Taylor Swift ha presentado su duodécimo álbum de estudio, The Life of a Showgirl. Rinde homenaje al cabaret, contiene doce canciones y verá la luz el próximo 3 de octubre. Tras una meteórica carrera que la ha llevado a convertirse en la artista con más discos vendidos de este siglo, y después de adjudicarse la gira más taquillera de todos los tiempos con su The Eras Tour, la compositora estadounidense sigue forjando su leyenda con este esperado proyecto, que narra “aquello que ocurría detrás de bambalinas” en su vida durante estos últimos dos años. Se trata del nuevo capítulo musical del mayor fenómeno que se recuerda en el mundo de la cultura, por lo que, sin haberse publicado todavía, ya está destinado a marcar el futuro de la industria.

La artista más aclamada de su generación ha hablado en profundidad sobre este trabajo en el pódcast New Heights, presentado por su novio Travis Kelce y su cuñado Jason Kelce, que ha supuesto su primera entrevista televisada desde 2022. En esta, además de dar detalles sobre The Life of a Showgirl, explicó algunas de sus tradiciones con sus fans —los denominados swifties—, narró su experiencia como una de las figuras clave del fútbol americano y se confesó sobre la importancia de lograr ser dueña de su música, una victoria sin precedentes en el sector discográfico. La expectación era tan alta que provocó que el episodio se paralizara en YouTube, desde donde lo seguían 1,3 millones de espectadores en el momento de su estreno, rompiendo un récord en la plataforma pese a también emitirse a la vez en otras como Apple, Amazon y Spotify.

En cuanto a su inminente álbum, Swift ha contado que lo creó en Europa cuando la gira The Eras Tour tuvo lugar en el continente el año pasado. “Daba como tres conciertos seguidos. Tenía tres días libres, volaba a Suecia, volvía y, de hecho, me gustaba trabajar en esto. Estaba agotada físicamente a estas alturas del tour, pero mentalmente estaba muy estimulada y emocionada por crear”, ha comentado en New Heights. “Este disco trata sobre lo que ocurría detrás de bambalinas en mi vida durante esta gira, que ha sido exuberante, eléctrica y vibrante. Estoy muy orgullosa y proviene de la etapa más contagiosamente alegre, desenfrenada, alocada y dramática en la que me he encontrado, así que esa efervescencia se ha dejado notar en el álbum”, ha añadido, describiéndolo como “temazos”.

La artista ha afirmado que The Life of a Showgirl está compuesto por temas que tienen “melodías tan contagiosas que casi te enfadan y letras vívidas, nítidas, concisas y completamente intencionales”. Sus títulos, en orden, son los siguientes: The Fate of Ophelia, Elizabeth Taylor, Opalite, Father Figure, Eldest Daughter, Ruin the Friendship, Actually Romantic, Wi$h Li$t, Wood, Cancelled!, Honey y la canción homónima The Life of a Showgirl. Esta última es una colaboración con Sabrina Carpenter, uno de los nombres más importantes de la escena pop actual a raíz de ser telonera en la gira The Eras Tour. Las doce canciones serán la totalidad del álbum, pues en esta ocasión no habrá lanzamientos sorpresa como en Midnights (2022) ni un disco doble como en The Tortured Poets Department (2024).

Swift ha señalado que cada tema está en el álbum por “cientos de razones”, por lo que no podías añadir ni quitar ninguno y que siguiera siendo “el mismo álbum”: “Así está perfecto. Ese enfoque y ese tipo de disciplina al crear un disco y mantener el listón muy alto es algo que he querido hacer desde hace mucho tiempo”. “Me encanta componer muchísima música, así que es tentador publicar mucha música”, contó la artista en alusión a las 31 pistas de su anterior trabajo. “Pero quería hacer un álbum tan centrado en la calidad, la temática y que todo encajara como un rompecabezas, que con estas doce canciones para mi duodécimo álbum creo que lo logramos”, agregó.

El proyecto reivindica el cabaret, un tipo de entretenimiento nocturno, originado en Francia a finales del siglo XIX, que combina música, danza, teatro y, a menudo, elementos cómicos o satíricos. Dejándose abrazar por todo lo estrafalario de la vida de las coristas y por vestuarios llenos de plumas, Swift se sumerge en este universo en The Life of a Showgirl. Sin embargo, la portada juega con aquello que no se ve, lo que sucede tras bambalinas. “Representa el final de mi noche. Cuando estoy de tour, tengo el mismo día todos los días. Y mi día termina conmigo en una bañera, no con un vestido deslumbrante”, ha explicado la intérprete a los hermanos Kelce. La cubierta combina el verde y el naranja con una tipografía llamativa, apostando así por la grandilocuencia del cabaret.

“Quería glorificar los diferentes aspectos de cómo se sintió la gira. Y así es cómo se sentía al final de la noche, cuando todo había terminado. No podrás irte a la cama hasta las cuatro de la madrugada después de esto, pero tuviste que superar 50 millones de dificultades en esta carrera de obstáculos que es tu espectáculo. Y lo conseguiste. Te quedan dos más seguidas. Pero lo has conseguido esta noche”, ha subrayado la artista sobre el mensaje de la portada, que es conceptual. “La razón por la que quería que un momento de detrás del escenario fuera la portada del disco es porque el disco no trata realmente de lo que pasaba en el escenario, sino de lo que pasaba fuera”, ha apuntado, indicando que esta imagen dice más sobre el álbum en cuanto a sus letras.

No obstante, la portada también hace referencia al cuadro del pintor inglés John Everett Millais sobre Ofelia, a la que Swift dedica la pista de apertura de The Life of a Showgirl, un personaje silenciado por Shakespeare y la psiquiatría victoriana que se transformó en bandera feminista. En Hamlet, Ofelia es una herramienta en los juegos de poder de su padre Polonio, quien la usa para espiar al príncipe Hamlet. Pero él, herido por el rápido matrimonio de su madre con el asesino de su padre, proyecta su misoginia en la joven. Tras la muerte de Polonio a manos de Hamlet y el rechazo del príncipe, Ofelia enloquece. Su ahogamiento transforma el dolor en espectáculo, y, en algunas interpretaciones, Ofelia canta mientras su ropa se empapa y ella se hunde.

Durante la espera hasta el estreno de su entrevista en New Heights, Swift publicó una playlist titulada And, baby, that's show business for you, compuesta por todas sus canciones producidas por los suecos Max Martin y Shellback. Estos productores, que han trabajado en los álbumes Red (2012), 1989 (2014) y Reputation (2017), llevan ocho sin colaborar con ella. Ahora, la compositora vuelve a reunirlos en el estudio para The Life of a Showgirl tras haber creado con ellos clásicos como Blank Space, Style y Shake It Off. “Son genios en diferentes ámbitos, de diferentes maneras”, ha enfatizado la artista, que añade que “la vida es más animada” y eso se percibe en el sonido. “Quiero estar tan orgullosa de un álbum como lo estoy de la gira The Eras Tour, y por las mismas razones”, ha recordado que le dijo a Martin.

Aunque la industria musical tendrá que esperar al 3 de octubre para escuchar cómo suena el nuevo proyecto de Swift, mientras podrá escuchar el resto de su obra, que ya posee la artista en su totalidad. Con respecto a ser dueña de su música, la estadounidense ha revelado que envió a su madre y a su hermano a hablar con Shamrock Holdings, empresa que había comprado sus discos, para poder hacerse con los derechos. Optó por hacerlo así en vez de con abogados porque buscaba transmitir toda la emoción involucrada en ello.

“Un par de meses después de la Super Bowl en Kansas City, recibí una llamada de mi madre”, ha relatado Swift. “Me dijo: '¡Ya tienes tu música!'. Me tiré al suelo de forma dramática, llorando a mares, como diciendo: '¿En serio?'. Me dije a mí misma: 'Ve a decírselo a Travis con normalidad'. Estaba jugando videojuegos y se quitó los auriculares. Le dije: '¡Ya recuperé mi música!'. Y lloré sin parar. Esto me ha cambiado la vida”, ha admitido. La compositora volvió a recalcar lo mucho que significa para ella ser dueña de sus canciones, escritas sobre cada etapa de su vida.

