Algo hay en el aire que hasta Wes Anderson lo huele. Los tiempos apestan a caos, a guerra, a capitalismo, a individualismo. Al sálvese quien pueda. A empresarios que siempre ganan. Un ambiente tan enrarecido se tenía que impregnar hasta en el cine esteta y de cuento del director de Moonrise Kingdom. Sus fábulas modernas, preciosas pero muchas veces vacías, ahora han cogido un giro que nunca se pensó que aparecería. Lo hace en su nueva película, La trama fenicia, que no nos engañemos, cumple a rajatabla todas las leyes del universo wesandersiano. Personajes de cartoon, estética simétrica, una dirección artística fascinante y ese humor tan peculiar. 

Pero si normalmente sus historias se centran en el amor, la familia y los traumas personales, aquí se escuda en una imposible historia de espionaje empresarial con un protagonista (magnético Benicio del Toro) que es un ejecutivo conocido por sus trapicheos en los negocios. 'Mr. 5%' le llaman por las famosas mordidas que mete en cada asunto que trata. Muchos de ellos con países de oriente medio. La trama fenicia consiste en los tejemanejes que quiere realizar el empresario para cerrar un último pelotazo, y también —la familia siempre presente en sus películas— para hacer las paces con su hija, una monja a la que quiere dejar el negocio cuando él muera (intuye que quieren asesinarlo) y que interpreta Mia Threapleton, hija de Kate Winslet.

Así, el empresario avaricioso acabará, en la fábula de Wes Anderson, abanderando un cambio de paradigma y abogando por la abolición de la esclavitud, la subida de los salarios y el bien común. Todo por el perdón de su hija, pero de repente esa historia ambientada en los años 50 se convierte en algo tremendamente contemporáneo y hasta político. 

“Hicimos esta película antes de las elecciones de noviembre”, responde Benicio del Toro cuando elDiario.es le pregunta por esos vínculos en el pasado Festival de Cannes, donde se presentó —como es habitual— la película de Wes Anderson antes de su estreno en salas. Sus referentes eran otros nombres. “Un magnate multimillonario llamado Calouste Gulbenkian, armenio de principios del siglo XX, Onassis, películas como Ciudadano Kane”, confiesa.

Pero sabe que al ver la película en el contexto actual, “se está viendo con otros ojos”. “La película ha tomado una nueva forma, pero realmente no es nueva. Lo que me gusta de la película es que tiene muchas capas. Hay muchos arcos argumentales. El de mi personaje habla de que, a pesar de lo odioso que es al principio, hay esperanza para el cambio. Creo que la gente puede cambiar. No todos, pero creo en el cambio. Tal vez haya algo de esperanza para las personas que están en el poder tomando decisiones. Quizás hay esperanza de que hagan algo bueno”, explica.

Más contundente se muestra su compañero de reparto Jeffrey Wright, otro de los habituales de Wes Anderson desde que se incorporara a la troupe del cineasta con La crónica francesa. Para el actor, lo “fascinante” del universo del autor es que “aunque vive profundamente en su imaginación y sus películas lo reflejan, siempre hay algo muy cercano a la actualidad”. “Es un universo fantástico y, al mismo tiempo, maravillosamente actual. No sé cómo lo logra. Creo que esta película lo logra”, valora. 

Para él, en La trama fenicia hay “una exploración de muchas cosas”, entre ellas “el poder, el materialismo, la ambición y el capitalismo, además de los temas más personales”. “Ciertamente, estamos experimentando fuera del cine esta especie de explosión de capitalismo desenfrenado, descontrolado, implacable y despiadado, al menos en EEUU, y eso es relevante y la película lo refleja”, subraya.

Estamos experimentando esta especie de explosión de capitalismo desenfrenado, implacable y despiadado, al menos en EEUU, y la película lo refleja

Jeffrey Wright — Actor

Comparte esa visión de que Wes Anderson consigue hablar del presente desde su colorido mundo Riz Ahmed, el actor de Sound of metal o la serie The Night of, que debuta con el cineasta y que, aunque aclara que Anderson se basó en su suegro para el magnate que interpreta Benicio del Toro, el hecho de que ambiente su película en los años 50 hace que “se pueda ver el presente con mayor claridad”. 

“Muchas de las cosas que consideramos problemas actuales, como la inestabilidad política, los intentos fallidos de cooperación internacional, países que intentan adaptarse a la modernidad a la vez que preservan su tradición, son problemas que han existido durante mucho tiempo. La gente dice que esta película podría ser una crítica sobre algunos de los magnates y mandamases de la industria que dominan nuestro mundo actual. Creo que hay algo muy esclarecedor en mirar el presente a través de la lente del pasado. Y también algo tranquilizador, porque nos hace ve que ya hemos pasado por esto antes. Nos invita a aprender lecciones del pasado también”, apunta.

Hasta el propio Wes Anderson se mojó, un poquito, en la rueda de prensa de La trama fenicia en Cannes cuando le preguntaron por uno de los temas que centró el festival: los aranceles. “No soy experto en esa área de economía, pero ¿un arancel del 100%? Me parece que eso significa que Trump se va a quedar con todo el dinero, ¿y qué obtenemos entonces?, ¿pueden retener las películas en la aduana? Creo que no se envían de esa manera. Quiero saber los detalles, así que no daré una respuesta oficial”, dijo con ironía pero demostrando que, como dice su película, al final en algún momento todos tienen que actuar para cambiar las cosas, hasta los empresarios que meten mordidas del 5%.

Cuando Benicio Del Toro pisaba la alfombra roja la semana pasada por el estreno de 'Sicario: el día del soldado', le preguntaron acerca de la decisión de la Administración de Trump de separar de sus padres a los hijos de inmigrantes sin papeles. “¿Qué moral hay dentro de ese monstruo como para separar a los niños de sus padres?”, se preguntó Del Toro sobre Donald Trump. También dijo estar “horrorizado” por lo que estaba pasando, que calificó de “inmoral”. Su nueva película, secuela de ‘Sicario’, se ha convertido en un imán para una de las mayores historias políticas del año.

Nacido en Puerto Rico hace 51 años, Del Toro sigue con ganas de pelea una semana después del estreno. Pide moderación al Gobierno de Estados Unidos (la Casa Blanca ha dicho que se detendrán las separaciones) y encontrar una solución de sentido común. “Es increíble que, cuando me toca hablar con los periodistas sobre esta película, la historia mundial más importante del momento sea lo que el Gobierno está haciendo a esas familias”.

“Para ser honestos, tenemos que empezar con la premisa de que (los migrantes) violaron la ley”, dice. “Pero son inocentes hasta que se demuestre lo contrario. Los han tratado como a culpables. Separaron a familias como si fueran criminales. Hay que esperar, mantenerlos juntos y hacer una investigación. Algunas de esas personas merecen una segunda oportunidad para comenzar sus vidas en un nuevo lugar como Estados Unidos”, afirma.

