Harlem, un barrio que se extiende al norte de Manhattan, es mucho más que un simple lugar en Nueva York. Es el epicentro de la cultura afroamericana, una meca cultural que ha influenciado no solo a Estados Unidos, sino a todo el mundo.

En sus calles, donde la historia y la modernidad se entrelazan, se gestaron movimientos que redefinieron la música, el arte, la política y la identidad afroamericana. Harlem, sin duda, uno de los barrios más icónicos y representativos del mundo, no solo por su historia, sino por la energía vibrante que sigue emanando hoy en día.

La cuna del renacimiento negro

Durante la primera mitad del siglo XX, Harlem se convirtió en el hogar de lo que se conoce como el Harlem Renaissance(Renacimiento de Harlem), un período de efervescencia cultural que surgió en la década de 1920. Fue aquí donde artistas, músicos, escritores y pensadores afroamericanos encontraron su voz y su espacio.

El jazz, el blues, la poesía y el arte se fusionaron en Harlem, y figuras como Louis Armstrong, Duke Ellington y Langston Hughes se convirtieron en símbolos de un renacimiento cultural que resonó en todo el país.

El famoso Cotton Club, el Savoy Ballroom y el Apollo Theatre fueron solo algunos de los lugares emblemáticos donde nacieron y prosperaron los sonidos y ritmos que cambiarían el panorama musical de la época. Hoy en día, el Apollo Theatre sigue siendo un referente cultural y un símbolo de la contribución afroamericana a la música y el arte mundial.

Un barrio de diversidad étnica y cultural

A lo largo de los años, Harlem ha sido hogar de una mezcla diversa de comunidades. Desde su origen como un enclave afroamericano, se ha ido transformando en un barrio multicultural que alberga a puertorriqueños, dominicanos, mexicanos, haitianos y, más recientemente, europeos y afrodescendientes de todo el mundo. Esta diversidad se refleja en la vida cotidiana del barrio: en sus mercados, como el de La Marqueta, donde se venden productos del Caribe; en las tiendas que se encuentran entre las calles 111 y 116, y en los restaurantes como Sylvia’s, un referente de la gastronomía soul food, que sirve platos típicos de la comida sureña afroamericana.

La influencia del góspel en la religión

No se puede hablar de Harlem sin mencionar su conexión con la música gospel. Las iglesias de Harlem, como la Abyssinian Baptist Church y la Mother AME Zion Church, han sido y siguen siendo centros fundamentales de la vida cultural y religiosa del barrio. La música gospel, que encuentra su raíz en las iglesias afroamericanas, ha sido la columna vertebral de muchos movimientos sociales y políticos en la comunidad, convirtiéndose en un vehículo para la expresión de la lucha por los derechos civiles.

En la actualidad, Harlem sigue siendo un centro de celebraciones religiosas, y el gospel sigue siendo una de sus expresiones más vibrantes. Las iglesias de Harlem, tanto para residentes como para turistas, ofrecen una experiencia única que va más allá de la religión, pues es una celebración de la vida, la lucha y la esperanza de la comunidad afroamericana.

Harlem, hoy

Harlem, como muchos otros barrios históricos de Nueva York, ha experimentado una transformación significativa en las últimas décadas. A pesar de la gentrificación y los cambios que han afectado a su comunidad tradicional, Harlem sigue siendo el alma de la cultura afroamericana. En los últimos años, los esfuerzos para revitalizar el barrio han llevado a un auge de nuevos negocios, centros culturales, galerías de arte y proyectos comunitarios.

A pesar de estos cambios, Harlem conserva su esencia. Las calles de Harlem aún recuerdan la historia de lucha y resistencia, de grandes movimientos sociales y culturales. El Harlem moderno sigue siendo un lugar donde se mezclan el arte, la música, la gastronomía y la política, todo en un ambiente vibrante de diversidad.

Tras la temporada de protagonismo de las nominadas a los Oscar en los cines, hay una película que se ha convertido en una de las más destacadas de esta primera mitad de 2025 y que ha conseguido incluso cifras importantes de taquilla. Hablamos de Los pecadores (Sinners), dirigida por Ryan Coogler y protagonizada por Michael B. Jordan.

Pero de esta película no es Jordan el que más está dando que hablar sino otro de los actores principales del largometraje, pero hasta ahora desconocido para el público: Miles Caton, cuyo talento no ha pasado desapercibido.

Miles Caton, el debutante actor cuyo talento ha eclipsado en ‘Los pecadores’

El personaje de Sammie es uno de los relevantes en la última película de vampiros que ha triunfado en taquilla, Los pecadores (Sinners), en la que hace de primo de los dos gemelos protagonistas, Smoke y Stack, a los que da vida Michael B. Jordan.

El talento musical de Sammie hace que lo contraten para el bar que es el proyecto de los dos gemelos, y que desencadena hechos sobrenaturales, es clave en la película, y por ello también lo era en el momento del reparto, como bien relató la directora de casting, Francine Maisler, a Variety, pues debían encontrar a alguien que fuera capaz de tener una gran fuerza de interpretación musical y dramativa.

Lo acabarían encontrando en Miles Caton, un joven adolescente que había enviado una grabación musical en la oscuridad, sin apenas luz, y que ha debutado actoralmente con su papel de Sammie en Los pecadores y ha maravillado al mundo del cine.

“Había algo en eso que era fascinante. Parecía que este chico estaba en su sótano, entre tareas. Pero tenía una voz —una voz única en la vida— y también se sentía como el personaje”, comentaba la directora de casting tras escuchar a Caton por primera vez, quien no sabía que se había presentado para participar en una película de vampiros.

Miles Caton: hijo de cantante de gospel y telonero de un premio Grammy

La interpretación de Miles Caton del personaje de Sammie en Los pecadores le ha puesto en boca de todos por su talento interpretativo y musical, al dejar maravillado en su debut, a pesar de que ya apuntaba maneras. Miles Caton es hijo de Timiney Figueroa, cantante de góspel, un dato que no sabía el director Ryan Coogler cuando lo contrató para la película, algo que le hizo crecer en el entorno de este género musical, en el que ya brilló desde pequeño entre estrellas como Fred Hammond, Faith Evans, Erica Campbell y Bishop TD Jakes.

Su talento ya había sido descubierto por la cantante premio Grammy y Oscar, H.E.R., con quien tocó en una gira antes de que se haya hecho una estrella gracias a su debut en el cine. Un éxito sobre el que Caton asegura estar abrumado: “Todavía me cuesta procesarlo. Es diferente grabar que verte en pantalla. Pensé: '¡Rayos, soy yo!’” declaró en una entrevista a Variety.

En ella también contó como aprendió y tuvo como referencia al grabar junto a un actor de la trayectoria de Michael B. Jordan: “Mike es una gran persona. Siempre me ha apoyado y ha sido una persona fantástica durante todo el proceso. Siempre está dispuesto a darme consejos y ayudarme con diferentes técnicas de actuación. Algo que aprendí fue que no hay que tener miedo a cometer errores. Me enseñó que se trata de estar presente y tener una conversación dentro de la escena”.

A las puertas del Sáhara, en Marruecos, se encuentra una comunidad única que ha sido clave en el panorama musical del Magreb: los gnawa.

Con una historia que se remonta a siglos atrás, los gnawa han logrado preservar una tradición musical profundamente mística y ancestral, que no solo es parte del folclore de Marruecos, sino una referencia musical internacional.

A través de su música, sus ritmos y sus danzas, han logrado fusionar las raíces subsaharianas con la cultura árabe, creando un estilo único y envolvente que ha trascendido fronteras.

¿Quiénes son los gnawa?

El término gnawa hace referencia tanto a los miembros de una serie de cofradías místicas musulmanas como al estilo musical que practican. Originarios de África subsahariana, los gnawa fueron traídos a Marruecos como esclavos durante los siglos XVI y XVII.

A pesar de su origen como pueblo esclavo, los gnawa han creado una cultura vibrante que celebra su herencia y sus creencias a través de la música y los rituales.

En la actualidad, las cofradías gnawa siguen practicando una música que no solo tiene un componente cultural, sino también espiritual, invocando a los santos a través de cantos, danzas y el uso de instrumentos tradicionales.

La palabra gnawa proviene de la lengua tamazight, donde significa “mudo” y se utilizaba para referirse a los esclavos africanos que hablaban lenguas incomprensibles para los bereberes.

Con el tiempo, el término pasó a designar tanto a los descendientes de estos esclavos como a la música que crearon, caracterizada por sus poderosas melodías, ritmos y su capacidad para inducir un trance hipnótico durante sus ceremonias.

Rituales y música gnawa: una experiencia mística

Los rituales gnawa son una combinación de música y danza que tienen un fuerte componente de trance. En sus ceremonias místicas, los gnawa utilizan instrumentos tradicionales como el guembri (un instrumento de tres cuerdas que emite un sonido grave y profundo), el tbel (un tambor grande) y las qraqeb (castañuelas de metal).

Los cantos son profundamente rítmicos y suelen ser en forma de diálogo, donde una voz principal canta invocaciones y el coro responde. Este intercambio vocal, junto con los poderosos ritmos de percusión, crea una atmósfera hipnótica que facilita el acceso al trance.

Los bailes gnawa son igualmente significativos, con movimientos corporales que incluyen giros rápidos y la influencia del derviche en su danza, creando una poderosa energía colectiva que arrastra a los participantes.

Los atuendos tradicionales, adornados con conchas de cauri, son otra característica de la identidad visual de los gnawa, quienes se visten con ropa que refleja tanto su conexión espiritual como su herencia africana.

Influencia internacional de la música gnawa

A lo largo de los años, la música gnawa ha trascendido las fronteras de Marruecos y el Magreb. Músicos internacionales, como Bill Laswell, Adam Rudolph y Randy Weston, han integrado estos ritmos y sonidos en sus composiciones, llevando la música gnawa a una audiencia global.

