La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) tendrá una dirección compartida y transitoria para la próxima edición (del 23 al 31 de octubre), con los dos principales colaboradores de José Luis Cienfuegos, el anterior director, fallecido el pasado 2 de diciembre.

La nueva dirección colegiada estará formada por Javier H. Estrada, hasta la fecha responsable de Programación, y Mariona Viader, coordinadora general del festival, quienes llegaron a Valladolid con Cienfuegos cuando éste fue designado máximo responsable en 2023 y firmó las tres últimas ediciones hasta su repentino fallecimiento.

Dirección transitoria

Esta decisión, adoptada este martes por el Consejo Rector de la Fundación Municipal de Cultural (FMC), sólo se aplicará para la presente edición mientras se convoca y resuelve el preceptivo concurso para la designación del nuevo director o directora que tomará las riendas del festival desde finales o comienzos de 2027.

“Va a ser una edición de continuidad con un equipo de experiencia y compromiso: el festival seguirá con solidez, ambición y excelencia, con estabilidad y confianza. Como decía José Luis (Cienfuegos) los festivales no son solo las películas, sino lugares de encuentro, conversación, de disfrute y comunidad”, ha afirmado Mariona Viader.

Junto a Estrada, que seguirá al frente de la programación, ambos afrontan este reto “con rigor y profesionalidad, conscientes de la responsabilidad: Queremos seguir con el trabajo, la visión y el entusiasmo de José Luis Cienfuegos”, ha añadido Viader durante una rueda de prensa al término de la reunión del Consejo Rector.

En la senda marcada por él durante las tres ediciones que gestó (2023/2024/2025) en Seminci, después de su paso por el Festival de Cine Europeo de Sevilla (2012-2022), Estrada ha garantizado el mantenimiento de sus principales claves: un certamen “de autor, de corte humanista, con una mirada cálida y sensible”.

“El objetivo es crear una Seminci ambiciosa, abierta en lo geográfico y perspectivas cinematográficas, pero también un festival cálido y cercano, sólido e imprevisible, dar lugar a la sorpresa del público, que se sienta transformado”, ha añadido durante su intervención.

Concurso público

El Ayuntamiento de Valladolid, titular del festival, convocará en breve el preceptivo concurso público para cubrir la vacante, un procedimiento administrativo “que puede durar meses”, de ahí la necesidad de adoptar una solución anunciada poco más de un mes de la muerte del anterior director y cuando restan nueve para la próxima edición.

La resolución del concurso, en caso de producirse como es previsible, nunca será anunciada antes de la 71ª Seminci, ha precisado la concejala de Cultura, Blanca Jiménez: “Queremos empezar 2027 con el procedimiento resuelto y el nuevo equipo anunciado, nunca antes”, ha apostillado.

El sello de Cienfuegos

En la decisión de esta dirección transitoria e interina, la concejala ha informado de que han sido consultados anteriores directores del certamen como Fernando Lara y Javier Angulo, así como el presidente de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España, Fernando Méndez-Leite.

“Han sido casi dos meses muy complicados pero esta decisión está basada en el equipo que dejó Cienfuegos y, después del duelo, nos encontramos mejor porque es una forma de sentir su legado, que las cosas que imaginó van a seguir siendo reales con ellos: es muy complejo pero a la vez representa una oportunidad”, ha analizado.

Ante una situación “inédita y dolorosa”, según sus palabras, “hemos dado una respuesta responsable porque los dos (Estrada y Viader) llevan el sello de José Luis y el trabajo inconfundible de estos tres años”, el de una persona “indomable pero generosa, de fuerte personalidad pero con una gran energía y sensibilidad”.

Normalmente, en esta agenda cultural intento aprovechar la actualidad de la semana para reflexionar sobre algún tema que me preocupe. En esta ocasión, no puedo hacer otra cosa que dedicársela a José Luis Cienfuegos. Su muerte repentina a los 60 años el pasado martes nos dejó a todo el sector cultural, especialmente a los que nos dedicamos al cine, en shock. Por eso me parecía de justicia escribirle unas palabras.

Imagino que la mayor parte de los lectores de este boletín no le conocía, pero Cienfuegos, como le conocíamos todos, es una de las personas que más amaba el cine y que más hizo porque llegara a todos. Lo hizo revolucionando la forma en la que se dirigía un festival de cine. Convirtió cada certamen que tocaba en un éxito. Primero Gijón, luego Sevilla y desde hacía tres ediciones, la Seminci de Valladolid. Como chaval criado en las butacas del Teatro Calderón entre sesiones de Seminci, ver cómo el festival volvía a brillar como en sus mejores épocas me emocionaba. 

El toque Cienfuegos parecía sencillo, pero era bien complicado. Creía en el poder transformador del cine, pero no desde una atalaya de superioridad moral, sino que confiaba en que cualquier persona que tuviera acceso a buenas películas, podría disfrutarlas. O si no le gustaban, al menos generar el espacio necesario para conversar sobre ellas.

Los festivales de Cienfuegos eran horizontales, y no se acababan cuando los créditos de la película aparecían. Abarcaban todo. Charlas, mesas redondas, música… y fiesta, sí. Porque entre copa y copa. Entre cerveza y cerveza, creó una comunidad de gente que amaba el cine y que se conoció en esas proyecciones.

Ese poder transformador también afectaba a las ciudades, que veían cómo el cine las hacía mejores. No le temblaba el pulso para programar el cine más arriesgado al lado de obras más convencionales. Todo tenía hueco siempre que tuviera un sentido editorial que él cuidaba al detalle.

Y luego estaba él. Siempre dispuesto a conversar. De cine o de lo que fuera. Siempre con una broma preparada, y con esa risa entre escandalosa y contagiosa. Con su armario lleno de polos Fred Perry y sus gafas de pasta. Hablaba con las señoras de Valladolid, y con quien hiciera falta. El mundo de los festivales de cine es lo que es gracias a él. Se le va a echar mucho de menos. Esperemos que los que vengan estén a la altura de su legado.

Tres libros, por Elena Cabrera

'Texere' de Penélope Córdova (Las Afueras). Además de novelas (la preciosa Orquideísta de Vidya Narine es una de las últimas), esta pequeña editorial catalana también publica ensayos (chiquitos). Aquí nos descubren a una escritora mexicana que enlaza el leer con el escribir y el tejer (dos funciones narrativas del cuerpo). Y para ello usa hilos de la mitología y la genealogía, y nos habla de la construcción, del telar de la hoja en blanco.

'El hechizo de Lily Dahl' de Siri Hustvedt (Seix Barral). Por si quizá conocimos tarde en España a Siri Hustvedt (Premio Princesa de Asturias de las Letras en 2019), prosigue su recuperación de novelas antiguas como esta de 1996. Se trata de un thriller con una camarera que sueña con ser actriz como protagonista. Cuando en el pueblo de Minnesota (estado en el que nació Hustvedt , por cierto) en el que vive comienzan a suceder cosas raras, por supuesto que la protagonista se ve envuelta, enamorándose, investigando y haciendo locuras.

'La raíz del poder. Una historia de la desigualdad' de Ana Bernal-Triviño (Espasa). Cerramos las recomendaciones lectoras de esta semana con otro ensayo, esta vez de una autora española (profesora de la UOC y periodista, aquí tenéis artículos de ella en elDiario.es entre 2017 y 2018). Aquí el propósito de al autora es radiografiar cómo actúa el patriarcado a la hora de contar la historia reciente de España. Por eso va a la raíz: del poder, de la desigualdad, de la tradición, de las normas, del mito, de lo sagrado, del relato, de la violencia y de la cultura. En este último caso, Bernal-Triviño se fija en la resistencia, en las autoras clásicas invisibles (Safo, Hipatia, Sor Juana Inés de la Cruz) para hablarnos de cómo la cultura fue un lugar donde las mujeres se hicieron poderosas.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Nada como la música para reflexionar sobre el paso del tiempo. Ahora que se acaba el año, todas las plataformas de streaming aprovechan para darte un resumen de tu 2025 a través de las canciones que más has escuchado. En la redacción no hemos tenido miedo y te hemos contado nuestro resumen. Pero hoy, además, te traigo lo nuevo de Julieta Venegas, una canción en la que aborda el pasado y también el futuro. Puedes escuchar esta recomendación y muchas más en nuestra playlist, pero recuerda que comprar los discos de los artistas es una mejor forma de apoyarlos.

‘That Ain’t Love’ de Reese Goode. Con apenas 18 años, Reese Goode ha irrumpido en la escena country apostando por el storytelling, una de las grandes maravillas de este género. Con esta canción, la artista desglosa todas esas señales que indican que una relación no es tan sana como lo puede parecer al principio, ya sea una amistad o un vínculo romántico. Goode enumera las numerosas ocasiones en las que no hay amor pese a que la otra persona lo disfrace de que sí. Escúchala.

‘Tiempos dorados’ de Julieta Venegas. “Que vuelvan los tiempos dorados / Los dulces futuros que tanto soñamos”, canta Julieta Venegas en su último sencillo. Su más reciente tema, que supone el primer adelanto del que será el décimo álbum de estudio de la artista mexicana, ahonda en la importancia de la memoria y de reivindicar el “sentir que no hay nada igual de tanto vibrar”. La canción tiene un ritmo musical inspirado en la cultura de su país. Escúchala.

‘I’ve Got A Broken Heart’ de The Lemon Twigs. Tras publicar su disco ‘A Dream Is All We Know’ en 2024, el dúo estadounidense regresa a la industria musical con música nueva. Este nuevo single es una improvisación psico-pop cuyas armonías alegres y su vibrante guitarra acompañan lo que es una letra bastante triste y pesimista. “A donde sea que corras, a donde sea que vayas, tu amor me persigue”, canta la banda sobre un romance que no es correspondido pese a una chispa que parece ser mutua. Escúchala.

Tres películas, por Javier Zurro

'Golpes'. Rafael Cobos ha escrito algunas de las películas españolas más importantes de los últimos años, como 'La isla mínima'. Tras dirigir la serie 'El hijo zurdo', ahora debuta en el largometraje con una película que más que homenaje al cine quinqui supone una revisión con la distancia del tiempo y con el tema de la memoria histórica atravesando esta historia sobre el enfrentamiento entre dos hermanos.

'Valor sentimental'. Va a ser una de las películas de las que vamos a oír hablar mucho estos meses. La nueva obra de Joachim Trier, el cineasta noruego responsable de 'La peor persona del mundo', va a estar nominada a todo en los Oscar y va a convertirse en la nueva obsesión de sus fans con esta historia de traumas familiares que también se ríe del cine y que tiene unas interpretaciones espectaculares.

'Eternity'. Acaba dejando el sabor de buena idea un poco alargada, pero es verdad que el punto de partida de esta comedia romántica de A24 es divertido, tierno y original. Una visión al más allá en donde puedes elegir cómo y con quién pasas la eternidad. Solo hay un problema, no se puede dar marcha atrás.

Tres planes para el finde, por Laura G. Higueras

Pese a que cada año nos adelantan más la vuelta de turrones y roscones a los supermercados, los encendidos de luces e incluso los villancicos de fondo en las tiendas, este puente debería mantenerse como la fecha para sacar el árbol y demás adornos navideños para acicalar vuestros hogares. Dicho esto, vamos con el resto de planes.

Ombra Festival (Barcelona). Si os gusta la electrónica oscura, el darkwave y la cultura underground, no podéis faltar a este festival que se celebra en Las Tres Chimeneas de Sant Adrià de Besòs, uno de los espacios más emblemáticos de la arquitectura brutalista del área metropolitana de la ciudad. Esta edición reunirá a más de 70 artistas internacionales, como Schicksal, Test Dept, Front de Cadeaux y NX1. Además, una vez finaliza el horario habitual del evento, se podrá seguir disfrutando de su programación en las fiestas Ombra By Night, que acogerá la Sala Upload.

