El violonchelista y compositor toledano Chiki Serrano estrena su adagio 'Idea Universal', una experiencia inmersiva de violonchelos como una de las propuesta “más cuidadas del panorama neoclásico actual”.

Con una duración superior a seis mintuos, la pieza “trasciende el formato convencional para convertirse en un auténtico refugio sonorio”. El artista explica que está cocebida como respuesta al “ritmo acelerado y al ruido de la vida contemporánea”. Una obra que propone una experiencia inmersiva construida sobre la profundidad y la expresividad del violonchelo “invitando al oyente a detenerse, respirar y reconectar con una idea esencial de armonía”.

Proyección internacional desde Toledo

El lanzamiento cuenta con una ambiciosa estrategia de difusión internacional que “sitúa a Toledo en el mapa de la alta cultura digital”. La campaña alcanzará a oyentes en 16 países, entre ellos Japón, Alemania, Austria y Estados Unidos, con especial foco en públicos afines a la música clásica y al repertorio contemporáneo para violonchelo. Además de en YouTube puede escucharse en todas las plataformas en el perfil oficial del artista.

El festival 'El Aperitindie' celebrará su próxima edición el 18 de abril de 2026 en Toledo, en el parque del recinto ferial del barrio del Polígono, consolidándose como una de las citas culturales más destacadas dentro del panorama musical independiente en Castilla-La Mancha.

Con acceso libre y gratuito, el evento volverá a reunir durante 12 horas a amantes de la música en directo en un espacio abierto, apostando por una programación diversa y combinando talento emergente y propuestas consolidadas del panorama nacional.

El cartel de esta sexta edición contará con la participación de artistas como Blackpanda, Bita, Biela, Fuet!, ¡Miau!, Femur, Be Kind y Dhamiano.

Dinamización del entorno local

Más allá de la música, 'El Aperitindie' se ha consolidado como un punto de encuentro cultural y social, fomentando la dinamización del entorno local y ofreciendo una experiencia accesible para todos los públicos.

El evento se impulsa y enmarca dentro del programa 'Entre Lunas' de la Concejalía de Festejos y Juventud del Ayuntamiento de Toledo. Además, también cuenta con el patrocinio de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha y Turismo Castilla-La Mancha, y Vibra Mahou.

El festival mantiene una firme apuesta por el tejido local, integrando en su cartel a artistas de la ciudad, la provincia y la región. Además, refuerza su filosofía de apoyo a la cultura de proximidad 'Support your local & abre fronteras'.

La organización destaca que el cartel “mezcla frescura, personalidad y algunas de las propuestas más estimulantes del circuito independiente actual”.

Mucho romanticismo, un olfato despierto para rastrear las buenas canciones y la empatía incondicional hacia sus intérpretes alimentan el catálogo de Madmua Records desde que lanzó su primera referencia en 2016, de Proumatic, una interesante banda rockera de Reus de los 70 que únicamente había dejado como legado un flexidisc autoeditado. Era una rareza, un caramelo para los coleccionistas, como el que este 23 de febrero, diez años después, pone a la venta el mismo sello: un single con canciones que Manolo y Ramón (Manolo de la Calva y Ramón Arcusa) registraron en 1970 con Jimmy Page e Ian Anderson como músicos de estudio.

Se cruzaron aquel año las biografías, grabando en Londres, de los componentes del Dúo Dinámico, casi siempre asimilados en su país con el pop más almibarado, con las de dos luminarias del rock duro británico: el guitarrista de Led Zeppelin y el cantante e icónico flautista de Jethro Tull. Y teniendo en la producción, además, a Cy Payne y Kenny Clayton, parte del equipo de George Martin, el ingeniero que hizo grandes a los Beatles. Fue un intento de aquellos de reinventarse, presentándose con sus nombres de pila, en un momento en que su fórmula de siempre había perdido fulgor y querían explorar nuevos caminos. Del experimento salió un elepé con exquisitos arreglos y ecos de soul que se editó, además de en España, en Argentina, Uruguay y Perú. Pero con escasa repercusión; las ventas fueron escuálidas y solo a partir de los 90, en parte gracias a su redescubrimiento por la escena mod, comenzó a ser valorado y buscado por los ‘connoisseurs’.

Madmua recupera ahora en un single dos de las canciones: ‘Un día pregunté’ y ‘Por tu amor’. Será la referencia 49 de esta discográfica radicada en Zaragoza, se publicará con una cuidada edición (el ilustrador Óscar Sanmartín es el diseñador de referencia y siempre hay sorpresas en forma de postales o ‘inserts’) de 500 copias numeradas. Como todas las anteriores, se despachará en días, si no en horas. 

Más que ventas, amistades

No hay disco de este sello sin una gran historia detrás. En el catálogo abundan gemas sacadas del ‘underground’: Los Jemax (garage-beat, con un par de epés grabados para Columbia que en su día no llegaron a publicarse), Los Amis (donde tocaba la guitarra Eduardo Moreno Bergaretxe, ‘Pertur’, el luego desaparecido líder de los ‘polimilis’ de ETA), Célula (interpretó la primera ópera rock española), Los Cirros (pop psicodélico con el exministro de Justicia Mariano Fernández Bermejo al bajo), Los Syn (cuatro jóvenes estadounidenses, hijos de diplomáticos y ejecutivos, que montaron una genial banda de garage en Santiago de Chile)… Alternan con rescates de otros géneros, igualmente piezas de caza mayor para los coleccionistas, como The Zara’s, seis hermanos navarros que triunfaron en los años 60 en Las Vegas, alternando con mitos como Frank Sinatra o Elvis Presley; el colombiano, gran muñidor de éxitos románticos, Henry Nelson; la cantante yeyé Sonia (Pilarín Espí); o el peruano Alfredo Linares, una luminaria de la música tropical.

Madmua ha trascendido particularmente por dar nueva vida al legado de Chicho Sánchez Ferlosio. Tres trabajos ha publicado del autor de ‘Gallo rojo, gallo negro’ o ‘A la huelga’, incluido el elepé ‘Canciones de la resistencia española’, editado de forma clandestina hace 50 años en Suecia y que constituyó un sorprendente éxito en Escandinavia. Junto a David Trueba realizó un documental sobre esta historia.

“Ha sido una década muy intensa y feliz. El principal premio ha sido conocer a decenas de músicos, la mayoría de los cuales nunca consiguieron ni éxito ni reconocimiento, escuchar sus historias y ver en sus caras la felicidad y el orgullo al comprobar que cinco o seis décadas después, sus canciones son reivindicadas y valoradas. Más que vender discos, hemos hecho muchos amigos. Humildemente, creo que hemos forjado un sello con alma y eso lo ha comprendido y premiado nuestro público. Y pese a que la mayoría de títulos editados nadan en el garage, el pop y el rock, nuestra mayor aportación ha sido la reivindicación de la figura de Chicho Sánchez Ferlosio”, resume Joan F. Losilla, coordinador de esta discográfica.

Una aventura romántica

Madmua Records, además de dedicarse a la arqueología musical de los años 60 y 70, tiene una línea paralela, bajo el nombre de Discos Madmua, donde publica canciones desde los 90 hasta nuestros días. Van 14 discos y cada uno esconde también un gran relato. Además, ha publicado dos libros sobre el poeta y cantante Sergio Algora (El Niño Gusano, la Costa Brava). Algunas de las grabaciones se han editado con fines benéficos como el single ‘Canciones del universo de La estrella azul’, que culminaba la premiada película del mismo nombre filmada por Javier Macipe y su reivindicación de la figura de Mauricio Aznar, registrando por primera vez uno de los últimos temas que este compuso antes de fallecer: ‘De los pagos del olvido’. Con lo recaudado, varios cantantes de Santiago del Estero, la ciudad argentina donde Mauricio Aznar se encontró con la chacarera, tuvieron la oportunidad de grabar en un estudio profesional.

Madmua se mantiene de forma prácticamente artesanal, a base de voluntarismo, atendiendo a una clientela fiel (muy mayoritariamente de más de 40 años), que aguarda con avidez cada lanzamiento. “Profesionalizarse es una quimera. Deberíamos subir los precios y aumentar la producción en un 300 o 400 por ciento como mínimo. Y hacerlo iría en contra de la filosofía del sello, que prima la calidad y la generosidad con las bandas muy por encima del beneficio económico. La de Madmua es una aventura romántica que nació así y morirá así”, concluye Joan F. Losilla.

El próximo viernes 14 de noviembre las artistas Clara Incendio, Lady Banana y Judith Mateo tocarán en el festival 'La Música Amansa a las Fieras' que tendrá lugar en la Sala Sideral de Albacete a las 20:00 horas. El precio de la entrada será de 10 euros.

Este evento, organizado por Axesorarte, utiliza “la cultura como altavoz para formentar la igualdad y prevenir la violencia de género”. Nacido del programa educativo 'Quiéreme Bien', el festival cumple quince años “promoviendo” una educación sexoafectiva “basada en el respeto, el consentimiento y el cuidado mutuo” y desde su creación ha recorrido institutos y espacios juveniles de toda Castilla-La Mancha, “acercando a miles de jóvenes una mirada más sana y consciente” sobre las relaciones, el deseo y la convivencia, según detallan desde la organización.

Las artistas del 'Amansa las Fieras'

Clara Incendio es cantante y compositora de Sevilla. En 2021 lanzó 'Imperio', su primer single, al que le siguieron un EP, 'Aprende a arder' y este 2025 su primer álbum de estudio, 'Malleus Maleficarum', un trabajo enmarcado en el género de música de cantautor que hace referencia al libro medieval 'El martillo de las brujas'.

Lady Banana es un duo de Zaragoza formado por las músicas Nerea Bueno (que es la vocalista y toca la guitarra) y Alba Villarig, que toca la batería. Ambas conforman este dueto de música indie y alternativa, que ha actuado en festivales nacionales como el Sonorama Ribera o el Low Festival de Benidorm.

Judith Mateo es artista y presentadora de televisión, además de colaborar en radios autonómicas. En 2023 salió a la luz su último disco, 'ViolinArte' un espectáculo con el que ha recorrido multitud de localidades en su gira homónima. En plataformas musicales acumula más de un millón de oyentes.

El festival, que “se consolida como una invitación abierta” a toda la ciudadanía para seguir “construyendo una sociedad más justa, diversa y empática”, ha reunido a lo largo de su trayectoria a artistas como Marina (Ojos de Brujo), La Mare, Karmento o Bewis de la Rosa, y durante sus quince años de historia se “ha consolidado como una cita de referencia en Castilla-La Mancha” por su “capacidad para unir arte, educación y compromiso social”.

Está impulsado por el Instituto de la Mujer de Castilla-La Mancha tiene como objetivo apostar “por la música como herramienta de transformación social”. Desde la Junta de Castilla-La Mancha señalan que todo lo recaudado en el festival se destinará íntegramente a mantener vivo el programa 'Quiéreme Bien', “permitiendo que talleres, materiales y espacios de reflexión sigan llegando a adolescentes, docentes y familias de la región”.

Las entradas pueden adquirirse a partir de este enlace.

Tras catorce años, 2025 habrá sido el último año del Low Festival en Benidorm, la ciudad de los rascacielos, según ha anunciado en su cuenta de Instagram y en su página web la organización de este festival veraniego que en pasadas ediciones trajo a artistas tan importantes como Chemical Brothers, Pixies, Suede, New Order, The Libertines, Foals, Massive Attack, Primal Scream, Vetusta Morla, Izal, Love of Lesbian o Pet Shop Boys.

Según desvela Producciones Baltimore, la empresa promotora del evento, a pesar de su deseo de seguir celebrando Low en la ciudad que les vio crecer, “las nuevas condiciones impuestas para continuar en el recinto hacían imposible asumir el proyecto” tal y como ha sido hasta la fecha. Se refiere a “costes inasumibles” y cita “decisiones ajenas a nosotros” que les han llevado a entender que, “por desgracia, no se quiere que el Low siga formando parte de Benidorm”. 

No obstante, aseguran que el Low Festival no se detiene: “Seguimos adelante, con más fuerza y con la misma ilusión de siempre” y explican que “muy pronto anunciaremos nuestro nuevo hogar, un espacio junto al mar que mantendrá la esencia mediterránea, donde volveremos a bailar, a emocionarnos y a vivir juntos los mejores días del verano”. Y anuncian a sus seguidores que la semana darán más detalles.

