Al leer el nombre de Mozart, muchos seguro recuerdan al niño prodigio que, siendo solo un niño, asombró a Europa con su talento musical y compuso algunas de las obras más influyentes del clasicismo. Pero Wolfgang Amadeus no fue el único de la familia Mozart que destacó en el ámbito de la música.

Su hermana Maria Anna, conocida también como Marianne o Nannerl, era la mayor de los cuatro hijos del matrimonio formado por Leopold y Anna Maria. Con solo ocho años, la niña aprendió a tocar varios instrumentos, incluido el clavecín y el piano, bajo las instrucciones de su padre. A estas clases pronto se unió su hermano pequeño, donde ambos demostraron su gran virtuosismo. 

En un artículo publicado en Classic FM, la periodista Sophia Alexandra Hall afirma que Nannerl se convirtió en un ídolo para el joven Amadeus. “A los tres años, Mozart se inspiró para estudiar música al observar las instrucciones de su padre a Nannerl. Quería ser como ella”, recuerda Hall, citando un extracto de la biografía Mozart: A Life, escrita por Maynard Soloman.

Leopold y Anna Maria viajaron con sus hijos a multitud de ciudades europeas, incluyendo algunas de países como Alemania, Praga, Francia, Inglaterra, Italia, Suiza o Países Bajos. Esta gira, que duró más de tres años, hizo al público quedar completamente deslumbrado por el talento musical de aquellos genios, que entonces no eran más que unos niños. Pero esta vida de escenarios se terminó acabando para Nannerl.

‘The other Mozart’: la obra sobre Nannerl

Cuando creció, su padre tomó una decisión: la joven debía quedarse en casa, en Salzburgo, y no volvería a salir de gira. “Beso a Mamá y a Nannerl mil veces. Solo deseo que mi hermana estuviera en Roma, seguramente le gustaría la ciudad”, escribió el Amadeus adolescente en una carta. Maria Anna aprendió entonces las labores del hogar y siguió los consejos de su madre para convertirse en “una buena esposa”, que era lo que la época esperaba de las mujeres. 

La actriz y directora de teatro Sylvia Milo quedó impresionada con esta historia en uno de sus viajes a Viena, cuando descubrió la existencia de Nannerl a través de un cuadro expuesto en el museo dedicado al pianista. “Para mí fue como una epifanía saber que había otra Mozart. De inmediato pensé: ¿cuál es su historia?”, recordó en una entrevista reciente para la BBC. 

Investigar sobre aquella joven la inspiró a escribir The Other Mozart (La otra Mozart), obra de teatro en la que también actúa y que presenta al público la historia desconocida sobre la hermana de Mozart. Actualmente, la obra continúa de gira por todo el mundo, con más de 350 representaciones hasta la fecha, incluyendo 30 estados de EE. UU. y ciudades como Londres, Múnich, Hong Kong, Viena o Salzburgo. 

En el verano de 1791, pocos meses antes de que Wolfgang Amadeus Mozart falleciese como consecuencia de una fiebre alta, un desconocido vestido de negro se presentó en su casa de Viena para encargale una importante composición: un réquiem. El compositor recibió el encargo mientras trabajaba intensamente en otras de sus obras, como La flauta mágica, por lo que dejó aquella petición a un lado. Sin embargo, el de Salzburgo pronto se obsesionó con el encargo. 

¿Quién se escondía detrás de aquel misterioso mensajero y por qué quería que escribiera una misa de réquiem? El músico empezó a estar cada vez más enfermo y la muerte se volvió un tema realmente angustiante para él, que quedó marcado por el fallecimiento de su padre. Cuenta la leyenda que todo esto le llevó a creer que el hombre era un mensajero de su propia muerte y que aquel réquiem sería el que sonaría en su propio funeral.

Tiempo después, se desveló la identidad de aquel mensajero. El conde austríaco Franz Von Walsegg fue el que envió a aquel hombre con el objetivo de atribuirse la autoría de la obra y dedicársela a su esposa recientemente fallecida. Mozart murió el 5 de diciembre de aquel año, con apenas 35 años, y sin acabar la que terminaría siendo una de las obras más importantes y reconocidas de su carrera: la Misa de Réquiem en re menor, K. 626.

Süssmayr, el discípulo que realmente acabó la obra

Wolfgang Amadeus dejó el Réquiem sin terminar. Solo completó íntegramente el Introitus, aunque sí que desarrolló partes del Kyrie, la Sequentia y el Ofertorio. El Lacrimosa, por ejemplo, quedó inconcluso después de ocho compases. Hoy, sin embargo, podemos escuchar la obra entera y esto es en parte gracias a Constanze, esposa del músico y compositor austriaco.

Constanze fue la que le pidió al compositor Franz Xaver Süssmayr la difícil tarea de completar la obra del maestro del clasicismo. Se cree que la mujer llegó a sobornar al discípulo de su marido para que no revelase su participación en la composición, ya que esta se presentó como una obra completa de Amadeus. El estreno se produjo en Viena el 2 de enero de 1793, en un concierto en beneficio de la viuda.

Los carteles, los programas de mano de los conciertos, las críticas… Durante siglos, todos ellos ignoraron la participación de Süssmayr en la finalización del Réquiem. Esto no hizo más que alimentar las teorías y especulaciones sobre la obra. Si Mozart había muerto en pleno proceso de escritura, ¿cuánto compuso él y cuánto se agregó después para completar la pieza musical?

No fue hasta el año 1800 cuando se publicó la primera edición impresa de la Misa de Réquiem en re menor, K. 626 , lo que aceleró la difusión de la obra por toda Europa. Con el tiempo, esta se convirtió en la música elegida para despedir a todo tipo de figuras, desde reyes a artíscocratas y burgueses, en las correspondientes misas de difuntos. Hoy, con los avances en tecnología y un mayor conocimiento del estilo de Mozart, han surgido nuevas versiones que intentan imaginar cómo podría haber sido la versión original si este la hubiera podido terminar.

Triunfo descolocante ayer en el Gran Teatre del Liceu del Requiem del artista italiano –porque así debe denominársele ante la dificultad de taxonomizar su trabajo en una sola disciplina– Romeo Castellucci, un gran revolucionario de la escenografía musical desde los años 80 del siglo pasado. Triunfo por la duración del aplauso del público al término de la representación; “descolocante” porque se trató de un aplauso de cadencia dubitativa, como tratando de digerir lo que se acababa de ver y de relacionarlo con las imágenes que suelen poblar la mente cuando se escucha el Réquiem de Mozart con los ojos cerrados.