El entusiasmo (Madrid). El Teatro María Guerrero acoge hasta final de mes esta obra estupendísima de Pablo Remón, protagonizada por Francesco Carril, Raúl Prieto, Marina Salas y Natalia Hernández, que están todos estupendos, la verdad. Una obra con mucha carga filosófica, divertida y a la vez dura, que continuamente te fuerza a hacerte preguntas, jugando con la fina línea que divide la ficción y la realidad, en cuanto hasta qué punto somos personajes de nuestra propia existencia, cómo nos manejamos y vamos sorteando desde el deseo a las crisis de identidad.

La MODA (Zaragoza). ¡La Maravillosa Orquesta del Alcohol está de gira! Este viernes y sábado tocarán en el Teatro de las Esquinas. Una oportunidad maravillosa para empaparse de su energía y escuchar los temazos de su nuevo disco, San Felices. A mí me toca esperar hasta febrero para verles en Madrid, pero de verdad, si queréis regalaros un ratazo de saltar, bailar y meteros en sus letras, es el plan perfecto. Particularmente tengo especial ganas de escuchar Desde Marte y la propia San Felices en directo.

Tres exposiciones, por Jordi Sabaté

'Señora Tz’aka’ab Ajaw, la 'Reina Roja' de Palenque'. El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta, hasta el 22 de marzo de 2026, la muestra 'Señora Tz’aka’ab Ajaw, la 'Reina Roja' de Palenque', el ajuar funerario de esta figura histórica de la civilización maya del siglo VII, esposa de K’inich Janaab’ Pakal (Pakal el Grande), uno de los gobernantes más importantes de la ciudad de Palenque (Chiapas, México). Procedente del Museo de Sitio de Palenque Alberto Ruz L’Huillier, el conjunto está formado por brazaletes, collares y la máscara funeraria, entre otros objetos que manifiestan el poder y relevancia que tuvieron las mujeres en la élite gobernante de la época.

'Edward Weston. La materia de las formas'. El fotógrafo Edward Weston (Illinois, 1886 – California, 1958) ejerció un papel esencial en la transformación de la fotografía en un lenguaje artístico. Fue cofundador del Grupo f/64 y defendió una nueva estética basada en la precisión formal, la simplicidad y la intensidad poética de la imagen. Desde el 19 de septiembre y hasta el 18 de enero de 2026, la Fundación Mapfre acoge una exposición que ofrece un completo recorrido por la trayectoria del fotógrafo estadounidense a través de más de 200 fotografías.

'Antonio Raphael Mengs (1728-1779)'. El Museo Nacional del Prado y la Fundación BBVA presentan una ambiciosa exposición dedicada a Antonio Rafael Mengs (1728–1779), figura clave en el nacimiento del Neoclasicismo y uno de los artistas más influyentes del siglo XVIII. La exposición reúne un total de 159 obras, de las cuales 64 son pinturas, 14 artes decorativas y 81 dibujos, grabados y estudios sobre papel, lo que permite explorar tanto su faceta como pintor de cámara y muralista, como su dimensión intelectual y teórica. Las piezas proceden de 25 instituciones internacionales, 9 españolas y 10 colecciones particulares, lo que refleja el alcance europeo de su influencia y la riqueza de su legado.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Sendak y King. Qué unión tan inesperada y, sin embargo, tan lógica. El imaginario ilustrado del creador de 'Donde viven los monstruos' se une con el del escritor de terror más popular para una versión de 'Hansel y Gretel'.  

Las actrices de la Transición. Muchas veces se ha analizado cómo nos ha contado el cine pero, ¿puede una interpretación, una actriz, decir algo del momento histórico en el que actúa? Aquí una reflexión.

La gran Lucrecia. Qué raro es leer respuestas que se salgan del carril habitual, que no digan lugares comunes. Lucrecia Martel es cineasta, pero podría ser filósofa. Su libro de conversaciones es una joya.

Los festivales de cine se parecen a la persona que tienen detrás dirigiéndolos. Se nota en Cannes, donde la verborrea incontenida de Thierry Frémaux marca el tono desde hace años. O en San Sebastián, donde la honestidad de José Luis Rebordinos afecta a cómo se enfrenta de forma frontal cada vez que hay una polémica. Eso se ha notado siempre por cualquier certamen que dirigiera José Luis Cienfuegos, el director de Seminci que fallecía este martes por un aneurisma. Gijón, Sevilla, y ahora Valladolid, habían quedado marcados por el ‘sello Cienfuegos’. 

Un sello que muchos quisieron imitar sin éxito. Era su marca. Un estilo propio que hizo que revolucionara cualquier festival que tocaba con su varita desde hace casi tres décadas. Primero fue Gijón. Cienfuegos convirtió aquel pequeño festival de la ciudad asturiana en un sitio al que había que ir. Donde se descubrían nuevos cineastas. Donde se apostaba por nuevas miradas y que era un lugar de encuentro entre directores, prensa, espectadores y cinéfilos. Fueron 16 años que colocaron al FICX en referencia.

Su marcha a Sevilla fue un chute de energía para la ciudad andaluza, que de repente se encontró con un certamen moderno, divertido, fresco y donde, de nuevo, todos querían ir. Allí estuvo otros 11 años, sacando adelante una programación donde se dejaba la piel y donde no siempre tuvo todo a favor. La huella de Cienfuegos en Sevilla se notó más que nunca cuando en 2022 anunció su marcha. El terremoto provocado todavía se nota en aquel festival.

Ese sello se lo llevó a Seminci, uno de los festivales más importantes de España que desde hacía años vivía en el estancamiento. Costaba que fueran los cineastas, que la prensa pusiera el ojo, y Cienfuegos volvió a demostrar que festival donde ponía su saber hacer, festival que vivía una revolución. Lo hizo, además, en el peor contexto político posible, con la llegada de Vox a la cartera de Cultura, y el polémico cambio por el que Seminci pasó a depender de Turismo para evitar el choque. Aun así, logró esquivar la tormenta política.

Cienfuegos creía en el poder revolucionario del cine, y creía que un festival podía transformar la ciudad. Que no era una cuestión de ir a las salas una semana al año, sino que hubiera una simbiosis constante, que el certamen fuera parte de la identidad de la ciudad. En Seminci se encontró un público que eso siempre ha tenido el festival presente, y simplemente les dio lo que les faltaba: modernizó su imagen, incluso el mítico logo de los labios que con su llegada se convirtieron en unos modernos, de líneas finas.

La clave de su éxito era que entendía el ADN de cada festival, y mantenía su esencia. No los traicionaba, pero traía un aire nuevo. Los festivales se convertían con él en lugares amables, divertidos, donde los semanistas, esos que homenajeó en su última inauguración de Seminci; donde las señoras de la sesión Vermut del Calderón, convivían con un público joven que él lograba atraer a las salas. En sus festivales había películas, pero también había fiesta, música y diversión. La charla cinéfila se alargaba hasta por la noche. Era una fiesta democrática, sin élites. La gente de la ciudad podía acudir a los locales donde sabía que podía encontrarse con los responsables de las películas que acababan de ver. 

Y él siempre presente. Con su sonrisa y su risa contagiosa. Sus ganas de hablar a pesar de las prisas. Los polos de Fred Perry, seña de vestuario tan característica de un director que, por encima de todo, era un cinéfilo empedernido. Porque no era una cuestión simplemente de hacerse el moderno. De nada valía eso si en la base de todo no había una apuesta por el cine. Un cine que ensanchaba los límites, que era político y poético. Artístico, arriesgado, pero contándolo desde la diversión, desde el disfrute, nunca desde una atalaya de superioridad moral. Solo hay que ver las últimas ediciones que programó de Seminci, donde cabía Lav Díaz y el estreno de Hamnet. Donde el cine español más radical dejó de estar condenado a las secciones paralelas para entrar a competir por los premios más importantes. 

Era él quien lograba que todos quisieran acompañarle en cada aventura que emprendía. Su trato cercano, el cómo cuidaba cada título y a cada director hizo que los productores y los exhibidores quisieran ir a los festivales que el dirigía. Daba igual que fuera el Giraldillo de Oro que la Espiga de Oro, la idea era ir al festival de Cienfuegos. Igual que la prensa sabía que allí donde estuviera él la programación iba a estar cuidada con mimo.

La revolución que le metió a Seminci se notó en esta última edición. La 70. Una edición que homenajeaba al pasado mirando al futuro. Que era consciente de sus señas identitarias, pero que no se resignaba a poder ser moderna. Así era cómo él veía los festivales y ese es el legado que ha dejado en Valladolid y en todos los certámenes que le tuvieron detrás. Muchos intentarán imitar el sello de Cienfuegos, y ojalá esa alma que él instauraba se mantenga en forma de legado que honre al hombre que revolucionó el panorama de los festivales de cine en España.

El director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), José Luis Cienfuegos, fallecido este pasado martes en Madrid a los 60 años, será despedido mañana durante un funeral que se celebrará en Oviedo.

Será a partir de las 18:30 horas en el tanatorio de Los Arenales de la capital asturiana, en el que esta tarde quedará instalada la capilla ardiente del que fuera director del Festival de Cine de Gijón durante dieciséis años y actual responsable de la Seminci, certamen éste que ya ha anunciado un homenaje de despedida.

Cienfuegos fue ingresado este lunes por la noche en un hospital de Madrid tras sufrir un infarto cerebral y falleció ayer al no poder superar este accidente cerebrovascular, según explicaron a fuentes del Ayuntamiento de Valladolid y de la Seminci.

Tres décadas y tres festivales

Nacido en Avilés en 1964, Cienfuegos creció en Oviedo y desarrolló la mayor parte de su carrera en Asturias, tanto como programador cultural como director del festival de cine de Gijón desde 1995 hasta su cese en 2012, año en el que pasó a dirigir el Festival de Sevilla. hasta que en 2023 se hizo cargo de la Seminci.

Tras su paso por Gijón y Sevilla, certámenes que impulsó y modeló como referentes del cine de autor, llegó a Valladolid tras ganar un concurso público. Durante las tres ediciones que ha dirigido, ha dejado un “sello inconfundible”, según ha destacado el festival en una publicación de recuerdo hacia Cienfuegos.

La Seminci ha valorado que la 70ª edición, concluida hace un mes, ha sido “sin duda una de las más exitosas de la larga trayectoria del certamen”, tratado por Cienfuegos como lugar de diálogo y conocimiento a través de una programación “ambiciosa y heterodoxa, estableciendo puentes vibrantes entre los creadores y el público”, y sobre todo, como un espacio útil y relevante para la industria y los cineastas.

El director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, José Luis Cienfuegos, ha fallecido este martes a los 60 años, después de más de tres décadas dedicadas a la dirección y renovación de algunos de los festivales cinematográficos más relevantes del país, según ha informado el propio festival en redes sociales.

Cienfuegos inició su trayectoria en el departamento de prensa del Festival de Gijón, certamen que acabaría dirigiendo desde 1995. Durante los 16 años que estuvo al frente, transformó la cita asturiana en una plataforma imprescindible para cineastas arriesgados y nuevas voces del panorama internacional, sin descuidar la reivindicación del legado fílmico. Su labor convirtió a Gijón en un centro neurálgico para el cine independiente y las nuevas tendencias globales.

En 2012 asumió la dirección del Festival de Sevilla, donde reforzó los vínculos con la industria española y europea y consolidó el certamen como referencia del cine contemporáneo de autor. Su mirada poliédrica y su sensibilidad hacia distribuidores, productores, críticos y medios redefinieron la manera de concebir los festivales en España.