En los últimos años, el estilo ha evolucionado, con artistas como Abdellah Boulkhair El Gourd y el grupo francés Gnawa Diffusion adaptando las canciones tradicionales a un formato más moderno y accesible para el público internacional.

Este cruce de culturas ha permitido que la música gnawa se mantenga viva y relevante, atrayendo tanto a turistas como a amantes de la música que desean experimentar la riqueza sonora de esta tradición única.

En muchos festivales internacionales, como el Festival de Música Gnawa en Essaouira, se puede escuchar la mezcla de lo místico y lo contemporáneo, creando un puente entre el Magreb y el mundo occidental.

La relevancia de los gnawa en la cultura del Magreb

La música gnawa no solo es una de las expresiones musicales más representativas de Marruecos, sino también un símbolo de la resistencia y la adaptación de los pueblos africanos subsaharianos que fueron forzados a emigrar hacia el norte.

A través de la música y los rituales, los gnawa han logrado mantener su identidad cultural intacta, fusionándola con el Islam y creando una rica tradición que perdura hasta el día de hoy.

Hoy en día, la música gnawa sigue siendo un referente en la música del Magreb, no solo en Marruecos, sino también en Argelia, Túnez y otras regiones del norte de África, donde las influencias de los pueblos subsaharianos y árabes se han entrelazado de forma armónica a lo largo de los siglos.

En la actualidad las versiones y los remakes están a la orden del día tanto en el cine como en la música, pero no es algo nuevo, sino que ocurre desde el inicio de estas artes, y algunas de ellas incluso han superado a sus originales, como es el caso de uno de los éxitos más destacados y recordados de Aretha Franklin.

La apodada como ‘reina del soul’ cambió su carrera musical cuando con tan solo 25 años optó por versionar la canción Respect, escrita y grabada por Otis Redding, en 1967, llevándola a toda una transformación que le daría el éxito que no tuvo en su voz original.

El giro de Aretha Franklin que cambió ‘Respect’

Respect fue uno de los éxitos más destacados de la carrera de Aretha Franklin y el primero que le abrió longeva trayectoria como una de las voces más importantes del soul, R&B y góspel, y todo ello a pesar de que no es una grabación original.

Pero Aretha Franklin logró llevar la canción a un nuevo terreno, dando la vuelta a su significado original y añadiendo pequeños retoques a la letra que le darían el gancho rítmico como fue el caso de la parte del deletreo del título, así como unos coros que decían “sock it to me, sock it to me, sock it to me...”, que se interpretaron con connotación sexual, pero le daban un sonido diferente.

Así, el single estuvo dos semanas en las listas de éxitos y ha traspasado generaciones por su significado.Y es que Franklin tomó una canción que era un reproche de un marido a su mujer por no obtener el respeto que merecía al volver a casa y la convirtió en un himno feminista, al cambiar las tornas y ser la esposa la que pedía ser respetada tras haber trabajado todo el día en casa.

Así fue como Respect pasó a ser un himno del feminismo en parte por considerarse una sátira de la actitud machista que tomaban muchos maridos en sus hogares. Todo ello en una década de los 60 en la que el movimiento protesta por los derechos civiles tomó protagonismo, de la que la canción también fue un símbolo, y a lo que la propia artista reaccionó con un “era lo que se necesitaba en ese momento”, en una entrevista a la revista Elle en 2016.

Ottis Redding, el compositor e interprete original de la canción, llegó a reaccionar en vida a la versión de Aretha Franklin, sobre lo que dijo: “Una buena amiga se la llevó lejos”, mientras la interpretaba en el Festival de Monterrey en 1967, un año en el que unos meses después perdería la vida en un accidente de avión.

Un éxito que marcó a Aretha Franklin

Respect supuso uno de los primeros éxitos de Aretha Franklin dentro de su álbum I Never Loved a Man The Way I Loved You, que le llevaría a ser considerada una artista internacional, así como sería el inicio de una carrera que le llevó a ganar 18 premios Grammy, dos de ellos gracias a este sencillo.

Aretha Franklin no solo convirtió esta canción en todo un himno feminista, sino que también fue una de las primeras cantantes en denunciar abusos, lo que le llevaría a ser un ejemplo. Su versión sería más tarde obra también de otras interpretaciones por artistas como Stevie Wonder, y fue incluida en películas como Forrest Gump o Platoon.

Barcelona es una ciudad que respira cultura en cada rincón, y el Palau de la Música Catalana es, sin duda, uno de sus grandes templos.

Situado en el encantador barrio de Sant Pere, este edificio no solo es un lugar privilegiado para disfrutar de la música, sino también un ejemplo monumental del Modernismo catalán que asombra a todo el que lo visita.

Diseñado por el arquitecto Lluís Domènech i Montaner entre 1905 y 1908, el Palau fue construido con aportaciones populares como sede del Orfeó Català.

Desde entonces, ha pasado a formar parte del imaginario barcelonés, no solo como auditorio, sino como símbolo de la identidad y creatividad de Cataluña. En 1997, fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Una sala de conciertos como ninguna otra

La sala principal del Palau es una de las más espectaculares del mundo. A diferencia de otros grandes auditorios cerrados y oscuros, este espacio cuenta con un techo de vidrio que representa un sol radiante, permitiendo que la luz natural inunde todo el recinto.

Este detalle, insólito en este tipo de edificaciones, convierte cualquier concierto en una experiencia sensorial única.

La decoración no se queda atrás: esculturas de musas, valquirias, flores, palmeras, bustos de músicos como Beethoven o Anselm Clavé, y un majestuoso órgano que preside el escenario hacen de cada rincón un deleite para los sentidos.

Incluso si no eres amante de la música clásica, resulta imposible no sentirse cautivado por la atmósfera mágica del lugar.

La Sala de Ensayo: el secreto mejor guardado

Uno de los espacios menos conocidos del Palau es la Sala de Ensayo del Orfeó Català, un rincón íntimo y semicircular situado justo debajo del auditorio principal.

Decorada con columnas, vitrales y motivos modernistas, alberga la primera piedra del Palau, colocada en 1905. Hoy sigue siendo escenario de ensayos, pequeños conciertos y conferencias, manteniendo viva la esencia coral con la que nació el edificio.

Visitas y entradas para descubrir esta maravilla

El Palau de la Música está abierto al público, tanto para conciertos como para visitas turísticas. Existen recorridos autoguiados con folleto explicativo o visitas guiadas en más de 15 idiomas, que permiten conocer en profundidad los secretos del edificio.

La entrada general cuesta 22 euros y el horario habitual va de 9:00 a 15:30. El recorrido tiene una duración aproximada de 50 minutos.

Tanto si eres residente como visitante, entrar en el Palau es viajar al corazón del Modernismo, donde arquitectura, historia y música se funden para ofrecer una experiencia inolvidable. Un rincón imprescindible para redescubrir el arte en todas sus formas.

El municipio de Alcalá de Guadaíra será el escenario del I Concurso de Canción Andaluza, un evento que busca destacar la riqueza musical de la región y fomentar la participación de artistas emergentes. Organizado por el Ayuntamiento de Alcalá de Guadaíra en colaboración con la Peña Flamenca La Soleá, el certamen se celebrará entre los meses de enero y febrero de 2025 y está dirigido a personas mayores de 16 años residentes en España.

El concurso constará de tres fases. La primera, preliminar, consistirá en la valoración de los vídeos enviados por los participantes, en los que se evaluará tanto la técnica como la interpretación de cada artista. Un máximo de 20 aspirantes serán seleccionados para las semifinales, que se celebrarán los días 17 y 18 de enero en la Peña Flamenca La Soleá, a partir de las 21:00 horas.

La gran final, que contará con la participación de los ocho finalistas seleccionados, se llevará a cabo el 2 de febrero en el Teatro Gutiérrez de Alba, a las 12:00 horas. Durante esta última etapa, el jurado, compuesto por expertos del ámbito artístico, determinará la clasificación definitiva.

Así, las personas interesadas en participar tienen hasta el 7 de enero de 2025 para inscribirse mediante la sede electrónica del portal municipal de Alcalá de Guadaíra. Las bases completas del concurso pueden consultarse en el Boletín Oficial de la Provincia y en la web del Ayuntamiento.

Premios

El certamen repartirá un total de 4.200 euros en premios. El primer clasificado recibirá 2.000 euros, mientras que el segundo y tercer lugar obtendrán 1.000 euros y 700 euros, respectivamente. Además, los cinco restantes finalistas recibirán una compensación de 100 euros cada uno, como reconocimiento a su participación.

Según ha explicado el delegado municipal de Identidad, Christopher Rivas, “este concurso es una oportunidad para que artistas emergentes puedan mostrar su talento y conectar con el público a través de la música andaluza”. También ha subrayado la importancia de este tipo de iniciativas para mantener vivo el legado cultural de la canción andaluza, que engloba estilos más allá del flamenco tradicional.

Antonio Durán, presidente de la Peña Flamenca La Soleá, ha destacado que la organización conjunta con el Ayuntamiento refuerza el compromiso de ambas entidades con la promoción cultural del municipio. “Es muy satisfactorio colaborar en eventos que nos permitan difundir y preservar nuestras tradiciones musicales”, ha señalado.

Nick Cave está atravesando Europa en octubre y noviembre, de Zagreb a París, de Barcelona a Dublín, escoltado por sus Bad Seeds, con los que no giraba desde 2017. El objetivo es presentar su último disco doliente, Wild God (2024), tercer capítulo de una narración a la que se ha aferrado para salir adelante con su vida, a partir de la tragedia.

