Los almendros en flor seguramente sea una de las estampas más populares de la primavera y antes de llenar las imágenes y paisajes de redes sociales, lo hizo también en la pintura, donde fueron retratados en diferentes contextos y por distintos movimientos y pintores, entre ellos Vincent Van Gogh.

El pintor neerlandés hizo protagonista a esta escena primaveral en su cuadro “Almendro en flor”, pintado en febrero de 1890, y que es no solo una de sus obras más icónicas, sino también una de las más personales, en las que se capta también el optimismo que vivía entonces.

Y es que “Almendro en flor” surgió de una de sus mejores noticias, la del nacimiento de su sobrino, hijo de su querido hermano Theo van Gogh y su mujer Johanna. Esto sucedió un 31 de enero de 1980 y fue así como su hermano le comunicó el feliz acontecimiento y que le llamarían Vincent en su honor:

“Le pondremos tu nombre. Deseo que sea tan decidido y valiente como tú”, le escribió. Un hecho que a Van Gogh le llenó de alegría, y esta la dejó plasmada en lo que mejor se le daba hacer, pintar. Así fue como nació “Almendro en flor”, que fue una de sus obras más queridas, también por su familia y que marcaría la propia historia del cuadro hasta llegar a las paredes del Museo Van Gogh en Ámsterdam.

El cuadro que dedicó a su sobrino y en el que demostró su amor a Japón

Van Gogh no eligió el almendro en flor en vano, sino que lo hizo protagonista de la pintura por ser uno de los que florecen en el mes de febrero, cuando pintó el cuadro, como símbolo de la fertilidad y de la nueva vida. Además, el hecho de que usara algunos de sus elementos favoritos.

De hecho, en ella se inspiró en la estética japonesa, de la que estaba fascinado, sobre todo de la xilografía, tanto que llegó a copiar algunas de las estampas que había conocido en París, y así “Almendro en flor” es uno de los máximos exponentes de su pasión por Japón, que vivía esplendor en el arte cuando a mediados del siglo XIX en Europa se volvió la mirada a la cultura oriental.

Además de esto, en este cuadro si técnica es mucho más cuidada, ofreciendo unas pinceladas más finas, y con tonalidades azules que lo dotó de mayor naturalismo.

La obra que pintó poco antes de morir

Vincent Van Gogh pintó esta obra durante su estancia voluntaria en el sanatorio de Saint-Remy, lugar donde llevaba varios meses y donde también surgió una de sus más célebres obras, “La noche estrellada”, en la que se puede ver las vistas desde su habitación. Había ingresado aquí por su frágil salud mental y sus alucinaciones, que lo llevaban a periodos de sequía en las que no podía crear.

La estancia en este sanatorio le permitía conectar con la naturaleza y eso le había devuelto la creación y la inspiración, lo que le hizo tener un punto de vista más optimista que se puede ver también en “Almendro en flor”, no solo por el nacimiento de su sobrino, sino porque estaba esperanzado por su futuro, que veía renacer. Sin embargo, volvió a tener una crisis unos meses después y esto derivó en su muerte a los 37 años, todavía llena de misterio actualmente a pesar de la versión oficial que apuntaba que se disparó en el pecho.

Su hermano murió poco tiempo después y sería su viuda, Johanna Van Gogh-Bonger quien heredaría toda su obra, pero también se encargaría de elevar su figura y convertirla en la que conocemos hoy en día. Muchas de las obras se vendieron por buenas cantidades, pero “Almendro en flor” no fue ninguna de ellas, pues era una pintura que se guardaba con cariño en la familia, que no se desprendió de ella. De hecho, actualmente se encuentra en el Van Gogh Museum de Ámsterdam, que fundó su propio sobrino Vincen Willem, al que le dedicó el famoso cuadro que había conservado el propio protagonista hasta que entró en la pinacoteca.

Mujeres recogiendo aceitunas de Vincent van Gogh se ha convertido en el centro de una batalla judicial y no precisamente por su autoría, sino por su propiedad. Los herederos de un matrimonio judío han demandado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Met) por adquirir esta obra, que aseguran que fue “saqueada” por el régimen de la Alemania nazi.

La demanda va contra todas las organizaciones que han exhibido el cuadro del afamado pintor holandés. La querella, interpuesta esta semana en el tribunal del Distrito Sur de Nueva York, no solo apunta al Met, sino que también incluye al museo de arte Basil & Elise Goulandris Foundation de Atenas (Grecia), donde actualmente se expone al público.

Los demandantes piden una indemnización por daños y perjuicios y la restitución de la obra, dedicada por Van Gogh a su madre y su hermana, porque entienden que “fue saqueada de la colección de Fritz y Hedwig Stern”, una pareja de coleccionistas alemanes que tuvo que huir tras sufrir la persecución del régimen nazi. 

Las instituciones implicadas no se han pronunciado al respecto, pero los demandantes esperan una batalla judicial para recuperar la obra Mujeres recogiendo aceitunas, en la que Van Gogh aborda algunos de sus temas clásicos: las escenas cotidianas y los entornos naturales. Todo ello con sus características pinceladas sobre lienzo. 

Las mujeres de Van Gogh

La obra de la discordia es Mujeres recogiendo aceitunas (1889), en las que se aprecia a varias mujeres subidas a una escalera de madera y recogiendo la cosecha de los árboles. El genio holandés las dibuja en el centro de la escena, en tamaño pequeño, compartiendo protagonismo con la naturaleza del campo que les rodea, rodeadas de numerosos árboles. 

Es una escena mundana, pero que no le salió a la primera. De acuerdo con la ficha del Met, el artista pintó tres versiones de este cuadro. Describió la primera como un estudio del natural “más colorido, con tonos más solemnes”; la segunda como una versión de estudio con una “gama cromática muy discreta”. 

Sin embargo, en la tercera quiso añadir varios elementos, aseguran los estudiosos del pintor. Mujeres recogiendo aceitunas es “la más elaborada y estilizada de las tres”. Estaba concebida como un regalo para su hermana y su madre, con dedicatoria incluida: “Espero que el cuadro de las mujeres en los olivos sea de vuestro agrado; le envié un dibujo a Gauguin… y le gustó…”.

¿De quién es el cuadro Mujeres recogiendo aceitunas?

Durante la persecución del régimen nazi, la familia tuvo que huir del país y las autoridades germanas le requisaron la obra. Según los demandantes, representados por la abogada estadounidense Judith Anne Silver, en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial la pintura se convirtió en “objeto de tráfico, compra y venta” de manera repetida en la ciudad de Nueva York. Y así es como habría recalado en el Met, que ahora se enfrenta a un litigio judicial, al igual que el museo Basil & Elise Goulandris Foundation. 

Era la segunda mitad del XIX y dicen que, al conocerse, se despreciaron mutuamente. Van Gogh entendía el arte como herramienta para expresar sus sentimientos. Cézanne como un acto meramente cerebral: forma y materia. Pero, aunque ellos nunca lo sabrían, el destino les uniría bajo la etiqueta de “postimpresionistas”, a pesar de que su único punto en común era el rechazo a las limitaciones que les precedían.

Casualidad o causalidad, esas dos visiones tan opuestas fueron bañadas por la misma luz que da color a los paisajes de la Provenza francesa. Ponemos rumbo al norte para viajar hasta el interior de sus cuadros y visitar los lugares retratados por los maestros de la pintura moderna.

Arlés: la ciudad donde Van Gogh encontró el color

En poco más de un siglo, algunos de los motivos capturados por Van Gogh han desaparecido por completo. La mayoría, devorados por el hombre: bombardeados por la guerra o engullidos por edificaciones con demasiada prisa por alzarse sobre la historia del arte.

Otros, en cambio, son aún reconocibles. Paisajes donde se pueden identificar algunos árboles, apenas un palmo más grandes, bajo la luz que trajo al holandés hasta la Provenza. Aquí cambiaría para siempre su paleta de colores –hasta entonces más sombría– y pintaría sus cuadros más famosos.

Nos adentramos en esta ciudad reposada y con un toque decadente, a la que Van Gogh llegó huyendo del bullicio parisino. En la capital, había descubierto a los impresionistas y trabado amistad con Gaugin pero, a sus treinta y cuatro años, era su hermano Theo quién lo mantenía.

Las calles empedradas, las casas bajas con contraventanas de madera y sus fachadas de colores dan comienzo a un viaje en el tiempo, como si acabásemos de subir al escenario de una obra de teatro, una de un Victor Hugo más alegre. En Arlés la esencia del pasado permanece y, a diferencia de la “experiencia inmersiva” de Van Gogh, hasta aquí no llegan hordas de turistas.

Es posible elegir mesa para cenar frente al Café Van Gogh, en pleno centro, que recuerda a uno de los cuadros más famosos del pintor. Pero el local, que cerró tras la bancarrota de su dueño, nunca estuvo exento de polémica. Los comerciantes locales aseguraban en Le Monde que se trataba de una farsa pues su localización habría estado en la plaza de Lamartine, bombardeada en la guerra.

Sin embargo, en fuentes tan poco sospechosas de querer convertirlo en una trampa para turistas como el museo que lo alberga descubriremos que el título completo es Terraza del café de noche (Place du Forum): la plaza misma donde el Café Van Gogh echó el cierre.

La confusión podría venir de este otro cuadro del interior de un bar situado en la plaza Lamartine. Hoy apenas reconocible tras bombardeos y reconstrucciones, en esa plaza estuvo también La casa amarilla a la que Van Gogh se mudó con el afán de convertirla en residencia para artistas.

Allí pintaría Los girasoles, La habitación o La silla y viviría dos meses con Gauguin hasta que el holandés decidió cortarse la oreja tras confrontar a su amigo. Al día siguiente, Van Gogh fue hospitalizado y Gauguin y él nunca volverían a verse.

En el antiguo hospital, hoy rodeado de tiendas de souvenirs llenas de noches estrelladas, es donde percibo por primera vez esa sensación extraña al comparar motivo y obra. Y es que árbol, arcos y fuente nos llevan a una búsqueda imposible por encontrar el punto exacto desde el que fue pintado. Tardaré en darme cuenta de que esa perspectiva exagerada e imposible se aleja de la realidad para llevarnos hasta su estado de ánimo.

Saint-Rémy-de-Provence: el lugar donde Van Gogh intentó sanar

A media hora en coche desde Arlés, encontraremos este pueblo tranquilo donde el pintor decidió internarse en 1889 en un antiguo monasterio. Aquí pintaría ciento cincuenta cuadros en su penúltimo año de vida.

Comenzaremos en el centro, siguiendo las tachuelas metálicas que nos invitan a recorrer el Saint-Remy de Van Gogh desde la avenida que toma el nombre del pintor. Serán ellas las que nos guíen desde muros de cemento construidos sobre campos de trigo hasta una oficina de turismo sobre la vista de La noche estrellada que Van Gogh pintó desde el monasterio.

La esencia que en Arlés encontramos casi a cada paso se disuelve en este pueblo que parece haber cambiado tanto hasta que, antes de perder la esperanza, la naturaleza se abre paso en el camino.

Entonces sí, empieza el juego. El de intentar reconocer las ramas torcidas de los pinos o calcular cuánto crecen los olivos en cien años. Cambiar de acera para buscar la disposición de los cipreses o caminar hasta desenmascarar los Alpilles –pequeños Alpes– tras los árboles.

Cruzar la línea imaginaria que separa la mirada del pintor de caminar dentro de un cuadro. Oler sus árboles, escuchar el silencio con el que intentó calmarse, pisar sus campos y entender por qué fue aquí, bajo esta luz donde el amarillo resulta más amarillo –cómo es posible– y cada hora muestra un paisaje diferente.

