Ricardo Darín estuvo durante el fin de semana en un programa de televisión de Argentina para hablar del éxito de El Eternauta y acabó atacado por el Gobierno de Milei tras opinar sobre una de sus propuestas. El actor, entrevistado por Mirtha Legrand, lamentó la 'propuesta' del Gobierno argentino de usar los dólares que los ciudadanos tienen guardados “bajo el colchón” porque la mayoría no tiene ni siquiera lo básico para sobrevivir.

Todo comenzó cuando Darín expresó su descontento con la situación económica actual. “Me llama la atención lo de sacar los dólares del colchón, ¿de quién están hablando? No sé. Una docena de empanadas vale 48.000 pesos”, afirmó. “Hay algo que no me termina de cerrar. No comprendo de lo que están hablando. Hay gente que lo está pasando muy mal. Muy mal”, añadió.

El ministro de Hacienda, Luis “Toto” Caputo, le respondió posteriormente en una entrevista. “Todo bien si él puede comprar empanadas en 'Mi Gusto' o en Don Julio, pero las empanadas no valen eso, Ricardito. Es como que mañana vayas a Porsche y le digas a Mirtha [la presentadora de la entrevista de Darín] que los autos valen 200 mil dólares... No, quedate tranquilo Ricardo, la gente come empanadas ricas por 16 mil pesos”, dijo.

Darín volvió a ser preguntado por la reacción del ministro a sus palabras y el revuelo generado. “Cada uno interpreta lo que quiere con eso. En realidad, si mirás bien, se entiende claramente a qué me refiero. Por supuesto que hay empanadas más caras, más baratas, depende del barrio que te toque. Pero en realidad me parece que queda claro de qué estaba hablando”, explicó.

Si empezás a tener miedo de decir lo que pensás, te empezás a quedar callado y eso no está bien porque estamos en democracia. Yo respeto al Gobierno, no le falto el respeto

“Los precios están elevados, la gente lo sabe. Esto no tiene nada que ver con hablar mal del Gobierno y del señor Caputo, que me trató de Ricardito. Fue bastante despectivo para un funcionario público votado en democracia”, opinó el actor. “Debería ser un poco más educado. No entiendo por qué me trata mal y me dice ‘Ricardito, lo que dijo es una estupidez’, con lo cual me estaría tratando de estúpido. Más allá de eso, reinterpretar lo que quise decir va en cada uno. Es una oportunidad para comprobar cuánta gente hay cargada y que vuelca todo su odio. Te acusan de cosas que no soy”, explicó el protagonista de El Eternauta.

De todas formas, el actor insistió en la importancia de opinar libremente: “Si empezás a tener miedo de decir lo que pensás, te empezás a quedar callado y eso no está bien porque estamos en democracia. Yo respeto al Gobierno, no le falto el respeto, hay que cuidar las formas. Si desde arriba no te tratan bien, es difícil sostenerlo abajo, nosotros estamos abajo, somos ciudadanos”.

Además, en otra entrevista advirtió que “enseguida que alguien dice algo que pueda herir las susceptibilidades”, desde el oficialismo “te salen a atacar” y consideró: “Eso sí me parece grave. Me parece más grave que los precios”.

La actriz Alejandra Darín ha fallecido a los 62 años según ha informado la Asociación Argentina de Actores, de la que Darín era presidenta desde hace 13 años. La intérprete también era conocida por ser la hermana de Ricardo Darín, actor protagonista de películas como El secreto de sus ojos (2009) o Relatos salvajes (2014), y por ser la tía del actor Chino Darín. Todavía no se conocen las causas de la muerte.

“Con inmenso desconsuelo despedimos a nuestra querida compañera Alejandra Darín”, comienza el comunicado de la Asociación Argentina de Actores y Actrices. “Por siempre, sus compañeras y compañeros del Consejo Integral agradeceremos su lucha, su compromiso inquebrantable y su entereza frente a cada adversidad. Alejandra fue un ejemplo de entrega, compañerismo, y amor por nuestra profesión y por las y los trabajadores de la cultura”, añade.

La Asociación destaca que, “en los momentos más complejos”, Darín supo “defender con enorme valentía los valores” del gremio, y afirman que su “legado” les “inspira” y les “fortalece para seguir construyendo un futuro de derechos, paz y dignidad con memoria”. “Su lucha y su ética serán nuestra bandera en la tarea gremial”, escribe la Asociación en su comunicado.

Alejandra Darín, que nació el 19 de junio de 1962, ha trabajado en obras teatrales como Un informe sobre la banalidad del amor, Un hombre equivocado o El libro de Ruth. Además, también ha participado en ficciones de televisión como Una voz en el teléfono o La extraña dama. “¡Gracias, Alejandra! Continuaremos tu tarea, honrando tus valores, tu dignidad y tu compromiso”, finaliza el comunicado de la Asociación Argentina de Actores y Actrices.

Sus compañeros publican mensajes de despedida

Algunos compañeros de profesión ya han reaccionado en redes sociales al fallecimiento de Alejandra Darín. Victoria Onetto, actriz y subsecretaria de Políticas Culturales de la Provincia de Buenos Aires, la ha descrito en X como “una mujer y actriz que siempre estuvo del lado de quienes luchan por una cultura más justa y humana”. “Artista inmensa, militante comprometida, que dedicó su vida a defender los derechos de las y los trabajadores de la cultura. Su entrega, compañerismo y pasión dejan una huella imborrable”, escribe Onetto.

Asimismo, la política Cristina Kirchner también ha mandado sus condolencias a los familiares y amigos de la actriz en redes sociales. “Actriz argentina con una vida de compromiso social que siempre luchó con convicción y firmeza, no solo por los derechos de sus compañeros actores y actrices argentinas, a quienes representó con dignidad; sino también por los DDHH, acompañando a los organismos en todas sus manifestaciones”, escribe en X.

Es tal vez la cara más reconocible del cine argentino, el personaje principal de las últimas cuatro películas argentinas nominadas al Oscar y el único latinoamericano en ganar el premio Goya a mejor actor protagonista. Pero Ricardo Darín cree que el futuro de la actuación está en el teatro, o que será al menos el espacio donde sobrevivirá. “Es lo más primitivo y, al mismo tiempo, un lugar de resistencia porque es el lugar donde jamás prescindirán de los actores. En todas las demás áreas están experimentando con la inteligencia artificial y nos borrarán de un plumazo”, dijo este lunes en una conferencia de prensa para presentar, junto a la actriz Andrea Pietra, la obra Escenas de la vida conyugal, en cartelera del 4 al 29 de septiembre en el teatro Rialto y del 2 al 20 de octubre en el teatro Coliseum de Barcelona.

El actor de películas como Argentina, 1985, El secreto de sus ojos o Relatos salvajes hizo referencia a la incertidumbre actual que concierne al mundo de la interpretación, el doblaje y lo creativo en general. La principal demanda del sindicato de actores y guionistas de Hollywood el año pasado justamente era regular la inteligencia artificial. “Estamos preocupados, pero disimulamos; estamos actuando como si no nos llegara. Son esas cosas que se ven venir desde lejos, y en términos comerciales lo que se persigue es prescindir de contratos en algún momento. El futuro se nos viene encima sin que podamos evitarlo”.

Darín aprovechó la rueda de prensa sobre la pieza teatral escrita por Ingmar Bergman, acerca del devenir de un matrimonio, para reivindicar el teatro no solo como espacio de rebeldía, sino también de improvisación y espontaneidad. “Vengo de hacer una serie muy intensa por siete meses y medio [El eternauta de Netflix] y no veía la hora de poder volver al escenario. Los actores, en general, adoramos las tablas porque no se parece a nada; al no depender tanto de la tecnología y la intervención de los demás, hay una cuestión más personal, artesanal. El teatro es peligroso, vertiginoso”.

Teatro desde la cuna

Hijo de dos actores escénicos, Ricardo Darín y Renée Roxana, Darín debutó en un escenario junto a ellos a los 10 años, y a los 14 ya cursaba su primer taller de teatro. Con 16 se estableció en el mundo de la televisión y rápidamente fue catapultado a la gran pantalla; sin embargo, nunca abandonó las tablas. En los ochenta participó en las comedias La extraña pareja y Taxi e incluso fungió de director en piezas como Pájaros in the nait en los noventa y, más recientemente, Art. Su trabajo más reconocido y exitoso es esta pieza que llega a España por quinta vez. Fue estrenada en Argentina en 2013, donde llegó a estar en cartelera dos años de forma continua.

Escenas de la vida conyugal es una comedia dramática que relata el matrimonio y posterior divorcio de Juan y Mariana. A través de escenas cotidianas, representa lo complejo que puede significar una convivencia diaria con la misma persona por muchos años, mediante un marido que evoluciona de la docilidad al despotismo y una esposa histérica y resignada al abandono. “La obra se viene resignificando desde que la escribió Bergman hace 50 años. Han cambiado mucho las relaciones humanas y las conyugales, pero algunas cosas no cambian jamás, como la dificultad de conexión, la intolerancia, el no estar totalmente dispuesto a que el otro piense distinto”, comentó el bonaerense.