Su hijo Arthur, uno de sus gemelos, hijos también de la diseñadora Susie Cave, murió en un accidente en los acantilados de Brighton, con tan solo 15 años. Hace nueve años de aquello y, para muchos, podrían no ser suficientes, una vida entera podría no serlo, para asomar la cabeza y ver amanecer con una mirada que no sea de rencor. Wild God es el testimonio de cómo el artista ha encontrado una manera de seguir viviendo: creyendo en un Dios salvaje.

La expectación de este concierto en Madrid era grande. Del disco se ha hablado mucho y siempre bien. Ha venido acompañado de entrevistas en las que Cave ha decidido no ser brusco con sus entrevistadores y mantener interesantes conversaciones, como esta con la escritora Mariana Enríquez. Ha habido, incluso, vallas gigantes anunciando el disco en el metro, una constatación de que el artista ha llegado a un público amplio y capaz de llenar estadios de más de 10.000 personas, impensable hace 30 años, cuando se publicó Let Love In. 

De ese álbum, anoche interpretó la tabernosa Red Right Hand, recibida con entusiasmo no quizá porque miles de personas hubieran comprado aquel disco en su momento, sino por el rescate que de ella una serie de televisión. Aquel era el Cave de la sangre y el alcohol. Un Cave que ya solo existe en la memoria pero que a veces se dejaba ver en la noche en la que Madrid se juntó para adorar y tocar a este dios.

Aquel Cave, que asomó también en la grandiosa y extática canción From Her to Eternity, es el que se dejó a los Bad Seeds de Blixa Bargeld por el camino. Los egos de Blixa y Nick no pudieron soportarse y el primero recogió toda esa aspereza delirante que le proporcionaba a Nick Cave y la volcó en su grupo Einstürzende Neubauten. Alucinante paradoja del destino –pues no hay indicios de que sucediera a propósito–, Einstürzende Neubauten tocaba el día anterior en Barcelona a la vez que Nick Cave. Al salir al escenario, Blixa agradeció la asistencia: “Sé que es una decisión difícil”. Nick Cave no dijo nada, por supuesto.

Aunque el Palau Sant Jordi se había llenado a dos tercios de su capacidad, el WiZink Center estaba casi completo, pero no sold out, con entradas disponibles en algunos puntos de las gradas. El precio no era asequible: la entrada de pista rozaba los cien euros. El rock’n’roll se ha puesto por las nubes y una experiencia como esta, aunque de más de horas de duración, es ya un lujo.

Más de veinte canciones llevaron al público por un viaje donde se ha explorado, sobre todo, el citado Wild God, con apenas dos pinceladas de los dos álbumes anteriores, posteriores a la muerte de Arthur Cave: Ghosteen (del que interpretó la estremecedora Bright Horses, con unos magníficos coros agudos (casi en registro Sigur Rós), inasibles, del esencial y valleinclanesco Bad Seed Warren Ellis, quien toca el violín como si fuera una guitarra) y Skeleton Tree (al que recurrió para I Need You). Son canciones elegidas de manera coherente para traerlas junto a la narrativa del dios salvaje, temas como Frogs, Wild God y Song of the Lake, que son tres del último disco y las tres con las que abrió el concierto. Un coro formado por tres mujeres y un hombre, confiere la sonoridad gospel que tan bien le sienta a estas canciones.

Tras la sacudida que supone From Her To Eternity, Cave se sentó al piano para regresar a Wild God con otras tres canciones: Long Dark Night, Cinnamon Horses y Conversion pero, entre la segunda y la tercera, creció la semilla de maldad con Tupelo, el tema tribal que abría su segundo disco en solitario (su carrera se inició con la salvajada que fue Birthday Party) titulado The Firstborn Is Dead. Un clásico de los directos en los que Nick Cave –y su público– entra en trance hipnótico y nos recuerda, entre truenos, que Elvis nació durante un temporal de proporciones bíblicas, bajo el que los pájaros no podían volar ni los peces, nadar. En un momento de la canción, Cave se tira al público, se funde entre los brazos de las primeras filas. Así lo hará repetidamente durante el concierto, gracias a una pasarela que ocupa el espacio del foso que tradicionalmente separa el escenario del público. Intencionadamente, Nick Cave busca en esta gira acercarse aún más a la gente: “¡Sois bellos!”, gritará a la audiencia en repetidas ocasiones.

Entre Tupelo y Conversion, Nick Cave hace alusión a los teléfonos móviles. No es la primera vez. Días atrás, en Cracovia, un vídeo muy visto en redes sociales le muestra haciendo un trato con el público: él posará durante 30 segundos en los que la gente podrá hacer todas las fotos y vídeos que deseen; después, bajarán los teléfonos. En Madrid, pasó algo similar. “Baja el teléfono –le dijo a alguien– yo voy a cantar esta canción para ti y será el momento más especial de toda tu vida, una experiencia que no vas a olvidar, pero tendrás que bajar el teléfono”. Y a Nick Cave, se le obedece.  

La interpretación de la mencionada I Need You fue uno de los momentos más fascinantes del concierto. Con el cantante solo al piano y la cámara frente a él, retransmitiendo su rostro a la pantalla grande del fondo del escenario. Otro momento apoteósico llegó con otra canción del Cave de los 80, The Mercy Seat (de su disco Tender Prey), aquel Nick en rojo y negro que comanda un ejército no se sabe si hacia el infierno o hacia adonde, pero al que es imposible no seguirle. “Fucking Madrid!”, gritó en más de una ocasión.

El concierto va llegando al final y quedan los bises, en los que Nick Cave recordará de manera emotiva a la Bad Seed más añorada, la fallecida Anita Lane, a quien le ha dedicado una canción del disco titulada O Wow O Wow (How Wonderful She Is). Cave habló de ella y dijo que había muerto el año pasado, o quizá el anterior. En verdad, hace ya tres años y medio de su muerte. Pero la ausencia es así: no importa el tiempo, solo es vacío. La poca respuesta del público a la dedicatoria, sus imágenes proyectadas o su propia voz sonando en una grabación, indica que muy poca gente conoce a una de las fundadoras de los Bad Seeds.

En general, se percibe que su público es en mayor parte nuevo o llegado por vía televisiva. Y ya casi en el final, para complacer a la audiencia y bajar el tono antes de la despedida, uno de sus temas más hermosos: The Weeping Song. “Es una canción para llorar, pero no lloraremos solos”, dijo Nick, con acierto. El músico pidió colaboración al público para hacer “esa cosa española”, palmeando rápidamente. Al principio no quedó bien pero luego la cosa, como en un local de ensayo, fue progresando. Cave usaba algunos brazos del público para que le agarraran el micro mientras él aplaudía, con la naturalidad de la amistad.

El grupo se va pero él solo interpretará el mensaje final: el baladón Into My Arms, en el que se dan algunos apuntes sobre el Dios en el que un religioso Cave no cree: “No creo en un Dios intervencionista, pero yo sé, cariño, que tú sí. Pero si yo creyera, me arrodillaría y le pediría que no intervenga cuando se trate de ti, que no toque ni un pelo de tu cabeza, que te deje como estás”. Si hay un Dios, debería ser un Dios que entregue a Nick Cave a los brazos de los fans, al menos una vez más, no se puede pedir más.

Las noches de verano, cuando la gente de orden que queda en la ciudad se acuesta –legando a los noctámbulos un silencio sagrado que denota la vaciedad de los barrios a los que no llega el turismo–, son ideales para combinar el frescor de la madrugada con unas gotas de alcohol, hielo y unas notas de jazz. A poder ser el relajante cool jazz o el suave jazz melódico o de fusión.

A poca gente que busque paz y tranquilidad tras un día trasegando el calor español, se le ocurriría adentrarse a esas horas en el bebop o el jazz funk, y mucho menos en el aparentemente caótico y alocado free jazz. Y sin embargo la carga hipnótica de este último estilo, su fuerza espiritual y su búsqueda de una música colectiva, democrática y, en cierto sentido, tántrica, puede provocar un viaje alucinante que la oscuridad nocturna puede ayudar a iluminar.

Pero si de buenas a primeras lo que oímos al sintonizar Lonely Woman de Ornette Coleman, Saints de Albert Ayler, Outer nothingness de Sun Ra o Of what de Cecil Taylor nos rompe los esquemas, no hay que entrar en pánico. Podemos leer –se devora con fruición– el ensayo Free Jazz. La música más negra del mundo (Anagrama, 2024) y aprender a apreciar una propuesta musical inusual pero estimulante, áspera pero altamente creativa y desde luego profundamente informalista.

Para ayudar a la tarea vale imaginar un cuadro de Mark Rothko, de Jackson Pollock –aunque siempre se le ha asociado al hardbop– e incluso Antoni Tàpies, porque el informalismo y la abstracción son el equivalente pictórico que mejor casa con esta música a priori inclasificable pero que, tal como nos explica Mariano Peyrou –poeta, saxofonista, profesor de Historia del Jazz en el Centro Superior Música Creativa de Madrid y autor del libro–, tiene una gran carga lógica.

Muerte a la tiranía del solista y su melodía

Nacido a finales de la década de los 50 de la mano de geniales músicos como Ornette Coleman, Albert Ayler, Cecil Taylor, Charlie Haden, Don Cherry, Pharoah Sanders o Sun Ra entre otros, fue adoptado por dioses del género como John Coltrane, que a pesar de no sumergirse totalmente en el free jazz, siempre simpatizó con sus postulados. Hasta el punto de pedir que en su entierro tocaran las bandas de Ornette Coleman y Albert Ayler.

Fue durante los años 60, los de la lucha por la igualdad racial y la reafirmación de la africanidad de la minoría negra norteamericana, cuando se expandió como un huracán sonoro que, sin embargo, apenas tuvo audiencia o éxito comercial más allá de las élites intelectuales tanto blancas como afroamericanas.