“Están huyendo de circunstancias realmente malas, están desesperados, esperan una vida mejor. Eso no tiene que ver con 'Sicario'”, dice con prudencia Del Toro. Pero lo cierto es que la película trata de la importancia política de esa frontera y también de su relevancia para las bandas de narcotraficantes. ¿De verdad no tiene nada que ver? “Puedes retorcer las cosas en el sentido que quieras. Yo no creo que 'Sicario' esté diciendo nada”, insiste.

La filmografía de Del Toro dice mucho sobre un tema en concreto: la guerra contra las drogas. Su relación con el género comenzó hace mucho. La gran oportunidad llegó en 1989 con 'Licencia para matar', la segunda y última película en que Timothy Dalton interpretó a James Bond. Del Toro tenía entonces 21 años y le tocó interpretar a un secuaz de un cártel que termina aplastado por un molino de cocaína de tamaño industrial. No fue precisamente sutil. Le pagaron 40.000 dólares por el papel y luego se quedó sin trabajo durante un año, que aprovechó para ver las películas de Fellini y Kurosawa.

Cuando reapareció en los años noventa, lo hizo interpretando todos los personajes del mundo de las drogas: el hombre que vende las drogas, en 'Escobar: Paraíso perdido'; el que roba las drogas, en 'Sospechosos habituales'; el que consume las drogas, en 'Miedo y asco en Las Vegas'; el policía que trata de detener las drogas, en 'Traffic'; el ejecutor del cártel, en 'Salvajes'; y el que caza a los ejecutores del cártel, en 'Sicario'.

“Se ha convertido en un género, si te fijas”, dice Del Toro. “Tal vez 'Easy Rider' fue una de las primeras películas en tocar el tema de alguna manera, pero se vio más claramente en 'The French Connection' (de William Friedkin) y 'Scarface' (El precio del poder, de Brian De Palma]. Se están convirtiendo en los nuevos westerns”.

“Si lo piensas, esa película de Bond también tenía que ver con el género del que estamos hablando. James Bond se pelea con el cártel. Y eso fue en 1989. Es un tema que lleva mucho tiempo”.

De todas sus películas sobre la guerra contra las drogas, tal vez la mejor sea 'Sicario', estrenada en 2015. Veinticinco años después de que Dalton luchara en solitario contra un cártel y armado con poco más que su flema británica, el 'Sicario' de Denis Villeneuve reinventó el thriller narco. Mientras la serie 'Narcos' de Netflix se centra en los personajes que impulsaron la violencia, 'Sicario' deja al descubierto las medidas tomadas por el Gobierno de Estados Unidos en una guerra aparentemente imposible de ganar y lo que sucede cuando se ve involucrada en esa guerra una persona con código ético.

En ‘Sicario’, la actriz Emily Blunt interpreta a una novata del FBI que termina en peligro. Alejandro Gillick, el personaje de Del Toro, es un antiguo abogado del cártel al que el deseo de venganza ha convertido en agente de la CIA y asesino, con Josh Brolin como su despiadado controlador. Desde la espeluznante escena de apertura con una matanza del cártel, hasta los grandes escenas en ambos lados de la frontera entre Estados Unidos y México, la película es una potente combinación de violencia extrema, traiciones y actualidad.

Cuando se supo que Blunt y Villeneuve no participarían en ‘Sicario: el día del soldado’, los aficionados y la crítica temieron que la secuela no estuviera a la altura del original. Del Toro también lo pensó. “En mi opinión, la primera estaba bien armada y cumplió muy bien con su objetivo”, dice. “Así que estaba un poco preocupado y luego, cuando oí que Denis no iba a poder hacerlo, fue un poco como una señal de alarma”.

Para dirigirla contrataron a Stefano Sollima, director de la serie ‘Gomorra’. El guión sigue el patrón y el ritmo del original, también escrito por Taylor Sheridan. Pero el debate en torno a la película no tiene que ver con la violencia que exhibe, ni su machismo nihilista o los cárteles de la droga, sino sobre la inmigración en la frontera entre México y Estados Unidos.

Del Toro ha dicho en alguna ocasión que no se considera “demasiado político”. ¿Ha cambiado su postura ahora que lo hacen hablar de la inmigración en Estados Unidos?

“¿Has visto mi carrera?”, pregunta. “¿Has visto lo que hago? Vamos... A veces se dicen cosas y se ponen fuera de contexto. Soy político y no lo soy. Soy un ser humano. Si consiguieron poner a un hombre en la Luna, tiene que haber alguien capaz de organizar esto”.

Varias pistas indican que Del Toro no se siente especialmente cómodo hablando sobre el tema de la separación de los niños (él y Kimberley Stewart son los padres de Delilah, una niña de seis años). A lo largo de su carrera, Del Toro se ha conformado con que sea su trabajo el que hable, y sólo en raras ocasiones ha dejado oír su voz, como cuando dijo que era partidario de la legalización de la marihuana.

“El whisky es igual al ron, si bebes mucho, vas a tener resaca”, dice. “Con las drogas es más complejo. La marihuana no es igual a la heroína. La marihuana no es igual a la metanfetamina, así que la cosa es un poco más complicada”.

Un artículo reciente sobre Del Toro le describía como “el James Cagney de las películas sobre la guerra contra las drogas”. Pero en persona Del Toro se parece a sus personajes más iconoclastas, como Fenster, el encapuchado susurrante de ‘Sospechosos habituales’, o como Jack Rafferty, el policía convertido en zombi de ‘Sin City’.

Del Toro es un hombre alto (en otra época fue una promesa del baloncesto), pero no imponente. Viste un traje con corbata del que parece estar luchando por salir. En alguna ocasión ha admitido que quería entrar en la liga de Sean Penn, Gary Oldman y Mickey Rourke: actores duros y masculinos que vas a ver sea cual sea la película que hagan.

“Todavía los admiro”, admite, pero no dice si se siente ya en su categoría. “No sé, creo que eso lo tendría que decir otra persona”. En realidad, Del Toro es más cool que todos ellos, sin la mitad de su bagaje. Si ser un fan de Oldman equivale a ser hincha del Manchester United, ser un fan de Del Toro es como apoyar al St Pauli de Hamburgo, un equipo en la periferia del fútbol, con la calavera y los huesos cruzados en su bandera.

