El prestigioso director de orquesta toledano Ulises Illán y su reconocida orquesta barroca 'Nereydas' actuarán el día 21 de marzo en la Catedral de Toledo en un proyecto pionero. La Lira del Cielo, un instrumento único en el mundo que llegó al templo en el año 1628 y que llevaba más de 200 años sin sonar en su contexto original, volverá a escucharse en una copia moderna reconstruida por Sławomir Zubrzycki a partir del ejemplar histórico e interpretada por Juan José Montero.

El hecho de que esta representación se lleve a cabo con una copia moderna se debe a que el instrumento original -atribuido al fraile dominico Fray Raymundo Truchado en 1625 y conservado en el Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas- no puede utilizarse.

El instrumento estuvo activo hasta 1803 sonando de manera exclusiva en la Semana Santa, integrándose en las lamentaciones y misereres que se cantaban tradicionalmente durante el 'Oficio de Tinieblas' (la ceremonia litúrgica católica que se celebrara en los tres días previos a la Pascua).

Tras diversos avatares, en 1902 el instrumento fue comprado por el Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas, donde hoy se conserva. El cabildo de la catedral encargó una copia exacta de la Lira a Sławomir Zubrzycki, quien la ha terminado en este año y será interpretada en este concierto por Juan José Montero.

La actuación tendrá lugar en el Día Europeo de la Música Antigua, una jornada internacional que reúne conciertos y actividades en todo el continente para poner en valor el patrimonio musical histórico. Permitirá escuchar un sonido perdido de la Catedral Primada de España en su VIII Centenario, regresar a la atmósfera de la Semana Santa toledana del siglo XVIII y sentir “cómo la historia, cuando se recupera con verdad y belleza, puede volver a hacerse presente”.

“Lo fascinante de este proyecto es que reúne muchas dimensiones: la investigación y edición musicológica, la reconstrucción organológica, la recuperación de repertorio inédito y la emoción artística”, cuenta Ulises Illán, con motivo de la presentación del evento.

Con ello se recuperarán obras de Juan Rossell, maestro de capilla de la Catedral de Toledo, escritas para dos coros y orquesta para la Semana Santa de 1764, con el objtetivo de “devolverlas al espacio para el que fueron concebidas”.

“Hay una dimensión histórica increíble: la idea de un instrumento así, un teclado cuyas cuerdas suenan por fricción y producen una sonoridad mágica, de cuerda frotada, cercana a un consort de violas da gamba”, añade.

Se trata de una idea que ya aparece intuida en el ‘Codex Atlanticus’ de Leonardo da Vinci. “Estamos ante algo muy raro y muy refinado: un hallazgo en el que se cruzan la invención, el arte, la ciencia y la liturgia, y que hoy, gracias a esta iniciativa del Cabildo de la Catedral de Toledo dentro del VIII Centenario, vuelve a cobrar vida de una manera verdaderamente única”, resalta Ulises Illán en torno a una actuación cuyas obras han sido investigadas y editadas por el musicólogo Carlos Martínez Gil, a partir de los fondos del Archivo de Música de la Catedral de Toledo.

Este proyecto tiene para el director de orquesta “un valor inmenso” en su trayectoria porque resume muchas de las líneas que han marcado su camino artístico. Trabaja en la recuperación del patrimonio musical español con una convicción muy clara: “Nuestro pasado musical no es un museo, es una fuente de presente y de futuro”. Ahora, esta iniciativa “lo encarna de manera perfecta”.

“Como director, hay pocos privilegios comparables al de poder devolver a la vida una música que no solo ha dejado de interpretarse, sino que ha dejado de existir en la experiencia real de los oyentes durante más de dos siglos. Es uno de esos proyectos que uno sueña durante mucho tiempo y permite restituir algo profundamente valioso: la memoria sonora de una de las grandes catedrales de Europa”.

La Lira del Cielo no supone “una curiosidad organológica ni un simple guiño histórico”. Es un instrumento “obligado”, con partitura propia y una función específica dentro de la escritura musical, plenamente integrado en la concepción sonora de la Semana Santa toledana durante 175 años. “Un sonido suave, sutil, delicadísimo, casi etéreo, producido por un teclado cuyas cuerdas son frotadas por ruedas”.

Ulises Illán, también divulgador musical, es el fundador de la versátil formación barroca 'Nereydas', referente español en la divulgación del patrimonio musical del siglo XVIII. 'Nereydas' colabora con instituciones y participa en programaciones de Patrimonio Nacional, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), el Teatro Real, el Festival de Música Antigua de Versalles (Francia), la Semana de Música Religiosa de Cuenca, la Fundación Juan March, el Festival de Granada o el Museo del Prado.

El evento del día 21 de marzo arrancará a las 19.00 horas, una hora antes del concierto, en la Sala Capitular de Verano de la Catedral, con la sesión 'Hablamos del concierto' a cargo del musicólogo Carlos Martínez Gil, que ha realizado la investigación y diseño del programa.

Entradas

Esta actividad didáctica pretende facilitar un mayor conocimiento del programa musical que se ofrecerá a continuación, para lograr un pleno disfrute del concierto. La entrada del concierto incluye el acceso gratuito a esta charla hasta completar el aforo.

Las entradas para el concierto, cuyos precios oscilan entre los 20 y 40 euros, pueden adquirirse en la web www.musicagreco.com, en las oficinas de la Real Fundación de Toledo y los días de concierto desde las 19 horas en la taquilla habilitada en la Sala Capitular de Verano de la Catedral.

Este concierto del Festival de Música El Greco en Toledo está organizado por la Real Fundación de Toledo y la Fundación Primatialis Sedes Toletana para conmemorar el VIII Centenario de la Catedral de Toledo, con la colaboración del Ayuntamiento de Toledo, la Diputación y la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha.

Después de que en enero de 2025 el director de orquesta Juanjo Mena (Vitoria, 1965) anunciara a través de un vídeo que padece Alzheimer, este viernes ha comunicado a través de una carta publicada por El Correo su adiós final debido al estado de la enfermedad. “Como recordaréis, hace un año tuve la necesidad de informaros sobre un asunto que afectaba a mi estado de salud. En efecto, unas pruebas practicadas unos meses antes revelaron que empezaba a manifestar síntomas de la enfermedad del Alzheimer. Ya entonces intuí, empleando un símil musical, que esta partitura iba a ser, probablemente, la más difícil de interpretar de entre todas las obras a las que me había enfrentado hasta ese momento. Así ha sido. El tiempo no ha pasado en balde, la enfermedad ha avanzado y yo, también, he cambiado. Las condiciones de hace un año no son las condiciones de ahora y la actual situación obliga a tomar decisiones importantes”, ha señalado.

Así, ha confesado que los conciertos que dirigirá este año serán sus últimos al frente de la orquesta. “Creo, siento que ha llegado ya la hora de la despedida. La citada partitura tiene un final y sus últimos compases están ya escritos. Los conciertos de este año serán, si no hay contratiempos, los últimos conciertos que dirigiré desde el podium. Esta es la decisión que hoy quería comunicaros. Una decisión, como os podéis imaginar, complicada de adoptar pero, al mismo tiempo, muy meditada”, ha añadido.

En este sentido, ha pedido que los últimos conciertos se conviertan en una despedida a sus 40 años de carrera musical, así como una forma de agradecer. Hay algo más. Me gustaría que estos conciertos de despedida se convirtieran, también, en una ocasión especial para el agradecimiento y, sobre todo en un motivo de celebración. 40 años de carrera musical dan para muchísimas notas de agradecimiento. En primer lugar, a mi familia, por su apoyo permanente y paciencia infinita. Y, en segundo lugar, a todos los aficionados, a todas las orquestas y a cada uno de los músicos y personas con los que he tenido el honor y el placer de trabajar. De todos ellos y de todas ellas me llevo el mejor de los recuerdos: hicimos y disfrutamos mucho haciendo buena música“, ha indicado.

“Por último, antes de terminar, me permito la licencia de pediros un favor. La música, siempre lo he dicho, es intercambio de energía. Una corriente de misterio de ida y de vuelta entre los músicos y los oyentes. Hagamos que los próximos conciertos se conviertan, de verdad, en una cadena de celebraciones en las que la música sea la única protagonista y el argumento principal del encuentro solidario y amistoso entre las personas. Hasta siempre”, ha finalizado la carta.

El director de orquesta vasco (Vitoria-1965) es uno de los directores de orquesta españoles más reconocidos del circuito internacional, que arrancó su carrera como director artístico de la Orquesta Sinfónica de Bilbao en 1999. En 2016 fue galardonado con el Premio Nacional de Música de España.

La ABAO y la Bilbao Orkestra Sinfonikoa (BOS) han firmado un acuerdo de colaboración que contempla la participación de la BOS como orquesta principal en las temporadas de ópera de la ABAO. Además, ambas instituciones ofrecerán “descuentos cruzados” para sus públicos. Según han explicado en un comunicado, el acuerdo firmado “consolida y actualiza una relación artística histórica entre ambas instituciones”, al tiempo que “amplía las ventajas” para sus respectivos públicos.

Así, ABAO Bilbao Opera designa a la BOS como orquesta principal de sus temporadas de ópera como reconocimiento a la colaboración continuada que ambas instituciones mantienen desde la primera temporada de la ABAO, en 1953. “Son 75 años de una colaboración que ha permitido la presencia de la BOS en todas las temporadas de ópera organizadas por la asociación”, han destacado, según recoge Europa Press.

En el marco de este acuerdo, la BOS participará como orquesta de la ABAO en tres producciones de ópera en cada temporada, entre “los títulos preparados, coordinados, ejecutados o producidos” por la propia ABAO. Asimismo, “siempre que sea posible”, la ABAO contará también con la BOS como orquesta en los conciertos extraordinarios que organice a lo largo de la temporada.

El acuerdo incluye además “descuentos cruzados” en la compra de entradas, de manera que las personas asociadas de la ABAO podrán beneficiarse de un 10% de descuento en las entradas para cualquiera de los conciertos organizados por la BOS y las personas abonadas de la BOS disfrutarán de un descuento en el mismo porcentaje en las entradas para las representaciones y actividades programadas por la ABAO. Con este acuerdo, ABAO Bilbao Opera y la BOS pretenden reforzar su “compromiso con la música en vivo y con el desarrollo cultural de Bilbao y Bizkaia, dando continuidad a una relación histórica y facilitando el acceso del público a una programación artística de primer nivel”.

El exdirector de la Orquesta Filarmónica Israelí Zubin Mehta ha cancelado todos los conciertos programados en Israel en protesta por las políticas del primer ministro Benjamín Netanyahu hacia Palestina.

“He cancelado todos mis compromisos en Israel este año por mi objeción con la forma en que el señor Netanyahu está tratando toda la cuestión palestina”, dijo el legendario director de orquesta indio en una entrevista con India Today.