Un Bergman argentinizado

Cuando la versión argentina de la obra se estrenó hace más de 10 años, la actriz que encarnaba a la esposa del personaje de Darín era Valeria Bertuccelli, quien después sería reemplazada por Érica Rivas. Ahora será el turno de Andrea Pietra, prolífica principalmente en la televisión, con papeles en Socias o Son de Fierro. “Los dos tenemos parejas desde hace años y eso también alimenta la obra. Cuando una está actuando, piensa en cosas que la vida misma va accionando; te da una nueva mirada para las situaciones”, contó Pietra, quien resaltó mucho la figura de la directora de la obra, Norma Aleandro, una veterana del mundo artístico rioplatense con 65 años de carrera a sus espaldas. “Es una nena que nunca creció. Es como agarrarse de un barrilete que te lleva a todo el teatro; también fue actriz de esta pieza, así que se conoce a los personajes de memoria. Fue un placer ser dirigidos por ella”, contó la actriz.

Aleandro le quitó parte de la solemnidad, amargura y crispación, además de las referencias a Suecia, al libreto que escribió Bergman en 1981. El mítico cineasta, encantado por escribir sobre parejas decepcionadas como en Una lección de amor o Saraband, escribió originalmente la historia para una miniserie de televisión de seis episodios, estrenada en 1973. La producción tuvo un espaldarazo de la audiencia que lo llevó a hacer una versión cinematográfica y otras decenas de adaptaciones por el mundo, incluida la argentina que ambientaron Fernando Masllorens y Federico González del Pino. Porteñizaron el relato, le agregaron más verborrea, un tono más álgido y una comedia ácida.

En Argentina la pieza ha tenido unos 800.000 espectadores y más de 600 funciones. Darín argumenta sobre su alcance: “Hay términos usados en el escenario que de golpe te vienen como anillo al dedo, ya sea en una discusión o reconciliación con tu pareja. Este tipo de textos te dejan algo, sobre todo porque hay momentos fuertes que hacen eco en tu vida cotidiana. No se casen jamás, piénsenlo muchas veces”.

En su rostro se intuye determinación y a la vez cierta timidez. Si no supiéramos su historia podríamos hablar de inocencia, pero eso es algo que a la Alejandra Naftal de 1985 ya le habían arrebatado. Tenía 24 años cuando la cámara se detuvo unos instantes en ella: estaba a punto de contar en el histórico juicio a las Juntas Militares argentinas cómo la habían secuestrado, torturado y violado siendo menor de edad.

El fotograma de esa joven de pelo ensortijado y mirada firme aparece en Argentina, 1985, galardonada en los Globos de Oro como Mejor película de habla no inglesa. El largometraje, que también está nominado a los Premios Goya y ha sido preseleccionado para los Oscar, relata aquel proceso que acabó condenando a los máximos responsables de la dictadura por crímenes de lesa humanidad. 

Alejandra volvió a ver su rostro de ese día casi cuatro décadas después, en el preestreno de la película. “Siempre me había visto de espaldas, porque algunas imágenes del juicio no se difundieron para proteger a las víctimas. En esa época todavía había mucho miedo”, explica a elDiario.es desde su casa en Buenos Aires. 

Habla de ese reencuentro con asombro reposado. Se nota que le ha dado muchas vueltas al asunto desde el momento en que, en la sala a oscuras, se topó con su propio pasado en pantalla gigante: “Es la imagen de cuando me llaman al estrado a declarar, y fue fuerte: vi una nena”.  

“Pasaron muchos años y siento que trabajé con esa experiencia lo mejor que pude”, asegura esta histórica militante por los derechos humanos. Porque aquella joven Naftal se convirtió con el tiempo en museóloga, y fue la artífice de la resignificación del centro clandestino de detención más siniestro del país: la Escuela de Mecánica de la Armada (ESMA), donde ha ejercido como directora del Museo Sitio de Memoria hasta hace muy poco. “Siento que ese trabajo fue un regalo, y es como si me hubiera preparado toda la vida para él”, explica con un poco de nostalgia en medio del “duelo” tras su reciente jubilación.   

Premios, taquilla y debate

El largometraje de Santiago Mitre ha sido un éxito de público en Argentina y también en España. Y en ambos países ha reabierto el debate sobre los procesos de memoria, justicia y reparación. “Es una película necesaria, que encontró un canal, un lenguaje para que los jóvenes pongan de nuevo el tema en la mesa familiar”, analiza Naftal. 

Para ella, el fenómeno de la película demuestra que, ante el avance de la derecha, de las viejas grietas y los discursos de odio, Argentina todavía tiene en su ADN la semilla que plantó la política de derechos humanos. “Acá algunos dicen que hay negacionismo. Pero yo no creo que haya ningún argentino, incluso en sectores de derechas, que defiendan que los militares no tienen que estar presos. Piden en todo caso arresto domiciliario”.

Pero el largometraje también ha sido objeto de cuestionamientos, precisamente por algunos defensores de los derechos humanos y protagonistas de aquel proceso. Las críticas se centraron en su factura hollywoodense, con una historia que pone un héroe en el lugar del esfuerzo colectivo que posibilitó ese juicio histórico. “Es una película con actores de primer nivel, y que tiene todos los ingredientes de un relato complejo, en el buen sentido. Y sí, es una historia que busca un héroe. Está centrada en la figura de un hombre gris del Poder Judicial al que la Historia pone en un lugar crucial”. 

Se refiere al fiscal Julio Strassera –interpretado por Ricardo Darín– quien se encargó de sentar en el banquillo a la cúpula militar que acababa de dejar el poder. Raúl Alfonsín, primer presidente democrático tras la dictadura, asume el cargo en diciembre de 1983 e impulsa una investigación que lleva a cabo la Conadep (Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas), en la que se basa la acusación judicial de dos años después, y a cuyo informe Strassera dedica las dos últimas palabras de su alegato final: Nunca más.  

“La película nos muestra cómo ese juicio, que fue completamente artesanal, también es el resultado de una épica. Y obvio que tiene un montón de silencios, que quizá no muestra suficientemente el trabajo de los organismos de derechos humanos, pero es una ficción, una creación artística, que aunque esté basada en hechos reales, necesariamente siempre deja algo fuera”, zanja Naftal. 

“Declaré en contra del criterio de mi familia”

Alejandra toma una foto en sus manos, la acerca a la cámara para que se vean mejor los rostros de una adolescente muy menuda y sonriente junto a un hombre. “Somos mi padre y yo, el día que volví a mi casa”, explica. Porque Alejandra fue una desaparecida. Pero volvió. 

El 9 de mayo de 1978, a la madrugada, unos hombres tocaron la puerta de su casa. Preguntaron por ella, revisaron toda su habitación. Eran unos 15, estaban armados. Se la llevaron delante de su hermana y de sus padres, sin una explicación, sin acusarla de nada. Ella tenía 17 años. Había participado en 1975, cuando tenía 14 años, en el centro de estudiantes del colegio, que se disolvió dos años después, tras el golpe militar. La llevaron al centro ilegal de detención llamado El Vesubio, donde la torturaron y la violaron. Le preguntaron mil veces por cosas que no sabía hasta que alguien decidió que, tras casi un año de infierno, podía ser dejada en libertad. 

Pero si el fotograma de Argentina, 1985 no cuenta todo lo que Alejandra vivió en el juicio, la sonrisa de la foto oculta mucho de lo que pasó tras regresar del horror. “Yo no hablaba de lo que me había pasado. Ni siquiera con mi familia. Ellos tenían miedo y sentían que era algo que había que enterrar”, recuerda. “Pero yo tenía la convicción de que debía contarlo, por mí y sobre todos por los que no estaban. Vi mucha gente detenida que no apareció más, entre ellos dos compañeros de la escuela. Por eso me acerqué a la Conadep a declarar sin que mis padres lo supieran”. 

Un tiempo después llegó el telegrama que la convocaba al juicio. Sus padres, aunque reticentes, se ofrecieron a llevarla. “Pero ya en el auto me doy cuenta de que vamos en dirección contraria. Y les digo ‘me están volviendo a secuestrar’. Incluso abrí la puerta y amenacé con tirarme en marcha. Llegué a los Tribunales temblando. Por suerte ahí me esperaba una amiga y ella me acompañó, porque era un momento muy difícil”. 

En la película no se ve, pero en la transcripción de su testimonio queda claro que la empatía no formaba parte del cuestionario. “Nunca la volví a leer, pero sí tengo el recuerdo de unas respuestas mías un poco inocentes, y la sensación de que entonces no había una escucha preparada para las narraciones de los que pasamos por esa barbarie”, reflexiona Naftal.

