retractaría días más tarde. Pudo haber sido un empujoncito para que masivamente la gente fuese a ver un final histórico en la gran pantalla, el del guapo Redford con su mandíbula cuadrada y peinado indeleble ante el paso del tiempo. Pero, ¿era necesario ese que-sí-que-no-que-vamos-a-ver? Pues no. The Old Man and the Gun, dirigida y escrita por David Lowery (A Ghost Story, Peter y el dragón), mezcla los encantos de Robert Redford, la naturalidad y dulzura de Sissy Spacek y el anti heroísmo de Casey Affleck, con una historia que, si no hubiese sido verdadera, jamás se le hubiera ocurrido a nadie para contarla.

En The Old Man and the Gun se narran las aventuras del atracador de bancos Forrest Tucker (Redford), quien a causa de una vida delictiva bastante nutrida, iniciada en la infancia, fue huésped intermitente de varias cárceles. Su facilidad para escabullirse de las prisiones le dieron la fama de “artista del escape”; fue pues todo un houdini que logró fugarse de cárceles de alta seguridad como San Quentin y Alcatraz. “Esta historia es prácticamente verdadera”, se anuncia en el inicio de esta cinta rodada con un fascinante estilo retro de finales de los 70 y principios de los 80. Una época que en términos de cinematografía siempre tendrá una fuerte conexión con las películas del hombre que se nos quiere jubilar. Son varios los aspectos que destacan en The Old Man and the Gun, como el sabor de nostalgia del cine de los 70 y 80, pero sobre todo su muy bien llevado tono de comedia, sus diálogos ágiles y perspicaces, la química entre Spacek (en el rol del amor otoñal de Forrest) y Redford, así como Tom Waits interpretando a Waller (uno de los colegas de banda de Tucker), lo cual es todo un deleite.

Muchas escenas de este filme están tan maravillosamente logradas, que muy bien podrán aguantar el paso del tiempo. Aún está por verse si The Old Man and the Gun, de la cual Redford también es productor, es su adiós definitivo de la gran pantalla. Cierto es que a sus ochenta y tantos años nuestro hombre viejo sigue dando batalla con varias “pistolas” en la mano.

“Robert Redford confirma que dejará de actuar”, la noticia hizo saltar todas las alarmas, “pero no descarta dirigir”. Para entonces el daño ya estaba hecho. El protagonista de Memorias de África anunció que no volverá a aparecer en pantalla y algo se encogió en el corazón de la cinefilia. El shock inicial, sin embargo, provocó que se olvidaran las demás facetas de esta incombustible figura de Hollywood.

Además de su compromiso político como activista, Redford es el fundador del Festival de Sundance con el que cada año apoya a nuevos talentos a producir y exhibir sus largometrajes. Y también de la productora Wildwood Enterprises, detrás de títulos como Diarios de Motocicleta. En su juventud, una excursión por el parque nacional de Yosemite hizo nacer en él un intenso amor por la naturaleza y, desde entonces, su preocupación por el medio ambiente ha sido una influencia constante en sus películas y labor dentro del certamen.

Periodismo y activismo por bandera

Redford es un claro defensor del periodismo. Fueron su rostro y el de Dustin Hoffman los que inmortalizaron el caso Watergate en Todos los hombres del presidente. Ellos interpretaron a los jóvenes redactores del The Washington Post, Bob Woodward y Carl Bernstein, cuya investigación obligó a dimir al presidente Richaed Nixon. En una entrevista, el actor reconoció que desde entonces se prepara los papeles como lo haría un periodista porque “para ellos, como para mí, la historia es lo realmente importante”.

La llegada de Donald Trump a la Casa Blanca no fue de agrado para el intérprete, que redactó un comunicado en el mismo medio estadounidense en 2017. En el artículo de opinión se adelantó a las preguntas frecuentes que se le realizaban en entrevistas acerca de las similitudes de lo ocurrido en el contexto de la película que protagonizó en 1976 y la situación actual, 45 años después.