“Su onda expansiva fue potente pero corta, superada por la rápida evolución del jazz hacia otras estéticas e intereses”, explica Peyrou, que reivindica, no obstante, “su impronta revolucionaria en la música, pues apostaba por un punto de vista coral y libre de la interpretación, anarquista en el sentido de que se pretendía abolir las jerarquías en la música de modo que cada instrumentista pudiera desarrollar su parte en igualdad de condiciones y sin tener que subyugarse a la melodía principal”.

Explica Peyrou que es una estructuración musical que “en Europa no tiene parangón (aunque su rupturismo pueda equipararse al del dodecafonismo) pero que un oyente africano poco influenciado por las corrientes occidentales comprenderá de forma natural”. Conviene el ensayista en que ciertas músicas rituales afrocubanas y afrobrasileñas como las descargas de guguancó o la percusión del candomblé, siguen la misma lógica del free jazz.

Descolonización del jazz

Es pues, una música descolonizadora de lo que de blanco que pueda tener el jazz en década de los 60, que no era poco. Sostiene Peyrou que la influencia europea sobre el jazz había colonizado buena parte del género y esto se traducía en un concepto lineal y jerárquico de esa música, donde la melodía, interpretada por el solista y líder del grupo, se imponía a armonías y compases, relegadas a instrumentos secundarios –contrabajo, batería e incluso piano en ocasiones– que debían limitarse a dar un lecho rítmico a la melodía.

Fue una música descolonizadora de lo que de blanco que pudiera tener el jazz en década de los 60, que no era poco

“Es un esquema”, asevera Peyrou, profundamente europeo: “Una influencia que se cuela en el jazz en las primeras décadas del siglo XX, cuando llegan los primeros intérpretes blancos, pero que no se daba en la estructura africana original del dixie o el blues rural, donde el sonido era mucho más percutivo, paritario y colectivo”.

“Así”, observa en su vibrante, clarividente y didáctico ensayo, “el free jazz es una ruptura en la que confluyen una serie de artistas tanto desde el plano personal como el estilístico y el histórico en un tiempo de profundos cambios como fueron los años 60”. Se trató de un replanteamiento de las estructuras del jazz en busca de una mayor espiritualidad, lo que implicaba “por un lado ahondar en sus raíces africanas y por el otro rehuir las melodías comerciales que se habían impuesto hasta la fecha”.

Asiente al preguntársele si el free jazz es también un intento de colectivización del sonido respecto a los anteriores movimientos en el género, especialmente el bebop y el hardbop y dejando de lado el cool jazz, que a pesar de estar capitaneado por figuras negras como Miles Davis, tiene una estructura claramente blanca tanto en arreglos como en la preponderancia de la melodía.

Fracaso comercial

Como se ha dicho, el free jazz fue comercialmente un desastre: era duro de oír, repleto de sonidos chirriantes, notas graves disonantes y soliloquios enloquecidos tanto por parte de los vientos como de la percusión, el contrabajo y la batería o el piano. Y además todo sonaba a la vez: una nube sonora a la que había que prestar atención para captar su coherencia, que la tenía.

No era casual la búsqueda de este aparente caos, que contradecía el llamado “jazz de ascensor” o smooth jazz, ideal para escuchar mientras se ejecutan tareas diversas. El free jazz reivindicaba la atención para llevarnos a un plano de elevación espiritual superior donde la polirritmia repetitiva y alternada nos condujera a una especie de estado alterado de conciencia.

Puede apreciarse esta intención en obras como A Love Supreme de John Coltrane, que a pesar de no ser free jazz en sentido puro ejerció de puente entre el género y el oyente convencional.

La muerte en 1967 de John Coltrane, gigante del jazz que respaldaba a esos jóvenes revolucionarios, supuso la sentencia de muerte del 'free jazz', que había sido aviesamente criticado por músicos y críticos

Pero la muerte en 1967 de Coltrane, gigante del jazz que respaldaba a esos jóvenes revolucionarios, supuso un terrible golpe y la sentencia de muerte de este estilo, que había sido aviesamente criticado por músicos, críticos y desde luego emisoras radiofónicas y compañías discográficas. Y desde luego no obtuvo el apoyo de la mayoría del público afroamericano, al cual buscaba regalar un sonido más conectado con sus raíces africanas.

Al final fue abandonado a pesar de que figuras como Coleman, Haden, Sanders, Cherry, el argentino Gato Barbieri o el lunático Sun Ra le sobrevivieron gracias a su gran estatura artística. “Hoy el free jazz pervive”, asegura Peyrou, “en la música de improvisación de músicos como el pianista Agustí Fernández, y también en algunas bandas de rock alternativo que apuestan en sus conciertos por la distorsión que generan los acoples con el amplificador”. También en los aullidos de cantantes como Patty Smith, que podrían corresponderse con los de la vocalista que interpreta el gutural Black Woman de Sonny Sharrock, un clásico del free jazz. O bien en algunos de los soliloquios del saxofonista Kamasi Washington.

Para cerrar la conversación con este periodista, Peyrou lanza un dardo: “Si te fijas, la gente de izquierdas gusta de música estilísticamente tan jerárquica y dictatorial como es la de los cantautores: una melodía, un compás y poco más”. Así que ya saben: revolucionen su oído este verano: escuchen free jazz y lean a Mariano Peyrou. Y por si quieren una lista de temas, el autor del libro ha preparado esta, donde se encuentran todos los que cita en sus páginas.

Desde el primer momento, ANOHNI destacó por reivindicar con su voz algo tan intangible como las emociones. La artista, que entonces firmaba como Antony & The Johnsons, fue la gran revelación de la música alternativa de 2004 gracias a su segundo disco, I Am A Bird Now, que se elevaba como una plegaria y fue una obra decisiva para abrir la música pop a una nueva manera de expresar y contemplar la diversidad sexual. Nacida en Inglaterra en 1971, Antony Haggerty se integró en la escena underground neoyorquina al poco de trasladarse a dicha ciudad con su familia. Allí tuvo la ocasión de conocer a la activista trans Marsha P. Johnson que, unos días después de aquel encuentro, aparecería muerta en el río Hudson.

Ella fue el motivo por el que ANOHNI inventó el nombre de The Johnsons para bautizar al grupo que la acompañaba en sus primeros álbumes. Ahora, tras varios años de ausencia y un álbum firmado solamente como ANOHNI (Hopelessness, 2016) ese nombre reaparece con su nuevo disco, My Back Was A Bridge For You To Cross. Una obra que a partir de diferentes problemática —la pérdida, el ecocidio, la homofobia y la transfobia, la misoginia— construye un mosaico sonoro y poético que es a la vez una reflexión y un antídoto para seguir adelante en la incertidumbre que nos ofrecen los tiempos actuales. En su portada, un retrato en primer plano de Johnson, que está presente en esta conversación desde el primer instante.

Después de más de diez años firmando simplemente como ANOHNI, para su nuevo disco recurre de nuevo al nombre de acompañamiento de The Johnsons. ¿A qué se debe?

Fue una decisión que tomé por motivos artísticos y espirituales. Quería mostrar de dónde vengo puesto que he completado un círculo. Ahora que mi homónima Marsha P. Johnson es más conocida, quería intentar atraer más atención sobre ese aspecto de la narrativa de mi trabajo. Hoy la gente tiene una idea más clara de quién fue Johnson y eso permite comprender mejor el contexto en el que trabajo.

Por momentos, el álbum tiene una clara inspiración soul y usted misma ha dicho que Marvin Gaye fue un referente importante a la hora de darle forma.

Sí, él fue una de las piedras de toque a la hora de hacer este álbum. Es uno de los músicos americanos del siglo XX que mejor plasmaron el significado de vivir en un determinado capítulo de la historia. Combinó una mirada objetiva sobre la sociedad en la que vivía con una manera de sentir, y así introdujo en su música todo un amplio espectro de ideas y sentimientos. Muchas generaciones de músicos se han inspirado en su álbum What’s Going On.

Quería establecer un diálogo con el álbum 'What’s Going On' de Marvin Gaye, dirigirme a él desde la perspectiva que me ofrece el hablar 50 años después de que fuera grabado

Da la sensación de que ese disco no es solamente una inspiración estilística, sino que lo utiliza también como reflejo para amplificar lo que quería contar en su disco.

Quería establecer un diálogo con ese álbum, dirigirme a él desde la perspectiva que me ofrece el hablar 50 años después de que fuera grabado. Lo hago creando una especie de juego de preguntas y respuestas entre dos momentos específicos en el tiempo, como si ambos pudieran acabar encontrándose y establecer un diálogo entre el pasado y el presente. Creo que el mensaje de What’s Going On mantiene su relevancia. En canciones como Mercy Mercy Me (The Ecology) [un tema cuya letra denunciaba en 1971 los abusos medioambientales] se habla de un futuro que ya había comenzado. En ese momento existían otros músicos con planteamientos similares, pero Gaye plasmaba los suyos con mucha elegancia. Ese disco evoca diferentes conflictos como las guerras, el racismo o la desigualdad social, de una sociedad fragmentada y con todo ello dibuja un paisaje. Y eso es lo que, a mi manera, he intentado hacer con My Back Was A Bridge For You To Cross.

¿Cuándo empezó a gestarse el álbum?

Hace dos años. Llevaba mucho tiempo sin hacer un álbum, y hasta ese momento ni siquiera tenía claro que quisiera registrar otro más. Necesitaba hacer un disco mucho más emotivo que cualquiera de los que he grabado hasta ahora. Pedí consejo a los responsables de mi sello británico y me recomendaron a Jimmy Hogarth. Fue una delicia trabajar con él. Hizo que todo resultara sencillo, algo que nunca me había pasado a la hora de hacer un disco. Nunca me había sentado a escribir con otra persona que me ayudara a hallar la progresión sonora más adecuada para la canción. Jimmy se involucró completamente en el proyecto. Me animaba a intentar cosas. Estoy tan complacida con este disco... Lo amo con todo mi corazón.