“En ese momento no tuve una conciencia intelectual de lo que estaba haciendo”, explica. Sin embargo, sí estaban claras las motivaciones: “Yo tenía una misión: ayudar a la búsqueda de la verdad, pero no lo pensaba en términos políticos. No buscaba nada más que tener un espacio para contar lo que había visto”, recuerda.

Unos segundos, una vida, un libro

Esos escasos segundos de Argentina, 1985 han generado ecos en la vida de Naftal. “No sé por qué habrán elegido mi testimonio entre los 850. Quizá porque fui de los menores secuestrados, o porque hablo de las violaciones, que era algo que entonces no se mencionaba. Ya como responsable del museo, trabajé mucho con el tema de los delitos sexuales”. De hecho, fue uno de los delitos que más tardaron en abordarse en los sucesivos procesos judiciales que se han llevado a cabo en Argentina. Los torturadores y violadores de Naftal fueron condenados años después de aquel primer juicio, en una causa que sigue abierta. 

“Después del estreno de la película mucha gente se acercó, conmovida. Una conocida me confesó que no había sabido qué responder cuando sus nietos le preguntaron qué estaba haciendo ella en el momento del juicio. Me dijo: ‘Yo no sabía nada de lo que estaba pasando, y ahora lo veo como una falta de compromiso’”. 

La película, además de un descubrimiento para las generaciones más jóvenes, ha supuesto para los argentinos un cuestionamiento personal, un regreso a sus propias vivencias. Pero aunque hubo algún tímido intento, no abrió el diálogo en la familia de Alejandra, como si tras la muerte de su padre la herida hubiera sido demasiado dolorosa como para ser desenterrada. “Sí lo he hablado mucho con mi hija y sus amigas”, concede. Una hija que precisamente estudia cine. 

De momento, la película y el cambio vital han despertado las ganas de Alejandra Naftal de revisitar el pasado, quizá escribir un libro de su historia pero vista con otros ojos, los de la que sobrevivió al horror siendo una adolescente, la que tuvo que exiliarse para poder recomenzar, la que volvió y encontró el camino a través de la cultura y la maternidad. La que con su saber hacer y su experiencia transformó el rincón en el que asesinaron a cientos de personas en un museo que es un ejemplo para el mundo de cómo reivindicar la memoria y la justicia. La Alejandra del fotograma, la que se asomó a la sala del Tribunal con un propósito y, casi cuatro décadas después, puede considerar que lo cumplió con creces.

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El cine es un arma para hacer memoria, para que la gente no olvide la historia. Es una forma de recordar, de dejar legado. Decía Pedro Almodóvar hace dos años, cuando presentó Madres paralelas en el pasado Festival de Venecia, que había incluido una frase de Mariano Rajoy jactándose de no dar dinero para la Memoria Histórica para que quedara grabada para siempre. Para que quedara escrita a fuego en la historia del cine en una de sus películas. Que quien la viera dentro de años recordara que hubo un presidente que se negó a abrir fosas y a ayudar a las víctimas del franquismo.

El cine argentino no tiene miedo a hablar de la dictadura de Videla. De sus crímenes, de sus víctimas y hasta de sus consecuencias. Incluso cuando hablan de un tema contemporáneo siempre tiene un poso sobre las heridas que dejó en toda una sociedad. Sin embargo, ellos también tenían una deuda con su memoria. El cine no había tratado, todavía, el juicio a los militares de la dictadura. Un evento que dejó paralizado a un país que todavía tenía miedo y que miraba al futuro con ilusión. Argentina 1985 es una película que emociona, que entretiene y, sobre todo, deja clara la necesidad de poner luz en hechos del pasado para alumbrar el presente y el futuro. 

El día antes de la presentación de la película en el Festival de Venecia se producía el intento de asesinato de Cristina Fernández de Kirchner. Aquellas palabras del fiscal Strassera que se escuchan en el filme defendiendo que la violencia nunca puede ser la vía para hacer política sonaban más fuertes que nunca. Una película que pone los pelos de punta, y que a los españoles nos toca como si fuera nuestra. Aquí no se juzgó a Franco. El dictador murió en su cama y dejó todo atado y bien atado. En España nunca se han juzgado los crímenes del franquismo y una ley de amnistía hizo que se mirara para otro lado. Pero, precisamente en Argentina, la jueza María Servini instruye una querella contra algunos de los responsables de los crímenes franquistas.

Argentina 1985 es la película que nos gustaría tener en España, y su conexión con el público de aquí la deja clara el premio del público que ha recibido en San Sebastián con una nota de 9,14 sobre 10, la segunda más alta de la historia del festival. Su protagonista, Ricardo Darín, confiesa que todos los españoles le dicen que aquí esta película resuena más por la ausencia de juicio. “Todos me lo están diciendo. Lo que pasa es que si quisiéramos o intentáramos, lo cual no sé si tiene mucho sentido, poner en la balanza ambas historias, hay una diferencia de peso, no solo por número, sino por dimensión, por la cantidad de tiempo que fue necesario para cometer semejantes barbaries. El drama español es muy profundo y es entendible que cueste mucho levantar esa tapa porque hay mucho dolor ahí adentro. Mucho dolor. Es un dolor de décadas, y hay procesos que necesitan más maduración. A algunos les lleva más tiempo que a otros”.

Durante el rodaje de la película que ha dirigido Santiago Mitre, todos sentían que estaba haciendo algo importante. Los actores sabían “qué material teníamos entre manos”. Por si fuera poco rodaron dentro del Palacio de Justicia, en la misma sala donde se realizaron aquellos juicios y eso hizo que tomaran “conciencia exacta” de lo importante del tema que estaban tratando. Una película que conecta, y Darín tiene claro por qué: “Todo intento de reivindicación o búsqueda de justicia, ética o moral, puesto sobre la mesa, innegablemente tiene llegada”. 

El drama español del franquismo es muy profundo y es entendible que cueste mucho levantar esa tapa porque hay mucho dolor ahí adentro y hay procesos que necesitan más maduración

Ricardo Darín — Actor

El punto de vista de la película hace que nadie pueda apartar la mirada. Nadie puede negar el dolor de aquella madre que tuvo que parir esposada y en un suelo mientras se reían de ella y la vejaban. Son testimonios reales de las barbaridades cometidas durante años y que durante el juicio se emitieron en televisión, logrando que la gente escuchara lo que muchos no querían ver. “Creo que se ha contado de una forma en que es muy difícil no subirte a lo que es la historia. Es como cuando nos cuentan un cuento que nos hace comprender exactamente qué es lo que se persigue. Los obstáculos que tuvo que atravesar y la dimensión y la importancia de su objetivo. Y yo creo que es prácticamente imposible que eso no tenga rebote y llegue a todas las partes del mundo”. Darín confiesa que cuando vio la película en San Sebastián y escuchó las risas y las lágrimas de la gente se dio cuenta de que esta película “te deja sonreír por momentos para que no te des cuenta de que estás llorando muy despacito y muy profundo”.

En Argentina 1985 es muy importante el tono que han imprimido Mitre y Mariano Llinás al guion, que se permite ser divertido e introducir notas de humor. Darín deja claro que eso ya estaba en el libreto que leyeron, pero que por su parte hubo un ejercicio para “no rechazarlo, no tener pudor, y en realidad es una tontería porque la vida misma es así, que estás en una situación hipertensa, dramática y ocurren cosas que te sacan”. “En términos de relato, creo que lo que ocurre en este caso es que funciona muy bien porque te permite respirar, te permite no llegar al agobio, desacraliza un poco algunas situaciones que lo permiten, y en otras no lo hace porque no cabe esa opción”.

Aunque la película la ha producido Amazon Prime Video, tanto en España como en Argentina llegará a salas. El actor se muestra nervioso por la recepción en su país, porque aunque la repercusión en los festivales ha sido excelente, “no hay nada más finito, por decirlo de alguna manera, que la repercusión que va a tener en Argentina, porque ahí todavía hay mucha gente que ha atravesado esa historia, esa realidad, y es importantísimo saber cómo los va a atravesar este relato”.

Un país que no conoce su historia está condenado a repetirla. La frase se dice mucho, pero parece que no siempre se aplica, o al menos no en nuestro país. Hasta hace poco Franco seguía enterrado en un mausoleo. Al dictador se le siguen dedicando misas, el enaltecimiento del franquismo todavía no es delito y por no tener, no hemos tenido ni un juicio a la dictadura. Un juicio que sí tuvieron en Argentina en 1985, un acontecimiento histórico que marca un punto de inflexión en la vida del país latinoamericano. Su cine ha retratado, y sigue haciéndolo, los años de Videla, pero hasta ahora no habían hecho una película sobre aquel juicio.

