El 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida ya tiene hoja de ruta. Bajo el lema 'Clásicos del pasado, emociones del presente', el certamen se abrirá el próximo 3 de julio para ofrecer un despliegue de más de 150 representaciones en sus diversas sedes. La programación vuelve a destacar por la presencia de rostros muy conocidos y varios de ellos pisarán por primera vez la arena del Teatro Romano, como Miguel Ángel Muñoz, Lydia Bosch, Juana Acosta y Fernando Tejero.

El director del festival, Jesús Cimarro, ha presentado este miércoles una edición que define como un “punto de encuentro, reflexión y emoción compartida”. En total, el escenario principal del Teatro Romano acogerá nueve producciones, todas ellas estrenos absolutos, que abarcan desde el teatro de texto y el musical hasta el ballet y la danza.

La inauguración correrá a cargo del Düsseldorf Ballet Theater con la obra 'Spartacus' (del 3 al 5 de julio). Contará con la narración de Miguel Ángel Muñoz, quien ha recordado emocionado las raíces emeritenses de su “tata”, testigo del estreno de la 'Medea' de Margarita Xirgu en 1933.

La programación continuará con 'Electra Jonda', una coproducción del Festival con los Teatros del Canal, del 8 al 12 de julio, dirigida por Manuel Canseco con Carolina Lapausa, Juan Gea y María Garralón, a la que seguirá del 15 al 19 de julio 'Timón de Atenas' con Pepe Viyuela y 'Bacanal' del 22 al 26 de julio con un reparto encabezado por Carlos Hipólito, Toni Acosta y Juana Acosta. Del 29 de julio al 2 de agosto llegará el turno de 'La comedia de la olla' dirigida por Juan Luis Iborra y protagonizada por Carlos Sobera.

Agosto traerá el debut de Fernando Tejero en el festival con 'Cómicos en Rosa' del 5 al 9, y ese mes también supondrá el regreso de Lydia Bosch al teatro tras 37 años de ausencia con 'Fedra en los infiernos', que se pondrá en escena del 12 al 18 de agosto. José Antonio Lucía, Marcial Álvarez, Jorge Muñoz y Sara Jiménez serán los protagonistas de 'El viaje de Edipo'. El cierre de la edición, coomo es habitual, corresponderña a una producción extremeña, En este caso será el musical 'Las 9 musas' ,protagonizado por Angy Fernández, Carmen Conesa, Nerea Rodríguez y Clara Alvarado.

El festival mantiene su vocación expansiva con siete espectáculos en el Teatro María Luisa y la propuesta 'Agusto en Mérida'. Además, se recupera la extensión de Cáparra con una programación ampliada, que se suma a las sedes de Madrid, Medellín y Regina. Además de las representaciones teatrales, la edición de este año incluye ocho proyecciones de cine, seis exposiciones y más de 20 talleres y cursos, además de tres pasacalles, una decena de conferencias y encuentros como el IX Encuentro de Creadoras Escénicas 'Madres: vasijas rotas' y el VIII Encuentro de Periodismo Móvil y Cultura.

Como novedad, se concederá el I Premio Odiseo y Penélope, convocada por el Festival de Mérida y la Cátedra Vargas Llosa para reconocer textos teatrales inéditos de temática grecolatina, y se impartirá un taller de entrenamiento actoral en Mérida con el director José Carlos Plaza.

La 59.ª edición del festival más importante de Serbia y de la región yugoslava, el histórico BITEF, tendría que haberse celebrado en noviembre de este año. Pero el festival no tuvo lugar. Su director artístico, Miloš Lolić, dimitió de su cargo tras presentar su programación a la junta directiva del festival. El problema: el director intentó que la junta aprobase la inclusión de la obra de Milo Rau sobre el juicio a Gisèle Pelicot. Fue imposible. Una decisión tras la que se escondía la nueva realidad de la política serbia.

“Todo comenzó hace un año, en la edición en la que Milo Rau venía con otra obra, Antígona en el Amazonas. Se le encargó el discurso de inauguración y ahí dijo cosas que molestaron al gobierno”, explica Miloš Lolić, que ahora está también organizando un festival de guerrilla que tendrá lugar en Belgrado entre el 15 y 18 de diciembre. “Ha sido un año muy duro, han pasado muchas cosas en Serbia”, explica este director de teatro que emocionado confiesa a este periódico que él estaba en Belgrado cuando la ciudad fue bombardeada por la OTAN en 1999 durante 78 días. “Ese año hubo festival. Y también estaba antes, cuando era adolescente y había guerra en Yugoslavia. En esos años, aun sin dinero ni presencia internacional, el BITEF se siguió celebrando. Nada podía parar al festival, ahora tampoco lo harán”, concluye. 

Son varias las razones para explicar la cancelación de este histórico festival. La primera fue el citado discurso de Milo Rau. Un discurso donde el artista suizo confesaba su amor por el pueblo serbio, pero acusaba a la Unión Europea de connivencia con el régimen de Vučić. Concretamente, Rau denunció la prospección minera en los montes de Jadar para extraer litio a cargo de la empresa trasnacional Rio Tinto. En esos momentos el canciller Olaf Scholz acaba de visitar Serbia para concretar la prospección. El litio es fundamental para fabricar las baterías de iones de los coches eléctricos. 

“Scholz instó a los serbios a sacrificarse por Europa. Europa significa, por supuesto: Volkswagen”, dijo Rau en su discurso. “Ahí vi que el embajador alemán salió despavorido del acto”, recuerda Rau en declaraciones a este periódico. “Pero la gente aplaudía, no era un discurso contra Serbia, allí nadie está de acuerdo con la mina, es un proyecto que no ayuda a nadie, que no trae dinero, solo a la élite corrupta que facilitó el acuerdo. No es bueno para el país, va a destrozar el ecosistema. Y eso es lo que dije, que algunas personas que se llaman nacionalistas estaban destruyendo la nación con la connivencia de Europa”, continúa Rau. 

La segunda razón para la desaparición del festival es la deriva política de Serbia en los últimos años. Aleksandar Vučić comenzó su andadura en el Partido Radical Serbio, un partido de extrema derecha que apoyaba el concepto de la Gran Serbia. Ya en el siglo XXI formó el Partido Progresista Serbio junto a Tomislav Nikolić, con el que llegaría al poder en 2012. Nikolić fue presidente, Vučić primer ministro. En aquellos años Vučić defendió el europeísmo y se hizo mediador en el conflicto con Kosovo. Pero en 2016, cuando llegó a la presidencia, Vučić comenzó a mostrar su cara más reaccionaria. 

La política internacional de Serbia se basa en buena medida en la promesa de la Unión Europea de incluir como miembro a Serbia, algo que el país de los Balcanes solicitó formalmente en 2012. La tensión entre la UE y Serbia hoy es muy grande. Todavía mayor desde que su presidente decidió no condenar la invasión de Ucrania y sus lazos tanto con China como con Rusia cada día son mayores. Las relaciones entre Europa y Serbia penden de un hilo. Por eso, el discurso de Milo Rau tocó donde más dolía. 

Milos Rau movement

Milo Rau viene de estrenar The Pelicot Trial en el Dramatten de Estocolmo. Allí, también presentó su pieza Another Nobel Prize dinner. El día elegido no podría ser otro, el diez de diciembre, el mismo día del banquete de los Premios Nobel con los reyes. “En esta otra cena, en vez de los discursos del rey, se da voz a las 18 personas que hicieron implosionar los premios en 2018 cuando acusaron al ganador del Nobel de literatura, Jean Claude Arnaux y consiguieron que ese año el premio se suspendiese”, relata el director. “Creo que es una adecuada contrabalanza con The Pelicot trial, siempre que vamos por Europa la gente dice que, claro, que eso pasa en Francia que son todos unos pervertidos. Y no es verdad, el problema tiene que ver con un sistema, no con una nación”, matiza. 

Ahora Rau está por llegar a Belgrado junto a su equipo para estrenar esta obra que se estrenó en el Festival de Avignon y representa en escena el proceso judicial donde se narró con pelos y señales las repetidas violaciones que Gisèle Pelicot tuvo que sufrir. Desde que la obra fue censurada en Serbia en septiembre de este año, Rau, desde la plataforma de su festival en Viena, denunció la censura. La solidaridad en Europa corrió como la pólvora. 

No es la primera vez que el fascismo está tratando de destruir la democracia. No se van a detener. Por eso entendimos que teníamos que tejer una red solidaria transnacional

Milo Rau — Director de escena

Milo Rau es un gran director de teatro, pero también es un activista nato. Desde el Wiener Festival que dirige creó en agosto de 2024 Rau una plataforma política, Resistance Now, con motivo de la destitución del director del Teatro Nacional de Slovakia, Matej Drlička. Ese fue el nacimiento de lo que es hoy una de las grandes plataformas europeas que intentan luchar contra el intervencionismo político ante el crecimiento de la extrema derecha en Europa. 

Al intentar explicar las razones para crear este movimiento, Rau mira atrás: “Desde el 89 en Europa Central todos se apuntaron a la democracia como un negocio y dejaron fuera la ideología, una visión muy neoliberal que ha predominado hasta hace poco. Pero en un punto las elites neoliberales se unieron con los oligarcas a través de los movimientos nacionalistas. Y todo se volvió a ideologizar. Se comenzaron a cerrar instituciones culturales en Hungría, en Eslovaquia, en Eslovenia o Serbia. Comenzaron quitando el dinero y luego cerrando todo lo que fuera experimental o queer”.

El director suizo afirma que la derecha vio una posibilidad en el mundo de la cultura, “entendieron que esto de la guerra cultural era muy buena propaganda. Hoy todos hablamos de género, lengua y política familiar. Hasta hace poco se podía hablar de refugiados, de clases sociales, parece que hoy no”, afirma con cierta sorna. 

Rau cree que el momento que vive Europa es más que delicado. “La gente está votando por el nuevo fascismo, están cansados del régimen de la izquierda. Europa Central está viviendo una rusificación donde la democracia liberal es simple filosofía woke”, asevera. “No es la primera vez que el fascismo está tratando de destruir la democracia. No se van a detener. Por eso entendimos que teníamos que tejer una red solidaria transnacional porque cuando un artista es agredido por el intervencionismo político queda demasiado expuesto en su país, sin apoyos, como ahora ha pasado en Serbia”, explica. 

Serbia y la generación “posnada”

En Serbia todo es diferente desde que el 1 de noviembre de 2023, en la estación de Novi Sad, colapsó una marquesina y mató a 16 personas. Esa fue la mecha que prendió el fuego de la insurrección estudiantil al autoritario gobierno de derechas de Aleksandar Vučić. Nada ha vuelto a ser igual. Las protestas civiles que se han dado en Serbia durante estos dos años han sido históricas. Pero en la memoria, el presidente Vučić tiene la revolución de color en Georgia en 2003 que derrocó a Eduard Shevardnadz. No quiere que el país se le vaya de las manos y ha desplegado una política represiva y de control social que ha afectado a la esfera cultural.