Relación pública con Travis Kelce

La cantante, que había apostado por la privacidad durante su relación con el actor británico Joe Alwyn, con quien estuvo saliendo seis años, cambió de planes desde que es pareja del jugador de fútbol americano Travis Kelce. En una entrevista concedida a la revista Time en 2023, cuando fue considerada la persona del año, Swift desveló que se sienten “orgullosos el uno del otro”: “Cuando dices que una relación es pública, significa que voy a verle hacer lo que le gusta, que estamos dando la cara el uno por el otro, que hay otras personas y que no nos importa. Lo contrario es que tienes que esforzarte mucho para que nadie sepa que estás saliendo con alguien”.

El apoyo que ambos se brindan se ha reflejado en sus profesiones. Travis Kelce acudió a numerosos conciertos de la última gira de Swift, mientras que ella hizo lo propio con los partidos de Kelce con su equipo Kansas City Chiefs. De hecho, la Super Bowl que se llevaron los Chiefs en 2024 venciendo a los San Francisco 49ers se convirtió en el evento más visto de la historia de la televisión en Estados Unidos con permiso de la llegada a la Luna, gracias a la presencia de Taylor Swift como principal aliciente. En cuanto a cómo lidian ambos con la especulación pública sobre su relación, Swift ha reconocido que no ve muchas cosas: “Llevo 20 años en la industria musical. Es muy difícil herir mis sentimientos a estas alturas”.

La NFL ha logrado sacar rentabilidad a la aparición de Swift en los partidos, enfocándola durante varios segundos en cada encuentro al que asiste. Tanto es así que algunos seguidores han mostrado su malestar cuando la enfoca la cámara, llegándola a abuchear en la pasada Super Bowl. Ella, sin embargo, ha confesado en su entrevista para New Heights que no es algo que le importe. “Hay muchos aficionados masculinos del deporte que escuchan vuestro pódcast. Creo que todos sabemos que, si hay algo que los fans del deporte quieren ver en sus espacios y pantallas, es más de mí”, ha declarado irónicamente.

Pistas para aumentar las expectativas

La artista anticipó el anuncio a inicios de semana a través de Taylor Nation, el equipo de redes sociales de Swift. “Pensando sobre cuando ella dijo 'Nos vemos en la próxima era'”, publicó en acompañamiento de doce fotografías de la estadounidense en su The Eras Tour. Todas ellas tenían algo en común: los vestidos de Taylor Swift eran de color naranja. La cantante, que ha popularizado en la industria musical el concepto de las eras para diferenciar las etapas promocionales de cada álbum, ha usado los colores para distinguir la estética de sus discos. En esta ocasión ha apostado por el símbolo del corazón en llamas.

Desde entonces, la compositora siguió dando pistas acerca de su nuevo proyecto, culminando con el anuncio del título de The Life of a Showgirl el martes 12 de agosto a las 12:12 horas de la madrugada en Estados Unidos. Lo hizo a través de un vídeo promocional del pódcast New Heights, que la presentaba como su próxima invitada, publicando en redes sociales el fragmento del episodio en el que Swift enseñaba la portada, todavía borrosa para continuar con el misterio. La cuenta atrás había comenzado, pues el pódcast se estrenaría el 13 de agosto, día que coincide con el número de la suerte de la artista.

Una revolución comercial

Los lanzamientos de Taylor Swift siempre son un terremoto, tanto dentro de la industria musical como fuera de ella. Las marcas de empresas internacionales como X, Fox o TMZ han aprovechado para cambiar su foto de perfil en redes sociales para adaptar el diseño de sus logos a la temática del disco. Asimismo, Google y TikTok han implementado en sus plataformas animaciones interactivas que aparecen cada vez que alguien busca el nombre de la cantante dentro de ellas. En Instagram, el vídeo con el que Swift anunciaba el título del álbum se ha convertido en el más visto de la historia de la aplicación en sus primeras 24 horas, acumulando 134 millones de reproducciones.

La artista, además, habilitó una prepreventa de The Life of a Showgirl tras dar a conocer el nombre del trabajo, que provocó una cola de espera de hasta una hora en su página web para poder comprarlo. Para ese entonces, aún no se conocía la portada, el título de las canciones ni su fecha de lanzamiento, pero la publicación de un nuevo álbum de Swift es suficiente para lograr una demanda sin precedentes de cedés y vinilos en la era digital. La compositora, convertida en una gigante del streaming, también ha logrado consolidarse como una de las mayores fuerzas en venta física.

Su último proyecto, The Tortured Poets Department, vendió la mastodóntica cifra de 2,6 millones de copias únicamente en Estados Unidos durante su primera semana. Además, rompió el récord del álbum más escuchado en un solo día en Spotify con 313 millones de reproducciones. El anterior récord lo ostentaba la propia Swift con su décimo disco, Midnights, que acumuló más de 180 millones de reproducciones a lo largo de sus 24 primeras horas en la plataforma. En España, The Tortured Poets Department fue el álbum más vendido de 2024, convirtiendo a Taylor Swift en la primera artista de habla no hispana que lidera la venta de discos en todo el siglo.

Hace años, las noches del Paral·lel de Barcelona se bañaban con la luz roja desprendida por las gigantes aspas del teatro El Molino. Este espacio era el hermano pequeño de su homónimo parisino y gracias a él la avenida de los teatros de la capital catalana empezó a llamarse también el Montmartre de Barcelona.

El Molino abrió sus puertas en 1898 y se llenó de plumas y cortinas de terciopelo rojo para convertirse en el templo del ‘music hall’, de cabarets y la revista. Los bailes, la música en directo y los monólogos picantes dieron identidad a un teatro que sobrevivió a la censura de la dictadura y el puritanismo de la Transición.

El proyecto fue un éxito hasta bien entrados los setenta, pero a medida que se acercaba el final del siglo empezó a costar llenar los asientos. Fue la crisis económica de los 90 la estocada final que condenó a El Molino a cerrar sus puertas un año antes de cumplir un siglo, en 1997. En 2010 volvió a renacer, de la mano de unas reformas que costaron 15 millones de euros, pero el pequeño teatro, con solo 250 butacas, nunca fue viable y volvió a cerrar tres años más tarde.

Finalmente, ha sido el Ayuntamiento de Barcelona quien se ha hecho cargo. Lo compró por 2,6 millones de euros en 2021 y, tras nuevas reformas, las aspas volverán a brillar a partir de este viernes.

Pero en esta nueva etapa, que estará gestionada por la misma empresa que lleva el Festival Cruïlla, no habrá vedetes ni boas. Habrá monologuistas, músicos de jazz y cantes flamencos. “El mundo de las variedades, de lo picante, tiene poca incidencia comercial ahora. Cuando se compra el teatro se analiza cuál es su potencial y nos pareció que en estos momentos tenía más sentido apostar por la diversidad musical”, apunta el concejal de cultura Xavier Marcé.

Además, asegura que la intención del consistorio no es “prescindir de nada” y no descartan poder dedicar alguna sesión al ‘music hall’. Por su parte Víctor Partido, director de El Molino, insiste en que se trata de un género cuyos acólitos ahora se enfocan en el teatro musical, que ya se puede ver en otros teatros del Paral·lel. “Nos queremos acercar a músicas singulares y experimentales”, asegura Partido, que añade que la nueva etapa esté enfocada a atraer a público joven “y más dinámico”.

El estigma sobre las cabareteras

Tanto desde el Ayuntamiento como desde la dirección de El Molino argumentan que la revista no tiene los adeptos que tenía a mediados del siglo pasado. Y les respalda el hecho de que no hay oferta de este tipo de espectáculos en casi ningún teatro. Pero para las protagonistas de este género, eso no es excusa para prescindir de “un patrimonio de la ciudad”, tal como lo describe Lita Claver, más conocida como La Maña, una de las cabareteras estrella del Paral·lel.

Reconoce que es posible que la revista no atraiga a público joven, pero está segura de que sí llamaría a personas de más edad. “El problema es que nadie piensa en las personas más mayores a la hora de crear cultura. ¿Qué pasa? ¿Que no nos merecemos ir al teatro? ¿A caso nuestros intereses son peores que los de los jóvenes?”, se pregunta la vedete.