Mehta, quien dirigió la Orquesta Filarmónica de Israel entre 1981 y 2020 y está considerado uno de los directores de orquesta más importantes del mundo, aseguró que no puede ser ajeno a lo que pasa: “no puedo y nunca he hecho; no se separa la música y la política”.

“Espero que (Netanyahu) sea vencido en las próximas elecciones, aunque no lo parece porque tiene una gran mayoría en el parlamento, sobre todo compuesta por judíos ultraortodoxos”, subrayó el músico, nacido en Bombay en 1936.

El director además remarcó que este año ha tomado la dirección de la West-Eastern Divan Orchestra, un proyecto con el que músicos palestinos e israelíes se juntan “y se llevan bien sin ningún problema”, y con la que actuará en España -con conciertos en Madrid y Barcelona en febrero-, Italia y Austria este año. 

El Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena hizo ayer saltar por los aires el protocolo de casi un siglo para servir como punto de inflexión en la historia de la institución. Bajo la batuta del director canadiense Yannick Nézet-Séguin, el espectáculo que se remonta a 1939 y que una vez sirvió de escenario para la propaganda nazi ha hecho de su última edición una reivindicación de la visibilidad queer y del trabajo de las mujeres compositoras. Supone una auténtica novedad en un espacio que nunca ve alterada su tradición y que acostumbra a representar el ámbito más purista de la música clásica.

Convirtiéndose en el primer maestro que se pasea por la Sala Dorada del Musikverein para dirigir entre el público, Yannick Nézet-Séguin, de 50 años, se ha divertido como nadie poniendo patas arriba uno de los eventos culturales más potentes del planeta. Jamás había habido un director homosexual a la cabeza, jamás un director había abandonado el podio para acercarse a la audiencia durante el concierto ni jamás había sonado tantas piezas de mujeres. Nézet-Séguin ha decidido alterar las reglas del juego ante 50 millones de espectadores de todo el mundo y en un país en el que ganó la ultraderecha en sus últimas elecciones.

Si hay quien se pregunta si la música clásica camina de la mano de los cambios sociales, que han hecho del planeta un lugar mejor en los tiempos recientes, Yannick Nézet-Séguin ha demostrado que hay motivos para pensar que sí. El arte no puede ser ajeno ni a la política ni a los problemas de los ciudadanos, y a menudo se critica que la música clásica siga identificándose con un ambiente rancio en el que predomina el tradicionalismo. El Concierto de Año Nuevo es un ejemplo, pues nunca ha estado dirigido por una mujer en sus 87 años de historia, pero está surgiendo una generación de directores que se ha propuesto que los valores de la diversidad empiecen a tener cabida.

Nézet-Séguin pertenece a este grupo de batutas comprometidas, y el aire fresco que aporta se percibe en algo tan sencillo como su estilo: el canadiense lleva un piercing en la oreja, que forma parte de la imagen distintiva y moderna que lo caracteriza. Además, no esconde su relación con el violista Pierre Tourville, con quien está casado, siendo ambos referentes en un sector de la industria musical en el que no es común que haya figuras LGBT que se identifiquen públicamente como tal. Yannick Nézet-Séguin no tiene miedo a hacerlo y, durante la emblemática Marcha Radetzky del final, se acercó a darle un beso en el cuello a Tourville mientras tocaba.

“La música puede unirnos a todos porque vivimos en el mismo planeta”, declaró el también director de la Ópera Metropolitana de Nueva York durante sus breves palabras de apertura, deseando “paz en los corazones y, sobre todo, paz en todas las naciones del mundo”. El concierto, que no abandonó el protagonismo usual de la dinastía Strauss, incorporó cinco obras inéditas, entre las que destacan dos de compositoras. Una de ellas es Vals del arcoíris de la afroamericana Florence Price (1887-1953), cuyas sinfonías, además, ha grabado con la Orquesta de Filadelfia, rescatando así su legado.

La otra pieza femenina que se escuchó en el recital pertenece a la austriaca Josephine Weinlich (1848-1887), titulada Canciones de sirenas, que lanza un mensaje de empoderamiento que no parece haber sido casualidad en la elección de Yannick Nézet-Séguin para incluirla. Asimismo, Weinlich fue una compositora y directora pionera que fundó en 1875 la primera orquesta de mujeres de Europa. Ya el año pasado sonó Ferdinandus-Walzer, de la austríaca Constanze Geiger (1835-1890), cuando por primera vez se incluyó la obra de una mujer en el Concierto de Año Nuevo.

Esta no es la primera vez que Nézet-Séguin ha pretendido ser activo con temas políticos y sociales, pues apoyó a la demócrata Kamala Harris durante la campaña electoral de las elecciones presidenciales de EEUU, que finalmente dio la victoria a Donald Trump. “El mundo nos observa: ¡hagan oír su voz y voten!”, escribió el músico en redes sociales. Además, el ganador de hasta cinco premios Grammy se ha solidarizado con Ucrania durante sus recitales en la Ópera Metropolitana y recibió el galardón Laurent-McCutcheon Award de la Fondation Émergence por haber defendido los derechos LGBT.

Un pasado vinculado al fascismo

El tradicional Concierto de Año Nuevo a manos de la Filarmónica de Viena nació en la Alemania nazi. Viena, la capital austriaca, se había convertido en la ciudad más fanática del Tercer Reich, una admiración hacia Hitler que se extendió a la música. En total, 60 de los 123 músicos de la Orquesta Filarmónica de Viena eran miembros afiliados al partido nazi, un porcentaje mucho mayor que el de la población austriaca en general, según recoge el medio The Article. La dirección de la orquesta despidió a todos los músicos con vinculaciones judías y seis murieron en campos de concentración.

De hecho, la primera edición en 1939 se celebró un 31 de diciembre en lugar del 1 de enero, pues nació como homenaje a la familia de músicos Strauss con el objetivo de recaudar fondos para la Kriegswinterhilfswerk, una fundación del partido nazi destinada a los desfavorecidos y que pretendía también mostrar unidad del Tercer Reich en el contexto de la II Guerra Mundial. Además, se descubrió la entrega de una medalla a Adolf Hitler y un anillo de honor para Baldur von Schirach, criminal de guerra nazi. Este hecho fue reconocido en 2013 después de que un grupo de historiadores accediera a los archivos de la Filarmónica.

Los orígenes del tradicional Concierto de Año Nuevo sirven para contextualizar la importancia de que desde la música clásica se continúen utilizando estos espacios como altavoz de nuevas realidades y reivindicación de la diversidad y los problemas sociales. Otro de los músicos que han sido consecuentes de su responsabilidad es el violinista Michael Barenboim, quien denunció el genocidio en Gaza en una entrevista para elDiario.es señalando que “es un intento de borrar el pasado, el presente y el futuro de los palestinos”. Barenboim, además, destacó la importancia de utilizar el arte para pronunciarse políticamente.

La ciudad de Toledo acogerá el próximo 6 de enero a las 19:30 horas, en el Palacio de Congresos El Greco, el Concierto de Año Nuevo de Viena, interpretado por la Philharmonic Ensemble, una formación integrada por miembros de la Orquesta Filarmónica de Viena.

El concierto forma parte de una gira internacional posterior al tradicional concierto de Viena que se celebra el 1 de enero. En España, la gira continúa el 2 de enero en A Coruña, el 3 de enero en el Auditorio Nacional de Madrid, Sevilla y recala en Toledo, situando a la ciudad en el circuito internacional de una de las tradiciones musicales “más reconocidas y queridas del mundo”.

Según explica Labinot Elshani, CEO de Hispania Concertalia y manager del Philharmonic Ensemble, “este concierto no es una imitación: son los mismos músicos, con la misma técnica, el mismo sonido y la misma forma de interpretar que se escucha en Viena. Si cierras los ojos, la calidad y la emoción son exactamente las mismas”.

El ensemble lleva más de 13 años actuando en países como Austria, Suiza, España, Corea del Sur y otros destinos europeos, con conciertos que desde hace cuatro años llenan por completo el Auditorio Nacional de Madrid. Su singularidad reside en que reúne a músicos que forman parte activa de la Filarmónica de Viena, algo poco habitual fuera de Austria.

“La Orquesta Filarmónica de Viena es una de las mejores orquestas del mundo, especialmente en la música de la dinastía Strauss y en la tradición vienesa. Nadie la interpreta de esta manera. Es otro nivel, otro mundo”, añade Labinot.

Un programa con sello vienés

El repertorio estará centrado en el estilo vienés de la familia Strauss, con obras que transmiten “elegancia, optimismo, esperanza y celebración, valores que han convertido este concierto en una referencia cultural a nivel mundial”, explican desde la organización.

El concierto tiene una duración aproximada de dos horas y el programa mantiene un vínculo directo con el que se interpreta en Viena el 1 de enero, “la mayor parte del programa se repite y todas las piezas han sido interpretadas en Viena. El programa debe tener siempre una conexión directa con la tradición vienesa”, explica el manager, donde también cobrarán protagonismo las piezas emblemátcias como 'El Danubio Azul' o la Marcha Radetzky.

Toledo, una parada 'clave' en la gira

Desde el Palacio de Congresos El Greco de Toledo, su director, Álvaro García, destaca que “acoger por primera vez en Castilla-La Mancha el Concierto de Año Nuevo de Viena supone un hito cultural para Toledo y un reflejo de la vocación del Palacio como un espacio abierto, conectado con la ciudad y al servicio de grandes citas culturales de proyección internacional”.

García subraya que “este concierto sitúa a Toledo en el circuito europeo de la música clásica de primer nivel y refuerza nuestro compromiso con una programación ambiciosa, capaz de atraer público de dentro y fuera de la región”, al tiempo que pone en valor “la capacidad del Palacio de Congresos para ser un puente entre la tradición cultural internacional y una ciudad con una identidad histórica y patrimonial única”.

“Para Toledo es un orgullo convertirse en anfitriona de un evento tan emblemático, y para el Palacio de Congresos es una muestra de que estamos plenamente integrados en la vida cultural de la ciudad, contribuyendo a su dinamización y a su proyección como destino cultural de referencia”, concluye.

Por su parte, Labinot explica que “la inclusión de Toledo en esta gira internacional no es casual”. “El año pasado conocí a personas que venían desde Toledo a ver el concierto de Madrid. Tras dos años consecutivos, pensé que teníamos que intentar traer el concierto aquí”.

Una experiencia para todos los públicos

El concierto está pensado tanto para melómanos como para público general y familias. “En España, casi todo el mundo ha visto alguna vez el Concierto de Año Nuevo por televisión. Verlo en directo es completamente distinto: emoción, felicidad, esperanza… es algo que no se vive todos los días”, señala Labinot.