Castellucci, que cuenta entre sus gestas el intento –fallido por su magnitud– de poetizar visualmente la tetralogía operística wagneriana, acababa de profanar en el Liceu esta obra sacra mozartiana, de dotarla de un volumen propio y personal que no tiene por qué gustar a todo el mundo. Aun así, no se puede negar el apelativo de “fascinante” a la “castelluccización” del citado Réquiem, basado en la pieza que creara Mozart en sus últimos meses de vida y que completara, bajo las indicaciones del maestro, en 1791 su alumno Franz Xaver Süssmayr.

Se trata de un proyecto que Castellucci creó en 2019, en un año previo a la pandemia y la guerra de Ucrania, si bien ya con Trump en su primera etapa en el poder. Este hecho es importante para señalar que el mensaje, entre pesimista y resignado, del creador italiano no solo no ha perdido vigencia, sino que ayer se antojaba más funesto que nunca ante las oscuras nubes que cubren la política mundial.

Y es que, de hecho, el Réquiem de Castellucci es un canto pío y de despedida que el autor extiende a la humanidad en su conjunto, y también a todas sus creaciones. Puede funcionar como un aviso premonitorio de hacia dónde nos encaminamos, pero también como un aldabonazo al inicio de nuestra carrera hacia extinción como especie y como civilización.

Castellucci, Stravinsky, Kubrick y Cronenberg

Pero más allá de interpretaciones lúgubres, que sin duda se adecuan a la pieza mozartiana, fascinante tanto por su complejidad polifónica como por su nervio y su tensión casi romántica, la recreación que hace Castellucci no cae en el facilismo de dejarse llevar, sino que navega por encima de las aguas luctuosas que destila la música.

Lo consigue con una escenografía cambiante y provocadora, en ocasiones llena de colorido y danzas paganas –que recuerdan a los montajes para ballet de La consagración de la primavera de Igor Stravinski– y en otras colmada de intimidad lúgubre y sobrecogedora, pero también bellamente evocadora, que emula la fuerza visual de algunos parajes de Stanley Kubrick en su Odisea en el espacio.

También recuerda, durante el canto Benedictus –cuando hace pasar a los integrantes del coro por delante de un coche destrozado por un accidente y emular que son atropellados– la polémica cinta Crash de David Cronenberg, en uno de los momentos más impactantes del todo el montaje.

No obstante, para nada pretende este Réquiem caer en el efectismo si este no sirve al inmenso poema multidimensional que circula delante de nuestros ojos, un trabajo que lleva la composición de Mozart más allá del ámbito armónico y acústico para dotarla no solo de imágenes libres, sino también de un largo poema escrito y basado en citar todas las especies animales y vegetales, civilizaciones, religiones o edificios y templos que han desaparecido a lo largo de la historia del Planeta, y en especial de la humanidad.

Un listado interminable de la extinción de la vida en el planeta

Para su montaje, Castellucci utiliza preliminarmente al Réquiem otras piezas vocales de Mozart de corta duración, que suavizan el duro inicio de la composición original y permiten asimilar lo que se está viendo en escena. Y lo que se ve en un fondo de oscuridad, es una cama y una anciana que tristemente se acuesta en ella, acaso presintiendo el final y poniéndose en manos de la providencia.

Sobre el fondo oscuro comienza el estremecedor listado de especies animales y vegetales que se han extinguido. Como una letanía dolorosa, la proyección del listado no se detendrá hasta el final de la obra, e irá pasando de las especies a los homínidos, las civilizaciones, las religiones, las ciudades, los templos, las obras de arte y, finalmente, listará los lugares que en el momento de la representación se están extinguiendo.

Aparecerá sobre el fondo, en los últimos compases del Requiem, la Catedral del Barcelona, la Sagrada Familia, el Mercat de la Boquería o la playa de la Barceloneta, acaso extinguidos todos estos lugares por el turismo masivo. Pero también cita la proyección el amor, la empatía, las lágrimas, la alegría o los colores, en lo que parece una advertencia de que nos adentramos en un tiempo de oscuridad deshumanizante...

Un niño jugando con un cráneo

Regresando a la anciana, en el momento en que se encama se inicia el Requiem y aparece un coro –el del Liceu, que estuvo en todo momento a una gran altura, al igual que la orquesta del gran teatro, dirigida por el italiano Giovanni Antonini, que ya había visitado dos años antes el Liceu con el Orlando paladino de Haydn– que rodea la cama y la mujer.

Se inician los primeros compases del canto Introitus y se pasa al Kyrie eleison; el coro se retira, al tiempo que el telón de oscuridad se levanta, y se lleva consigo la cama. Pero la mujer queda en el suelo. No es ahora una anciana, sino una mujer de mediana edad. Ya con un fondo blanco, el coro danza durante la mayor parte de la obra danzas principalmente populares, como la sardana o el baile de las gitanas, con coloridos vestidos tradicionales.

La entonación del cántico Tuba Mirum da entrada a la voz del bajo del italiano Nicola Ulivieri, despues les toca al tenor sudafricano Levy Sekgapane, a la suiza Marina Viotti como mezzo y a la soprano alemana Anna Prohaska; todos ellos estuvieron ayer a la altura del resto del coro y la orquesta, sin fisuras.

La mujer es ahora una joven que termina por convertirse en una niña a la que, en una nueva escena, los integrantes del coro colorean con pigmentos y luego cuelgan de la pared, como si de un sacrificio ritual pagano se tratara, hasta que finalmente es descolgada y queda en el suelo. Es entonces cuando entra en escena un niño de la escolanía de Montserrat jugando al futbol con un cráneo humano, otra de las imágenes impactantes del montaje.

Prosigue así el Réquiem de Castellucci, en un diálogo a tres bandas entre la letra de los cánticos que compuso Mozart, el listado de extinciones, omnipresente y proyectado como una sombra de mal augurio, y las danzas del coro, que vierte en el suelo tierra húmeda y pinta con aerosol de colores –que recuerdan a un anuncio de televisores Sony de la gama Bravia– las paredes del escenario.

Una invocación al eterno retorno

Finalmente el coro pasa por la escena de los atropellos “cronenbergianos”, el coche se retira y todo se oscurece, salvo la proyección del listado de extinciones. El coro canta el final del Réquiem (los cánticos Agnus dei y Lux aeterna) y desaparece. El suelo de el escenario se eleva desde el fondo, levantando una pared en el silencio sobre la que solo se oye deslizarse hacia el foso la tierra vertida anteriormente, con un sonido estremecedor que recuerda el golpeo de la grava sobre los ataúdes...