Su llegada a Valladolid en 2023 supuso el mayor desafío de su carrera. Al frente de tres ediciones, Cienfuegos imprimió un sello propio, equilibrando el respeto a la historia de Seminci con una necesaria renovación. La 70 edición, celebrada este año, se considera una de las más exitosas del certamen y reflejó su idea de los festivales como espacios de diálogo, conocimiento a través de una programación ambiciosa y heterodoxa, además, de fomentar una conexión entre creadores, público e industria.

Subió la apuesta por el documental, convencido de que las nuevas tendencias de este género debían de tener cabida en la programación, al igual que un diálogo temporal entre obras del pasado que se proyectaban hacia el futuro con rompedoras propuestas, por las que siempre apostó.

Con la 70 edición recién clausurada, Cienfuegos se mostró orgulloso de haber recuperado espectadores de forma significativa en las últimas ediciones, marcadas por acuerdos para favorecer la difusión y promoción del festival como lugar de encuentro de críticos y de los fanáticos 'seminceros

Cienfuegos fue ingresado el lunes por la noche en un hospital de Madrid pero ha sido este martes cuando no ha logrado superar esta dolencia, según han explicado a EFE fuentes municipales y del festival. Está previsto que sea la ciudad de Oviedo, donde reside su familia, la que acoja el funeral por Cienfuegos, aunque la Seminci organizará un homenaje para recordar la figura de su último director.

El mundo del cine lamenta la pérdida de Cienfuegos

El mundo del la cultura y el cine ha trasladado el pésame por la muerte de Cienfuegos. El Ministerio de Cultura ha lamentado el fallecimiento de Cienfuegos. “Con su adiós, nos deja un legado de 30 años dedicados a impulsar algunos de los grandes festivales de cine españoles. Descanse en paz”.

La Academia de Cine se ha hecho eco del fallecimiento del directo de la Seminci. Desde otros festivales también se han sumado al duelo. El Festival de San Sebastián ha mostrado su tristeza por la noticia, al igual que el Festival de Cans. El Festival de Málaga ha comunicado su “profunda tristeza” por el fallecimiento de una “figura imprescindible y colega admirado por toda la profesión”.

Los premios Feroz también han lamentado la muerte de Cienfuegos. “Lamentamos el fallecimiento de José Luis Cienfuegos, un apasionado del cine y que realizó un gran trabajo en todos los festivales que dirigió. Nuestro pésame para sus familiares, amigos y colegas. Descanse en paz”, han compartido en la red social X.

Profesionales del sector, como el productor Enrique Lavigne también se han sumado al duelo. “No doy crédito …estoy destrozado. Mi más sentido pésame a sus familiares y amigos cercanos. Un profesional increíble”, ha asegurado. El cofundador y director editorial de Filmin, Jaume Ripoll ha asegurado que fue “el mejor director de festivales de nuestro país de los últimos 25 años”.

“Todos aprendimos con él, reímos con él, descubrimos cine por él y fuimos mejores por él. Gijón, Sevilla, Valladolid y el cine español estamos hoy de luto. Qué pronto, qué rápido, qué mal. Te echaremos tanto, tanto de menos, queridísimo José Luis”, ha remachado Ripoll.

Desde el periodismo han lamentado la pérdida de Cienfuegos. El presentado del programa de TVE Secuencias en 24H, Moisés Rodríguez ha trasladado sus condolencias. “Me entero que ha fallecido de forma repentina José Luis Cienfuegos, el director de Seminci. No me lo puedo creer”, ha expresado.

Por su parte, la Asociación de distribuidores independientes cinematográficos (ADICINE) ha remarcado que su labor al frente de los festivales de Gijón, Sevilla y Valladolid “fue ejemplar, siempre colmada de ilusión”. En sentido similar, la Asociación Andaluza de Productoras de Cine (Ancine) ha lamentado la “enorme pérdida” de este profesional.

Condolencias del Ayuntamiento de Valladolid

El alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, ha trasladado el pésame por el fallecimiento de Cienfuegos. “La muerte, como muchas veces acontece de manera sorpresiva, nos acaba de arrebatar a José Luis Cienfuegos, quien es nuestro director de la Seminci. Antes lo fue del Festival de Cine de Gijón y del Festival de Cine de Sevilla”, ha apuntado.

Carnero ha detacado su capacidad para fortalecer la identidad del festival vallisoletano: “En las tres ediciones que ha dirigido nuestra querida Seminci, ha demostrado su capacidad para que la misma adquiriera cada vez más peso ser el gran festival de cine de autor”.

El regidor también ha señalado su carácter cercano y apasionado: “Un amante del arte, del cine, del cine de autor, pero sobre todo un amante de la vida, de las personas, un entusiasta lleno de ilusión, amigo de sus amigos”. Carnero ha concluido señalando que “la Seminci y la ciudad de Valladolid siempre recordarán a José Luis Cienfuegos. Descanse en paz”.

El ministro de Transportes y el que fuera alcalde de Valladolid a la llegada de Cienfuegos, Óscar Puente, ha indicado que aunque pudieron trabajar juntos, “la noticia de su muerte me ha conmocionado”. Muy joven y con muchas cosas por hacer. Una pena enorme“, ha lamentado.

El presidente de la Junta de Castilla y León, Alfonso Fernández Mañueco, ha expresado que lamenta “profundamente” el fallecimiento de Cienfuegos (Avilés, Asturias, 1964), que define como “una gran pérdida para Valladolid, para la cultura de Castilla y León y para la Seminci, referente internacional del cine”.

En la pasada 70ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, ‘The Mastermind’ y ‘Magallanes’ fueron las películas que se hicieron con la Espiga de Oro ex aequo, que consagra así a dos nombres fundamentales del cine contemporáneo como son Lav Díaz y Kelly Reichardt.

‘The Mastermind’, precisamente, está en algunas salas de cine españolas desde el pasado 31 de octubre y parece ser de esos estrenos más oportunos, como sucedió a principios de 2025 con la convivencia de ‘Cónclave’ con el fallecimiento del Papa Francisco, al darse poco tiempo después de producirse el robo en el museo del Louvre.

El robo de arte real que inspiró la película ‘The Mastermind’

Y es que de un robo en un museo trata ‘The Mastermind’, protagonizada por Josh O’Connor y dirigida por Kelly Reichardt, en una película en la que se gira en torno a un grupo de hombres encabezados por un chico torpe que entran a robar arte en el Museo de Arte de Framingham para llevarse varias pinturas de Arthur Dove, ambientada en la década de los 70 en plenas protestas contra la Guerra de Vietnam en el ambiente.

Pero en la vida real ni hubo ese mencionado robo ni existe ese museo, aunque un atraco que realmente se dio fue el que inspiró a la película. Concretamente el robo que tuvo lugar en el Museo de Arte de Worcester, Massachusetts, en 1972, en el que dos ladrones se llevaron un Rembrandt, un Picasso y dos Gauguin.

Los cuatro cuadros tenían un valor de un millón de dólares entonces y 7,7 millones actuales, lo que lo hizo uno de los más conocidos de su época, pues una de las pinturas que se llevaron además era la famosa ‘La mujer pensativa’, de 1891.

Un atraco que no fue muy exitoso

Un robo de arte que además ganó relevancia por haber sido el primero que se hizo “a punta de pistola”, con tintes dramáticos, y pues había dos estudiantes del instituto Doherty Memorial que estaban en el museo en el momento, como confirmó una de ellas al periódico Worcester Telegram & Gazette en 2022: “Recuerdo que temblaba, que sentía que me iba a orinar encima. Me sorprende no haberlo hecho”, relataba cuando descubrió como se llevaban los cuadros.

No fueron las únicas testigos, pues un guardia desarmado del museo fue disparado en la cadera cuando les preguntó quiénes eran y qué hacían allí, aunque después de ser hospitalizado se recuperó, como bien reconoció The New York Times en 1972.

Poco después de producirse el atraco, el FBI se involucró y tres hombres y una mujer fueron arrestados y un mes después los cuadros fueron recuperados y devueltos al museo, aunque no se llegó a detallar como se había dado esto.

Los hermanos Dardenne son la prueba de que el cine puede cambiar las cosas. Cuando estrenaron Rosetta en 1999 —por la que ganaron su primera Palma de Oro—, su repercusión en Bélgica, su país de origen, fue tan grande que se aprobaron leyes contra la pobreza y el paro juvenil. Desde entonces no han parado de poner el foco en las grietas de un sistema que siempre perjudica a los mismos. Un cine incansable que ha marcado el cine social hecho en Europa. Son, junto a Ken Loach, los maestros que pusieron las bases de un tipo de películas que mucha crítica burguesa ataca por considerarla “pornografía emocional”.

No les importa. “Bastante tenemos con hacer una película”, dicen de esos comentarios sobre el cine social que llegan cada vez que estrenan un filme. Su último título, Jóvenes Madres, acaba de llegar a las salas españolas tras lograr su enésimo premio en Cannes. Esta vez el de Mejor guion por la historia coral de unas madres adolescentes que son acogidas en una casa maternal para enseñarlas a ser madres en un mundo que las ha fallado.

¿Cómo mantienen esa capacidad de encontrar temas y lugares en los que, como sociedad, no miramos?

Luc Dardenne: Oficio. No, la verdad es que tomamos notas sobre todo. Lo que leemos en los periódicos, lo que ocurre en cualquier sitio donde estemos. Miramos a las personas y a las situaciones en las que viven. Y hay muchas cosas también que recordamos de nuestra niñez, de la adolescencia, de todos los documentales que hicimos, en los que filmamos a mucha gente de la región donde vivimos. Y hablamos mucho entre los dos también. Por ejemplo, me acuerdo de que antes de hacer El niño, Jean Pierre se fue de vacaciones a Italia y me llamó y me dijo: “Acabo de leer en el periódico que en una ciudad cerca de donde estoy hay una red que vende niños recién nacidos en el extranjero”. Y luego leímos una noticia parecida de una red búlgara que cogía niños en el extrarradio de París. 

En esta ocasión queríamos hacer una historia sobre una madre soltera en un centro maternal, pero fuimos a documentarnos, preguntamos muchas cosas, y, cuando vimos ese centro al que fuimos cinco o seis veces, nos preguntamos que por qué no hacíamos una película sobre eso y que fueran cinco o seis madres solteras. Además, nunca habíamos trabajado con tantos personajes y eso era un reto. Digamos que estamos siempre alerta.

Tengo la sensación de que el cine, y no sé si es un reflejo de la sociedad, es cada vez más cínico. Eso choca con su cine, que es profundamente humanista, y más en esta película. 

Jean-Pierre: Sí. Y el cinismo es también una forma de contar las cosas, parece que ahora hay que ser cínico. Pero en realidad el cinismo es desdén. Y, por tanto, lo que hacen esos directores es decirnos que todos somos seres desdeñables y el realizador está por encima de todos nosotros. A mí, como espectador, estas películas me cansan muy pronto. Me hartan. Quizá nosotros somos ingenuos todavía, pero creemos que cada ser humano tiene su importancia y que cada uno de nosotros vale la pena. Vale la pena que se ayude, que se apoye, que podamos contar el uno con el otro y que no somos cínicos, que después de todo tiene que ver con el poder, también.

Esta película, de hecho, es más optimista que otras suyas. Más luminosa. ¿Es algo deliberado en estos tiempos?

L: No queríamos hacer sufrir a estas jóvenes que tienen tantos problemas. Cada una intenta librarse de algo, de un trauma, del pasado… 

J.P.: Sí. Es optimista, desde luego. Y es luminosa. Pero esperamos también que no sea demasiado angelical ni demasiado fácil.

