El paseo marítimo Antonio Banderas de Málaga ha sumado este sábado un nuevo monolito a su colección de homenajeados, el de la actriz Carmen Machi, quien este sábado recoge el Premio Málaga-SUR del Festival de Cine de la capital costasoñela. Con este monolito, el festival rinde homenaje a su trayectoria como intérprete de cine, televisión y teatro, una carrera a la que ha dedicado más de tres décadas.

“Nunca he entendido por qué hay que tener miedo a que te llamen para papeles cómicos”, ha planteado la intérprete en un encuentro con la prensa, en el que ha asegurado que se le hace “un poco raro” que alguien pueda tener miedo a que le llamen para trabajar: “Se tiene que tener miedo a no tener para comer”, ha asegurado.

Para la intérprete, que se hizo célebre con papeles como el de Aída García en las series televisivas Siete vidas y Aída, el encasillamiento en roles de este tipo es algo “que se percibe más desde fuera” y que, en cualquier caso, “no es nada negativo”: “En mi caso, ni por asomo se me ha pasado por la cabeza”, ha zanjado.

“He tenido la suerte de hacer personajes muy cercanos y mucha gente se siente identificada, lo comprende”, ha valorado Machi, que ha asegurado que no deja de ser “sorprendente” y “fuerte” recibir tanto amor del público: “La gente llega a creer que tú eres como el personaje, pero ellos son mucho más majos”.

La “fantasía” de hacer terror

El director del festival malagueño, Juan Antonio Vigar, ha incidido en ese idilio entre la actriz y el público durante la presentación, en la que ha resaltado que el anuncio del reconocimiento honorífico a Carmen Machi levantó la “unanimidad más absoluta” entre la audiencia. “Eres muy querida”, le ha expresado Vigar.

“La popularidad la da la televisión, esa manera de entrar en las casas”, ha reflexionado Carmen Machi, que también ha hecho hincapié en el fenómeno que fue la película Ocho apellidos vascos, por la que ganó el Premio Goya a Mejor actriz de reparto en 2014.

La intérprete ha matizado que no ha hecho “tanta televisión como parece”, sino que las dos series en las que interpretó a Aída García fueron muy populares. Ella, que ha señalado a actrices clásicas como Greta Garbo como referente, ha asegurado que es el teatro el formato que le conecta “con la realidad y la vida”.

“Los grandes textos de altos vuelos y los personajes por excelencia están en el teatro. En ese sentido estoy muy bien alimentada, así que no echo de menos ningún personaje”, ha dicho. Con todo, ha dejado un cebo para el director que quiera tomar el guante: “Creo que he tocado todo los palos, pero me encantaría hacer terror a saco. Es la fantasía elevada al máximo”.

En un contexto donde cada vez es más difícil hacer que alguien pague una entrada de cine para ver una película, los productores buscan apuestas con bases sólidas para atraer al espectador. Es por ello que en Hollywood no paran de rescatar éxitos del pasado y de explotar franquicias; o de buscar best sellers con un fenómeno fan grande que quiera acudir a ver cómo trasladan esas páginas al cine; como ha sido el reciente caso de Romper el círculo, una de las grandes sorpresas en la taquilla de este año.

En el cine español no es tan fácil. No existen franquicias más allá de las creadas por Santiago Segura con sus comedias familiares (igual que antes hiciera con Torrente) y algunos exitazos animados como Tadeo Jones. También se adaptan novelas de éxito, sin embargo, ese flujo no es tan habitual entre el cine y el teatro. Mientras que en EEUU este año se espera con ansia la adaptación del musical Wicked, aquí no es tan habitual ver cómo los fenómenos de los teatros españoles saltan a la gran pantalla. 

Hubo un pequeño bum con obras del Teatro del Barrio que se convirtieron en filmes políticos de bajo presupuesto como B (que adaptaba la obra Ruz-Bárcenas) o El rey. Quizás la más popular fuera la adaptación de La llamada, la obra musical que colocó a Los Javis en el foco de la industria y que ellos mismos adaptaron en su debut en el largometraje. Pero más allá de eso y de clásicos como Lorca, que de vez en cuando regresa en forma de versiones como la que hizo Paula Ortiz en La novia ―adaptación de Bodas de sangre―, no hay mucho más.

Por eso sorprende que diez años después de su éxito llegue en forma de película la adaptación de un fenómeno que sorprendió a todos en 2013. Se llamaba Verano en diciembre, ya había ganado el premio Calderón de la Barca el curso anterior y ese mismo año se estrenó. El boca a oreja hizo su efecto y logró convertirse en un éxito que se materializó en una nominación a los premios Max de 2014 en la categoría de Autoría revelación y una gira masiva que llevó la obra a regresar al Centro Dramático Nacional en 2016 y se alargó hasta 2020.

En su salto lo hace con la misma directora, Carolina África, y un reparto que junta a las mejores actrices forjadas en el teatro y luego en el cine: Carmen Machi, Bárbara Lennie, Victoria Luengo, Irene Escolar y dos presencias que harán que los que vieran la obra se sientan como en la silla del teatro. La primera, la de Lola Cordón, la entrañable abuela que repite el mismo papel. La segunda, la de Beatriz Grimaldos, que debuta en el cine con el papel de Alicia. Ella no estaba en la obra original, pero sí en su secuela, porque el éxito teatral de Verano en diciembre provocó una continuación llamada Otoño en abril donde Grimaldos interpretó ya este personaje. 

A pesar de llegar 10 años después de su estreno, esa tardanza solo ha sido provocada por el éxito de la propia función. “Fue en pandemia cuando Chema de la Peña, un director con el que yo había trabajado como guionista, y al que invité a una de esas funciones me citó en un bar y me dijo: ‘Oye, aquí hay una película’. Como en ese momento se paró el mundo, tuve tiempo de ponerme con ello. El proceso de levantar la película comenzó con la escritura en pandemia, un año de levantarlo, otro de rodarlo, la posproducción y ahora el estreno. Así que digamos que ha sido relativamente rápido”, explica.

Con una obra tan testada con el público, han podido analizar o al menos intentar entender cuál fue la tecla que emocionó a la gente con esta historia de una familia de barrio. Cuatro generaciones de mujeres, la abuela, la madre, las hijas y una nieta pequeña, que como en toda familia que se precie tienen sus rencillas, secretos y dardos escondidos para sacar en una discusión en torno a la mesa camilla. Beatriz Grimaldos vio la obra varias veces como espectadora, y se sintió interpelada “a muchos niveles”. “Te emocionaba pero sin estrujarte, sin buscarlo, con esa capacidad de bailar entre comedia y drama de una manera mágica. Y sobre todo te conecta con la relación que tengas con tu hermana, con tu madre, con una hija… viajas con ellas”, dice de su recuerdo.

Carolina África la estrenó en teatro con el miedo de que su familia se viera identificada, pero luego se dio cuenta de que todo el mundo veía a su propia familia. “Así funcionan todas las familias, entre el amor, el odio, entre el les quieres, pero no les aguantas”, opina. A través de esa familia también quiso hablar de otros temas como los cuidados, pero “sin querer dar grandes lecciones, buscando en esos pequeños detalles donde arde la inmensidad”. “Me parece muy difícil hablar de temas muy grandes si no es desde lo pequeño. Tú puedes entender una guerra civil en una pelea de dos hermanos y me parece que ahí es donde se puede hacer. Yo, por lo menos, con mi más o menos talento, creo que necesito ir desde lo pequeñito, desde aquello que soy capaz de observar y trasladarlo al espectador con honestidad. No quiero ponerme por encima del espectador, sino ir a ese pequeño detalle que lo marca todo”, analiza.

