Àlex Rigola lleva años dirigiendo obras y gestionando espacios de teatro. Dirigió el Teatre Lliure, los Teatros del Canal o la Bienal de Venecia y sigue montando grandes obras. Este año abrió la temporada del Lliure con El Mestre i Margarita y acaba de estrenar ópera en el Teatro Real, Enemigo del pueblo. Desde hace tres años, este catalán de 56 años se cobija en un pequeño teatro con 76 butacas que abrió él mismo en el barrio de Sants de Barcelona: el Heartbreak Hotel.

Allí prepara ahora su próximo estreno. Cuatro actores a menos de un metro de los espectadores y la palabra herida y encendida de uno de los referentes políticos de Palestina, Ghassan Kanafani. Retorn a Haifa es teatro político y de urgencia en una época en que las bombas no dejan de caer.

Rigola admite a elDiario.es que el proyecto nace de la urgencia. “La idea surgió en la última etapa del genocidio de Israel sobre Gaza”, explica el director, que confiesa que le costaba ver a gente denunciando incluso “jugándose la vida y la profesión” mientras en España a un gran sector de la sociedad parecía no importarle.

“Veía que mientras Javier Bardem o los participantes de la Flotilla Gobal del Sumud se la jugaban parte de la sociedad no quería saber nada y miraba para otro lado. Gente que no tenía problema en hablar de otros temas políticos, sin embargo ante el asesinato estratégico de miles de niños prefería mantener una moderación extrema”, argumenta.

El director afirma que la elección no fue difícil: “Los textos de Kavafani siempre me gustaron, me parecían directos y poéticos al mismo tiempo, y veía que se podían llevar al teatro”. Sin embargo, Rigola se fijó en un texto ya lejano publicado en 1969 que sigue muy vivo aunque hayan pasado 50 años

“Me interesaba el posicionamiento del autor que al final de la novela aboga por la lucha armada, por la lucha por el territorio”, confiesa Rigola, para luego advertir del impacto que ese posicionamiento ha tenido sobre él y sobre los actores y que cree puede tener en el público.

“Desde el espacio cómodo de este país donde no hay este tipo de violencias te sientes profundamente incómodo con una declaración de esta naturaleza. Pero esas son sus voces. Eso es lo que están reclamando y lo que hay que escuchar”, asevera.

Retorn a Haifa, que estará en cartel del 19 de marzo al 26 de abril, cuenta la vuelta de un matrimonio a esta ciudad tras la guerra de los Seis Días en un momento en que el gobierno israelí deja entrar a los palestinos que fueron expulsados 20 años atrás.

Sàfia (Chantal Aimeé) y Saïd (Jordi Figueras) tuvieron que abandonar a su hijo Khaldun (Carles Roig) el día que tuvieron que huir. No saben si está vivo, pero vuelven a ver su barrio y su casa, con la esperanza escondida de encontrarle. En su casa vive Miriam (Ariadna Gil), una superviviente polaca del holocausto nazi. Las sillas, la mesa y ciertos cuadros que la familia palestina dejó veinte años seguirán en ese hogar que ahora ya no es suyo. El encuentro irremediablemente se carga de tensión.

“Lo interesante es que un caso tan crudo se cuente desde las voces de personas normales, ahí es cuando te das cuenta de la magnitud del conflicto”, afirma Ariadna Gil. La actriz, que justo acaba de protagonizar María Magdalena en el Teatre Nacional de Catalunya, confiesa que cuando Rigola le dio el texto a leer tuvo claro que quería hacer a Miriam. “Es un personaje muy contradictorio, superviviente al holocausto donde asesinaron a toda su familia y que ahora también ve cosas en Israel que no le gustan, es extremadamente complejo”, expone.

Literatura agitprop

Ghassan Kanafani es uno de los literatos, políticos y periodistas más relevantes del siglo XX palestino. Fue asesinado por el Mossad con un coche bomba en 1972. Fundó el Frente Popular para la Liberación de Palestina justo cuando estaba escribiendo Retorno a Haifa, novela que se sitúa en la ciudad que tuvo que abandonar a la edad de 12 años junto al 95% de su población, más de 60.000 palestinos. Era 1948, se acababa el mandato británico de Palestina, nacía Israel y Haifa, ciudad del norte próxima al Líbano, contaba con un importante puerto que se convirtió en el punto de desembarco para cientos de miles de judíos, sobre todo provenientes del Este de Europa.