No se está defendiendo la excepción cultural. Por lo que no hace falta ni que gobierne la extrema derecha, el cine está en una situación muy frágil que hay que defender.

Hermanos Dardenne — Cineastas

No lo es, porque la película muestra las grietas de un sistema que ha fallado a todas esas mujeres.

L: La pobreza atraviesa toda la película. Estas chicas vienen de ambientes pobres, de entornos desestructurados por la pobreza y la violencia. El sistema no ha funcionado. Pero es verdad que también está esta casa maternal que pertenece al sistema. Muchas de estas jóvenes pensaban que tener una hija era una solución, y eso es una ilusión. 

¿Qué opinan de la etiqueta ‘cine social? En Cannes hay una parte de la crítica que parece que desdeña cualquier película que encaje en esa categoría.

L: Me da igual. Me importa un bledo. Nosotros hacemos una película, si encima tenemos que preocuparnos por las etiquetas que nos ponen… Anda a la porra. A nosotros nos interesan nuestros personajes, sus historias, y hablar del mundo a través de ellas. Lo que contamos va más allá. Cada personaje está puesto en escena de forma que se convierta en persona y deje de ser personaje. Eso es lo que queremos.

He escuchado que les gusta mucho el cine de Carla Simón. Ella dedica mucho tiempo al casting, e incluso intenta que haya elementos en común entre persona y personaje, que la realidad se cuele en la ficción. ¿Trabajan ustedes así también?

L: En general sí. Cuando trabajas con alguien que nunca ha rodado, buscamos que cada intérprete aporte algo que le haga acertado para el personaje. Que aporten algo que les pertenece. Lo que nosotros intentamos evitar, y también lo puedes evitar trabajando con actores profesionales, es la repetición. Por eso ensayamos tanto. Queremos que estén lo más desnudos posible cuando empezamos a rodar. Que se limpien de todo lo que sobra.

En la rueda de prensa de Seminci han hecho una defensa de la excepción cultural. El dominio de EEUU es uno de los problemas del cine europeo. ¿Creen que otro de los riesgos del cine es el auge de la extrema derecha? Miren lo que ha pasado en Argentina, donde no se está produciendo cine que no sea de plataformas.

L: Está claro que es un peligro. En Europa hay leyes que creo que incluso si, por ejemplo, la extrema derecha llegara al poder en Francia, o en Bélgica, cubrirían lo que hace el Centro Nacional de Cine. 

J.P.: Pero no hay que olvidar que dentro del gobierno europeo no se está defendiendo la excepción cultural. Por lo que no hace falta muchas veces ni que gobierne la extrema derecha, porque el cine está en una situación muy frágil que hay que defender. 

Un jurado marca el sello que deja un festival de cine. Los elegidos que determinan qué película gana el premio gordo de cada certamen acaban también siendo corresponsables de cómo se recuerde esa edición de cara al futuro. El jurado de esta 70.ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (donde se encontraban, entre otros, la directora española Elena López Riera y el portugués Joao Pedro Rodrigues), será recordado por apostar por el auténtico cine de autor y, para ello, tomaron la decisión salomónica de conceder la Espiga de Oro ex aequo a dos de los autores más importantes del cine reciente: Lav Diaz, por Magallanes; y Kelly Reichardt, por The mastermind.

El primero, uno de los cineastas filipinos habituales de los festivales de Clase A y ya ganador del León de Oro por The woman who left, competía en Valladolid con su crítica y personal mirada a Magallanes con la película del mismo nombre. Un filme que, además, cuenta con producción española gracias a la empresa de Albert Serra —del que coge su director de fotografía, Artur Tort— y Montse Triola, Andergraun Films, y a la canaria El Viaje. Ellos han sido responsables de que Diaz pueda mostrar su visión de la conquista siendo fiel a su estilo, pausado, de largos planos secuencia. 

Una película que, en tiempos donde se revisita el pasado colonial, acierta a mostrar las barbaridades cometidas. Lo hace, además, con una belleza plástica descomunal, componiendo cada plano como un cuadro, y con un Gael García Bernal que se pone en la piel del conquistador. Diaz, que presentó la película en el pasado Festival de Cannes en la sección Cannes Premiere, explora a través de la figura de Magallanes, la historia de su propio país, ya que se centra en la conquista de Filipinas. 

La otra Espiga de Oro es para una de las directoras más importantes del cine independiente de EEUU de las últimas décadas, Kelly Reichardt. Un cine que también apuesta por otra mirada, otros ritmos que luchan contra las normas impuestas por la industria y los algoritmos. Un cine humanista y político pero sin subrayados. Una directora que entronca con el legado de otra figura fundamental como Chantal Akerman. Como ella, también olvidada de los grandes premios de los festivales de cine. Reichardt lleva varios años compitiendo en Cannes y siempre se va de vacío. Un cine que suele reivindicarse alejado de los premios. O al menos hasta ahora.

La suya —que también logró el premio a la Mejor fotografía para Christopher Blauvelt— es una revisión del cine de atracos pasada por su peculiar mirada. Le quita el glamour, los efectismos y la mentira para desnudar su propuesta y convertirla en una anti película de atracos que está atravesada, como todo su cine, por la política. Es el año 70. Las protestas por la Guerra de Vietnam están en la calle y la decepción política se palpa en el ambiente con los ecos de un mayo del 68 que parece demasiado lejos. Muchos artistas como Joan Didion consideran que en EEUU en el 69, y más concretamente tras el asesinato de Sharon Tate, se acabó con el optimismo y el activismo que había marcado los 60.

Ese estado de ánimo es el que impregna a ese ladrón que interpreta magníficamente Josh O’Connor, que tras un robo con poco glamour, acaba huyendo y visitando a amigos que muestran ese fin de una época activista y la victoria de las políticas conservadoras cuyas consecuencias todavía nos alcanzan. Y así lo deja claro en ese excelente plano final en donde una turba de policías le pasa por el lado a su protagonista para acallar una manifestación contra la guerra. 

El segundo premio en importancia, la Espiga de Plata, también fue para una directora, la húngara Ildiko Enyedi, que con su personal y sensorial mezcla de épocas en Silent Friend realiza una película hermosa y única narrada en tres tiempos donde cuenta el machismo en la ciencia. El premio a la Mejor dirección para los argentinos Ezequiel Salinas y Ramiro Sonzini por La noche está marchándose ya subraya de nuevo esa apuesta del jurado por el cine más especial de esta más que notable edición.

Acierto también en las categorías interpretativas, donde había opciones a patadas. Pero de nuevo apostaron por destacar películas personales. Elecciones que parecen poner en valor también la película además de dos interpretaciones precisas y emocionantes. Eva Victor ha sido elegida como Mejor actriz por Sorry, baby, la revelación del pasado Festival de Sundance. Un filme sobre abusos sexuales que ella también dirige y escribe, por lo que el reconocimiento parece también global a todas sus labores. El de Mejor actor fue para Harry Melling, el auténtico protagonista de Pillion, aunque los flashes se los lleve Alexander Skarsgard. Su interpretación del esclavo del actor sueco en el filme de Harry Lighton es tierna y compleja. 

También hubo una mención especial para los intérpretes de la película Lionel, una de las grandes sorpresas de esta edición que hubiera merecido un poco más de reconocimiento. Este personal debut de Carlos Sainz desdibuja las fronteras entre realidad y ficción para contar el encuentro entre un padre y un hijo que se interpretan a sí mismos en un viaje en busca de la hermana que muestra que los lazos familiares, a veces, son una imposición. Lionel Corral Bernal, Lionel Corral y Alicia Corral Bernal hacen de sí mismos, pero emocionan y consiguen una verdad que uno tenga que replantearse si no estará viendo la auténtica realidad. De nuevo, el premio parece destacar al global de la película.

El cine español también tuvo el reconocimiento al Mejor guion (Premio Miguel Delibes), que fue para Fernando Franco y Begoña Arostegui por Subsuelo, la oscura adaptación de la novela de Marcelo Luján, que se convierte en sus manos en un thriller sobre la venganza con una relación enfermiza entre dos hermanas que se enfrentan a un suceso traumático. Por último, el premio al Mejor montaje fue para la película israelí, Yes, de Nadav Lapid. Un palmarés incuestionable (en el que quizás faltan obras como Resurrection, de Bi Gan), que dice mucho de la apuesta que ha querido hacer un jurado para destacar obras que ensanchan la mirada en vez de ceñirse a las normas de la industria y los algoritmos.

Maggie O’Farrell dejó al mundo con el corazón encogido en 2021 gracias a la prodigiosa Hamnet, la novela en la que ficcionaba la relación de William Shakespeare —del que nunca se mencionaba el nombre en toda la obra— y Agnes Hathaway y como la muerte de su hijo Hamnet fue el material del que nació una de las creaciones más importantes del escritor, Hamlet. Lo hacía centrándose en el punto de vista de esa mujer que ve cómo su marido se va a Londres. No veíamos el auge de Shakespeare como escritor, ni su proceso creativo, que ya se nos había contado en numerosas ocasiones, sino que nos quedábamos con Agnes, esa mujer abandonada en su duelo que solo al final, en unas últimas páginas emocionantes hasta la lágrima, entendía cómo había transitado su pareja ese mismo dolor.

La adaptación cinematográfica de Hamnet era cuestión de tiempo, y rápidamente Steven Spielberg se colocó como productor y durante un tiempo hasta estuvo vinculado como director del proyecto. Finalmente, fue Chloé Zhao la cineasta que se encargó de uno de esos proyectos bombón de Hollywood. Zhao llegaba al mismo después de dos experiencias opuestas. La primera, el Oscar por Nomadland, la segunda el fracaso de su incursión en el universo Marvel con la personal pero fallida Eternals.

Hamnet era la prueba de fuego para ver si Hollywood rescataba a Zhao, y la directora ha salido más que reforzada porque ha convertido el material de Farrell en una respetuosa adaptación que apuesta por la sobriedad en vez de por el dramatismo. Que mantiene la esencia de todo el texto pero que sabe mezclar las señas de identidad de la directora, cuya espiritualidad, se traslada a todo lo que hace. Hamnet es, por tanto, una portentosa adaptación. 

Es inteligente en su habilidad para mantener varias claves del libro. Entre ellas, una sequedad en lo que cuenta. Hamnet era poética, pero también cruda en su retrato de la muerte y el duelo. Zhao lo es, realizando su película más austera. Miedo daba pensar en qué podía haber hecho Steven Spielberg con un material dramáticamente tan inflamable, y miedo daba recordar los travellings con música de Ludovico Einaudi que Zhao colocó en Nomadland. Sin embargo, aquí su puesta en escena muestra un respeto sepulcral por la obra de partida gracias a unos movimientos de cámara elegantes, sobrios. Unos paneos que recorren las habitaciones sin enfatizar ni dramatizar. Un uso de la excelente banda sonora de Max Richter concreto y brillante.

Se nota que O’Farrell no ha dejado su obra para que hagan con ella lo que quieran. Ella, junto a Zhao, se encarga de la adaptación que arriesga en su construcción con apenas diálogos. No se rellenan los silencios y espacios de la novela con innecesarias explicaciones, sino que la cámara capta su estado mental de forma sensorial. Eso la convierte también en una película que, a veces, late un par de compases por debajo de lo esperado, que arrebata en sus momentos más inspirados pero a la que a veces le cuesta remontar el vuelo.