Para quienes nunca han asistido a un concierto clásico, Labinot lanza una invitación clara: “Venid, sentaos y disfrutad. Es música vienesa llena de alegría y esperanza. No es complicada, no es aburrida. Es una experiencia que se recuerda”.

El precio de las entradas se sitúa entre lo 48 y los 72 euros (incluyendo los gastos de gestión) y puede adquirirse a partir de este enlace.

“El drama es que nos quedamos colgados para toda la temporada”. Esta es la realidad a la que van a enfrentarse los cien trabajadores entre elenco, músicos, equipo creativo y técnicos que, tras la cancelación del musical Buscando a Audrey, se han quedado sin trabajo. Estaba previsto que la obra se estrenara el próximo 27 de noviembre en Madrid, en un nuevo teatro construido para la ocasión, pero, apenas un mes antes, la producción se paralizó por problemas financieros.

El equipo no dio crédito cuando desde la productora, Since 1953 Productions –primeriza en este tipo de espectáculos–, les dieron la noticia, ya que todo estaba prácticamente listo para arrancar y en ningún momento se les había avisado de que había problemas económicos. Nadie se había preocupado de tener un plan B. Todos contaban con, por lo menos, un año asegurado de actividad. Un año salvado.

Los inversores implicados contrataron a la auditoría Financia Development Consulting, especializada en empresas con estrés financiero, para elaborar un plan estratégico y económico de la situación, del que se ha hecho cargo Carlos Pérez-Font. El responsable explica a elDiario.es que al haber sido una sociedad creada expresamente para la obra, esta se financia mediante rondas y que, en la última, debido a “un poco de mala suerte y exceso de confianza”, lo que pensaron que se iba a cubrir “igual de fácil” que en las anteriores, no fue posible.

Conscientes de la “ruptura de caja”, que no les permitía “asegurar a los trabajadores el pago de las nóminas”, consideraron “más honesto” decirles la situación real e iniciar la negociación para el ERE. Aun así, defienden que esperan que no sea “más que un susto” y conseguir la cuantía necesaria –que no quieren especificar a este periódico cuál es.

Perder una temporada

Los castings de Buscando a Audrey comenzaron a principios de año y para el verano los equipos estaban ya cerrados. En septiembre empezarían los ensayos antes de la gran puesta de largo prevista para noviembre. Un mes terrible para quedarse sin trabajo en el sector de los musicales, dado que prácticamente todos están ya estrenados, con sus correspondientes plantillas cerradas y, hasta principios de 2026, no se esperan movimientos de cara a la siguiente temporada, que no comenzará hasta septiembre. “Aquí no hay mercado de invierno”, lamenta Miguel Ángel Belotto, que iba a encarnar al protagonista, papel por el que rechazó otro proyecto importante de la Gran Vía madrileña, epicentro del teatro musical en la ya tercera ciudad del mundo con más funciones de este tipo, por detrás de Londres y Nueva York.

“Siempre tienes la duda sobre si estás tomando la decisión correcta. Sabes que decidir es un salto al vacío, pero es que en este caso ha sido tirarse y estamparte con la piscina sin agua”, comparte, “que te quiten un proyecto así, que ya habíamos empezado a ensayar, es como si te quitaran el suelo”. “No solo ha sido el mazazo económico, también el emocional que tienes que arrastrar mientras intentas salir del barro, rehacer tu vida, buscarte las castañas y lidiar con toda la terminología legal”, reconoce. Actualmente, se encuentran en periodo de negociaciones, ya que a los trabajadores –a excepción de los músicos– les han hecho un ERE. Una medida que, según Ignacio Martín, responsable institucional de la Unión de Actores, es “muy excepcional” dentro de este sector.

Haber dicho 'no' a otros musicales es una constante en los afectados por la paralización de Buscando a Audrey, igual que lo es el haber levantado el teléfono para probar suerte por si todavía quedara alguna vacante. “No entendemos nada, nos habíamos guardado septiembre para ensayar y de repente te encuentras con esta movida que te deja en shock. Nos han roto la ilusión por completo”, revela uno de los actores de la pieza: “¿Cómo puede ser que en una inversión tan grandiosa no hayan tenido una previsión de poder mantener a los artistas, al menos, durante tres meses?”.

El hecho de que el teatro perteneciera a la propia productora funcionaba como una especie de 'seguro' de que, por lo menos, se representaría durante una temporada, ya que, en caso de que no tuviera público, al no tener que pagar un alquiler, no habría que paliar con ese coste. El auditorio, de 4.500 metros cuadrados, cuenta con tres cajas escénicas y 1.446 butacas sobre suelo municipal, cuyo presupuesto fue de 16 millones de euros. “Lo normal es que estrenes y, si al mes el espectáculo no funciona, pues se paraliza, pero nunca antes de estrenar”, añade el intérprete. “Lo más dramático que tenía que pasar ha pasado. Solo pido que esto sirva para que nunca vuelva a pasar, porque es horroroso”.

Uno de los grandes alicientes del espectáculo fue la implicación de Sean Hepburn Ferrer, hijo de Audrey Hepburn, la legendaria actriz en la que está inspirado el musical. Sin embargo, el que fuera presidente de la productora Since 1953 abandonó la obra y dimitió de todos sus cargos en julio, por lo que para él fueron “una falta de criterios profesionales y objetivos dirigidos a proteger el rendimiento económico de la producción y, por lo tanto, la seguridad de quienes han invertido en el proyecto”.

De excedencia a baja por paternidad

Una de las personas afectadas por el parón es de Barcelona y, una vez fue elegida para formar parte del elenco de Buscando a Audrey, se puso a buscar piso para venirse a vivir a Madrid. Consiguió uno para ella sola, por 1000 euros, y comenzó a pagar desde septiembre para asegurarse tener un techo bajo el que dormir una vez arrancara el musical en noviembre. “Ahora me he quedado colgada con el piso. No sé si volverme a Barcelona a casa de mi madre, tengo que ver el papeleo y cómo pago esto, ponerme a trabajar de otra cosa. Como se ha dado así, no tengo margen para buscar nada”, expone. La artista recuerda que, durante el periodo de ensayo, han estado cobrando la mitad del suelo real: “Me ha salido a pagar, y ahora nadie me va a venir a pagar el piso”.

Entre los cien trabajadores había quien contaba con el musical para reincorporarse a la vida laboral después de ser madre, y quien contaba combinarlo con la paternidad. Es el caso de Carlos Sánchez Medina, que también dijo que 'no' a otra obra para entrar en Buscando a Audrey. El músico ya había decidido renunciar a la baja por paternidad, ya que se organizaría con su compañero bajista para cumplir con las semanas obligatorias, que coincidirían con los primeros compases de la obra. Ahora bien, después de lo ocurrido, será imposible: “Si se me acaban los ahorros tendré que trabajar en Uber, pero prefiero eso que trabajar en condiciones absolutamente indignas”. Lo único que ha conseguido hasta ahora es incorporarse como sustituto en la gira de otra obra el año que viene, durante diez días.

Si se me acaban los ahorros tendré que trabajar en Uber, pero prefiero eso que trabajar en condiciones absolutamente indignas

Carlos Sánchez Medina — Bajista

Otra músico de la función ha sido madre este año y está justo terminando su baja por maternidad. Para poder incorporarse al musical, pidió una excedencia en la escuela donde contaba con un puesto fijo. “Si nos hubieran avisado quince días antes de que se paraba la obra, no habría escrito a la escuela. Ahora ya hay una persona ocupando mi puesto”, lamenta.

La paralización de la función no solo ha afectado a elenco y músicos, también al quipo creativo, que a su vez eran los que más tiempo llevaban implicados en el proyecto, sumando hasta dos años a sus espaldas. “He currado infinito para que ahora mi trabajo se quede en un disco duro guardado. He perdido bolos y renunciado a cosas por estar aquí. En cuanto haga un concierto que tengo pendiente, no tengo prácticamente nada, y desde luego nada de peso. Me tendré que buscar la vida, tocar puertas y que la gente sepa que estoy disponible para lo que sea”, indica uno de sus miembros sobre su situación, agravada por el hecho de que contaba con el sueldo del musical para afrontar la hipoteca de la casa que se ha comprado este año. “Nos han dejado vendidos”.

Los músicos, los peor parados

En la negociación del ERE se han quedado fuera los músicos, que para el momento en el que se paralizó la obra, no estaban dados de alta. A los 25 integrantes de la orquesta les hicieron firmar una Carta de Intenciones antes del verano, en forma de compromiso mutuo entre productora y artista de que formaría parte del musical, y por la que todos daban por hecho que contarían con este puesto en otoño. “Los músicos vivimos sabiendo que estamos en el lago congelado, siempre vivimos así, pensando que todo se podía ir a la mierda hasta dos días antes”, reconoce el bajista Carlos Sánchez de Medina. “Sé que la carta de intenciones no es un contrato, pero si eso no es un compromiso laboral, tú me dirás”, valora.

En la misma situación se encuentra Jani Pihlman, que confiesa que su secreto para mantenerse activo es “decir a todo que sí, y si luego se solapan cosas, ya verás”. A él le pilló igualmente por sorpresa la paralización de Buscando a Audrey, e incide: “Si esta empresa cierra, tú no estás simplemente perdiendo lo que habrías ganado con ese contrato, has dejado de ganar lo que rechazaste de otras empresas. Al comprometerte con esta, has podido dejar de ganar con otras fuentes”.

“Yo como músico trabajo también con artistas, en giras, hay otros más en docencia, cada uno se va buscando su nicho. Así, si perdemos un cliente, tenemos otro. Te autoexplotas, tener días libres es muy raro. No puedes depender de una cosa sola, porque si no, no puedes pagar el alquiler”, describe. Esta es la situación a la que le va a tocar enfrentarse ahora: “Voy a pasar un año más justo económicamente de lo que debería. Tengo que mover el culo para poder cubrirlo. Me voy a meter unas palizas del copón cogiendo todo, aunque haya marrones de no dormir”.

Voy a pasar un año más justo económicamente de lo que debería. Tengo que mover el culo para poder cubrirlo. Me voy a meter unas palizas del copón cogiendo todo, aunque haya marrones de no dormir

Jani Pihlman — Guitarrista

Para Gabriel Szternsztejn, presidente de la Coordinadora de Músicos de Teatro Musical (CMTM) que pusieron en marcha hace año y medio para reclamar mejores condiciones laborales, lo sucedido en Buscando a Audrey es una muestra más de cómo los músicos “siempre se quedan fuera de la protección cuando pasan este tipo de cosas”. “La inseguridad, precariedad y temporalidad que tenemos, en estos casos, es todavía peor, porque la gente ni siquiera cuenta con garantías mínimas cuando un trabajo se suspende por causa de la empresa”.