Esa forma lacónica de arrastrar las palabras tan suya no hace más que aumentar su atractivo, aunque a veces sea difícil entender qué dice. Cuando le pregunto sobre la transformación de Alejandro, de asesino a salvador en ‘Sicario’, se sale por una tangente llena de contradicciones y digna de Fenster. “El hecho de que empieces a hacer las cosas bien no implica que me vaya a olvidar de tu pasado”, dice cogiendo un martillo imaginario. “No voy a perdonarlo, tal vez le perdone la vida o reduzca su sentencia, pero aún así tendrá que ir a la cárcel. Si yo fuera su juez... no juzgo a mis personajes. Bueno, yo sí, pero no. Quiero decir, lo estoy juzgando ahora porque puedo hacer lo que me dé la gana... Trato de entenderlo”.

Del Toro se concentra cuando consigues llevarlo a un tema que le moleste. No le agrada la forma en que algunos periodistas han interpretado la segunda parte de ‘Sicario’. “Me hablan de ‘Sicario’ como si fuera un documental”, dice. “Una persona me acaba de decir que mi película es exactamente lo mismo que está pasando ahora (en la frontera), que tomo a una niña y la separo de su padre. Y yo le he contestado: ‘No, no, no, yo secuestro a la niña, eso es muy diferente’”.

Del Toro ha tenido el mismo problema antes. Tras protagonizar la adaptación de ‘Miedo y asco en Las Vegas’, escrito por Hunter S. Thompson, haciendo de Oscar Zeta Acosta (el exhausto abogado del periodista, también conocido como doctor Gonzo), Del Toro se ganó una desagradable reputación. Para interpretar su papel subió de peso comiendo 16 donuts al día durante dos meses. “Subí de peso estúpidamente en ocho semanas”, recuerda. “No lo hice con un preparador. Lo hice al estilo macho, al estilo estúpido. Subí de peso muy rápido y me llevó un tiempo perderlo”.

“Así que durante ese tiempo, cuando salía del trabajo, iba a reuniones y la gente me veía y decía: ‘Oh Dios mío, este tipo se ha venido abajo’. No habían visto la película, no sabían lo que estaba haciendo. Si algún productor me veía caminando hacia un 7-Eleven podría decir: ‘¿Ese era Benicio Del Toro? Lo vi la semana pasada. ¿Qué le pasó?’”.

Según Del Toro, una combinación de “chismes y mentiras” hizo que muchos en la industria lo vieran como una apuesta insegura por un supuesto problema con la bebida y las drogas. “En Hollywood, la gente puede ser tan crédula como en cualquier otro sector”, dice. “El hecho de que se dediquen a hacer ficciones no les impide creerse las ficciones. Lo cierto es que, después de que traté de conseguir un par de trabajos, lo que escuché fue que la gente no me quería. ‘Sabemos que tiene un problema con la bebida, y sabemos que tiene un problema con las drogas’, era la reacción. Y sólo lo decían porque habían visto ‘Miedo y asco en Las Vegas’. Tal vez tenga que tomarlo como un cumplido”.

Del Toro logró revertir la tendencia. En 2001 ganó el Oscar al mejor actor de reparto por su papel como Javier Rodríguez, el policía mexicano y con principios de ‘Traffic’ (la epopeya de Steven Soderbergh sobre la guerra contra las drogas). Siete años después ganó el premio al mejor actor en Cannes por el papel del Che Guevara en la película de dos partes sobre su vida. Se forjó una reputación como un actor capaz de dar profundidad a personajes de narcos aparentemente sencillos.

Una elección deliberada a la que contribuyó Denzel Washington. “Denzel es uno de esos actores que ha tenido que lidiar con todos esos estereotipos”, dice Del Toro. “Es una experiencia interesante. Siendo latino, me fijé en su carrera para ver cómo se encajan esos estereotipos y se les da la vuelta”.

En otras ocasiones, Del Toro ha aludido al encasillamiento contra el que ha luchado a lo largo de su carrera. En 2004 dijo que “preferiría interpretar al chico que conduce un descapotable con gafas de sol y que al final se lleva a la chica”. Al principio de su carrera, alguien trató de cambiar su nombre por el de Benny Dell, “porque no era Smith, o Anglo, o lo que fuera”.

¿Sigue sin interesarle una comedia romántica? “No me importaría hacer algo ligero, pero va a ser difícil”, dice. “Para empezar, esos papeles no me suelen llegar, pero (las películas) sobre tipos en conflicto con cosas a punto de explotar sí me llegan. ¿Por qué? Se podría decir que me encasillaron o que es por la forma de mis ojos. Se pueden decir muchas cosas. No me importa. Las cosas buenas son buenas, no me importa cómo se presenten”.

Termina la entrevista y Del Toro me pregunta sobre la camiseta que llevo. Le digo de dónde viene y me dice: “Déjame que te pregunte una cosa, cuando te la pusiste, ¿sabías que te la estabas poniendo?”. Sí, respondo, sin entender dónde quiere llegar. “Melania Trump sabía lo que se ponía cuando se subió a ese avión”, dice refiriéndose a la chaqueta de Melania que tenía escrito en la espalda ‘realmente no me importa, ¿a ti?’.

Detrás de todos los titubeos y cambios de opinión, Benicio Del Toro también sabe exactamente lo que está haciendo.

Traducido por Francisco de Zárate

- Título: Star Wars: The last Jedi (2017)

- Dirección: Rian Johnson

- Guión: Rian Johnson (basado en los personajes creados por George Lucas)

- Reparto: Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Óscar Isaac, Mark Hamill, Carrie Fisher, Kelly Marie Tran, Domhnall Gleeson, Benicio del Toro, Laura Dern, Andy Serkis

A favor o en contra, fan o detractor, blanco o negro. Qué mejor ocasión para tener opiniones encontradas con el nuevo episodio de la saga Star Wars. Lo cierto es que al margen de si The last Jedi les gusta o no, estamos ante un punto y aparte. Esto no es Star Wars, al menos no hablando en cuanto al espíritu original, claramente. De serlo, queda mucho más cerca del estilo de las precuelas y las series animadas televisivas que de aquella primera trilogía -y de su escenario contextual documentado y apropiadamente inspirado-.

Este nuevo episodio, y no El despertar de la fuerza, como debía suponerse en un caso como este, marca la ruptura con la narrativa original. La primera mitad de la cinta juega con el paralelismo con El imperio contraataca para después reinventar la filosofía Jedi a golpe de batalla y efectismo.

En The last Jedi tenemos el abecé de las intenciones industriales de Disney, con su oferta de nuevo merchandising en personajes y especies, como es costumbre, pero ultradesarrollado hasta límites insospechados, sin tanto sentido y que hace que la producción llegue en muchas ocasiones a asimilarse a aquellos spots publicitarios de Disneyland.

Es sin duda una película para entretener a los antiguos seguidores pero sobre todo para convencer y atraer a esos potenciales compradores de productos, los niños de hoy, con distintas demandas y contexto para el público que con seguridad pasa la treintena. Algo que, sin poder ser recriminable, sí que hace que echemos de menos un poco más de coherencia, de tiempo de desarrollo de la historia, de ritmo en la paciencia, ya que este octavo episodio promete un desfile de emociones que van de la alegría a la tensión en una frenética sucesión de escenas que carecen de un alma original.

