Este 1 de abril, Apple cumple 50 años. Medio siglo después de que Steve Jobs, Steve Wozniak y Ronald Wayne fundaran la empresa en el garaje de los padres de Jobs en Los Altos, California, Apple se ha convertido en un gigante y miles de millones de personas utilizamos sus productos cada día. Desde los primeros ordenadores domésticos con pantalla a color que tuvieron éxito, pasando por el iPod, hasta el teléfono que sentó las bases de la era móvil moderna, la compañía ha redefinido repetidamente las expectativas de los consumidores.

Como resultado, la firma ocupa una posición central en el mundo tecnológico, impulsando tendencias y popularizando productos. Estos son cinco de sus productos más influyentes del último medio siglo, junto con algunos fracasos inusualmente sonados.

Los éxitos

Apple II (1977)

El Apple II situó a la pequeña y combativa startup en el mapa. Fue el primer ordenador personal de Apple destinado al mercado de masas, diseñado por Wozniak como una máquina completa y lista para usar, en lugar de una simple placa de circuito para aficionados, que era la norma en la informática doméstica hasta ese momento. El Apple II combinaba la electrónica, el teclado y la fuente de alimentación en una sola carcasa, y podía conectarse directamente a un monitor, haciendo que la informática pareciera mucho menos intimidante.

La filosofía detrás de esto era la simplicidad, afirma el analista de Apple Horace Dediu. “Cuando Steve Jobs analizó esto en los años 70, la pregunta era: 'Bueno, ¿cómo llevamos la tecnología a las masas?'. La respuesta fue: 'Haciéndola fácil de usar'”.

El Apple II ofrecía gráficos en color, lenguaje Basic (Beginner’s All-purpose Symbolic Instruction Code) en la memoria de solo lectura y ranuras de expansión, lo que fomentó un ecosistema floreciente de hardware y software de terceros, desde videojuegos hasta la hoja de cálculo VisiCalc, que lo convirtió en una herramienta de negocios. Los agresivos descuentos para el sector educativo ayudaron a introducirlo en las aulas estadounidenses, convirtiéndose en el primer ordenador que utilizaron muchos estudiantes. Su éxito transformó a Apple de una pequeña startup en una de las empresas que definieron la primera revolución de los ordenadores personales.

Macintosh (1984)

El siguiente gran cambio de paradigma en el que Apple estuvo involucrada fue el lanzamiento del ordenador personal Macintosh. A diferencia de las aburridas máquinas de línea de comandos en blanco y negro a las que la mayoría estaba acostumbrada, el Mac —bautizado así por el empleado de Apple Jef Raskin en honor a su variedad de manzana favorita— popularizó la interfaz gráfica de usuario, con ventanas, iconos, menús y un ratón, trasladando ideas pioneras de todo el sector de la informática a un producto de consumo asequible e integrado.

El famoso anuncio de la Super Bowl “1984”, dirigido por Ridley Scott, lo posicionó como una alternativa moderna y rebelde frente al gris mundo de los ordenadores de IBM, y las accesibles vías de interacción en pantalla hicieron que los ordenadores dejaran de parecer herramientas para especialistas y se convirtieran en dispositivos que cualquiera podía aprender a usar.

“La clave de dónde Apple se estableció realmente, incluso desde el principio y todavía hoy, es que decidió conquistar, dominar y controlar la interfaz humano-computadora”, afirma Dediu.

iMac G3 (1998)

Más de una década después del Macintosh, Apple volvió a dar un toque de atractivo a los ordenadores personales. Abandonó las cajas de color beige en favor de máquinas “todo en uno” translúcidas, disponibles en una gama de colores brillantes, que se convirtieron al instante en iconos del diseño y protagonizaron una oleada de divertidos anuncios de televisión.

“Lo importante que hay que recordar sobre aquellos iMac era que internet era la gran novedad”, explica el analista de Apple Avi Greengart, que dirige Techsponential, una firma de análisis tecnológico. Aunque hoy recordemos los vibrantes colores de caramelo que captaban la atención hacia los dispositivos, las entrañas del hardware fueron igual de importantes para su éxito. “Los anuncios mostraban cuántos cables y conexiones hacían falta para conectarse a internet, y eran dos”, dice Greengart. “La sencillez de ese diseño, donde todo estaba integrado, resultaba accesible y divertida; el diseño estaba a otro nivel”.

Todo eso se combinó para que el iMac G3 fuera un éxito arrollador, según Greengart. “Si solo hubieran lanzado diseños increíblemente atractivos, no habría sido suficiente. Y lo sabemos porque hubo una empresa que hizo exactamente eso en aquella época. Se llamaba Sony”. Los ordenadores Vaio de Sony eran considerados la vanguardia del diseño informático de los 90, pero la facilidad de uso adicional de Apple ayudó a que los eclipsara.

iPod (2001)

Hoy en día, la potencia de nuestros smartphones hace que no necesitemos dispositivos independientes para escuchar música, pero al cambiar el milenio, en la era de los Walkman y los reproductores de CD, el iPod fue un producto revolucionario. El reproductor de música blanco de Apple, que cabía en cualquier sitio, ofrecía la cifra inaudita de “1.000 canciones en tu bolsillo” gracias a su diminuto disco duro, una estrecha integración con iTunes y una sencilla interfaz de rueda de desplazamiento que permitía navegar por grandes bibliotecas sin complicaciones.

No fue el primer reproductor de MP3, pero sí el primero en sentirse un producto para el gran público, combinando un hardware impecable, una sincronización de música sencilla y un marketing memorable construido en torno a una serie de anuncios icónicos con siluetas bailando y auriculares blancos. A lo largo de sucesivas generaciones, el dispositivo se hizo más pequeño, ganó capacidad de almacenamiento, incorporó pantallas a color y vídeo, y se convirtió en un fenómeno cultural que revitalizó el negocio de Apple en la década de los 2000. Pero, posiblemente igual de importante, acostumbró a millones de personas a comprar contenidos digitales a través del ecosistema de Apple, allanando el camino para el iPhone y la App Store que vendrían después.

iPhone (2007)

Apple no lanzó el primer smartphone (ese pie de página en la historia le corresponde al Simon Personal Communicator de IBM, un voluminoso dispositivo con pantalla táctil lanzado en 1994 que combinaba un teléfono móvil con funciones de asistente digital como correo electrónico, fax y calendario), pero sí popularizó el producto cuando presentó el iPhone en 2007.

Cuando Jobs realizó la demostración en vivo de las capacidades del iPhone, algunos no creyeron que fuera real. “Fue una de esas cosas en las que no estabas seguro de que lo que mostraban en el escenario fuera de verdad hasta que lo tenías en tus manos y veías el efecto de rebote al desplazar la pantalla”, comenta Greengart. Aquello ayudó a instaurar las normas que hoy damos por sentadas al interactuar con los dispositivos, como desplazarse, deslizar, tocar y pellizcar la pantalla para hacer zoom con los dedos.

Junto a su intuitiva facilidad de uso, la razón por la que el iPhone tuvo tanto éxito fue porque estableció un principio que Apple ha mantenido como eje central de su trabajo y que le ayuda a diferenciarse de la competencia: un control casi absoluto sobre su ecosistema.

El iPhone dio origen a la App Store, que estandarizó las formas en que se podían controlar los servicios en el dispositivo, tanto en el funcionamiento de las aplicaciones como en su aspecto y manejo. “Sus mejores productos son los que controlan totalmente”, afirma Carolina Milanesi, fundadora y analista principal de The Heart of Tech, una firma de consultoría e investigación de mercado.

Greengart coincide: “Todo se basa en entrar en el ecosistema de Apple y descubrir su jardín; tanto si la altura de sus muros es de tu agrado como si no, es un lugar condenadamente agradable en el que pasar el tiempo”.

Los fracasos

Apple III (1980)

Al igual que ocurre con las secuelas cinematográficas, la tercera versión del producto homónimo de Apple fue un tanto estrepitosa. Por mucho que el Apple II supusiera un soplo de aire fresco para la compañía, el Apple III, lanzado apresuradamente al mercado tres años después, fue un error de dimensiones considerables.

Diseñado como una actualización orientada a los negocios con mejores gráficos, teclado integrado y más memoria, el equipo sufrió fallos de hardware catastróficos, incluyendo graves problemas de sobrecalentamiento debido a la insistencia de Jobs en un chasis sin ventiladores. Los chips se salían de sus zócalos debido a la expansión térmica y a un montaje defectuoso, lo que obligó a Apple a recomendar a los usuarios que levantaran la máquina unos centímetros y la dejaran caer para que volvieran a encajarse en su sitio: una solución humillante que dañó la reputación de la marca. Con un precio de 4.340 dólares, muy por encima del Apple II, también presentaba algunas decisiones de diseño impropias de Apple, como pantallas que solo mostraban mayúsculas, lo que frustró a los usuarios y provocó unas ventas ínfimas. Apple dejó de fabricarlo apenas dos años después de su lanzamiento.

Macintosh Portable (1989)

El primer Macintosh alimentado por batería fue el presagio de los portátiles que mucha gente utiliza hoy en día en lugar de los aparatosos ordenadores de sobremesa. Pero, aunque ahora codiciamos los MacBook de Apple, elegantes y fabricados con precisión, su primera incursión en este campo fue un fracaso estrepitoso. La compañía gastó un millón de dólares en un ostentoso lanzamiento en un anfiteatro de California, reuniendo a más de 5.000 probadores de productos para verlo, algo inusual para la época.

Apple aspiraba a vender 50.000 unidades del Mac Portable, que con todas sus prestaciones técnicas alcanzaba un precio de 8.000 dólares. Sin embargo, el público lo rechazó. “Es demasiado grande, demasiado pesado y demasiado caro”, fue el demoledor veredicto del Los Angeles Times. Para 1990, el precio se había desplomado hasta los 1.000 dólares. Aun así, no se vendió; Apple dejó de fabricarlo en 1991.

Newton MessagePad (1993)

Los expertos de Apple están divididos sobre el papel que el iPad ha desempeñado en la historia de la compañía; algunos sugieren que ha ocupado mayoritariamente una posición incómoda, al no ser tan bueno como un portátil ni tan útil como un smartphone. No obstante, Apple los vende a espuertas, con cientos de millones de unidades comercializadas desde su lanzamiento en 2010. Pero poca gente sabe que fue el segundo intento de Apple con un dispositivo tipo tableta.