“Estoy encantada de que vuelvan a abrir, pero que no se olviden de que El Molino existe por gente como yo, que nos subíamos al escenario, y a personas de mi generación que se sentaban en las butacas”, sentencia esta aragonesa nacida en 1945, que migró hasta Barcelona para convertirse en una de las caras más conocidas del espectáculo.

La Maña coincide en que el ‘music hall’ no es el género que está más de moda ahora mismo, pero lamenta que el Ayuntamiento no haya apostado por preservarlo. “Creen que está desfasado, que somos antiguas, pero no es cierto. Yo ya hacía monólogos en su momento, teníamos espectáculos adelantados a nuestro tiempo. Y, además, contra lo que la gente piensa, eran elegantes, bien vestidos, coreografiados y muy dignos”, recuerda esta cabaretera que trabajó en El Molino durante más de 11 años sin un solo día de descanso.

De todos modos a La Maña no le sorprende la decisión. “El estigma hacia el ‘music hall’ no es nuevo”, lamenta. Quiere despejar la creencia de que las cabareteras solo se desnudan y hacen bailes atrevidos. “Nos venían a ver muchos matrimonios y las más fans eran las mujeres, porque decíamos lo que a ellas no les permitían”, recuerda.

Entre chistes verdes y corsés apretados, las cabareteras también hacían burlas al Generalísimo cuando la censura estaba en apogeo. O reflexionaban sobre lo duro de ser madre trabajadora. O reivindicaban la libertad sexual de las mujeres y condenaban el machismo que las tenía maniatadas. “Y tenían la osadía de llamarnos incultos. Venían a vernos Salvador Dalí, Fellini, Rafael Alberti o Montalbán...¿ellos también eran incultos?”, se pregunta.

Un ‘Broadway’ en decadencia

El Molino es solo uno de las decenas de teatros y salas de fiesta y conciertos que conforman esta zona de Barcelona que también es conocida como el Broadway catalán. Su apogeo fue a principios del siglo XX, pero el paso de los años ha ido borrando algunos de los nombres propios de aquel paseo de la fama. Uno de los ejemplos más paradigmáticos es el del teatro Talia, que fue derrumbado a finales de los ochenta, tras estar años cerrado y sin nadie que se hiciera cargo de él.

“No podíamos dejar desaparecer este edificio de valor patrimonial, evocativo e histórico”, dice Marcé sobre El Molino. “Es un elemento de carácter patrimonial poco discutible”, añade el concejal, que insiste en la voluntad del consistorio de mantener la vida cultural y la memoria histórica del Paral·lel. Es por eso que el Ayuntamiento se aventuró a comprarlo, para evitar el deterioro del edificio y que “fuera objeto de transacciones económicas no deseables”.

Los vecinos del barrio también ven con buenos ojos que se hayan reabierto sus puertas. “Me parece genial. No será como antes, pero va a ser bonito. Un teatro abierto da alegría”, opina La Maña. Ella también vive en el Paral·lel y se muestra perpleja por “lo descuidado” que está el barrio. “Con lo que había sido”, lamenta. Esta degradación le duele especialmente por el vínculo que tiene con la zona. Tanto que llegó a endeudarse para comprar el teatro Arnau cuando cerró, para evitar que cayera en el olvido. Y ahora se alegra de saber que El Molino ha evitado este destino.

A partir de este viernes, esas aspas rojas volverán a brillar y, aunque artistas como Lita Claver, alias La Maña, ya no estarán sobre las tablas, dejarán paso a otros músicos y comediantes que volverán a llenar de vida el Broadway catalán.  

Si el periodista y crítico musical Jon Savage reflexionaba en su libro The Secret Public sobre la huella LGTBQ+ en el pop británico, ahora es la periodista y crítica española Núria Martorell la que hace en ¡Quiero ser libre! (Redbook Ediciones, 2024) un recuento reivindicativo de la presencia queer en la música moderna y popular del siglo XX, si bien también da fe de la vitalidad de esta identidad no binaria en los primeros años del XXI.

Para ello se apoya en la ilustradora Francina Cortés en el diseño, ejecución y posterior publicación de la obra. Martorell escribe sus pedagógicos y reveladores textos y Cortés los ilustra con sus vivos y alegres retratos, que muestran los rostros de los principales artistas, la mayoría de fama mundial. Los originales podrán verse en una exposición que permanecerá en el hotel Axel de Barcelona hasta el 27 de septiembre.

Cuentan sus autoras en conversación con este medio que la idea inicial partió de la editorial, en concreto tras ver una artículo de Martorell sobre el concierto de Madonna en 2023 en Barcelona. “Manuel Martínez leyó la crónica que escribí para elDiario.es del último concierto de Madonna y a los pocos días tenía un correo suyo preguntándome si me gustaría escribir un libro”, asegura Martorell. La propuesta incluía también a una ilustradora, pues la colección donde se publicaría, Bio Rock, comprende tanto texto como ilustración. Dada la buena relación previa existente entre periodista e ilustradora, ambas se ofrecieron para realizar el encargo y el libro se puso en marcha.

“El objetivo de ¡Quiero ser libre! es recoger cómo la música ha servido de bandera de combate contra la discriminación sexual”, dice Martorell. Lo hace de forma cronológica, con pinceladas sociopolíticas y económicas. De manera aún más resaltada, explica qué ocurrió durante cada década dentro del colectivo LGTBIQ+. Y lo hace “para entender mejor las luchas y vicisitudes de todos los artistas que aparecen, muchos de ellos con sus respectivas biografías”.

Una obra amena, gráfica y reveladora

De este modo, con una estructura gráfica muy amena y comprensible, la obra hace un revelador recorrido por la cultura queer en la industria musical, resaltando sus luchas, sus mensajes encubiertos en innumerables canciones y el progreso que permite la existencia tanto de letras cada vez más explícitas como de artistas que hoy en día no tienen por qué esconder su orientación en nombre del qué dirán los fans.

El libro comienza aclarando qué significa ser queer, una acotación tal vez necesaria dado que este término implica no solo una actitud respecto a la sexualidad, sino también una corriente filosófica que abarca todos los ámbitos socioeconómicos. “Intentamos concebir y tratar este término con mayor amplitud a lo largo del libro, más allá de ser el artista bisexual, pansexual, homosexual, cisgénero, no binario…”, aclara la ilustradora Francina Cortés. “Lo que nos enamora del término queer es que engloba a todos los disidentes sexuales”, añade Martorell, que prosigue: “Es una palabra-paraguas, que da cobijo a homosexuales, lesbianas, travestis, también bisexuales y otras identidades”.

Bajo este prisma, aparecen en ¡Quiero ser libre! artistas como Madonna o Prince, siempre en la vanguardia de la defensa de la libertad sexual e identitaria pero poco claros respecto a su posicionamiento queer –algo que por otro lado encaja a la perfección en el significado amplio del término–; también otros como Ricky Martin, inicialmente reluctantes a reconocer su homosexualidad pero finalmente posicionados de un modo más o menos claro.

Hay un apartado también para David Bowie, que en el pasado se reconociera abiertamente como gay, aunque su actitud fuera más bien bisexual, pero que posteriormente renegó de todo lo dicho y se declaró hetero-normativo. Incluso de Raphael se habla, que siempre ha negado sus supuestas preferencias pero nunca ha dejado de apoyar al colectivo.

No faltan tampoco figuras rockeras como Janis Joplin o Rob Halford, el legendario cantante de Judas Priest, gay y todo un referente del heavy que tuvo que esconder su orientación durante años en un mundo tan machista como el del metal sonoro. “Lo que llegó a sufrir cuando ocultaba su sexualidad fue realmente bestial”, apunta Martorell: “Se hizo adicto al alcohol y a las drogas e intentó suicidarse con pastillas cuando los representantes de Judas Priest y la discográfica le convencieron de que no destapase su homosexualidad porque creían que eso destruiría el grupo”. Afortunadamente, Halford regresó en 2000, ya fuera del armario y tras haber dejado Judas Priest, con el magnífico álbum Resurrección, que le devolvió al Olimpo heavy.