De alma y de sentido, porque ciertas escenas en las que se juega con la vida o muerte de ciertos entrañables personajes estiran tanto el conflicto sin ningún objetivo que hacer que sintamos que en ocasiones perdemos el tiempo queriéndonos dejar convencer por este nuevo rumbo.

No podemos negar que en su diferencia también sobresalen aspectos positivos. La mayor abundancia e importancia de los personajes femeninos era una cuenta pendiente que se salda generosamente en esta ocasión, convirtiendo a Daisy Ridley en la heroína más trabajada de esta trilogía. Una lógica que no debería sorprendernos pero que igualmente satisface.

Del mismo modo, alegra que algunos de los personajes construidos más fielmente al canon original tengan un papel mucho más importante que en la cinta anterior, como Poe Dameron (Oscar Isaac) o el propio Luke Skywaker (Mark Hamill) -de debatible personalidad-. Junto a roles como el defendido por Benicio del Toro -excelente, más por calidad interpretativa que por su desarrollo-, hacen que The last Jedi no sea criticable precisamente por su reparto.

Ni tampoco es enjuiciable su dirección, pues el que fuera director de Looper, Rian Johnson, consigue defender un trabajo a la altura, muy estético y de un montaje que alcanza los objetivos propuestos.

Buena o mala, guste o no, es bastante diferente en contenido y mucho en forma, con lo cual solo podemos invitar al visionado y juicio propio. Existe demasiada influencia comercial y mediática alrededor de esta cinta como para recomendarla o hablar mal de ella. O para directamente entrar en esa batalla dialéctica entre seguidores y detractores. No merece la pena esta vez tener que elegir entre lado luminoso o lado oscuro, más aun sabiendo que la deriva de la saga mira hoy más que nunca a un horizonte en el que dentro de cada uno existen ambas caras de la moneda.

'Sicario' es un escalofrío que recorre el estado de ánimoSicario del espectador como una descarga emocional de alto voltaje. Hay algo de mal presagio en todas y cada una de sus secuencias. Algo de liturgia que te prepara para presenciar un instante de epifanía desoladora donde todo lo que hay que saber sobre la oscuridad de la condición humana queda dicho y comprendido.

La agente del FBI, Kate Macer (Emily Blunt), comienza a sospechar la verdad desde los primeros minutos de la extraña misión en la que acaba de enrolarse. Ha decidido formar parte de un operativo de agentes especiales de la CIA que, al margen de los conductos oficiales, luchará contra el narcotráfico mexicano. Kate ya ha vivido lo suyo, ha conocido la barbarie y parece que nada es capaz de impresionarla. Sin embargo, todavía conserva ciertas convicciones que chocarán de plano con la manera sucia con la que sus colegas tratan de vencer la violencia despiadada del cártel al que se enfrentan. Entre ellos, se encuentran el jefe de su misión, un flemático y cínico Josh BrolinJosh Brolin y un incómodo ‘lobo’ solitario llamado Alejandro. Un sicario colombiano  protagonizado  por un  Benicio del Toro magistral, brillante, en auténtico estado de gracia.

El guión de 'Sicario' es una hábil maquinaria de narración cinematográfica llena de acción, tensión y humanidad. Durante dos horas, la película tiene la capacidad de envolver al espectador en una atmósfera de paranoia y de desconfianza, en una encerrona emocional donde casi acaba faltando el aire. La angustia cobra intensidad en tres grandes secuencias prodigiosas. Aquella con la que arranca la película, donde la protagonista irrumpe en una casa para realizar detenciones y acaba tropezándose con un cementerio demasiado frecuentado. En segundo lugar, el recorrido por un túnel sin final, ‘escarbado’ en el desierto, donde el operativo de agentes pretende darle el golpe de gracia al cártel de la droga. Y por último, especialmente fascinante resulta el  atasco de tráfico que viven los protagonistas a la salida de Ciudad Juárez. Una huida del infierno que queda en suspenso, con la inercia de un mal sueño. Quedan retenidos en medio de un peligro inminente que no termina de desencadenarse. Como explicó el propio cineasta, Denis Villeneuve, su intención era mostrar a “una araña inmóvil; asusta mucho más que una en movimiento. Intenté aplicar esa misma idea a la escena”, en sus palabras. Desde luego, el nivel de tensión que llega a alcanzarse es impresionante; hacía tiempo que no se dejaba ver en la pantalla un suspense tan definitivo.

La película no sólo produce angustia por todo aquello que rodea a los  personajes; la inquietud también parte de su atormentado interior. Como la inesperada y singular relación que se establece entre Kate y Alejandro. Un reflejo de la torpeza en la que pueden verse envueltas dos personas que, de alguna manera, se sienten cercanas porque se reconocen en su propia soledad, pero sus circunstancias vitales, su hastío existencial, les alejan, les impiden llegar a entenderse y a comunicarse.

El cineasta canadiense, Denis Villeneuve ya lo hizo anteriormente. A través de sus últimas producciones (especialmente 'Incendies') ha sido capaz de asombrar al mundo con su manera brillante de crear secuencias icónicas, que permanecen en la retina durante mucho tiempo. Es un cineasta incómodo, capaz de poner en un aprieto nuestra conciencia y de descubrirnos el lado más tenebroso del hombre sin ningún tipo de complejo, con la sinceridad impía del amigo que se queda descansado al confesar una verdad amarga.

Desde luego, no se puede negar que 'Sicario' es una película valiente. Habla sin tapujos de un buen puñado de dilemas morales y lo hace desde una perspectiva pesimista, donde la defensa de valores como la integridad o el respeto a la legalidad vigente resultan de una ingenuidad bochornosa. En la película, el límite entre el bien y el mal desaparece. Es un territorio incapaz de arrimarse a una norma para la convivencia. Más bien parece un duelo salvaje, fronterizo, que enfrenta a tipos duros y donde la violencia solo puede ser respondida con la brutalidad del que tiene que ajustar cuentas. Por supuesto, con ‘papá Estado’ mirando, orgulloso, a otro lado.

Incontables son las cosas que deja una guerra. Dolor, confusión, inestabilidad, desolación. Pero, en medio del caos, lo que verdaderamente cuenta es la historia de cada persona que lucha en nombre de la paz.

Esa es la realidad de un grupo de cooperantes dirigido por Mambrú (Benicio del Toro) que, en zona de conflicto, trata de sortear una serie de problemas, aparentemente simples, como el rescatar un cadáver de un pozo para evitar la contaminación inminente de la única fuente de agua potable de una región no definida de Los Balcanes, hecho que constituye el hilo argumental del filme.