Queda entonces el suelo elevado, formando una nueva pared de escenario manchada de tierra oscura sobre su fondo blanco roto, como si fuera una gran fotografía de la superficie lunar. Aparecen las cuatro mujeres caminando sobre el filo del foso: la anciana, la mujer madura, la joven y la niña. Se detienen en el centro del escenario, depositan algo en el suelo y se marchan.

El foco cae entonces sobre el objeto depositado: es un bebé que gesticula, tal vez una señal de esperanza por parte de Castellucci, una invocación al eterno retorno nietzscheniano, a la posibilidad, en definitiva, de revertir la aciaga senda en la que ha entrado la humanidad.

El 27 de enero de 1756 en Salzburgo, Austria, venía al mundo Wolfgang Amadeus Mozart, considerado uno de los mejores compositores y de los más influyentes en la historia de la música, maestro del clasicismo y todo un genio que escribió sus primeras obras con apenas cinco años.

La historia de Wolfgang Amadeus Mozart es ya conocida. Músico precoz, famoso durante su vida, que llegó a trabajar en la corte de Viena, pero que pasó por dificultades económicas y que con apenas 35 años moría en Viena, un 5 de diciembre de 1791.

Sin embargo, Amadeus no fue el único Mozart que fue considerado un genio por componer en temprana edad, sino que también fue el caso de su hermana, María Anna, cuatro años mayor, y que fue una clara influencia en su composición, sobre todo en los primeros años de su vida.

María Anna, el otro genio de la familia Mozart

María Anna fue la cuarta hija del matrimonio de músicos formado por Leopold y Anna María Mozart, que habían visto como los tres anteriores no habían sobrevivido a los días de nacer, y cuya “bendición de Dios” no tardaron en apodar Nannerl, que significa precisamente eso.

En su infancia, Amadeus y María Anna eran inseparables y compartían el amor por la composición, pues Leopold había instruido a ambos en potenciar su talento musical, y así, a sus dos hijos se los llevó de gira por Europa entre 1763 y 1766, lo que les atribuyó fama tras haber conseguido tocar también delante de la emperatriz María Teresa de Austria, madre de la que sería reina de Francia, Maria Antonieta.

La influencia de ‘Nannerl’ en su hermano Amadeus

En esa gira a mediados del siglo XVIII, ‘Nannerl’ fue considerada una de las mejores músicas de Europa y todo un genio, pues incluso se decía que tenía más talento que el de su hermano, que la idolatraba y era su gran inspiración para las que fueron sus primeras composiciones. En este sentido, se ha estudiado el posible hecho de que las primeras composiciones de Wolfgang Amadeus Mozart podrían haber sido escritas junto a su hermana.

A pesar de su talento, María Anna Mozart nunca llegaría a tener la fama y reconocimiento que sí que tuvo su hermano Amadeus porque con 18 años su padre la apartó de los escenarios y la casó, lo que hizo que se retirara a un pueblo cercano a Salzburgo. No sería hasta los 50 años, ya viuda y al cuidado de sus dos hijos cuando se dedicaría a la música como profesora, con lo que se sustentó.

El próximo 23 de junio, a las 20:30 horas, los hermanos Sergey y Lusine Khatchatryan, en el marco del Festival Internacional de Música de La Palma, se subirán al Teatro Circo de Marte, “recogiendo el testigo del mito Joaquín Achúcharro -que abre el Festival la noche anterior- para mostrar hasta dónde es capaz de llegar el talento cuando se une una complicidad fuera de lo común”, se indica en una nota de prensa de la Asociación Cultural Amigos Palmeros de la Opera (ACAPO).

En la nota se apunta que “en Erevan, Armenia, una tarde de finales de los ochenta, Irina Hovhannisyan y Vladimir Khachatryan, ambos músicos y pedagogos, ponían todo su esfuerzo y cariño en inculcar la música como eje de vida a los pequeños Sergey y Lusine”. “Y a fe que lo han logrado”, añade. “Sergey y Lusine Khatchatryan son un ejemplo de talento, de formación y de perfecta comunión sobre el escenario. Pareciera que no sólo ellos son hermanos, sino también el piano y el violín que interpretan, respectivamente”.

“Con sólo 21 años”, explica, “Sergey, el genio de Erevan debutó interpretando a Bethoveen en el Avery Fisher Hall de Nueva York, sala que junto al Metropolitan Opera, entre otras, forma parte del Lincoln Center, el centro de artes escénicas más importante del mundo”.

“Estamos”, subraya, “ante un pianista de seda que, como recoge La Filarmónica, da muy pocos recitales al año. Los palmeros y visitantes de otros lugares tienen ante sí la oportunidad de disfrutar de uno de los mejores músicos del mundo. Un lujo que no ocurre cada tarde”.

Su hermana Lusine “no le ha ido a la zaga, y el New York Times la calificado como una excelente pianista, con una técnica ardiente’.

La Palma Festival Internacional de Música “se abre por tanto para recibir a dos virtuosos de la música, dos jóvenes pero ya excelsas estrellas que prometen marcar el futuro próximo de la música clásica mundial”.

El 23 de junio, a partir de las 20:30, “los Khatchatryan deleitarán con su Sonata para violín y piano Nr. 32, en Si Bemol Mayor. K.454 de Wolfgang Amadeus Mozart, Sonata para violín y piano Nr. 2, en Re Mayor, Op 94bis de Sergei Prokofiev y Sonata para violín y piano en La Mayor de César Franck”.

Las entradas para ver a los hermanos Khatchatryan ya están disponibles en el portal www.entree.es y también desde www.acapo.eu, entre 25 y 15 euros.

La adaptación libre de ‘La Flauta Mágica’ de Mozart llega al Teatro Auditorio Municipal ‘Francisco Nieva’ de Valdepeñas este viernes 31 de marzo, a partir de las 21:00 horas. Este espectáculo familiar llega a cargo del Teatro Negro Nacional de Praga, una compañía que cautiva a su audiencia con todos los elementos posibles del teatro: sonido, luz, música, baile, mimo y coloridos accesorios.

Es un espectáculo con luz negra no verbal, y tiene unas técnicas de escenografía tradicionales del Teatro Negro Nacional de Praga. De este modo, los actores permanecen en el teatro completamente en negro e se iluminan con una luz ultravioleta.