'Tutti Frutti' y 'La canción violeta', himnos pioneros de la reivindicación LGTBIQ+

Otros son más conocidos en su bisexualidad, como el pianista, compositor y director de orquesta Leonard Bernstein o Miguel Bosé, y también están los grandes iconos, como Elton John o, cómo no, Freddy Mercury. Además cuenta historias dramáticas como la de Whitney Houston o George Michael, cuyo sufrimiento por esconder su identidad sexual les llevó a la autodestrucción. Pero también hay espacio en el libro para pioneros de la reivindicación LGTBQ+ como Little Richard y su Tutti Frutti.

“Tutti Frutti es una palabra que en argot significaba gay”, explica la autora. Martorell agrega que la canción tenía una letra original que Little Richard tuvo que modificar y que decía así: “Tutti Frutti, good, booty / If it don't fit, don't force it / You can grease it, make it easy”. Traducido: “Tutti Frutti, buen culo / Si no entra, no lo fuerces / Puedes lubricarlo, hazlo más fácil”. Es decir una oda al sexo anal que fue inmediatamente censurada, si bien la canción en su versión atenuada tuvo un enorme éxito y Elvis Presley la hizo suya para el público blanco.

“La selección de los artistas empezó con un mero listado de nombres, ordenados por décadas, algunos, por su orientación sexual y otros, porque sus canciones les habían convertido en iconos queer aun siendo heterosexuales”, explica Martorell. “Profundizando en sus vidas, vi que algunas merecían ser contadas con más detalle, tenía claro que serían los que tendrían sus correspondientes biografías y que en el libro aparecerían impresas con la letra violeta”, puntualiza la critica musical.

El motivo del color violeta no es otro que la primera canción queer de la que se tiene constancia: La canción violeta, compuesta por Mischa Spoliansky y Kurt Schwabach, dos gais judíos de la república de Weimar, hace ahora 100 años, que triunfaron en el Berlín de aquellos años con sus canciones de cabaret. El tema se hizo en homenaje al doctor Magnus Hirschfeld, pionero de la reivindicación queer y el primer médico en realizar una operación de cambio de género.

Más mujeres que hombres

“Sin ser premeditado, al menos de forma consciente, hay más mujeres que hombres”, admite Martorell. Y entre estas están figuras pioneras y poco conocidas del gran público como Josephine Baker, Ether Walters, la cupletista española Raquel Meller, Bessie Smith, Gladys Bentley y la gran Ma Rainer, autora del primer blues con temática abiertamente LGTBQ+.

No todos los y las artistas gozan de las ilustraciones que hace Cortés, el límite de páginas de la obra estaba preestablecido. “Núria me pasaba un pequeño listado de los artistas cuya biografía, a su juicio, merecía ser contada con más detalle y entonces yo, por criterios estéticos y por lo que creía que aportaría su personalidad al libro, elegía los que ilustraría”, explica la ilustradora.

“Era importante a nivel visual que los personajes transmitieran ese sentimiento de humanidad, de curiosidad, de explicar algo de su vida que en la mayoría de los casos no se había dicho demasiado abiertamente, y menos recogido en un libro”, remacha. También reconoce que “el uso de colores saturados ha sido clave para transmitir lo que quería aportar sobre estas personas-artistas-estrellas del escenario”. El resultado es un libro de colores atractivos e ilustraciones cálidas y cercanas.

La lucha LGTBQ+ hoy en día

Las cosas han cambiado mucho, y para bien, para el colectivo LGTBQ+ en Occidente. Hoy en día artistas como Mushkaa, Lady Gaga, Miley Cyrus, Lil Nas X o Freedy Ocean no esconden su bisexualidad u homosexualidad y muchas canciones abordan las relaciones no normativas con una naturalidad que décadas antes hubiera sido impensable.

No obstante, no ocurre así en el resto del planeta. Martorell advierte: “Todavía hoy en día, en 2024, un total de 64 países prohíben las relaciones homosexuales, privadas y consentidas entre hombres; y 40 castigan también los actos lésbicos”. La dureza de las condenas va desde menos de un año de cárcel hasta la cadena perpetua y la pena capital. Así ocurre en Mauritania, Nigeria, Somalia, Afganistán, Brunéi, Irán, Pakistán, Qatar, Arabia Saudí, Emiratos Árabes Unidos y Yemen.

Finalmente, como curiosidad del libro, ¡Quiero ser libre! es una obra que permite interactuar y escuchar las canciones a las que el texto hace referencia. Lo logra mediante un código QR que se encuentra al lado de cada ilustración. No obstante, para aquellos que quieran simplificar la escucha, las autoras han realizado una completísima lista en Spotify con los temas.

En el número 28 de la calle Victori, en el pueblo de Es Castell (Menorca), el paso del tiempo descascarilla con paciencia la fachada de un edificio de dos plantas. Según los arqueólogos Borja Corral y Carlos Salort, que trabajan en las entrañas del lugar, los orígenes del inmueble se remontan a finales del siglo XVIII o principios del XIX, cuando Menorca era británica, Es Castell se llamaba Georgetown y era apenas un puñado de casas pintadas de rojo y blanco. Tras la fachada herrumbrada, este lugar albergó una vivienda, luego un casino, posteriormente una fábrica de zapatos y, finalmente, el café-teatro “El Salón”.

Hace dos años, el Ajuntament de Es Castell compró el edificio e inició una reforma para poner fin al deterioro de este espacio que ocupa un lugar destacado en la cultura y en la memoria colectiva de la isla. Pedro Sánchez Jurado es el encargado de abrir a elDiario.es las puertas del teatro. Es oriundo de Jabalquinto (Jaén) y actual regidor de Cultura. Llega puntual y camina despacio, al ritmo de la vida de los lugares pequeños. Lleva en las manos las llaves de El Salón. “Cuando los arquitectos comenzaron con la excavación para verificar el estado de los cimientos descubrieron que había un subsuelo, sobre el que se construyó a mediados del XIX el Casino La Armonía, fundado por Joan Ludovid Damas, y que duró hasta la primera década del XX”, cuenta a elDiario.es.

No fue su etapa como casino ni su devenir en fábrica de zapatos bajo la firma de Carles Homs lo que hizo famoso y querido al edificio de la calle Victori, sino su época dorada como teatro de variedades. En 1983 la familia Ferrer adquirió el inmueble e instaló un escenario, donde cada fin de semana se interpretaban obras de transformismo y cabaret. Por allí desfilaron, hasta 2004, decenas de artistas escénicos y actores amateur envueltos en boas de plumas y medias de rejilla, que daban rienda a la sensualidad sin hacerla explícita y a la imaginación sin ponerle límites, mezclando familias enteras con artistas, intelectuales y músicos en un aire de libertad y bohemia de pueblo pequeño e insular. 

“Era un lugar muy reconocido y querido por todos los vecinos. Nuestra propuesta es poner en valor el lugar y abrirlo a la comunidad para que exista en el pueblo un punto de reunión. Un espacio donde se puedan organizar actividades y que esté a disposición”, señala Sánchez Jurado. 

La libertad en una isla conservadora

Pere Antoni Sastre es el director del documental que se está grabando estos días sobre la historia del café-teatro. “Resumiendo mucho, este era un punto de unión entre artistas, amistades, matrimonios y en general, gente humilde del lugar. El local se fue profesionalizando con los años, hasta llegar a ser un punto de referencia indiscutible en Menorca, para sus habitantes, para sus visitantes e incluso para gente muy famosa”, afirma a elDiario.es. “Yo siento que fue algo más. Fue el sitio donde Andrés Ferrer, junto a Paco y sus compañeros, pudieron explotar su personalidad, a través de unos espectáculos inauditos, ingeniosos y burlescos, sin pensar en el que dirían los demás”, añade.

A lo impensado de un teatro de variedades en una isla de tradición conservadora como Menorca se le suma la audacia de los propietarios y aun del público, que asistía a sala llena cada sábado para disfrutar, reír y aplaudir funciones que habitaban el difuso terreno que divide los géneros. Cristian Ortiz y su familia acudían asiduamente a El Salón cuando él era apenas un niño. “Para mí personalmente fue muy importante. Me pareció fabuloso ver a Andrés Ferrer bailando y cantando vestido de mujer. Recuerdo un personaje llamado Gigi el amoroso que hacía sátira sobre la heterosexualidad. Fue un acercamiento temprano a la diversidad, la posibilidad de entender que no es condición excluyente ser parte del colectivo gay o lésbico para habitar lo queer. Hoy no existe un local con esas características en Menorca y es más necesario que nunca”, señala a elDiario.es.