“Desde CMTM les estamos asesorando y tratando de pelear para que, como mínimo, haya unas indemnizaciones y se pague lo que corresponde”, avanza sobre la situación de los profesionales de esta función, que demuestra a su vez la necesidad de sacar adelante el convenio propio –que todavía no tienen–, en el que están trabajando para tener más protección y regulación, de cara a evitar que coyunturas como esta se repitan.

“Ojalá aparezca alguien”

Desde la Unión de Actores, Ignacio Martín concluye que lo sucedido en Buscando a Audrey es un “síntoma de que el teatro musical no se puede hacer de cualquier manera”. “No vamos a tener industria cultural sin protección a los trabajadores que lo hacen. Que un grupo de aventureros se metan a construir un teatro y hacer un musical, solo se sostenía porque había profesionales de primer nivel. En el momento en el que dejas de pagarles, deja de existir esta fantasía”, argumenta.

Desde la productora continúan diciendo a los trabajadores que su intención es acabar estrenando el musical, pero para ello tendría que aparecer algún inversor que solucione los problemas económicos. También lo esperan elenco y equipo creativo, a quienes apena sentir que se tira por la borda un trabajo de meses e incluso años, y sobre todo el que no vaya a ver la luz.

Dirigido por Juan Luis Iborra (Los chicos del coro) y escrito por José Ignacio Salmerón, el proyecto cuenta con la música original del ganador del Goya y el Grammy Fernando Velázquez (Un monstruo viene a verme, Lo imposible). “Por nosotros, ojalá se haga. Seguimos pensando que es un proyecto increíble. El curro artístico era brutal, estaba quedando genial. Si es que ya está hecho, la música, las canciones, las voces. Todo era brutal. Ojalá se haga, ojalá aparezca alguien...”, reclama el miembro del equipo creativo.

Carlos Pérez-Font, desde la consultoría contratada por los inversores, aclara que en sus planes la fecha máxima que se han propuesto es llegar a estrenar el 30 de marzo, pero que para ello toda la financiación tendría que estar “a principios de enero”. El futuro de la obra depende, al tiempo que continúa la negociación con los trabajadores, de que consigan el dinero correspondiente durante el próximo mes y medio.

En el corazón de la región de Lombardía, al norte de Italia, se encuentra una ciudad donde el arte no se pinta ni se esculpe: se afina. Cremona, levantada a orillas del río Po, es un lugar donde las calles suenan a cuerda frotada y la historia se escribe en partitura. Fue aquí donde nació el violín, donde vivió y trabajó Antonio Stradivari, y donde aún hoy los luthiers mantienen viva una tradición que hizo de esta pequeña ciudad un símbolo universal de la música.

Una ciudad construida al ritmo del arte

Cremona no solo es bella: es armónica. Sus callejones medievales y plazas renacentistas conservan ese equilibrio perfecto entre la historia y la precisión artesanal que también define a sus violines. En cada esquina se respira el espíritu de los grandes maestros que la habitaron: Claudio Monteverdi, pionero de la ópera; Amilcare Ponchielli, autor de La Gioconda; y, por supuesto, Stradivari, el luthier más célebre de todos los tiempos.

Fue él quien, heredando la técnica de la familia Amati, convirtió la fabricación del violín en una forma de arte absoluto. Sus instrumentos, considerados los mejores jamás construidos, siguen siendo objeto de culto por músicos y coleccionistas de todo el mundo.

La tradición sigue viva

En Cremona, el sonido no se apaga. Más de un centenar de talleres de lutería mantienen la herencia de los Amati, Guarneri y Stradivari. Basta caminar por el casco histórico para escuchar el roce del barniz, el golpeteo del cincel o las notas de prueba que flotan desde las ventanas.

Cada otoño, la ciudad celebra el Stradivari Festival, una cita imprescindible donde intérpretes, fabricantes y amantes del violín se reúnen para rendir homenaje al instrumento más elegante de la historia. Durante esos días, Cremona vibra literalmente: los teatros, plazas y talleres se llenan de conciertos, exhibiciones y conferencias dedicadas a la lutería.

Y no es casualidad que la UNESCO reconociera la fabricación artesanal de instrumentos de cuerda en Cremona como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Aquí, cada violín es una obra de arte irrepetible.

Qué ver en Cremona

El corazón de la ciudad late en la Piazza del Comune, una de las plazas más bellas del norte de Italia. En ella se alzan tres joyas monumentales: la Catedral de Santa María de la Asunción, con su fachada románica y sus frescos góticos; el Baptisterio, una estructura octogonal de piedra blanca; y el Torrazzo, una imponente torre campanario que alcanza los 112 metros de altura, símbolo absoluto de Cremona.

Desde su cima, las vistas sobre los tejados rojizos y el río Po son tan armónicas como una composición de Vivaldi.

A pocos pasos de allí, el Museo del Violino guarda la memoria viva de la ciudad: una colección única de instrumentos originales de Stradivari, Amati y Guarneri, además de talleres interactivos donde se explica el meticuloso proceso de creación de un violín. Es el lugar donde cualquier músico —o amante del sonido— siente que ha llegado a casa.

Donde la música nunca se detiene

Visitar Cremona no es solo hacer turismo: es sumergirse en una sinfonía urbana. Desde el eco de las iglesias hasta el sonido de las cuerdas que se afinan en los talleres, todo aquí parece seguir el compás de una misma melodía.

Y aunque han pasado siglos desde que Stradivari trazó sus primeros moldes, el espíritu de su arte sigue presente, recordando que, en esta pequeña ciudad italiana, la perfección sonora se convirtió en patrimonio eterno.

El Gobierno regional destinará casi nueve millones de euros a la construcción de nuevo Conservatorio Superior de Música de Castilla-La Mancha, ubicado en la ciudad de Albacete.

El presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, ha colocado la primera piedra del nuevo Conservatorio Superior de Música de Castilla-La Mancha en la capital albaceteña, un proyecto que ha sorteado “mil dificultades” y que se levantará “contra viento y marea”.

El nuevo edificio contará con un sistema distributivo equivalente en todos los bloques, con núcleo central de distribución a las aulas a ambos lados, por tanto, con iluminación y ventilación en todas las estancias. La diferente longitud permitirá adaptar los espacios docentes, de diversa dimensión superficial.

En total, contará con ocho aulas teóricas, 43 aulas de instrumentos, dos aulas de orquesta, 25 cabinas de estudio y un auditorio para 162 plazas. Son más de 5.300 metros cuadrados construidos. Cabe señalar que se trata de un edificio de consumo casi nulo, gracias a la instalación de 140 paneles solares. La actuación a realizar comprende parte de nueva edificación y parte de adecuación y rehabilitación. Este nuevo edificio dará servicio a más de 160 alumnos y alumnas de la Comunidad Autónoma.

Page ha destacado que “tuvimos siempre la determinación de hacerlo, además, cumpliendo un objetivo importante para cualquier ciudad” como es “vertebrar las infraestructuras, de tal manera que tengan coherencia urbanística”, ha incidido.

El alcalde ha participado en el acto y ha asegurado que “es una magnífica noticia para Albacete y para los albaceteños”. Manuel Serrano ha comentado que “será un importante foco de oportunidades para nuevos alumnos y alumnas y contribuirá a potenciar el desarrollo cultural de nuestra ciudad”.

Cree que la nueva sede enriquecerá la “milla educativa” que existe en esta zona de la ciudad, ya que junto al futuro edificio del Conservatorio Superior, se encuentra el Centro Asociado de la UNED, el Conservatorio Profesional de Danza 'José Antonio Ruiz', la Universidad Laboral, el Colegio Ana Soto, el IES Andrés de Vandelvira, el Centro Educación Especial Eloy Camino, y el Centro de Atención a Personas con Discapacidad del Imserso.

También ha recordado que, con la nueva sede, “se verán solventadas las carencias a las que debe hacer frente este centro por falta de espacio, una vez que actualmente comparte ubicación con el Conservatorio Torrejón y Velasco”. El edil ha tendido la mano del Ayuntamiento al Gobierno de Castilla-La Mancha “para seguir trabajando a favor de la ciudad de Albacete”, al considerar que “juntos podemos dotar de mucha mejor calidad de vida, formación, áreas industriales y espacios sociales para desarrollarnos en igualdad”.

Si hablamos de comedia romántica en la década de los 90, Julia Roberts aparece como una de las actrices por excelencia, con algunos títulos como Pretty Woman, pero también La boda de mi mejor amigo, en la que compartió protagonismo con Dermot Mulroney, y en la que aparecían también otros nombres como Cameron Díaz o Rupert Everett en el reparto.

Dermot Mulroney tras el éxito de La boda de mi mejor amigo, el actor también participó en otras películas como El día de la boda, o las series Shameless o Chicago Fire, así como regresó a la comedia romántica formando parte del reparto de Cualquiera menos tú.

Dermot Mulroney, violonchelista de la mano de Michael Giacchino

Sin embargo, hay una faceta de éxito de este actor de Hollywood que es menos conocida, pero es igual de destacada, y de la que habló en su día en el podcast Inside of you de Michael Rosenbaum, que lo relaciona además con franquicias como ‘Star Wars’ o ‘Star Trek’.

Y es que Dermot Mulroney forma parte de la banda sonora de hasta nueve películas como violonchelista, mayoritariamente de la mano de Michael Giacchino, compositor con premio Oscar por Mejor Banda Sonora original por Up de Pixar, antes de haber recibido nominación en 2008 por haber firmado también la de Ratatouille, y que también tiene un premio Goya por su trabajo de música en La sociedad de la nieve en J. Bayona.

Michael Giacchino es uno con los que participa Mulroney habitualmente como participante de orquesta musical al violonchelo, al que suele valorar como “heredero de John Williams” y del que reveló como se da el contacto: “Su contratista me llama. Por eso he hecho tantos, porque una vez que estás en su orquesta, me incluyó con los mejores músicos de Los Ángeles, lo que, por supuesto significa del país, lo que por supuesto significa llegar a cualquier parte del mundo. Y ahí estoy, en ese grupo”.

Dermot Mulroney: actor y también violonchelista en Hollywood

Así, Dermot Mulroney tiene acreditado el ser violonchelista en El hombre solitario de Dios en 1996 por primera vez, para seguir en otras como El infierno de Dante (2007), Star Trek: En la Oscuridad (2013), Star Trek: Más allá (2016), Rogue One: Una historia de Star Wars (2016) o Shooting Stars (2023).

Si bien no está acreditado, también se le atribuye haber formado parte de la orquesta en el violonchelo en éxitos de Pixar como Los increíbles 2, Coco, Del revés, pero también otras como Spider-Man: lejos de casa, Jurassic World o La guerra del planeta de los simios.