Se crea así una “verdadera magia visual” y una inolvidable fantasía y les permite representar esta obra dramática de una forma fácil de entender, y a su vez atractiva, dando la posibilidad de llevarla a escena de forma visual para un amplio espectro de audiencia.

Las entradas tienen un precio de 15 euros y pueden adquirirse en el Centro Cultural “La Confianza”, en www.liberbank.es, en el teléfono 902 106 601 o en la taquilla del teatro una hora antes de la representación.

Sí. Lo sé. Sí. Soy consciente de ello. Sí. Lo he advertido. Sí. Lo percibo perfectamente. El titular es un disparate. Sin embargo, tengo dos importantes y profundos atenuantes para acogerme al surrealismo más osado: a) Los títulos son pura creación -como los textos- sólo sujeta al Código Penal. b) Si vivimos en pleno disparate a escala nacional, disparate doblemente disparatado en el territorio discontinuo de la nacionalidad - ¿qué será eso? - o jugamos todos o rompemos la baraja. Aunque tampoco hace falta que sea “a cuchilladas” como he leído hace un momento que están los nacionalistas (?) de Coalición Canaria.

Del mismo modo que siempre he poseído una imantación especial para aquellos que abusan de la botella -descarten el acoso a la mujer de Aznar- también, a la hora de ponerme a escribir resulta que me encuentro habitualmente con noticias de calado que, si bien tenía previsto que acontecieran, no había colocado día y hora en las estanterías de la memoria. Así que, cuando enciendo el ordenador para ver qué es lo que no ha pasado, me encuentro con la sentencia de Nóos que, en Canarias por eso de la hora menos, sería “Ñóooooosss …”, interjección sintácticamente peculiar y de carrera larga, tan usada sobre basalto como ¡chacho!, ¡cámbate!, ¡tolete! o ¡chafalmeja! En definitiva: “La Audiencia Provincial de Palma de Mallorca ha condenado a la Infanta Cristina a una multa de más de 265.000 euros como responsable a título lucrativo, si bien la absuelve como cooperadora necesaria de dos delitos fiscales cometidos por su marido en los años 2007 y 2008. Iñaki Urdangarín, por su parte, ha sido condenado a seis años y 3 meses de cárcel y multa de 512.553 euros”. La Casa Real -excusatio non petita, acusatio manifesta - “ha expresado este viernes su respeto absoluto a la independencia del Poder Judicial” para que quede claro dónde está cada uno, incluso Pujol and his gang, cada oveja con su pareja y, por la noche, cada mochuelo a su olivo.

Ya habrán descubierto ustedes que comienzo estas vitelas el 17 de Febrero de 2017. Para mi, 17 febrero Pluvioso, que yo me rijo y dirijo por el Calendario Revolucionario Francés de 1793. Por eso me llaman vintage como a Atahualpa Yupanqui lo llamaban abandonao. Ya el otro día los vientos huracanados, que hasta abrieron tumbas, anunciaron que pasado mañana entraremos en Ventoso.

Tirando del carro

Comencé hablando del disparate y, en consecuencia, resulta obligada la referencia al esperpento, a la hora de hablar del Festival de Música de Canarias y sus cuitas, dimes, diretes, falsetes, castrati, glissandos, pizzicatos y esas cosas del querer. Aunque, si a las audiencias nos atenemos, deberíamos dejar las sinfonías y centrar la atención en arriesgados y peliagudos análisis sobre la Gala Drag Queen del Carnaval y su imparable ascenso. La Elección de la Reina es ya una anécdota menor, en consonancia con aquellos trajes que necesitaban una carreta para ser transportados. De ese carromato en aterrador equilibrio inestable, tiraba como un buey -mejor, bueya- la sufrida aspirante al título, ayudada por una cuadrilla encargada de parchear el despropósito y lograr que el paseíllo no acabará en desplome, como alguna vez sucedió. Con los drag no hay problemas de locomoción, puesto que las telas son mínimas, pero sí existen riesgos, aunque controlados por Protección Civil, de que algún/alguna de esas torres eróticas se derrumbe debido a su cimentación. ¡Qué difícil es el equilibrio! Contra Newton no hay nada que hacer.

Festival en la UVI. Diagnóstico: 'Agotado'

Con cara de estoy aquí porque no me queda otro remedio y he dormido fatal, la consejera de Cultura, María Teresa Lorenzo, compareció ante el Parlamento autonómico para dar explicaciones, exigidas en primer lugar por Podemos y luego por todos los grupos de la Cámara, sobre lo ocurrido y lo que ocurrirá previsiblemente. Por supuesto, como siempre, como casi siempre, aparecieron los eufemismos, las demagogias y las ignorancias para dotar de lenguaje ad hoc y mea culpa lo que toda la sociedad canaria ha considerado un fracaso de la XXXIII Edición, que significaba un punto de inflexión ante “el agotamiento” del Festival. Lamentablemente, ni el Redoxón Complex ni los complejos vitamínicos contra el surmenage dieron resultado. El problema, además, es que no hay camas libres y las listas de espera llegan hasta Picadilly Circus. Habrá que ver si, con el nuevo consejero Baltar, el asunto se enfrenta por la Sanidad Pública o se deriva a la privada. ¡Qué cosas! Un Festival agotado porque las entradas no se agotan ni de coña. Son fantásticos hasta eligiendo las palabras. A ver si ahora, esa empresa adjudicataria ad eternum de todo lo que huela a comunicación mete mano en el asunto. Yo licito, tú consigues. Yo te mando, tú persigues.

María Teresa, ante la imposibilidad de llegar a las cotas de lirismo místico de su homónima santificada -¡Ay, qué larga es esta vida! ¡Qué duros estos destierros, esta cárcel, estos hierros en que el alma está metida! Sólo esperar la salida me causa dolor tan fiero, que muero porque no muero- optó por un leguaje en prosa política, que no poética tampoco: “Asumo los errores”, en esa línea típica, tópica, hilarante y falta de respeto tan adorada por nuestros políticos: Asumo mi responsabilidad. Perdón. Es una pena que el evento lo paguen ustedes (los ciudadanos, la sociedad civil). Non olet, que decía Vespasiano a su hijo.