Fue un acercamiento temprano a la diversidad, la posibilidad de entender que no es condición excluyente ser parte del colectivo gay o lésbico para habitar lo queer. Hoy no existe un local con esas características en Menorca y es más necesario que nunca

Cristian Ortiz — Antiguo asistente a los espectáculos de 'El Salón'

Pere Sastre, que estrenará el próximo diciembre su documental sobre este mítico teatro, destaca lo siguiente: “Hace mucho que me pregunto si sería posible en Menorca un lugar así hoy en día. Después de vivir tres meses en Es Castell he llegado a la conclusión de que no. En mi opinión, El Salón es el fruto de la necesidad de construir un espacio de libertad e intimidad después de muchos años de dictadura franquista. Y no en cualquier sitio, sino en una isla. Además, era un espacio esencialmente popular, donde convivían todo tipo de mentalidades e ideologías. Y eso es una de las cosas que personalmente más me interesan. En la actualidad, organizamos nuestra cotidianidad en función de espacios o colectivos demasiado afines a nosotros mismos. Y paralelamente, el ocio y la noción de lo que es popular están más presentes dentro de las pantallas que fuera. Para mi, El Salón representa profundamente lo contrario”.

Entre las bambalinas carcomidas por la humedad todavía quedan restos de cuadros eróticos. Sobre el escenario hay una procesión de botellas polvorientas de licores raros. En el primer piso, tras una escalinata que parece sacada de un cuento de Oscar Wilde, están los camerinos donde el elenco variopinto del teatro se maquillaba y vestía frente a espejos ovalados color rosa pastel. Un espacio gigante que espera paciente dar su última función y mostrar que la diversidad es posible, necesaria y –aún más– siempre estuvo ahí. 

El Festival de Música 'Clásicos Colgados' celebra su segunda edición en Cuenca combinando actuaciones musicales y varias clases magistrales dirigidas a jóvenes músicos. El certamen se celebrará del 4 al 10 de septiembre en diferentes espacios de la capital conquense, Tarancón y San Clemente.

El director artístico del festival, Israel Fausto, ha manifestado que las actuaciones de 'Clásicos Colgados' estarán compuestas por “músicos de gran calidad, lo que dejará un poso cultural en la ciudad”. Fausto ha destacado además que las obras interpretadas serán asequibles para todo el público que asista a los conciertos para romper el mito de que la música clásica sea algo “elitista”.

Dentro de la programación será posible encontrar música de cámara de autores como Brahms o un espectáculo de cabaré, según ha indicado Fausto. Las clases magistrales tendrán lugar en el conservatorio de música 'Pedro Aranaz' de Cuenca y acogerán a 20 alumnos de violín, viola, violoncello y piano impartidas por miembros del 'Cuarteto Quiroga' y el pianista Albert Nieto.

Por último, Israel Fausto ha querido agradecer el apoyo institucional al certamen sin el que “no sería posible realizar el festival”. Diputación Provincial, Ayuntamiento y la Fundación Cultura Ciudad de Cuenca colaboran con esta iniciativa musical.

Los Llanos de Aridane celebró la noche del sábado, 1 de julio, la tradicional Fiesta de Arte de las Fiestas Patronales en honor a la Virgen de Los Remedios. Una cita referente con la cultura y el arte y que, en esta edición, se desarrolla bajo el título Puro Cabaret, en homenaje al protagonismo del que gozó este género a comienzos del siglo XX y su particular historia que comprende desde los garitos berlineses de los años veinte y treinta hasta los café teatros parisinos de los años sesenta.

A partir de las 22:00 horas, bajo los laureles centenarios de la Plaza de España, el teatro, la música y la danza brillaron en perfecta sintonía para contagiar al público asistente en una noche en la que la Fiesta de Arte rompió sus esquemas tradicionales incorporando una figura complementaria al papel del mantenedor de la velada que, en esta edición, recayó en Enzo Escala. Unos de los mejores especialistas en el mundo del cabaret nacido en Nápoles en 1954 y que a lo largo de su trayectoria profesional ha destacado como actor, director teatral y pedagogo teatral.

El mantenedor compartió escenario con José Carlos Campos, el actual maestro de ceremonias en el musical Cabaret, que bajo la dirección de Jaime Azpilicueta, ha sido catalogado como el Mejor Musical de la Temporada. Una de las obras maestras de Broadway y que, hasta el momento, se ha interpretado en cerca de una treintena de puntos y teatros de la geografía española.

El espectáculo Cabaret arrancará este viernes sus 24 funciones en el Teatro Cuyás, de Las Palmas de Gran Canaria, donde “el musical de los musicales” pondrá fin a la gira española con la que ha celebrado su 50 aniversario sobre los escenarios de todo el mundo.

El montaje de música en directo, que se interpretará entre los días 23 de junio y 9 de julio, está protagonizado por uno de los rostros más populares de la pequeña pantalla, Cristina Castaño.

La actriz, que durante varias temporadas dio vida a la psicóloga Judith Becker en la serie de televisión La que se avecina, interpreta ahora a Sally Bowles, siguiendo así la estela de otras grandes de la escena como Liza Minnelli o Natalia Millán.

Junto a Castaño, Alejandro Tous (Yo soy Bea) en el papel de Cliff y un grancanario, José Carlos Campos, quien da vida a Herman y al maestro de ceremonias más famoso de todos los tiempos: Emcee.

El espectáculo, que también clausurará la temporada 2016-2017 del Teatro Cuyás, está dirigido por otro antiguo conocido del público isleño, Jaime Azpilicueta, y producido por SOM Produce.

Responsable de éxitos en España como Sonrisas y lágrimas, Chicago, 40. El musical o Priscila, reina del desierto, la compañía traerá a Gran Canaria cinco grandes camiones y a un gran equipo formado por más de 50 personas y que hoy, horas antes del estreno en la isla, ha participado en un pase gráfico.

Considerado el musical por excelencia por canciones tan emblemáticas como Willkomen, Cabaret o Money, Money, la obra está ambientada en el Berlín de 1931 y muestra cómo dejarse guiar por el corazón para sobrevivir en un mundo que se desmorona.

Gobernado por su inquietante y divertido maestro de ceremonias (Emcee), el Kit Kat Club escenifica la convivencia entre el imparable crecimiento de la hidra nazi y la fingida normalidad cotidiana de los protagonistas: la cantante inglesa Sally Bowles y el novelista estadounidense Cliff Bradshaw o el romance otoñal entre Fraülain Schneider y el propietario judío de un floreciente negocio de frutería, Herr Schultz.

El elenco de este espectáculo, que tiene una duración de dos horas y media, con descanso, está recomendado para mayores de 12 años, lo componen un total de 21 actores, cantantes y bailarines a los que se suman otros tantos músicos.

Los músicos son Víctor Bruna y Alejandro Pérez (flauta, clarinete, saxo soprano y saxo alto), Francisco Jairo y José Ángel Vera (clarinete, clarinete bajo, saxo tenor y saxo barítono), Jonathan Badichi y Howard Brown (trompeta), Jorge Pastor y Héctor Penadés (trombón), Yuley Díaz, Pedro Arriero y Borja Arias (teclado y acordeón), Sara Vaquero y Marta Morán (violín), Xavi Sánchez y Dani Casielles (contrabajo) y Eloi López (batería).

Pedro Arriero, Borja Arias y Raúl Patiño ejercen como directores y pianistas y el último de ellos firma además la adaptación musical junto a Tomàs Peire y asume también la dirección musical.

Unos y otros interpretan el libreto de Joe Masteroff, la música de John Kander y las letras de Fred Ebb.

El Teatro Olympia de Valencia pondrá en escena -del 4 de marzo al 9 de abril- el musical 'Cabaret', un clásico del género “que nunca muere” y que llega esta vez a la capital valenciana en una “gran producción” llena de “vida y alma” protagonizada por Cristina Castaño y dirigida por Jaime Azpilicueta.