Devolución de abonos

También explican que están abiertos a la devolución de los abonos a aquellas y aquellos compradores que no puedas o no quieran acudir a la nueva ubicación: “Una vez anunciada la nueva ciudad y las primeras bandas, quienes ya tenéis vuestro abono de #Low2026 podréis elegir entre devolverlo o, como habéis hecho siempre, seguir apoyándonos y quedaros con vuestra entrada”. “Y a todos los que decidáis seguir formando parte de esta historia, os regalaremos 40€ para consumir en barras en esta edición y así poder brindar juntos por este nuevo comienzo, además de ofreceros a toda la 'familia lower' más acciones que os iremos contando para que sea el mejor Low Festival de nuestra vida”, agregan.

El festival cierra su comunicado con agradecimientos al escenario que a partir de 2026 deja atrás: “Queremos agradecer, de corazón, a Benidorm, a sus vecinos, trabajadores, taxistas, hoteles, restaurantes y comerciantes que nos han acompañado y apoyado durante todos estos años”. “Gracias por tanto cariño, por tanta música y por hacerlo posible”, remachan y agregan en su agradecimiento a “todas las bandas, proveedores y colaboradores” por apoyarles “en esta nueva etapa para seguir juntos compartiendo el espíritu Low”.  

El espíritu indie vuelve a tomar el distrito de Villaverde con la vigésima edición del festival Indyspensable, una cita imprescindible para los amantes de la música independiente en la capital. Cada año, el certamen musical logra superarse congregando a público de dentro y fuera de la capital, y este 2025 lo hará por todo lo alto con motivo de su 20 aniversario.

Durante el viernes 26 y el sábado 27 de septiembre el Auditorio Municipal El Espinillo acogerá un cartel de lujo en el que se cuelan algunas de las bandas más destacadas del panorama indie actual con cuatro conciertos diarios desde las 19.30 hasta las 1.30 horas. Entre las más destacadas se encuentran Cariño y Carlangas, quienes compartirán escenario con bandas madrileñas y del resto del panorama nacional.

La primera jornada del festival abrirá con el descaro juvenil de Vicente Calderón y Error 97, dos bandas madrileñas que están destacando en la escena underground con su mezcla de indie-rock y punk. Les seguirá Karavana, un grupo imprescindible en los festivales españoles por su energía sobre el escenario y cerrará con la banda femenina Cariño.

El sábado 27 arrancará con el rock alternativo de Cometa, continuará con los grupos vascos Belako, que traerán su particular sonido post punk, y Tulsa, el proyecto de Miren Iza, conocida por su colaboración con artistas como Leiva o Bunbury. El broche final lo pondrá el artista gallego Carlangas, exmiembro de Novedades Carminha. La entrada es libre, y el recinto contará con una zona reservada para personas con movilidad reducida, asegurando la accesibilidad de todos los asistentes.

Desde su primera edición en 2004 —únicamente interrumpido en 2020 y 2021 por la pandemia—, Indyspensable, organizado por la Junta Municipal de Villaverde, se ha consolidado como un festival clave para descubrir nuevos talentos y disfrutar de artistas ya consagrados. A lo largo de sus 20 ediciones han pasado por su escenario grupos como Love of Lesbian, Sidonie, Niña Polaca, Hinds o La Casa Azul.

A continuación, detallamos las fechas y horarios de cada una de las actuaciones programadas para Indyspensable 2025:

Viernes, 26 de septiembre

Sábado, 27 de septiembre

Ya se ha desvelado el cartel del próximo festival Primavera Sound 2026, que se celebrará en el Parc del Fòrum de Barcelona entre los dias 3 y 7 de junio del próximo año. The Cure, Gorillaz y Massive Attack son algunas de las grandes sensaciones, pero no las únicas. El festival también contará con ilustres clásicos como la banda de post-rock neoyorquina My Bloody Valentine, así como el grupo de kraut-rock alemás Einstürzende Neubauten, otra banda legendaria.

Repetirá el trio de rap gaélico Kneecap, que cerró el festival en la pasada edición tras la polémica por el enjuiciamiento en Reino Unido de uno de sus integrantes, acusado de terrorismo por mostrar en un concierto una bandera de Hezbolah. Yb se incorporará la productora y DJ Peggy Gou, que el pasado junio estuvo actuando en el Sónar, el otro gran festival de la temporada. También será novedad la presencia de Bad Gyal.

Otra de las gandes sensaciones será la presencia de la rapera, cantante, compositora y productora discográfica estadounidense Doja Cat. Así mismo será interesante presencial del show de la cantante e influencer norteamericana Adison Rae, que actuará por primera vez en España. Y finalmente completarán la cabeza de cartel, junto a The Cure y la citada Doja Cat, la banda londinense de indie rock The XX, que tal vez vengan a presentar nuevo trabajo, que no editan disco desde 2022.

The Cure regresará a Barcelona casi cuatro años después de su última actuación, cuando presentó su trabajo Songs of a lost world. Respecto a Doja Cat, esta será su primera vez en España con una sola parada en el país, en el Primavera, cuyo espectaculo esta enmarcado en su gira Ma vie world tour, en el que presentará el disco Vie, que saldrá a la venta este viernes.

Otros nombres confirmados son los del DJ, productor, multiinstrumentista, director de videoclips, compositor y músico estadounidense Skrillex, así como el del legendario productor y DJ británico Carl Cox. Otros artistas relvantes de cuyas actuaciones se podrá disfrutar son el español Guitarricadelafuente, la cantautora inglesa PinkPantheress o el cantante de música urbana Dijon, estadounidense.

Lawrence es un músico poco conocido, pero quien lo conoce lo reconoce al instante. Y aquí está: en el vestíbulo de un hotel barcelonés. No ha probado bocado del desayuno porque no le gustaba nada. Lleva su sempiterno bolso, un pitillo en la boca y una bolsita de plástico para guardar un paraguayo que tal vez coma después. Maneja tantas cosas que el paraguayo le cae al suelo mientras intenta abrir la bolsita. Un camarero se lo recoge del suelo y cuando Lawrence le da las gracias, el pitillo le cae de los labios. Lo recoge, sale por fin a fumar y en un descuido deja el bolso desatendido en esta bocacalle de las Ramblas, zona de turistas y, también, carteristas. Nadie se lo robará. De vuelta al hotel, el sensor de la puerta automática no percibirá su delgadísima silueta y a punto estará de decapitarlo. La vida puede ser bella, sí, pero para Lawrence es un auténtico jaleo.

El artista de quien nadie conoce el apellido (es Lawrence a secas) vive un momento de tímida gloria. Su cara chupada aún delata los estragos de su adicción a las drogas, pero lejos quedan los días que pasó durmiendo en la calle. Ha visitado Barcelona para presentar Superestrella de las calles, la biografía que de él ha escrito el periodista inglés Will Hodgkinson, y lo ha hecho en una sala llena de público del Palau de la Virreina, elegante sede del Departamento de Cultura del Ayuntamiento. Aunque su primer grupo, Felt, nunca rebasó el estatus de culto y sus posteriores intentos de triunfar (los grupos Denim, Go-Kart Mozart, Mozart Estate) tampoco cuajaron, Lawrence se ha convertido en una suerte de anomalía de referencia, ese perro verde que nunca encontró la puerta del éxito pero que sigue ahí, insistiendo con sus escasas armas y sus múltiples manías.

Hodgkinson se las sabe todas. Al parecer, durante su estancia en Barcelona se ha alimentado únicamente de chocolatinas que compró en el aeropuerto de Londres. Al final, tampoco se comerá el paraguayo. Eso sí, la ceremonia del té de Lawrence desesperaría al japonés más paciente. Ha dado instrucciones precisas al camarero, pero el resultado es “basura”, así que saca una bolsita de té de su bolso y anuncia resuelto: “Esto lo arreglo ahora mismo”. Y mientras el té va tomando la tonalidad, el sabor y la temperatura adecuados, empezamos a hablar.

¿Cómo surgió la estructura del libro? Es una biografía construida a partir de largos paseos por suburbios de las afueras de Londres.

Lawrence: Hace años que doy esos paseos y pensé que estaría bien que me acompañase.

Will Hodgkinson: Quedábamos los viernes. Él pasea buscando inspiración para sus canciones, pero pronto descubrí que se fija en cosas en las que ni tú ni yo nos fijaríamos.

L: Semanas atrás llevé a una chica de paseo por Woolwich. Nos perdimos. Estaba cortado, tuvimos que tomar otra ruta y al final llegamos a esa zona sucia de Londres. Su reacción fue: ‘¡Tengo miedo! ¡Sácame de aquí!’. Para mí, cuanto más horroroso sea, mejor. Pero asumo que estos paseos no son para cualquiera.

W: Un día, en una tienda, el tipo de seguridad pensó que Lawrence era un ladrón. Fue muy incómodo, pero así es su vida. Es parte de la realidad de alguien que no encaja en este mundo. A veces, los chicos le gritan y le insultan desde la parada del bus. Recuerdo pensar cada vez que nos metíamos en algún barrio horrible y peligroso: molaría que nos atracasen. ¡Quedaría bien en el libro!

L: Pero él no estaba el día que me atracaron. Fue en Eltham, el barrio donde nació Boy George. Un chico se abalanzó sobre mí para quitarme el bolso. Forcejeamos, nos empujamos y empezó a gritarme como un loco: ‘¡Dame el dinero! ¡Dame el dinero!’. Yo respondí gritando: ‘¡No tengo dinero! ¡No tengo dinero!’.

¿Llevaba dinero?

L: Acababa de pasar por el banco: ¡400 libras! Llevaba la tarjeta de crédito y todas mis cosas importantes en ese bolso. Tendría que matarme para llevárselo.

¿Qué le atrae tanto de los suburbios?

L: Que son aburridos. Me gusta ver sitios aburridos. Me gusta la arquitectura y me gusta más ver casas normales de familias normales que catedrales. Todo empezó cuando quise conocer la casa de una estrella de cine (se refiere a Terence Stamp). Más adelante busqué la de Siouxsie, de Siouxsie and the Banshees, y di con la zona, pero aún no he encontrado su casa. Tengo que volver a intentarlo.

W: Un día fuimos a buscar la de Kate Bush. Tampoco la encontramos.

Qué curioso. Su afición por los suburbios nació buscando casas de estrellas.

L: Bueno, la de Terence Stamp está en el East End y eso no es un suburbio. ¡Me encanta el East End! No me había fijado en que era tan llano y eso me permite caminar rápido. Si viviese en San Francisco no hubiese durado ni un día.

W: No, no puedes subir colinas.

L: La zona en la que nació Siouxsie sí era un suburbio, pero una vez allí me pareció un lugar precioso. Nunca había visto algo igual. Decidí volver por allí una y otra vez y ahora me conozco ese barrio sin necesidad de un mapa.

Muchos jóvenes forman bandas precisamente para escapar de este tipo de lugares en los que crecieron. Usted vuelve una y otra vez.

L: Pero no quiero vivir allí. Solo voy a buscar inspiración. Es muy fácil inspirarte en sitios aburridos. Pero voy por la mañana porque solo quiero ver a las señoras yendo a comprar, a los escolares... Y a media tarde regreso a la gran ciudad.

W: Tiene un apartamento en el centro de Londres.

En vez de aprovechar sus conciertos para conocer otros lugares, prefiere regresar esa misma noche a casa aunque esté a 300 kilómetros. ¿Por qué?

L: Porque no puedo permitirme un buen hotel. Tenemos que ir a hoteles horrendos y me paso la noche sentado, viendo la tele y esperando a que el resto se despierten, de modo que cuando llegamos a casa ya hemos perdido todo el día.

W: Tampoco le gusta mucho salir de su zona de confort. El otro día estuvimos en un hotel y se quejaba de la temperatura de la habitación, de que no podía hacerse una tostada…

L: Estoy esperando a ser lo suficientemente rico para tener un asistente personal que ponga la habitación a la temperatura adecuada, que me prepare el baño, que me enjabone la espalda… Las cosas que necesita un hombre mayor.