Según nos acercamos al sanatorio, reaparece esa visión distorsionada al contraponer cuadro y motivo. Las formas estiradas de los árboles –que parecen hechas desde un punto más elevado– hacen pensar que el holandés debió ser un hombre muy alto y sin embargo sus descripciones hablan de un hombre de mediana o incluso escasa estatura: su perspectiva distorsionada es otro elemento intencional precursor del expresionismo.

Llegamos al antiguo monasterio de Saint Paul de Mausole, un oasis de paz donde es posible visitar el cuarto del pintor, el claustro o el patio de lirios. Desde un estudio habilitado para él, Van Gogh pintaría muchos de sus cuadros más famosos en periodos de reclusión tras ingerir sus pinturas en un intento de suicidio.

Parte del edificio funciona aún como psiquiátrico y el resto se ha convertido en un lugar de peregrinaje que Van Gogh difícilmente pudo imaginar. Rechazado por los impresionistas debido a su excentricidad y su falta de academicismo, solo vendería un cuadro en vida.

Ese será uno de los motivos por los que un año después, tras trasladarse al norte de París, cerca de su hermano Theo, y descubrir la mala salud de su sobrino, se sentirá responsable de su ruina y se pegará un tiro en el pecho. Su hermano morirá meses después, tras un ataque de locura.

Cézanne: el arte de lo inexplicable

“Mucho se ha escrito acerca del secreto del arte de Cézanne; se han sugerido explicaciones de todas suertes acerca de lo que se propuso y lo que consiguió. Pero estas explicaciones siguen siendo incompletas; incluso a veces parecen contradecirse”, dice Gombrich en La historia del arte: “El mejor consejo es ir y contemplar las obras en el original”.

Le haremos caso. Seguiremos camino hasta Aix-en-Provence, su ciudad natal, a apenas una hora de Arlés. Más bulliciosa y señorial pero teñida por la misma luz de la Provenza. Empezaremos en esta casa de campo –antes situada a las afueras, hoy en pleno centro– que el padre de Cézanne compró cuando él tenía veinte años.

Habían rechazado su solicitud en la escuela de Bellas Artes y su padre le consiguió un trabajo en su banco, pero Cézanne quería convencerle de que tenía futuro en la pintura y pintó doce murales en las paredes del salón que, cuarenta años después, serían arrancados al vender la propiedad.

Cuando, en 2018, el ayuntamiento compró la casa y empezó a restaurarla descubrieron una pintura oculta bajo el yeso. No sabemos si fue entonces cuando se dieron cuenta de que la fama de excéntrico y malhumorado del pintor había eclipsado su talento durante demasiados años y decidieron traer a la ciudad 130 de sus obras para compensar su olvido.

Reabierta desde este verano –de momento hasta noviembre–, la iniciativa se acompaña de la Exposición Cézanne2025 en el Museo Granet donde es posible pasear desde sus primeras copias y su acercamiento a los impresionistas, junto a quienes fue catalogado de fraude, hasta bodegones llenos de manzanas –su fruta favorita por ser la que más tarda en madurar y su lentitud pintando.

Retratos de su padre –quien le mantuvo toda la vida y a quien ocultó haber tenido un hijo fuera del matrimonio con la única modelo capaz de posar durante días para él–, Los jugadores de cartas o un retrato de Émile Zola, con quién terminaría su amistad tras descubrir que se había inspirado en él para el artista fracasado que protagoniza La obra, se pueden ver en esta exposición cuyo nombre hace honor a la casa familiar que el pintor llevaría para siempre en las entrañas.

Tanto es así que, tras la venta de Jas de Bouffan, cuando Cézanne decide construirse un estudio en las alturas de la ciudad –el Atelier del Lauves– elige una casa en medio de la naturaleza con una escalinata muy similar, con las mismas baldosas hexagonales de terracota mezcladas con madera, con grandes ventanales y el mismo color en las paredes.

Obsesionado con capturar la luz del sol, caminaría cada madrugada para pintar los tonos del amanecer.

Ahora, el que fue su taller durante sus últimos cuatro años de vida, ha sido restaurado tal y como lo dejó el pintor: con algunos de sus utensilios, su caballete o el maniquí que, dada su lentitud, usó como modelo para ‘Las grandes bañistas’: la obra que inspiró Las señoritas de Avignon de Picasso.

En estos jardines, donde esparcía los trozos de la tela de los cuadros que no le gustaban, retrató a su jardinero. Un hombre al que, sin saberlo, dedicaría el último cuadro de su vida.

Aquí termina nuestro viaje tras cinco días en coche por la Provenza, pero las huellas de la historia de la pintura siguen extendiéndose por el sur de Francia.

Aunque ninguno de estos pintores pudo mantenerse con sus obras, inspirarían las corrientes que cambiaron para siempre el mundo de la pintura. Cézanne como precursor del cubismo y Van Gogh del expresionismo, convirtiendo el sur de Francia en la cuna de la modernidad.

El rastro de sus sucesores los visitaremos en el camino de vuelta, en un recorrido del fauvismo por Colliure con Matisse y Derain. Otra opción es extender el viaje rumbo a Niza para visitar las huellas de Picasso, Signac o Renoir, o ir hasta Albi para ver el museo de Toulouse-Lautrec, pero ya se me acaba el papel de este cuaderno, estoy cansada y estos viajes hace falta tiempo para poder paladearlos.

Las exposiciones inmersivas se han convertido en uno de los fenómenos culturales más demandados de los últimos años, y Madrid ha elevado la apuesta con una propuesta que no solo muestra arte, sino que lo hace sentir, tocar y escuchar. En el Nomad Museo Inmersivo se puede vivir El mundo de Van Gogh y El oro de Klimt, una experiencia sensorial que combina tecnología de última generación, proyecciones de gran formato y bandas sonoras originales, creando un espectáculo que transforma la manera de acercarse a la pintura.

Hasta el 24 de agosto, los visitantes pueden recorrer los universos de estos dos genios en una misma visita, con un recorrido de aproximadamente 90 minutos que promete conectar emoción, historia y creatividad.

Un viaje sensorial por Van Gogh

La exposición dedicada a Vincent van Gogh convierte sus lienzos en un universo envolvente. Cada sala ofrece proyecciones que reproducen el movimiento de sus pinceladas, acompañadas por una banda sonora original del compositor alicantino Adrián Berenguer, que refuerza la narrativa y hace que el espectador sienta la obra desde dentro.

El recorrido incluye un pasillo infinito y salas interactivas donde los visitantes pueden experimentar con pinceles gigantes, luces, aromas y realidad virtual. Se trata de una experiencia pensada para emocionar, y no solo para observar: los espectadores se convierten en parte de la obra, entrando en contacto directo con la creatividad del pintor neerlandés y su mundo de color, movimiento y pasión artística.

Experiencia inmersiva en primera persona

Los asistentes pueden dejarse llevar por la intensidad de lienzos icónicos como La noche estrellada, mientras la tecnología recrea cada trazo y matiz de color, haciendo que la vida y obra de Van Gogh cobren un carácter casi tangible. Esta versión evolucionada de las exposiciones inmersivas combina arte, narrativa y tecnología para ofrecer algo más que contemplación: una verdadera conexión sensorial con el genio.

El brillo eterno de Klimt

Por su parte, El oro de Klimt transporta al público al universo del pintor vienés. La exposición recorre nueve etapas de su vida y permite descubrir la fuerza de sus retratos femeninos, la riqueza de sus paisajes y obras destruidas durante la Segunda Guerra Mundial, recuperadas digitalmente para la muestra.

El recorrido es completamente inmersivo: paredes, suelos y ornamentos arquitectónicos cobran vida, mientras una propuesta musical acompaña cada escena. Destacan figuras como Adele Bloch-Bauer, musa y mecenas de Klimt, y se exhiben piezas icónicas como El beso y sus frisos dorados, en un despliegue de color, luz y multimedia que reproduce incluso el brillo del auténtico pan de oro usado por el artista en su “Fase Dorada”.

Una experiencia sensorial completa

Gracias a la tecnología, los visitantes pueden percibir la obra de Klimt como nunca antes: no solo ver, sino sentir y oír, entrando literalmente en el corazón creativo del pintor. La combinación de temple, óleo y dorado, junto con la narrativa inmersiva, convierte la visita en un viaje a través del tiempo y la historia del arte europeo.

La visita conjunta dura 90 minutos y está disponible hasta el 24 de agosto. El horario es de lunes a domingo, de 10:00 a 22:00 horas, con última entrada a las 20:30. Las entradas se pueden adquirir en la web oficial del museo, con descuentos online de hasta el 30 % los lunes.

Ubicado en Gran Vía, 78, el Nomad Museo Inmersivo es accesible en metro (Callao, Plaza de España, Santo Domingo) y varias líneas de autobús. Esta doble exposición consolida al museo como epicentro de las experiencias inmersivas en Madrid, un formato que combina arte, tecnología y emoción y que se ha convertido en una de las propuestas culturales más atractivas de la ciudad.

Hoy en día, aficionados y no aficionados al arte conocen alguna de las obras de Vincent Van Gogh, como La noche estrellada (1889), los Girasoles (1889) o Habitación en Arlés (1888), pero esta fama del pintor es algo que sucedió después de haber fallecido este en 1890, de manera póstuma, y que pasó gracias al ímpetu de su cuñada, Johanna Van Gogh-Bonger.

Vincent Van Gogh, de hecho, en vida tuvo alguna crítica positiva aislada y solo había vendido pocos de sus cuadros, a pesar del trabajo de marchante de arte que su hermano Theo hacía en París, pero la conversación y el apoyo entre ellos fue clave para que Johanna Van Gogh hiciera famoso a su cuñado en el que fue el proyecto de su vida.

Johanna Van Gogh-Bonger, la mujer que hizo conocer a la obra de Vincent Van Gogh

Johanna Van Gogh-Bonger nació en una familia de clase media, que se basaba en la contención y seguridad, y por ello, ella fue educada y se formó para ser profesora de inglés, pero también aprendió a tocar el piano, mostrando una sensibilidad por el arte y la cultura desde muy joven.

A través de sus diarios personales y la publicación de una biografía escrita por Hans Luijten, comisario del Museo Van Gogh de Ámsterdam se ha conocido su vida desde edad temprana, y así es como se sabe que pasó una etapa en Londres, donde como especialista en Percy B. Shelley, marido de Mary Shelley, autora de Frankenstein y poeta, trabajó impartiendo clases y también entró en contacto con el sufragismo y el movimiento obrero.

La conexión de Johanna con los Van Gogh

Fue en 1885 cuando su vida se cruzó con los Van Gogh, al conocer a Theo, que inmediatamente se enamoró de ella, pero Johanna lo rechazó a la primera y tardaría un año en aceptar su propuesta de matrimonio, por el que se mudó a París y donde viviría los años más felices de su vida entre los artistas bohemios de finales del siglo XIX, de los que admiraba su creatividad y vanguardia.

En la capital francesa Theo Van Gogh era marchante de arte y se ocupaba de buscar compradores y galerías para los cuadros de su hermano Vincent y para otros artistas, y es por ello por lo que la pareja vivía entre las obras del pintor, que en Arlés encontró su momento más prolífico. Todo esto se rompió cuando su cuñado murió en 1890, y más tarde lo haría unos meses después, en 1891, su marido debido a la sífilis.