El Newton MessagePad aspiraba a liderar el mundo de los asistentes digitales personales. Tenía pantalla táctil, reconocimiento de escritura con lápiz óptico, correo electrónico, fax y funciones de calendario, todo en un dispositivo de mano. Sin embargo, su sistema de reconocimiento de escritura, famoso por su falta de precisión —e inmortalizado en Los Simpson por deformar frases sencillas como “Beat up Martin” (traducido en España como “Morder a Martin”) y convertirlas en “Eat up Martha” (Cómete a Martha)—, lo transformó en el hazmerreír de la industria. Además, su elevado precio (700 dólares) y los problemas de duración de la batería hundieron las ventas. Los modelos posteriores mejoraron, pero Jobs canceló la línea a su regreso a la empresa en 1997, aunque el concepto del Newton MessagePad ya presagiaba lo que estaba por venir.

Apple Pippin (1996)

Es posible que no supieras que Apple lanzó una videoconsola allá por los años 90 (bautizada, al igual que el Macintosh, con el nombre de una variedad de manzana). En parte, esto se debió a la locura de la guerra de consolas de la época, en la que la PlayStation de Sony, la Nintendo 64 y la Sega Dreamcast competían por la cuota de mercado. Pero también se debió a que la Apple Pippin, codesarrollada con Bandai en Japón, simplemente no era muy buena.

Comercializada como “@world” en EEUU, esta consola de 599 dólares presumía de su versatilidad multimedia como máquina para jugar, reproductor de CD y dispositivo de internet mediante módem y un mando personalizado (su diseño en forma de bumerán estaba, como ocurría a menudo con Apple, adelantado a su tiempo). Sin embargo, un catálogo de lanzamiento lamentable de solo 18 títulos, muchos de ellos exclusivos para Japón, la dejó desértica frente a los éxitos de sus rivales, como Final Fantasy VII. Además, su rendimiento mediocre y su elevado coste la condenaron desde el primer día.

La Pippin fracasó estrepitosamente en EEUU con solo 12.000 unidades vendidas, y ni siquiera los precios de liquidación lograron reanimarla. (No fue solo un problema estadounidense: apenas vendió 30.000 unidades en un Japón loco por los videojuegos). Jobs la fulminó a su regreso en 1997 para volver a centrarse en los puntos fuertes de la empresa; las críticas la destrozaron calificándola de “demasiado lenta, demasiado cara y falta de juegos”, consolidando su lugar como el callejón sin salida más vergonzoso del hardware de Apple. ¿La lección para Apple? “Cuando tratan con algo sobre lo que no tienen el control total, les resulta más difícil”, afirma Milanesi.

Apple Vision Pro (2024)

El tropezón más reciente y sonado de Apple es el Vision Pro, su visor de “computación espacial” de 3.499 dólares, lanzado a bombo y platillo acompañado de afirmaciones del director ejecutivo Tim Cook de que redefiniría nuestra forma de trabajar e interactuar con la tecnología. Sin embargo, dos años después, se ha convertido en la moraleja de un producto que se adelantó demasiado al apetito del consumidor: su socio Luxshare detuvo la producción a principios de 2025 tras unas ventas desastrosas. Los analistas estiman que se enviaron 390.000 unidades en 2024, seguidas de 45.000 en el cuarto trimestre de 2025; calderilla comparado con el número de iPhones vendidos, que rozó los 250 millones en 2025.

Parte de la razón es que el Vision Pro no es un dispositivo cómodo de llevar. Es pesado, tiene una autonomía de batería escasa y puede producir “síntomas de malestar visual” tras un uso prolongado. Los críticos señalaron que, aunque las demostraciones de sus capacidades eran impresionantes, resultaba poco práctico para la vida real, un problema similar al que enfrentó el Newton al adelantarse a su tiempo. Por ese motivo, Dediu cree que no deberíamos descartar el Vision Pro todavía. “Sé que todavía parece un callejón sin salida. Lo fue para Meta. Lo fue para muchas empresas, pero quizá aún sea demasiado pronto”, afirma. ¿Le damos otro medio siglo, tal vez?

Actualmente, la saga Animal Crossing es una de las más vendidas de Nintendo, con millones de copias. Así, por ejemplo, su versión para Nintendo Switch Animal Crossing: New Horizons es el segundo con más ventas de la historia de esta consola con casi 50 millones.

Una saga que se ha consolidado como una de las más importantes de Nintendo, y que celebra este 2026 su 25 aniversario desde su primer lanzamiento, que fue para la extinta Nintendo 64, que fue superada por la PlayStation a principios del milenio. Su historia, sin embargo, esperaba ser diferente a lo que ha sido.

Los inicios de Animal Crossing: el intento de salvar la Nintendo 64

Nos situamos en 2001. Entonces se daba una competición de consolas entre la Nintendo 64 y la Sony PlayStation por hacerse con este segmento del mercado, y en él parece que iban ganando los últimos. Sin embargo, la marca japonesa no quería rendirse y quería dar un nuevo título desarrollado para esta.

Así, para la consola de 64 bits, Nintendo quería dar una experiencia completamente distinta, que por eso generó una gran expectación, y aquí nació “Dōbutsu no Mori” (Animal Forest en japonés) que inauguró un nuevo género llamado “comunicación”. El 14 de abril de 2001 apareció la primera publicación en formato cartucho para Nintendo 64, desarrollado por Takashi Tezuka, Katsuya Eguchi y Hisashi Nogami.

En Animal Forest, el jugador tomaba el papel de un humano que se iba a vivir a un pueblo habitado por animales, con los que tenía que llevarse bien para prosperar. Todo ello en tiempo real, es decir, que siempre que se comenzaba a jugar era siempre el mismo día y hora, con sus rutinas, horario comercial de tiendas y fechas señaladas del calendario real.

El cambio al actual nombre Animal Crossing se produjo cuando se lanzó una versión para GameCube en diciembre de 2001, apareciendo con esta denominación para el mercado europeo. Esto hizo que esta saga haya aparecido en cada una de las consolas lanzadas por Nintendo desde entonces, siendo uno de los videojuegos más consolidados.

El origen e historia de Animal Crossing: una idea inicial diferente

En sus orígenes, la saga Animal Crossing tenía otro concepto, y es que podría haber sido un juego de rol. Esta era la primera idea que tuvieron sus creadores, como reveló Satoru Iwata en una entrevista para NintendoWorld Report en 2008:

“Durante las fases iniciales de planificación ni siquiera se había pensado en hacer algo parecido a lo que es ahora”, reconocía a la vez que explicaba que en la primera idea el jugador era un héroe que tenía que pasar por diferentes mazmorras guiado por animales, que como compañeros le otorgaría una fortaleza distinta.

El problema llegó cuando se planteó que en un punto necesitaría la ayuda de otro jugador para tener mayor fortaleza, porque estaba destinado a usar la herramienta multijugador y el accesorio 64DD, que hacía que tuvieran que “comunicarse entre sí”. Pero el fracaso de esta herramienta, que permitía conexión en Internet, hizo que se cambiara de opinión y se modificara el juego hasta crear el actual Animal Crossing.

Después de meses de rumores sobre la esperadísima Nintendo Switch 2, el aparato fue presentado oficialmente en abril mediante un directo en el que la gran sorpresa fue el anuncio de Donkey Kong Bananza. Este es el primer videojuego protagonizado por el icónico simio en mucho tiempo y también el primero en plataformas 3D en más de 26 años. Su llegada parece indicar que la compañía nipona se está esforzando por rescatar a un personaje al que, de hecho, deben su éxito internacional.

Quien comenzó como una némesis simplona del fontanero Mario se ha convertido en una pieza clave de la nueva estrategia empresarial, que pasa por impulsar el crossmedia a la vez que siguen innovando en el terreno jugable. Con los rumores de que tiene una película propia en camino y el estreno de su última aventura en solitario —que es, además, el segundo título exclusivo de la recién estrenada consola, toda una declaración de intenciones— vuelve a ponerse el foco en un protagonista que ha sabido impulsar el progreso en un medio en el que todavía tiene mucho que decir.

En la presentación española de Donkey Kong Bananza, Nintendo ha hecho énfasis en las conexiones que establece esta obra con el cine, en concreto con el de animación. Pero la relación del simio con el séptimo arte se remonta a su propio nacimiento. A finales de los 70, Nintendo se encontraba en un momento delicado en el mercado norteamericano. Para conquistarlo, acudieron a Popeye, el personaje de las tiras cómicas de Elzie Crisler Segar. De hecho, la ambientación en un edificio en obras nace del cortometraje Popeye el Marino: Olivia sonámbula. La dificultad de volver reconocible al marinero en ese primigenio pixel art y ciertos problemas con la licencia llevaron al joven Shigeru Miyamoto —quien crearía, entre otros, al Mario que hoy conocemos y la saga The Legend of Zelda— a apostar por personajes propios.

Popeye, Brutus y Olivia daban paso a Jumpman, el proto-Mario, Donkey Kong, la mascota enfurecida del protagonista, y la secuestrada Pauline. Con esta premisa tan sencilla, que bebía del King Kong de 1933 y de La Bella y la Bestia, Miyamoto creaba una mínima narrativa que en aquel momento resultó novedosa. Pese a que muchas veces se ha rumoreado que el nombre del simio provenía de un error de traducción entre donkey (burro) y monkey (mono), con él quería encapsular la esencia algo tontorrona y cabezota del personaje, a la vez que apelar a la audiencia estadounidense. Fruto de esta estrategia nacen el videojuego arcade Donkey Kong y dos personajes que cambiarían el medio.

Su innovación como uno de los primeros títulos de plataformas y el hecho de introducir una narrativa, por rudimentaria que fuera, hicieron que triunfara rápidamente. Tras su estreno en 1981, Nintendo pudo asentarse por fin en Estados Unidos, aunque también se las tuvo que ver con la denuncia de Universal City Studios, quien consideraba que el videojuego infringía los derechos de autor de su franquicia King Kong. Finalmente, perdieron el juicio, pero con la distancia que otorga el tiempo resulta interesante observar cómo esas barreras de influencias han quedado difusas, sobre todo ahora que Bananza tiene la vista puesta más que nunca en el cine y que los monos han dejado de ser solo una amenaza.

Del villano bobalicón al héroe más mono

Tras debutar por la puerta grande, Donkey Kong tuvo presencia en series de televisión como Saturday Supercade y un par de continuaciones: en la primera, su hijo intentaba rescatarlo de las garras de Mario, en su única aparición como villano, y en la segunda irrumpía en el invernadero de Stanley, un supuesto primo del fontanero, que le fumigaba para evitar que acabase con sus flores. El funcionamiento desigual de estas secuelas hicieron que el simio quedara en el olvido hasta la década de los 90.