Una belleza dolorosa

La directora compone una película bellísima desde su primera escena, en la que la cámara baja por los árboles de un bosque hasta encontrar un cuerpo de una mujer en forma fetal con un vestido rojo al que retrata en plano cenital. Una belleza que se rompe con la brutalidad de la vida en varias escenas que cortan el aliento. La primera, uno de los partos más duros y realistas que se han visto en la pantalla. Sin música. Sin florituras. El otro, la escena que parte la película en dos, la muerte del hijo que llega con un alarido seco de una Jessie Buckley que es la auténtica protagonista de la película. Qué elección más interesante. 

Podían haber tenido a cualquier estrella para un papel que todas deseaban, pero Zhao eligió a una de las mejores intérpretes que hay. Lo demuestra con un papel complicado, que podría haber tendido al exceso, al gesto. Y que en ella es todo lo contrario. A su lado el siempre estupendo Paul Mescal como el escritor, al que habrá que empezar a ver en otros registros y una soberbia Emily Watson como la madre de él, que en apenas tres escenas despliega todo su talento.

Hamnet, como la novela, es una película que habla sobre el duelo, sobre los que se quedan, pero también sobre cómo el arte puede sanar no solo al que lo escribe, sino sobre todo al que lo lee. Cómo una novela, una canción o una película puede hacernos entender por lo que estamos pasando. Una idea que Chloé Zhao desarrolla con una inteligentísima idea de construcción y puesta en escena. El bosque en el que se desarrolla la primera parte de la película, en el que vive la pareja y en el que muere su hijo, se convertirá en el increíble final en el bosque pintado en el que se desarrollará ahora, la tragedia de Hamlet a través de la cual Agnes y William podrán empezar a sanar su duelo.

Y quizás ambos bosques son reales, porque cuando la ficción funciona, cuando nos arrastra, no hay diferencia entre una y otra, como muestra la película en una escena potentísima en donde todos los asistentes extienden su mano hacia el actor en el teatro al aire libre. Extasiados, emocionados ante un texto que les hace entender mejor la vida y la muerte. 

El cine ha mirado siempre a cualquier práctica sexual que se aleje de las marcadas como ‘normales’ y ‘habituales’ en una relación heteronormativa con prejuicios. Lo decía el cineasta Ira Sachs hace un par de años, cuando su película Passages, fue marcada con la peor calificación por edades posible en EEUU debido a sus explícitas escenas de sexo gay. Sachs denunciaba una mirada absolutamente normativa y heterosexual al cine que hacía que todo lo que fuera distinto siga siendo tabú.

Si el sexo gay lo es, imaginen el sexo gay con un componente de sumisión y dentro del BDSM /bondage, dominación y sadomasiquismo). La prueba es que una de las pocas películas que se han atrevido a adentrarse en ese campo fue Cruising, el thriller setentero de William Friedkin que fue muy criticado por la comunidad LGTB por la imagen que daba de sus hábitos sexuales. Poco ha ayudado una novela como 50 sombras de Grey, donde las fantasías de dominación no pasaban nunca por el consentimiento real, y se justificaban como desviaciones mentales del protagonista, cuyo trauma infantil le hacía querer ser así.

En los últimos años miradas femeninos como la de Halina Reijn en Babygirl han planteado preguntas incómodas: ¿puede una fantasía de sumisión ser feminista?, ¿puede haber realmente consentimiento cuando la relación de poder se hace efectiva en la propia práctica sexual? Abría un melón que Pillion recoge e incluso lo complica, ya que el inteligente y sorprendente debut de Harry Lighton en el largometraje plantea las mismas cuestiones sobre toxicidad y consentimiento dentro de una relación de dominación entre dos hombres. Uno, Ray, al que interpreta Alexander Skarsgard, es el líder de una banda de moteros gays que disfrutan de prácticas sexuales y de relaciones de dominación.

Tienen prácticamente esclavos a los que compran collares y candados y a los que les hacen chupar sus botas entre otras muchas cosas que la película muestra de una forma desprejuiciada. Ese es su principal acierto. Pillion no censura, muestra, incluso desde los códigos de una película que podría ser un drama romántico, la relación entre dos personas que, a priori, aceptan las reglas de su relación sexual e incluso sentimental. ¿Hasta qué punto es posible el consentimiento?, ¿cómo de tóxica es una relación así?, ¿lo es más que una relación heterosexual normativa?, ¿cualquier relación, incluso la maternofilial está guiada por una jerarquía y por quien tiene poder sobre quién?

Todo ello lo lanza al espectador Lighton entre escenas de sexo BDSM, primeros planos de penes con piercing y otras prácticas que pueden chocar, pero que aborda sin morbo. No hay una voluntad de escandalizar, aunque es consciente de que lo consigue. Para ello se ha apoyado en la interpretación y, también hay que reconocerlo, el imponente físico del actor sueco, que desde que pasó por Cannes —donde el filme se convirtió en una pequeña sensación desde la sección de Un certain regard—, se ha paseado por las alfombras rojas jugando con el imaginario fetichizado del BDSM y con los miembros reales del Gay Bikers Motorcycle Club que se interpretan a sí mismos en el filme.

Las escenas de sexo eran fantásticas desde el guion porque todas y cada una de ellas tenían un desarrollo del personaje dentro de la escena

Alexander Skarsgard — Actor

La premiere española de Pillion en Seminci era ya uno de los acontecimientos de la semana de cine de Valladolid. Pero cuando pocos días antes de su proyección se anunció la presencia de Alexander Skarsgard ya se convirtió en la cita ineludible de esta edición. El actor visitó la ciudad fugazmente. Lució uno de los looks a los que tiene acostumbrados en la promoción del filme —bermudas de, cómo no, cuero desafiando el frío pucelano—, y dio una rueda de prensa para hablar del filme.

Skarsgard dejó claro que no le parece que el filme sea tan arriesgado como muchos quieren creer. “Nunca me pareció arriesgado. Nunca me dio miedo, simplemente... Me interesó la premisa, porque muchos guiones son como versiones de películas que ya he visto antes. A veces, incluso en guiones que disfruto mucho pienso: ‘Esto es genial, pero es esta película o aquella’. Es raro encontrar algo tan original y sorprendente. Cuando lo leí, pensé... Bueno, una película de motociclistas gays y kinks. Y luego vi que era dulce y tierna, un coming of age y también una historia de amor. Era una historia rica y profunda y un personaje bellamente escrito”, dijo el actor.

En la rueda de prensa salió el tema sobre si el cine se ha vuelto mojigato y el sexo está desapareciendo de la pantalla. Para Harry Lighton no es del todo cierto, y recuerda los dramas de época que llenan las plataformas donde “hay mucho sexo, pero siempre rodado igual, los mismos primeros planos, el sudor que recorre la espalda, las manos que se agarran”. Su intención era “aproximarse al sexo de una forma incluso más naif, torpe y hasta con humor”, eso sí, nunca con la “intención de provocar deliberadamente”.

Skarsgard dicta sentencia a continuación: “A menudo el sexo es aburrido en el cine La acumulación de tensión entre los personajes suele ser más divertida antes de que se metan en la cama. Cuando ya pasa, esa tensión desaparece. Entiendo que no queremos ver a la gente tener sexo durante 17 minutos y medio. Esa es la duración media de una relación sexual. No lo digo específicamente por mí”, dijo entre risas y añadió que en Pillion “las escenas de sexo eran fantásticas desde el guion porque todas y cada una de ellas tenían un desarrollo del personaje dentro de la escena”. “Están ahí por una razón, no solo para decir, oye, mira a estos tipos teniendo sexo en el bosque. Su primera mamada, la primera vez que tiene relaciones sexuales, la primera vez que tiene un orgasmo… son grandes momentos para los personajes”, concluyó.

También abordó el tema de sus trajes en las alfombras rojas, llenos de cuero, transparencias y mostrando su físico. “No sé muy bien cómo responder a eso. No ha sido una decisión consciente. Ha sido una inspiración espontánea. Obviamente, estaba pasando tiempo con los motociclistas de la comunidad gay y el resto de la gente de la película. Sabía que un par de ellos vendrían al estreno mundial en Cannes. Y sabía que no aparecerían con trajes grises. Y eso me emocionó un poco. El tono de la película me inspiró a divertirme un poco más. Parece que la gente espera que las mujeres sean más juguetonas con su ropa y como hombre se supone que debes aparecer en esmoquin y eso me parece bastante aburrido”, confesó.

El actor no cree que haya un binarismo en los proyectos. No todo es una película independiente europea o una gran producción de EEUU y se siente afortunado de “poder alternar entre géneros y presupuestos”.

Isabel Coixet ha construido un universo propio. Uno con sus normas, con su estilo y a prueba de haters. Si el estilo de la cineasta ha sido muchas veces criticado por sus detractores por intenso o por el uso de recursos como la voz en off, Coixet siempre ha realizado un ejercicio de libertad insobornable reafirmándose como una cineasta personal que ha marcado el cine español reciente. Lo hizo desde que apenas había directoras en la industria, y lo sigue haciendo en la actualidad, cuando no tiene nada que demostrar a nadie, pero sigue tan fiel a sus principios como siempre.

Lo vuelve a hacer con Tres adioses, la hermosa y vitalista película con la que ha inaugurado la Seminci de Valladolid. Una adaptación de la novela de la escritora italiana Michela Murgia, azote antifascista que dejó, antes de morir de cáncer, una colección de relatos donde hablaba de su enfermedad. Coixet coge varios de ellos para construir una película que conmueve y que está llena de sus rasgos estéticos y éticos. En Tres adioses regresa a los tiempos de Mi vida sin mí (no solo por el tema de la enfermedad) y mezcla con una libertad maravillosa el drama, el humor, una mirada gozosa y de disfrute y hasta un giro a lo fantástico. Con su voz en off, con sus planos detalle de una Roma que luce preciosa y con tres actores, Alba Rohrwacher, Elio Germano y Francesco Carril, que encajan perfectamente en el universo coixetiano.

Consigue una película que funciona como oxímoron. Un retrato a la muerte y el cáncer que se torna en cuento vitalista, y ella reconoce que “ese era el desafío”. “No quería llevar al espectador a un mundo fúnebre. Evidentemente, hay muchas cosas que hemos obviado en la película. No hay una mirada explícita a la enfermedad. Todas las cosas que vemos son detalles para hacerla creíble. Pero no nos recreamos. También contribuye al hecho de que la ciudad también está muy presente y es una ciudad que tiene entre las ruinas una vida casi inaprensible”, cuenta.

Tres adioses acaba convertida en una carta de amor de la cineasta a Roma, y también contra los procesos de gentrificación y turismo masivo que están acabando con las ciudades. “La airbnbización y tripadvisorización del mundo puede que ayude a mucha gente y a muchos negocios, pero es muy cruel, injusta, y a veces no tienen nada que ver con la realidad. Esto no estaba en el libro, pero yo tenía clarísimo que debía estar en la película porque me molesta profundamente. De repente ves a negocios, a pequeños restaurantes que abren con un esfuerzo y que no le pueden pagar a alguien para que venga a comer. Y ves gente aprovechándose, comiendo y luego criticando. Todo ese mundo a mí me horroriza”, explica.

A su propio cine hay hasta guiños más o menos explícitos. Por ejemplo, el restaurante donde trabaja el personaje de Elio Germano se llama Senza Fine, como la canción de Gino Paoli que se convertía en leitmotiv musical de Mi vida sin mí. Coixet confiesa que hasta tuvo la tentación de incluir una nueva versión del tema, pero que una no puede luchar contra lo que es. “Una tiene tus estilemas, sus signos y manías”, dice sabedora de que su personalidad “está en cada fotograma”.