Cosas que nacen de la observación de su familia y de la gente que ha conocido en barrios como los que muestra la película, ya que ella vive en las mismas calles donde por ejemplo se rodó el final del filme. O las del barrio de Alcorcón donde se crio. O el pueblo de La Iglesuela del Tuétar de donde vino su familia. “Hay algo en la humildad del barrio. Son personas muy reales y eso hay veces que no está en la ficción, o que está estetizado. Para mí era muy importante que la casa fuera una casa real. Se barajó hacerlo en un plató, y yo dije que no, que tenía que ser de verdad. Supongo que hay algo de que yo vengo de ahí, y he trasladado lo que yo he sentido. No de una forma premeditada, sino que hablo de lo que conozco”, apunta la realizadora.

Grimaldos hace hincapié en esas casas que se sienten vividas, no como las de muchas series y películas actuales: “Estoy muy cansada de ver la casa de un personaje que es un profesor y es un pedazo de mansión con un ventanal con vistas al mar. Un maestro que no se puede permitir esto y de repente ahí lo ves. Carolina se ha llevado, además, el rodaje a las localizaciones de su barrio, y eso es muy bonito. En ese columpio se columpian sus hijos, esa es su panadería… me gusta ver en una película que reconoces un barrio, y es más fácil reconocerte ahí”.

En Verano en diciembre todas las mujeres intentan encontrar su propio lugar, pero todas se ven atravesadas por problemas que atañen a todas las mujeres. Ven cómo los cuidados recaen en ellas y nadie más que en ellas. Ya sea el de la abuela o el de la hija del personaje de Bárbara Lennie, como la realizadora subraya en una hermosa escena que une ambas actividades en un montaje paralelo. “Los cuidados mayoritariamente recaen socialmente sobre las mujeres, pero creo que sí que se ve que las nuevas generaciones han dado un paso, porque el personaje de Carmen Machi asume que la tarea del cuidado recae en ella, y no quiere ni delegar en una residencia, aunque luego ella le pide a Dios que no haya que cuidarla, porque sabe el sacrificio que supone”, explica.

Muestra el cuidado como “algo muy duro y muy difícil”, y pide que se reivindique “un espacio para cuidarte a ti mismo, no solamente cuidar a otros”. Aunque también en la forma en que se cuidan esas hermanas hay una red de ayudas que las hace sobrevivir, “un debate muy profundo en torno a los cuidados que va más allá del cuidado a la abuela, porque eso es algo que vertebra las relaciones entre ellas de manera intergeneracional”.

Potes celebra este fin de semana la Fiesta del Orujo, declarada de Interés Turístico Regional y Nacional, con la actriz Carmen Machi como embajadora.

La fiesta ha comenzado el sábado con la recepción de Machi y por la tarde la actriz ha sido proclamada Orujera Mayor 2023, en un acto en la Plaza de la Serna ante cientos de personas.

Machi se ha mostrado “profundamente agradecida” de recibir el título de Orujera Mayor 2023 y “abrumada” por el cariño recibido y por una distinción que, según ha confesado, le llena de emoción, más aún por ser Liébana la tierra natal de su madre -Peñarrubia, concretamente- y donde guarda muchos recuerdos de su infancia.

Según ha dejado escrito en el Libro de Honor de la fiesta, “representar el orujo es un privilegio, pues es el mejor vehículo para una buena digestión y una buena sobremesa”.

Por su parte, la presidenta de Cantabria, María José Sáenz de Buruaga, ha destacado la “inmensa proyección” que la actriz va a dar a Liébana en su calidad de embajadora.

Buruaga ha agradecido a Machi que haya aceptado la distinción que le concede una tierra que “conoce bien”, gracias a sus vinculaciones familiares con Peñarrubia.

Asimismo, ha destacado su “prolífica” trayectoria en el mundo del cine, el teatro y la televisión, y su capacidad para hacer la vida “más fácil y llevadera” a los españoles a través de los papeles que interpreta.

Del mismo modo, ha reconocido el esfuerzo tanto del Ayuntamiento de Potes como de las cofradías de la comarca para que esta Fiesta del Orujo sea cada año “más grande, más participativa y con mayor impacto” y ha comprometido la continuidad del apoyo del Gobierno cántabro.

Asimismo, ha elogiado las bondades de Liébana, “una tierra inmensa en la que te atrapa la mesa y el mantel, el paisaje, la cultura, la historia y, sobre todo, con su gente”.

Además, en tono irónico, ha realizado un símil entre los difíciles accesos a la comarca y sus múltiples encantos: “Si llegar a Liébana es complicado, salir lo es todavía más”, ha dicho. Finalmente, ha deseado a todos los presentes una feliz Fiesta del Orujo 2023.

Por su parte, el alcalde de Potes, Javier Gómez; ha agradecido igualmente a Machi que haya aceptado este título para promocionar un producto “conocido y reconocido nacional e internacionalmente como uno de los mejores del mundo, si no el mejor”, motivo por el que ha llamado a aunar esfuerzos para conseguir la calificación de Fiesta de Interés Turístico Internacional.

Además, ha aplaudido la colaboración de la Cofradía del Aguardiente de Orujo y los Vinos de Liébana y del resto de asociaciones gastronómicas, así como su compromiso con la promoción de los productos lebaniegos.

De forma previa a la proclamación, la presidenta Buruaga y el resto de autoridades han participado en el tradicional desfile de la Orujera Mayor por las calles de Potes, en compañía de la Cofradía del Orujo y de otras agrupaciones gastronómicas y folclóricas.

Al término del acto, la comitiva ha presenciado el encendido de la alquitara en la caseta del Ayuntamiento de Potes y ha visitado las casetas de las siete empresas orujeras que participan en la celebración: Martínez de Cos, Marrubio, Picos de Cabariezo, Valle de Bedoya, Mariano Camacho, El Coterón y Sierra del Oso.

La popular actriz se inició en el mundo de la comedia casi por casualidad, cuando consiguió entrar como suplente del reparto original de 5mujeres.com. Su debut teatral le permitió compartir escenario con actrices como Pilar Bardem, Beatriz Carvajal o Carmen Machi: “Trabajar con Machi es un deporte de alto riesgo”.

Nacida en Torrevieja (Alicante), tenía pensado ser periodista cuando se licenció en la universidad. Cuando vino a Madrid empezó a colaborar en televisión y en el mundo de la moda. Poco después comenzó a conseguir papeles en populares series de los 90, como Policías o Compañeros. Sin embargo, un giro del destino la llevó a introducirse en el mundo de los monólogos trabajando con el equipo de El club de la comedia. Se enroló en 2002 en uno de los primeros grandes éxitos de espectáculo de monólogos en España: 5mujeres.com. Aún recuerda aquellos años.

¿Cómo te diste cuenta de que eras graciosa?