El actor contó en el podcast que fue gracias a sus padres que comenzó a tocar el violonchelo, junto a sus hermanos que también fueron a cursos de otros instrumentos musicales, alentados para potenciar su lado creativo y no fallar a su compromiso, siendo una habilidad que ha mantenido más allá de su carrera como intérprete en Hollywood.

La historia de la música no solo se escribe con partituras, sino también con ideas capaces de sacudir sus cimientos. A lo largo del tiempo, ha habido compositores cuya influencia ha trascendido más allá de sus obras, dejando huella tanto con su arte como con sus declaraciones. Pierre Boulez (Montbrison, 1925 - Baden-Baden, 2016) pertenece a ese número reducido de personas que, con una genialidad que sigue haciéndose notar hoy día, ha escrito algunos de los temas más importantes del siglo XX en tanto incendiaba la industria musical con sus creencias, opiniones y reivindicaciones. El artista francés, que llegó a afirmar que había que “hacer estallar los teatros de ópera”, desafió las estructuras del pasado para transformar la manera en que entendemos y vivimos la música contemporánea.

A cien años de su nacimiento y casi una década después de su muerte, Pierre Boulez continúa siendo una figura fundamental para comprender la evolución del arte y viajar a lo largo de todo un siglo lleno de cambios y renovaciones. “Para explicar la historia de la música de la segunda mitad del siglo XX, hay que hablar de nombres y tendencias”, cuenta Eva Lainsa, profesora de la Universidad de Sevilla, a elDiario.es. “Boulez es uno de esos nombres. No solo creó música, sino que también dirigió, reinterpretó y dio a conocer el trabajo de sus contemporáneos, como Varèse, y de generaciones anteriores, como Stravinsky o la Segunda Escuela de Viena”, añade sobre el artista, que se ha convertido en uno de los más aclamados de su tiempo con hasta 26 premios Grammy y 67 nominaciones.

Pero a Boulez no se lo reconoce únicamente por escribir obras, pues su “labor más pedagógica” fue la de convertirse en un “defensor” de la música de su época. “Lo hizo con una naturalidad increíble”, comenta Lainsa, que alega que, “para él, ser músico significaba interpretar, componer, enseñar y gestionar la música”. La experta en educación artística, que tuvo la oportunidad de entrevistar a Boulez en 1996 y ha traducido al español su obra Pensar la música hoy, que recoge ensayos que el francés escribió a partir de conferencias a las que asistió, lo califica como un “espacio musical” abierto a todo el mundo, donde, además de su propio repertorio, también existe la posibilidad de encontrarse con otras propuestas. “El espíritu de Boulez se describe como la posibilidad de hacer las mediaciones necesarias para sacar la música adelante”, indica Lainsa.

Esta defensa de los suyos provocó que Boulez se ganara pronto la fama de “radical”, un atributo que lo acompañó durante toda su carrera pese a que él no le llegara a dar nunca ninguna importancia. Para la posteridad queda ya una de sus declaraciones a la revista alemana Der Spiegel, en 1967, por lo “extremadamente anticuados” que se habían quedado los teatros de ópera: “En un teatro que se dedica principalmente a los recitales, las óperas modernas se representan con grandes dificultades, lo cual es inverosímil. La solución más cara sería hacer estallar los teatros de ópera, pero ¿acaso no sería la más elegante?”.

“Es muy fácil quedarse con frases como esa”, señala Eva Lainsa, “pero hay que entenderlas en su contexto”. La musicóloga subraya que, en los años 60, la ópera seguía viéndose como un producto burgués, “algo donde la gente iba a dejarse ver más que a escuchar”. Como a Boulez le encantaba la ópera y, de hecho, dirigió algunas como Lulu y Wozzeck, además de obras de Wagner, el artista defendía que “había que renovar el repertorio y abrir el teatro al público”. Para Lainsa, declaraciones como esa tenían la intención de incitar a “tener una relación más natural con la música, hacer que forme parte de la vida de las personas, eliminar toda esa retórica que hay en los teatros de ópera e invitar a que la gente se quede con ella”.

Hacia el mismo lugar apunta el profesor de música Jesús Martínez Vargas, quien lo entrevistó en 1990 para la elaboración de su trabajo de investigación Pierre Boulez: estética, poética, política (1998): “Su deseo era derribar los muros que existían entre el público y el creador musical”. Boulez, que se instaló en París a los 18 años, en 1943 se encuentra con un panorama desolador al finalizar la Segunda Guerra Mundial, una Francia en declive económico y cultural marcada por su pasado colaboracionista y por un mundo musical dominado por el neoclasicismo. “En ese contexto, Boulez decide convertirse en un modernizador”, relata Martínez Vargas, ya que “se da cuenta de que no quiere ser un compositor marginal ni adoptar posturas utópicas”.

Boulez entiende que, para transformar el mundo musical que ha heredado, necesita algo más que rebelarse desde la periferia. “Como él mismo decía, en lugar de 'ladrar en la noche', su objetivo era consolidar una reputación profesional que le permitiera pasar a la acción”, comenta Jesús Martínez Vargas a este periódico. “Y ese deseo de modernización y reorganización conlleva inevitablemente decisiones de naturaleza política. Implica redefinir la función social del arte, transformar la enseñanza y cambiar cómo se compone y se interpreta la música”, añade. Pierre Boulez descubre que no es posible seguir el modelo tradicional: se necesitan nuevas formaciones instrumentales, músicos preparados en un repertorio diferente y con una nueva manera de tocar.

Es así, casi por obligación, como se convierte en director de orquesta. En 1953, funda junto a la artista Suzanne Tézenas Le Domaine Musical, un ciclo de conciertos dedicado a la difusión de la música contemporánea, combinando estrenos de jóvenes compositores con obras clave del siglo XX. Eva Lainsa reflexiona que la “radicalidad” que se le ha aludido probablemente tenga más que ver con una “cuestión de responsabilidad”. “Cuando alguien se adentra en la vida musical, escuchando, siendo contratado, asumiendo la programación o dirigiendo orquestas, comprende que todo ello implica una gran responsabilidad, y Boulez fue consciente desde el principio”, dice, sosteniendo que “quien gestiona la música inevitablemente se gana enemigos” y que “la mayoría de críticas han ido por ahí”.

De esta manera, Boulez buscó siempre mirar hacia el futuro aun tratando de mantener presentes los referentes que lo llevaron a su posición. Según Jesús Martínez Vargas, él decía que “el pasado era una referencia”, pero nunca algo ante lo que “sucumbir”. De hecho, el profesor revela que al compositor “le gustaba usar una frase del poeta René Char que afirmaba que el pasado era como una biblioteca que había que incendiar para que pudiera surgir algo nuevo”. Su afán de “polemista” consistía en poner la mirada, de forma muy radical, en qué debía hacerse con las instituciones para llevarlas hacia adelante. “Su objetivo era abrirlas a la creación contemporánea, en lugar de limitarse a seguir interpretando siempre a Verdi o Donizetti. No los rechazaba, pero su actitud polémica era una manera de señalar lo que debía cambiar y de llamar la atención sobre ello”, cuenta Martínez Vargas.

Mientras que hemos hecho el esfuerzo por apreciar a los pintores y escritores contemporáneos, en la audición nos hemos quedado a principios del siglo XX. La música es un arte temporal en el que la memoria juega un papel muy importante.

Jesús Martínez Vargas — Profesor y musicólogo

Entre los mayores logros de Pierre Boulez está la creación del Instituto de Coordinación e Investigación de Acústica y Música en Francia en 1970. “¿Cómo podemos transformar gradualmente las instituciones para que quede claro qué es importante para el futuro?”, había sido una de sus máximas preocupaciones, lo que lo motivó a seguir trabajando desde dentro. “Mientras que hemos hecho el esfuerzo por apreciar a los pintores y escritores contemporáneos, en la audición nos hemos quedado a principios del siglo XX”, resalta Jesús Martínez Vargas, que defiende que “la música es un arte temporal en el que la memoria juega un papel muy importante” y que, en tanto que “un cuadro lo vemos de un solo golpe de vista y podemos captar la totalidad de la obra”, en la música “hace falta un ejercicio de memoria para relacionar lo que estamos escuchando con lo que ya hemos escuchado”.

Ese ejercicio de memoria pasa por rememorar las composiciones de Boulez, que son un reflejo de lo que fuimos y también de lo que seremos. Algunas de las más relevantes son Le marteau sans maître (El martillo sin dueño), que lo catapulta como un compositor de referencia en 1955, y Rituel In Memoriam Bruno Maderna, que dedica a su fallecido amigo y director de orquesta Bruno Maderna. “Se trata de música abierta que te invita a levantarte y pasear, casi a tocar los instrumentos con las manos”, dice Eva Lainsa. “Invita a recrearte con el sonido, abrirte a él y dejar que te penetre”, añade sobre las composiciones, que Martínez Vargas describe como “muy refinadas, con gusto por el color sonoro”.

El centenario de Boulez está celebrándose en Francia con numerosas actividades en torno a la figura del artista. En España, será el próximo 31 de marzo cuando el pianista francés Pierre-Laurent Aimard tocará la Sonata para piano n.º 1 (1946) en un concierto de entrada gratuita en el Museo Reina Sofía. La actividad servirá para volver a imaginar, como relata Lainsa, “a ese Mozart de niño sentado al piano que tocaba y creaba cosas que hacían los mayores”, una escena en la que tampoco es difícil imaginar a Boulez como protagonista. La profesora indica que el compositor ha sintetizado “muy bien” lo que es “ser un músico” y que, cuando se le recuerde de ahora en adelante, lo hará siendo parte de “la historia de la música” que él mismo se encargó de escribir.

“Estáis en todos los momentos importantes así que este año queremos pediros ayuda y que seáis parte de algo muy nuestro, las fiestas de San Roque. Nosotros ponemos la alegría, vosotros la orquesta”. Era la invitación de Ventrosa a Mahou. Y es que este pueblo, con 43 vecinos censados, ha pedido ayuda a la marca cervecera para que colabore en las fiestas de patronales de verano sufragando la música de la orquesta.

Una invitación en forma de vídeo que ya ha llegado a su destianatario y que, parece, ha surtido efecto. Y es que a través de sus redes sociales la marca cervecera ya ha contestado. “Un regalo como este, hecho con tanto cariño, ilusión y trabajo detrás, merece que recojamos el guante. Ventrosa, pasarán cosas”.

Una falta de presupuesto que agudizó el ingenio de los vecinos de Ventrosa

La idea surgió ante la falta de presupuesto para contratar una orquesta en directo. “Hace años que no podemos costear una orquesta para fiestas”, porque con 43 vecinos censados, el presupuesto es muy ajustado “y debemos priorizar”, cuenta el alcalde de Ventrosa, Domingo Blanco.