Kanafani tuvo que exiliarse primero en el Líbano, luego en Siria. Desde allí siguió dirigiendo periódicos e instaurando lo que hoy se conoce como la novela moderna palestina. Una escritura de resistencia, socialista y militante, que no está exenta de gran calidad poética y delicados monólogos interiores que versan sobre la identidad palestina, la patria y la toma de consciencia. Retorno a Haifa, una novela corta, narra el desgarro que supuso el éxodo, conocido como la Nakba, del pueblo palestino en 1948.

No es la primera vez que se lleva esta novela al teatro. En 2008 el Teatro Camerí de Tel Aliv la estrenó con versión del dramaturgo israelita Boaz Gaon y dirección del también israelita Sinai Peter. La obra se representó con textos en hebreo y árabe y llegó dos años después a Washington, al Teatro J, centro neurálgico de la cultura judía en Estados Unidos. Si bien creó protestas del sector más sionista, se subía a escena un texto de uno de los líderes de la resistencia palestina, la comunidad árabe no pudo verlo sino como un acto de apropiación pura. Hay incluso tesis universitarias sobre el asunto.

En esta versión israelí se cambió el final, se hizo que el personaje de Miriam hubiese perdido un hijo en el holocausto y se dulcificaron las tensiones para abogar por el posible entendimiento de dos pueblos enfrentados. El año 2008 no era 1967, habían pasado los Acuerdos de Oslo, dos intifadas y el movimiento palestino ya no se basaba en la ideología marxista y sí en la del Islam. Rigola, sin embargo, en 2026 ha mantenido una fidelidad del texto mucho mayor. “Hemos puesto sobre la escena lo que es, con toda su dureza”, asegura Rigola sobre esta adaptación traducida por Anna Gil Bardají y adaptada por él mismo.

El método Rigola

Rigola ha aplicado para este montaje su decálogo para la actuación que comenzó a armar en su montaje de Ivanov en 2016 y se concretó un año después en la versión de Vania de Chejov que hizo precisamente con Ariadna Gil, “se trata de buscar un espacio en el que no hay diferencia entre actor y personaje. Crear un territorio en el que el público no sepa bien quién está hablando, si el personaje o el actor. Me interesa más lo que le pasa a Ariadna viviendo esa situación que al personaje. Cuando el público pierde la definición de quien habla, cuando está flotando entre el personaje y el actor, ya está dentro, se produce la misa, por decirlo de algún modo”, teoriza Rigola, “pero es algo muy difícil, que cuesta mantenerlo, que se va y viene y que cada día depende también del público”, matiza.

“Al final lo que busca Alex es crear verdad”, afirma Ariadna Gil, “se trata de dejar al actor desnudo para que aflore lo que está pasando en ese momento sin nada más, siendo tú y siendo el texto, realmente te pone en un lugar muy especial como actor, dejas que las cosas pasen y pasan muchas más cosas que cuando las tienes pensadas un poco desde fuera”, explica esta actriz que también confiesa que es un reto difícil para el actor, “estamos acostumbrados a otra forma de trabajar, pero cuando funciona es muy placentero para el actor, además se crea una especie de comunicación entre los actores que no se iguala a nada, porque estás ahí, muy delicado y al mismo tiempo muy conectado con los otros actores y con el público”, concluye.

Ariadna Gil también defiende el posicionamiento político que supone la obra: “Me permite poder defender lo que creo desde lo que yo hago, con mi oficio, y eso es más potente que firmar documentos o asistir a manifestaciones. Me permite poder accionar desde lo que yo sé hacer para reflexionar sobre los que nos preocupa, sobre lo que nos indigna, porque el teatro es un lugar para compartir pero también para hablar de lo que está pasando”.

Sobre posicionamientos Rigola no va corto. El director ya lo hizo cuando dimitió como director de los Teatros del Canal de Madrid a tenor de la actuación del Gobierno en el referéndum del 1 de octubre de 2017. Incluso ahora Rigola no duda en elogiar la posición de Pedro Sánchez. “No lo he votado nunca, pero es el único presidente de un estado que está poniendo los puntos sobre las íes con un relato profundamente digno, por primera vez coincido con muchos de sus planteamientos y, en cierto modo, me siento un poco orgulloso de que esa voz en el desierto provenga del gobierno español”, afirma sin arresto alguno.