En el texto reconocía que la coincidencia más importante eran “la libertad y la independencia de los medios de comunicación al defender nuestra Democracia”. Especialmente,“el periodismo bueno y riguroso”, dado que es “una de las armas más efectivas que tenemos para frenar el hambre de los poderosos”. Respecto al filme Alan J. Pakula, dijo que siempre lo había definido como violento a pesar de no haber disparos, porque “las palabras son usadas como arma” y lamentó no tener claro si un escándalo similar se resolvería de la misma forma hoy.

En uno de sus títulos posteriores, Pacto de Silencio (2012), que él mismo dirigió y protagonizó, recuperó la memoria de los activistas radicales de The Weather Underground. Nacidos del movimiento estudiantil, actuaban en contra de la guerra de Vietnam. El largometraje es una llamada a la creación de un mundo mejor donde los jóvenes han de librar la batalla, y una reivindicación de la importancia de mantener la esperanza en la posibilidad de cambio.

Agradecido y comprometido con la industria del cine

En el año 2001, el actor se alzó con el segundo Oscar de su carrera, esta vez honorífico, después de que en 1980 ganara el de Mejor director con su ópera prima Gente corriente desbancando de la terna a otros grandes como Martin Scorsese, David Lynch o Roman Polanski. En su discurso de agradecimiento reconoció que su labor dentro del Instituto y posterior Festival de Sundance no era otra que compensar a la industria del cine por todo lo que le había dado. Y es que no sólo las películas del Redford celebran el esfuerzo, también lo hace su institución.

En 1978 se dio cuenta de la enorme cantidad de historias que no se estaban contando, los directores a los que no se conocía y que, sin embargo, existían. Por ello, se lanzó a ampliar la industria y apoyar a nuevos artistas, creando “un lugar con credibilidad, donde los artistas tengan la oportunidad que se les niega. Duradero y comprometido”. Aprovechó su renombre para unir a creadores establecidos y a jóvenes.

Tres años más tarde tendría lugar la primera edición del Festival de Sundance, hoy erigido como el certamen de cine independiente más importante del mundo. Allí han visto la luz títulos como el debut de los hermanos Cohen Sangre fácil, American Psycho, Donnie Darko, Memento o Pequeña Miss Sunshine, entre otros tantos.

El medioambiente como afiliación política

“Dedico mi tiempo al arte y al medio ambiente”, señaló en una entrevista. Y de la unión de ambos nació el Redford Center, cofundado junto a su hijo, el igualmente cineasta James. Su objetivo es utilizar el poder del cine, el vídeo y los nuevos medios para comprometer a la gente a través de historias inspiradoras que movilicen a la población en favor de la naturaleza. Su consigna es: “Hacemos historias que proyecten el plantea”.

El director sufrió un gran shock tras pasar una larga temporada en Europa. En su regreso a Los Ángeles, la ciudad en la que había crecido era otra completamente diferente. “El desarrollo estaba fuera de control, descubrí que pertenecía a una sociedad que, para demostrar su fortaleza, necesitaba desarrollarse”, recordó con enfado. “Estamos devastando la naturaleza a costa de ganar dinero. Mi afiliación política es el medio ambiente”, añadió, incrédulo ante la falta de preocupación por el planeta que se encontrarán las futuras generaciones.

Su amada naturaleza ha tenido cabida, como no podía ser de otra forma, de su festival. En 2017 inauguró la semana reina del cine independiente el documental protagonizado por Al Gore Una verdad incómoda: ahora o nunca, diez años después de que su primer título inscrito en este género supusiera un antes y un después en la visibilidad y lucha contra el cambio climático. Aquí el propósito era demostrar lo que implica la revolución energética. En la misma edición hubo otros trece títulos programados sobre el mismo tema.

En el último certamen, celebrado el pasado mes de enero, Redford aprovechó para mostrar su apoyo al MeToo y Time’s Up, al “estar dando más oportunidades a las mujeres fuera y dentro del cine, para que sus voces sean escuchadas y puedan llevar a cabo sus propios proyectos”. Como novedad, decidieron tomar medidas para asegurar el festival como un espacio seguro, con línea de teléfono para atender a víctimas de malas conductas, y un código propio para erradicar el acoso, discriminación, sexismo y comportamientos irrespetuosos que pudieran tener lugar en el evento.

