Aceptamos que la realidad siempre supera a la ficción, pero olvidamos que esta última tiene la tarea pendiente de dar voz a los contextos invisibilizados que condicionan a miles de personas. La serie Barrio Esperanza no se compone de lujos, personajes de postín o tramas glamurosas. Todo lo contrario: la calle es su escenario para mostrar un complejo día a día sepultado por la vorágine de actualidad que nos bombardea. Es una producción que va de segundas oportunidades, trata el acoso a todos los niveles y tiene por protagonista tanto la vulnerabilidad como la educación pública. Sin duda, un ejercicio necesario que se comporta como homenaje a los héroes sin capa en consonancia con la misión de servicio público de RTVE.

El estreno está programado para este domingo, 19 de abril, en el prime time de La 1. Con la actriz Mariona Terés como cabeza de cartel, el título que nos ocupa rompe por completo la tendencia actual de la ficción. Aquí no hay áticos luminosos ni vidas idílicas disfrazadas de drama. Hay barrio, grietas de lo más reales que están completamente desplazadas de la agenda informativa. La intención es clara: poner el foco donde a veces se nos olvida mirar como ciudadanos. Y lo hace recuperando esa esencia de otras épocas, pero adaptándola a un presente que, paradójicamente, no muestra el interés que sus propias heridas merecen.

Producida por Globomedia (The Mediapro Studio) en asociación con la corporación pública, Barrio Esperanza se presenta como una comedia que combina el humor ácido con un tono vitalista. Cuenta además con un elenco que se completa con Alejo Sauras, Ana Jara, Mariano Peña, Guillermo Campra, Laura de la Uz, Ángel Héctor Sánchez, Ruth Núñez, Carlos Librado 'Nene', Carmen Balagué y Javier Pereira, a los que se unen los niños que interpretan a los alumnos de un colegio público. Los creadores de la serie, Iván Escobar y Antonio Sánchez Olivas, han logrado plasmar en pantalla una obra que refleja a la perfección un trabajo por hacer en materia de igualdad social.

El barrio como reflejo de una realidad olvidada

El barrio es el corazón narrativo de la serie, como su propio nombre indica. Es el lugar donde se cruzan todas las historias y donde surgen conflictos muy reales: el acoso escolar, la precariedad de la enseñanza pública, la vulnerabilidad de las familias, la problemática económica o la necesidad -urgente- de segundas oportunidades. En absoluto son temas elegidos al azar. Es lo que está ocurriendo ahora mismo, quizás al otro lado del rellano o de la calle. Pero no siempre se le otorga la visibilidad que merece en televisión.

Un 25.7% de la población española está en riesgo de pobreza o exclusión social, según el Instituto Nacional de Estadística (INE). Como sociedad, a veces caemos en la trampa de no otorgar la importancia que merece a un dato aislado. Cuando ponemos la lupa en los jóvenes, la conclusión es todavía más dramática: casi uno de cada tres menores sufre esa situación. Pero detrás de esta cifra se esconden miles de historias, y Barrio Esperanza es consciente de ello. Incluso hay escenas directamente relacionadas con esta triste realidad que hasta emocionan.

El acoso escolar también es clave en la serie, poniendo cara a diferentes niños -y también adultos- que sufren esta lacra. No es ficción, estamos hablando de una verdad que sufren nuestras aulas. Según los últimos estudios publicados por el Ministerio de Educación, un 9.5% del alumnado en Primaria indica haberlo sufrido. La producción busca concienciar al respecto durante sus capítulos, con un profesorado sorprendido ante los casos que se descubren a raíz de una iniciativa nunca antes puesta en marcha desde el centro público.

Y como no podía ser de otro modo, la educación juega un rol protagónico en cada uno de sus episodios. La clase política tiene la obligación de proteger uno de los valores más preciados de nuestro país. Las administraciones deben invertir todos los recursos necesarios para formar a nuevas generaciones, garantizando así la igualdad plena de oportunidades. Los datos expuestos en un informe de Save The Children invitan a la reflexión: España es el país de la OCDE que más segrega por renta entre la escuela concertada y la pública.

Esperanza, una justiciera en busca de segundas oportunidades

Para qué nos vamos a engañar, Esperanza es la profesora que todo alumno hubiera deseado tener. Mariona Terés interpreta con gran destreza a una mujer que necesita resarcirse de los errores del pasado tras ocho años de condena. ¿Y cómo lo intenta? La respuesta es altamente entrañable: ayudando a todos esos niños con miedos y sueños por cumplir pese a las adversidades. En definitiva, su camino pone de relieve tanto los prejuicios como los estigmas de toda una sociedad a la hora de conceder una segunda oportunidad a una mujer que tomó el camino equivocado.

La recién licenciada no busca cambiar el mundo, pero sí arreglar en la medida de lo posible la realidad que hay frente a sus ojos. En una ficción de corte social, es algo que resulta imprescindible. Si hacemos énfasis en esas problemáticas fundamentales, las personas de avanzada edad también gozan de representación en esta serie a través de la madre de la protagonista. A través de su figura se muestra a un colectivo frágil y vital para cualquier sociedad, en ocasiones invisibilizado. Según la Fundación ONCE, la soledad no deseada alcanza el 20% entre los mayores de 75 años.

Un estreno inesperado en La 1 que desplaza a 'La película de la semana'

Con todos estos elementos, RTVE despliega sus alfombras para estrenar Barrio Esperanza. La fecha elegida -un domingo- sorprende sobremanera por un giro de programación que supone la supresión del contenedor La película de la semana, que en su anterior emisión logró liderar frente a Supervivientes: Conexión Honduras. Se trata de una “noche especial” en la que la ficción se extenderá entre las 22:00 horas y las 00:25, acompañada después por el documental España de barrio: Carabanchel. Desde verTele hemos preguntado por el número de capítulos que se emitirán en el estreno -aunque por la duración coincide con dos-, sin obtener respuesta de la corporación. Queda por ver si la estrategia se mantiene o si, por contra, termina dando el salto a otra jornada diferente.

La estrategia de la corporación arroja una doble lectura: es de aplaudir que una serie vuelva a arrancar a una hora que facilite la conciliación y no se convierta en el plato fuerte tras La Revuelta. Y en este sentido, es necesario destacar un aspecto que no juega del todo a favor: cada episodio dura alrededor de 70 minutos, un estándar ya poco habitual en la ficción española. En una industria donde el consumo es cada vez más fragmentado, esta extensión se le puede volver en contra. No por falta de contenido, ni por ritmo en algunas ocasiones. Cierto es que algunas tramas piden respirar, pero otras agradecerían desarrollarse con mayor agilidad.

'Barrio Esperanza' es tan valiente como necesaria

En conclusión, Barrio Esperanza se presenta como una serie inherente a la razón de ser de RTVE: el servicio público. En cierto modo, se erige como un recordatorio necesario de lo que ocurre a nuestro alrededor. La ficción sirve en esta ocasión para señalar una realidad incómoda de ver, plagada de historias que condicionan la vida de miles de personas aunque no sean nada atractivas para los algoritmos. Y lo hace poniendo la lupa en la vulnerabilidad, el acoso escolar, la precariedad en la educación y las segundas oportunidades. En tiempos de evasión constante, que una producción regrese a las calles para contar sin filtros lo que ocurre es tan valiente como necesario.

La quinta temporada de Machos Alfa vuelve a dar con la tecla, presentado de nuevo a unos personajes que libran su particular batalla con esa deconstrucción que les lleva por el camino de la amargura. En esta tanda de capítulos, la premisa de partida ya es toda una declaración de intenciones: los cuatro amigos planean irse a vivir juntos a una “comuna machirula libre de mujeres”, que viene a ser un complejo diseñado para estar 'a salvo'. Esta idea que plantea la serie de Netflix podría encajar a la perfección con el deseo de cualquier nostálgico: un búnker donde los techos de cristal ni siquiera tienen nombre, donde la igualdad no quebrante una forma de vida con amplias comodidades.

Que nadie se equivoque, la comedia de los hermanos Caballero se eleva una vez más como una excelente crítica, como analizamos a continuación en verTele. Es una sátira a ese caos del que tanto se quejan ciertos sectores de la sociedad, utilizando el humor para retratar la fragilidad de aquellos que confunden el avance social con una persecución personal. Ya lo dijo Raúl Tejón en una entrevista, refiriéndose a esos “bros” que le toman por gurú sin entender la parodia: “Yo soy mariquísima y no me oculto, lo digo abiertamente”. Para los que no se han enterado de absolutamente nada, como comentó el actor, esta temporada es una tesis de manual.

La ficción de Contubernio Films se estrena este viernes, 17 de abril, con una batería de episodios donde sus protagonistas se dan de bruces contra la realidad. Fernando Gil, María Hervás, Raúl Tejón, Kira Miró, Gorka Otxoa, Paula Gallego, Fele Martínez y Raquel Guerrero están de vuelta para brindar al espectador una imagen caricaturesca de nuestra sociedad. Completan el reparto las nuevas incorporaciones María Adánez y Diego Martín, con personajes clave que complementan los regresos de Cayetana Cabezas, Marta Hazas y Paloma Bloyd, entre otros. La dirección de los seis episodios de la serie corre a cargo de Laura Caballero, también creadora junto a su hermano Alberto Caballero.

El viaje de los cuatro fantásticos de 'Machos Alfa 5'

El arco argumental de esta temporada es, quizás, el más maduro -dentro de las posibilidades de este cuarteto- hasta la fecha. Resulta un ejercicio de lo más interesante analizar el colapso de Santi Peralta (Gorka Otxoa), quien decide que ya ha tenido más que suficiente en su viaje hacia la deconstrucción. El arquitecto que intentó ser el aliado perfecto inicia un camino radical de vuelta: rechaza cualquier tipo de relación sexoafectiva, impulsando la constitución de la sociedad Pacto Patriarcal. Y lo cierto es que se transmite una ternura latente en sus fracasos constantes por encontrar una persona con la que avanzar. Podríamos definirlo como el hartazgo vital hecho personaje.

Por su parte, Raúl Camacho (Raúl Tejón) por fin colapsa. Toma conciencia de que nunca supo querer, un diagnóstico que resuena en varias generaciones educadas en un patriarcado donde los sentimientos no son cosa de hombres. Sus tramas nos vuelven a llevar por rincones incómodos de la heterosexualidad, como esos clubes destinados al placer solo para varones donde la única regla es que “no hay contacto homosexual”. El personaje da un paso más en esta pirueta argumental para retratar la homofobia interiorizada que, lamentablemente, aún sobrevive en ciertos entornos. Bien por Machos Alfa, colando este debate en millones de hogares a través de la comedia.

El adalid de la masculinidad, que responde al nombre de Pedro Aguilar (Fernando Gil), vive una curiosa evolución: el más reacio en los inicios termina abrazando algunas bondades de la deconstrucción, o al menos eso parece. Básicamente, hasta el más 'rudo' puede cambiar cuando el sistema que defendía cae por su propio peso. Mientras tanto, Luis Bravo (Fele Martínez) intenta sobrevivir hasta que encuentra su ¿nuevo camino? tras una negociación con su esposa plagada de giros. Y atención porque uno de sus episodios vitales toca de lleno una asignatura pendiente para nuestra sociedad: las relaciones y las dinámicas cuestionables de pareja.