La oportunidad ha llegado ahora, y ha llegado porque varios elementos se han unido para contar esta historia en un momento donde es necesario recordarla. Decir que nuestra democracia es frágil y que hay que seguir peleando en un contexto de auge de la extrema derecha. Ha sido Amazon quien ha dado el apoyo económico para realizar Argentina, 1985, una superproducción que se ha presentado en el Festival de Venecia, donde se llevó la mayor ovación escuchada en la sala de prensa. Hasta en tres ocasiones se vitorearon los créditos mientras muchos secaban sus lágrimas con pañuelos. Es una película que duele, que escuece y sabe a verdad y a rabiosa actualidad.

También la presencia de dos productores fundamentales. El primero, Axel Kuschevatzky, y la segunda, Victoria Alonso, conocida por ser una de las grandes mandamases de Marvel Studios y que no olvida sus raíces y la necesidad de hacer memoria a través del cine. Ella es una de las personas que ha levantado este proyecto que es la película más ambiciosa de Argentina. Una superproducción como esta tenía que tener una estrella al frente, y ese no podía ser otro que Ricardo Darín, uno de los mejores actores del cine actual que desborda talento como el juez Julio César Strassera.

Argentina, 1985 es una película que desde España da envidia. Primero, por ver cómo el país tuvo el juicio que aquí nunca hicimos a nuestra dictadura. Segundo, por ver cómo una plataforma produce cine adulto y de calidad. Y tercero, por el resultado final, un mecanismo en donde todo funciona. Parte del mérito es de la dupla Santiago Mitre y Mariano Llinás, que han escrito un guion lleno de ritmo y emoción. Un guion que hace memoria, que ilumina el pasado desde el presente y que pone su foco en la juventud, elemento necesario para afrontar el futuro. Lo hacen, además, sin que decaiga el ritmo en las más de dos horas de película y arriesgándose a introducir bastante humor. Un drama judicial clásico, sólido, emocionante y, aunque la palabra suene a tópico, necesario. Desde ya una de las películas que debería estar en el palmarés y que tiene todo para arrasar en salas argentinas, donde Amazon la estrenará antes de llegar a su plataforma.

En una coincidencia sádica del destino, el pase de la película en la Mostra llegó justo después del atentado frustrado contra Cristina Fernández de Kirchner, un hecho que el equipo de la película comentó en la rueda de prensa. Santiago Mitre aseguró estar en shock. “Nos enteramos cuando aterrizamos aquí. Es un hecho horrible que no creíamos que pudiera suceder. Si hay algo que nosotros creíamos que el juicio del 85 había saldado para siempre es el uso de la violencia, y es algo que repudiamos enérgicamente. Pensábamos que ese 'nunca más' que dice Strassera era para siempre, y vemos que la violencia sigue existiendo, y por eso la película cobra una vitalidad que nosotros no pensábamos que fuera a tener”, dijo el director del filme. 

Para Darín el filme habla de un juicio que no solo es historia de su país, sino que “sirvió de ejemplo para el resto del mundo”, y se muestra seguro de que a pesar de hablar “de un hecho del pasado, tiene connotaciones en nuestra actualidad en todo el mundo”. Destaca que el punto de vista “mira a las generaciones nuevas, a aquellos que tienen que tener muy claro que no se puede bajar los brazos”.

La primera batalla ocurre en el campo real, pero la segunda ocurre en la memoria, y el cine nos permite mantener vivas situaciones que son importantes ahora y para siempre

Santiago Mitre — Director de 'Argentina, 1985'

Ante la desmemoria y para esas nuevas juventudes, el equipo defendió el cine como “arma para revisar la historia y para reflexionar y mantener viva la memoria”. “He hablado mucho con Moreno Ocampo -fiscal adjunto del caso-, y siempre dice que la primera batalla ocurre en el campo real, pero la segunda ocurre en la memoria, y el cine nos permite eso, mantener vivas situaciones que son importantes ahora y para siempre. Esta película habla de Argentina, pero también habla del resto del mundo”, añadió Santiago Mitre. 

Una de las más contundentes en la rueda de prensa fue Victoria Alonso, que cree que los argentinos canalizan su rabia por lo que pasó a través del cine y el arte, porque lo que ocurrió nunca se puede olvidar. “Podemos intentar olvidar o reprimir lo que vivimos, pero forma parte de quienes somos y esa violencia no se va nunca. A la muerte no se le puede romantizar. Una cosa es la violencia psicológica, que todos la vivimos, pero es que la muerte fue un hecho que llegó a 30.000 personas y hubo millones que tuvieron que ir al exilio. Esa es nuestra bandera y no la otra. Vivimos un momento de fragilidad de la democracia y esta película no puede llegar en mejor momento. Nosotros vivimos la muerte, sabemos que la violencia no lleva a nada, y como legado a nuestros hijos queremos mostrarles un capítulo de nuestra historia que el arte tiene responsabilidad de mostrar. La nuestra era enseñar de la mejor manera posible este genocidio que fue de una violencia salvaje”.

Todos se mostraban emocionados por haber levantado una película tan importante para Argentina y tan justa con aquel momento fundamental de su historia, aquel en el que, como dicen en el filme, se logró “una paz que no estuviera basada en el olvido, sino en la memoria” y en un momento que sabían que podía ser “la única oportunidad”. En España se prefirió optar por el olvido, se perdió la oportunidad, y solo nos queda envidiar y aplaudir una película como Argentina, 1985 y fantasear con que alguna vez los crímenes del franquismo sean juzgados.

La actriz argentina Valeria Bertuccelli acusó de “maltrato” a Ricardo Darín en una entrevista mientras trabajaban juntos en la obra de teatro Escenas de la vida conyugal, durante los años 2013 y 2014.

La pareja artística ya había coincidido en la película de 2004 Luna de avellaneda, pero Bertuccelli se refirió específicamente a este último proyecto. La intérprete también vertió acusaciones sobre Darín y la compañía teatral por difundir falsos rumores cuando ella decidió abandonar la función.

“Cuando volví de vacaciones, me encuentro con que ya lo habían anunciado [su renuncia] y no de la manera en que me había propuesto la jefa de prensa, Raquel Flotta, que era decir que a ambos nos habían salido películas para hacer y que por eso interrumpíamos, y que luego, cuando Ricardo retomara con otra actriz, diríamos que era porque yo no podía hacer teatro en ese momento”, explicó Bertuccelli en el programa de televisión argentino A24.

“A diferencia de eso, largaron que yo me había enamorado de Ricardo y que mi marido me sacó de una oreja de la obra. ¡Siniestro!”, confesó

“A mí nadie me saca de una oreja de ningún lado. Como mujer, me sentí reducida. Dejé una obra exitosa porque no resistía los malos tratos, porque muchas veces hasta me desmayé en bambalinas porque no soportaba, y tuve que escuchar a tertulianos, que predican el Ni una menos, diciendo: y bueno, puede ser. Es fácil enamorarse de Darín”, continuó indignada.

Al ser preguntada por si lo que sufrió fue “bullying, acoso o maltrato”, la actriz dijo que la actitud de Darín fueron “maneras con las que no se trata a una compañera de trabajo”. “No quiero entrar en ningún detalle, creo que alcanza con que él reflexione y pida disculpas”, remarcó.

Además, denunció que la diferencia salarial entre ella y Darín era notoria: “Yo cobraba 6 puntos y tuve que pelear para llegar a 8 mientras que Ricardo cobraba 30”. “Durante mucho tiempo, al dar entrevistas a la prensa, pedía que no me hablaran de él. Y me hizo mucho ruido no hablar”, apostilló.

Tuvo miedo de contar entonces lo que había pasado porque pensaba que “hablar me puede traer muchos problemas como, por ejemplo, que los productores no vuelvan a llamarme, pero me sentía muy mal por no hablar. Ahora siento un alivio muy grande”. 

La reacción del actor no se ha hecho esperar. Tras las acusaciones ha intervenido por teléfono en un programa de la cadena América, y ha relatado que mientras trabajaban juntos tuvieron “un momento de desinteligencia”, sobre el que luego hablaron a solas, tras lo cual “lloraron, se abrazaron, dieron por superado el episodio y siguieron adelante”. No obstante, añadió: “Si tiene un malestar, le pido disculpas”.

El apoyo de su sucesora en las tablas: Érica Rivas

“Después le pasó con Érica también”, indicó Bertuccelli refiriéndose al conflicto que su amiga mantuvo con Darín en la misma obra. Tras sus declaraciones, la actriz Érica Rivas publicó en su cuenta oficial de Instagram una captura del programa mostrándole su apoyo: “Vale, sos valiente. Sos hermosa. Gracias. Tus palabras reparan”.

Posteriormente, Rivas y Darín compartieron cartel en el filme La Cordillera, de 2017. La actriz abandonó el rodaje antes de tiempo -lo que obligó a Mitre a improvisar un final- y decidió no acudir a la presentación de la película. Ante esta polémica, el actor reconoció que los problemas habían comenzado en la comentada obra de teatro: “Sí, discutimos, a nivel laboral, personal, como pasa entre compañeros. Tuvimos un intercambio de pareceres. A veces pasa, como en los matrimonios”.