Su interés por el periodismo, el activismo, el apoyo a los nuevos cineastas y su preocupación por el medio ambiente convierten al Robert Redford en una figura cuya trascendencia va más allá de su talento delante y detrás de las cámaras. Por si éste no fuera ya suficiente. Las memorables interpretaciones de este tímido actor esconden el alma de alguien comprometido con su tiempo, su renombre y su amor por la naturaleza.

Celebremos la buena noticia que supone que aunque el ladrón de bancos al que dará vida en The Old Man and the Gun vaya a ser su último papel, tenemos legado con el que deleitarnos para rato. Además, como él mismo pronunció en la cinta de 1973 Tal como éramos, que no cunda el pánico, dado que “todo es demasiado serio para ser serio”.

Robert Redford anuncia que se retira de la interpretación, cuando -en breve- concluya algunos proyectos en marcha. El inexorable paso del tiempo marca sus ritmos. El 18 de agosto cumple 82 años y ya ha hecho cuanto debía hacer por el cine y algo más. El adiós de Robert Redford bien merece una pausa en el discurrir cotidiano, conflictos y gozos incluidos. Por cuánto vivimos juntos. Por su inmenso atractivo y su sólida personalidad. Por su arte y por su compromiso social.

Con él fuimos Descalzos por el parque en los exultantemente jóvenes y hermosos años 60. Para seguir una senda de éxitos e impactos estéticos durante 6 décadas, o el espacio en el que se haya coincidido. Estéticos y emocionales.

Se parecía a la tierra en la que había nacido, todo le era fácil, decía una Barbra Streisand rendida a su talento sobre todas las cosas en Tal como éramos, dirigida por Sydney Pollack en 1973. El escritor brillante y la activista tenaz hormiga obrera, empeñada en compaginar lo que no puede aunarse por mucho tiempo. Cómo no hacerlo ante un Redford maravilloso, de uniforme blanco, en un reencuentro del que él apenas se entera. “Eres demasiado intensa”, le explica cuando aún están a tiempo. Y ahora es ella la que no lo comprende.

Seguramente muchas mujeres de mi generación quisimos poner las zapatillas al Denys Finch Hatton de Memorias de África al que interpretaba. Quisimos sobrevolar la sabana en su avioneta por supuesto, pero también verle sentado en el hogar de manera más estable. Como la propia Merry Streep, que daba vida a la danesa Karen Blixen y su peripecia en Kenia con el ruido de fondo de la I Guerra Mundial. Sidney Pollack de nuevo exploraba ese tipo de alma femenina, tan frecuente, proclive a forzar amores imposibles. Por pura morfología química.

Siempre he mantenido que apagado su vuelo, Redford hubiera acabado cogiendo setas en familia, pero se estrelló en aquella avioneta para mejor gloria de la ficción. En aquella avioneta en la que tantas y tantos flotamos con él. Ellos también, sí, los que se dicen independientes vocacionales. Lo más cierto es que “No nos perteneció”. Ni a Karen, ni a nadie. Denys, claro está. La pista más clara la dio la propia Karen: “Cuando los dioses quieren castigarnos atienden nuestras súplicas”. Y, en esta ocasión, no las atendieron.

Hay quien se identifica más (buena parte de los hombres aunque no sólo ellos) con el Robert Redford que encarnó las aventuras y las desventuras de Jeremías Johnson. Otra película Pollack para él y de él para Pollack. La búsqueda de uno mismo por las montañas rocosas de Utah, por la cultura india sin prejuicios, por la senda de la autenticidad.