Adolescentes y relaciones tóxicas

Conviene poner la lupa en una de las tramas que nos regala la quinta temporada de Machos Alfa: la toxicidad que impera en las relaciones de los adolescentes. También se muestran otras tramas inspiradas en otras polémicas de nuestros días, evidenciando su vocación de generar reflexiones en los espectadores. El guion pone sobre la mesa una realidad que se recoge en los dos últimos Macroestudios de violencia de género Tolerancia Cero, cuyas estadísticas más preocupantes se destacan a continuación:

La serie de Netflix aborda esta difícil realidad a lo largo de la temporada, evidenciando que todavía queda mucho camino por recorrer en materia de igualdad. Y lo hace a través del humor, un vehículo clave para introducir debates en la conversación de los espectadores. Es fundamental que el mensaje llegue a todas las generaciones -sobre todo a las nuevas-, especialmente en un contexto donde el sesgo de confirmación actúa como escudo. En una época en la que muchos desacreditan las realidades que no encajan con su ideología, colar esta realidad en una narrativa es vital. Quizás, la forma más efectiva de romper un muro para visibilizar y concienciar.

Un espejo de nuestra sociedad que escuece (y mucho)

Más allá de las risas, Machos Alfa se erige como un ensayo sobre el cambio de paradigma en lo que significa “ser un hombre”. La sociedad viene de un pasado donde la masculinidad era sinónimo de fuerza, silencio emocional, dominación, ausencia de dudas y virilidad en exceso. Ese modelo, que durante décadas fue hegemónico, era estructural: el Centro de Investigaciones Sociológicas (CIS) lleva años detectando un aumento en la percepción de los hombres -especialmente jóvenes- que advierten discriminación en la promoción de la igualdad de las mujeres.

Ese hombre de ayer no se preguntaba quién era ni qué sentía, simplemente ejecutaba un rol privilegiado de autoridad que no podía cuestionarse. En este sentido, el cuarteto protagonista satiriza a la perfección ese punto de inflexión: todos viven a su manera un caos interno porque la sociedad les obliga a escapar de una histórica zona de confort. Ellos mismos deciden vivir en una “comuna machirula libre de mujeres” mucho tiempo después de haberse sometido a un curso donde deconstruirse, aunque el devenir de los acontecimientos puede terminar por desbaratar sus planes.

La idea de retiro que plantea la serie conecta con el auge de comunidades online solo frecuentadas por hombres, que en la realidad suelen ir acompañados por discursos antifeministas donde hay “crecimiento del negacionismo”, como documenta el Ministerio de Igualdad. Y aunque los personajes terminan enfrentándose a sorprendentes cierres de ciclo durante la quinta temporada, Machos Alfa vuelve a plantear con acierto que el conflicto real no está en la igualdad, sino en la gestión emocional, cultural y social.

'Machos Alfa' invita a reírse de las contradicciones

En definitiva, Machos Alfa se mantiene como una de las mejores comedias españolas de la televisión actual, confirmando que no existe temor alguno a meterse en el barro. Las interpretaciones son, como siempre, impecables. Logran que empaticemos con personajes que, sobre el papel, posiblemente nos sacarían de nuestras casillas. Y es que la serie de Netflix no juzga desde una posición de superioridad, sino que invita a reírse de las contradicciones humanas. Es entretenida, es ágil y, sobre todo, es muy inteligente: señala sin titubeos que el búnker del cuarteto protagonista no es para huir de las mujeres, sino para alejarse de un mundo que ya no se vive en blanco y negro.

¿Quién decía que el humor absurdo en España estaba en horas bajas? Para quienes se refugiaban en clips nostálgicos del pasado, Atresplayer acaba de dar un golpe de realidad en la mesa… o más bien de surrealismo. Rafaela y su loco mundo se presenta como una serie delirante y distópica, pero profundamente libre en su paranoica concepción. La ficción desembarca en la plataforma de Atresmedia este domingo, 15 de febrero, recuperando esa comedia chanante tan característica y que tantas alegrías dio a muchos espectadores en otros tiempos.

El grupo audiovisual describe a Rafaela, el eje alrededor del que giran todas las tramas, como una adolescente que forma parte de una familia “altamente funcional”. Hasta aquí, nada fuera de lo común. Sin embargo, ya los primeros minutos de la serie evidencian que esta descripción poco se ajusta a nuestra manera de entender la vida. A la suya sí, a la perfección de hecho. La madre aparece en escena con una curiosa afición a disfrazarse de absolutamente cualquier cosa, formando tándem con un padre que se gana la vida como inventor. ¿Qué puede salir mal? Nada y todo a la vez.

Y como en nuestro día a día, las amistades son fundamentales para vivir aventuras. Es en este momento cuando Corpus, Chelo y Debo completan una ecuación completamente estrambótica. A lo largo de los episodios, este variopinto grupo se enfrenta a innumerables peligros sin ningún tipo de sentido para salvar al mundo antes de que el periodo adolescente llegue a su fin. Tiene especial gracia el asunto porque sus intérpretes superan ampliamente la edad de sus personajes. Tampoco podemos olvidarnos de la abuela, que, para ser honestos, no tiene descripción posible.

Quizás, la gran baza de esta producción —creada por Aníbal Gómez y dirigida junto a Ernesto Sevilla— es su honestidad. La serie para nada está diseñada con el objetivo de gustar a todo el mundo, sino que se dirige a un 'espectador huérfano' que disfrutó como nunca con La Hora Chanante o Muchachada Nui, pero dándole un envoltorio completamente nuevo. No lo decimos nosotros: Atresmedia presume abiertamente de que Rafaela y su loco mundo es “la sitcom de tripi que no sabías que necesitabas”.

Un reparto que entiende el código chanante

Esta producción no aspira a ser un título aclamado en todos los festivales, y ahí es precisamente donde reside su fuerza. El equipo es consciente de que su público no busca realismo, sino una vía de escape que va mucho más allá de lo bizarro. No obstante, lograr que el surrealismo funcione requiere una absoluta entrega por parte de su elenco. En este sentido, aprueba con nota. Para ser honestos, debo compartir una confesión: me resulta imposible ver a Carlos Areces caracterizado como Chelo y aguantar las carcajadas.

Ingrid García-Jonsson interpreta a Rafaela, probablemente el personaje con mayor cordura dentro de este delirio que impera en cada trama. La actriz ha demostrado una enorme capacidad de adaptación a este núcleo chanante, mimetizándose con un entorno sumido en el caos. Y también es digna de mención su evidente sintonía con este triunvirato del absurdo compuesto por Joaquín Reyes, Carlos Areces y Aníbal Gómez, quienes dan vida a las amigas Debo, Chelo y Corpus respectivamente.

El núcleo duro de esta serie, como se diría popularmente, está en su salsa. Estos papeles que interpretan les vienen como anillo al dedo, trayendo de nuevo la comedia bizarra a nuestra pequeña pantalla. En definitiva, una fórmula muy reconocible entre su público nicho a la que Arturo Valls y Carmen Ruiz también han sumado enteros. Ambos son piezas clave que aportan todavía más capas de sinsentido a esta distopía. Son la prueba fehaciente de que en el mundo de Rafaela siempre hay espacio para un giro de tuerca más.

Acierto con la duración de cada episodio y con los visuales de la serie

La industria audiovisual continúa evolucionando, pero podría decirse que Rafaela y su loco mundo se mantiene fiel a dos títulos pioneros en lo que respecta a su duración. Al igual que Muchachada Nui o La Hora Chanante, los capítulos de la serie de Atresplayer se extienden entre 20 y 30 minutos. Un tiempo en pantalla más que suficiente para cerrar las tramas que se presentan en cada entrega. Eso sí, es difícil resistirse a pulsar el botón de “reproducir siguiente” cuando el espectador se siente ávido de humor delirante.

Por otro lado, merce mención el trabajo del equipo creativo a la hora de hacer realidad ese universo disparatado y carente de sentido. La casa de Rafaela funciona como ese espacio capaz de trasladar al espectador la locura imperante en cada entrega; de hecho, se percibe como una atmósfera que sirve como antesala de la narrativa chanante. Es el lugar donde lo cotidiano —comer, sentarse, mirarse al espejo o simplemente conversar— se vuelve una performance. La dirección artística convierte absolutamente cada estancia en una viñeta de cómic.

¿Cuál es el veredicto para 'Rafaela y su loco mundo'?

Rafaela y su loco mundo no es, bajo ningún concepto, una serie apta para personas sin sentido del humor, alérgicas al absurdo o que busquen una narrativa convencional. Cada capítulo se despliega como una fiesta de pijamas donde el surrealismo es un invitado de honor que permite recuperar el sello chanante sin complejos.

Al terminar de verla, me doy cuenta de que no soy capaz de definir lo que he visto. Y esa es, sin duda alguna, la mejor conclusión que puede resultar de esta crítica. En un mundo de contenidos predecibles y que apuestan por lo mainstream, este caos es un auténtico regalo.

El regreso de la mítica Aída tenía el listón muy arriba. Reconozco sentir cierto miedo en el cuerpo ante lo complejo de revivir una serie que marcó a varias generaciones, esa mezcla de ganas y de “que no destrocen el recuerdo”. Las luces del cine se apagaron y la legendaria sintonía interpretada por Bebe volvía a sonar en la película Aída y vuelta. Mientras tanto, la sala se transportó irremediablemente a ese ficticio barrio de Esperanza Sur en el que, por muchos azotes del destino, siempre hay humor esperando. ¿Lo mejor de todo? La experiencia continuó después con un capítulo inédito.

Paco León —actor, director y guionista en la cinta— ha sabido canalizar a la perfección ese efecto nostálgico, proponiendo un ritual poco habitual en la industria audiovisual. Primero, acudes al cine para reencontrarte con los personajes que marcaron a distintas generaciones. Después, el público puede disfrutar de una entrega nunca vista doce años después de que la serie se despidiese 'para siempre' de los espectadores en Telecinco. Y lo cierto es que, para quien escribe estas líneas, ha sido como volver a sentir aquello de “corre, vamos a casa que empieza el episodio de Aída”, unas emociones que parecían enterradas en otras épocas.

Escanear el código que conduce al episodio fue la continuación de una experiencia que recordó a esos años en los que la oferta no estaba tan fragmentada como a día de hoy. La llegada de las plataformas desplazó por completo a la rigidez de los horarios para disfrutar de nuestros títulos de cabecera. En este sentido, el regreso de la histórica serie de Mediaset ha sido un viaje en el tiempo en toda regla, sin depender de algoritmos que nos indiquen qué ver. Y ahora sí, como se dice popularmente, vamos al turrón: qué delicia volver a disfrutar con Carmen Machi, Miren Ibarguren, Marisol Ayuso y compañía.

'Aída y vuelta' o cómo regresar sin miedo al 'qué dirán'

En primer lugar, el gran reto al que se enfrentaba Aída y vuelta tiene que ver con el tipo humor que siempre llevó por bandera. Evidentemente, fue evolucionando paralelamente a la concienciación social, pero siempre fue objeto de crítica entre buena parte de la audiencia. No nos engañemos: la España de la primera temporada de la serie —emitida en 2005— poco tiene que ver con la de hoy. ¿Se ha adaptado la película a los tiempos? Por supuesto. ¿Ha perdido la esencia para convertirse en un producto políticamente correcto que incluso podría tildarse de “acomplejado”? Para nada.