La actriz ha presentado este martes el espectáculo en una rueda de prensa en la que ha expresado su “honor y satisfacción” por poder formar parte de este montaje en el que “no se han escatimado gastos” para ofrecer al público una función “brillante y llena de glamour” pero, al tiempo, con un mensaje “más vigente que nunca sobre lo que el ser humano es capaz de hacer”.

Ambientado en el Berlín de 1931, 'Cabaret' -que cumple su 50 aniversario- se desarrolla en el Kit Kat Club, gobernado por su inquietante y divertido Maestro de Ceremonias y donde se escenifica la convivencia entre el imparable crecimiento de la hidra nazi y la fingida normalidad cotidiana de los protagonistas. Son muchas las canciones emblemáticas de esta historia, como 'Cabaret' o Money Money'.

Un elenco de medio centenar de personas, aproximadamente, integran el equipo de este 'Cabaret', que ha congregado a más de 200.000 espectadores durante su temporada en el Teatro Rialto de Madrid y realizará en Valencia su segunda estancia más larga tras la de la capital de España.

Entre los actores que intervienen en la función figuran también Armando Pita, Alejandro Tous, Amparo Saizar y Enrique R. del Portal, entre otros; la música es de John Kander; el libreto, de Joe Masteroff; el diseño de escenografía corresponde a Ricardo Sánchez Cuerda; el de iluminación, a Juanjo Llorens; el vestuario lo firma Antonio Belart y las coreografías, Federico Barrios.

Cristina Castaño --que ha recordado que su relación con el Olympia viene de largo (interpretó junto a Concha Velasco 'Las manzanas del viernes) y que siempre ha sido “muy bien recibida por el público”-- se ha mostrado convencida de que Valencia dará una muy cálida acogida a este nuevo proyecto.

Un título de récord

En este sentido, el empresario del Olympia Enrique Fayos ha recalcado que 'Cabaret' se representó hace 11 años en el teatro “con récord de funciones y público” y también ha augurado que en esta nueva versión repetirá el éxito. En la misma línea, José María Cámara, de Som Produce -la productora del montaje- ha aseverado que el espectáculo llega a Valencia “con el objetivo de convertirse en el éxito de la temporada y la gran cita” teatral en plenas Fallas.

El productor ha alabado, además, el papel que realiza todo el equipo y, en especial, el de Cristina Castaño, “quien ha conseguido rescatar de la memoria colectiva el personaje que había secuestrado Liza Minelli” en la versión cinematográfica de los años setenta. Aquí, Castaño ha subrayado que ha intentado darle a su Sally Bowles su propia “identidad y alma” y ha resaltado que el público “no echa de menos” las otras versiones del musical. “Cuando vienen a nuestro 'Cabaret' se olvidan de los otros”, ha afirmado la intérprete.

La artista ha agregado que poder dar vida a este rol es “un regalo”, puesto que le permite desplegar una inmensa variedad de registros para “tirarse a la piscina”. “Soy una actriz todoterreno”, ha dicho Castaño, que ha comentado que decidió dejar la exitosa serie de televisión 'La que se avecina' para poder abrirse a otros papeles. Ahora, ha apostillado, sé “qué tipo de actriz quiero ser”.

Este fin de semana comienza el ciclo 'En la cuerda floja', organizado por El Café de las Artes Teatro (CDAT) y patrocinado por Santander Creativa. Esta quinta edición arrancará con el espectáculo 'Cabaret'. Las diferentes funciones se desarrollarán este viernes 11 y sábado 12 de noviembre, a partir de las 20.30 horas, y el domingo 13 a las 17.30.

“La representación contará con la participación de creadores locales e internacionales, hará disfrutar del circo y de la música a los asistentes que descubrirán el trabajo de creadores emergentes y algunos otros ya consagrados”, expone la organización. Asimismo, 'Cabaret' ofrecerá una breve presentación de todos los espectáculos, talleres y actividades complementarias del certamen.

Entre los profesionales que participan, se encuentran el maestro de ceremonias y clown burgalés Javier Ariza, la mexicana Liliana García, experta en pole dance, la cántabra Vanesa Morán, profesora de trapecio, tela y aro, la italiana Lucrecia Maimone y el santanderino Sebastián Sobrado encargados de la manipulación de objetos y los portés, y el acróbata madrileño Andrés Vázquez de Prada.

Todo ello acompañado por la música en directo de Cristian Londoño (Bogotá) interpretada por los cántabros Alicia Trueba, Jesús Javier Alonso Reguilón y el propio Cristian. La iluminación correrá a cargo de Flavia Mayans.

Los creadores señalan que este es “el proyecto más antiguo, emblemático y ambicioso de Café de las Artes” y recuerdan que se puso en marcha en 2012 con la idea de “crear un espacio de exhibición y formación artística dedicado al circo contemporáneo en la región”. El formato continúa respetando el de las ediciones anteriores y ofrecerá varios talleres para profesionales de circo contemporáneo y espectáculos.

- Liberté, Egalité, Varieté. Cristóbal Tabares

- Comisaria: Semíramis González

- Sala anexa al Centro de Arte La Recova

- Santa Cruz de Tenerife. Hasta el 12 de octubre

Liberté, Egalité, Varieté es en un primer momento una galería de carteles de cine. Una reunión de actrices completada con elementos explicativos. Son descritas en planos enteros canónicos, en los cuales se representan poses, tejidos y complementos propios de las estrellas de Hollywood de los años cincuenta y cuya postura provoca la sensación de encontrarse frente a una repetición de una argucia promocional de mitad de siglo.

Lo cierto es que Cristóbal Tabares, artífice de las piezas, acompaña estos planos enteros y femeninos de un retrato masculino (también de corte clásico) y un breve texto de extensión variable de personalidades de prestigio. Estos dos primeros elementos se elaboran a partir de ejemplos fotográficos. A pesar de ello, existe algo en los rostros de las figuras que hace percibir una diferencia. Esta reside en que no se trata de un afiche excelentemente adaptado a pintura sino de un intercambio de géneros. Es entonces cuando acude la noción del travestismo nacido en los cabarets franceses fin-de- siècle, y continuado durante el XX, que sacó a la luz un amplio abanico de personajes protagonistas de los primeros espectáculos de corte nudista, homosexual y transgénero.

De este modo, ambos personajes se entrelazan. Ello conecta con un discurso y una lucha constante que mantiene el colectivo LGTBI por su reconocimiento en la sociedad actual y que refiere a la retórica de la pose preconizada por Amelia Jones a partir de la obra de la célebre performer Hannah Wilke. Jones advierte que la visión de los cuerpos en el arte feminista no puede asegurar ninguna diferencia sexual, o de cualquier otro tipo, y que ésta debe ser experimentada en un intercambio de sujetos corpóreos. Todo ello queda reflejado en los textos que acompañan a cada vedette, en los que se relatan sus inicios en la vida y variantes de los espectáculos de variedades. Estos personajes, ficticios o inspirados en personajes reales, se ven sometidos en cada escenario a la cosificación de la mirada masculina, que no comprende que la certeza de la diferencia solo puede comprobarse en el contacto de igual a igual.

Acierta Semíramis González, comisaria de la exposición, en el texto que acompaña a la muestra al señalar que esta tiene una fuerte carga política ya que, el debate de género, ampliamente asumido en el corpus del arte contemporáneo, prevalece en ciertos estratos sociales que se escudan en el viejo y rancio puritanismo heterocentrista. Así, las mujeres de Tabares -Cocinelle, April Ashley, Bettina, Bambi, Candy Darling o Cricri Mory- son un compendio que va más allá de la descripción de una liberación sexual pasajera y una vida entre humo, drogas, servicios y camerinos de un cabaret parisino. Se trata de un signo más de la represión histórica de los sujetos de deseo. El género hace tiempo que no existe. Cualquier recordatorio es necesario.

El Off Romà, en el escenario situado junto al Teatro Romano, nos trae el sábado, 30 de julio, el espectáculo 'Two ladies or not two ladies', de la compañía Cashalada, con Noelia Pérez y Josep Zapater.

'Two ladies or not two ladies' es un sugerente cabaret musical, una tragicomedia llena de humor, gamberrismo y ternura. Una oda a la supervivencia y la pasión que nos recordará que, sin amor, no somos nada.