W: ¡Nadie querría enjabonarte la espalda!

L: Si le pago por ello… Yo quiero vivir como una persona rica.

Pero, sin ser un artista de gran éxito, ¿cómo lo va a conseguir?

L: Ahí está el dilema. Pero yo quiero un asistente personal y un chófer corpulento que aparte a la gente que se me acerque por la calle. Ese es mi sueño.

Will dice que cree que nada nunca es culpa suya. ¿Ninguna de sus decisiones puede haber torpedeado su carrera? ¿No se ha equivocado en nada?

L: Podrías decir que tomé malas decisiones, pero tampoco tuve tan buenas ofertas, así que no había mucho entre lo que escoger. No es cuestión de autosabotaje. Ni de que yo cometa errores. Es porque el sello discográfico no funciona. A veces te ficha una persona, pero al resto del equipo le das igual. Fíjate en este libro y en lo mucho que pueden crecer las cosas si todo el mundo se implica. Eso prueba que si haces las cosas adecuadamente, funciona. Siempre estuve rodeado de gente que no trabajaba bien, sino de forma aficionada. Ese es el problema.

Felt apenas vendía tres mil copias por disco, Denim no acabó de triunfar y Go-Kart Mozart, menos. Aun así, tiene un documental, una biografía y le han esculpido un busto. ¿Qué dice todo eso de su música y de su carrera?

L: Que hay gente fijándose y comprendiendo lo que hago. Es una pena que no haya también un sello discográfico que complete la secuencia. Sería maravilloso porque lo que yo busco es muy fácil: un A&R como el que estaba con Adele en el estudio y le sugirió grabar una versión de Bob Dylan (se refiere a Make you feel my love). Ella no lo veía claro, pero su A&R la convenció y hoy es su canción más famosa. Necesitas ayuda externa. Yo no puedo hacerlo todo solo.

W: No creo que vaya a pasar algo así. Las canciones de Ed Sheeran triunfan entre el gran público porque son fáciles, están afinadas y son correctas. No creo que el público interesado en este tipo de canciones pueda interesarse por Lawrence ni que un gran sello apueste por él como apostó por Adele. A Lawrence le ha costado cuarenta años que suficiente gente descubra su insólito talento.

L: Pero, cuanto más entiendo sobre producción, creo que puedo hacer mejores discos. Como mínimo, que mi voz sea más agradable para el público normal.

W: Alguien tendrá que cantar tus canciones para demostrar que eres un genio.

L: Eso es lo que estoy esperando, pero nadie me ha versionado aún. Es raro.

En España se publicó un disco de versiones: A tribute to Felt (1995).

Lo tengo. Es una mierda. Todos los grupos eran menos famosos que yo, de modo que fue un ejercicio inútil.

Este libro trata de alguien que decide cómo quiere vivir su vida. Eso implica mucho dolor y también mucha libertad creativa. Lawrence asegura que quiere ser la mayor estrella del mundo, pero su vida es una especie de desafío como los que asumía un santo en la Edad Media o un monje.

Will Hodgkinson — Escritor y biógrafo de Lawrence

Incontables biografías pivotan sobre la dualidad éxito/fracaso. Superestrella de las calles plantea otro enfoque. La idea del éxito sobrevuela todo el libro, pero su carrera no se explica solo en términos de ‘llegó a la cima’ o ‘no llegó a la cima’. Es más bien un largo paseo alrededor de esa colina.

W: Obviamente, Lawrence se ha quedado siempre al pie de la montaña.

L: Pero un día podría subir hasta la cima. Aunque, claro, odio las cuestas.

W: Ahí está el asunto. Este libro trata de alguien que decide cómo quiere vivir su vida. Eso implica mucho dolor y también mucha libertad creativa. Lawrence asegura que quiere ser la mayor estrella del mundo, pero su vida es una especie de desafío como los que asumía un santo en la Edad Media o un monje. La diferencia es que Lawrence no se quiere acercar a Dios sino al acto creativo.

L: Me gusta la idea de ese santo que sigue su camino y se cruza con gente que le dice ‘¡quédate un rato con nosotros!’, pero él responde: ‘No, tengo que ir allí’. O esa imagen de Jesucristo pasando cuarenta años solo en el desierto.

W: No fueron cuarenta años. Fueron cuarenta días.

¡Cuarenta años son los que lleva usted de carrera!

L: Ah, sí. Parece mentira, eh.

¿Y sigue queriendo ser famoso?

L: Por supuesto. Siempre lo he deseado. Todo el que lo consigue luego dice que no le gusta, que es algo vacuo. De acuerdo, pero aun así quiero echarle un vistazo. ¿Por qué no yo? Dejadme probarlo y os daré mi opinión.

Las dos últimas preguntas provienen de dos admiradores, dos músicos que, por cierto, participaron en el disco A tribute to Felt. El primero es Ibon Errazkin (de Aventuras de Kirlian, Le Mans y Single), que además ha traducido la biografía que ha escrito Will. Recuerda una entrevista en la que usted decía que su disco favorito de Lou Reed es el primero. Le pareció una elección rara. ¿Por qué ese y no Berlin o Transformer?

L: Porque me gustan los músicos excelentes. Y cuando Lou Reed grabó su primer disco dispuso de músicos londinenses de primera en los Morgan Studios. Él no sabía quiénes eran, pero tres de ellos eran de Yes, que aún no habían triunfado. Por primera vez, no publicaba uno de esos discos donde no se oye el bajo. Me encanta la Velvet, pero, para mí, esas producciones no son buenas. Pero ahí Lou Reed tiene la oportunidad de grabar con músicos de primera y sus canciones cobran vida. Las adoro todas y cada una. Me gusta todo de ese disco. Y mucho de ello tiene que ver con que no lo escuché durante muchos años porque la gente me decía: ‘ese es el disco que no hay que escuchar de Lou Reed’. Te recomendaban ir a por el Transformer, que también me encanta. Pero finalmente lo escuché, ya en 1998, y pensé: ¿qué le pasa a la gente? ¡Es impresionante!

Tito Pintado cantaba en Penelope Trip, grupo cuyo nombre está inspirado en la canción de Felt Penelope Tree y es otra persona que, como Ibon, ayudó a que Felt fuesen más conocidos en España. Su pregunta es esta: “Con los años ha ido modificando los discos de Felt: ha quitado y añadido canciones, ha cambiado portadas y títulos de álbumes, ha cambiado radicalmente la producción de alguno... ¿Existe algún artista que haya ido modificando tanto su obra? ¿Y tiene en mente algún próximo cambio?”.

L: Cuando empecé a hacer estas cosas, Robin Guthrie, de Cocteau Twins, me decía: ‘No deberías cambiar nada. Lo hecho, hecho está’. Y le hice caso durante un par de años, a pesar de que yo quería remezclar de arriba a abajo el disco que él nos produjo. Conforme crecí fui descubriendo todos esos grandes artistas que retocaban sus discos constantemente. El más grande es Townes Van Zandt. Grababa un disco y en el siguiente incluía dos o tres canciones del anterior porque las quería grabar mejor. En sus discos hay casi las mismas canciones. Gene Clark cambió el título de algún disco suyo. David Bowie lo hizo dos veces. Kraftwerk también lo han hecho. Te sorprendería la de gente que retoca su material.

Tengo en proyecto coger las canciones más buenas de Go-Kart Mozart y que no fueron producidas adecuadamente y regrabarlas en dos discos con las canciones perfectas de Go-Kart Mozart. ¿Sabes cuando Bob Dylan publicó sus primeras maquetas? De repente, puedes escuchar tomas sucias de Quinn the eskimo. Quiero hacer como él, pero mejorando mis canciones para el gran público.

El sector independiente de la música está mostrando su extrema preocupación por la intención de Universal Music Group (UMG), uno de los gigantes del sector que publica los discos de Rolling Stones, Sabrina Carpenter o ABBA, de comprar Downtown Music, una empresa que, aunque menos conocida por el público general, desempeña un papel crucial en la gestión de los servicios y los derechos de autor de artistas y sellos independientes. Un movimiento valorado en 775 millones de dólares que está bajo el escrutinio de la Comisión Europa y que podría consolidar aún más el poder de Universal.

Downtown Music opera entre bastidores brindando servicios esenciales para el sector independiente, encargándose de la distribución digital a plataformas de streaming como Spotify o Apple Music, la gestión de derechos de autor y licencias, y la recaudación de regalías. La intención de Universal, anunciada a finales de 2024, es clara: integrar todas estas capacidades para fortalecer todavía más su posición en la distribución y los servicios ofrecidos a artistas y discográficas. En un ecosistema musical altamente concentrado, fuentes de UFi (Unión Fonográfica Independiente, organización que aglutina a las empresas discográficas independientes en España) explican a elDiario.es que “el acuerdo UMG/Downtown reduciría significativamente el acceso al mercado para artistas y sellos independientes, otorgando a la mayor compañía musical del mundo un control sin precedentes sobre las rutas de entrada al mercado, los servicios digitales y el acceso a los datos de la competencia”.

La compra plantea interrogantes a la Comisión Europea sobre la diversidad musical. Si una enorme entidad como Universal controla también una parte significativa de los servicios de distribución y gestión de derechos, los artistas independientes pueden encontrarse con dificultades para llegar a una audiencia amplia. Universal Music Group es el hogar del catálogo de infinidad de artistas y sellos millonarios, contando con un dominio de distribución global. Esto podría empujar al panorama musical hacia una mayor homogeneización, donde lo comercial prime sobre propuestas más pequeñas. Aunque las empresas independientes del sector musical generan más del 80% de todos los lanzamientos, las tres multinacionales (Universal, Warner y Sony) controlan conjuntamente el 70-75% del mercado en Europa.

Asimismo, la cuestión de la protección de datos es especialmente relevante para la Comisión Europea, puesto que Downtown Music maneja información comercial confidencial de innumerables sellos y artistas independientes. La integración de estos datos dentro de Universal Music Group preocupa a la Comisión con respecto a la equidad del mercado, pues “UMG probablemente tendría la capacidad y el incentivo de utilizar datos de sellos discográficos para sus propias actividades comerciales, en particular las relacionadas con la música grabada”, provocando así el “efecto de fortalecer aún más a UMG, que ya es líder en el mercado de distribución mayorista de música grabada en el Espacio Económico Europeo”.

Por otro lado, la adquisición impacta sobre la posición de los artistas. Con menos opciones de proveedores de servicios y una competencia reducida en el mercado de la gestión de derechos, su poder de negociación frente a las grandes corporaciones disminuiría. Esto podría traducirse en acuerdos menos favorables y en un menor apoyo para el desarrollo de sus carreras. Así lo constata Amelia Fletcher, cantante del grupo británico Heavenly, execonomista jefa de la autoridad de competencia de Reino Unido y cofundadora de un sello independiente, en una carta abierta a Ribera instando a la Comisión Europea a realizar una investigación en profundidad.

“Muchos artistas exitosos prefieren grabar para sellos independientes, ya que mantienen un mayor control sobre su desarrollo musical”, indica Fletcher en la carta publicada hace unas semanas, apuntando que “probablemente no serían contratados por los sellos principales, pero que colectivamente generan un valor sustancial para los consumidores, la cultura y la economía”. “Es vital que se detenga este proceso anticompetitivo. El sector independiente es esencial para la competencia, la creatividad, la cultura y el crecimiento en la industria musical”, sostiene.

Consecuencias como la concentración de mercado

La concentración de mercado es una preocupación constante en la industria musical, de ahí que la Comisión Europea esté investigando la operación. Con solo un puñado de empresas controlando la mayor parte del mercado, cada adquisición importante refuerza esa concentración y genera inquietud sobre la capacidad de estas multinacionales para influir en cada aspecto de la música, desde cómo se produce hasta cómo se monetiza y consume. Cuando Universal se hizo en 2012 con el sello EMI, uno de los más relevantes de Reino Unido, la Comisión Europea impuso una serie de condiciones para aprobar la operación. Entre ellas, la prohibición de diez años (hasta 2022) para que UMG adquiriera ciertos activos y sellos discográficos en el Espacio Económico Europeo, con el fin de evitar una concentración excesiva de capital.