El equipo creativo ha sabido escuchar y aprender de las polémicas para proponer un curioso debate contraponiendo dos situaciones muy controvertidas. Además, no puede perderse de vista que la cinta ha sabido ubicarse con destreza en un punto de inflexión social clave, navegando la ola de concienciación sobre la igualdad y la responsabilidad colectiva. Sin soltar el volante de la comedia gamberra e incorrecta que tanto caracterizó a la ficción de Telecinco, hay tramas que evidencian su capacidad para generar conversación.

La película pone al espectador frente a un espejo mientras utiliza las polémicas del pasado como combustible. Sin hacer spoilers, podría decirse que una de las tramas te invita a pensar cómo hemos cambiado —y lo necesaria que era esta evolución—. Lo hace, además, abordando con cierta guasa ese discurso del “ya no se puede decir nada”: aquí se dicen muchas cosas, pero con la premisa de que el humor no es un as para que valga cualquier cosa. En definitiva, hay dos palabras que definen muy bien el regreso de Aída: “políticamente inteligente”.

Un capítulo inédito con expectativas muy altas

La segunda parte de la experiencia es disfrutar del nuevo capítulo. El ritual es como volver a esos tiempos más analógicos en los que tomar asiento en el sofá y desconectar por completo de todo lo demás. Algo que, a día de hoy, se torna bastante complicado por la 'hiperconexión' a la que estamos sometidos. Quizás, la única pega es su escasa duración, teniendo en cuenta que Aída nos tenía acostumbrados a entregas de unos 50 minutos. ¿Esperaba algo más del episodio? Es probable que las expectativas estuviesen demasiado altas. Sea como fuere, esos minutos han sabido a gloria.

No esperéis un giro de guion que cambie la historia de la serie. Para ser honestos, tampoco lo necesitaba. El “episodio regalo” de Aída se presenta con la esencia de las últimas temporadas. No hay bombazos escénicos, tampoco tramas grandilocuentes, pero sí el regreso de un barrio que enamoró a millones de espectadores años atrás. Despierta exactamente la misma sensación de confort, provocando risas ante lo surrealista de cada escena. Y por si había dudas, ni los chistes ni los comentarios polémicos desaparecen.

Tanto en la película como en esta entrega, el elenco vuelve a brillar como lo hacía hace ahora doce años. No es nada fácil volver a ponerse en la piel de aquellos personajes que lo fueron todo para sus carreras profesionales. Carmen Machi, Paco León, Miren Ibarguren, Marisol Ayuso, Mariano Peña, Pepe Viyuela, Pepa Rus, David Castillo, Eduardo Casanova, Melani Olivares, Canco Rodrígez, Secun de la Rosa y Óscar Reyes, entre otros, aprueban con nota. Es la confirmación de que, por muchos años que pasen, la esencia prevalece.

El broche final a una de nuestras series más míticas

En conclusión, Aída y vuelta acierta tanto en la gran pantalla como en la pequeña. La producción sabe canalizar ese efecto de nostalgia que tantas emociones despierta en el espectador con un ritual, como antes se ha citado, nada habitual en la industria audiovisual española. Las compañías encargadas de la producción —Mediaset, Globomedia (The Mediapro Studio), Prime Video— han actualizado una de nuestras series más míticas, poniendo el broche final a una serie que dejó huérfanos a muchos espectadores en 2014.

Tras los créditos finales tanto de la película como de la serie, el sentimiento es inevitable. El engranaje sigue engrasado, el ficticio barrio está tan vivo como siempre y el público está demostrando un interés digno de reseñar; de hecho, alcanzó el número uno durante su primer fin de semana en cines. Sucumbir a la duda es inevitable: ¿Y si Aída volviera con una nueva temporada tras este ensayo?

Telecinco desplegó su particular alfombra roja este miércoles, 28 de enero, para estrenar su serie más ambiciosa. Pura sangre se presentó como una combinación de drama, thriller, investigación criminal, secretos ocultos, traición y —lo que nunca puede faltar— varias dosis de romance. Con un plantel de artistas de primer nivel encarnando a sus personajes principales, la ficción arrancó en audiencias con buen pie… pero enfrentando el reto de mantener el listón del doble dígito. Sea como fuere, la producción se presentó con ambición, pasión frente al poder y lo que puede ser un intenso amor LGTBIQ+ a lo Yellowstone.

La ficción en abierto vuelve a reivindicarse como género de calidad con el estreno de este título, algo que el 'sello Mediaset' necesitaba como el comer. El grupo audiovisual continúa transitando el camino para reposicionarse entre los espectadores como referencia en el ámbito de las series y, sin duda, Pura sangre contribuye con creces en esta ardua tarea. La puesta en escena es vital para envolver cada una de las tramas y crear una atmósfera que impulse las desventuras de sus personajes.

Macarena Rey, CEO de Shine Iberia, ya confirmó en la presentación que su intención siempre fue “traer la esencia de Yellowstone” a una ficción patria. Reto conseguido. La ficticia finca La Galana se presentó como un personaje más de Pura sangre, ese lugar vital para una “historia de pasiones” susceptible de generar más interés con el paso de los episodios. Durante el primer episodio, la narrativa fotográfica aprobó con nota al encarnar una narrativa visual fundamental para que el espectador se sintiera parte de la historia.

Los primeros episodios de las series pueden considerarse como una especie de examen definitivo: deben presentar a los personajes y atrapar al espectador de inmediato. Sin embargo, esta serie apuesta por un arranque demasiado pausado, priorizando la construcción de un universo elegante alrededor de la familia. Es una decisión arriesgada en una industria actual donde, ante la fragmentación de la oferta y la infinidad de ventanas de consumo, el público demanda un ritmo más trepidante y marcado.

El granado plantel de artistas de 'Pura sangre'

Que Ángela Molina forme parte del elenco de una producción ya es garantía de calidad. La intérprete da vida a Rosario del Monte, una marquesa completamente alejada de los estereotipos más pomposos pero rebosante de elegancia. Su buen hacer permite que el espectador empatice con su personaje desde el primer momento: parece una mujer frágil, pero con un temperamento capaz de dominar cualquier esfera de poder… incluso en un mundo ecuestre y aristocrático tradicionalmente dominado por hombres.

Amaia Salamanca, en la piel de Miranda Acuña, da vida a su hija. Se presenta como una mujer independiente, triunfadora tanto en el plano laboral como en el personal y expectante ante un futuro desconocido. Blanca Romero, en la piel de la agente Alicia Hermida, será clave en el desarrollo de sus tramas. Ya en la promoción de Pura sangre se deslizó la posibilidad de que ambas protagonizaran una relación completamente inesperada y, aparentemente, prohibida. Ya en el primer capítulo se vieron algunas pinceladas.

El elenco se completa con grandes artistas de la talla de Pep Munné, interpretando al marqués consorte José Antonio Acuña. Lo que se deslizó en las primeras tramas ya planteó una cuestión en el espectador —punto fundamental en las series— que invitaba a la reflexión: ¿Conocemos realmente a las personas con las que compartimos nuestra vida? La evolución de Pura sangre a lo largo de sus ocho capítulos serán fundamentales para conocer la implicación de Aitor Luna, Pedro Casablanc, Berta Bolufer, Jaime Zatarain, Eva Ugarte y Maru Valdivielso en el drama ecuestre de la temporada.

[A partir de aquí, esta noticia contiene spoilers sobre el primer capítulo de Pura sangre. Lea bajo su responsabilidad]

El primer capítulo sacudió los cimientos de un poderoso marquesado

El planteamiento 'tu reino por un caballo' ya evidenció que el alma del marquesado estaba a punto de quebrarse por completo. Caporal, un semental muy querido por las mujeres de La Galana, apareció envenenado en la pradera junto a otros tres potros. Pura sangre introdujo la figura de un jeque, que ofreció diez millones de euros por el animal, como principal sospechoso. Sin embargo, las primeras hipótesis pueden conducir a error… y este parece ser un ejemplo perfecto.

En medio del caos, Alicia Hermida apareció en escena para enfrentar una investigación que supondrá enormes quebraderos de cabeza. Su encuentro con Miranda, la hija de los marqueses, avanzó la posibilidad de que se fraguase una historia entre ellas. ¿Triunfará el amor en un mar de amenazas y enfrentamientos? ¿Conseguirán las autoridades descubrir a los verdaderos autores de la muerte de Caporal? Y lo más importante: ¿se saldrá con la suya el patriarca de los Acuña, quien ya parece ser la principal piedra en el camino?

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Netflix cierra 2025 con un golpe de autoridad en uno de los géneros que mejor domina: el thriller psicológico. Tras la irregular acogida de propuestas como El refugio atómico, que no estuvo a la altura por sus tropiezos insalvables, la plataforma da un salto de gigante con Innato, que se estrena este martes 23 de diciembre. A diferencia de otros estrenos recientes como El cuco de cristal, que apostaba por un suspense más convencional, esta serie logra algo más difícil: instalar una idea incómoda que permanece en la mente del espectador.

Esta miniserie nos presenta a Sara (Elena Anaya), una psicóloga cuya vida perfecta está construida sobre unos cimientos que se tambalean sobre el olvido. Su padre, Félix Garay (Imanol Arias), apodado en la prensa como 'el asesino del gasoil', sale de prisión tras 25 años. Su regreso coincide con una sucesión de crímenes que imitan el macabro modus operandi que llevó por bandera en el pasado. Y entonces, el miedo psicológico entra en escena planteando varios debates.

El pensamiento más social, quizás, tiene que ver con las segundas oportunidades. A través de un acertado uso de los flashbacks, la serie de Netflix nos sumerge en el trauma adolescente de Sara, cruzando sus recuerdos de manera recurrente con un presente donde su hijo, Sebas (Teo Soler), comienza a mostrar una fascinación inquietante por el abuelo al que nunca conoció. Son clave en la historia el buen desempeño del resto de personajes, interpretados por Emma Suárez, Roberto Álamo, Aura Garrido o Ane Gabarain, entre otros.

En sus ocho capítulos dirigidos por Lino Escalera e Inma Torrente, a los que ha tenido acceso verTele para la elaboración de esta crítica, la ficción de Plano a Plano y Bilbao y Dynamic Television consigue algo fundamental: provoca esa necesidad de reproducir el siguiente capítulo. Y en los tiempos que corren, con un ritmo frenético de producción y abundancia de contenido, es digno de mención. Ese efecto binge-watching se apoya en una cuidada fotografía, que aprovecha la atmósfera fría y grisácea de Vitoria para envolver al espectador.

Si hay un nombre que sostiene el peso emocional de la obra, ese es el de Elena Anaya. Su interpretación es impecable. La intérprete logra encarnar la ansiedad de quien se sabe portadora de una genética 'maldita'. Sus labores son clave en este mapa de tensión psicológica que explora la serie: proyecta a la perfección la contención por mantener esa imagen de persona construida a sí misma, mientras la paranoia de que el mal es innato la devora por dentro. Y con esta premisa, el drama familiar va in crescendo.