En el año 2023 la ciudad de Belgrado promulgó una nueva ley que afectaba a los 14 festivales de la ciudad por la cual dentro de sus juntas directivas estaría presente el secretario de cultura de la ciudad para poder controlar las programaciones. Además, el Ministerio de Cultura del país retiró las ayudas en 2025 a aquellos festivales que le eran incómodos. Las consecuencias para el BITEF fueron directas. La dirección artística pasó de tener un mandato de cuatro a dos años. Se contrató a Nikita Milivojević que fue cesado tras el discurso de Milo Rau. Y se redujo el presupuesto del festival a la mitad, de 340.000 euros aproximadamente a 170.000. 

Con muy poco tiempo, a cinco meses del festival, se nombró Miloš Lolić director artístico. Lolić intentó reflotar el festival. La programación era pequeña, la obra de Milo Rau, Bros del italiano Romeo Castellucci y una programación de los nuevos artistas escénicos serbios. Pero todo se vino abajo con la negativa de Miloš Lolić a aceptar la censura impuesta por la junta directiva. 

Ana Janković, artista de 33 años de Belgrado, iba a actuar en el festival. Ahora, el día 16 de diciembre, estrenará en Belgrado su pieza, El suicidio como hecho social en el nuevo festival. Ana estudió en la facultad de artes escénicas de Belgrado, donde surgieron todas las protestas estudiantiles que han hecho temblar al país. Cuando habla de la realidad política que vive es rotunda: “Somos la generación posnada, vivimos en un sistema totalmente destruido, un sistema corrupto y lleno de nepotismo donde no cabe la justicia, la gente trabajadora o el conocimiento. Lo único que necesitas para sobrevivir es un carnet del partido que gobierna”, expresa con dureza. 

Al preguntarle por la importancia del nuevo festival el NE:BIFEST, la creadora serbia dice que “los estudiantes de teatro fueron los que comenzaron las protestas en este país y denunciaron las cosas que están pasando”. “Pero esto no pasa en los teatros, allí lo que se está haciendo no tiene nada que ver con la realidad serbia. Por eso es importante el festival, porque abre una brecha en un panorama escénico mudo”, concluye.

El NE:BITEF (el prefijo NE en serbio es tanto “no” como “independiente”) se hará sin que ningún artista cobre por su trabajo. Los espacios elegidos son bien simbólicos, aparte de la nombrada facultad de artes escénicas donde estrenará Rau, Romeo Castellucci exhibirá un filme de su obra Bros en el CZKD, un espacio emblemático de la contracultura en Belgrado que comenzó su lucha ya contra el gobierno de Slobodan Milošević en los noventa. 

Además, para rematar este festival de guerrilla donde la entrada será gratuita, los técnicos del mítico teatro berlinés de Erwin Piscator, la Volksbhüne, han decidido bajar hasta Belgrado para dar conciertos con sus bandas de punk Pink Wonder, Ubili Su Batlera y Anima. Las tres bandas tocarán bajo el lema: las luchas de los trabajadores olvidados. “Las futuras generaciones mirarán atrás y dirán ”ese fue el año en el que el BITEF volvió a nacer“”, concluye Milo Rau que también confesó a este periódico que teme no poder entrar en Serbia para el estreno del día 15, “me están avisando que puede haber problemas en la frontera, veremos”, dice con cierta cautela.

Un viernes de cada mes hasta el próximo mayo de 2026, el Teatro Moderno de Guadalajara acogerá a las 20:00 horas los 'Viernes de los cuentos', una actividad “para adultos” organizada por el Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara. Para esta edición el hilo conductor radica en la mitología. La entrada es libre hasta completar el aforo.

Estos cuentos y espectáculos “han sido seleccionados con todo el cariño, intentando que se mezclen diversos estilos y buscando esa sonrisa placentera que nos gusta ver en la cara de los espectadores y espectadora cuando salen del teatro”, explican desde la organización.

Programa de la temporada de 'Viernes de los Cuentos' 2025/2026

El 17 de octubre, los narradores Ana Griott y Renzo Ruggiero ofrecerán el espectáculo 'Mujeres de agua'. Se trata de una obra de narración oral y musical. Una narradora y un músico “nos llevarán a los paisajes sonoros del Mediterráneo, a la memoria del agua, donde por primera vez escuchamos el mundo y adonde regresamos. Allí nos encontraremos con los seres que viven en las aguas que fluyen, los seres que transmiten la vida: las mujeres de agua”, explican desde el Teatro Moderno.

El siguiente viernes, 14 de noviembre, la actriz Alicia Merino narrará 'Más que palabras'. En este caso son versiones de mitos y leyendas recogidos por la pluma de autores contemporáneos universales como Bernardo Atxaga, Manuel Rivas, Marguerite Yourcenar, Gioconda Belli o Magdalena Lasala (entre otros), y de relatos de tradición oral. Tratarán los temas universales (vida, muerte, libertad, amor, destino, dignidad, identidad) en un ejercicio escénico que “desea ser un modesto y teatral homenaje a todos los narradores y narradoras de cuentos”.

El 12 de diciembre, la obra 'Cuentos de un viajero' correrá a cargo del narrador Nelson Calderón. “Sí señoras y señores, me considero un viajero, alguien que amplió la casa, sí, porque es que yo antes era como si tuviera un salón, un comedor, un patio…pero me hacía falta una terraza para mirar mejor el mundo, y eso es España para mí…” Así comienza este monólogo que promete no dejar indiferente a nadie, donde entran en juego los mitos, el amor, el humor y la fantasía.

El 23 de enero de 2026, la narradora madrileña Aurora Maroto contará 'No todos los diablos tienen cuernos'. “Tres relatos nos llevan al filo de lo humano y lo sobrenatural: historias donde la suerte se tuerce en desgracia, donde el deseo puede tornarse en violencia y donde hasta los diablos pueden ser burlados”, explican desde el Teatro Moderno.

Para el 6 de febrero de 2026, el periodista y actor Carlos Alba, narrará 'El Pola: memorias de un quinqui'. El Pola -personaje propio de Alba- es “un quinqui reconvertido en educador social”. Criado en una 'colomina' de la Asturias industrial, cuenta leyendas urbanas y crónicas de barrio. Gran rockero, el Pola se ha juntado con auténticos cracks del rock and roll como Rafa Kas o Maxi Campán (de Fe de Ratas), y “siempre acompaña sus historias con una banda sonora de época”.

El 13 de marzo de 2026 el cuentista profesional Diego Magdaleno, “con más de veinte años de experiencia” narrará 'El Coso'. La sinopsis de este cuento es la siguiente: En Encinar de la Sierra, un pueblecito de Sierra Morena, ocurrió un hecho insólito. Anarquistas y demócratas, monárquicos y republicanos, católicos y ateos… se pusieron de acuerdo en algo. ¡El pueblo necesitaba una feria del ganado! Y se celebraría en la plaza El Coso. Fue una decisión que acarreó numerosos relatos y chascarrillos, así como un cambio en la historia del lugar.

El próximo 17 de abril de 2026 la narradora Ane Gebara ofrecerá el espectáculo 'Lo que las piedras me contaron'. “Leyendas de cascadas, miedos de aquellos que no conocían bien a sus vecinos, gigantes que ayudaban con los tejados y las parcelarias, casas destruidas y pueblos desaparecidos. Gente valiente y voces que callan”, describen desde el Teatro Moderno.

Este ciclo de cuentos finaliza el 15 de mayo con el espectáculo 'Tengamos un cuento en Paz', narrado por la actriz Yoana Siri. “Será una sesión de cuentos para orejas adultas donde la palabra se convierte en refugio y en espejo del que aprendemos. Pongamos el foco en la Paz, reflexionemos sobre la misma, practiquémosla, elijámosla. Si la Paz está en nuestras manos, pongámosla en el centro del cuento”, explican.

Para ampliar la información sobre los espectáculos en concreto se recomienda consultar la web de El Maratón de los Cuentos. Los 'Viernes de los cuentos' cuentan con el patrocinio del Ayuntamiento de Guadalajara.

Angélica Liddell ha ganado el Premio Nacional de Teatro 2025. El jurado ha destacado especialmente la repercusión de su obra Dämon. El funeral de Bergman (2024), con la que se convirtió en la primera artista española en inaugurar el prestigioso Festival de Avignon, señalando que “sintetiza una forma de trabajar crítica, que no hace concesiones e invita a la reflexión y el debate”. El fallo del premio pone en valor, además, que “la artista ha mostrado además otras creaciones como Vudú (3318) Blixen y Terebrante, con las que ha consolidado una carrera como dramaturga, directora e intérprete”. Se trata de un reconocimiento que concede el Ministerio de Cultura dotado en 30.000 euros.

El comité ha añadido que su trayectoria ha sido definida “por un lenguaje de enorme riesgo y calidad, que la ha confirmado como un referente dentro y fuera de España para la creación escénica contemporánea”. Dentro de poco Angélica Liddell cumplirá 60 años, de los cuales 35 los ha dedicado, incansablemente, al teatro. Desde El jardín de las mandrágoras en 1991 han pasado muchas cosas. Los primeros años fueron de prédica en el desierto madrileño, con obras fundamentales como El matrimonio Palavrakis (2001) o Once Upon a Time in West Asphixia (2002). De aquella época hay muchas leyendas, penetraciones en directo, orgías en escena, laceraciones, cuchillas que cortaban la carne de la artista. Son todas ciertas.

Todo comenzó a cambiar en el 2009 cuando Liddell estrenó en Barcelona Venecia dentro del Festival Nits Salvatges organizado por La Porta. Un solo monumental en que Liddell abordaba la guerra (sic) entre Israel y Palestina. Allí pasó algo, su teatro dio un vuelco, tan confesional, político como terrorífico y, además, su público aumentó. Ya no solo eran una escasa minoría madrileña que peregrinaba a salas independientes como Pradillo, La Panadería o La Cuarta Pared, quienes sabían el torbellino centrípeto que contenía el pecho y el teatro de la Liddell.

Pero su punto de inflexión fue sin duda La Casa de la Fuerza, que ese mismo año, 2009, se estrenó el Teatro de la Laboral de Gijón que dirigía Mateo Feijóo. Es quizá la gran obra, hasta que hace dos años estrenara Vudú (3318) Blixen, de esta inclasificable artista que ha revolucionado la escena nacional e internacional tanto por su escritura y su manera de entender la actuación como por su posición política y ética frente a la sociedad y la industria del espectáculo.