El estreno en 1994 del innovador Donkey Kong Country para la NES renovó al personaje al mismo tiempo que expandía su universo. El videojuego, además de por sus mecánicas, recibió grandes críticas por su gran diseño, tanto por el cuidado aspecto visual como por la banda sonora, dos elementos que Bananza ha querido tener también muy en cuenta. Curiosamente, en este título se explica que a quien ahora conocemos como Donkey no es el protagonista del arcade original, sino que ese era su abuelo, ahora llamado Cranky Kong. Tal fue el éxito de este revival, que los personajes hasta protagonizaron una nueva serie de animación, la primera mediante captura de movimiento, El país de Donkey Kong.

En los siguientes años, se publicó la trilogía Donkey Kong Land para Game Boy y varios spin offs, algunos con propuestas tan sorprendentes como el videojuego de ritmo Donkey Kong Jungle Beat, que venía acompañado de unos reconocibles mandos en forma de bongos. También en 2004 se inició la saga Mario vs. Donkey Kong, en la que el simio vuelve a quedar como un secundario simplón a quien su obsesión por los juguetes Mini-Mario lleva a enfrentarse con el italiano. De esa manera, da la sensación de haber estado dando bandazos respecto a su personalidad y papel, pues no es hasta los últimos años que definitivamente ha pasado de villano ramplón a protagonista carismático.

Adiós a los secuestros, hola a los puñetazos

Con todo esto en mente llega Donkey Kong Bananza, un videojuego realizado por el mismo equipo del laureado Super Mario Odyssey, que presenta un rediseño del personaje con el que buscaban transmitir todo su “encanto” y, de algún modo, alejarse del tono más gamberro que lucía en los 90 para volverlo adorable, muy en la línea de lo que funciona en la actualidad, como también le ha sucedido al alienígena Stitch. En el evento de presentación celebrado en Madrid, los responsables de Nintendo han destacado que la producción del título es muy cercana a las de las películas de animación, por lo que parece evidente que quieran tender puentes cada vez más firmes entre ambos mundos. Es por eso que, aunque Donkey Kong es capaz de abrirse camino a través de puñetazos en el nuevo videojuego, lo emparejan con una adorable cantante para que la dupla resulte más atractiva para todos los públicos.

El origen de su aliada en esta aventura es curioso, pues forma parte de la tríada original del arcade, ya que ella era la joven secuestrada por el simio, Pauline. En sus primeras apariciones su aspecto y rol son más similares a los de la Peach inicial, pero, al igual que la princesa del Reino Champiñón, su papel ha pasado de ser una secundaria a una mujer con personalidad propia. Ha aparecido en varios títulos, particularmente de Mario vs Donkey Kong, en los que pasa de ser amiga a secuestrada por Donkey Kong sin mucha continuidad. No es hasta Super Mario Odyssey que le dan una personalidad, ya que es presentada como alcaldesa de la ciudad Nueva Donk y como cantante de jazz, en lo que quizá sea un guiño a los libros de colorear de los 80, en los que ella ya aparecía asociada al mundo de la música.

Ahora es una joven de 13 años y su voz juega un papel fundamental, pues es la que desencadena las transformaciones del protagonista, que les permitirán avanzar por los diferentes escenarios. Con esta decisión se alejan de la vinculación con el secuestro y apuestan por un cliché que ha ganado popularidad en los últimos años: el del varón que se ablanda tras tener que hacerse cargo de una niña. Este estereotipo, presente en videojuegos como The Last of Us o Death Stranding ha tenido también su eco en series como The Mandalorian o películas como Monstruos S.A. o ¡Rompe Ralph!, dos claros referentes con los que quiere asociarse Nintendo. El último caso es especialmente curioso por cómo la inspiración de los protagonistas viene inicialmente de los videojuegos de la compañía nipona, de manera que las producciones se retroalimentan y los roles se vuelven cada vez más rígidos.

Más allá de esto, lo probado durante la presentación permite ver un videojuego divertido, repleto de escenarios coloridos y una banda sonora con entidad propia, cuidada y enérgica, que mezcla las composiciones originales con nuevas piezas de Kenta Kubo. La mecánica de avanzar a base de golpes es realmente gustosa, por lo que la aventura promete ser entretenida, y tanto una buena puerta de entrada para nuevos fans del personaje de todas las edades como una reafirmación de la presencia que cobra Donkey Kong cuando se le permite brillar, con toda su brutalidad y comedia intactas, pero abrazando también la ternura y el trabajo en equipo.

Mirar al pasado para encarar el futuro

En realidad, Donkey Kong no ha estado completamente olvidado en los últimos años, ya que ha tenido un papel notable en otros títulos del universo, como Super Smash Bros. o Mario Kart. También aparece en la adaptación animada de Universal Pictures e Illumination Entertainment, donde le pone voz Seth Rogen en versión original y su papel fue bastante celebrado. Tampoco hay que pasar por alto que menos de un año después de la película, el parque de atracciones Universal Studios Japan abría la primera expansión del área de Super Nintendo World, que se centraba exclusivamente en el mundo de Donkey Kong.

La estrategia de Nintendo de ir dando protagonismo a cada uno de sus personajes clave está muy pensada y nace de manera transversal, pues va mucho más allá de las consolas. Ya no dejan que sus IP deriven en productos secundarios sobre los que no tienen el control. Que el rediseño ideado para Donkey Kong Bananza es el que se ha tomado como modelo en Super Mario Bros: La película y Mario Kart World demuestra que tienen todo calculado. Ahora que acaban de anunciar los actores protagonistas del live action de The Legend of Zelda, parece claro que han sabido aprovechar las posibilidades crossmedia del cine mainstream y que quieren convertirse en un gigante absoluto del audiovisual. Solo queda ver si seguirá mirando a sus orígenes para proyectar hacia el futuro y en qué nuevo medio son las próximas aventuras del mono con corbata más querido.

Un fontanero que se reinventa como cazafantasmas fue el punto de inflexión que terminó de ensalzar a una figura en la sombra. Luigi, el hermano del famoso icono de Nintendo, pasó de ser un secundario simpaticote a una estrella capaz de eclipsar al mismísimo Mario. La buena recepción que tiene su faceta más asustadiza en títulos como Luigi’s Mansion 2 HD, la remasterización del videojuego de 2013 que acaba de llegar a Nintendo Switch, permite comprobar lo lejos que ha llegado un personaje nacido para ser una comparsa. Pero, ¿por qué conecta tan bien con la audiencia?

“Ningún videojuego de Mario se caracteriza por tener una narrativa profunda o que busque explorar la psique de los personajes, pero en la saga Luigi’s Mansion el hermano menor está más definido” razona Salva Tabone, antropólogue e investigadore de narrativa audiovisual. Para el periodista cultural Juan T. Salas, “ver cómo enfrenta sus miedos o sacrifica su apacible calma con tal de salvar el día conecta mejor con los jugadores que ver a Mario flotando por encima del suelo del Reino Champiñón”. “Luigi tiene los pies en la tierra, es uno de nosotros”, declara.

Por su parte, Eric Rodríguez de Leyendas & Videojuegos explica que “la IP de Super Mario ha crecido tanto que su protagonista se ha quedado encorsetado en poco más que un avatar familiar y amable”, lo cual “limita mucho lo que puede decir y hacer”. “Sin embargo, esto no se aplica al resto de personajes de su universo, que tienen algo más de margen para definirse como entes independientes”, prosigue, “Luigi es uno de los que más se aprovecha de ello”. 

De ahí que, a diferencia de Mario, sea mostrado con rasgos a priori negativos como ser cobarde, una característica que, empero, no aleja a la audiencia. Salas considera que, mientras que “es sencillo apoyar a los héroes perfectos que cumplen con todo aquello a lo que aspiramos, con el tiempo aprendemos a valorar a los personajes que muestran sus miedos”.

Construyendo a un ídolo asustadizo

“Su estatus de tremendo segundón, que se complementa muy bien con no ser un héroe típico” también apela a la audiencia según Tabone. Al fin y al cabo, Luigi nace de la necesidad de tener opción para un segundo jugador en los primeros títulos de la franquicia. Inicialmente su peto verde era la única diferencia, su mayor estatura y personalidad se fueron perfilando poco a poco. En juegos como Mario Party se comenta que Luigi es más inteligente, y de títulos como Super Mario Bros sabemos que salta más alto y que es más veloz, características propias frente a las habilidades genéricas de Mario. 

Cuando se convierte en protagonista, su personalidad se desarrolla. Es cierto que en 1992 fue el héroe que salvaba a Mario —en un viaje que le llevaba hasta España— en el videojuego educativo Mario is Missing!, pero este no es un título oficial de Nintendo. Hubo que esperar hasta 2001 para su primera aventura canon como protagonista, cuando el Luigi’s Mansion original llegó a Gamecube, convirtiéndose en uno de los grandes lanzamientos de la consola y catapultando a la fama al de verde, que tendría que moverse por tétricos entornos para absorber los fantasmas que le aguardaban en la oscuridad solo armado con una aspiradora.

Ver cómo enfrenta sus miedos o sacrifica su calma con tal de salvar el día conecta mejor con los jugadores que ver a Mario flotando por encima del Reino Champiñón. Luigi es uno de nosotros

Juan T. Salas — Periodista experto en videojuegos

Esta faceta cobardica se había manifestado antes, tanto en los cómics oficiales de los 90 como en los anuncios de acción real en la época de Atari, pero aquí es dónde perfeccionan uno de sus rasgos característicos. Para Rodríguez, aunque en “Mario & Luigi podemos ver la férrea relación fraternal que tienen los hermanos, en Luigi's Mansion es donde realmente brilla su personalidad”. “Luigi no quiere estar en ese lugar, pero entre sollozos y sustos, supera los retos. Es imposible no empatizar con un personaje así”, asegura.

Para el periodista cultural, este título también es “un punto de inflexión esencial” del personaje. Señala que la remasterización de Luigi’s Mansion 2 es “una buena oportunidad para que mucha gente se acerque a la saga, como también lo fue la tercera entrega”, y resalta que “Luigi’s Mansion 2 HD supone un regreso al hogar para quienes lo jugaron en Nintendo 3DS, pero también hace las cosas muy bien para que los neófitos no perciban ninguna barrera insalvable, pues cuesta no esbozar una sonrisa durante toda la partida porque tanto el juego como su protagonista tienen un corazón inmenso”. Eso sí, sopesa que actualizaciones de clásicos como esta “se podrían hacer de forma menos agresiva con el bolsillo de los jugadores”.