A pesar de las influencias de las que ya hemos hablado, este disco no busca ser catalogado como soul.

Hay un par de canciones en ese estilo, pero es un álbum musicalmente variado que discurre en diferentes direcciones. Por ejemplo, es un disco que se basa mucho en la guitarra eléctrica, algo que hasta ahora nunca había hecho.

A veces esas guitarras recuerdan a Lou Reed, un artista que la apoyó al principio de su carrera y con el que trabajó en varias ocasiones.

He pensado en él mientras creaba el álbum, pero no a la hora de buscar la distorsión. Sin embargo, durante la época en la que colaboré con Lou, me enseñó muchas cosas sobre ese tema, sobre todo cuando estuve acompañándole en las giras. Me encantaba su manera de tocar la guitarra, especialmente su lado más tierno, ese que se refleja en algunas canciones de The Velvet Underground. Solía hablar mucho con Lou acerca de la manera que tenía de tocar, su mano era como la garra de un oso, zarpas muy afiladas que a la vez desprendían una intensa calidez. Era un experto en manejar el sonido de su instrumento. Esa habilidad residía en sus manos, en el modo en que las usaba al tocar el instrumento. Yo las miraba moverse mientras tocaba. Y cuando interpretaba Candy Says con él, ese momento estaba hecho de su guitarra y mi voz.

Mi canción 'Sliver Of Ice' es una reflexión acerca de cosas que Lou Reed comentó durante una charla muy emotiva que mantuve con él antes de fallecer

Hay una canción en este disco, Sliver Of Ice, que nace a partir de algo que él le dijo.

Es una reflexión acerca de cosas que comentó durante una charla muy emotiva que mantuve con él antes de fallecer. Estaba empezando a apreciar ciertas experiencias cotidianas de una manera nueva, pequeños momentos de éxtasis que quería guardar como si fueran tesoros. Un día recordé la conversación y decidí escribir el poema del que parte la canción. En la letra, las únicas palabras de Lou son las que hacen referencia a la sensación que le produce tener un trozo de hielo deshaciéndose en su boca.

Este disco comenzó a gestarse durante la pandemia, un acontecimiento cuyas consecuencias seguimos experimentando. Como seres humanos, ¿la pandemia nos ha hecho mejorar o empeorar?

El mundo continúa su rumbo y la sociedad también. Creo que, sin los cambios sistemáticos necesarios, no vamos a poder aprovechar los destellos de otras maneras posibles de vivir que percibimos durante la COVID-19. Aquel fue un momento para reflexionar y apartarnos un poco del capitalismo. Tuvimos la oportunidad de volver a vivir y dejar de sentirnos únicamente como rehenes del sistema en el que estamos atrapados. La pandemia definió un periodo muy complejo en el que todos perdimos a alguien querido. También fue un periodo de reflexión del cual recordamos instantes muy concretos. Todo eso abrió una ventana de oportunidades. Pero esa ventana se ha cerrado ya.

La pandemia fue un periodo de reflexión del cual recordamos instantes muy concretos. Todo eso abrió una ventana de oportunidades pero esa ventana se ha cerrado ya

Hace muchos años, en una entrevista, usted declaró que la capacidad de sentir y de expresar las emociones era algo tan revolucionario que podía considerarse como un nuevo punk. ¿Nos sería más fácil comprender si fuésemos más capaces de sentir?

Sigo suscribiendo esa idea. Vivimos en sociedades occidentales que sistemáticamente suprimen los sentimientos y los instintos viscerales, priorizando eso que llaman enfoque racional, que para mí lo único que hace es sofocar ciertos valores. Suprimir los sentimientos en las decisiones gubernamentales es un reflejo de la supresión de la feminidad. Seguimos inmersos en sistemas misóginos que intentan controlar y reprimir nuestra intuiciones, sentimientos e instintos. Es como si a nadie le importara que seamos incapaces de tomar decisiones sensatas acerca del mundo en el que vivimos. Y para mí, el núcleo de esta crisis está en la aversión a la feminidad, ese miedo religioso hacia cualquier manifestación de lo femenino, de la energía y la creatividad femeninas. Hay una parte de nuestra reserva genética que contiene los efectos de miles de años de violencia contra el cuerpo femenino, de imágenes que conforman un trauma colectivo que todos albergamos en nuestro interior.

¿Y qué cree que puede hacer usted, desde su posición como artista, para intentar combatir eso?

Como artista, mi reto es cavar lo más profundo que pueda para sacar a la superficie parte de todo esto de lo que hablo. La única esperanza para conseguir un futuro sostenible es llevar a cabo un trabajo radical y cuestionarnos a nosotros mismos mucho más de lo que lo hemos hecho hasta ahora. Nos disponemos a cortar el cordón umbilical que nos une a la madre Tierra, a ignorar esa parte femenina tan importante de nuestro yo, porque sobre esa ruptura hemos inventado religiones y sistemas económicos. Parece imposible revertir este proceso destructor, pero ahí es dónde está el reto, en intentar imaginar, aunque ya no sé si somos capaces de hacerlo o si contamos con el lenguaje necesario para ello.

Recuerdo la primera vez que fui a Madrid, en 2005 y pensé “¡qué bien, todavía no han llegado los Starbucks aquí!”

Después de más de 25 años creando, actuando, haciendo música, haciendo de usted misma un estandarte para el colectivo LGTB, ¿cree que al igual que dice la canción que da título a su álbum, su espalda es un puente para que otras personas puedan cruzar a otra orilla?

Yo solamente estoy hecha de aquello que estuvo antes que yo. Mi trabajo proviene del trabajo de otra gente. Esa canción habla de ello, de las relaciones ancestrales y del modo en que nos movemos, disolviéndonos en una especie de ente superior. No creo en aquello que nos es presentado como algo completamente nuevo. El capitalismo nos anima a olvidar de dónde venimos y quiénes hemos sido. No interesa que comparemos nuestra experiencia con la de nuestros ancestros y descubramos la enorme diferencia que existe entre ambas. Separando a los viejos de los jóvenes a través, por ejemplo, de la llamada cultura juvenil, se crea un cortafuegos cultural y la continuidad queda interrumpida. Así resulta mucho más fácil montar un nuevo Starbucks. Recuerdo la primera vez que fui a Madrid, en 2005 [su primer concierto en España como solista tuvo lugar en el Teatro Calderón en mayo de ese año], y pensé “¡Qué bien, todavía no han llegado los Starbucks aquí!”.

Me temo que hace tiempo que ya están por todo el país.

No sabes cuánto lo siento.

Lejos de la imagen de espacios solemnes y exclusivos para eruditos e iniciados, han surgido otro tipo de coros como espacios diversos y abiertos en los que se juntan gentes de todas las edades y pelajes. Algunos saben música y otras no, unas tienen formación especializada en un instrumento, y otros no saben leer una partitura. Apoyándose en esas diferencias se juntan para cantar y poner en práctica una forma de expresión colectiva y, a veces, reclamar que el mundo cambie.

“Simbólicamente, un coro es un arma potentísima, ves a treinta o cuarenta personas disfrutando y generando belleza al unísono, y eso tiene un potencial político enorme”, cuenta Malela Durán, codirectora de El Molino de Santa Isabel, una escuela de música que quería incluir, además de la formación, los sueños de integración, redes de apoyo y alegría de sus fundadoras, según dice su página web.

“Para mí, un coro tiene que convertirse en una pequeña comunidad”, explica Durán. Un lugar “donde todo el mundo persigue el mismo objetivo, que es hacer la música lo más bonita posible. Ese objetivo, y el placer de trabajar para conseguirlo en los ensayos, usando además el instrumento más sentimental, que es tu propia voz, es como hacer un pequeño pueblito. Se generan códigos comunes y unas redes de afecto y de apoyo que son imprescindibles para sostener la vida”.

Construir comunidad, en un sistema que fomenta el individualismo y la desconfianza del prójimo, es una excepción frente al sálvese quién pueda. Su práctica es una experiencia inspiradora y un elemento poderoso de transformación: “A alguien le pasa algo y el coro responde como grupo, no es tu familia, pero es tu comunidad. Si no hay buen ambiente, la música se resiente, hay una obligación de hacer el bien a la comunidad, y eso es maravilloso. La música me interesa pero no más que la parte social”, relata Durán, que es la directora de los seis coros clásicos de El Molino de Santa Isabel.

Bach en la okupa

Malela Durán viene del pop, participó en el grupo Nosoträsh en su Gijón natal, y en Madrid estaba en el grupo Garzón, que luego pasó a llamarse Grande-Marlaska. Montó su primer coro en el espacio asociativo La Dinamo, en el barrio madrileño de Lavapiés. Y cuando se ocupó un edificio en el centro de la ciudad, quiso llevar allí su experiencia, y con ello dibujó un camino nuevo por el que ya no transitaban solo el rap, el hardcore o las batucadas: Bach entró en una casa okupada. “Fue un momento mágico, tenía la sensación de pisar un terreno desconocido. Pensé que por qué no cantar Bach en un centro social okupado, aunque no tenga una letra puramente política. Cantar por la belleza y la armonía del grupo como herramienta política y transformadora”, recuerda Durán.

Aquel edificio ocupado se llamó Patio Maravillas, y un día en su cafetería sonaron dúos de violín de Telemann o sonatas de Beethoven al piano. “Fue revolucionario, hubo ciertas tensiones con gente que no entendía que se cantara música religiosa, porque les parecía contradictorio con lo que se vivía allí, pero acabamos encontrando nuestro espacio, y cantamos a las 7 de una mañana en la que había amenaza de desalojo, aquello fue emocionante”, cuenta.