Más allá del quién y lo que hizo, la serie pone sobre la mesa el eterno dilema moral de nuestra sociedad: las segundas oportunidades. ¿Puede un monstruo redimirse y cambiar? ¿Es justo castigar a los hijos por los crímenes de sus padres? Innato no da respuestas fáciles, solo instrumentos para la reflexión. El miedo psicológico se te mete en el cuerpo precisamente por su capacidad para agitar los pensamientos; nos obliga a mirar a nuestro alrededor y preguntarnos qué es herencia de los antepasados.

La herencia del mal y la mentira para sobrevivir

Innato aborda con elegancia el debate científico y moral más antiguo en el ámbito de la criminología: ¿es la maldad algo biológico con lo que nacen las personas o se aprende? La serie propone un camino de reflexión al espectador sobre el estigma de ser 'hijo de un monstruo'. Capítulo a capítulo, vemos cómo Sara vive atormentada por el trauma de los crímenes cometidos por su padre. También irradia un terror constante a su propia genética y la posibilidad de heredar la predisposición psicopática de Félix.

La intérprete consigue plasmar que su existencia es una lucha interna contra una biología que ella percibe como una condena de la que le es imposible escapar. Todo el elenco interioriza a la perfección ese miedo, que tiñe cada una de sus reacciones. El guion de Carballal y Lojo esconde una realidad completamente desgarradora: cómo una mentira puede acabar con todo lo que costó años construir. De hecho, la omisión sistemática de realidades con la intención de proteger se erige como uno de los mayores golpes emocionales.

Un trauma transgeneracional y un secreto asfixiante

Los secretos familiares son, sencillamente, una bomba de relojería. El intento de Sara por proteger a Sebas ocultándole la identidad de su abuelo termina provocando un efecto contrario. Y aquí es precisamente donde encontramos uno de los grandes giros de Innato, porque juega constantemente con la posibilidad de que la descendencia de Félix tenga tendencia a esa psicopatía. De hecho, la serie sugiere que la reputada psicóloga no se ha saltado ninguna generación.

A través de distintas pinceladas, se nos muestra a una Sara que reconoce en sí misma ciertos rasgos oscuros, pero que logra canalizar mediante un autocontrol férreo. Como si de un 'monstruo domesticado' se tratase. Sin embargo, el espejo más cruel es su hijo Sebas… o no. El joven entra en una espiral de autodestrucción inundada por la incomprensión tras un dramático giro. El adolescente, sintiéndose rechazado por la sociedad, decide abrazar un mundo que, quizás, nada tiene que ver con su naturaleza.

¿Existen las segundas oportunidades realmente?

Uno de los puntos más valientes de Innato tiene que ver con la vida de Félix tras salir de prisión. Este 'monstruo' pagó por sus delitos, pero la sociedad no le permite reinsertarse. Con este planteamiento, la ficción abre un debate sobre las segundas oportunidades. Y es que el patriarca de los Garay se encuentra fuera de la cárcel con una libertad que, en realidad, es la extensión de su celda: acoso vecinal, juicio mediático y la nula posibilidad de redimirse. Pero lo intenta, mostrando su lado más humano para sorpresa de todos.

Ese linchamiento público lo convierte automáticamente en el principal sospechoso cuando los crímenes se reactivan. Resulta de lo más curioso como Innato plantea esa dualidad en el espectador: sabemos que es un criminal, pero eso no impide que el personaje de Imanol Arias genere empatía e incluso lástima. Y esta realidad plantea dos preguntas incómodas: ¿Es posible la reinserción para alguien que ha perpetrado terribles asesinatos? ¿La opinión pública y el sistema mediático están diseñados para que un monstruo nunca deje de serlo?

Un desenlace a la altura de la serie, que pide a gritos una segunda temporada

El tramo final de Innato, plagado de acción y giros de lo más sorprendentes, está plagado de simbolismo: hay lealtad y “agradecimiento” hacia la figura de Félix Garay. La temporada culmina además con un adiós del todo inesperado, que cambia por completo las reglas del juego. Se trata de un cierre a la altura de la serie, que deja la puerta abierta a una segunda temporada donde las consecuencias serán clave en el destino de los supervivientes.

En conclusión, la ficción de Netflix no está construida a modo de rompecabezas con pistas y sospechosos. Pretende ser —y lo consigue— un espejo plagado de oscuridad que haga reflexionar al espectador. ¿Qué haríamos nosotros si descubriésemos que la sangre que corre por nuestras venas está manchada por un pasado que no elegimos? Merece la pena seguir esta historia para ahondar en nuestros propios pensamientos.

Los escándalos británicos siempre han resultado bastante atractivos para el público. The Crown es el ejemplo perfecto de lo mucho que interesan las intrigas políticas y palaciegas que ocurren a orillas del río Támesis. Y Un escándalo muy inglés también reflejó con maestría (y un toque de comedia sutil pero muy apropiado) la relación entre los diputados de Westminster y la prensa sensacionalista que hará lo que haga falta para hurgar en las miserias de los dirigentes.

El thriller político es un género bastante manido, así que la miniserie Anatomía de un escándalo –disponible en Netflix desde este viernes 15 de abril– tenía la dificilísima tarea de presentarnos algo distinto con lo que removernos las entrañas. ¿Lo ha conseguido? Sólo en parte.

La trama no tiene complicaciones: James Whitehouse (interpretado por el actor Rupert Friend) es un ministro británico que se ve contra las cuerdas cuando un periódico revela que tuvo un romance con su secretaria Olivia Lytton (Naomi Scott). La información del tabloide pone en jaque la estabilidad de su carrera política y el matrimonio que le une a Sophie (Sienna Miller). Ella decide perdonarle, pero cuando parecía que el bache estaba superado, la fiscal Kate Woodcroft (Michelle Dockery) le acusará de violación. Las excusas se le agotan a James y se tambalean los apoyos que hasta entonces había recibido, incluido el del primer ministro.

La nueva serie de Netflix viene avalada por grandes nombres de la ficción internacional. El guion lo han escrito Melissa James Gibson (House of Cards) y David E. Kelley (The Undoing, Big Little Lies), cuyo trabajo se ha sometido a la dirección de S.J. Clarkson (Succession). Sin embargo, ni siquiera esta conjunción de elementos, esta reunión de expertos en la materia, ha provocado el resultado esperado.

Aunque esté basada en la novela de idéntico nombre escrita por la autora británica Sarah Vaughan, Anatomía de un escándalo está cargada de pequeños detalles que se han convertido en grandes clichés. Para Laura Martin, articulista de la televisión británica BBC, esta coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos demuestra bastante desconocimiento o falta de originalidad.

“Desafortunadamente, el diálogo y la acción se sienten poco naturales desde el principio; son personas muy inglesas haciendo cosas que los estadounidenses creen que hacen las personas muy inglesas: hombres deambulando con bombines y pajaritas, bebiendo copiosas cantidades de whisky en las oficinas y deseando a sus colegas un fin de semana 'glorioso'”, expone la periodista de la cadena pública del Reino Unido.

Da la impresión de que Laura Martin lleva razón. Sin necesidad de ser un auténtico conocedor de la élite británica, se percibe que Anatomía de un escándalo tiene demasiados estereotipos cuya finalidad no es satírica o cómica. Más bien al contrario, parecen un intento por definir con fidelidad a la cúspide del poder inglés.

El consentimiento sexual como trasfondo de una serie aparentemente sencilla

Por otro lado, el nuevo thriller político de Netflix se percibe frío, carente de emociones. Resulta difícil empatizar con algunos de sus personajes, incluso con las víctimas. Por ejemplo, la secretaria de James Whitehouse apenas aparece en pantalla a pesar del enorme peso que adquiere en la trama, aunque esto también es un arma de doble filo y posiblemente esté hecho con toda la intención, pues el espectador sólo conoce la acusación de esta joven que se enamoró de su jefe; nada se sabe sobre su vida privada, y eso es algo que puede jugar al despiste manteniendo abierta la posibilidad de que esté mintiendo.

Si bien es cierto que la historia no tiene grandes complicaciones, su naturaleza adquiere un importante trasfondo moral. No sólo por el libertinaje con el que actúan las familias más pudientes del país, por la falta de escrúpulos que demuestran al escalar hacia lo más alto, sino porque, además de todo eso, el diputado insistirá en que las relaciones sexuales que mantuvo fueron siempre consentidas, para lo que su abogada tendrá que retorcer al máximo los argumentos esgrimidos por la víctima, que en el juicio revivirá la traumática experiencia que sufrió en un ascensor del parlamento.

El equipo creativo de la serie ha sabido manejar bastante bien algunas de estas secuencias que se dan ante el juez. Hay algunos planteamientos originales en la presentación, algunos juegos que potencian el mensaje para dejar claras las intenciones. Pero, una vez más, el tratamiento de esta delicadísima cuestión resulta superficial.

La serie es breve, pero en seis capítulos de 50 minutos de duración tenía ocasión de mostrarnos nuevas aristas de la violencia sexual, del 'consentimiento' del que ahora (por fin) tanto se habla.

En definitiva, Anatomía de un escándalo se convierte en un producto totalmente intrascendente. La trama y el debate moral que plantea carecen de ambición, aunque el relato se vuelve entretenido por ese ritmo acelerado que Hollywood exporta con éxito. Pero todo eso, unido a una fotografía bastante plana y determinadas expresiones cursis, hace que esta serie se aproxime más a un telefilm que a producciones como The Crown y Un escándalo muy inglés, que sin llegar a tratar un tema tan sensible como el consentimiento sexual, se ciñen mucho mejor a los requisitos que ha de cumplir un buen thriller político.

“Da igual lo que hagas, una adaptación literaria siempre va a recibir críticas”. Netflix arriesgó -de más- con la primera temporada de Valeria. Y lo hizo con la mejor de las intenciones: querer ampliar y darle una vuelta al universo superventas creado por la autora Elísabet Benavent. El primer libro de la saga fue publicado en 2013 y sí, lógicamente había que actualizarlo si querían mantener su espíritu fresco, pero se permitieron una serie de licencias que no le sentaron del todo bien a la historia. Claro que hay que entender que la serie no solo iba a llegar al público de las novelas, pero hubo determinados cambios y tratamiento de alguno de los personajes que no hicieron justicia a las personas creadas con sumo atino por la autora.

La apuesta por la ficción televisiva fue de dos temporadas desde un inicio, y sin duda, han aprovechado la segunda tanda -disponible desde este viernes 23 de julio en la plataforma- para, además de incorporar acertadamente a Benavent como productora ejecutiva, acercarse en mayor medida a las páginas de los volúmenes.

No cabe duda de que esto va a ser una buena noticia para los fans acérrimos de sus textos, por cómo la esencia de sus protagonistas se explora y se entiende en mayor medida. Las dinámicas que se generan tienen mayor sentido y, además, se han permitido 'reírse' de lo ocurrido en la primera temporada -la frase que abre esta crítica la enuncia la propia Valeria en la ficción-. Motivo por el que los nuevos capítulos son, sin duda, un éxito por partida doble.