Así comenzó una búsqueda de patrocinador y así se eligió la marca de cerveza porque además de ser la más consumida en el pueblo durante los días de fiesta, “el pasado verano Mahou lanzó una campaña con un claro mensaje: sé parte de algo y siempre será parte de ti”. Un mensaje que “resonó con fuerza porque aquí la vida gira en torno a la comunidad, a los reencuentros y a las tradiciones que se mantienen vivas” apunta el teniente alcalde, Carlos Blelío.

“Como en muchos de esos momentos hay una cerveza sobre la mesa, decidimos darle la vuelta a la idea: si Mahou lleva años formando parte de Ventrosa, ¿por qué no pedirle que sea parte también de nuestras fiestas?” , plantea el concejal. Y así lanzaron un mensaje directo: “Mahou, sé parte de Ventrosa y Ventrosa siempre será parte de ti”. Así nació esta campaña esta campaña “espontánea, que busca que Mahou patrocine la orquesta de la noche grande de San Roque, el 16 de agosto”.

Una campaña en la que han involucrado a todo el pueblo que desde el mes de febrero están trabajando en la grabación del vídeo que ya circula por redes sociales con el hastag #SePartedeVentrosa. Un vídeo a través del que el municipio reivindica su identidad milenaria y defiende una forma de vivir, de compartir y de celebrar, recordando a la marca su larga relación con el pueblo, pidiéndole que dé un paso más. ¿Responderá Mahou a la llamada de Ventrosa?

Sí. Aquí está la respuesta tan sólo tres días después.

Las mujeres de Viniegra de Abajo lograron que Rozalén actuara en el municipo. Ahora, el pueblo de Ventrosa quiere que una marca de cerveza, Mahou, colabore con sus fiestas. La idea surgió ante la falta de presupuesto para contratar una orquesta en directo. “Hace años que no podemos costear una orquesta para fiestas”, porque con 43 vecinos censados, el presupuesto es muy ajustado “y debemos priorizar”, cuenta el alcalde de Ventrosa, Domingo Blanco.

Una localidad que tiene más de mil años de historia y un récord curioso, “ser uno de los pueblos que más cerveza consume de toda la comarca”. Y así, y dirigiéndose a la cervecera, aseguran que “estáis en todos los momentos importantes así que este año queremos pediros ayuda y que seáis parte de algo muy nuestro, las fiestas de San Roque. Nosotros ponemos la alegría, vosotros la orquesta”.

Así comenzó una búsqueda de patrocinador y así se eligió la marca de cerveza porque además de ser la más consumida en el pueblo durante los días de fiesta, “el pasado verano Mahou lanzó una campaña con un claro mensaje: sé parte de algo y siempre será parte de ti”. Un mensaje que “resonó con fuerza porque aquí la vida gira en torno a la comunidad, a los reencuentros y a las tradiciones que se mantienen vivas” apunta el teniente alcalde, Carlos Blelío.

“Como en muchos de esos momentos hay una cerveza sobre la mesa, decidimos darle la vuelta a la idea: si Mahou lleva años formando parte de Ventrosa, ¿por qué no pedirle que sea parte también de nuestras fiestas?” , plantea el concejal. Y así lanzaron un mensaje directo: “Mahou, sé parte de Ventrosa y Ventrosa siempre será parte de ti”. Así nació esta campaña esta campaña “espontánea, que busca que Mahou patrocine la orquesta de la noche grande de San Roque, el 16 de agosto”.

Una campaña en la que han involucrado a todo el pueblo que desde el mes de febrero están trabajando en la grabación del vídeo que ya circula por redes sociales con el hastag #SePartedeVentrosa. Un vídeo a través del que el municipio reivindica su identidad milenaria y defiende una forma de vivir, de compartir y de celebrar, recordando a la marca su larga relación con el pueblo, pidiéndole que dé un paso más. ¿Responderá Mahou a la llamada de Ventrosa?

En la invitación en forma de vídeo, el vecindario de Ventrosa explican a la marca cervecera que este municio serrano sólo tiene 43 habitantes censados, pero cuando llega el verano, “más de 500 personas regresan a este rincón indomable de la montaña”. Y vuelven, explican, “porque Ventrosa no es sólo un lugar, es una manera de entender la vida”. Y en ese modo de entender la vida, Mahou está presente, “hay quien lo mide enabrazos, en reencuentros, en la primera cerveza compartida en el bar. Ángela de 95 años lo mide en paseos y en su corto de Mahou cada día”.

El vecindario de Ventrosa espera que Mahou acepte la invitación y se haga cargo de la música en directo para las fiestas de agosto. “Este no es un proyecto de patrocinio al uso, Ventrosa no es un espacio publicitario, simplemente estamos reconociendo un vínculo que ya existe entre la marca y el pueblo, utilizando la identidad y los valores compartidos como base”. En el proyecto ha colaborado también el fotógrafo y videógrafo jarrero Mario Urkiaga “Urki” en la cámara y la edición.

El consejo de administración de Euskadiko Orkestra, en la reunión celebrada este lunes, ha aprobado poner fin a la titularidad del director artístico de la formación, Robert Treviño, al frente de la orquesta vasca. Con esta decisión se ha optado por “dar un cambio de rumbo” a la formación musical. Por otro lado, y coincidiendo con este momento de cambio, Oriol Roch también dejará la dirección general de la orquesta en fechas próximas.

Con esta decisión se pone fin a un ciclo de ciclo de ocho años de Robert Treviño como director titular al frente de Euskadiko Orkestra, en los que el trabajo realizado en conjunto ha sido “intenso y fructífero”, con importantes hitos como la celebración de giras internacionales (estreno en Polonia, en el Theatre Camps Elysees de París o los conciertos de Salzburgo); grabaciones discográficas con el sello finlandés Ondine; o la recuperación de la actividad musical en la pandemia, convirtiéndose en la primera orquesta a nivel estatal en ponerse en marcha. Según han explicado desde la Orquesta, esta decisión forma parte de un proceso de “cambio de rumbo, cerrando un ciclo artístico y abriendo las puertas a uno nuevo”, que debe aportar “nuevas perspectivas” al proyecto de Euskadiko Orkestra, para que la formación musical “siga creciendo y ampliando su recorrido profesional”.

Oriol Roch también dejará la dirección general de la orquesta en fechas próximas coincidiendo con un proceso de cambio. Roch ha encabezado la dirección de Euskadiko Orkestra durante diez años y medio, siendo así el director general que más tiempo ha estado al frente de la agrupación musical vasca. Su aportación al proyecto destaca por la “transformación digital” e implantación de nuevos sistemas de trabajo, así como una “importante” alianza con EiTB para “proyectar al exterior” la actividad de la orquesta, “ganando visibilidad en el entono digital, a favor de un posicionamiento estratégico a nivel internacional”. Asimismo, ha trabajado en la incorporación de un nuevo repertorio musical, tanto para la orquesta como para el público, lo que ha contribuido al “crecimiento del proyecto”.

Con ambas renovaciones, Euskadiko Orkestra entra en una nueva etapa que aportará un nuevo modelo organizativo al proyecto de la agrupación musical, “impulsando su desarrollo artístico y manteniendo el prestigio de la formación sinfónica”, que continúa siendo la institución cultural de Euskadi con mayor número de personas abonadas a sus conciertos.

El Consejo de Administración ha agradecido a ambos directores el trabajo realizado en los últimos años al servicio de Euskadiko Orkestra y trabaja ya en la renovación ambas direcciones. Mientras tanto, Euskadiko Orkestra, “formación sólida, fuerte y de referencia en el panorama cultural”, seguirá con todos los proyectos que tiene diseñados hasta el final de la temporada.

Una jueza de Badajoz ha imputado a nueve personas por la contratación como personal eventual de uno de ellos, David Sánchez Pérez-Castejón, hermano del actual presidente del Gobierno. El resto se trata de personal vinculado a la Diputación de Badajoz, incluido su presidente, ante las sospechas de que crearon en 2016 un puesto a medida para el hermano de quien entonces agotaba sus días en su primera etapa al frente del PSOE. 

La investigación se centra en determinar si el músico David Sánchez, compositor y director de orquesta con experiencia internacional, se convirtió en “coordinador de actividades de los conservatorios” dependientes de la Diputación de Badajoz porque, independientemente de sus méritos, es hermano del secretario general del PSOE. La Guardia Civil desliza, sin concretar, que el puesto pudo crearse para contratar a David Sánchez pese a que había otras prioridades. 

En mayo pasado, la organización ultraderechista Manos Limpias presentó una querella ante los juzgados de Badajoz basándose, como haría también en el caso de Begoña Gómez, en informaciones periodísticas con errores de bulto. Seis meses después, los agentes de la Unidad Central Operativa (UCO), unidad de élite del instituto armado, siguen profundizando en el proceso de creación del puesto de “coordinación de actividades de los conservatorios de música”.

Los agentes de Anticorrupción han pasado horas y horas leyendo 56.385 correos electrónicos que les han convertido en expertos en las necesidades de Badajoz en materia musical, si bien aún no han podido concluir que el puesto de trabajo que luego ganó en concurso David Sánchez Pérez-Castejón fuera creado con intereses espurios. 

En este punto, la magistrada Beatriz Biedma ha citado como investigados al músico, al presidente de la Fundación y a siete cargos y empleados de la Diputación para deshacer el entuerto. La declaración del hermano de Pedro Sánchez está prevista para el próximo 9 de enero.

“Pedís mucho personal”

Entre septiembre y octubre de 2016 –explican los agentes en su último informe de 453 páginas–, la Diputación de Badajoz barruntaba qué puestos debía crear para satisfacer las necesidades musicales de Badajoz en el siguiente ejercicio. 

El 5 de octubre, la diputada delegada del Área de Cultura entregó al presidente de la Diputación una propuesta que no recogía la necesidad de que alguien coordinara los dos conservatorios provinciales. Incluso sin esa propuesta, el propio presidente de la Diputación, Miguel Ángel Gallardo, ya valoró que había un exceso de contratación en la previsión de 2017: “Me parece que me pedís mucho personal”.

En los días siguientes se produjo un hecho que trae de cabeza a los investigadores y que ha ocupado multitud de titulares una vez se ha levantado el secreto que pesaba sobre el sumario. El 8 de octubre, el jefe de Recursos Humanos envió un correo al Director de Presidencia y a otros dos responsables del organismo donde ya incluye “documentación sobre la creación de un puesto de alta dirección en el seno del conservatorio superior de música, catalogándolo como ‘gestor’”. 

Los agentes destacan que esto se produce tres días después de que no se valorara la creación de ese puesto y de que el presidente de la Diputación se quejara de una excesiva contratación de personal. A partir de ese momento, los correos entre los investigados ya incluyen la figura de nueva creación, al tiempo que desarrollan sus funciones y presupuesto para la misma.