“Una de las cosas que me hacían dudar de hacer esta película era la visión de Roma. Y de alguna manera, cuando ella dice 'a mí me gustaría enseñarte mi Roma', soy yo diciendo las cosas que me gustan de Roma. Igual que la parte final. Esa reflexión sobre por qué nos pasamos la vida intentando encontrar sentido a algo que no lo tiene, por qué hay tantos porqués. Evidentemente la base es la de Michela, pero hay muchas cosas mías. Como la escena del helado, que no estaba ni en el primer guion que escribimos. Por eso pienso que Alba es la actriz perfecta para este papel, porque es capaz de mostrar al mismo tiempo todas las sensaciones. Estamos viendo el placer. Estamos viendo la parte infantil. Estamos viendo que disfruta de algo que muy pronto no podrá disfrutar”, zanja.

Sobre la libertad que respira esta película asegura que se considera “una persona muy libre”: “Es una libertad que tiene que ver también con saber defender cosas que no entran ni en la escuadra, ni en el cartabón ni en ningún sitio. Estoy contenta también de defender a muerte cosas que mucha gente me decía que no, como el funeral de la paloma, que mucha gente le encanta y te das cuenta de que conectan y piensas, pues tan equivocada no estaba. Hay que ejercer esa libertad. Yo estoy dando clases a posgrados de cine, que ya han hecho cortos, que ya están escribiendo su primer largometraje, y les digo que la única cosa que no nos podrán arrebatar es la libertad. Olvídate de la tradición. Olvídate de si la voz en off sí o no, de si el tercer acto o el cuarto acto. Sé libre y sé libre ahora que todavía estás en la universidad. Ya tendrás tiempo, si tienes suerte, de tener la opción de doblegarte”.

Lo que también ocurre siempre es que los intérpretes hablan maravillas de los rodajes de Coixet. Una directora precisa como un reloj, que cumple los tiempos y las jornadas y con la que todos quieren repetir. La directora tira de humor y dice que es porque les invita a comer todo el rato, pero cuando se le incide apunta a algo que también influye. “Les escucho. Veo por dónde van. Veo cómo se sienten en el rodaje. Simplemente escucharles, al final es eso”.

La 70ª edición Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) mostrará desde mañana y hasta el próximo 1 de noviembre el mejor cine de autor internacional y “la creciente presencia de un cine español con músculo”, según ha destacado este jueves el director del festival, José Luis Cienfuegos. Así lo ha destacado en una atención a los periodistas que ha tenido lugar en el Teatro Calderón tras recorrer la alfombra, azul en este caso, desplegada por las calles del centro de la ciudad y en la que también ha participado el alcalde vallisoletano, Jesús Julio Carnero.

Cienfuegos ha valorado que el certamen se abra y se cierre con nombres tan reconocidos del cine patrio como Isabel Coixet y David Trueba, que inauguran y clausuran, respectivamente, con 'Tres adioses' y 'Siempre es invierno'. Preguntado por las expectativas para esta 70 edición, Cienfuegos ha recordado que el festival “está diseñado para 100.000 espectadores que vienen de toda España” que tendrán la oportunidad de disfrutar del mejor cine asiático, el cine independiente americano, cine europeo y “la creciente presencia de un cine español de calidad”.

Por su parte, el regidor vallisoletano ha valorado que se trata de “un festival de autor, de la libertad y en el que la cultura tiene su expresión desde el punto más amplio” que este año, además, celebra un ciclo dedicado al 475 aniversario de la Controversia de Valladolid, un debate religioso y político antecesor de los Derechos Humanos en el que Bartolomé de las Casas defendió en 1550 el alma de los indígenas del continente americano.

225 películas y 137 estrenos

Un año más, Seminci volverá a llenar los cines vallisoletanos del mejor cine de autor con 225 títulos, de los que casi 130 son estrenos, repartidos en una docena de secciones entre las que destaca la Sección Oficial, que cuenta con 29 largometrajes venidos de todo el mundo.

Cintas como 'Hamnet' de la laureada Chloe Zao -una incorporación fuera de concurso de última estreno en España- se suma a otros nombres reconocidos del cine mundial como los hermanos Dardenne, dos veces ganadores de la Palma de Oro en Cannes; el director chino Bi Gan, el debut como directora de Kirsten Stewart y el oscarizado cineasta húngaro Lászlo Nemes, entre otros. La sección 'Punto de Encuentro' cuenta este año con 23 títulos, once estrenos en España, mientras que los documentales de la sección 'Tiempo de historia', abordan conflictos como Ucrania o Palestina, o asuntos sociales como la identidad de género.

El cine histórico y social español también tendrá su espacio en la sección de 'Memoria y utopía', mientras los proyectos más vanguardistas y experimentales se podrán ver en 'Alquimias. Además, en 'Constelaciones' se proyectarán algunas de las cintas más reconocidas del cine de autor reciente, como 'La voz de Hind' de la directora tunecina Kaouther Ben Hania, galardonada con el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia.

Por otra parte, esta edición también concederá tres Espigas de Honor: la primera, a la actriz y directora francesa Mia Hansen-Løve; el actor Luis Callejo y las escuelas de cine Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM) y la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC).

La ministra de Igualdad y exconcejala de Educación y Cultura del Ayuntamiento de Valladolid, Ana Redondo, ha anunciado este jueves que la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), cuya 70 edición comienza mañana, se incluirá dentro de las subvenciones nominativas al igual que otros festivales como el de San Sebastián o Sitges.

Esta situación permitirá a la Seminci obtener la subvención directamente sin tener que competir con otros certámenes.

La ministra, en declaraciones a la Cadena Ser, ha recordado que esta era una petición del Ejecutivo municipal anterior pero que el Gobierno no lo consideró en ese momento.

Sin embargo, en esta ocasión la ministra ha asegurado que “están trabajado con el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, para que sea una realidad”.

“Y en vísperas de la 70 edición de Seminci, creo que el ministro podrá anunciar que esto se va a concretar y, por lo tanto, Seminci va a conseguir esa subvención nominativa”, ha asegurado.

De hecho, el ministro asistirá mañana a la gala de inauguración y ha convocado a los medios.

Este anuncio ha sido recibido con esperanza por parte del director del festival, José Luis Cienfuegos, y del alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero (PP), aunque este último ha criticado que sea Redondo y no el ministro de Cultura, Ernest Urtasun (Sumar), el que haya anunciado este paso a la subvención nominativa, lo que a su juicio expresa lo “necesitada” que tiene que estar la ministra de hacer anuncios que no le corresponden.

“Esta señora ministra lo que tiene hacer es luchar por la igualdad de las mujeres, también las de Valladolid, y a eso se tiene que dedicar: a trabajar por la igualdad que es lo que le ha encomendado su presidente de gobierno, el señor Sánchez”, ha señalado.

El fin de “una cierta anomalía”

Por su parte, Cienfuegos ha reconocido que “había una cierta anomalía” dado el peso de este certamen en número de películas, espectadores y profesionales implicados y ha reconocido que “espera que se convierta en realidad”.

“Era muy claro que al festival le correspondía otro lugar y espero que para el año que viene, cuando ya se acepten los presupuestos, se convierta en una realidad y estamos muy esperanzados de que eso sea así”, ha afirmado.

El director de la Seminci ha incidido en que esta nueva situación permitirá ampliar áreas y actividades ya que las subvenciones por concurrencia competitiva “tienen un tope” y que en esta edición ha ascendido a 105.000 euros, una cantidad pequeña para un festival con un presupuesto de más de tres millones de euros.

En su opinión, un “agravio comparativo” con otros festivales que tienen la tercera parte de presupuesto financiado por el Gobierno, en un certamen dedicado al cine de autor y muy relevantes para la industria y la distribución independiente, porque muchas de las películas que llegan a las salas comerciales se estrenan previamente en Seminci.

Relación con Cultura

Por su parte, el alcalde de Valladolid también ha coincidido con Cienfuegos en que el próximo año esa subvención nominativa “sea una realidad” y ha insistido que desde que llegó al gobierno de la ciudad han hecho “lo que correspondía” , ya fuera a través de mociones, cartas y contactos personales con el ministro Urtasun, como tuvo lugar en la última Gala de las Artes Escénicas, que acogió Valladolid.

“Dar el salto de la concurrencia competitiva a la subvención nominativa era de justicia, porque es que el festival técnicamente ha ido escalando cotas y se ha puesto en una posición, en la cual si San Sebastián y Málaga están en la nominativa, cómo no va a estar Valladolid”, ha subrayado.

Carnero ha incidido en la “magnífica” y “buenísima relación” entre el Instituto de Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) y el Ministerio, tanto a nivel técnico como político, y ha aprovechado para criticar a otros departamentos del ejecutivo nacional: “ojalá con otros ministerios tuviéramos la relación que tiene la ciudad de Valladolid con el ministerio de Cultura”.

El director David Trueba clausurará el 1 de noviembre la 70ª edición del Festival Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) con el estreno mundial de su nueva película, Siempre es invierno, una tragicomedia romántica protagonizada por David Verdaguer, Isabelle Renauld y Amaia Salamanca. La coproducción hispano-belga adapta la novela Blitz (Anagrama, 2015), escrita por el propio realizador, que explora la pérdida y el vacío tras una ruptura sentimental y la posibilidad de reinicio, captando una instantánea del amor perdido bajo el filtro del sentido del humor.

La historia sigue a un arquitecto paisajista que viaja a Lieja para un congreso donde su relación sentimental llega a su fin. Desorientado, decide quedarse solo en la ciudad belga para reconstruir su futuro, hasta que conoce a una mujer mayor que él que trabaja como voluntaria en el congreso de arquitectura al que asiste. 

Con este proyecto, Trueba ha roto su regla de no adaptar al cine sus propias obras literarias. “Nunca he querido llevar mis novelas al cine”, ha reconocido el cineasta, quien hasta ahora había rechazado tanto sus propias adaptaciones como las propuestas de otros directores. Sin embargo, Blitz le planteó un desafío diferente: “Trata de algo enormemente gráfico y visual, que es el perceptible paso del tiempo sobre las personas. Un elemento que en el cine puede enriquecerse y eso convierte el reto de la adaptación en más estimulante”.

La filmografía de Trueba abarca desde comedias hasta dramas intimistas, que se distinguen por su mirada humanista y su capacidad para retratar con sensibilidad las relaciones personales y los pequeños momentos de la vida. Entre sus películas más destacadas se encuentran La buena vida (1996), Soldados de Salamina (2003), adaptación de la novela de Javier Cercas, y Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013), uno de sus mayores éxitos, que reunió seis premios Goya, incluyendo mejor película, mejor director y mejor guion original. 

David Trueba dirige de nuevo a David Verdaguer, tras su primera colaboración en Saben Aquell, el acercamiento al humorista Eugenio por el que ganó el Goya al mejor actor protagonista. “Trabajar con él es como trabajar con zapatillas de estar por casa, porque te hace sentir muy a gusto. Es divertido y aprendes muchísimo estando con él”, ha afirmado el intérprete sobre el director. Acompañan a Verdaguer la actriz francesa Isabelle Renauld (La eternidad y un día) y Amaia Salamanca (Muertos S.L.). Completan el reparto Jon Arias, Vito Sanz y Carla Nieto.

La película está producida por Ikiru Films, Atresmedia Cine, Blitz la Película AIE, La Terraza Films y la belga Wrong Men, con la participación de Atresmedia, la colaboración de Netflix, financiación del ICAA y apoyo del ICEC. Según Edmon Roch, productor de Ikiru Films, se trata de “una irresistible tragicomedia romántica con el efecto de un abrazo reparador”.