Hasta el momento, la publicación cuenta con cerca de 6000 likes, entre ellos los de los actores Leo Sbaraglia y Mey Scapola. La segunda, hija de Mercedes Morán y actual compañera de Darín en la película El amor menos pensado, incluso se atrevió a dejar un comentario solidario con sus dos colegas de profesión.

Ricardo Darín (Buenos Aires, 1957), “uno de los actores más prestigiosos de la cinematografía latinoamericana y mundial”, recibirá el próximo 26 de septiembre un Premio Donostia de la 65 edición del Festival de San Sebastián, en el marco de la presentación de la película 'La cordillera', según ha informado el certamen donostiarra.

El galardón honorífico más importante del Zinemaldia reconoce la trayectoria del intérprete argentino, que ha trabajado con cineastas como Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fabián Bielinsky, Fernando Trueba, Pablo Trapero, Cesc Gay o Santiago Mitre.

La cordillera, dirigida y escrita por Mitre, es una coproducción entre K&S Films y La Unión de los Ríos (Argentina), MOD Producciones (España) y Maneki Films (Francia), cuya historia transcurre en una cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile.

Junto a Darín integran el reparto Dolores Fonzi, Érica Rivas, Elena Anaya, Daniel Giménez Cacho, Alfredo Castro, Paulina García y Christian Slater. Estrenada en la sección 'Un Certain Regard' del Festival de Cannes, se proyectará el martes 26 de septiembre en el Auditorio Kursaal. Warner Bros Pictures estrenará la película en salas el 29 de septiembre.

Darín, que obtuvo la Concha de Plata en 2015 por 'Truman', debutó en la interpretación con cinco años en series televisivas. Inició su carrera cinematográfica en 1979 de la mano de Julio Porter (La carpa del amor) y Adolfo Aristarain (La playa del amor), medio que alternó con trabajos premiados en la pequeña pantalla, como 'Nosotros y los miedos', 'Compromiso' o 'Mi cuñado'.

En los años 80 y 90 trabajó de nuevo con Aristarain (The Stranger, 1987), Alberto Lecchi (Perdido por perdido, 1993) o Eduardo Mignogna (El faro, 1998) y Juan José Campanella (El mismo amor, la misma lluvia, 1999), pero es, sobre todo, con 'Nueve reinas' (2000), la ópera prima de Fabián Bielinsky, cuando empezó a ser reconocido internacionalmente.

Títulos esenciales

Después enlazó títulos esenciales de la cinematografía latinoamericana y española como 'El hijo de la novia' (2001, nominada al Oscar a la mejor película extranjera), 'Luna de Avellaneda' (2004) y 'El secreto de sus ojos' (2009, Oscar a la mejor película extranjera), las tres dirigidas por Juan José Campanella. El año 2007 debutó como director de cine con la película 'La señal' junto a Martín Hodara, con el que volvió a trabajar este año en 'Nieve negra'.

Darín ha sido un inventor de juguetes en 'La educación de las hadas' (José Luis Cuerda, 2006); padre de una adolescente intersexual en 'XXY', (Lucía Puenzo, 2007); un ladrón legendario en 'El baile de la Victoria' (Fernando Trueba, 2009); dueño de una ferretería en 'Un cuento chino' (2011) y piloto en 'Capitán Kóblic' (2016), ambas de Sebastián Borenzstein; abogado sin licencia en 'Carancho' (2010) y cura en 'Elefante Blanco' (2012), las dos dirigidas por Pablo Trapero.

También ha trabajado en dos ocasiones con Cesc Gay: tras interpretar a un hombre engañado en 'Una pistola en cada mano' (2012), encarnó a un actor al que diagnostican un cáncer terminal en 'Truman' (2015).

En su filmografía figuran, asimismo, el rol de profesor de Derecho Penal en 'Tesis sobre un homicidio' (Hernán Goldfrid, 2012), el padre desesperado de 'Séptimo' (Patxi Amezcua, 2013), el ingeniero experto en explosivos de 'Relatos Salvajes' (Damián Szifron, 2014), que compitió en Cannes y fue candidata al Oscar a la mejor película extranjera, y su papel como presidente de Argentina en 'La cordillera'.

Además, forma parte del reparto de la nueva película del director iraní Asghar Farhadi, todavía sin título, en la que compartirá títulos de crédito con Penélope Cruz y Javier Bardem.

Presencia en San Sebastián

La presencia de sus filmes en San Sebastián y sus visitas a la ciudad han sido continuas desde 2001, cuando 'La fuga' (Eduardo Mignogna) compitió en la Sección Oficial, donde también presentó 'El aura' (2005), su segunda colaboración con Bielinsky. En 2008 'Amorosa soledad' (Martín Carranza y Victoria Galardi) se presentó en Zabaltegi-Nuevos Directores. En 2009 participó por partida doble con 'El secreto de sus ojos' en competición y 'El baile de la Victoria', fuera de concurso.

Tras su paso por Cannes, 'Carancho' se proyectó entre las Perlas de 2010 y 'Elefante Blanco', estrenada en Un Certain Regard, formó parte de la selección de Made in Spain en 2012, donde también se proyectó 'Una pistola en cada mano'. Ese año, además, formó parte del Jurado Oficial que concedió la Concha de Oro a 'Dans la maison', de François Ozon.

En 2013 encarnó al abuelo fallecido de 'Violet' (Luiso Berdejo), seleccionada en Zabaltegi, y en 2014 presentó en Perlas 'Relatos Salvajes', que recibió el Premio del Público a la mejor película europea, y en 2015 regresó a la Sección Oficial con 'Truman' (2015) para obtener la Concha de Plata al mejor actor ex aequo con Javier Cámara.

El Premio Donostia culmina una lista de más de veinte premios nacionales e internacionales que incluyen cinco Cóndor de Plata, dos Konex, dos Premios Sur de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Argentina, un Goya, un José María Forqué, un Gaudí, un CEC (del Círculo de Escritores Cinematográficos), un Feroz, un Platino del Público, un Sant Jordi, galardones en los festivales de Valladolid, La Habana y Biarritz, la mencionada Concha de Plata en San Sebastián, el Platino de Honor que recibió el año pasado y la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes que recogerá este año.

Todos ellos reconocen la “extraordinaria trayectoria” de un intérprete que ha trabajado indistintamente en televisión, cine y teatro (como las premiadas 'Algo en común', 'Art' o 'Escenas de la vida conyugal').

Solo porque guarda entre sus secuencias el abrazo más conmovedor de la historia del cine español, 'Truman' ya merece la penaTruman. Sucede entre un padre y su hijo. En unos cinco o seis planos, sabemos lo que ambos están sintiendo, si ‘saber’ es la palabra adecuada. Es sencillo, arrebatador, transparente. Es una de las decenas de chispas visuales con las que esta nueva película de Cesc Gay acaba convirtiéndose en una llamarada emocional, interiorizada y viva.  De nuevo en tándem con el actor, escritor y dramaturgo Tomás Aragay, el cineasta catalán ha querido convertir los elementos de guion que mejor domina -diálogos, personajes, naturalismo- en probablemente su mejor película, dándose codazos con 'En la ciudad' en ese podio.

Pero más allá de ese abrazo, casi todo es admirable en 'Truman'. Cuenta la llegada de Tomás (Javier Cámara) desde Canadá hasta Madrid para visitar a su amigo Julián (Ricardo Darín) que ha decidido no combatir el cáncer que padece y dejarse morir. Con sus planos casi siempre fijos, la anatomía de su historia se resuelve sin casquería sentimental. Algo que puede parecer imposible, con un punto de partida tan difícil, por melodramático y aparentemente facilón. Sin embargo Cesc Gay convierte un relato sobre la muerte en una agria semicomedia plagada de su obsesión por la amistad, la lealtad y el respeto.

¿Cómo se hace eso? ¿Cómo, previendo un traumático descenso a los infiernos, resulta ser todo lo contrario, un ascenso a la resignación de “morir como se pueda”? Probablemente dejando que suceda. Julian y Tomás avanzan por los cuatro días que permanecen juntos sin hacerse muchas preguntas pero respondiendo a casi todo. La factura más impecable de la película es sin duda el haber puesto el foco sobre ambos. Uno se muere, el otro no. Peroambos sufren, ambos se quieren lo mismo, ambos tratan de comprenderse. Y evolucionan al final tomando la actitud del perro de Julián, cuyo nombre da título a la película, y que no puede hacer nada por impedir lo que le pasa, salvo imponer su miradas brillantes y la devoción a su dueño.