El trabajo de Johanna Van Gogh para hacer famoso al pintor y su obra

Así fue como Johanna Van Gogh-Bonger se vio viuda con 28 años y un bebé, su hijo Vincent. Volvería a Países Bajos para regentar una casa de huéspedes para generar ingresos, en el que estarían colgados los cuadros de Van Gogh, que había heredado, así como la correspondencia entre los hermanos y el piso de París.

Fue en ese momento cuando Johanna leyó las cartas entre los hermanos Van Gogh y comprendió la complejidad del artista, así como de su obra, y se formó como autodidacta como marchante de arte para emprender el proyecto de su vida: dar a conocer la obra de Vincent Van Gogh, en la que encontró de nuevo indiferencia y rechazo, pero en la que poco a poco fue logrando atención.

La clave de Johanna Van Gogh-Bonger se encontraba en considerar las cartas como parte del proceso de la obra de su cuñado, y así es como logró la primera exposición del pintor exclusivamente en 1892, a la que seguirían algunas claves como la gran exposición de 1905 y donde captó gran atención de fortunas y museos importantes.

En 1914 publicó la correspondencia de Theo y Vincent Van Gogh de forma original, como parte de su estrategia metódica que poco a poco daba resultado, pero a su vez se encargó de mantener la voluntad del pintor de que su arte fuera popular y que acabara mayormente en museos, al no aceptar la venta en diferentes muestras, a pesar del valor que iban adquiriendo. Moriría en 1925 tras haber conseguido que su cuñado fuera el pintor reconocido que ha acabado siendo, algo que no sería posible sin su labor.

Tras el fallecimiento del papa Francisco en el Lunes de Pascua, su sucesor, el papa León XIV, de nombre secular Robert Francis Prevost, está dando sus primeros pasos en su pontificado, que ya tuvo su comienzo oficial con la misa solemne celebrada en el Vaticano el pasado 18 de mayo ante los líderes políticos mundiales.

La referencia del papa León XIV a la obra de Van Gogh

Con ello, el Papa León XIV realizó su primera audiencia en la Plaza de San Pedro del Vaticano y durante ella se refirió a una obra de arte que visitó recientemente Roma con una exposición sobre Van Gogh, que también hizo parada en la ciudad italiana de Trieste.

Hablamos del cuadro El sembrador al atardecer, que se encuentra ubicada en el Museo Kröller-Müller de Otterlo, en Países Bajos, y que referenció dentro del tema de la parábola del sembrador, que se recoge en el Evangelio de San Mateo.

“Esa imagen del sembrador bajo el sol abrasador me habla también del trabajo del agricultor. Y me llama la atención que, detrás del sembrador, Van Gogh haya representado el grano ya maduro. Me parece una imagen de esperanza: de un modo u otro, la semilla ha dado fruto. No sabemos cómo, pero lo ha hecho. En el centro de la escena, sin embargo, no está el sembrador, que permanece de pie a un lado, sino que todo el cuadro está dominado por la imagen del sol, quizá para recordarnos que es Dios quien mueve la historia, aunque a veces parezca ausente o distante. Es el sol el que calienta los terrones y hace madurar la semilla”, fueron las palabras exactas del papa León XIV sobre el cuadro en su audiencia.

‘El sembrador al atardecer’ y la influencia de Gauguin en Van Gogh

El cuadro El sembrador al atardecer es un óleo sobre lienzo que Vincent Van Gogh pintó en su etapa en Arlés en 1888, cuando el artista compartía casa con Paul Gauguin, y cuya influencia se puede apreciar en su obra de la época.

Gauguin aconsejó a Van Gogh en utilizar tonos menos realistas y dejará influir su imaginación en sus cuadros, así es como se puede apreciar el uso de colores amarillentos, naranjas, así como azules, que recuerdan al Impresionismo, y con la figura del sembrador, en este caso, que casi se fusiona con la tierra en la representación.

Además del estilo menos realista y con vivos colores, usados al gusto de Van Gogh, en el cuadro El sembrador al atardecer se puede apreciar el respeto del retrato que realiza a la vida campesina, que despertó gran interés en el pintor, quien llegó a realizar más de 30 obras sobre el tema y con una cierta mirada social y filosófica.

Un gusto por el retrato del trabajo en el campo que le viene al holandés de ser admirador de Jean-François Millet, quien pintó la labranza, siembra y cosecha en su obra y que remontaban a sus orígenes en una familia campesina. El francés consideraba la agricultura como una metáfora de cómo la humanidad intenta dominar la naturaleza, y así la pintó.

La noche estrellada quizás sea una de las obras más admiradas del maestro neerlandés Vincent van Gogh, una cuadro pintado desde su habitación en el manicomio de Saint Paul de Mausole y en el que representa un cielo azul ondulado con luna y estrellas amarillas. No solo destaca por la intensidad de los colores, sino por el movimiento que crean sus pinceladas. El dinamismo demostrado ha llevado a algunos investigadores a asegurar que el artista capturó sin saberlo una compleja ley física del movimiento de los fluidos. 

Sin embargo, una nueva investigación de la Universidad Commonwealth de Virginia y la Universidad de Washington publicada en Journal of Turbulence descarta esta idea: no hay turbulencia oculta en La noche estrellada de Vincent van Gogh.

Nada de ciencia ni teorías matemáticas 

Este trabajo surgió tras la publicación de un estudio anterior publicado en Physics of Fluids y en el que se concluía que el Van Gogh se había anticipado a la teoría de flujo turbulento del matemático Andréi Kolmogorov, que explica cómo los remolinos de aire y agua se mueven en un patrón algo caótico.

Esta teoría fue extendida más tarde por los doctores Alexander Obukhov y Stanley Corrsin a campos escalares en un flujo turbulento, como la densidad, la temperatura, la presión y magnitudes relacionadas con el fluido, apunta la universidad en un comunicado. 

En un primer momento, las pinceladas de Van Gogh adquirieron un significado mucho mayor que el artístico. “La precisa representación que hace de la turbulencia indicaría que había estudiado el movimiento de las nubes y la atmósfera, o que poseía un sentido innato de cómo captar el dinamismo del cielo”, indicaban los investigadores del primer estudio. 

Sin embargo, la nueva investigación cuestiona estas conclusiones. “Nuestra objeción fundamental es que no existe ninguna propiedad escalar del fluido identificable y medible en la pintura que permita aplicar la teoría de Obukhov y Corrsi”, aseguran los autores del trabajo publicado en Journal of Turbulence.

Y van más allá: “Además, el campo de flujo atmosférico asumido no cumple ni de cerca las suposiciones requeridas por la teoría”. Por lo tanto, sostienen que las conclusiones del primer artículo son totalmente erróneas. La noche estrellada se puede considerar una obra artística más que una propuesta científica ni nada por el estilo.  

“La pintura es fascinante y muy abstracta”, siguen los autores, que defienden que este es uno de los elementos que la convierte en una obra de arte icónica, quizás una de las más famosas de la historia occidental. Actualmente, la pintura forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Un óleo comprado en 2016 en una venta de garaje en Minnesota (EEUU) por menos de 50 dólares puede ser una obra perdida de Vincent Van Gogh (1853-1890), según el informe final de una exhaustiva investigación multidisciplinaria de cuatro años.

LMI Group International, una firma de análisis de datos en el ámbito del patrimonio cultural que es actualmente la propietaria del cuadro, afirma que la investigación concluye que 'Elimar' es una de las muchas obras creadas por Van Gogh cuando estuvo internado en un hospital psiquiátrico de Saint-Remy (sur de Francia) entre mayo de 1889 y mayo de 1890.

En el trabajo de autentificación participaron una veintena de especialistas de distintos campos, que usaron tanto técnicas tradicionales como herramientas científicas y tecnológicas.

LMI Group International, que tiene sede en Nueva York y según su web se dedica a la autentificación de obras de arte perdidas u olvidadas y a su colocación en el mercado, precisa que ninguno de los expertos o instituciones implicados en la información incluida en el informe final tiene intereses financieros “presentes, futuros, contingentes, directos o indirectos” en la pintura analizada. “Las conclusiones definitivas expresadas en el informe son solamente de LMI Group”, agrega.

La investigación data el cuadro en 1889, es decir un año antes de la muerte de Van Gogh, y concluye que el famoso pintor neerlandés se inspiró “claramente” en una obra del danés Michael Ancher (1849-1927), el retrato de Niels Gaihede, un conocido pescador de Skagen (norte de Dinamarca), pintado con gorro, una pipa en la boca y una aguja de coser redes en una mano y con un paisaje marinero de fondo.

El propio Van Gogh le escribió a su hermano Theo desde el sanatorio que estaba dedicándose a no a “copiar pura y simplemente” obras de otros artistas, sino a “traducirlas a otro lenguaje, el de los colores, las impresiones del claroscuro y el blanco y negro”, señala el informe colgado por LMI Group en su página web en las últimas horas.

El cuadro no está firmado pero en una manga de la chaqueta del pescador retratado aparece escrita en mayúsculas la palabra “Elimar”, que es el nombre de un personaje de la novela 'Las dos baronesas' del escritor danés Hans Christian Andersen.

La investigación ha abarcado tanto el contexto biógrafico de Van Gogh como el histórico, además de la trama del lienzo y los pigmentos usados para pintar 'Elimar', para lo cual se usaron tecnologías de vanguardia.

La inscripción “Elimar” en la manga de la chaqueta fue comparada con las letras que aparecen en 12 obras de Van Gogh mediante un análisis matemático y además se hizo un análisis genético de un pelo que quedó pegado a la pintura del cuadro y se concluyó que es de un hombre.

Sin embargo, su degradación hace inviable explorar una posible coincidencia con descendientes de la familia de Van Gogh.

El medio Artsnews señala que si el Museo Van Gogh llegara a autentificar 'Elimar' como una obra del genial artista neerlandés, tendría un valor de más de 15 millones de dólares. 

El autorretrato con la oreja rebanada, el poco éxito a la hora de vender sus cuadros y una muerte por disparo con varias hipótesis. La fascinación póstuma por Vincent Van Gogh debe mucho a los dramáticos elementos que rodearon su vida. Unas particularidades que no eran exclusivas de él en su familia, marcada por muertes prematuras, enfermedades mentales que los llevaron al asilo, participación activa en la primera ola feminista neerlandesa por parte de dos de las tres hermanas y unos padres pastores protestantes que predicaban en una zona predominantemente católica. Los Van Gogh no solo son la base del mito Vincent, sino que cada una de sus historias es un relato de tragedia y vida intensa.

El historiador de arte Willem-Jan Verlinden reconstruye casi 100 años de la familia en Las hermanas Van Gogh (Cátedra, 2024). Desde el casamiento de los padres, Theodorus Van Gogh y Anna Carbentus, en 1851, hasta la muerte de su hija Willemien Van Gogh (la penúltima de seis hijos), en 1941. “La historia nunca se contó desde una perspectiva femenina, siempre se hizo desde el lado de Vincent o desde la relación con su hermano Theo, quien también era su mejor amigo y quien se hacía cargo de él”, dice por videollamada el autor. La herramienta que le permitió escarbar en la intimidad de los Van Gogh fue la masiva correspondencia que mantenían entre ellos: cientos de cartas inéditas provenientes de instituciones como el Museo Van Gogh en Ámsterdam y archivos privados.

Verlinden se apoyó también en expedientes educativos, certificados, fotografías y en las pinturas y dibujos de Vincent, quien retrató, muchas veces de memoria o con solo a una fotografía, a sus familiares. “Si la vida de las hermanas estaba la mitad de bien documentada que la de Vincent, entonces debería haber muchas fuentes de información sobre ellas con el potencial de un libro. Cuando terminé de escribir, me di cuenta de que tenía no solo un texto sobre las hermanas, sino también sobre la familia”, cuenta el historiador de arte sobre su texto, publicado originalmente en Países Bajos en 2016. Las misivas, con un “cuidado estilo”, según describe el libro, evidencian un claro punto de inflexión que llevó a la familia a un descenso: la muerte del padre.