En este sentido Un día perfecto, la película más internacional de Fernando León de Aranoa, explora los límites inalcanzados del trabajo humanitario sin idealizarlo. Veinticuatro horas en la vida de un cooperante, parece algo normal, pero esta lejos de serlo.

“Aparte de las guerras, de las minas, quizá el peor enemigo es el desaliento, es el desencanto. Pero nos apetecía contar eso”, comenta en la entrevista para eldiario.es el realizador madrileño, que continúa su intervención afirmando: “Lo definía muy bien Benicio en el rodaje, la épica no es resolver las cosas, no es salvar desde las llamas, es simplemente estar, lo que tiene valor, lo que tiene heroísmo es estar, intentarlo”.

Para León de Aranoa, ganador de 5 premios Goya, la Guerra de Los Balcanes tiene una importancia personal. Su paso por distintas zonas de conflicto como Bosnia, Uganda (tierra que acogió el rodaje del documental Invisibles) o Etiopía, ha dejado huella en vivencias que traslada a su nuevo filme, adaptación de la novela Dejarse llover, de Paula Farias, expresidenta de Médicos Sin Fronteras.

El director de Barrio y Los lunes al sol afronta el reto de un rodaje multicultural. “Es algo que pasa en los grupos de cooperantes, el choque de idiomas y de culturas, distintas formas de entender las cosas. Y eso llegó al rodaje también. Hicimos un casting en Sarajevo, trabajamos con muchos actores locales. Creo que la mayor dificultad para mí era la propia coralidad de la película, al dirigir a todos los actores a la vez debes encontrar la frecuencia con cada uno de ellos y lograr que en la pantalla eso no se sienta. Apenas tuvimos dos semanas de ensayos, pero la calidad de ellos individualmente lo hacía todo más fácil, ayudaba mucho”, describe el autor acerca del rodaje que tuvo lugar en tierras españolas (Granada, Málaga y Cuenca).

Un reparto perfecto

Benicio Del Toro, Tim Robbins, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry y Fedja Stukan forman el elenco que acompaña a León de Aranoa en el camino.

“Hablamos mucho del contexto, de la guerra, del oficio, pero uno de los mayores tesoros de la película son sus personajes. Muy fuertes, distintos entre sí y a los que esas veinticuatro horas ponen mucha presión. Como las tres ”M“, Misioneros, Mercenarios y Misfits, cualquiera de ellos responde a una de estas tres vocaciones. Explorar los límites de cada uno, las relaciones entre ellos, lo que hay en el pasado en algún caso, eso me parecía muy interesante como material narrativo”, asegura el director.

Benicio del Toro, ganador de un Óscar por Traffic, es el jefe del grupo. “Quería trabajar con Fernando desde hace tiempo. Fue su escritura, el enfoque que le da al personaje, lo que me convenció”, comenta el actor ,que interpreta a Mambrú con una grandeza incuestionable.

Distante de las armas, en esta ocasión su rostro no muestra la dureza de un villano. Encara con solidez la fiel vocación de un cooperante humanitario. La necesidad de ayudar, en contraposición a un desencanto que va creciendo en su interior, se hace constante en pantalla, infundiendo al espectador una serie de emociones propias de la realidad que atraviesa. “Soy un actor que me envuelvo en el cuento, hago sugerencias, un poco testarudo, pero me gusta colaborar, los directores me dan un poco de libertad con el personaje”, señala en la entrevista el actor puertorriqueño, al que podremos ver en el octavo episodio de Star Wars.

A la magnitud de Benicio del Toro se une un gran Tim Robbins, al que vemos en un registro muy diferente. De su boca salen las frases que han causado las mejores risas, algunas de ellas de su propia autoría. La presentación en Sarajevo fue una muestra de este tono cómico sabiamente dosificado, que supo generar una reacción positiva entre el público bosnio.

Su papel de B es un acierto desde el primer enfoque. “Conozco este tipo de personajes, un estereotipo americano que va un poco loco. Sé de dónde viene, cómo ha crecido. Una persona que podría haberse convertido en alguien que vive sin propósito pero ha dado un salto y se ha ido a una zona de conflicto para ayudar a la gente. Si B no estuviese en una zona de guerra probablemente estaría en la cárcel, comenta el actor ganador de un Óscar por Mystic River.

Robbins afirma que le gustó el guión porque le recuerda “a la gente normal, No hace falta ser un héroe con capa y máscara para ayudar a la gente, todos los humanos tenemos la capacidad de hacerlo”. Reconoce que la labor de los voluntarios es inestimable. “Es el tipo de persona que en vez de huir, corre directamente hacia las llamas. Gente muy inspiradora, que arriesga su vida, les mueve algo que llevan dentro, les mueve su corazón” concluye.

El reparto lo completan Fedja Stukan (Damir), el traductor, la voz orientadora en un terreno complejo; Mélanie Thierry (Sophie), la inquieta mirada neófita de esas ganas de cambiar el mundo, y Olga Kurylenko (Katya), la artífice del conflicto sentimental en el filme.

Gente cuerda

Tratar el conflicto bélico no es algo muy original en su forma pero sí lo es Un día perfecto en su fondo. La película, sin entrar en la característica de lo social (“esa etiqueta o cualquier otra me cuesta porque me parece una reducción y no me siento descrito en ella”, comenta León de Aranoa), narra, de manera sencilla y directa, la ayuda desinteresada de los cooperantes humanitarios con toques de humor negro como verdadera arma ante el dolor que se respira en cada paso. Comedia, drama y algo de road movie envuelven a esta cinta con una banda sonora convertida también en protagonista.

Aunque la cuerda se rompa, aunque los obstáculos se afanen y las contradicciones den cabida a las dudas sobre la eficacia de la ayuda, siempre existirá la gente que busca la lucidez en medio del descontrol y lucha, con el horror metido dentro, por hacer de su labor “un día perfecto”.

En una sociedad completamente sana la realidad no debería ser tan violenta como la ficción. Pero, como vivimos en una sociedad enferma, de vez en cuando nacen monstruos como Pablo Escobar. Es el narcotraficante más despiadado de la historia - un hombre al que se le atribuyen decenas de atentados y miles de asesinatos a sangre fría, aunque nadie ha sido capaz de calcular el numero de muertes que dejó a su paso. Pero resulta que Don Pablo también era un showman, que tenía fotogenia y que, gracias al esmero que le ponía a su puesta en escena, se ha convirtió en un icono (cinematográfico) del mal.