Con La Casa de la Fuerza se le abrió el mundo, llegó al Festival de Avignon y los franceses no podían creer la fuerza de su teatro, la adoraron. Angélica pasó de actuar ante treinta personas en la Casa Encendida en una performance apabullante como Lesiones incompatibles con la vida (en la que se laceraba la vagina a golpes de piedra) a que Marina Abramovic la visitase en el camerino y los teatros nacionales de Europa se la rifasen.

Ahí comienza la segunda vida de Angelica Liddell, en la que, por fin, puede producir a gran escala sus obras, con cada vez más grandes presupuestos y con largas giras. Los comienzos de trabajar en esa nueva dimensión no son fáciles, y no es hasta 2016 que llega otra gran puesta en escena ¿Qué haré yo con esta espada?.

Antes de esta gran obra, Liddell había abjurado de este país y dicho que no volvería hasta que se la tratase dignamente. Aunque es cierto que Liddell si recibió premios en este país (Casa de América en el 2004, el Premio Valle Inclán en 2007 o el Premio Nacional de Literatura Dramática en 2014) también lo es que tanto los teatros públicos como privados nunca arriesgaron por ella ni su teatro. Incluso hoy en día el espectador tan solo puede acercarse a su teatro en los pocos días que los grandes festivales acogen una o dos funciones de sus obras. Su última obra, Vudú, posiblemente la obra más determinante del siglo XXI de nuestro teatro, tan solo pudo verse dos días en Madrid.

Se trata de algo inexplicable cuando todo el sector, ya sea críticos, público o festivales internacionales, ya la reconocen como la gran creadora teatral de este país. Una creadora que además no es solo influyente por su teatro, sino también por su escritura. La editorial La Uña Rota lleva años publicando toda su obra, incluido ensayo y libros de poesía. La influencia de Angélica Liddell hoy va mucho más allá de la escena. Su influencia es patente en el cine, la poesía o el feminismo.

Su gran enfado con este país no era tan insospechado o gratuito y duró cuatro largos años. La pieza antes nombrada, ¿Qué haré yo con esta espada?, no pudo verse en España hasta 2018, cuando volvió a Madrid con esta obra y dos más, Esta breve tragedia de la carne (hermosa pieza en que Liddell se encerraba con miles de abejas en un cubículo de cristal) y Génesis 6, 6-7. Aquella Trilogía del infinito, pues así se llamó el ciclo, volvió a unir los lazos de Liddell con la ciudad que la vio nacer teatralmente.

Luego llegarían las piezas motivadas por las muertes de sus progenitores, Una costilla sobre la mesa: madre (2019) y Una costilla sobre la mesa: padre (2019), desgarradores trabajos que ahondaron en la concepción escénica de la creadora y en los que Liddell trabajó aun más sobre el duelo y la soledad.

Finalmente, en este resumen muy incompleto, es imposible no recordar el estreno hace dos años el estreno de Vudú en el Festival Temporada Alta de Girona, seis horas del mejor teatro destilado de Liddell que se antoja difícil de superar. Pero esto no ha acabado. Justo este sábado, dentro de la Bienal BOCA, bienal de arte lisboeta que este año tiene a España como país invitado, Liddell volverá a aparecer en Madrid, en el Museo del Prado. Lo hará la sala de las musas. Liddell volverá a aparecer entre Calíope, Clío, Euterpe y Urania. Nadie sabe qué hará, eso sí, lo hará siendo flamante Premio Nacional de Teatro. Algo quizá insignificante, pero bien merecido.

Además, es algo reseñable que desde que se creara este premio en el año 2000, es la primera vez que se otorga a una creadora del llamado teatro “posdramático”, una etiqueta que no contiene a la artista, pero que sí señala un teatro sin el que nuestra escena actual es incomprensible. Un movimiento que desde los años 90 sacudió el teatro de autor y de la dirección de escena tradicional proponiendo una estética y ética diferente, donde las disciplinas se mezclan, donde entra en juego el cuerpo como ente poético y político y donde la trama, la estructura narrativa y el sempiterno conflicto teatral no son el padre nuestro limitador de un arte, el teatral, mucho más poderoso y amplio. Otros nombres como Rodrigo García, La Ribot, Carlos Marquerie, Sergi Faustino, Roger Bernat, Cuqui Jérez, Oskar Gómez Mata o Juan Dominguez, por decir unos cuantos, han sido también premiados, en cierto modo, con este galardón.

En el año 2001, con motivo del estreno de El matrimonio de Palavrakis, escribía en una crónica para la revista Primer Acto: “Lo único que creo poder afirmar es que parece que esta artista, si no fuésemos tan paletos en este país, debería de contar con una infraestructura que desde que formó compañía no ha tenido”. Todavía está por ver cuándo veremos en algún teatro de una de las grandes ciudades de ese país una obra de esta artista en cartel durante más de un mes. Este premio lo es tan bien a la santa cabezonería de una artista que no claudicó, que puso el arte incluso antes que su propia vida. Un teatro desmedido, frontal. Un teatro de la profanación y el sacrificio. Profanación de los valores, de la moral y de lo sagrado donde no queda en pie ni la artista, ni mucho menos el público. Un teatro, en definitiva, que se resiste con toda su alma a la mediocridad, a la falta de trascendencia de esta época y que incluso batalla, sabiendo de antemano de su fracaso, contra la muerte.

Un total de 174.141 personas han asistido a las actividades de la 71 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, marcada por el menor tiempo para la preparación de su programación, pero también por una mayor presencia de producciones internacionales, una línea que se pretende continuar para los próximos años.

El director del certamen, Jesús Cimarro, y la consejera de Cultura, Turismo, Deporte y los Jóvenes, Victoria Bazaga, han sido los encargados de hacer balance de la recién finalizada edición, que se ha celebrado entre el 4 de julio y el 31 de agosto y calificada como “completa y diversa” y la más internacional. De hecho, el festival ha contado con propuestas procedentes de Italia, República Dominicana, Portugal, Polonia, Serbia, Hungría, Bulgaria, Suecia, República Checa y Cuba.

Según Cimarro, son datos para estar “razonablemente satisfechos”, ya que, además, en una de las extensiones, la de Cáparra, no se han podido hacer representaciones debido a que se están llevando a cabo obras de mejora.

Este hecho, sumado al escaso tiempo que la dirección del festival tuvo para programar la presente edición -la adjudicación de la misma fue en marzo-, ha llevado a una reducción de espectadores, que en 2024 alcanzó la cifra récord de 179.122. “Mantener las cifras no es fácil”, ha dicho Cimarro, quien ha remarcado la importancia de continuar por una apuesta completa y diversa, que compagina lo clásico y lo contemporáneo, “que emocione y haga pensar”, y que el público responda a todas las propuestas como así ha sido.

De las 174.141 personas que han asistido al conjunto de las actividades -obras teatrales, conferencias, exposiciones, teatro de calle, pasacalles y proyecciones-, un total de 127.624 corresponden a la programación escénica tanto en Mérida como en las extensiones de Madrid, Medellín, Regina y Roma, pues en esta edición hubo un intercambio de obras con la capital italiana.

En concreto, la programación del escenario principal, el teatro romano de Mérida, ha congregado a cerca de 90.500 espectadores para sus diez representaciones, entre las que ha destacado 'Los hermanos', con Pepón Nieto, Eva Isanta y Cristina Médina, que sumó cerca de 16.550 espectadores.

Se ha colgado el cartel de 'no hay billetes' en 23 del total de funciones, nueve de ellas en el Teatro Romano, dos en las representaciones de 'Ifigenia' en el Festival de Ostia Antica (Roma) y 12 en la programación complementaria de Mérida. Cimarro ha agradecido la respuesta “fiel e incondicional” del publico, así como la entrega de las novecientas personas, entre artistas y equipos técnicos, que han trabajado en el festival.

Dinamización del turismo

Por su parte, la consejera extremeña de Cultura ha remarcado la importancia de este festival en el contexto turístico, no solo de Mérida sino también para el conjunto de Extremadura.

“Es uno de los grandes elementos dinamizadores del turismo”, ha remarcado Bazaga. En este sentido, Cimarro ha anunciado la intención de encargar un estudio a la Universidad de Extremadura (UEX) para conocer el impacto económico del festival.

La edición de este año se ha cerrado con una recaudación de taquilla de 2,2 millones de euros y un superávit provisional de 600.000 euros, aproximadamente.

La dirección del festival ya trabaja en la confección de las programaciones de 2026 y 2027, pues, según Cimarro, “el mayor problema son las agendas de trabajo” de los artistas, de ahí que haya que comenzar “desde ya”.

Según ha expuesto Cimarro, la repercusión del Festival de Mérida generó más de 9.700 apariciones en medios de comunicación y redes sociales, con un valor total de publicidad de 28 millones de euros y de comunicación de más de 86 millones de euros. 

El ministro de Economía, Comercio y Empresa, el extremeño Carlos Cuerpo, disfrutó de “una emocionante noche” en la representación de la obra 'Jasón y las furias', que se pone en escena dentro del 71 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

Según ha publicado en la red social X, José Vicente Moirón y Carmen Mayordomo “lideran un reparto excepcional” en un espectáculo de la compañía extremeña Teatro del Noctámbulo “para disfrutar en un escenario único”.

Además, el ministro ha sido visto durante la mañana de este sábado por las zonas más comerciales y monumentales de Mérida.

La compañía extremeña Teatro del Noctámbulo ha puesto esta noche en escena la última obra de la 71 edición del Festival Internacional de Mérida, con el montaje 'Jasón y las furias', que “humaniza” los “esterotipados” personajes clásicos y pone ante el espectador sus miserias, reproches y acusaciones, para que decida y se posicione sobre las causas que llevan al trágico final.

Ya lo comentaba José Vicente Moirón (Jasón) en la presentación al hablar de su personaje: “los temas que se abordan surgen de manera absolutamente espontánea” porque a él, como actor, no le gusta decir al público cual es la verdad absoluta.

Como ya es habitual en los últimos años, una coproducción entre el festival y compañías de la región pone el broche a cada edición del certamen, y da, de este modo, proyección al talento teatral extremeño, en esta ocasión de la mano de una compañía que ya lo cerró en 2019 con 'Tito Andrónico', y que estará en escena hasta el 31 de agosto.

Como entonces, la dirección corre a cargo de Antonio Castro Guijosa y el texto de Nando López, que en esta ocasión ha optado por crear uno original a partir de fuentes clásicas del mito, con un plantel de actores que repiten en su mayoría, encabezados por José Vicente Moirón.

Esa complicidad de equipo se traduce en un solvente trabajo, con un José Vicente Moirón omnipresente (en escena casi la más de hora y media que dura la obra) y con una Carmen Mayordomo como protagonistas, consciente del peso que supone dar vida a una Medea que ya han representado grandes del teatro en Mérida.