Tras el paso de esta década, la compañía musical adquirió PIAS en septiembre de 2024, que se trataba de uno de los sellos independientes más grandes de Europa con artistas como Pixies, Editors, Texas, Soulwax, Dinosaur Jr., Eels y Agnes Obel. A ese movimiento comercial se le suma ahora su acuerdo de compra de Downtown Music, empresa que a su vez es propietaria de servicios independientes fundamentales como FUGA, una de las plataformas de distribución más antiguas y conocidas a nivel mundial, y CD Baby, agrupación de tecnología y servicios que trabaja con discográficas independientes. “Al observar cómo ha evolucionado el mercado, es evidente que las majors se están repartiendo el mundo entre ellas”, explica un portavoz de UFi. “Estas adquisiciones se suman a una larga lista de acuerdos estratégicos en mercados clave a nivel mundial, y deben detenerse”, añade.

La investigación formal que está llevando a cabo la Comisión Europea se extenderá hasta finales de 2025 y puede llevar a UMG a ofrecer concesiones para que el acuerdo sea aprobado. La industria musical independiente, a través de voces como la organización IMPALA, ya ha expresado su preocupación, haciendo un llamado a la Unión Europea para que tome la iniciativa y frene esta estrategia de “apisonadora” de UMG, solicitando que bloquee directamente la operación. “Esta adquisición forma parte de la estrategia del líder del mercado para consolidar activos estratégicos, controlar rutas clave hacia el mercado y moldear el futuro del ecosistema del streaming”, resaltan fuentes de la Unión Fonográfica Independiente. Según Fletcher, UMG busca a través de la adquisición un “mayor control sobre algunos de los actores más importantes, innovadores y disruptivos de la industria musical”.

Una decisión que recae también sobre España

La responsabilidad sobre la decisión del caso UMG/Downtown recae también en España, ya que la Vicepresidenta Ejecutiva de la Comisión Europea responsable de competencia es Teresa Ribera, quien, según expresa un portavoz de UFi, “comprende la importancia de la competencia y la diversidad para un mercado musical sano”. Como ya decidió la Comisión Europea en 2012 con la fusión UMG/EMI, hay un límite en el tamaño que puede alcanzar una empresa dominante. Atendiendo a las estadísticas de mercado en España para 2023 (último año completo disponible, tal y como proporciona UFi con datos de Music and Copyright), UMG ya controlaba casi la mitad de la música que se consumía en el país, con una cuota de mercado del 44,8%.

La magnitud de ese 44,8% se percibe comparándolo con datos de 2012, última vez que la Comisión Europea evaluó el mercado musical, cuando la cuota de UMG era del 34,1%. Además, la diferencia entre UMG y su competidor más cercano es de 17,8 puntos, un aumento de 11,6 puntos porcentuales respecto a 2012. Esta brecha es ahora tres veces mayor que cuando la Comisión Europea evaluó el caso UMG/EMI. “El líder del mercado no debería poder imponer condiciones a los servicios digitales en detrimento de sus competidores, ni absorber a las mayores empresas de distribución musical del mundo y otros servicios esenciales, junto a negocios musicales estratégicos en distintos países, sin una fiscalización adecuada”, señalan fuentes de UFi.

El caso ya había captado la atención de la presidenta del comité de Asuntos Económicos y Monetarios del Parlamento Europeo, la economista y eurodiputada francesa Aurore Lalucq, quien formuló una pregunta escrita formal a la Vicepresidenta Ejecutiva Teresa Ribera en la que enfatizaba que “el mercado musical es un sector vital para la UE” y recalcaba que se necesita un “mercado abierto y próspero para innovar y dar visibilidad a los artistas europeos”. Asimismo, Amelia Fletcher ha señalado que la adquisición representa “otro paso en la estrategia de UMG de socavar la vitalidad y viabilidad del sector independiente”.

Se ha dicho en las últimas horas reiteradamente que la influencia de Ozzy Osbourne en lo que se viene a llamar rock duro es enorme, más si cabe por su liderazgo en Black Sabbath, la formación de Birmingham que a principios de los setenta decidió hacer evolucionar el rock progresivo que se hacía en el area de Canterbury, en el pijo sur de Inglaterra, hacia una suerte de blues acelerado y eléctrico, rico en guitarras de acompañamiento subidas de volumen y riffs más contenidos.

Era una suerte de respuesta europea al proto-punk que encabezaron a finales de los sesenta bandas del área de Detroit como MC5 y The Stooges. De ellos tomaron las guitarras al límite para que sonaran como el motor de un coche de carreras a punto de arrancar y también la querencia por los acordes de blues, pero sustituyeron la inmediatez de los estadounidenses por una mayor elaboración tanto en las letras como en las melodías.

Poco sospechaban entonces en 1970, cuando se hicieron populares a una y otra orilla del Atlántico con su segundo álbum, Paranoid, que crearían una de las escuelas más diversas y ricas del rock del siglo XX, el metal, quizás acompañados, en menor medida por otros ilustres rockeros como Led Zeppelin. Sin la banda de Ozzy y el guitarrista Tony Iommi, es imposible entender movimientos como el heavy metal', pero tampoco estilos como el stoner rock, el metal industrial, el nu metal', el black metal' o ni siquiera el grunge.

Y para seguir el rastro de estas influencias, nada mejor que destacar las siguientes 10 canciones, que son las que a juicio de este periodista mejor definen la carrera de Ozzy Osbourne, tanto ligado a Black Sabbath como en solitario.

Paranoid, 1970: Es la canción que les hizo famosos en todo el mundo, con su ritmo acelerado y algo diferente de lo que es el “estilo Black Sabbath”, más reposado. Su ritmo y su riff de entrada hacen a la canción inconfundible y darían la pauta a seguir a los futuros cachorros del metal más cercano al punk. La revista Rolling Stone la sitúa en el puesto 250 de las 500 mejores canciones de rock del siglo XX.

N.I.B, 1970: La canción pertenece al primer álbum de la banda, Black Sabbath, gravado en 1969 pero editado ya en los setenta. Está aquí por su bajo inicial, más cercano al funk en sus primeros acordes que al rock, pero que inmediatamente da lugar a un guitarreo grueso y distorsionado, lleno de grasa de motor, que definiría lo que sería el futuro estilo de la banda. Incluye giros todavía del blues y es una perfecta fusión del rock progresivo del momento con el incipiente movimiento que entonces se llamó “rock duro” y pronto se rebautizaría como metal.

War Pigs, 1970: La madre de todas las canciones de Black Sabbath. Perteneciente al álbum Paranoid, inicialmente War Pigs iba a dar nombre al disco, pero su letra anti-militarista y anti-guerra del Vietnam la relegó a un segundo plano. Está en ella toda la esencia del rock pesado y grasiento que después copiarían bandas como Kyuss, Queens of the Stone Age, Fu Manchu, Nebula o Acid Kings: riffs y acordes hipnóticos que se repiten una y otra vez a medida que la canción se desarrolla. También en ella el baterista Bill Ward define el modo de tocar la batería que primaría después en el género.

Iron Man, 1970: Otro clásico de la banda recogido en Paranoid. Guitarras potentes y la extraña voz de Ozzy recitando sobre los acordes; no liderándolos sino adaptándose a ellos.

Planet Caravan, 1970: De nuevo otro tema de Paranoid, su gran obra maestra. En este caso una pieza diferente, más reposada y con claros aromas de psicodelia que da idea de la capacidad y el registro creativo de la banda en aquellos momentos. Ha sido versionada por gente tan insigne como los tejanos Pantera, donde Phill Anselmo se muestra en un registro musical inusual para él.

Children on the grave, 1971: Black Sabbath estaban en racha tras sus dos primeros discos y en el tercero, Master of Reallity dieron un paso más sacudiéndose la resaca hippy progresiva acelerando los ritmos. Children on the grave, es una excelente muestra de ello con sus acordes de acompañamiento simples y rápidos, que de paso definen las líneas de guitarra que muchas bandas punk británicas adoptarían cinco años después. Pero el grosor del sonido no era el propio del punk, sino del sonido que ya comenzaban a perfilar bandas como Judas Priest, también seminales de lo que sería el metal, o los futuros Iron Maiden.

Sweed Leaf, 1971: Otra canción de Master of Reallity da fe del amor de la banda de Birmingham por las guitarras de altos hornos y la percusión pausada pero contundente. Otra pieza fundacional del metal que a buen seguro comprarían numerosas bandas nórdicas de los noventa como Turbo Negro, pero también otras estadounidenses tan importantes como Soundgarden o Smashing Pumpkins.

Crazy Train, 1980: Blizzard Of Ozz es el álbum debut en solitario de Ozzy, grabado en septiembre de 1980 en Inglaterra después de superar una crisis personal tras su expulsión de Black Sabbath por su adicción al alcohol y las drogas. Es una suerte de resurrección pop sin olvidar la base heavy, propia de la era musical que se acercaba, en la que bandas del estilo de Aerosmith o incluso algo más tarde Guns N' Roses dominarían el panorama del rock duro más popular.

No more tears, 1991: El álbum homónimo de 1991, cuando Ozzy ya era una leyenda para millones de metaleros, muestra su evolución hacia estilos más contemporáneos, siempre buscando un cierto éxito de público, pero sin olvidar jamás la matriz de sonido que le caracterizó en vida. Gente como Trent Reznor, de Nine Hinch Nails, o Marilin Manson seguro que la han oído muchas veces.

Mr Crowley, 1991: Para terminar, otro tema del disco Blizzard of Ozz que es toda una declaración de principios satánicos y un homenaje al creador del satanismo Aleister Crowley. Destacar la peculiar versión que la banda de death metal Craddle of Filth hace de ella.

Finalmente habrá Tomorrowland en Bélgica este fin de semana. Tras el incendio del pasado día 16 del escenario principal, que generó dudas en la organización sobre la viabilidad de la cita musical, una de las principales del panorama festivalero europeo, ha llegado a última hora el anuncio en la cuenta de X del festival de que como estaba previsto, abrirá sus puertas a las 14:00 horas para las actuaciones de los artistas en los escenarios secundarios.

Respecto al escenario dañado, Tomorrowland asegurar que está trabajando a contrarreloj para tener una confirmación alternativa lista para las 16:00 horas, “a la espera de cualquier cambio de última hora”. En los últimos días, se habían disparado las especulaciones sobre la cancelación de esta edición del festival.

El detonante de las dudas fue el gran incendio que arrasó el pasado miércoles el escenario principal del festival, que se celebra en la localidad belga de Boom. Si bien la radiotelevisión pública belga destacó que no había víctimas, la evaluación de daños apuntaba a importantes daños que impedían su uso.

Dos tercios de las actuaciones, en el escenario principal

El problema principal es que dos tercios de los eventos están divididos entre el escenario principal, ahora destruido, y otro escenario cercano, y las imágenes que se compartieron en redes sociales dejaban claro la imposibilidad de uso del principal. Mostraban llamas de mucha altura y una columna de humo que se podía observar desde mucha distancia y se extendía hasta el bosque más cercano al recinto del festival.

“Debido a un grave incidente e incendio en el escenario principal de Tomorrowland, nuestro querido escenario principal ha sufrido graves daños”, comunicaron entonces los organizadores a través de un escrito publicado en la página web del evento. “Podemos confirmar que nadie resultó herido durante el incidente”, añadían, centrándose en que ya estaban trabajando para “encontrar soluciones”.

El incendio fue de tal magnitud que las autoridades solicitaron a los vecinos que cerrasen las puertas y ventanas de sus viviendas para evitar las molestias causadas por dicha columna de humo, mientras que los servicios de emergencias trataron durante horas de apagar las llamas del incendio.

De todos modos, el DreamVille del festival abrió ayer con la esperanza de no tener que cancelar, según informaron los organizadores. Asimismo, varias decenas de DJs y estrellas de la música electrónica, incluidos David Guetta, Lost Frequencies, Armin Van Buuren y Charlotte de Witte, confirmaron sus actuaciones.

Fundada hace 20 años por dos hermanos belgas, Tomorrowland se ha convertido en una marca de renombre internacional, acogiendo a algunos de los artistas más relevantes del panorama musical internacional y siendo una de las grandes citas europeas de todo el año.