El poder de una carcajada

Queda claro que para Mario el desafío está en el reto externo, pero Luigi debe enfrentarse a sus inseguridades primero para salvar a su hermano y amigos. Salas cree que por eso son “fácilmente diferenciables”. Además, el hermano menor también destaca por un notable sentido del humor: más expresivo que el protagonista, su revelador rostro y su apuesta por el slapstick, acompañadas de la acertada voz de Charles Martinet, hacen que sea divertido simplemente verlo en escena. No es casualidad que en la reciente Super Mario Bros: La película sea colocado en una situación de peligro para rebajar la tensión con las risas.

“Luigi se puede permitir mirar mal a alguien tras atinarle con un caparazón, no tiene que ser el héroe perfecto de cuento”, recalca el periodista, consciente de que Luigi se ha convertido en un querido y poderoso meme, precisamente por sus caras y personalidad. En ese sentido, Rodríguez sostiene que “Internet ha hecho buena labor con él, cosas como el ‘Luigi wins by doing absolutely nothing’ [Luigi gana sin hacer absolutamente nada] o el ‘Luigi Death Stare’ [La mirada de la muerte de Luigi] de Mario Kart han generado oleadas de apreciación al personaje nacidas del humor roto de Internet”. 

Tabone matiza que, además, como no está tan profundamente desarrollado, se le pueden dar muchos matices. En lo personal, considera interesante que no representa una masculinidad tan tradicional como la de Mario, de modo “se le podría asociar a las nuevas masculinidades”, y hasta bromea con que “Luigi podría ser tu moderno de Madrid que se está deconstruyendo”. Lo que tiene claro es que es un personaje del que nos podemos reír, pues “frente a un Mario aspiracional, que Luigi utilice el humor y el miedo nos hace conectar más con él”.

Queremos héroes imperfectos

Antes del estreno de Super Mario Bros: La película, la web especializada en videojuegos Cribbage Online realizó una encuesta en la que 87.000 personas votaron su personaje favorito de la franquicia, lo que dio como ganador a… Yoshi, el pseudo dinosaurio que acompaña a los hermanos en sus aventuras. En la misma línea se manejan los entrevistados, pues Rodríguez “diría Waluigi por ser fiel a Internet y darle un poco de amor al antagonista alto y desgarbado”, y Salas comenta que en Mario Kart siempre elige al esquelético Huesitos. 

Pero, como ocurría en la citada encuesta, la segunda posición la ocupa el fontanero de verde. Eric Rodríguez recuerda cuando jugó por primera vez a Luigi's Mansion: “me fascinó ver el potencial que tenían los personajes secundarios del universo Super Mario, y cualquier personaje dentro de una IP tan grande que tenga espacio para tener unas gotitas de personalidad a mí ya me tiene ganado”.

Está convencido de que “a nivel marca y popularidad, Super Mario está a la altura de Mickey Mouse”. “Es el símbolo de los videojuegos por antonomasia, mientras que Luigi sigue siendo un personaje secundario con un par de spin-offs de nicho”, concluye. Al final, Mario es más mascota que persona, con unos rasgos muy limitados, por lo que no es de extrañar que la audiencia se sienta más interpelada por un héroe imperfecto y bonachón, que mediante sus flaquezas, fragilidad y sentido del humor se siente cercano. 

Por eso, le antropólogue Salva Tabone también reconoce que prefiere al hermano menor. “Y no porque Luigi sea mi segundo nombre, sino porque a veces queremos conectar, más que con los héroes, con alguien a quien le cuesta llegar a buen puerto”, expresa. Aunque, como destaca Juan T. Salas, “¿para qué elegir sólo a uno pudiendo jugar con ambos? A tope con el amor fraternal”.

Cambian el nombre del videojuego y las voces de los comentaristas en español, los icónicos Manolo Lama y Paco González, pero la novedad para 2024 del videojuego futbolístico por excelencia que más ampollas ha levantado es que habrá equipos mixtos. Jugadoras como Alexia Putellas podrán compartir vestuario o enfrentarse a jugadores como Kylian Mbappé en el modo Ultimate Team, una forma de juego en la que cada usuario construye su propio equipo y que hasta ahora solo incluía a los hombres. La noticia ha desatado una oleada de comentarios machistas en foros y redes sociales que incluso han hecho reaccionar a Electronic Arts, la empresa desarrolladora del videojuego.

“Nos sentimos muy convencidos al respecto”, ha afirmado el productor ejecutivo de la compañía, John Shepherd, en una entrevista con IGN. La idea ha sido “profundamente reflexionada” y en la decisión ha influido la creencia de que “podemos desempeñar un papel muy importante en el crecimiento” del fútbol femenino incluyéndolo de esta forma en una de las modalidades de juego más utilizadas, en la que se pueden combinar futbolistas de distintas ligas o incluso épocas en una misma plantilla.

No significa que en el nuevo FIFA 2024, que tras la ruptura con la Federación Internacional pasará a llamarse EA Sports FC 24, solo haya equipos mixtos. Las ligas seguirán siendo masculinas o femeninas y los equipos contarán con los jugadores que tienen en la realidad. De hecho las de mujeres han ido añadiéndose progresivamente y será una novedad también en 2024 la incorporación de las ligas española y alemana. Sin embargo, el Ultimate Team es un modo en el que cada jugador parte de cero montando su propia plantilla y logra recompensas para desbloquear las cartas de los futbolistas.

Numerosos comentarios de hombres ofendidos con la decisión pueblan las redes, en algunos casos incluso llamando a boicotear el videojuego. Los hay que directamente lo califican de “aberración”, “una cagada soberbia”, “una basura total” o “el tope del surrealismo”. “Qué pereza y qué asco”, dice un usuario de Twitter. Todo ello sin dejar de apostillar que “no es machismo ni nada por el estilo”, habitual en las opiniones. “Arranco diciendo que no tengo nada absolutamente en contra de las mujeres [...] Al 95% de los fans del fútbol no les importa el fútbol femenino que es casi amateur”, afirma otro en el foro 3DJuegos.

Otro opina que “nos quieren meter el fútbol femenino con calzador”, otro “hubiera visto bien meterlas [a las mujeres] como algo complementario” y un tercero apunta a que “bajan las probabilidades” de que de entre las cartas de jugadores “te salga algo bueno” porque “también saldrán mujeres”. “Y el año que viene que pongan caballos”, apuna otro comentario.

Un “sesgo machista” es lo que tiene claro la periodista deportiva de Newtral Mamen Hildalgo que hay detrás de este tipo de opiniones, que trascienden al ámbito de los videojuegos, asegura. “La sociedad ha evolucionado mucho en la concepción del fútbol femenino, no tiene nada que ver, pero hay un problema de base y es que aún hay un entorno muy resistente a que las mujeres avancen. Además creo que es una cuestión de pura ignorancia, apuesto a que esta gente no se ha molestado en ver un rato de fútbol femenino”, sostiene la experta, que está ahora mismo cubriendo el Mundial de Australia y Nueva Zelanda.

¿Es realista que Mbappé y Cruyff compartan equipo?

Sin embargo, la crítica estrella de quienes se han posicionado contra la decisión del EA Sports FC 24 es que incluir a las mujeres no es realista, tanto porque no existe el fútbol mixto a ese nivel como porque habrá fichas de jugadoras con una puntuación (que se decide en función de varias estadísticas) igual a la de otros jugadores. Sostienen estas críticas que el videojuego tendrá que “inventarse” las capacidades de las mujeres para que puedan competir contra los hombres.

“Más allá de que ellas tengan todo el derecho a estar presentes en el videojuego de fútbol más popular de la última década, es que el argumento del realismo no se sostiene. ¿No es realista? ¿Es realista poder jugar con Maradona, Zidane, Pelé o Cruyff?”, se pregunta Lucía Jiménez, coordinadora del portal Era Fútbol Femenino, en referencia a que en la conformación de los equipos, el videojuego permite elegir a jugadores ya retirados e incluso fallecidos. “No es realista que en el mismo equipo jueguen Mbappé y Pelé, pero es que es un juego y una experiencia para dar la posibilidad al usuario de imaginar la plantilla”, prosigue.

“No es falsear las estadísticas, es adaptar las características del juego”, sostiene Lorena, una jugadora habitual del FIFA que se ha indignado con los comentarios que se ha encontrado en las redes. Pero es que, además, el propio videojuego ya se da algunas licencias a la hora de puntuar a los distintos futbolistas: “A veces hay cartas de jugadores que casi nadie conoce que tienen muchas mejores estadísticas y son mejores para el juego que otros que objetivamente en la vida real todo el mundo reconoce como los mejores como Modric, Kroos o Lewandowski y no he visto una oleada de quejas así”.

Los comentarios de Electronic Arts van en la misma dirección: Ultimate Team debería considerarse “un modo de fantasía”, que ya permite a los usuarios crear equipos con jugadores que nunca podrían jugar entre sí en la vida real, concluyó el productor de la compañía Sam Rivera.

Los estereotipos que se mantienen

Que las mujeres tienen peor rendimiento, siempre estarán en desventaja con los hombres y su fútbol es de peor calidad son algunos de los estereotipos sobre el fútbol femenino más habituales y que también están teniendo sus ecos en esta reacción. “Si yo ya llevo regular que Al Owairan, que no ha sido nadie, sea meta [un tipo de carta muy valorada] en el juego, imagínate mujeres que tienen el nivel de niños de 12 años en la vida real”, comenta un usuario en un foro. “Estoy seguro de que si pones a jugar a Alexia [Putellas] en un partido en el que todos los demás sean hombres, apenas sería capaz de controlar el balón o irse de nadie ya solo por el físico...”, dice otro.

Este tipo de comparativas molestan especialmente a Hidalgo. “Es un comentario clásico, en el que da la sensación de que cualquier hombre del planeta, no cualquier jugador profesional, sino cualquier hombre, superaría a las mejores jugadoras del mundo. Ya le pasó a la tenista Serena Williams, que tuvo que escuchar que cualquier hombre aunque sea un chaval de 15 años podría ganarla”, lamenta. La experta reconoce que hay “una biología” distinta entre hombres y mujeres y que a cierta edad, normalmente en la adolescencia, ellos “comienzan a ser más físicos” tras en muchos casos jugar de forma mixta en categorías inferiores, pero considera que “estas comparaciones son reduccionistas”.