Mirada contemporánea a mitos clásicos

Este 'Jasón y las furias', según el propio autor, quiere dar una mirada contemporánea a los mitos clásicos, centrándose en el origen de la tragedia y no en su conocido y terrible final, en el que Medea da muerte a sus hijos para vengarse de Jasón, que la ha abandonado para casarse con Creusa (Lucía Fuengallego), con cuya vida también termina.

Por ello, va al inicio, a como se conocen, a su viaje en busca del vellocino de oro y a su historia de amor, que según Jasón nunca fue tal “sino un trueque” en el que ambos salieron beneficiados.

En este recorrido es imposible no reconocer las distintas formas de violencia que se siguen sufriendo en el siglo XXI, desde la vicaria a los genocidios o las tiranías, sin olvidar la migración.

También se analiza la figura del héroe y la mirada que Jasón hace de sí mismo, con preguntas para poder entender qué es lo que ha hecho tan mal a lo largo de su vida para que el final haya sido tan cruel, como es la muerte de sus hijos, de la que ambos se culpan mutuamente, con la excusa de que todo su proceder es por el bien de los pequeños.

La pregunta de que hasta que punto el ser humano es consciente de que la acciones con las que se mueve en su vida siempre tiene unas consecuencias, no siempre positivas, pese a que creamos que estamos en la senda correcta, siempre está en el ambiente.

“No estaba en mis manos su supervivencia” o “juré y no mentí, solo me equivoque”, asegura Jasón, cuando se le acusa de haber llevado a la muerte a los argonautas, sus compañeros de viaje, en su propio beneficio, o de haber jurado amor eterno a Medea.

Jasón no se siente responsable de sus actos y aunque al final intenta redimirse, dejando de mentir y engañar, como le piden las furia, no lo consigue, y está condenado a vivir con el dolor por la pérdida.

Una lectura contemporánea de 'Memorias de Adriano' llegará este miércoles al Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida para invitar a la reflexión, devolver a la ciudadanía la esperanza y presentar a un gran humanista encarnado por Lluís Homar.

Basado en la novela homónima de Margarite Yourcenar, y bajo la dirección de Beatriz Jaén, que se estrena en el certamen extremeño, el montaje ha sido presentado este lunes en rueda de prensa por el director del Festival, Jesús Cimarro, los miembros del reparto y autoridades locales y regionales.

Coproducido por el certamen emeritense y el Teatre Romea, dará voz al primer emperador romano nacido en Hispania cuando, próximo al lecho de muerte, decide escribir a su sucesor -Marco Aurelio- una misiva que se convierte en viaje filosófico y espiritual.

Se presentará de este modo a un emperador “más actual que nunca” pese a haber gobernado el imperio romano en el siglo II d. C., a un político que habla al corazón pero también al pensamiento, ha explicado la directora del montaje. Un emperador, ha destacado Jaén, que “hizo de todo”, que fue a la guerra a la par que mostró un gran humanismo y fue amante de la belleza y la cultura.

Gracias a este personaje “complejo”, las reflexiones volverán a ponerse “en el centro de la vida”, así como la contraposición de ideas “y, sobre todo, el querer escucharnos”, ha expresado. De hecho, ha confesado que la obra de Yourcenar ha conseguido devolverle la “esperanza” en una política cargada de verdad, “en un intento de hacer las cosas bien de corazón, sabiendo que siempre hay luces y sombras”.

Para trasladar esta sensación al espectador, la obra presentará una especie de Despacho Oval que acabará convirtiéndose en cualquier lugar y en cualquier tiempo para, desde él, emprender un viaje con el emperador a lo largo de distintos momentos de su vida.

El de Adriano, ha dicho Lluís Homar, es uno de los personajes “extraordinarios” que ha interpretado a lo largo de su carrera y lo hará en esta ocasión para presentar una “nueva mirada” del texto de Yourcenar, aunque fiel al original.

El actor y director teatral catalán, que volverá a pisar la arena del Teatro Romano por cuarta vez, lo hará acompañado de otros cinco artistas -Clara Mingueza, Álvar Nahuel, Marc Domingo, Xavi Casan y Ricard Boyle- que conforman el séquito que acompaña a Adriano, o a cualquier mandatario actual, para, entre todos, ofrecer una “historia compartida”.

Todo ello, ha lamentado Homar, en unos momentos en los que “el todo vale” y en los que “parece mentira que un político no pueda tener ese mínimo de sensibilidad indispensable”. “Todos somos Adriano, pero todos somos Trump también”, ha expresado el actor alegando acto seguido que “por desgracia, esta es la naturaleza humana” y que en la mano de cada uno está decidir en qué lado de la palestra se sitúa.

Jesús Cimarro, por su parte, ha definido a 'Memorias de Adriano', que se podrá en escena hasta el 10 de agosto, como un “espectáculo de referencia”, un texto lleno de lirismo y admiración hacia un personaje helénico, que ya fue protagonizado por Pepe Sancho en el Festival de Mérida hace 19 años.

Tomará el relevo de 'Electra' que, protagonizada por María León, ha reunido a 11.863 espectadores en Mérida en una semana en la que se han cerrado las representaciones en la extensión del Festival en el teatro romano de Regina y en el Teatro María Luisa de la capital extremeña.

Vengar una muerte con otra muerte. Más allá de la reflexión sobre lo justo o no del acto y de lo que haría cada uno de nosotros, la 'Electra' de María León es también una historia de determinación e insumisión a los roles de género para restaurar, por decisión propia, el honor familiar en la paradoja de igualarse a su víctima, su madre.

En su estreno en el Festival de Mérida, un inmenso piano de cola protagoniza la escenografía y acompaña musicalmente durante toda una función de emociones dispares, como el amor, el odio o el sufrimiento, para una Electra sureña y racial en la actriz sevillana, que, aflamencada, en algún momento canta, baila y zapatea sobre el escenario.

La casualidad ha querido que María León logre su sueño de debutar en el Teatro Romano el día en el que ha cumplido 41 años.

La obra, en versión de Eduardo Galán y dirección del argentino Lautaro Perotti -quien incluye varias referencias a sus raíces, como un tango-, habla de sed de venganza, del ‘ojo por ojo, diente por diente’ (ley del talión) que lleva a una espiral de odio y violencia, de la necesidad de justicia bajo la óptica de cada personaje.

Pero, sobre todo, habla de identidad y de motivaciones, de los sentimientos y emociones que rigen el comportamiento de los seres humanos, en un ejercicio por entenderlos.

El germen de esta familia quebrada -cuya trama es de las más representadas en el festival, la primera en 1934 con Margarita Xirgu- se halla en el sacrificio de Ifigenia por parte de su padre, el rey Agamenón (al que da vida en este montaje Patxi Freytez).

Al regresar a su hogar en Micenas tras años de guerra, se enfrenta a las miserias domésticas y acaba siendo asesinado por Clitemnestra (Elisa Matilla) en su anhelo de resarcir el daño por su hija y de vivir en libertad, y desde el poder, su amor adúltero hacia Egisto (Alejandro Bruni).

Esto sucede en una época en la que, con ánimo de arrinconarlas, las mujeres eran mal juzgadas, con una doble vara de medir según el género.

Una Clitemnestra, por tanto, dueña de su destino como se muestra su hija 'Electra', lo que le asemeja a ella pese al odio que le profesa en su deseo de venganza por la muerte de su padre, una preferencia afectiva por la figura paterna que con el tiempo dará nombre al complejo de Electra.

Por su propia mano, la protagonista de este drama dará muerte a su madre -en otras versiones el brazo ejecutor es su hermano-, materializando el dicho de que “la violencia engendra violencia”, pero en lo que -como advierte al inicio de la obra- no busca perdón, solo quiere que se sepan sus motivos: “tal vez alguno de ustedes habría hecho lo mismo o no”.

Es la primera de las tres conductas ante las injusticias que plantea la obra, las otras dos estarán personificadas en sus hermanos: Orestes (Santi Marín), que se debate en esa dualidad 'hamletiana' de conflicto interior e indecisión sobre si actuar o no; y Crisótemis (Pepa Gracia), que se mantiene al margen para no sumar más dolor al dolor.

Mientras que para unos la venganza es sinónimo de valentía y que la verdad ocupe su lugar, para otros es dejar que el odio nos consuma y permanecer desdichados e infelices.

El montaje, que no llega a 90 minutos, pone el foco además en una historia que permanece durante los siglos hasta nuestros días: la de muchas mujeres que sufren una injusticia, pero no hay ley ni poder judicial que las ampare, por lo que invita a reflexionar sobre cómo atender a esto podría evitar otras tragedias futuras.

De las manos del actor y pianista Nacho Machi, que encarna a Pílades, emanarán las notas que envuelven esta función donde los personajes se mueven con acierto por y alrededor de la estructura con forma de piano, como piezas de un sólido engranaje, y dejando prácticamente desnuda ante el público la majestuosidad del Teatro Romano.

El Festival Grec ha cerrado la edición de 2025 con 127.724 espectadores y una media de ocupación del 80%. Se trata de un descenso se cerca de 9000 espectadores respecto de la edición anterior, en la que se alcanzaron los 136.573 espectadores, dato al que la organización ha restado importancia asegurando que se debe a que este año el festival se ha repartido más por la ciudad, con menos espectáculos centralizados en el anfiteatro griego de Montjuic.

Lo cierto es que a lo largo de cinco semanas, la 49ª edición del Grec ha vendido todas las entradas de montajes como Rozalén, Sidi Larbi, Pau Riba: Dioptria 55 o La noche del músico alto, aunque de la mayoría han quedado asientos libres. El festival terminará oficialmente esta noche con Hécube, no Hécube, de la Comédie-Française.

Esta ha sido la primera temporada dirigida por Leticia Martín, de la que los organizadores han destacado que “fortalece el trabajo en red local e internacional” y “consolida las coproducciones como motor creativo del festival”, con 97 espectáculos en 42 espacios de Barcelona alcanzaron el 68%. Los montajes impulsados directamente por el Grec alcanzaron el 80% de ocupación, mientras que los gestionados con otros equipamientos de Barcelona.

En este sentido, el Festival Grec ha programado directamente 39 espectáculos, con 76 funciones y 51.535 personas, una ocupación del 92%. Por el contrario, la programación realizada por otros equipamientos que han formado parte del Grec ha ofrecido 58 espectáculos, con 337 funciones, 73.302 personas y una ocupación del 68%. En este punto hay que sumar otras actividades organizadas con 2.887 personas.

Entre los espectáculos propios del Grec 2025 cuando han tenido más éxito ha habido la inauguración de Le petit cirque con un 99% de ocupación y Rozalén, Sidi Larbi, Pau Riba: Dioptria 55 o La noche del músico alto con un 100%. Otros montajes que han ofrecido teatros de Barcelona han vendido todas las entradas como Faustus in africa en el Teatre Lliure, Analphabet en el Lliure de Gràcia, No en el Espai Lliure, David y Alfredo lagos en el CCCB o la performance Teatro de campaña en el Arc de Triomf.