Al preguntarle sobre la exigencia de muchos sectores de la sociedad de que músicos, artistas y eventos condenen el genocidio del gobierno de Israel, Rigola lo tiene claro: “Wim Wenders ha caído muy bajo con su postura en el Festival de Berlín, creo que es el momento de posicionarse, el que calla otorga”.

A juicio de Rigola, la situación aquí es un poco la contraria. “Me acuerdo en una manifestación en Barcelona contra el genocidio palestino, fue de las más numerosas que hubo, seríamos cerca de 10.000 personas. Ese mismo día había más de 150.000 personas en el Festival Sonar, propiedad de KKR, pro israelí. Hay que denunciar ese silencio, si hago este espectáculo es porque intento, aunque sea de una manera absurda, desde una sala con 72 sillas, llegar al público para decirle que hay que posicionarse”, concluye.

Casi todo el mundo cree saber quién fue María Magdalena. O, mejor dicho, casi todos creen saber qué fue: una prostituta, una mujer pecadora perdonada por la bondad infinita de Jesús, una figura secundaria en los evangelios cuya función principal consistía en llorar. Bajo esta concepción, su figura ha atravesado dos mil años de sermones, textos religiosos y todo tipo de obras de arte sacro y popular hasta establecerse como una verdad incuestionable.

El problema es que esa María Magdalena está muy alejada de la figura, real o no, representada originalmente en los evangelios y otros textos apócrifos. Lo que nos ha llegado de ella es, podríamos decir, la caricatura interesada de una figura mucho más compleja e importante en el cristianismo primitivo.

Esta reducción deliberada es, precisamente, el punto de partida de Maria Magdalena, el nuevo espectáculo que Carme Portaceli dirige en el Teatre Nacional de Catalunya (TNC), con texto de Michael De Cock y dramaturgia compartida con Inés Boza. Una obra que, lejos de pretender ofrecer una 'versión definitiva' del personaje, sí que aspira a dinamitar el relato heredado sobre esa mujer llamada María, nacida en Magdala, y, de paso, hacer preguntarse al público cuántas otras historias de mujeres han sido deformadas del mismo modo.

El peso de un bulo fundacional

La confusión que rodea a María Magdalena no es casual ni inocente. Como se recuerda en el propio espectáculo, en el siglo V el papa Gregorio Magno decidió fundir en una sola figura a varias mujeres distintas de los evangelios. Aquella operación teológica tuvo consecuencias muy importantes: “María Magdalena se convirtió en una pecadora y en una prostituta”, explican Portaceli y De Cock en el texto introductorio del proyecto, un gesto que supuso, en su opinión, uno de los primeros y más importantes actos fundacionales del patriarcado.

Esta nueva obra, una producción del Teatre Nacional de Catalunya junto al KVS de Bruselas, que estará en la Sala Gran del TNC hasta el 22 de febrero y que posteriormente realizará una gira internacional, no nace de la nada, sino que se inscribe en un contexto más amplio de revisión contemporánea de la figura de la Magdalena. Un movimiento que no solo atraviesa la creación artística, sino también el ámbito académico y expositivo.

No una, sino muchas Magdalenas

Sin duda, uno de los ejes conceptuales del espectáculo es la idea de que no existe una sola María Magdalena, sino muchas. Incluso en nuestros días abundan las mujeres relegadas al olvido o al descrédito solo por el hecho de serlo.

Una encarnación contemporánea de ellas es la protagonista de la obra, Miriam, interpretada por Ariadna Gil, que es una profesora que viaja de Bruselas a Barcelona para dar una conferencia sobre María Magdalena.

Su vida, en ese momento, está en plena crisis. Acaba de irse de casa con la intención de divorciarse de su marido y la hija de ambos no la apoya. Sumida en sus pensamientos, al llegar a Barcelona la recoge un extraño taxista portugués que dice llamarse Jesús. A través del estudio que la propia Miriam realiza para preparar su conferencia, el público va conociendo y penetrando en las diversas capas de la historia de la Magdalena.

La figura histórica (o mítica) se convierte así en un prisma desde el que observar la opresión femenina a lo largo de la historia y mostrar que pocas cosas han cambiado. “Queremos hablar de todas esas mujeres rechazadas que han hecho cosas importantes en la historia pero que nadie, o casi nadie, conoce”, señalan los creadores, mujeres que “han transgredido los valores predominantes” y por ello han sido rechazadas e insultadas como nunca lo habrían sido si hubieran sido hombres.