Yo me di cuenta de que tenía capacidad de hacer reír por mi madre. Porque mi madre no era una mujer con un gran sentido del humor, pero cuando dabas en el blanco se reía de una manera absolutamente contagiosa y además nos la contagiaba a todos y yo era especialista en casa en hacerla reír. Después de ella estaba toda mi familia, hacía reír a mi padre, hacía reír a mi hermana, a mis sobrinos, a todos.

Y en el colegio o en la adolescencia, ¿también eras conocida como la divertida del grupo?

En el cole, no. Sé que hay muchos que lo descubren en el cole. Yo para nada, al contrario. Las había mucho más graciosas. En la adolescencia, cuando empecé a salir un poco por la noche, como con 17 años, me di cuenta de que estaba contando una historia muy cotidiana, muy de El club de la comedia, muy de: “Venía para acá y no sabéis lo que me ha pasado” y había carcajadas. Fue entonces cuando pensé: “Pues oye, a ver si es que voy a tener mi gracia”.

¿Y cómo diste el paso de ver que funcionaba con los amigos a pensar que podías ser profesional?

Ese paso ocurre en una especie de carambola maravillosa de la vida en la que Ana Rivas y José Miguel Contreras confían en mí para hacer 5mujeres.com, a pesar de que yo era totalmente desconocida y el elenco era muy famoso y muy prestigioso. Tuve la suerte de entrar en un sitio donde me puedo fijar en cinco cómicas brutales que sabían hacer las cosas y fue increíble. A la vez yo era la cover, que quiere decir que cuando una se pone mala, ahí apareces tú como sustituta. Así que yo me sabía todos los monólogos junto con Marta Fernández de Vega. Marta y yo hacíamos la presentación del espectáculo y éramos cover.

¿Tuviste que subir muchas veces a escena como suplente?

Empecé a subirme al escenario cuando alguna fallaba porque estaba malita o tenía rodaje, y la cosa funcionaba. Recuerdo la primera vez que hice el monólogo, que funcionó muy bien y, cuando entré, me dijo Beatriz Carvajal: “¡Ven aquí, bonita! No te puedes mover a esa velocidad por el escenario. Quédate clavada. Mañana cuando hagas el monólogo te quedas en el centro y clavada. Yo le dije que vale. Tan clavada me quedé que, cuando acabé, me dijo Beatriz: ”Te puedes mover un poquito, hija, que todo te lo tomas al pie de la letra“. He estado con gente con la que he aprendido un montón.

¿Cuánto tiempo estuviste haciendo 5mujeres.com?

Fue un súper aprendizaje porque, además, 5mujeres.com estuvo dos años en Madrid más dos de gira. Ya está. Un súper máster. Fue increíble y me di cuenta de que funcionaba. Independientemente de que fuera conocida o no. Al principio había más frialdad. “¿Quién es esta?”, decía la gente cuando salía a escena. Recuerdo un día en el que salí al escenario y había dos señoras en la primera o segunda fila. Yo tengo oído de tísica. Oigo muchísimo y las escucho susurrar. “¿Quién es esta?”, y le contesta la otra: “¡Antonia Dell´Atte!”. Y casi me da un terententén, ahí pensando: “¡Pobre señora, cuando se entere de que ni siquiera soy Antonia Dell´Atte!”.

En 5mujeres.com estaban actrices espectaculares como Pilar Bardem, Beatriz Carvajal, Nuria González o Carmen Machi. ¿Cómo era compartir escenario con ellas?

Recuerdo alguna historia inolvidable con ellas. Por ejemplo, trabajar con Carmen Machi me ha dado muchas alegrías, pero también un ataque de risa que duró ocho minutos encima de un escenario con ella y ninguna de las dos podíamos hablar y ninguna de las dos podíamos respirar.

¿Cómo surgió el ataque de risa?

Empezó porque yo le puse una cara a Carmen y Carmen me puso otra a mí. Ya no recuerdo cómo fue aquello porque el ataque de risa se comió todo lo demás. No recuerdo más, una cara por una cosa que has dicho, otra cara por lo que ella me ha dicho a mí. Pim pam pum y ¡jajá, jajá, jajá!, y ¡joder, joder, joder! ¡Esto se nos va de las manos! Y se nos fue. Además, el público automáticamente se hizo pegatina con nosotras, empatizó con ese ataque de risa y estábamos todos a carcajadas menos la regidora, Alba. Era una mujer menudita, maravillosa, con el pelo corto, con un carácter increíble. La recuerdo mirándonos con la cara de mayor terror de la historia, con cara de: “¡O paráis o tengo que echar el telón!”, pero no podía echar telón. Yo recuerdo que le pasé una botella de agua a una señora de las primeras filas porque se ahogaba de risa. Fue un despropósito absoluto. El teatro Alcázar estaba lleno, con lo cual de esto hay testigos, y seguro que lo recuerdan, cómo no, a día de hoy.

¿Cómo conseguisteis salir del bucle?

La gente empezó a ahogarse de risa y no sabíamos cómo salir de la situación y yo pensaba: “Si no sabe salir Carmen, que es toda una dama de la escena, ¿cómo mierda voy a salir yo?”. ¡Ocho minutos encima de un escenario es la vida entera! No podíamos respirar y, cuando Carmen Machi consiguió parar, fue la primera que pudo decir algo. Respiró, me miró y me dijo: “¡Idiota!”. Todavía fue peor. No supe salir de esa situación. Trabajar con Carmen es una de las mejores cosas que te pueden pasar, pero es un deporte de alto riesgo.

¿Qué es para ti el humor?

Para mí es importante que el humor no hiera porque creo que todos estamos librando una batalla muy dura y cuando el humor hace reír a 20 pero hay dos que no, o uno, a mí me pone mal. Alex O´Dogherty, en su espectáculo Imbécil –así se llama el espectáculo, no es que mi amigo Alex sea imbécil, que también lo es, un poco, afortunadamente, como todos– lo dice muy bien: “Si es una broma es porque nos reímos los dos”. Esto de que me río de ti, pero después me excuso: “¡Tío, que era una broma!”. No. Tío, que era una broma, no, porque a lo mejor has hecho daño, porque a lo mejor has herido. Me parece que el humor es muy amplio y hay ciertas cosas que no se tocan.

¿Dónde está el límite?

Yo no lo sé. Me parece que cada uno debe tener su límite personal y moral. Yo lo tengo. Y hay cosas de las que no me río y cosas con las que no intento hacer humor. Pero no seré yo la que le diga a otro cómo tiene que usar su humor. Cada uno es libre. El libre albedrío a mí me parece que está muy bien porque le traslada la responsabilidad al que lo ejerce. Yo no quiero ser la policía de lo apropiado. Yo soy policía de lo apropiado para mí y hay cosas de las que yo no me río.

“Esta noche voy a someterme voluntariamente a vuestro juicio a pesar de haber sido condenada de antemano. Pero hoy las palabras que den forma a los hechos serán las mías”. Así comienza Juicio a una zorra, la obra de teatro en la que Carmen Machi da vida a Helena de Troya, personaje que ha pasado a la historia como “la mujer más bella del mundo” y como culpable de la mayor guerra de la Antigüedad. En este monólogo, que estará en el Teatro Pavón Kamikaze de Madrid hasta el 29 de julio, es ella quien toma la palabra, reivindicando su dignidad y la necesidad de revisar quién escribe la historia.