67% de público de Barcelona

Según explicaron en rueda de prensa, el Grec tuvo una destacada presencia de público barcelonés. En concreto, un 67% de los espectadores fueron de la ciudad de Barcelona, un 11% del área metropolitana y un 12% del resto del territorio catalán, con presencia puntual de público de Girona, Tarragona, Lleida y otros puntos del Estado. El concejal de Cultura e Industrias Creatives del Ayuntamiento de Barcelona, Xavier Marcé, ha aplaudido que el análisis realizado de las entradas vendidas refleje una “fidelización consolidada”, con un 64% de público recurrente y un 36% de nuevos espectadores.

En cuanto a los hábitos de asistencia, predominan las compras en pareja (44%), seguidas de las entradas individuales (28%) y de los pequeños grupos (20%), mientras que un 2% ha realizado compras de más de diez entradas. Este año se han vendido 2.878 vales regalo, que equivalen a 8.148 localidades, el 16,88% del total de entradas. También se registraron 307 abonos, con un total de 1.442 entradas. En cuanto a los descuentos, los más utilizados fueron los de menores de 30 años (8,29%) y los del carné de Bibliotecas de Barcelona (6,79%).

50 años del Grec Festival

Durante la rueda de prensa tanto el concejal como la directora han celebrado el cierre de la 49 edición y han dicho que ahora las energías se centrarán en la celebración de los 50 años, prevista en junio de 2026.

Martín ha avanzado que la 50ª edición se podrá preparar con más calma y no será necesario “correr tanto”, con diálogo con todo el mundo y será “más interesante”. “Compartiremos la celebración de los 50 años con la democracia y con el Teatre Lliure. Algo haremos juntos”, ha avanzado.

Por su parte, Marcé ha evitado confirmar si el Ayuntamiento de Barcelona dotará de mayor presupuesto al festival para la celebración, pero ha dicho que cuando se producen estas efemérides, se suele hacer. Todo ello estará condicionado a la aprobación de los presupuestos del consistorio.

El 26.º Festival de Teatro de Olite ya ha cruzado su ecuador y se encuentra en su etapa final. Desde el 18 de julio hasta el 3 de agosto, el teatro se toma los distintos escenarios de la localidad Navarra, incluido la tarima de la Cava, en pleno Castillo de Olite. El pasado 26 de julio, la organización del festival reunió en el Enozentrum de Olite a varias compañías navarras en un encuentro retransmitido por EiTB y dirgido por el experto en artes escénicas Galder Perez. Las Nenas, Ion Iraizoz, Mikele Urroz Zabala, Qabalum, Itsaso Iribarren y Germán de la Riva fueron las agrupaciones acudieron al llamado.

Las Nenas, compuesta por Ane Sagüés, Cristina Tomás, Maddi Muñoz y Jon Muñoz, ha presentado “Torcidxs”, una puesta en escena sobre “divas desubicadas y artistas martirizadas que se juntan con autotune, humor, ironía y poesía”, según ha comentado Tomás. Una “metaobra” que trata sobre la estética, haciendo saltos entre realidad y ficción, buscando “incomodar” al espectador y privarlo de cualquier sensación de seguridad. Para Sagüés y Tomás, presentarse en Olite se asemeja a “un espiral que avanza”, pues vuelven a uno de los lugares donde empezaron su carrera artística. Ellas fueron parte de una residencia artística en Olite, un espacio abierto por los festivales de teatro donde se fomenta el desarrollo, formación y producción artística.

Diego Pazó y Lucía Burguete han dirigido 'Todo este ruido', junto a su compañía Qabalum. El nombre del grupo toma el nombre de un poema de Carlos Oroza que habla sobre un viaje sin rumbo por el espacio. Inspirándose en imágenes relacionadas con la física y la mecánica de los objetos, fueron ensamblando una coreografía imposible de plasmar tal cual en un dosier o en una sinopsis. “Muchas cosas a lo mejor no se traducen de una forma literal en la descripción de una obra. Te inspiras de muchas cosas, pero luego tienes que pasarlo al filtro del cuerpo, por lo cual hablar sobre la obra es algo accesorio, hay que verla para entender lo que está ahí”, ha explicado Pazó.

Otro aspecto particular de 'Todo este ruido' recae en la participación de un actor no animado, un dron que interactúa con el reparto toda la obra. Representando el papel de la tecnología en la sociedad actual, y la vigilancia que puede realizarse a través de ella, el dron ha sido uno de los focos del espectáculo. “Tiene mucha personalidad el dron, pero luego lo ves y no deja de ser una máquina”, ha añadido Burguete sobre el papel principal, pero complementario al toque humano que aporta.

Por su parte, Ion Iraizoz presentará el 31 de julio en la Cava la obra “Instrucciones para Alberto González”, una comedia existencialista que gira alrededor del personaje Alberto González, un nombre genérico que podría ser sustituido por cualquiera. “Alberto González busca a otra persona para que le sustituya la vida. Es un juego escénico en donde se coge a otra persona y se le enseña a ser yo durante un tiempo. Además, el nombre es un guiño, todos somos Alberto González”, ha esclarecido Iraizoz. El juego entre la realidad y la ficción hace posible la ideación de un personaje singular y común como Alberto González. “Trabajo con esta idea de ensanchar un poco lo que entendemos como real. Esta es la premisa de la pieza, que lo fantástico pueda ser parte de lo real, una realidad expandida”.

Itsaso Iribarren y Germán de la Riva son un par de investigadores y doctores en bellas artes que llevan trabajando en equipo 20 años. Su propuesta en esta edición del festival se basa en un paseo sonoro en la localidad de Pitillas que tendrá lugar el 2 de agosto. “A esta pieza la hemos titulado 'Resonancias' y viene en el formato de paseo sonoro que busca mezclar diferentes lenguajes para transitar. Es una invitación a resonar con el territorio y con la localidad”, ha descrito De la Riva. “Es un concepto muy coreográfico el tema de moverse juntos. Hay filósofos que plantean que ante la aceleración, se puede resonar al ritmo de la naturaleza y de otras personas”. El paseo se inspira en el concepto de “resonancia” del filósofo Hartmut Rosa que establece la relación entre el cuerpo, el espíritu y el mundo experimentable.

Mikele Urroz presentará el 1 de agosto la pieza 'La Montaña', una obra que nació de una de las residencias artísticas creadas en la edición de 2023 del Festival de Teatro de Olite. En forma de monólogo, trata sobre un alpinista que se embarca en una expedición para afrontar una crisis interna. Un montañero que tuvo que abandonar la montaña y se ve obligado a volver a ella.

Límites en el proceso de creación

Durante el encuentro, uno de los temás que sobre el cual se profundizó fueron los límites en el proceso de creación para los artistas. La indumentaria, el tiempo, la viabilidad de una idea, la dificultad de traducir un pensamiento a la realidad y demás obstáculos fueron mencionados dentro de las limitaciones a tener en cuenta.

“Yo creo que el tema de los límites es algo beneficioso, pues es tener un espacio y unas condiciones de producción. Puede que limiten lo que se pueda hacer, pero siento que es un dialogo constante entre lo que se quiere y lo que se puede hacer”, ha opinado De la Riva. Otros, como Iraizoz, comentaron que ellos son quienes a veces si autoimponen límites. “A mí me preguntaban por ejemplo si iba a utilizar vídeo en directo, y yo pensé que no sabía cómo iba a hacer, pero no iba a usarlo”.

Iraizoz también expandió sobre la importancia de las residencias en todo el proceso de creación. “En las residencias se conecta con el impulso creativo de una pieza, y a veces hace falta tiempo para llegar al resultado. Ese tiempo es fundamental para que las ideas crezcan y evolucionen, y a veces no se tiene que limitar al resultado”.

Pazó introdujo una frase de Giacometti para intentar explicar los límites creativos a su vez. “El pintor decía que las obras de arte no se terminan, se abandonan. Hay un momento en el que se tiene que empezar con algo nuevo y luego a lo otro abandonarlo. Hay que saber el límite del universo creativo de una obra, no se puede seguir dedicando el mismo tiempo a la misma cosa”. Resaltaba asimismo la importancia de dejar de lado los intereses individualistas de querer continuar con un proyecto y empezar a escuchar lo que el producto mismo pide y hasta cuándo puede seguir ofreciendo algo valioso.

Cumplir las expectativas

De igual forma, también se abordó el tema de las expectativas que surgen al terminar un proyecto. “Muchas veces se va a ver una obra de la que se tiene una expectativa enorme porque lo han vendido con anuncios o campañas publicitarias, y luego llegas y piensas que si no hubieras tenido esas expectativas te lo habrías disfrutado más. Sin embargo, como llegaste pensando que iba a ser algo inmenso, no te lo pasas bien”, ha opinado Pazó. Además, también considera que es necesario “domar el caballo” porque el artista se puede encontrar a cualquier público, por lo cual no se sabe cuál va a ser su valoración ni sus prejuicios.

Iribarren por su lado ahondó sobre la presión generada por recibir una subvención o una ayuda en el ámbito artístico. “Es una cuestión de responsabilidad, pues son fondos públicos y se debe hacer un buen uso de ellos. Además, al final el arte es para el artista, pero deja de ser suyo en el momento en el que se presenta y pasa a ser del público”.

Una 'Electra' con “mucha tripa y mucho corazón”, encarnada por la actriz María León, protagoniza el ecuador del Festival de Mérida, en una versión de Eduardo Galán bajo la dirección de Lautaro Perotti, que indaga en las circunstancias de los personajes, no para “justificar” sus actos, sino para “entender” por qué actúan de ese modo, en un acercamiento más genuino.

El director del certamen, Jesús Cimarro, acompañado de miembros del reparto y del equipo artístico, así como autoridades locales y regionales, ha presentado este drama que, según ha dicho, “sorprenderá”.

Escrito a partir de textos de Eurípides y Sófocles, se pondrá en escena del 30 de julio al 3 de agosto en el Teatro Romano, donde más de 15.400 personas han disfrutado de las distintas funciones de su antecesora 'Cleopatra Enamorada, El Musical'.

En la presentación han destacado el “privilegio” y la “emoción” de estrenar en este insigne escenario, tanto por parte de quien repite: Eduardo Galán por quinta vez como para quien debuta como es el caso del director y la actriz sevillana. Los tres ya habían coincidido en la adaptación teatral de 'Casa de muñecas'.

De la versión de 'Electra', Lautaro Perotti ha indicado que no solo habla de los grandes temas: deber, deseo, necesidad de justicia, de cumplir mandatos heredados o de poder revelarse ante ellos; ahonda en la realidad de cada personaje, las circunstancias que los atraviesan, como una forma, no de justificar sus actos, que son reprobables, pero sí de entenderlos, en un ejercicio “de mucha valentía”.