El director del Festival, Nino Díaz, había previsto ante el Parlamento de Canarias “recaudar 673.962 euros”. Una cifra que, aseguró, “será más alta que la de las últimas ediciones al haberse duplicado el número de conciertos en las Islas, de 45 a 88”. Para reforzar el nos las prometemos muy felices, Lorenzo, que también llaman al sol, manifestó que “en la pasada edición, la recaudación fue de 659.873,20 euros”. Se refería, obviamente a la XXXII. Según los cálculos de los responsables, la faltriquera engordaría exactamente en 14.088,88 euros de la pujante eurozona. Pero mi gozo en un pozo y encima seco, que el nivel de los acuíferos está cerca del magma. La consejera volvió al Parlamento, una vez sonadas las músicas y puestas en práctica las estrategias contra la extenuación del gran evento, ya sin humos triunfalistas: los ingresos provisionales por recaudación se elevan a 350.167 euros, mientras que en 2016 fueron 623.997. Eso, independientemente de análisis posteriores, explicaciones, confesiones y penitencias, cambios de rumbo y trimado de velas, aboca sin paliativo alguno a un vocablo contundente: Fracaso. Si el año pasado el Festival de Música de Canarias mostraba “síntomas de agotamiento”, como ha señalado varias veces el presidente Clavijo, este año se ha producido el óbito. Y, como ni el óbito ni el hábito hacen al monje y aunque la mona se vista de seda, mona se queda, mucho me temo que el Festival de Música de Canarias jamás volverá a ser lo que fue. Aunque el Gobierno de turno -nunca mejor dicho- mantenga el nombre, el Festival ya ha mutado a otra cosa. Musical también, pero otra cosa. El hecho de que este año estuviera en el programa la Mahler Chamber Orchestra me llevó a pensar de inmediato en el Adagietto de la Sinfonía número 5 del compositor que da nombre a esa formación. ¿Por qué? Pues porque el gran Lucchino Visconti eligió ese tema como banda sonora de su película Muerte en Venecia, un genial largometraje sobre el que planea todo el tiempo el terrorífico fantasma de la decadencia, personificada en la figura del compositor Von Aschembad, en un entorno de muerte gobernado por el cólera y con el contrapunto de un amor platónico y homosexual. “Que c'est triste Venise au temps des amours mortes. Que c'est triste Venise quand on ne s'aime plus. On cherche encore des mots mais l'ennui les emporte. On voudrais bien pleurer, mais on ne le peut plus”.

Frases grandiosas para la Historia

Si yo no estaba en Belén con los pastores -y no estaba porque estaba en otro sitio- el Festival de Música de Canarias nació con la vocación de ser un referente mundial. Para melómanos, es obvio. No para atraer turismo de masas y baja calidad. Es maravilloso, y lo agradezco de corazón, que la clase política en general y la canaria en particular, me permitan gozar con el manejo del lenguaje. Al menos de vez en cuando, porque hay cosas mucho más importantes en las que ocupar ese tiempo que no espera por nadie. Y por ello, porque mi vida ha sido ver, analizar y contar, estoy encantado con las frases que se han dicho a los medios de comunicación y en el Parlamento sobre el Festival XXXIII y sus circunstancias. ¡Diga 33!, eso que te piden los médicos -o te pedían- no porque les guste el número, sino para atender al frémito vocal, vibración de las paredes torácicas producida por el sistema broncopulmonar cuando hablamos, cantamos o gritamos, y así determinar si hay alguna alteración (vibraciones aumentadas o disminuidas que indiquen la existencia de una enfermedad) o si todo es normal. El Gobierno de Canarias dijo 33, se quedó en 33 y, efectivamente, enfermedad la hay. Por ello, antes de mover pieza, sería muy conveniente que se hiciera lo que pidió el diputado nacionalista de la Hoz pero no del martillo: auditar las cuentas de cada uno de los treinta y tres festivales realizados y presentarlas en la Cámara. ¿O no dicen que es allí donde reside la soberanía popular?

Atendiendo a que la broma ha costado a los canarios 1,9 millones de euros y cuales son los índices socioeconómicos de la autonomía, incluyendo la Cultura, claro, vamos al flash back con las frases destacadas: Victoria Hernández, del grupo socialista, advirtió a María Teresa de Lorenzo que se cuidara muy bien “de quien parece que le está haciendo la cama, que es el señor Clavijo”. No dejó claro con que intenciones estaba el Presidente preparando el catre, aunque la percepción general de sus señorías fue que Clavijo es un hombre muy familiar y que debería referirse a alguna cuestión doméstica desdibujada por la falta de vista que sufre la socialdemocracia. Josefa Luzardo, sin que Soria le echara una mano, manifestó que la consejera “vive en otro mundo”, aunque no concretó si se refería al Caribe y los paraísos fiscales o a otro barrio lejano a La Minilla. No obstante, fue contundente al afirmar que María Teresa Hernández “se ha cargado el Festival” y ha dilapidado los casi 2 millones de euros, que sí se han quedado en este mundo pero en otras manos. Juan Márquez, de Podemos, valoró “el giro a las nuevas tendencias musicales” (?) y, lógicamente, echó la culpa del desastre a “una campaña de desprestigio”, despejando balones a corner. A Márquez, lo mismo que a Nino Díaz, le parece que el Festival de Música de Canarias ha tenido un tono “demasiado conservador”. Por ello, insistió en la necesidad de “abrir el Festival aunque moleste a una minoría”, como queriendo decir sin decirlo pero diciéndolo, que hay que proletarizarlo, lo que más o menos viene a significar acercarlo un poco más a la romería y el asadero ma non troppo. No obstante, si es cierto que en otras ocasiones ha habido 1 millón de euros de déficit, lo que no puede ser no puede ser y además es imposible. El asunto va de melómanos, no de megalómanos. Un Festival de Música que pretenda tener relevancia cuesta dinero y es más que obvio que jamás atraerá público en masa. Masas, las de 1917. Por ello, se construyen auditorios y no campos de fútbol para esos eventos. También es evidente la confusión que tiene el personal que gobierna. Ni la música clásica ni la ópera consiguen milagros ni aparicionaes marianas como las de Pitita Ridruejo. Menos, en Canarias. Son espectáculos minoritarios, claro, pero ese supuesto elitismo no procede de una ideología conservadora, derechosa o ultra. Procede de la falta de cultura de la población, que, mayoritariamente, opta por gastarse el dinero en otro tipo de música para mover esqueleto, tomarse los cubatas, las pastillas y soplarse los canutos. Así de claro. Antes ya me referí a la Gala Drag del Carnaval y nada quiero decir de la gran Cabalgata del Orgullo Gay de Maspalomas. La confusión raya en la demencia cuando se mezclan el genio artístico con el nacionalismo y la defensa de lo canario. Eso es ya para morirse. En un festival lo que importa es la calidad, no la procedencia del artista. Da igual que sea de Long Island o de Sidney, de Zimbabwe o Tanzania que de Las Lagunetas o Teno. Lo importante es la música que haga y el talento que posea. Las bandas municipales tienen su sitio con el mayor de los decoros. Y un espacio muy importante. Pero ese lugar no es el Festival de Música de Canarias. No. Una vez más, el rejo de siempre. Ombliguismo y cortedad de miras. Provincianismo lumpen involutivo. El camino de lo que llaman tendenciosamente democratización de la cultura a menudo acaba con la calidad y el gusto. Al final, suele ser un rollo barato en tono postmodernista al aroma de panem et circenses. No hay que abrir nada, porque las puertas están abiertas y las taquillas, también, sino actuar en dos frentes: educar a la población -ahí duele- y conseguir que económicamente los eventos puedan sostenerse  -ahí también duele-. Lo demás, parole, parole, parole … y euros públicos volatilizados, claro. Por cierto, tampoco estaría nada mal echarle un ojo al Festival de Cine y darle al techo una mano de pintura.