“Nunca fui bella, porque nunca fui amada. Fui deseada, codiciada, raptada, forzada y violada”, denuncia la reina de Esparta. En el texto escrito por Miguel del Arco, Helena de Troya relata en primera persona los abusos sexuales a los que fue sometida desde niña, cuando con tan sólo nueve años quedó embarazada por Teseo, rey de Atenas, teniendo éste 50 años. También se rebela contra su padre, el todopoderoso Zeus, que la concibió tras seducir a Leda, esposa del Rey de Esparta, y la abandonó a su suerte en la Tierra.

Durante una hora y diez minutos, la ganadora del Goya a la Mejor actriz de reparto por su papel en Ocho apellidos vascos en 2014, clava al espectador en la butaca. Su discurso deslenguado, ansioso de justicia, directo, inteligente y valiente resulta desgarradoramente actual. Y duele, remueve y emociona. Por su verdad, por la impotencia que nace de la empatía que genera esta mujer, que sin dar lástima, explica que solamente tomó una decisión en la vida: enamorarse de Paris, príncipe de Troya. Y por ello ha sido denostada, vilipendiada y enjuiciada hasta nuestros días.

“Lo que más me asombra”, reconoce Machi, “es que lo que se cuenta en este monólogo es lo que aparece en los libros de historia. En ellos se define a Helena como la culpable de la guerra de Troya y piensas, ¿cómo no nos ha podido llamar la atención a nadie? Ni siquiera a las mujeres”. En la función se insiste en plantear el interrogante de quién escribe la historia, para instar al público a darse cuenta de las latentes consecuencias que ésto ha tenido.

Miguel del Arco y la aquí protagonista se conocían desde hacía años cuando el primero propuso a la intérprete participar en una sección del Festival de Mérida de 2011. Tras los pases en el certamen, la obra se convirtió en un fenómeno que ahora, seis años después, siguen representando tras haber viajado por España, Latinoamérica o Rusia. Eso sí, de forma discontinua: “Si no, no podría, hay algo en este personaje que me deja destrozada, aunque me purifica”.

¿Por qué Helena de Troya?

Miguel quería que el personaje que hablara fuera un secundario de la historia. Es verdad que es la protagonista de una guerra, pero realmente era muda, nunca habló ni se supo qué pensaba. De hecho, si ves películas en las que sale ella no se pronuncia. Siempre está detrás, callada, guapísima pero sin decir nada.

¿Cómo ha sido darle la voz que no ha tenido durante todos estos siglos?

El director quería a una mujer inteligente, no víctima, fuerte, irónica, que arremete contra Dios, sarcástica, y con sentido del humor. El sentido del humor y la inteligencia se llevan muy bien. Cuando uno es más inteligente gestiona mejor el dolor. Es más capaz de contar su historia hasta el final sin romperse. Aquí ella se ayuda de una pócima que existió de verdad en Egipto, con la que se suponía que se mitigaba el sufrimiento, pero que sería un prozac, un ansiolítico.

¿Cómo se lleva dar vida a la “mujer más bella de la historia”?

Me hizo mucha gracia. Helena es hija de Zeus, semidiosa y por lo tanto inmortal según la mitología. Su eternidad combinada con el deterioro del paso del tiempo hacen que pueda interpretarlo cualquiera. Su belleza física y su edad no son lo realmente importante. Sí era relevante que quien la interpretara a esta Helena no tuviera el canon de belleza establecido.

Es curioso porque nada más empezar la obra lo primero que hace es anunciarse, de espaldas, como Helena de Esparta, la mujer más bella del mundo para, antes de girarse y mirar de frente al público pronunciar: “Esa soy yo”. La gente siempre se ríe. Entonces pregunta: “¿Es que alguno de vosotros es inmune a los estragos del tiempo?”. Ahí lanza el primer corte.

Parece mentira que habiendo pasado tiempo, todo de lo que habla Helena es sumamente actual.

Ocurre al representar tragedias griegas, que alucinas. Es tremendo que seguro que a principio de siglo señalaran lo mismo. Tiene que ver con lo humano. Estamos cargados de todo este tipo de vicios, de negrura. La venganza, la ambición o el odio forman parte de nuestra ser. Y el poder, que tiene que ver estrechamente con lo político, siempre está de por medio.

Los abusos sexuales a los que es sometida no son la parte de su vida más conocida.

A mí me llama mucho la atención que todos hemos leído la historia, no hemos reparado y la hemos dado por buena. No nos hemos dado cuenta de que si es ella quien lo cuenta se te cae el alma a los pies. Fui la primera a la que le pasó. Todos estos hombres me han parecido siempre estupendos y ahora no. Hay una cosa en la figura del héroe que parece que puede hacer lo que le dé la gana y salir corriendo. La historia está escrita por hombres, es real y esa es la prueba.

¿Qué deberíamos aprender de esta ausencia de parte de la historia por haber sido escrita por hombres?

No lo sé, porque resulta inevitable tener la sensación de que va a seguir pasando. Ha de servir para tomar conciencia, pero nos dura muy poco. Hay algo en la supervivencia del ser humano que nos lleva a hacer verdaderas brutalidades, y pienso que es por una cuestión de supervivencia porque sino, no me lo explico. Esta Helena representa la lucha del feminismo contra lo que esta mujer simboliza por la forma en la que se le ha destruido y tapado la boca. La nuestra es la Helena que por fin puede hablar.

Es muy emocionante cuando hemos representado la función en 8 de marzo. Además hay algo en las mujeres de entre setenta y ochenta años que deciden rebelarse en las últimas fases de sus vidas. De repente son capaces de echar en cara muchas cosas. Empatizan con la protagonista, y les viene muy bien. Al final es un poco la misión del teatro: menearte y espabilarte.

Durante el pasaje en el que cuenta cómo fue violada resulta imposible no acordarse del caso de La Manada. Helena en su momento no pudo contarlo, pero en 2018 ha habido una mujer que sí y se ha puesto en duda su acusación. ¿Qué tiene que hacer la mujer para que se la crea?La Manada

No por gritar más alto te van a oír mejor pero desde luego no hay que dejar de hablar para lograr dar visibilidad. Estamos dando pasos muy buenos, siento que hay un impulso que nace del orgullo. En España hemos tenido acontecimientos maravillosos con manifestaciones multitudinarias, por ejemplo. Pero es verdad que se sigue cuestionando a la mujer que habla. A Helena le ampara que los libros de historia cuentan lo mismo que ella, pero nadie se ha preocupado en pensar si ella lo pasó bien o mal. Esto se repite en el caso de la Manada, alegando que la mujer que sufrió el abuso sexual disfrutó.

Tiene que ir directamente ligado a la violencia para que te crean. Eso es lo que habría que cambiar. Una persona no tiene por qué ser torturada, pegada o marcada por fuera. Está marcada por dentro y con eso tendría que servir.

Helena no tuvo a su lado ni a su propio padre, el dios Zeus. ¿Cómo vive su desamparo?

A pesar de que sea un dios muchas personas entienden los reproches hacia el padre natural. El teatro sucede en el momento, aquello que se cuenta está ocurriendo y hace que el espectador lo sienta. Esto llega a aquellos que hayan podido tener crisis con sus padres y con el tiempo sigan teniendo cuentas pendientes.