En los correos intervenidos, los directores de los conservatorios se preguntan “qué puede gestionar y coordinar” la persona que ocupara el puesto de nueva creación. Los guardias civiles destacan en su informe que estos directores no habían pedido la creación de un coordinador que estuviera por encima de ellos y coordinara, pero que cuando se les pide, ambos redactan un documento con sus posibles funciones. “Siendo de agradecer esta nueva incorporación existen otras necesidades imprescindibles”, había puesto uno de ellos en un mensaje a la diputación. 

Guardias civiles y pianistas

En el análisis de los correos, los guardias civiles han encontrado uno que habla de la “carencia de pianistas acompañantes” y que solicita la creación de una plaza para ese puesto. En otro, se propone que se contrate a un docente de violín, también a alguien para mover muebles o que se implante la especialidad de flamenco. Pero ni rastro, destacan los guardias civiles, de un coordinador de los dos conservatorios dependientes de la Diputación. 

Una vez aprobada la creación del puesto, el siguiente punto a esclarecer es la selección de David Sánchez Pérez-Castejón entre nueve candidatos. El informe de la UCO no profundiza en las condiciones del hermano del presidente respecto a los otros aspirantes. En la tabla donde se resumen los méritos de todos ellos destaca que David Sánchez compite con otros dos candidatos que, entre los nueve aspirantes, tienen como un título superior de música. A diferencia de ellos, David Sánchez suma a su formación musical una segunda licenciatura, la de Ciencias Económicas y Empresariales. 

David Sánchez Pérez-Castejón firmó el contrato con la Diputación el 10 de julio de 2017, cuando su hermano ya había recuperado la Secretaría General del PSOE, pero nadie pronosticaba que se convertiría en presidente del Gobierno un año después. David ganaría 3.495,93 euros brutos mensuales y tendría dos pagas extra.

La querella de Manos Limpias que ha dado origen al caso incluye un bulo publicado por Vozpópuli o The Objective, el medio que atribuyó una subvención a Begoña Gómez que en realidad había sido concedida a otra mujer que se llamaba igual. Entre el patrimonio que atribuyen al músico, estos medios incluían 1,4 millones de euros en acciones del BBVA.

La unidad de élite de la Guardia Civil ha tenido que dedicar parte de su esfuerzo en comprobar si es cierto lo contenido en la querella que recoge ese dato, y que da origen al caso, y han terminado concluyendo que no hay “ninguna evidencia de que el investigado declare poseer una cantidad de acciones del BBVA que alcancen el citado valor” en sus declaraciones de la renta. El informe de la Agencia Tributaria también desmiente ese dato, añaden. 

Dedicados a la tarea de corrección periodística, los agentes explican que en la declaración de la renta de Sánchez correspondiente a los ejercicios 2017, 2019 y 2021, en el campo “valor nominal” se refleja la unidad de medida en euros, mientras que en la de 2022 y 2023 no se concreta dicha unidad, por lo que el citado medio habría interpretado que se trataba de un número de acciones y no del valor en euros de las mismas.

La querella de Manos Limpias contra David Sánchez apuntaba delitos contra la Hacienda Pública, malversación y fraude. El auto de imputación del hermano del presidente y otras ocho personas, una vez presentados los informes de la UCO, solo alude a delitos contra la Admnistración Pública. 

La organización ultra era más ambiciosa y llegaba a adjuntar una información de El Debate con el siguiente titular: “La trama de Aldama desvió mordidas a sociedades del pequeño pueblo portugués donde vive el hermano de Sánchez”. Interpelada por esta “exclusiva”, el pseudosindicato razonaba en su querella: “Si hacemos números no parece que sea muy casual este hecho. Elvas tiene una población de 16.084 habitantes mientras que Portugal la tiene de 10.352.042. Elvas representa, por tanto, el 0,15% de la población portuguesa. Con este porcentaje su señoría sabrá valorar si es casual o no que coincidan en Elvas la residencia del cuñado de Begoña Gómez con la entidad bancaria donde el amigo de Begoña Gómez desvió las mordidas por la venta de mascarillas”.

Este sábado 30 de noviembre, el Auditorio Riberas del Guadaíra será el escenario del Concierto de Santa Cecilia, una cita ineludible para los amantes de la música. A partir de las 20.00 horas, diversas agrupaciones musicales locales tocarán para el público piezas clásicas y contemporáneas. La Orquesta de Cámara “Ciudad de Alcalá”, la Banda Académica “Nuestra Sra. del Águila”, la Banda de Música de Alcalá de Guadaíra, la Coral Polifónica y el Coro Infantil Escuela de Música “Manuel Navarrete León” participarán en esta celebración.

El delegado municipal de Cultura, Christopher Rivas, ha resaltado que este evento es más significativo que nunca, ya que la Banda de Música de Alcalá celebra su 160 aniversario. “Hemos disfrutado de un año marcado por la dedicación y el talento que nos ofrece esta agrupación, y este concierto es la culminación de ese esfuerzo”, ha subrayado Rivas. Además, ha destacado la dedicación educativa y cultural de la Banda, que no solo se enfoca en la música sino también en el desarrollo comunitario.

La invitación del Ayuntamiento

Desde el Ayuntamiento de Alcalá de Guadaíra se ha animado a la ciudadanía a participar en esta fiesta cultural. Rivas ha señalado que “hemos invitado a todos los vecinos a ser parte de este espectáculo que enriquece la vida cultural de Alcalá”. Las entradas, disponibles a un precio de 7 euros, se pueden adquirir en el Auditorio, en la Casa de la Cultura, así como online.

Para el Consistorio, el concierto de Santa Cecilia no solo es un homenaje a la patrona de los músicos, sino también una oportunidad: “Los asistentes podrán vivir una velada inolvidable, llena de armonía y emoción”, ha afirmado el delegado.

La Guardia Civil investiga a dos jóvenes, de 22 y 29 años, como supuestos responsables de un delito de amenazas y otro de promoción e incitación al odio, hostilidad y discriminación hacia una persona por su orientación sexual, al proferir insultos homófobos a los integrantes de una orquesta.

Los hechos, conocidos ahora, tuvieron lugar la madrugada del pasado 31 de agosto, durante las fiestas en honor a “El Cristo”, en la localidad abulense de El Barco de Ávila (2.300 habitantes), según ha informado este jueves en nota de prensa el instituto armado.

Durante la actuación de la orquesta, un grupo de jóvenes que se encontraba en el público comenzó a realizar “actos vandálicos al equipo de sonido”, así como “gestos despectivos e insultos homofóbicos y amenazas”, culminando en una agresión física entre los integrantes de la banda musical y los jóvenes.

Como consecuencia de la reyerta, la Guardia Civil tuvo que intervenir, deduciendo que el origen de lo sucedido pudo estar motivado por una serie de amenazas verbales contra una de las víctimas por su “orientación o identidad sexual”.

Fruto de las pesquisas realizadas, los agentes lograron identificar a los supuestos autores, dos jóvenes de 22 y 29 años, que fueron puestos a disposición judicial en calidad investigados el pasado 12 de septiembre.

Las investigaciones fueron realizadas por el Puesto de la Guardia Civil de El Barco de Ávila y por el Equipo de Respuesta de Delitos de Odio (REDO), perteneciente al Grupo de Información de la Comandancia de la Guardia Civil de Ávila. 

El Festival Internacional de Plectro celebrará su edición número 48 del 20 al 25 de agosto con conciertos en seis localidades de La Rioja. El director general de Cultura, Roberto Iturriaga, junto al coordinador del Festival, Carlos Blanco, y a la secretaria de la asociación cultural ConTrastes-Rioja, Patricia Calcerrada, ha presentado la nueva edición del festival decano de música de plectro en España, a la vez que pionero en muchos aspectos. Una cita que, desde el año 2008 está organizado bienalmente por la Asociación Cultural ConTrastes-Rioja con colaboración del Gobierno de La Rioja y de los municipios que albergan los conciertos, junto a otras entidades, asociaciones y empresas.

Iturriaga ha destacado que la organización de este festival corre a cargo de ConTrastes-Rioja, pero “cuenta con el apoyo del Gobierno de La Rioja y otras empresas, asociaciones y ayuntamientos, que facilitan sus espacios para programar actos culturales por toda La Rioja, contribuyendo a ampliar la oferta cultural estival, uno de los objetivos de este Gobierno en esta materia”. Históricamente, “nuestra Comunidad Autónoma ha acogido a más de cien agrupaciones musicales de cámara de distintos países, que han podido disfrutar y aprender de nosotros, y han ejercido como embajadores de nuestra tierra”, ha apuntado.

Por su parte, Calcerrada ha puesto en valor un “festival que es referente en la música de plectro de todo el mundo, como Estados Unidos, Colombia, Venezuela, Francia o Alemania”. Asimismo, ha explicado que la palabra ‘plectro’ alude a “instrumentos que se tocan con púas, como la bandurria en España, la bandola colombiana o la mandolina, más internacional”.

Este año, el festival destaca por la juventud de sus músicos, que evidencia el gran futuro profesional para el plectro y la guitarra a nivel internacional. Actuarán dos cuartetos y un trío que provienen de Alemania (NOROC Quartett), Colombia (Trío Latitud) y Francia, Colombia y Venezuela (Cuarteto del Sur), ofreciendo visiones diferentes de la música original para plectro y llevando la música de sus países a través de diez conciertos a localidades como Logroño, Tricio, Galilea, Nájera, Alesón y San Millán de la Cogolla. Varios de los espacios que albergarán estas citas musicales, cuidadosamente escogidos, son muestras del rico patrimonio artístico y arquitectónico riojano y suponen un marco magnífico para recibir a estos músicos internacionales.

Además, esta edición cuenta con el aliciente de acoger un nuevo proyecto, la Joven Orquesta Española de Plectro “ConTrastes” (JOPEC), una orquesta efímera de cerca de 30 jóvenes entre 16 y 28 años que provienen de toda España. Durante la semana del Festival se reunirán en el Centro Ibercaja La Rioja para ensayar un repertorio de alto nivel bajo la tutela de profesores titulados. Todos juntos presentarán los resultados en concierto en los dos últimos días del Festival.

“Casi treinta jóvenes músicos van a estar durante una semana ensayando y trabajando duro. Todos ellos tienen las partituras para estudiar por su cuenta y después estarán durante una semana con los profesores responsables para ensayar conjuntamente y trabajar aspectos técnicos e interpretativos”, ha explicado Blanco. Como colofón, dos conciertos, que supondrán “un buen escaparate para la JOPEC”. Además de las actuaciones, se realizarán actividades culturales y turísticas, como charlas, visitas al patrimonio riojano y actividades enoturísticas.