“Cuando lees su historia parece ficción. Pablo Escobar es como un villano de los cómics de Batman”, Benicio Del Toro habla lento, de la misma forma en la que se mueve mientras interpreta a El Patrón en el debut del actor italiano Andrea Di Stefano, Escobar: Paraíso perdido. “Cuando Escobar entró en política otros compañeros comenzaron a acusarle de traficar, él, que había pasado dinero a muchos de ellos, los trató como gánsters y les declaró la guerra. Arrodilló a un Gobierno entero”. La historia de Escobar alucinó a Del Toro que no dudó en ponerse en su piel con un trabajo de reclinatorio, a lo Marlon Brando.

El filme ni siquiera lo protagoniza el capo, el personaje principal es un surfista canadiense, un turista en tierra extraña que se mete en problemas cuando se enamora de la sobrina de Escobar. Y poco a poco, mediante el ritmo endiablado al que Di Stefano somete a la película, el mayor asesino de la historia de Colombia empieza a desatar un escalofriante y violento (y exagerado) plan para salvaguardar su riqueza antes de que el Gobierno le detenga.

Podría ser un malo de James Bond, o de Batman, o incluso una especie de Lex Luthor narcotraficante. Sobre él hay varios documentales y una serie de televisión, algo así como Crematorio versión Colombia, titulada Pablo Escobar, el patrón del mal. ¿Por qué les gusta tanto a los directores juguetear con la figura de este sádico padrino?

Una banda de secuaces a la altura

Como en cualquier buen thriller, la aparición del villano se hace esperar. En la película de Di Stefano, Del Toro aparece primero en un cartel gigante y después en medio de un mitin haciendo uso, con una gran energía, del dichoso populismo que lo convirtió en santo varón de Colombia. Para entonces los protagonistas, el joven Josh Hutcherson (Los juegos del hambre) y Claudia Traisac, ya han vivido la mitad de su historia de amor. Es en ese momento, tras la aparición del narco, cuando esta película comienza a desplegar todo tipo de excentricidades con el objetivo de cumplir las expectativas de los espectadores más curiosos.

El zar de la cocaína estaba obsesionado con el oro, toda la cubertería estaba bañada de este metal precioso. En su Hacienda Nápoles, que era su centro de operaciones, había centenares de animales exóticos y algunas reliquias extravagantes como el coche en el que murieron Bonnie y Clyde. En la casa de Escobar también aparecen charcos de sangre, y armas, y coca, mucha coca. El producto nacional que exportaba al resto del mundo.

No se pretende trivializar con las terribles atrocidades llevadas a cabo por el capo. Al menos no más de lo que frivoliza el sicario más famoso de El Patrón, Jhon Jairo Velásquez Vásquez, también conocido con el alias de Popeye, en las entrevistas que concedió tras su estancia en la cárcel o en los libros que escribió. En una de ellas declaró que le aburrían mucho las películas de acción ya que su vida cotidiana junto a Escobar superaba con creces cualquier ficción. Se calcula que Popeye mató a más de 300 personas aunque nunca a nadie que estuviera con niños. Secuaces como Popeye solo aumentan las posibilidades cinematográficas de Don Pablo. En la película de Di Stefano este asesino a sueldo de El patrón es interpretado por Carlos Bardem.

El punto débil del villano

Que Pablo Escobar es una figura atractiva para escritores y cineastas es un hecho. Y es normal que así sea, sobre todo en una época en la que el espectador medio es capaz de empatizar con tipos tan despreciables como Tony Soprano o Walter White. Todo villano tiene un punto débil, el de Escobar era la ambición. Fueron sus incontrolables ganas por aumentar su imperio lo que le condujeron a su final.

Ni siquiera Batman, recurriendo a la comparación de Del Toro, hubiera podido acabar con la tiranía de Escobar. El único que tenía la posibilidad de terminar con los crímenes del narco era el propio Gobierno de Colombia. “La legalización de la droga sería la cosa más inteligente que se podría hacer en el mundo. Si no se hace es porque el gran negocio de la droga es también el gran negocio de los bancos, que blanquean el dinero”, sentencia Carlos Bardem.

Su compañero de reparto, Benicio del Toro, no es tan tajante: “Hay drogas muy duras como la heroína o el éxtasis… pero sí creo en la legalización de la marihuana, quizá sería la única forma de eliminar la violencia de la droga”.

Mientras la legalización solo sea un tema polémico de sobremesa, tipos como Pablo Escobar seguirán existiendo y asesinando. Los narcotraficantes continuarán forjándose una carrera como villanos. La novela negra y los thrillers se nutrirán de sus atrocidades. Y la realidad seguirá superando a la ficción. Sencillamente Joker no da tanto miedo como Pablo Emilio Escobar Gaviria.

Hay algo terrible en la mirada del hombre cuando se siente perdido y fuera de su hogar. En El jardinero fiel, Justin Quayle cruzaba Kenia buscando respuestas en la novela en la que John Le Carré describía con una crudeza milimétrica la desesperación que invadía cada músculo del aventurero extraviado. Las obras de Don Winslow también transcurren en paisajes idílicos que se transforman en un infierno cuando ocurre la inevitable tragedia. Escobar: Paraíso perdido es un cuento de violencia protagonizado por un joven surfista canadiense que encuentra el edén en Colombia hasta que el amor le arrastra hasta la figura de Don Pablo.

El río Putumayo es el escenario de los trasiegos criminales que Winslow describe en El poder del perro y que giran en torno a tres conceptos: sangre, sexo y oro. Aquí es la Hacienda Nápoles el lugar que Escobar elige como centro de operaciones, un extravagante paraje repleto de animales exóticos, caserones, aviones privados y reliquias como el coche en el que murieron Bonnie y Clyde. Sangre y oro, porque en la casa de Escobar el sexo está reservado para el lecho matrimonial. De este averno intenta huir el protagonista mientras El Patrón vigila.

Benicio Del Toro interpreta al magnate de la coca, el hombre que intentó sufragar la deuda de su Colombia natal con los réditos del oro blanco. Su interpretación es colosal y en ella descansa el Marlon Brando de El Padrino. Del Toro se mueve lento mientras su mirada amedrenta. Pablo Escobar siempre fue un tipo gracioso, aunque ocultara un verdadero demonio en sus entrañas. Hizo varias entrevistas en televisión y en todas se intuía completamente devorado por su propio personaje, creyéndose sin ningún recelo que era un santo, un rey altruista y benévolo que encarnaba al salvador de su pueblo. El actor puertorriqueño no intenta imitarle, sencillamente es él.

Andrea Di Stefano dirige esta película con buen pulso, manteniendo la tensión y colocando al espectador en la angustiosa situación del surfista canadiense. No es una biografía de Escobar lo que se ha propuesto el director francés. Estamos ante una devastadora tragedia que nace de un romance entre dos personas de dos mundos muy diferentes, el extranjero en tierra extraña y la sobrina de este histórico narcotraficante vinculado al asesinato de 10.000 personas. Es una revisión de Shakespeare adornada con el endiablado estilo que Winslow utiliza en sus novelas negras.