Pero el reproche va dirigido también a la religión, que manda tan absolutamente en la vida. Por eso los clásicos siempre parecen tan actuales. Sigue ocurriendo. En España vivimos en una sociedad cristiano católica, apostólica y romana. Esta relación entre el poder eclesiástico, el poder político y social te conduce al reproche, a ese dios.

Además, con la palabra Zeus te puedes cagar en su puta madre, con la palabra dios está prohibido. Mira la situación en la que está envuelto Willy Toledo por haberlo dicho, que manda narices. Yo de hecho en una función en el teatro de la Abadía decía “me cago en Dios” y se me prohibió. Fue la primera vez en mi vida que me pasó. Aquí nos cagamos en Zeus, pero aprovechamos y hacemos el pack.

Después de seis años, ¿qué se ha quedado de Helena en Carmen?

Haberla interpretado durante todos estos años de manera discontinua ha sido muy interesante para mí como mujer. Estoy segura de que lo que me moviliza ahora no tiene nada que ver con lo que me movilizaba hace seis años. Tenemos intención de hacer la obra toda la vida. Porque siempre es actual y válida. Miguel y yo siempre imaginamos cómo será cuando tenga 70 años. Al ser eterna da igual que tengamos el personaje y yo. Es un legado que me ha hecho en vida.

Ha comentado que esta obra le destroza pero también le purifica.

Nunca he entrado en trance como me ocurre con Helena de Troya. Este texto me lleva a una catarsis inevitable, cosa que no me ha pasado en ninguno de los trabajos que he hecho, y aquí fue desde la primera representación. Yo utilizo todas mis armas como actriz para hacer creíble el dolor que pasa quien interpreto, pero sin sentirlo yo. Y esta fue una de las primeras veces que no pude. En cada función hay momentos que no sé qué me pasa que no puedo soportarlo y me parto. Soy yo quien llora, me destruye, me da mucha pena. A la vez hay algo en este personaje que es muy sanador. Me duele mucho, una barbaridad, pero también me limpia, me lava y me purifica.

El Teatro de Rojas de Toledo ha dado a conocer a los actores, actrices, autores, directores de escena y espectáculos que han resultado ganadores en la XXVI edición de los Premios Teatro de Rojas, correspondientes al año 2017. Una gala que se celebrará al inicio de la temporada de otoño, previsiblemente a finales de septiembre. 

Estos premios son otorgados por los propios espectadores del Teatro de Rojas cerca de 2.000, que reciben en sus casas la programación y que hacen que estos galardones hayan adquirido, a lo largo de los años, “una gran relevancia en el mundo del teatro”.

La actriz Carmen Machi ha sido premiada como mejor interpretación femenina por 'La autora de las Meninas' y el actor José Luis Gil como mejor interpretación masculina en 'Cyrano de Bergerac'. Alberto Castrillo-Ferrer recibirá el galardón a la mejor dirección escénica también por 'Cyrano de Bergerac' y el premio al mejor texto de autor español vivo recaerá en Ernesto Caballero por 'La autora de las Meninas'.

Como mejor espectáculo de teatro de la temporada, el público ha elegido 'La Ternura', una comedia romántica de aventuras del Teatro de la Ciudad; como mejor espectáculo de danza de la temporada será galardonado 'El lago de los cisnes', del Ballet Nacional Ruso y como mejor espectáculo infantil y familiar 'El guardián de los cuentos', de la  Compañía La Tartana Teatro. Por último el público ha elegido como mejor espectáculo de compañías de Castilla-La Mancha a 'Nabucco' de la Compañía Producciones Telón (Albacete). 

Entre los premiados de anteriores ediciones destacan grandes actores, actrices y directores, tales como: Amparo Rivelles, Lola Herrera, Mari Carrillo, María Isbert, Nuria Espert, Carlos Hipólito, Juan Echanove, Emilio Gutiérrez Caba, Javier Cámara, Helena Pimenta, Adolfo Marsillach, Pilar Miró o José Luis Gómez, entre otros.

“Estamos preparando, como en años anteriores, una gala a la que están invitados todos los premiados y en la que contaremos con unos presentadores de excepción además de con una actuación de cierre de la entrega de premios que dejará dibujada, igual que en los años pasados, una sonrisa en los labios de todos los asistentes”, señala el Teatro de Rojas. Sólo quedaría por anunciar el Premio Especial Teatro de Rojas que será desvelado después del verano. 

Hablamos con una de las grandes actrices de nuestro cine. La recordamos por Aída pero Carmen Machi ha hecho cine, teatro, televisión y lo que se le ponga por delante. Con una vis cómica tremenda y un genio arrebatador, una de las grandes actrices del cine español presenta ahora Thi Mai, rumbo a Vietnam, comedia en la que comparte cartel con Adriana Ozores, Aitana Sánchez Gijón y Dani Rovira.

Y en una nueva entrega de #YoIbextigo, en colaboración con La Marea hablamos de las puertas giratorias de Repsol, una de petroleras más grandes del mundo.

Recuerda que este programa es solo posible gracias a ti. Difúndelo y, si puedes, hazte Productor o Productora de #CarneCruda.

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`La autora de Las Meninas´ es una obra escrita en clave de comedia satírica hacia un futuro “improbable pero real”. Así lo ha señalado la actriz protagonista de la obra, Carmen Machi. Es una función de intriga que va “a despertar el interés, la sorpresa y la diversión del espectador de Toledo”, según el autor y director, Ernesto Caballero.

El Teatro Rojas arranca el XVIII Ciclo de Teatro Contemporáneo con el estreno a nivel “mundial”, según la propia Machi. “Una función que vamos a mostrar solo al pueblo toledano en una ciudad con un patrimonio tan grande”, comenta la actriz. Una obra que plantea un posible futuro en el que una monja copista, a la que da vida Carmen Machi, pierde el juicio y termina creyéndose la pintora más importante de la historia.

El montaje transcurre dentro de un contexto donde la crisis financiera que sacude a Europa obliga al país a desprenderse de una parte de su patrimonio artístico. Por ello, ante la posible venta de `Las Meninas´- famoso cuadro de Diego Velázquez- se le encarga a Ángela, la monja, una réplica exacta de la pintura original. Esto propiciará una radical transformación en su personalidad, según ha explicado el director. Además, Machi subraya que a la protagonista “no le gusta destacar” pero la vida le da “la oportunidad de recuperar la singularidad como ser humano, no solamente formar parte de un grupo”.

Para el autor “es un milagro que haya un encuentro de artistas de este nivel” en esta fábula sobre la vanidad. Mireia Aixalá es la actriz encargada de interpretar a la directora del Museo del Prado y durante la obra vivirá “el conflicto entre lo que está bien y lo que es correcto luchando consigo misma y con Ángela”, explica. Además, entra en acción el actor Francisco Reyes que pone cara al vigilante de seguridad. A este actor, según asegura, lo que más le atrajo del personaje es que anima a la monja a que vaya más allá de hacer una copia y se atreva a mostrarse como artista, es decir, “picar a Ángela para que saque lo que ella tiene dentro”.