En escena, dos artistas con una química y complicidad escénica fuera de lo común nos hacen una propuesta vinculada a la música sin dejar de lado la interpretación, con un repertorio específico y complicado, tanto en la reinterpretación de canciones conocidas por todos como 'Moon River', 'Je ne regrette rien' 'Whit or whitout you', 'Bésame Mucho' o 'Youkali', entre otras, como en la interpretación de las creaciones propias.

Josep y Noelia fueron los responsables de la música, la letra y la dirección musical, además de participar como actores, del espectáculo 'L'aneguet lleig', de Albena Teatre para el Teatro Escalante, que ganó en la última edición de los Premios Max el premio al Mejor Espectáculo Musical.

Sagunt a Escena sigue con la representación en el Teatro Romano, el domingo, 31 de julio, de la producción del Institut Valencià de Cultura de 'La hostalera, última función', de Carlo Goldoni, en una versión muy libre de su director, Vicente Genovés.

La compañía teatral Tricicle presentará el próximo viernes 23 y sábado 24 de septiembre en la Sala Argenta del Palacio de Festivales su último espectáculo, titulado 'Hits', con el que se iniciará la nueva programación para el último semestre del año. Además, desde el 29 de septiembre hasta el 2 de octubre, este mismo espacio acogerá el regreso de uno de los musicales más aclamados en los últimos años, 'Cabaret'.

En esta ocasión se trata de una gira para conmemorar el 50 aniversario de su estreno, que fue el 20 de noviembre de 1966 en el Broadhurst Theatre de Broadway, dirigido por el mítico Harold Prince.

50 años después, y tras consagrarse en Madrid como el gran éxito de la temporada con más de 200.000 espectadores, el musical se embarca en una larga gira de celebración por el territorio nacional. 30 ciudades con más de 500 funciones a lo largo de 70 semanas, ofreciendo a todos los amantes de los grandes musicales internacionales una oportunidad única para disfrutar de esta obra maestra.

Ambientado en el Berlín de 1931, el musical muestra cómo dejarse guiar por el corazón para sobrevivir en un mundo que se desmorona. Gobernado por su inquietante y divertido Maestro de Ceremonias (MCee), el Kit Kat Club escenifica la convivencia entre el imparable crecimiento de la hidra nazi y la pretendida normalidad cotidiana de los protagonistas. El musical cuenta con algunas de las canciones más populares de la historia del teatro musical, entre ellas 'Willkommen', 'Maybe This Time' y 'Cabaret'.

Humor en pequeñas dosis

El trío integrado por Joan Gràcia, Paco Mir y Carles Sans afirman que 'Hits' contiene “lo mejor de lo mejor de Tricicle”. Aunque han tenido que dejar a un lado sketches que alguien puede echar en falta, este será el espectáculo más largo de todos los que han hecho hasta la fecha.

'Hits' –acrónimo de Humor Inteligente Trepidante y Sorprendente– reúne doce sketches muy reducidos y un amplio resumen que cierra el espectáculo, compuesto de gags de corta duración.

Desde este viernes 8 de julio ya pueden adquirirse las localidades para ambos espectáculos a través de los canales habituales de venta del Palacio de Festivales.

Juan José Rodríguez (Málaga, 1977), alias Canco Rodríguez, lleva con naturalidad que una pequeña parte del público le identifique por su nombre. Sin embargo, pocos televidentes no reconocen a El Barajas, el descerebrado amigo de Chema en Aída. Rodríguez toma el relevo este jueves de Alex O'Dogherty como maestro de ceremonias en The Hole 2, y afirma que lo hace con ganas. Con ilusión por vivir la fiesta y también por demostrar al público otra faceta como actor, divertida pero que poco tiene que ver con su personaje más conocido. Canco Rodríguez habla de ello, de la seducción, de los prejuicios y de la alegría de vivir porque, para él, todo eso está asociado a la función que el Teatro Gayarre ofrece durante estos sanfermines.

Se estrena este jueves en Pamplona como maestro de ceremonias en The Hole 2.The Hole 2

Tengo unas ganas locas de ir a Pamplona en estas fechas, y vivir un poco las fiestas y si, encima, puedo trabajar, mejor que mejor. Supongo que la gente tendrá muchas ganas de disfrutar. Y este es un show que te activa y te pone las pilas, te da ganas de vivir la vida.

No tiene que ser fácil animar al público a que haga un pequeño parón en los sanfermines para acudir al teatro.

Lo que pasa es que ir a The Hole durante los sanfermines es continuar la fiesta, no es hacer un parón. Aquí la sangre te fluye igual que si estuvieras en la calle tomando algo. Por eso creo que tuvo éxito el espectáculo el año pasado durante las fiestas.

¿Dónde está el límite entre la provocación y el sexismo? Porque ya sabe que los carteles publicitarios de The Hole generan debate en Pamplona.The Hole generan debate

En The Hole la clave es provocar, lo que pasa es que desde hace tiempo se relaciona esto con un tema sexual, cuando en realidad se trata de un espectáculo que provoca un montón de cosas. Claro que hay una connotación sexual, pero yo diría que es más bien sensual que sexual, porque lo que más provoca ante todo son risas, también hay números de cabaret, circenses… En la cartelería es cierto que se juega mucho con la imagen, con los desnudos, porque eso tiene más reclamo que ver a un equilibrista. Pero lo cierto es que en el show vas a ver más a equilibristas que a chicos o chicas semidesnudos. Así que los carteles censurados por las calles de Pamplona nos hacen mucha gracia.

¿Es habitual?

Ha ocurrido en otras plazas, pero parece de otra época. Y hay mucha gente que, al ver esas críticas, comenta que se nota que quien lo hace no ha ido a ver el espectáculo. Porque luego te das cuenta de que no es para tanto. El mensaje de The Hole es positivo, esperanzador y te anima a no olvidarte de tus sueños. Y todo eso no tiene nada que ver con el tema sexual.

Entonces también se puede acusar a The Hole de emplear la imagen para atraer el público.The Hole

Claro. Es que la imagen, la seducción y el vestuario también están presentes en el show. Al final, lo mires por donde lo mires siempre puedes encontrar una crítica: ya sea porque vendemos humo y no hay desnudos o, por el otro lado, por lo provocadores que somos. La clave, al final, es que hablamos de un espectáculo que está triunfando en España y que Pamplona tiene la suerte de que los programadores del teatro hayan decidido arriesgarse con él en fiestas.

Igual el riesgo fue mayor el año pasado, porque la fórmula ya funcionó.

Y seguimos funcionando, también en lugares como Murcia, por ejemplo, Pero siempre es un riesgo, porque no sabes cómo va a responder la gente.

Y más ante un espectáculo tan difícil de describir. Hay monólogo, canción, cabaret, equilibrismo... y durante más de tres horas.

Nosotros necesitamos tener a la gente vulnerable, porque vienen con los códigos habituales de ver una obra de teatro. Por eso dura tanto, porque necesitamos una hora y media para desestructurar todos esos códigos, debilitarlos, para que el público empiece a soltarse de verdad. Para que lo vivan y se suelten, porque llegan a hacer cosas en The Hole que jamás se imaginaron que harían. Le preguntas a alguien si su pareja es la mujer de su vida, por ejemplo, y se sinceran y dicen No lo sé. Y la gente grita ¡Pero di que sí, hombre! (risas).

¿No tienen ganchos entre el público?

No, no los hay. Y se sabe porque es gente que luego vuelves a ver en una churrería cualquier día. Está claro que el espectáculo también depende de la gente: les puede gustar, pero si echan leña al fuego, no lo van a olvidar en la vida. Puede ser bueno o inolvidable.

Personalmente, para usted ¿qué supone ser el maestro de ceremonias de The Hole? Ya participó en Hoy no me puedo levantar, pero no sé si The Hole puede considerarse un musical.The Hole Hoy no me puedo levantarThe Hole

Para mí no es un cambio de registro, porque al final trabajo con la voz, la danza... cuestiones en las que me he cultivado, pero sí es verdad que The Hole me ayuda a romper con todos los personajes que he venido haciendo. Más cómicos, más alocados, muy al límite, y en este caso es más sensual, más atractivo, con comedia pero con un punto picante. Más que un reto, está siendo un cambio de imagen en mi carrera, y me sirve para demostrar que los actores en España tenemos una gran preparación, y no solo valemos para hacer el personaje de turno. Por eso también digo que lo bueno de Canco está por llegar.