Thurston Moore (Coral Gables, Florida, 25 de julio de 1958) es, sin duda, uno de los músicos de rock más influyentes del último cuarto del siglo XX y principios del XXI. De hecho, la revista Rolling Stone lo sitúa como uno de los 100 guitarristas más importantes de la historia del rock. Con la banda que creara en 1981 junto a su entonces pareja, Kim Gordon, y el guitarrista Lee Ranaldo, y a la que él bautizó como Sonic Youth, sentó las bases de movimientos musicales posteriores tan fundamentales como el indie rock o el grunge.

Su estilo, adscrito a la no wave y experimental, sucio, ruidoso, mestizo del hardcore de ambas costas y heredero del proto punk de formaciones setenteras como los Ramones, los New York Dolls o, sobre todo, los Stooges de Iggy Pop y los MC5 de Wayne Kramer y Fred “Sonic” Smith, fue como un taladro que reventó las costuras del rock clásico que habían apuntalado leyendas como Neil Young o Jimmy Page de Led Zeppelin. Gracias a Sonic Youth, y otros pioneros del noise rock como Dinosaur Jr, Pixies o Pavement, la música anglosajona tuvo a medidos de los noventa una nueva bocanada de oxígeno para sobrevivir al auge del pop electrónico y la música de baile.

Moore publica ahora una detallada y reveladora autobiografía bajo el título de Sonic Life (Contra Ediciones, 2025) en la que describe la vida del ambiente bohemio neoyorkino, y posteriormente angelino, desde finales de los setenta, cuando el punk y el hip hop se consolidan como los estilos hegemónicos de las calles de Manhattan y el Bronx.

Con gran precisión en el recuerdo, Moore explica casi paso por paso su periplo desde Connecticut hasta el Village neoyorkino, que a finales de los 70 era una de las zonas más degradadas y peligrosas de Estados Unidos. Detalla las duras condiciones de vida de la mayoría de artistas con los que se relacionaba –nombres como Arto Lindsay, John Lurie, Jim Jarmusch, Jean Michel Basquiat o Keith Haring– pero también el vigor y la vitalidad que tenía la escena del rock alternativo de aquellos años.

Con el mismo estilo de memoria casi fotográfica nos cuenta después el despegue de Sonic Youth y el contacto con la movida del hardcore en Los Ángeles y en Washington D.C., tratando a leyendas como Ian Mackaye (Fugazi) o Henry Rollings (Black Flag). Y finalmente, ya en los días en que Sonic Youth es una banda consagrada, Moore nos relata las giras con Iggy Pop o Neil Young, pero también con Nirvana, Soundgarden o Mudhoney, esencia del grunge de Seattle.

Su libro tiene un gran nivel de documentación, ¿llevó un diario durante todos estos años?

Pues la verdad es que no he llevado nunca un diario, pero sí he guardado mucho material de nuestros viajes que era en apariencia intrascendente, como billetes, facturas de hotel, tickets de sitios donde tocábamos y cosas así. Solía meterlo en cajas por giras o por el disco al que correspondía la actuación. Lee [Ranaldo] sí que llevaba un diario de todo a principios de los 80 y se los pedí prestados; me ayudaron mucho.

En nuestros primeros diez años tuvimos que dormir en casas de amigos en las giras, comer canapés de los caterings y alternar la música con trabajos de mala muerte.

Luego he realizado una tarea de recopilación de información bastante ingente, acudiendo a bibliotecas aquí en Londres, donde llevo años residiendo, y fotocopiando ejemplares de antiguos diarios y revistas. Luego he metido toda la información en archivos por años y así he ido reconstruyendo para dotar de contexto a lo que recordaba. Tampoco he querido hacer algo con sumo detalle, como si fuera un historiador, pero sí que he querido que Sonic Life fuera una conversación coherente y fiel. La verdad es que me he tirado casi tres años para informarme, pero podría haber estado diez tranquilamente, porque son 30 años de carrera [risas].

Intuyo que si usted no hubiera sido músico, le habría gustado ser periodista musical o algo similar.

Ya lo creo. De hecho, en los pocos años que estudié en la universidad anduve metido en las revistas mi colegio universitario y escribía de mis ídolos de entonces, que eran Patty Smith, Lou Reed, Neil Young o Iggy Pop, algo que en los setenta sonaba muy raro porque no eran artistas de masas. Recuerdo que me ofrecieron escribir de deportes en lugar de hacerlo sobre esos bichos raros y me negué. Yo quería ser como Lester Bangs, periodista y músico a la vez. Y al final salté a la música.

Mucha gente puede pensar que Sonic Youth es un grupo de estrellas del rock a tenor de la fama que alcanzó, pero en el libro explica que su vida era bastante austera y los ingresos no eran grandes. ¿Es común esta situación en muchos músicos?

Así es. Nosotros en nuestros primeros diez años tuvimos que dormir en casas de amigos en las giras, comer canapés de los caterings y alternar la música con trabajos de mala muerte. Luego en los noventa llegamos a un punto que empezamos a vivir de Sonic Youth, pero vamos, nada de aviones, mansiones y todo eso. También he de reconocer que jamás lo pretendimos, siempre que pudimos evitamos a las discográficas majors [grandes] y el mainstream.

Como grupo, ejemplificamos la idea de que se puede crear algo completamente único, a partir de las nociones atípicas de la cultura, pero respetando la tradición

Pero fueron una de las primeras bandas alternativas en tener un vídeo en MTV...

Cierto, pero no fue una relación fluida o cordial; ellos nos consideraban áridos y nosotros a ellos un instrumento puramente comercial. Por ejemplo, el vídeo de la canción Cool Thing, del disco Goo, lo hicimos específicamente para que pudiera salir en MTV, pero se negaron a mostrarlo. Al final lo mostraron una o dos veces, y luego oímos que los directores dijeron: “No queremos mostrar este video. Esta banda es demasiado... Es demasiado rara, ¿sabes? Y hay algo en este video que no... no es nuestra estética”. Ahí terminó nuestra relación con MTV.

¿Qué siente al mirar atrás y ver que crearon un grupo de gran influencia en el rock indie de los 90 y la primera década del siglo XXI?

A decir verdad, me encanta esa sensación. Creo que si hay algo a lo que puedo aspirar en mi vida es a tener ese reconocimiento, ser influyente. Nosotros representamos una liberación total de expectativas. En la industria musical siempre nos presentamos como un desafío a la noción estandarizada de lo que puede ser la música pop o el rock, incluso en el contexto del punk rock o el post-punk.

Y creo que ejemplificamos este tipo de democracia creativa de cuatro o cinco personas en el escenario, trabajando de una manera que implicaba medidas poco ortodoxas y experimentaba con afinaciones, con la estructura de las canciones, con una presentación políticamente vocal, expresando el poder político de la alegría, el poder político del intelecto y abrazando la idea de la exclusividad pero también de la inclusividad.

Nos dimos cuenta de que, como grupo, ejemplificamos la idea de que se puede crear algo completamente único, a partir de las nociones atípicas de la cultura, pero respetando la tradición. Este respeto por la tradición y la aceptación de la experimentación dentro de ella son los factores que influyeron a Sonic Youth.

¿Cuáles son las bandas sobre las que cree que más ha influido Sonic Youth?

Creo que Radiohead tomó mucho de lo que hacíamos por aquel entonces, porque empezaron como una banda de pop bastante directa, con un toque grunge, pero pude ver que les interesaba más lo que hacía una banda como Sonic Youth con la música de guitarra experimental. Y lo incorporaron a aspectos de su sonido. Pero no éramos los únicos, también trabajamos simultáneamente con mucha gente que trabajaba en la misma línea, como Birthday Party, donde estaban Nick Cave y Rowland S. Howart, o los alemanes Einstürzende Neubauten, los Butthole Surfers y los Meat Puppets. También los Pixies pueden considerarse más o menos contemporáneos.

¿Y Nirvana?

Bueno, Nirvana eran amigos. Tocamos con ellos en varias giras cuando no eran conocidos, pero por edad, sin duda, les influenciamos. Recuerdo que después de que saliera Nevermind, estaban dando un concierto en Nueva York y Kurt se acercó a mí en los camerinos y me dijo: “Nuestro próximo disco será más como vosotros”. Fue algo genial. Es lo que te decía antes: si Kurt Cobain te dice esto es que lo que has hecho con Sonic Youth ha merecido la pena.

Recuerdo que después de que salió Never Mind, estaban dando un concierto en Nueva York y Kurt se acercó a mí en los camerínos y me dijo: "Nuestro próximo disco será más como vosotros"

¿Podemos soñar con una futura reunión de Sonic Youth o es imposible?

Creo que no tengo tiempo para eso... [risas] Creo que Sonic Youth ha tenido una buena carrera, eso es seguro, pero de ahí a resucitarlo... No siento que tenga los minutos para ello porque estoy ocupado escribiendo y componiendo música nueva para la movida que hago ahora. Además, sería un asunto muy serio, llevaría un par de años más o menos levantar el proyecto y supondría alejarme de mi actual vida, cosa que no estoy dispuesto a hacer.

En los festivales como el Primavera Sound apenas tocan unas pocas bandas de rock de la escuela alternativa. ¿Ha muerto el rock?

Puedo decirte ahora mismo un montón de bandas jóvenes de rock, tal como lo entendemos, que merece la pena escuchar. El rock está en forma. Otra cosa es que me hables del mainstream que contrata ahora el Primavera Sound: grandes nombres, grandes escenarios, grandes montajes y una música que no deja de ser la que siempre incluye la MTV...

Si el Primavera quiere volver a tener la filosofía de sus inicios, que me llamen y les paso ahora mismo un centenar de bandas de rock de primer orden

También hay que comprender que estos festivales tan grandes tienen que atraer una gran cantidad de gente para ser rentables; pagar los sueldos, pagar a los artistas, los transportes, etc. Es un negocio muy grande que precisa de nombres como Charlie XCX o Sabrina Carpenter porque hacen de imán. De lo contrario, no son viables. Pero, oye, si el Primavera quiere volver a tener la filosofía de sus inicios, que me llamen y les paso ahora mismo un mail con un centenar de bandas de rock de primer orden.

Enfatiza en Sonic Life la actitud de izquierdas y de protesta ante el mandato de Bush padre que se vivía en los 90 en el mundo del rock, en especial por la primera invasión de Irak. ¿Por qué hoy en día los músicos jóvenes ya no se meten en política?

Hoy los artistas tienen pavor a criticar en voz alta a los gobiernos por miedo a que les impidan actuar y les arrebaten su medio de vida. Sabrina Carpenter o Charli XCX no dicen nada en el escenario y es lógico. Es un miedo al control fascista que se está imponiendo en todos lados. Lo hemos visto recientemente con Kneecap, encausados por denunciar el genocidio cruel que Israel está llevando a cabo en Gaza.

Yo sigo diciendo lo que pienso en redes sociales, no me callo, pero tengo a mi hija en Estados Unidos y si quiero ir a verla debo poder entrar

Y si esto pasa en el Reino Unido, ni te cuento en Estados Unidos... Entonces, si el resto de artistas ven que te pasa esto, es lógico que se asusten, porque viven de esto ellos y los que les rodean. Yo la verdad es que sigo diciendo lo que pienso en redes sociales, no me callo, pero claro, tengo a mi hija en Estados Unidos y si quiero ir a verla debo poder entrar. Y las noticias de que Trump mira los comentarios en redes de los estudiantes extranjeros me inquietan... Tal vez mañana sea yo el vetado, pero, por el momento, prefiero no callarme.

Para terminar, discrepo de sus memorias en la valoración que hace del disco LAMF de los Heartbreakers de Johnny Thunders, pero también le agradezco que mencione el War Pigs de Black Sabbath, porque para mí es la canción que define lo que será después el metal más alternativo.

Bueno [risas], Tienes razón en que LAMF es un disco que escuchado con perspectiva y sin la producción que le metieron, si escuchas las demos, tiene un aire mucho más interesante, con canciones muy notables. En cuando a War Pigs es cierto que es una canción importantísima e innovadora en su momento. Nosotros grabamos un cover en una cinta, pero no la llevamos al disco, no obstante solíamos tocarla en muchos conciertos. Recuerdo que la peña se quedaba alucinando, rollo: “¡Cómo podéis tocar esta mierda antigua!”. Pero a nosotros nos encantaba tocarla.