`La autora de Las Meninas´ se representará este fin de semana, con la primera función el viernes 17 de febrero a las 20 horas y la siguiente el sábado 18 de febrero con dos funciones, a las 19 y 22 horas respectivamente. La próxima parada, tras pasar por varios municipios, será en Barcelona y cerrará el año en Madrid.

En el episodio 39 de Kinótico charlamos con Carmen Machi, la protagonista de Villaviciosa de al lado. Abordamos su carrera en el teatro, en la televisión... y por supuesto en el cine. También conversamos con Álvaro Cervantes, cabeza de cartel en 1898. Los últimos de Filipinas, y felicitamos a Mercedes Sampietro por su premio Mujer de Cine del Festival de Gijón.

Contenidos del podcast

01:00.- Rueda de prensa de Passengers

04:40.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

09:10.- Entrevista con Mercedes Sampietro por el premio Mujer de Cine del Festival de Gijón

19:20.- Observatorio en Bremen. Hoy, con Janina Pérez Arias, hablamos de Natalie Portman

21:00.- Los estrenos de cine (I). Incluye entrevista con Carmen Machi por Villaviciosa de al lado

41:20.- La burbuja de opinión, con Dani Mantilla, sobre Animales nocturnos

44:00.- La actualidad de las series, con María José Arias

55:45.- Los estrenos de cine (II). Incluye entrevista con Álvaro Cervantes por 1898. Los últimos de Filipinas

Antes de la eclosión de los festivales urbanos en Valencia, por la cabeza de varios integrantes de la Associació Valenciana d'Empreses de Teatre i Circ (Avetid) rondaba una idea. Se trataba de crear un festival que cubriera toda la ciudad de cultura. Que la danza, el teatro, el circo o la música no se limitarán a un barrio a una zona. Querían que toda la capital se impregnara de espectáculos desternillantes, bailes imposibles y notas delirantes. Pero sus sueños se topaban con la incomprensión de las instituciones para llevar adelante el proyecto.

Con el cambio en el Ayuntamiento de Valencia, la Generalitat Valenciana y la Diputación de Valencia ha sido distinto, “tienen otra sensibilidad”, en palabras de Mari Ángeles Fayos, presidenta de Avetid. Y gracias a esa nueva mentalidad el festival proyectado es una realidad. Del 11 al 19 de junio Valencia acogerá 28 estrenos de espectáculos de toda clase en más de treinta espacios escénicos diferentes. La Sala Russafa, el Principal, Las Naves, El Musical, El Escalante o el Rialto serán algunos de los escenarios elegidos para “saciar la sed de hambre cultural que hay en Valencia”, según el director artístico del festival, Salva Bolta.

Denominado Tercera Setmana, en la programación del certamen resalta la pluralidad. Como expresa Bolta “se trataba de apostar por obras consolidadas y exitosas, por nuevas creaciones y también por compañías veteranas, que con la tendencia actual no están de moda”. De esa mezcla por la que suelen apostar la mayoría de los festivales para gozar de éxito, salen espectáculos muy contrastados. 'Eroski paraíso', una producción de los gallegos Chévere -premio nacional de teatro-; 'El minuto del payaso', protagonizado por Luis Bermejo que cosechó el premio nacional de literatura dramática; o 'La respiración', realizada por Veronica Forqué son ejemplos de ello.

Pero las grandes atracciones del festival no terminan ahí. De la mano de Miguel del Arco, hay dos producciones destacadas: 'Hamlet' y 'Juicio a una zorra', una representación a cargo de la popular Carmen Manchi, donde defiende a Helena de Troya. 'Sedientos', de la compañía ilicitana La Ferroviaria, o 'La distancia', de Pablo Messiez -premio max en 2015 a la mejor dirección de escena-, completan una oferta plagada de piezas consolidadas.

“En próximas ediciones queremos que el teatro callejero, el circo y la danza tengan más presencia. Y por eso, apostamos por estos géneros”, ha defendido Bolta. 'El pelat' de Joan Català o la adaptación del clásico de Lope de Vega 'Fuenteovejuna' -a cuya título le ha añadido 'Breve tratado sobre las ovejas domésticas'- realizada por Anna María Ricart -premio max en 2015 a la mejor versión teatral- y representado por la compañía Obskené pueden convertirse en las grandes sorpresas del teatro hecho a pie de calle.

La presencia internacional la pondrán, entre otros, el performer griego Euripides Laskaridis con su espectáculo provocador y divertido 'Relic', y el colectivo de investigación teatral italiano Soterrano con la obra 'Homo ridens'. Vicente Gisbert con su combinación de videoarte y corporalidad en 'Arriba huele a campo'; L'Horta Teatre con 'Liliput'; y el Circo Gran Fele con 'Tren' pondrán la guinda a un festival con un presupuesto de 272.420 euros. De ellos, poco más de 79.000 euros esperan que provengan de lo obtenido en las taquillas. El resto proviene de las ayudas dadas por la Generalitat Valenciana, la Diputación de Valencia y el Ayuntamiento de Valencia.

Jornada de rostros conocidos en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. La muestra que presume no ser “un festival de alfombra roja” sucumbe sin embargo un día cada año al poder de visibilidad mediática y atracción de espectadores que supone ser el marco del estreno mundial de una película como El tiempo de los monstruos, el filme más valiente, arriesgado, extremo y visceral que haya firmado hasta la fecha Félix Sabroso (Los años desnudos, Perdona bonita pero Lucas me quería a mí...). Para empezar, por conseguir un reparto coral (un término gastado pero aquí es cierto que todos los actores ejercen de protagonistas) por el que desfilan Javier Cámara, Candela Peña, Julián López, Secun de la Rosa y Jorge Monje. Actores dotadísimos, que se muestran sin contención, cada uno con su fuerza, su potencia individual y su magnetismo.

Hay que seguir con el hecho de que sea ésta la primera película que Sabroso ha realizado sin su inseparable Dunia Ayaso (con quien comparte todos sus títulos anteriores), fallecida en pleno proceso creativo de El tiempo de los monstruos; para finalizar con un guión medido al milímetro que, sin embargo, fue escrito “en tres semanas”. “En realidad no lo escribí, tuve que dictarlo, casi vomitarlo”, recuerda Sabroso, debido “al estado de ansiedad con el que viví la enfermedad de Dunia y el momento vital al que sabía que me enfrentaba”.

El resultado fue recibido este domingo con aplausos, la sala llena a rebosar y el larguísimo aliento de los amigos de Félix que viajaron a Sevilla y dotaron aún más si cabe a este festival de la atmósfera festiva y colorida que sólo pueden aportar personajes como Bibiana Fernández, Santiago Tabernero, Jimmy Barnatán, David Delfín, Elena Benarroch y Jossie, entre otros.

Aquelarre de amigos para asistir a la proyección de un aquelarre fílmico. El que plantea Félix Sabroso en esta película pirandelliana que, a modo de juego de espejos, coquetea con el clásico concepto estético del cine dentro del cine, los límites entre realidad y ficción, el ser humano y su personaje o el artista ante los procesos de creación. El punto de partida es el siguiente:

Víctor (Javier Cámara), una suerte de cineasta que dice haber rodado algunas películas pero que sin embargo no ha conseguido nunca estrenar, reúne alrededor de su lecho de muerte a sus más fieles colaboradores, con el fin de poner en marcha lo que probablemente sea su obra póstuma. Todos ellos, Candela Peña, Pilar Castro, Julián López, Carmen Machi, Secun de la Rosa, Jorge Monje y Yaël Barnatán, se reúnen en una insólita convivencia dentro de una mansión de inspiración hitchkockiana para sacar a pelear a sus demonios.