Esta es la pregunta obvia de la entrevista: ¿cómo lleva que el público no le conozca tanto como Canco Rodríguez sino como El Barajas de la serie de televisión Aída?El BarajasAída

Es normal, si he estado llevando diez años con ese personaje; lo raro sería al contrario. No puedes pelearte con eso, pero sí que quiero transmitir al público que me acepte como actor y no como personaje. Y en España, por suerte o por desgracia, cuesta mucho. Y hay que hacerlo muy poco a poco.

En una entrevista en 20 Minutos afirmó que no le importaría probar en papeles más dramáticos...una entrevista20 Minutos

No es que no me importe, es que lo estoy deseando. Nunca me he puesto el límite de hacer solo comedia. Pero he hecho cine, televisión, teatro, musicales, ahora cabaret... al final he tenido mucha suerte. Son ya muchos años seguidos trabajando, y estoy agradecido me encasillen o no. Porque la mitad de mis amigos están en la oficina del Inem, por desgracia.

Se le asocia mucho con Aída, pero quería preguntarle también por la película La fiesta (2002), que fue un éxito con un presupuesto de 6.000 euros. ¿Es cierto que no cobró por aquel papel?AídaLa fiesta

(Ríe). No, no, no cobró nadie, ni actores, ni equipo técnico, ni directores... La fiesta fue un proyecto importantísimo, primero por conseguir terminar la película, pero luego también por cómo se sacaron 100 copias, que es una barbaridad. Fue una película adolescente universitaria hecha por adolescentes universitarios, así que sí, fue un antes y un después. Así ya tenía una tarjeta de visita al hacer una prueba y decía ¡Tengo una película! Además, se creó una especie de culto en torno a ella, como algo que no podías perderte si eras universitario.

Usted estudió tres años de Periodismo, ¿algo queda de eso?

Siempre queda algo. Tengo pasión por los medios de comunicación, por seguir la información, y también me enfadan muchísimo los posicionamientos de las empresas de comunicación. Pero eso te ayuda también a la hora de interpretar las noticias.

A través de su cuenta de Twitter se ha pronunciado, por ejemplo, contra la Ley Mordaza o contra el caso Zapata.el caso Zapata

La verdad, me cuesta creer que la gente se crea esta gilipollez [se refiere al caso Zapata], y que por peleas electorales consigan martirizar a un chico que hace cuatro años escribió unos chistes más o menos graciosos. Porque no se trata de criticar esos chistes, sino de atacar a ese partido que ha salido ahora que es Podemos. La gente tiene que darse cuenta de que cuando un partido hace una crítica a otro no es tan simple, y debe mirar cuál es el objetivo.

Héctor de Miguel no es tan conocido como su alias. Quequé, el humorista, el presentador de televisión y, ahora en Pamplona, el maestro de ceremonias de 'The Hole'; el variado y, para qué negarlo, polémico espectáculo que desde el pasado día 2 y hasta el 13 de julio puede verse en el teatro Gayarre. Sí, el de las piernas de mujer saliendo por el balcón. Esa publicidad, junto a los carteles de mujeres y hombres presumiendo de cuerpos cerca de las marquesinas de las villavesas, han generado duras cartas al director quejándose por la provocación. Quequé se muestra conciliador y lamenta que alguien pueda haberse sentido ofendido pero, insiste, el objetivo de esta función, mezcla de cabaret, humor, teatro y club, es “disfrutar de la vida”. Por eso, dice, pega tanto con San Fermín.

Pregunta. Desde el día 2 han tomado el Teatro Gayarre. ¿Cómo está siendo la experiencia?

Respuesta. Muy buena. El mismo día 2 la gente acabó entusiasmada, aplaudiendo la función de pie y diciendo cosas muy bonitas. De momento, está siendo una experiencia fantástica.

P. Siguen aquí prácticamente todos los sanfermines, pero no parece fácil sacar a la gente de las calles para meterla en un teatro.

R. Sí, desde el teatro nos comentaban que esta experiencia es casi nueva, pero que el año pasado funcionó muy bien y querían volver a intentarla. La verdad es que no nos podemos quejar. Esta semana está prácticamente llena, la gente está muy animada, y creo que la apuesta del teatro está saliendo muy bien.

P. Pero 'The Hole' no es teatro al uso.

R. Es un show, es una fiesta. Al final yo soy un loco que cree que el Gayarre es su casa y que ha invitado a sus amigos. Y creo que sales de la función con ganas de vivir. Por eso me parece que ese ambiente pega mucho con San Fermín.

P. Desde luego, el espectáculo ha llamado la atención. Empezando por esas piernas que salen de la fachada del Gayarre...

R. Sí, empezaron abiertas y ahora están de lado. Habrá sido el viento.

P. La publicidad la verdad es que es llamativa...

R. Sí, y los carteles también han impactado. Pero tengo que decir que la intención no es molestar a nadie. Me sorprende, con todo, que haya quien vea a una mujer y se asuste; imagino que quien reaccione así no va nunca a la piscina. Ha sido una situación extraña, porque esta campaña de publicidad ha asustado a puritanos y feministas. Es raro. Pero tampoco quiero alimentar todo esto y crear más polémica. El objetivo de 'The Hole' es divertir, no generar polémica.

P. Quizá tanto cuerpo expuesto a pie de calle no ha sentado bien.

R. Pero este espectáculo no es machista. Es, más bien, una actualización del cabaret. Además, no hay ese componente machista porque esa exhibición está muy equilibrada. Sí, se ven pechos, pero también penes.

P. Esa combinación del show, de tantos géneros diferentes, ha podido descolocar al público.

R. Sí descoloca, es verdad, Se trata de un espectáculo que junta muchos géneros, y algunos no son habituales por estos pagos. Pero he llegado a leer que este era un espectáculo pornográfico. Si así fuera, yo no estaría aquí. Creo que es una mezcla que puede atraer al público joven, pero no es machista. Es una historia, como se espera de una obra de teatro, que termina con un mensaje que puede llegar al 99% de la población.

P. Pamplona está más sensibilizada estos días con este tema, tras las agresiones sexistas vividas en San Fermín hace un año.

R. Puede ser que haya un exceso de celo, pero no me parece mal. A nadie nos gusta ver ese tipo de imágenes.

P. ¿Y cómo acabó usted en este espectáculo? Tras tanto monólogo y programa de televisión, ¿supuso un reto?

R. Fue una locura que me lo ofrecieran, y yo he intentado estar a la altura de esta locura. He intentado olvidarme de ese personaje que es Quequé, más pausado, serio y que habla de la actualidad, para hacer un trabajo actoral y convertirme en ese loco, enamorado de una rata, una especie de Hugh Hefner [el fundador de la revista 'Playboy'] venido a menos. Pero muy a menos. Y para ello, hice lo que hacen mis amigos actores, que es buscar referentes. Por eso digo que mi personaje es una mezcla entre Javier Gurruchaga y Pepe Rubianes.

P. Es decir, excesivo.

R. Sí, muy excesivo y barroco.

P. ¿Y eso agota?

R. Cansa sí. Sobre todo comparado con los monólogos, que te los pasas sentados en un taburete. Aquí bailo, canto...

P. Igual tiene que apuntarse al gimnasio.

R. Dios no lo quiera. Tengo amigos enganchados, que se han vuelto runners, pero yo no, no. Siempre digo que del deporte también se sale.

P. Entonces no va a disfrutar de los sanfermines, entiendo.

R. Es que esto es agotador. Si sales a las nueve, pues sí te da tiempo a comer tres pinchos de esos maravillosos que tenéis por aquí, pero los días de doble función acabo como un despojo. Hombre, algo veré, ya que estoy aquí. Pero tendré que elegir entre salir o madrugar y ver el encierro.

P. Hay quien hace las dos cosas.

R. Eso lo hace la gente joven. Yo estoy para que me quieran.