Y el hecho de que las interpretaciones de sus dos protagonistas prácticamente se salgan de la pantalla no es baladí. Ambos son muy conocidos entre el gran público y además en muchos registros. Pasa con muchos grandes actores. Es muy meritorio conseguir que olvidemos todo lo anterior, y que Cámara y Darín (premio ‘ex aequo’ en el pasado Festival de San Sebastián) se hayan embarcado en este ‘tour de coeur’ (si se nos permite la expresión) con absoluta naturalidad. Es un tránsito pausado hacia la muerte donde encontramos maravillosas sorpresas en el leve y firme paseo de secundarios de lujo como Dolores Fonzi (impresionante su interpretación), Eduard Fernández, Javier Gutiérrez, Elvira Mínguez, José Luis Gómez, Silvia Abascal o Nathalie Poza, entre otros.

Se cuela además entre todos ellos, o casi se impone, esa sensibilidad especial de Cesc Gay a la hora de ponerle música a sus escenas. Para esta ocasión ha echado mano de las composiciones del músico argentino Nico Cota y del gran guitarrista barcelonés Toti Soler. Entre medias, la voz de Luis Alberto Spinetta y de su mítica banda porteña Pescado Rabioso. Todo es la vez tan pequeño y tan grande en 'Truman'. Resulta hasta un poco absurdo, llegados a este término, hablar de la película, adornarla con tantas palabras. Porque acabamos pensando que Julián y Tomás ya dicen todo lo que se pueda decir al respecto. Saben lo que va a pasar y lo asumen. Nos enseñan que en realidad siempre estamos muriendo para alguien, y todas sus secuencias son un abrazo para consolarnos.

Tras varios años de ausencia de los escenarios, Ricardo Darín regresa al teatro en compañía de Érica Rivas, para asumir uno de los compromisos actorales más importantes de su carrera la obra Escenas de la vida conyugal, bajo la dirección de la gran dama de la escena argentina Norma Aleandro, en una versión teatral que Ingmar Bergman hiciera sobre su película del mismo nombre. Los actores argentinos trabajan juntos de nuevo después del enorme éxito de la película Relatos Salvajes.

Después de agotar las localidades en el Teatro Tívoli de Barcelona y también en la Sala Roja de los Teatros del Canal de Madrid, llega ahora al Teatro Olympia de Valencia del 18 de noviembre al 6 de diciembre.

Escenas de la vida conyugal llega a España precedida de su gran éxito en Argentina, donde se ha representado más de 300 veces, y donde ha sido vista por más de 150.000 espectadores.

En esta comedia dramática, Juan y Mariana -sus dos protagonistas- relatan al público una secuencia de escenas que tiene que ver con la relación que mantienen durante su matrimonio y la que continúan llevando aún después de haberse divorciado. Al público asistente le resulta imposible no identificarse por lo menos con algunas de las reacciones de sus personajes, que tanto pueden resultar divertidas, como dramáticas, pero que siempre tienen que ver con el amor y la condición humana, que es en lo que reside el gran éxito de esta obra.

Norma Aleandro –que ya interpretara en 1992 esta obra junto a Alfredo Alcón– es ahora la encargada de dirigir a Ricardo Darín y Érica Rivas, conformando un equipo de primerísima línea para lo que seguramente también será un gran éxito en España.

La historia de un adolescente de 16 años que tiene que vivir con un padre alcohólico, al que desprecia por ser ejemplo del absoluto fracaso, que regresa a un lugar de infancia y experimenta entre la incertidumbre reinante de una época tan aleatoria y terrorífica como la adolescencia cosas como el primer amor, las primeras experiencias sexuales o las primeras resacas, ha sido la ganadora de la Concha de Oro en la 63 edición del Festival Internacional de San Sebastián. Es una película de iniciación en un contexto desolador, en un paisaje lleno de fiordos y rodada por Rúnar Rúnarsson con sensibilidad, una película que no molesta pero que es demasiado pequeña para un festival de clase A.

La actriz Paprika Steen presidía el jurado de esta edición. De ella dependía mediar si los demás miembros no se ponían de acuerdo. Ocurrió justo eso, el jurado se había fracturado en dos corrientes distintas defendiendo títulos completamente contrarios. Había que poner orden y la decisión de Steen fue premiar a la película de consenso. Y eso significa premiar a Sparrows, una decisión desapasionada que no ayudará ni a la película ni al festival. Salvo por la descripción de la virilidad bruta y salvaje en una sociedad tan civilizada como la nórdica, formalmente tampoco tiene sentido el veredicto. 

Zinemaldía se ha dado un disparo en el pie, porque no solo premia a una película con el mismo recorrido (nulo) que la Concha de Oro de hace dos años, Pelo Malo, si no que el resto del palmarés exceptuando quizá la interpretación -el ex aequo de Javier Cámara y Ricardo Darín por su magnífico trabajo en Truman y el premio a Yordanka Ariosa por su desgarrado papel en El Rey de la Habana- está lleno de pequeños despropósitos.

Yordanka Ariosa se emocionó muchísimo al recibir la Concha de Plata a Mejor actriz. Su personaje es pura carne. Ariosa está fantástica en su mirada triste y animal, en su forma de moverse salvaje y libre y su violenta forma de herir con su palabras que llegan de la frustración y las heridas de un país como Cuba, al que por supuesto dedicó parte de su discurso de agradecimiento: “Un abrazo muy especial a mi querido archipiélago cubano, que si ese espíritu no me saliera por todos los poros de mi cuerpo, este personaje no habría salido”.

Por otro lado Javier Cámara dedicó su premio a toda la gente que está pasando por una enfermedad “y a toda la gente que acompaña a esa gente”. En eso consiste, precisamente, su papel en Truman. Un inmenso trabajo por su contención y su capacidad para escuchar y acompañar a Ricardo Darín. Saber escuchar hace grande a los actores y sin el trabajo de Cámara, Darín no hubiera brillado tanto. Por eso este premio a los dos es incontestable y muy justo.

Unos cuantos despropósitos

La gran derrotada del festival es High-Rise, la propuesta más interesante de toda la sección oficial es una desquiciada película de Ben Wheatley, salvaje, kafkiana y llena de lecturas anticapitalistas. Una película importante que se va de vacío, una oportunidad perdida para el festival de apadrinar a un director con tantísimo potencial. Cuando Wheatley se convierta en uno de los nombres propios más radicales e importantes del séptimo arte ya nunca será hijo de San Sebastián.

El francés Joachim Lafosse se llevó la Concha de Plata a Mejor director por Les Chevaliers Blancs. Un premio intrascendente y equivocado ya que es la historia que lleva al límite la intervención humanitaria de las ONG en el Chad. Es una reflexión brutal y muy interesante sobre las organizaciones de ayuda al Tercer Mundo pero que sin embargo no está bien contada, es dispersa y fallida. El Premio al Mejor Guión es otra torpeza incuestionable, el libreto de la última película de los hermanos Larrieu es una gran tontería con diálogos dispersos donde el personaje de Karin Viard se lleva las mejores frases, mientras los demás personajes deambulan entre chistes sobre penes, bastante reprimidos y bastante infantiles. Cuando recibieron el premio como una especie de justificación dijeron: “Es una película muy francesa”. Eso no es razón de nada, claro.

La fotografía de Evolution, una de las pocas películas de la sección oficial dirigida por una mujer, Lucile Hadzihalilovic, es sin duda, uno de los pocos premios con más o menos acierto. El filme es una especie de cuento freudiano sin demasiado sentido que al menos construye una perturbadora atmósfera que consigue que un paisaje tropical y precioso se convierta en una cárcel. Era una de las favoritas del jurado y también se llevó el Premio Especial del Jurado. Y así finaliza esta edición del festival que se recordará por la poca importancia de sus películas premiadas y por el fantástico recorrido que tendrán las olvidadas, como High-Rise, Les demóns o Terrence Davis y su Sunset Song.

Palmarés de la 63º edición del Festival de San Sebastián

Concha de Oro: Sparrows de Rúnar Rúnarsoson

Premio Especial del Jurado: Evolution de Lucile Hadzihalilovic

Concha de Plata al Mejor Director: Joachim Lafosse por Les Chevaliers Blancs

Concha de Plata a la Mejor Actriz: Yordanka Ariosa por El Rey de la Habana

Concha de Plata ex aequo al Mejor Actor: Ricardo Darín y Javier Cámara por Truman

Premio del Jurado a Mejor Fotografía: Manu Dacosse por Evolution

Premio del Jurado al Mejor Guión: Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu por 21 Nuits Avec Pattie

Mención especial del Jurado: El Apóstata :de Federico Veiroj

Premio Kutxabank Nuev@s Director@s: Le Nouveau de Rudi Rosenberg

Premio Horizontes: Paulina de Santiago Mitre

Premio del Público a la Mejor película: Our Little Sister de Hirokazu Koreeda

Premio Irízar al Cine Vasco: Amama de Asier Altuna

Un hombre con cáncer que ha llegado al límite de la enfermedad decide terminar con el tratamiento y dejarse ir, se llama Julián. El otro hombre es Tomás, un amigo de la infancia que vive en Canadá y que decide ir cinco días a Madrid para despedirse de Julián. Cinco días que ambos emplearán para encontrar unos dueños al perro de Julián, Truman. Cesc Gay es el único capaz de contar esta historia sin abusar de sentimentalismos. El humor negro se combina con el drama de forma excepcional en Truman, una película que ha conmovido profundamente a toda la crítica y a todo el público de este Festival de San Sebastián. Difícilmente se irán de aquí sin rascar nada en la gala de clausura.