“Tardé tres semanas en escribirla, pero era una idea largamente perseguida, la obra que siempre quise contar, pero para la que nunca había encontrado el momento de enfrentarme. Ahora estaba en el momento vital adecuado para hacerla realidad, es una película que responde a un estado de las cosas”, relató ayer a los medios Félix Sabroso, que reconoció que ha realizado un ejercicio de desnudez emocional en este filme por donde se pasean sus referencias cinematográficas (de Hitchkock a Buñuel) y que le ha enseñado a “relacionarme con mis miedos”.

Una película “sin género”

A partir de aquí se sucede un filme que no es una comedia, ni un thriller psicológico, ni un drama, pero que es todas esas cosas a la vez. Que le planteó tantas preguntas a los actores cuando se encerraron en la mansión a rodar como a los espectadores que anoche acudieron a la sala; una película que juega al desconcierto, a que nadie sabe lo que está pasando, al quien es quien o a quien representan. “No voy a alimentar a espectadores malcriados, que hay que guiar de un principio a un final, con todo mascadito, azucarado y digerible para que vengan al cine y no tengan ni que pensar”, reivindicó Sabroso, para quien esta película tiene otros valores “más allá de que se entienda todo o no”. “Querer tener todas las claves, además, me parece muy pretencioso”.

Así lo defendió también Carmen Machi, para quien esta película “sin género” no es más que “cine en estado puro”; o Javier Cámara, que aseguró que más allá del trabajo actoral -aquí insuperable y generoso, en el que cada intérprete aporta luz a su adversario y nunca lo ensombrece-, las películas “son de sus directores, que es el que se tiene que desnudar”.

En este sentido, en esta película delirante y alucinada (que a veces puede darle bocados a títulos tan dispares como 'El ángel exterminador' de Buñuel' o 'Los amigos de Peter'), Félix Sabroso ha sido “un talibán con el guión”, según Candela Peña. ParecE, tras visionar el filme, la única manera de concebir esta película guionizada como una liturgia, como un “decálogo de vida” de su director (Javier Cámara dixit) y, al fin y a la postre, un acto de homenaje a Dunia Ayaso, para quien fueron las emociones finales de una fiesta del cine por el cine.

Cuando el termómetro supera los 40 grados uno siente que se le funden los plomos. El cerebro deja de actuar con toda lógica y en su lugar se imponen los instintos más primarios para poder sobrevivir. Si en invierno la sensación es la del congelamiento de ideas, en verano, en plena ola de calor, lo que se podría montar es una revolución. De hecho, no extraña que muchas guerras comenzaran en esta época estival. A gran escala y a pequeña. En los núcleos familiares y sentimentales. Cuando todo es insoportable, no hay lugar a la diversión, sólo violencia.

Por eso, aquí van una serie de títulos que han jugado con las características menos refrescantes del verano. Una selección para aliviar un poco al lector. Si está malhumorado, no se preocupe, hay personajes que lo han estado mucho más. E, incluso, han llegado a matar.

Agosto, de Tracy Letts

Agosto

Mucho sudor, cansancio y mal genio. Ingredientes que se baten en una casa de la Norteamérica más árida, en el núcleo familiar, ya de por sí bastante asfixiante. Ese es el ambiente de Agosto, la obra de teatro con la que Tracy Letts ganó el Pulitzer en 2008 y que también se llevó al cine de la mano de Meryl Streep y Julia Roberts. El texto recoge la mejor esencia de las obras de los grandes dramaturgos Tennesse Williams, Edward Albee y Eugene O'Neill: lleva al espectador/lector a un lugar opresivo en el que el calor veraniego es una metáfora más para mostrar lo que pasa en esa familia en la que un día saltan todas las chispas posibles. No es el verano más divertido de la historia. Al contrario: es de los puñeteros, donde el sol no es agradable y el agua tampoco es refrescante. Todo es insoportable y no hay ventilador que logre la calma. En España se pudo ver la obra en 2011 con las interpretaciones de Amparo Baró y Carmen Machi en los papeles principales, dirigidas por Gerardo Vera en el Centro Dramático Nacional.

La gata sobre el tejado de zinc (caliente), de Tennesse Williams

La gata sobre el tejado de zincCaliente no porque sea verano sino porque todo arde en este mejunje teatral, firmado por Tenesse Williams en 1955 (y ganador del Pulitzer), en el que habitan instintos primarios como la codicia, el deseo sexual y la muerte. Todo fuera de toda razón porque no hay espacio ni tiempo para pensar. La historia se desarrolla en el sur faulkneriano de EEUU, de nuevo con una familia que esconde demasiados secretos: una esposa que desconfía de su marido, que ya no se acuesta con ella, y de quien cree que ha mantenido relaciones sexuales con su amigo recientemente fallecido; un padre que no sabe que tiene cáncer; un hombre que bebe y no se atreve a decir la verdad. Y, en medio, mucho dinero a repartir. Amor, odio, pesadumbre, impotencia, soledad. Todo lo que a un ser humano le remueve por dentro y le lleva a tomar decisiones que quizá no sean las más adecuadas (o lógicas, según la diosa Razón). Una de las obras de teatro más importantes de todos los tiempos que también fue película, dirigida por Elia Kazan e interpretada por Liz Taylor y Paul Newman en 1958.

El talento de Mr Ripley, de Patricia Highsmith

El talento de Mr RipleyNo por casualidad la película que adaptó esta novela de Patricia Highsmith en 1960 se tituló A pleno sol. Tom Ripley, personaje característico de Highsmith, tiene una peculiar visión de la vida y como se puede sobrevivir a ella. Cuestiones morales y psicológicas que se avivan en situaciones difíciles, cuando las cosas no salen como uno tenía pensado. Cuando se ve el callejón sin salida y todo, de repente, se torna opresivo. Ripley acude a Europa para convencer al hijo de un millonario que tiene que volver a EEUU para dirigir la empresa. Se hace 'amigo' de él y su novia Marge, y cuando las cosas se ponen feas, su única solución es asesinar al hombre y suplantar su identidad. Seducción y maquiavelismo a partes iguales. Un talento que quizá todos tenemos y al que –pensamos– es mejor no dejar emerger. Highsmith lo hacía en las novelas. Qué mejor sitio.

Expiación, de Ian McEwan

ExpiaciónVale, es cierto que esta novela publicada en 2001 (y vaya, también adaptada al cine en 2007 con James McAvoy y Keira Knightley), empieza en el día más caluroso del verano de 1935. Vale que eso puede ayudar a que se fundan un poco los plomos, pero después se desarrolla a lo largo de varias décadas en las que se sentirán los tambores que retumbaron aquel día del año 35, y que, una vez más, tienen que ver con lo instintivo y primario, lo agotador, lo insoportable, aquello que provoca errores cuyas consecuencias estarán presentes toda una vida. Una acusación de violación que es mentira envuelve la existencia de una escritora hasta el año de 1999 en el que decide expiar sus culpas mediante la literatura.