“No concibo estar viendo a Putellas con la calidad y el juego que tiene y estar comparándola con Messi. Para mi eso es alejarse de la esencia del deporte”, sostiene la experta. Coincide Jiménez, que considera “injustas” las comparaciones y apunta a que, en términos generales, el masculino y el femenino son “dos tipos de fútbol distinto, uno más físico y otro más técnico”. Jiménez subraya además cómo hay prejuicios sobre el fútbol femenino que “siguen ahí”, pero “están desmontándose”, entre ellos, que no vende igual: “Estamos viéndolo con el Mundial actual, donde solo en la fase de grupos se han vendido un millón y medio de entradas, lo que pronosticó la FIFA para todo el torneo”.

Aún así, todas las voces consultadas para el reportaje coinciden en que incluir a las mujeres en el Ultimate Team es positivo y las críticas se quedarán en algo minoritario. Para Hidalgo es algo “absolutamente necesario” al igual que lo es que tengan su reflejo en los clásicos cromos de la liga. “Cuántas niñas se pueden ver identificadas y niños concienciarse con la igualdad desde pequeños. Si ellas no están, no existen”, remacha la periodista. Para Lorena es “una gran apuesta” que ahondará en el camino “de la normalización del fútbol femenino” y a que sus nombres “sean cada vez más conocidos”.

Ya sea Nochebuena o la Noche de Reyes, las Navidades ya están aquí y somos muchos los que estamos apurando hasta el último momento para conseguir todos los regalos para nuestros seres queridos. Sobre todo porque, como es el caso, puede que no sea tan fácil conseguirlo: las consolas de videojuegos.

Desde el comienzo de la pandemia, este tipo de dispositivos apenas se encuentran en las tiendas -tanto las físicas como las online-, salvo algunas pocas excepciones. A pesar de ello, puede que estemos pensando en hacernos con una para regalar estas fiestas a nuestras parejas, amigos, hijos, nietos, etc.

Y puede que no sepamos muy bien qué consolas hay y qué diferencias guardan entre ellas. Por lo que, desde ConsumoClaro, hemos preparado una breve guía para que encuentres el dispositivo ideal para dejar debajo del árbol de Navidad.

Nintendo - La única opción portátil

Nintendo es una de las empresas que, en lo que respecta a videojuegos, más tiempo lleva en la cima. Desde la clásica NES hasta la Wii, la marca nipona siempre ha sido un sello de calidad, tanto en lo que se refiere a hardware como a los videojuegos en sí mismos.

En la actualidad, Nintendo dispone de una consola principal la cual podemos encontrar en tres versiones: la Nintendo Switch. Se trata de un dispositivo que aúna al mismo tiempo una consola de sobremesa -es decir, diseñada para dejarse en el salón o habitación- y una portátil -que puedes llevar siempre encima-.

Dependiendo del modelo que escojamos, se potenciará más alguno de los aspectos de la consola. Por tanto, podemos encontrar:

- Nintendo Switch (normal). Una consola de formato híbrido -sobremesa+portátil- que se puede encontrar muy fácilmente en la mayoría de tiendas especializadas o no. Al ser una de las que más tiempo lleva en el mercado, cuenta con un amplio catálogo de videojuegos donde podemos encontrar tanto títulos de gran presupuesto como indies.

Además, su sistema de control permite que, sin necesidad de comprar más mandos, puedan jugar hasta dos personas en la misma consola.

- Nintendo Switch OLED. Se trata de una versión mejorada lanzada en 2021 de la Nintendo Switch. En resumen, dispone de una mejor batería, un diseño más elegante y con menos marcos en la pantalla y un panel mejorado que permite que se vean mejor la mayoría de títulos.

- Nintendo Switch Lite. Y, al contrario de la anterior, una simplificación de la Nintendo Switch. Es una versión portátil de la primera, es decir, que elimina el concepto de “consola híbrida”. 

Sony - PlayStation

La PlayStation es otra de las consolas más populares y reconocidas, ya desde su primera versión en los año 90. El noviembre pasado, en 2020, Sony lanzó al mercado su última consola hasta la fecha: la PlayStation 5.

Una consola que cambiaba por completo el diseño que, hasta entonces, había marcado la línea de la familia y una clara apuesta por la resolución 4K. Un portento tecnológico que hará las delicias de aquellos que busquen una gran experiencia visual.

Además, el mando de la consola, el DualSense, fue toda una innovación al incorporar una tecnología de vibración que ayuda a una mayor inmersión. Esto se consigue gracias a unos gatillos ajustables, que se pueden hacer más o menos duros según a qué estemos jugando; y la vibración háptica, que modifica la sensación de movimiento según la escena. 

También existen dos versiones de la consola:

- PlayStation 5 con lector de Blu-Ray

- PlayStation 5 sin lector de Blu-Ray

Hay que tener en cuenta algo muy importante: desde su salida en tiendas, es realmente difícil conseguir cualquiera de estas consolas de Sony. Hasta tal punto la empresa tiene carestía de este dispositivo que han prohibido a las tiendas físicas ofrecerlas en los establecimientos y solo puede comprarse online.

Otra opción puede ser acudir a la PlayStation 4, su predecesora. La diferencia de precio entre esta y la 5 no es tanta, pero sí hay una mayor disponibilidad y, al llevar en el mercado desde 2013, dispone de un catálogo mucho más amplio que el de la PS5.

Microsoft - Menos dinero, más juegos

La Xbox es la otra gran representante de las consolas de videojuegos. En la actualidad, en una estrategia de mercado similar a otras empresas, podemos encontrarnos con dos dispositivos, aunque con una mayor diferencia de precio y en el aspecto técnico.

En primer lugar, está la Xbox Series X, que podemos considerar “la hermana mayor” de la familia. Al igual que la PS5, se trata de un dispositivo preparado para soportar resoluciones de 4K a 60 frames por segundo y puede ser ideal para quienes busquen una mejor experiencia y, sobre todo, dispongan de un televisor compatible con esa resolución.

En segundo lugar, encontramos la Xbox Series S, la “hermana menor” que, por 200 euros menos, carece de potencia para la resolución 4K y de lector de DVD. Esta consola es mucho más fácil de conseguir en tiendas y, al ser más pequeña, es más adaptable a la mayoría de espacios.

Respecto a estas consolas, es muy importante destacar que si estamos buscando minimizar el presupuesto, son las mejor en calidad/precio. Esto se debe al servicio de suscripción de Microsoft: el Xbox Game Pass.

Este funciona como, por ejemplo, Netflix: pagas una cantidad fija al mes y dispones de todo un catálogo de videojuegos. Los niveles son: 

- Xbox Games Pass PC (9,99 euros al mes) 

- Xbox Game Pass Consola (9,99 euros al mes) 

- Xbox Game Pass Ultimate (12,99 euros al mes)

De esta manera, se puede comprar la consola y un año de suscripción del Game Pass para que no tengamos que comprar ningún juego y la persona a la que se la regalemos disponga de un catálogo de más de 100 juegos que se actualiza mensualmente.

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Puede que alguna vez hayamos oído hablar de los emuladores, sobre todo si alguna vez hemos estado interesados en, por ejemplo, rememorar algún videojuego de nuestra infancia o la época de nuestros padres. 

Pero, ¿qué es un emulador? ¿Qué otras utilidades puede tener? Cada vez son más las personas interesadas en este tipo de programas, ya que abren la veda a dar una mayor versatilidad a nuestro dispositivo. En ConsumoClaro te explicamos qué es exactamente un emulador y qué usos se le pueden dar.

Qué es un emulador

Un emulador es, básicamente, un software que imita un programa o dispositivo concreto. Es decir, crea una plataforma virtual en nuestro ordenador para poder ejecutar un medio distinto al ordenador.

Los emuladores crean las condiciones necesarias para que, en un PC, se puedan ejecutar programas diseñados para otro tipo de dispositivos. De esta manera, la emulación permite que el desempeño de sistemas operativos, consolas de videojuegos o dispositivos desfasados en nuestro ordenador.

En muchas ocasiones, este tipo de programas no solo imita al original, sino que trata de mejorar su funcionamiento. Por lo tanto, no se trata de un simulador, que solo reproduce el comportamiento de un programa.

También existen emuladores “físicos”: dispositivos actuales que imitan, y mejoran, algunos hardware antiguos o ya descatalogados -como puede ser la SEGA Mega Drive Mini.

Para qué sirve un emulador

Pero, ¿qué se puede hacer concretamente con un emulador? Se pueden distinguir en distintos tipos según su utilidad:

1. Emulador de sistemas operativos.

Uno de los principales usos es el de ejecutar un sistema operativo distinto al nuestro en el ordenador. Existen emuladores que nos permiten ejecutar máquinas virtuales con macOS, con Linux o Windows; o sistemas más antiguos.

Estos son especialmente útiles para personas que cuenten con diversos dispositivos, porque de esta manera podremos compartir aplicaciones o licencias; por ejemplo, si no queremos pagar la versión de Word en nuestro iMac.

Hay que tener en cuenta que dependiendo del sistema operativo, necesitaremos un equipo más potente, ya que suelen crear máquinas virtuales. 

2. Emulador de Android.

Aunque se podría considerar un emulador de sistema operativo, hemos decidido separarlo ya que hay una amplia oferta en lo que a emuladores de Android respecta. Si estamos interesados en el desarrollo de aplicaciones o, simplemente, queremos probar apps de la Play Store antes de utilizarlas en nuestro móvil, estos emuladores son perfectos.

Se trata de programas que permiten ejecutar el sistema operativo para móviles y tablets de Google, creando un “móvil falso” y dándonos acceso a toda la tienda de aplicaciones. 

3. Emulador de consolas.

Seguramente los más populares; los emuladores de consolas nos permiten ejecutar una plataforma como la PSX, la NES o cualquier otra desde nuestro ordenador. Este programa necesita de ROMs, ejecutables para instalar dentro del emulador y, así, poder disfrutar de los videojuegos de la época de nuestros padres o de nuestra infancia.

Mejores emuladores de Android

Seguramente, el más útil pueda ser un emulador de Android. Por eso, te recomendamos varios de ellos:

Android Studio

Se trata de una herramienta oficial para desarrolladores de aplicaciones y software. Es un emulador complicado de aprender a utilizar, pero de los más completos. Además, este trae consigo diferentes versión de Android para poder probar.