El Patio se hizo, así, permeable para personas que de otra manera no habrían llegado a un espacio okupado: “Dimos un concierto para nuestros padres y madres y por primera vez, personas de 70 u 80 años sin perfil activista, entraron en una okupa. También llegaron músicos profesionales que iban a dar clases de técnica vocal y conocían así un espacio que no era peligroso, era abierto y educado, con una sensación grande de comunidad, esa gente con un perfil no predispuesto al Patio en un primer momento, acabó acudiendo a las manis contra el desalojo”, rememora Malela Durán.

Cantar por el bien común

En un coro nadie destaca, un grupo de voces crean una voz única y trabajan para un resultado común, y eso supone controlar a los egos para que nadie destaque. “Hay que intentar que nadie se quede descolgado por abajo, pero también que no asome demasiado la cabeza, porque el sonido tiene que ser el de empaste de grupo, no el de tres líderes y luego una gente que les sigue. Y esto es algo muy bonito, porque es el resultado de la acción conjunta, si no, no tiene sentido. Supone buscar juntos la belleza, y eso tiene un potencial político muy fuerte”, explica la directora del coro.

Nacho Vegas conoce a Malela Durán de Gijón y la llamó para que el coro del Patio participara en su disco Resituación, en 2014, en dos de las canciones. Después, el músico buscó un coro para los directos, y se formó Al Altu la Lleva, un coro que se define como matriarcal, internacional y antifascista que actuó con Nacho Vegas en un concierto en el Palau de Barcelona con una canción sobre la PAH criticando al Banco Sabadell que patrocinaba el concierto, y también en una sede bancaria en Gijón contra los desahucios, entre otros muchos actos reivindicativos y de protesta desde entonces.

En esa misma línea, el coro y orquesta La Solfónica nació en 2011 al abrigo de las plazas ocupadas por el 15 M en Madrid, con músicos y profesores de música, y otras tantas personas sin formación musical. Desde entonces han cantado en manifestaciones, escraches y desahucios, temas clásicos y populares, muchas veces adaptando las letras a las demandas sociales. Cantan siempre en calles y plazas, y proponen así una forma de protesta que expresa la rabia con música y canto. Sus actuaciones, como las del coro asturiano Al Altu la Lleva, provocan una emoción honda en quienes les escuchan.

No hace falta saber música

La idea que se tiene de coro ha cambiado mucho y ya se conoce que hay muchos tipos de coro que se enfrentan a su vez a diferentes tipos de músicas. “Pero la música clásica todavía se ve como algo alejado, elitista, demasiado serio. Esto es algo que intentamos romper, creemos firmemente que la música clásica es para todos, que también es divertida, que puede ser para niños y niñas, que puedes pasar una tarde maravillosa cantando rock o cantando a Bach”, cuenta Durán, que reconoce que la técnica a veces aleja, y sabe que la música popular, o el folclore son más cercanos que la música clásica.

Eso comparte María Quiroga, trompetista y cantante, que compone jazz y dirige un coro de gospel en el Ateneo Varillas, un espacio asociativo en León. “El gospel es música negra y religiosa, de las iglesias baptistas. Se hacen menos virguerías que en la clásica, donde hay una especialización en un instrumento. En el jazz o el gospel esto es muy abierto, puedes ser pianista y aprender a tocar la trompeta”, explica Quiroga, que hasta el momento ha ensayado clásicos de gospel, como Amazing Grace, Oh Happy Day o The Lion Sleeps Tonight. El curso que viene quiere incluir temas de The Beatles, Freddy Mercury o Stevie Wonder.

El coro de gospel ensaya los miércoles desde octubre pasado y en él hay gente que sabe leer música y otra que no. “Vemos cómo aprender a cantar y que el oído se ponga las pilas cantando interválicas, hago juegos para que no solo sea hacer un repertorio, sino que la gente adquiera afinación y técnica vocal, y explico toda la grafía para quienes no saben leer música. Al final, practicando, se acaban entendiendo muchas cosas en una partitura”, cuenta María Quiroga.

En esto concuerda Malela Durán. “Dirijo seis coros y calculo que el 70% de la gente no sabe música. Al principio empiezas con la memoria y el oído si tienes la suerte de que te acompañe, y poco a poco vas aprendiendo con las partituras y te acostumbras a los códigos”, explica.

Prohibido cantar en tiempos de pandemia

Cuando la pandemia explotó y el mundo se detuvo, cantar se convirtió en una actividad altamente peligrosa, compartir espacio con la boca abierta, a voz en grito, se volvió imposible. “El principio fue dificilísimo, fue un mazazo terrible, las noticias que llegaban era que cantar era lo peor que podías hacer. Cuando pudimos, hubo clases por pantalla, y lo mejor que sacamos de ahí fue seguir juntos en la distancia, al menos nos podíamos ver las caras. Pero no teníamos manera técnica de coordinarnos para sonar a la vez, así que yo enseñaba tipo master class y la gente luego ensayaba, era un simulacro de lo que es un coro. Mucha gente aguantó y en cuanto se pudo volver a cantar, aunque fue un grupo más pequeño, con mascarillas, comprobamos que no se había hecho un agujero, sino un valle”, relata la profesora.

La primera vez que volvieron a juntarse fue para cantar por la sanidad pública delante de un centro de salud. Muchos de los alumnos de Malela Durán son personas jubiladas, y la mayoría no se atrevió a ir a la escuela. Quienes lo hacían, extremaban las precauciones. En la red pueden verse videos de la escuela con las puertas de la calle abiertas, la gente cantando con mascarillas y abrigos. “Era difícil pero decidimos que era mejor eso que no hacerlo. Lo bueno es que al ser grupos más pequeños, y con más distancia, la gente se tuvo que poner las pilas, no estaban tan cubiertos por el grupo y tuvieron que estudiar. Y así mucha gente mejoró, al ser menos había que ensayar más en casa para que el conjunto sonara bien”, explica Durán.

Ahora ensayan en la escuela y también en algunas iglesias cercanas, porque son espacios con una acústica buena donde sonar bien. “Hay sitios muy chulos que suenan muy mal, y una iglesia casi siempre te garantiza una satisfacción muy grande en ese sentido. Nos relacionamos con dos iglesias vecinas, que tienen cierto trabajo social, son abiertas, tienen un perfil no tan conservador. Ensayamos o actuamos en ellas y en lugar de pagar un alquiler, colaboramos con la acción social que llevan a cabo en el barrio con un donativo, que con el confinamiento ha organizado bancos de alimentos, y todo tipo de apoyos”, concluye Durán.

Tanto las personas melómanas como aquellas que suelen escuchar la radio y les gusta hacerlo mientras se mueven por su casa, coincidirán en que lo importante a la hora de escoger un dispositivo es la calidad del sonido por encima de cualquier otra prestación. “¡Es el sonido, estúpido!”, podríamos decir para apoyar este dogma.

No obstante, y más hoy en día en que la mayoría de cadenas disponen de altavoces de calidad a precios sensatos, cada vez cobran más importancia otros factores, como la conectividad del aparato, las funciones que incorpore o el diseño.

Cómo debe ser una buena minicadena

En cuanto a la conectividad, no está de más que una buena minicadena incorpore conectividad bluetooth, para poder emitir las canciones del móvil, pero también algún puerto USB para conectar dispositivos sin bluetooth, así como otro HDMI por si queremos usar la cadena de complemento del televisor, en plan Home Cinema.

En cuanto a las funciones, no basta con un lector de CD, una buena minicadena debe tener también una radio con emisoras presintonizadas, así como un ecualizador como modos predefinidos tanto mejor si permite integrar un plato de tocadiscos o una casete.

Finalmente no debemos obviar el diseño, ya que la minicadena será un objeto que irá integrado en la decoración de nuestro salón, nuestra habitación o nuestra oficina. Es importante que no desentone, que no tengamos que arrugar la cara cada vez que miremos el dispositivo.

Cinco modelos interesantes

1. Kenwood M-819DAB: recomendado de ConsumoClaro 🤟🏻

Microcadena de música color negro. Posee dos altavoces de 50 W cada uno, lo cual es un buen nivel de potencia, así como un ecualizador con modos predefinidos para adaptar la reproducción a varios géneros musicales. Por otro lado, la radio presenta 20 estaciones presintonizadas. En cuanto a conectividad, ofrece una entrada auxiliar, lector de CD, puerto USB y Bluetooth para conectar el móvil.

2. Sharp XL-B512(BR)

Un modelo interesante por sus altavoces de madera, así como por la potencia de estos, de 45W. Presenta conectividad bluetooth y USB, con capacidad para reproducir Mp3 además de CD's. En cuanto a la radio, presenta un sintonizador FM con memoria para 40 estaciones. También un sintonizador PLL para mejorar la calidad y reducir las interferencias, así como seis preajustes de ecualizador con ajuste independiente de graves y agudos.

3. GRUNDIG MS 300

Una minicadena en negro muy minimalista y elegante, con altavoces dotados con sistema Bass Reflex de dos vías y cuatro ecualizadores para rock, clásico, pop y jazz. Se acompaña, además de por el lector de CD's, por una radio con memoria para 40 emisoras FM presintonizadas, así como para streaming de audio de música gracias a su conectivdad bluetooth.

4. Energy Sistem Home Speaker 7: recomendado de ConsumoClaro 🤟🏻

Este modelo ofrece potencía y calidad de sonido a la altura de los usuarios más exigentes gracias a los 30 w de potencia de sonido estéreo. Además, su estructura modular nos permite colocar cada altavoz separado del otro para un mayor efecto de sonido envolvente.

Dispone también de radio FM con 50 presintonías, así como conectividad bluetooth para escuchar la música que guardemos en el móvil. Por otro lado, su diseño es muy minimalista y elegante.

5. Phillips Audio M3205/12

Una cadena bastante completa a muy buen precio que nos ofrece radio FM con presintonizaciones, reproductor de CD's y conectividad USB y Bluetooth. En cuanto al ecualizador, la función de control digital del sonido de la minicadena nos permite adaptarla a cualquiera de los principales estilos musicales.