Anna, la más dura

Antes de ello, los Van Gogh eran una apacible familia de clase media alta. Vivieron en distintas ciudades pequeñas del Brabante Septentrional, como Zundert, Nuenen, Helvoirt y Etten, localidades del sur de Países Bajos a las que el reverendo Theodorus Van Gogh era enviado para convertir a la predominante población católica en protestante, como sucedía al norte del país. Sin embargo, Verlinden apunta que no solo estaba comprometido con sus feligreses protestantes, sino que también servía a los católicos más desfavorecidos. “Cuando eras un niño protestante y querías jugar con un niño en la calle, no podías porque era católico. Así que principalmente jugaban entre los hermanos en el jardín de la casa, y eso explica la fuerte conexión que había entre ellos”.

Es cierto que la muerte de Theodorus en 1885 desestabilizó esa felicidad de la familia, pero el carácter de Vincent fue otra de las razones. La hermana mayor, Anna Van Gogh — de quien el pintor escribió años antes, cuando vivía en Londres: “Tengo noticias para vosotros, es posible que nuestra Anna venga. Podéis imaginaros lo maravilloso que sería para mí, pero me parece demasiado bueno para creerlo”— le reprochó que siguiera en casa de sus padres con 32 años. Por sus costumbres excéntricas y sus ocasionales arrebatos de agresividad, lo consideraba una amenaza no solo para el bienestar de su madre, sino también para el nombre de la familia en el pueblo. Esa confrontación hizo que el artista abandonara su casa y no volviera a ver nunca más a su madre ni a sus hermanas.

“No está bien visto que, con 30 años, se mudara de nuevo con sus padres. Estaba en constante conflicto con su padre. Cuando este muere, la familia concuerda en que el comportamiento de Vincent influyó en la salud de su padre”, cuenta a este medio el investigador. Anna fundamentaba su furia en la negativa del autor de La noche estrellada de asistir a la iglesia en la Navidad anterior, socavando así la autoridad de Theodorus como pastor de la Iglesia Reformada Neerlandesa. “Por su parte, Vincent sentía que su padre no se tomaba en serio sus ambiciones. Primero, la de convertirse en pastor o misionero, y después, la de ser artista de renombre”, se lee en Las hermanas Van Gogh.

Lo cierto es que el artista había desaprovechado varias oportunidades de trabajo. Primero, a los 16 años como empleado en la galería de arte Goupil & Co. en La Haya; después en la misma empresa, pero en la sede de Londres. Luego se mudó a Ámsterdam para formarse como reverendo, pero no pasó el examen, y finalmente, tuvo un puesto no remunerado como ayudante de profesor en una escuela masculina. Sus padres se preocupan por su salud física y mental. Después de la muerte del padre, la madre Anna se tuvo que mudar a la ciudad de Breda porque ya no podía estar en la casa parroquial.

Sería el menor de los males porque la familia enfrentaría, en primera instancia, la muerte de Vincent en 1890, cuando tenía 37 años; al año siguiente, la de Theo por sífilis, cuando tenía 31; en 1900, el fallecimiento del último de los hermanos, Cor, cuando tenía 32 años, en la segunda guerra Bóer; y la hermana menor, Willemien, fue internada en un sanatorio dos años después, donde se quedaría por casi 39 años, hasta su muerte en 1941.

Lies, escritora y contestaría

Los únicos Van Gogh que cumplieron con los estándares de la época — con hijos y familia — fueron Anna (1855-1930) y Elizabeth o Lies (1859-1936). Esta última era ambiciosa, quería ser escritora y publicó hasta doce libros, a pesar de que no obtuvo muchos beneficios económicos o reconocimiento por ellos. Al igual que sus otras hermanas, estaba condenada a los oficios relegados a la mujer de clase media de la época: la educación, los cuidados o la enfermería. La Van Gogh del medio revela en sus cartas una molestia con la limitación de las opciones de empleo para las chicas y su aversión hacia las tareas domésticas. En una misiva a su hermano Theo le escribía: “¿Quieres saber lo que me parece más indignante con nosotras las mujeres? Que solamente podamos ser maestras e institutrices”.

La hermana menor, Willemien, o Wil, como era su apodo en la familia, también renegaba de los espacios vetados a su género, pero su compromiso fue mayor y se involucró activamente en la primera ola de feminismo neerlandés a finales del siglo XIX. Era la que mejor se llevaba con Vincent y con quien intercambiaba más cartas sobre su salud mental y libertad. Se enfocó en conseguir la emancipación legal, el voto femenino y el acceso a la educación universitaria. Participó en la transformación de una sociedad más igualitaria a través del Museo-Biblioteca para Señoras en La Haya o la Exposición Nacional de Trabajo Femenino en 1898, que ponía de relieve el papel y las contribuciones de las mujeres en diversas áreas laborales y culturales.

“Con el dinero que se recaudó en la muestra, la primera organización feminista de los Países Bajos consiguió financiación y una oficina. Así que Willemien estuvo en un punto crucial del movimiento y, si hubiera permanecido sana, por decirlo de alguna manera, habría tenido un gran futuro por delante, pero fue golpeada con problemas mentales”, dice Verlinden. Para trazar el perfil de la menor de los Van Gogh le ayudaron las 48 cartas que intercambió con su amiga y compañera de lucha Margaretha Miejboon. La apertura de sus sentimientos entre ambas era tanta que el historiador cree que Will descubrió que era lesbiana. “Margaretha es también la hija de un pastor, tienen el mismo origen y un hermano que también tiene problemas mentales. Hay una conexión muy fuerte, y quizás hoy se diría que era su novia”.

Tres activistas de la organización ecologista británica Just Stop Oil han vuelto a tirar sopa este viernes sobre dos pinturas del holandés Vincent Van Gogh en la National Gallery de Londres, poco después de que dos activistas fueran condenadas a cárcel por vandalizar 'Los Girasoles' de la misma forma en octubre de 2022.

Lo ha confirmado la propia organización medioambiental en su cuenta de X (antes Twitter), junto a un vídeo en el que aparecían tres activistas en la exposición dedicada a Van Gogh en el museo londinense, lanzando sopa de tomate a dos de las pinturas y dirigiéndose a la multitud a gritos.

“Hay gente en prisión por pedir el fin de nuevos (proyectos de) gas y petróleo”, han gritado los activistas, en referencia a sus compañeras Phoebe Plummer, de 23 años, y Anna Holland, de 22, sentenciadas este viernes en el tribunal londinense de Southwark.

Las dos ecoactivistas recibieron penas de dos años y veinte meses de cárcel, respectivamente, por causar daños al marco dorado del cuadro de 'Los Girasoles', por valor de 10.000 libras (casi 12.000 euros).

Los tres han sido detenidos

Por su parte, la National Gallery ha informado en un comunicado de que los tres activistas fueron detenidos y que las pinturas vandalizadas, otras dos de la serie de 'Los Girasoles', de 1888 y 1889 respectivamente, permanecen sin daños.

“Las obras han sido retiradas de la exposición y examinadas por un restaurador y están intactas. Esperamos poder reabrir la muestra lo antes posible”, ha escrito el museo londinense.

En octubre de 2022, Plummer y Holland, que llevaban camisetas de Just Stop Oil, arrojaron el contenido de dos latas de sopa de tomate Heinz sobre la obra de 1888, antes de arrodillarse frente a ella y pegar sus manos a la pared.

Aunque el óleo no se manchó al estar protegido por un cristal, sí se estropeó el marco, que el museo había comprado en 1999 por 28.000 libras (33.500 euros).

Al pronunciar su sentencia, el juez Christopher Hehir afirmó que a las activistas “no pudo importarles menos si el cuadro se dañaba o no” y lamentó que hubiera podido perderse un “tesoro de la cultura”.

Vincent Van Gogh pasó poco más de dos años en la Provenza francesa, donde pintó la mayoría de sus cuadros más reconocidos, como Los Girasoles, La Casa Amarilla, La Terrasse du Cafe le Soir, El Dormitorio o su famosa Noche Estrellada. Este recorrido por el sur de la Provenza sigue los pasos que llevaron al pintor impresionista a enamorarse de la luz y el costumbrismo de la Camarga, de los rincones de Arlés, de las caprichosas formaciones rocosas de las Alpillas y, eventualmente, de los jardines del sanatorio de Saint-Rémy, en el que se internó tras el trágico episodio de la oreja. Un viaje que combina algunos de los pueblos más bonitos de Francia con ciudades históricas, largos paseos por la naturaleza y una simple e indiscutible belleza que cautivará a quienquiera que lo emprenda.

La fortaleza medieval de Aigues-Mortes

La ciudad amurallada de Aigues-Mortes es considerada una de las puertas de la Camarga, el Parque Natural Regional que se extiende alrededor de la desembocadura del Ródano, formando el enorme delta que constituye la primera parada de este viaje.

Las enormes murallas medievales que rodean la ciudad vieja, formando un cuadrado perfecto, son en sí un motivo para hacer un alto en el camino y pasar la mañana paseando por sus calles, coquetas plazas y pequeñas galerías de arte. También puede recorrerse el perímetro de la ciudad desde lo alto de las murallas, pagando una entrada que cuesta ocho euros por persona que nos permitirá deleitarnos todavía más sobre las alturas de esta fortaleza levantada en un terreno totalmente llano.

La tarde puede dedicarse a visitar las salinas de Aigues-Mortes, que datan de la época romana y hoy son lugar de paso de multitud de aves migratorias como el flamenco rosado, símbolo de la Camarga. La visita al complejo de las salinas puede hacerse a pie, en bicicleta o, si se prefiere, en un trenecito turístico, aunque nuestra recomendación es regalarse un paseo durante las últimas horas del día, subir hasta una de las enormes montañas de sal y dejarse sorprender por los colores morados, rosados y amarillos de las aguas de las salinas, que a esa hora libran una lucha encarnizada con los colores del atardecer.

Naturaleza salvaje en la Camarga

Adentrarse en la Camarga más profunda es un deleite para los sentidos: una planicie surcada de pequeñas carreteras que discurren entre infinitos campos de arroz y cereal, lagunas enormes que hacen pensar en un mar en calma y una desembocadura salvaje en la que se agrupan miles de aves: flamencos, garzas y otras aves migratorias.

El avistamiento de estas aves es uno de los mayores atractivos de la zona y puede hacerse, por ejemplo, en el Parque Ornitológico Pont de Gau o, simplemente, paseando por las orillas de sus lagunas y pantanos, ya sea a pie o en bicicleta.

Las otras dos especies representativas (y autóctonas) que decoran el paisaje camargués son el Camargue, una raza de caballo blanco que se cría en semilibertad en la zona desde la época romana y el toro de Camarga. Muchos de los ejemplares de ambas especies se destinan a la corrida camarguesa, una práctica deportiva sin muerte que se practica en la zona desde el s.XVI. Ver las manadas de unos y otros pastando plácidamente entre los prados o cabalgando sobre las aguas es uno de los mejores recuerdos que nos llevaremos de este lugar, en el que Van Gogh retrató varias escenas de campo como El Campesino de la Camarga o los Barcos en la Playa de Saintes Maries.