Blue Stacks

Uno de los emuladores clásicos. Blue Stacks es una herramienta muy completa que adapta a la perfección el sistema operativo al PC, lo que permite su uso con teclado y ratón con prácticamente cualquier aplicación.

Dispone de una interfaz propia para el ordenador, por lo que no tiene la misma apariencia que la versión de móvil. Dependiendo de la versión de Blue Stacks, la base del sistema operativo será una versión de Android u otra.

Genymotion

Otro de los emuladores más populares es Genymotion. Esta herramienta se ejecuta en la nube, por lo que consume mucho menos que otros sistemas similares al no utilizar recursos de nuestro ordenador.

Aunque este también está centrado para desarrolladores de aplicaciones, su aspecto visual es igual que la versión de móvil y te da acceso a cualquier app de Android. Genymotion, además, ofrece más de 3000 configuraciones, por lo que podremos escoger exactamente qué móvil queremos imitar.

Mejores emuladores de consolas (clásicas)

Si estamos interesados en rememorar aquella época delante de la NES o, simplemente, queremos jugar a algún videojuego clásico, entonces tienes distintas opciones:

Epsxe | PS1

El emulador más popular, o uno de los que más, para tener tu propia PlayStation One en nuestro ordenador. Disponible para cualquier sistema operativo (incluidos Android e iOS), Epsxe es un programa que imita todo el sistema de la consola de Sony.

Eso sí, necesitaremos archivos ROM de cada uno de los juegos para poder ejecutarlos. Estos se pueden conseguir desde la web oficial.

OpenEmu.org

Si lo que estamos buscando es un mismo sistema donde jugar a diferentes títulos clásicos, y no tan clásicos, entonces OpenEmu.org es nuestra opción. Se trata de un software que aúna distintos emuladores: neoGeo, SNES, Nintendo DS, SEGA Génesis… y un largo etcétera.

Este emulador, que también funciona a través de ROMs, además permite utilizar controles físicos (mandos) utilizando un cable USB, para asegurar una experiencia como las de antes.

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El pasado noviembre salió al mercado la nueva generación de consolas: PlayStation 5, Xbox Series X y Xbox Series S. Las nuevas de sobremesa están llamadas a ser uno de los grandes regalos de Navidad de este 2020, para, poco a poco, ir dejando atrás los anteriores dispositivos tras siete años de vida plena. Pero invertir en una consola siempre es un salto importante. 

¿Cuál es la mejor técnicamente? ¿Merece la pena pagar esos precios? ¿Cuántos juegos hay para cada una? Son algunas de las incógnitas que nos pueden asaltar al intentar escoger. Para que no te equivoques en tu compra y puedas disfrutar de los videojuegos cara a 2021, vamos a darte algunos puntos que debes tener en cuenta.

PlayStation 5 y Xbox Series X, las bestias

Tanto PlayStation 5 (PS5) como Xbox Series X (XSX) son las dos grandes apuestas técnicas de esta generación. Ambas aguantan resoluciones 4K y tienen un precio de 500 euros (400 en el caso de la PS5 sin lector de Blu-Ray), lo que las sitúa como las “gamas altas” de esta generación.

En lo técnico, son consolas muy parecidas: ambas cuentan con la misma arquitectura de GPU (RDNA 2), disponen de 8 núcleos y un procesador Zen 2 y 16 GB de RAM. Son en pequeños detalles donde se diferencian: la XSX cuenta con un poco más de almacenamiento (1TB SSD frente a los 825 GB de la PS5), aunque en los dos dispositivos se puede ampliar.

Una diferencia que han destacado tanto Sony como Microsoft son los llamados “TeraFLOPS”, de los cuales la PS5 dispone de 10.28 frente a los 12 de la Xbox. Pero, ¿qué son exactamente? El FLOP es una medida que se utiliza para ilustrar el rendimiento total del dispositivo (GPU+CPU). Para que te hagas una idea: un iPad Pro cuenta con 350 GigaFLOPS.

Cualquier de estas dos consolas puede ser una buena opción para jugadores que busquen grandes experiencias técnicas y aprovechar la resolución 4K. Hasta el momento, respecto al catálogo de juegos, no hay grandes diferencias puesto que la XSX no contó con un “gran lanzamiento” de salida, mientras que la PS5 llegó con algo más de oferta.

Aun así, tenéis que saber que si poseéis una Xbox One o una PlayStation 4, la gran mayoría de juegos son compatibles con estas consolas. Incluso algunos títulos los han actualizado para aprovechar al máximo las nuevas bestias.

Desaparecidas de las tiendas

Hay que tener en cuenta que desde su salida al mercado, es muy difícil hacerse con alguna de estas dos consolas. En el caso de la PlayStation 5, la llegada de stock se suele avisar con días de antelación en las diferentes tiendas de electrónica y se agotan a los pocos minutos. 

Xbox Series X es un poco más fácil de conseguir. La tienda oficial de Microsoft suele avisar de cuándo se repone en alguna tienda y también venden sus propios unidades. Además, en las últimas semanas, antes de la Navidad, cada vez ha habido más unidades puestas a la venta.

Por tanto, si tenías pensado adquirir alguno de estos modelos, te recomendamos estar atentos a canales de Telegram o cuentas especializadas.

Xbox Series S: pequeña y 200 euros más barata

Pero, ¿cómo es la hermana “pequeña” de la Xbox Series X? La Xbox Series S (XSS) es una consola de 300 euros y considerablemente más pequeña (1,92 kilogramos de peso frente a los casi 5 kilos de las otras dos). A cambio, es mucho menos potente, lo que no tiene que ser algo negativo.

La gran diferencia, además del tamaño y el diseño, recae en la resolución, ya que no soporta el 4K. La XSS se queda en el ya establecido Full HD (1080p), pero no debe echarte para atrás. Muchos usuarios no cuentan con un televisor 4K en su salón, lo que supone que para aprovechar al máximo tanto la PlayStation 5 como la Xbox Series X tengas que invertir en uno.

Esto puede ser un gran atractivo para un usuario que quiera seguir aprovechando su televisor o, simplemente, no quiera gastar en una nueva. También hay una reducción considerable en el almacenamiento: 512 GB que realmente son 364 GB ya que el resto los ocupa el sistema operativo.

A pesar de ello, el disco duro, al igual que en el resto, es un SSD. Esto hace que sea, a nivel usuario, una consola igual de rápida en tiempos de carga que su hermana mayor y no tengamos que esperar para jugar a cualquier título.

Además, la Xbox Series S también soporta la tecnología ray tracing, uno de los grandes atractivos de esta generación. Esta tecnología permite mejorar la iluminación, las sombras y los reflejos de los títulos ya que, en vez de reproducir las luces, calcula la incidencia de los rayos de luz según la posición del personaje. 

La hermana pequeña, la mejor opción

Entonces, ¿cuál es la mejor consola para viciar cara a 2021? Siempre dependiendo de lo que busquemos concretamente, pero la Xbox Series S se alza como la mejor opción.

En primer lugar, su precio la sitúa como la más competitiva. Sacrificar la resolución 4K y algo de almacenamiento (que siempre se puede ampliar con un disco duro externo) es muy asequible frente a ahorrarse 200 euros y no perder la gran promesa de esta generación, el ray tracing.

Su tamaño y su diseño hacen que prácticamente puedas colocarla en cualquier parte: debajo del televisor, al lado de un mueble, encima de una mesa, etc. Su peso, dos kilos menor, permite que se puede llevar fácilmente en un viaje e incluso trasladarla de una habitación a otra.

Por último, Microsoft dispone de uno de los servicios más llamativos para jugar a una cantidad ingente de títulos: el Xbox Game Pass. Se trata de un servicio de suscripción con distintos niveles que funciona como, por ejemplo, Netflix: pagas una cantidad fija al mes y dispones de todo un catálogo de videojuegos. Los niveles son: 

Como indica su propio nombre, las dos primeras son para ordenador o consola, respectivamente. La tercera, por su parte, te permite jugar tanto en consola como en ordenador y, además, te da acceso a xCloud para jugar a los mismo títulos en el móvil (tanto Apple como Android).

En definitiva, salvo que tengas la capacidad de reproducir los juegos en 4K, la mejor opción es comprar el combo Xbox Series S con Xbox Game Pass (en cualquiera de los planes compatibles). Por 300 euros, tendrás a tu disposición un sobremesa que nada tiene que envidiar a sus hermanas “mayores”. Y con el Game Pass no necesitarás comprar más juegos, además de que actualizan el catálogo mensualmente.

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La Casa del Emprendedor de Los Realejos (Tenerife) acogerá este viernes, a partir de las 16.30, el I Foro Gamer de Canarias, un encuentro de jugadores con el fin de acercar las últimas novedades en videojuegos a los gamers canarios.

Entre las actividades más destacadas figuran las ponencias de Pablo Lloreda, beta tester de Blizzard Entertainment, y de Juan Francisco Martín, animador y generalista 3D.

Pablo Lloreda, tinerfeño de nacimiento, decidió probar fortuna en la industria de los videojuegos en California, donde reside desde hace más de diez años. Su experiencia profesional en una de las compañías más prestigiosas de desarrollo y creación de videojuegos a escala mundial, en proyectos tan reconocidos como World of Warcraft, pretende inspirar a los jóvenes canarios y dar a conocer una industria en plena expansión.

El otro especialista, Juan Francisco Martín, que ha trabajado para la Universidad de Nueva York en diversos proyectos, siempre ha estado muy vinculado al municipio de Los Realejos y a sus jóvenes, promoviendo talleres, cursos y actividades relacionadas con los videojuegos y la animación. Actualmente afincado en Galicia, Martín mostrará la cara menos vista de la creación y el desarrollo de un videojuego.

Los asistentes también podrán disfrutar de otras actividades, entre las que destacan las últimas novedades en realidad virtual y robótica, una exposición de consolas retro y los mejores cosplay de Canarias, todo ello con entrada libre.

Esta cita, en la que colabora la Asociación de Jóvenes Empresarios de Tenerife y que producen Mercajuegos y Cerebritos, pretende mostrar a los jóvenes de Tenerife las múltiples oportunidades que ofrece la industria de los videojuegos y situar a Canarias en el mapa del entretenimiento tecnológico.

Ya llevamos dos años de guerra abierta y parece que la clara vencedora al menos en términos comerciales está siendo una PS4 que se muestra muy cómoda, con muchos más millones de unidades vendidas a sus espaldas que su principal rival, una Xbox One que empezó bastante floja debido a las decisiones erróneas de Microsoft, decisiones que por suerte ya han sido corregidas en su mayor parte.