Son momentos de la humanidad donde, una vez más, “las guerras y la muerte están muy cercanas”, por lo que, ha dicho, la obra reflexiona sobre el hecho de que llegar a entender al otro, alcanzar acuerdos, permita evitar determinadas hechos y conflictos.

En una referencia a la actualidad, el autor Eduardo Galán se acordaba de Ucrania o de Gaza: “¿qué hemos aprendido? ¿estamos dispuestos a matar para conquistar o para defendernos?”, a lo que ha añadido que “si el teatro nos ayuda a encontrar algún camino de conciliación, de entendimiento, donde la violencia quede desterrada, chapó por el teatro, chapó por el festival”.

Su 'Electra', María León, se ha mostrado “muy afortunada” de esta “oportunidad inmensa” que le permite seguir creciendo, en lo personal y en el mundo de la actuación, que ha definido como “el amor de su vida” y uno de los motores“ que le mantiene cada día en pie, en esta ocasión: el teatro, que es la ”esperanza humana“, un buen sitio ”de cura interna y de cura para todo el público“.

“Como actriz doy las gracias porque ya me puedo morir tranquila después de actuar en Mérida”, ha señalado la intérprete, que dice sentirse muy nerviosa, de “ilusión y compromiso”, por dar vida a esta Electra, un persona que tiene “mucha tripa y mucho corazón”, y a la que le une, pese a todo, un gran “parecido” a su madre, Clitemnestra.

A ella pondrá voz la actriz Elisa Matilla, que ya participó en el Festival de Mérida con la obra 'Miles Gloriosus', y que ha defendido a este tipo de personajes femeninos, que eligen su sexualidad o el poder, las cuales han sido “mal juzgadas”.

En este drama Patxi Freytez representará a Agamenón, que al volver de la guerra encuentra a su familia absolutamente quebrada, y Santi Marín, a la “dualidad” de Orestes.

La extremeña Pepa Gracia, que se estrenó hace 25 años profesionalmente en este festival de la mano de Juan Margallo, se meterá en la piel de Crisótemis, que elige vivir al margen del conflicto, mientras que Egisto será encarnado por Alejandro Bruni, en su primera vez en el festival y también como visitante del imponente Teatro Romano que pone “los pelos de punta”.

Por su parte, Nacho Machi interpretará a Pílades, amigo de Orestes y acompañará a todos los personajes en sus vivencias a través de la música que emanará de sus manos al piano.

El actor Juan Echanove ha defendido la necesidad de mantener el actual Gobierno de Pedro Sánchez para impedir la llegada de la ultraderecha y un posible futuro gobierno de PP y Vox.

En una rueda de prensa celebrada este jueves 24 de julio en el marco del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, horas antes de recibir el Premio 'Lorenzo Luzuriaga' que otorga el sindicato UGT, ha afirmado que el Gobierno “está en una situación muy endeble” y que “la amenaza de la extrema derecha es lo único que mantiene vivo este gobierno”.

A preguntas de los periodistas, el actor ha asegurado que, “mientras el riesgo sea ese”, considera “importantísimo mantener este gobierno”, y ha advertido del “retroceso de derechos” que se está produciendo en “comunidades autónomas donde gobiernan la derecha y la ultraderecha”.

Echanove ha reivindicado su ideología sin matices. “Me considero progresista, de izquierdas, nunca lo he ocultado, no me duelen prendas”, ha señalado.

“Consternación por Gaza”

Durante su intervención, el actor ha ampliado su mirada al contexto internacional y ha expresado su consternación ante la situación en Gaza.

“Cómo va a permanecer uno inmóvil ante la imagen de un niño que muere de hambre o que lo disparan cuando va a por comida”, ha dicho, para añadir con tono crítico que “estamos rodeados de melones”.

Echanove ha calificado de “genocidio” lo que está ocurriendo en Palestina y ha cargado contra el silencio de los organismos internacionales.

“Vamos muy mal, muy mal, si la comunidad internacional cierra los ojos ante el genocidio que está ocurriendo en Gaza. Y más como se planteen darle el premio Nobel de la paz a Trump”, ha sentenciado.

“La cultura hay que defenderla con uñas y dientes”

Durante la entrega del premio, en un acto celebrado en el claustro del Museo Nacional de Teatro de Almagro, el actor hizo un alegato a favor de la cultura. “La cultura hay que defenderla con uñas y dientes. Es molesta, pero es invencible”.

En su discurso, Juan Echanove aseguró que aceptó el galardón “más como un apoyo que como un reconocimiento”, y se reafirmó como miembro de la gran familia de los trabajadores de la cultura.

“Ser actor no es un lujo, es una responsabilidad”, afirmó, reivindicando la cultura como un bien de primera necesidad. Echanove aprovechó su intervención para reivindicar el papel transformador de la cultura y su defensa de lo público, lo popular y lo colectivo.

El artista recordó sus años en la Unión de Actores, la ayuda prestada por UGT y CCOO en sus inicios, y las enseñanzas de referentes como Juan Diego, Pilar Bardem o Pablo Milanés. El

“El teatro tiene que levantar cada noche el telón sin pretensiones, solo para que el público se sienta reflejado”. Y concluyó con una declaración de principios, ante los “momentos convulsos” que vive el mundo de la cultura.

La exsecretaria de Enseñanza de UGT, Maribel Loranca, aseguró que el actor “podría haber hecho él mismo la intervención sindical”, destacando su trayectoria como trabajador incansable del sector cultural, comprometido con los derechos laborales y las libertades. Loranca recordó también la figura de Lorenzo Luzuriaga, natural de Valdepeñas, uno de los impulsores de la reforma educativa durante la Segunda República, cuya obra se vio truncada por la Guerra Civil y el exilio.

“Luzuriaga defendió una escuela pública, única y laica, y la difusión de la cultura a través de las misiones pedagógicas”, recordó, conectando su legado con el compromiso social de Echanove, quien se sumó así a una “familia” de referentes del mundo de la escena galardonados con este premio.

La escritora Ana Cristina Herreros pronunció la laudatio, definiendo al actor como “familiar” y cercano al público, presente durante más de 40 años en los hogares españoles a través del teatro, el cine y la televisión.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida llevará este fin de semana a su extensión de Medellín las obras 'Coriolano', 'Iconos o la exploración del destino' y 'La aparición', en la que constituye la duodécima edición del certamen en el teatro romano metelinense.

El director del Festival, Jesús Cimarro; la directora general de Bibliotecas, Archivos y Patrimonio cultural de la Junta, Adela Rueda; el diputado de Formación de la Diputación de Badajoz, Manuel Gómez; el alcalde de Medellín, Rafael Mateos; el productor y actor de 'La Aparición', Fernando Ramos, y la actriz Esmeralda Suárez han presentado este miércoles en Mérida esta nueva cita.

Las representaciones con el drama de 'Coriolano', ambientada en Roma de inicios de la República, bajo la dirección de Antonio Simón junto con Juan Carlos Plaza-Asperilla, tendrá lugar el 25 de julio con la interpretación de actores como Roberto Enríquez, Carmen Conesa, Manuel Morón, Álex Barahonda y Javier Lara, entre otros.

Al día siguiente será el turno de 'Iconos o la exploración del destino' con Rafael Álvarez ‘El Brujo’ como protagonista, quien ofrecerá un monólogo en clave de humor donde el lenguaje y los recursos de la comedia se confrontan con los argumentos de las tragedias más conocidas y frecuentemente representadas en el festival.

Por último, el domingo, día 27, tendrá lugar 'La Aparición', basada en una pieza del dramaturgo griego Menandro bajo la versión de Florián Recio.

Un agujero en la pared es el motor de esta divertida historia interpretada por Paca Velardiez, Esmeralda Suárez, Irene Hernández, Carmen Moya, Esteban García Ballesteros, Pedro Monterio, José F. Ramos y Fernando Ramos y un coro formado por Alain Damas y los hermanos Nerea, Aurora y Abraham Samino, siendo éste último el compositor musical de la obra.

Además, el pasacalles 'Aquiles' recorrerá las calles de Medellín este sábado con una figura gigante de 5,50 metros de altura articulada por cuatro actores.

En palabras de Cimarro, “es una alegría devolver al Teatro Romano de Medellín su función como escenario teatral”, además de extender el festival y sus propuestas grecolatinas.

Adela Rueda ha celebrado que los espectáculos grecolatinos vuelvan a esta localidad, convirtiéndose un año más en una marca consolidada y haciendo que el Festival de Mérida sea “el festival de toda Extremadura”.

Para Manuel Gómez el teatro de Medellín “es un tesoro a la vista de todos”, que gracias al certamen de Mérida “vuelve a tener vida, voces y emociones”.

El alcalde del municipio pacense se ha mostrado muy satisfecho por una nueva edición de esta extensión, y ha asegurado que “es un placer tener una representación en un entorno mágico e inigualable” como es el teatro romano de la localidad.

Por otra parte, el Festival de Mérida ha informado de que 20 jóvenes de seis nacionalidades participan en el campo de voluntariado de esta 71 edición, venidos desde los rincones más diversos de España—Extremadura, País Vasco, Castilla-La Mancha, Navarra, Galicia, y también desde lugares tan distantes como Colombia, Corea del Sur, Armenia, Serbia, Italia y Francia.

Según la directora de esta iniciativa, Raquel Bazo, el objetivo es el conocimiento y la vivencia del Festival de Mérida en toda su extensión, formando a los participantes en el teatro grecolatino con un programa que engloba materias teóricas sobre la comedia antigua y otras prácticas como puesta en escena, vestuario, caracterización, ensayos, asistencia a montajes técnicos e incluso la participación en una obra de teatro.

El musical 'Cleopatra enamorada', dirigido por Ignasi Vidal con texto de Florián Rey, desmontará en Mérida el mito y los estereotipos forjados durante siglos en torno a la figura de la gran reina de Egipto, que encarnará la actriz Natalia Millán del 23 al 27 de julio en el Teatro Romano.

Se trata de una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pedro Macarro, quien encargó a Rey una versión “audaz”, con el foco puesto en Cleopatra y el titular de “enamorada” como dos condiciones, según ha explicado el escritor en la presentación de la obra.

A juicio de Rey, desde Plutarco hasta la cinematografía, incluido Terenci Moix, han creado un “personaje mitológico” que representa “todos los miedos de los hombres” respecto a las mujeres. Es decir, una mujer manipuladora, perturbadoramente inteligente, de corazón granítico, endiabladamente hermosa y capaz de poner a los hombres más poderosos de la República de Roma, como Marco Antonio y Julio César, bajo sus pies.

Y la convierte en una persona dueña de sí misma con “un corazón en el que entra el amor”, según Rey, que ha subrayado que las “pequeñas palabras” que ha puesto en boca de Cleopatra con Natalia Millán alcanzan “vuelos de águila real”.