Antes de abandonar las marismas de la Camarga, a las que recomendamos dedicar al menos dos días, nadie debería pasar por alto la playa de l´Espiguette, cuyos más de 10 kilómetros de largo y 700 metros de ancho son espacio protegido desde 1988. Sus dunas de finísima arena blanca, la atípica fiereza con la que el Mediterráneo rompe contra sus orillas y el que, seguramente, será el atardecer más bonito de este viaje, son tres de los elementos que, acompañados del murmullo incesante de flamencos, grullas y garzas, hacen de esta visita un lugar imprescindible en la Camarga.

Arlés, Patrimonio de la Humanidad

Es prácticamente imposible pasear por la coqueta y monumental Arlés y no caer rendido a sus pies, tal como le ocurriera a Van Gogh durante su estancia en la ciudad entre 1888 y 1889.

Si vamos en busca de aquellos rincones que enamoraron al pintor, es posible que nuestros pasos se dirijan, inevitablemente, al Café Van Gogh que, a pesar de estar permanentemente abarrotado de turistas con las mismas intenciones relativas al mito, presenta prácticamente el mismo aspecto que en el cuadro Terrasse du Cafe le Soir, uno de los más famosos de Van Gogh.

Después de tomar la foto obligatoria y olvidarse de reprimir la media sonrisa que, con seguridad, se dibujará en nuestra cara al mirar de frente a esta inspiración urbana de uno de los cuadros más famosos del mundo, es el momento de visitar la Fundación Vincent Van Gogh en la que, aunque solo se expone un cuadro original del artista (La Polilla Gigante), se puede disfrutar de interesantes exposiciones de arte moderno y del vínculo de este con la semilla plantada por el pintor.

Pero mucho antes de que las pinturas de Van Gogh le otorgaran la fama que tiene hoy en día, Arlés fue una importante ciudad romana, época de la que conserva un legado impresionante, hoy declarado Patrimonio de la Humanidad. Imprescindibles son las visitas a Les Arènes, un anfiteatro romano en un estado de conservación excelente, el Teatro Antiguo, las Termas de Constantino y los Alyscamps, una antigua necrópolis romana que tanto Van Gogh como su colega Paul Gauguin retrataron en más de una ocasión.

Y aún con todo o pese a todo, lo mejor de Arlés es que pasear tranquilamente por sus pintorescas calles sigue siendo garantía de sorpresa, permitiendo descubrir pequeños y grandes tesoros de la época romana y de la revolución impresionista en cada esquina. Uno de los que más llama la atención es el de la Antigua Catedral y Claustro de Saint-Trophime, uno de los más bellos vestigios del arte románico provenzal.

La magia de las Alpillas

Las Alpillas (les Alpilles, en Francés) es un alto en el camino entre dos ciudades históricas que nos servirá, sobre todo, para dejarnos sorprender por las caprichosas formas de sus elevaciones rocosas y por las preciosas vistas de los primeros campos de lavanda, desde lo alto del castillo de Les Baux-de-Provence.

Este pueblo medieval, coronado por los restos de una fortaleza entre cuyas ruinas ver la puesta de sol resulta una experiencia casi mística, está catalogado como uno de los más bonitos de Francia y, por ello, la afluencia de visitantes es notable.

No obstante, si se eligen las primeras o últimas horas del día, esta inmersión en el medievo merece mucho la pena al estar situado a apenas cuatro kilómetros de Saint-Rémy.

La esencia de la Provenza en Saint-Rémy de Provence

Perderse entre el entramado de callejuelas formadas por casas de colores pastel, disfrutar de un almuerzo en alguna de las terrazas que abarrotan las plazas de suelo empedrado, reservar el miércoles para recorrer con calma su divertido mercado, en el que se pueden encontrar desde productos frescos hasta ropa de segunda mano o artesanías de artistas locales son tres buenas ideas para tomarle el pulso a Saint-Rémy.

Pero si hay una visita imprescindible en esta ciudad que destila espíritu provenzal por sus adoquines es la de Saint-Paul-de-Mausole, el antiguo hospital para enfermos mentales en el que Van Gogh se autointernó entre mayo de 1889 y mayo de 1890, tras cortarse la oreja en un episodio de locura, resultado de una trifulca con su amigo Gauguin. Allí, entre sus muros y jardines —era el único paciente al que se le permitía salir del edificio— vivió su época artística más prolífica, de la que datan, entre otros, Los Lirios o Noche Estrellada.

Hoy en día, parte de este antiguo monasterio sigue estando destinado al tratamiento de personas con enfermedades mentales que siguen encontrando en el arte una forma de expresión. Muchas de sus obras pueden adquirirse en la tienda del Monasterio, del que se pueden visitar sus bonitos jardines, plagados de reproducciones de obras del artista holandés, que pintó los originales sobre el punto preciso en el que se ubican.

En el interior, un bonito claustro del s.XI es la antesala a una retrospectiva sobre la vida de Van Gogh en Saint-Rémy, que culmina con la visita a la habitación (reconstruida) más famosa del impresionismo.

Una visita realmente conmovedora para cualquier amante del arte que marca el punto y final de este viaje tras los pasos de Van Gogh en el sur de Francia. 

El detective de arte Arthur Brand ha recuperado un cuadro del artista Vincent van Gogh de 1884, que fue robado hace tres años y medio de un museo de Países Bajos, según confirma también la propia pinacoteca, que señala que la pintura “ha sufrido daños, pero, a primera vista, todavía está en buenas condiciones”. El lienzo es Jardín de Primavera (en neerlandés, Lentetuin, de pastorietuin te Nuenen in het voorjaaque) representa el jardín de la casa parroquial de Nuenen, pintado por el maestro neerlandés en 1884 y que en el momento del robo era un préstamo del Museo Groninger al Museo Singer, en Laren, para una exposición temporal dedicada a conservar la colección de la pareja estadounidense William y Anna Singer.

El Van Gogh fue sustraído la madrugada del 30 de marzo de 2020, cuando el museo estaba cerrado de forma temporal por las restricciones contra el coronavirus, y la autoridades, junto a un equipo de forenses, detectives y expertos en arte robado, iniciaron una investigación criminal para tratar de localizar a los ladrones y recuperar la pintura.

Según Brand, el lienzo terminó en manos de una organización criminal que quería usarlo como medio de negociación para reducir penas de prisión en caso de condena y el propio detective negoció con la organización, pero no pudo recuperar el cuadro de Van Gogh.

Sin embargo, durante el pasado fin de semana, un hombre se citó con Brand en plena noche en Ámsterdam y le devolvió el cuadro, una operación que se realizó en total discreción y la identidad de la persona que entregó la pintura se mantiene en secreto, “en buena consulta con la policía” neerlandesa.

La pintura ha sufrido daños

El cuadro está ahora en manos del Museo Groninger, cuyos empleados subrayan estar “muy contentos y aliviados de que la obra esté de vuelta”, dice Andreas Blühm, director de la pinacoteca, quien subraya que Brand, conocido como el 'Indiana Jones del arte' por la cantidad de arte robado que ha recuperado, ha “jugado un papel clave en este caso y el museo lo valora mucho”.

“La pintura ha sufrido daños, pero, a primera vista, todavía está en buenas condiciones. Será investigada científicamente en los próximos meses”, añade el museo, que subraya que “no sabe exactamente cuándo volverá a exhibirse” este cuadro y admite que “podría pasar semanas o meses” hasta que el público pueda volver a admirar esta pintura de Van Gogh.

En 1883 y 1884, Van Gogh estaba viviendo con sus padres en Nuenen, donde su progenitor era pastor de la parroquia local, y por eso el artista neerlandés pintó el jardín de la vicaría, un lugar que le ofreció la paz y la inspiración que necesitaba, según relató en sus misivas.

El 26 de agosto de 2020, casi cinco meses después del hurto de este Van Gogh, un ladrón forzó la puerta trasera del museo Hofje de Mevrouw van Aerden (la placita de doña Van Aerden, en neerlandés) y robó el lienzo Dos niños que sonríen, del pintor neerlandés Frans Hals, una pintura valorada en más de 15 millones de euros (casi 18 millones de dólares).

En septiembre de 2021, la Justicia neerlandesa condenó a ocho años de prisión a un hombre de 59 años, un criminal nacido en Francia, por el robo de ambas pinturas. Este es el tercer robo que sufre el mismo cuadro de Frans Hals, un óleo de 68 por 56 centímetros, desde que fue pintado en 1626: ya desapareció en 1988 y en 2011, aunque fue localizado en ambas ocasiones.

Dos activistas entraron el viernes a la National Gallery de Londres armadas con una lata de tomate y estamparon el caldo sobre el cristal que protegía a uno de los ramos de girasoles que pintó Vincent Van Gogh. La opinión pública se abalanzó contra las mujeres, que habían calculado el impacto para lanzar un mensaje claro contra la falta de compromiso político ante el apocalipsis climático. Fueron acusadas de terroristas iconoclastas y catalogadas en la misma liga que los bárbaros talibanes, cuando destruyeron en 2001 los majestuosos Budas de Bamiyán, en Afganistán. Tardaron varios días de bombardeos hasta que acabaron con los budas. La destrucción era el mensaje. Los talibanes pretendían un mundo similar al orden más remoto y lo conquistarían avanzando sin condiciones al pasado. Decapitaron periodistas y atacaron el patrimonio, destruyeron para amenazar y para compensar la carencia de un poder legitimador. Trataron de alcanzarlo a través del arte. La ciudadanía activista que ha accedido a los museos a reivindicarse desde mediados de mayo, tras el tortazo al cristal de La Gioconda, en el Louvre, también. Mientras unos utilizaron el arte para amenazar, los otros lo hacen para acabar con la amenaza climática.

“¿Estáis más preocupado por la protección de una pintura o por la protección de nuestro planeta y la gente?”, preguntó una de ellas. Just Stop Oil está ganando visibilidad pública por rociar un letrero de Scotland Yard con pintura amarilla y bloquear carreteras. Su objetivo es “garantizar que el Gobierno se comprometa a poner fin a todas las nuevas licencias y consentimientos para la exploración, desarrollo y producción de combustibles fósiles en el Reino Unido”. Aseguran practicar la resistencia civil no violenta para que el Gobierno tome medidas. La mayor parte de la financiación que recibe el movimiento para sus operaciones proviene del Fondo de Emergencia Climática, con sede en Los Ángeles, que pudo arrancar sus acciones gracias a una contribución fundacional de medio millón de dólares realizada por Aileen Getty, heredera de Getty Oil. Además, aceptan donaciones en criptomoneda, a pesar del impacto devastador que tiene en el medio ambiente. El guionista, director, cómico y actor estadounidense Adam McKay, ingresó el mes pasado cuatro millones de dólares y se unió a la junta directiva.

Un foco de atención

Esta acción cívica, en la que el patrimonio de la National Gallery no ha resultado dañado, es un síntoma del nuevo lugar que la ciudadanía está reclamando a los museos. Ha trasladado sus protestas y pancartas a las salas de las instituciones. El entorno habitual de las manifestaciones es compartido con las obras de arte. Porque los museos y los fetiches icónicos que conservan y exhiben son la mejor plataforma de atención sobre las denuncias. Hasta el momento no hay que lamentar daños, pero tanto en El Prado como en el Reina Sofía indican a este periódico que han convocado a sus equipos de seguridad para atender un posible efecto llamada en España. “Tenemos planes de seguridad encaminados a evitar cualquier acto de vandalismo o acción en contra del buen estado de las obras de arte. Dicho esto también sabemos que el 'riesgo cero' no existe”, explican desde el Museo Reina Sofía. “El 'riesgo cero' no existe, pero el hecho de que tengan cristal quizás los atraiga”, añaden desde el Museo del Prado. El cristal protege y atrae.