Si algo define a la serie es el honesto retrato que realiza sobre un grupo de amigas que básicamente -como el resto de mujeres sobre la faz de la tierra- hacen y hacemos lo que podemos. Y esto es importante, porque comparten sus reflexiones en alto y a través de ellas se canalizan sentimientos comunes. Valeria (Diana Gómez), Lola (Silma López), Nerea (Teresa Riott) y Carmen (Paula Malia) hacen de su amistad su refugio y comparten, además de muchas alegrías, los estragos de un sistema laboral precario, de relaciones que no siempre son sanas o simplemente no funcionan, de familias que pueden o no acompañar y de expectativas destinadas a no cumplirse pese a lo muchísimo que social y culturalmente se nos hayan impuesto.

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El éxito obligado a los 30 y la idealización de la 'valentía'

Las protagonistas de Valeria rozan la treintena. Un momento vital conformado por bofetones de realidad que cuesta afrontar. Algo que Leticia Dolera mostró de forma brillante en Vida perfecta, y que en la serie que nos ocupa vuelve a resonar. “Pisas los 30 y la mayoría te ve como un útero con patas”, expresan haciendo referencia a la obligatoriedad de la maternidad como objetivo máximo y único. También está la sensación de que al alcanzar esta década ya tienes que haber triunfado, ya tienes que haber hecho algo importante. Como si poder pagar un alquiler no fuera suficientemente trascendental y complicado.

Es cierto que aquí la serie no es realista del todo. Escuchamos a Lola decirle a Nerea “bienvenida a la clase media” cuando ésta ya no está dotada de recursos para comprarse el sofá más caro de todos; pero seguimos viéndolas derrochar dinero en cervezas por la Malasaña madrileña, lucir modelos de infarto cada día que se encuentran y cenar en restaurantes de etiqueta. No es incoherente, pero no todas las piezas encajan en este sentido. Por ello es tan valioso lo que ellas verbalizan, que sin duda es el punto fuerte de la ficción. Sus reflexiones, consejos, errores e intentos por hacer las cosas bien no son para nada impostados.

Es importante retratar lo que forma parte de nuestro día a día. Mostrarnos torpes, divertidas, inteligentes y genuinas. Bajar del pedestal la concepción de valentía como si tuviéramos de verdad que aceptar que cada logro ha de ser fruto de vencer una batalla. Imprimir de belicismo nuestra rutina solo genera o incrementa los problemas. Si todo va de ganar o perder -enfermedades incluidas-, el relato se vuelve injusto, irreal, frustrante e insano. Derribar las expectativas y, en este caso, explicar el proceso, es un muy buen ejercicio que, ojalá, fuera más común.

En busca de relaciones sanas

Valeria no es ajena a las relaciones sentimentales ni, por supuesto, sexuales. Partiendo de unas novelas con una fuerte carga erótica, el sexo no podía quedarse de lado. De nuevo el placer y el deseo están sumamente presentes, con mujeres que hablan, exigen y disfrutan sin tapujos.

Los conflictos sobre la necesidad de saber qué tipo de relación estamos compartiendo con la persona con la que nos estamos acostando, los posibles problemas de competitividad en una pareja que trabaja en la misma empresa y las dudas están muy presentes en esta temporada. Valeria y Víctor avanzan en una dirección, Lola intenta despojarse de Sergio, y Nerea ha salido del armario pero no por ello quiere decir que su primera novia tenga que ser la definitiva. El aprendizaje es constante y está contado con ritmo, con algún que otro recurso que aporta originalidad y rompe la propia estructura de la ficción.

Otro cajón que se abre son las consecuencias de infantilizar tanto a nuestras amistades como a nuestras parejas. Creernos con el derecho de tomar decisiones por otros dando por hecho que van a estar equivocados, privando al otro de que sea quien se arriesgue y saboree el resultado, ya sea bueno o malo. Replantearse a uno mismo y reflexionar sobre el 'yo' no es precisamente el deporte nacional de la humanidad, y por ello se agradece ver a quien lo intenta. La segunda temporada de Valeria ha puesto el foco sobre ello, dando un notable paso adelante al exprimir el valioso caldo de cultivo que brindaron las novelas de Benavent.

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Este 2021 el francés se ha escuchado más que nunca en televisión, y no solo por los hits eurovisivos de Gjon's Tears y Barbara Pravi. Los responsables son George Kay (Killing Eve) y François Uzan (Family Business), dos showrunners que han creado a partir de una historia de venganza una serie a la altura del mismísimo Arsène Lupin.

El icónico ladrón de guante blanco da nombre a uno de los últimos grandes fenómenos de Netflix. Hablamos de Lupin, un thriller galo que con su primera parte ya hizo historia en la plataforma y que vuelve este viernes 11 de junio para confirmar que es, sin lugar a dudas, una de las series del año.

La parte 2 de Lupin, como se puede intuir por su título, más que una segunda temporada como tal es la continuación de los cinco primeros capítulos estrenados en enero. Otro pack de cinco episodios que completan un relato potente, entretenido y, por encima de todo, muy redondo.

Protagonizada por Omar Sy, y con las historias de Maurice Leblanc como base, Lupin vuelve en el punto exacto en el que nos dejó hace unos meses: con Assane Diop buscando desesperadamente a su hijo Raoul (Etan Simon) tras perderle de vista en la playa. Desde ese momento comienza una carrera contrarreloj por encontrarle en la que el protagonista vuelve a demostrar que, aún con la guardia baja, sigue siendo el mejor aprendiz de Arsène.

“Cada vez que piensas que van a atraparle, consigue escapar”, cuenta Raoul en un momento de la serie sobre Lupin, al que admira por 'herencia' de su padre. Lo que no sabe es que a quien está describiendo es precisamente a su progenitor, un mago del engaño que siempre tiene todo bajo control.

Una segunda parte continuista y fiel a sí misma

A nivel de estilo narrativo, la parte 2 de Lupin es totalmente continuista. Como ya hacía la primera tanda de capítulos, la producción de Netflix sigue recurriendo al pasado del protagonista para explicar sus decisiones del presente con una serie de flashbacks muy bien hilados que, además de encajar en el relato, dotan a los capítulos de mayor ritmo.

También son recurrentes las referencias a las novelas originales tanto con menciones directas de los personajes, como con aspectos clave de la trama. No hay que olvidar que aunque esta es una adaptación muy libre y actual del Lupin del clásico literario, al fin y al cabo bebe de él.

Pero lo que mejor asume esta tanda de la primera parte es su capacidad para entretener a un público que solo podrá consumir sus episodios en modo maratón. Si por algo sorprendió Lupin con su temporada inicial fue por crear adicción en todos aquellos que se lanzaron a verla. Eso no cambia en esta segunda parte, donde todo fluye hasta llegar a un capítulo final que convence al dar un cierre a la trama de Diop y Pellegrini.

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Cabe señalar que los cinco episodios que llegan este viernes a Netflix no han nacido de la voluntad de la plataforma de estirar el chicle de un formato de éxito, ya que forman parte del mismo conjunto que el quinteto inicial. El hecho de dividir la temporada en dos y estrenar cada parte con cinco meses de diferencia responde a una estrategia del streamer que se va a repetir en la tanda final de La casa de papel, como ya han anunciado.

Omar Sy brilla mientras los personajes femeninos se difuminan

Tampoco cambia con respecto a parte 1 el rendimiento de Omar Sy, que vuelve a brillar en la piel del bueno de Diop. En este caso, y tras mostrarse infranqueable en la primera tanda, enseña sus debilidades en una temporada algo más dramática y familiar.

Sus trucos y engaños siguen siendo efectivos gracias, en gran medida, a su escudero Benjamin (Antoine Gouy), que gana protagonismo a la fuerza tanto en el pasado como en el presente. También se crece Juliette Pellegrini (Clotilde Hesme), el único personaje femenino que no cae a una escala de figurante en esta segunda parte.

El gran 'pero' de la continuación es la ausencia de roles femeninos potentes o al menos interesantes que sí tuvo la primera tanda de capítulos. Un aspecto a considerar –y, por supuesto, solucionar- en la ya confirmada tercera temporada de Lupin.

La continuidad de la serie está asegurada después de que Netflix y Sy anunciaran a la par la renovación de su éxito conjunto. Una noticia que no sorprende vistos los datos de la primera parte -según las informaciones que ofrece la propia plataforma, Lupin es con 70 millones de visualizaciones la ficción más vista de su catálogo en 2021-, y que salvo sorpresa se repetirán con el lanzamiento de estos cinco últimos capítulos.

Con lo visto esta temporada, el recorrido de Assane Diop podría haberse dado por cerrado tras completar su gran propósito inicial. Sin embargo, teniendo en cuenta el potencial histórico del caballero ladrón, queda pensar que hay Lupin para rato.

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Como un inteligente rompecabezas cargado de interrogantes llega este viernes El Inocente, la nueva serie española de Netflix. La compañía de streaming, que no hace más que agrandar su lista de proyectos patrios, se atreve con el misterio con sello Oriol Paulo (Contratiempo) en su decimoquinto estreno español, un interesante thriller coral que no da tregua al espectador y que promete hacer las delicias de los aficionados a los puzzles... televisivos.

Esas son las sensaciones principales que deja el visionado de los tres primeros capítulos a los que hemos tenido acceso en Vertele. Tres de los ocho que componen la primera y única temporada de una miniserie que atrae por su físico –en este caso, por las caras y nombres que componen el elenco principal- pero que atrapa por su interior -una historia potente y bien ejecutada, como no siempre ocurre-.

Protagonizada por Mario Casas, Aura Garrido, José Coronado y Alexandra Jiménez, entre otros, El Inocente gira alrededor de Mat (Casas), un joven que se convirtió en homicida accidental nueve años atrás y que en la actualidad intenta empezar de cero con Olivia (Garrido). Sin embargo, una inexplicable llamada desde el móvil de su esposa mientras ella está de viaje le desconcierta al tiempo que empieza una carrera frenética por descubrir la verdad. Su inocencia será cuestionada de nuevo, esta vez por Lorena (Jiménez), una inspectora de policía que investiga un caso de suicidio.

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Con este punto de partida arranca una miniserie que huye de la narrativa lineal para presentar una historia en diferentes tiempos y con distintos puntos de vista. Al menos en su arranque, El Inocente plantea sus episodios como piezas desiguales de un mismo rompecabezas que, uniéndolas, van cobrando sentido. Un recurso que no es nuevo en la narrativa audiovisual, pero que en este caso marca la diferencia.

Un puzzle intrigante al más puro estilo Oriol Paulo

La nueva producción de Netflix es un puzzle intrigante al más puro estilo Oriol Paulo. Y es que aunque no se trata de una historia original, el relato de la novela de Harlan Coben le viene al cineasta como anillo al dedo y le permite desplegar todas las herramientas clásicas de su estilo cinematográfico en una serie que confunde e inquieta como lo hacen sus películas más distintivas.

No sorprende que la compañía haya puesto en manos del catalán este proyecto, visto el éxito internacional que tuvo hace unos años su cinta Durante la tormenta. Tampoco extraña que Paulo se haya rodeado de talento conocido para su nueva andadura en la ficción seriada, pues el resultado de sus uniones pasadas con Mario Casas, Aura Garrido, Ana Wagener y José Coronado ya recibió el beneplácito del público más fiel a su trabajo.