Una de las principales empresas españolas de venta de entradas para espectáculos, Wegow, una alternativa local a gigantes como Ticketmaster, anunció en mayo su entrada en preconcurso de acreedores. Esta decisión afectó a músicos y pequeños promotores, que son los que utilizan mayoritariamente esta plataforma, al no poder acceder a la recaudación de las entradas vendidas.

La empresa advirtió en un comunicado de que no se trataba de una quiebra ni de una “paralización de nuestras operaciones” sino de una salida para “reordenar” su actividad y “poder recuperar la normalidad”.

A pesar de ello, la Unión de Asociaciones de Trabajadores Autónomos y Emprendedores (UATAE), ha impulsado una plataforma de afectados por Wegow para exigir transparencia y soluciones con la intención de “aglutinar al mayor número de gente” e ir viendo “qué acciones se pueden llevar a cabo más adelante” para aquellos que denuncian el bloqueo de ingresos ya recaudados, según informa Martín Gil, responsable de Comunicación de UATAE a este periódico.

Más de 200 personas afectadas

Actualmente hay alrededor de 200 personas afectadas que ya han contactado con la Unión de Autónomos, pero se espera que se sumen más. La plataforma no solo aglutina a artistas y músicos, también a promotoras que llevan temas de managament y bajo las que se encuentran los grupos y cantantes a los que representan, por lo que el número de afectados es considerablemente mayor a esa cifra.

Aunque hasta ahora no ha habido un gran avance, pues el equipo jurídico de la UATAE se ha percatado de que todavía no está publicado el preconcurso de acreedores en el BOE, la organización desea abarcar varios ejes. Por un lado, la presión institucional, para lograr así “ayudas o medidas concretas que puedan paliar los efectos de estos de este dinero que todavía sigue sin abonarse”. Por otro, “tomar acciones jurídicas”, algo que aún no pueden desarrollar pero sobre lo que sí declaran que, “por parte de la empresa, no ha habido ningún avance hacia los pagos”.

elDiario.es ha intentado recabar, sin éxito, el punto de vista de Wegow, que ha dejado de vender tickets en su página web pero sí tiene disponible producto propio como merchandising.

Desde UATAE plantean diferentes salidas, aunque todas pasan por esperar para ver la evolución de la empresa. La Unión considera que puede haber una venta de Wegow a otra corporación que se haga cargo de las deudas. O podría haber un amedición con la que recuperar el dinero.

“La cultura no puede seguir siendo moneda de cambio en manos de empresas que operan sin garantías para quienes la hacen posible”, afirma María José Landaburu, secretaria general de UATAE, quien pide una regularización que “proteja al pequeño creador” frente a los intermediadores. “Es la punta del iceberg de todo un fondo de precarización”, señala, por su parte, Martín Gil.

Para adherirse a esta plataforma que pretende ayudar a quienes han tenido problemas con Wegow y dibujar un mapa de afectados, la Unión de Autónomos ha habilitado un formulario a través de la página web.

“No faltaba con ser pobres de normal”

Entre los grupos que han mostrado su descontento con la situación en redes sociales se encuentra Veintiuno, que hace alusión al silencio del resto de la industria musical y afectados: “Me hierve la sangre que nos estemos callando un montón de compañeras y compañeros afectados, a la que nos han dejado a deber una cantidad indecente de dinero, porque encima si hablamos los que tenemos las de perder somos nosotros”. La banda puso a la venta una camiseta hasta el 31 de mayo para recaudar dinero como vía alternativa con la que sus seguidores pudieran ayudarles.

A la publicación responde otra de las artistas afectadas, Yoly Saa: “Poquita broma que no nos llegaba con ser pobres de normal, ahora vamos a serlo el doble”. La cantante emitió un comunicado declarando que “están siendo momentos complicados” y afirmando que probablemente no cobrarán ni los bolos que se les debe, ni los que les quedan por dar, lo que “implica asumir todos los pagos” del equipo. Pero no cancelará la gira, como parece ser la decisión principal entre los afectados: “Nos vemos en cada una de las ciudades que quedan como estaba previsto, de peores hemos salido”.

Otra de las bandas que han tenido problemas con Wegow ha sido Gorila Flo, que ha trasladado la venta online de las últimas entradas de su gira a la ticketera española Entradium. Las entradas que sus fans habían comprado a través de Wegow, no obstante, seguirán siendo válidas y permitirán a sus seguidores acreditarse con ellas en los conciertos. “Gracias por vuestro apoyo y comprensión. Nos vemos en el concierto, va a ser inolvidable”, promete el grupo en su comunicado publicado en redes sociales.

A pocos días de su comienzo, Sónar 2025 está sufriendo las consecuencias del descubrimiento de su pertenencia a fondo proisraelí KKR, algo desconocido hasta hace un mes y que supuso un terremoto en el panorama musical español, ya que otros festivales, como Viña Rock o Resurrection Fest, también pertenecen al mismo fondo.

El motivo es que KKR compró a finales del pasado año la empresa dueña de numerosos eventos musicales, Superstruct Entertainment, de modo que todos ellos pasaron a estar, sin capacidad de maniobra, dentro del paraguas del fondo proisraelí. La noticia provocó un comunicado inicial del festival algo tibio en el que, aunque rechazaban las agresiones israelíes a Gaza, tildaban la situación de “catástrofe humanitaria”.

Aquella tibieza dio lugar a numerosas protestas y la cancelación de sus actuaciones por parte de 28 artistas y distintas actuaciones. No obstante, la respuesta de Sónar se endureció a continuación a demanda de los artistas y en un nuevo comunicado pararon a culpar al gobierno israelí de “genocidio del pueblo palestino”.

Comunicado de Cora Novoa

Es en este contexto en el que Cora Novoa, una de las productoras y DJ más vinculadas al festival, dueña del sello discográfico independiente Seeking The Velvet, ha emitido un comunicado en Instagram exponiendo sus razones para no cancelar finalmente su presencia en la cita.

“Hoy quiero compartir con vosotras un tema que no es fácil, pero siento que es necesario hablarlo desde el corazón y desde la honestidad”, comienza la gallega. “Antes de nada, quiero condenar con todas mis fuerzas el genocidio que está cometiendo el gobierno de Israel con Palestina”, matiza y añade: “Es una auténtica atrocidad y no tengo palabras para describir lo que está sucediendo”.

También da las gracias “a los colectivos, voces que han alzado la voz y artistas que se han retirado del cartel para alertar de la irrupción del Fondo KKR en la industria de la música”. Pero explica que “en estos días he podido conversar con Paquay, BDS y también Sónar Festival”. Estas charlas, asegura, fueron muy enriquecedoras y le hicieron entender “todas las perspectivas y lo que estaba pasando”.

A continuación, Novia exponer las razones de su permanencia en el cartel de Sónar 2025: “Valoro muchísimo todas las medidas que ha tomado Sónar Festival: la distancia pública de KKR, la condena expresa del genocidio, que Coca-Cola y McFlurry se hayan caído como patrocinadores, la presencia de símbolos de apoyo al pueblo palestino a lo largo del festival, la creación de un espacio de diálogo en el propio festival para debatir lo que está sucediendo y otras posibles medidas para futuras ediciones”.

Asegura ser “consciente de que por parte del festival no se han gestionado bien algunas cosas”, pero cree que “han pedido disculpas y han hecho autocrítica, haciendo un esfuerzo titánico en rediseñar y cuestionar el modelo de festival que querían ser en tan solo unas pocas semanas”. Novoa explica que durante estas semanas lo ha pasado “muy mal”. “Y lo sigo pasando muy mal porque soy consciente de que elija el camino que elija, es imperfecto”, apostilla.

Finalmente expone su decisión: “Seguir adelante y permanecer en el cartel de Sónar 2025, pero con un propósito muy claro: disputar el espacio desde dentro y usarlo como altavoz”. “Este conflicto revela un problema mucho más complejo: la colonización de la cultura, como ya sucede con la vivienda o con la alimentación”, añade para cerrar el comunicado asegurando: “Mi estrategia difiere de la cancelación, pero tiene un mismo fin una Palestina libre”.

Sin duda la jornada del jueves del festival Primavera Sound 2025 fue eminentemente británica, si exceptuamos unos pocos artistas irlandeses, australianos y estadounidenses, anglófonos al fin y a cabo. Desde la cantautora anglo-filipina Beabadoobee, o la rapera londinense de origen jamaicano John Glacier, al productor Jamie XX o los muchachos rockeros que conforman Idle, todos ingleses. Y, por supuesto, también lo son las superdivas Charli xcx, que actuó de cabeza de cartel junto al australiano Troye Silvan, y Tahliah Debrett Barnett, cuerpo y alma del proyecto FKA Twigs, que entregó una actuación performativa memorable.

Asimismo fue una jornada muy femenina, donde las propuestas de mayor relieve las protagonizaron mujeres, si exceptuamos el magno concierto que regaló Spiritualized, en el que homenajeó, tocándolo, su segundo álbum, Pure phase, que cumple este año tres décadas. Jason Pierce reunió para la ocasión un combo que era todo un lujo: además de los tradicionales bajo, guitarras y batería, aportó una potente sección de teclados, dos coristas, una sección de cuerdas con dos violas y otra de vientos, con saxo, trompeta y trombón.

Con semejante tripulación, el crucero, no podía fallar. Y no falló: Spiritualized desgranó una a una las canciones del disco, considerado una obra maestra del noise pop del momento, con influencias claras de la Velvet Underground, pero también del rock progresivo más experimental de los 70. Entre acordes hipnóticos y distorsiones de querencia lisérgica, se colaban los vientos y las cuerdas con sus propias y enloquecidas armonías, más propias de una pieza de free jazz que de un concierto de rock alternativo de los 90. Fue un regalo que la organización otorgó a los viejos rockeros, arrinconados en esta edición por un tsunami de pop bailable y enlatado.

Kate Bollinger acaricia el micro con sus labios

No obstante, Spiritualized aparte, hubo otras satisfacciones guitarreras durante el día, que comenzó sin embargo con la actuación de Rigoberta Bandini en petit comité en el escenario Levi's Plaza, coqueto y recogido, ideal para pequeños conciertos como el de la catalana, que lo cerró con su ya clásico Ay mamá y con espontáneas bailando sobre el escenario. Tras la Bandini, le tocó el turno a la virginiana Kate Bollinger, que hizo las delicias del público con su pop folk de corte sureño, suave y ambiental, tirando de una buena base rítmica y algún slide, además de las clásicas guitarras Fender.

El resultado fue un hilo agradable en el que la voz de Bollinger se deslizaba como un susurro que a ratos recordaba a la añorada Francoise Hardy, siempre cantando con los labios pegados al micrófono, acariciándolo. El problema es que le tocó lidiar con un escenario mastodóntico, el Revolut, y a las seis de la tarde, con el sol dando de pleno y el público todavía frío, más interesado en tumbarse en el césped artificial en corros y beber cerveza que en escucharla. Le hubiera venido mucho mejor el escenario de la Bandini, o al menos uno algo menos aparatoso, íntimo y sugerente; como es su música.

Tras la caricia sonora de Kate Bollinger, tocaba ir en busca de otra mujer liderando un proyecto. La encontramos en la otra punta del parc del Fòrum, de nuevo en el Levi's Plaza. Allí estaba la londinense John Glacier. Activó pronto al público con su rapeo oscuro y nocturno, herbáceo en el sentido más narcótico de la palabra. Mostró su flow deslizándose sobre bases imposibles, más propias de bandas de tecno experimental como Autechre que de un DJ de break beat. Glacier fue subiendo la temperatura ambiental a base de rimas y el público comenzó a sintonizar con ella. El único “pero” a su sesión es que aunque el lugar pareciese adecuado, la hora, apenas las siete de la tarde, era demasiado luminosa para establecer las complicidades necesarias para este tipo de música.