Julián es Ricardo Darín, cuyo darinismo, o sea, ser Darín en mayor o menor intensidad, ha tocado techo con esta película. Su trabajo es sublime, se lleva el personaje hacia dentro y lo convierte en él. A este actor le da lo mismo ser Julián, que Tomás, que el propio Truman (el perro): clavaría todos los papeles. Tomás es Javier Cámara cuyo trabajo, aunque no brilla tanto como el de su compañero, es bastante más complicado. Cámara es nuestros ojos en este periplo hacia la tragedia, probablemente no haya actores tan generosos como él. El resultado es claro, intenso, crudo, reconciliador, divertido y emocionante.

Nos encontramos con el realizador catalán en el Hotel María Cristina, rodeados de cámaras, actores, periodistas, jefas de prensa, agentes, guardaespaldas y huéspedes. Cesc es un tipo carismático y rotundo al que no le cuesta empatizar y que disfruta de la conversación.

La película es delicada, realista... Has tenido que vivir algo parecido.

Sí, y evidentemente no la del personaje de Ricardo Darín, pero lo viví como acompañante. A partir de todos esos meses empecé a escribir las cosas que iban pasando. Era algo más de necesidad, no lo hacía pensando en hacer una película. Pero vivía escenas de mucha intensidad y crueldad, situaciones que me fueron atrapando y que fui acumulando mientras observaba la reacción de la gente. Me sorprendía mucho lo complicado que era gestionar estos momentos. Era una especie de diario caótico. Después de Una pistola en cada mano me di cuenta que era un temazo y empecé a darle forma.

Últimamente me da la sensación de que el cáncer es el detonante favorito de los que hacéis ficción.

Me imagino que a nivel estadístico los directores que ahora tienen 25 años no harían este guión nunca. Pero la gente de cierta edad... Bueno yo tengo 48 y ya se te muere la gente. Te rodea el cáncer como te rodea la enfermedad y la muerte y desgraciadamente cada vez se te muere gente más joven. Como director y a esta edad puedo hablar de ello. No sé qué pasará cuando tenga 70, (se ríe) ¡A los 70 la comedia puede ser tremenda! Imagínate ya con esa distancia, que te ha pasado de todo y tú sigues ahí, vivo. Yo, Truman la he hecho desde el miedo.

Lo desagradable, lo crudo de la enfermedad lo eliminas. ¿Por qué?

No me interesaba. Es la historia de alguien que tiene que ver a un amigo porque se va. No quería a un tipo en crisis o hecho polvo. Quería a alguien que ya ha tomado todas las decisiones y que quiere terminar bien, rápido y bonito. El problema lo tienen los que le rodean.

¿Elegiste a Darín antes o después de escribir el guión?

Me obligo a no pensar en nadie cuando escribo; primero porque te decepcionas, porque no pueden y segundo porque entonces escribes como él (el actor en cuestión) habla. Un guionista tiene que construir un personaje, darle identidad y que él solo se defienda.

En una escena Ricardo Darín está en un bar con Javier, y observa como un viejo conocido entra en el bar y aunque le ve no le saluda. Actúa así por incomodidad o hipocresía no por mala educación. Darín se levanta y le reprende en una de las escenas más violentas y también más divertidas de la película. En todas tus películas colocas a tipos que desenmascaran a otros. ¿Te gustaría que abundaran más?

Por suerte, la gente es hipócrita. Es la base de la vida en común. Si nos estuviéramos todos diciendo lo que pensamos los unos de los otros sería un desastre. Hoy en día con la impunidad de nuestros móviles decimos cosas brutales. ¿Qué necesidad hay de hacernos daño? La hipocresía está infravalorada, es respeto a fin de cuentas. “Tu novia me parece fea y estúpida”, no hombre, si estás enamorado qué más da.

Truman, el perro, es el mcguffin de la película pero también simboliza la lealtad. Hay gente a la que no le gustan los perros, no sé si lo van a entender tan bien.

Es cierto que la gente que tiene perros es como si fueran sus hijos. Simplemente me gustaba que Darín no fuera un personaje rodeado de una familia, le quería solo, con una ex (ni siquiera una novia) y que su hijo fuera ya mayor y viviera fuera. El perro es el compañero ideal y además yo buscaba que durante esos cinco días de ficción que dura la película él tuviera que hacer algo. Eso es muy importante. Sea porque el personaje tiene que matar a alguien o porque no sabe qué hacer con el perro. Además ayuda a equilibrar el drama y la tragedia.

¿Te costó mucho no caer en el chantaje sentimental?

Era uno de los trabajos que teníamos que hacer. La película tiene que ganarte en lo emocional. Hay giros muy negros, muy bestias, pero intentamos no frivolizar, porque cuando te pasas con el humor, cambias de tono. Esta es una película que toca bien, no me gusta hacer ese cine angustioso donde se pasa mal. Con Truman puedes salir tocado pero contento de haber pasado por esa experiencia.

Se nos acaba la paciencia. Los titulares nos envenenan, los semáforos en rojo nos llenan de ira, el camarero que no nos atiende, la abuela que tarda en cruzar o el niño que no para de llorar. Y esa gota que casi colma el vaso. Llegamos a casa y apenas nos quedan fuerzas para gritar al televisor cuando aparece el incompetente de turno escupiendo barbaridades. Y en este punto de cabreo social, cuando la olla a presión está a punto de estallar, llega Damián Szifrón con el último gran acontecimiento cinematográfico: Relatos salvajes. Una antología de seis cortos que se nutren del cabreo comunitario y estallan en la cara del espectador como una despiadada y brutal comedia negra.

“Vivimos en un mundo que a mucha gente le oprime y le deprime y algunos explotan. Esta es una película sobre los que explotan, pero es que todos entendemos a los que explotan”, dice Szifrón. En el primer cuento, titulado Pasternak, el director establece el código de su película. Un violento preámbulo que anticipa el inteligente y mordaz sentido del humor que sacude todo el filme. Casualmente todos los pasajeros de un avión conocen al mismo tipo. También, casualmente, todos ellos han tenido a lo largo de su vida algún desprecio con este tipo.

Entonces el avión comienza a descender a una velocidad endiablada. El público aplaude y ríe la venganza, el acto de tomarse la justicia por su mano. Da igual el grado de violencia al que acuda el personaje. Estamos deseosos de revolver las entrañas de la sociedad y que por un rato nos toque a nosotros pisotear al prójimo. “Todos tenemos un avión que llenar”, sentencia Szifrón. Hasta ahí llega el hartazgo. Estamos ante un divertido experimento sociológico: “Es una especie de muestreo de cómo podrían ser las cosas si no estuviéramos tan domesticados”, palabra de Ricardo Darín, uno de los protagonistas de la película. “Es bueno que estemos tan bien educaditos pero en algunos casos uno piensa: ¡Cómo tardamos tanto en levantar la voz!”.

Como ‘Un día de furia’, pero mejor

El tono de la película es negro, pero no sólo por su humor, también por su forma. Damián Szifrón rueda con rabia y habilidad cada relato. “Se ha permitido una especie de festín como cineasta”, declara Darín sobre su director. El western, el thriller, la tragicomedia o el costumbrismo se van entremezclando en cada relato mientras que, por momentos, se vislumbra la pelea de cierto realismo mágico con la débil línea de la verosimilitud. Lo que nunca es esta película, aunque lo pueda parecer, es una revisión capitulada de Un día de furia.

En Relatos Salvajes hay una acumulación del disgusto, una incomodidad social sistemática y en algunos casos una planificación del crimen, del estallido. En el corto titulado La propuesta hay una audaz descripción de la corrupción, una de las peores enfermedades de nuestra democracia. En este relato Szifrón dibuja con maestría el paso que da cada personaje en ese embarrado territorio viciado de sobornos y tejemanejes. Este complejo análisis de la sociedad no existe en la película de Michael Douglas, donde el protagonista sufre una explosión demasiado visceral con unas consecuencias tremendamente injustas a ojos de cualquiera que no sea un psicópata.

Una escalada de violencia

El director se nutre de la credibilidad de unas cuantas cuestiones reales para poder transgredirlas. Después lanza al vacío esas situaciones y las convierte en sátiras o fábulas grotescas. En algunos relatos cuesta encontrar tu sitio frente a la situación y esto es porque el director tiene la inteligencia de promover una movilidad dentro de la empatía, sigues a uno de los personajes hasta que dejas de estar de acuerdo con sus actos y entonces pasas a seguir a otro.