¡Caramba con Clavijo!

No estaba yo en la ultraperificidad cuando Clavijo fue entronado, que estaba en el desierto donde es mucho más fácil encontrarse con un alacrán que con un político profesional. Así que, lo único que había escuchado sobre el actual presidente me lo dijeron una vez en La Laguna: “Es un tío guay peinado palante que va siempre con mochila”. Pues bien. Cuando dejé las arenas temporalmente para venirme al asfalto, advertí que habían desaparecido los alacranes pero abundaban los ruídos, las cucarachas y los políticos. Ocupado en otras cosas, tampoco hice demasiado esfuerzo para saber quién era quién. Dejé que el tiempo se tomara su tiempo y me fuera enseñando lo que debería saber. Y ya que escribía, comencé a leer lo que escribían otros a mi lado, por aquello de que la experiencia vicaria es importante. Estos últimos días han sido reveladores y desveladores. De modo que, con la pantalla delante, leo tres sumarios y un disparate: 1) “Fernando Clavijo sigue empeñado en presidir Canarias situado a medio camino entre el medianero del poder caciquil tradicional y el indocumentado alcalde pedáneo”. 2) “Sus brindis políticos lo delatan: cambiar el modelo económico con 160 millones al año; captar inversiones arrasando el territorio con su Ley del Suelo, y atraer turistas americanos gracias a las burradas de Trump”. 3) “Su obsesión por controlar a la prensa lo acerca peligrosamente a los manejos de Soria. Es el director en la sombra de Radiotelevisión Canaria, y específicamente del programa El Foco”. El disparate: “Resulta desolador leer que a Fernando Clavijo le parece que la política de migración de Donald Trump, o por ser más concretos, su enfrentamiento directo con México, puede abrir una ventana de oportunidad a Canarias para captar al turista estadounidense que veranea en la Riviera Maya, en Cancún, en Puerto Vallarta o en Punta Cana o Costa Rica”. Es elemental que no estamos ante un curriculum espectacular y la idea de traer norteamericanos arrancados de México lindo es una aportación oligofrénica a la industria del turismo de masas. Tómate esta botella conmigo y en el último trago nos vamos. ¿Recuerdan cómo unos enviados de Canarias -100 nada menos- se pasearon en calzoncillos por las playas de Islandia y a los 10 minutos hubo que doblar el servicio de guaguas y añadir geisers a nuestro mobiliario urbano, ante la brutal afluencia de seres de aquel país en quiebra? Tremendo. Al leer lo expuesto, me temo muy mucho que el flequillo de Clavijo haya sido pasto de las llamas como si se hubiera peinado con Sosa cáustica en vez de con loción Varon Dandy.

¿Iba aquedarme sólo con eso?¿Iba a dejar las cosas así? En absoluto. Alumbrado por las mataperrerías en Coalición Canaria, el gobierno en minoría con Antona en el alféizar de la ventana y los 30 años del nacionalismo oficial al frente del Gobierno autónomo, no quedaba otro remedio que volver al surrealismo o realismo del Sur de Europa. Y en ello me encontraba, caminando documentos, cuando encuentro el siguiente texto, publicado en el periódico El País por el periodista Diego Talavera el martes, 17 de octubre de 1978: “La casi totalidad del aparato de organización del Movimiento para la Autodeterminación e Independencia del Archipiélago Canario (MPAIAC) ha sido desarticulado en la provincia de Tenerife. (…) Como consecuencia de lentas y laboriosas investigaciones, el pasado día 10 se montó un servicio que dio como resultado la detención de un vehículo furgoneta en las inmediaciones del aeropuerto de Los Rodeos que iba conducido por Gregorio Pérez Padilla. En el interior del vehículo fueron encontrados, camuflados bajo el asiento delantero derecho, seis cartuchos de goma-2, dos detonadores ,eléctricos y un reloj preparado para conectarlo al explosivo. Por su forma característica, el artefacto era similar a los que han sido desactivados en diversos puntos de la isla de Tenerife. Pérez Padilla fue detenido en abril de este mismo año y puesto a disposición judicial por habérsele encontrado en su poder la casi totalidad del aparato de propaganda del MPAIAC. Tras once días en prisión fue puesto en libertad bajo fianza. Como consecuencia de las investigaciones, la Guardia Civil detuvo el mismo día a Pedro Ezequiel Trujillo, presunto cómplice del anterior en la tenencia de los explosivos, como perteneciente al mencionado movimiento independentista. Asimismo fue detenido tres días después, como resultado de las gestiones de la Guardia Civil, Fernando Clavijo Redondo, en su domicilio de La Laguna. En el momento de su detención y al notar la presencia de miembros de la Guardia Civil, intentó huir por la parte posterior del edificio con una pistola cargada y con un cargador de reserva que contenía ocho cartuchos. Fernando Clavijo, que se entregó, al verse rodeado, sin oponer resistencia, está reclamado por la Audiencia Nacional como presunto autor de la colocación de artefactos explosivos”. No lo sabía, pero aquel Fernando Clavijo Redondo era el padre del actual presidente de Canarias quién, más manso, de momento sólo se ha dedicado al kárate con notable éxito, tras captarlo Elfidio Alonso para el nacionalismo ático, no sé si al cordaje de timples, guitarras o bandurrias. Tenerife, qué añoranza, cuando pienso en los amores que oculté yo en tu Esperanza.