El idilio se torna en pesadilla cuando el Estado coloca a Pablo Escobar como presa prioritaria. Al Duro (otro de sus múltiples apodos) no le sirvieron ninguna de sus piadosas obras: ni tirar billetes desde los helicópteros ni construir escuelas. La ostentosidad le devoró. Lo último que hizo fue adquirir una isla en Nueva York, una compra que resultó ser el detonante de su persecución por el Estado. Extorsionar a la Iglesia y a Dios no fue suficiente o al menos llegó demasiado tarde.

Comienzan las huidas de madrugada, las traiciones y los disfraces en un baile desesperado por salvar el oro y evitar la sangre. Y mientras la figura de El Capo va mermando debido a los ataques del Gobierno y a la sentencia de la justicia, el surfista canadiense perdido en el paraíso aprende que nadie puede escapar de Pablo Emilio Escobar Gaviria.

Lacuesta dibuja con brocha gorda la crisis española

La relación es proporcional entre el aumento de pobres y de ricos. Es una síntesis de lo que ha venido ocurriendo desde 2008 en medio mundo y nosotros no somos la excepción. Los dogmas se suceden. “La culpa es de todos”, dice uno de ellos. Pero unos pagan, otros cobran y el hastío general comienza a ser palpable. Es difícil predecir si llegará un punto de no retorno, si podremos, pero la codicia tiene algo de talibán, no se detiene ante nada. Y en tiempos tan desoladores, escritores, pintores, cineastas y artistas en general intentan manifestar que el gris panorama también les atañe. Aunque la afectación, eso sí, la exponen de mejor o peor manera.

Isaki Lacuesta consiguió una controvertida Concha de Oro en San Sebastián con la ficción Los pasos dobles sobre el pintor y escritor francés François Augiéras. Si repite la hazaña este año, no serán pocos los que pongan el grito en el cielo. El director utiliza uno de esos subterfugios que se han vituperado a los cuatro vientos para proteger a los dueños del cotarro como título de su última película, Murieron por encima de sus posibilidades. Cinco tipos acaban en un manicomio destrozados por la debacle económica y encuentran un plan para sacar a la humanidad del asfixiante aprieto.

Pero ni el surrealismo es tan desternillante como en Amanece que no es poco ni la burla es tan perspicaz como la de Bienvenido Mr. Marshall. El argumento está dibujado con brocha gorda y en forma de burda pataleta. Las imágenes de edificios abandonados a pie de mar o hombres con frac abrumando a resignados acreedores recuerdan cuáles son los orígenes y consecuencias de la debacle, pero las caricaturas son obvias y reconocibles. A la película de Lacuesta la salva un puñado de carcajadas, la aparición de actores tan relevantes como José Sacristán, Eduard Fernández o Luis Tosar, alguna secuencia meritoria, como la del monólogo de Albert Pla, y que el esperpento distraiga sin adormecer demasiado.

Una inmersión en el universo de Nick Cave

Hay para quienes la recesión resulta algo excesivamente mundano. Las depresiones del reverendo son de una índole bien diferente. Él susurra su liturgia, vocifera su hegemónico mandato, sus personajes deambulan por las calles que su imaginación asfalta. La inspiración está en una miríada de textos. Quizá haya sucumbido a Baudelaire, al igual que Jim Morrison, o puede que los demonios hayan emergido espontáneamente. Quien asiste a la ceremonia que preside sabe que el hombre del traje negro siempre desafía porque la provocación es su credo. Son los ademanes de quien se sabe superior. ¿Acaso no hay motivos? Dylan, Springsteen, ¿existe alguien más en estos días que pueda compartir altar con Nick Cave, Warren Ellis y el resto de Bad Seeds?.

La respuesta de dos antiguos estudiantes londinenses debe ser negativa. En 20.000 days on earth, Iain Forsyth y Jane Pollard detallan el submundo del genio australiano. No es un documental convencional, pero sus autores salvan los escollos. No se trata de conocer los detalles sobre la obra o ni siquiera la vida de su protagonista.

El objetivo es mucho más complejo, hay que utilizar imágenes, declaraciones y conversaciones que hagan palpable el universo de Nick Cave. Es probable que en algún momento el anhelo de escuchar alguna de las canciones de las que solo suenan fragmentos se haga incontenible. Pero es una cuestión de paciencia, de esperar que las ficticias 24 horas en la vida del compositor durante la grabación de su sobresaliente Push The Sky Away finalicen para tener una versión completa de la maravillosa Jubilee Street. Y es entonces cuando de nuevo nos volvemos a poner a sus pies y nos hacemos partícipes de la oscura epifanía.

Un emocionado Benicio del Toro ha recibido el Premio Donostia, por el “esfuerzo” a toda una carrera, que el actor ha dedicado al “pedacito de tierra” donde nació en Puerto Rico, donde fue por primera vez al cine y aprendió a “soñar”, “amar” y “respetarse sí mismo”.

“Cuando empecé como actor nunca pensé en recibir un premio como este, ni siquiera lo soñé”, afirmó el actor puertorriqueño en rueda de prensa horas antes de subir al escenario para recibir la distinción. “Es la primera vez que me dan un premio de ese tamaño, por toda una carrera”, añadió.

Del Toro ha recibido el segundo Premio Donostia de la 62 edición del Festival de Cine de San Sebastián de manos de otro actor latino, el cubano Jorge Perugorria, en un acto celebrado en un abarrotado auditorio del Kursaal, la víspera de la clausura del certamen donostiarra.

Poco antes de aparecer en el escenario, Del Toro ha desfilado por la alfombra roja, donde ha desatado la locura de las fans que han saludado a su ídolo y se han hecho “selfies” a la entrada del edificio donde se celebran las galas del Festival.

Tras una larga ovación, Del Toro ha tomado la palabra en el escenario y ha asegurado que las veces que ha estado en San Sebastián, “unas cuantas”, se ha sentido “siempre como en casa”.

“Ahora recibo este premio y el sentimiento que me suscita es 'suprasuperreal' porque veo quiénes lo han recibido” antes.

En una de esas visitas, ha continuado, acudió a un restaurante, “donde comí exquisito como en todas las esquinas de esta ciudad”, y le llamó la atención una fotografía en la que aparecía un pescador exhausto.

“A ese qué le pasó”, preguntó el actor, ante lo cual la camarera le contestó: “El esfuerzo”.

Con el Premio Donostia en la mano, el actor se ha preguntado a sí mismo: “¿Y esto?... El esfuerzo”.

Un esfuerzo que ha querido compartir con sus familia, sus maestros, los representes, los editores y todos lo que le han ayudado hasta alcanzar este punto de su carrera.