La actriz redunda en el mito de Cleopatra, una mujer empoderada “maltratada por los historiadores”. “Las mujeres poderosas no son inteligentes, son manipuladoras, no son apasionadas, son viciosas”, ha lamentado la protagonista, que ha desvelado que su personaje se mueve entre el interés de su pueblo y su amor por Marco Antonio.

El militar y político romano, que encarnará Alex O'Dogherty, está “hastiado de la mentira de Roma” y necesita salir de ella y encontrar de nuevo “la alegría de la vivir”, según Vidal, que ha precisado que no tenía una “idea monolítica” del montaje, por lo que más que dirigir ha ido acompañado las aportaciones que le ha ido haciendo su elenco.

O'Dogherty ha considerado que este papel es un regalo que no esperaba, ya que sigue actuando en “bares y chiringuitos”, ha bromeado.

El elenco lo forman también, entre otros, Virginia Muñoz (Berenice), Helana Rubio (Selena) y Paco Morales, que hace de Demetrio, por “fin un papel de malo, de malo encubierto”, ha comentado.

La obra, que cuenta con música de Shuarma, el cantante de la banda Elefantes, con arreglos de Pablo Solo, y que ya tiene vendidas el 95% de las entradas, está diseñada para todos los públicos, no solo para los amantes del musical, ha adelantado Vidal, que debuta como director en Mérida después de dos presencias como actor.

La coreografía corre a cargo de Amaya Galeote, la escenografía de David Pizarro, la iluminación de Sergio Gracia y el vestuario de Jesús Ruiz.

El director del festival, Jesús Cimarro, ha señalado que el musical es uno de los géneros más “solicitados y queridos” y ha destacado el sello extremeño que tiene el espectáculo con Florián Rey y Pedro Macarro, quien ha avisado: 'Prepárense para emocionarse'.

El Teatro Romano de Mérida ha acogido este viernes una versión en italiano y con tintes surrealistas de la tragedia de Edipo, convertida en un thiller psicoanalítico por Fondazione Teatro di Roma, que por primera vez ha actuado en el Festival emeritense.

Este montaje de alrededor de hora y media forma parte del intercambio de espectáculos acordado el pasado junio entre el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Teatro romano de Ostia Antica.

Así, si en Extremadura se pudo ver el viernes y este sábado 'Edipo Rey', los días 25 y 26 de julio se representará la española 'Ifigenia' en la capital de Italia.

La tragedia con la que Sófocles sentó en el siglo V antes de Cristo el canon de la culpa y el destino ha pasado más de una docena de veces por este Festival desde que fuera programada por primera vez en 1956.

Las impresionantes columnas corintias que enmarcan el escenario han acogido tanto versiones teatrales como de danza, y hasta una cantada por Enrique Morente en 1982, del mito del joven que, inconsciente de sus identidades, mata a su padre y se casa con su madre.

Esta vez la obra de teatro 'Edipo Rey' ha llegado dirigida por un aplaudido Luca de Fusco, cuya puesta en escena, inspirada en el surrealismo de Magritte y el cine de suspense del siglo XX, lleva a Edipo, interpretado por un soberbio Luca Lazzareschi, a confrontarse con imágenes distorsionadas de sí mismo proyectadas en vídeo.

Edipo investiga la verdad a la vez que presta su cuerpo a otros personajes clave. Junto a él, Manuela Mandracchia interpreta a una intensa y compleja Yocasta, figura central de la tragedia de Edipo y madre de Antígona.

'Edipo Rey' anticipa además la historia de la hija incestuosa de Edipo y Yocasta, uniendo inextricablemente ambas tragedias. El espectáculo se enriquece con un reparto que incluye a Paolo Serra (Creonte), Francesco Biscione (Sacerdote Coryphaeus), Paolo Cresta (Nuncio Coryphaeus) y Alessandro Balletta (Mensajero Coryphaeus).

Luca de Fusco, un apasionado del psicoanálisis y la novela negra, elige explorar la metáfora del conocimiento. “El obstinado deseo de Edipo de conocer la verdad lo convierte en una especie de Ulises que no puede evitar viajar para seguir aprendiendo.

Sin embargo, el viaje de Edipo es implosivo. Se investiga a sí mismo navegando a su interior“, dice en un texto explicativo sobre la obra. Es por ello que el mismo actor, Luca Lazzareschi, interpreta no solo al protagonista, sino también a quienes conocen la verdad, o al menos parte de ella.

Así, Luca es también Tiresias y los dos mensajeros, dialogando con las imágenes distorsionadas de sí mismos reproducidas en vídeo.

La iconografía elegida es surrealista, elección necesaria según su director para este viaje interior con un tono psicoanalítico, mientras que la música es producto de su otra pasión vinculada a este texto: las novelas policíacas, y en particular los thrillers de mediados de siglo.

Esta obra es la cuarta que se representa en el Teatro Romano en esta 71ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, en la que con el lema 'Donde la historia y la emoción se encuentran', se pondrán en escena hasta el 31 de agosto un total de diez espectáculos.

Las Jornadas del Teatro Clásico de Almagro otorgan este año el protagonismo a los personajes considerados “marginales” dentro de las obras de autores del Siglo de Oro como Lope de Vega, Tirso de Molina o Calderón de la Barca. Esta 48ª edición, nombrada Marginalidad, disidencia y transgresión en el teatro del Siglo de Oro: Personajes en los márgenes, y dirigida por el profesor de la UCLM Rafael González Cañal y con un total de setenta y cuatro personas inscritas, la iniciativa propone una relectura de los textos dramáticos del Siglo de Oro desde una perspectiva inclusiva y contemporánea, conectando con debates de tanta actualidad como la identidad, la exclusión y la representación. De ahí que se centre en figuras como el pícaro, el morisco, el esclavo, la bruja, la prostituta o el hereje; personajes discordantes con el orden establecido, desobedientes, subversivos. “Se trata de ampliar la mirada más allá de lo ortodoxo y normativo, para otear un horizonte donde caben lo mestizo, lo irreverente, lo periférico y lo heterogéneo”, ha señalado González Cañal.

El programa se ha presentado hoy en un acto celebrado en el Palacio de Valdeparaíso de Almagro que ha contado con la participación del vicerrector de Cultura, Deporte y Compromiso Social de la UCLM, César Sánchez; la directora del Festival de Almagro, Irene Pardo; y el alcalde de la localidad ciudadrealeña, Francisco Ureña; además del propio González Cañal.

El curso incluye ponencias de investigadores/as nacionales e internacionales, presentaciones de proyectos, coloquios, y dos representaciones teatrales: una lectura dramatizada de 'La gatomaquia', de Lope de Vega; y el ensayo general de 'Don Gil de las calzas verdes', de Tirso de Molina, a cargo de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico.

La actividad, organizada por el Instituto Almagro de Teatro Clásico, centro de investigación perteneciente a la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM), está dirigida a estudiantes, profesionales del teatro, docentes e investigadores/as. Las jornadas están coordinadas por un equipo académico integrado por Almudena García González, Alberto Gutiérrez Gil, Óscar García Fernández, José Vicente Salido López, Irene G. Escudero y Sergio Rodríguez Nicolás.

Diversidad, sexualidad y libertad convergen en 'Alejandro y el eunuco persa', la segunda obra del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, en la que su director, Pedro Penco, pretende desnudar al belicoso rey macedonio para ofrecernos su lado más dulce, amoroso, íntimo y vulnerable.

Desde el prisma más puro del amor y sin la existencia de las actuales etiquetas con las que pretende dar respuesta a la diversidad en orientaciones sexuales, identidades y relaciones afectivas, la obra, sobre un texto de Miguel Murillo y bajo la dirección y dramaturgia de Pedro Penco, se estrena este miércoles con cinco funciones.

Bajo este contexto, otro tres satélites orbitan alrededor de Alejandro: su deseo de integración desde el respeto, la voluntad de aunar culturas para enriquecer y el viaje espiritual de Occidente a Oriente.

El macedonio, que en el amor puro no tenía esa estrategia de la que presumía y demostró en los campos de batalla, es interpretado por Guillermo Serrano, quien tuvo en Bagoas, un eunuco persa al que da vida Miguel Ángel Amor, el bastón más dulce y de plenitud vital.

Ambos actores, así como David Gutiérrez y la actriz Ana García, han estado presentes este lunes en la presentación de la obra, celebrada en Mérida, junto a Pedro Penco; el director del festival, Jesús Cimarro; la consejera extremeña de Cultura, Victoria Bazaga, y el portavoz del consistorio emeritense, Julio César Fuster.

El amor entre Alejandro y Bagoas es también un recorrido de conceptos, pues si en Grecia las relaciones entre hombres carecían de tapujos, comentarios y prohibiciones, en Persia existía un desprecio absoluto a las mismas. Este choque de culturas es absorbido y diluido en el vaso del amor puro, ha apuntado Penco.

Murillo ha buceado en la novela 'El muchacho persa', de Mary Renault, para ofrecer la desnudez más íntima de Alejandro Magno, en la que también entran los celos, pues el macedonio se rodeó en su esfera más íntimas de más personas, como Hefestión (David Gutiérrez) y Roxana (Ana García), con la que se casó con el único objeto de tener descendencia, ha explicado la actriz. Es “un canto al orgullo de las muchas maneras de amar”, ha dicho Miguel Ángel Amor.

Lo único que despreciaba Alejandro era el sentido de la posesión, un criterio que en cierta medida también trasladó a su visión geopolítica, pues, si bien sus conquistas conllevaron muerte, también fueron acompañadas de dosis de perdón y respeto, han expuesto en la rueda de prensa.

Por si fuera poco, la obra también busca describir el aire de deidad que envolvía a Alejandro Magno, no sólo por sus victorias heroicas sino también por el mensaje que en este sentido le inculca su madre, Olimpia, papel que interpreta Paula Iwasaki.

'Alejandro y el eunuco persa' es una coproducción del Festival de Mérida, Pablo Pérez de Lazárrga y La Bola Producciones, sello extremeño tanto al frente de la obra como sobre los escenarios.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro ha prendido la mecha de su edición número 48 con su tradicional acto de apertura en el Corral de Comedias, punto de partida de un mes de teatro en la localidad ciudadrealeña que ha arrancado con la entrega del Premio Corral, este año merecido por la bailaora Cristina Hoyos, primera representante de esta disciplina merecedora de la icónica distinción.

Hoyos, desde las tablas centearias del Corral, ha recibido el galardón emocionada, y ha parado el tiempo en el Corral para bailarse un poema en memoria de Carmen Amaya.

“Callarse los cantaores, que enmudezcan las guitarras, que se queden las bailaroas convertidas en estatuas, y suenen las castañuelas como cajas destempladas”, entonaba para emocionar a todo el auditorio por la memoria de la bailaora.