Recaudación solidaria de los conciertos en Logroño

Las entradas para los conciertos en el Círculo Logroñés y en el Centro Ibercaja La Rioja de Logroño (20,21,22 y 24 de agosto) tendrán un precio de 5 €. Estas localidades (no numeradas) estarán disponibles desde el 19 de agosto en las oficinas del Centro Ibercaja La Rioja de Logroño y dos horas antes de cada concierto en la sala correspondiente. La recaudación íntegra de los conciertos celebrados en Logroño será a beneficio de la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC La Rioja).

Por su parte el concierto en San Millán de la Cogolla, previsto para el 23 de agosto, tendrá un precio de 5 €. A la venta en https://www.escenariovivo.es/ y en la sala antes del concierto. El resto de conciertos y la charla con el título ‘La Historia Plectro Español a través de sus protagonistas’ tendrán acceso gratuito hasta completar aforo. Se puede consultar el calendario completo de conciertos del 48 Festival en la página web www.plectrorioja.com.

20 de agosto (martes)

Cuarteto del Sur (Venezuela/Colombia/Francia)

20:00. Logroño. Círculo Logroñés (Concierto inaugural)

Precio: 5 € (A Beneficio de la Asociación Española Contra el Cáncer La Rioja)

21 de agosto (miércoles)

NOROC Quartett (Alemania)

20:00. Logroño. Centro Ibercaja La Rioja.

Precio: 5 € (A Beneficio de la Asociación Española Contra el Cáncer La Rioja)

Latitud (Colombia)

20:00. Tricio. Basílica de Nuestra Señora de Arcos. Entrada libre hasta completar aforo.

22 de agosto (jueves)

Latitud (Colombia)

20:00. Logroño. Centro Ibercaja La Rioja.

Precio: 5 € (A Beneficio de la Asociación Española Contra el Cáncer La Rioja)

Cuarteto del Sur (Venezuela/Colombia/Francia)

20:00. Nájera. Refectorio del Monasterio de Santa María la Real. Entrada libre hasta completar aforo.

NOROC Quartett (Alemania)

20:30. Galilea. Iglesia de San Vicente Mártir. Entrada libre hasta completar aforo.

23 de agosto (viernes)

Charla. La Historia Plectro Español a través de sus protagonistas. Carlos Blanco Ruiz. 20:00. Logroño. Centro Ibercaja La Rioja.

Entrada libre hasta completar aforo.

Latitud (Colombia)

20:00. Alesón. Iglesia de San Martín. Entrada libre hasta completar aforo.

Cuarteto del Sur (Venezuela/Colombia/Francia)

20:00. San Millán de la Cogolla. Aula de la Lengua.

Precio: 5 € (A la venta en https://www.escenariovivo.es/ y en la sala antes del concierto)

24 de agosto (sábado)

Joven Orquesta Española de Plectro “ConTrastes” (JOPEC)

20:00. Logroño. Círculo Logroñés.

Precio: 5 € (A Beneficio de la Asociación Española Contra el Cáncer La Rioja)

25 de agosto (domingo)

Joven Orquesta Española de Plectro “ConTrastes” (JOPEC)

20:00. Nájera. Claustro de los Caballeros de Santa María la Real (Concierto de clausura)

Entrada libre hasta completar aforo. 

El pasado 28 de julio la Sala Dorada del Musikverein de Viena estalló en un aplauso como el que resuena en esta joya musical cada 1 de enero durante el concierto de año nuevo. Pero esta vez no fueron los tradicionales sones de la Marcha Radetzky de Johann Strauss los que arrancaron los aplausos del público, sino los de España Cañí, uno de los pasodobles emblema de la cultura española, interpretado por los jóvenes de la orquesta Campos Andaluces.

Ese “estallido de alegría” que logró arrancar la orquesta filarmónica de Jerez de la Frontera bajo la batuta de Pedro Gálvez les ha valido el primer premio en el World Orchestra Festival, que se ha celebrado la última semana de julio en el corazón de la música a nivel mundial. “Hemos convertido España Cañí en la nueva Marcha Radetzky”, celebra ahora el jovencísimo director, quien a sus 22 años ha llevado a su orquesta a coronarse como la mejor del mundo frente a la veintena de agrupaciones de todo el planeta que han participado en el certamen.

Más allá de la edad de los músicos que integran la orquesta (de entre 14 y 25 años), el mérito de alzarse con este reconocimiento radica en que hayan arriesgado en su repertorio, apostando por obras que desprenden la esencia de los campos andaluces: desde marchas procesionales como Soleá, dame la mano del sevillano Manuel Font de Anta, uno de los himnos de la Semana Santa, hasta el ballet más icónico del sur de la península, El sombrero de tres picos, del maestro gaditano Manuel de Falla.

Lo habitual en este tipo de festivales es garantizarse el favor del público interpretando a los grandes clásicos, como Beethoven, Rachmaninov, Wagner o Saint-Saëns. Sin embargo, los jóvenes de Campos Andaluces han querido apostar por “poner en valor el patrimonio musical de nuestra tierra”, a menudo relegado a un segundo plano dentro del panorama nacional y desconocido más allá de las fronteras de Andalucía y España.

De Jerez a la capital mundial de la música

La orquesta Campos Andaluces nació hace cinco años en Jerez de la Frontera de la mano de “un grupo de amigos” que compartían el afán por hacer música. Desde entonces, el grupo ha ido creciendo e incorporando a músicos de todas las provincias andaluzas, conformando hoy una plantilla de más de 50 integrantes. Su talento y personalidad los ha llevado a tocar en escenarios de todo el continente europeo, desde Francia hasta Rusia, donde ganaron el premio internacional de música 'Rosa Vetrov' en Moscú.

A pesar de la proyección internacional que han ido adquiriendo, Campos Andaluces no ha desconectado de sus raíces jerezanas, llevando por bandera la ciudad que los vio nacer. Cuna del flamenco y tierra de tradición musical arraigada, Jerez de la Frontera cuenta entre sus artistas más ilustres con el maestro Germán Álvarez Beigbeder, autor de varias marchas procesionales y obras como Jerez, una de las piezas que la joven orquesta ha interpretado durante el festival musical.

Antes de poner el broche final a su paso por el certamen en la Sala Dorada, Campos Andaluces actuó en la plaza del Ayuntamiento de Viena, contando entre los asistentes con la embajadora de España en la capital austriaca, así como en la Casa de Strauss, entre otros enclaves prominentes de una de las ciudades insignia de la música. Sonó también Subida al calvario de David Hurtado, algo que el propio compositor sevillano ha calificado en sus redes sociales de “momento histórico”, agradeciendo al joven conjunto orquestal su esfuerzo por “poner en valor la música procesional” desde un escaparate internacional como es el World Orchestra Festival.

Más allá de llevarse el primer premio en la categoría de orquestas sinfónicas, Pedro Gálvez se queda con que el concurso haya servido para revalorizar el patrimonio musical andaluz, dentro y fuera de España. Prueba de ello es que la Sala Dorada “se volcara” con el repertorio español, entregándose en un aplauso que se prolongó varios minutos, como recuerda ahora su director, que se confiesa todavía “en una nube”.

Además de alzarse como orquesta ganadora de esta edición, Campos Andaluces “ha sido invitada oficialmente a regresar el próximo año a Viena”, tal y como adelanta a este periódico su director. “Lo difícil no era venir, lo verdaderamente difícil era que nos quisieran de vuelta”, expresa el joven Gálvez, quien considera este hecho como “el gran triunfo” de la orquesta que dirige y que seguirá soñando a lo grande convencida de que los sueños se cumplen.

La concejala de Festejos de Calahorra, Raquel Moral, ha dado a conocer los conciertos que el Ayuntamiento ha programado para las próximas fiestas patronales de agosto. Habrá un total de ocho actuaciones musicales de estilos variados y para todas las edades, que tendrán lugar en tres escenarios diferentes: la plaza de El Raso, el aparcamiento del Silo y la Glorieta de Quintiliano.

Por primera vez, el sábado 24 de agosto, la plaza de El Raso acogerá una fiesta pre-chupinazo ’XXX Aniversario’ desde las 19:00 hasta las 2:00 horas. 7 horas de música con djs de Calahorra y de otros municipios riojanos. Jorge Montaña, Chusco, Ima, Moon, Migeltxo, Marvel, Casual y Adrián Pérez animarán la noche anterior al inicio de las fiestas.

Para el domingo, 25 de agosto, se proponen dos citas musicales. Una matinal con dj, previa al lanzamiento del chupinazo en la Glorieta de Quintiliano de 10:45 a 11:45 horas y otra nocturna en la plaza de El Raso con la banda Star Ways a partir de las 00:00 horas. La banda de versiones de pop y rock volverá a Calahorra tras el éxito del año pasado para presentar su gira ‘Da igual’.

Strenos Rock Band hará también una parada en Calahorra dentro de su tour Strenos 4.0 el lunes 26 de agosto. El grupo de rock ofrecerá un concierto en la plaza de El Raso desde las 00:00 horas. 

El martes 27 de agosto actuará Dlocos & La otra oreja. Un tributo a los grupos musicales El Canto del Loco y La Oreja de Van Gogh a las 00:00 horas en la plaza de El Raso.

La programación musical continuará el 28 de agosto con Vulkano Show con dos pases, a las 20:00 horas y a las 00:30 horas en la plaza de El Raso. 

El viernes 30 de agosto el aparcamiento del Silo será el escenario del concierto principal de las fiestas patronales de verano. Dentro la gira IA Tour 2024 la orquesta gallega Panorama, considerada una de las mejores de España, viajará hasta Calahorra para ofrecer un gran espectáculo de música, luz y sonido a partir de las 00:00 horas.

Panorama está compuesta por 22 artistas que interpretan los mejores temas de la historia de la música y del verano. Ofrecerán tres horas de show musical con bailes, acrobacias, disfraces y performances para todos los públicos. Cuenta con 4 tráileres para el escenario, montaje, material audiovisual, vestuario e instrumentos. Dispone de tecnología con pantallas led, robots luz y un equipo de sonido muy potente.

Y el sábado 31 de agosto después de la traca de final en la plaza de El Raso los djs David Álvarez y Mario Díaz, de Los 40 Principales, despedirán las fiestas patronales pinchando un repertorio musical de 100 años de radio en Los 40 Sessions.

Todas las actuaciones musicales son gratuitas. 

Correfoc en fiestas 

La concejala de Festejos ha anunciado además que este año habrá espectáculo de Correfoc en las fiestas patronales de verano. “Hoy mismo hemos recibido el permiso para poder hacerlo”, ha explicado la concejala de Festejos. “Llevamos un año trabajando para recuperar este espectáculo de fuego que tanto gusta a los calagurritanos. Agradezco a los técnicos municipales, regionales y de Delegación del Gobierno y al Gobierno de La Rioja su ayuda para conseguirlo”.