Beabadoobee pone tercera al ritmo de la tarde

Tras Glacier, de nuevo tocaba desplazarse al otro extremo del Fòrum, al escenario Estrella Damm, tan inmenso como su hermano gemelo, el Revolut. Sin embargo, la anglo-filipina Beabadoobbe consiguió no solo llenarlo, sino también enchufar al respetable a base de sus letras sobre la cotidianeidad, su voz sugerente y atiplada y su potente banda, que trazaba en cada canción un sendero de sólido power pop guitarrero, más propio de los 90 del siglo XX que de los 20 del XXI. Fue el primer arranque serio del festival, aunque siempre desde una actitud complaciente, más pop que rock y sin demasiada orografía emocional en el desempeño de los temas. Una lástima porque en las otras facetas estuvo sobresaliente.

Dejando a Beabadoobbe en el Estrella Damm, de nuevo tocaba desplazarse para ver la actuación de otra mujer, en este caso la fascinante Cassandra Jenkins en el escenario Amazon Music. Ahí se conjugaron los astros: la tarde cayendo, la suavidad de la brisa, la luminosidad descendiendo y un escenario a escala humana para la propuesta de la neoyorkina: música ambiental, llena de atmósferas jazzísticas a ratos –contaba con un saxofonista– y oscuras y electrónicas en otros gracias a los sintetizadores. El público, aunque no masivo si considerable, se entregó al que fue uno de los conciertos más exquisitos de la tarde.

FKA Twings: electrónica, sudor y danza

A las diez le llegó el turno a una de las cabezas de cartel de la jornada, el proyecto FKA Twigs, liderado por la actriz, cantante y bailarina londinense Tahliah Debrett Barnett, propietaria de la célebre voz que puede oírse en ese bellísimo himno del trip hop extemporáneo llamado Two weeks. En dos ocasiones anteriores, Barnett había cancelado a última hora su asistencia al festival, pero esta vez llegó, vio y sedujo con su espectáculo, pura danza física y sudorosa.

Una performance que se reproducía a través de pantallas en blanco y negro y que dejaba ver el cuerpo de los bailarines, duro como el grafito, en contorsión permanente. Al principio el desarrollo fue lento, pero progresivamente fue cogiendo velocidad y ritmo y el público, muy numeroso, comenzó a prestar atención a la maravilla que acontecía en el escenario, puro arte.

Aun así, era imposible abandonar la sensación de que en aquel escenario desmesurado –el Estrella Damm– este tipo de espectáculo tenía poco sentido. Aunque fuera bienintencionado intentar elevar el nivel artístico de la noche, ni el lugar ni la ocasión parecían apropiados. La propuesta de FKA Twigs merece más otras querencias menos festivas, acaso en festivales como el Grec o en teatros como el Liceo, donde su despliegue performativo se habría podido apreciar con mayor silencio, respeto y atención.

Y como la noche no puede ser eterna y Charli xcx no actuó hasta la una y media de la madrugada, la mejor manera de cerrar este jueves de Primavera Sound fue con el ya comentado concierto de Spiritualized. En especial poder apreciarlo rodeado de seguidores y seguidoras de la banda, gentes que vinieron con la idea clara de no perder la ocasión, como quien es invitado a la cata de un vino muy especial y sabe que no va a haber muchas más oportunidades de probarlo.

Definitivamente, el Primavera Sound 2025 se presenta como la culminación de una tendencia –lógica por otro lado, pues un festival con tanto recorrido debe mantener siempre un vínculo evolutivo con sus asistentes más jóvenes– hacia la asunción del pop más sintético y bailable como bandera y reclamo, una inclinación que se venía manifestando en los últimos años.

Si en la pasada edición destacaron como cabezas de cartel Pulp, The National, Vampire Weekend, Deftones o Pj Harvey, combinados con Lana del Rey, Troye Sivan o Charli XCX, y sobre todo SZA –que ya apuntaba a la apuesta sostenida por el pop de grandes montajes de escena y audiencias masivas, y fue el cierre del Primavera Sound 2024–, la presente deja claro que se acabó por el momento el guitarreo en el parc del Fòrum y pasan a reinar las melodías creadas e interpretadas por programas de software como el Ableton Live.

El cartel de este año no presenta ninguna ambigüedad respecto a la vocación pop de sus cabezas de cartel: en la jornada inaugural del día 4 reinará el house ecléctico del productor canadiense Caribou, previamente actuará la Casa Azul, que siempre es una garantía de buenos ritmos sin renunciar a letras con mensaje e inteligencia. Abrirán esta jornada las madrileñas Hinds, que pondrán la nota roquera a la noche.

Jueves 5 de junio: Charli xcx y Troye Sivan traen el Sweat Tour

En el primer día de festival, el jueves 5 de junio, la principal atracción será el espectáculo Sweat, el montaje escénico y musical que la británica Charlie XCX y el australiano Troye Silvan –ambos fueron en la edición del pasado año segundas espadas de cartel– han movido los primeros meses de 2025 por EEUU y que ahora aterriza en Europa vía el Primavera Sound. Cajas de ritmos, mucho software y sintetizadores para dar rienda suelta a un pop juvenil y cargado de sexo y ambigüedad.

Charli XCX y Troye Silvan presentarán Sweat en la noche del jueves, probablemente a partir de las diez y como culminación de la jornada. Pero antes habrán desfilado numerosos artistas por los distintos escenarios del parc del Fòrum. FKA Twigs, que el año pasado canceló a última hora, será una de las segundas cabezas, presentando su último trabajo Eusexua, ya lejos de las gélidas atmósferas que configuraban sus primeras entregas y dando entrada a ritmos bailables.

Otros platos fuertes de la jornada, con clarísima intención de llevarnos a la pista de baile, serán las construcciones del británico Jamie XX y el pop noventero y fluido, pero con intención alternativa y guitarrera, de la filipino-británica Beabadoobee. La nota rockera la pondrán Idles con su guitarreo contundente y sus letras reivindicativas al más puro estilo Billy Bragg. Como evento a tener en cuenta para los amantes del culto, Spiritualized tocara su álbum Pure Pashe para celebrar el 35 aniversario de su lanzamiento.

Otras interesantes aportaciones de esta jornada serán el hardcore techno de los alemanes Brutalismus 3000 y el rapeo contundente de Denzel Curry. Pero sobre todo será una excelente oportunidad para degustar los ritmos sureños, y con acento del Bakersfield sound, del cantante Sturgill Simpson, toda una leyenda country en EEUU pero un gran desconocido en Europa.

Viernes 6 de junio: Sabrina Carpenter y todo lo demás

La jornada del 6 de junio tendrá como protagonista absoluta, con la caída de la noche, a una de las reinas del pop actual más contemporáneo. El pop electrónico de Sabrina Carpenter reinará a partir de las diez de la noche en el escenario grande del festival. La ex de Disney Channel es la cabeza de cartel de la segunda jornada del festival.

En las horas previas, sin embargo, habrá tiempo de saborear un pop más alternativo y no tan dependiente de las armonías elaboradas por ordenador, de la mano en primer lugar de Beach House, que traen su dream pop relajado y lisérgico a Barcelona, y en segundo lugar de Stereolab, una de las grandes bandas del pop electrónico e intelectualizado de los noventa. Los británicos sacan disco tras 15 años, Instant Holograms On Metal Film, y lo celebrarán en Barcelona.

Desgraciadamente, hay que lamentar la baja de última hora de la estadounidense Clario, que iba a traernos sus melodías afrancesadas y cargadas de armonías florales, un buen relevo para las buenas impresiones que el año pasado dejó en este mismo festival su paisana de Atlanta Faye Webster. Afortunadamente, podremos resarcirnos con Zaho de Sagazan y sus temas de chanson française aderezadas con sonidos nocturnos y galácticos. Finalmente, celebrar la presencia de las californianas Haim y su pop americano clásico y directo.

En el apartado más bailable cabe destacar al duo holandés de productores de house Anotr, al británico Floating Points y a la belga Amelie Lens, una de las reinas del techno. Ambos artistas actuarán con la puesta de sol para calentar las actuaciones de las cabezas de la jornada. Y finalmente el reducto más rockero será para los españoles Carolina Durante, los neoyorkinos TV on the radio y las leyendas del hardcore estadounidense The Jesus lizard.

Sábado 7 de junio: Chappell Roan, Antony Johnson y Amaia

La noche del sábado 7 de junio será para la estadounidense Chappell Roan, que con un solo trabajo de larga duración en su haber, The rise and fall of a Midwest princess, ha conquistado a oyentes de todo el mundo a base de un pop electrónico y orquestal, a medio camino entre Burt Bacharach y Marc Almond y con letras tan irónicas como melodramáticas.

Le dará cobertura el rapero británico Central Cee, un joven talento surgido de las calles de Londres que se ha convertido en el máximo representante del hip hop de las islas. También el pop experimental y veterano de LCD Soundsystem y los rockeros de inspiración post punk ochentera Fontaines D.C. Finalmente cierra el elenco de cabezas de cartel de esta tercera jornada la banda de hardcore Turnstile, que se reivindicará a base de buenas descargas guitarreras.

En tercera línea, pero no con menor calidad, encontramos en el cartel de esta jornada joyas como la presencia de Antony Johnson, esta vez trasmudado en Antony and The Johnsons, pero en esencia el mismo gran artista que en el pasado nos ha regalado temas como Blue Angel, Fistful of love o Kiss my name. Otro grato descubrimiento del cartel es la presencia de Amaia, que ya estuvo el año pasado, convertida en una de las cantantes de Stela Maris en el montaje que presentaron los Javis en la jornada inaugural.

Otros nombres de esta tercera jornada serán la gaditana Judeline y sus temas que mezclan melodías del sur con ritmos regetoneros, y Young Beef, estándar y padrino de las nuevas escenas urbanas españolas desde la pasada década, que traerá al festival sus letras corrosivas y su reivindicación de que el trap no ha muerto.

Finalmente, promete un buen show rapero el estadounidense Aminé. En cuanto a las texturas electrónicas más eclécticas, en esta jornada correrán por cuenta de gente como el francés Nicola Cruz, que mezcla la música andina relacionada con sus orígenes ecuatorianos con el dub y el techno.

A pesar de su último comunicado de hace poco más de una semana, el festival barcelonés de música avanzada y artes digitales Sónar, que se prepara para afrontar su edición número 32, no ha conseguido disipar las dudas y el malestar en torno a su postura respecto a los ataques que el ejército israelí lleva a cabo desde hace más de un año en la franja de Gaza y que ya han provocado más de 54.000 víctimas, en su mayoría menores y civiles indefensos.

Muchos artistas y entidades consideraron que el festival se mostró blando y ambiguo cuando calificó la situación de “catástrofe humanitaria”, evitando la palabra “genocidio”. Sónar se ha mantenido en silencio hasta esta tarde, momento en el que ha comunicado por Instagram que respondía a las inquietudes de público, entidades colaboradoras y artistas a través de su página web, en un nuevo apartado bautizado como Sónar responde.

En el mismo reconoce que un total de 28 artistas, seis actividades y seis expositores han cancelado su participación en el Sónar 2025 por la relación entre el festival barcelonés y KKR, el fondo de inversión vinculado a asentamientos en Palestina.

Listado de artistas que han cancelado su actuación

Así, dentro del Sónar de Noche se han caído las actuaciones de EYRA; oma totem; DJ Paca; DJ SOSA RD y Tiyumii. Por su parte, han cancelado su participación en Sónar de Día ABADIR; Akyute & Alice Sparkly Kat; ANCIENT PLEASURE; Animistic Beliefs & Jeisson Drenth; Dania + Mau Morgó; DjSport; Emma dj; Forensis & Bill Kouligas; dj g2g; Heith, James K, Günseli Yalcinkaya & Andrea Belosi; Juliana Huxtable; KEBRA; Le Motel; NEW YORK; Nexus (B4mba & Mooki6); patten; Sara Persico & Mika Oki; Shannen SP; Shapednoise & Sevi Iko Dømochevsky; Sofia; Vica Pacheco; Ville Haimala; y YESSi PERSE + laSADCUM.

Sónar reconoce que un total de 28 artistas, seis actividades y seis expositores han cancelado su participación en el Sónar 2025

Según ha explicado el festival, ya están trabajando en los reemplazos, por lo que los horarios todavía no están definidos. En cuanto a las actividades, no estarán en el Sónar+D la Universitat Pompeu Fabra; Cracks in the Foundation: Curation in 2025; Listen, the Stars are Talking; Más Mujeres Creativas: DO feminism; Internet Core – Institute of Culture Networks; y UNDERGROUND BDW by Barcelona Design Week.