En cuanto a los altavoces, es tal vez su punto débil, ya que su potencia máxima es de 18W, aunque incorporan el sistema Bass Reflex para ponderar los graves. Sin duda su mayor precio son las prestaciones que tiene en relación a su precio y la garantía de marca.

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La Consejería de Educación y Cultura presenta este fin de semana un nuevo espectáculo de su ciclo Conciertos en Familia de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (OSRM) que se celebra en el Auditorio regional Víctor Villegas y con el que pretende acercar la música sinfónica, así como otras disciplinas artísticas, a los más pequeños, informan en un comunicado.

En esta ocasión, Belter Souls presenta una versión adaptada al público infantil de ‘Joyful!’, un espectáculo protagonizado por una veintena de cantantes e instrumentistas que fusionan la fuerza del góspel con una espectacular puesta en escena y una divertida dramaturgia.

El director del Instituto de las Industrias Culturales y de las Artes, Juan Antonio Lorca, indicó que “por primera vez desde la creación de los Conciertos en Familia en 2003, hemos tenido que doblar algunos espectáculos del ciclo, como es el caso de ‘Joyful! Family’, previsto inicialmente para el domingo pero que, tras agotar prácticamente todas las entradas, se celebrará también el sábado por la tarde con el fin de que sean más familias las que puedan disfrutar de él”.

En ‘Joyful! Family’, los clásicos del góspel se entrelazan con recurrentes intervenciones teatralizadas lideradas por el maestro de ceremonias, el actor Pepe Alacid, que, con la ayuda de ‘El Libro del Góspel’, irá explicando al público más joven el origen de esta música, los elementos principales que la componen, y, lo más importante, los pasos imprescindibles para disfrutar de ella y convertirse así en todo un buen ‘gospelero’.

Con este espectáculo, la Consejería de Educación y Cultura continúa apoyando el talento joven murciano, que sigue abriéndose paso en los circuitos culturales de todo el país como demuestra el hecho de que Belter Souls vaya a llevar su espectáculo próximamente a Madrid y Barcelona tras recorrer otras ciudades como Alicante, Sevilla, Valencia, Vitoria, Santander o Bilbao.

El domingo, además, habrá un ‘Pequencuentro’ previo al concierto a las 11:15 horas conducido por Virginia Martínez, directora titular de la Orquesta Sinfónica de la Región de Mucia y con la participación de algunos de los miembros de Belter Souls.

Ezequiel Barrios y la formación Naturally Gospel homenajearán a Whitney Houston en un concierto previsto para este sábado, 1 de diciembre, en el Auditorio Teobaldo Power de La Orotava, a las 20.30. Las entradas, a un precio de 10 euros, podrán adquirirse en la plataforma tomaticket.es y en la taquilla del auditorio.

El recital forma parte del espectáculo Reliving, con el que el músico canario, uno de los más destacados protagonistas de la escena góspel de toda España, repasa éxitos de este estilo musical tan característico de la música negra.

En palabras del propio director de la banda, “Reliving mezcla el góspel tradicional de artistas como Richard Smallwood con el góspel más actual, pasando también por artistas tan reconocidos como Steve Wonder y Aretha Franklin, entre otros”. Algunos de los temas más conocidos de Houston que se escucharán esa noche son I wanna dance with somebody, And I am telling you y I have nothing, entre otros.

Creado en el año 2017 por Ezequiel Barrios, Naturally Gospel es una formación de diez componentes de la isla de Tenerife. A la par de esta gira con el espectáculo Reliving, Naturally Gospel trabaja en la producción del disco Here, cuya presentación está prevista para finales de año y que contará con un espectáculo lleno de canciones inéditas.

Ezequiel Barrios lleva 15 años dirigiendo coros y música góspel y se ha formado en diferentes ciudades y países como Londres, Nueva York, España y Noruega, entre otras ciudades y países.

La Escuela Góspel de Canarias (de Rofe Producciones) ha abierto la matrícula para el presente curso. Dirigida por el músico, compositor y productor Ezequiel Barrios, la escuela ofrece dos horas de formación semanal en técnica grupal, canto, repertorio góspel y fonética inglesa.

Los miembros de la Escuela Góspel de Canarias conformarán una enseñanza musical que actuará a lo largo del año en distintas ocasiones. Igualmente, será la base de oportunidades para iniciar o continuar con una carrera artística en uno de los estilos musicales que cuenta con mayor aceptación en Europa, América y África.

Como novedad, este año la isla de La Palma abrirá coro góspel; será en Los Llanos de Aridane y se llamará La Palma Gospel Choir. Por supuesto, se siguen manteniendo los cursos de Tenerife y Lanzarote.

El Tenerife Gospel Choir, que comienza el 12 de septiembre, será todos los miércoles de 19.00 a 21.00 en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife (calle del Castillo, 43, Santa Cruz de Tenerife). 

El Lanzarote Gospel Choir comienza el curso el 20 de septiembre y las clases se impartirán todos los jueves de 19.00 a 21.00 en la Escuela de Música Juanma Padrón (Calle Mayor, 53, Playa Honda). 

La actividad de La Palma Gospel Choir, que iniciará su andadura el 2 de octubre, tendrá lugar todos los martes de 16.30 a 18.30.

La Escuela Góspel de Canarias nació en febrero de 2017 en Lanzarote, con la idea de crear grupos estables en todas las islas, para que sea posible generar una salida ilusionante para numerosos talentos que existen en el archipiélago.

El fundador de la Escuela Gospel de Canarias es Ezequiel Barrios, músico, compositor y productor. Formado en el Reino Unido, Estados Unidos, Noruega y España, durante los últimos 15 años Barrios ha dirigido formaciones de góspel como Coro Unido de Tenerife y Gospel Shine Voices (con estos últimos incluso grabó un disco). Actualmente, desarrolla su proyecto personal, una formación de góspel con el nombre de Naturally Gospel.

PARA MÁS INFORMACIÓN: talleres@rofeproducciones.es.

Música góspel africana y americana, canto étnico, pop... Y todo a cappella. La banda Aba Taano dará voz a todos los niños huérfanos de Uganda en un concierto que se celebrará este lunes en la Colegiata de Santillana del Mar a partir de las 20.45 horas. Este concierto solidario, organizado por la ONG Música para salvar vidas, no exigirá entrada para su acceso, sino que únicamente contará con las contribuciones voluntarias de los asistentes.

Según la organización precursora de este proyecto, estos niños necesitan “crecer y aprender de la música para tener futuro en su país”. Además, consideran que tanto la música como la danza juegan “un papel muy importante” teniendo en cuenta “los abusos y abandonos” que han tenido que sufrir a lo largo de su infancia.

De esta forma, Aba Taano tratará de concienciar a través de sus canciones y con “la voz de África” del sufrimiento de estos niños. El grupo, caracterizado por utilizar la a cappella como sello de identidad, está compuesto por cinco artistas que ya han realizado más de 1.500 conciertos y que han recibido seis premios internacionales precisamente por su góspel sin música.

La ONG Música para salvar vidas se creó hace 11 años para suplir las consecuencias “de la falta de cariño y atención de tantos años”. Además, y gracias a grupos como Aba Taano, esta se ha acabado convirtiendo en “la mayor fuente de financiación” de este proyecto.

El Paso y Santa Cruz de La Palma acogerán las dos últimas actuaciones incluidas en la XII edición del Gopsel Music Festival en el que colabora el Cabildo Insular de La Palma, a través de la Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico que dirige Primitivo Jerónimo, se informa en nota de prensa.

Bajo el eslogan La Palma, una isla de Góspel el programa que arrancó el pasado domingo en San Andrés y Sauces con Washingtong Gospel Singers, concluye su paso por la Isla con sendos conciertos en la iglesia de Nuestra Señora de Bonanza y en el Teatro Circo de Marte. Ambas actuaciones serán de acceso libre y gratuito hasta completar aforo.

El jueves 21 de diciembre, a las 20:00 horas, actuará Latonius Gospel Experiencia with friends, en la Iglesia Nuestra Señora de Bonanza en el municipio de El Paso. Este proyecto musical se alimenta gracias a la influencia de artística de los continentes americano, europeo y asiático dotando al gopsel de una universalidad innovadora. Latonuis Earl (Estados Unidos), Satomi Morimoto (Japón) y Tomás LP Cruz (España) ofrecen una versión camerística del gospel, desde una concepción acústica y sofisticada, sobrepasando con calidad y definición las líneas tradicionales de esta música nacida en las iglesias afroamericanas del siglo XVIII.

La última cita del Gospel Music Festival será el viernes 22 en Santa Cruz de La Palma, con la formación Rainbow Gospel Choir que actuará a las 20.30 en el Teatro Circo de Marte. Esta formación se fundó en el año 2007 por jóvenes artistas emprendedores, siendo así el primer coro de góspel del archipiélago canario. Su repertorio está basado principalmente en el góspel contemporáneo, clásicos y espirituales, aunque gracias a su versatilidad tienen tendencias a otros estilos como el R&B, pop y fusiones espectaculares como tango, dance o salsa.

La Palma acogerá los días 17, 21 y 22 de diciembre tres de las actuaciones de incluidas en la XII edición del Gopsel Music Festival en el que colabora el Cabildo Insular de La Palma, a través de la Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico que dirige Primitivo Jerónimo, se informa en una nota de prensa de la primera Corporación palmera.

Primitivo Jerónimo señala la oportunidad que supone este festival para acercar a la Isla las voces “más prestigiosas de un género musical que tiene un gran impacto internacional y ampliar la oferta cultural que existe en La Palma”. En este sentido, y en respuesta al interés del público, destaca que este año se ha ampliado a tres las actuaciones que tendrán lugar en La Palma para llegar a un mayor número de ciudadanos.