En El Inocente, el grupo de actores protagonista vuelve a demostrar su afinidad con el director, en manos del que rinden a buen nivel. En el caso de Mario Casas, que se enfrenta a su primer estreno tras llevarse el Goya, reafirma que se siente especialmente cómodo dando vida a personajes que no tienen el control de la situación. También destaca Alexandra Jiménez lejos de un rol cómico, así como el grueso de secundarios que no se llevan habitualmente los halagos, pero que completan el guiso hasta dejarlo en su punto.

'El Inocente' es un producto muy Netflix

Esta nueva ficción no es ni mucho menos un plato perfecto, pero sí encuentra la receta para hacerse apetecible tanto para las masas, como para los aficionados al suspense. Con sus cosas, El Inocente es un muy buen entretenimiento que engancha y que se antoja ideal para darse un atracón de fin de semana sin cuestionar en exceso aquello que chirría. En definitiva, es un producto muy Netflix.

Entre “sus cosas” están esos monólogos de los personajes que abren cada capítulo y que desconciertan casi tanto como los giros de guion que se suceden después. Un recurso que no termina de funcionar, pero que acabas “comprando” conforme te va atrapando la trama. Ese mérito hay que asignárselo al equipo de guionistas que forman el propio Paulo, Guillem Clua y Jordi Vallejo, que consiguen crear una atmósfera que atrapa mientras juegan a confundir constantemente al espectador con golpes de timón.

Además, a través del thriller sobre el que se vertebra la historia, la serie reflexiona sobre las segundas oportunidades y las mochilas del pasado, al tiempo que tira de la manta de la corrupción en el poder y de los clubs de alterne. Aunque en el arranque pasa de puntillas, siembra una semilla que promete germinar en el resto de la temporada.

En resumidas cuentas, El Inocente dedica su arranque más a plantear preguntas que a dar respuestas, algo totalmente lógico y que funciona a la perfección en los primeros episodios. Ahora bien, la serie deberá resolverlas en los capítulos restantes para hacer encajar todas las piezas y cerrar el relato de manera satisfactoria. 

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Broche de oro para Las chicas del cable. Después de tres años y cinco temporadas, la serie de Netflix escribe sus últimas páginas de guión convertida –como ya ocurriera con La casa de papel– en símbolo de lo mucho que ha cambiado la ficción nacional desde que irrumpieran con fuerza las plataformas de streaming. La serie de Bambú Producciones fue la primera ficción española desarrollada por el gigante de la distribución, y ese es un título que ya nadie podrá arrebatarle, tampoco ahora que toca analizar su recorrido para comprobar si se aprovechó semejante categoría para aportar algo diferente.

Tras huir al extranjero, Lidia Aguilar (Blanca Suárez), Marga (Nadia de Santiago), Óscar (Ana Polvorosa) y Carlota (Ana Fernández) se reencontraron en Madrid para buscar a Sofía Pérez (Denisse Peña). En plena Guerra Civil Española era de esperar que cualquier desgracia pudiera ocurrir, así que 'las chicas' no estuvieron libres de peligro y fueron castigadas por su atrevimiento. Pero si algo han demostrado a lo largo de estas cinco temporadas es que no están dispuestas a dejarse doblegar por nadie, de modo que la segunda parte de la quinta temporada promete una nueva insurrección que, a la vista de los acontecimientos, posiblemente acabe como el rosario de la Aurora.

Doña Carmen como signo de los tiempos

En los últimos cinco episodios, la serie de Netflix mantiene su tensión dramática y va allanando el terreno para lo que se vislumbra en el horizonte como un final épico. Habrá muertes y muchos lloros, han advertido ya las actrices protagonistas, que aún así valoran esta despedida como “justa y necesaria para los personajes”.

En su recta final, la serie que crearon Ramón Campos y Gema R. Neira se mantiene fiel a su esencia y al mensaje de que la unión hace la fuerza, una idea que ha estado presente –al menos de manera omnisciente– desde que se estrenó el primer capítulo en abril de 2017. Juntas se empoderaron y juntas van a plantar cara a quien tanto daño les ha hecho: doña Carmen. El personaje al que interpreta Concha Velasco adquiere un especial protagonismo en la historia dirigiendo el centro de reeducación de mujeres de Aranjuez. La archienemiga de Lidia castigará su insubordinación haciendo daño a las protagonistas aprovechando el poder de que dispone llevándolas a su terreno. Una oportunidad que la serie aprovechará para hacer una panorámica superficial de la situación de las mujeres y la maternidad en tiempos de guerra.

“Las chicas del cable habla de cómo las mujeres quieren ser libres a través de ellas mismas. Es una serie feminista y femenina absolutamente”, explicaba recientemente Concha Velasco en una entrevista con Vertele. Lo cierto es que el serial de Netflix ha sido objeto de análisis en varias ocasiones por sus referencias históricas. Aunque su propósito no haya sido ahondar en los conflictos políticos y sociales de la España de 1920 y 1930, la serie no ha podido huir del contexto que, inevitablemente, rodea a todas y cada una de sus tramas. Pero tampoco es algo que se haya pretendido hacer, a la vista de que la guerra civil y la dictadura de Franco se han vuelto determinantes sobre el guión para el desarrollo del desenlace. “Mostramos realidades como las checas, las cárceles clandestinas y los campos de reeducación, pero todo con fantasía y ficcionado porque esto es Las chicas del cable, no un documental”, explicó Teresa Fernández Valdés, productora ejecutiva de la serie y cofundadora de Bambú Producciones, que recordó que “la serie no persigue objetivos políticos”.

Los frentes abiertos que complican el final

La historia que hace tres años comenzó como una telenovela romántica y lacrimógena ha ganado madurez en cada una de sus temporadas. “Ha habido una evolución en la que se nos toma más en serio por lo que queremos transmitir referente al papel de la mujer de la época, de su lucha, y el final va a dar justicia no sólo a los personajes sino a toda la serie para que no quede con ese ñoñerío o esa cosa banal del principio”, reconocía la actriz Ana Fernández en la presentación de la quinta temporada. En efecto, la evolución es evidente. Lo que ahora oprime a 'las chicas' no son los desamores, sino el sistema que ha visto en ellas la semilla de la libertad y no está dispuesto a dejar que crezca. Pero, si bien es cierto que el guión se ha ido enriqueciendo con matices, el final adolece de varios problemas.

La serie se despide con más adrenalina de la habitual. Hay tantos giros de guión que el espectador no va a tener tiempo de parpadear, pero esto que parece una virtud, y que sin duda lo es cuando se tiene como finalidad retener al público, puede ser también un problema si la duración de los capítulos ronda los 40 minutos, porque es tiempo insuficiente para que las tramas se conecten entre sí con naturalidad y sin resultar forzadas. Ahora que ya se había tejido perfectamente la relación entre los personajes se podría haber dejado espacio al reposo y el desarrollo que cualquier historia necesita para resultar verosímil. Pero no ha sido así; los capítulos siguen siendo píldoras explosivas que pasan del drama a la acción o a la felicidad en pocos segundos y sin previo aviso.

Potenciando sus virtudes e incurriendo en algunas faltas graves. Así se despide una de las series españolas de mayor éxito de los últimos años, una producción que ha sido traducida en 190 países y que ha dado una visibilidad tremenda a una cantera de jóvenes actores españoles que nacieron en los grandes éxitos de la ficción televisiva y que han tenido el privilegio de vivir una transición histórica para la ficción internacional, una transición en la que Las chicas del cable ha despuntado con éxito pese a la falta de ambición a la hora de ofrecer un contenido distinto al que estaba acostumbrada la audiencia.

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Jackie Quinones es agente del Servicio Nacional de Pesca Marina en Provincetown, una localidad costera de Estados Unidos. Su actitud chulesca va más allá del mar, llega hasta tierra y le acompaña en los pubs y discotecas en los que no duda en enseñar su placa dorada para ligar con otras mujeres. Una mañana de resaca en la que los intentos de Jackie tuvieron su recompensa, la joven sale a tomar el aire a la playa y descubre, envuelto en redes y algas, el cadáver de una mujer que tiene dos agujeros de bala en la cabeza. Se activa entonces la maquinaria de investigación para esclarecer quién o quiénes acabaron con la vida de esta chica que ha sido devuelta por el mar mientras todo el pueblo celebraba el carnaval.

El arranque de Hightown, la serie que Starz estrenó este domingo 17 de mayo y que protagoniza la actriz Monica Raymund, pone sobre la mesa suficientes ingredientes como para apuntalar el crimen. Hay sexo, drogas, prostitución, gente que no parece dispuesta a sonreír, y hay quienes no han sabido escapar de los peores vicios y necesitan ayuda para protegerse de un mundo que a la larga no trae más que calamidades. En realidad son ingredientes demasiado habituales para los thrillers policíacos, así que el planteamiento inicial de Hightown no aporta nada especial.

Pero la serie creada por Rebecca Perry Cutter (Gotham, El Mentalista) sí tiene algo que le dota de cierta originalidad. Nos ofrece toda esta aventura de tópicos bajo la mirada de una mujer lesbiana con problemas de drogadicción y una personalidad de acero que se ha ido forjando a base de golpes que le han convertido en una persona capaz de utilizar a los demás para conseguir sus objetivos. En Hightown, quien se asoma al abismo y demuestra tener agallas es una joven a la que le encantan “el sexo y las mujeres”. Y además, la actriz protagonista es de ascendencia latina, y aunque esto ya no es una novedad en un país en el que el 18% de la población, casi 59 millones de personas, son de origen Latinoamericano, sí da protagonismo a unos rasgos que no siempre son bien vistos, menos aún en el discurso político de nuestros días.

Otro aspecto que también da interés a la serie de Starz es el contexto que se dibuja como telón de fondo. La historia sucede en la actualidad y coincide con la crisis sanitaria de los opiáceos que ha provocado miles de muertos en Estados Unidos. Algunos de los personajes principales, entre ellos la protagonista, acuden a centros de desintoxicación en los que reciben la ayuda que necesitan para mantenerse sobrios, y esto, a fin de cuentas, se convierte en parte de la trama.

Jackie Quinones tiene que evitar a toda costa una recaída. La investigación que comanda el sargento Ray Abruzzo (James Badge) no está dando demasiados resultados, así que ella ha empezado a tirar del hilo ayudada por su amigo Junior (Shane Harper). Pero sabe que sólo si consigue estar despejada, si borra las ojeras de su rostro y el aliento a alcohol, será tomada en serio por las autoridades, algo que no le resultará fácil. Este es quizá otro de los puntos fuertes de Hightown, el prestar atención no sólo a los crímenes que lleva aparejado el narcotráfico, sino también a las consecuencias que los opiáceos están provocando entre muchos estadounidenses.

En cualquier caso, ese telón de fondo con temática social se aborda muy superficialmente. No hay una verdadera progresión hacia el drama, que está pero no se explica con detalle. Algunas situaciones resultan forzadas y otras del todo inverosímiles, pero tampoco es algo que sea determinante o pueda ser visto como un insulto al espectador, pues cada uno de sus capítulos, de casi una hora de duración, necesitan avanzar en su trama principal sin extenderse demasiado en ese complejo marco en el que está ambientada. Y avanzar es algo que hace con rapidez, no puede decirse de ella que sea una historia lenta.