Dos hombres y un destino. Desde los inicios, Robert Redford y Paul Newman compitieron en los atributos que convierten a un actor en mito: rotundamente sugestivos, intérpretes singulares, con alma que traspasa la pantalla. Atracadores del lejano oeste, protagonizan, con Katharine Ross, recién escapada de los brazos de El graduado, una de esas huidas históricas hacia lo no convencional. El golpe (1973) reunió de nuevo a Newman y Redford dando vida a otra inolvidable pareja de estafadores en su peripecia para vengar la muerte de un amigo a manos de un gánster. David contra Goliat en la eterna epopeya de la literatura.

El Gran Gatsby, sobre la obra maestra de F. Scott Fitzgerald, otra enorme leyenda de la ficción. Años veinte del incipiente sueño americano. Un gran embaucador, un gran aparentador, y el joven que, atrapado, lo descubre en un juego fatal. La selección de las películas de Redford no ha sido casual. Política y periodismo le han interesado siempre como los grandes pilares que son para hacer y deshacer. El candidato, en 1972, traía ya una crítica mordaz a la propaganda política.

Todos los hombres del presidente, nos devolvía a la utopía épica que por esta vez fue cierta, esta sí, para narrar el gran hito que añoramos de continuo los periodistas. Cuando dos colegas, Bob Woodward y Carl Bernstein, lograron desde el Washington Post, desenmascarar el Watergate de Richard Nixon, obligándole a dimitir como presidente de Estados Unidos pese a todas sus trampas. Los tres días del cóndor, espionaje al límite, otra vez bajo la dirección de Pollack . Íntimo y personal en el periodismo y el amor generoso. A Michelle Pfeiffer sí le perteneció.

Como director Robert Redford también ha venido seleccionando con precisión sus temas: Gente corriente, La leyenda de Bagger Vance, El hombre que susurraba a los caballos, Quiz Show (El dilema) o Un lugar llamado milagro muestran preocupaciones serias del mundo actual y, de alguna forma del mundo de siempre. Los dramas familiares, las reivindicaciones, las trampas de la televisión o del hipnotismo embaucador, las proezas, las soluciones lógicas, tratados de forma crítica y con una especial sensibilidad. El río de la vida que siempre nos recuerda dónde empezó lo importante.

Creó el Sundance Film Festival, un programa del Sundance Institute, para estimular el trabajo de los creadores de cine independiente. Una organización sin ánimo de lucro. Es ecologista, apoya los derechos de los nativos americanos y a los colectivos LGTB. Muy discreto en su vida privada, las dos mujeres con las que ha compartido su vida no han tenido nada que ver con el cine. Su primera esposa fue la historiadora Lola Van Wagenen, y la segunda la pintora Sibylle Szaggars. Sufrió grandes contratiempos. La muerte, súbita, de su primer hijo a los 5 meses le marcó para siempre. Da la sensación de que se perdió y se encontró y se fue sosegando con los años. El cine no notó sus zozobras.

Sus muchos premios no llegan a la intensidad de lo que Robert Redford nos lega que es la gran esencia del cine. La capacidad de contar historias, de luchar con ellas por los derechos y los sueños y por encima de todo de emocionarnos. En los complicados momentos que vivimos, la pausa con el cine de verdad es, si se sabe elegir, una cita con nosotros mismos para tomar impulso. Para valorar lo que merece la pena y no se encuentra en las mezquindades hambrientas de poder, ni en la vaciedad que nos empequeñece. Robert Redford ha sido todo eso en el cine. En el fondo es que sí nos perteneció. Como protagonista imprescindible de la cultura que nos llena.

El 8 de septiembre de 2004 tenía que haber cambiado el rumbo de la campaña. Faltaban dos meses para las elecciones estadounidenses, en plena guerra contra Irak y Afganistán, y todos apostaban por un nuevo triunfo de George W. Bush frente a John Kerry. Ese día, la cadena CBS emitió en el programa 60 minutos un reportaje donde el mítico presentador Dan Rather desvelaba que Bush había utilizado sus influencias para evitar ir a la guerra de Vietnam.