Bajo el eslogan La Palma, una isla de Góspel el programa en La Palma de este festival arranca el próximo domingo, 17 de diciembre, a las 20:30 horas, con la actuación del grupo Tony Washingtong Gospel Singers, en el municipio de San Andrés y Sauces (Plaza de Montserrat) que será de acceso libre

El día 21, a las 20:00 horas, actuará Latonius Gospel Experiencia with Friends, en la Iglesia Nuestra Señora de Bonanza en el municipio de El Paso. La última cita del Gospel Music Festival será el día 22 en Santa Cruz de La Palma, con la formación Rainbow Gospel Choir que actuará a las 20.30 en el Teatro Circo de Marte.

Las actuaciones de La Palma forman parte del programa de la XII Gospel Canarias Festival que incluye una veintena de actuaciones en Tenerife, Gran Canaria, Lanzarote, La Gomera y La Palma, desde el pasado 30 de noviembre hasta el próximo 28 de diciembre. Además del Cabildo de La Palma, en el festival, que está organizado por Xenox Producciones, colabora también el Gobierno de Canarias así como otras instituciones públicas y privadas.

El estilo ‘Washingtong’

En cuanto a la actuación de este domingo, el grupo Tony Washington Gospel Singers, se indica en la nota, es pionero en uno de los estilos del gospel americano que tiene mayor proyección en los Estados Unidos, como es el Gospel & Rhythm, una variante que es una fusión de las tradiciones de los himnos cantados a capella por las congregaciones con una poderosa base rítmica.

Este estilo es una de las expresiones artísticas más originales y creativas del sur de Estados Unidos. Se trata de un movimiento muy vital y en continua evolución influenciado por las tendencias más novedosas de la música negra, del R&B al rap.

El grupo, tras una intensa actividad de conciertos en los Estados Unidos, hizo su primera gira europea en el año 1992 para participar en el Festival Lugano Blues To Bop (Suiza). Después han sido una presencia bastante común en el circuito alemán, francés e italiano, donde son acogidos con entusiasmo por un público que rinde tributo regular a una banda que devuelve al gospel las buenas vibraciones.

La Escuela Góspel de Canarias (de Rofe Producciones) ha abierto su matrícula para el presente curso. Dirigida por el músico, compositor y productor Ezequiel Barrios, la Escuela Góspel de Canarias ofrece dos horas de formación semanal en técnica grupal, canto, repertorio góspel y fonética inglesa.

Los miembros de la Escuela Góspel de Canarias conformarán una formación musical que actuará a lo largo del año en distintas ocasiones. Igualmente, será la base de oportunidades para iniciar o continuar una carrera artística en uno de los estilos musicales que cuenta con mayor aceptación en Europa, América y África. Por el momento, las clases se impartirán en Lanzarote y Tenerife.

La Escuela Góspel de Canarias nació en febrero pasado en Lanzarote, con la idea de crear grupos estables en todas las islas, generando una salida ilusionante para numerosos talentos que existen en el Archipiélago.

El fundador de la Escuela Gospel de Canarias es Ezequiel Barrios. Formado en el Reino Unido, Estados Unidos, Noruega y España durante los últimos 15 años, Barrios ha dirigido formaciones de góspel como Coro Unido de Tenerife y Gospel Shine Voices (con estos últimos incluso grabó un disco). Actualmente, desarrolla su proyecto personal, una formación de góspel con el nombre de Naturally Gospel. En esta entrevista, cuenta un poco más de este proyecto. 

¿Cómo nace la idea de una Escuela de Góspel en Canarias?

Por el deseo de querer seguir aportando formación y góspel a Canarias. Me gusta que de una forma abstracta las islas puedan estar unidas por medio de este sonido y se puedan beneficiar de talleres, master class y actividades comunes.

¿Por qué primero en Lanzarote y ahora en Tenerife?

Tenerife y Lanzarote son dos islas a las que siempre he estado vinculado, una por nacimiento y otra por adopción. Comienzo en Lanzarote, que es mi isla de nacimiento, ya que deseo dar a conocer en ella este estilo musical. Poco a poco se fueron abriendo las puertas para poder desarrollar allí esta idea. Acto seguido, comienzo en Tenerife, isla donde llevo trabajando durante mucho tiempo dentro del mundo del góspel.

¿En qué consisten las clases? ¿Qué ofrecen?

En dos horas semanales de clase/ensayo, donde aprendemos a cantar en grupo esta técnica. Durante este tiempo, preparamos un repertorio de góspel para representarlo sobre un escenario y que el público pueda disfrutarlo. Así los alumnos también aprenden a afrontar el momento de actuar ante ellos. Una de las cosas que se trabaja mucho es la cuestión rítmica. Por medio del docente Carlos Castañeda y diferentes ejercicios, aprendemos sobre el gran mundo del ritmo y la percusión. Otro apartado son los talleres que puntualmente y durante el año se impartirán con invitados de fuera de la escuela, ya sean artistas y músicos nacionales o internacionales del góspel.

Si no entiendo mal, los alumnos que finalmente formen la Escuela de Góspel... ¿también entrarán en el circuito de actuaciones a lo largo del año?

Sí, entrarán en un circuito de actividades y conciertos en el archipiélago.

Para formar parte de la Escuela de Góspel, ¿es necesario ser cantante profesional o tener una voz extraordinaria?

No, no es necesario ser profesional ni tener una voz extraordinaria. Lo que es necesario es tener actitud y ganas de cantar, y pasárselo bien aprendiendo con otras personas que aman la música.

¿Qué días y horas serán las clases?

Los miércoles de 19.00 a 21.00 en Tenerife, en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife, en la calle del Castillo, 43 (Santa Cruz de Tenerife). Pueden pedir información en talleres@rofeproducciones.es. En Lanzarote se impartirán los martes, de 19.30 a 21.30, en la Escuela de Música Juanma Padrón (calle Mayor, 53, de Playa Honda). el contacto se puede hacer a través de info@juanmapadron.com.

Un último mensaje: ¿por qué formar parte de esa Escuela de Góspel?

Formar parte de la Escuela de Góspel es disfrutar de una actividad pionera en Canarias, donde los alumnos se impregnarán del sentimiento de la música góspel y donde conocerán a muchas personas que les apasiona lo mismo.

La XII edición del Festival Gospel & Blues de Talavera de la Reina (Toledo) se celebra entre los días 14 de enero y 18 de febrero y arranca con un concierto homenaje al cantante de soul Otis Redding, a cargo de la banda Mauri & Rake.

El presidente de la asociación Always Elvis, Benedicto Tapetado, acompañado por la concejal de Cultura, María Ángeles Núñez, y el músico Luis Lobos Negros, ha asegurado que esta nueva edición del Festival contará con siete conciertos en distintos locales de la ciudad, y la reedición de un disco del líder de Lobos Negros.

Tapetado ha explicado que este Festival “de invierno” da respuesta a la afición por este tipo de música en la ciudad y que ya está incluido en el circuito nacional de Festivales de Blues, por lo que además del homenaje a Otis Redding, se ha preparado otro para el 18 de febrero en Placeres en memoria de Bessie Smith, conocida como la “emperatriz del Blues” durante los años 20 y 30.

Así, al concierto del día 14 en Casco Viejo, el viernes 20 de enero actuará 'The Lucky Makers' en la sala Diverxa 53, el 27 de enero será Beiztegui & Arsuaga en La Crémme; el 3 de febrero le llega el turno a The Dawlins; 'Violante Blues' el 10 de febrero en Cafetería Duende; y por último, el 17 de febrero por parte de 'Seventy Four' en Koyote Saloon. A los conciertos se suma la reedición del disco de Lobos Negros 'Rockabilly y freak out radio' en vinilo, del que Luis Martín ha destacado que se grabó en el año 2000, pero que en esta ocasión ha incorporado dos temas nuevos.

Por su parte la concejal de Cultura, María Ángeles Núñez, ha añadido que el Ayuntamiento apoya “todo lo que sea música y cultura en la ciudad” y, especialmente, este Festival de Gospel & Blues para “no tener que esperar hasta agosto para escuchar este tipo de música”.

El góspel es el rey este viernes, 13 de enero, en las Escuelas Pías (a las 20.00), donde el primer coro góspel de Tenerife, el Gospel Shine Voices, cantará por primera vez, en el citado colegio de Santa Cruz de Tenerife y en una actuación benéfica, a favor del proyecto becas comedor de la Fundación Itaka Escolapios. Dicha fundación, aparte de sus proyectos en otras partes del mundo, ayuda a alumnos en España cuyas familias tienen problemas económicos, a las que les garantiza la alimentación en los centros educativos.

Esa idea nace y se enmarca dentro de su proyecto social en que el colegio se convierte en vehículo para crear iniciativas que ayuden, en la medida de sus posibilidades, a la sociedad a través de propuestas que parten de los alumnos y profesores. La actuación del coro servirá, además de entretenimiento, para dar a conocer los proyectos que el colegio y la fundación tienen en España y otras partes del mundo.

El repertorio combina clásicos del góspel con temas actuales, como Happy Day, Faith o I've found the answer, donde incluirán su single Supernatural Love, creado por Mark Beswick y Paul Watson para el coro y que se recoge en su primer disco, llamado Faith, hope and love. Ha sido lanzado al mercado hace apenas unos días.

El coro, que fue creado en 2008 y actualmente está dirigido por el músico Ezequiel Barrios, ha actuado con diferentes cantantes de música góspel del panorama internacional, como Lurine Cato, Dave Daniels y Bazil Meade.

Dicha iniciativa está apoyada, aparte de por las Escuelas Pías, por el Gospel Shine Voices, Rofe Producciones y Espectáculos Tenerife, quienes han colaborado de forma desinteresada en la realización del concierto.

Las entradas están a la venta en la secretaría del centro a un precio de tres euros, dinero que irá destinado íntegramente al reseñado proyecto.