Asfixia, de Chuck Palahniuk

Asfixia

Las novelas de Palahniuk suelen tener ese ambiente opresivo cercano a lo asfixiante que esta vez está ya desde el título. Publicada en 2001, la historia juega con las rarezas de un hombre y su relación con la madre, recluida en una residencia. El protagonista finge ahogarse cada noche con un trozo de comida para que alguien lo salve y le dé dinero. Es su forma de sobrevivir. Además, acude a una terapia para aliviar su adicción al sexo, pero se acuesta con sus compañeras de sesión, lo que no hace mucho porque el hombre realmente quiera cambiar. Y todo en una atmósfera decadente y decrépita, donde lo refrescante no hace ni mero asomo de presencia. Una novela sobre la falta de afectos, sobre lo superficial. No es que sea muy veraniega (en realidad, no lo es nada), pero tiene ese punto en el que cuando el termómetro ha alcanzado los 40 grados y el cuerpo ha dicho basta, ya dé igual todo.

Desgracia, de JM Coetzee

DesgraciaTodo se va volviendo poco a poco asfixiante en esta novela del Nobel Coetzee publicada en 1999. Un profesor expulsado de su cátedra por haber intimado con una alumna (y forzado); una hija que vive sola en una Hacienda y que no quiere saber prácticamente nada del terrenal mundo de las ciudades; una violación múltiple; la vergüenza de esconderlo todo. Y el calor que asuela en medio de Sudáfrica. Un mundo desgraciado y deprimente. Un puñetazo en toda regla para el lector que es como un golpe de calor y que viene con la potencia de palabras faltas de toda hipocresía. Verdades a la cara que desnudan el alma de los protagonistas, pero también de los lectores.

El otro día fui con Itziar González a ver Juicio a una zorra, interpretada por Carmen Machi, por recomendación expresa de mi hermana. Hace unos meses, en Madrid, pudo disfrutar de la grandeza de esta actriz y sus palabras textuales fueron: “No te la pierdas por nada del mundo”.

Mi hermana y yo somos auténticas y genuinas charnegas: de padre andaluz, López García, y madre catalana, Pujol Surroca. Cuando hablamos entre nosotros y queremos decir algo de forma contundente, fuerte, dictatorial, lo hacemos en castellano; en cambio, cuando queremos ser dulces, formales, con sensatez y diseño, lo hacemos en catalán. Pero ahora las cosas parecen haber cambiado. Toni Albà, claro y catalán, sentenció que no hay que ir a ver el trabajo de esta diosa de la interpretación por haber expresado sus opiniones públicamente.

Vaya, ahora la manera de hablar entre mi hermana y yo tiene que introducir y convivir con nuevas influencias. El tono dictatorial y el hecho de juzgar y sentenciar a los demás lo teníamos más relacionado con los toros que con los pimientos, pero ahora estamos confundidas.

Aunque no tan confundidas. Mi abuela, un día, volviendo de bailar sardanas de la catedral, me dijo que si verdaderamente quería ganarme la vida tenía que cantar cosas alegres: “Tú, niña, ve haciendo lo que te dé la gana, que lo que te pasará es que te morirás de hambre.” Y Rosalia Pujol Surroca se puso a cantar un pasodoble que hoy quiero dedicar a Carmen Machi y a Itziar González, dos auténticas toreras de la injusticia. Os lo digo yo, que me llamo Lídia!

Tras la actuación quise abrazar a Carmen para agradecerle todo lo que nos había dado y, ya hablando de todo ello, ¿sabéis qué nos dijo? “Yo también quiero ser catalana...” ¿No es bonito?

Si algún día conseguimos la independencia, hecho que dependerá de ser personas y de poner los ladrones en las cárceles como en el resto del país, sé de muchos y muchas españolas que aman Catalunya que querrán cambiar de nacionalidad. ¡Ay, virgen santa! ¡Que se nos llenará Cataluña de refugiados españoles huyendo de los ladrones y la uniformidad!

Pero si no nos deshacemos de este excluir al otro porque es y piensa diferente, si no nos deshacemos de la corrupción y la pobreza de valores, para mí ya podemos apagar las luces del traje. Sería ridículo seguir toreando en la misma plaza por sólo conseguir hacerlo con un biombo en la esquina.

Un fuerte abrazo a la diferencia en comunión.

L’altre dia vaig anar amb la Itziar González a veure Juicio a una zorra, interpretada per Carmen Machi, per recomanació expressa de ma germana. Fa uns mesos, a Madrid, va poder gaudir de la grandesa d'aquesta actriu i les seves paraules textuals van ser: “No te la pierdas por nada del mundo.”

Ma germana i jo som autèntiques i genuïnes xarnegues: de pare andalús, López García, i mare catalana, Pujol Surroca. Quan parlem entre nosaltres i volem dir alguna cosa de manera contundent, forta, dictatorial, ho fem en castellà; en canvi, quan volem ser dolces, formals, amb seny i disseny, ho fem en català. Però ara les coses sembla que hagin canviat. Toni Albà, ben clar i català, ha sentenciat que no s'ha d'anar a veure el treball d'aquesta deessa de la interpretació per haver expressat les seves opinions públicament.

Vaja, ara la manera de parlar entre ma germana i jo ha d'introduir i conviure amb noves influències. El to dictatorial i el fet de judicar i sentenciar els altres el teníem més relacionat amb els toros que amb els pebrots, però ara estem confoses.

Però no tan confoses. La meva àvia, un dia tornant de ballar sardanes de la catedral, em va dir que si veritablement em volia guanyar la vida havia de cantar coses alegres: “Tu, nena, vés fent el que et doni la gana, que el que et passarà és que et fotràs de gana.” I la Rosalia Pujol Surroca se'm va posar a cantar un pasdoble que avui vull dedicar a la Carmen Machi i a la Itziar González, dues autèntiques toreres de la injustícia. Us ho dic jo, que me llamo Lídia!

Després de l’actuació vaig voler abraçar la Carmen per agrair-li tot el que ens havia donat i ja parlant de tot plegat sabeu què ens va dir? “Yo también quiero ser catalana...”. No és bonic?

Si algun dia aconseguim la independència, cosa que dependrà de ser persones i de posar els lladres a les presons com a la resta del país, sé de molts i moltes espanyoles que s'estimen Catalunya que voldran canviar de nacionalitat. Ai, verge santa! Que se’ns omplirà Catalunya de refugiats espanyols fugint dels lladres i la uniformitat!

Però si no ens desfem d’aquest excloure l’altre perquè és i pensa diferent, si no ens desfem de la corrupció i la pobresa de valors, per mi ja podem apagar les llums del traje; seria ridícul seguir torejant a la mateixa plaça per només aconseguir fer-ho amb un paravent a la cantonada.

Una forta abraçada a la diferència en comunió.

Las declaraciones de Toni Albá en su cuenta de twitter diciendo que no irá a ver a Machi en el Lliure por firmar un manifiesto federalista incendia la escena barcelonesa.

“La política, en su vertiente más antipática, ha entrado en el terreno de la cultura”

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“La política,en su vertiente más antipática, ha entrado en el terreno de la cultura”

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