La liturgia del sinsentido

Un positivista diría que es preciso hacer el cesto con los mimbres que tenemos. Yo me inclino más por ir a buscar mimbres de mejor calidad y, mientras, llevar decentemente las cosas en un cartucho, ese saco de papel donde ya sólo se ponen los churros y los productos de las mejores panaderías. Es más, aún más, más allá iría y diría que ni siquiera hay mimbres para cestos sino bolsas de plástico. La observación rigurosa de la ficción que disfrutamos, asumiendo como normal nuestra imagen distorsionada por los espejos cóncavos y convexos, sólo puede tener como antiséptico la cultura y el pensamiento. Por ello y de ello, al escudriñar el entorno que habitamos, llevando la vista más allá de los horizontes y los muros, surgió el título de esta Taberna del Puerto desde donde miro la mar: El Festival de Música confirma que Mozart era lesbiano. Sólo el surrealismo, la creación o la locura pueden tener respuesta para la ignorancia, la manipulación y el caos. Mozart era picarón y los críticos musicales reconocen la importancia del erotismo en sus composiciones más importantes. Entre ellas, las óperas Las Bodas de Fígaro, Don Giovanni y Cosi Fan Tutte. Pero no era un libertino. Al contrario, sus amores fueron platónicos, se casó con la hermana de la mujer a quién amaba y, finalmente, acabó su vida acosado por las deudas. No. Mozart nunca fue lesbiano.

Epílogo

El Fary, desde el más allá, declina actuar en el próximo XXXIV Festival de Música de Canarias si no viene Herbert Von Karajan.

La Unión Musical ofrecerá este sábado un “concierto de cine” en el Teatro Municipal de Tomelloso (Ciudad Real) en el que la solista Irene López será la figura principal, en una cita que también protagonizarán el cine y la solidaridad. Se trata de una cita para los amantes de la música clásica en la que se interpretarán primero piezas de Mozart y posteriormente girará en torno al séptimo arte.

Así, la segunda parte girará en torno a la música en el cine, en un concierto que por primera vez la Unión Musical apoyará en proyecciones alusivas a las piezas que interpretarán. Entre las mismas se encuentran el tema principal de “Lo imposible”, una selección de “Willow”, la música de “Final Fantasy” y “Avatar”.

El concejal de Cultura, Raúl Zatón, ha alabado la figura de Irene López Serna, explicando que Tomelloso, aunque siempre recuerda a los grandes de la pintura y la literatura, también cuenta con unos excelentes músicos. También ha adelantado que será un concierto benéfico: la Unión Musical ha contado con Cáritas para recoger alimentos no perecederos y ofrecérselos a quienes más lo necesitan. El concierto será gratuito y a cambio, los asistentes podrán colaborar con esta causa solidaria.

Zatón ha resaltado que el compromiso del Ayuntamiento con la música es claro, ya que sin su apoyo y el de las empresas patrocinadoras es muy difícil sacar adelante proyectos de este tipo. El concejal ha animado a los ciudadanos a asistir a un gran Concierto de Primavera de la Unión Musical y a colaborar con la causa solidaria propuesta asistiendo con alimentos no perecederos.

El compositor Aribert Reimann después de escuchar a un joven pianista y compositor turco expresó lacónico: “Este chico toca como un demonio”. Reimann se refería a Fazil Say, hijo de Ahmed Say, reconocido musicólogo y escritor otomano. Años después el vástago se ha convertido en un músico reconocido internacionalmente.

Say actúa este martes en el Palau de la Música. Acompañado de la Camerata Salzburgo, interpretarán un programa musical donde se incluyen dos obras de Wolfgang Amadeus Mozart y otras dos del mismo Say. Durante el concierto, el público podrá escuchar el Concierto nº 12 y la Sinfonía nº 29 de Mozart. También de Silk Road para piano y la Sinfonía de cámara del compuesta por el músico turco.

Con ello, el Palau de la Música apuesta por un espectáculo musical completamente original. De hecho, la crítica califica de distintos, directos y emocionales sus conciertos. Tanto, que muchos creen que llega al corazón. No en vano, grabaciones con obras de Bach, Mozart, Beethoven, Gershwin y Stravinsky recibieron elogios de la crítica y fueron premiadas, obteniendo entre otros, tres premios Echo Klassik.

En 1987, Say empezó a explorar sus habilidades como pianista clásico. Y desde entonces ha colaborado con las orquestas y los directores más famosos internacionales. Su repertorio más habitual comprende a Bach; los clásicos vieneses de Haydn, Mozart y Beethoven; los compositores románticos; y la música contemporánea. Y, además, incluyendo sus propias composiciones para piano. Durante unas horas, los espectadores del Palau de la Música podrán disfrutar de una pincelada de su repertorio.

Toledo recuperará para este año algunos de los eventos musicales más importantes en torno a la música clásica. Las batallas de órganos vuelven en 2015 de la mano de algunos de los mejores organistas del mundo con un emplazamiento único como es la propia Catedral Primada de la ciudad que además recuperará la tradicional 'matraca' de la torre del edificio en un concierto único el 9 de mayo.

El festival de música El Greco vuelve a celebrarse en la ciudad tras el gran éxito de los eventos del año anterior, cuando coincidió con el aniversario de la muerte del pintor. La buena acogida de los actos han hecho que esta conmemoración al inmortal pintor, en forma de música clásica, no quede solo en 2014 sino que se prolongue para dar cabida a otro evento cultural en la ciudad que además ha registrado una gran entrada en sus tres primeros conciertos ya celebrados. La semana pasada Albert Recasens dirigía en la catedral una obra de 'La Grande Chapelle' sobre la obra de Sebastián Durón.

En mayo llegan los grandes eventos de este festival que se desarrollará en dos partes, una desde abril hasta junio y otra en el mes de octubre. A las tres batallas de órganos del año pasado se le suman otras tres el próximo mes, los días 16, 23 y 30 de mayo en la catedral. Los encargados además de participar serán algunos de los mejores organistas del mundo caso de la japonesa Atsuko Takano, Vincent Dubois, Paolo Oreni, Patrizia Salvini, Thierry Escaich, Wolfgang Seifen, Baptiste Florian Marle-Ovrard, Marc Pinardel o Pablo Márquez Caraballo, un evento que se recuperó el año pasado con gran éxito de crítica y público.