De la tradición escrita a la memoria oral

Durante la preparación de la obra, el equipo ha dedicado mucho esfuerzo a investigar y cuestionar las fuentes oficiales que nos hablan de la Magdalena. Frente a la historia impuesta por la jerarquía eclesiástica, en Maria Magdalena se rastrea y reivindica la tradición oral, la leyenda, el mito y la cultura popular como espacios de conocimiento donde se han tenido que refugiar las mujeres.

“Incluso yo misma me autocensuraba”, reconoce Inés Boza al hablar del proceso de investigación. Acostumbradas a un canon académico masculino, muchas formas de saber transmitidas por mujeres han sido consideradas poco fiables o directamente irrelevantes. Sin embargo, como recuerda Boza, hay lugares como Saintes-Maries-de-la-Mer o la Gruta de Sainte-Baume (donde se supone que la Magdalena acabó sus días), en los que la tradición vinculada a ella sigue viva desde hace dos mil años. “Esto debe considerarse una fuente”, insiste, “porque si no aceptamos esta tradición popular, estamos aplicando la misma censura que la propia Iglesia”.

Portaceli va más allá y conecta esa exclusión con una violencia estructural: “La religión cristiana ha anulado a las mujeres”, afirma. Y no solo en el pasado. “Lo sigue haciendo”. No obstante, tampoco se trata de sustituir un dogma por otro, sino de evidenciar cómo se construyen los relatos de poder.

Mujeres que piensan, trabajan, dudan

En escena, Miriam no aparece sola ni aislada. El espectáculo se construye como una comunidad de mujeres que investigan, discuten, discrepan, bailan, celebran y se contradicen. Un elenco en el que destacan Miriam Moukhles en el papel de la hija mayor de Miriam, Anna Ycobalzeta como su amiga escultora, Salomé, o la soprano albano-belga Ana Naqe.

Pero, sin duda, es necesario destacar la actuación de Ariadna Gil. Su Miriam transita el escenario con una naturalidad que combina autoridad y fragilidad, y lo hace sin imponerse al resto del conjunto actoral: ejerce de primera figura cuando la dramaturgia lo requiere, pero sabe integrarse en el trabajo coral y pasar a un segundo plano cuando la escena lo pide. Lejos del lucimiento individual, su interpretación aporta cohesión y ritmo al montaje.

Pero en Maria Magdalena tan importantes son las actrices como el entorno en el que se mueven. La propia Ariadna Gil define el montaje como “un espectáculo poco convencional en el que el escenario es muy importante para explicar lo que les pasa a los personajes”. Para la actriz, los intérpretes “son una parte más” de un engranaje que incluye música, imagen, palabra y movimiento“, y que está especialmente bien engrasado. Un dispositivo escénico muy potente, creado por Marie Szersnovicz, que se transforma, dialoga y apuntala la narración.

También es oportuno señalar el importante papel que la música de Laia Vallés, casi siempre presente en escena y tocando en directo, tiene en la representación. Sonidos electrónicos, con tendencia a la distorsión, que evocan las manipulaciones que ha sufrido el relato magdaleniense.

Recuperar la narrativa es recuperar el poder

Maria Magdalena huye de las conclusiones unívocas. No hay una intención de sentar cátedra sobre nada, insisten las responsables. La obra no busca demostrar si la Magdalena fue o no prostituta, ni caer en revelaciones efectistas al estilo de El Código Da Vinci.

Mientras Portaceli y De Cock preparaban el texto, tenían en mente una frase que en la Biblia pronuncia Poncio Pilato: Quod scripsi, scripsi. Lo que está escrito, está escrito. Frente a esa sentencia, Maria Magdalena propone un gesto radicalmente opuesto: reescribir, revisar, imaginar de nuevo. Porque poseer la narrativa es tener el poder.

Narrativa y poder, dos asuntos que no podrían estar más de actualidad en nuestro presente acosado por los bulos, la posverdad, la simplificación interesada de los relatos, la viralidad de mensajes descontextualizados y la autoridad creciente de algoritmos que deciden qué vemos, qué se amplifica y qué queda en los márgenes.

A ello se suma una inteligencia artificial cada vez más perfeccionada, capaz de generar imágenes, textos y voces casi indistinguibles de la realidad.

En este contexto, la Maria Magdalena de Portaceli y De Cock funciona como una metáfora particularmente oportuna, como una afirmación de que recuperar la narrativa es también recuperar la posibilidad de pensar por cuenta propia.