A CSI Miami no es que se parezca demasiado ni en forma ni en fondo, pero Hightown comparte algo con ella. Ambas están producidas por Jerry Bruckheimer y ambas abusan de los clichés que suelen caracterizar el género del cine negro. Pero sí se aprecia en la serie de Starz un intento por tener su propia seña de identidad y por ofrecer un punto de vista diferente para que la clásica historia de policías que investigan los asesinatos del narcotráfico no resulte tediosa.

Sara Carbonero vive unos días complicados después de la controversia generada por sus declaraciones a un programa deportivo mexicano en el que reveló “secretos del vestuario” del Real Madrid. Compañeros de su pareja, Íker Casillas, en el equipo blanco, como Cristiano Ronaldo, y compañeros de profesión, han criticado duramente sus comentarios y han vuelto a colocar a la joven en el ojo del huracán.

Ante la incómoda situación, la presentadora de Deportes de Telecinco podría estar planteándose dejar su puesto de trabajo en Mediaset y alejarse temporalmente de los medios de comunicación, según informa Beatriz Cortázar en ABC.

Según el entorno de la joven profesional, que acaba de cumplir 29 años, estaría meditando si mantenerse en su puesto para escapar de la tormenta mediática que en los últimos meses, y especialmente en las últimas semanas.

Volvió a 'liarla' por sus comentarios sobre Mourinho en Televisa

Sus comentarios en el programa La Jugada de Televisa han sido los causantes de su situación:“El clima del vestuario no es bueno. Es 'vox populi' que los jugadores no comulgan para nada con su entrenador. Ahora mismo hay división en el vestuario y habrá que esperar a final de temporada para ver si Mourinho se va, porque ahora mismo tiene muchos frentes abiertos en el Madrid”, explicó la periodista.

Compañeros de profesión y Cristiano Ronaldo la criticaron: “No actuó bien”

Las declaraciones de Carbonero pronto encontraron réplica en programas de corte deportivo, como Futboleros o Punto Pelota, donde calificaron de “metedura de pata” que la periodista deportiva entrara a comentar los asuntos internos del club en el que milita su novio.

Más recientemente, el mismísimo Cristiano Ronaldo habló sobre Carbonero y dejó su opinión al respecto. El delantero del Real Madrid afirmó que aunque “cada uno se manifiesta como quiere y dice lo que piensa” considera que “no hizo bien ya que las cosas del vestuario se deben quedar en el vestuario”, tal y como recogió Vertele.

Todo esto ha revivado las críticas a Sara Carbonero y viejas polémicas del pasado: desde su comentada labor en la pasada Eurocopa emitida en Mediaset; o las declaraciones de Fernando García Urbaneja, presidente de la Asociación de la Prensa, en las que acusaba a la periodista de situarse al lado de la portería de su pareja Íker Casillas, sin enterarse de su puesto según el reglamento. Quizás, razones suficientemente para que la periodista de Telecinco medite realizar un paréntesis en su carrera profesional.

Carbonero, multada por exceso de velocidad

Esta no ha sido la única noticia que ha contado con la presentadora como protagonista. Carbonero ha sido multada por una infracción de tráfico, según informa Diario Vasco. La presentadora fue “pillada” por el radar cuando circulaba a mayor velocidad de la permitida.

La joven trató de justificarse con el agente de la Guardia Civil explicándole que había acelerado por culpa de unos paparazzi, pero eso no evitó que se recibiera la multa.+

Carbonero y Andrés Velencoso, los preferidos de los españoles para una infidelidad

Finalmente, la periodista deportiva ha sido elegida como la mujer preferida o soñada por los españoles para tener una aventura, según recoge ABC. De la encuesta, realizada por el portal canadiense Ashley Madison.com, también salió Andrés Velencoso como el hombre favorito por las mujeres para ser infiel.

LOS CRÍTICOS HABLAN HOY DE...

LOS COMENTARISTAS DEPORTIVOS DE TV, CRITICADOS AHORA Y SIEMPRE

“El odio al comentarista deportivo es tan viejo como la televisión (...) Y toda la vida se ha escrito sobre los locutores. Pero llegó Twitter y se desparramaron los comentarios (...) Sobre todo cuando se hincan con alguien, caso de Carbonero, que ya estaba curada de espanto cuando preguntó a Iniesta si le habría gustado lanzar un penalti (...) A Gregorio Parra (atletismo) o a Pedro González (ciclismo) también se les ponía verdes. Y a Juan José Castillo (tenis)... Al gran Andrés Gimeno se le podía escuchar ”este es un punto importante“ (en un ‘match ball’). Los comentarios deportivos son un tradicional vivero de gazapos, pifias y comentarios que no gustan. Paloma del Río, una de las tres comentaristas de la ceremonia de inauguración, es adorada por muchos, pero otros no pueden soportar que de pronto diga ”Esta música es espantosa“. O que utilice expresiones como ”Lo ha petado“.”

ROSA BELMONTE (ABC.ES) - Crítica completa

“...La grandilocuencia cuasi-imperial de los comentaristas de la televisión pública. Utilizan el calificativo de ”histórico“ con tal facilidad que lo devalúan: un partido de tenis histórico, una final de natación histórica, un encuentro de voley playa también histórico, y todo en una tarde. ¿De verdad creen que todo eso es digno de figurar en la Historia? En fin, al parecer lo único que no es histórico son las audiencias que consiguen La 1 y Teledeporte que sin ser malas, no rompen ningún esquema (el mejor dato lo aportó el partido de baloncesto, afortunadamente no fue histórico, entre España y Australia, con un 19,5% de audiencia matinal).”

BLOG HARGUINDEY (ELPAIS.COM) - Crítica completa

LAS TV AUTONÓMICAS, 'CARÍSIMO ESCAPARATE DEL GOBERNANTE LOCAL'

“Las teles autonómicas, nacidas con el sagrado argumento de preservar la lengua autóctona, han devenido en un carísimo escaparate del gobernante local. Si eran curiosos los equilibrios que tenía que hacer Canal 9 para disfrazar la realidad de Camps no son menores lo que ha hecho estos días TV-3 con Oriol Pujol y su partido. La táctica es la misma. Difundir las palabras de inocencia de un político, aunque la audiencia no lo entienda pues no explicaron la acusación (”colaborador necesario“ e ”impulsor“ de una trama de concesiones de ITV, según Hacienda). A TV-3 y a Pujol se les acumuló el trabajo, pues también negó que su partido se lucrara en el desfalco del Palau de la Música. ”Mai, mai“, nunca, nunca, dijo indignado cual personaje de Sálvame Deluxe.”

JAVIER MARTÍN (ELPAIS) - Crítica completa

LOS SERIEADICTOS Y SUS 'ATRACONES' DE FICCIÓN

“¿Despierto hasta altas horas de la madrugada mientras engulles capítulo tras capítulo? ¿Fines de semana viendo televisión sin parar? Si te gustan las series, es probable que ya te hayas dado algún atracón de series. Los seriadictos no tienen suficiente con una ración semanal. Los DVD o la posibilidad de grabar y acumular capítulos facilita ver del tirón una temporada completa o incluso la serie completa. Varios blogueros y tuiteros cuentan sus experiencias como 'maratonianos' seriéfilos. ¿Y tú, te has dado algún atracón de series? ¿Con cuáles? ¿Repetirás la experiencia?”

NATALIA MARCOS, BLOG 'QUINTA TEMPORADA' (ELPAIS.COM) - Crítica completa

LA TERREMOTO DE ALCORCÓN, ACTRIZ EN ANTENA 3 Y CHICA ALMODÓVAR

“Es ingeniosa, inteligente, rápida, honesta y, lo que muchos no saben, es una mujer. Me refiero a Pepa Charro, o a su alter ego, la Terremoto de Alcorcón (...) La Pepa, como todos la conocemos, está echando a volar y va a salir por la puerta grande. Por el momento, es una de las protagonistas de Fenómenos, la serie que Antena 3 ha encargado a Nacho García Velilla (Aída, Los quien…) donde interpreta a una lesbiana sindicalista que le arrancará la cabeza a todo aquel que se le ponga por delante. Por si esto fuese poco en los tiempos que corren, Charro es una de las actrices con las que Pedro Almodóvar ha contado para su próxima película: Los amantes pasajeros.”

BLOG 'ROSY RUNRÚN' (20MINUTOS.ES) - Crítica completa

¿CUTREZ O ENCANTO? EN SERIES COMO 'SINBAD', 'XENA' O 'HÉRCULES'

“Yo no soy fan, ni mucho menos. A mí me hablas de 'Xena' o de 'Hércules' (o de 'El Joven Hércules' también conocida como 'Hasta Ryan Gosling Tiene Un Pasado') y lo que me viene a la mente no es encanto, sino cutrez, no son recuerdos agradables sino pesadillas y dolor de ojos. Sé que eran series tan locas y básicas que debían ser disfrutadas sin complejos ni análisis, pero yo nunca lo conseguí. (...) Si veo 'Sinbad' es para partirme con su ambientación demencial, su reparto loquísimo y sus bichos. Orla Brady y Naveen Andrews, a cual más (y peor) maquillado en la misma escena. Y luego, un poco más tarde, un pavipollo gigante despeluchado, animatrónico y/o virtual, qué más da.”

ALBERTO REY, BLOG 'ASESINO EN SERIE' (ELMUNDO.ES) - Crítica completa

La polémica retransmisión en diferido de los Juegos Olímpicos en NBC no deja de acumular críticas. Eso sí, mientras las redes sociales, periodistas y críticos claman contra la cadena, ésta sigue batiendo récords de audiencia.

La Ceremonia Inaugural del pasado viernes 27, grabada, abreviada y editada, reunió a 40.65 millones de espectadores, la más vista de unos Juegos Olímpicos no celebrados en Estados Unidos. Además, que la cadena retransmita en abierto las pruebas horas después de que tengan lugar no ha impedido que en estos tres días, NBC haya marcado record histórico de audiencia con una media de 35.8 millones.

Twitter cierra la cuenta de un periodista británico tras su ataque a NBC

Guy Adams, corresponsal en Los Ángeles del diario de Londres The Independent, ha visto como Twitter cerraba su cuenta tras considerar que èste había “violado las reglas de la red social al publicar información privada de otros usuarios”.

Adams, muy crítico con la retransmisión en diferido para que los JJOO coincidiesen con el prime time americano, envió un tuit en el que desvelaba el mail del responsable de NBC: “El hombre que ha hecho que los Juegos Olímpicos no hayan empezado todavía es Gary Zenkel. Decidle lo que pensáis! Email: Gary.zenkel@nbcuni.com”

#NBCFail para los tuiteros que critican la retransmisión del canal

A pesar de los éxitos que el combinado de atletas estadounidenses está cosechando en Londres 2012, NBC sigue firme en su decisión de emitir en diferido aquellas pruebas que emite en abierto.