El equipo de periodistas que había detrás de la producción de ese programa se apoyaba en testimonios como el del vicegobernador de Texas, Ben Barnes, y en varios documentos que también desvelaban el cuestionable servicio militar de George W. al que se le definía sutilmente como un niño de papá. 

El reportaje tuvo graves consecuencias, pero no para Bush sino para los periodistas. Lo llamaron Memogate. Al día siguiente de la emisión, los foros en Internet echaban humo y muchos blogs se centraron en atacar a la CBS a través de esos documentos en los que había graves anacronismos revelados por la tipografía. Básicamente defendían que aquellos documentos estaban escritos con Microsoft Word, algo imposible si supuestamente databan de 1972 y 1973.

La CBS y Rather defendieron su autenticidad, como habían hecho en el reportaje los expertos contratados por la productora del programa, Maria Mapes. Poco después, la cadena abandonó a Mapes asfixiada por los ataques. El proveedor de los documentos, el coronel Bill Burkett, no tenía los originales, por tanto era imposible autentificarlos al 100%.

Comenzó una lucha de intereses y desacreditación hacía Mapes y Rather en la que todo el mundo se olvidó de la pregunta que realmente importaba. ¿Era George Bush el presidente que realmente decía que era? ¿Había engañado a todo el país?

La verdad es el debut de James Valderbilt, guionista entre otras de Zodiac, el segundo gran thriller de David Fincher donde el periodismo es también el eje del filme. La verdad está basada en el libro autobiográfico de Mary Mapes, en el que cuenta todo lo relacionado con el Memogate, defendiendo obviamente su trabajo y el de Rather. El posicionamiento es claro, nada sutil, el poder es el lado oscuro y los directivos de la cadena son los malos. Sin embargo, la inteligencia con la que está escrita esta película -el guión es de Aaron Sorkin- y todas las cuestiones que plantea provocan un efecto hipnótico en el espectador.

Todos los hombres de Robert Redford

“Estamos aquí para hacernos preguntas”, dice Mary Mapes en un momento de la película. La verdad se divide en dos partes, la primera es una película de detectives. Mapes y su equipo de periodistas van detrás de las pistas que les llevan a cuestionar la carrera militar de Bush. Cate Blanchett pone rostro a Mapes, su interpretación es soberbia, respira inteligencia y verdad.

Ella es la que lleva el peso de esta película coral donde Robert Redford simboliza el mito haciendo del viejo Rather, un luchador estoico que intenta revivir una clase de periodismo moribundo y cada vez más devaluado, el de investigación. Robert Redford que repite como una figura clave en las desgracias de los republicanos, como ya hizo con el Bob Woodward de Todos los hombres del presidente.

La película de Alan J. Pakula sobre el famoso caso Watergate sigue siendo hoy en día el máximo referente para el cine de redacciones. Igual que ocurría con la investigación de Woodward y Carl Bernstein, la de Mapes y su equipo resulta frenética, un thriller en toda regla que acaba a mitad de la película, cuando su programa es emitido el 8 de septiembre de 2004. El equipo de periodistas lo celebra en un pub viendo cómo el resto de televisiones se hace eco de su trabajo. “Esto es el periodismo hoy, hablar sobre noticias que hacen otros”, dice el personaje de Dennis Quaid. 

Lo que ocurre después de la emisión transforma esta intriga periodística en un drama donde los defensores del Gobierno comienzan una persecución atroz a todos los que están detrás de la emisión, incluidos altos cargos de la cadena. El tono del filme se oscurece y Blanchett brilla aún más. Es en este momento cuando Vanderbilt convierte en mártires a unos periodistas que deberían haber blindado sus pruebas y a sus fuentes pero que nunca dejaron de hacer su trabajo. La investigación periodística se basa en hacerse preguntas e intentar responderlas. El fracaso de Mapes y Rather y su posterior destierro son también el fracaso de una democracia ahogada por los pulsos de poder.

La CBS sale tan malparada que hasta rechazó una oferta millonaria de Sony para que la película se anunciara en la cadena. “Es sorprendente la poca verdad que hay en La verdad”, declaró Gil Schwartz, principal portavoz de la CBS durante el Memogate.