Sin embargo, el premio lo ha dedicado al “pedacito de tierra” nació, donde aprendió a jugar, donde “tiró su primera piedra y aprendió que no había que tirar más”, donde fue por primera vez al cine, aprendió a amar, a llorar y a respetarse a sí mismo.

“La tierra donde aprendí a soñar y a nunca perder la fe”, ha concluido, poco antes de abandonar el escenario acompañado de Perugorria, quien le ha definido como un “animal cinematográfico” dotado de un “espíritu trasgresor” que ha regalado al público papeles forman parte de la historia del cine.

Del Toro ha sido el protagonista de la jornada en el Festival, donde ha presentado su última película “Escobar: paraíso perdido”, en la que encarna al más famoso de los narcotraficantes colombianos bajo la dirección del director Andrea di Stefano.

Este es el último papel de una larga carrera de este actor que nació en San Juan en 1967, que se trasladó con su familia a Estados Unidos cuando tenía trece y que desde su debut en el cine, hace 25 años, no ha parado de dar vida a los personajes más diversos.

Ganador de un Oscar por su papel en “Traffic”, Del Toro ha sido en la pantalla Che Guevara o “Basquiat” y ha trabajado en películas como “Miedo y asco en Las Vegas”, de Terry Gilliam, “Snatch, cerdos y diamantes” o “21 gramos” de Alejandro gonzález Iñarritu, con la que obtuvo la segunda nominación al Oscar.

El primer Premio Donostia de esta edición correspondió a Denzel Washington que recogió el galardón el día de la inauguración del festival, el pasado viernes.

El actor Benicio del Toro recibirá el segundo Premio Donostia que el Festival de Cine de San Sebastián en su 62ª edición en reconocimiento a su trayectoria. El certamen cinematográfico donostiarra galardonará también con este premio al intérprete estadounidense Denzel Washington.

Del Toro estará en San Sebastián para recibir el galardón y presentar Escobar: Paradise Lost, una producción de Chapter 2 y Roxbury, comercializada internacionalmente por Pathé International y distribuida en Estados Unidos por Radius/TWC, que será la película de clausura de la sección Perlas del Zinemaldia.

El intérprete puertorriqueño recibió un Oscar de la Academia al mejor actor de reparto por su papel en Traffic de Steven Soderbergh, así como una nominación al Oscar por su interpretación en 21 gramos de Alejandro González Iñárritu. Más adelante, volvió a trabajar con Soderbergh, como protagonista en la película biográfica sobre el Che Gevara llamada Che. Gracias a su interpretación, en 2008 recibió la Palma de Plata al mejor actor en Cannes y al año siguiente repitió premio en los Goya.

Últimas apariciones

Benicio del Toro ha protagonizado El hombre lobo de Joe Johnston, junto a Emily Blunt y Anthony Hopkins, y ha interpretado el personaje de Lado en Salvajes de Oliver Stone, que pudo verse en el Festival donostiarra. Su última aparición en pantalla ha sido el pasado mes de agosto, en la película de ciencia-ficción Guardianes de la galaxia de Walt Disney Pictures y Marvel.

El próximo año interpretará a Mambrú en A Perfect Day de Fernando León y a Sauncho Smilax en Inherent Vice, dirigida por Paul Thomas Anderson. Actualmente, está rodando Sicario de Denis Villeneuve.

Los anteriores trabajos de Del Toro incluyen Sin City de Robert Rodriquez, Sin miedo a la vida de Peter Weir, El factor sorpresa de George Huang, El funeral de Abel Ferrara, Snatch de Guy Ritchie, Extraño vínculo de sangre y El juramento de Sean Penn, Secuestro infernal de Christopher McQuarrie, La presa de William Friedkin, Cosas que perdimos en el fuego de Susanne Bier, y Miedo y asco en Las Vegas de Terry Gilliam.

Su primera película fue Licencia para matar de John Glen, en la que Timothy Dalton interpretó el papel de James Bond. Además de ganar un Oscar de la Academia, ha recibido un Globo de Oro, un premio del Sindicato de Actores de Cine y un BAFTA, un Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín por Traffic, así como menciones por parte del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, la Sociedad Nacional de Críticos de Cine y la Asociación de Críticos de Cine de Chicago, entre otros galardones.

Nacido en Puerto Rico, Del Toro creció en Pennsylvania. Fue a la Universidad de California en San Diego, donde formó parte de numerosas producciones estudiantiles, y gracias a una de ellas participó en un festival dramático del Teatro Lafayette de Nueva York. Estudió en el Conservatorio Stella Adler, bajo la tutela de Arthur Mendoza.

El paraíso perdido

Escrita y dirigida por Andrea di Stefano, Escobar: Paradise Lost está protagonizada por Benicio del Toro en el papel de Pablo Escobar, y cuenta en su reparto con Josh Hutcherson (Los juegos del hambre), y Carlos Bardem, que acudirán a la capital guipuzcoana, y Claudia Traisac.

El protagonista del film es Nick, un joven surfista que cree que todos sus sueños se han hecho realidad cuando va a visitar a su hermano en Colombia y se enamora perdidamente de una bella colombiana llamada María. “Todo parece perfecto hasta que conoce al tío de la joven, un tal Pablo Escobar”, explican sus responsables. El filme clausurará la sección Perlas, y junto al actor visitarán San Sebastián el realizador y otros miembros del reparto como Bardem y Hutcherson.

Un irresistible equilibrio entre la luz y el paisaje sobre la superficie, mientras que en las profundidades agarran las raíces históricas y naturales. Los escenarios del oriente andaluz no solo han seducido desde hace medio siglo al mundo del cine internacional, sino que siguen haciéndolo sin lograr construir una industria alrededor. A todo ello se suma una nueva acción inusual, encontrar en una producción española a estrellas de Hollywood, y aún más en una película de Fernando León de Aranoa, un director tan antiestrella. Pero todo es posible en Granada.

Tim Robbins y Benicio del Toro protagonizarán 'A perfect day', la próxima película del director madrileño que comenzará a rodarse en la provincia granadina a mitad de marzo, según ha podido saber CineAndCine por fuentes de la producción y del sector. Todo es secretismo en torno a esta película producida por Reposado PC, la productora de los últimos filmes de León de Aranoa, y de la que también se desconocen los socios, madrileños y catalanes, que han ayudado a levantar el filme.

Lo único que ha trascendido es que el paisaje granadino recreará Bosnia, además de que la productora 1st Wanda Service busca extras de todas las edades (de 2 a 85 años), hombres y mujeres adultos de mediana edad, jóvenes, mayores, niños y niñas para esta película “que se rodará en La Zubia (Granada), durante los meses de marzo, abril y mayo del 2014 por el director Fernando León de Aranoa”, según la empresa.

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