Como apuntan desde los museos, el debate no está en la seguridad. Está en la misión. ¿Para qué queremos los museos? ¿Para conservar y exhibir obras de arte convertidas en fetiches? ¿Es el visitante un cliente silencioso que paga, entra, mira y se marcha? La editorial Arcadia acaba de publicar La lógica de la colección y otros ensayos, de Boris Groys. El filósofo alemán apunta en el primero de ellos que lo “más interesante, especialmente hoy en día, es preguntar qué es el museo, y beneficiarse así de su nuevo carácter problemático”. Un museo, en su concepción tradicional y en profunda crisis, es una máquina de coleccionar. De hecho, según Groys, un museo es una insaciable máquina de coleccionar y la realidad es la suma de todo lo que aún no ha sido coleccionado, expuesto, iluminado o tomado por arte.

Si las protagonistas del tomatazo en la National Gallery hubieran descrito públicamente su acción como una performance, ¿qué habría pasado? “Pues que pronto acabaría documentada y preservada en un museo (en otro, claro, no en el de la fechoría o la performance). Esto, que es más inteligente en términos artísticos, es menos eficaz en términos políticos, porque el museo es como un artificiero: desactiva políticamente la obra en la misma medida que la estetiza. Esta es la paradoja: no la del arte como instrumento político, sino la de su musealización”, sostiene Manuel Fontán del Junco, director de museos y exposiciones de la Fundación Juan March y traductor al castellano del libro de Groys.

Un recurso publicitario

Asegura Fontán que los ciudadanos han encontrado lugares apropiados para lanzar sus reivindicaciones porque los museos son hoy “una especie de versión ilustrada del viejo templo”. “Pero me temo que para una vindicación eficaz, la acción tendría que ser de verdad. Un profanación de mentira (una acción contra algo protegido con un cristal) no es una profanación, sino un recurso publicitario. Y sinceramente, preferiría que se hiciera en otro lugar”, sostiene Fontán. Entonces, ¿el museo apenas es un almacén del gusto de cada época? “Yo espero más, desde luego”, responde.

“Creo que muchos museos apenas saben ser más que instrumentos atropellados para la transformación política inmediata y casi directa del presente. Esto me parece muy patético y ridículo en muchos casos, al menos tanto como resistirse completamente a serlo y refugiarse en el formalismo y la presunta neutralidad absoluta, que es irreal”, explica Fontán. Cree en la capacidad del museo para evolucionar y transformarse, pero esa cura debe abordarla el propio museo no gente de afuera. “No es fácil”, remata. Hay pocas recetas.

Filósofos como Paul B Preciado defienden una construcción de las narrativas museísticas más radical. Desde afuera hacia adentro. Quiere museos en el conflicto y en el debate, lugares en los que los públicos imaginen y den forma a estos centros, que intervengan como agentes activos, no como invitados o clientes. Cree que el museo está en crisis porque hasta el momento ha representado el orden de la mirada y la enunciación del sujeto hegemónico, es decir, de un sujeto patriarcal, colonial y heterocentrado. Este modelo excluyente está amenazado por las miradas y voces subalternas, como acabamos de ver en la National Gallery. Por eso Preciado cree que el museo debe abrirse políticamente, “necesita ser despatriarcalizado y descolonizado”.

En esta línea coincide con el historiador Álvaro Perdices, responsable, junto con Carlos G Navarro, de un pequeño paso para el Prado pero inmenso para la humanidad: en 2017 sacaron de los almacenes el cuadro de Rosa Bonheur, El Cid. En breve, este cuadro repudiado por Javier Barón, responsable de pintura del siglo XIX del Prado, será protagonista de la gran retrospectiva organizada por el Museo d'Orsay, en París. “Después de la exposición La mirada del otro lo volvieron a mandar a los almacenes porque no querían ponerlo ni en las salas del XIX. Ese cuadro, un símbolo de poder pintado por una artista lesbiana, permite al museo hablar de otras jerarquías, otras historias que desmontan parte de la historia privilegiada”, indica el comisario para hablar del siglo XIX en un museo del XXI.

Más públicos en los museos

Perdices piensa que hasta el momento los museos españoles han apostado por el turismo, pero ahora necesitan convertirse en importantes para la población española. Su subsistencia depende de ello. No cree que baste con que el museo se convierta en una plaza, también debe salir a las plazas, “como las Misiones pedagógicas”. Recuerda que El Prado lo hizo durante el bicentenario, pero luego nada más. Y entrar en las aulas.

Además, encuentra una contradicción en la definición de los museos públicos y nacionales en España: no se tiene en cuenta a los españoles. No están representados ni atendidos. “Deben desmuseizarse para que se conviertan en lugares activos, no cementerios. Acciones como la de la National Gallery han ocurrido siempre. No se trata de defender un acto de violencia contra el arte, pero sí reconocer el espacio del museo como lugar donde el público puede tener y tomar la voz”, apunta Perdices.

Judit Carrera es la directora del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y cree que “los museos no son espacios neutrales, sino el reflejo de un contexto político y cultural determinado, de una tradición que puede ser revisada y cuestionada”. Así que para convertirse en espacios relevantes en nuestra sociedad cree que deben ser “un espacio de negociación de sentido, un espacio plural que recoja las contradicciones del presente y del pasado, amplíe los límites de lo posible y fomente la imaginación, que es el verdadero motor de la democracia”.

Las acciones de los activistas reconocen el capital simbólico del arte y la cultura, pero según llama la atención Judit Carrera, “simplifican y reducen el potencial emancipador del museo”. “El museo debe y puede aspirar a una transformación más profunda, que vaya más allá del espectáculo de las redes sociales y confíe en la capacidad democratizadora del arte”, añade. También avisa de que los museos y centros culturales ya no pueden limitarse a ser templos para la contemplación, “sino que deben aspirar a ser ágoras, puentes fértiles entre tradición y contemporaneidad, lugares de ensayo en el doble sentido de experimentación y debate crítico sobre los grandes temas del presente”.

Más valientes y desafiantes

La asociación Museums Association del Reino Unido publicó en 2020 un manifiesto en el que reclamaron museos “valientes y desafiantes”. Como Perdices y Preciado, pidieron a las instituciones que fueran más “activistas” al contar sus colecciones y que no silenciaran perspectivas contra el racismo, el machismo y el cambio climático. Hablaban de una “innovación social radical”, porque “los museos no son neutrales”.

También mantienen la campaña Los museos cambian vidas, y con ella invitan a la reflexión, el debate y el compromiso de los asuntos que cuestionan nuestros días. Quieren que las comunidades hablen y que sean escuchadas. Esta campaña defiende el museo como un lugar esencial en la sociedad, porque aumentan la sensación de bienestar si se abren a la inspiración, el desafío y la estimulación de sus públicos. “Existen claras evidencias de que los museos pueden mejorar la salud y el bienestar de las personas si se las da voz en lo que sucede en las salas”, indica Sharon Heal, directora de Museums Association.

Esta asociación también creó el primer código ético para las instituciones británicas, en el que apoyan “la libertad de expresión y el debate”. Y reclama “asegurar que cualquiera tiene la oportunidad de una participación significativa en el trabajo del museo”. Esta asociación es muy activa en sus investigaciones y en el informe Museos en la era del aprendizaje subraya la necesidad de construir un museo más activo con sus públicos. Una vez las colecciones están cuidadas, así como la experiencia en investigación y exhibición, el siguiente paso es proporcionar recursos al área que hará del museo un lugar para el aprendizaje: el educativo. “La educación es el siguiente paso lógico. Los museos son un vasto recurso de aprendizaje público que espera desarrollo. Son un recurso que ya no podemos permitirnos descuidar”, indica el estudio. En España, los principales museos tienen externalizados estos servicios, aunque este departamento abre la puerta a un mayor número de usuarios locales, no solo turistas. Como advierte Julia Pagel, secretaria General de Network of European Museum Organisations (NEMO), “profundizar en la relación con la comunidad significa aumentar la sostenibilidad del museo del futuro”.

“Si te cuesta encontrar la paz, píntala”. Quizá fue lo que se dijo Vincent van Gogh cuando se decidió a componer cualquiera de las tres copias que existen de Dormitorio en Arlés (el primero, expuesto en el Museo van Gogh de Ámsterdam; el segundo, en el Art Institute de Chicago y el tercero, en el Museo de Orsay de París). Las pintó todas en el espacio de un año natural, entre 1888 y 1889, y en ellas se centró en reflejar su habitación y en transmitir, mediante colores cálidos, la sensación de descanso y sosiego. Lo explica la historiadora del arte Sara Rubayo, que matiza: “No es que lo diga yo, se lo contó él a su hermano Theo en una de las muchísimas cartas que le mandaba”. Le decía que había vuelto a materializar nuevas ideas y que estaba con ganas de coger el pincel y ponerse manos a la obra. “Hay que tener en cuenta”, apunta Rubayo, “que, a pesar de los problemas mentales que se sabe que pudo padecer, Vincent van Gogh no producía en las épocas en que sus afectaciones se expresaban con más contundencia”. Al contrario, “se ha convenido que sus obras están ejecutadas bajo un completo control”. 

Aunque ese control, como es sabido por todos, desaparecía a menudo. Durante su vida, el pintor neerlandés fue diagnosticado de epilepsia, esquizofrenia, neurosífilis, psicopatía o trastorno bipolar —los diagnósticos se fueron afinando a medida que avanzaban la medicina y la psicología clínica—, pero, cuando pintaba, a la luz de los estudios sobre su vida y obra, estaba lúcido. “Se sabe que estaba feliz y tranquilo durante la época en que pintó Dormitorio en Arlés”, añade la historiadora del arte. En Arlés, al sur de Francia, Van Gogh encontró la luz que tanto ansiaba: no era hombre de lugares sombríos. “De hecho”, señala, “estuvo saltando de ciudad en ciudad —Bruselas, Londres, París— hasta caer en las soleadas y placenteras costas de la Provenza francesa. Allí mantendría reuniones con su amigo Paul Gauguin e incluso planearía la creación de una comunidad para artistas.

“El cuadro muestra un hogar humilde, sin espacio para muchas cosas”, observa Rubayo. Dos modestas sillas de madera, una pequeña mesita de noche, una toalla en un perchero en madera de pino —en el que cuelga el sombrero amarillo con el que aparece en algunos autorretratos—, unos cuadros colgando en las paredes, un espejo y una cama estrecha con dos almohadas. Con los colores cálidos, claros y frescos persigue, de nuevo, esa sensación de tranquilidad, paz y calma. Sin embargo, la perspectiva que elige el pintor para presentar la habitación no va en la misma dirección. “Nos puede llegar a transmitir inestabilidad, o un cierto nerviosismo”. El pintor, además, abandona las sombras creando superficies planas de clara inspiración oriental. “Encontramos, entonces, la unión de sus dos fuentes de inspiración: la tradición europea y las simplificaciones japonesas”, expone Rubayo. Para delimitar los objetos emplea líneas gruesas oscuras con las que consigue crear un mayor efecto volumétrico en los elementos presentes en la escena. De la pared cuelgan dos cuadros. Por un lado, un autorretrato suyo y, por el otro, un retrato de otra persona: “Van Gogh se autorretrataba con frecuencia porque no tenía dinero para pagar a modelos”.