Blitz es “una de las novelas más íntimas y personales de David Trueba; una historia muy original llena de matices que habla de las relaciones humanas y de cómo el amor puede resurgir de forma imprevisible”, ha señalado Jaime Ortiz de Artiñano, director general de Atresmedia Cine. Distribuida en España por Bteam Pictures, Siempre es invierno llegará a los cines el 7 de noviembre.

La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) contará con un espacio destacado para el cine español en su 70 edición con dieciséis largometrajes -diez de ellos, estrenos mundiales- y trece cortos de factura nacional.

El certamen arrancará el próximo 24 de octubre con 'Tres adioses' de la cineasta Isabel Coixet y se prevén más producciones españolas inéditas en la Sección Oficial, así como la proyección de la serie 'Yakarta', dirigida por Diego San José y protagonizada por el actor Javier Cámara.

La selección de largometrajes incluye los estrenos mundiales de las nuevas películas de Fernando Franco ('Subsuelo') y Judith Colell ('Frontera'), junto a los primeros largometrajes de Carlos Saiz ('Lionel'), Lucía Aleñar ('Forastera', premio Fipresci en Toronto) y Carlos Solano ('Leo & Lou').

El festival vallisoletano también acogerá el estreno en España de 'Cuando un río se convierte en mar', de Pere Vilà Barceló, ficción premiada en el Festival de Karlovy Vary (Chequia), en una edición con un marcado acento español.

Este año, Seminci centrará parte de su programación en las relaciones familiares a través de la mirada de cineasta españoles como Gabriel Azorín ('Anoche conquisté Tebas'), María Ruido ('La fábrica y el sexo'), Ana Serret ('Apuntes para una ficción consentida') y Candela Sotos ('Yrupê').

La animación contemporánea española también tendrá su espacio en este certamen con 'Olivia y el terremoto invisible', de Irene Iborra, que refleja los desahucios a través de los ojos de una niña, y 'Bella', de Manuel H. Martín y Amparo Martínez Barco, que aborda la violencia machista.

En el cine de no ficción, destacan los documentales 'David Delfín. Muestra tu herida', dirigido por César Vallejo, Ángela Gallardo y Rafael Muñoz; 'Las gafas de Isabel Coixet', de Santiago Tabernero; 'Este cuerpo mío', ópera prima de la actriz Carolina Yuste junto al realizador italochileno Afioco Gnecco, que aborda la identidad trans, y 'Pendaripén. La historia silenciada del pueblo gitano', de la mano de Alfonso Sánchez.

La Semana Internacional de Cine de Valladolid, la Seminci, abrirá su 70ª edición el próximo 24 de octubre con el estreno europeo de 'Tres adioses', la nueva película de Isabel Coixet. La cineasta catalana, la directora y guionista más premiada en la historia de los Goya, presentará su último trabajo tras la gala de inauguración en el Teatro Calderón y competirá por la Espiga de Oro.

La película es una adaptación de 'Tres cuencos', la novela póstuma y semi autobiográfica de la escritora y activista italiana Michela Murgia, reconocida por su compromiso feminista y político. En ella se narra la ruptura sentimental entre Marta y Antonio, y cómo la protagonista descubre, a raíz de una enfermedad, un modo distinto de habitar la vida. “Es una historia de amor contada al revés”, explica Coixet, que sitúa la trama en las calles de Roma.

El reparto está encabezado por Alba Rohrwacher, acompañada por Elio Germano y el español Francesco Carril. También participan Silvia D’Amico, Galatea Bellugi y Sarita Choudhury, que ya trabajó con Coixet en 'Nieva en Benidorm'.

Se trata de la tercera ocasión en la que la cineasta inaugura la Seminci, tras 'La librería' (2017) y 'Nieva en Benidorm' (2020). En 2015 clausuró además la 60ª edición con Nadie quiere la noche. Galardonada con la Espiga de Honor del festival en 2020, Coixet cuenta en su trayectoria con reconocimientos como el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla Chevalier des Arts et des Lettres y el European Achievement in World Cinema Award.

'Tres adioses' está coescrita junto al guionista Enrico Audenino y producida por un consorcio hispano-italiano en el que participan Cattleya, Ruvido Produzioni, Bartlebyfilm, Buenapinta Media, Bteam Prods, Perdición Films, Apaches Entertainment y Tres Cuencos AIE, con el apoyo del Ministerio de Cultura italiano y la participación de Sky, RTVE y MAX. Bteam Pictures distribuirá la película en España, donde llegará a salas en 2026.

Pocos cineastas tan irreverentes como el francés Alain Guiraudie. Sus películas son impredecibles, sorprendentes y con un punto socarrón. Como él mismo dice, “buscan desafiar el orden establecido; observan y muestran el mundo desde un ángulo único”. Un ángulo que no es el que suele utilizar el cine. Quizás por ello, cuando el mundo le descubrió gracias a El desconocido del lago se quedó con la cabeza del revés. Un thriller con sexo gay explícito (uno de los tabús del cine actual) en medio de una isla donde se realizaba cruising. 

Guiraudie ponía en el foco de aquella provocación su tema principal: el deseo. Siempre sus historias giran en torno al mismo tema. En torno a las relaciones de poder que se articulan alrededor del deseo, y en cómo el amor y el sexo son monedas de cambio en la sociedad actual. Cuando le preguntan si está de acuerdo con la afirmación tras la presentación de su nuevo filme, Guiraudie se ríe y solo asiente. “Efectivamente”, dice y vuelve a reír. 

Misericordia, que así se llama su nueva película que ya está en salas, tiene algo de thriller de Claude Chabrol. Un joven que llega al pueblo sin que el espectador tenga claras sus motivaciones y que se ve envuelto en un crimen. El deseo está en el centro. Este joven desea a quien ya no está, y él se convierte en objeto de deseo de todos… incluido del cura del pueblo, personaje fundamental en este filme que también atiza a la moral imperante y, sobre todo, a la moral católica. Muchos vieron en Misericordia, que ganó la Espiga de Oro en Seminci, una nueva versión de Teorema de Pasolini.

A Guiraudie no le gusta la comparación con ninguno de ellos. Dice con claridad que no pensó en Chabrol, pero al menos ese paralelismo lo entiende porque “siempre que se habla de cine negro francés vienen a la mente muchas de sus películas”, pero marca la diferencia: “Las suyas son una crítica de la pequeña burguesía provincial, y eso es algo que a mí no me interesa mucho”. Puede que por ello tampoco vea la comparación con Teorema. “Es que en mi opinión es falsa”, zanja.

“He tratado de hacer justamente lo contrario que en Teorema, porque aquí al final no se acuesta con nadie. Esa idea de la persona extranjera que llega a un pueblo está en muchas películas. No es una novedad. No he venido aquí a inventar la rueda. Ya lo he hecho mucha gente antes que yo y muchos lo harán después de mí. En Pasolini está la idea de la familia burguesa, de toda una burguesía destruida debido al deseo, es un tema fundamental en su filmografía, pero no en mi película. Además, no hay humor en Teorema”, explica.

Tras un pase en EEUU, Guiraudie, que no se calla nada, declaró que le sorprendió que la gente se riera con su película. Cuando se le pregunta aclara que no le sorprendieron las risas, pero sí que se rieran “tanto”, pero ha analizado que “la risa funciona como mecanismo de sorpresa, pero también como reacción a la tensión que genera el filme”. Una tensión que se genera colocando todos los “clichés, estereotipos y situaciones típicas académicas” para luego subvertirlos y “tratar de sorprender al espectador”. “Me gusta mucho inventar nuevas y sorprendentes relaciones entre los personajes, pero quedándonos siempre en el plano real”, apunta.

Todas las mitologías se construyen a partir de los fantasmas colectivos, como una respuesta a la muerte, y esto está relacionado con el erotismo

Alain Guiraudie — Cineasta

Con lo que juega, y mucho, es con el simbolismo católico. Lo usa para seguir hablando del deseo, por eso explota su potencial erótico y, en este caso, homoerótico. Guiraudie aclara que no se considera cristiano, pero sí que fue educado en el cristianismo. “Me bautizaron, hice la comunión y tengo toda esa cultura”, dice y la compara con “cualquier otra mitología, como la griega o la azteca”.

“Mi mitología fundamental es la del catolicismo. Con esta película he podido redescubrir también todo el erotismo de la religión católica. Eso, por supuesto me interpelaba porque no se habla de ese erotismo, pero yo lo he redescubierto y le he dado nombre hace relativamente poco”, asevera. En este caso ese erotismo se torna en homoerotismo, algo que el cineasta cree que está presente en todas esas mitologías “porque es algo que está ligado a la muerte incluso”. “Todas ellas se construyen a partir de los fantasmas colectivos, como una especie de respuesta a la muerte. Es la vida enfrentándose a la muerte, y esto está relacionado con el erotismo”, subraya.

Por supuesto, Misericordia habla también de la moral, otro de los temas que siempre están presentes en su cine. Guiraudie explica que con su filme pretende “cuestionar la moral actual, la que se encuentra en vigor, que obliga a seguir los preceptos y las premisas del catolicismo hasta el final”. “Para mí, esta película es una especie de traición a los preceptos del catolicismo”, añade con socarronería. 

Misericordia tiene, además, el sello de Albert Serra, que con su compañía Andergraun coproduce a un director que le gusta. Ambos actúan como figuras que atentan a las normas, aunque el francés cree que él sí forma parte de la industria. Puede que no de la más mainstream, pero en Francia hay hueco para muchas más opciones. Por eso defiende el sistema de protección del cine francés, pero coincide en algo que apuntaba Thierry Fremaux cuando presentaba su último documental sobre Lumière: “Estoy de acuerdo con él. El sistema está amenazado. Los ricos, las grandes empresas siempre quieren más. Es el principal problema del mundo y es el principal problema del cine también. Y si ellos tienen más significa que el resto tiene menos, incluso para los que tenemos un presupuesto pequeño. Ellos quieren acapararlo todo”.

Uno de los vídeos virales antes siquiera de que existiera esa palabra recuperaba una entrevista de El Fary, en la que manifestaba de forma contundente que detestaba “al hombre blandengue”. Se refería a “ese hombre con la bolsa de la compra y el carrito del niño”. El Fary añadía, además, que él había “podido analizar que la mujer tampoco admite al hombre blandengue”. No solo eso, sino que se aprovechaba de aquellos hombres que se salían del estereotipo marcado. Aquel vídeo, repetido y reído hasta la saciedad, manifestaba una forma de ser hombre que ha perdurado hasta nuestros días.

El hombre debe ser rudo y fuerte. Adjetivos que se asocian a eso llamado masculinidad. No pueden mostrar sus sentimientos, ni llorar. No pueden salirse de patrón establecido. Deben ser mujeriegos, gustarles mucho las mujeres. Hacer comentarios de palillo en boca. Y por supuesto no ayudar a sus parejas. Puede parecer de otro mundo, pero viendo ciertos comentarios de políticos de extrema derecha uno entiende que la masculinidad tóxica, que el machito hetero de toda la vida, sigue estando más actual de lo que debería. Ahí están también los podcast de gente como Roma Gallardo, con miles de seguidores y desplegando comentarios machistas y lecciones de heteruzo.

Para luchar contra ello ha llegado el director noruego Dag Johan Haugerud, que abre su trilogía Sex, Love y Dreams con la película dedicada al sexo, aunque realmente se enfoca en la masculinidad. Un filme humanista para acabar con esos machitos heteros. Lo hace con sus señas de identidad, dejando que los personajes hablen y vayan cayendo los estereotipos. Aquí lo hace confrontando a dos amigos, de profesión deshollinadores ―una profesión vinculada a la fuerza y lo tradicionalmente masculino― que un día se hacen una confesión. El primero cuenta que ha tenido una experiencia sexual con otro hombre, pero que no se considera gay por ello. El segundo que sueña con que se convierte en una mujer y le seduce David Bowie.