Un poema precedido de toda una reivindicación del baile como valor teatral. “Yo siempre he interpretado con el cuerpo. Es mi medio de expresión. He compuesto personajes desde el baile, y mi corazón rebosa agradecimiento”, ha señalado.

Irene Pardo y las contradicciones del Siglo de Oro

En la apertura, Irene Pardo, directora del festival, ha dado la bienvenida al auditorio y lo ha hecho mostrando su alegría por la presencia de la premiada, “un privilegio” para el festival. Una presencia que para Pardo es hilo conductor de una tradición teatral que va “de Cervantes a Falla, de Falla a Calderón, de Calderón a Lorca y a la Generación del 27 que ama al Siglo de Oro por Góngora, y de Góngora a Cristina Hoyos”.

“Volvemos a mirar al Siglo de Oro en una edición que se hace preguntas para volver a una época llena de contradicciones, con mucho oro, pero con mucha sombra”, ha indicado.

En su alocución, ha querido dejar claro que el teatro “pregunta dese hace siglos”, pero el Festival no viene “a dar respuestas”, y solo quiere ofrecer “un encuentro para convivir, emocionar, pensar”.

Aunque el Siglo de Oro tuvo “sus sombras”, en su opinión “conserva una conciencia profunda de la complejidad del mundo”, una complejidad donde la cita “quiere habitar” con “riqueza y diversidad”.

José Carlos Plaza y cómo decir 'ole'

El director teatral José Carlos Plaza ha sido el encargado de presentar a Cristina Hoyos y lo ha hecho rememorando un encuentro con la distinguida en su oficina del barrio sevillano de Triana. “Nunca más diré olé, diré ole. Es una de las cosas que he aprendido de Cristina”.

Una bailaroa de “disciplina, de constancia”, de muchas horas. “Es, como su arte, generosa, progresista, y comprometida con la sociedad. Ha llenado el mundo de emoción. Ha conmovido al mundo”, ha aseverado.

“La he visto tirar de la tierra, hacer llover, ser la Soledad Montoya de Lorca. En una mesa del Café de Chinitas con tanta sensualidad que ya quisiera Marilyn Monroe”, añadía desde el escenario.

Mercedes Hoyos, sobrina de Cristina, también ha querido dirigirse al público: “Cristina se crió en un corral donde el hambre agudizaba el ingenio de una familia sin antecedentes artísticos. Ahí nacio la bailaora y la actriz”, ha afirmado.

Urtasun y el “manantial de milagros”

Ernest Urtasun, ministro de Cultura, ha considerado que la cita es “un manantial de milagros”: “No siempre lo que vemos nos gusta, no siempre en el relato salimos bien parados”, ha arrancado.

El teatro clásico y la cultura representan “la posibilidad de que algo nuevo ocurra”, según el ministro, que ha dicho que Almagro y el Corral “son un laboratorio de experimentación” que radica a un legado “inmortal” como es el Siglo de Oro.

De la premiada, Cristina Hoyos, ha alabado cómo ata a España “a su tradición”, y también su fusión y diversidad propia del flamenco. “Todo en ella es arte, belleza, sabiduría, elegancia natural, la vida misma encarnada en sus movimientos. Es un orgullo participar en la entrega de este premio”, ha abundado.

La cultura para “construir escenarios de diálogo y humanidad”

Durante la inauguración de la 48ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, el Gobierno regional reivindicaba el papel de la cultura “para la construcción de escenarios de diálogo y humanidad en un mundo convulso”.

El presidente Emiliano García-Page ha estado presente en la inauguración de esta 48ª edición y ha felicitado a Cristina Hoyos por su Premio Corral de Comedias.

El vicepresidente segundo, José Manuel Caballero, que ha intervenido en el acto, ha señalado que “el teatro no es solo divertimento, sino también reflexión”. Por este motivo, ha incidido en que “es imprescindible repensar este mundo, cada vez más vertiginoso y más deshumanizado, y podemos hacerlo a través de la cultura, como se hace en este festival”.

“En cada función, una vez sentados y apagadas las luces, podemos recuperar la calma y llegar a emocionarnos al comprobar que nuestras cuitas, nuestros anhelos y nuestras esperanzas son similares a las que reflejan esos personajes imaginados hace cuatro siglos, que aspiraban a vivir en paz y en libertad, desde el convencimiento de que todos somos rabiosamente iguales”, ha afirmado.

Por eso, ha apelado “a la magia del Corral de Comedias, ya que desde estas tablas que han oído tantas soluciones a los males de cada época, quizá podemos recuperar esa sociedad civilizada, razonable, moderada, solidaria y compasiva que muchos soñamos con conseguir”.

El vicepresidente segundo ha transmitido la enhorabuena por el Premio Corral de Comedias a Cristina Hoyos en representación del Gobierno regional. “Cierto es que, en este mundo de contrastes, encontramos referentes como Cristina que nos sirven de estímulo para levantarnos cada día con unas ganas infinitas de cumplir la tarea lo mejor que sabemos”, ha expresado Caballero, que también ha recordado que “está muy bien premiar a los mejores para que sirvan de referentes a quienes aspiran a lograr la excelencia en cualquier disciplina y, además, Cristina, es un claro ejemplo de que al éxito se llega con esfuerzo y dedicación”.

Valverde avanza más presupuesto

El presidente de la Diputación de Ciudad Real, Miguel Ángel Valverde, ha dicho en su turno de palabra durante el acto inaugural que el Festival es “todo encuentro”, es “encontrar sofoco al calor”, con un frescor verbalizado en el disfrute de la cultura.

Con la tradición de “salirse al fresco” arraigada en la Mancha, ha reivindicado los encuentros de los pueblos de la zona para equiparar a la cita teatral con ellos, ya que es un espacio que invita a “reflexionar”.

Ha felicitado a la premiada y ha considerado que su mención es “merecida” por ser un “monstruo del flamenco”; una persona que “ha representado a la cultura española, una cultura que sentimos dentro”.

“Una mujer valiente que ha pasado por momentos difíciles. Eres ejemplo para tantos...”, ha dicho Valverde antes de mostrar su compromiso y el de la institución que preside por el Festival.

Una cita que “ha ido caminando y poniendo pasos” para no solo ser teatro, “sino cultura con mayúsculas”, y que sea, además, “poder disfrutar de raíces y de identidad”.

“El compromiso de la Diputación ha crecido y seguirá creciendo en aportaciones y en recursos. Habéis sido muy justos a la hora de realizar estudios económicos que hacen ver que cada euro que se pone, se multiplica”, ha celebrado.

El alcalde defiende la cultura frente a la “manipulación”

El alcalde de Almagro, Francisco Ureña, ha sido la primera autoridad en hablar en el acto para dar la bienvenida a la apertura de esta edición, mostrando su alegría por el hecho de que Cristina Hoyos se alce con este premio.

“Quienes creemos que la palabra es esencial en la comprensión del mundo y que el arte la recrea con veracidad, encontramos alivio en tiempos donde la cultura en general se usa desvergonzadamente para tergiversar y manipular”, ha indicado.

Desde el atril, ha reflexionado que el Festival tiene “la misma edad que la democracia” en España, que nació en unos años “peores que estos”, donde había “voluntad de acuerdo y certeza de que el arte contribuiría al logro de una España mejor”.

La bailaora Cristina Hoyos, la primera artista ajena al ámbito teatral en recibir el premio Corral de Comedias en sus dos décadas de existencia, ha dicho que recibir este galardón sobre las tablas del emblemático escenario de Almagro, santuario del teatro clásico en España, es algo para ella “muy bonito y entrañable”.

En un encuentro con los medios de comunicación este jueves, en el que ha estado acompañada por la directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Irene Pardo, Hoyos ha recordado visiblemente emocionada cómo su relación con la danza nació apenas cuando tenía 10 años y, desde entonces, no ha parado de llevar su arte por todo el mundo.

Hoyos ha recordado su procedencia humilde y cómo aprendió a bailar siguiendo los pasos de las grandes figuras de su tiempo, entre las que ha citado a Lola Flores.

La bailaora y coreógrafa ha recordado su relación con el Corral Trompero en Sevilla, que se encontraba en un barrio humilde donde creció escuchando la radio y soñando con bailar.

“Mi familia era pobre, pero siempre tuve la ilusión y la pasión por el arte”, ha rememorado, asegurando que a pesar de su edad continúa vinculada al flamenco a través de su compañía y del Museo del Baile Flamenco en Sevilla.

Ha explicado cómo toda la ilusión que ha tenido por el flamenco y la danza le viene “de dentro”, de su forma de “sentir el baile”.

Lo importante en el baile “está de la cintura para arriba”

“Yo siempre he dicho que para mí lo importante está de la cintura para arriba: los brazos, las manos, los hombros, la mirada, eso es lo que de verdad transmite. Cuando era joven zapateaba, claro que sí, pero nunca he tenido un zapateado varonil como el que hacen ahora muchas bailaoras. Lo mío siempre ha sido darle vuelo al aire, moverme entera, girar, dejar que el cuerpo hable”, ha explicado.

Hoyos ha recordado cómo empezó cantando con Adelita Domingo, que le preguntó un día si prefería cantar o bailar, y ha reconocido que ella lo tuvo claro: “Lo mío era bailar”.

“Desde entonces no he parado y ha tenido palabras de recuerdo para su primer maestro Enrique el Cojo, un hombre que, a pesar de sus limitaciones físicas, ”tenía un arte inmenso y una generosidad enorme. De él aprendí que todo se puede si hay entrega“.

También ha recordado cómo ha tenido la suerte de bailar en escenarios de todo el mundo, de Madrid a Moscú, pero si se tuviera que quedar con uno, no ha dudado en asegurar que sería la ópera Garnier de París.

“Fui la primera bailaora en subirme a ese escenario tan clásico, gracias a que su director me vio bailar en un teatro de París y me dijo tienes que estar aquí”, ha afirmado.

Aquella semana, ha dicho, fue inolvidable y ha recordado cómo el telón se cerraba y abría una y otra vez mientras el público y hasta los técnicos la aplaudían sin parar.

Cristina Hoyos ha tenido también palabras para los jóvenes que empiezan en el mundo del baile, a los que le ha animado a que “se atrevan y ensayen sin descanso, que no tengan miedo de buscar su forma propia”.

Y ha asegurado que “hoy hay muchas maneras de bailar flamenco”, pero lo más importante es que “quien esté sentado en la butaca sienta algo de verdad”.

La 48 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que arranca este jueves y se celebra hasta el 27 de julio, ofrecerá veinte estrenos absolutos y cinco nacionales, y además del premio Corral de Comedias a Cristina Hoyos, Juan Echanove recibirá el Premio Lorenzo Luzuriaga y se homenajeará a la compañía Morbaria.