El más fuerte es el relato que mejor ejemplifica esta audacia de Szifrón. En él dos conductores mantienen una batalla a muerte. No entendemos muy bien si todo empezó por culpa de Leonardo Sbaraglia, el tipo del coche caro, o del otro conductor. Y en un momento dado se pierde de vista la razón. “En los conflictos históricos ocurre lo mismo, de repente nadie se acuerda de cuál fue el detonante pero por otro lado nadie está dispuesto a renunciar. Entonces se desencadena la violencia más cruel y absurda y perdemos todo. Las razones, los objetivos, la humanidad. No queda nada”, explica Darín.

El director nos divierte pero también nos desenmascara. Nos obliga a pensar qué provoca ese desquicio colectivo. Hace que miremos dentro de nuestra cabeza y reconozcamos en qué punto colaboramos con lo mismo que criticamos.

Risas histéricas que servirán como bálsamo

No es habitual que Cannes deje entrar en su sección oficial una película tan generosa con el público, tan rabiosamente divertida. Pero a pesar de todo el encorsetado grupo de periodistas que acudió al festival no tuvo ningún problema a la hora de aplaudir cualquiera de los malvados gags que habitan en la cinta.

Para Darín, fue una hábil jugada del director del festival: “Quiso desempolvar y desacralizar un poco las líneas tradicionales de Cannes”. Como era de esperar el palmarés la ignoró. “Yo siempre fui escéptico, aunque el jurado se divirtió al verla a la hora de poner su voto sabía que iban a elegir otra película por aquella cosa solemne de ir por el lado del cine”. Pero lo bueno es que la película tiene una evidente conexión con el espectador y no tardó en venderse a todo el mundo.

Se nos acaba la paciencia. Los aplausos y las risas histéricas hacia este feroz producto cinematográfico son el reflejo de nuestro cabreo. Estas explosiones cotidianas juegan a ser nuestro consuelo pero también pueden ser la chispa que encienda la mecha. “El arte tiene cierta capacidad transformadora, no alcanza para cambiar el mundo pero sí para iluminar determinados conflictos”, dice su director. “Pedirle a una película que funcione como un bálsamo es pedirle demasiado”, opina con más prudencia Ricardo Darín. En cualquier caso estamos ante un filme provocador, insólito y muy negro que impactará ya sea por su humor o su tragedia.

Como actor tiene lo más respetado que podría desear: crítica y público le han aupado a una posición privilegiada para poder elegir papeles, habiendo trabajado en filmes inolvidables como Un Cuento Chino, El Aura, El mismo amor la misma lluvia, Kamchatka, Carancho, Elefante Blanco, Nueve Reinas, Luna de Avellaneda, El Secreto de sus Ojos, etc. Ha trabajado con figuras como Campanella, Bielinsky, Trapero, Cuerda, Trueba... y ahora llega a España para presentar Séptimo, película que rodó en Buenos Aires a finales del año pasado junto a Belén Rueda. Completan el reparto otros reconocidos actores argentinos como Jorge D'Elia, Osvaldo Santoro y Luis Ziembrowski.

Darín se involucró en este thriller de suspense porque se sintió atraído “por la posibilidad personal de poder realizar un trabajo distinto a lo que había hecho hasta ahora, con un personaje al que le sucede todo en un período de entre 14 y 16 horas. El papel exigía comprometerse emocional y físicamente”. Si bien Darín ha realizado casi 50 películas, probablemente nunca había interpretado a nadie parecido al Sebastián de Séptimo, un abogado bien posicionado que se ve sumido por la desesperación al perder a sus hijos en lo que parece un juego trivial mientras debe lidiar con su ex esposa.

El argentino, que había reconocido anteriormente en rueda de prensa “tener los pies en la tierra porque soy así y ni quiero ni puedo cambiar”, parecía sensato y sincero al afirmar que para él lo importante de un proyecto es “si la historia me atrapa, si logra interesarme”. Con Séptimo sucede que hay similitudes con casos reales pero Darín se aviene a aclarar que: “La realidad supera ampliamente a la ficción muchas veces. Esto se trata de una historia concreta de la desesperación de una pareja, un matrimonio en crisis, cuyos hijos desaparecen”. Si bien la película habla del secuestro express de los dos pequeños (los niños que interpretan a los hijos de los personajes de Darín y Rueda son hermanos en la realidad), todo surgió como una idea del director tras jugar con sus propios vástagos a bajar corriendo las escaleras y “no hay que tomarlo como inspirado en nada concreto”.

Darín se siente orgulloso del trabajo junto a Rueda y la química que logró junto a ella, sobre todo en la parte final de la cinta: “Nosotros, los actores, confiamos en el impacto de una mirada, en lo que uno siente en la piel. En la escena final de la película hay una economía de palabras y nosotros confiábamos en nosotros mismos para darle la mayor veracidad posible...”

¿Largo adiós en la gran pantalla?

Aunque es un todoterreno que ha pasado por todos los medios posibles era interesante conocer en qué lugar se siente más cómodo y si volveremos a verle pronto en el cine. Larga y directa respuesta: “No es un buen momento para preguntarme a mí sobre cine porque he hecho muchos trabajos con una frecuencia un poco agobiante y necesito un descanso. Y creo que el cine de mí. Sobre el cine, me gusta mucho ir a ver películas pero hay que aclarar que el trabajo para los actores es un poco complejo. Nadie te explica nunca ciertas cosas, que se aprenden sobre la marcha, y aunque hay una metodología, es muy complicado aún a la altura de los mejores. Hay que encontrar un equilibrio entre todo ese cosmos que está girando alrededor tuyo en pleno rodaje. Convivir con eso para luego poder borrarlo es atractivo e interesante como desafío pero es muy complicado”.

Sobre el resto de medios aclara que: “Mis cuentas están saldadas ahora mismo con la televisión. He hecho muchísima aunque eso no significa que no pueda volver a hacerla, pero siempre que me enamore el proyecto. Eso es más difícil que ocurra con una tira diaria, por los tiempos de trabajo. En una serie semanal uno tiene un poco más de chance para trabajar con profundidad en los conflictos del personaje”.

Entonces, ¿qué hará Darín a partir de ahora?, se podrían preguntar muchos de sus seguidores. En Buenos Aires ha vuelto a las tablas con la versión de Secretos de Un Matrimonio de Ingmar Bergman (Escenas de la Vida Conyugal). “Estoy disfrutando de una etapa actual haciendo teatro. Para mí el teatro es un poco como el taller, como volver al ejercicio cotidiano de mejorar lo que hiciste ayer. Es el medio que a mí me moviliza más... pero por razones obvias porque todo ocurre ahí, en una función. Para bien y para mal. El teatro tiene esa peligrosidad, que no tiene el cine, en el que un espectador en medio de la sala puede levantarse y decirte no estoy para nada de acuerdo y tú me pareces un gilipollas (sic). Ese riesgo, esa membrana fácilmente traspasable da un vértigo y una identidad al hecho teatral que me atrae mucho y me apasiona”.

El lado positivo de la crisis

Volviendo a Séptimo, más de un millón de espectadores han visto la película en Argentina. Allí, su director Patxi Amezcúa ha podido comprobar cómo la gente respaldaba su cinta, algo que no ocurrió en ningún lugar con su debut cinematográfico, 25 Quilates. Las críticas fueron excelsas pero la película salió sin apenas promoción ni copias. Ahora Séptimo es justo el lado opuesto de una jugada comercial que tiene la baza de dos actores consolidados, aunque no son ajenos al mundo de la crisis.

“La crisis obliga a encontrar otras fórmulas. La única parte positiva de una crisis es que te obliga a repensar y la creatividad no se detiene. Al contrario. Muchas veces la crisis es un territorio en el que uno puede levantar muchos elementos para disparar nuevas historias. Yo quiero ver cuáles son las historias que van a venir ahora. Es más trabajoso y mucho más complicado trabajar ahora porque a causa de la crisis se acortan un poco las posibilidades de proyectos. Pero también gracias a ella es un momento en el que pueden surgir muchas otras cosas”.

Terminamos la charla recordando el extraordinario talento de su compatriota Fabián Bielinsky, realizador fallecido en 2006 que solo tuvo ocasión de dirigir dos filmes, ambos con Darín al frente (Nueve Reinas y El Aura). Se nota la admiración del actor por él. “Le llevo aquí dentro”, dice señalándose el corazón y con semblante serio. “Falleció un miércoles. Hablé con él la noche anterior y el lunes nos habían dado multitud de premios en una gala”.

Con este emotivo recuerdo termina el encuentro. Tras la despedida, el actor coge su oscuro chaquetón de invierno -ya hace algo de fresco en Madrid-. Se pone sus gafas de sol y sale por la puerta de Casa de América, perdiéndose entre la muchedumbre, que cruza por los pasos de peatones hacia el centro de la ciudad. Ningún curioso entre la multitud repara en que ese hombre que transita junto a ellos entre coches y asfalto es uno de los mejores actores vivos de la actualidad. ¿Cómo se llamaba ese tipo de ojos azules que era argentino y actor?