Esta ventaja no impide a la firma de Redmond ver el presente y el futuro con gran optimismo. De hecho Yusuf Mehdi, vicepresidente de marketing, afirma que “En cuanto a los videojuegos, pienso que hemos tenido un gran éxito. Creo que podemos dividirlo en dos partes: por un lado, tenemos una videoconsola tradicional en el sentido del negocio y con la cual competimos con Sony y en este caso, hemos tenido probablemente el mejor año que jamás hayamos disfrutado en Xbox, respaldado con el mejor catálogo de videojuegos en la historia de la marca”el mejor año que jamás hayamos disfrutado en Xbox.

Mehdi señala a los exclusivos Halo 5: Guardians, la remasterización de Gears of War y Rise of the Tomb Raider como los grandes artífices de este hecho, afirmando que el año que viene también habrá un gran catálogo.

Hasta ahora, Microsoft había permitido que su dispositivo de captura de movimientos por excelencia, Kinect, tuviera un papel en la interfaz de Xbox One. De esta forma podíamos movernos por el menú simplemente pidiéndolo, o realizando gestos determinados. Pero esa etapa ya ha terminado.

Los de Redmond han anunciado que la próxima actualización de Xbox One eliminará la posibilidad de navegar con Kinect. ¿El motivo? Se han centrado en otras cosas que pedían los usuarios. “Los controles por gestos para navegar a través de los menús de la consola fueron eliminados para centrarnos en las características más demandadas por los fans con el objetivo de resultar en una experiencia más rápida y social” ha explicado un representante de la compañía a Gamespot.

Por supuesto, y como es lógico, la detección de movimientos de Kinect seguirá estando disponible para los juegos que lo permiten, sólo ha desaparecido de los menús principales de Xbox One. También podremos seguir empleando el dispositivo en las videollamadas que realicemos por Skype a través de la consola.

La actualización que elimina esta característica llegará el jueves, bajo el nombre de New Xbox One Experience, en la que la novedad más importante será la entrada en vigor de la retrocompatibilidad con Xbox 360.

Lo de las consolas de imitación chinas no tiene precio. Todos recordamos la mítica Polystation, ese clon barato de la Playstation original cuya infamia se extendió hasta la Polystation 2 y la Polystation 3. De hecho casi todas las consolas de la historia, empezando por la mítica NES de Nintendo hasta la portátil 3DS, han tenido su copia chapucera Made in China.

Lo que hasta ahora no había pasado (o al menos eso creemos) es que de toda esta tradición de atropellos surgiera una especie de clon híbrido de varias consolas que, atención, ¡aspira a financiarse gracias a las aportaciones de la comunidad de jugadores!

Os hablamos de ‘Ouye’, una consola Android con GPU de 8 núcleos, 2 GB de RAM DDR3 y puerto HDMI. Sí vale, supone una gran evolución desde las Polystation que funcionaban con pilas alcalinas, eso nadie lo podrá negar. Pero madre mía, es que es como si una PS4 copulara con una Xbox One y les saliera un hijo tonto.

El diseño de la consola es una copia mala de PS4, mientras que al mando es un descarado calco del controlador de Xbox One. Si a esto le sumamos que no han sido originales ni a la hora de bautizarla, cambiando la ‘a’ final de Ouya, la primera consola Android, por una nada disimulada ‘e’, no nos queda otra que preguntarnos si realmente no estamos ante el plagio más descarado de los últimos tiempos.

Ouye (sí, pongo la ‘e’ en negrita para remarcar la sutil diferencia), llegará a las tiendas al cambio de unos 100 euros siempre y cuando consiga recaudar los 60.000 que solicita a una comunidad de jugadores que por ahora no parece demasiado dispuesta a colaborar.

Es triste ver como la que se convirtió en la primera consola Android del mercado tras arrasar en una campaña de financiación colectiva histórica al superar los 8,6 millones de dólares recaudados, está protagonizando durante los últimos meses una muerte agónica, necesitando sus responsables un comprador de forma urgente para poder mantener el chiringuito abierto.

No vamos a entrar en analizar los motivos que han llevado a esta consola a su situación actual. Nos centraremos por tanto en hablar de un futuro que podría depender casi enteramente de que Razer dé o no el paso de comprar Ouya en un movimiento muy rumoreado durante los últimos días que ha sido recogido, entre otros, por el portal VentureBeat.

La transacción rondaría los 10 millones de dólares. Ahora bien, ¿tendría sentido teniendo en cuenta que la propia Razer ya cuenta con una microconsola propia, la Razer Forge? Pues parece que sí, puesto que la compañía fabricante de periféricos cuenta con una tienda de más de 1124 juegos par Android, incluyendo no pocos títulos exclusivos, por lo que sería una buena opción para fortalecer y expandir su posición en dicho mercado.

“Razer siempre ha tratado de apoyar Ouya, en particular, por su trabajo hacia la construcción de una plataforma abierta para juegos Android en el salón y el fortalecimiento de los desarrolladores, los desarrolladores indie en especial, en todo el mundo”, ha declarado un portavoz de Razer. “Sin embargo, nosotros no comentamos sobre especulaciones o rumores, hablaremos del tema siempre y cuando tengamos información sustantiva para compartir”.

Pero como siempre en estos casos, tan sólo son rumores, y como bien indica el portavoz de la compañía no nos queda otra que sentarnos a esperar nuevos detalles oficiales.

Llevamos años oyendo aquello de que los teléfonos móviles y las tabletas van a desplazar definitivamente a las consolas tradicionales, al igual que llevamos ni se sabe cuánto con el tan famoso como falso dicho de que ‘el PC está muerto’ frente a las consolas.

El caso es que es cierto que estos dispositivos inteligentes han comido cierta cuota de mercado a las consolas tradicionales, sobre todo en el caso de las portátiles. Sin embargo, esta situación es más agudizada en unos territorios que en otros.

En el caso de Reino Unido, ahora sabemos que si dividimos el mercado de los videojuegos en quesitos, las ventas derivadas de las consolas caerían este año hasta situarse en el 48%, mientras que los ingresos derivados de los juegos para móviles (smartphone, tablet y ahora también smartwatch) crecerían un 4,4 % hasta situarse en el 17% del total. En el caso particular de los juegos para tabletas el incremento sería aún mayor, con un avance del 10,1 %.

Pese a que estas cifras no parecen nada alentadoras para las tres grandes compañías dentro del mundillo de la consolas tradicionales, Nintendo, Sony y Microsoft, se espera que sea un buen año para las consolas y sus juegos en territorio británico, puesto que sus ingresos crecerán un 1,1% gracias en gran medida al buen ritmo marcado por Playstation 4 y Xbox One.

Uno de los grandes éxitos de Kickstarter fue sin lugar a dudas Ouya, una pequeña consola Android que consiguió superar amplísimamente el importe económico solicitado para convertirse en realidad al recaudar la friolera de 8,6 millones de dólares gracias a decenas de miles de donantes que vieron en ella todo un filón capaz de desplazar a las consolas tradicionales.

Así nació la primera consola Android de la historia, aquella que nos permitiría jugar a títulos de móviles y tabletas en nuestro televisor con la comodidad de una consola tradicional y a muchísimo menor coste. Sí, desde luego la idea suena de perlas, pero la realidad es que no está funcionando tan bien como se esperaba.

De hecho sus responsables, la compañía de idéntico nombre, necesitan urgentemente de una nueva inyección de capital para mantearse a flote. Es decir, necesitan que alguien les compre y lo necesitan ya:

“Teniendo en cuenta el tiempo que tenemos para lidiar con la gente a la que adeudamos el proceso tiene que ser rápido. Buscamos gente interesada para finales de este mes. Estamos centrados en tratar de recuperar el mayor capital posible para nuestros inversores”.

De esta forma parece quedar claro que ni los 8,6 millones recaudados en Kickstarter, ni los otros 7 millones conseguidos tiempo más tarde, ni los 10 millones de dólares invertidos hace nada por la compañía china Alibaba han servido para garantizar una estabilidad mínima a Ouya. ¿Acaso se está convirtiendo en un agujero negro que todo lo traga?

La realidad virtual ha regresado con fuerza. Facebook compró por una milmillonada las gafas Oculus y ahora en las convenciones tecnológicas han vuelto los hombres de los cascos. Es un retorno a los años noventa: la promesa del espacio digital, con la tecnología exponencialmente mejorada y con un punto de vista casi exacto al de entonces.

En aquella época aún estaba fresco el asombro de lograr que la pantalla respondiera a lo que tú hicieras, que fue la magia del videojuego que conectabas al televisor, y la fascinación del interfaz gráfico, el salto cualitativo donde se abandonaron las líneas de comando y se podía hablar con la máquina pulsando iconos. Lo que aparecía por pantalla era progresivamente más material y apuntaba una culminación: entrar en la máquina, tener un cuerpo digital en el entorno digital. Películas como El cortador de césped (1992), con su realidad virtual de cascos trenzados de cables y guantes con fibra óptica, proponían escapadas a una dimensión artificial primigenia de polígonos, líquidos torpes y túneles infinitos.

En aquella aceleración de lo gráfico y de lo interactivo, la realidad virtual de los noventa parecía al alcance de la mano y amenazaba con atrapar a las nuevas generaciones y convertirlos en adictos a un mundo de distracciones incomparable con la cercanía del mundo físico. Esa amenaza desapareció cuando realmente un mundo de distracciones incomparable con el mundo físico atrapó a las nuevas generaciones en sus pantallas. Había llegado internet.

Cómo resucitar aquello

Los fantasmas de la realidad virtual que quedaron en pausa con la llegada de interne, ahora se han recuperado en un golpe de chequera. Cory Ondrejka, el vicepresidente de Facebook que capitaneó la compra de Oculus, vio en las gafas el paso siguiente en las redes sociales. La diferencia entre ver las fotos de la boda de tu amigo a plantarte allí, “darte una sensación de espacio y de presencia”, estar sumergido en una imagen o en una grabación donde puedes girar la cabeza y ver tu alrededor completo y sin costuras. Los mil ángulos de los mil móviles cambiados por la película envolvente.

“El futuro de la VR es la experiencia inmersiva”, dice Marc Pedrol en las oficinas de Visyon360, una compañía barcelonesa que ya propaga eventos en directo para su visionado en gafas de realidad virtual. Su retransmisión de la premier de Interstellar es un modelo a escala de las bodas sociales por venir, con la alfombra roja de hoy cambiada por el salón de hotel de mañana. En la empresa tienen muestras para esos recuerdos del futuro: grabaciones en el vestuario de la selección brasileña de fútbol, recorridos en coches de carreras, caídas en paracaídas donde a tu alrededor solo hay aire y vértigo.