Sólo los clientes suscriptores de cable o satélite tienen acceso a la transmisión en directo de cada evento olímpico, un movimiento que ha conducido a una explosión de ira en Twitter bajo el hashtag #NBCfail. Otras quejas en Internet afirman que la transmisión de la NBC no funcionaba bien y que había exceso de publicidad.

Las “reinas” de las críticas en Twitter no salen de Telecinco. Si el lunes recogíamos la batería de comentarios que los usuarios de la red social dedicaban a Sara Carbonero para meterse con sus respuestas cortas y el contraataque de la periodista en las páginas de Marca, en las últimas horas ha sido Pilar Rubio la que se ha convertido en la diana y nueva víctima de los twitteros.

Después del estreno este lunes de su talent con José Corbacho, Todo el mundo es bueno, que arrancó con 11% de share (superado por la mínima por el final de Hispania en una repartida noche de audiencias), la presentadora y actriz se convirtió en uno de los asuntos más comentados en la red social, por lo general para criticar su trayectoria.

“Poner a Pilar Rubio de presidenta del gobierno y que cancelen la deuda”

Aunque muchas de esas críticas eran totalmente injustificadas y afectaban a la vida personal de Rubio, hubo otros que optaron por una línea crítica más humorística, como los que la comparaban con el entrenador de fútbol Lotina o los que decían que si la ponían al frente del Gobierno, seguro que la prima de riesgo bajaría.

Risto la defiende: “Tenéis razón, con otra presentadora el programa habría hecho 30%”

Pero como siempre en una red social tan amplia como Twitter, no todas las críticas eran de corte marcadamente negativo. Risto Mejide, como ya hizo con Sara Carbonero, al igual que otros muchos televisivos, salió en defensa de sus compañeros de cadena e incluso creó un hastag para defender a Rubio, al que se sumaron muchos ánimos y buenas críticas de otros twitteros.

Por el momento, ambos protagonistas (Corbacho y Pilar Rubio) han guardado silencio a través de su Twitter. Rubio no ha vuelto a escribir desde que el programa se emitió y Corbacho sí ha comentado asuntos, pero sin hablar del programa o de las críticas a su compañera.

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Ashton Kutcher presentó hace unos días un anuncio para la marca de patatas Pop Chips en el que encarnaba a distintos tipos de hombres que buscan pareja a través de una web de citas. El spot, que pretendía ser humorístico, despertó numerosas protestas y críticas y finalmente ha sido retirado de Facebook y de la plataforma de vídeos Youtube por su carácter racista.

En el spot aparecen cinco tipos de hombres: Raj, de 39 años, un productor de Bollywood; Nigel, de 24, es un rastafari sentimental; Darl, sin edad definida, un Karl Lagerfeld reinventado; Swordfish, de 29, un motero sureño lleno de tatuajes; y Ashton, de 34, un tímido e inseguro, pero guapísimo actor.

Mercedes Milá aprovechó la presentación del libro ‘Estereotipas’, de la columnista de El País Luz Sánchez-Mellado, para defender a su compañera Ana Pastor, también presente en el acto, asegurándola que “Hay que ayudarte por si la Cospedal acaba contigo en TVE”.

La conductora del reality estrella de Telecinco y la presentadora de Los desayunos de TVE, también líder en su franja matinal, crearon un ambiente distendido en la presentación de la obra literaria, bromeando incluso sobre la mala imagen de la cadena de Mediaset o la situación de RTVE tras la marcha de Alberto Oliart, como recoge Periodista Digital.

Tras el apoyo “inesperado” de Milá a Pastor, y entre las risas de los asistentes, Pastor sólo pudo bromear diciendo que “Yo que venía tranquila a hablar del libro...”.

“Critico que no se nombre al director de RTVE como se nombraba. Era más democrático”

Aunque Ana Pastor decidió no comentar nada sobre la actualidad de RTVE, Mercedes Milá sí quiso valorar los anunciados cambios en el ente público tras el decreto ley del Gobierno de Rajoy para modificar su funcionamiento.

Sobre la nueva forma de elegir al presidente de la corporación sin necesidad de consenso, la presentadora de GH comentó que “Me parece mal porque se consiguió algo muy importante y no se puede tirar abajo porque tengas mayoría absoluta”.

“Por lo tanto, critico y creo que deberían pensar mucho lo que hacen antes de tomar la decisión de que el director general de RTVE no se nombre como se nombraba, que era la razón por la que todo el mundo estaba contento, porque era mucho más democrático”, añadió.

“Luis Blasco me parece un gran personaje para ser directivo de televisión”

La presentadora prosiguió con su argumentación: “Si ahora pasa a nombrarse como el PP pretende que se nombre, aunque el tío que nombren sea estupendo...”, e incluso opinó sobre los rumores: “Han dado el nombre de Luis Blasco, que es un hombre que conozco muchísimo y que me parece un gran personaje para ser directivo de televisión, pero lo que me preocupa es lo que significa de control de la televisión pública, cuando se había conseguido que eso desapareciera”.

“Ana Pastor trabaja allí y no tiene la libertad que tengo yo”

“Pastor trabaja allí y no puede tener la libertad que tengo yo al estar en una televisión privada. Me entristece porque tengo muchos amigos. Fran Llorente y su equipo han hecho un trabajo histórico y a mí me da mucha pena que lo estén pasando tan mal”, concluyó.

Sobre la competencia con Antena 3: “las palabras se las lleva el viento y el share es el share”

Además del libro, Milá también valoró la marcha de Gran Hermano: “ha costado tres semanas creo, pero hemos conseguido vencer a El Número 1”. “Tener que luchar contra Miguel Bosé es como el mundo al revés. Lo pasé fatal, casi no dormía, ni comía, pero ya por fin tuve que romper con todos los tabús y decir: lo siento, pero me voy a por ti”.

Cuestionada sobre la publicidad de Antena 3 sobre sus productos “blanco”, la presentadora de Gran Hermano confesó que “a mí me parecen tonterías, que hagan lo que quieran. Mantengo lo que dije. Las palabras se las lleva el viento, y el share es el share, y aquí estoy”.

La actriz de Los Protegidos Ana Fernández, 'Chispitas' en la popular serie de Antena 3 que ayer arrancó su tercera y última temporada, ha vuelto a criticar tanto a su cadena como a las apuestas de la competencia a través de su Twitter oficial (@carlotagarcia89).

Tras haber ido comentando el capítulo de ayer mientras se emitía junto a sus seguidores, como hacen otros muchos televisivos cuando se ofrecen sus programas, la actriz ha querido valorar los datos de audiencia conocidos esta mañana, que sitúan a Los Protegidos tras el fútbol en Cuatro, y por debajo de Gran HermanoLos ProtegidosGran Hermano en horario de coincidencia.

“Maldito fútbol, malditos programas para reírse de la gente”

El estreno de temporada de Los Protegidos, que mejoró notablemente la noche de los jueves de Antena 3, obtuvo un 14% de share y 2.616.000 espectadores, por el 21.7% y 4.359.000 seguidores del partido de Europa League con el que coincidió la primera media hora, y el 17.3% y 2.526.000 espectadores de Gran Hermano, que duró de 22:00 a 1:45 horas.

“Flipando con los datos, maldito fútbol, malditos programas para reírse de la gente..... Gracias a todos los que estuvisteis ayer apoyándonos”, comentó Fernández.

Incluso, se refirió en otro mensaje posterior a Gran Hermano, sin mencionarlo explícitamente, al que define como: “¡Toma, ganamos ayer al programa de conejillos de indias (no digo nombre) en espectadores que eso es lo que importa! No confundamos con share”.

Sin embargo, lo que desconoce la joven actriz es que, pese a que al dato de televidentes global, Gran Hermano superó ayer con claridad a Los Protegidos en su estricta franja de coincidencia.

A Antena 3: “Con lo bien que estábamos los domingos y los martes. En fin...”

Además, Ana Fernández ha vuelto a criticar a “su” cadena, Antena 3, por el cambio de día y hora de la serie: “El peor día de la semana, y ahí hemos estado, con lo bien que estábamos los domingos y los martes. En fin....”.

“Que se lo lleve el fútbol vale, hay mucho chancleto, ¿pero GH? ¿Así somos? Asustada”

En conversación con uno de sus seguidores, la actriz dejó claro que no le había gustado nada que tanto el fútbol como Gran Hermano tuvieran más seguimiento que el estreno de la tercera temporada de la serie.

La actriz parece que ve como algo normal que gane el fútbol “porque hay mucho chancleto”, pero está “asustada” de que les superara Gran Hermano, planteándose incluso si “¿Así somos?” los españoles. Cuando el seguidor le ha señalado que en espectadores sí ganaban, ha contestado: “Toma, que se ...piiiii”, simulando el típico pitido televisivo para tapar “tacos”.

Ya tuvo que recular una vez tras criticar a Antena 3 por no emitir la serie

Este no es el primer episodio de crítica a Antena 3 que protagoniza Ana Fernández. Como contamos en su momento, la actriz utilizó la red social para “exigir” a la cadena la emisión de su serie lo antes posible, e incluso la acusó de “destruirla”: “Parece que Antena 3 se quiere cargar la serie, van a hacer que los espectadores os canséis”, dijo entonces.

Tras sus alegatos, la actriz no dudó en dirigirse directamente al twitter oficial de Antena 3 (@antena3com) para pedir que “sean valientes y digan las cosas”.

Más tarde reculó para minimizar el daño: “Antena 3 sabe lo que hace y confío en ella”

Después del “calentón”, Ana Fernández pareció reflexionar y matizó lo publicado. Una vez que ya había mostrado su descontento con la cadena, echó marcha atrás en sus duras declaraciones afirmando que “Antena 3 sabe lo que hace y confío en ella”. Sorprendida por el revuelo entre sus seguidores, se defendió diciendo que ella “en Twitter opina como una más.”

En la actualidad graba la “Autoescuela de famosos” para laSexta en Cuenca

Actualmente, Ana Fernández se encuentra grabando junto a Falete, Soraya, Agustín Jiménez y Rafa Méndez Autoescuela de famosos, el nuevo programa de laSexta producido por La Competencia en el que este popular grupo de estudiantes se preparará para conseguir el carné de conducir en la Autoescuela San Cristóbal de Cuenca, según informó el canal privado en una nota sobre este proyecto que ya fue adelantado por Vertele.

Su retranca le hizo ganarse críticas y la petición animada por Rober Bodegas de que le dejaran en el foso

Muchos concursantes pasan por Ahora Caigo y casi todos ellos terminan cayendo al foso del programa. Pero no todos han logrado ser trending topic en Twitter. Gabriel lo logró ayer, aunque no fuera desde un punto de vista positivo ni lograra llevarse algún premio.

El concursante llamó desde el primer momento la atención de los seguidores del programa por sus continuas bromas y réplicas, lo que pareció no sentar muy bien a los usuarios de Twitter, que le criticaron desde un principio, incluso la actriz Úrsula Corberó (@Ursulolita).

A tal punto llegaron las gracias sobre el personaje que el cómico y ex de Sé lo que hicisteis Rober Bodegas animó a sus seguidores a seguir un hastag en el que animaba a los jefes del concurso a no sacar a Gabriel del “foso”: “#nodejeissaliragabriel”.