Solo vendió unos pocos cuadros… y este no fue uno de ellos

Retrato del Dr. Gachet (1890), otra pintura del artista, es una de las más caras de la historia. Se vendió en subasta por 82,5 millones de dólares en 1990. Sin embargo, durante su vida, Van Gogh solo pudo vender algunos de sus cuadros, muy pocos. De hecho, aunque es cierto que Vincent nunca tuvo que vivir en la indigencia, como sí les ha pasado, a lo largo de la historia, a muchos otros genios, también lo es que no gozó nunca de una salud económica boyante. Fue su hermano Theo, con el que se carteó durante muchos años, quien lo mantuvo a flote en varias etapas de su vida. Gracias a él pudo dedicarse a pintar, pero no siempre lo que quiso: además de los autorretratos, en su obra abundan los paisajes. En ambos casos, tal y como explica Sara Rubayo más arriba en el texto, podía prescindir de modelos y, por tanto, no invertir mucho dinero en sus obras, aunque estudios recientes han demostrado que las pinturas que utilizaba eran de calidad. “De todos modos”, resuelve, “es verdad que la vida no trató demasiado bien a Van Gogh”. 

En cualquier caso, “la calidad de su obra fue reconocida tras su muerte”. La influencia del pintor de Flandes en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y fauvistas como Matisse, Derain, Vlaminck y Kess van Dongen, fue enorme. El tiro que lo mató es, todavía a día de hoy, un misterio. Pudo ser un suicidio o un accidente, y eso es algo que contribuye a agrandar el mito, como también lo agranda que, igual que Dalí, heredara el nombre de su hermano difunto, o que cortara su propia oreja con una navaja. No obstante, la grandeza de un artista de la talla de Vincent van Gogh es que, a pesar de todas las historias que rodean su nombre, el mito no supera a la obra que dejó tras de sí.

No podían decepcionar. La banda de San Sebastián desde el primer acorde se hizo este sábado en Tazacorte con un público entregado a uno de los mejores directos del pop español, se señala en una nota de prensa de la organización del festival. Y es que La Oreja de Van Gogh demostró por qué es uno de los mejores grupos del panorama musical latino, en una actuación en la que con un espectacular sonido, hicieron repaso por sus grandes éxitos que fueron coreados uno a uno por todos sus fans.

Actuación que tuvo su momento álgido cuando la vocalista, Leire Martínez, resaltó los valores del Love Music Festival: “Queremos reivindicar las igualdades, todas ellas, ya que no podemos dejar unas u otras de lado”. En eso momento sonaron los acordes del éxito No vales más que yo. “Por eso también decimos, no a la violencia machista -aireó Leire-, que por el hecho de ser mujer que nadie te pueda tratar con violencia, porque nadie es más que nadie”, dijo la cantante vasca, arrancando los aplausos unánimes del público.

También tuvieron agradecimientos para la organización del Love Music Festival y en especial para el personal del Gran Telescopio Canarias, al que el grupo vasco pudo acceder en la tarde del pasado jueves, y resaltando ante los miles de espectadores que en ese momento estaban en el recinto de espectáculos del Puerto de Tazacorte, lo maravilloso que es el cielo nocturno de La Palma y agradeciendo el poder haber estado “tan cerca de las estrellas”.

Xabi, Pablo, Leire, Álvaro y Haritz, se entregaron sobre el escenario, dejando la impronta de uno de los mejores directos de los últimos años en la isla de La Palma, tal y como sucediera hace trece años cuando actuaran en la capital palmera, y es que como dijeron los componentes de La Oreja “ya tenemos un idilio con la Isla Bonita. Queremos volver”.

Y no es de extrañar, el amor por sus letras y sus melodías se sentían en todo el recinto. 30 de enero, Muñeca de Trapo, El último Vals..., y otros muchos éxitos más, eran coreados por el público que ya en este momento de la noche, estaba haciendo grande el Love Music Festival. Leire Martínez puso la guinda a una brillante actuación, cuando acompañada al piano interpretó 11 de marzo, tema creado a raíz del atentado del 11-M en Madrid, y con el que no pudo reprimir su emoción. A su finalización dijo sentirse muy emocionada “por la belleza tan grande que tiene esta isla”.

¿Hace cuánto tiempo no bailas? ¿y que no pintas? Es muy posible, que aquella pintura de dedos en nuestra etapa escolar infantil haya quedado casi perdida en la memoria. ¿Por qué no salir a pintar al igual que uno sale a realizar cualquier otra actividad? Solamente necesitarás acudir con una sonrisa y ganas de sacar lo mejor que hay en ti.

Salir con Arte, tras realizar una primera intervención toledana exclusiva en septiembre de 2015 con motivo de la XXVII Semana de la Juventud, abre horizonte en Toledo para todas aquellas personas mayores de 18 años que quieran despertar el artista que llevan dentro. Tras comenzar su trayectoria hace más de año y medio en Valencia y Madrid, actualmente Salir con Arte se encuentra en 19 provincias de España, realizando eventos semanalmente en cada una de ellas.

El evento tendrá lugar el día 15 de noviembre a las 19:00 horas en el Círculo de Arte, Plaza de San Vicente 2. Las entradas se encuentran ya la venta aquí, pudiendo tener un descuento insertando el código SOYAMIGODESALIRCONARTE, si siguen la fanpage oficial de Facebook Salir con Arte.

Se ha elegido para la ocasión una versión realizada de La noche estrellada del pintor neerlandés postimpresionista Vincent van Gogh. La actividad tendrá una duración de dos horas y se facilitarán todos los materiales necesarios para pintar la obra en dicho periodo de tiempo, con treinta entradas disponibles en dicha convocatoria.

No es necesario haber pintado antes o saber cómo se utiliza un pincel, es una experiencia original para acercarse a la pintura, expresarse con otro lenguaje artístico y poder pasarlo bonito. Cultura de bar al alcance de todos. Para finalizar el encuentro, se realizará una sesión de fotos a modo photocall para que cada participante inmortalice el momento y forme parte de la gran familia que sale con arte, teniendo un original recuerdo con su lienzo pintado.

¿Quieres sacar el artista que llevas dentro? Salir con Arte te espera con los pinceles preparados...

Los museos quieren adaptarse a los tiempos y a las necesidades del público. Lo necesitan para su supervivencia y para la transmisión del legado cultural del que son celadores. “Los museos no son ajenos a las nuevas tecnologías y a ofrecer información más completa y accesible, y seguirán adaptándose a nuevos formatos y buscando ampliar los sectores de público”, afirma para eldiario.es Rafael García Serrano, conservador y exdirector del Museo del Traje de Madrid y del Museo de Santa Cruz, en Toledo. En aras de custodiar nuestra memoria artística, reto y objetivo de toda galería contemporánea, los museos se transforman en platós de películas.

El último documental que ha tenido un museo como protagonista ha sido Das große Museum (El gran museo, 2014), de inminente estreno en carteleras españolas. Es una invitación a ser espectador privilegiado de las obras de rehabilitación del Kunsthistorisches, la galería clásica por excelencia de Viena. Johannes Holzhauser, director salzburgués, rodó entre 2012 y 2013 las obras de acondicionamiento del museo, que no sólo modernizaron las salas sino también replantearon el emplazamiento de las distintas obras en catálogo.

El Kunsthistorisches es uno de los principales y más antiguos museos del mundo; de su opulencia y vistosidad da cuenta Holzhauser en cada uno de sus luminosos planos, en los que, con el único acompañamiento del sonido ambiente, recoge las excentricidades de sus trabajadores (sus desplazamientos en patinete por estrechos pasillos), las reuniones con patronos, la restauración de piezas de diversa factura (desde vajillas hasta mobiliarios, pasando por cuadros y molduras) y las interminables conversaciones para dirimir los mínimos detalles de futuro.

Das große Museum no ha sido el único documental actual en tratar una premisa similar, la de “abrir al público” un museo, con todos sus entresijos: en 2014, Frederick Wiseman (Boston, 1930) estrenó con buenas críticas National Gallery (Galería Nacional). Wiseman es un célebre documentalista político (Titicut Follies, 1967, sobre el sistema penitenciario, o High School [Escuela secundaria, 1968], sobre la educación estadounidense) y artístico (The Dance [La danza, 2009], sobre el ballet de París) que muestra en este filme su talento para la planificación y puesta en escena.

Wiseman estuvo doce días en la National Gallery y extrajo material para sus definitivos 130 minutos de metraje, que se pasan volando. A pesar de optar por los mismos sonidos ambiente y por el protagonismo anónimo de empleados y visitantes, presentó cada escena con un nervio del que carece la obra de Holzhauser. Sus planos son más largos, más sostenidos, pero enseñan circunstancias mucho más interesantes. Avalado por el renombre del director, se estrenó en España inmediatamente: primero en seis salas, que se ampliaron a otras veinte más conforme fue creciendo la demanda. Recaudó 74.861 euros y atrajo a 11.505 espectadores.

A pesar de las diferencias profundas que los separan en sus presuntos parecidos, ambos trabajos están hermanados por el deseo de ofrecer una nueva manera de contemplar, de acercarse a las obras que enseñan. Ni Holzhauser ni Wiseman sentencian, sino que dejan que sea el espectador quien extraiga sus propias conclusiones de lo que ve. La voluntad de aportar un cambio de perspectiva, y de incrementar la participación del espectador/visitante, es una de las pretensiones contemporáneas de cualquier museo del mundo.

“Una manera que no era técnicamente posible antes”

Esta pretensión es el motor de los trabajos de Phil Grabsky, director especializado en documentales artísticos para el cine y la televisión. Grabsky lleva más de 20 años produciendo, escribiendo y dirigiendo; con su productora Seventh Art Productions ha puesto en marcha la iniciativa Exhibition On Screen, en la que aprovecha el tirón de exposiciones mediáticas para rodar largometrajes orientados a un público masivo. Todos ellos “abren las galerías” protagonistas al gran público.

“Enseñamos el arte -asegura el director inglés al ser contactado por eldiario.es- en un modo que no era técnicamente posible antes, y de una manera que cualquiera pueda comprender”. Los trabajos de Grabsky son divulgativos, más cinematográficos en su construcción y estructura de la aparente improvisación de Wiseman o Holzhauser.

Tres de sus Exhibition On Screen han podido verse puntualmente en salas de diversas ciudades españolas (de hasta 11 comunidades), entre mediados de septiembre y finales de octubre, a razón de un día por cada documental: Matisse (17 de septiembre), Van Gogh: Una nueva mirada (8 de octubre), y Los impresionistas (29 de octubre). Versión Digital, la empresa valenciana especializada en la difusión del arte por medios digitales y encargada de su distribución española, ha confirmado, sin poner una fecha, que llegarán también los documentales basados en La joven de la perla (2015), cuadro de Vermeer, y en la obra de Rembrandt (2014),que forman también parte de la serie.

Grabsky afirma ir “a los lugares secretos de los artistas”. Es norma común en sus películas internarse en los sitios que tuvieron trascendencia en el crecimiento artístico de sus pintores analizados, o en aquellas galerías que aportan una mirada más global y completa sobre sus obras. Así ha actuado en Matisse (2014), documental planificado hasta sus últimos detalles.

Pionero en la ampliación de horizontes espaciales, Henri Matisse (1869-1954) fue figura central del arte del siglo XX. Iniciador del fauvismo, intérprete de los más dinámicos movimientos artísticos siempre presentes con modernidad en sus obras variopintas, pintor, escultor, dibujante y excelente colorista, fue en vida tan conocido y reconocido como Pablo Picasso, para quien era un maestro a admirar y a copiar con reverencia. Su última etapa, ya enfermo y postrado en silla de ruedas, fue objeto de una exposición a dos bandas, entre la Tate Modern de Londres y el MoMA de Nueva York: las dos galerías exhibieron el conjunto de vistosos y grandes recortes hechos a base de cartulinas de colores con los que adornaría las paredes de su estudio, el limitado mundo de sus últimos años.