Un concierto de Arcade Fire donde puedes atender a la banda o darle la espalda y cegarte en el público. No es descabellado imaginar un futuro de retransmisiones deportivas donde el mundo de las gafas sea el del estadio visto desde una butaca, donde se puede atender el partido o en su lugar atender al vecino. Igual que los famosos cobran por sentarse en las pasarelas de la moda, habrá quien tenga como profesión sentarse junto a la cámara, que es como decir junto a todos los que ocupan ese asiento, en directo y también en el futuro.

Tenemos la tecnología que era ficción en los noventa, pero no tenemos mundos para llenarla. Hoy la industria del videojuego tiene unas cifras tan colosales que es inevitable relacionarla con las colosales cifras del desembolso de Facebook en las gafas inmersivas. Pero no hay una vía clara de cómo articular las experiencias virtuales en entornos de trescientos sesenta grados.

“No hay un modo definido de decir ve por aquí o fíjate en esto”, señala Pedro mientras navego por Weightless, una aventura mínima donde, como un astronauta en órbita, puedo empujar tornillos ingrávidos. La parte más llamativa es tener manos en el juego, que las gafas detecta por proximidad, sin necesidad de guantes. Unas manos falsas con textura de piel irritada que se mueven cuando mandas moverse las manos y que cuando se tocan coinciden con tu sensación del tacto.

La nueva guerra de las consolas

Las sensaciones extra componen lo que se llama 4D: vibración del asiento, velocidad del aire, rociado de perfume, salpicaduras de agua. Las tres dimensiones y un extra sensorial. Me sientan en una montaña rusa donde la butaca transmite el traqueteo de las vías y ventiladores me soplan cuando acelero cuesta abajo; el agua la han quitado porque hay gente que la protesta. El 4D engaña al cuerpo con sensaciones de la cara y matiza a ventoladas la falta de inercia cuando el carro abandona las vías y sortea un salto al vacío. No está lejos de aquellas plataformas de museo y expo universal de finales de los noventa donde sobrevolabas en grupos de veinte asientos los parajes de Canadá o las obras de Escher, también expandidas con ventilador y traqueteo.

La realidad virtual sigue teniendo esa imagen de máquina de interior que promete llevarnos a mundos lejanos, pero progresivamente está trasladándose a la esquina opuesta: mundos cercanos en máquinas portátiles. El VR está enfilándose definitivamente hacia el campo de los teléfonos móviles. Samsung tiene unas gafas con una ranura donde colocas el móvil, y la propia pantalla del teléfono y sus acelerómetros sirven para mostrar un alrededor virtual que se traslada con nuestra cabeza. Valve, la empresa famosa por los videojuegos Portal y Half-Life, se ha asociado con HTC. Sony, que ya tiene en propiedad tanto videojuegos como películas como teléfonos, sacará también su propio modelo de gafas para la proxima generación de PS.

Realidad virtual para la pequeña pantalla

La VR aplicada a los teléfonos da una variante de bajo coste para la experiencia inmersiva. Para ver VR en 3D con un Smartphone basta con unas gafas de cartón de seis euros, donde se encaja el teléfono igual que en un Samsung Gear pero con mínimo aislamiento del mundo exterior. Sujetar el visor con la mano recuerda a los visores de vacaciones que mostraban monumentos de los pueblos de playa y que tenían forma, no es casualidad, de televisor. Entre los quinientos euros de unas Oculus Rift y los seis euros de verlo en el teléfono se dispara la horquilla que permite ver el VR como un formato “dispuesto para llegar al mainstream y alcanzar un público transversal”, según Pedrol.

El mundo inmersivo como nuevo contexto no está muy lejos de lo que fue centrarlo todo en el teléfono. Hoy se leen los libros en la pantalla, mañana se pueden leer en un elemento que habita en un entorno virtual. Facebook ya ha descubierto que los textos voladores no son panacea y que las actualizaciones se deben leer en cosas planas, libros falsos, hojas, tabletas dentro de la tableta. “Las promesas de los gurús son siempre un veinte por ciento ficción, más proyecciones que elementos reales”, avisa Pedrol.

La realidad virtual sigue en el punto en el que la dejamos en los noventa, pero hoy a la fantasía la ha sustituido la proximidad. Los pasajeros de avión con cascos aislantes no son exploradores de dimensiones, como los viejos pilotos que también calzaban gafas ajustadas con gomas; tienen más posibilidades de estar viendo un partido o de repasar un cumpleaños grabado. Otros mundos que, como los del móvil, finalmente estaban en este.

Sony ha vuelto a confirmar lo que todos ya sabíamos: su Playstation 4, lanzada a la venta en noviembre de 2013, es todo un éxito comercial, siendo la consola que más rápidamente se está vendiendo de toda la historia de la marca Playstation y superando ampliamente a sus actuales contrincantes, Xbox One por parte de Microsoft y Wii U por parte de Nintendo.

Ha sido Andrew House, CEO de Sony Computer Entertainment, quien ha actualizado las cifra de unidades de PS4 vendidas hasta la fecha, afirmando que se han superado ya los 20,2 millones de unidades distribuidas a día 1 de marzo de 2015.

House ha aprovechado para agradecer a todos los fans de la marca su “inestimable apoyo a la hora de escoger PS4 como el mejor lugar para jugar”, afirmando que, por parte de la compañía, seguirán trabajando con la intención de ofrecer “experiencias de entretenimiento únicas”.

Tal y como comentábamos al comienzo del artículo, otro dato que ratifica el éxito comercial de Playstation 4 es el hecho de que se está vendiendo más rápidamente que sus predecesoras, incluso que la legendaria Playstation 2, que hoy por hoy continúa manteniendo el honor de ser la videoconsola de sobremesa más vendida de toda la historia.

De internet han nacido ciertos fenómenos más que curiosos, incluso arrebatadores. Surgen modas, surgen estupideces e incluso surgen grandísimas ideas capaces de acercarnos más los unos a los otros. Igualmente también hay sitio para fenómenos terroríficos ideados para hacer las delicias de los amantes de lo paranormal y de todo aquel que, por un motivo u otro, le tenga cogido el gusto a esto de apretar el esfínter.

En dicho sentido uno de los mejores ejemplos es Slender, una leyenda urbana surgida de internet que ha sido capaz de generar toda una mitología a sus espaldas gracias a las aportaciones en forma de relatos, clips de videos y montajes fotográficos de centenares de usuarios, todos ellos con la intención de hacer crecer la sombra de esta tétrica figura que nos espera en los bosques con no muy buenas intenciones.

Su leyenda ha crecido tanto que el estudio Blue Isle decidió gestar dos videojuegos de Slender. El segundo de ellos, sin lugar a dudas el más sólido, es Slender: The Arrival, título que acaba de confirmar su salto a la nueva generación de consolas de PS4 y Xbox One el próximo 24 de marzo al cambio de 9,99 dólares, tras haber pasado en marzo de 2013 por PC y en septiembre del pasado año por PS3 y Xbox 360.

Eso sí, dicha fecha y precio corresponden a la Store norteamericana (a Xbox Live llega el día 25), por lo que aún nos queda saber si aterrizará por estas tierras el mismo día o poco después.

Por lo visto, también existe una versión para Wii U entre los planes del estudio, aunque por ahora se encuentra en fase de evaluación y no se puede confirmar que finalmente llegue a buen puerto.

Hoy en día hay estudios de mercado hasta para tratar de medir cuántas veces va al baño un ciudadano de mediana edad adicto a la comida mejicana, por lo que tampoco nos extraña que firmas como Nielsen traten de medir los factores que invitan al consumidor a hacerse con una u otra videoconsola de nueva generación.

Gracias a una encuesta realizada a consumidores de más de 13 años, han construido una tabla clasificando los diversos motivos de más a menos peso por los que nos acabamos decidiendo por una PS4, una Xbox One o una Wii U, dejando caer datos un tanto curiosos, como que los usuarios de Xbox son los más ‘fieles’ al elegir ‘la marca’ como el motivo principal para comprarse una Xbox One por encima de temas como la innovación, la velocidad del procesador o el catálogo de juegos.

Por otro lado los usuarios de Wii U eligen un motivo evidente si tenemos en cuenta la acusada diferencia tecnológica existente entre esta consola y su competencia: la diversión. A este punto le siguen que es ‘mejor para los niños’, su relación calidad-precio, la retrocompatibilidad y por último esos juegos exclusivos tan maravillosos surgidos de la factoría Nintendo.

En el caso de Playstation 4, los compradores destacan su ‘mayor resolución’ como el motivo principal para hacerse con ella, poniendo de manifiesto que el eterno y cansino debate sobre la capacidad de PS4 y One para que sus juegos multiplataforma luzcan o no a 1080p no es tan trivial como parece. Le siguen motivos como su reproductor de Blu-ray, su catálogo de juegos, la velocidad del procesador y ‘lo que quiere la familia’.

Desde Nielsen también han tratado de medir el flujo de usuarios de una marca a otra con este cambio de generación, resaltando que el 72% de usuarios de PS4 y Xbox One han tenido una Wii, cifra que asciende al 86% de los usuarios de Wii U. El 76% de los usuarios de Xbox One tiene en casa una Xbox 360, cifra que cae a un 59% en el caso de los usuarios de PS4.

El éxito de Grand Theft Auto V, último gran sandbox de Rockstar, no tiene pinta de echar el freno, dado que después de cosechar un grandísimo primer año en ya Xbox 360 reventando todos los records de ventas al superar los 1.000 millones de dólares en tan sólo tres días, ha vuelto a arrasar en las tiendas durante 2014 gracias a la versión next gen y todo apunta a que seguirá haciéndolo en 2015 con la venidera versión para PC.

De esta forma su editora responsable, Take Two, ha confirmado que entre todas las versiones disponibles en la actualidad su sandbox ha superado ya la significativa barrera de los 45 millones de copias vendidas en todo el mundo, de las cuales al menos 10 millones pertenecen a la versión next gen que salió a la venta en septiembre para PS4 y Xbox One.

Y para colmo dichos datos sólo tienen en cuenta las ventas registradas hasta el pasado 31 de diciembre, por lo que habría que sumar las vendidas durante todo el mes de enero, y como decimos, las que se venderán a partir del 24 de marzo con la versión para compatibles.