El fin de semana anterior a las batallas de órganos, se recupera el sonido de la 'matraca' de la catedral. Más de cien años lleva parada en el campanario de la catedral y es uno de los pocos edificios de toda España que aún conserva el sonido, además en condiciones de utilizarse tras ser restaurada. Tradicionalmente se utilizaba para llamar a los fieles a los oficios de Viernes Santo y a la Vigilia Pascual de la Semana Santa, días en el que las campanas dejaban de tañer. Está colocado en el pináculo más alto de la torre de la catedral.

La obra elegida para que este instrumento vuelva a sonar en Toledo es el 'Exultate Jubilate' de Mozart que interpretará la Orquesta Barroca Nereydas dirigida por Javier Illán.

La segunda parte del festival, en el mes de octubre, será dedicada a los instrumentos de cuerda con obras que abren Toledo a las diferentes culturas que ha albergado. La música sefardí y los solistas de violonchelo, violín o viola de teclas tendrán su lugar en San Pedro Mártir durante ese mes, con interpretaciones de Ana Alcaide, Alfonso Aldeanueva y Karolina Stizcen. También tendrá su lugar en el festival otras músicas como por ejemplo el gospel, traído por la Compañía de Ópera sudafricana de Ciudad del Cabo el 13 de junio.

El evento tampoco se olvida de los artistas toledanos a los que ha querido darles un especial empuje en esta edición del festival. Junto a la recuperación de la matraca y las batallas de órganos, el apoyo de los artistas locales es el otro punto donde se cimenta este festival que lleva camino de quedarse en la agenda toledana para los próximos años.

El Teatro Circo de Marte de Santa Cruz de La Palma acoge este sábado a la compañía catalana Dei Furbi con La flauta mágica, una adaptación libre y muy original de la ópera de Mozart que fue galardonada el pasado año con el premio Max al mejor espectáculo musical, informa el Ayuntamiento en una nota de prensa. La función dará comienzo a las 20:30 horas y el precio de las entradas es de 12 euros para todo el aforo.

La divertida propuesta de Dei Furbi prescinde de la música instrumental para trabajar sólo con la voz cantada o hablada: la música de Mozart se interpreta a capella creando polifonías y recitando el texto de manera que se le otorga una calidad musical y creando una versión hermosa, original y muy movida.

Es una combinación de teatro y música en la que el espacio escénico se resuelve a partir de la síntesis de la ópera de Mozart. En esta adaptación, además, se utilizan fragmentos que se acostumbran a suprimir casi siempre en las representaciones de la obra. Los actores, bajo la dirección de Gemma Beltran, multiplican sus papeles en un divertido ejercicio interpretativo.

La flauta mágica es una gran ficción simbólica que culmina en un himno de fraternidad universal. Mozart expresa de forma precisa que gracias al poder de la música los personajes podrán atravesar alegres la oscura noche del miedo. Esta es la idea con la que la compañía Dei Furbi sintetiza la obra de Mozart y que escoge como hilo conductor. La compañía ha salpimentado el conjunto con una gran dosis de humor que hace que este montaje de calidad sea también altamente recomendable para aquellos grandes amantes de la broma y la diversión.

El concejal de Cultura de Santa Cruz de La Palma, Zacarías Gómez, recuerda que con esta función da comienzo en el Teatro Circo de Marte la segunda edición del programa Platea, puesto en marcha por el Ministerio de Cultura “que nos permitirá disfrutar en la Isla de espectáculos de un grandísimo nivel artístico reconocido por el público y la crítica, como esta Flauta mágica, que nos llega con la garantía de haber sido reconocido como mejor espectáculo musical en los Premios Max, el equivalente de los premios Goya en el ámbito escénico en nuestro país”.

Mozart y Schubert protagonizan el concierto que ofrecerán Les Musiciens du Louvre en el XXXI Festival de Música de Canarias mañana miércoles, 4 de febrero, en el Auditorio de Tenerife. Dirigidos por su fundador, Mark Minkowski, deleitarán al público con los conciertos para piano y orquesta, y violín y orquesta, de Mozart, con la participación como solistas de Francesco Corti al piano y Thibault Noally al violín.

La velada se cerrará con la Sinfonía nº 8 Grande de Schubert. Fundado en 1982 por el propio Minkowski, Les Musiciens du Louvre infunde aires nuevos a los repertorios barroco, clásico y romántico, interpretados con instrumentos de época. Durante los últimos 30 años, la orquesta ha acaparado la atención con sus aplaudidas representaciones de obras de Handel, Purcell y Rameau, además de Haydn y Mozart y, más recientemente, de Bach y Schubert.

Marc Minkowski comenzó a dirigir, siendo muy joven, bajo la tutela de Charles Bruck y en la Escuela Pierre Monteux Memorial en EE UU. A los 19 años fundó Les Musiciens du Louvre, un ensemble que ha jugado un papel muy activo en el renacer de la música barroca, y juntos han explorado especialmente el repertorio francés. Ha sido director musical de Sinfonia Varsovia desde 2008, y es además invitado habitual de orquestas como la Staatskapelle de Dresde, la Filarmónica de Berlín, la Deutsche Sinfonie Orchestra de Berlín, las principales orquestas de Munich, la Sinfónica de Viena, la Orquesta del Mozarteum, la Orquesta de Cleveland, la Mahler Chamber Orchestra, la Swedish Radio Orchestra, la Orchestra National du Capitole de Toulouse, la Orquesta de la BBC y Orquesta del Teatro Mariinsky de San Petersburgo.

Para Minkowski, la música no puede sufrirse y tampoco disfrutarse en soledad, ya que “Es un acto de comunión”. Su interés reside en generar atmósferas y en evocar emociones estando al servicio de los músicos y de la partitura. Les Musiciens du Louvre son en su mayoría jóvenes y predomina su personalidad francesa aunque cuentan con músicos de 12 y a veces hasta de 15 nacionalidades.

La obra de Mozart abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones. La de Schubert, más de 1500. Los dos comparten país de nacimiento, penurias y muerte temprana. Mozart gozó en vida de más popularidad, mientras que Schubert, excepto en el terreno del lied, ha logrado el reconocimiento universal sólo después de muerto. En este programa se interpretan de Mozart dos obras en la misma tonalidad y de Schubert su sinfonía mas representativa, La grande.