Hay momentos tan terroríficos en La verdad que casi parece ser una sátira tan negra como el Network de Sidney Lumet. Arrebatar la dignidad de las fuentes para salvar a la cadena de un desprestigio antológico se puede comparar con ese veterano presentador al que Lumet llevó al límite del suicidio en directo para ganar audiencia.

Las figuras de periodistas exiliados de su propio medio están también en Zodiac, donde la obsesión de sus protagonistas por un asesino en serie acaba con sus carreras. No todo termina tan bien -tan mal para los malos- como el asunto del Watergate de Woodward y Bernstein. En 2004 Bush volvió a ser elegido, Rather y Mapes se convirtieron en apestados y nunca se terminó de demostrar si esos documentos eran o no falsos.

En época de crisis, cualquier atisbo de esperanza es bienvenido. Por eso resulta paradigmático que en pocos meses se hayan estrenado dos películas como “Gravity” y “Cuando todo está perdido”, auténticos manuales para sobrevivir en diferentes medios. Ambos films pretenden insuflar aliento y demostrar que, por muy mal que vayan las cosas, es posible encontrar una salida.

Casualidad o tendencia, el caso es que J.C. Chandor cambia radicalmente de registro en su segunda película como director y guionista. Si “Margin Call” contaba con un guión verborreico y una acumulación importante de personajes, en “Cuando todo está perdido” hay una ausencia total de diálogos y un único personaje encarnado por Robert Redford.

El septuagenario actor pone a prueba sus capacidades físicas en un trabajo esforzado y muy exigente, una verdadera prueba de resistencia. No sólo porque carece de compañeros de reparto en los que apoyarse y debe cargar él solo con el peso de la película, sino también porque consigue dotar de humanidad a un personaje del que ni siquiera llega a conocerse el nombre. Qué hace en mitad del Índico el viejo marinero que interpreta y cuáles son las circunstancias vitales que le han llevado hasta allí, son informaciones que el espectador nunca sabe. El argumento se centra exclusivamente en los problemas que debe afrontar desde el momento en que un contenedor a la deriva choca contra el casco de su embarcación.

La película podría haberse parecido a una versión catastrofista de “El viejo y el mar”. En lugar de eso, Chandor prescinde de voces en off, flashbacks y demás recursos narrativos para aliviar la trama, y opta por lo directo. Todo cuanto sucede en la pantalla está encaminado a mostrar la lucha por la supervivencia en alta mar de este hombre anónimo. Aunque parezca lo contrario, Chandor no llega a realizar una película estrictamente muda: además de las pocas palabras que se pronuncian durante el metraje, está el elaborado diseño de sonido como paisaje del film. La riqueza sonora de “Cuando todo está perdido” funciona como un personaje más, es el aliento de la naturaleza que lo mismo amenaza que reconforta según la intención de cada escena.

J.C. Chandor tiene la habilidad de no intervenir demasiado en las acciones que se van sucediendo, y concentra el foco de su cámara en el rostro avejentado de Redford. Los surcos labrados por el tiempo y las arrugas del actor son el mapa que guía la película, iluminada por el brillo de una mirada que todavía no se ha apagado. Reconocemos el eco de Jeremiah Johnson es este navegante del que no tenemos más noticias que su tenacidad y sufrimiento.

Lo curioso es que siendo una película de acción, “Cuando todo está perdido” no se recrea en planos espectaculares ni en elaborados movimientos de cámara o grandes efectos. Hay algo ascético en la mirada que Chandor aplica sobre el relato, en las imágenes que transpiran serenidad y comedimiento. Es de agradecer que el director no se distraiga con elementos que no sean los necesarios para que la trama avance con emoción y con la incertidumbre de un desenlace abierto a interpretaciones.

En definitiva, se trata de una película que puede ser vista bajo diferentes ángulos: el de la acción sin condimentos o el de la alegoría de esta época difícil en la que sólo los que resisten logran mantenerse a flote.