En Matisse, la cámara hace un uso excelente de la superficie; más que desplazarse por ella, parece flotar alrededor. Las transiciones son livianas, el paso por las distintas salas ofrece una panorámica amplia, como si el espectador fuese un visitante especial que recorre ámbitos abiertos sólo para su mirada. Hay una gran vistosidad del color; la experiencia, muy cercana a Wiseman, es muy superior a una visita guiada.

Van Gogh y la tercera persona

Algo menos efectista, aunque igualmente lúcido, es el documental Van Gogh: Una nueva mirada (David Bikerstaff, 2015, pero producido y guionizado por Grabsky). Como su título indica, es una novedosa perspectiva sobre el pintor holandés a partir del repaso de la colección del museo dedicado a su memoria en Ámsterdam.

Narrado en tercera persona por un actor que lee la correspondencia entre el artista y su hermano Theo, marchante de arte al que estaba muy unido, e intercalado por fragmentos en los que se interpreta a Vincent Van Gogh (1853-1890), el documental se centra más en la austeridad que en la violencia de su objeto de análisis.

Numerosos especialistas del Museo de Ámsterdam, y también de su casa-museo de Arlés, donde quiso construir una gran fraternidad pictórica en base a su exigente creencia de un Arte total, y en la que acabó mutilándose y suicidándose, desgranan las claves para entender a uno de los mayores genios incomprendidos de su época: en vida, Van Gogh sólo vendió unos pocos cuadros; sería la labor de su hermano la que revalorizaría sus pinturas. El espectador, cobijado desde los muros de la capital holandesa o en Arlés, pasea por superficies asépticas, que respiran una paz desmentida por la virulencia de los trazos del holandés. Las salas equilibran las obras. Las apaciguan.

Los impresionistas, en general

Paradójicamente, el documental más “colorista” a priori, por el tema tratado, es también el más gris: Los impresionistas (Phil Grabsky, 2015) se centra tanto en las figuras principales del movimiento que revolucionó la historia de la pintura como en la persona que los “creó”, el marchante Paul Duran-Ruel, al que los museos de Orsay (París), de Filadelfia y la National Gallery dedicaron exposiciones complementarias.

Monárquico desfasado, instintivo y perseverante, Durand-Ruel apostó por el grupo impresionista, aun a costa de su fortuna familiar, cuando la opinión pública europea les era adversa. Renovador de la mercantilización artística, al conseguir mejores ventajas para sus pintores, Durand-Ruel estableció los parámetros del arte moderno. A su muerte, en 1921, poseía una colección privada de más de 11.000 cuadros, en su mayoría firmados por Pisarro, Monet, Manet, Degas o Sisley.

Los impresionistas recorre las tres exposiciones y hace hincapié en la narrativa con la que cada galería ha dispuesto las obras. Es el documental que da mayor importancia al montaje expositivo, aquel en el que, a través de una triple comparación, mejor se entiende el lenguaje que “hablan” las distintas pinacotecas. Las instalaciones no interfieren en la observación cotidiana de los pintores, en su vitalismo, en la luz que emana de sus cuadros. Grabsky rueda con tanta reverencia que a veces aburre.

Los museos seguirán cumpliendo su función de transmisión de la cultura. Son los santuarios de grandes artistas, así como escenarios predilectos para la grabación de películas. Las guías virtuales y los documentales consienten ahora disfrutarlos desde casa. A fin de cuentas, como reivindica Grabsky, “los grandes cineastas saben que la audiencia no va a cansarse jamás de las vidas de Van Gogh, Manet o Rembrandt”. Ni de los lugares secretos que guardan su legado.

La Fundación Mapfre llega a Barcelona pisando fuerte con la exposición El triunfo del color. De Van Gogh a Matisse con obras procedentes de los museos de Orsay y de La Orangerie, referentes internacionales del arte impresionista y postimpresionista. La muestra, compuesta por 72 pinturas, abrirá sus puertas el sábado 10 de octubre y los interesados podrán visitarla hasta el 10 de enero de manera gratuita.

Comisariada por Guy Cogeval, presidente de los museos que han prestado las obras; Pablo Jiménez Burillo, director del área de cultura de la Fundación Mapfre e Isabelle Cahn, conservadora del museo de Orsay, la exposición está dividida en cuatro secciones: El color científico; El centro misterioso del pensamiento; Gauguin y la escuela de Pont-aven; Los nabis, profetas del nuevo arte y el color en libertad.

Según explicó Pablo Jiménez en la rueda de prensa de presentación: “Nos gustaba la idea de hacer una exposición sobre el color y como éste es uno de los elementos que mejor nos ayuda a entender cómo se transforma la pintura del XIX y cómo se llega al siglo XX”. La muestra está concebida exclusivamente para Barcelona y cuando termine los cuadros volverán directamente a sus museos de origen, de los que salen en muy contadas ocasiones, sin pasar por otras ciudades.

Isabelle Cahn, que ha trabajado como comisaria científica de la exposición, afirmó que la exhibición también demuestra la relación entre unos artistas que se encuentran en un momento en concreto en París para trabajar e intercambiar influencias.

Entre este conjunto de obras “canónicas”, como las definió Cahn, el visitante puede admirar algunas tan conocidas como el Autorretrato de Vincent van Gogh, las Mujeres de Tahití de Paul Gauguin o el Retrato del artista sobre fondo rosa de Cézanne. Además también hay pinturas de Toulouse Lautrec, Monet, Matisse o Seurat.

Para mantener la sede barcelonesa de la Fundación, Jiménez ha explicado que se modificará la programación de Madrid. El presupuesto global, de unos 10 o 12 millones de euros [no supo precisar], se divide en la salas de pintura y fotografía de Madrid y la nueva de Barcelona. Los responsables de la programación y la gestión serán los mismos para ambas ciudades ya que: “tenemos unas señas de identidad muy concretas que mantenemos desde hace más de 25 años y la manera de preservarlas es que seamos el mismo equipo”, apostilló.

La idea es que en la sede de Barcelona acoja una gran exposición de pintura del nivel de la que se inaugura este sábado y dos exposiciones de fotografía al año. En algunos casos estarán pensadas solamente para la capital catalana y otras se exhibirán en ambas ciudades. Por el momento, la segunda que se celebrará en la nueva sede será una retrospectiva del fotógrafo japonés Hiroshi Sugimoto y después otra del norteamericano Bruce Davidson.

La casa Garriga Nogués

La casa Garriga NoguésAl innegable interés artístico de la exposición hay que sumarle la del edificio en el que se alojan las pinturas. La Fundación Mapfre se ha instalado en régimen de alquiler en la casa Garriga Nogués, un edificio de inspiración modernista obra del arquitecto Enric Sagnier construido a principios del siglo XX en el centro de la ciudad y catalogado como Bien de Interés Cultural en 1990. Hasta el pasado mes de abril fue la sede del Museo Fundación Francisco Godia, presidida por Liliana Godia, quien adquirió el edificio en el año 2004.

La dueña del inmueble es la hija de Francisco Godia, empresario, coleccionista de arte y el primer piloto español en saltar a la fórmula 1. Cuando murió en 1990, sus hijas Liliana y Carmen heredaron su fortuna en la que se incluía su colección de arte y que se dividió entre las dos hermanas. La primera decidió destinar las obras que le correspondieron en el reparto en crear la fundación que llevaba el nombre de su padre: unas 1.500 piezas que incluían cerámicas, dibujos, grabados o pinturas catalanas y españolas desde el siglo XII hasta el XX.

Durante más de década y media Godia organizó exposiciones de artistas españoles como El Greco, Rusiñol o Barceló pero, según un comunicado oficial, la falta de ayudas gubernamentales y sus problemas financieros llevaron a la organización a cerrar las puertas del museo. Meses antes, algunas de las obras se habían vendido en subastas internacionales [de manera discreta pretendidamente], entre ellas la pintura Vuelta de la pesca. Playa de Valencia de Sorolla por 2,9 millones de euros en la londinense Sotheby’s.

Aunque en teoría Liliana Godia, perteneciente a una de las familias más ricas de Cataluña, no tendría por qué tener problemas económicos como para tener que deshacerse de la colección, puede que sus problemas con Hacienda hayan influido en su decisión. En 2013 el Servicio de Delitos Económicos de la Fiscalía de Barcelona acusó a la heredera, a su marido Manuel Torreblanca y a su primo Javier Amat por un presunto fraude fiscal de 5,7 millones de euros, por haber mentido en el pago del IRPF y los impuestos de patrimonio desde el 2007 al 2011. Finalmente, Liliana fue exculpada del delito ya que no hubo pruebas que acreditasen su participación en el delito, aunque tanto su marido como su primo aceptaron sendas penas de cárcel y multas de más de millón y medio de euros, según El País.

Todo este lío ha acabado por beneficiar a la Fundación Mapfre que según Pablo Jiménez llevaba más de 10 años pensando en abrir una sede en Barcelona. “Uno de los problemas que teníamos era el del lugar porque Barcelona es una ciudad muy dinámica en la que un espacio libre no dura mucho tiempo. Tenemos unos ritmos más lento y aunque ya teníamos convenios con el MNAC o con otros museos para hacer exposiciones conjuntas realmente nuestra vocación era tener un espacio nuestro en la ciudad”. Difícilmente podrían haber conseguido un emplazamiento mejor.

Como venimos viendo hoy, los aniversarios siempre son buenas ocasiones para rememorar. El Museo Van Gogh de Ámsterdam celebra su cuadragésimo aniversario y aprovecha la coyuntura para desvelar algunas facetas del pintor que le da nombre. Así, en la exposición Van Gogh at work (Van Gogh en su taller) se mostrarán los resultados de intensas investigaciones dilatadas durante ocho años.

La exposición trata de acceder al universo íntimo del pintor neerlandés y clarificar algunas de sus contradicciones, en ese ancestral placer de intentar comprender aquello que admiramos. En el fondo es un proceso desmitificador del genio y al mismo tiempo un reconocimiento al auténtico valor de su trabajo. Van Gogh no tenía un don innato para la pintura, pero como dice Rik van Koetsveld, director gerente saliente del centro, “peleó muy duro para entender la técnica y el uso del color”, para aprender el oficio. A pesar de su evolución, los problemas económicos le obligaban en ocasiones a utilizar pinturas de mala calidad o a pintar el mismo lienzo por las dos caras. A veces, también, era poco cuidadoso cuando, al emular a sus admirados impresionistas –con los que mantuvo un contacto frecuente y muy fructífero–, pintaba al aire libre. Estas condiciones han hecho que muchas obras nos lleguen gravemente deterioradas.

El Museo Van Gogh quiere mostrar todo esto y ha reunido doscientas obras (entre las que están, cedidas por otros museos, Los girasoles, El dormitorio en Arlés y La berceuse) y objetos del postimpresionista, aunque también de algunos de sus contemporáneos. Hay cinco publicaciones científicas derivadas de la muestra y un facsímil dedicado por primera vez a los cuadernos de Van Gogh. La joya de la colección son los cuadernos de esbozos y dibujos, que permiten comprobar cómo el artista, minucioso e incapaz de detenerse, pasó de dibujar mal a encontrar su estilo a través de un detallado análisis. Eso sí, aunque la exposición permanecerá abierta hasta el 12 de enero, no viajará fuera de Ámsterdam, así que si le sumamos a esto las novedades del Rijksmuseum, más nos vale ir organizando un viaje a la ciudad de las bicicletas.