Finalmente, BAU College of Arts and Design Barcelona; Mutan Monkey Instruments; Patching Panda; sbrk devices; Vanessa Lorenzo Toquero aka Hybridoa; y Vostok Instruments son los expositores que han cancelado su presencia en el Project Area.

Condena del genocidio palestino

En el citado apartado de respuesta, el festival muestra, ahora sí, su condena al genocidio palestino. A la pregunta sobre si condenan la masacre realizada por las tropas israelíes, Sónar contesta: “Sí, indudablemente, nuestra postura es clara e inequívoca: condenamos el genocidio sobre el pueblo palestino”.

Respecto a la relación entre el certamen y el fondo de inversión, Sónar explica que Superstruct Entertainment, empresa con más de 80 festivales en todo el mundo, adquirió el evento barcelonés en 2018. “En ese momento, Providence Equity Partners era el principal inversor de Superstruct. En octubre de 2024, Providence se retiró y vendió su participación a un consorcio formado por KKR y más de 90 inversores. Fue una operación puramente financiera, en la que no tuvimos ni intervención, ni voz, ni voto. Del mismo modo, no ejercemos injerencia ni control sobre sus decisiones de inversión o su funcionamiento interno”, recalca el festival.

El festival barcelonés ha incidido en que se podrá entrar al festival con símbolos de apoyo al pueblo palestino y que habrá un espacio para debatir sobre esta realidad

También niega que el dinero de las entradas llegue a KKR, ya que aseguran que “después de sufragar todos los costes del propio festival (salarios, artistas, producción, comunicación, gastos de estructura, etc.), todos los beneficios se reinvierten íntegramente de cara a las futuras ediciones de Sónar”.

En esta misma página, el festival barcelonés ha incidido en que se podrá entrar al festival con símbolos de apoyo al pueblo palestino y que habrá un espacio para debatir sobre esta realidad. También ha señalado que se ha activado un procedimiento para centralizar todas las solicitudes de reembolso para responder de manera individual a todas ellas.

La compañía Wegow, que integra en su negocio una de las tiqueteras más importantes en España, ha anunciado este miércoles a través de un comunicado un preconcurso de acreedores para asegurar “la viabilidad futura” del proyecto, lo que ha afectado a varios artistas que han denunciado las pérdidas.

Los responsables de Wegow reconocen “la compleja situación” que atraviesa la empresa, siendo “la más afectada” su línea de negocio WegowTickets, en la cual afirman estar trabajando “activamente en la propuesta de soluciones para los promotores en el contexto del preconcurso”.

Alegan motivos que han afectado a otras empresas culturales, “una combinación de factores que han debilitado” su estabilidad financiera, como “las consecuencias aún palpables de la pandemia, la inflación de costes estructurales o la incertidumbre en el consumo cultural”.

“Queremos transmitirles un mensaje de tranquilidad: esta medida no implica la paralización de nuestras operaciones, sino que busca precisamente reordenar nuestra actividad para poder recuperar la normalidad y preservar el ecosistema que hemos construido”, señala el texto.

Malos resultados por sexto año

La última exposición de cuentas hecha pública corresponde con las de 2023 y muestran una importante caída de los resultados operativos. Así, los números de Wegow Technologies SL, la empresa matriz de la división tiquetera, revelan una caída significativa de las ventas desde los 16,61 millones de euros hasta los 3,94 millones, un nivel similar al año 2017.

Wegow Technologies SL reconocía en dicha exposición de cuentas pérdidas por sexto año consecutivo, si bien las enmarcaba en un contexto de crecimiento de una start-up todavía no consolidada. La compañía apuntaba a una fuerte inversión para alcanzar el liderazgo en un sector, el de la distribución de entradas para eventos en directo, que califica de “todavía incipiente”.

Wegow Technologies SL, que tiene tres divisiones (WegowTickets, WegowForBrands y Bracelit), señala que la más afectada por la mala situación financiera es WegowTickets. “Estamos trabajando activamente en la propuesta de soluciones para los promotores en el contexto del preconcurso”, se anuncia en el comunicado. El preconcurso, activado ante una posible insolvencia futura de la compañía, es un instrumento que permite a una empresa blindarse ante las ejecuciones de acreedores.

Las bandas veintiuno y Bombai denuncian

En este sentido, varios artistas se han reconocido afectados por esta situación, entre ellos la banda Veintiuno. “Cierta empresa nos debe una fortuna. Nosotros vamos a dar nuestros conciertos religiosamente, a pagar a nuestra 'crew' religiosamente y ya nos apañaremos. A nuestro público no le va a afectar en nada”, han publicado en su perfil oficial X.

También la banda Bombai ha comunicado a EFE que Wegow era la tiquetera de su gira de décimo aniversario, lo que les ha supuesto pérdidas “del 80%” de la misma, pese a lo cual, se han comprometido a hacer los dos conciertos que les quedaban “aunque sea sin ganar nada” para no perjudicar a sus seguidores. 

Wegow ya sufrió en el pasado una grave crisis de reputación cuando uno de sus máximos directivos, Enrique Bubby Sanchís (ex guitarrista del grupo Full), protagonizó un acto violento contra el periodista Fonsi Loaiza durante la Feria del Libro de Madrid y presumió posteriormente del hecho en círculos ultraderechistas. El incidente se saldó entonces con el despido de Sanchís, que ostentaba la dirección de la división de música en directo.

El Último de la Fila, el mítico dúo catalán de pop-rock, regresará a los escenarios en 2026 con una gira por diversas ciudades españolas casi tres décadas después de su disolución, tal y como ha anunciado el grupo en su página web. Fundado por Manolo García y Quimi Portet en 1985 en Barcelona como la continuación de sus anteriores bandas, Los Rápidos y Los Burros, El Último de la Fila se separó en 1998, tras lo que ambos músicos comenzaran carreras en solitario.

A lo largo de su trayectoria, la banda irrumpió en la escena musical con su estilo único, heredado del rock andaluz de Triana y Medina Azahara, fusionando influencias rock, pop y flamencas. Con una trayectoria llena de reconocimientos y múltiples discos de oro y de platino, los barceloneses lograron un éxito sin precedentes en España, Europa y Latinoamérica.

'Enemigos de lo ajeno', obra cumbre

Su máximo éxito les llegó con Enemigos de lo ajeno, un disco rompedor que aparece en 1986 en la discográfica DPI en formato LP. En 1991 fue reeditado por la discográfica EMI en formato CD, habiendo remezclado Manolo García, Quimi Portet y Josep Llobell todos los temas excepto Lejos de las leyes de los hombres y No me acostumbro.

Anteriormente habían publicado Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana, un disco que ya apuntaba a lo que sería el estilo que les llegó al éxito a nivel nacional. Posteriormente lanzarían Nuevas mezclas (PDI, 1987) y Como la cabeza al sombrero (PDI, 1988). En 1990 saltan a EMI, con quien publican Nuevo pequeño catálogo de seres y estares (1990), Astronomía razonable (1993) y La rebelión de los hombres rana (1995).

El 13 de enero de 1998 el grupo anunció su disolución, alegando que ya habían dado todo lo que podían juntos y que ahora les apetecía probar suerte en solitario siguiendo cada uno su propio camino. A partir de entonces, ambos miembros han desarrollado unas prolíficas carreras, Quimi en catalán y Manolo en castellano y puntualmente en catalán. No obstante, amboas músicos han mantenido a lo largo de los años su amistad, con esporádicas reuniones.

Ahora, tras una breve reunión en 2023 para lanzar Desbarajuste Piramidal, un recopilatorio con nuevas versiones de sus anteriores trabajos, El Último de la Fila volverá a los escenarios en la primavera de 2026. En la gira, para la que aún no hay fechas confirmadas, la banda actuará en Fuengirola (Málaga), Barcelona, Roquetas de Mar (Almería), Madrid, San Sebastián, A Coruña, Avilés (Asturias), Sevilla y València.

Las entradas saldrán a la venta el jueves 29 de mayo a partir de las 10:00 horas en la web de Ticketmaster.

Joan Manuel Serrat ha celebrado este jueves la entrega de parte de su legado en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes –en la que fuera la cámara acorazada del viejo Banco Español de Río de la Plata– donde ya se encuentran numerosos objetos de otras personalidades de la cultura española. El cantautor ha depositado en la caja 1276 del Cervantes el primer disco grabado en catalán en el año 1965 por Serrat, el cual ha reconocido con humor que “se está desintegrando, pero ahora estará cuidado en condiciones”. También ha introducido la partitura original de la grabación con orquesta de Mediterráneo, con alguna tachadura del puño y letra del cantautor. 

Además, ha legado un libro de Miguel Hernández con anotaciones (Serrat grabó en el año 1972 un álbum en el que musicalizó poemas del poeta oriolano). “Está roto, como tiene que estar un libro: roto, manchado y con signos evidentes de haber sido usado”, ha reivindicado, ironizando con que la compra de esta edición, en la época franquista, se hizo en el estraperlo.

Asimismo, la caja también acogerá su máquina de escribir Brother. Echelon 44, con la que escribió parte de sus primeras canciones. “Este objeto siempre me gustó mucho, porque he tenido una letra difícil de leer incluso para mí y, a máquina, leía los versos como si fueran mejores: hechos a mano no me salían tan bien”.

En el acto han participado, además del artista, el director del Instituto, Luis García Montero, y el presidente de la Asociación de Editores de Madrid, Manuel González. También han estado como testigos de honor la mujer de Serrat, Candela Tiffón, y la Secretaria de Estado para Iberoamérica y el Caribe, Susana Sumelzo.

Reivindicando la herencia de Don Quijote

Serrat ha reivindicado antes del acto la herencia de Don Quijote. “En el siglo XXI saldría muy mal parado, mucho peor que lo que salió en su época original”, ha comentado del hidalgo creado por Miguel de Cervantes.

“No he hecho prácticamente nada en la vida pensando que iba a dejarle algún legado a nadie y a nada, ni cuando mis hijos nacieron. Han sido cosas que han ido ocurriendo en la vida, a la cual estoy muy agradecido porque me ha permitido ejercer un oficio que me ha hecho muy feliz, que me ha permitido expresarme y encontrarme con los demás”, ha destacado a la prensa al inicio del homenaje.

“Me siento muy emocionado por tener que dejarlos”, ha dicho respecto a los objetos depositados. “¿Podré retirarlos en algún momento?”, ha preguntado con humor al introducirlos en la caja. Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, le ha reconocido, entre esos compartimentos que encierran ya “las mejores herencias del pasado en un compromiso con el pasado”, el poder creativo de sus letras y su diálogo con la poesía del citado Hernández, de Alberti o Machado entre tantos otros, así como al Noi de Poble Sec por su contribución a la Nova Cançó y la cultura en catalán. “Querido Nano, nos has enseñado a vivir con versos en la boca”, le ha dicho, tras afirmar, parafraseándole, que “recibir su legado es una fiesta”.

Serrat, premio Antonio de Sancha 2025

El acto se ha enmarcado a su vez en la entrega que le ha hecho la Asociación de Editores de Madrid del premio Antonio de Sancha 2025 “por ser un ejemplo de honestidad personal e intelectual, y en reconocimiento a su obra como parte de la educación sentimental de varias generaciones de españoles y americanos”.

“Cada vez que alguien premió alguna cosa en algún momento de mi trabajo, me sentí un hombre extraordinario, feliz conmigo mismo. Los premios, en tanto te los dan con cariño y con respeto por lo que haces, te provocan también a ti cariño y respeto por todos los demás”, ha subrayado Serrat.

Ha destacado asimismo la importancia de quienes le otorgan esta vez un premio, los editores, “un gremio fundamental en el mundo de la literatura, para los escritores y para los lectores”. En ese sentido, durante el acto ha querido acordarse por ejemplo de aquel ejemplar de Miguel Hernández que ha legado y que compró en 1966 “un poco a contrabando” gracias a una editorial, Losada, a la que su generación “jamás agradecerá” lo que fue su labor para su mundo “cuando a nuestros pies solo teníamos cardos y rocas”.