El cineasta aprovecha esta excusa para plantearse qué significa ser hombre, por qué da tanto miedo a muchos hombres el reconocer atracción por otros hombres, y si no nos movemos siempre en cajones estancos negando la posibilidad de que haya algo entre medias. Una reflexión sobre la identidad que propone nuevas masculinidades y formas de pareja y amistad. Para el cineasta, la idea parte de “hablar de temas que se ven de una manera muy convencional en la sociedad, como la masculinidad”.

“Todavía tenemos una visión muy tradicional de lo que significa que algo sea masculino o femenino. En Noruega, el gobierno ha organizado una especie de reunión de personas que se reúnen para hablar y debatir sobre la masculinidad con el fin de hacer algo con respecto al papel masculino en la sociedad. Lo único que ha surgido de ello es fortalecer la visión tradicional de lo que es un hombre. Por eso creo que es necesario debatirlo mucho más. Y creo que la sexualidad es una parte muy importante de ello”, explica sobre su filme.

Se opone a que cualquier persona que se salga de ese estereotipo sea señalada y puesta en otra caja: “Si no estás seguro de cómo eres como hombre, si no sabes lo que te gusta, entonces te dicen que no eres un heterosexual común, y, por tanto, que debes ser gay. Por eso la película también habla de nuestra necesidad de identificar la sexualidad y reducirla a algún tipo de identidad sexual, algo que está limitando nuestras vidas y no es liberador. Puede serlo. No digo que no sea liberador salir del armario, pero no tiene por qué serlo si eso implica una definición muy estrecha de quién eres. Sex quiere abrir el debate sobre qué es realmente la sexualidad y si es posible tener sexo con quien quieras sin tener que identificarte como gay, heterosexual o bisexual”.

'Sex' quiere abrir el debate sobre qué es realmente la sexualidad y si es posible tener sexo con quien quieras sin tener que identificarte como gay, heterosexual o bisexual

Dag Johan Haugerud — Cineasta

En ese juego de masculinidades eligió a dos deshollinadores, porque “es una ocupación que se considera muy masculina”, pero investigando sobre ellos descubrió que también “tienen un nivel muy alto de integridad profesional y están orgullosos de su profesión”. Además, el resto de personas les perciben como “misteriosos por cómo les ha retratado en la literatura o el cine”, así que pensó que era un buen sitio donde colocar su trama. 

Una película que llega en un momento en el que las nuevas generaciones flirtean con la extrema derecha y tienen como referentes a youtubers que abogan y defienden un regreso a la masculinidad rancia de valores tradicionales, algo que preocupa al cineasta y le hace preguntarse por qué está pasando. “Hemos vivido la liberación sexual, tenemos el movimiento feminista, y aun así volvemos a una visión muy estrecha sobre cómo son los hombres. Es importante luchar para decirles que no tienen por qué ser así, que pueden ser de otra manera, de mostrarles una alternativa”, dice Dag Johan Haugerud.

Tras Sex, será Love la siguiente película que llegue, aunque realmente planteara esta como el cierre de la trilogía y Dreams como la segunda parte, que tratará sobre una adolescente y su despertar sexual. A pesar de ser tres películas, él las ve como “un todo” pese a que la temática de una no afecte a la siguiente y se puedan disfrutar de forma independiente: “En realidad todas hablan de lo mismo, porque todas hablan sobre el sexo, los sueños y el amor, aunque quizás una aborde en uno de los temas más que en los demás”

En todas ellas subraya el humanismo con el que aborda cada temática, algo que para él es importante: “Todas las películas que hice tratan sobre gente común en la vida cotidiana. Ahí es donde realmente está nuestra vida. Creo que el conflicto realmente radica en la forma en la que hablamos entre nosotros. La forma en la que nos hablamos, los diálogos que nos decimos, pueden ayudarnos a expandir nuestras vidas”. 

En dos años Seminci se ha consolidado como el festival español más potente tras San Sebastián. Ha recuperado ese espacio y lo ha hecho logrando una Sección Oficial potente que apuesta por el cine español y consiguiendo que casi todos los cineastas que compiten presenten sus películas, algo fundamental para un certamen. En la segunda edición capitaneada por José Luis Cienfuegos, la apuesta por ese cine más autoral se ha cerrado con la Espiga de Oro para Misericordia, la última película de Alain Guiraudie, el director de El desconocido del lago que aquí entrega un thriller rural en apariencia, pero lleno de homoerotismo, mala leche, humor negro y una reflexión sobre la iglesia, la moralidad y cómo el sexo y el amor pueden ser monedas de cambio en la sociedad actual.

Guiraudie es uno de esos cineastas que nadan a contracorriente de modas, y el jurado le ha premiado no solo con el primer premio, sino también con el del Mejor guion. Misericordia es, además, un pequeño triunfo para el cine español, ya que cuenta con la producción de Albert Serra y su socia Montse Triola a través de su productora Andergraun Films. Se podría decir, de hecho, que es una nueva victoria del cineasta catalán y sus apuestas por películas que se salen de los cánones de la industria. Misericordia estuvo en el pasado festival de Cannes, pero no compitió por ningún premio, ya que solo se pudo ver en la sección de Cannes premiere.

El jurado ha elegido un palmarés en el que no se encuentran filmes premiados en otros certámenes internacionales. Se quedan fuera dos de las favoritas como The brutalist o Vermiglio, ambas con galardón en Venecia, y entran apuestas a las que un premio en Seminci pueden ayudar mucho más en su carrera comercial como ese premio a la Mejor dirección que el jurado entregó a Guan Hu por Black Dog.

Seminci también confirma el gran estado del cine español, que ve cómo varias de sus propuestas de Sección Oficial entran en el palmarés. El original y sorprendente musical sobre la eutanasia de Carlos Marqués-Marcet, Polvo Serán, logra el segundo premio, la Espiga de Plata (ex aequo con Stranger Eyes, de Yeo Siew Hua). Un premio más que merecido para uno de nuestros cineastas más finos y arriesgados que ha realizado una película que no se parece a ninguna, con canciones de María Arnal y coreografías de La Veronal, y un dúo protagonista espectacular, Ángela Molina y Alfredo Castro, que recibieron una mención especial del jurado por sus interpretaciones.

También salió con premio Salve María, el thriller sobre la maternidad de Mar Coll, que muestra como si fuera una película de terror las dudas de una madre arrepentida. Su galardón a la Mejor actriz para Laura Weissmahr es impepinable. Ninguna interpretación en esta Seminci está al nivel de lo que hace esta actriz hipnótica. Este premio debería colocarla en la carrera del Goya a la Mejor actriz revelación; igual que este palmarés debería reivindicar a Polvo Serán y Salve María como dos de los grandes títulos españoles del año. El premio Pilar Miró a la mejor ópera prima española fue para Fin de Fiesta, de Elena Manrique, por su sátira contra los pijos y contra el racismo.

El premio al mejor actor también fue compartido para Jan Gunnar Røise y Thorbjørn Harr, los dos intérpretes de Sex -que acaba de estrenarse en salas españolas-, el filme del noruego Dag Johan Haugerud, que inaugura su trilogía sobre sexo y amor de la que ya se viera la segunda parte, Love, en Venecia. Con su estilo humanista, el cineasta ofrece una reflexión sobre la masculinidad, el género y la identidad a través de las conversaciónes de dos deshollinadores que ven cómo eso que les hace hombres heterosexuales se tambalea tras dos sucesos: el primero tiene sexo con otro hombre, y el segundo sueña con que es una mujer. La interpretación de ambos, sin aspavientos y muy medida, es una de las grandes bazas de un filme que basa casi toda su fuerza en las conversaciones de ambos.

El palmarés de Seminci también reconoce las labores técnicas, y premió el montaje de Telmo Churro y Pedro Filipe Marqués en Grand Tour, la bellísima película de Miguel Gomes con la que el director portugués logró el premio a la Mejor dirección en Cannes; y la fotografía de Gao Weizhe en Black Dog. El cine indie de EEUU, una de las grandes bazas de esta edición, se tuvo que conformar con el premio Fipresci que otorga la crítica internacional para Christmas Eve in Miller's Point, de Tyler Taormina; y el del público para Bob Trevino Likes it, de Tracie Laymon.

Estos días hemos estado cubriendo la Seminci (la puedes pronunciar como se lee o como lo haría Paquita Salas, todo nos parece bien) y allí Javier Zurro ha visto alguna película que ya se atisba como importante para el cine español. Una de ellas es La mitad de Ana, dirigida (es su debut) y también protagonizada por Marta Nieto. En la línea de 20.000 especies de abejas, la historia nos adentra en la infancia trans. Es importante seguir haciendo películas como esta, hay pocas, no vale con contarlo una o dos veces.

La película más impactante ha sido Polvo serán, un musical sobre la eutanasia. Sí, como lo oyes. Es una película arriesgada pero sale victorioso, gracias, entre varios motivos, a una grandiosa interpretación de Ángela Molina. La muerte digna sigue siendo un tema muy presente ahora mismo en el cine español.

Otro de los motivos por los que triunfa la película es por las composiciones de María Arnal, a quien hemos escuchado en Seminci por partida doble, ya que interpreta canciones en La marsellesa de los borrachos, un documental que recupera canciones de la resistencia antifranquista que fueron registradas por un grupo de italianos en los años 60 y que siguen resonando hoy en día.

La otra gran película de la Seminci, que Zurro ha definido como “una barbaridad”, es Salve María: la maternidad real y sin filtros es una película de terror brillante, dirigida por Mar Coll y que nos descubre a una actriz inmensa, Laura Weissmahr. Apunta a peli española del año.

El sábado por la mañana conoceremos el palmarés y te lo contaremos en elDiario.es. No te lo pierdas. Mientras tanto, te dejo con lecturas si haces scroll. Como todas las semanas, te recomiendo tres artículos que hemos publicado estos días y que no debes perderte. Además, te sugiero tres libros que llegan a librerías próximamente. Mis compañeros Javier Zurro y Laura García Higueras te traen recomendaciones de películas y planes. Nuestro compañero de cultura en la redacción de Barcelona, Jordi Sabaté, ha estado en la exposición sobre Camila Cañete, artista fallecida de la que ya hemos hablado por aquí, y nos habla de ella. Sigue leyendo.

Tres artículos recomendados

Tres libros recomendados

Tres películas recomendadas, por Javier Zurro

Tres planes para el finde, por Laura G. Higueras

Tres cómics recomendados, por Gerardo Vilches

Camila Cañeque sigue presente, por Jordi Sabaté

Tras morir a los 39 años el pasado 14 de febrero mientras dormía, Camila Cañeque publicó póstumamente en junio un maravilloso ensayo sobre las últimas frases en literatura. Ahora inaugura exposición en el espacio La Capella de Barcelona. Con el objetivo de dar a conocer su trabajo, extenso, multidisciplinar y poco difundido entre el gran público, el Ayuntamiento de Barcelona ha seleccionado algunas de sus obras más notables y ha titulado la muestra Infinita/Unfinished. Poètica del cansament. 

En ella puede apreciarse desde su voluminosa obra fotográfica hasta los vídeos donde se recogen algunas de sus performances, así como sus peculiares esculturas cargadas de mensaje filosófico. En la muestra también podrán leerse textos de su libro póstumo y acceder a su página web, donde residen gran parte de sus archivos fotográficos. 

Las recomendaciones de Librotea

Esta semana, Librotea le pide al actor Jordi Mollà y al director de elDiario.es Ignacio Escolar algunas recomendaciones que completan una semana de libros destacados que son capaces de mirar a la sociedad de frente.